Kto patrí do talianskej renesancie. talianska renesancia

Štátna akadémia rádiového inžinierstva v Rjazane

Katedra histórie a kultúry

Disciplína kultúrnych štúdií

Abstrakt na tému:

"Renesančné umenie v Taliansku"

Splnené čl. gr. 070

Boltuková A.A.

skontrolované

Kupreev A.I.

Ryazan 2001

ja Úvod………………………………………………………………………………………..…..2

Renesancia II v Taliansku:

1. Periodizácia ………………………………………………………………………………………. 3

2. Protorenesancia:

Trecento:

· Nicolo Pisano ako zakladateľ sochárskej školy ……..……………………….4

· Nové slovo v maľbe - Pietro Cavalini………………………………………………4

Florencia je hlavné mesto umelecký život Taliansko (Giotto di Bondone)……………………………………………………………………………………………………… 4

3. Raná renesancia:

Quattrocento……………………………………………………………………………………………….. 6

a) sochárstvo:

· Lorenzo Ghiberti………………………………………………………………………………. 7

· Donatello je veľký reformátor.......................................................................................................7

· Jacopo della Quercia………………………………………………………..………………...9

· Rodina sochárov della Robia………………………..………………………………………………… 9

b) maľovanie:

· Psychologická hĺbka obrazov Masaccia……………………………………….9

· Paolo Uccelo a jeho „báječnosť“………………………………………………………………… 11

4. Vrcholná renesancia:

a) v strednom Taliansku:

· Kreativita Leonarda da Vinciho ako stelesnenie harmónie.…………………..12

· Majster Madon (Raphael)…..……………………………………….…………………………………13

· Dielo Michelangelo………………………………………………………………..14

b) v Benátkach

· Mytologické a literárne zápletky Giorgione………………………………………15

· Tizian Vecellio………………………………………………………………………………... 16

5. Neskorá renesancia:

· Kreatívna individualita Tintoretta……………………………………………………………………………… 16

· Manierizmus je špeciálna fáza neskorej renesancie………………………………..17

III Záver……………………………………………………………………………………….. 18

Zoznam literatúry………………………………………………………………………………..20

B E D E N I E

Umenie renesancie vzniklo na základe humanizmu (od r lat. humanus - "ľudský") - trend sociálneho myslenia, ktorý vznikol v XIV storočí. v Taliansku a potom v druhej polovici XV-XVI storočia. šíriť do iných európske krajiny Oh. Humanizmus hlásal najvyššiu hodnotu človeka a jeho dobra. Humanisti verili, že každý človek má právo slobodne sa rozvíjať ako osoba, uvedomujúc si svoje schopnosti. Myšlienky humanizmu sa najživšie a najúplnejšie zhmotnili v umení, ktorého hlavnou témou bola krásna, harmonicky rozvinutá osoba s neobmedzenými duchovnými a tvorivými možnosťami.

Humanisti sa inšpirovali antikou, ktorá im slúžila ako zdroj poznania a vzor umeleckej tvorivosti. Veľká minulosť, neustále sa pripomínajúca v Taliansku, bola v tom čase vnímaná ako najvyššia dokonalosť, zatiaľ čo umenie stredoveku sa zdalo nešikovné barbarstvo. Pojem „obroda“, ktorý vznikol v 16. storočí, znamenal vznik nového umenia, ktoré oživilo klasickú antiku, antickú kultúru. Umenie renesancie však vďačí za mnohé umeleckej tradícii stredoveku. Staré a nové boli v nerozlučnom spojení a konfrontácii.

So všetkou rozporuplnou rozmanitosťou a bohatstvom svojho pôvodu je umenie renesancie fenoménom, ktorý sa vyznačuje hlbokou a zásadnou novotou. Položil základy európskej kultúry modernej doby. Všetky hlavné druhy umenia – maľba, grafika, sochárstvo, architektúra – sa ohromne zmenili.

V architektúre sa ustanovili kreatívne prepracované princípy starovekého poriadku a vytvorili sa nové typy verejných budov. Maľba bola obohatená o lineárnu a vzdušnú perspektívu, znalosť anatómie a proporcií ľudského tela. Do tradičných náboženských tém umeleckých diel prenikal pozemský obsah. Zvýšený záujem o antickú mytológiu, históriu, každodenné výjavy, krajinu, portréty. Spolu s monumentálnymi nástennými maľbami, ktoré zdobia architektonické štruktúry, sa objavil obraz, vznikla olejomaľba.

Umenie sa ešte celkom neodtrhlo od remesla, ale do popredia sa dostala tvorivá individualita umelca, ktorého činnosť bola v tom čase mimoriadne rôznorodá. Univerzálny talent majstrov renesancie je pozoruhodný - často pracovali v oblasti architektúry, sochárstva, maliarstva, svoju vášeň pre literatúru, poéziu a filozofiu spájali so štúdiom exaktných vied. Pojem kreatívne bohatá, alebo „renesančná“ osobnosť sa následne stal pojmom.

V umení renesancie sa cesty vedeckého a umeleckého chápania sveta a človeka úzko prelínali. Jeho kognitívny význam bol nerozlučne spätý so vznešenou poetickou Krásou, v úsilí o prirodzenosť nezostúpil do malichernej každodennosti. Umenie sa stalo univerzálnou duchovnou potrebou.

Formovanie renesančnej kultúry v Taliansku prebiehalo v ekonomicky nezávislých mestách. Pri rozmachu a rozkvete umenia renesancie zohrala dôležitú úlohu Cirkev a veľkolepé dvory nekorunovaných panovníkov (vládnucich bohatých rodín) – najväčších mecenášov a odberateľov diel maliarstva, sochárstva a architektúry. Hlavnými centrami renesančnej kultúry boli najskôr mestá Florencia, Siena, Pisa, potom Padova. Ferrara, Janov, Miláno a neskôr v druhej polovici 15. storočia bohaté kupecké Benátky. V XVI storočí. Rím sa stal hlavným mestom talianskej renesancie. Odvtedy miestne centrá umenia, okrem Benátok, stratili svoj bývalý význam.

P E R I O D I Z A T I A

Vzhľadom na prechodný charakter renesancie je pomerne ťažké stanoviť chronologický rámec tohto historického obdobia. Periodizáciu renesancie určuje vrcholná úloha výtvarného umenia v jej kultúre. Na základe znakov, ktoré budú naznačené neskôr (humanizmus, antropocentrizmus, modifikácia kresťanskej tradície, obroda antiky), potom bude chronológia vyzerať takto: úvodné obdobie, protorenesancia, "éra Danteho a Giotta", okolo 1260-1320, čiastočne sa zhoduje s obdobím ducenta (XII-XII storočia) a Trecento (XIII-XIV storočia), Raná renesancia(Quattrocento XIV-XV storočia), keď nové trendy aktívne interagujú s gotikou, prekonávajú ju a kreatívne ju pretvárajú, ako aj Vysoká a Neskorá renesancia(storočia cinquecento XV-XVI).; osobitnou fázou sa stal manierizmus.

P O T O R E N E S S A N S

V talianskej kultúre XIII - XIV storočia. Na pozadí stále silných byzantských a gotických tradícií sa začali objavovať črty nového umenia – budúceho umenia renesancie. Preto sa toto obdobie jej dejín nazývalo protorenesancia (t. j. príprava nástupu renesancie; od r. grécky"protos" - "prvý").

V žiadnej z európskych krajín podobné prechodné obdobie nebolo. V samotnom Taliansku existovalo protorenesančné umenie iba v Toskánsku a Ríme.

V talianskej kultúre sa prelínali znaky starého a nového. "Posledný básnik stredoveku" a prvý básnik novej éry Dante Alighieri (1265-1321) vytvoril taliansky literárny jazyk. V tom, čo začal Dante, pokračovali ďalší veľkí Florenťania 14. storočia - Francesco Petrarca (1304-1374), zakladateľ európskej lyriky, a Giovanni Boccaccio (1313-1375), zakladateľ románového (poviedkového) žánru vo svete literatúre. Vo výtvarnom umení ustupuje neosobné cechové remeslo individuálnej kreativite. V architektúre, sochárstve a maliarstve vystupujú významní majstri, ktorí sa stali pýchou doby – Niccolo a Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Pietro Cavallini, Giotto di Bondone, ktorých tvorba do značnej miery predurčila ďalší vývoj talianskeho umenia, položili tzv. základy obnovy.

Trecento

Od druhej polovice XIII - v začiatkom XIV v. v boji proti miestnym feudálom silneli florentskí mešťania. Florencia bola jednou z prvých, ktorá sa zmenila na bohatú republiku s ústavou prijatou v roku 1293, s rýchlo sa rozvíjajúcim meštianskym spôsobom života a vznikajúcou buržoáznou kultúrou. Florentská republika trvala takmer stopäťdesiat rokov, zbohatla v obchode s vlnou a hodvábom a preslávila sa svojimi manufaktúrami.

Zmeny v umení Talianska ovplyvnili predovšetkým sochu. Pripravili ich sochárske diela majstra Niccolo Pisano (asi 1220 - medzi 1278 a 1284). Narodil sa na juhu, v Apúlii, ale počas pôsobenia v Pise sa s mestom zblížil natoľko, že dostal prezývku Pisano, s ktorou sa zapísal do dejín talianskeho umenia. V jeho dielach je zreteľný vplyv antiky. Nepochybne študoval sochársku výzdobu neskororímskych a ranokresťanských sarkofágov. Šesťhranná mramorová kazateľnica (1260), ktorú vyrobil pre krstiteľnicu v Pise, sa stala výnimočným počinom renesančného sochárstva a ovplyvnila jeho ďalšie formovanie. Kazateľnica z bieleho, ružovo-červeného a tmavozeleného mramoru je celistvá architektonická stavba, dobre viditeľná zo všetkých strán. Podľa stredovekej tradície sú na parapetoch (stenách kazateľnice) reliéfy na výjavoch zo života Krista, medzi nimi sú postavy prorokov a alegorické cnosti. Stĺpy spočívajú na chrbtoch ležiacich levov. Tu použil Niccolo Pisano tradičné príbehy a motívy však kazateľnica už patrí do novej doby.

Niccolo sa stal zakladateľom sochárskej školy, ktorá pretrvala až do polovice 14. storočia a rozšírila svoju pozornosť po celom Taliansku. Samozrejme, veľa v soche pisánskej školy stále tiahne k minulosti. Zachováva staré alegórie a symboly. V reliéfoch nie je priestor, postavy tesne vypĺňajú plochu pozadia. A predsa sú Niccolove reformy významné. Využitie klasickej tradície, dôraz na objem, vecnosť a váhu postavy a predmetov, túžba vniesť do obrazu náboženského výjavu prvky skutočného pozemského diania vytvorili základ pre širokú obnovu umenia. V rokoch 1260-1270 realizovala dielňa Niccolo Pisana početné zákazky v mestách stredného Talianska.

Do maľby Talianska prenikajú nové trendy. Určitý čas patrila významná úloha v tejto oblasti umelcom z Ríma. Rímska škola navrhla jedného z najväčších majstrov protorenesancie - Pietro Cavallini (medzi 1240 a 1250 - asi 1330).

Rovnako ako Niccolò Pisano reformoval talianske sochárstvo, Cavallini položil základ pre nový smer v maľbe. Vo svojej tvorbe sa opieral o neskoroantické a ranokresťanské pamiatky, ktorými bol Rím vo svojej dobe ešte bohatý. Je autorom mozaík (Kostol Santa Maria in Trastevere; 1291) a fresiek (Kostol Santa Cecilia v Trastvere; asi 1293). Cavalliniho zásluha spočíva v tom, že sa snažil prekonať plošnosť foriem a kompozičnej výstavby, ktoré boli vlastné v jeho dobe prevládajúcej v r. talianska maľba„byzantským“ alebo „gréckym“ spôsobom. Zaviedol svetelné a tieňové modelovanie požičané od starovekých umelcov, čím dosiahol guľatosť a plasticitu foriem.

Od druhej dekády XIV storočia však umelecký život v Ríme zamrzol. Vedúca úloha v talianskom maliarstve prešla na florentskú školu.

Florencia bola dve storočia niečo ako hlavné mesto umeleckého života Talianska a určovala hlavný smer vývoja jeho umenia.

Zrod proto-renesančného umenia Florencie sa spája s menom Cenny di Peppo, prezývaného Cimabue (asi 1240-asi 1302).

No najradikálnejším reformátorom maľby bol jeden z najväčších umelcov talianskej protorenesancie. Giotto di Bondone (1266/67-1337). Giotto vo svojich dielach niekedy dosahuje takú silu v strete kontrastov a prenose ľudských citov, čo nám umožňuje vidieť v ňom predchodcu najväčších majstrov renesancie. Pôsobil ako maliar, sochár a architekt. Jeho hlavným povolaním však bolo maľovanie. Hlavným dielom Giotta je obraz kaplnky Arena alebo kaplnky Scrovegni (pomenovaná po zákazníkovi) v meste Padova (1303-1306). Neskoršími dielami Giotta sú nástenné maľby v kostole Santa Croce vo Florencii (kaplnka Peruzzi a kaplnka Bardi). V Chapel del Arena sú fresky usporiadané v troch radoch pozdĺž prázdnej steny. Interiér jednoduchej jednoloďovej kaplnky presvetľuje päť okien na protiľahlej stene. Dole je na malebne napodobenom podstavci z ružových a sivých štvorcov umiestnených 14 alegorických postáv prorokov a cností. Nad vchodom do kaplnky je obraz „Posledný súd“, na protiľahlej stene – výjav „Zvestovanie“. Giotto spojil 38 scén zo života Krista a Márie do jediného harmonického celku a vytvoril tak majestátny epický cyklus. Gospelové príbehy prezentuje Giotto ako skutočné udalosti. Živý jazyk rozpráva o problémoch, ktoré znepokojujú ľudí v každej dobe: o láskavosti a vzájomnom porozumení („Stretnutie Márie a Alžbety“, „Stretnutie Joachima a Anny pri Zlatej bráne“), klamstve a zrade („Bozk Judáš“, „Bičovanie Krista“), o hĺbke smútku, krotkosti, pokore a večnom, všetko pohlcujúcom materinská láska(„Nariekanie“). Scény sú plné vnútorného napätia, ako napríklad „Zmŕtvychvstanie Lazara“, miestami drásajúce svojou tragikou, ako napríklad skladba „Nesenie kríža“.

Giotto interpretuje epizódy evanjelia ako udalosti ľudského života a umiestňuje ich do skutočného prostredia, pričom odmieta spájať momenty v rôznych časoch do jednej kompozície. Giottove kompozície sú vždy priestorové, hoci javisko, na ktorom sa akcia odohráva, zvyčajne nie je hlboké. Architektúra a krajina na Giottových freskách sú vždy predmetom akcie. Každý detail v jeho kompozíciách upriamuje pozornosť diváka do sémantického centra.

Giotto položil základy renesančného umenia. Hoci nebol jediným umelcom svojej doby, ktorý sa vydal na cestu reformy, jeho odhodlanie, odhodlanie a odvážny rozchod so základnými princípmi stredovekej tradície z neho robia zakladateľa nového umenia.

Ďalším významným centrom talianskeho umenia na konci 13. storočia – prvej polovice 14. storočia bola Siena. Formovanie jeho umeleckej školy prebiehalo v rovnakom čase ako florentská, no umenie týchto dvoch najväčších toskánskych miest je iné, aké rozdielne boli ich spôsob života a ich kultúru.

Siena bola starým rivalom Florencie. To viedlo k sérii vojenských stretov, ktoré sa skončili s rôznym úspechom, no koncom 13. storočia bola prevaha na strane Florencie, ktorá sa tešila podpore pápeža.

Umenie Sieny sa vyznačuje črtami rafinovanej sofistikovanosti a dekoratívnosti. V Siene si cenili francúzske ilustrované rukopisy a ručné práce. V XIII-XIV storočí tu bola postavená jedna z najelegantnejších talianskych gotických katedrál, na fasáde ktorej pracoval v rokoch 1284-1297. Giovanni Pisano.

R A N N E E OBNOVA

V prvých desaťročiach 15. storočia nastal rozhodujúci obrat v umení Talianska. Vznik mocného centra renesancie vo Florencii viedol k obnove celej talianskej umeleckej kultúry. Dielo Donatella, Masaccia a ich spolupracovníkov znamená víťazstvo renesančného realizmu, ktorý sa výrazne líšil od „realizmu detailov“, ktorý bol charakteristický pre umenie neskorého trecenta. Diela týchto majstrov sú presiaknuté ideálmi humanizmu. Povyšujú človeka, pozdvihujú ho nad úroveň všedného dňa.

Umelci ranej renesancie v boji s gotickou tradíciou hľadali oporu v antike a umení protorenesancie. To, čo majstri protorenesancie hľadali len intuitívne, hmatom, sa dnes zakladá na presnom poznaní.

Talianske umenie 15. storočia sa vyznačuje veľkou rozmanitosťou. Rozdielnosť podmienok, v ktorých vznikajú miestne školy, vedie k vzniku rôznych umeleckých hnutí. Novému umeniu, ktoré zvíťazilo na začiatku 15. storočia vo vyspelej Florencii, sa v iných oblastiach krajiny okamžite nedostalo uznania a distribúcie.

Kým Bruneleschi, Masaccio, Donatello pôsobili vo Florencii, v severnom Taliansku boli stále živé tradície byzantského a gotického umenia, ktoré postupne nahrádzala renesancia.

Quattrocento

Od konca XIV storočia. moc vo Florencii prechádza na dom medicejských bankárov. Jeho hlava, Cosimo de' Medici, sa stal nevysloveným vládcom Florencie. Spisovatelia, básnici, vedci, architekti a umelci sa hrnú na dvor Cosima Mediciho ​​(a potom jeho vnuka Lorenza, prezývaného Veľkolepý). Začína sa vek lekárskej kultúry. Prvé náznaky novej, buržoáznej kultúry a vznik nového, buržoázneho svetonázoru sa prejavili najmä v 15. storočí, v období Quattrocenta. Ale práve preto, že proces formovania novej kultúry a nového svetonázoru nebol v tomto období ukončený (to sa stalo neskôr, v ére definitívneho rozpadu a rozpadu feudálnych vzťahov), je 15. storočie plné tvorivej slobody, smelá odvaha, obdiv k ľudskej individualite. Toto je skutočne vek humanizmu. Navyše je to éra plná viery v neobmedzenú silu mysle, éra intelektualizmu. Vnímanie reality je skúšané skúsenosťou, experimentom, ovládané mysľou. Preto duch poriadku a miery, ktorý je taký charakteristický pre umenie renesancie. Geometria, matematika, anatómia, náuka o proporciách ľudského tela majú pre umelcov veľký význam; práve vtedy začnú starostlivo študovať štruktúru človeka; v 15. storočí Talianski umelci vyriešili aj problém priamočiarej perspektívy, ktorý už dozrel v umení trecenta.

Starovek zohral obrovskú úlohu pri formovaní sekulárnej kultúry Quattrocenta. 15. storočie demonštruje priame spojenie s kultúrou renesancie. Od roku 1439, od ekumenického cirkevného koncilu vo Florencii, na ktorý prišiel byzantský cisár Ján Palaiologos a konštantínopolský patriarcha v sprievode veľkolepého sprievodu, a najmä po páde Byzancie v roku 1453, keď mnohí vedci, ktorí utiekli z Východ našiel útočisko vo Florencii, toto mesto sa stáva jedným z hlavných centier v Taliansku pre štúdium gréckeho jazyka, ako aj literatúry a filozofie starovekého Grécka. Platónska akadémia je založená vo Florencii, Laurentiánska knižnica obsahuje najbohatšiu zbierku starovekých rukopisov. A predsa vedúca úloha v kultúrnom živote Florencie v prvej polovici a polovici 15. storočia nepochybne patrila umeniu. Prvý múzeá umenia naplnené sochami, fragmentmi antickej architektúry, mramormi, mincami, keramikou. Staroveký Rím sa obnovuje. Krása trpiaceho Laocoöna, krásny Apolón (Belvedere) a Venuša (Lekárka) sa zjavujú pred užasnutou Európou.

Sochárstvo

V XV storočí. Talianske sochárstvo prekvitalo. Nadobudol samostatný význam, nezávislý od architektúry, objavili sa v ňom nové žánre. Prax umeleckého života začala zahŕňať zákazky bohatých obchodníkov a remeselníkov na výzdobu verejných budov; umelecké súťaže nadobudli charakter širokého verejného diania. Za udalosť, ktorá otvára nové obdobie vo vývoji talianskeho renesančného sochárstva, sa považuje súťaž z roku 1401 na výrobu bronzu druhých severných dverí florentského baptistéria. Medzi účastníkmi súťaže boli mladí majstri - Filippo Brunelleschi a Lorenzo Ghiberti (asi 1381-1455).

Súťaž vyhral geniálny kresliar Ghiberti. Jeden z najvzdelanejších ľudí svojej doby, prvý historik talianskeho umenia Ghiberti, v ktorého práci bola hlavnou vecou rovnováha a harmónia všetkých prvkov obrazu, zasvätil svoj život jednému typu sochy - reliéfu. Jeho hľadanie vyvrcholilo vytvorením východných dverí florentského baptistéria (1425-1452), ktoré Michelangelo nazval „Brány raja“. Desať štvorcových kompozícií z pozláteného bronzu, ktoré ich tvoria, vyjadruje hĺbku priestoru, v ktorom sa spájajú postavy, príroda a architektúra. Pripomínajú expresívne malebné maľby. Ghibertiho dielňa sa stala skutočnou školou pre celú generáciu umelcov. V jeho dielni pracoval ako pomocník mladý Donatello, veľký reformátor talianskeho sochárstva.

Donato di Niccolò di Betto Bardi, ktorý bol povolaný Donatello (okolo 1386-1466), sa narodil vo Florencii v rodine česača vlny. Pôsobil vo Florencii, Siene, Ríme, Padove. Obrovská sláva však nezmenila jeho jednoduchý spôsob života. Hovorilo sa, že obetavý Donatello zavesil na dvere svojej dielne kabelku s peniazmi a jeho priatelia a študenti si z kabelky zobrali toľko, koľko potrebovali.

Na jednej strane Donatello túžil po pravde života v umení. Na druhej strane dal svojim dielam črty vznešeného hrdinstva. Tieto vlastnosti sa objavili už v raných dielach majstra - sochy svätých určené pre vonkajšie výklenky fasád kostola Or San Michele vo Florencii a starozákonných prorokov florentskej zvonice. Sochy boli vo výklenkoch, ale okamžite upútali pozornosť svojou prísnou expresivitou a vnútorná sila snímky. Známy je najmä „Sv. Juraj“ (1416) – mladý bojovník so štítom v ruke. Má sústredený, hlboký pohľad; stojí pevne na zemi, nohy široko od seba. Donatello v sochách prorokov zdôrazňoval najmä ich charakteristické črty, niekedy hrubé, neprikrášlené, až škaredé, no živé a prirodzené. Donatellovi proroci Jeremiáš a Habakuk sú celistvé a duchovne bohaté povahy. Ich silné postavy sú skryté ťažkými záhybmi plášťov. Život zbrázdil Avvakumovu vyblednutú tvár hlbokými vráskami, úplne oplešatil, pre čo ho vo Florencii prezývali Zuccone (Tekvica).

V roku 1430 vytvoril Donatello Davida, prvú nahú sochu v talianskom renesančnom sochárstve. Socha bola určená pre fontánu na nádvorí Medicejského paláca. Biblický pastier, víťaz obrieho Goliáša, je jedným z obľúbených obrazov renesancie. Donatello, zobrazujúc svoje mladistvé telo, nepochybne vychádzal zo starožitných vzoriek, no prepracoval ich v duchu svojej doby. Premýšľavý a pokojný Dávid v pastierskom klobúku, ktorý si zatieňuje tvár, šliape nohou po Goliášovej hlave a zdá sa, že si neuvedomuje, čo sa mu podarilo.

