Poznati japanski umjetnici. Suvremena umjetnost: Japan

Ako mislite da su svi veliki umjetnici prošlost, onda nemate pojma koliko ste u krivu. U ovom ćete članku naučiti o najpoznatijim i talentirani umjetnici modernost. I, vjerujte mi, njihova će djela sjediti u vašem sjećanju ne manje duboko od djela maestra iz prošlih razdoblja.

Wojciech Babski

Wojciech Babski je suvremeni poljski umjetnik. Diplomirao je na Šleskom politehničkom institutu, ali se povezao s. NA novije vrijeme crta uglavnom žene. Usredotočuje se na manifestaciju emocija, nastoji postići najveći mogući učinak jednostavnim sredstvima.

Voli boje, ali često koristi nijanse crne i sive za postizanje najbolje iskustvo. Ne boji se eksperimentirati s novim tehnikama. U posljednje vrijeme stječe sve veću popularnost u inozemstvu, ponajviše u Velikoj Britaniji, gdje uspješno prodaje svoje radove koji se već nalaze u mnogim privatnim kolekcijama. Osim umjetnosti, zanimaju ga kozmologija i filozofija. Sluša jazz. Trenutno živi i radi u Katowicama.

Warren Chang

Warren Chang - moderno američki umjetnik. Rođen 1957. i odrastao u Montereyju u Kaliforniji, diplomirao je magna cum laude na koledžu za dizajn Art Center u Pasadeni 1981. s diplomom prvostupnika likovnih umjetnosti. Sljedeća dva desetljeća radio je kao ilustrator za razne tvrtke u Kaliforniji i New Yorku prije nego što je 2009. započeo karijeru profesionalnog umjetnika.

Njegove realističke slike mogu se podijeliti u dvije glavne kategorije: biografske slike interijera i slike koje prikazuju radne ljude. Njegovo zanimanje za ovaj stil slikanja ukorijenjeno je u djelu slikara Jana Vermeera iz 16. stoljeća, a proteže se na objekte, autoportrete, portrete članova obitelji, prijatelja, učenika, interijera studija, učionice i doma. Njegova je svrha da realistične slike stvoriti raspoloženje i emocije kroz manipulaciju svjetlom i korištenje prigušenih boja.

Chang je postao poznat nakon prelaska na tradicionalnu vizualnu umjetnost. Tijekom proteklih 12 godina dobio je brojne nagrade i počasti, a najprestižnija je Majstorski potpis Udruge slikara ulja Amerike, najveće zajednice slikara ulja u Sjedinjenim Državama. Samo jedna osoba od 50 počašćena je mogućnošću da primi ovu nagradu. Warren trenutno živi u Montereyu i radi u svom studiju, a također predaje (poznat kao talentirani učitelj) na Akademiji umjetnosti San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni - talijanski umjetnik. Rođen u Blairu 15. listopada 1955. godine. Diplomirao scenografiju na Institutu za umjetnost u Spoletu. Kao umjetnik je samouk jer je samostalno “gradio kuću znanja” na temeljima postavljenim još u školi. Počeo je slikati u ulju s 19 godina. Trenutno živi i radi u Umbriji.

Brunijevo rano slikarstvo ukorijenjeno je u nadrealizmu, no s vremenom se počinje fokusirati na bliskost lirskog romantizma i simbolizma, pojačavajući tu kombinaciju izuzetnom profinjenošću i čistoćom svojih likova. Živi i neživi objekti stječu jednako dostojanstvo i izgledaju gotovo hiperrealistično, ali se u isto vrijeme ne skrivaju iza zastora, već vam omogućuju da vidite bit svoje duše. Svestranost i sofisticiranost, senzualnost i usamljenost, promišljenost i plodnost duh su Aurelija Brunija, hranjen sjajem umjetnosti i harmonijom glazbe.

Aleksandar Balos

Alkasandr Balos je suvremeni poljski umjetnik specijaliziran za slikanje u ulju. Rođen 1970. u Gliwicama u Poljskoj, a od 1989. živi i radi u SAD-u, u gradu Shasta u Kaliforniji.

