Hodnotenie najdrahších diel žijúcich umelcov je konštrukcia, ktorá o úlohe a mieste umelca v dejinách umenia hovorí oveľa menej ako o veku a zdraví.

Pravidlá zostavovania nášho hodnotenia sú jednoduché: po prvé, do úvahy sa berú len transakcie s dielami žijúcich autorov; po druhé, berú sa do úvahy iba verejné aukcie; a po tretie, dodržiava sa pravidlo „jeden umelec – jedno dielo“ (ak Jonesovi patria dva rekordy v hodnotení diel, zostáva len ten najdrahší a ostatné sa neberú do úvahy). Hodnotenie sa vykonáva v dolároch (podľa výmenného kurzu v deň predaja).

1. JEFF KOONS Králik. 1986. 91,075 milióna dolárov

Čím dlhšie sledujete aukčnú kariéru Jeffa Koonsa (1955), tým viac nadobudnete presvedčenie, že pre pop art nie je nič nemožné. Sochy Koonsa môžete obdivovať v podobe balónových hračiek, alebo ich môžete považovať za gýč a nevkus – vaše právo. Jedno sa nedá uprieť: inštalácie Jeffa Koonsa stoja šialené peniaze.

Jeff Koons začal svoju cestu k sláve ako najúspešnejší žijúci umelec na svete už v roku 2007, keď bola jeho obrovská kovová inštalácia Hanging Heart kúpená za 23,6 milióna dolárov v Sotheby's. Dielo kúpila Larry Gagosian Gallery zastupujúca Koonsa (v tlači napísal, že bolo to v záujme ukrajinského miliardára Viktora Pinchuka).Galéria nezískala len inštaláciu, ale v podstate dielo šperkárskeho umenia, aj keď dielo nie je zo zlata (ako materiál slúžila nehrdzavejúca oceľ) a je rozmerovo jednoznačne väčší ako obyčajný prívesok (socha s výškou 2,7 m váži 1 600 kg), no účel má podobný.. Na výrobe kompozície so srdcom pokrytým desať vrstiev farby.V dôsledku toho sa za veľkolepú „dekoráciu“ zaplatili obrovské peniaze.

Ďalším bol predaj Purple Balloon Flower za 12,92 milióna libier (25,8 milióna dolárov) v Christie's London 30. júna 2008. Zaujímavosťou je, že sedem rokov predtým kúpili predchádzajúci majitelia „Kvetu“ dielo za 1,1 milióna dolárov.Je ľahké spočítať, že za tento čas sa jeho trhová cena zvýšila takmer 25-krát.

Pokles na trhu s umením v rokoch 2008-2009 dal skeptikom dôvod na ohováranie, že móda pre Koons pominula. Ale mýlili sa: spolu s trhom s umením sa oživil záujem o diela Koonsa. Nástupca na trón kráľa popu Andyho Warhola dosiahol svoje osobné maximum v novembri 2012 predajom viacfarebnej sochy Tulipány zo série Triumph v Christie's za 33,7 milióna dolárov vrátane provízie.

Ale "tulipány" boli "kvety" v doslovnom a prenesenom zmysle. Len o rok neskôr, v novembri 2013, nasledoval predaj nerezovej plastiky balónového psa (oranžová): cena kladiva bola až 58,4 milióna dolárov! Rozprávková suma na žijúceho umelca. Dielo súčasného autora sa predávalo za cenu Van Goghovho či Picassa obrazu. To boli jahody...

Koons týmto výsledkom kraľoval na vrchole rebríčka žijúcich umelcov niekoľko rokov. V novembri 2018 ho nakrátko prekonal David Hockney (pozri druhé miesto v našom rebríčku). Ale len o šesť mesiacov neskôr sa všetko vrátilo do normálu: 15. mája 2019 v New Yorku na aukcii povojnového a súčasného umenia Christie's ponúkla na predaj učebnicovú sochu pre Koonsa v roku 1986 - strieborného „králika“ vyrobené z nehrdzavejúcej ocele, imitujúce balón podobného tvaru.

Celkovo Koons vytvoril 3 takéto sochy plus jednu autorskú kópiu. V aukcii bol exemplár „Králika“ číslo 2 – zo zbierky kultového vydavateľstva Cy Newhouse, spolumajiteľa vydavateľstva Conde Nast (časopisy Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ atď.). Strieborný „Králik“ kúpil „otec pôvabu“ Cy Newhouse v roku 1992 za pôsobivú sumu podľa štandardov tých rokov - 1 milión dolárov. Po 27 rokoch v boji 10 záujemcov bola cena kladiva sochy 80-krát vyššia ako predchádzajúca predajná cena. A s províziou Buyer's Premium bol konečný výsledok rekordných 91,075 milióna dolárov pre všetkých žijúcich umelcov.

2. DAVID HOKNEY Portrét umelca. Bazén s dvoma figúrkami. 1972. 90 312 500 dolárov

David Hockney (1937) je jedným z najvýznamnejších britských umelcov 20. storočia. V roku 2011 bol David Hockney zvolený za najvplyvnejšieho britského umelca všetkých čias v prieskume medzi tisíckami profesionálnych britských maliarov a sochárov. Hockney zároveň obišiel takých majstrov ako William Turner a Francis Bacon. Jeho tvorba sa spravidla pripisuje pop-artu, aj keď vo svojich raných dielach viac inklinoval k expresionizmu v duchu Francisa Bacona.

Narodil sa a vyrastal David Hockney v Anglicku, Yorkshire. Matka budúceho umelca udržiavala rodinu v puritánskej prísnosti a jeho otec, jednoduchý účtovník, ktorý kreslil trochu na amatérskej úrovni, povzbudzoval svojho syna, aby maľoval. Vo svojich dvadsiatich rokoch sa David presťahoval do Kalifornie, kde žil celkovo asi tri desaťročia. Stále tam má dve dielne. Hockney urobil z hrdinov svojich diel miestnych boháčov, ich vily, bazény, trávniky zaliate kalifornským slnkom. Jedno z jeho najznámejších diel amerického obdobia - obraz "Splash" - je obrazom zhluku spreja stúpajúceho z bazéna po tom, čo človek skočil do vody. Na znázornenie tohto zväzku, ktorý „nežije“ viac ako dve sekundy, pracoval Hockney dva týždne. Mimochodom, tento obraz sa v roku 2006 predal v Sotheby’s za 5,4 milióna dolárov a nejaký čas bol považovaný za jeho najdrahšie dielo.

Hockney (1937) má už po osemdesiatke, no stále pracuje a dokonca vymýšľa nové výtvarné techniky s využitím technických noviniek. Raz prišiel s nápadom robiť obrovské koláže z polaroidových obrázkov, svoje diela vytlačil na faxoch a dnes umelec nadšene ovláda kreslenie na iPade. Obrazy nakreslené na tablete zaujímajú na jeho výstavách svoje miesto.

V roku 2005 sa Hockney konečne vrátil zo štátov do Anglicka. Teraz maľuje pod holým nebom av ateliéri obrovské (často pozostávajúce z niekoľkých častí) krajiny miestnych lesov a pustatín. Podľa Hockneyho si za 30 rokov v Kalifornii tak nezvykol na jednoduchú zmenu ročných období, že ho to skutočne fascinuje a fascinuje. Celé cykly jeho posledných prác sú venované napríklad tej istej krajine v rôznych obdobiach roka.

V roku 2018 Hockneyho obrazy niekoľkokrát prekonali hranicu 10 miliónov dolárov. A 15. novembra 2018 bol v Christie's zaregistrovaný nový absolútny rekord za prácu žijúceho umelca – 90 312 500 dolárov za obraz „Portrét umelca (Pool with Two Figures)“.

3. GERHARD RICHTER Abstraktná maľba. 1986. 46,3 milióna dolárov

Žijúca klasika Gerhard Richter (1932) je v našom rebríčku na druhom mieste. Nemecký umelec bol lídrom medzi žijúcimi kolegami, kým nezasiahol 58 miliónový rekord Jeffa Koonsa. Je však nepravdepodobné, že by táto okolnosť mohla otriasť Richterovou už aj tak železnou autoritou na trhu s umením. Podľa výsledkov z roku 2012 je ročný aukčný obrat nemeckého umelca na druhom mieste po aukciách Andyho Warhola a Pabla Picassa.

Dlhé roky nič nenaznačovalo úspech, ktorý na Richtera dopadol teraz. Umelec zastával desaťročia na trhu súčasného umenia skromné ​​miesto a vôbec netúžil po sláve. Dá sa povedať, že sláva ho dobehla sama. Za východiskový bod mnohí považujú kúpu Richterovej série z 18. októbra 1977 v roku 1995 newyorským múzeom MoMA. Americké múzeum zaplatilo 3 milióny dolárov za 15 malieb v odtieňoch šedej a čoskoro začalo uvažovať o usporiadaní plnohodnotnej retrospektívy nemeckého umelca. Grandióznu výstavu otvorili o šesť rokov neskôr, v roku 2001, a odvtedy záujem o Richterovu tvorbu vzrástol míľovými krokmi. Od roku 2004 do roku 2008 sa cena jeho obrazov strojnásobila. V roku 2010 už Richterove diela priniesli 76,9 milióna dolárov, v roku 2011 podľa webu Artnet zarobili Richterove diela na aukcii celkovo 200 miliónov dolárov a v roku 2012 (podľa Artprice) - 262,7 milióna dolárov - viac ako dielo ktoréhokoľvek iného iný žijúci umelec.

Kým napríklad u Jaspera Johnsa drvivý úspech na aukciách sprevádza najmä rané diela, pre Richterove diela nie je takéto ostré delenie typické: rovnako stabilný je dopyt po veciach z rôznych tvorivých období, ktorých bolo v Richterovej tvorbe veľmi veľa. kariéra. Za posledných šesťdesiat rokov sa tento umelec vyskúšal takmer vo všetkých tradičných maliarskych žánroch - portrét, krajina, marina, akt, zátišie a, samozrejme, abstrakcia.

História Richterových aukčných rekordov sa začala sériou zátiší „Sviečky“. 27 fotorealistických obrázkov sviečok na začiatku 80. rokov, v čase, keď boli napísané, stálo len 15 000 nemeckých mariek (5 800 dolárov) za dielo. Ale stále nikto nekúpil Candles na ich prvej výstave v galérii Maxa Hetzlera v Stuttgarte. Potom sa téma obrazov nazývala staromódna; Dnes sú „Sviečky“ považované za diela všetkých čias. A stoja milióny dolárov.

Vo februári 2008 "Sviečka", napísaný v roku 1983, bol nečakane kúpený za £ 7,97 milióna (16 miliónov dolárov). Tento osobný rekord trval tri a pol roka. Potom v októbri 2011ďalší "Sviečka" (1982)šiel pod kladivo v Christie's už za £ 10,46 milióna (16,48 milióna dolárov). S touto nahrávkou sa Gerhard Richter po prvý raz zaradil do prvej trojky najúspešnejších žijúcich umelcov a zaujal svoje miesto za Jasperom Johnsom a Jeffom Koonsom.

Potom sa začal víťazný sprievod Richterových „Abstraktných obrazov“. Umelec maľuje podobné diela unikátnou autorskou technikou: zmes jednoduchých farieb nanáša na svetlý podklad a potom ich dlhou škrabkou vo veľkosti nárazníka auta rozmazáva na plátno. Výsledkom sú zložité farebné prechody, škvrny a pruhy. Skúmanie povrchu jeho „Abstraktných obrazov“ je ako vykopávky: cez medzery početných farebných vrstiev na nich hľadia stopy rôznych „postavičiek“.

9. novembra 2011 na aukcii moderného a povojnového umenia Sotheby's vo veľkom "Abstraktná maľba (849-3)" 1997 šiel pod kladivo za 20,8 milióna dolárov (13,2 milióna £). A o šesť mesiacov neskôr, 8. máj 2012 na aukcii povojnového a súčasného umenia Christie's v New Yorku "Abstraktná maľba (798-3)" Rok 1993 bol rekordný 21,8 milióna dolárov(vrátane provízie). O päť mesiacov neskôr - opäť rekord: "Abstraktná maľba (809-4)" zo zbierky rockového hudobníka Erica Claptona 12. októbra 2012 v Sotheby's v Londýne šiel pod kladivo za £ 21,3 milióna (34,2 milióna dolárov). Bariéru 30 miliónov zobral Richter s takou ľahkosťou, akoby nešlo o modernú maľbu, ale o majstrovské diela staré už sto rokov – nie menej. Aj keď v prípade Richtera sa zdá, že zaradenie do panteónu „veľkých“ prebehlo už za života umelca. Nemecké ceny naďalej rastú.

Ďalší Richterov rekord patril fotorealistickému dielu – krajine "Katedrálne námestie, Miláno (Domplatz, Mailand)" 1968. Dielo bolo predané za 37,1 milióna na aukcii Sotheby's 14. mája 2013. Pohľad na najkrajšie námestie namaľoval nemecký umelec v roku 1968 na objednávku Siemens Electro, špeciálne pre milánsku kanceláriu spoločnosti. V čase jeho písania to bolo najväčšie Richterovo figurálne dielo (veľkosť takmer tri krát tri metre).

Rekord Katedrálneho námestia stál takmer dva roky, do r 10. február 2015 neprerušil ho "Abstraktná maľba" ( 1986): cena kladiva dosiahla £ 30,389 milióna (46,3 milióna dolárov). Abstraktný obraz s rozmermi 300,5 × 250,5 cm, vydražený v Sotheby’s, je jedným z prvých Richterových veľkorozmerných diel v jeho osobitej autorskej technike zoškrabovania vrstiev farby. Naposledy v roku 1999 bol tento „Abstraktný obraz“ kúpený v aukcii za 607-tisíc dolárov (od tohto roku až do súčasného predaja bolo dielo vystavené v Ludwigovom múzeu v Kolíne nad Rýnom). Na aukcii 10. februára 2015 dosiahol istý americký klient v aukčných krokoch 2 milióny libier príklepovú cenu 46,3 milióna dolárov, teda od roku 1999 dielo zdraželo viac ako 76-krát!

4. Tsui Zhuzhuo "Veľké zasnežené hory." 2013. 39,577 milióna dolárov

Dlho sme pozorne nesledovali vývoj situácie na čínskom trhu s umením, nechceli sme našich čitateľov zahltiť nadmerným množstvom informácií o „nie našom“ umení. S výnimkou disidenta Aj Wej-weja, nie takého drahého ako zvučného umelca, sa nám čínski autori zdali príliš početní a vzdialení od nás, aby sme sa ponorili do toho, čo sa tam deje na ich trhu. Ale štatistika, ako sa hovorí, je vážna dáma, a ak hovoríme o najúspešnejších žijúcich autoroch na svete, potom sa nezaobídeme bez príbehu o vynikajúcich predstaviteľoch súčasného umenia Ríše stredu.

Začnime s čínskym umelcom Cui Ruzhuo. Umelec sa narodil v roku 1944 v Pekingu a v rokoch 1981 až 1996 žil v USA. Po návrate do Číny začal učiť na Národnej akadémii umení. Cui Ruzhuo pretvára tradičný čínsky štýl maľby atramentom a vytvára obrovské zvitkové plátna, ktoré si čínski podnikatelia a úradníci radi navzájom darujú. Na Západe sa o ňom vie veľmi málo, aj keď si mnohí musia pamätať príbeh o zvitku za 3,7 milióna dolárov, ktorý omylom vyhodili upratovači v hongkonskom hoteli a pomýlili si ho s odpadom. Takže to bol zvitok Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo má 70 rokov a trh s jeho tvorbou prekvitá. Viac ako 60 diel tohto umelca prekročilo hranicu 1 milión dolárov, jeho diela však zatiaľ uspeli len na čínskych aukciách. Záznamy Cui Ruzhuo sú skutočne pôsobivé. Najprv to "Krajina v snehu" na Poly Auction v Hong Kongu 7. apríla 2014 dosiahol kladivovú cenu 184 miliónov HK$ ( 23,7 milióna USD).

Presne o rok neskôr 6. apríla 2015 na špeciálnej Poly Auction v Hong Kongu venovanej výhradne dielu Cui Ruzhuo, seriálu "Veľká zasnežená scenéria hornatého Jiangnanu"(Jiangnan je historický región v Číne, ktorý zaberá pravý breh dolného toku Yangtze.) z ôsmich krajiniek s atramentom na papieri dosiahol cenu 236 miliónov HK$ ( 30,444 milióna USD).

O rok neskôr sa história opäť zopakovala: na samostatnej aukcii Cui Ruzhuo, ktorú organizovala Poly Auctions v Hong Kongu 4. apríla 2016 polyptych v šiestich častiach "Veľké zasnežené hory" Kladivová cena v roku 2013 (vrátane provízie aukčného domu) dosiahla 306 miliónov HK$ (39,577 milióna USD). Zatiaľ ide o absolútny rekord medzi ázijskými žijúcimi umelcami.