Výlet do Ríma s Brunelleschi značne rozšíril umelecké možnosti Donatella, jeho tvorba bola obohatená o nové obrazy a techniky, ktoré ovplyvnili vplyv antiky. V majstrovej práci sa začalo nové obdobie. V roku 1433 dokončil mramorovú kazateľnicu florentskej katedrály. Celé pole kazateľnice zaberá jubilujúci kruhový tanec tanečníkov putti- niečo ako starožitní amorovia a zároveň stredovekí anjeli v podobe nahých chlapcov, niekedy okrídlených, zobrazovaných v pohybe. Ide o obľúbený motív v sochárstve talianskej renesancie, ktorý sa potom rozšíril v umení 17.-18.

Donatello takmer desať rokov pôsobil v Padove, starom univerzitnom meste, jednom z centier humanistickej kultúry, rodisku svätého Antona Paduánskeho, hlboko uctievanom v katolíckej cirkvi. Pre mestskú katedrálu zasvätenú svätému Antonovi dokončil Donatello v rokoch 1446-1450. obrovský vytesaný oltár s množstvom sôch a reliéfov. Ústredné miesto pod baldachýnom zaujímala socha Madony s dieťaťom, po oboch stranách ktorej však bolo šesť sôch svätých. Na konci XVI storočia. oltár zbúrali. Dodnes sa z neho zachovala len časť a teraz je ťažké si predstaviť, ako vyzeral pôvodne.

Štyri zachované oltárne reliéfy zobrazujúce zázračné skutky svätého Antona nám umožňujú oceniť nezvyčajné techniky, ktoré majster používal. Ide o typ plochého, akoby splošteného reliéfu. Preplnené scény sú prezentované v jedinom pohybe v prostredí skutočného života. Ako zázemie im slúžia obrovské mestské budovy a arkády. Vďaka prenosu perspektívy vzniká dojem hĺbky priestoru ako na obrazoch.

Donatello zároveň dokončil v Padove jazdeckú sochu kondotiéra Erasma de Narni, rodáka z Padovy, ktorý bol v službách Benátskej republiky. Taliani ho volali Gattamelata (Prefíkaná mačka). Ide o jednu z prvých renesančných jazdeckých pamiatok. Pokojná dôstojnosť sa vlieva do celého výzoru Gattamelaty, oblečeného v rímskom brnení, s obnaženou hlavou na rímsky spôsob, čo je veľkolepým príkladom portrétneho umenia. Takmer osemmetrová socha na vysokom podstavci je rovnako výrazná zo všetkých strán. Pamätník je umiestnený paralelne s fasádou katedrály Sant'Antonio, čo vám umožňuje vidieť ho buď proti modrej oblohe, alebo vo veľkolepom porovnaní s mocnými tvarmi kupol.

V posledných rokoch strávených vo Florencii prežíval Donatello duchovnú krízu, jeho obrazy boli čoraz dramatickejšie. Vytvoril komplexnú a výraznú skupinu „Judita a Holofernes“ (1456-1457); socha „Márie Magdalény“ (1454-1455) v podobe schátranej starenky, vychudnutej pustovníčky vo zvieracej koži – reliéfy tragickej nálady pre kostol San Lorenzo, ktorú už dokončili jeho žiaci.

Medzi najväčších sochárov prvej polovice XV storočia. nemožno prehliadnuť Jacopo della Quercia (1374-1438) – starší súčasník Ghibertiho a Donatella. Jeho dielo, bohaté na mnohé objavy, stálo akoby bokom od všeobecnej cesty, po ktorej sa rozvíjalo umenie renesancie. Quercea, rodák z mesta Siena, pôsobil v Lucce. Tam, v mestskej katedrále, sa nachádza náhrobok mladej Ilarie del Careto, vyrobený týmto majstrom, vzácnej krásy. V rokoch 1408 - 1419. Quercea vytvoril sochy pre monumentálnu fontánu Fonte Gaia na námestí Campo v Siene. Potom žil majster v Bologni, kde jeho hlavnou prácou boli reliéfy pre portál kostola San Petronio (1425-1438). Sú vyrobené z tmavosivého tvrdého miestneho kameňa a vyznačujú sa silnou monumentálnosťou, ktorá predvída obrazy Michelangela.

Druhá generácia florentských sochárov inklinovala k lyrickejšiemu, pokojnejšiemu, svetskému umeniu. Vedúca úloha v ňom patrila rodine sochárov della Robbia. Hlava rodiny Lucca della Robbia (1399 alebo 1400-1482), súčasník Brunelleschiho a Donatella, sa preslávil používaním techniky zasklenia v okrúhlych sochách a reliéfoch, často ich kombinovaním s architektúrou. Technika glazúry (majolika), známa z staroveku k národom Malej Ázie, bola v stredoveku privezená na Pyrenejský polostrov a ostrov Mallorca, preto dostala svoje meno a potom sa široko rozšírila v Taliansku. Lucca della Robbia vytvorila medailóny s reliéfmi na sýtomodrom pozadí pre budovy a oltáre, girlandy kvetov a ovocia, majolikové busty Madony, Krista, Jána Krstiteľa. Veselé, elegantné, láskavé umenie tohto majstra dostalo zaslúžené uznanie jeho súčasníkov. Veľkú dokonalosť v technike majoliky dosiahol aj jeho synovec Andrea della Robbia (1435-1525).

Maľovanie

Obrovská úloha, ktorú Brunelleschi zohral v architektúre ranej renesancie, a Donatello v sochárstve, patrila Masacciovi v maliarstve. Brunelleschi a Donatello boli na svojom tvorivom vrchole, keď sa narodil Masaccio. Podľa Vasariho sa "Masaccio snažil zobrazovať postavy s veľkou živosťou a najväčšou bezprostrednosťou, ako je realita."

Masaccio zomrel mladý, pred dosiahnutím veku 27 rokov, a napriek tomu dokázal v maľbe urobiť toľko nového, čo by za celý svoj život nezvládol žiadny iný majster.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, prezývaný Masaccio (1401 - 1428), narodil sa v meste San Valdarno pri Florencii, kam odišiel ako mladý muž študovať maliarstvo.Existovala domnienka, že jeho učiteľom bol Masolino de Panicale, s ktorým potom spolupracoval; teraz to výskumníci odmietli. Masaccio pôsobil vo Florencii, Pise a Ríme.

Klasickým príkladom oltárnej kompozície sa stala jeho „Trojica“ (1427-1428), vytvorená pre kostol Santa Maria Novella vo Florencii. Freska je vyhotovená na stene zasahujúcej do hĺbky kaplnky, ktorá je postavená vo forme renesančného oblúkového výklenku. Nástenná maľba zobrazuje krucifix, postavy Márie a Jána Krstiteľa. Sú zatienené obrazom Boha Otca. V popredí fresky zobrazujú kľačiacich zákazníkov, akoby sa nachádzali v samotných priestoroch kostola. Obraz sarkofágu, ktorý sa nachádza v spodnej časti fresky, na ktorej leží Adamova kostra. Nápis nad sarkofágom obsahuje tradičné stredoveké príslovie: "Kedysi som bol ako ty a ty budeš ako ja."

Až do 50-tych rokov. 20. storočie toto Masacciovo dielo v očiach milovníkov umenia a vedcov ustúpilo do pozadia pred jeho slávnym cyklom nástenných malieb kaplnky Brancacci. Po premiestnení fresky na pôvodné miesto v chráme v roku 1952, umytí, zreštaurovaní, keď bola objavená jej spodná časť so sarkofágom, „Trojica“ pritiahla veľkú pozornosť bádateľov a milovníkov umenia. Stvorenie Masaccia je pozoruhodné v každom ohľade. Majestátna nespútanosť obrazov sa tu spája s doteraz nevídanou realitou priestoru a architektúry, s objemnosťou postáv, expresívnou portrétnou charakteristikou tvárí zákazníkov a s obrazom Bohorodičky, prekvapivým z hľadiska sila zdržanlivého pocitu.

V tých istých rokoch Masaccio (v spolupráci s Masolinom) vytvoril v kostole Santa Maria del Carmine nástenné maľby kaplnky Brancacci, pomenovanej po bohatom florentskom zákazníkovi.

Maliar stál pred úlohou skonštruovať priestor pomocou lineárnej a vzdušnej perspektívy, umiestniť doň silné postavy postáv, pravdivo zobraziť ich pohyby, držanie tela, gestá a následne prepojiť mierku a farbu postáv s prírodným alebo architektonickým pozadím. . Masaccio sa s touto úlohou nielen úspešne vyrovnal, ale dokázal sprostredkovať aj vnútorné napätie a psychologickú hĺbku obrazov.

Zápletky nástenných malieb sú venované najmä histórii apoštola Petra. Najznámejšia skladba „Zázrak so statrom“ hovorí, ako colník zastavil Krista a jeho učeníkov pred bránami mesta Kafarnaum a žiadal od nich peniaze na údržbu chrámu. Kristus prikázal apoštolovi Petrovi, aby chytil rybu v Genezaretskom jazere a vytiahol z nej statér. Vľavo v pozadí divák vidí túto scénu. Vpravo Peter podáva peniaze zberateľovi. Skladba teda spája tri epizódy rôznych časov, v ktorých sa apoštol objavuje trikrát. V Masacciovej podstatne inovatívnej maľbe je táto technika oneskorenou poctou stredovekej tradícii obrazového rozprávania, v tom čase ju už opustili mnohí majstri a pred viac ako storočím aj samotný Giotto. To však nenarúša dojem odvážnej novosti, ktorá odlišuje celú figuratívnu štruktúru obrazu, jeho dramaturgiu, životne presvedčivé, mierne hrubé postavy.

Niekedy Masaccio predbieha svoju dobu vo vyjadrení sily a ostrosti citov. Tu je freska „Vyhnanie Adama a Evy z raja“ v tej istej kaplnke Brancacci. Divák verí, že Adama a Evu, ktorí porušili Boží zákaz, naozaj vyháňa z raja anjel s mečom v rukách. Hlavná vec tu nie je biblická zápletka a vonkajšie detaily, ale pocit bezhraničného ľudského zúfalstva, ktorý sa zmocňuje Adama, ktorý si zakrýval tvár rukami, a vzlykajúcu Evu, so zapadnutými očami a tmavou medzerou v ústach zdeformovaných plakať.

V auguste 1428 odišiel Masaccio do Ríma bez dokončenia obrazu a čoskoro náhle zomrel. Kaplnka Brancacci sa stala pútnickým miestom pre maliarov, ktorí si osvojili techniky Masaccia. Avšak, veľa v kreatívnom; Odkaz Masaccia dokázali oceniť až ďalšie generácie.

V tvorbe svojho súčasníka Paolo Uccello (1397-1475), ktorý patril ku generácii majstrov, ktorí pracovali po smrti Masaccia, túžba po elegantnej báječnosti niekedy nadobúdala až naivný odtieň. Táto črta umelcovho kreatívneho štýlu sa stala jeho pôvodným poznávacím znamením. Jeho raný malý obraz „Saint George“ je očarujúci. Zelený drak so špirálovitým chvostom a vzorovanými krídlami, akoby vyrezaný z cínu, kráča odhodlane na dvoch nohách. Nie je strašidelný, je zábavný. Samotný umelec sa pri vytváraní tohto obrazu pravdepodobne usmieval. Ale v diele Uccella sa svojhlavá fantázia spojila s vášňou pre skúmanie perspektívy. Experimenty, kresby, skice, ktorým venoval bezsenné noci, označil Vasari za výstrednosti. Paolo Uccello sa medzitým zapísal do dejín maľby ako jeden z tých maliarov, ktorí ako prví začali na svojich plátnach používať techniku ​​lineárnej perspektívy.

V mladosti Uccello pracoval v dielni Ghibertiho, potom robil mozaiky pre katedrálu San Marco v Benátkach a po návrate do Florencie sa zoznámil s maľbami Masaccia v kaplnke Brancacci, ktoré naňho mali veľký vplyv. Fascinácia perspektívou sa odzrkadlila v prvom diele Uccella – portréte anglického kondotiéra Johna Hawkwooda, Talianovi známeho ako Giovanni Acuto, ktorý namaľoval v roku 1436. Obrovská monochromatická (jednofarebná) freska zobrazuje nie živého človeka, ale jeho jazdeckú sochu, ku ktorej divák vzhliada.

Uccellove odvážne hľadania našli vyjadrenie v troch z jeho slávnych obrazov, ktoré si objednal Cosimo de' Medici a ktoré sú venované bitke dvoch florentských veliteľov s jednotkami Sieny pri San Romano. Na úžasných obrazoch Uccella, na pozadí hračkárskej krajiny, sa jazdci a bojovníci stretli v krutom boji, oštepy, štíty a stožiare. A napriek tomu bitka vyzerá ako podmienená, zamrznutá mimoriadne krásna, žiariaca zlatá scenéria s postavami koní v červenej, ružovej a dokonca aj modrej.

VYSOKÉ OŽIVENIE

Vrcholná renesancia v strednom Taliansku

Od konca 15. storočia začalo Taliansko pociťovať všetky dôsledky nepriaznivého ekonomického súperenia s Portugalskom, Španielskom a Holandskom. Severné mestá Európa organizuje množstvo vojenských ťažení proti Taliansku, ktoré je rozptýlené a stráca svoju moc. Toto ťažké obdobie prináša do života myšlienku zjednotenia krajiny, myšlienku, ktorá nemohla len nadchnúť najlepšie mysle Talianska.

Je všeobecne známe, že určité obdobia rozkvetu umenia sa nemusia zhodovať so všeobecným vývojom spoločnosti, jej materiálnym, ekonomickým postavením. V ťažkých časoch pre Taliansko sa začína krátky zlatý vek talianskej renesancie – takzvaná vrcholná renesancia, najvyšší bod rozkvetu talianskeho umenia. Vrcholná renesancia sa tak zhodovala s obdobím urputného boja talianskych miest o nezávislosť. Umenie tejto doby bolo preniknuté humanizmom, vierou v tvorivé sily človeka, v neobmedzenosť jeho možností, v racionálne usporiadanie sveta, v triumf pokroku. V umení sa do popredia dostávali problémy občianskej povinnosti, vysokých morálnych kvalít, výkonu, obrazu krásneho, harmonicky vyvinutého, duchom i telom silného hrdinu, ktorý sa dokázal povzniesť nad úroveň každodenného života. Hľadanie takéhoto ideálu viedlo umenie k syntéze, zovšeobecňovaniu, k odhaľovaniu všeobecných zákonitostí javov, k identifikácii ich logického prepojenia. Umenie vrcholnej renesancie sa zrieka detailov, drobných detailov v mene zovšeobecneného obrazu, v mene snahy o harmonickú syntézu krásnych stránok života. Toto je jeden z hlavných rozdielov medzi vrcholnou renesanciou a ranou renesanciou.

Leonardo da Vinci (1452-1519) bol prvým umelcom, ktorý jasne stelesnil tento rozdiel. Narodil sa v Anchiano pri dedine Vinci; jeho otec bol notár, ktorý sa v roku 1469 presťahoval do Florencie. Leonardovým prvým učiteľom bol Andrea Verrocchio. Postava anjela na obrázku učiteľa „Krst“ už jasne demonštruje rozdiel vo vnímaní sveta umelcom minulej éry a novej éry: žiadna čelná plochosť Verrocchio, najjemnejšia svetelná a tieňová modelácia objem a mimoriadna duchovnosť obrazu. V čase odchodu z dielne Verrocchio výskumníci pripisujú „Madonu s kvetom“ („Madonna Benois“, ako sa predtým volalo, podľa mena majiteľov). Počas tohto obdobia bol Leonardo nepochybne nejaký čas ovplyvnený Botticellim. Jeho „Zvestovanie“ v detailoch stále odhaľuje úzke spojenie s quattrocentom, ale pokojná, dokonalá krása postáv Márie a archanjela, farebná štruktúra obrazu, kompozičný poriadok hovoria o svetonázore umelca novej éry. , príznačné pre vrcholnú renesanciu.

Po odchode z Milána pracoval Leonardo nejaký čas vo Florencii. Tam sa zdalo, že Leonardovo dielo osvetľuje jasný záblesk: namaľoval portrét Mony Lisy, manželky bohatého Florenťana Francesca di Gioconda (okolo roku 1503). Portrét, známy ako „La Gioconda“, sa stal jedným z najznámejších diel svetového maliarstva.

Malý portrét mladej ženy, zahalenej vzdušným oparom, sediacej na pozadí modrozelenej podivnej skalnatej krajiny, je plný takého živého a nežného chvenia, že podľa Vasariho je vidieť pulzovať pulz v prehlbujúcej sa krku Mony Lisy. Zdá sa, že obrázok je ľahko pochopiteľný. Medzitým sa v rozsiahlej literatúre o Gioconde stretávajú najprotikladnejšie interpretácie obrazu vytvoreného Leonardom.

V dejinách svetového umenia existujú diela obdarené zvláštnymi, tajomnými a magickými silami. Ťažko sa to vysvetľuje, nedá sa to opísať. Medzi nimi je na jednom z prvých miest obraz mladej Florentčanky Mony Lisy. Zjavne bola vynikajúcou osobou so silnou vôľou, inteligentnou a celistvou povahou. Leonardo investoval do jej úžasného pohľadu, nasmerovaného na diváka, do jej povestného, ​​akoby kĺzavého tajomného úsmevu, do mimiky poznačenej nestálou premenlivosťou, nábojom takej intelektuálnej a duchovnej sily, ktorý jej imidž pozdvihol do nedosiahnuteľnej výšky.

V posledných rokoch svojho života Leonardo da Vinci pracoval málo ako umelec. Po pozvaní od francúzskeho kráľa Františka I. odišiel v roku 1517 do Francúzska a stal sa dvorným maliarom. Čoskoro Leonardo zomrel. Na autoportrétnej kresbe (1510 – 1515) vyzeral sivobradý patriarcha s hlbokým trúchlivým pohľadom oveľa starší ako svoj vek.

Je nemožné si predstaviť, že by Leonardo da Vinci mohol žiť a tvoriť v inej dobe. A predsa jeho osobnosť prekročila svoju dobu, povzniesla sa nad ňu. Dielo Leonarda pred Vincim je nevyčerpateľné. Mierku a jedinečnosť jeho talentu možno posúdiť podľa majstrových kresieb, ktoré zaujímajú jedno z čestných miest v dejinách svetového umenia. S kresbami Leonarda da Vinciho, náčrtmi, náčrtmi, schémami sú nerozlučne spojené nielen rukopisy venované exaktným vedám, ale aj diela o teórii umenia. V slávnom „Pojednaní o maľbe“ (1498) a jeho ďalších poznámkach sa veľká pozornosť venuje štúdiu ľudského tela, informáciám o anatómii, proporciách, vzťahu medzi pohybmi, mimikou a emocionálnym stavom človeka. Veľký priestor je venovaný problematike šerosvitu, objemovému modelovaniu, lineárnej a vzdušnej perspektíve.

Umenie Leonarda da Vinciho, jeho vedecký a teoretický výskum, jedinečnosť jeho osobnosti prešli celou históriou svetovej kultúry a mali na ňu obrovský vplyv.

S kreativitou Raphael (1483-1520) myšlienka vznešenej krásy a harmónie je spojená s dejinami svetového umenia. Všeobecne sa uznáva, že v konštelácii vynikajúcich majstrov vrcholnej renesancie, v ktorej Leonardo zosobňoval intelekt a Michelangelo - moc, bol hlavným nositeľom harmónie Raphael. Samozrejme, do tej či onej miery mal každý z nich všetky tieto vlastnosti. Niet pochýb o tom, že neúnavné úsilie o jasný, dokonalý začiatok preniká celým Raphaelovým dielom a tvorí jeho vnútorný zmysel.

Rafael spočiatku študoval v Urbine u svojho otca, potom u miestneho maliara Timotea Vitea. V roku 1500 sa presťahoval do Perugie, hlavného mesta Umbrie, aby pokračoval vo vzdelávaní v dielni slávneho maliara, vedúceho umbrijskej školy, Pietra Perugina. Mladý majster rýchlo prekonal svojho učiteľa.

Raphael bol nazývaný Majstrom Madon. Nálada duchovnej čistoty, ešte trochu naivná na jednom z jeho prvých malých obrazov – „Madonna Conestabile“ (1502 – 1503), získala vznešený charakter raného obdobia Rafaela – „Zasnúbenie Márie“ (1504). Scéna zasnúbenia Márie a Jozefa, odohrávajúca sa na pozadí nádhernej architektúry, je obrazom vysokej krásy. Tento malý obrázok už úplne patrí k umeniu vrcholnej renesancie. Hlavné postavy, skupiny dievčat a chlapcov dobývajú svojou prirodzenou gráciou. Výrazné, melodické, značky a plastické sú ich pohyby, postoje a gestá: napríklad približujúce sa ruky Márie a Jozefa, navliekajúc jej prsteň. Na obrázku nie je nič zbytočné, sekundárne. Zlaté, červené a tmavozelené tóny v súlade s jemnou modrou oblohou vytvárajú slávnostnú náladu.

V roku 1504 sa Raphael presťahoval do Florencie. Tu jeho tvorba nadobudla zrelosť a pokojnú vznešenosť. V cykle Madony varioval obraz mladej matky s Ježiškom a malým Jánom Krstiteľom na pozadí krajiny. Obzvlášť dobrá je Madonna in the Green (1505). Obraz využíva pyramídovú kompozíciu Leonarda a sfarbeniu neodmysliteľne patrí jemná harmónia farieb.

Rafaelove úspechy boli také významné, že bol v roku 1508 pozvaný na pápežský dvor do Ríma. Umelec dostal zákazku vymaľovať obradné byty pápeža, takzvané stanz (izby) vo Vatikánskom paláci. Nástenné maľby vatikánskych strof (1509 - 1517) priniesli Rafaelovi slávu, nominovali ho medzi popredných majstrov nielen Ríma, ale aj Talianska.

Ako predtým, Raphael sa opäť obrátil k milovanému obrazu Madony s dieťaťom. Majster sa pripravoval na vytvorenie svojho veľkého majstrovského diela – „Sixtínskej madony“ (1515 – 1519) pre kostol sv. Sixta v Piacenze. V dejinách umenia je „Sixtínska Madona“ obrazom dokonalej krásy.

Rafael bol úžasný majster kreslenia. Tu sa jasne prejavil jeho dokonalý, ľahký, voľný zmysel pre líniu. Významne prispel aj k architektúre. Samotné meno Raphael – Božský Sanzio – sa neskôr stalo zosobnením ideálneho umelca obdareného božským darom.

S veľkými poctami ho pochovali v rímskom Panteóne, kde dodnes spočíva jeho popol.

Michelangelo Buonarroti(1475-1564) - najväčší majster vrcholnej renesancie, ktorý vytvoril vynikajúce diela sochárstva, maliarstva a architektúry.

Michelangelo prežil detstvo v malom toskánskom mestečku Caprese neďaleko Florencie. Mladosť a roky štúdia prežil vo Florencii. AT umelecká škola na vojvodovom dvore Lorenzo Medici objavoval krásu antického umenia, komunikoval s veľkými predstaviteľmi humanistickej kultúry. Takmer všetky Michelangelove sochy patria Florencii. Rím však možno rovnako nazvať mestom Michelangelo.

V roku 1469 prišiel do Ríma, kde ho čoskoro preslávila. Najznámejším dielom prvej rímskej doby je „Pieta“ („Oplakávanie Krista“) (1498 – 1501) v kaplnke Baziliky sv. Petra. Na jej kolenách, príliš mladá na takého dospelého syna Márie, je natiahnuté bezvládne telo Kristovo. Smútok matky je ľahký a vznešený, len v geste ľavej ruky akoby sa rozlievalo duševné utrpenie. Biely mramor vyleštený do lesku. V hre svetla a tieňa pôsobí jeho povrch vzácne.

Po návrate do Florencie v roku 1501 sa Michelangelo zaviazal popraviť kolosálnu mramorovú sochu Dávida (1501-1504). Socha dosahuje výšku päť a pol metra. Zosobňuje neobmedzenú silu človeka. David sa práve pripravuje zasiahnuť nepriateľa kameňom vystreleným z praku, no už teraz je cítiť, že ide o budúceho víťaza, plného vedomia svojej fyzickej a duchovnej sily. Hrdinova tvár vyjadruje neotrasiteľnú vôľu.