U djetinjstvu je učio umjetnost pod vodstvom svog oca Jana, samoukog umjetnika i kipara, pa je od ranoj dobi, umjetnička djelatnost dobio punu podršku oba roditelja. Godine 1989., u dobi od osamnaest godina, Balos je napustio Poljsku i otišao u Sjedinjene Države, gdje je njegova učiteljica i honorarna umjetnica Cathy Gaggliardi potaknula Alcasandra da upiše umjetnička škola. Balos je tada dobio punu stipendiju za Sveučilište Milwaukee Wisconsin, gdje je studirao slikarstvo kod profesora filozofije Harryja Rosina.

Nakon što je 1995. završio studij i stekao diplomu prvostupnika, Balos se preselio u Chicago kako bi pohađao školu likovne umjetnosti, čije se metode temelje na radu Jacques-Louisa Davida. figurativni realizam i portretno slikarstvočinili su najveći dio Balosova rada 90-ih i ranih 2000-ih. Danas Balos ljudskom figurom ističe značajke i nedostatke ljudskog postojanja, ne nudeći pritom nikakva rješenja.

Spletne kompozicije njegovih slika namijenjene su samostalnom tumačenju gledatelja, tek tada će platna dobiti svoje pravo vremensko i subjektivno značenje. Godine 2005. umjetnik se preselio u Sjevernu Kaliforniju, od tada se opseg njegovog rada značajno proširio i sada uključuje slobodnije metode slikanja, uključujući apstrakciju i različite multimedijske stilove koji pomažu izražavanju ideja i ideala bića kroz sliku.

Alyssa Monks

Alyssa Monks - moderna američki umjetnik. Rođena je 1977. u Ridgewoodu, New Jersey. Još kao dijete počela se zanimati za slikanje. Studirao na New School u New Yorku i Državno sveučilište Montclair, a diplomirao je na koledžu u Bostonu 1999. i stekao diplomu prvostupnika. Paralelno je studirala slikarstvo na akademiji Lorenzo Medici u Firenci.

Potom je nastavila studij po programu za magistarski studij na New York Academy of Art, na Odsjeku za figurativnu umjetnost, gdje je diplomirala 2001. godine. Diplomirala je na koledžu Fullerton 2006. Neko je vrijeme predavala na sveučilištima i obrazovne ustanove u cijeloj zemlji, predajući slikarstvo na Umjetničkoj akademiji u New Yorku, kao i na Sveučilištu Montclair State i Lyme Academy College of Art.

“Koristeći filtere kao što su staklo, vinil, voda i para, ja iskrivljujem ljudsko tijelo. Ovi filtri vam omogućuju stvaranje velike površine apstraktni dizajn kroz koji vire otočići boja - dijelovi ljudskog tijela.

Moje slike se mijenjaju moderan izgled na već ustaljene, tradicionalne položaje i geste kupaćih žena. Pažljivom gledatelju mogli bi puno reći o tako naizgled samorazumljivim stvarima kao što su dobrobiti plivanja, plesa i tako dalje. Moji likovi stisnuti su uz staklo prozora tuš kabine, iskrivljuju vlastito tijelo, shvaćajući da time utječu na notorni muški pogled na golu ženu. Debeli slojevi boje pomiješani su kako bi izdaleka oponašali staklo, paru, vodu i meso. Međutim, izbliza, divno fizička svojstva Uljana boja. Eksperimentirajući sa slojevima boje i boje, nalazim trenutak kada apstraktni potezi postaju nešto drugo.

Kad sam prvi put počeo slikati ljudsko tijelo, odmah sam bio fasciniran, pa čak i opsjednut njime i smatrao sam da svoje slike moram napraviti što realističnije. „Ispovijedao“ sam realizam sve dok se nije počeo rasplitati i dekonstruirati. Sada istražujem mogućnosti i potencijal stila slikanja u kojem se reprezentativno slikarstvo i apstrakcija susreću – ako oba stila mogu koegzistirati u istom trenutku u vremenu, ja ću to učiniti.”