Podľa obchodníka s umením Johnsona Chana, ktorý s čínskym súčasným umením pracuje už 30 rokov, existuje bezpodmienečná túžba zvýšiť ceny za diela tohto autora, ale to všetko sa deje na cenovej úrovni, ktorú skúsení zberatelia pravdepodobne nebudú chcieť. niečo kúpiť. „Číňania chcú zvýšiť hodnotenie svojich umelcov nafúknutím cien za ich prácu na veľkých medzinárodných aukciách, ako je tá, ktorú organizuje Poly v Hong Kongu, ale niet pochýb o tom, že tieto hodnotenia sú úplne vymyslené,“ komentuje Johnson Chang Cui Ruzhuo. najnovší záznam.

Toto je, samozrejme, len názor jedného predajcu a vo všetkých databázach máme zaznamenaný skutočný rekord. Zoberme ho teda do úvahy. Samotný Cui Ruzhuo, súdiac podľa svojich vyjadrení, má ďaleko od skromnosti Gerharda Richtera, pokiaľ ide o jeho aukčný úspech. Zdá sa, že tieto preteky o rekordy ho vážne uchvacujú. „Dúfam, že v najbližších 5-10 rokoch ceny za moje diela prevýšia ceny za diela západných majstrov ako Picasso a Van Gogh. Toto je čínsky sen,“ hovorí Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Vlajka. 1983. 36 miliónov dolárov

Tretie miesto v rebríčku žijúcich umelcov patrí Američanovi Jasperovi Johnsovi (1930). Aktuálna rekordná cena za Jonesovu prácu je $ 36 miliónov. Toľko zaplatil za svoju slávu "vlajka" na aukcii Christie's 12. novembra 2014.

Séria obrazov „vlajok“, ktorú Jones začal realizovať v polovici 50. rokov, bezprostredne po umelcovom návrate z armády, sa stala jednou z ústredných v jeho tvorbe. Už v mladosti sa umelec zaujímal o myšlienku readymade, premeny každodenného predmetu na umelecké dielo. Jonesove vlajky však neboli pravé, boli namaľované olejom na plátne. Umelecké dielo tak nadobudlo vlastnosti veci z bežného života, bolo zároveň obrazom vlajky a vlajky samotnej. Séria diel s vlajkami priniesla Jasperovi Johnsovi celosvetovú slávu. Nemenej populárne sú však jeho abstraktné diela. Na čele zoznamu najdrahších diel zostavených podľa vyššie uvedených pravidiel bol dlhé roky abstrakt "nesprávny štart". Až do roku 2007 bolo toto veľmi svetlé a dekoratívne plátno, ktoré Jones namaľoval v roku 1959, považované za majiteľa prakticky nedostupnej ceny pre žijúceho umelca (hoci celoživotnej klasiky) - $ 17 miliónov. Toľko za to zaplatili v zlate pre trh s umením 1988.

Zaujímavé je, že skúsenosť Jaspera Johnsa ako rekordéra nebola nepretržitá. V roku 1989 ho prerušila práca jeho kolegu Willema de Kooninga: dvojmetrovú abstrakciu „Mixing“ predali v Sotheby's za 20,7 milióna dolárov. Jasper Johns sa musel presťahovať. Ale po 8 rokoch, v roku 1997, de Kooning zomrel , a " Falošný štart "Jones opäť obsadil prvý riadok aukčného hodnotenia žijúcich umelcov na takmer 10 rokov.

V roku 2007 sa však všetko zmenilo. Rekord False Start bol prvýkrát zatienený tvorbou mladého a ambiciózneho Damiena Hirsta a Jeffa Koonsa. Potom došlo k rekordnému predaju obrazu "The Sleeping Benefit Inspector" od Lusien Freud (teraz zosnulej, a preto sa nezúčastňuje na tomto hodnotení) za 33,6 milióna dolárov. Potom začali záznamy Gerharda Richtera. Vo všeobecnosti je zatiaľ s aktuálnym rekordom 36 miliónov na treťom mieste Jasper Johns, jeden z majstrov amerického povojnového umenia, pôsobiaci na priesečníku neodadaizmu, abstraktného expresionizmu a pop-artu.

6. ED RUSHAY Smash. 1963. 30,4 milióna dolárov

Náhly úspech obrazu „Smash“ od amerického umelca Edward Ruscha (nar. 1937) na aukcii Christie's 12. novembra 2014 priviedol tohto autora do počtu najdrahších žijúcich umelcov. Predchádzajúca rekordná cena za dielo Eda Ruschu (meno Ruscha sa v ruštine často vyslovuje ako „Rusha“, ale správna výslovnosť je Ruscha) bola „len“ 6,98 milióna dolárov: toľko zaplatili za jeho plátno „Burning Gas Stanica“ v roku 2007. O sedem rokov neskôr jeho Smash s odhadom 15–20 miliónov dolárov dosiahol cenu kladiva 30,4 milióna dolárov. Je zrejmé, že trh s dielami tohto autora sa dostal na novú úroveň – nie nadarmo Barack Obama zdobí Biely dom svojimi dielami a vo svojich galériách ho vystavuje aj samotný Larry Gagosian.

Ed Ruscha nikdy neašpiroval na povojnový New York s jeho šialenstvom po abstraktnom expresionizme. Namiesto toho vyše 40 rokov hľadal inšpiráciu v Kalifornii, kam sa vo veku 18 rokov presťahoval z Nebrasky. Umelec stál pri zrode nového trendu v umení, nazývaného pop art. Edward Ruscha sa spolu s Warholom, Lichtensteinom, Waynom Thiebaudom a ďalšími spevákmi populárnej kultúry v roku 1962 zúčastnil výstavy New Image of Ordinary Things v múzeu Pasadena, ktorá sa stala prvou múzejnou výstavou amerického pop artu. Samotnému Edovi Ruschovi sa však nepáči, keď je jeho tvorba pripisovaná pop-artu, konceptualizmu, či inému smeru v umení.

Jeho jedinečný štýl sa nazýva „text painting“. Od konca 50. rokov začal Ed Ruscha maľovať slová. Tak ako sa pre Warhola stala plechovka polievky umeleckým dielom, pre Eda Ruscha obyčajné slová a frázy, prevzaté buď z billboardu alebo obalu v supermarkete, alebo z titulkov filmu (Hollywood bol vždy po Ruschovej strane a na rozdiel od mnohých svojich kolegov umelcov Rushey rešpektoval „továreň na sny“). Slová na jeho plátnach nadobúdajú vlastnosti trojrozmerných predmetov, sú to skutočné zátišia zo slov. Pri pohľade na jeho plátna nám ako prvé napadne vizuálne a zvukové vnímanie maľovaného slova a až potom sémantický význam. Ten sa spravidla nedá jednoznačne dešifrovať; slová a frázy, ktoré vybral Ruscha, možno interpretovať rôznymi spôsobmi. Rovnaké žiarivo žlté slovo „Smash“ na tmavomodrom pozadí môže byť vnímané ako agresívna výzva rozbiť niečo alebo niekoho na kúsky; ako osamelé prídavné meno vytrhnuté z kontextu (napríklad časť nejakého novinového titulku) alebo jednoducho ako jediné slovo zachytené v mestskom prúde vizuálnych obrazov. Ed Ruscha sa vyžíva v tejto neistote. "Vždy som mal hlboký rešpekt k zvláštnym, nevysvetliteľným veciam... Vysvetlenia v istom zmysle zabíjajú vec," povedal v rozhovore.

7. KRISTOFICKÁ VLNA Bez názvu (RIOT). 1990. 29,93 milióna dolárov

americký umelec Christopher Wool(1955) prvýkrát prerazil do rebríčka žijúcich umelcov v roku 2013 – po predaji diela „Apocalypse Now“ za 26,5 milióna dolárov.Tento rekord ho okamžite postavil na úroveň Jaspera Johnsa a Gerharda Richtera. Výška tejto historickej transakcie – viac ako 20 miliónov dolárov – mnohých prekvapila, keďže pred ňou ceny za diela umelca nepresiahli 8 miliónov dolárov. Rýchly rast trhu s dielami Christophera Woola bol však už v tom čase evidentný. : rekord umelca zahŕňal 48 aukčných transakcií v hodnote viac ako 1 milión dolárov a 22 z nich (takmer polovica) sa uskutočnilo v roku 2013. O dva roky neskôr počet diel Chrisa Woola, predaných za viac ako 1 milión dolárov, dosiahol 70 a nový osobný rekord na seba nenechal dlho čakať. Na aukcii Dielo Sotheby's z 12. mája 2015 „Bez názvu (RIOT)“ bol predaný za $ 29,93 milióna vrátane prémie kupujúceho.

Christopher Wool je známy najmä pre svoje veľké čierne písmo na bielych hliníkových plechoch. Sú to tí, ktorí spravidla vytvárajú rekordy na aukciách. To všetko sú veci z konca 80. a začiatku 90. rokov. Ako legenda hovorí, jedného večera sa Wool prechádzal večer po New Yorku a zrazu uvidel graffiti čiernymi písmenami na novom bielom kamióne – slová sex a luv. Tento pohľad na neho zapôsobil natoľko, že sa okamžite vrátil do štúdia a s rovnakými slovami napísal vlastnú verziu. Písal sa rok 1987 a umelcovo ďalšie hľadanie slov a slovných spojení pre svoje „doslovné“ diela odráža rozporuplný duch tejto doby. Toto je volanie „predaj dom, predaj auto, predaj deti“, ktoré prevzal Wool z filmu „Apocalypse Now“ a slovo „FOOL“ („blázen“) napísané veľkými písmenami a slovo „RIOT“ ("rebélia"), často nachádzaný v titulkoch vtedajších novín.

Slová a frázy Vlna aplikovaná na hliníkové plechy pomocou šablón s alkydovými alebo emailovými farbami, zámerne zanechávajúce šmuhy, šablóny a iné dôkazy o tvorivom procese. Umelec rozdelil slová tak, aby divák hneď nepochopil význam. Najprv vidíte len zhluk písmen, to znamená, že slovo vnímate ako vizuálny objekt a až potom čítate a dešifrujete význam frázy alebo slova. Vlna použila font, ktorý používala americká armáda po druhej svetovej vojne, čo umocňuje dojem rozkazu, smernice, sloganu. Tieto „písmenkové“ diela sú vnímané ako súčasť mestskej krajiny, ako nelegálne graffiti, ktoré narušili čistotu povrchu nejakého uličného objektu. Táto séria diel Christophera Woola je uznávaná ako jeden z vrcholov lingvistickej abstrakcie, a preto je vysoko cenená milovníkmi súčasného umenia.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 milióna dolárov

britský Peter Doig(1959), hoci patrí ku generácii postmodernistov Koonsa a Hirsta, zvolil si pre seba úplne tradičný žáner krajiny, ktorý dlho nepraje vyspelým umelcom. Peter Doig svojou tvorbou oživuje ubúdajúci záujem verejnosti o figuratívnu maľbu. Jeho prácu vysoko oceňujú kritici aj laici, čoho dôkazom je rýchly rast cien jeho diel. Ak na začiatku 90. rokov stáli jeho krajiny niekoľko tisíc dolárov, teraz ide účet do miliónov.

Doigova tvorba je často označovaná ako magický realizmus. Na základe reálnych krajín vytvára fantazijné, tajomné a často pochmúrne obrazy. Umelec rád zobrazuje objekty opustené ľuďmi: schátranú budovu postavenú Le Corbusierom uprostred lesa alebo prázdne biele kanoe na hladine lesného jazera. Okrem prírody a fantázie sa Doig inšpiruje hororovými filmami, starými pohľadnicami, fotografiami, amatérskymi videami a pod. Doigove obrazy sú farebné, zložité, dekoratívne a nie provokatívne. Je pekné vlastniť takýto obraz. Nízka produktivita autora podnecuje aj záujem zberateľov: umelec žijúci na Trinidade vytvorí ročne nie viac ako tucet obrazov.

Začiatkom roku 2000 sa jednotlivé krajiny umelca predávali za niekoľko stoviek tisíc dolárov. Zároveň bolo Doigovo dielo zaradené do galérie Saatchi, na bienále vo Whitney Museum a do zbierky MoMA. V roku 2006 bola prekonaná aukčná latka 1 milión dolárov A v nasledujúcom roku nastal nečakaný prelom: dielo „Biela kanoe“, ponúkané v Sotheby's 7. februára 2007 s odhadom 0,8 – 1,2 milióna dolárov, bolo päťkrát vyššie než bol predbežný odhad a predal sa za 5,7 milióna libier (11,3 milióna dolárov). V tom čase to bola rekordná cena za dielo žijúceho európskeho umelca.

V roku 2008 usporiadal Doig samostatné výstavy v Tate Gallery a Múzeu moderného umenia v Paríži. Viacmiliónové cenovky za Doigovu prácu sa stali normou. Osobný rekord Petra Doiga sa v poslednom čase aktualizuje niekoľkokrát do roka – na zmenu obrazu a miesta tohto umelca v našom rebríčku žijúcich autorov máme len čas.

Doteraz najdrahším dielom Petra Doiga je snehová krajina z Rosedale z roku 1991. Zaujímavé je, že rekord nevznikol v Sotheby's alebo Christie's, ale na aukcii súčasného umenia Phillips. Stalo sa tak 18. mája 2017. Pohľad na zasnežené Rosedale, jednu z torontských štvrtí, bol predaný kupcovi telefónu za 28,81 milióna dolárov, čo je asi o 3 milióny dolárov viac ako predchádzajúci rekord (25,9 milióna dolárov za film "Swallowed in the Mire"). Obraz „Rosedale“ sa zúčastnil na Doigovej kľúčovej výstave vo Whitechapel Gallery v Londýne v roku 1998 a vo všeobecnosti bolo toto dielo čerstvé na trh, a preto je rekordná cena zaslúžená.

9. FRANK STELLA Capské borovice. 1959. 28 miliónov dolárov

Frank Stella je jasným predstaviteľom post-maľby abstrakcie a minimalizmu v umení. V určitom štádiu sa označuje ako štýl maľby s tvrdými okrajmi. Stella spočiatku dával do kontrastu prísnu geometriu, asketickú monochrómnosť a štruktúrovanosť svojich obrazov so spontánnosťou a náhodnosťou plátien abstraktných expresionistov ako Jackson Pollock.

Koncom 50. rokov 20. storočia si umelca všimol slávny galerista Leo Castelli a po prvý raz bol ocenený výstavou. Predstavil na ňom takzvané „Čierne obrazy“ – plátna premaľované paralelnými čiernymi líniami s tenkými medzerami nemaľovaného plátna medzi nimi. Čiary sa skladajú do geometrických tvarov, ktoré trochu pripomínajú optické ilúzie, samotné obrázky, ktoré sa mihajú, pohybujú, krútia, vytvárajú pocit hlbokého priestoru, ak sa na ne dlho pozeráte. Stella pokračoval v téme paralelných línií tenkými deliacimi pásikmi vo svojich prácach na hliníku a medi. Menila sa farebnosť, obrazový základ a dokonca aj tvar malieb (okrem iných vynikajú práce v tvare písmen U, T, L). Ale hlavný princíp jeho maľby stále spočíval v jasnosti obrysu, monumentálnosti, jednoduchej forme, monochróme. V nasledujúcich desaťročiach sa Stella posunula od takejto geometrickej maľby k hladkým, prirodzeným formám a líniám a od monochromatických malieb k jasným a pestrým farebným prechodom. V 70. rokoch Stella uchvátili obrovské vzory, ktorými sa maľovali lode. Umelec ich použil na obrovské obrazy s asamblážovými prvkami – do svojich diel zakomponoval kusy oceľových rúr či drôteného pletiva.

Vo svojich prvých rozhovoroch Frank Stella otvorene hovorí o významoch, ktoré vkladá do jeho práce, alebo skôr o ich absencii: „Čo vidíš, je to, čo vidíš.“ Obraz je objekt sám o sebe, nie reprodukcia ničoho. "Je to rovný povrch s farbou a ničím iným," povedala Stella.

No, podpísaný Frankom Stellom, tento „povrch s farbou“ by dnes mohol mať hodnotu miliónov dolárov. Prvýkrát v rebríčku žijúcich umelcov sa Frank Stella dostal v roku 2015 predajom Delaware Crossing (1961) za 13,69 milióna dolárov vrátane provízie.