Michelangelo sa považoval iba za sochára, čo však jemu, skutočnému synovi renesancie, nebránilo byť skvelým maliarom a architektom. Najveľkolepejšie dielo monumentálna maľba Vrcholná renesancia - stropná maľba Sixtínska kaplnka vo Vatikáne, ktorú vyrobil Michelangelo v rokoch 1508 - 1512.

Hrob pápeža Júliusa II. sa mohol stať vrcholom v oblasti sochárstva, ak by sa Michelangelovi podarilo zrealizovať jeho pôvodný plán: mauzóleum malo zdobiť štyridsať mramorových sôch. Dostali sme sa k „Spútanému otrokovi“ – ​​silnému, podsaditému mladému mužovi, ktorý sa márne snaží oslobodiť z okov, a „Umierajúcemu otrokovi“ – ​​krásnemu mladému mužovi, ktorý očakáva smrť ako vyslobodenie z múk ( asi 1513).

Po páde republiky vo Florencii sa Michelangelo necítil bezpečne. V roku 1534 opustil rodné mesto a presťahoval sa do Ríma, kde na príkaz pápeža Pavla III. namaľoval slávnu fresku „Posledný súd“ (1536 - 1541) na koncovú stenu Sixtínskej kaplnky. Na pozadí studenej modro-popolovej oblohy sú mnohé postavy pohltené vírivým pohybom. Prevláda tragický pocit svetovej katastrofy. Blíži sa hodina odplaty, anjeli ohlasujú príchod posledného súdu.

V posledných desaťročiach svojho života sa majster zaoberal iba architektúrou a poéziou. Dielo veľkého Michelangela tvorilo celú jednu epochu a ďaleko predbehlo svoju dobu, zohralo grandióznu úlohu vo svetovom umení a ovplyvnilo aj formovanie zásad baroka.

Vrcholná renesancia v Benátkach

Ak dielo Michelangela vo svojej druhej polovici už nesie črty novej éry, tak pre Benátky celé 16. storočie stále prechádza v znamení Cinquecenta. Benátky, ktorým sa podarilo udržať si nezávislosť, zostávajú dlhšie verné tradíciám renesancie.

Z dielne Gianbellina vyšli dvaja veľkí umelci vrcholnej benátskej renesancie: Giorgione a Titian.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, prezývaný Giorgione (1477-1510), - priamy nasledovník svojho učiteľa a typický umelec doby vrcholnej renesancie. Ako prvý sa na benátskej pôde obrátil k literárnym námetom, k mytologickým námetom. Krajina, príroda a krásne nahé ľudské telo sa preňho stali umeleckým objektom a predmetom uctievania. Zmysel pre harmóniu, dokonalosť proporcií, lineárny rytmus, mäkká svetelná maľba, spiritualita a psychologická expresivita jeho obrazov a zároveň logika, racionalizmus Giorgioneho sú blízke Leonardovi, ktorý na neho nepochybne mal priamy vplyv. keď cestoval z Milána v roku 1500. Benátky. Giorgione je však emocionálnejší ako veľký milánsky majster a ako typický benátsky umelec ho nezaujíma ani tak lineárna perspektíva, ako skôr vzdušné a hlavne farebné problémy.

Už v prvom známom diele „Madona z Castelfranco“ (okolo roku 1505) vystupuje Giorgione ako plne rozvinutý umelec; obraz Madony je plný poézie, premyslenej snovosti, preniknutý náladou smútku, ktorá je charakteristická pre všetky ženské obrazy Giorgione. Počas posledných piatich rokov svojho života (Giorgione zomrel na mor, ktorý bol obzvlášť častým návštevníkom Benátok), umelec vytvoril svoje najlepšie diela, vyhotovené olejovou technikou, hlavné v benátskej škole v čase, keď sa mozaiky stali minulosťou spolu so všetkým stredovekom umelecký systém a freska sa ukázala ako nestabilná vo vlhkom benátskom podnebí. Na obraze „Búrka“ z roku 1506 Giorgione zobrazuje človeka ako súčasť prírody. Ženu kŕmiacu dieťa, mladíka s palicou (ktorého si možno pomýliť s bojovníkom s halapartňou) nespája žiadna akcia, ale v tejto majestátnej krajine ich spája spoločná nálada, spoločný stav mysle. Giorgione vlastní tú najlepšiu a mimoriadne bohatú paletu. Tlmené tóny oranžovo-červeného oblečenia mladého muža, jeho zeleno-bielej košele, v ktorej sa odráža ženský biely plášť, sú akoby zahalené tým polosúmračným vzduchom, ktorý je charakteristický pre predbúrkové osvetlenie. Zelená farba má veľa odtieňov: olivová na stromoch, takmer čierna v hlbinách vody, olovo v oblakoch. A to všetko spája jeden svetelný tón, ktorý vyvoláva dojem nestálosti, úzkosti, úzkosti, radosti, ako je samotný stav človeka v očakávaní blížiacej sa búrky.

Tizian Vecellio (1477-1576) - najväčší umelec benátskej renesancie. Tvoril diela s mytologickou i kresťanskou tematikou, pracoval v žánri portrétu, jeho koloristický talent je výnimočný, jeho kompozičná vynaliezavosť je nevyčerpateľná a šťastná dlhovekosť mu umožnila zanechať po sebe tých najbohatších. tvorivé dedičstvočo malo hlboký vplyv na jeho potomkov. Tizian sa narodil v Cadore, malom mestečku na úpätí Álp, vo vojenskej rodine, študoval, podobne ako Giorgione, u Gianbellina a jeho prvou prácou (1508) bola spoločná maľba s Giorgione zo stodoly nemeckého spolku v Benátkach. . Po smrti Giorgioneho v roku 1511 Tizian namaľoval v Padove niekoľko miestností scuolo, filantropických bratstiev, v ktorých je nepochybne cítiť vplyv Giotta, ktorý kedysi pôsobil v Padove, a Masaccia. Život v Padove predstavil umelcovi, samozrejme, diela Mantegnu a Donatella. Sláva Tizianovi prichádza skoro. Už v roku 1516 sa stal prvým maliarom republiky, od 20. rokov - najslávnejším umelcom Benátok a úspech ho neopúšťa až do konca jeho dní. Okolo roku 1520 mu vojvoda z Ferrary objednal sériu obrazov, na ktorých Tizian vystupuje ako spevák staroveku, ktorý dokázal precítiť a hlavne stelesniť ducha pohanstva („Bacchanal“, „Feast of Venuša“, „Bacchus a Ariadne").

L O D E N E R E N E N I E

V druhej polovici 16. storočia v Taliansku narastal úpadok hospodárstva a obchodu, katolicizmus vstúpil do zápasu s humanistickou kultúrou, umenie bolo v hlbokej kríze. Posilnil protirenesančné protiklasické tendencie, stelesnené v manierizme.

Manierizmus takmer nezasiahol Benátky, ktoré v 2. pol XVI storočia sa stal hlavným centrom neskororenesančného umenia. Hoci obchodný a politický význam Benátskej republiky neustále klesal, rovnako ako jej moc, mesto Lagúna bolo stále vytlačené z moci pápeža a cudzej nadvlády a bohatstvo, ktoré nahromadil, bolo obrovské. V tomto období sa spôsob života v Benátkach a povaha ich kultúry vyznačovali takým rozsahom a nádherou, že nič nenasvedčovalo úpadku slabnúceho benátskeho štátu. V súlade s vysokou humanistickou renesančnou tradíciou v nových historických podmienkach v Benátkach sa rozvíjala kreativita veľkých majstrov neskorej renesancie, obohatená o nové formy - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Tintoretto (1518-1594), vlastným menom Jacopo Robusti, sa narodil v Benátkach a bol synom farbiara, odtiaľ majsterova prezývka - Tintoretto, čiže Malý farbiar.

Množstvo vonkajších umeleckých vplyvov sa rozplynulo v jedinečnej tvorivej individualite tohto posledného z veľkých majstrov talianskej renesancie. Vo svojej tvorbe bol obrovskou postavou, tvorcom sopečného temperamentu, prudkých vášní a hrdinskej intenzity. Po zosnulom Michelangelovi a Tizianovi vydláždil Tintoretto nové cesty v umení. Niet divu, že jeho práca mala obrovský úspech medzi súčasníkmi aj nasledujúcimi generáciami. Tintoretto sa vyznačoval skutočne neľudskou schopnosťou pracovať, neúnavným hľadaním. Tragédiu svojej doby pociťoval ostrejšie a hlbšie ako väčšina jeho súčasníkov. Majster sa búril proti zaužívaným tradíciám vo výtvarnom umení - dodržiavanie symetrie, prísnej rovnováhy, statiky; rozšíril hranice priestoru, nasýtil ho dynamikou, dramatickou akciou, začal živšie vyjadrovať ľudské city. Je tvorcom masových scén preniknutých jednotou skúsenosti.

V roku 1539 si maliar otvoril svoju dielňu v Benátkach. Tintorettova raná tvorba je málo známa. Slávu mu priniesol obraz „Zázrak odstráneného znamenia“ (1548). Výraznosť foriem a bohatá farebná schéma veľkých škvŕn červenej a modrej vytvárajú dojem zázraku, ktorý sa odohráva pred očami zdeseného davu. Svätý Marek vo vlajúcich šarlátových šatách rýchlo letiaci hore nohami zastaví popravu nespravodlivo odsúdených. Reštaurovanie posledných desaťročí odhalilo v celej svojej kráse bohatú a farebnú paletu majstra.

Nezvyčajný obraz „Úvod do chrámu“ v kostole Santa Maria del Orto (1555). Tintoretto zobrazoval polkruhové asymetrické schodisko stúpajúce strmo nahor. Mária už dosiahla svoj vrchol a vedľajšie postavy v popredí vrátane ženy s dievčaťom na ňu gestami a pohľadmi upriamujú pozornosť diváka. Umelec expresívne a odvážne postavil kompozíciu diagonálne - najdynamickejšia technika maľby. V obraze Tintoretto vyjadril myšlienku duchovnej dokonalosti človeka.

V Benátkach sa kvôli klimatickým podmienkam na zdobenie budov nepoužívali freskové maľby, ale obrovské maľby maľované technikou olejomaľba. Tintoretto je majstrom monumentálnych malieb, autorom gigantického súboru pozostávajúceho z niekoľkých desiatok diel. Boli vyrobené pre hornú a dolnú chodbu Skuolidi San Rocco (Škola sv. Rocha; 1565-1588).

Majster začal s návrhom Scuola di San Rocco vytvorením grandióznej monumentálnej kompozície „Ukrižovanie“. Obraz s mnohými postavami – divákmi (mužmi a ženami), bojovníkmi, katmi – uzatvára centrálnu scénu ukrižovania do polkruhu. Pri päte kríža tvoria príbuzní a učeníci Spasiteľa skupinu, ktorá je vzácna v duchovnej sile. V žiare farieb na súmraku sa zdá, že Kristus objíma nepokojný, rozbúrený svet rukami, pribitými na brvnách, žehná mu a odpúšťa. A v neskorších rokoch svojho života priťahovali Tintoretta masové scény. „Bitka cára“, ktorú vytvoril pre Dóžov palác (okolo roku 1585), zaberá celú stenu. V podstate ide o prvý skutočne historický obraz v európskom maliarstve. Na vyjadrenie napätia bitky na obraze použil majster nepokojný rytmus čiar, farebných ťahov a zábleskov svetla.

Dielo Tintoretta završuje vývoj umeleckej kultúry renesancie v Taliansku.

Manieristické umenie

Manierizmus je trend v európskom umení 16. storočia. Pochádza z talianskeho slova maniera - „spôsob“, „recepcia“, „umelecký rukopis“. Tento termín sa prvýkrát objavil v dejinách európskeho umenia v 20. rokoch 20. storočia. XX storočia. A štúdium manierizmu vytvorilo rozsiahlu vedeckú literatúru s kontroverznými hodnoteniami a názormi.

Manierizmus vo svojom najvšeobecnejšom vyjadrení označuje protiklasický smer, ktorý sa v Taliansku rozvinul okolo roku 1520 a rozvíjal sa až do roku 1590. Umenie manierizmu sa odkláňa od renesančných ideálov harmonického vnímania človeka, ktorý sa ocitá na milosť a nemilosť nadprirodzených síl. Svet sa javí ako nestabilný, vratký, v štádiu rozkladu. Obrazy sú plné úzkosti, úzkosti, napätia, umelec sa vzďaľuje od prírody, snaží sa ju prekonať, sleduje vo svojej tvorbe subjektívnu „vnútornú ideu“, ktorej základom nie je skutočný svet, ale tvorivá predstavivosť; prostriedkom výkonu je „krásny spôsob“ ako súčet určitých techník. Patrí medzi ne svojvoľné predlžovanie figúr, zložitý hadí rytmus, neskutočnosť fantastického priestoru a svetla a niekedy studené prenikavé farby.

Prvá etapa talianskeho manierizmu zahŕňa 20-40-te roky. 16. storočia a predstavuje pomerne úzky prúd, najzreteľnejšie stelesnený v maľbe. Najväčší a najnadanejší majster komplexu tvorivý osud bol Jacopo Pontormo(1494-1556). V jeho slávnom obraze „Zostup z kríža“ je kompozícia nestabilná, postavy sú zdanlivo rozbité, svetlé farby rezanie.

Dokončuje sa prvá generácia manierov Francesco Mazzola, prezývaný Parmigianino (1503 - 1540), sofistikovaný majster a brilantný kresliar. Rád na diváka zapôsobil: maľoval napríklad autoportrét vo vypuklom zrkadle. Úmyselná premyslenosť odlišuje jeho slávnu „Madonu s dlhým krkom“ (1438 - 1540).

Druhá etapa manierizmu (1540-1590) sa v Taliansku mení na široký prúd, zahŕňajúci maliarstvo, sochárstvo a architektúru. Manierizmus sa stáva dvorným šľachtickým umením, ktoré sa spočiatku rozvíja vo vojvodstvách Parma, Mantova, Ferrara, Modena a potom sa presadzuje vo Florencii a Ríme.

Najväčší majster - umelec dvora Medici Agnolo Bronzino(1503-1572), známy najmä svojimi slávnostnými portrétmi. Odzrkadľovali éru krvavých zverstiev a morálneho úpadku, ktoré zachvátili najvyššie kruhy talianskej spoločnosti. Vznešení zákazníci Bronzina sú akoby oddelení od diváka neviditeľnou vzdialenosťou; strnulosť ich póz, nehybnosť ich tvárí, bohatstvo ich šiat, gestá krásnych nečinných rúk sú ako vonkajšia škrupina, ktorá skrýva vnútorný chybný život.

Typ dvorného portrétu vytvorený manierizmom ovplyvnil portrétne umenie 16. – 17. storočia v iných krajinách, kde sa zvyčajne rozvíjal na živom, zdravom, niekedy prozaickejšom lokálnom základe.

Umenie manierizmu bolo prechodné: renesancia sa vytrácala do minulosti, nastal čas pre nový celoeurópsky umelecký štýl - baroko.

ZÁVER

Myšlienky humanizmu sú duchovným základom pre rozkvet renesančného umenia. Umenie renesancie je preniknuté ideálmi humanizmu, vytvorilo obraz krásneho, harmonicky rozvinutého človeka. Talianski humanisti požadovali slobodu pre človeka. „Ale sloboda v chápaní talianskej renesancie,“ napísal jej znalec A.K., aby bol silou vôle, ktorá mu bráni cítiť a myslieť tak, ako chce. V modernej vede neexistuje jednoznačné pochopenie povahy, štruktúry a chronologický rámec Renesančný humanizmus. Ale, samozrejme, humanizmus by sa mal považovať za hlavný ideologický obsah Renesančná kultúra, neoddeliteľná od celého kurzu historický vývoj Taliansko v ére začiatku rozkladu feudálnych a vzniku kapitalistických vzťahov. Humanizmus bol pokrokovým ideologickým hnutím, ktoré prispelo k vytvoreniu prostriedku kultúry, opierajúceho sa predovšetkým o antické dedičstvo. Taliansky humanizmus prešiel sériou etáp: formovanie v 14. storočí, jasný rozkvet nasledujúceho storočia, vnútorná reštrukturalizácia a postupný úpadok v 16. storočí. Evolúcia talianskej renesancie bola úzko spojená s rozvojom filozofie, politickej ideológie, vedy a iných foriem spoločenského vedomia a mala silný vplyv na umeleckú kultúru renesancie.

Humanitárne poznanie, oživené na starovekom základe, vrátane etiky, rétoriky, filológie, histórie, sa ukázalo byť hlavnou oblasťou formovania a rozvoja humanizmu, ktorého ideologickým jadrom bola doktrína človeka, jeho miesto a úloha v prírode. a spoločnosti. Táto doktrína sa rozvíjala najmä v etike a bola obohatená v rôznych oblastiach renesančnej kultúry. Humanistická etika postavila do popredia problém pozemského údelu človeka, dosiahnutia šťastia vlastným úsilím. Humanisti pristúpili k problematike sociálnej etiky novým spôsobom, pri riešení ktorého sa opierali o predstavy o sile tvorivých schopností a vôle človeka, o jeho širokých možnostiach budovania šťastia na zemi. Za dôležitý predpoklad úspechu považovali súlad záujmov jednotlivca a spoločnosti, presadzovali ideál slobodného rozvoja jednotlivca a skvalitňovania spoločenského organizmu a politických poriadkov, ktoré sú s ním nerozlučne späté. To dalo výrazný charakter mnohým etickým myšlienkam a učeniam talianskych humanistov.

Mnohé problémy rozvinuté v humanistickej etike nadobúdajú v našej dobe, keď morálne podnety ľudskej činnosti stále dôležitejšiu spoločenskú funkciu, nový význam a osobitnú dôležitosť.

Humanistický svetonázor sa stal jedným z najväčších pokrokových výdobytkov renesancie, ktorý mal silný vplyv na celý nasledujúci vývoj európskej kultúry.

Bibliografia

1. Kulturológia AI Pigaleva. Volgograd. Vydavateľstvo Volgogradskej štátnej univerzity, 1998.

2. Kultúrne štúdiá. Dejiny svetovej kultúry, spracovaná profesorkou A.N. Markovou. Moskva. "Kultúra a šport", Vydavateľské združenie "UNIGI", 1998.

3. Dejiny svetovej kultúry. Kurz prednášok, ktorý pripravil S.D. Serebryany. Moskva. Ruská štátna univerzita, 1998.

4. Eseje o dejinách svetovej kultúry, spracovaná T.F.Kuznecovovou. Moskva. "Jazyky ruskej kultúry", 1997.

5. Kulturológia. Vedecký redaktor profesor G.V.Drach. Rostov na Done. Vydavateľstvo "Phoenix", 1998.

6. Encyklopédia pre deti. Umenie upravil M.D. Aksenov. Moskva.

"Avanta+", 1997.

7. L. Lyubimov Umenie západnej Európy. Moskva. "Osvietenie", 1982.

8. Umenie západnej Európy, spracoval V. Butrosheev. Moskva. "Súčasné", 1996.

Úvod

Historiografia

Hlavné etapy renesancie

Raná renesancia

Vrcholná renesancia

Neskorá renesancia

Charakteristika renesančnej architektúry

Výtvarné umenie renesancie

Záver

Bibliografia

Úvod

„Stvoril som ťa ako bytosť nie nebeskú, ale nielen pozemskú, nie smrteľnú, ale ani nesmrteľnú, aby si sa ty, cudzinec, ktorý je donútený, stal svojím vlastným stvoriteľom a úplne si vytvoril svoj vlastný obraz. Dostali ste príležitosť klesnúť na úroveň zvieraťa, ale aj možnosť pozdvihnúť sa na úroveň božskej bytosti – iba vďaka vašej vnútornej vôli...“

Toto hovorí Boh Adamovi v traktáte talianskeho humanistu Pica della Mirandolu „O dôstojnosti človeka“. V týchto slovách je duchovná skúsenosť renesancie stlačená, je vyjadrený posun vo vedomí, ktorý urobila.

Renesančná architektúra - obdobie rozvoja architektúry v európskych krajinách od začiatku 15. do začiatku 17. storočia, vo všeobecnom priebehu renesancie a vývoja základov duchovnej a materiálnej kultúry starovekého Grécka a Ríma. . Toto obdobie je prelomovým obdobím v dejinách architektúry, najmä vo vzťahu k predchádzajúcemu architektonickému štýlu, gotike. Gotika, na rozdiel od renesančnej architektúry, hľadala inšpiráciu vo vlastnej interpretácii klasického umenia.

Historiografia

Slovo „renesancia“ (francúzska renesancia) pochádza z výrazu „la rinascita“, ktorý prvýkrát použil Giorgio Vasari v knihe „Životy najslávnejších talianskych maliarov, sochárov a architektov“ vydanej v rokoch 1550-1568.

Pojem „renesancia“ zaviedol francúzsky historik Jules Michelet na označenie zodpovedajúceho obdobia, ale švajčiarsky historik Jacob Burckhardt vo svojej knihe „Kultúra talianskej renesancie“ túto definíciu odhalil úplnejšie, jej interpretácia tvorila základ moderné chápanie talianskej renesancie. Vydanie albumu kresieb Budovy moderného Ríma alebo zbierky palácov, domov, kostolov, kláštorov a iných najvýznamnejších verejných budov Ríma, ktoré vydal Paul Le Tarouille v roku 1840, vyvolalo všeobecný záujem o renesanciu. obdobie. Potom bola renesancia považovaná za štýl „napodobňujúci starožitnosť“.

Prvým predstaviteľom tohto smeru možno nazvať Filippo Brunelleschi, ktorý pôsobil vo Florencii, meste, ktoré je spolu s Benátkami považované za pamiatku renesancie. Potom sa rozšírila do ďalších talianskych miest, do Francúzska, Nemecka, Anglicka, Ruska a ďalších krajín.

Hlavné etapy renesancie

Talianska renesancia sa zvyčajne delí na tri obdobia. V dejinách umenia môžeme hovoriť o vývoji výtvarného umenia a sochárstva v rámci ranej renesancie v XIV. V dejinách architektúry je všetko inak. V dôsledku hospodárskej krízy XIV storočia sa renesancia v architektúre začala až na začiatku XV storočia a trvala až do začiatku XVII storočia v Taliansku a dlhšie za jeho hranicami.

Možno rozlíšiť tri hlavné obdobia:

· Raná renesancia alebo Quattrocento, približne sa zhoduje s 15. storočím.

· Vrcholná renesancia, prvá štvrtina 16. storočia.

· Manierizmus alebo neskorá renesancia (2. polovica 16. storočia v 17. storočí).

V iných európskych krajinách sa vyvinul ich vlastný predrenesančný štýl a samotná renesancia sa nezačala skôr ako v 16. storočí, štýl bol vštepený do existujúcich tradícií, v dôsledku čoho môžu mať renesančné budovy v rôznych regiónoch mierne podobné črty.

V samotnom Taliansku sa renesančná architektúra presunula do manieristickej architektúry, prezentovanej v dosť odlišných trendoch v dielach Michelangela, Giulia Romana a Andrea Palladia, ktoré sa potom prerodili do baroka, aplikujúc podobné architektonické techniky v inom všeobecnom ideologickom kontexte.

Raná renesancia

Počas Quattrocenta boli znovuobjavené a formulované normy klasickej architektúry. Štúdium starých vzoriek viedlo k asimilácii klasických prvkov architektúry a ornamentu.

Priestor ako architektonická zložka je organizovaný spôsobom odlišným od stredovekých predstáv. Vychádzalo sa z logiky proporcií, tvar a postupnosť častí podlieha geometrii, a nie intuícii, čo bolo charakteristickým znakom stredovekých stavieb. Prvým príkladom tohto obdobia možno nazvať Baziliku San Lorenzo vo Florencii, ktorú postavil Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi (tal. Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446) bol veľký taliansky renesančný architekt.

Filippo Brunelleschi sa narodil vo Florencii notárovi Brunelleschi di Lippo. Filippo, na ktorého mala prejsť prax jeho otca, dostal ako dieťa humanistickú výchovu a na tú dobu najlepšie vzdelanie: študoval latinčinu, študoval antických autorov.