O štyri roky neskôr, 15. mája 2019, bol stanovený nový rekord raným dielom (1959) „Cape of Pines“: cena kladiva bola viac ako 28 miliónov dolárov vrátane provízie. Toto je jeden z 29 "čiernych obrazov" - práve tých, s ktorými Stella debutovala na svojej prvej výstave v New Yorku. Absolvent Princetonskej univerzity Frank Stella mal vtedy 23 rokov. Často nemal dosť peňazí na olejové farby pre umelcov. Mladý umelec robil mesiačiky ako opravárenské práce, veľmi sa mu páčili čisté farby farieb a vtedy vznikla myšlienka pracovať s touto farbou na plátne. Čiernou emailovou farbou Stella maľuje rovnobežné pruhy, pričom medzi nimi necháva tenké čiary nenatretého plátna. Navyše píše bez pravítka, od oka, bez predbežného náčrtu. Stella nikdy presne nevedela, koľko čiernych čiar sa objaví na konkrétnom obraze. Napríklad na obraze „Cape of Pines“ je ich 35. Názov diela odkazuje na názov mysu v Massachusetts Bay – Point of pines. Na začiatku 20. storočia mala veľký zábavný park a dnes je jednou zo štvrtí mesta Revere.

10. YOSHITOMO NARA Nôž za chrbtom. 2000. 24,95 milióna dolárov

Yoshitomo Nara (1959) je jednou z kľúčových postáv japonského neo-popu. Japonec - pretože napriek celosvetovej sláve a dlhoročnej práci v zahraničí sa jeho tvorba stále vyznačuje výraznou národnou identitou. Najobľúbenejšími postavami Nary sú dievčatá a psy v štýle japonských komiksov manga a anime. Obrazy, ktoré dlhé roky vymýšľal, „išli k ľuďom“: sú vytlačené na tričkách, vyrábajú sa z nich suveníry a rôzny „merch“. Narodil sa v chudobnej rodine, ďaleko od hlavného mesta, je nielen milovaný pre svoj talent, ale aj oceňovaný ako človek, ktorý sa vypracoval. Umelec pracuje rýchlo a expresívne. Je známe, že niektoré z jeho majstrovských diel boli dokončené doslova cez noc. Obrazy a sochy Yoshitoma Naru sú spravidla veľmi stručné a dokonca striedmy vo výrazových prostriedkoch, ale vždy nesú silný emocionálny náboj. Dospievajúce dievčatá v Nare sa často pozerajú na diváka s nevľúdnym prižmúrením. V ich očiach - drzosť, výzva a agresivita. V rukách - potom nôž, potom cigareta. Existuje názor, že zobrazené zvrátenosti správania sú reakciou na represívnu verejnú morálku, rôzne tabu a princípy výchovy prijaté Japoncami. Takmer stredoveká tvrdosť a hanba zaháňajú problémy dovnútra a vytvárajú pôdu pre oneskorenú emocionálnu explóziu. "Nôž za chrbtom" len priestranne odráža jednu z hlavných myšlienok umelca. V tomto diele je nenávistný pohľad dievčaťa a hrozivo rana ruky za jej chrbtom. Do roku 2019 už obrazy a sochy Yoshitoma Naru viackrát prekročili miliónovú, ba dokonca niekoľkomiliónovú hranicu. Ale dvadsať miliónov - prvýkrát. Nara je jedným z najznámejších svetových umelcov narodených v Japonsku. A teraz to najdrahšie zo živých. 6. októbra 2109 v aukčnej sieni Sotheby's v Hong Kongu prevzal tento titul od Takashi Murakamiho a výrazne prekonal 90-ročnú avantgardnú umelkyňu Yayoi Kusama (maximálne aukčné ceny za jej obrazy sa už blížia k 9 miliónom dolárov).

11. ZENG FANZHI Posledná večera. 2001. 23,3 milióna dolárov

V Sotheby's Hong Kong 5. októbra 2013 plátno v ročnej mierke "Posledná večera" Pekinský umelec Zeng Fanzhi (1964) bol predaný za rekordnú sumu 160 miliónov hongkonských dolárov - 23,3 milióna dolárov USA. Konečné náklady na Fanzhiho dielo, napísané, samozrejme, pod vplyvom Leonarda da Vinciho, sa ukázali ako dvojnásobok predbežného odhadu približne 10 miliónov dolárov. Predchádzajúci cenový rekord Zeng Fanzhi bol $ 9,6 milióna zaplatil na aukcii Christie's v Hong Kongu v máji 2008 za dielo Séria masiek. 1996 č. 6".

„Posledná večera“ je najväčší (2,2 × 4 metre) obraz Fanzhiho zo série „Masky“, ktorý pokrýva obdobie od roku 1994 do roku 2001. Cyklus je venovaný vývoju čínskej spoločnosti pod vplyvom ekonomických reforiem. Zavedenie prvkov trhového hospodárstva vládou ČĽR viedlo k urbanizácii a nejednotnosti Číňanov. Fanzhi zobrazuje obyvateľov moderných čínskych miest, ktorí musia bojovať o miesto na slnku. Známa kompozícia fresky od Leonarda v čítaní Fanzhi dostáva úplne iný význam: scéna je prenesená z Jeruzalema do učebne čínskej školy s typickými hieroglyfickými tabuľami na stenách. „Kristus“ a „apoštoli“ sa zmenili na priekopníkov so šarlátovými kravatami a zlatú kravatu nosí len „Juda“ – to je metafora západného kapitalizmu, prenikajúca a ničiaceho zaužívaný spôsob života v socialistickej krajine.

Diela Zeng Fanzhi sú štýlovo blízke európskemu expresionizmu a sú rovnako dramatické. No zároveň sú plné čínskych symbolov a špecifík. Táto všestrannosť priťahuje k dielu umelca čínskych aj západných zberateľov. Priamym potvrdením je aj proveniencia Poslednej večere: dielo dal do dražby slávny zberateľ čínskej avantgardy 80. a začiatku 90. rokov belgický barón Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Most. 1980. 20,6 milióna dolárov

Na aukcii Christie's 13. mája 2015 abstraktné dielo "Most" 85-ročný americký umelec Robert Ryman(Robert Ryman) bol predaný za 20,6 milióna dolárov berúc do úvahy províziu - dvakrát drahšie ako nižší odhad.

Robert Ryman(1930) si hneď neuvedomil, že sa chce stať umelcom. Vo veku 23 rokov sa presťahoval do New Yorku z Nashvillu v štáte Tennessee, aby sa stal jazzovým saxofonistom. Medzitým sa z neho nestal slávny hudobník, musel si privyrábať ako ochrankár v MoMA, kde sa zoznámil so Saulom LeWittom a Danom Flavinom. Prvý pracoval v múzeu ako nočný tajomník a druhý ako ochrankár a obsluha výťahu. Robert Ryman, inšpirovaný prácami abstraktných expresionistov, ktorých videl v MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock a Newman, začal maľovať sám v roku 1955.

O Rymanovi sa často hovorí ako o minimalistovi, no radšej sa mu hovorí „realista“, pretože ho nezaujíma vytváranie ilúzií, iba demonštruje kvality materiálov, ktoré používa. Väčšina jeho diel je maľovaná farbami všetkých možných odtieňov bielej (od sivastej alebo žltkastej až po oslnivú bielu) podľa lakonického štvorcového tvaru. Robert Ryman počas svojej kariéry vyskúšal mnoho materiálov a techník: maľoval olejmi, akrylom, kazeínom, emailom, pastelom, gvašom atď. na plátno, oceľ, plexisklo, hliník, papier, vlnitú lepenku, vinyl, tapety atď. priateľ, profesionálny reštaurátor, Orrin Riley, mu poradil žieravosť materiálov, ktoré napadlo použiť. Ako raz povedal jeden umelec: „Nikdy nemám otázku čo napíš, hlavná vec - ako písať“. Je to všetko o textúre, povahe ťahov, hranici medzi farebným povrchom a okrajmi základne, ako aj o vzťahu medzi dielom a stenou. Od roku 1975 sú špeciálnym prvkom jeho tvorby svietidlá, ktoré si Ryman sám navrhuje a zámerne ich necháva viditeľné, čím zdôrazňuje, že jeho dielo je „také skutočné, ako sú skutočné steny, na ktorých visia“. Ryman dáva dielam radšej „mená“ ako „názvy“. Práve „meno“ pomáha rozlíšiť jedno dielo od druhého a Ryman často pomenováva svoje diela podľa značiek farieb, firiem atď., pričom „titul“ si nárokuje akési narážky a hlboko skryté významy, ktorých prítomnosť diela umelec pravidelne popiera. Na ničom okrem materiálu a techniky nezáleží.

13. Damien Hirst Ospalá jar. 2002. 19,2 milióna dolárov

anglický umelec Damienovi Hirstovi (1965) bolo predurčené na prvé miesto v tomto hodnotení v spore so žijúcim klasikom Jasperom Johnsom. Už spomínané dielo „False Start“ by mohlo zostať ešte dlho nepotopiteľným lídrom, keby 21. júna 2007 inštalácie v tom čase 42-ročný Hirst "ospalá jar"(2002) sa v Sotheby's nepredával za £ 9,76 milióna, teda za 19,2 milióna dolárov. Dielo má mimochodom dosť nezvyčajný formát. Na jednej strane ide o výkladnú skriňu s atrapami tabletiek (6 136 tabletiek), vlastne klasickú inštaláciu. A na druhej strane, táto vitrína je plochá (10 cm hlboká), vložená do rámu a zavesená na stenu ako plazmový panel, čím plne poskytuje komfort držby, ktorý je obrazom vlastný. V roku 2002 sa sestra inštalácie, Sleepy Winter, predala za 7,4 milióna dolárov, čo je viac ako polovica ceny. Rozdiel v cene niekto "vysvetlil" tým, že tablety sú v zime viac vyblednuté. Je však jasné, že toto vysvetlenie je absolútne neopodstatnené, pretože mechanizmus tvorby cien takýchto vecí už nie je spojený s ich dekoratívnym účinkom.

V roku 2007 mnohí uznali Hirsta za autora najdrahšieho diela medzi žijúcimi umelcami. Otázka je však z kategórie „podľa toho, ako počítať“. Faktom je, že Hurst sa predával za drahé libry a Jones za doláre, ktoré teraz klesli na cenu a dokonca aj pred dvadsiatimi rokmi. Ale aj keby sme počítali v nominálnej hodnote, bez zohľadnenia 20-ročnej inflácie, potom bola Hirstova práca drahšia v dolároch a Jonesova v librách. Situácia bola hraničná a každý sa mohol slobodne rozhodnúť, koho bude považovať za najdrahšieho. Ale Hurst sa udržal na prvom mieste nie tak dlho. V tom istom roku 2007 ho z prvého miesta vytlačil Koons so svojím „Hanging Heart“.

Práve v predvečer celosvetového poklesu cien súčasného umenia podnikol Hirst pre mladého umelca nevídaný záväzok – samostatnú aukciu jeho diel, ktorá sa konala 15. septembra 2008 v Londýne. Predvčerom oznámená správa o bankrote banky Lehman Brothers nepokazila chuť milovníkov súčasného umenia: z 223 diel ponúkaných Sotheby's len päť nenašlo nových majiteľov (mimochodom jedným z kupcov bol Viktor Pinčuk). Práca "Zlatý Býk"- obrovská podobizeň býka vo formaldehyde, korunovaná zlatým kotúčom, - priniesol 10,3 milióna £ (18,6 milióna dolárov). Toto je Hurstov najlepší výsledok, ak sa meria v librách (v mene, v ktorej sa obchod uskutočnil). V dolároch sme však v rebríčku, a tak (nech nám Zlaté teľa odpustí) za Hirstov najlepší predaj budeme považovať Ospalú jar.

Od roku 2008 Hirst nepredával Ospalú jar a Zlaté teľa. Čerstvé nahrávky z 10. rokov – za tvorbu Richtera, Jonesa, Fanzhiho, Woola a Koonsa – posunuli Damiena na šiesty riadok nášho hodnotenia. Nerobme však kategorický súd o úpadku Hirstovej éry. Podľa analytikov sa Hurst ako „superstar“ už zapísal do histórie, čo znamená, že ho budú kupovať na veľmi dlhú dobu; najväčšiu hodnotu v budúcnosti však predpovedajú dielam, ktoré vznikli v najinovatívnejšom období jeho kariéry, teda v 90. rokoch.

14. Maurizio Cattelan Jemu. 2001. 17,19 milióna dolárov

Talian Maurizio Cattelan (1960) sa k umeniu dostal po tom, čo pracoval ako ochrankár, kuchár, záhradník a dizajnér nábytku. Autor samouk sa svetovo preslávil svojimi ironickými sochami a inštaláciami. Zhodil meteorit na pápeža, premenil manželku zákazníka na loveckú trofej, vytrhol dieru na podlahe múzea starých majstrov, zdvihol obrovský prostredník na burzu v Miláne, priniesol živého somára na veľtrh Frieze . V blízkej budúcnosti Cattelan sľubuje inštaláciu zlatého záchodu v Guggenheimovom múzeu. V konečnom dôsledku boli huncútstva Maurizia Cattelana vo svete umenia všeobecne uznávané: je pozvaný na Benátske bienále (inštalácia „Ostatní“ v roku 2011 – kŕdeľ dvoch tisícok holubov, ktoré hrozivo hľadia zo všetkých rúr a trámov na davy návštevníkov prechádzajúc nižšie), zariadil, aby mal retrospektívu v Guggenheimovom múzeu v New Yorku (november 2011) a napokon sa za jeho sochy platia veľké peniaze.

Od roku 2010 je najdrahším dielom Maurizia Cattelana vosková socha muža vykúkajúceho z diery v podlahe, navonok podobného umelcovi (Bez názvu, 2001). Táto socha-inštalácia, ktorá existuje v počte troch kópií plus autorská kópia, bola prvýkrát vystavená v múzeu Boijmans van Beuningen v Rotterdame. Potom táto šibalská postavička vyzrela z diery v podlahe sály s obrazmi holandských maliarov 18. a 19. storočia. Maurizio Cattellan sa v tomto diele spája s odvážnym zločincom vtrhujúcim do posvätného priestoru sály múzea s obrazmi veľkých majstrov. Chce tak umeniu zbaviť svätožiaru, ktorú mu dávajú steny múzeí. Dielo, kvôli vystavovaniu, ktoré zakaždým musíte urobiť diery v podlahe, bolo predané za 7,922 milióna dolárov v Sotheby's.

Rekord platil až do 8. mája 2016, kedy sa Cattelanovo ešte provokatívnejšie dielo Him, zobrazujúce kľačiaceho Hitlera, dostalo pod kladivo za 17,189 milióna dolárov. Meno je zvláštne. Výber postavy je riskantný. Ako všetko ostatné s Cattelanom. Čo má na mysli? „Jeho“ alebo „Jeho pekelné veličenstvo“? Je jasné, že rozhodne nehovoríme o spievaní obrazu Fuhrera. Hitler v tomto diele vystupuje skôr v bezmocnej, žalostnej podobe. A absurdne – inkarnácia Satana je vyrobená vo veľkosti dieťaťa, oblečená v kostýme školáka a kľačiaca s pokorným výrazom na tvári. Pre Cattelana je tento obrázok pozvaním na zamyslenie sa nad povahou absolútneho zla a spôsobom, ako sa zbaviť strachu. Mimochodom, socha „Him“ je dobre známa západnému publiku. Jej bratia v sérii boli vystavení viac ako 10-krát v popredných múzeách po celom svete, vrátane Pompidou Center a Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Bez názvu (S III prepustený do France Face 43.14). 2011. 16,8 milióna dolárov

17. mája 2017 sa na večernej aukcii Christie's v New Yorku objavil jeden z najmocnejších obrazov Marka Grotjana, aký bol kedy daný do aukcie. Obraz „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ nalepil parížsky zberateľ Patrick Seguin s odhadom 13-16 miliónov dolárov, a keďže predaj pozemku bol garantovaný treťou stranou, nikto nebol obzvlášť prekvapilo vytvorenie nového osobného aukčného rekordu 49-ročného umelca. Cena kladiva 14,75 milióna dolárov (16,8 milióna dolárov s Buyer's Premium) prekonala Grotjanov predchádzajúci aukčný rekord o viac ako 10 miliónov dolárov, čo mu umožnilo vstúpiť do klubu žijúcich umelcov, ktorých dielo sa predáva za osemciferné ceny. Sedemmiestne rovnaké výsledky (tržby viac ako 1 milión dolárov, ale nie viac ako 10 miliónov dolárov) v aukčnom prasiatku Mark Grotyan za približne tridsať.

Mark Grotjan (1968), v ktorého tvorbe odborníci vidia vplyv modernizmu, abstraktného minimalizmu, popu a op artu, prišiel k svojej korporátnej identite v polovici 90. rokov po tom, čo sa presťahoval s priateľom Brentom Petersonom do Los Angeles a otvoril si tam galériu. "Izba 702". Ako spomína sám umelec, v tom čase začal premýšľať o tom, čo je preňho v umení na prvom mieste. Hľadal motív, s ktorým by mohol experimentovať. A uvedomil som si, že ho vždy zaujímala línia a farba. Experimenty v duchu rayonizmu a minimalizmu s lineárnou perspektívou, početnými úbežníkmi a viacfarebnými abstraktnými trojuholníkovými tvarmi nakoniec priniesli Grotjanovi celosvetovú slávu.