Po ukončení kariéry notára sa Filippo vyučil od roku 1392, pravdepodobne u zlatníka, a potom pracoval ako učeň u klenotníka v Pistoii; študoval aj kresbu, sochárstvo, rytie, sochárstvo a maliarstvo, vo Florencii študoval priemyselné a vojenské stroje, významné vedomosti z matematiky nadobudol na tú dobu v učení Paola Toscanelliho, ktorý ho podľa Vasariho učil matematiku. V roku 1398 sa Brunelleschi pripojil k Arte della Seta, ku ktorému patrili zlatníci. V Pistoii mladý Brunelleschi pracoval na strieborných postavách oltára svätého Jakuba – jeho tvorba je silne ovplyvnená umením Giovanniho Pisana. Donatello pomáhal Brunelleschimu pri práci na sochách (vtedy mal 13 alebo 14 rokov) - od tej doby spájalo majstrov na celý život priateľstvo.

V roku 1401 sa Filippo Brunelleschi vrátil do Florencie, zúčastnil sa súťaže vyhlásenej Arte di Calimala (obchod obchodníkov s látkami) na ozdobenie dvoch bronzových brán florentského baptistéria reliéfmi. Spolu s ním sa súťaže zúčastnili Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti a množstvo ďalších majstrov. Súťaž, ktorej predsedalo 34 porotcov, do ktorej musel každý majster predložiť ním vykonaný bronzový reliéf „Obeť Izáka“, trvala rok. Konkurenciu prehral Brunelleschi - Ghibertiho reliéf bol výtvarne aj technicky lepší (bol odliaty z jedného kusu a bol o 7 kg ľahší ako Brunelleschiho reliéf).

Brunelleschi, zranený prehrou v súťaži, opustil Florenciu a odcestoval do Ríma, kde sa možno rozhodol študovať antické sochárstvo k dokonalosti. V Ríme sa mladý Brunelleschi odklonil od plastiky k stavebnému umeniu, začal starostlivo merať zachované ruiny, skicoval plány celých budov a plány jednotlivých častí, hlavice a rímsy, projekcie, typy budov a všetky ich detaily. Musel vykopať časti a základy, ktoré boli zasypané, tieto plány musel urobiť doma do jedného celku, obnoviť to, čo nebolo úplne neporušené. Bol teda preniknutý duchom staroveku, pracoval ako moderný archeológ s metrom, lopatou a ceruzkou, naučil sa rozlišovať medzi typmi a usporiadaním antických stavieb a vytvoril prvé dejiny rímskej architektúry v zložkách so svojimi náčrty.

Bruneleschiho práca:

1401-1402 súťaž na tému „Obetovanie Abraháma“ zo Starého zákona; projekt bronzových reliéfov pre severné dvere florentského baptistéria (28 reliéfov uzavretých v štvorliste s rozmermi 53×43 cm). Brunelleschi prehral. Súťaž vyhral Lorenzo Ghiberti. Brunelleschi, porazený rozhodnutiami komisie, sa odvrátil od svojho rodného mesta a odišiel do Ríma... študovať tam skutočné umenie". Úľava je in národné múzeum Bargello, Florencia.

1412-1413 Ukrižovanie v kostole Santa Maria Novella, Florencia.

1417-1436 Kupola katedrály Santa Maria del Fiore, alebo jednoducho Duomo, je stále najvyššou budovou vo Florencii (114,5 m), navrhnutá tak, aby sa do nej zmestilo všetko obyvateľstvo mesta „veľkej... stúpanie k oblohe zatieňuje všetky toskánske krajiny, “napísal o ňom Leon Battista Alberti.

· 1419-1428 Stará sakristia (Sagrestia Vecchia) kostola San Lorenzo (San Lorenzo), Florencia. V roku 1419 plánoval zákazník Giovanni di Bicci, zakladateľ rodu Medici, otec Cosimo starší (Cosimo il Vecchio), prestavbu katedrály, ktorá bola vtedy malým farským kostolom, no Brunelleschimu sa podarilo dokončiť len starú sakristiu, Nová sakristia (Sagrestia Nuova), ktorú navrhol Michelangelo.

1429-1443 Kaplnka (kaplnka) Pazzi (Cappella de'Pazzi), ktorá sa nachádza na nádvorí františkánskeho kostola Santa Croce (Santa Croce) vo Florencii. Je to malá kupolová budova s ​​portikom.

· Kostol Santa Maria degli Angeli, ktorý sa začal v roku 1434 vo Florencii, zostal nedokončený.

· 1436-1487 Kostol Santo Spirito (Santo Spirito), dokončený po smrti architekta. "Centrická kupolovitá budova s ​​rovnakými štvorcami a bočnými loďami s výklenkovými kaplnkami bola potom rozšírená pridaním pozdĺžnej budovy k stĺpu baziliky s plochou strechou."

· Palác Pitti (Palazzo Pitti) sa začal v roku 1440 a nakoniec bol dokončený až v 18. storočí. Práce boli prerušené v roku 1465 kvôli tomu, že zákazník paláca, obchodník Luca Pitti, skrachoval a rezidenciu kúpili v roku 1549 Mediciovci (Eleonóra Toledská, manželka Cosima I.), ktorých chcel Luca Pitti zariadiť, objednať okná rovnakej veľkosti ako dvere v Palazzo Medici.

Podľa Brunelleschiho mal skutočný renesančný palác vyzerať takto: trojposchodový štvorcový objem budovy s položením florentského tesaného kameňa (ťaženého priamo na mieste, kde sa teraz nachádzajú záhrady Boboli, za palácom), s 3. obrovské vchodové dvere na prvom poschodí. Dve horné podlažia sú prerezané 7 oknami umiestnenými na každej strane a zjednotené líniou balkónov vedenou po celej dĺžke fasády.

Až v roku 1972 sa zistilo, že Brunelleschi bol pochovaný v katedrále Santa Reparata (IV-V storočia, vo Florencii) v predchádzajúcom chráme, na pozostatkoch ktorého bola katedrála Santa Maria del Fiore (Santa Maria del Fiore). postavený).

Európske krajiny výrazne prispeli ku kultúre renesancie. Najlepšie diela tejto doby vstúpili do svetovej kultúry. Charakteristiky historického, sociálno-ekonomického, politického a duchovného vývoja týchto krajín určovali špecifiká renesancie v každej z nich.

Renesančná kultúra vznikla v Taliansku, ktoré sa stalo klasickým centrom renesančnej kultúry. Je to z určitých dôvodov. Cez Taliansko prechádzali najdôležitejšie obchodné cesty spájajúce Európu s Áziou, čo spôsobilo prudký rast prístavných a remeselníckych miest (Florencia, Janov, Benátky, Bologna atď.).

Cez Taliansko prechádzali križiaci, čo prispelo k rozvoju remesiel, nárastu vrstvy remeselníkov. Skôr ako v iných krajinách sa začala rozvíjať výroba. To všetko podnietilo aktívny politický život v mestskej republike a vytvorilo priaznivé podmienky pre rozvoj kultúry.

Boj mešťanov proti feudálom, ktorý sa v niektorých krajinách skončil zjednotením krajiny pod záštitou silnej monarchickej moci, v Taliansku skončil víťazstvom republikánskej formy vlády a vytvorením veľkého počtu mestské republiky. To bolo víťazstvo pre tretí stav, ktorý sa nemohol uspokojiť so stredovekou kultúrou a ideológiou. Politický boj teda nevyhnutne viedol k novému chápaniu sveta.

Napokon skutočnosť, že Taliansko bolo priamym dedičom staroveká kultúra a v tejto krajine je viac jej pamiatok ako kdekoľvek inde.

Chronologický rámec talianskej renesancie pokrýva obdobie od druhej polovice XIII. a v 16. storočí. vrátane. V rámci tohto obdobia sú: Proto-renesancia (predobrodenie) - XIII a začiatok XIV storočia; Raná renesancia - od polovice XIV. a takmer celé 15. storočie; vrcholná renesancia - koniec 15. a prvá tretina 16. storočia; Neskorá renesancia - XVI a začiatok XVII storočia.

Až do konca XV storočia. o renesancii možno hovoriť len vo vzťahu k Taliansku. V iných európskych krajinách to začalo oveľa neskôr a nenašlo taký živý výraz, hoci tam boli aj vynikajúci majstri.

Za koniec talianskej renesancie sa považuje rok 1530, kedy boli talianske mestské republiky podrobené habsburskej monarchii. Nezávislosť si zachovali iba pápežské štáty a Benátky zostali na dlhý čas nezávislé.

Základom talianskej renesancie je objavenie jednotlivca, uvedomenie si jeho dôstojnosti a hodnoty jeho schopností. To je podstata renesančného humanizmu. Ten nadväzuje na tradíciu antického humanizmu, ale líši sa od neho, ako sa líši odhodlaný, podnikavý človek zo začiatku buržoáznej éry od človeka starovekej polis. Hrdinom antickej spoločnosti a antického umenia je krásna a rozumná osoba Kalakagatia (nádherne milá), fyzicky dokonalá, esteticky vyvinutá. Obrodenie formuje silnú vôľu, všestranne vzdelaného, ​​aktívneho človeka, tvorcu vlastného osudu, tvorcu seba samého.

Umenie renesancie nemožno nazvať nenáboženským. Vznikali diela s náboženskou tematikou, bolo tam aj náboženské cítenie, no nadobudlo to nový obsah. Pre ľudí renesancie sa vzdialenosť medzi Bohom a ľuďmi v porovnaní so stredovekým človekom zmenšila. Všetko, čo ľudia v živote milovali, čo obdivovali - mužská zdatnosť, múdrosť starších, nežnosť detí, krása žien, krása prírody a to, čo človek vytvoril vlastnou prácou - to všetko sa stalo majetkom a atribút posvätnej histórie.

A zároveň všetky druhy umeleckej tvorivosti renesancie - výtvarné umenie, literatúra, architektúra, hudba, divadlo a iné boli preniknuté svetským duchom. Odmietanie kánonov stredovekej kultúry, od symbolov stredoveku, umenie renesancie pocítilo dych života.

Najsvetlejšou stránkou talianskej renesancie bolo výtvarné umenie, najmä maliarstvo a sochárstvo. A odvolávajúc sa na éru talianskej renesancie, predstavujeme predovšetkým tieto druhy umenia.

Je veľmi ťažké vybrať jednotlivé mená, keď hovoríme o tvorbe umelcov talianskej renesancie. A to nielen preto, že ich bolo veľa, ale hlavne preto, že aj priemerná úroveň talianskeho umenia tejto doby bola veľmi vysoká.

protorenesancia(XIII - začiatok XIV storočia) - prah renesancie, keď sa v umení objavuje len niečo nové. Protorenesancia vzniká v mestách provincie Toskánsko - Pisa, Siena, Florencia.

Florencia je pre renesanciu tým, čím sú Atény pre staroveké Grécko – centrom umeleckej kultúry. Dala svetu Danteho, Petrarcu, Boccaccia. Žil a pracoval vo Florencii Giotto di Bondone(1266 / 76-1337) - zakladateľ európskeho maliarstva, zakladateľ realizmu.

"- Hlavnými dielami Giotta sú fresky. Vysvetľuje sa to tým, že v Toskánsku bola v tom čase veľká výstavba palácov a kostolov. Umelci v nich maľovali, takže freska sa stala hlavným typom ich tvorby. Najviac slávne Giottove fresky sa nachádzajú v Chapel del Arena v Padove. Sú namaľované takými žiarivými farbami, že aj teraz, o 700 rokov neskôr, kaplnka vyzerá ako truhlica posiata drahými kameňmi. V kaplnke sa nachádza 37 obrazov na biblické témy: „Adorácia troch kráľov“, „Judášov bozk“, „Joachim u pastierov“ a iné. Treba si všimnúť najmä umelcovo zobrazenie života a utrpenia Krista.

Giotto odmieta stredoveký kánon, ktorý požadoval vyjadrenie primátu ducha nad telom, ktorého prejavom boli netelesné pretiahnuté postavy, prísne veľké oči a nohy, ktoré sa len nepatrne dotýkajú zeme. Giotto má hmotné obrazy: masívne zavalité postavy, veľkú hlavu, úzku štrbinu očí. Zážitky postáv sú prirodzené: nejde o teatrálnosť. Umelec opúšťa ploché zlaté pozadie používané v stredovekej maľbe a umiestňuje postavy do interiéru alebo krajiny, pričom do nich často vnáša prvky architektúry.

Giotto, ktorý nepoznal zákony perspektívy a umožnil nepresnosti v anatómii, dokázal sprostredkovať zmysel pre priestor a dodať postavám objem. Bol nielen maliarom, ale aj vynikajúcim architektom.

„Giotto bol génius takej mimoriadnej sily, že v celom vesmíre by nebolo nič, čo by nedokázal zobraziť,“ ocenil Giottovu prácu tak vysoko Giottov súčasník Giovanni Boccaccio. A jeho ďalší súčasník, najväčší básnik doby renesancie, „ktorý sa stal klasikom svetovej literatúry, Dante Alighieri preslávil Giotta vo svojej Božskej komédii v jej druhej časti Očistec.

Raná renesancia(koniec XIV-XV storočia) predstavovala galaxia skvelých umelcov: Masaccio (1401-1426), Donatello (1386-1466), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Pietro Perugia no (1445-1523), Sandro Botticelli ( 1445 -1510) a desiatky ďalších vynikajúcich umelcov, ktorých obrazy zdobia múzeá sveta.

Maliar Masaccio (vlastným menom Tommaso di Giovanni), sochár Donatello a architekt Philippe Brunelleschi (1337-1446) sú určujúcimi postavami ranej renesancie.

Tvorba Masaccio otvára XV. storočie, ktoré bolo storočím najvyššieho rozkvetu florentského umenia. Masaccio namaľoval vo Florencii malú kaplnku Brancacci (pomenovanú podľa zákazníka), ktorá sa stala vzorom a školou pre niekoľko generácií talianskych majstrov. Námet fresiek je prevzatý z legendy o živote apoštola Petra. Ale na koncovú stenu vstupného oblúka umelec umiestnil fresku „Vyhnanie z raja“. Tu sa prvýkrát po ére staroveku ukázalo nahé ľudské telo, po prvýkrát v maľbe sa preniesol objem, hmotnosť postáv. Masaccio bol prvý, kto sprostredkoval priestor v rovine pomocou lineárnej perspektívy (to bolo ovplyvnené Brunelleschi). Postavy nehromadí do radov, ako sa to robilo predtým, ale rozmiestňuje ich v rôznych vzdialenostiach v závislosti od vzdialenosti od diváka. Masacciovi sa zároveň podarilo vyjadriť drámu situácie tým, že našiel presné charakteristiky postáv.

Umelec žil krátky život - 27 rokov (bol otrávený zo závisti), ale jeho umenie zostáva školou vysokej zručnosti.

Sochár Donatello vytvoril stojan a monumentálnu okrúhlu sochu a reliéf. Známe sú mnohé z jeho diel: obrazy sv. Juraja a prorokov, erb Florencie, reliéf „Herodesova slávnosť“ atď. Ale jeho najznámejším dielom bola socha Dávida (1430). Bolo to prvé zobrazenie nahej postavy v monumentálne sochárstvo. Obraz aktu, rozšírený v staroveku, bol v stredoveku zabudnutý.

Podľa legendy mladý muž – pastier Dávid – zachránil svoj ľud tak, že v jednom boji porazil bojovníka nepriateľského kmeňa Goliáša. Za tento čin ho ľudia zvolili za svojho kráľa. Obraz Dávida – jednoduchého muža, ktorý sa dostal do popredia vďaka odvahe a láske k svojmu ľudu – patril v renesancii k obľúbeným. Donatello ho zobrazil v pastierskom klobúku, opletanom brečtanom, zarámovanom dlhé vlasy, tvár je takmer zakrytá klobúkom. V jednej ruke má kameň a v druhej meč. Davidovo telo je krásne vymodelované. Socha je navrhnutá pre kruhový výhľad, a to bola tiež inovácia, pretože stredoveké sochy boli úzko spojené so stenou a podriadené architektúre. Socha tu pôsobí ako samostatné umelecké dielo.

Nie je možné nepomenovať ďalšieho úžasného umelca tej doby, muža jasného, ​​originálneho talentu a tragického osudu - Sandro Botticelli.„Je zriedkavé, že umelec tak skúsený, tak vyjadril obsah svojej éry,“ definoval Botticelliho prácu týmto spôsobom bádateľ tohto obdobia.

Botticelli namaľoval veľké množstvo obrazov, vytvoril ilustrácie k Danteho Božskej komédii, no jeho najznámejšie obrazy sú Jar a Zrodenie Venuše. Podľa mýtu sa bohyňa lásky, radosti, manželstva zrodila z morskej peny. Ide o prvý veľký (172x278) renesančný obraz na antickú tému. Podoba necirkevného maliarstva bola znakom doby.

Farebná štruktúra obrazu je obmedzená, kresba je rafinovaná a presná. Póza bohyne plávajúcej na mušli je cudná: nahotu zakrýva rukami. Všetko z nej je stelesnením ženskosti, milosti, krásy.

Následne, unesený myšlienkami kazateľa Savonarolu, sa Botticelli zriekol svojej práce, spálil obrazy, ktoré mu zostali, rozišiel sa so starými témami a začal maľovať obrazy na náboženské témy. Zomrel vo vyhnanstve, zabudnutý všetkými, prežil svoju slávu. Znovuobjavený bol koncom XIX - skorým XX storočia a ukázalo sa, že jeho umenie je v súlade s francúzskymi impresionistami - Edouardom Manetom a dokonca aj Modiglianim.

Koniec 15. a začiatok 16. storočia volal "Vysoká renesancia" a prvé desaťročia 16. storočia ako „zlatý vek“ renesancie. V týchto rokoch sa zavŕšilo hľadanie novej kultúry. Charakteristické črty realizmu talianskej renesancie – klasická čistota, ľudskosť obrazov, ich plastická sila a harmonická výraznosť – dosahujú nebývalú výšku.

Vrcholná renesancia je nielen pokračovaním a zavŕšením predchádzajúceho vývoja, ale aj kvalitatívne novou etapou. Jeho najlepší predstavitelia nielenže pokračujú v pátraní po svojich predchodcoch, nadobudnuté poznatky podriaďujú hlbším úlohám: v konkrétnom, konkrétnom, dokážu odhaliť všeobecné, charakteristické. Obrazy, ktoré vytvorili, sú hymnou ľudskej krásy a múdrosti.

Vrcholná renesancia osvetľuje dielo troch veľkých titánov, brilantných umelcov – Leonarda da Vinciho, Raphaela Santiho a Michelangela Buonarrotiho.

Bol to muž fantastickej mysle a umeleckého génia Leonardo da Vinci(1452-1519). Jeho fenomenálna výskumná sila prenikla do všetkých oblastí vedy a umenia. Dokonca aj o stáročia neskôr bádatelia jeho práce žasnú nad genialitou postrehov. najväčší mysliteľ. Leonardo bol umelec, sochár, architekt, filozof, historik, matematik, fyzik, mechanik, astronóm, anaton... Jeho početné kresby a kresby s projektmi sústruhov, spriadacích strojov, rýpadla, žeriavu, zlievarne, hydraulických strojov majú príďte k nám, prístroje pre potápačov atď. Leonardo sníval o lietaní a študoval, načrtol, vypočítal všetko, čo sa týkalo letu vtákov a hmyzu. Výsledkom týchto štúdií boli nákresy a výpočty lietadla, helikoptéry, padáku... Je ťažké aj vymenovať všetko, na čom som pracoval brilantný mysliteľ a tvorcu a k akým výsledkom dospel.

Medzi neobmedzeným množstvom svojich záujmov dáva Leonardo na prvé miesto maľbu. „Ak si maliar praje vidieť krásne veci, ktoré ho inšpirujú láskou, potom je v jeho moci zrodiť ich, a ak chce vidieť škaredé veci... tak je nad nimi vládcom a bohom... Všetko, čo vo vesmíre existuje ako esencia, ako fenomén alebo ako imaginárne, má najprv vo svojej duši a potom vo svojich rukách," napísal. "Preto maľovanie by malo byť nadradené akejkoľvek inej činnosti."

Leonardo da Vinci namaľoval veľa obrazov. Medzi nimi sú „Madonna s kvetom“ („Madonna Benois“), „Madonna Litta“, „Dáma s hranostajom“, „Mária s dieťaťom“ a mnohé ďalšie. Jeho Madony sú krásne mladé ženy, ktorých tváre sú rozžiarené láskou a obdivom k ich bábätku. Líšia sa charakterom, typom osobnosti; ale všetky sú krásne s prirodzenou ženskosťou, pozemskou krásou. Všetky Leonardove diela sú vynikajúce a predsa jeho najznámejšie výtvory sú „ Posledná večera» (1495-1498) - maľba steny refektára milánskeho kláštora Santa Maria delle Grazie, ktorá sa stala medzníkom v autorovom vedeckom bádaní a novým slovom vo výtvarnom umení; portrét manželky obchodníka Gioconda Mony Lisy (okolo roku 1503) s jej neodhaleným tajomným úsmevom. Mnoho nasledovníkov umelca sa pokúsilo zopakovať tento úsmev na plátne, ale nikto neuspel. Mnohé z najtalentovanejších diel sú venované ženám, no žiadne z nich sa svojou tajomnou silou nevyrovná hymne, ktorú vytvoril génius Leonardo na počesť najkrajšieho a najzáhadnejšieho výtvoru prírody.

V portréte Mony Lisy umelec vyriešil problém, ktorý predvídal budúce ašpirácie výtvarného umenia: zachytil nie jeden stav človeka, ale náročný proces jeho duchovný život. A už päť storočí Mona Lisa inšpiruje básnikov, hudobníkov, umelcov, podnecuje špekulácie, vyvoláva falšovanie a krádeže.

Syntéza tradícií staroveku a ducha kresťanstva našla svoje najživšie stelesnenie v dielach skvelého renesančného umelca. Rafael Santi(1483-1520). V jeho diele boli vyriešené dva hlavné problémy výtvarného umenia:

obraz plastickej dokonalosti ľudského tela, vyjadrujúci duchovné bohatstvo a harmónia vnútorného sveta človeka a konštrukcia komplexnej viacfigurálnej kompozície.

Rafael celý život hľadal dokonalý, harmonický obraz, ktorý by stelesnil svoju predstavu v obraze Madony („Madona z koňa stabilná“, „Madona v zeleni“, „Madona so stehlíkom“, „Madona v Kreslo“). Vrcholom Raphaelovho génia bola „Sixtínska Madona“ (1515-1519). Autorke sa podarilo vytvoriť obraz ideálne krásnej ženy s dieťaťom Kristom v náručí, ktorého dáva ako obetu na odčinenie ľudských hriechov. Zelené závesy sa roztiahli a divákovi sa zjavila Madona, ktorá v rukách držala dieťa Krista. Pokojná silueta Madony sa jasne týči proti jasnej oblohe. Pohybuje sa ľahkým, rozhodným krokom, protivietor hýbe záhybmi oblečenia, vďaka čomu pôsobí jej postava hmatateľnejšie. Jej malé bosé nôžky sa sotva dotýkajú svetlom naplneného oblaku. To jej dodáva mimoriadnu ľahkosť. A s rovnakou ľahkosťou nesie svojho syna, naťahuje ho k ľuďom a zároveň ho pevne drží pri sebe.

Krásna tvár mladej ženy vyjadruje veľkú vnútornú silu. Obsahuje lásku k dieťaťu, úzkosť o jeho osud a neotrasiteľnú pevnosť, vedomie toho, čo robí: matka obetuje svojho jediného syna, aby zachránila ľudí.

Kristova tvár je nedetsky vážna. Sila je cítiť cez detskú krehkosť: jeho oči vyzerajú tvrdo a bystré.

Dokonalá kompozícia, obraz vytvára pocit úžasnej harmónie. Ide o jedno z najvýznamnejších diel svetového výtvarného umenia z hľadiska umeleckého jazyka, farby, plasticity, rytmu a kompozície.