Od abstraktných, farebných krajiniek s viacerými horizontmi a miznúcimi bodmi sa dostal k trojuholníkovým tvarom pripomínajúcim motýlie krídla. Obrazy Grotjana 2001–2007 Hovoria tomu "Motýliky". Dnes sa pohyb úbežníka alebo použitie niekoľkých miznúcich bodov naraz, rozmiestnených v priestore, považuje za jednu z umelcových najsilnejších techník.

Ďalšia veľká séria diel sa volala „Tváre“; v abstraktných líniách tejto série možno uhádnuť črty ľudskej tváre, zjednodušenej do stavu masky v duchu Matissa, Jawlenského či Brancusiho. Keď už hovoríme o maximálnom zjednodušení a štylizácii foriem, o kompozičnom riešení malieb, keď sa na nás z lesnej húštiny dívajú rozhádzané kontúry očí a úst, vedci si všímajú spojenie Grotjanových „Tvárí“ s umením. primitívnych kmeňov Afriky a Oceánie, pričom samotnému umelcovi sa jednoducho „páčia obrazové oči pozerajúce sa z džungle. Občas som si predstavoval tváre paviánov alebo opíc. Nemôžem povedať, že by ma vedome alebo podvedome ovplyvnilo primitívne africké umenie, skôr ma ovplyvnili umelci, ktorí ním boli ovplyvnení. Picasso je najzrejmejším príkladom."

Diela série "Faces" sa nazývajú brutálne a elegantné, príjemné pre oči a príjemné pre myseľ. Postupom času sa mení aj textúra týchto diel: na vytvorenie efektu vnútorného priestoru používa umelec široké ťahy hustej farby, dokonca aj špliechanie v štýle Pollocka, ale povrch maľby je vyrovnaný tak, že pri bližšom skúmaní , pôsobí úplne plocho. Obraz Bez názvu (S III Released to France Face 43.14), ktorý udáva aukčný rekord, patrí do tejto slávnej série Marka Grotjana.

16. TAKASHI MURAKAMI Môj osamelý kovboj. 15,16 milióna dolárov

japončina Takashi Murakami (1962) vstúpil do nášho hodnotenia so sochou "Môj osamelý kovboj", predaný v Sotheby's v máji 2008 za $ 15,16 milióna. S týmto predajom bol Takashi Murakami dlho považovaný za najúspešnejšieho žijúceho ázijského umelca – až kým ho nezatienil predaj Poslednej večere od Zeng Fanzhiho.

Takashi Murakami pôsobí ako výtvarník, sochár, módny návrhár a animátor. Murakami chcel za základ svojej práce vziať niečo skutočne japonské, bez západných alebo akýchkoľvek iných výpožičiek. V študentských rokoch ho fascinovalo tradičné japonské umenie nihonga, neskôr ho vystriedalo populárne umenie anime a manga. Tak sa zrodil psychedelický pán DOB, vzory usmievavých kvetov a žiarivé lesklé plastiky zo sklenených vlákien, akoby práve vyšli zo stránok japonských komiksov. Niektorí považujú Murakamiho umenie za rýchle občerstvenie a stelesnenie vulgárnosti, iní označujú umelca za Japonca Andyho Warhola – a v radoch toho druhého, ako vidíme, je veľa veľmi bohatých ľudí.

Názov pre svoju sochu si Murakami požičal od Andyho Warhola The Lonely Cowboys (1968), ktorý Japonci, ako sám priznal, nikdy nepozerali, no spojenie slov sa mu veľmi páčilo. Murakami jednou sochou potešil fanúšikov erotických japonských komiksov a rozosmial ich. Zväčšený a okrem toho aj trojrozmerný hrdina anime sa mení na fetiš masovej kultúry. Táto umelecká výpoveď je celkom v duchu klasického západného pop artu (spomeňte si na nábytkovú súpravu Allena Jonesa alebo Koonsovho Ružového pantera), no s národným nádychom.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 USD

KAWS je pseudonym amerického umelca Briana Donellyho z New Jersey. Je najmladším účastníkom nášho hodnotenia, narodený v roku 1974. Donelly začínal ako animátor v Disney (kreslil pozadie pre kreslený film „101 dalmatíncov“ a iné). O graffiti som sa zaujímal už od mladosti. Spočiatku jeho charakteristickým dizajnom bola lebka s „X“ namiesto očných jamiek. Tvorbu mladého spisovateľa si obľúbili ľudia zo šoubiznisu a ľudia z módneho priemyslu: vytvoril obal na album Kanye West, vydal spolupráce pre Nike, Comme des Garçons a Uniqlo. Postupom času sa KAWS stala známou osobnosťou súčasného umeleckého sveta. Jeho charakteristická figúrka Mickey Mouse si našla cestu do múzeí, verejných priestorov a súkromných zbierok. Raz KAWS vydal limitovanú edíciu vinylovej hračky so značkou My Plastic Heart a zrazu sa stali predmetom veľkého zberateľského záujmu. Jedným z vášnivých zberateľov týchto „hračiek“ je zakladateľ Black Star, rapper Timati: takmer kompletne zhromaždil celú sériu „Cavs Companions“.

Dielo KAWS vytvorilo rekord v umeleckom diele – 14,7 milióna dolárov – na aukcii Sotheby's v Hong Kongu 1. apríla 2019. Kedysi bol v kolekcii japonského módneho návrhára Niga. Meter canvas The KAWS Album - pocta obalu slávneho albumu The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" z roku 1967. Len namiesto ľudí má Kimpsonovcov – štylizované postavičky z kresleného seriálu Simpsonovci s „X“ namiesto očí.

18. JIN SHAN Tadžická nevesta. 1983. 13,89 milióna dolárov

Medzi relatívne mladými a súčasnými čínskymi umelcami, ktorí všetci patria k takzvanej „novej vlne“ čínskeho umenia konca 80. rokov, sa v našom hodnotení celkom nečakane objavil aj predstaviteľ úplne inej generácie a inej školy. Dnes už vyše 80-ročný Jin Shan (Jin Shangyi) patrí k jasným predstaviteľom prvej generácie umelcov v komunistickej Číne. Názory tejto skupiny umelcov sa formovali do značnej miery pod vplyvom najbližšieho komunistického spojenca – ZSSR.

Oficiálne sovietske umenie, socialistický realizmus, olejomaľba, ktorá bola pre Čínu (na rozdiel od tradičnej čínskej tušovej maľby) stále nezvyčajná, boli na vrchole popularity v 50. rokoch a sovietsky umelec Konstantin prišiel na tri roky učiť na Pekinskú umeleckú univerzitu. (od roku 1954 do roku 1957) Metodievič Maksimov. Do jeho triedy sa dostal Jin Shani, ktorý bol v tom čase najmladší v skupine. Umelec si vždy s veľkou vrúcnosťou pamätal svojho učiteľa a povedal, že to bol Maksimov, ktorý ho naučil správne pochopiť a zobraziť model. K. M. Maksimov vychoval celú plejádu čínskych realistov, dnes už klasikov.

V diele Jin Shana cítiť vplyv sovietskeho „tvrdého štýlu“ aj európskej maliarskej školy. Umelec venoval veľa času štúdiu dedičstva renesancie a klasicizmu, pričom považoval za potrebné zachovať vo svojich dielach čínskeho ducha. Obraz „Tadžická nevesta“, namaľovaný v roku 1983, je považovaný za všeobecne uznávané majstrovské dielo, nový míľnik v tvorbe Jin Shana. Bola to ona, ktorá bola vystavená na aukcii China Guardian v novembri 2013 a predala sa niekoľkonásobne drahšie, ako sa odhadovalo - za 13,89 milióna dolárov vrátane provízie.

19. BANKSY Rozpadnutý parlament. 2008. 12,14 milióna dolárov

Nástenné maľby so značkou Banksy sa začali objavovať na stenách miest (najskôr v Spojenom kráľovstve a potom po celom svete) koncom 90. rokov 20. storočia. Jeho filozofické a zároveň ostré graffiti boli venované problémom útoku štátu na slobody občanov, zločinom proti životnému prostrediu, nezodpovednému konzumu, neľudskosti systému nelegálnej migrácie. Banksyho nástenné „výčitky“ si postupom času získali nebývalú mediálnu obľubu. V skutočnosti sa stal jedným z hlavných hovorcov verejnej mienky odsudzujúcej pokrytectvo štátov a korporácií, čo spôsobuje rastúcu nespravodlivosť v kapitalistickom systéme.

Význam Banksyho, zmysel pre „nerv času“ a presnosť jeho metafor ocenili nielen diváci, ale aj zberatelia. V roku 2010 sa za jeho diela dali státisíce alebo dokonca viac ako milión dolárov. Dospelo to do bodu, že Banksyho graffiti bolo rozbité a ukradnuté spolu s kúskami stien.

V ére pokročilého digitálneho sledovania sa Banksymu stále darí zostať v anonymite. Existuje verzia, že to už nie je jedna osoba, ale skupina niekoľkých umelcov, na čele ktorej stojí talentovaná žena. To by mnohé vysvetľovalo. A vonkajšia nepodobnosť spisovateľov zachytených v objektívoch kamier svedkov a neosobná šablónová metóda aplikácie (poskytuje vysokú rýchlosť a nevyžaduje priamu účasť autora) a dojemný romantizmus námetov obrazov. (gule, snehové vločky atď.). Nech je to akokoľvek, ľudia z projektu Banksy vrátane jeho asistentov vedia držať jazyk za zubami.

V roku 2019 sa najdrahším dielom Banksyho nečakane stalo štvormetrové plátno Devolved Parliament (“degradovaný”, “rozpadnutý” alebo “delegovaný” parlament). Zdá sa, že šimpanzy, ktoré sa hádajú v Dolnej snemovni, v roku škandalózneho Brexitu zosmiešňujú publikum. Je prekvapujúce, že obraz bol namaľovaný 10 rokov pred týmto historickým zlomom, a preto ho niekto považuje za prorocký. Na aukcii Sotheby's 3. októbra 2019 neznámy kupec kúpil ropu za 12 143 000 dolárov v zúrivej ponuke - šesťnásobok ceny predbežného odhadu.

20. JOHN CURREN "Sladké a jednoduché." 1999. 12,007 milióna dolárov

americký umelec John Curran (1962) známy svojimi satirickými figuratívnymi maľbami na provokatívne sexuálne a sociálne témy. Currenovej tvorbe sa darí spájať maliarske techniky starých majstrov (najmä Lucasa Cranacha staršieho a manierov) a módnu fotografiu z nablýskaných časopisov. Karren, ktorá dosahuje grotesknosť, často deformuje proporcie ľudského tela, zväčšuje alebo zmenšuje jeho jednotlivé časti, zobrazuje hrdinov v zlomených, vychýrených pózach.

Curren začal v roku 1989 portrétmi dievčat prekreslenými zo školského albumu; pokračovanie začiatkom 90. rokov s obrázkami prsnatých krások inšpirovaných fotkami z Cosmopolitanu a Playboya; v roku 1992 sa objavili portréty bohatých starších dám; a v roku 1994 sa Curren oženil so sochárkou Rachel Feinsteinovou, ktorá sa na dlhé roky stala jeho hlavnou múzou a modelkou. Koncom 90. rokov 20. storočia mu Currinova technická zdatnosť v kombinácii s gýčom a grotesknosťou jeho obrazov priniesla popularitu. V roku 2003 sa propagácie umelca ujal Larry Gagosian a ak sa taký díler ako Gagosian ujme autora, úspech je zaručený. V roku 2004 sa vo Whitney Museum konala retrospektíva Johna Currana.

Približne v tomto čase sa jeho dielo začalo predávať za šesťmiestne. Aktuálny rekord obrazu od Johna Currana patrí filmu Sweet and Simple, ktorý sa 15. novembra 2016 predal v aukčnej sieni Christie's za 12 miliónov dolárov, teraz nad 50 rokov, je to určite prielom v kariére. Jeho predchádzajúci rekord v roku 2008 bol 5,5 milióna dolárov (mimochodom zaplatené za rovnakú prácu „Cute and Simple“).

21. BRICE MARDEN Zúčastnené. 1996–1999 10,917 milióna dolárov

Ďalším žijúcim americkým abstraktným umelcom v našom rebríčku je Bryce Marden (1938). Mardenove diela v štýle minimalizmu a od konca 80. rokov - gestická maľba sa vyznačujú jedinečnou autorskou, mierne tlmenou paletou. Farebné kombinácie v Mardenových dielach sú inšpirované jeho cestami po svete – Grécko, India, Thajsko, Srí Lanka. Medzi autorov, ktorí ovplyvnili vznik Mardena patria Jackson Pollock (začiatkom 60. rokov Marden pracoval ako ochrankár v Židovskom múzeu, kde osobne pozoroval Pollockove „kvapkanie“), Alberto Giacometti (zoznámil sa s jeho tvorbou v Paríži) a Robert Rauschenberg (niektorí, kým Marden pracoval ako jeho asistent). Prvá etapa Mardenovej tvorby je venovaná klasickým minimalistickým plátnam, ktoré pozostávajú z farebných pravouhlých blokov (horizontálnych alebo vertikálnych). Na rozdiel od mnohých iných minimalistov, ktorí sa snažili o ideálnu kvalitu diel, ako keby boli vytlačené strojom, a nie nakreslené človekom, Marden si zachoval stopy umelcovej práce kombinovaním rôznych materiálov (vosk a olejové farby). Od polovice 80. rokov 20. storočia pod vplyvom orientálnej kaligrafie nahradili geometrickú abstrakciu meandrovité línie, na pozadí ktorých boli rovnaké monochromatické farebné polia. Jedno z týchto „meandrových“ diel – „The Attended“ – bolo predané v Sotheby's v novembri 2013 za 10,917 milióna dolárov vrátane provízie.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. december 1959. 10,6 milióna dolárov

23. ZHANG XIAOGANG Večná láska. 10,2 milióna dolárov

Ďalším predstaviteľom súčasného čínskeho umenia je symbolista a surrealista Zhang Xiaogang (1958). V Sotheby's Hong Kong 3. apríla 2011, kde sa predávala čínska avantgarda zo zbierky belgického baróna Guya Ullensa, triptych Zhang Xiaoganga. "Večná láska" bol predaný za $ 10,2 milióna. V tom čase to bol rekord nielen pre umelca, ale pre celé čínske súčasné umenie. Hovorí sa, že Xiaogangovo dielo kúpila miliardárova manželka Wang Wei, ktorá sa chystá otvoriť vlastné múzeum.

Zhang Xiaogang, ktorý má rád mystiku a východnú filozofiu, napísal príbeh „večnej lásky“ v troch častiach – život, smrť a znovuzrodenie. Tento triptych bol prezentovaný na ikonickej výstave Čína/avantgarda v roku 1989 v Národnom múzeu umenia. Aj v roku 1989 boli študentské demonštrácie na Námestí nebeského pokoja brutálne potlačené armádou. Po tejto tragickej udalosti sa začali uťahovať skrutky – výstava v Národnom múzeu bola rozprášená, veľa umelcov emigrovalo. V reakcii na socialistický realizmus vnucovaný zhora vznikol smer cynického realizmu, ktorého jedným z hlavných predstaviteľov bol Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezmocný Henry Moore. 1967. 9,9 milióna dolárov

americký Bruce Nauman (1941), víťaz hlavnej ceny 48. bienále v Benátkach (1999), už dávno prekonal svoj rekord. Nauman začal svoju kariéru v šesťdesiatych rokoch. Znalci ho označujú spolu s Andym Warholom a Josephom Beuysom za jednu z najvplyvnejších osobností umenia druhej polovice dvadsiateho storočia. Bohatá intelektuálnosť a absolútna nedekoratívnosť niektorých jeho diel však evidentne bránila rýchlemu uznaniu a úspechu u širokej verejnosti. Nauman často experimentuje s jazykom a objavuje neočakávané významy známych fráz. Slová sa stávajú ústrednými postavami mnohých jeho diel, vrátane neónových pseudonápisov a panelov. Nauman sám seba nazýva sochárom, hoci za posledných štyridsať rokov sa vyskúšal v úplne iných žánroch - sochárstvo, fotografia, videoart, performance, grafika. Začiatkom 90. rokov Larry Gagosian vyslovil prorocké slová: „Skutočná hodnota Naumannovej práce sa ešte len musí realizovať.“ A tak sa aj stalo: 17. máj 2001 v Christie's od Naumanna v roku 1967 "Bezmocný Henry Moore (pohľad zozadu)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) vytvoril nový rekord v segmente povojnového umenia. Odliatok Naumannových rúk zviazaných za chrbtom vyrobený zo sadry a vosku išiel pod kladivo za $ 9,9 milióna v zbierke francúzskeho magnáta Francoisa Pinaulta (podľa iných zdrojov Američanka Phyllis Wattis). Odhad práce bol len 2-3 milióny dolárov, takže výsledok bol pre všetkých skutočným prekvapením.

Pred týmto legendárnym predajom len dve Naumannove diela prekročili hranicu milióna dolárov. A za celú jeho doterajšiu aukčnú kariéru len šesť diel, okrem „Henryho Moorea ...“ išlo na sedemciferné číslo, no ich výsledky sa stále nedajú porovnať s deviatimi miliónmi.

„Helpless Henry Moore“ je jednou z Naumannových sérií polemických prác o postave Henryho Moora (1898–1986), britského umelca, ktorý bol v šesťdesiatych rokoch považovaný za jedného z najväčších sochárov 20. storočia. Mladí autori, ktorí sa ocitli v tieni uznávaného majstra, naňho potom zaútočili ostrou kritikou. Naumannova tvorba je odpoveďou na túto kritiku a zároveň zamyslením sa nad témou kreativity. Názov diela sa stáva slovnou hračkou, keďže spája dva významy anglického slova bound – zviazaný (v doslovnom zmysle) a odsúdený na určitý osud.

Pozor! Všetky materiály stránky a databáza výsledkov aukcií stránky, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov odovzdaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.

"Hráči kariet"

Autor

Paul Cezanne

Krajina Francúzsko
Roky života 1839–1906
Štýl postimpresionizmu

Umelec sa narodil na juhu Francúzska v malom mestečku Aix-en-Provence, no maľovať začal v Paríži. Skutočný úspech sa mu dostavil po samostatnej výstave, ktorú zorganizoval zberateľ Ambroise Vollard. V roku 1886, 20 rokov pred odchodom, sa presťahoval na okraj svojho rodného mesta. Mladí umelci nazvali výlety k nemu „púťou do Aix“.

Rozmer 130 x 97 cm
1895
cena
250 miliónov dolárov
predané v roku 2012
na súkromnej aukcii

Cezannova práca je ľahko pochopiteľná. Jediným pravidlom umelca bol priamy prenos predmetu alebo sprisahania na plátno, takže jeho obrazy nespôsobujú zmätok diváka. Cezanne spojil vo svojom umení dve hlavné francúzske tradície: klasicizmus a romantizmus. Pomocou farebnej textúry dodal forme predmetov úžasnú plasticitu.

Séria piatich obrazov „Hráči kariet“ bola napísaná v rokoch 1890-1895. Ich zápletka je rovnaká – niekoľko ľudí s nadšením hrá poker. Diela sa líšia len počtom hráčov a veľkosťou plátna.

Štyri obrazy sa uchovávajú v múzeách v Európe a Amerike (Múzeum d'Orsay, Metropolitné múzeum umenia, Barnesova nadácia a Courtauld Institute of Art) a piaty bol donedávna ozdobou súkromnej zbierky Grécky miliardár, majiteľ lode George Embirikos. Krátko pred smrťou, v zime 2011, sa ho rozhodol dať na predaj. Potenciálnymi kupcami Cezannovho „voľného“ diela boli obchodník s umením William Aquavella a svetoznámy galerista Larry Gagosian, ktorí zaň ponúkli približne 220 miliónov dolárov. V dôsledku toho sa obraz dostal do kráľovskej rodiny arabského štátu Katar za 250 miliónov.Najväčší obchod s umením v histórii maľby bol uzavretý vo februári 2012. Pre Vanity Fair o tom informovala novinárka Alexandra Pierce. Zistila cenu obrazu aj meno nového majiteľa a následne informácia prenikla do médií po celom svete.

V roku 2010 bolo v Katare otvorené Arabské múzeum moderného umenia a Katarské národné múzeum. Teraz sa ich zbierky rozrastajú. Možno piatu verziu The Card Players získal šejk práve na tento účel.

Najviacdrahý obrázokvo svete

Vlastník
Šejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani vládne Kataru už viac ako 130 rokov. Asi pred polstoročím tu boli objavené obrovské zásoby ropy a plynu, vďaka ktorým sa Katar okamžite stal jedným z najbohatších regiónov sveta. Vďaka exportu uhľovodíkov zaznamenala táto malá krajina najväčšie HDP na obyvateľa. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani prevzal moc v roku 1995, keď bol jeho otec vo Švajčiarsku, s podporou rodinných príslušníkov. Zásluha súčasného vládcu je podľa odborníkov v jasnej stratégii rozvoja krajiny, vytváraní úspešného obrazu štátu. Katar má teraz ústavu a premiéra a ženy získali právo voliť v parlamentných voľbách. Mimochodom, bol to katarský emír, ktorý založil spravodajský kanál Al-Džazíra. Orgány arabského štátu venujú veľkú pozornosť kultúre.

2

"Číslo 5"

Autor

Jackson Pollock

Krajina USA
Roky života 1912–1956
Štýl abstraktný expresionizmus

Jack the Sprinkler – takú prezývku dala Pollockovi americká verejnosť pre jeho špeciálnu techniku ​​maľovania. Umelec opustil štetec a stojan a farbu nalial na povrch plátna alebo drevovláknitej dosky počas nepretržitého pohybu okolo nich a vnútri nich. Už od malička mal v obľube filozofiu Jiddu Krishnamurti, ktorej hlavným posolstvom je, že pravda sa odhaľuje pri voľnom „výleve“.

Rozmery 122 x 244 cm
1948
cena
140 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Sotheby's

Hodnota Pollockovej práce nie je vo výsledku, ale v procese. Autor svoje umenie nenazval náhodou „akčnou maľbou“. S jeho ľahkou rukou sa stala hlavným majetkom Ameriky. Jackson Pollock zmiešal farbu s pieskom, rozbitým sklom a písal kúskom kartónu, paletovým nožom, nožom, lopatou. Umelec bol taký populárny, že v 50. rokoch boli v ZSSR dokonca imitátori. Obraz „Číslo 5“ je uznávaný ako jeden z najpodivnejších a najdrahších na svete. Jeden zo zakladateľov DreamWorks, David Geffen, ho kúpil do súkromnej zbierky a v roku 2006 ho predal v Sotheby`s za 140 miliónov dolárov mexickému zberateľovi Davidovi Martinezovi. Advokátska kancelária však čoskoro vydala v mene svojho klienta tlačovú správu, v ktorej uviedla, že David Martinez nie je vlastníkom obrazu. Len jedna vec je istá: mexický finančník skutočne nedávno zhromaždil diela súčasného umenia. Je nepravdepodobné, že by mu ušla taká „veľká ryba“, akou je Pollockovo „Číslo 5“.

3

"Žena III"

Autor

Willem de Kooning

Krajina USA
Roky života 1904–1997
Štýl abstraktný expresionizmus

Rodák z Holandska v roku 1926 emigroval do Spojených štátov amerických. V roku 1948 sa uskutočnila osobná výstava umelca. Umeleckí kritici ocenili zložité, nervózne čiernobiele kompozície, v ktorých autor uznával veľkého modernistického umelca. Väčšinu života trpel alkoholizmom, ale radosť z tvorby nového umenia je cítiť v každom diele. De Kooning sa vyznačuje impulzívnosťou maľby, širokými ťahmi, a preto niekedy obraz nezapadá do hraníc plátna.

Rozmer 121 x 171 cm
1953
cena
137 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na súkromnej aukcii

V 50. rokoch sa na de Kooningových obrazoch objavujú ženy s prázdnymi očami, mohutnými prsiami a škaredými črtami. "Žena III" bola posledná práca z tejto série, ktorá sa zúčastnila aukcie.

Od 70. rokov 20. storočia bol obraz uchovávaný v teheránskom múzeu moderného umenia, no po zavedení prísnych morálnych pravidiel v krajine sa ho snažili zbaviť. V roku 1994 bolo dielo odvezené z Iránu a o 12 rokov neskôr jeho majiteľ David Geffen (ten istý producent, ktorý predal „Číslo 5“ Jacksona Pollocka) predal obraz milionárovi Stephenovi Cohenovi za 137,5 milióna dolárov. Zaujímavosťou je, že v jednom roku začal Geffen predávať svoju zbierku obrazov. To vyvolalo veľa klebiet: napríklad, že sa producent rozhodol kúpiť Los Angeles Times.

Na jednom z umeleckých fór bol vyjadrený názor na podobnosť „Ženy III“ s obrazom Leonarda da Vinciho „Dáma s hranostajom“. Za zubatým úsmevom a neforemnou postavou hrdinky znalec maľby rozpoznal ladnosť osoby kráľovskej krvi. Svedčí o tom aj zle vysledovaná koruna korunujúca hlavu ženy.

4

„Portrét AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Krajina Rakúsko
Roky života 1862–1918
Štýl moderné

Gustav Klimt sa narodil v rodine rytca a bol druhým zo siedmich detí. Traja synovia Ernesta Klimta sa stali umelcami a iba Gustav sa preslávil po celom svete. Väčšinu svojho detstva prežil v chudobe. Po smrti svojho otca bol zodpovedný za celú rodinu. V tom čase Klimt vyvinul svoj štýl. Pred jeho obrazmi každý divák zamrzne: pod tenkými zlatými ryhami je jasne viditeľný úprimný erotizmus.

Rozmer 138 x 136 cm
1907
cena
135 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Sotheby's

Osud obrazu, ktorý sa volá „rakúska Mona Lisa“, by sa pokojne mohol stať podkladom pre bestseller. Dielo umelca sa stalo príčinou konfliktu celého štátu a jednej staršej dámy.

Takže „Portrét Adele Bloch-Bauer I“ zobrazuje aristokratku, manželku Ferdinanda Blocha. Jej poslednou vôľou bolo preniesť obraz do Rakúskej štátnej galérie. Bloch však dar vo svojom závete zrušil a nacisti obraz vyvlastnili. Neskôr Zlatú Adelu galéria takmer nevykúpila, no potom sa objavila dedička - Maria Altman, neter Ferdinanda Blocha.

V roku 2005 sa začal vysokoprofilový proces „Maria Altman proti Rakúskej republike“, v dôsledku čoho s ňou obraz „odišiel“ do Los Angeles. Rakúsko prijalo bezprecedentné opatrenia: vyjednávali sa pôžičky, obyvateľstvo darovalo peniaze na kúpu portrétu. Dobro nikdy neporazilo zlo: Altman zvýšil cenu na 300 miliónov dolárov. V čase súdneho procesu mala 79 rokov a do dejín sa zapísala ako osoba, ktorá zmenila vôľu Bloch-Bauerovej v prospech osobných záujmov. Obraz kúpil Ronald Lauder, majiteľ New Gallery v New Yorku, kde je dodnes. Nie pre Rakúsko, pre neho Altman znížil cenu na 135 miliónov dolárov.

5

"kričať"

Autor

Edvard Munch

Krajina Nórsko
Roky života 1863–1944
Štýl expresionizmus

Munchova prvá maľba, ktorá sa preslávila po celom svete, „Choré dievča“ (existuje v piatich kópiách) je venovaná umelcovej sestre, ktorá zomrela na tuberkulózu vo veku 15 rokov. Muncha vždy zaujímala téma smrti a osamelosti. V Nemecku jeho ťažká, maniakálna maľba dokonca vyvolala škandál. Napriek depresívnym zápletkám však jeho obrazy majú zvláštny magnetizmus. Vezmite si aspoň „Scream“.

Rozmer 73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 milióna dolárov
predaný v 2012
na aukcii Sotheby's

Celý názov obrazu je Der Schrei der Natur (v preklade z nemčiny „výkrik prírody“). Tvár či už človeka alebo mimozemšťana vyjadruje zúfalstvo a paniku – rovnaké emócie prežíva aj divák pri pohľade na obraz. Jedno z kľúčových diel expresionizmu varuje pred témami, ktoré sa stali akútnymi v umení 20. storočia. Podľa jednej verzie ho umelec vytvoril pod vplyvom duševnej poruchy, ktorou trpel celý život.

Obraz bol dvakrát ukradnutý z rôznych múzeí, ale bol vrátený. Mierne poškodený po krádeži bol The Scream obnovený a bol pripravený na opätovné vystavenie v Munchovom múzeu v roku 2008. Pre predstaviteľov popkultúry sa dielo stalo zdrojom inšpirácie: Andy Warhol vytvoril sériu jeho výtlačkov a kópií a maska ​​z filmu „Scream“ je vytvorená podľa obrazu a podoby hrdinu obrázka.

Pre jednu zápletku napísal Munch štyri verzie diela: tá v súkromnej zbierke je vyrobená v pastelových farbách. Nórsky miliardár Petter Olsen ho dal 2. mája 2012 do aukcie. Kupcom sa stal Leon Black, ktorý na „Scream“ nešetril rekordnou sumou. Zakladateľ Apollo Advisors, L.P. a Lion Advisors, L.P. známy svojou láskou k umeniu. Black je patrónom Dartmouth College, Múzea moderného umenia, Lincoln Art Center a Metropolitného múzea umenia. Má najväčšiu zbierku obrazov súčasných umelcov a klasických majstrov minulých storočí.

6

"Nahá na pozadí busty a zelených listov"

Autor

Pablo Picasso

Krajina Španielsko, Francúzsko
Roky života 1881–1973
Štýl kubizmus

Pôvodom je to Španiel, ale duchom a miestom bydliska je to pravý Francúz. Picasso si otvoril vlastné umelecké štúdio v Barcelone, keď mal iba 16 rokov. Potom odišiel do Paríža a strávil tam väčšinu svojho života. Preto je v jeho priezvisku dvojitý stres. Štýl, ktorý vymyslel Picasso, je založený na popretí názoru, že objekt zobrazený na plátne je možné vidieť iba z jedného uhla.

Rozmer 130 x 162 cm
1932
cena
106,482 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Christie's

Počas svojej práce v Ríme sa umelec stretol s tanečnicou Olgou Khokhlovou, ktorá sa čoskoro stala jeho manželkou. Skoncoval s potulkami, presťahoval sa s ňou do luxusného bytu. V tom čase uznanie našlo hrdinu, ale manželstvo bolo zničené. Jeden z najdrahších obrazov na svete vznikol takmer náhodou – z veľkej lásky, ktorá, ako vždy u Picassa, mala krátke trvanie. V roku 1927 sa začal zaujímať o mladú Marie-Therese Walterovú (ona mala 17 rokov, on 45). Tajne od svojej manželky odišiel so svojou milenkou do mestečka neďaleko Paríža, kde namaľoval portrét znázorňujúci Máriu Teréziu v podobe Daphne. Obraz kúpil newyorský obchodník Paul Rosenberg a v roku 1951 ho predal Sidneymu F. Brodymu. Brodyovci ukázali svetu obraz iba raz, a to len preto, že umelec mal 80 rokov. Po manželovej smrti dala pani Brodyová dielo v marci 2010 do aukcie v Christie's. Za šesť desaťročí sa cena zvýšila viac ako 5000-krát! Neznámy zberateľ ho kúpil za 106,5 milióna dolárov. V roku 2011 sa v Británii konala „výstava jedného obrazu“, kde uzrel svetlo sveta už druhýkrát, no meno majiteľa je stále neznáme.

7

"Osem Elvisov"

Autor

Andy Warhole

Krajina USA
Roky života 1928-1987
Štýl
pop art

„Sex a párty sú jediné miesta, kde sa musíte objaviť osobne,“ povedal kultový popový umelec, režisér a jeden zo zakladateľov magazínu Interview, dizajnér Andy Warhol. Spolupracoval s Vogue a Harper's Bazaar, navrhoval obaly platní a navrhoval topánky pre I.Millera. V šesťdesiatych rokoch sa objavili maľby zobrazujúce symboly Ameriky: Campbellova polievka a Coca-Cola, Presley a Monroe - vďaka čomu sa stal legendou.

Rozmery 358 x 208 cm
1963
cena
100 miliónov dolárov
predané v roku 2008
na súkromnej aukcii

Warholove 60. roky – takzvaná éra pop artu v Amerike. V roku 1962 pracoval na Manhattane vo Factory Studio, kde sa zišla celá bohéma New Yorku. Jeho najjasnejší predstavitelia: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote a ďalšie známe osobnosti sveta. Warhol si zároveň vyskúšal techniku ​​sieťotlače – viacnásobné opakovanie jedného obrazu. Túto metódu použil aj pri tvorbe „Osem Elvisov“: divákovi sa zdá, že vidí snímky z filmu, kde hviezda ožíva. Všetko, čo umelec tak miloval, je tu: obojstranne výhodný verejný obraz, strieborná farba a predtucha smrti ako hlavné posolstvo.