Rafael pracoval v rôznych žánroch. Je tiež autorom známych fresiek („Aténska škola“, „Parnas“, „Vyhnanie Eliodora“, „Omša v Bolsene“, „Oslobodenie apoštola Petra z väzenia“ atď.) a najväčší maliar portrétov svojho času. Maľoval diela, v ktorých sa jednotlivé črty spájajú s typickými, ktoré charakterizujú obraz doby („Portrét Júlia II.“, „Lev X“, „Portrét kardinála“, „Dáma so závojom“ atď.).

Okrem maliarstva sa Raphael zaoberal aj architektúrou, archeológiou a ochranou antických pamiatok. Raphael zomrel vo veku 37 rokov, skôr ako mohol dokončiť mnohé z práce, ktorú začal.

Tretí titán renesancie - Michelapjelo Buonarroti(1475-1564). Po dlhom živote pôsobil v období vrcholnej renesancie aj v rokoch jej úpadku. Najväčší majster svojej doby, Michelangelo, prekonal všetkých silou a sýtosťou malebných obrazov, občianskym pátosom, vášňou. Maliar, sochár, architekt, básnik Michelangelo veľkoryso prispel do pokladnice svetovej kultúry.

V rokoch 1496-1499. vytvára svoje prvé sochárske diela „Bacchus“ a „Pieta“, ktoré mu priniesli slávu. Od tohto momentu až do konca jeho života sa obraz krásneho nahého tela stáva hlavnou témou Michelangelovej tvorby. V roku 1504 dokončil práce na soche Dávida (jej výška je asi 5,5 m). Socha získala vysoké uznanie verejnosti a najvýznamnejších umelcov tej doby, bolo rozhodnuté o jej inštalácii pred radnicou vo Florencii. Otvorenie sochy vyústilo do národnej slávnosti.

Maľba stropu Sixtínskej kaplnky vo Vatikáne svedčí o titánskej pracovnej schopnosti, neľudskej námahe mysle a fyzickej sile Michelangela. Pred ním nikto nemusel prevziať také obrovské dielo: plocha fresiek je 600 metrov štvorcových. m vo výške 18 m. Michelangelo na nich pracoval v rokoch 1508 až 1512. Na maľbe Sixtínskeho stropu je 343 postáv a napriek náboženskej zápletke (scéna Starého zákona) ide o chválospev na človeka, jeho dokonalosť, sila, odvaha, krása.

Posledné dve desaťročia Michelangelovho života boli poznačené stratou nádeje, sklamaním a duchovnou osamelosťou. Ale veľký majster pokračoval v tvorbe až do konca svojich dní a vytváral diela, ktoré svedčia o jeho nehynúcej genialite.

Najväčší umelec renesancie bol Tizian Vecellio(1476/77 alebo 1480-1576). Prežil dlhý život, ktorý sa zhodoval s turbulentnými a tragickými udalosťami v dejinách Talianska. Na začiatku 20. rokov XVI. stáva sa najviac slávny umelec Benátky a sláva ho neopúšťa do konca života. Tizianove štetce patria k tvorbe s mytologickými a kresťanskými námetmi, dielam v žánri portrétu. V kompozičnej vynaliezavosti nemal obdobu, jeho koloristický talent bol fenomenálny.

Tizianove rané diela sú plné radosti zo života („Láska pozemská a nebeská“, „Bacchus a Ariadna“ (1523), „Sviatok Venuše“ atď.). V nich vystupuje aj ako spevák antiky, ktorý dokázal nadchnúť slobodného ducha tej doby.

Jedným z najznámejších obrazov veľkého majstra je „Ležiaca Venuša“ (1538). Autor v nej odhaľuje svoj typ krásy. Tizianova Venuša je predovšetkým krásna pozemská žena. Tento obrázok začína sériu obrazov zobrazujúcich krásu nahého ženského tela. Patria sem štyri varianty „Danai“ (1545-1554). Reprodukujúc starodávny ideál krásy, majster vytvára obraz, ktorý nesie krásny pozemský princíp, napĺňa ho ľudským mäsom a radosťou z bytia.

Počas svojej kariéry sa Titian venoval žánru formálneho portrétu a bol jedným z tvorcov tohto žánru. Jeho portréty sa vyznačujú najvyšším prevedením, ušľachtilosťou farieb. Najdôležitejšou vecou pre Tiziana však bol prenos individuality a vnútorného sveta človeka („Portrét mladý muž s rukavicou“, portréty Ippolita Riminaldiho, Pietra Aretina, Karola V., pápeža Pavla III. a mnohých ďalších).

Posledné roky Tizianovho života prechádzajú v podmienkach silnejúcej feudálno-katolíckej reakcie v Taliansku, vrátane Benátok, kam preniká jezuitský rád a inkvizícia. Tragické motívy sa v tvorbe umelca objavujú v dôsledku úzkostí a sklamaní. Stále viac píše o starovekých témach („Venuša a Adonis“, „Jupiter a Antiope“, „Diana a Actaeon“ atď.).

Povaha jeho maľby sa mení: svetlo, svetlé sfarbenie ustupuje silnej, búrlivej maľbe, kompozícia sa stáva dynamickejšou. Pokiaľ ide o ich spiritualitu, vnútornú dramatickosť a farebnú silu, neskoršie Tizianove výtvory prevyšujú všetko, čo predtým vytvoril umelec. Sú to „Venuša pred zrkadlom“ (1553), „Kajúca Mária Magdaléna“ (1565), „Sv. Sebastián“ (1570), „Pieta“ (1576). Najnovšie diela Tizian patrí do neskorej renesancie.

Veľký majster mal veľa žiakov, ale nikto z nich nemohol prekonať učiteľa. Dielo Tiziana malo obrovský vplyv na maľbu budúceho storočia.

Architektúra. Architektúra zaujíma jedno z popredných miest v umeleckej kultúre renesancie. Renesancia znamenala novú etapu v jeho vývoji. Charakteristickými črtami architektúry v tomto období sú: zväčšenie mierky civilnej, svetskej výstavby, zmena charakteru monumentálnej, cirkevnej architektúry – vertikalizmus, vzostupná ašpirácia, vlastná gotike stredoveku, sú nahradené novými formy, ktoré sa rozvíjajú do šírky. Človek sa stáva mierkou štruktúr.

Architektúra renesancie sa vyznačuje jednoduchosťou objemov, foriem a rytmu; pokojné a statické; symetria kompozície;

rozdelenie budovy na podlažia vodorovnými tyčami; jasné poradie umiestnenia okenných otvorov a architektonických detailov. Z antickej architektúry je sem prenesený poriadok. Hlavnými architektonickými prvkami sa opäť stávajú architráv, archivolta, stĺp, pylón, pilaster a trezor, a hlavné geometrické tvary sú štvorec, obdĺžnik, kocka, guľa. Od samého počiatku a všetkými obdobiami renesancie prechádza princíp umeleckého individualizmu, voľné uchyľovanie sa k antickým formám. Nová doba zapísala do svetových dejín architektúry veľké mená F. Brunelleschi, L. Albert, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, F. Delorme a ďalší.

Ako všetky výhonky renesančnej kultúry, aj nová architektúra vznikla v Taliansku. V jeho vývoji možno rozlíšiť tri hlavné obdobia: rané obdobie - 1420-1500. Jeho popredným architektom bol F. Brunelleschi a hlavným centrom bola provincia Toskánsko a jej hlavné mesto Florencia – kolíska talianskej renesancie; vrcholné obdobie - 1500-1540, kedy sa vedúcim architektom stáva D. Bramante a centrum sa presúva do Ríma; neskoré obdobie - 1540-1580 Popredným architektom tejto doby bol veľký sochár a maliar Michelangelo Buonarroti.

Rané obdobie renesančnej architektúry bolo prechodom od stredovekej gotiky k novým architektonickým formám. V budovách sa ešte zachovali staré črty, rád nemal prísnu proporčnú konštrukciu, veľký význam sa prikladal ornamentu. Vysoké obdobie sa vyznačovalo prísnejšou, monumentálnejšou architektúrou, správne nájdenými proporciami. Ornamentu sa už neprikladal taký význam. Neskoré obdobie, nadväzujúce a rozvíjajúce tradície prvých dvoch, odhaľuje aj nové črty - dekoratívnosť, krásu, zložitosť architektonických foriem, ktoré sa následne naplno rozvinuli v barokovom štýle.

Prvým architektonickým dielom renesancie bola budova Sirotinca vo Florencii, ktorú v roku 1421 navrhol zakladateľ talianskej renesančnej architektúry. F. Brunelleschi(1377-1446). Táto stavba sa výrazne odlišovala od gotických stavieb stredovekého obdobia a niesla črty nastupujúceho nového štýlu.

Veľký význam pre celý nasledujúci vývoj architektúry mal vývoj a výstavba najväčšej kupoly v Európe nad florentskou katedrálou Santa Maria del Fiore (jej priemer je 42 m).

Vo vývoji renesančnej architektúry má významné miesto výstavba palácovej architektúry - palazzo(dom obdĺžnikového pôdorysu s uzavretým obdĺžnikovým dvorom). Tieto architektonické štruktúry mali drsný vzhľad pevností, pretože plnili obranné funkcie. Najlepšie príklady paláca z 15. storočia sa nachádza vo Florencii, odtiaľto sa tento štýl postupne rozšíril aj do ďalších miest Talianska. Medzi najznámejšie patria Palazzo Pitti (1458), Palazzo Strozzi (1489), Palazzo Gondi (1490) a i.. Tento typ stavieb sa počas renesancie ďalej vyvíjal smerom k väčšej dekoratívnosti.

Vrcholná renesancia je spojená s nárastom politickej aktivity pápežstva. Pápeži Július II. a Lev X. pozvali do Ríma najväčších architektov – Bramanteho, Rafaela, Michelangela a ďalších.. Rím sa stal architektonickým hlavným mestom Talianska a túto úlohu si zachoval dodnes.

Zakladateľom vrcholnej renesancie v architektúre bol Donato Bramante(1444-1514) a jeho najväčším výtvorom bol projekt honosnej renesančnej stavby - Dómu sv. Peter. Bol to jeden z najvyšších úspechov renesančnej architektúry. Stavba začala v roku 1506 a pokračovala až do smrti architekta. V práci pokračoval Rafael Santi a po ňom Antonio da Sangallo. V roku 1546 prešla stavba do rúk Michelangela, ktorý vypracoval novú verziu projektu. V čase jeho smrti (1564) bola stavba katedrály v podstate dokončená.

Neskorá renesancia- toto je čas ďalšieho rozvoja tradícií predchádzajúcej etapy. Jeho zvláštnosťou je, že v architektúre boli najjasnejšie odhalené dva doplnkové trendy: jeden bol spojený s rastom klasických akademických tradícií, druhý - s nárastom dekoratívnosti, protobarokových trendov. Neskorú renesanciu reprezentujú predovšetkým diela Michelangela Buonarrotiho, Giacoma Vignolu, Andrea Palladia. Architektonické majstrovské diela Michelangela ukazujú, že k ich tvorbe pristupoval ako sochár, majster plasticity. Vytváraním tohto alebo toho obrazu, formy niekedy porušoval konštruktívnu logiku a snažil sa zvýšiť umeleckú, emocionálnu expresivitu. Genialita Michelangela predbehla svoju dobu, položila základ novým trendom, ktoré sa neskôr rozšírili a predurčili zrod barokového štýlu.

Ďalší významný architekt sledovaného obdobia J. Vignola(1507-1573) napísal slávny pojednanie „Pravidlo piatich rádov architektúry“, ktoré prakticky používali architekti sveta až do 20. storočia. Načrtáva systém na vytváranie objednávok založený na viacerých číselných pomeroch prvkov. Medzi najlepšie výtvory Vignola patrí vila pápeža Júliusa III., ktorá sa nachádza neďaleko Ríma, hlavný kostol jezuitského rádu v Ríme, Il Gesu a ďalšie.

Tvorba A. Palladio(1508-1580) spojený s rodným mestom Vicenza. Mal obrovský vplyv na vývoj talianskej a svetovej architektúry, predovšetkým na architektúru klasicizmu druhej polovice 18. a 1. polovice XIX storočí.

Palladio postavil vo Vicenze niekoľko palácov a niekoľko víl v jej okolí. Všetky jeho diela sa vyznačujú širokým a rozmanitým využitím poriadku, dokonalosťou proporcií, úžasnou harmóniou, vynikajúcou plasticitou (Palazzo Chiericati, Valmarana, Villa Rotonda, divadlo Olimpico atď.).

Architektúra talianskej renesancie výrazne ovplyvnila vývoj architektúry európskych krajín, tam sa však kvôli stabilnejším feudálnym vzťahom a gotickým tradíciám o storočie oneskorila.

Beletria. Povaha a obsah novej éry boli mnohými spôsobmi vyjadrené fikciou. Prvé výhonky humanistickej ideológie našli svoje vyjadrenie v diele Danteho, „posledného básnika stredoveku a prvého básnika novoveku“.

Dante Alighieri (1265-1321),Giovanni Boccaccio(1313-1375) a Francesco Petrarca(1304-1374) - najväčší spisovatelia talianskej renesancie. Povahou kreativity, tém, žánrov - všetky sú úplne odlišné. Existuje však jedna vlastnosť, ktorá spojila ich historický osud. Všetci veľa písali a zanechali nielen umelecké diela, ale aj niektoré literárne diela, avšak v dejinách svetovej literatúry sa každé z týchto mien spája s jedným hlavným dielom: Dante - s Božskou komédiou, Boccaccio - s dekameron, Petrarca - s básňami venovanými Laure.

Dante pracoval na svojom hlavnom diele mnoho rokov a dokončil ho na samom konci svojho života. Nazval to „komédia“. Prívlastok „božský“ jej dal Boccaccio na znak obdivu ku kráse básne a tento prívlastok jej zostal zachovaný. Napísaná „Božská komédia“ v taliančine, v žánri vízie, „spánku“, populárna v stredoveká literatúra. Báseň pozostáva z troch častí („Peklo“, „Očistec“ a „Raj“) a 100 piesní. Virgil, rímsky básnik, ktorý sám je v prvom kruhu, sa stal Danteho sprievodcom po kruhoch pekla (je ich deväť) a očistca. Hlavnou myšlienkou básne je odplata za všetky pozemské záležitosti v posmrtnom živote. Vlákna siahajú od Božskej komédie až po literatúru neskoršej doby. Z hľadiska hĺbky filozofického chápania sveta je s ním v súlade Goetheho tragédia „Faust“. Vplyv Danteho a Goetheho je zreteľne cítiť v Majster a Margarita od M. Bulgakova. „V prvom kruhu“ nazýva A. Solženicyn jeden zo svojich románov. Príbeh lásky Francescy a Paola sa stáva témou Rachmaninovovej opery Francesca da Rimini. Na rovnakú tému P.I. Čajkovskij napísal symfonickú báseň Francesca da Rimini.

"Dekameron" (z gréčtiny - desaťdňová kniha) od G. Boccaccia je zbierka poviedok s literárnym rámcom. Toto je tradičné zloženie. Takto sa stavia „Tisíc a jedna noc“, takto bolo napísané Novellino v Taliansku. Inováciou bolo podriadenie tejto formy zákonom „gotickej vertikály“ – od základov po vznešené – práve v tomto poradí sa nachádzali poviedky a samotné pojmy „vznešené“ a „nízke“ dostali humanistický výklad. Zápletky románov sú rôznorodé. Sú to starodávne legendy a stredoveké príbehy, ale predovšetkým spoľahlivé prípady zo života a anekdoty. Myšlienka Boccaccia a štruktúra knihy sa vytvorili pod vplyvom Danteho: rovnaký princíp od základov po vznešené - od hriešnikov „pekla“ po svätý „raj“ - v Dante; od satirických postáv k darebákom a napokon k pozitívnym idealizovaným hrdinom – v Boccacciu. Boccacciovou inováciou je, že preniesol kozmickú kompozíciu do skutočného pozemského života bez anjelov, diablov a svätých. Prirodzený princíp v „Dekamerone“ stojí proti neprirodzeným zákonom spoločnosti, cirkevnej askéze a triednym predsudkom. Problémy Dekameronu sú univerzálne a zároveň sociálne. Dielo Boccaccia je také bohaté na udalosti, že mnohí dramatici si z neho požičali zápletky pre svoje drámy: Shakespeare - dráma "Cymbeline" a komédia "Koniec je koruna", Lope de Vega, Moliere. Ruský skladateľ D. Bortňanskij napísal operu podľa námetu z Dekameronu (Falcon, 1786).

Na rozdiel od Danteho písal Petrarca najčastejšie po latinsky, ale dielo, ktoré ho zvečnilo – „Canzoniere“ – „Kniha piesní“ bolo napísané v r. v rodnom jazyku. On sám nedal osobitný význam na jeho lyrické piesne. Až neskôr začal brať tieto verše vážne a veľakrát ich upravoval a vylepšoval. Petrarch rozdelil zbierku básní do dvoch kníh: „O živote Madony Laury“, „O smrti Madony Laury“.

Petrarcova láska je skutočný, pozemský cit a samotná Laura je konkrétna žena. Petrarc pomenuje dátum ich prvého stretnutia, dátum jej smrti.

Petrarch nemá popis Laury. Hovorí len o jej očiach a tie sa stávajú symbolom samotnej Laury: "Neuvidíš moju zradu, oči, ktoré ma naučili láske." Týmito slovami - myšlienka vernosti milovanej žene. Ale nielen: krásu považujú za najvyššiu múdrosť, schopnú naučiť najkrajšiemu citu lásky. Petrarcovo poňatie lásky je úplne humanistické, pretože láska sa mu javí ako cit, ktorý prináša radosť aj trápenie zároveň. V tom sa líši od nebeskej lásky, ktorá prináša len radosť. Zmena citov - radosť a bolesť, šťastie a utrpenie človeka zušľachťuje, dáva vznik poézii. Láska je vždy krásna, človeka obohacuje, aj keď je to láska neopätovaná. A po Laurinom odchode zo života žije básnik nielen nádejou na stretnutie v nebi, ale aj spomienkou na ňu, ktorú mu všetko živé uchováva, akoby odrážal jej vzhľad. Láska vždy zostáva súčasťou pozemského bytia a básnikovho šťastia.

Canzoniere obsahuje aj politické motívy, reflektujúce komplikovaný vzťah vtedy. Sú myšlienky, ktoré stále znejú moderne. Petrarca teda považuje kultúru za opak vojny, je to možné len v podmienkach mieru: „Idem, kričím: Mier! Mier! Mier! - dokončí jeden zo sonetov. Petrarch výrazne prispel k teórii verša, keď objavil najbohatšie možnosti sonetu.

A ešte jedna z mnohých, svetlá postava literárneho sveta - Niccolo Machiavelli(1469-1527) – taliansky spisovateľ a politik neskorej renesancie. Jeho politické pojednanie „Sovereign“ je všeobecne známe. Moderná literatúra definuje tento žáner ako dystopiu: rozvíjajú sa tu najtragickejšie a najneľudskejšie myšlienky 16. storočia. Machiavelli však písal nielen politické traktáty, ale aj básne, poviedky, komédie. Postavy jeho komédie „Mandragora“ anticipujú obrazy hrdinov dramatikov neskoršej doby: darebák Ligrio je podobný Shakespearovmu Jagovi a Figarovi Beaumarchaisovi, pokrytec Timoteo je prototypom Molierovho Tartuffa. A to opäť ukazuje, odhaľuje vplyv, ktorý mala kultúra renesancie na celú európsku kultúru.

Ministerstvo školstva Ruskej federácie

Ústav svetovej ekonomiky a informatizácie

ESAY

v kultúrnych štúdiách

k téme: " talianska renesancia »

Vedecký poradca: Malkova T.P.

Vykonáva ho študent

MOSKVA, 2002.

1. Úvod

2. Humanizmus a jeho nedostatky

3.

4. vysoké oživenie

5. Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raphael Santi

6.

7. Pseudoveda a prírodné vedy

8. Neskorá renesancia a jej úpadok

Úvod.

Silný nárast kultúrneho života v mnohých európskych krajinách, ktorý nastal najmä v 14. – 16. storočí av Taliansku začal už v 13. storočí, sa bežne nazýva renesancia. Pojem „obroda“ (preklad francúzskeho výrazu „renesancia“) naznačuje spojenie novej kultúry s antikou. V dôsledku zoznámenia sa s Východom, najmä s Byzanciou, v období križiackych výprav a pravidelnými vzťahmi s Levantou, ktoré po nich nasledovali, sa Taliani zoznámili so starými humanistickými rukopismi, rôznymi pamiatkami starovekého výtvarného umenia a architektúry. Všetky tieto starožitnosti začali čiastočne voziť do Talianska, kde ich zbierali a študovali. Ale aj v samotnom Taliansku bolo veľa starovekých rímskych pamiatok, ktoré začali starostlivo študovať aj predstavitelia talianskej mestskej inteligencie.

Nastupujúca nová buržoázia sa s využitím antickej ideológie, vytvorenej svojho času v ekonomicky najživších a z hľadiska ich politického systému najdemokratickejších mestách staroveku, nielen pasívne asimilovala, ale prepracovala ju po svojom, formulujúc svoj nový svetonázor, ostro. oproti svetonázoru, ktorý prevládal predtým.feudalizmus. Druhý názov novej talianskej kultúry – humanizmus o tom len svedčí. Humanistická kultúra postavila do centra svojej pozornosti samého človeka (humanus – človeka), a nie božského, nadpozemského, ako tomu bolo v stredovekej ideológii. Askéza už nemala miesto v humanistickom svetonázore. Ľudské telo, jeho vášne a potreby neboli vnímané ako niečo „hriešne“, čo treba potláčať či mučiť, ale ako cieľ sám osebe, ako to najdôležitejšie v živote. Pozemská existencia bola uznaná ako jediná skutočná. Poznanie prírody a človeka bolo vyhlásené za podstatu vedy. Na rozdiel od pesimistických motívov, ktoré dominovali svetonázoru stredovekých scholastikov a mystikov, vo svetonázore a nálade ľudí renesancie prevládali motívy optimistické; vyznačovali sa vierou v človeka, v budúcnosť ľudstva, vo víťazstvo ľudského rozumu a osvietenia. V talianskej spoločnosti vznikol hlboký záujem o klasické antické jazyky, antickú filozofiu, históriu a literatúru. Zvlášť dôležitú úlohu v tomto hnutí zohralo mesto Florencia. Z Florencie prišlo množstvo vynikajúcich osobností novej kultúry.

Humanizmus a jeho nedostatky.

Som most vedúci do pekla a neba...

Uvažujme teraz, do akej kategórie patrili ľudia, ktorí po prvý raz spojili súčasnosť s antikou a postavili túto antiku do základu nového vzdelania.

Predchodcami týchto nových ľudí boli ešte potulní duchovní z 12. storočia. Vidíme tu tú istú blúdiacu existenciu, ten istý slobodný, ba viac než slobodný pohľad na život a tie isté základy antickej poézie. Ale na mieste stredovekého vzdelávania, ktoré je prevažne duchovný charakter a kultivovaný klerikmi, vzniká nový trend, ktorý vychádza z túžby po všetkom, čo je mimo stredoveku. Aktívni predstavitelia nového smeru nadobúdajú výnimočný individuálny význam vďaka tomu, že vedia, čo starí ľudia vedeli, snažia sa písať tak, ako písali starí ľudia, začínajú myslieť a čoskoro aj vnímať dojmy, ako si mysleli a vnímali starí ľudia. Čoraz aktívnejšie prenikajú do života tradície, ktorým venujú svoju činnosť.

Ale humanizmus mal aj svoje nedostatky. Noví spisovatelia často nariekajú, že humanizmus a obroda staroveku brzdili rozvoj národnej talianskej erudície, ktorá bola vo Florencii okolo roku 1300 výrazná. Potom vraj každý vo Florencii vedel čítať, dokonca aj vodiči somárov spievali Danteho canzones a najlepšie zachované talianske rukopisy sú dielom florentských pisárov; vtedy sa hovorí, že bola možná populárna encyklopédia ako Tesoretto od Brunetta Latinniho, a to všetko bolo výsledkom aktívnej účasti občanov v r. verejné záležitosti, široký obchod a cestovanie. Florencia prosperovala, pretože nevedeli, čo je to nečinnosť. Talent Florenťanov bol vysoko cenený po celom svete, každý využíval ich služby. S posilňovaním humanistických prúdov sa podľa nespokojných s týmto fenoménom počnúc rokom 1400 národné túžby vytrácajú, riešenia všetkých problémov odvtedy hľadali len starci, a preto sa celá literatúra prikláňa iba k citáciám. Dokonca aj pád slobody je spojený s fascináciou klasickou antikou, ktorá súčasníkom vnucovala otrocké uctievanie autority, a literatúra staroveku si vyslúžila zvláštnu priazeň a záštitu talianskych despotov, pretože vykresľuje obraz zničenia mestské práva.

Napriek tomu sa kultúra 14. storočia z vnútornej potreby snažila prijať humanizmus a najväčší talianski géniovia, sami o sebe najnárodnejší, otvorili dokorán dvere humanizmu a uvoľnili cestu jeho výbojom v 15. . Najvýraznejšími postavami tejto doby sú nepochybne básnici Dante, Petrarca a Boccaccio.

Dante Alighieri, Francesco Petrarch, Giovanni Boccaccio

Zanechajte nádej, vy, ktorí sem vstupujete...

Dante žil v Taliansku v čase, keď talianske mestá v boji proti pápežovi a nemeckému cisárovi ubránili svoju nezávislosť a zmenili sa na bohaté a prosperujúce republiky. Janov a Benátky sa preslávili svojimi námorníkmi a obchodníkmi, Florencia - remeselníkmi a bankármi.

V každom meste prebiehal intenzívny boj. Bohatí mešťania, prezývaní „tuční ľudia“, utláčali malých remeselníkov, ktorým hovorili „chudáci“. Šľachtické rodiny boli medzi sebou nepriateľské. Od čias boja proti nemeckému cisárovi vznikli dve strany – guelfovia, ktorí sa postavili cisárovi a podporovali pápeža, a ghibellini, spojenci cisára a odporcovia pápeža. Aj po vzniku samostatnosti každý z nich sledoval svoje vlastné ciele.

Práve táto turbulentná doba dala svetu Danteho, veľkého básnika, ktorý bol povolaný posledný básnik stredoveku a prvý básnik novoveku, tvorca talianskeho spisovného jazyka. Narodil sa vo Florencii v šľachtickej rodine. Ako deväťročný chlapec na veľkolepej májovej oslave uvidel dcéru svojej susedky Beatrice. Bola v jeho veku. Toto stretnutie z neho urobilo básnika.

Prešlo deväť rokov a Dante sa opäť stretol s Beatrice, teraz už neodolateľnou kráskou. Láska z detstva sa zmenila na romantickú lásku. Beatrice čoskoro zomrela a navždy zostala pre svojho milého ideálom lásky a krásy. Prvé cykly básní Dante venoval Beatrice. Vo veršoch oplakával jej odchod z tohto sveta.

Dante sa zúčastnil politického boja. Guelphská strana, ku ktorej patril, sa rozdelila na bielych a čiernych guelfov. Bieli guelfovia sa postavili proti pápežovi. Dante sa k nim pridal. Víťazstvo bolo na strane čiernych Guelphs. Dante musel utiecť zo svojho rodného mesta. V neprítomnosti bol odsúdený na upálenie na hranici.

Počas rokov putovania stratil priateľov, trpel klamstvom a zradou, hľadal lásku a šťastie, vernosť a priateľstvo, dúfal a bojoval. Už sa nikdy nemusel vrátiť do Florencie, kde túžil celým svojím srdcom. Aj keď sa stal najslávnejším z básnikov, pýchou Talianska, bolo mu dovolené vrátiť sa do vlasti za takých ponižujúcich podmienok, ktoré hrdo odmietol.

Celý svoj život, všetky utrpenia a víťazstvá Dante investoval do hlavného diela - básne s názvom „Komédia“. V tejto básni uvažuje o antickom a kresťanskom svete, aj keď nie na rovnakej úrovni, ale neustále medzi nimi vytvára paralelu. Tak ako v ranom období stredoveku sa zvyčajne navzájom porovnávali rôzne druhy a obrazy Starého a Nového zákona, aj Dante pri zdôvodňovaní svojich myšlienok používa väčšinou pohanské aj kresťanské prirovnania. Neskôr pre svoju dokonalosť dostala báseň názov „Božská komédia“. Dante vo svojej básni opísal peklo, očistec a raj a zaplnil ich dušami svojich súčasníkov. Vo svetovej poézii je Božská komédia porovnateľná iba s básňami Homera a z diel modernej doby - s básňami Goetheho a Puškina. O niekoľko storočí neskôr Balzac nazval zbierku svojich románov „Ľudská komédia“.

Takmer okamžite po Dante sa v Taliansku objavili ďalší dvaja básnici, ktorých mená vstúpili do svetovej literatúry. Toto sú Petrarca a Boccaccio.

Petrarca žije dodnes v pamäti väčšiny ľudstva ako veľký taliansky básnik, no jeho sláva u jeho súčasníkov bola oveľa väčšia v tom, že takpovediac zosobňoval klasickú antiku, dokázal umne napodobňovať všetky typy latinskej poézie, snažil sa sprístupniť antickú učenosť svojimi historickými dielami pre každého a písal „posolstvá“ či rozpravy o jednotlivých predmetoch staroveku, ktoré sú pre nás málo platné, ale ktorých význam je celkom pochopiteľný v dobe, keď neexistovali žiadne príručky. .

Petrarch, rovnako ako Dante, bol Florenťanom. Jeho otec patril k partii White Guelph a raz musel spolu s Dantem utiecť z Florencie. Petrarch tiež strávil mnoho rokov putovaním po Taliansku. Jeho lyrické ľúbostné básne boli všade známe. Paríž, Neapol a Rím ho pozvali, aby bol korunovaný za kráľa poézie. Petrarcha si vybral Rím a na Kapitole bol korunovaný vavrínovým vencom. Rovnako ako Dante, aj Petrarca je považovaný za tvorcu talianskeho literárneho jazyka.

Najznámejšie básne Petrarcu sú venované jeho krásnej milovanej - Laure, ktorú videl iba raz a ktorá ho inšpirovala k vznešenej láske. V ďalšom slávnom diele – básni „Triumfy“ – Petrarca obrazne opísal víťazstvo lásky nad človekom, cudnosti nad láskou, smrti nad cudnosťou, slávy nad smrťou, času nad slávou a večnosti nad časom.

Meno Laura sa, podobne ako meno Beatrice, stalo symbolom lásky, bežným podstatným menom pre básnikovho milovaného. Meno samotného Petrarca je symbolom básnika lásky.

Boccaccio bol nemanželským synom florentského obchodníka a Francúzky. Narodil sa v Paríži v roku 1313, detstvo a celý život prežil v Taliansku. Ako desaťročného ho otec dal obchodníkovi, aby sa jeho syn naučil obchodovať. Namiesto obchodovania s účtami písal Boccaccio od detstva poéziu. Obchodník si uvedomil, že jeho učeň nebude obchodníkom a poslal ho späť k otcovi. Otec prinútil syna sedieť ďalších osem rokov za obchodníkovými knihami výdavkov a príjmov. Ukázalo sa, že mladý muž je vytrvalý a jeho otec mu dovolil študovať právo v nádeji, že sa jeho syn stane právnikom. Boccaccio sa spriatelil s Petrarcom a stále si našiel čas na poéziu.

Neskôr sa Boccaccio stal známym aj ako diplomat. Navštívil dvory mnohých talianskych kniežat a panovníkov s rôznymi diplomatickými misiami. Boccaccio, využívajúc svoju slávu a autoritu, presvedčil vládu Florencie, aby otvorila špeciálne oddelenie pre štúdium diel a diel ich veľkého krajana Danteho, ktorého kedysi vyhnali z jeho rodného mesta, a vydal prvú biografiu veľkého básnika. , svoju slávnu báseň tiež prvýkrát nazval „Božská komédia“.

Boccaccio napísal veľa básní a skladieb. Medzi nimi sú pojednania „On slávnych žien"," O nešťastiach slávnych ľudí. Do svetovej literatúry ale vstúpil ako autor Dekameronu, zbierky poviedok. V knihe je ich presne sto, rozprávajú o tom, ako sa sedem dám a traja mladí muži zišli vo vidieckej vile a desať dní si rozprávali milostné príbehy.

Boccaccio pri tvorbe svojich poviedok spracoval známe podobenstvá a anekdoty o láske a predstavil ich v novej podobe (preto sa nazývajú poviedky, čo v preklade z taliančiny znamená „novinky“). Dekameron sa stal akousi encyklopédiou lásky. Sláva Boccaccia zatienila slávu mnohých spisovateľov a filozofov.

Boccaccio najviac ocenil poéziu Danteho a Petrarcu. Petrarca považoval za blízkeho priateľa; keď básnik zomrel, Boccaccio ochorel a po chvíli zomrel od smútku.

Básne Danteho a Petrarcu prežili mnoho storočí. Stále sa dotýkajú a vzrušujú milovníkov poézie. Dekameron od Boccaccia stále stojí na poličke vedľa kníh jeho veľkých súčasníkov a odhaľuje sa možno častejšie ako Danteho Božská komédia alebo Petrarcove sonety.

Vrcholná renesancia.

Prvé tri desaťročia kultúrneho rozvoja Talianska v XVI. mimoriadne bohatý na bystré talenty. Toto je čas najbližšej interakcie rôznych oblastiach umelecká a intelektuálna tvorivosť na základe ustálenej zhody nových svetonázorových pozícií a rôznych druhov umenia – na základe nového štýlu, ktorý sa stal spoločným pre celý ich súbor. Kultúra renesancie získala v tejto dobe nebývalú moc a široké uznanie v talianskej spoločnosti, aktívne ovplyvňovala celý priebeh kultúrneho rozvoja krajiny. Do značnej miery tomu napomohli úspechy humanizmu dosiahnuté koncom 15. storočia. Humanistický ideál slobodnej a harmonickej osobnosti s neobmedzenými možnosťami chápania sveta a tvorivej činnosti sa v období vrcholnej renesancie obzvlášť zreteľne vtelil do výtvarného umenia a literatúry a našiel nové chápanie vo filozofickom a politickom myslení. Zároveň nadobúdala zrelé formy aj renesančná estetika, ktorá sa rozvíjala najmä na novoplatónskom základe, ale bola ovplyvnená aj Aristotelovou poetikou. Estetika bola obohatená o nové myšlienky zrodené v diele veľkých majstrov - Leonarda da Vinciho, Raphaela, Michelangela, v spisoch Bemba, Castiglioneho a iných spisovateľov, v početných filozofických pojednaniach o láske. Ideály krásy a harmónie boli komplexne pochopené a dokonca sa stali akousi normou, ktorá ovplyvnila najrozmanitejšie druhy tvorivej činnosti: vnútorný súlad a dokonalosť formy diel sa stali charakteristickým znakom doby. Blízkosť estetických prístupov a umeleckého štýlu, ktorý dosahoval klasické črty a expresívnosť, vytvorila určitú jednotu umenia a literatúry, ktorá hrala vedúcu úlohu v kultúre vrcholnej renesancie.

K hodnotám renesancie sa aktívne pripojili nielen dvorské a aristokratické kruhy, ale aj časť duchovenstva katolíckej cirkvi. Mecenášstvo sa v Taliansku stalo veľmi nápadným sociálno-kultúrnym fenoménom. V krajine, kde sa zachoval štátny polycentrizmus, sa hlavnými centrami renesančnej kultúry stali dvory panovníkov, ktorí priťahovali umelcov a architektov, spisovateľov a historikov, politických mysliteľov a filozofov. Vo štedrej záštite od panovníkov Milána a Neapola, Mantovy a Ferrary, Urbina a Rimini nezaostával ani pápežský dvor. V republikách Florencia a Benátky sa rozvinula tradícia štátnych objednávok a súkromného sponzorstva kultúrnych osobností. Patronátny systém, ktorý sa stal pre mnohých z nich hlavným zdrojom obživy, zároveň zanechal v ich práci určitú pečať a nútil ich brať ohľad na záujmy a vkus zákazníka.

Renesančná kultúra, ktorá dosiahla vrchol svojho rozvoja v období vrcholnej renesancie, sa nevyhla krízovým javom. Sú evidentné v nastupujúcej dramatickej intenzite umeleckých obrazov, ktoré neskôr prerástli do tragédie, v trpkej túžbe ukázať zbytočnosť aj hrdinského úsilia človeka v boji proti osudovým silám, ktoré mu odporujú. Náznaky vznikajúcich krízových javov sa formujú aj v kontrastoch sociálneho myslenia, ktoré sa v tom čase ostro prejavovali: racionalizmus a triezvy pohľad na realitu sa spájajú s intenzívnym utopickým hľadaním ideálneho pozemského mesta.

Vnútorné rozpory vo vývoji renesančnej kultúry boli spôsobené predovšetkým zmenenými historickými okolnosťami, drsnými, ktoré spochybňovali vieru v schopnosti jednotlivca. Čoraz zreteľnejšia priepasť medzi humanistickými ideálmi a realitou viedla ku krízovým javom v kultúre, ako aj k pokusom o ich prekonanie. S tým súvisí aj vznik manierizmu – nového umeleckého smeru v literatúre a umení, ktorého charakteristickým znakom je dôraz na intenzívny vnútorný život človeka, mystika, rozmarná fantázia. Manierizmus opustil prísnu klasickú harmóniu v prospech ladnosti či chladnej nádhery obrazov, uchýlil sa k rozsiahlemu využívaniu techník veľkých majstrov renesancie, no jeho umelecká virtuozita sa často obmedzovala na čisto vonkajšie efekty. Umelecký jazyk manierizmu sa skomplikoval, nadobudol črty domýšľavosti, rafinovanosti a zvýšenej expresie. Estetika manierizmu presadzovala orientáciu nie na „napodobňovanie“ prírody, ale na jej „premenu“. Tento smer bol rozšírený najmä v dvorsko-šľachtickom prostredí, kde riešil najmä dekoratívne úlohy. Spája sa s rozvojom prehliadkového šľachtického portrétu, maľbou palácov a víl, záhradnou a parkovou architektúrou, vývojom kostýmov, sochárskej tvorby av literatúre predovšetkým s tvorbou básnikov. Koncom storočia, keď sa začal objavovať ďalší umelecký smer – baroko, sa štýlová heterogenita talianskej kultúry ukázala byť jednou z jej najcharakteristickejších čŕt.

Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raphael Santi.

Je príjemné spať, je príjemnejšie byť kameňom.

Oh, v tomto veku, zločineckom a hanebnom,

Nežiť, necítiť je závideniahodná vec.

Možno, bez preháňania, jednu z najvýraznejších postáv renesancie možno nazvať umelcom, sochárom, architektom a vedcom Leonardom da Vinci.

Leonardo sa narodil v roku 1452 v malom mestečku Vinci neďaleko Florencie. Leonardo z Vinci - takto podpisoval svoje obrazy, zvečnil malé mestečko, ktoré sa vďaka Leonardovi stalo známe takmer viac ako všetky hlavné mestá sveta.

Leonardo bol nemanželský syn notár a jednoduchá sedliacka žena. Otec, ktorý si všimol, že jeho syn dokáže maľovať, ho vyučil k florentskému sochárovi a umelcovi Andreovi Verrocchiovi. Leonardo sa učil remeslu šesť rokov. Verrocchio mu dal pokyn, aby namaľoval jedného z anjelov na svoj obraz „Krst Pána“. V porovnaní s anjelmi, ktoré namaľoval Leonardo, sa zvyšok obrazu zdal primitívny. Verrocchio si uvedomil, že ho študent ďaleko prekonal, a tak navždy opustil maľovanie a už nikdy nezdvihol štetec.

Vo veku dvadsiatich rokov začal Leonardo pracovať samostatne. V tých rokoch Florencii vládol potomok bankárov, štedrý mecenáš umenia, Lorenzo de Medici Veľkolepý. Najviac sa mu páčili obrazy Botticelliho. Na dvore Lorenza nenašiel Leonardo uplatnenie pre svoje talenty a odišiel do Milána. Tam prežil sedemnásť rokov a preslávil sa ako umelec, sochár a skvelý inžinier a vynálezca. Leonardo chcel vždy vynikať nad všetkými a vo všetkom. Bol pekný a silný, dokázal rukami lámať podkovy, v šerme sa mu nevyrovnal a nejedna žena mu neodolala. Leonardo sa túžil vyskúšať vo všetkých oblastiach činnosti. Vyštudoval architektúru, vynašiel tank a helikoptéru, písal štúdie z matematiky, anatómie a botaniky. Možno to bol najvšestrannejší génius, aký kedy žil na zemi.

A predsa v dejinách ľudstva zostal predovšetkým ako umelec, skvelý maliar renesancie. Jeho freska „Posledná večera“ je vrcholom filozofickej maľby. V pózach, gestách, tvárach dvanástich ľudí zachytil veľký umelec celý vesmír pocitov, zážitkov, myšlienok. Posledná večera od Leonarda je taká zmysluplná a hlboká, že keď sa na ňu pozriete, môžete napísať štúdiu o psychológii alebo pojednanie o filozofii. Ďalším svetoznámym dielom veľkého majstra je portrét Mony Lisy – „Giaconda“. Jej úsmevu sa pripisuje čarodejnícka moc, sláva obrazu je taká veľká, že mnohí považujú za cieľ života ju vidieť.

Leonardo mal ďaleko od politických udalostí svojej doby – boja strán, miest. Florenťan žil v Miláne, ktoré bolo v nepriateľstve s Florenciou, potom sa opäť vrátil do vlasti a na sklonku života prijal pozvanie francúzskeho kráľa Františka I. a zvyšok svojich dní prežil na kráľovskom zámku r. Cloux neďaleko mesta Ambloise. Bežný život s jeho zhonom sa Leonardovi v porovnaní s jeho plánmi zdal bezvýznamný. Zomrel v roku 1519 a zanechal po sebe štrnásť zväzkov rukopisov. Niektoré z nich nie sú dodnes pochopené a nie sú rozlúštené.

Ďalší velikán renesancie - Michelangelo Buonarroti - sa nesnažil dokázať vo všetkých oblastiach umenia a vedy, ako Leonardo. Ale ako sochár a maliar možno prekonal aj svojho veľkého súčasníka. Michelangelo tiež začal svoju kariéru ako umelec vo Florencii. Ako štrnásťročný vstúpil do dielne jedného z florentských maliarov. Po roku štúdia Michelangelo skopíroval kresby starých majstrov tak, že jeho učiteľ nedokázal rozlíšiť kópiu od originálu. Sochárstvo zaujalo mladého umelca viac a presťahoval sa do ateliéru sochára. Čoskoro vládca Florencie, Lorenzo Medici The Magnificent, upozornil na talentovaného mladého muža a dal mu príležitosť pokračovať v tvorbe umenia.

Michelangelo ako veľmi mladý muž – nemal ešte ani dvadsať rokov – navštívil Rím. V Ríme vytesal jednu zo svojich najznámejších sôch – „Pietu“, teda „Oplakávanie Krista“. Socha bola obdivovaná. Michelangela v Ríme nikto nepoznal. Fajnšmekri sa hádali, komu patrí toto krásne dielo, a volali mená známych sochárov. Potom Michelangelo prišiel v noci do kostola, kde bola umiestnená "Pieta", a vyrezal na ňu hrdý nápis: "Vystúpil Michelangelo Buonarroti Florenťan."

Po návrate do Florencie vytvoril mladý sochár sochu Dávida. Podľa biblickej legendy Dávid porazil obra Goliáša. Toto víťazstvo bolo považované za symbol víťazstva s božskou pomocou nad hrubou silou. Maliari a sochári zvyčajne zobrazovali Dávida ako slabého mladého muža, ktorý pošliapal porazeného mocného nepriateľa. Michelangelo vytvoril Davida silného, ​​vyšportovaného, ​​akoby zdôrazňoval, že víťazstvo dosiahol vďaka sebe. Florenťanom sa dielo Michelangela veľmi páčilo. Davida umiestnili pred budovu, kde zasadala republikánska vláda. Dávid sa stal symbolom Florencie, ktorá bojovala proti svojim nepriateľom. Hrdý mladý muž je vnímaný aj ako symbol celej renesancie, ako hymnus na človeka.

Aj hlavné maliarske dielo Michelangela, maľba na strope Sixtínskej kaplnky v Ríme, sa stala hymnou človeka a jeho znovuzrodenia. Za štyri roky práce len Michelangelo maľoval strop s rozlohou 500 metrov štvorcových, zobrazoval stvorenie sveta, Posledný súd a biblických prorokov. So štyrmi rokmi Michelangelovej práce sa spája zábavný, no nepotvrdený príbeh. Kvôli potrebe pozerať sa do stropu celé štyri roky sa krk veľkého majstra dlho neohýbal a hlavu si udržal len tak, že ju hodil dozadu. Na otázku, čo sa stalo s umelcovým krkom a prečo Michelangelo nemohol skloniť hlavu, vtipne odpovedal: „Príliš dlho som hovoril s Bohom.

Na rozdiel od Leonarda, ktorý sa majestátne stiahol z každodenného života, bol Michelangelo vášnivý a temperamentný človek. Keď pápež začal vojnu proti Florencii, Michelangelo sa vrátil do svojho rodného mesta a viedol výstavbu mestského opevnenia. Po porážke Florencie sa Michelangelo veľmi obával poníženia svojej vlasti. Napriek tomu, že mu život pripravil veľa utrpenia a sklamaní, pred nepriazňou osudu sa nevzdal a pracoval až do konca svojich dní. Posledné obdobie Michelangelovho života strávil v Ríme. Podľa jeho projektu sa zrekonštruovalo centrum Ríma - Kapitol a postavili Katedrálu sv. Petra, jednu z najveľkolepejších stavieb na svete.

Michelangelo zomrel v roku 1564 vo svojom ateliéri. Pápež na znak úcty k brilantnému umelcovi nariadil pochovať ho v Katedrále sv. Petra. Michelangelov synovec ho tajne odviezol z Ríma do Florencie a obyvatelia mesta slávnostne pochovali svojho krajana v kostole Santa Corce, hrobke veľkých ľudí Florencie.

V porovnaní s majestátnym Leonardom a šialeným Michelangelom sa Raphael Santi javí ako skromný mladý muž. Syn umelca žil vo svete maľby od detstva. Po návšteve Florencie a zoznámení sa s prácou svojich súčasníkov - Leonarda a Michelangela - vytvoril svoj vlastný, lyrický, poetický obraz. Raphael spojil jemnosť a nežnosť charakteru s úžasným výkonom. Namaľoval množstvo obrazov, fresiek a ešte viac jeho skíc dokončili jeho žiaci. Vo vatikánskom paláci pápeža Raphael vymaľoval niekoľko miestností.

Známe sú najmä dve fresky - "Parnassus" a "The School of Athens". Na freske "Parnassus" je boh umenia Apollo obklopený múzami a veľkými básnikmi staroveku - Homer, Sappho, Virgil, Horace. Dante, Petrarca, Boccaccio sú tu tiež. Freska „Aténska škola“ je venovaná filozofom. V strede sú Platón a Aristoteles. Pokračujú v spore o ideál a materiál: Platón ukazuje hore k nebu Aristoteles ukazuje dole na zem. Raphael všetkých slávnych filozofov staroveku - Sokrates, Democritus, Diogenes, matematik Euclid. Platónovi dal podobnosť s Leonardom da Vincim, Demokritos s Michelangelom.

Najznámejším Raffaelovým obrazom je Sixtínska madona. Je označovaná nielen za vrchol Raffaelovej tvorby, ale aj za vrchol talianskeho renesančného maliarstva. Obraz krásnej ženy s dieťaťom v náručí sa stal symbolom lásky, ľudskosti, vznešeného duchovna. Samotný Raphael bol veľmi zamilovaný. Obdivoval ženskú krásu. Možno preto dosiahol také výšky v obraze krásy, že v každej z Madon znovu vytvoril obraz svojich krásnych mileniek.