V súčasnosti na svetovom trhu propagujú Warholovo dielo dvaja obchodníci s umením: Larry Gagosian a Alberto Mugrabi. Prvý v roku 2008 minul 200 miliónov dolárov na nákup viac ako 15 Warholových diel. Druhý kupuje a predáva svoje obrazy ako vianočné pohľadnice, len drahšie. Neboli to však oni, ale skromný francúzsky umelecký poradca Philippe Segalo, ktorý pomohol rímskemu znalcovi umenia Annibale Berlinghieri predať osem Elvisov neznámemu kupcovi za rekordnú sumu pre Warhola – 100 miliónov dolárov.

8

"Oranžová,Červená žltá"

Autor

Mark Rothko

Krajina USA
Roky života 1903–1970
Štýl abstraktný expresionizmus

Jeden z tvorcov farebnej maľby sa narodil v ruskom Dvinsku (dnes Daugavpils, Lotyšsko) v početnej rodine židovského lekárnika. V roku 1911 emigrovali do USA. Rothko študoval na umeleckom oddelení Yale University, získal štipendium, ale antisemitské nálady ho prinútili zanechať štúdium. Napriek všetkému kritici umenia zbožňovali umelca a múzeá ho prenasledovali celý život.

Rozmer 206 x 236 cm
1961
cena
86,882 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Christie's

Prvé Rothkove výtvarné pokusy boli surrealistického zamerania, no postupom času zjednodušil dej na farebné škvrny, čím ich zbavil akejkoľvek objektivity. Najprv mali svetlé odtiene a v 60. rokoch sa naplnili hnedou, fialovou, do smrti umelca zhustli do čiernej. Mark Rothko varoval pred hľadaním akéhokoľvek významu v jeho obrazoch. Autor chcel povedať presne to, čo povedal: iba farbu, ktorá sa rozpúšťa vo vzduchu, a nič viac. Odporúčal pozerať sa na diela zo vzdialenosti 45 cm, aby bol divák „vtiahnutý“ do farby, ako do lievika. Pozor: sledovanie podľa všetkých pravidiel môže viesť k efektu meditácie, to znamená, že postupne prichádza uvedomenie si nekonečna, úplného ponorenia sa do seba, relaxácie, očisty. Farba v jeho obrazoch žije, dýcha a má silný emocionálny vplyv (niekedy sa o nej hovorí, že je liečivá). Umelec povedal: „Divák by mal pri pohľade na ne plakať“ – a také prípady naozaj boli. Podľa Rothkovej teórie ľudia v tomto momente prežívajú rovnakú duchovnú skúsenosť, akú mal on v procese práce na obrázku. Ak sa vám to podarilo pochopiť na takej jemnej úrovni, potom sa nečudujte, že tieto diela abstrakcionizmu kritici často porovnávajú s ikonami.

Dielo „Oranžová, červená, žltá“ vyjadruje podstatu maľby Marka Rothka. Jeho počiatočná cena na aukcii Christie's v New Yorku je 35-45 miliónov dolárov. Neznámy kupec ponúkol cenu dvojnásobok odhadu. Meno šťastného majiteľa obrazu, ako to často býva, nezverejnili.

9

"triptych"

Autor

Francis Bacon

Krajina
Veľká Británia
Roky života 1909–1992
Štýl expresionizmus

Dobrodružstvá Francisa Bacona, úplného menovca a navyše vzdialeného potomka veľkého filozofa, sa začali, keď sa ho jeho otec zriekol, nedokázal prijať synove homosexuálne sklony. Bacon šiel najskôr do Berlína, potom do Paríža a jeho stopy sú potom po celej Európe zmätené. Už za jeho života boli jeho diela vystavené v popredných kultúrnych centrách sveta vrátane Guggenheimovho múzea a Treťjakovskej galérie.

147,5 x 198 cm (každý)
1976
cena
86,2 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's

Prestížne múzeá sa usilovali vlastniť Baconove obrazy, no prvotriedna anglická verejnosť sa neponáhľala s hľadaním takéhoto umenia. Legendárna britská premiérka Margaret Thatcherová o ňom povedala: "Muž, ktorý maľuje tieto hrozné obrazy."

Za východiskové obdobie vo svojej tvorbe sám umelec považoval povojnové obdobie. Po návrate zo služby opäť začal maľovať a vytvoril hlavné majstrovské diela. Pred účasťou „Triptychu, 1976“ v aukcii bola Baconova najdrahšia práca „Štúdia k portrétu pápeža Inocenta X“ (52,7 milióna dolárov). V "Triptychu, 1976" umelec zobrazil mýtickú zápletku prenasledovania Oresta zúrivosťou. Samozrejme, Orestes je sám Bacon a fúrie sú jeho muky. Viac ako 30 rokov bol obraz v súkromnej zbierke a nezúčastňoval sa na výstavách. Táto skutočnosť mu dáva osobitnú hodnotu, a preto zvyšuje náklady. Čo je však pár miliónov pre znalca umenia a v ruštine ešte štedrých? Roman Abramovich začal svoju kolekciu vytvárať v 90. rokoch, v čom ho výrazne ovplyvnila jeho priateľka Dasha Zhukova, ktorá sa stala módnou galeristkou v modernom Rusku. Podľa neoficiálnych údajov vlastní podnikateľ diela Alberta Giacomettiho a Pabla Picassa, ktoré boli kúpené za sumy presahujúce 100 miliónov dolárov. V roku 2008 sa stal majiteľom Triptychu. Mimochodom, v roku 2011 bola získaná ďalšia cenná práca Bacona - "Tri náčrty pre portrét Luciana Freuda." Skryté zdroje hovoria, že kupcom sa opäť stal Roman Arkadievich.

10

"Jazierko s leknami"

Autor

Claude Monet

Krajina Francúzsko
Roky života 1840–1926
Štýl impresionizmus

Umelec je uznávaný ako zakladateľ impresionizmu, ktorý si túto metódu „patentoval“ na svoje plátna. Prvým významným dielom bol obraz „Raňajky v tráve“ (pôvodná verzia diela Edouarda Maneta). V mladosti kreslil karikatúry a na cestách po pobreží a pod holým nebom sa venoval skutočnej maľbe. V Paríži viedol bohémsky životný štýl a neopustil ho ani po službe v armáde.

210 x 100 cm
1919
cena
80,5 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Christie's

Okrem toho, že Monet bol veľký umelec, s nadšením sa venoval aj záhradníctvu, zbožňoval divokú prírodu a kvety. V jeho krajinách je stav prírody momentálny, objekty akoby rozmazané pohybom vzduchu. Dojem umocňujú veľké ťahy, od určitej vzdialenosti sa stávajú neviditeľnými a splývajú do textúrovaného, ​​trojrozmerného obrazu. V obraze neskorého Moneta zaujíma osobitné miesto téma vody a života v nej. V mestečku Giverny mal umelec vlastný rybník, kde pestoval lekná zo semienok, ktoré si špeciálne priviezol z Japonska. Keď odkvitli ich kvety, začal maľovať. Séria Lekná pozostáva zo 60 diel, ktoré umelec maľoval takmer 30 rokov, až do svojej smrti. Jeho zrak sa vekom zhoršoval, no neprestával. V závislosti od vetra, ročného obdobia a počasia sa pohľad na jazierko neustále menil a Monet chcel tieto zmeny zachytiť. Starostlivou prácou prišiel k pochopeniu podstaty prírody. Niektoré z obrazov zo série sú uložené v popredných svetových galériách: Národné múzeum západného umenia (Tokio), Orangerie (Paríž). Verzia nasledujúceho „Jazierka s leknami“ sa dostala do rúk neznámeho kupca za rekordnú sumu.

11

Falošná hviezda t

Autor

Jasper Johns

Krajina USA
Rok narodenia 1930
Štýl pop art

V roku 1949 Jones vstúpil do dizajnérskej školy v New Yorku. Spolu s Jacksonom Pollockom, Willemom de Kooningom a ďalšími je uznávaný ako jeden z hlavných umelcov 20. storočia. V roku 2012 dostal Prezidentskú medailu slobody, najvyššie civilné vyznamenanie v USA.

137,2 x 170,8 cm
1959
cena
80 miliónov dolárov
predané v roku 2006
na súkromnej aukcii

Podobne ako Marcel Duchamp aj Jones pracoval so skutočnými predmetmi, zobrazoval ich na plátne a v sochách plne v súlade s originálom. Pre svoje diela používal jednoduché a pre každého zrozumiteľné predmety: fľašu od piva, vlajku či mapy. Na obrázku False Start nie je jasná kompozícia. Zdá sa, že umelec sa hrá s divákom, často „nesprávne“ podpisuje farby na obraze a prevracia samotný pojem farby: „Chcel som nájsť spôsob, ako farbu zobraziť tak, aby ju mohol určiť niekto iný. metóda." Jeho najvýbušnejší a „neistý“ obraz podľa kritikov získal neznámy kupec.

12

"Sediacnahána sedačke"

Autor

Amedeo Modigliani

Krajina Taliansko, Francúzsko
Roky života 1884–1920
Štýl expresionizmus

Modigliani bol od detstva často chorý, počas horúčkovitého delíria spoznal svoj osud ako umelec. Študoval kresbu v Livorne, Florencii, Benátkach a v roku 1906 odišiel do Paríža, kde jeho umenie prekvitalo.

65 x 100 cm
1917
cena
68,962 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Sotheby's

V roku 1917 sa Modigliani zoznámil s 19-ročnou Jeanne Hebuterne, ktorá sa stala jeho modelkou a neskôr manželkou. V roku 2004 sa jeden z jej portrétov predal za 31,3 milióna dolárov, čo je posledný rekord pred predajom filmu Sediaci akt na pohovke v roku 2010. Obraz kúpil neznámy kupec za momentálne maximálnu cenu pre Modiglianiho. Aktívny predaj diel sa začal až po smrti umelca. Zomrel v chudobe, trpel tuberkulózou a na druhý deň spáchala samovraždu aj Jeanne Hebuterne, ktorá bola v deviatom mesiaci tehotenstva.

13

"Orol na borovici"

Autor

Qi Baishi

Krajina Čína
Roky života 1864–1957
Štýl guohua

Záujem o kaligrafiu priviedol Qi Baishi k maľovaniu. Vo veku 28 rokov sa stal žiakom umelca Hu Qingyuana. Ministerstvo kultúry Číny mu udelilo titul „Veľký umelec čínskeho ľudu“, v roku 1956 dostal Medzinárodnú cenu mieru.

10x26 cm
1946
cena
65,4 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii China Guardian

Qi Baishi sa zaujímal o tie prejavy okolitého sveta, ktorým mnohí nepripisujú dôležitosť, a to je jeho veľkosť. Z človeka bez vzdelania sa stal profesor a vynikajúci tvorca v histórii. Pablo Picasso o ňom povedal: "Bojím sa ísť do vašej krajiny, pretože v Číne je Qi Baishi." Kompozícia „Orel na borovici“ je uznávaná ako najväčšie dielo umelca. Okrem plátna obsahuje dva hieroglyfické zvitky. Pre Čínu predstavuje suma, za ktorú bol produkt kúpený, rekord – 425,5 milióna juanov. Len zvitok starovekého kaligrafa Huang Tingjian sa predal za 436,8 milióna dolárov.

14

"1949-A-#1"

Autor

Clifford Still

Krajina USA
Roky života 1904–1980
Štýl abstraktný expresionizmus

Vo veku 20 rokov navštívil Metropolitné múzeum umenia v New Yorku a bol sklamaný. Neskôr sa prihlásil na kurz študentskej umeleckej ligy, ale 45 minút po začiatku hodiny odišiel – ukázalo sa, že „nie je jeho“. Prvá osobná výstava vyvolala ohlas, umelec našiel sám seba a s ním aj uznanie

Rozmer 79 x 93 cm
1949
cena
61,7 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's

Všetky jeho diela, čo je viac ako 800 plátien a 1600 diel na papieri, stále odkázal americkému mestu, kde bude otvorené po ňom pomenované múzeum. Takýmto mestom sa stal Denver, ale pre úrady bola nákladná len výstavba a na jej dokončenie boli vydražené štyri diela. Stillove diela sa pravdepodobne nebudú ešte niekedy dražiť, čo vopred zvýšilo ich cenu. Obraz "1949-A-No.1" sa pre umelca vydražil za rekordnú sumu, hoci odborníci predpovedali predaj maximálne 25-35 miliónov dolárov.

15

"Suprematistické zloženie"

Autor

Kažimír Malevič

Krajina Rusko
Roky života 1878–1935
Štýl Suprematizmus

Malevich študoval maľbu na Kyjevskej umeleckej škole, potom na Moskovskej akadémii umení. V roku 1913 začal maľovať abstraktné geometrické obrazy v štýle, ktorý nazval suprematizmus (z latinčiny „dominancia“).

Rozmery 71 x 88,5 cm
1916
cena
60 miliónov dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's

Obraz bol asi 50 rokov uložený v mestskom múzeu v Amsterdame, no po 17-ročnom spore s Malevichovými príbuznými ho múzeum vydalo. Umelec namaľoval toto dielo v tom istom roku ako Manifest suprematizmu, takže Sotheby`s ešte pred aukciou oznámil, že nepôjde do súkromnej zbierky za menej ako 60 miliónov dolárov. A tak sa aj stalo. Je lepšie sa na to pozerať zhora: postavy na plátne pripomínajú letecký pohľad na zem. Mimochodom, pred niekoľkými rokmi tí istí príbuzní vyvlastnili ďalšiu „suprematistickú skladbu“ z múzea MoMA, aby ju predali vo Phillips za 17 miliónov dolárov.

16

"kúpajúci sa"

Autor

Paul Gauguin

Krajina Francúzsko
Roky života 1848–1903
Štýl postimpresionizmu

Do siedmich rokov žil umelec v Peru, potom sa so svojou rodinou vrátil do Francúzska, no spomienky z detstva ho neustále tlačili k cestovaniu. Vo Francúzsku začal maľovať, bol priateľom s Van Goghom. Strávil s ním dokonca niekoľko mesiacov v Arles, kým mu Van Gogh počas hádky neodrezal ucho.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 miliónov dolárov
predané v roku 2005
na aukcii Sotheby's

V roku 1891 Gauguin zariadil predaj svojich obrazov, aby výťažok použil na cestu hlboko na ostrov Tahiti. Tam vytvoril diela, v ktorých cítiť jemné prepojenie prírody a človeka. Gauguin žil v slamenej chatrči a na jeho plátnach kvitol tropický raj. Jeho manželkou bola 13-ročná Tahiťanka Tehura, čo umelcovi nebránilo v promiskuite. Po ochorení na syfilis odišiel do Francúzska. Gauguin tam však bol stiesnený a vrátil sa na Tahiti. Toto obdobie sa nazýva „druhý Tahiťan“ – práve vtedy bol namaľovaný obraz „Bathers“, jeden z najluxusnejších v jeho tvorbe.

17

"Narcisy a obrus v modrej a ružovej"

Autor

Henri Matisse

Krajina Francúzsko
Roky života 1869–1954
Štýl fauvizmus

V roku 1889 mal Henri Matisse záchvat apendicitídy. Keď sa po operácii prebral, mama mu kúpila farby. Matisse najprv z nudy kopíroval farebné pohľadnice, potom – diela veľkých maliarov, ktoré videl v Louvri, a na začiatku 20. storočia prišiel so štýlom – fauvizmus.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 milióna dolárov
predané v roku 2009
na aukcii Christie's

Obraz „Narcisy a obrus v modrej a ružovej“ dlho patril Yvesovi Saint Laurentovi. Po smrti návrhára prešla celá jeho zbierka umenia do rúk jeho priateľa a milenca Pierra Bergera, ktorý sa ju rozhodol dať do aukcie v Christie's. Perličkou predávanej kolekcie bol obraz „Narcisy a obrus v modrej a ružovej farbe“, maľovaný na obyčajný obrus namiesto plátna. Ako príklad fauvizmu je naplnený energiou farieb, farby akoby explodovali a kričali. Zo známej série obrazov obrusov je dnes toto dielo jediné, ktoré sa nachádza v súkromnej zbierke.

18

"Spiace dievča"

Autor

RoyLee

chtenstein

Krajina USA
Roky života 1923–1997
Štýl pop art

Umelec sa narodil v New Yorku a po skončení školy odišiel do Ohia, kde chodil na umelecké kurzy. V roku 1949 Lichtenštajnsko získalo titul Master of Fine Arts. Záujem o komiks a schopnosť byť ironický z neho urobili kultového umelca minulého storočia.

Rozmer 91 x 91 cm
1964
cena
44,882 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Sotheby's

Raz sa Lichtenštajnsku dostala do rúk žuvačka. Prekreslil obrázok z vložky na plátno a stal sa slávnym. Táto zápletka z jeho biografie obsahuje celé posolstvo pop-artu: konzum je nový boh a v žuvačkovom obale nie je o nič menej krásy ako v Mone Lise. Jeho obrazy pripomínajú komiksy a karikatúry: Lichtenstein hotový obraz jednoducho zväčšil, nakreslil rastre, použil sieťotlač a sieťotlač. Obraz „Spiace dievča“ patril takmer 50 rokov zberateľom Beatrice a Philipovi Gershovým, ktorých dedičia ho predali na aukcii.

19

„Víťazstvo. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

Krajina Holandsko
Roky života 1872–1944
Štýl neoplasticizmus

Jeho skutočné meno - Cornelis - umelec sa zmenil na Mondrian, keď sa v roku 1912 presťahoval do Paríža. Spolu s umelcom Theom van Doesburgom založil neoplastické hnutie. Programovací jazyk Piet je pomenovaný po Mondrianovi.

Rozmer 27 x 127 cm
1944
cena
40 miliónov dolárov
predané v roku 1998
na aukcii Sotheby's

Naj „hudobnejší“ z umelcov 20. storočia sa živil akvarelovými zátišiami, hoci sa preslávil ako neoplastický výtvarník. V 40. rokoch sa presťahoval do USA a tam strávil zvyšok života. Jazz a New York – to ho inšpirovalo najviac! Maľba „Víťazstvo. Boogie Woogie je toho najlepším príkladom. "Značkové" úhľadné štvorce boli získané pomocou lepiacej pásky - obľúbeného materiálu Mondrian. V Amerike ho nazývali „najslávnejším prisťahovalcom“. V šesťdesiatych rokoch vyrábal Yves Saint Laurent svetoznáme šaty „Mondrian“ s veľkou farebnou károvanou potlačou.

20

"Zloženie č. 5"

Autor

BazalkaKandinsky

Krajina Rusko
Roky života 1866–1944
Štýl avantgarda

Umelec sa narodil v Moskve a jeho otec pochádzal zo Sibíri. Po revolúcii sa pokúsil spolupracovať so sovietskymi orgánmi, ale čoskoro si uvedomil, že zákony proletariátu neboli vytvorené pre neho, a nie bez problémov emigroval do Nemecka.

Rozmer 275 x 190 cm
1911
cena
40 miliónov dolárov
predané v roku 2007
na aukcii Sotheby's

Kandinsky bol jedným z prvých, ktorí úplne opustili objektové maľovanie, za čo získal titul génia. Počas nacizmu v Nemecku boli jeho obrazy klasifikované ako „degenerované umenie“ a neboli nikde vystavené. V roku 1939 Kandinsky prijal francúzske občianstvo, v Paríži sa slobodne zúčastnil umeleckého procesu. Jeho obrazy „znejú“ ako fúgy, a preto sa mnohé nazývajú „kompozície“ (prvá bola napísaná v roku 1910, posledná v roku 1939). „Kompozícia č. 5“ je jedným z kľúčových diel tohto žánru: „Slovo „kompozícia“ mi znelo ako modlitba,“ povedal umelec. Na rozdiel od mnohých nasledovníkov plánoval, čo zobrazí na obrovskom plátne, akoby si písal poznámky.

21

"Štúdia ženy v modrom"

Autor

Fernand Léger

Krajina Francúzsko
Roky života 1881–1955
Štýl kubizmus-postimpresionizmus

Leger získal architektonické vzdelanie a potom bol študentom na Škole výtvarných umení v Paríži. Umelec sa považoval za stúpenca Cezanna, bol apologétom kubizmu a v 20. storočí mal úspech aj ako sochár.

Rozmery 96,5 x 129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's

David Normann, prezident medzinárodného oddelenia impresionizmu a modernizmu Sotheby's, verí, že obrovská suma zaplatená za Dámu v modrom je plne oprávnená. Obraz patrí do slávnej Legerovej zbierky (umelec namaľoval tri obrazy na jeden námet, posledný z nich je dnes v súkromných rukách. - pozn. red.) a povrch plátna sa zachoval v pôvodnej podobe. Toto dielo dal sám autor do galérie Der Sturm, potom skončilo v zbierke nemeckého zberateľa moderny Hermanna Langa a dnes patrí neznámemu kupcovi.

22

„Pouličná scéna. Berlín"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Krajina Nemecko
Roky života 1880–1938
Štýl expresionizmus

Pre nemecký expresionizmus sa Kirchner stal medzníkom. Miestne úrady ho však obvinili z príklonu k „degenerovanému umeniu“, čo tragicky zasiahlo do osudu jeho obrazov i do života umelca, ktorý v roku 1938 spáchal samovraždu.

Rozmer 95 x 121 cm
1913
cena
38,096 milióna dolárov
predané v roku 2006
na aukcii Christie's

Po presťahovaní do Berlína vytvoril Kirchner 11 náčrtov pouličných scén. Inšpiroval ho ruch a nervozita veľkomesta. Na obraze, ktorý sa predáva v New Yorku v roku 2006, je umelcova úzkosť obzvlášť akútna: ľudia na berlínskej ulici pripomínajú vtáky - pôvabné a nebezpečné. Bola to posledné dielo zo slávnej série, predané v aukcii, zvyšok je uložený v múzeách. V roku 1937 nacisti s Kirchnerom brutálne zaobchádzali: 639 jeho diel bolo zabavených v nemeckých galériách, zničených alebo predaných do zahraničia. Umelec to nemohol prežiť.

23

„Odpočinoktanečník"

Autor

Edgar Degas

Krajina Francúzsko
Roky života 1834–1917
Štýl impresionizmus

História Degasa ako umelca sa začala tým, že pracoval ako kopista v Louvri. Sníval o tom, že sa stane „slávnym a neznámym“ a nakoniec sa mu to podarilo. 80-ročný Degas na konci svojho života, nepočujúci a slepý, naďalej navštevoval výstavy a aukcie.

Rozmer 64 x 59 cm
1879
cena
37,043 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Sotheby's

"Baleríny boli pre mňa vždy len zámienkou na zobrazovanie látok a zachytávanie pohybu," povedal Degas. Scény zo života tanečníkov sa zdajú byť odkukané: dievčatá nepózujú umelcovi, ale jednoducho sa stanú súčasťou atmosféry, ktorú zachytí Degasov pohľad. Resting Dancer sa v roku 1999 predal za 28 miliónov dolárov a o necelých 10 rokov neskôr bol kúpený za 37 miliónov dolárov – dnes je to najdrahšie dielo umelca, aké kedy bolo zaradené do aukcie. Degas venoval rámom veľkú pozornosť, sám ich navrhoval a zakázal ich meniť. Zaujímalo by ma, aký rám je nainštalovaný na predávanom obraze?

24

"maľovanie"

Autor

Juan Miro

Krajina Španielsko
Roky života 1893–1983
Štýl abstraktné umenie

Počas španielskej občianskej vojny bol umelec na strane republikánov. V roku 1937 utiekol pred fašistickou mocou do Paríža, kde žil v chudobe so svojou rodinou. V tomto období Miro maľuje obraz „Pomôž Španielsku!“, Upozorňujúci celý svet na dominanciu fašizmu.

Rozmer 89 x 115 cm
1927
cena
36,824 milióna dolárov
predané v roku 2012
na aukcii Sotheby's

Druhý názov obrazu je „Modrá hviezda“. Umelec to napísal v tom istom roku, keď oznámil: „Chcem zabiť maľbu“ a nemilosrdne sa vysmieval plátnam, poškriabal farbu klincami, prilepil perie na plátno, zakryl dielo odpadkami. Jeho cieľom bolo vyvrátiť mýty o tajomstve maľby, ale keď sa s tým Miro vyrovnal, vytvoril svoj vlastný mýtus - neskutočnú abstrakciu. Jeho „Maľba“ odkazuje na cyklus „obrazy-sny“. Na aukcii oň bojovali štyria kupci, no jeden inkognito telefonát spor vyriešil a „Obraz“ sa stal umelcovým najdrahším obrazom.

25

"Modrá ruža"

Autor

Yves Klein

Krajina Francúzsko
Roky života 1928–1962
Štýl monochromatická maľba

Umelec sa narodil v rodine maliara, ale študoval orientálne jazyky, navigáciu, remeslo pozlacovača rámov, zen budhizmus a mnoho ďalšieho. Jeho osobnosť a drzé huncútstva boli mnohokrát zaujímavejšie ako monochromatické maľby.

Rozmery 153 x 199 x 16 cm
1960
cena
36,779 milióna dolárov
predaný v roku 2012
na aukcii Christie's

Prvá výstava jednoliatych žltých, oranžových, ružových diel záujem verejnosti nevzbudila. Klein sa urazil a nabudúce predstavil 11 rovnakých plátien, maľovaných ultramarínom zmiešaným so špeciálnou syntetickou živicou. Túto metódu si dokonca nechal patentovať. Farba vošla do histórie ako „International Klein Blue“. Umelec predával aj prázdnotu, tvoril obrazy vystavovaním papiera dažďu, podpaľovaním kartónu, vytváraním odtlačkov ľudského tela na plátno. Jedným slovom, experimentoval som, ako som najlepšie vedel. Na vytvorenie "Modrej ruže" som použil suché pigmenty, živice, kamienky a prírodnú špongiu.

26

"Hľadá sa Mojžiš"

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Krajina Veľká Británia
Roky života 1836–1912
Štýl neoklasicizmus

Sám sir Lawrence pridal k svojmu priezvisku predponu „alma“, aby sa v umeleckých katalógoch objavilo ako prvé. Vo viktoriánskom Anglicku boli jeho obrazy také žiadané, že umelec získal rytiersky titul.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's

Hlavnou témou Alma-Tademovej tvorby bola antika. Na obrazoch sa snažil do najmenších detailov zobraziť éru Rímskej ríše, preto sa dokonca venoval archeologickým vykopávkam na Apeninskom polostrove a vo svojom londýnskom dome reprodukoval historický interiér tých rokov. Ďalším zdrojom inšpirácie sa pre neho stali mytologické príbehy. Umelec bol počas svojho života veľmi žiadaný, no po smrti sa na neho rýchlo zabudlo. Teraz záujem ožíva, o čom svedčia aj náklady na obraz „Hľadám Mojžiša“, sedemkrát vyššie ako predpredajový odhad.

27

"Portrét spiaceho nahého úradníka"

Autor

Lucian Freud

Krajina Nemecko,
Veľká Británia
Roky života 1922–2011
Štýl figuratívna maľba

Umelec je vnukom Sigmunda Freuda, otca psychoanalýzy. Po nastolení fašizmu v Nemecku jeho rodina emigrovala do Veľkej Británie. Freudove diela sú vo Wallace Collection v Londýne, kde doteraz žiadny súčasný umelec nevystavoval.

219,1 x 151,4 cm
1995
cena
33,6 milióna dolárov
predané v roku 2008
na aukcii Christie's

Kým módni umelci 20. storočia vytvárali pozitívne „farebné škvrny na stene“ a predávali ich za milióny, Freud maľoval mimoriadne naturalistické obrazy a predával ich za ešte viac. „Zachytávam výkriky duše a utrpenie vädnúceho mäsa,“ povedal. Kritici veria, že toto všetko je „dedičstvo“ Sigmunda Freuda. Obrazy boli tak aktívne vystavované a úspešne predávané, že odborníci pochybovali: majú hypnotické vlastnosti? Predaný v aukcii "Portrét spiaceho nahého úradníka", podľa Slnka, získal znalec krásy a miliardár Roman Abramovič.

28

"Husle a gitara"

Autor

Xjeden gris

Krajina Španielsko
Roky života 1887–1927
Štýl kubizmus

Narodil sa v Madride, kde vyštudoval Školu umeleckých remesiel. V roku 1906 sa presťahoval do Paríža a vstúpil do kruhu najvplyvnejších umelcov éry: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, spolupracoval aj so Sergejom Diaghilevom a jeho súborom.

5x100 cm
1913
cena
28,642 milióna dolárov
predané v roku 2010
na aukcii Christie's

Gris sa podľa vlastných slov zaoberal „planárnou, farebnou architektúrou“. Jeho obrazy sú precízne premyslené: nezanechal jediný náhodný ťah, vďaka čomu je kreativita spojená s geometriou. Umelec vytvoril svoju vlastnú verziu kubizmu, hoci veľmi rešpektoval Pabla Picassa, zakladateľa hnutia. Nástupca mu dokonca venoval svoje prvé kubistické dielo Pocta Picassovi. Obraz „Husle a gitara“ je v umelcovej práci uznávaný ako vynikajúci. Počas svojho života bol Gris známy, obľúbený u kritikov a historikov umenia. Jeho diela sú vystavené v najväčších svetových múzeách a sú uložené v súkromných zbierkach.

29

„PortrétEluardove polia»

Autor

Salvador Dalí

Krajina Španielsko
Roky života 1904–1989
Štýl surrealizmus

„Surrealizmus som ja,“ povedal Dalí, keď ho vylúčili zo surrealistickej skupiny. Postupom času sa stal najznámejším surrealistickým umelcom. Dalího práca je všade, nielen v galériách. Bol to napríklad on, kto vymyslel obal pre Chupa-Chups.

25 x 33 cm
1929
cena
20,6 milióna dolárov
predané v roku 2011
na aukcii Sotheby's

V roku 1929 prišiel básnik Paul Eluard a jeho ruská manželka Gala navštíviť veľkého provokatéra a bitkára Dalího. Stretnutie bolo začiatkom milostného príbehu, ktorý trval viac ako pol storočia. Obraz „Portrét Paula Eluarda“ bol namaľovaný práve počas tejto historickej návštevy. „Cítil som, že mi bola zverená povinnosť zachytiť tvár básnika, z ktorého Olympu som ukradol jednu z múz,“ povedal umelec. Pred stretnutím s Galou bol panna a bol znechutený myšlienkou na sex so ženou. Milostný trojuholník existoval až do smrti Eluarda, po ktorej sa stal duetom Dali-Gala.

30

"výročie"

Autor

Marc Chagall

Krajina Rusko, Francúzsko
Roky života 1887–1985
Štýl avantgarda

Moishe Segal sa narodil vo Vitebsku, ale v roku 1910 emigroval do Paríža, zmenil si meno a zblížil sa s poprednými avantgardnými umelcami tej doby. V 30. rokoch, keď sa moci chopili nacisti, odišiel s pomocou amerického konzula do USA. Do Francúzska sa vrátil až v roku 1948.

Rozmer 80 x 103 cm
1923
cena
14,85 milióna dolárov
predaný v roku 1990
na aukcii Sotheby's

Obraz "Jubileum" je uznávaný ako jedno z najlepších diel umelca. Má všetky znaky jeho tvorby: vymazávajú sa fyzikálne zákony sveta, v kulisách malomeštiackeho života sa zachováva pocit rozprávky a v centre deja je láska. Chagall nekreslil ľudí z prírody, ale len z pamäti či fantazírovania. Obraz „Jubileum“ zobrazuje samotného umelca s manželkou Belou. Obraz bol predaný v roku 1990 a odvtedy sa o ňom neponúkalo. Zaujímavosťou je, že newyorské múzeum moderného umenia MoMA uchováva presne to isté, len pod názvom „Narodeniny“. Mimochodom, bolo to napísané skôr - v roku 1915.

návrh pripravený
Tatyana Palašová
hodnotenie zostavené
podľa zoznamu www.art-spb.ru
časopis tmn №13 (máj – jún 2013)

) vo svojich expresívnych zametacích prácach dokázala zachovať priehľadnosť hmly, ľahkosť plachty, hladké hojdanie lode na vlnách.

Jej obrazy udivujú svojou hĺbkou, objemom, sýtosťou a textúrou je taká, že z nich nemožno spustiť oči.

Teplá jednoduchosť Valentina Gubareva

Primitívny umelec z Minska Valentin Gubarev nehnať sa za slávou a robiť len to, čo miluje. Jeho tvorba je v zahraničí šialene populárna, no jeho krajania takmer nepoznajú. V polovici 90. rokov sa Francúzi zamilovali do jeho každodenných náčrtov a podpísali s umelcom zmluvu na 16 rokov. Obrazy, ktoré, ako sa zdá, by mali byť zrozumiteľné len nám, nositeľom „skromného kúzla nerozvinutého socializmu“, sa páčili európskej verejnosti a začali sa výstavy vo Švajčiarsku, Nemecku, Veľkej Británii a ďalších krajinách.

Zmyselný realizmus od Sergeja Marshennikova

Sergej Marshennikov má 41 rokov. Žije v Petrohrade a tvorí v najlepších tradíciách klasickej ruskej školy realistického portrétu. Hrdinky jeho obrazov sú vo svojich polonahých ženách nežné a bezbranné. Mnohé z najznámejších obrazov zobrazujú umelcovu múzu a manželku Natáliu.