Raphael zomrel v roku 1520 ako tridsaťsedemročný. Ale za toto krátke obdobie urobil toľko, že historici a historici umenia nazývajú roky jeho života érou, storočím Raphaela.

Vnútorný svet človeka v poézii

Kultúra renesancie so sebou prináša nielen množstvo vonkajších objavov, jej hlavnou zásluhou je, že po prvýkrát odhaľuje celý vnútorný svet človeka a povoláva ho k novému životu. V tejto dobe v prvom rade individualizmus dosahuje vysoký stupeň rozvoja, potom humanizmus vedie k všestrannému spoznávaniu individuality vo všetkých jej prejavoch a formovanie osobnosti sa zdokonaľuje najmä sebauvedomovaním a oboznamovaním sa s rôznymi individualitami vôbec. Vplyv klasickej antiky je spojivom celého tohto hnutia, pretože určuje povahu nových akvizícií v oblasti individuality a literárneho obrazu jednotlivca. Ale sila samotného poznania spočívala v čase a v duchu národa. Poznanie vnútorného sveta človeka sa nezačínalo uvažovaním podľa pravidiel teoretickej psychológie, keďže v tomto smere si vystačili s Aristotelom, ale pozorovaniami a umelecké obrazy. Nevyhnutný teoretický balast sa obmedzuje na doktrínu štyroch temperamentov v súvislosti s vtedy uznávanou vierou vo vplyv planét. Ale tieto koncepty, zmrazené od nepamäti, slúžili len ako základ pre úsudky o osude jednotlivcov bez toho, aby vo všeobecnosti bránili veľkým pokrokovým hnutiam. Samozrejme, samotná existencia takýchto pojmov sa zdá zvláštna v čase, keď už vo všeobecnosti existuje presný opis, ale aj večné umenie a poézia zobrazujú dokonalého človeka s celou jeho vnútornou hĺbkou a v jeho najcharakteristickejších prejavoch. Ak sa pozrieme na to, čo všetko dvorská a rytierska poézia vyprodukovala v dvoch predchádzajúcich storočiach na Západe, stretneme sa s mnohými, čo môže konkurovať dielam Talianov. Takéto perly sú však rozptýlené v celom mori umelých a podmienených zobrazení a obsah týchto diel je stále veľmi vzdialený od objektívnej úplnosti pri zobrazovaní ľudskej duše v celom jej bohatstve. Taliansko v 13. storočí zasa prinieslo hold dvornej a rytierskej poézii v osobách svojich trubadúrov. Za svoju existenciu vďačia najmä canzone, ktorá nie je o nič nižšia ako piesne severských minnesingerov, dokonca aj obsah a myšlienkový postup v canzone nesie rovnaký charakter podmienenej dvornej poézie, hoci autor patrí k civilnej či učenej vrstve.

V prvej polovici 13. storočia sa v Taliansku stáva veľmi bežnou aj jedna z mnohých prísne meraných foriem, ktoré v tom čase na Západe vznikli, totiž sonet. Poradie strof a dokonca aj počet veršov v sonete kolíše a menil sa ďalších sto rokov, kým preň Petrarcha neustanovil normálne pravidlá. V tejto forme začali vyjadrovať všetky vysoké lyrické a kontemplatívne motívy a potom vôbec všetky druhy obsahov; madrigaly, Oseti a dokonca aj canzones ustúpili do pozadia. Neskôr sa sami Taliani, niekedy žartom, inokedy vážne, sťažovali na tento nevyhnutný vzorec, na túto prokrustovskú posteľ všetkých pocitov a myšlienok. Iní, naopak, boli a zostávajú spokojní s touto formou a naďalej ju používajú na vyjadrenie myšlienok a pocitov, bez hlbokého obsahu. Preto je oveľa viac zlých sonetov ako dobrých. Napriek tomu sa nám sonet javí ako veľký prínos pre taliansku poéziu. Jeho jasnosť a odmeraná krása, nevyhnutné oživenie a vylepšenie v druhej časti a napokon aj ľahké zapamätanie viedli k tomu, že sa k nej veľkí básnici neustále vracali. Sonet sa stal istým spôsobom kondenzátorom myšlienok a dojmov, aké v poézii iných nových národov nevidíme.

Prečo však Taliani z renesancie nevyprodukovali nič, čo by bolo v tragédii mimoriadne dôležité? Inými slovami, prečo Taliansko nevyprodukovalo vlastného Shakespeara? Táto otázka môže odkazovať len na paralelu s krátkym rozkvetom divadla v Anglicku, keďže Taliansko v tomto ohľade nebolo v 16. a 17. storočí horšie ako zvyšok Európy; nemohla konkurovať Španielsku, pretože v nej nebol ani náboženský fanatizmus, ani abstraktný zmysel pre česť, a zároveň boli Taliani príliš chytrí a hrdí na to, aby postavili svoj tyranský štátny systém na piedestál. Paralelne s Anglickom však možno namietať, že po prvé, celá Európa vyprodukovala iba jedného Shakespeara a že tento druh génia je vo všeobecnosti akýmsi darom z nebies. Ďalej je možné, že divadlo v Taliansku malo blízko k väčšiemu rozkvetu, ale boj proti reformácii a španielskej nadvláde nad Neapolom a Milánom a vlastne takmer nad celým Talianskom viedli k smrti najlepších výhonkov duchovný život Talianska. Napokon, len ťažko si predstaviť samotného Shakespeara pod jarmom nejakého španielskeho miestodržiteľa či rímskej kúrie, či dokonca vo vlastnej krajine o dve desaťročia neskôr, počas revolúcie. Dráma vo svojom najvyššom vývoji je neskorším dieťaťom akejkoľvek kultúry, vyžaduje si zvláštne podmienky doby a šťastnú náhodu. Boli aj ďalšie okolnosti, ktoré sťažili rozkvet drámy v Taliansku. Predovšetkým takouto prekážkou bola vášeň pre určitý druh predstavenia a najmä pre mystériá a iné náboženské obrady. Vo zvyšku Európy bolo javiskové predstavenie, vypožičané z legiend a posvätnej histórie, predovšetkým zdrojom a začiatkom drámy a divadla vôbec, no Taliansko bolo tak unesené dekoratívnou nádherou a luxusom kostýmov v mystériách, že dramatický prvok musel trpieť. Medzi dôvody, ktoré odďaľovali vývoj drámy v Taliansku, treba samozrejme zaradiť predstavenia v taliančine a latinčina diela Plauta a Terentia, ako aj antickí tragédi, ktorí prišli do módy v Ríme, Ferrare a iných mestách. Ale toto všetko dohromady nemá rozhodujúci význam, táto okolnosť by mohla byť dokonca prínosom a uľahčiť prechod do novej drámy, keby nezasahovala reakcia proti reformácii a nadvláda cudzincov. Po roku 1520 nažive Talianský jazyk prevláda v tragike a komédii, napriek nevôli humanistov. Je zrejmé, že z tejto strany nič nebránilo vytvoreniu drámy, v ktorej by sa najvyspelejší národ v Európe mohol zdať, že v najvyššej miere odráža vnútorný život človeka tej doby. Ale inkvizítori a Španieli urobili svoju prácu a dramatické zobrazenie rôznych konfliktov sa stalo nemožným, najmä vo sfére národných tradícií. K tomuto historickému dôvodu treba pripočítať aj škodlivý vplyv takzvaných „intermezz“. Keď sa vo Ferrare slávila svadba princa Alphonsa a Lucrezie Borgiovej, vojvoda Ercole osobne ukázal cteným hosťom sto desať kostýmov určených pre päť komédií Plautus, aby sa každý presvedčil, že ani jeden kostým sa nebude opakovať dvakrát. Ale všetko toto množstvo taftových a damaškových látok neznamenalo nič v porovnaní s pompéznosťou a rozmanitosťou baletov a pantomím, ktoré sa zabávali v prestávkach antických drám. V týchto intermezzách bolo možné vidieť rímskych bojovníkov otriasajúcich starovekými zbraňami v rytme hudby, Maurov tancujúcich s horiacimi fakľami a rýchle pohyby divých ľudí s rohmi hojnosti rozhadzujúcich oheň. Celý tento balet slúžil ako doplnok k pantomíme zobrazujúcej záchranu mladého dievčaťa pred drakom, ktorý ju uniesol, a potom tancovali klauni v šašovských šatách. Takéto predstavenia sa niekedy predvádzali na otvorenom javisku a pokračovali až do tretej rána. Uspokojili, samozrejme, len vášeň pre okuliarov, ale nemali nič spoločné ani so samotnou hrou, ani s prítomnými, a preto nemohli byť pre mysliacich ľudí ničím zaujímavým.

Nádhera kulís a luxus kostýmov sa stali osudnými pre pravú taliansku tragédiu. „V Benátkach,“ píše Francesco Sansovino v roku 1570, „predtým sa nielen komédie, ale aj tragédie starovekých a moderných autorov často hrali s veľkou okázalosťou. Mnoho divákov sa zbiehalo z blízkych i vzdialených miest, aby videli všetku tú nádheru. A teraz bohatí ľudia usporadúvajú predstavenia medzi stenami svojich domovov a na nejaký čas sa stalo zvykom vyplniť karneval iba komédiami a inými veľkolepými a drahými zábavami. Inými slovami, pompéznosť zabila tragédiu. Niektoré ojedinelé pokusy nových tragédií, medzi ktorými najväčšiu slávu získal Trissino so svojou „Sofonisbou“ (1515), patria do dejín literatúry. To isté možno povedať o najlepších komediálnych imitátoroch Plauta a Terencea. Ani Ariosto nedokázal vytvoriť nič výnimočné sledovaním tohto žánru. Naopak ľudová komédia v próze v podobe, v akej ju skomponovali Machiavelli, Bibiena, Aretino, by nepochybne mohla mať budúcnosť, ak by ju obsah neodsúdil na smrť, keďže sa buď vyznačovala extrémnou nemorálnosťou, alebo bola namierená proti isté panstvá, ktoré po roku 1540 už nedokázali znášať taký nepriateľský postoj. Ale nech je to akokoľvek, talianske komédie boli prvé, ktoré boli napísané v próze a mali realistický charakter a v tomto zmysle si musia zachovať svoj význam v dejinách európskej literatúry. Odvtedy sa neustále objavujú tragédie a komédie, nechýbajú ani staré i nové hry na javisku, ale divadlo slúži akoby len ako zámienka na predvádzanie nádhery počas rôznych slávností, zodpovedajúcej bohatstvu a noblese hrdinov tejto príležitosti, a preto sa génius národa tu nezúčastňuje. Národným zostal len jeden druh javiskových diel, a to commedia dell'arte, improvizovaná pred publikom podľa scenára. Existuje však malý priestor na charakterizáciu, pretože aktívne masky sú početné a nezmenené, charakter každej z nich je už dlho známy každému. Takáto improvizácia sa však nesie tak v duchu národa, že aj pri uvádzaní písaných komédií herec často pridáva veľa zo seba, a tak vznikla zmiešaná forma. Niečo také možno vidieť v Benátkach na javiskových predstaveniach Antonia da Molina, známeho pod menom Burchiella, od Armogno Society a ďalších. Burkiella vedel komédiu vylepšiť benátskym dialektom zmiešaným s gréckymi a slavónskymi slovami. Veľmi blízko commedia dell'arte mali diela Angela Beolca, prezývaného Ruzante (1502-1524). Básnik a herec si získal veľkú slávu a ako autora ho porovnávali s Plautom a ako herca s Rosciusom. Mal priateľov, ktorí v niektorých svojich hrách stvárňovali sedliakov z Padovy pod menami Menato, Bezzo a Villora. Študoval dialekt týchto roľníkov, keď trávil leto vo vile svojho priateľa Luigiho Cornara (Aloysius Cornelius) v Codevico. V nadväznosti na to vznikajú na rôznych miestach v Taliansku slávne masky, s ktorými sa Taliani stále zabávajú: Pantalone, Dr. Brighella, Pulcinello, Arlecchino a ďalšie. Väčšinou sú všetky oveľa starodávnejšieho pôvodu a možno sú pokračovateľmi masiek starovekých rímskych frašiek, ale až v 16. storočí boli zhromaždené v jednej hre. Žiadne sily však nedokázali úplne zničiť dramatické talenty v Taliansku, a teda ani vo sfére hudobné vystúpenia Taliansko rozšírilo svoj vplyv po celej Európe. Bohužiaľ, v hrdinskej poézii Talianska úplne chýba celistvosť postáv. Isté prednosti talianskej epickej poézii nemožno uprieť. Stále sa číta a distribuuje v tlači, zatiaľ čo epické diela iných národov si zachovávajú iba historický a literárny záujem.

Po postupnom vymretí rytierskej poézie pretrvávali stredoveké tradície sčasti vo forme rýmovaných úprav a v zbierkach, sčasti vo forme románu v próze. Tá prekvitá najmä v Taliansku v štrnástom storočí, no zároveň prebudené spomienky na starovek úplne zatemňujú všetky obrazy a fantázie stredoveku. Boccaccio síce vo svojej Visione amorosa medzi svojimi hrdinami v magickom paláci spomína Tristana, Artusa, Galeotta a iných, ale len tak mimochodom, akoby sa za nich hanbil, a spisovatelia, ktorí ho nasledujú, takých hrdinov buď vôbec nespomínajú, alebo áno. takže len tak pre zábavu. No v pamäti ľudu zostávajú živé a básnici 15. storočia mu ich berú, dalo by sa povedať, priamo z rúk. Preto môžu tento materiál úplne slobodne používať, čo aj robia; pokračujú v ďalšej tvorbe na tému týchto legiend, ale prinášajú aj niečo svoje, nové. Vo svojej tvorbe sa zrejme riadia najmä tým, že každý jednotlivý verš pôsobí pri hlasnom opakovaní príjemným dojmom, preto všetkým takýmto piesňam či veršom prospieva najmä to, ak sú recitované v samostatných strofách s miernym komickým nádychom v hlase a gestách. Vo vzťahu k básnickým pravidlám a figúram je nálada básnika ambivalentná, jeho humanistické vzdelanie protestuje proti stredovekým technikám, pričom opis bitiek a bojových umení si vyžaduje nielen presnú znalosť vojenského umenia a bojových umení v stredoveku, ale aj také techniky, ktoré mohli recitátori s úspechom použiť. Preto ani Pulci vlastne neparoduje rytierstvo ako také, hoci hrubý spôsob reči jeho paladinov je trochu komický. Spolu s tým vytvára v osobe vtipného a dobromyseľného Morganteho ideálny obraz tyrana, ktorý jedným zvoncom poráža celé armády. Boiardo s rovnakou voľnosťou zaobchádza so svojimi hercami a zbavuje sa ich svojvoľne, teraz vážne, teraz hravo. Len v jednom si, podobne ako Pulci, kladie vážny umelecký cieľ, a to pokúsiť sa vniesť do príbehu čo najviac pohybov a technických detailov. Pulci recitoval svoju báseň, alebo skôr každú pieseň zvlášť, hneď ako ju mal pripravenú, pred Lorenzom Veľkolepým a jeho dvorom a Boiardo číta svoje básne vo Ferrare na dvore vojvodu Ercola. Je ťažké uhádnuť, aké požiadavky boli v tomto prípade predložené obom. Jedno je jasné: diela vytvorené za takýchto podmienok boli najmenej zo všetkých úplným celkom a mohli byť v podstate dvakrát kratšie alebo naopak dlhšie bez toho, aby to ohrozilo obsah; všetky takéto diela nie sú ako veľký historický obraz, ale skôr ako frázy alebo ako kľukatý veľkolepý veniec. Boiardova figuratívnosť a nápadná zmena obrazov, ktoré vytvára, sú úplne v rozpore s našimi školskými definíciami pravidiel epickej poézie. Táto poézia bola na tú dobu najpríjemnejšou odbočkou od antiky a vlastne jediným prostriedkom na tvorbu originálnej výpravnej poézie.

Epická poézia v osobe Pulciho, Boiarda a iných bola vo svojej dobe skutočným záchrancom pre stratených básnikov. Je nepravdepodobné, že sa epos niekedy stretne s takým nadšením. Nejde vôbec o to, nakoľko táto poézia zodpovedala ideálom hrdinskej poézie vôbec v tom zmysle, ako jej rozumieme, ale nepochybne ide o to, že táto poézia stelesňovala ideál svojej doby. Početné opisy bitiek a súbojov v týchto básňach na nás pôsobia nudným dojmom, ale vtedy vzbudzovali živý záujem, ktorý si len ťažko vieme predstaviť, rovnako ako sa nám teraz zdá čudné, akú slasť vzbudzovala v stredoveku improvizácia. Z tohto pohľadu požadovať od Ariosta akékoľvek vlastnosti, napríklad v jeho „Zúrivom Rolandovi“, by znamenalo pristupovať k nemu len na úplne falošné kritérium. Charakteristiky tohto druhu sa nachádzajú v tejto básni i v sebe samých, aj veľmi zručné, no báseň sa na nich výrazne neopiera a mohla by skôr stratiť ako získať, keby sa nimi autor začal zaoberať. Z moderného pohľadu by sme mali právo požadovať od Ariosta nielen vlastnosti, ale aj oveľa závažnejšie veci. Zdá sa, že taký bohato nadaný básnik sa nemohol obmedziť len na dobrodružstvá, ale mohol v jednom veľkom diele zobraziť najhlbšie konflikty ľudských citov a najdôležitejšie názory svojej doby na všetky božské a čisto ľudské otázky. Jedným slovom, mohol vytvoriť jeden z tých úplných svetových obrazov, aké máme v Božskej komédii a vo Faustovi. Namiesto toho robí presne to isté ako vtedajší maliari a iní umelci a stáva sa nesmrteľným, napriek tomu, že sa vôbec nesnaží byť originálny. Umeleckým cieľom Ariosta je živý brilantný príbeh a neustála, neprerušovaná zmena obrazov a obrazov. Na dosiahnutie tohto cieľa by nemal byť viazaný ani hlbokými charakteristikami, ani akoukoľvek striktnou závislosťou medzi sebou na jednotlivých javoch a postupnosti v prezentácii. Neustále stráca niť príbehu a konce pretrhnutých nití uväzuje tam, kde sa mu zapáči, jeho postavy môžu miznúť a objavovať sa, pretože si to vyžaduje jeho práca. Napriek všetkej zdanlivej nelogickosti a svojvôli však básnik preukazuje úžasné pochopenie krásy a harmonického taktu. Nikdy sa nestráca v detailoch, ale naopak, pri opise situácie a postáv sa zastavuje len nad tým, čo je v úzkej súvislosti s ďalším pohybom a nenarúša celkovú harmóniu. Hranice neprekračuje ani v prejavoch a monológoch, a hoci prejavy postáv predstavujú zasa príbeh, básnik si zachováva vysoké privilégium eposu: sprostredkovať to, čo sa stalo, nie ako prerozprávanie, ale ako akciu na pódium. Paphos sa nikdy nevyjadruje v jeho slovách, ako to možno nájsť u Pulciho, nemožno mu to vyčítať ani v slávnej 23. a v nasledujúcich piesňach, kde je vykreslená Rolandova zúrivosť. Medzi jeho zásluhy treba zaradiť aj to, že v jeho hrdinskej básni nemajú milostné príbehy vôbec lyrický charakter. Z morálneho hľadiska zanechávajú veľa želaní, no sú také pravdivé, že v nich rozhodne uhádnu dobrodružstvá samotného autora. Príliš veľa dôvery v seba a svoje umeleckými prostriedkami mu umožňuje vniesť do svojej básne niektoré z moderných fenoménov a osláviť dom Este v proroctvách figuratívnych malieb.

V osobe Teofila Folenga alebo, ako sa sám nazýva, Limerna Pitocca, paródia na celé rytierstvo so svojimi dôsledkami v živote a literatúre nadobúda vynikajúci poetický význam a v spojení so skutočnou satirou aj prísnejšiu charakteristiku typov. je v tejto poézii rovnomerne posilnená. Medzi pouličným životom malého rímskeho mesta, praktizovaním pästných súbojov a hádzaním kameňov, nám pred očami vyrastá malý Orlando, stáva sa z neho statočný hrdina, nenávidí mníchov a rozumár. Svet podmienenej fantázie, ktorý vytvoril Pulci a odvtedy slúži ako rámec pre epos, sa triešti na kúsky. Pôvod a samotná dôstojnosť paladinov sú zosmiešňované napríklad v druhom speve, v turnaji somárov a rytieri sa objavujú v tých najúžasnejších zbraniach. Básnik vyjadruje komickú ľútosť nad nevysvetliteľnou zradou v rodine Ganona z Mainzu či ťažkosťami spojenými so získaním Durindanovho meča atď. Spolu s tým si nemožno nevšimnúť známu iróniu aj vo vzťahu k Ariostovi, našťastie pre „zbesilého Rolanda“ Orlandino so svojou luteránskou herézou čoskoro padol pod inkvizíciu a bol neodvratne zabudnutý. Napokon, vo filme Torquato Tassa „Jerusalem Delivered“ je už charakterizácia postáv jednou z hlavných autorových starostí, a tak vidíme, ako sa básnikov výzor a spôsoby vzdialili od prúdov, ktoré vládli pred polstoročím. Jeho úžasné dielo môže slúžiť ako pamätník éry boja proti reformácii.

Pseudoveda a prírodné vedy.