Myopický svet Philipa Barlowa

V modernej dobe obrazov s vysokým rozlíšením a vzostupu hyperrealizmu dielo Philipa Barlowa okamžite upúta pozornosť. Od diváka sa však vyžaduje určité úsilie, aby sa prinútil pozrieť sa na rozmazané siluety a svetlé miesta na plátnach autora. Pravdepodobne takto ľudia trpiaci krátkozrakosťou vidia svet bez okuliarov a kontaktných šošoviek.

Sunny Bunnies od Laurenta Parceliera

Obraz Laurenta Parceliera je úžasný svet, v ktorom nie je ani smútok, ani skľúčenosť. Nenájdete v ňom pochmúrne a upršané obrázky. Na jeho plátnach je veľa svetla, vzduchu a jasných farieb, ktoré umelec aplikuje charakteristickými rozpoznateľnými ťahmi. To vytvára pocit, že obrazy sú utkané z tisícok slnečných lúčov.

Mestská dynamika v dielach Jeremyho Manna

Olej na drevených paneloch od amerického umelca Jeremyho Manna maľuje dynamické portréty modernej metropoly. „Abstraktné formy, línie, kontrast svetlých a tmavých škvŕn – to všetko vytvára obraz, ktorý navodzuje pocit, ktorý človek prežíva v dave a nepokoji mesta, ale môže vyjadrovať aj pokoj, ktorý človek nachádza pri rozjímaní nad tichou krásou,“ hovorí umelec.

Iluzívny svet Neila Simona

Na obrazoch britského umelca Neila Simonea (Neil Simone) nie je všetko také, ako sa na prvý pohľad zdá. „Svet okolo mňa je pre mňa sériou krehkých a neustále sa meniacich tvarov, tieňov a hraníc,“ hovorí Simon. A v jeho obrazoch je naozaj všetko iluzórne a prepojené. Hranice sú zmyté a príbehy sa prelínajú jeden do druhého.

Milostná dráma Josepha Lorasso

Súčasný americký umelec talianskeho pôvodu Joseph Lorusso prenáša na plátno výjavy, ktoré videl v každodennom živote obyčajných ľudí. Jeho emotívne obrazy napĺňajú objatia a bozky, vášnivé impulzy, chvíle nežnosti a túžby.

Život na dedine Dmitrija Levina

Dmitrij Levin je uznávaným majstrom ruskej krajiny, ktorý sa etabloval ako talentovaný predstaviteľ ruskej realistickej školy. Najdôležitejším zdrojom jeho umenia je jeho pripútanosť k prírode, ktorú nežne a vášnivo miluje a cíti sa byť jej súčasťou.

Svetlý východ Valery Blokhin

Umenie moderného maliarstva sú diela vytvorené v súčasnosti alebo v nedávnej minulosti. Uplynie určitý počet rokov a tieto obrazy sa stanú súčasťou histórie. Obrazy vytvorené v období od 60. rokov minulého storočia až po súčasnosť reflektujú viaceré oblasti súčasného umenia, ktoré možno zaradiť do postmoderny. V časoch secesie bola širšie zastúpená tvorba maliarov a v 70. rokoch dvadsiateho storočia došlo k zmene sociálnej orientácie maliarskeho umenia.

Aktuálne umenie

Umelci modernej maľby predstavujú predovšetkým nové trendy vo výtvarnom umení. V kultúrnej terminológii existuje pojem „súčasné umenie“, ktorý trochu súvisí s pojmom „súčasná maľba“. Pod súčasným umením majú umelci najčastejšie na mysli inovácie, keď sa maliar obracia k ultramoderným témam bez ohľadu na ich zameranie. Obraz je možné namaľovať a znázorniť akýkoľvek priemyselný podnik. Alebo na plátne krajinná krajina s pšeničným poľom, lúkou, lesom, no zároveň sa v diaľke určite črtá kombajn. Štýl modernej maľby implikuje sociálnu orientáciu obrazu. Krajinky súčasných umelcov bez sociálneho presahu sú zároveň hodnotené oveľa vyššie.

Voľba smeru

Od konca 90. rokov súčasní umelci opúšťajú produkčné témy a presúvajú svoju tvorbu do hlavného prúdu čistého výtvarného umenia. Sú tu majstri jemného portrétovania, krajinných scén, zátiší v štýle flámskej kresby. A postupne sa v modernom maliarstve začalo objavovať skutočné umenie, ktoré nebolo v ničom horšie ako maľby vynikajúcich umelcov 18. a 19. storočia a v niektorých ohľadoch ich dokonca prevyšovalo. Dnešným majstrom štetca pomáha rozvinutá technická základňa, množstvo nových nástrojov, ktoré im umožňujú naplno premietnuť ich plány na plátno. Umelci súčasnej maľby tak môžu tvoriť podľa svojich najlepších schopností. V procese maľovania je samozrejme dôležitá kvalita farieb alebo štetcov, ale stále je hlavnou vecou talent.

abstraktný expresionizmus

Moderní umelci dodržiavajú metódy maľby, ktoré umožňujú použitie negeometrických ťahov aplikovaných vo veľkom počte na veľké plátno. Používajú sa veľké štetce, niekedy maliarske štetce. Takúto maľbu možno len ťažko nazvať umením v klasickom zmysle slova, avšak abstrakcia je pokračovaním surrealizmu, ktorý sa objavil v roku 1920 vďaka myšlienkam Andre Bretona a okamžite si našiel množstvo nasledovníkov, ako napríklad Salvator Dali, Hans Hoffmann, Adolf Gottlieb. Súčasní umelci zároveň chápu expresionizmus po svojom. Dnes sa tento žáner líši od svojho predchodcu veľkosťou obrazov, ktoré môžu dosiahnuť tri metre na dĺžku.

Pop Art

Protiváhou abstrakcionizmu bola koncepčná nová avantgarda, ktorá presadzuje estetické hodnoty. Moderní umelci začali do svojich obrazov vkladať obrazy známych osobností ako Mao Ce-tung alebo Marilyn Monroe. Toto umenie sa nazývalo "pop art" - populárny, všeobecne uznávaný trend v maľbe. Masová kultúra vystriedala abstrakcionizmus a dala vzniknúť zvláštnemu druhu estetiky, ktorá farebne, veľkolepým spôsobom predstavila verejnosti to, čo mal každý na perách, niektoré nedávne udalosti či obrazy známych ľudí v rôznych životných situáciách.

Zakladateľmi a nasledovníkmi pop artu boli Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorealizmus

Moderné umenie je mnohostranné, často sa v ňom objavuje nový smer, ktorý spája dva a viac druhov výtvarného umenia. Takouto formou sebavyjadrenia umelca sa stal fotorealizmus. Tento smer v maľbe sa objavil v USA v roku 1968. Vynašiel ho avantgardný umelec Louis Meisel a žáner bol predstavený o dva roky neskôr, vo Whitney Museum počas výstavy Twenty-two Realists.

Maľba v štýle fotorealizmu je spojená s fotografiou, pohyb objektu akoby zamrzol v čase. Fotorealistický umelec zbiera pomocou fotografií svoj obraz, ktorý bude na obraze zachytený. Z negatívu alebo diapozitívu sa obraz prenesie na plátno projekciou alebo pomocou mierky. Potom sa pomocou maliarskych technológií vytvorí ucelený obraz.

Rozkvet fotorealizmu nastal v polovici 70. rokov, potom došlo k poklesu popularity a začiatkom 90. rokov bol žáner opäť oživený. Ctihodní umelci pôsobili najmä v USA, medzi nimi bolo veľa sochárov, ktorí svoje diela tvorili aj pomocou obrazovej projekcie. Najznámejšími majstrami maľby založenej na fotorealizme sú Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Fotorealistickí umelci mladšej generácie - Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Moderní umelci Ruska

• Serge Fedulov (nar. 1958), rodák z Nevinnomysska, územie Stavropol. Zúčastnil sa niekoľkých výstav v Latinskej Amerike a Európe. Jeho obrazy sa vyznačujú realizmom a kontrastnými farebnými kombináciami.
• Michail Golubev (nar. 1981), vyštudoval výtvarnú triedu Omskej maliarskej školy. V súčasnosti žije v Petrohrade. Vyznačuje sa nezvyčajným spôsobom kreativity, všetky jeho diela sú reflexné maľby s hlbokým filozofickým podtextom.
• Dmitrij Annenkov (nar. 1965) v Moskve. Vyštudoval Stroganovovu umeleckú školu. Populárne v zahraničí, ale uprednostňuje ruské výstavy. Annenkovovo umenie je realistické, umelec je uznávaným majstrom zátišia.

Ruskí impresionisti

• Alexej Černigin, ruský impresionistický maliar (nar. 1975), je synom slávneho maliara Alexandra Černigina. Vyštudoval maľbu a grafický dizajn na umeleckej škole v Nižnom Novgorode. Vyštudoval architektonický inštitút v Nižnom Novgorode v odbore priemyselný dizajn. Člen Zväzu umelcov Ruska od roku 1998. Od roku 2001 je pedagógom na NGASU na Katedre interiérového dizajnu.
• Konstantin Lupanov, umelec Krasnodar (nar. 1977). Absolvoval Priemyselnú akadémiu na Štátnej univerzite kultúry a umenia v odbore monumentálna maľba. Účastník mnohých umeleckých výstav v Petrohrade a Petrohrade. Vyznačuje sa vzácnym štýlom olejomaľby s vírivými ťahmi. Lupanovove obrazy sú úplne zbavené kontrastných kombinácií farieb, zdá sa, že obrazy prechádzajú jeden do druhého. Sám umelec nazýva svoje diela „veselým, nezodpovedným mazanicou“, no toto tvrdenie obsahuje kus koketérie: obrazy sú v skutočnosti napísané celkom profesionálne.

Ruskí umelci maľujúci v nahom štýle

• Sergej Marshennikov (nar. 1971), jeden z najznámejších súčasných ruských umelcov. Vyštudoval Vysokú školu umení v Ufe. Jeho obrazy sú príkladom do očí bijúceho realizmu. Diela pôsobia dojmom umeleckej fotografie, kompozícia je tak presná a každý ťah je overený. Maliarova manželka Natalya najčastejšie vystupuje ako model, čo mu pomáha pri vytváraní zmyselného obrazu.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (nar. 1964), vnučka slávneho operného speváka Lavrenty Dmitrievich Donskoy. Najjasnejší predstaviteľ modernej ruskej maľby. Kreslí v štýle predmetu akt. V tvorivej palete umelca nájdete krásky z východného háremu a nahé dedinské dievčatá na brehu rieky v noci sviatku Ivana Kupaly, ruského kúpeľného domu s horúcimi ženami, ktoré vychádzajú do snehu a plávajú v diere. Umelec kreslí veľa a s talentom.

Súčasní ruskí umelci a ich tvorba sa tešia čoraz väčšiemu záujmu znalcov výtvarného umenia na celom svete.

Moderná maľba ako svetové umenie

Výtvarné umenie dnes nadobudlo formy, ktoré sú odlišné od tých, ktoré boli žiadané v 18. a 19. storočí. Moderní umelci sveta sa obrátili k avantgarde v užšej interpretácii, plátna získali zdokonalenie a stali sa zmysluplnejšími. Dnešná spoločnosť potrebuje aktualizované umenie, potreba sa vzťahuje na všetky typy kreativity vrátane maľby. Obrazy súčasných umelcov, ak sú vyhotovené na dostatočne vysokej úrovni, sa skupujú, stávajú sa predmetom vyjednávania či výmeny. Niektoré plátna sú zaradené do zoznamov mimoriadne cenných umeleckých diel. Obrazy z minulosti, namaľované veľkými maliarmi, sú stále žiadané, no súčasní umelci si získavajú čoraz väčšiu obľubu. Olejové, temperové, akvarelové a iné farby im pomáhajú v kreativite a úspešnej realizácii ich plánov. Maliari sa spravidla držia akéhokoľvek štýlu. Môže ísť o krajinu, portrét, bojové scény alebo iný žáner. Podľa toho si umelec pre svoju prácu vyberá určitý typ farby.

Súčasní umelci sveta

Najslávnejší moderní umelci sa líšia v spôsobe písania, ich štetec je rozpoznateľný, niekedy sa ani nemusíte pozerať na podpis v spodnej časti plátna. Slávni majstri modernej maľby - Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

Levitan, Shishkin, Aivazovsky a mnohé ďalšie mená pozná každý vzdelaný človek u nás aj v zahraničí. Toto je naša hrdosť. Dnes je veľa talentovaných umelcov. Len ich mená ešte nie sú také známe.
Svetlá stránka spojilo 10 súčasných ruských umelcov (určite ich je oveľa viac), ktorí sa nepochybne zapíšu do klasiky maľby 21. storočia. Zistite o nich ešte dnes.

Alexej Černigin

Väčšina olejomalieb Alexeja Černigina na plátne zobrazuje krásu, romantiku a momenty skutočných pocitov. Alexej Černigin zdedil svoj talent a vášeň pre umenie po svojom otcovi, slávnom ruskom umelcovi Alexandrovi Černiginovi. Každý rok organizujú spoločnú výstavu v rodnom Nižnom Novgorode.

Konštantín Lupanov

Mladý a neuveriteľne talentovaný umelec z Krasnodaru nazýva svoj obraz „zábavnou nezodpovednou mazanicou“. Konstantin Lupanov píše to, čo miluje. Hlavnými postavami jeho obrazov sú priatelia, známi, príbuzní a milovaný kocúr Philip. Čím jednoduchší je dej, hovorí umelec, tým je obraz pravdivejší.

Stanislav Plutenko

Kreatívne motto Stanislava Plutenka: "Vidieť nezvyčajné a urobiť nezvyčajné." Moskovský umelec pracuje v unikátnej technike miešania tempery, akrylu, akvarelu a najjemnejšej glazúry AirBrash. Stanislav Plutenko je zaradený do katalógu 1000 surrealistov všetkých čias a národov.

Nikolaj Blokhin

Objavte súčasného ruského umelca, ktorý bude nepochybne o stáročia neskôr na rovnakej úrovni ako svetová klasika maľby. Nikolai Blokhin je známy predovšetkým ako maliar portrétov, hoci maľuje aj krajiny, zátišia a žánrové obrazy. Ale práve v portréte sa najzreteľnejšie prejavuje jeden z najdôležitejších aspektov jeho talentu.

Dmitrij Annenkov

Pri pohľade na hyperrealistické zátišia tohto ruského umelca chcete len natiahnuť ruku a vziať z plátna alebo sa dotknúť toho, čo je tam namaľované. Sú tak živé a oduševnené. Umelec Dmitrij Annenkov žije v Moskve a pracuje v rôznych žánroch. A celkovo nezvyčajne talentovaný.

Vasilij Šulženko

Dielo umelca Vasily Shulzhenko nenecháva nikoho ľahostajným. Buď je milovaný alebo nenávidený, vychvaľovaný za pochopenie ruskej duše a obvinený z nenávisti za ňu. V jeho obrazoch - drsné Rusko, bez škrtov a groteskných prirovnaní, alkohol, zhýralosť a stagnácia.

Arush Votsmush

Pod pseudonymom Arush Votsmush sa skrýva talentovaný umelec zo Sevastopolu Alexander Shumtsov. "Existuje také slovo - "konflikt": keď vidíte niečo úžasné, čo spôsobí, že sa vaše vnútorné kolesá otáčajú správnym smerom. Dobrý konflikt „s husou kožou“ je zaujímavý. A husia koža môže byť z čohokoľvek: zo studenej vody, z dovolenky, z toho, že ste zrazu pocítili niečo ako v detstve - keď ste boli prvýkrát prekvapení a začali sa vo vás hrať ... nesnažím sa dokázať komukoľvek čokoľvek svojou prácou. V prvom rade ma baví. Je to čistá droga kreativity. Alebo čistý život – bez dopingu. Je to len zázrak."

Alexander Vinogradov a Vladimir Dubossarsky

Vinogradov a Dubossarsky sú hlavní chuligáni a darebáci modernej ruskej maľby. Tvorivý duet vznikol v polovici 90. rokov dvadsiateho storočia. A dnes si získal celosvetovú slávu. Nie je náhoda, že spisovateľ Viktor Pelevin navrhol jeden zo svojich románov s ilustráciami z hotových diel Dubossarského a Vinogradova.

Michail Golubev

Mladý ruský umelec Michail Golubev žije a tvorí v Petrohrade. Jeho dielami sú myšlienkové maľby, fantazijné maľby a filozofické úvahy. Veľmi zaujímavý umelec s vlastným, no mnohým veľmi známym pohľadom na tento svet.

Sergej Maršennikov