V každom kultivovanom národe sa môže kedykoľvek objaviť človek, ktorý vďaka svojim osobným vynikajúcim vlastnostiam urobí významný krok vpred na empirickej ceste, napriek všetkej nepripravenosti pôdy. Takými ľuďmi boli v 10. storočí Herbert z Reims (pápež Silvester II.) a v 13. storočí Roger Bacon. Museli naraz riešiť veľa problémov, ktoré vznikli spolu so zánikom falošných predstáv, uctievaním tradícií a kníh a strachom z prírody. Iná vec je, keď je celý ľud unesený kontempláciou a zvedavosťou iných národov a jeden človek, ktorý kráča vpred po ceste objavov, sa môže spoľahnúť na to, že ho nielenže nestretnú vyhrážky alebo pohŕdavé mlčanie, ale naopak pochopí a prejaví záujem. To posledné vidíme v Taliansku. Talianski prírodovedci nie bez hrdosti nasledujú Danteho dôkazy empirického poznania prírody v jeho Božskej komédii. Nevieme posúdiť, aké spravodlivé či nezameniteľné je prvenstvo, ktoré sa mu pripisuje v týchto alebo iných objavoch, ale ani slabo vzdelaného človeka nemôže nezasiahnuť plnosť kontemplácie vonkajšieho sveta, ktorú Dante objavil vo svojich obrazoch a prirovnaniach. Viac ako ktorýkoľvek z najnovších básnikov si všetko požičiava z reality – či už z prírody alebo ľudského života – a tieto obrazy a prirovnania nikdy nepoužíva len na okrasu, ale len preto, aby vyvolal predstavu, ktorá najlepšie zodpovedá tomu, čo chce povedať. alebo vysvetliť. Je skutočným vedcom par excellence v oblasti astronómie, aj keď nemožno poprieť, že niektoré astronomické miesta v jeho skvelá báseň dnes sa nám zdajú byť „vedcami“, ale v tých časoch boli zrozumiteľné pre každého, pretože Dante sa odvoláva na známe astronomické fakty, s ktorými boli Taliani tej doby dobre oboznámení ako navigátori. V skutočnosti ľudové informácie o čase objavenia sa na oblohe a západe slnka stratili s vynálezom hodín a kalendárov svoj význam a s tým sa vytratil aj všeobecný záujem o astronómiu vo všeobecnosti. V dnešnej dobe nechýbajú príručky a každý žiak v škole vie, že Zem sa pohybuje okolo Slnka, čo Dante nevedel. Astrológia, či domnelá veda o predpovediach atď., ani v najmenšom neodporuje empirickému duchu vtedajších Talianov; len ukazuje, že empirizmus musel bojovať s túžbou poznať a predpovedať budúcnosť. Cirkev bola v skutočnosti takmer vždy tolerantná k tejto a iným falošným vedám, ale bola nepriateľská voči skutočnému štúdiu prírody iba vtedy, keď sa obvinenie, či už správne alebo nie, týkalo herézy a nekromancie, v skutočnosti veľmi blízko seba. Samozrejme, bolo by zaujímavé vedieť, či dominikánski inkvizítori (a tiež františkáni) si vôbec uvedomovali nepravdivosť týchto obvinení a v akých prípadoch a ako ďaleko zašli v odsúdení, aby sa zapáčili nepriateľom obvineného, ​​resp. skrytej nenávisti k poznaniu prírody vo všeobecnosti a ku všetkým experimentom zvlášť. To druhé sa s najväčšou pravdepodobnosťou stávalo často, hoci je ťažké to dokázať; v každom prípade v Taliansku tieto prenasledovania nemali také následky, aké vidíme na severe, kde bol odpor voči novátorom vyjadrený v oficiálnom systéme prírodných vied, ktorý prijali scholastici. Pietro z Albana (začiatkom 14. storočia) padol, ako viete, obeťou závisti iného lekára, ktorý ho pred inkvizíciou obvinil z kacírstva a čarodejníctva; Zdá sa, že niečo podobného sa stalo jeho súčasníkovi Giovanninovi Sanguinaccim v Padove, pretože ten bol inovátorom v jeho lekárskej praxi; zaplatil len vyhnanstvom. Koniec koncov, nesmieme zabúdať, že dominikánski inkvizítori nemohli v Taliansku vykonávať takú rozsiahlu moc ako na severe, keďže tak tyrani, ako aj slobodné mestá sa v štrnástom storočí často správali k duchovenstvu s takým pohŕdaním, že nielen okupácia prírodných vied, ale aj to, čo sa týkalo kléru. ale oveľa trestuhodnejšie v tomto zmysle by mohlo zostať nepotrestané. Keď klasická antika v 15. storočí triumfálne pokročila, prelomenie starého systému otvorilo cestu všetkým druhom sekulárnych štúdií a humanizmus, samozrejme, pritiahol všetky najlepšie sily a tým oddialil empirickú prírodnú vedu. Medzitým sa z času na čas, tu a tam, inkvizícia znova a znova prebúdza a prenasleduje alebo upaľuje lekárov na hranici ako ateistov a nekromantov, a nikdy nie je možné s istotou určiť skutočný, hlboko skrytý dôvod odsúdenia a popravy. . Napriek tomu bolo Taliansko na konci 15. storočia so svojimi vedcami, akými boli napríklad Paolo Toscanelli, Luca Pacioli a Leonardo da Vinci, ďalší matematici a prírodovedci, prvé miesto medzi všetkými národmi v Európe a vedci všetkých krajín sa uznali za jej študentov. Veľmi dôležitým znakom všeobecného záujmu o prírodné vedy je skorá vášeň v Taliansku pre zbieranie zbierok a pre porovnávacie štúdium rastlín a zvierat. Taliansko je známe prvými botanickými záhradami, pôvodne chovanými skôr na praktické účely. Oveľa dôležitejší je fakt, že už v 14. storočí sa na poľnohospodárstvo nazeralo ako na predmet umenia a priemyslu, súdiac napríklad podľa v tom čase veľmi rozšírenej poľnohospodárskej učebnice Pierra da Crescencia; vedľa toho vidíme, že kniežatá a boháči vo svojich vidieckych záhradách súperia v pestovaní všelijakých rastlín, ovocných stromov a kvetov a navzájom sa tým chvália. V 15. storočí je veľkolepá záhrada Villa Carégi z rodu Medici zobrazená takmer ako botanická záhrada s nekonečnou paletou rôznych druhov stromov a kríkov. Tiež v začiatkom XVI storočia je opísaná vila kardinála Trivulzia v rímskej Kampánii: so živými plotmi z rôznych druhov ruží, obrovskou rozmanitosťou ovocných stromov, ako aj dvadsiatimi druhmi viniča a rozľahlou záhradou. To, čo tu vidíme, nepochybne nie je to, čo vidíme na Západe, kde sa v každom hrade a kláštore pestujú len známe liečivé rastliny. Tu sa popri zelenine vhodnej na ľudskú spotrebu pestujú rastliny, ktoré sú samy o sebe zaujímavé a navyše aj na pohľad pekné. Z dejín umenia vieme, ako sa neskoro záhradníctvo oslobodilo od tejto zberateľskej vášne vôbec a začalo sa podriaďovať úlohám architektonika a maliarstva. Zároveň a v súvislosti, samozrejme, s rovnakým záujmom o prírodné vedy vo všeobecnosti, je zvykom chovať cudzie zvieratá. Južné a východné prístavy Stredozemného mora umožňujú dodávať zvieratá z iných častí a talianska klíma ich chovať a pestovať, a preto Taliani ochotne kupujú divoké zvieratá alebo ich prijímajú ako dar od sultánov. Mestá a panovníci sú najviac ochotní chovať levy, a to nielen vtedy, keď sú vyobrazení v erbe, ako vo Florencii. Lví brlohy sú v samotných palácoch alebo v ich blízkosti, ako v Perugii a Florencii; v Ríme sú umiestnené na svahu Kapitolu. Tieto zvieratá niekedy slúžia ako vykonávatelia politických rozsudkov, určitým spôsobom v ľuďoch vzbudzujú strašný strach, hoci si každý stihol všimnúť, že z vôle strácajú kus dravosti, takže ich býk jedného dňa zahnal domov „ako ovce v ovčinci“. Napriek tomu sa im pripisuje veľký význam a spája sa s nimi tá či oná viera; Takže, keď jedného z najkrajších levov, patriaci Lorenzovi Medicimu, roztrhal na kusy iný, potom sa to považovalo za znamenie smrti samotného Lorenza (Ak levy bojovali, a najmä ak jeden zabil druhého, to sa považovalo za zlé znamenie). Ich úrodnosť predznamenala dobrú úrodu. Bolo zvykom dávať mladé levy do spriatelených miest v Taliansku alebo v zahraničí, ako aj kondotiérom ako odmenu za statočnosť. Florenťania navyše ochotne chovali leopardy. Borzo, vojvoda z Ferrary, prinútil svojich levov bojovať s býkmi, medveďmi a diviakmi. Benedetto Dei priniesol 7 stôp dlhého krokodíla ako dar Lorenzovi de' Medici, o ktorom kronikár poznamenáva: "Naozaj krásne zviera." Koncom 15. storočia sa skutočné zverince stali nepostrádateľným atribútom na dvoroch mnohých panovníkov. "Pre plnú nádheru dvora," hovorí Matarazzo, "je potrebné mať kone, psy, ťavy, vrabce a iné vtáky, ako aj šašov, spevákov a cudzie zvieratá." V Neapole za kráľa Ferranteho žili vo zverinci aj žirafa a zebra, zrejme dar vtedajšieho bagdadského panovníka. Philippe Maria Visconti mal nielen kone v hodnote od päťsto do tisíc zlatých, ale aj cenné anglické psy, ako aj leopardy privezené z rôznych východných krajín; na severe preňho všade hľadali lovecké vtáky a ich údržba ho stála tritisíc zlatých mesačne. Brunetto Latini píše: "Kremónčania hovoria, že im cisár Fridrich II. daroval slona, ​​ktorého dostal z Indie." Petrarch uvádza vyhynutie slonov; portugalský kráľ Emanuel Veľký dobre vedel, čo robí, keď poslal Levovi X. slona a nosorožca ako dôkaz svojho víťazstva nad neveriacimi; Ruský cár poslal do Milána gyrfalcona. Zároveň sa začalo vedecké štúdium zvierat a rastlín. Pozorovania zvierat a šeliem našli praktické uplatnenie v žrebčínoch; obzvlášť slávne boli továrne Este v Neapole a továreň v Mantove pod vedením Francesca Gonzagu bola považovaná za prvú v Európe. Plemeno koní sa cenilo, samozrejme, odkedy sa začalo jazdenie vo všeobecnosti, ale umelý chov a kríženie plemien bolo vo zvyku už od čias križiackych výprav. V Taliansku sa vo všetkých mestách akéhokoľvek významu organizovali dostihy a súťaže o ceny, ktoré slúžili ako hlavný motív na zlepšenie plemien. V mantovskom žrebčíne sa kone chovali na dostihy, ale aj na vojnu. Vo všeobecnosti boli kone považované za hodný dar pre panovníkov. Gonzaga mal žrebcov a kobyly zo Španielska, Írska, Afriky, Trácie a oboch Sicílií; pre nich udržiaval priateľské styky s tureckými sultánmi. Uskutočnili sa tu krížové pokusy s cieľom priviesť plemeno k dokonalosti. Nechýbali ľudské „zverince“. Slávny kardinál Ippolito Medici, prirodzený syn Giuliana, vojvodu z Namuru, držal na svojom úžasnom dvore celý zástup mnohojazyčných barbarov, viac ako dvadsiatich rôznych národností; každý z nich svojím spôsobom predstavoval niečo pozoruhodné. Nechýbali neporovnateľní voltiéri, tatárski lukostrelci, černošskí zápasníci, indickí plavci a Turci, ktorí kardinála sprevádzali najmä na poľovačke. Keď predčasne zomrel, tento pestrý dav niesol rakvu na svojich pleciach z Itri do Ríma a uprostred všeobecného smútku v meste vydávali žalostné výkriky v rôznych jazykoch, oplakávajúc svojho štedrého hostiteľa.

Neskorá renesancia a jej úpadok.

16. storočie je posledným storočím v histórii talianskej renesancie. Nazýva sa aj Cinquecento. Zahŕňa dobu svojho najväčšieho rozkvetu, takzvanú vrcholnú renesanciu (koniec 15. - 30. rokov 16. storočia), dobu neskorej renesancie (40. - 80. roky) a obdobie jej postupného doznievania v podmienkach. tvrdšej katolíckej reakcie. V ére Cinquecenta, tak ako predtým, existovala sekulárna humanistická kultúra renesancie a do tej či onej miery interagovala s ľudovou, aristokratickou a cirkevno-katolíckou kultúrou Talianska. Všeobecný proces kultúrneho rozvoja krajiny v XVI. podáva pestrý obraz aj štýlovej heterogenity, kombinácie renesancie s manierizmom, ktorý vznikol v 20. rokoch a akademizmu a baroka, ktoré vznikli v posledných desaťročiach tohto storočia.

Hlavné etapy politického a sociálno-ekonomického rozvoja Talianska v XVI. chronologicky sa nezhodovali s hlavnými fázami kultúrnych procesov. Vrcholná renesancia sa odohrala počas ničivých talianskych vojen (1494 - 1559), keď sa Apeninský polostrov stal dejiskom boja medzi Francúzskom a Španielskom a cisárstvom o držbu Neapolského kráľovstva a Milánskeho vojvodstva. Do týchto vojen bolo zapojených mnoho talianskych štátov, ktoré sledovali svoje vlastné politické a územné ciele. Vojny spôsobili vážne škody ekonomike krajiny, ktorá strácala svoje postavenie aj na zahraničných trhoch, čo súviselo s pohybom svetových obchodných ciest v dôsledku veľkých geografických objavov a tureckých výbojov vo východnom Stredomorí. Koniec talianskych vojen dopadol pre krajinu politicky krajne nepriaznivo, keďže Španielsko si upevnilo moc nad Neapolským kráľovstvom a presadilo si dominanciu v Milánskom vojvodstve a viacerých malých územiach, no vytvorilo podmienky pre tzv. ekonomický rozmach v Taliansku v druhej polovici storočia. Zároveň sa v poľnohospodárstve už na začiatku storočia načrtla a neskôr zintenzívnila tendencia k refeudalizácii, k zachovaniu tradičných foriem držby pôdy, k obnoveniu osobnej závislosti roľníctva. Kapitály vytvorené v obchodnej a priemyselnej sfére sa čoraz viac investovali do získavania pôdy, a nie do ďalšieho rozvoja výroby. Rané kapitalistické vzťahy v priemysle nedostali nové stimuly a v dôsledku toho Taliansko začiatkom 17. storočia. bol ďaleko za takými vyspelými krajinami ako Anglicko a Holandsko. Jeho sociálne kontrasty udivovali zahraničných súčasníkov, hoci ich prejavy a mierky v iných krajinách boli značné. Rozdiel medzi pólmi bohatstva a chudoby dosiahol v Taliansku nevídané rozmery. Sociálny protest sa tiež zintenzívnil, čo malo za následok periodicky vzplanuté mestské povstania a roľnícke nepokoje. S rozsiahlym schvaľovaním absolutistických foriem vlády v talianskych štátoch (republikánsky systém sa udržal počas celého 16. storočia a neskôr, až do konca 18. storočia iba v Benátkach), proces predaja a distribúcie feudálnych titulov a titulov k mestskej elite zo strany vládcov aktívne prebiehalo, byrokracia rástla, vytvorila sa vrstva byrokracie. V novom prostredí sa zmenili nálady a ideológie rôznych spoločenských vrstiev. Etické hodnoty bežné v obchodných a podnikateľských vrstvách, racionalizmus a princípy poctivého hromadenia, myšlienky občianstva a vlastenectva ustúpili ušľachtilej morálke, ktorá si cenila štedrosť, rodinnú česť, vojenskú zdatnosť a lojalitu k pánovi. V ére protireformácie a katolíckej reakcie, ktorá v posledných desaťročiach 16. storočia prudko zosilnela, sa zásadám tradičnej cirkevnej morálky a zbožnosti vštepovala nová energia a rôzne metódy a vernosť pravovernosti sa považovala za morálku. postulát.

Určitou premenou prešli aj humanistické ideály. Prejavilo sa to v krízových javoch, z ktorých mnohé sa v renesančnej kultúre črtali už v období vrcholnej renesancie. Náuka o človeku, jeho mieste v prírode a spoločnosti sa dnes nerozvinula ani tak v oblasti tradičných humanistických disciplín, ale v prírodnej filozofii a prírodných vedách, politickom a historickom myslení, v literatúre a umení. Ale možno je hlavným rozdielom medzi Cinquecentom a predchádzajúcimi fázami renesancie široký prienik renesancie do všetkých sfér kultúry: od vedy a filozofie po architektúru a hudbu. Ani 16. storočie nepozná rovnomernosť vývoja, no na druhej strane už neexistuje taká oblasť talianskej kultúry, ktorá by nebola ovplyvnená vplyvom renesancie. Renesančná kultúra, jej humanistický svetonázor a umelecké ideály mali široký vplyv na život talianskej spoločnosti. Aj keď idey tvorcov novej kultúry a tých, ktorí ju vnímali, nemožno identifikovať do miery svojho vzdelania. Svetské princípy sa aktívne utvrdzovali v ideológii a mentalite, v spôsobe života a každodenný život rôzne sociálne vrstvy. Uľahčila to samotná všestrannosť kultúry renesancie, rozmanitosť sfér jej prejavu a vplyvu - od filozofie po literatúru a umenie. Renesancia teda dala podnet na posilnenie procesov sekularizácie spoločenského života v Taliansku, posilnenie úlohy individuálneho a národného sebauvedomenia a rozvoj nových masových umeleckých vkusov.

Oslobodenie od duchovných pút počas renesancie viedlo k úžasnému odhaleniu ľudského génia v oblasti umenia a literatúry. Takáto spoločnosť je však nestabilná. Reformácia a protireformácia, ako aj dobytie Talianska Španielskom ukončili taliansku renesanciu so všetkým, čo v nej bolo dobré aj zlé.

ZOZNAM POUŽITEJ LITERATÚRY:

1. „Dejiny stredoveku: Európa a Ázia“. MN: "Úroda", 2000.

2. „Svetová história v tvárach. Raný stredovek, Vladimir Butromeev. "Olma-press", Moskva, 1999.

3. "Kultúra Talianska v renesancii", Jacob Burkhardt. "Rusich", Smolensk, 2002.

4. "Dejiny kultúry krajín západnej Európy v renesancii", editor Bragina L. M. "Vyššia škola", Moskva, 1999.

5. História západnej filozofie, kniha 3, Bertrand Russell.

http://www.philosophy.ru/library/russell/01/04.html

Freska od Masaccia „Zázrak so statorom“: tu sa po prvýkrát, ako sa verí, použila priama perspektíva, ktorú objavil Brunneleschi

Prečo taliansky? Áno, pretože tam to všetko začalo. Odtiaľ pochádza celá európska renesancia. (Rusko „ušlo“ túto éru, napojilo sa na európsku módu, počnúc až Petrom I.) Bola to talianska renesancia, ktorá dala svetu plejádu géniov, a práve s Talianskom štrnásteho a šestnásteho storočia spájame tento pojem „renesančného umenia“.

Leonardo da Vinci (autoportrét) a jeho Vitruviánsky muž. Podľa Leonarda sú proporcie ľudského tela ideálne a na vybudovanie harmonickej stavby je potrebné využiť znalosť týchto proporcií.

Bolo to obdobie mimoriadneho kultúrneho rozkvetu. Čo však dalo taký silný impulz? Ako vyrástla renesancia z asketickej estetiky stredoveku?

Odpoveď pomôže nájsť história, a to história byzantského štátu. Vznikla v roku 395 n.l. po konečnom rozdelení Rímskej ríše. Čoskoro Rímska ríša, sužovaná nájazdmi barbarov, prestala existovať a Byzancia silnela a stala sa mocnou ríšou – dedičkou starovekej (gréckej) kultúry. Bol to okrem iného veľmi bohatý štát a na tomto „základe“ sa dokonale vyvinula kultúrna „nadstavba“. Existovalo mnoho storočí, ale už v 12. storočí začalo strácať pôdu, v roku 1204 prežilo dobytie Konštantínopolu križiakmi a napokon v 14. storočí padlo pod náporom Osmanskej ríše.

Spolu s pokladmi, umeleckými dielami a knižnicami, ktoré ukradli križiaci, bola byzantská kultúra, priamy dedič staroveku, „vyvezená“ do „latinskej“, katolíckej časti Európy. Na úteku pred dobyvateľmi prišli na Apeninský polostrov nositelia tejto kultúry, najvzdelanejší ľudia svojej doby. A vďaka nim sa antika stala neskutočne módnou. A keďže sa v Taliansku zachovalo veľké množstvo vzoriek starovekej rímskej architektúry, tu je to – príklad, ktorý treba nasledovať!

Ideál bol videný v starovekom poriadku s jeho harmonickými proporciami, s jeho symetriou. Reprodukovali to vo svojej pôvodnej, trochu ťažkej rímskej verzii, hrady šľachty preto vyzerali drsne - ale dokonale stelesňovali myšlienku moci a moci. Typickými „zástupcami“ štýlu sú Palazzo Pitti, Palazzo Rucellai.

Palazzo Rucellai, ktorý navrhol Leon Battista Alberti (1402-1472), je inováciou svojej doby. Rustikáciou a jasnými radmi pilastrov „rozbitá“ fasáda sa doteraz nepoužívala

Okno je navrhnuté ako malé dvere: má vlastnú „arkádu“ a „strop“ je podopretý stĺpom. Kamenorezba je kombinovaná s premyslenou štukovou výzdobou: lev na erbe, stuha nad erbom, hlavice zloženého rádu, elegantný vlysový vzor

Typický palác tej doby má obdĺžnikový pôdorys. (V jednom z článkov na našom blogu sme si pripomenuli Andreu Palladia - zakladateľa klasicizmu, takže tento jedinečný architekt, ktorý predbehol dobu, žil v renesancii.)

Mimochodom, práve vtedy sa gotický štýl nazýval „gotický“, teda „barbarský“, a napokon sa od neho odvrátili. Nielen aristokratov, ale aj pápežov a tých, ktorí chceli, aby najvýznamnejšie katedrály a pápežské sídlo boli postavené a luxusne vyzdobené novým spôsobom. Kamenorezba, sadrové liatie, sochárstvo, nástenné maľby - to všetko bolo súčasťou arzenálu nového štýlu.

Dóm Katedrály sv. Petra vo Vatikáne. Kupolu navrhol Michelangelo. Na stavbe a výzdobe tejto grandióznej stavby sa podieľali Bramante (začatá stavba), Raphael, Michelangelo a neskôr Bernini, majster barokovej éry.

Mimochodom, kostol sa stal jedným z najvplyvnejších a najbohatších zákazníkov, vďaka čomu máme dnes také majstrovské diela architektúry, ako je Dóm sv. Petra a chrám Tempieto (v Ríme), súbor Kapitolského námestia, Florentská katedrála. (Rovnako ako majstrovské maliarske diela, ako napríklad slávna freska Leonarda da Vinciho „Posledná večera“ v kostole Santa Maria delle Grazia v Miláne a maľby Michelangela v Sixtínskej kaplnke.)

Katedrála sv. Petra

Plastika na priečelí sv. Petra

Interiér Sixtínskej kaplnky s maľbami od Michelangela

Detail nástropnej maľby Sixtínskej kaplnky

Kapitolské námestie v Ríme - ďalšie vynikajúce dielo Michelangela

"Dávid" od Michelangela

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

Posledná večera od Leonarda da Vinciho. Freska v kostole Santa Maria Delle Grazie (Milán)

Leonardo da Vinci

Kostol Santa Maria Delle Grazia (Milán), ktorého oltár navrhol Bramante

Donato Bramante (1444-1514) je jedným z najvýznamnejších architektov talianskej renesancie. Najmä to bol on, kto začal stavať Katedrálu sv. Petrav Rím. Pracoval 20 rokov v Miláne. Tam sa zoznámil s Leonardom da Vincim, ktorého urbanistické nápady mali naňho veľký vplyv.

Tempieto (1502) sa právom považuje za Bramanteho majstrovské dielo

Palazzo Cancelleria (navrhol Bramante)

Spolu s architektúrou sa zmenil aj interiér. Umenie štukovej výzdoby a samotné technológie štukovej výroby rozvinul rímsky interiér, ktorý zdedil renesančný interiér. Z arzenálu starovekého Ríma sú stĺpy lakonického a drsného toskánskeho rádu, ako aj svieži korintský a kompozitný štýl (sú korunované ozdobným sadrovým výliskom, ktorý pripomína kôš s náručou kvetov). arzenál starovekého Ríma. Strop je tiež vypracovaný pomocou sadrového štuku, ktorý ho rozdeľuje na konvexné obdĺžniky. Zhora je to všetko podpísané a pokryté plátkovým zlatom. Majstri si "pamätajú" rímsku technológiu "štuk" - vytvorenie štukovej lišty s mramorovými trieskami napodobňujúcimi mramor.

Vatikánske múzeum. Interiér tohto múzea je typicky renesančný: florentské mozaiky na podlahe, pozlátené a maľované omietkové lišty na strope, štuková výzdoba na stenách, na nerozoznanie od mramoru, a množstvo starožitných sôch.

Interiér Katedrály sv. Petra

Arkádové a sadrové lišty v dekore stĺpov (Palazzo Rucellai)

Na základe tradičných starorímskych ornamentov – štylizovanej gréckej vlny, akantových listov, delfínov, rýb a mušlí – a byzantského viniča vytvárajú renesanční majstri svoj vlastný štýl, ktorý sa vyznačuje veľkou tvorivou slobodou. Masky, levie hlavy, víry bylín, listy sú kombinované v jednom vzore. Renesančné ozdoby spájajú fantáziu a strohosť a čo je najdôležitejšie, sú nabité úžasnou vitalitou, ktorú staroveký svet dokázal preniesť do renesancie.

Ozdoba vlysu Palazzo Rucellai

Čo sa týka nábytku, čiastočne pokračuje v tradíciách stredoveku - obrovské truhlice (z ktorých neskôr „vyrastie talianska nízka skriňa - credenza“), hrubé stoličky, ťažké stoly. Na druhej strane sa však v tom čase objavili skrine, ktoré sa podobali miniatúrnemu palácu, a vynález preglejky umožnil ozdobiť povrch intarzického nábytku - tak nádherne ako steny a strop, nádherne zdobené sadrovým štukom. Vtedajší majstri vytvárajú v interiéri „systém refrénov“, opakujú a variujú podobné dekoratívne motívy v nábytku, nástenných dekoráciách a látkach, vďaka čomu pôsobí priestor veľmi harmonicky.

Credenza v renesančnom štýle, moderné dielo (továreň Mascheroni). Prečo nie palác?