Antonio Finelli

talijanski umjetnik - promatrač vremena” – Antonio Finelli je rođen 23.02.1985. Trenutno živi i radi u Italiji između Rima i Campobassa. Radovi su mu izlagani u nekoliko galerija u Italiji i inozemstvu: Rim, Firenca, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, a nalaze se iu privatnim i javnim zbirkama.

Crteži olovkom" Čuvar vremena” Antonio Finelli poslao nas je na vječno putovanje unutrašnji svijet ljudska temporalnost i s njom povezana rigorozna analiza ovog svijeta, čiji je glavni element prolazak kroz vrijeme i tragovi koje ono ostavlja na koži.

Finelli slika portrete ljudi bilo koje dobi, spola i nacionalnosti, čiji izrazi lica ukazuju na prolazak kroz vrijeme, a umjetnik se također nada da će na tijelima svojih likova pronaći dokaze o nemilosrdnosti vremena. Svoje radove Antonio definira jednim, općenitim naslovom: “Autoportret”, jer u svojim crtežima olovkom ne samo da prikazuje osobu, već gledatelju omogućuje kontemplaciju pravi rezultati protok vremena unutar osobe.

Flaminija Carloni

Flaminia Carloni je 37-godišnja talijanska umjetnica, kći diplomata. Ima troje djece. Dvanaest godina je živjela u Rimu, tri godine u Engleskoj i Francuskoj. Diplomirao povijest umjetnosti na Umjetničkoj školi BD. Zatim je stekla diplomu restauratora umjetnina. Prije nego što je pronašla svoj poziv i u potpunosti se posvetila slikarstvu, radila je kao novinarka, koloristica, dizajnerica i glumica.

Flaminijina strast prema slikanju javila se još u djetinjstvu. Glavni medij joj je ulje jer voli “coiffer la pate” i igra se s materijalom. Sličnu tehniku ​​naučila je u djelima umjetnika Pascala Torua. Flaminia je inspirirana velikim majstorima slikarstva kao što su Balthus, Hopper i François Legrand, kao i različitim umjetničkim pokretima: street art, kineski realizam, nadrealizam i renesansni realizam. Njezin najdraži slikar Caravaggio. Njezin san je otkriti terapeutsku moć umjetnosti.

Denis Černov

Denis Černov je talentiran Ukrajinski umjetnik, rođen je 1978. u Sambiru, regija Lavov, Ukrajina. Nakon što je diplomirao u Harkovu umjetnička škola 1998. godine boravi u Kharkovu, gdje trenutno živi i radi. Studirao je i u Harkovu državna akademija dizajna i umjetnosti, smjer grafika, diplomirala 2004. god.

Redovito sudjeluje u umjetničke izložbe, na ovaj trenutak bilo ih je više od šezdeset, što u Ukrajini, što u inozemstvu. Većina djela Denisa Černova čuva se u privatnim zbirkama u Ukrajini, Rusiji, Italiji, Engleskoj, Španjolskoj, Grčkoj, Francuskoj, SAD-u, Kanadi i Japanu. Neki su radovi prodani u Christie'su.

Denis radi u širokom spektru grafika i slikarske tehnike. Crteži olovkom jedna su od njegovih omiljenih slikarskih metoda, popis njegovih tema crteži olovkom također vrlo raznolik, slika pejzaže, portrete, aktove, žanr-kompozicije, ilustracije knjiga, književni i povijesne rekonstrukcije i fantazije.

Jednobojno slikarstvo Japana jedan je od jedinstvenih fenomena umjetnosti Istoka. Mnogo je radova i studija posvećeno tome, ali se često doživljava kao vrlo uvjetna stvar, a ponekad čak i dekorativna. To nije tako, duhovni svijet japanskog umjetnika vrlo je bogat, a on ne brine toliko o estetskoj komponenti, koliko o duhovnoj. Umjetnost Istoka je sinteza vanjskog i unutarnjeg, eksplicitnog i implicitnog.

U ovom postu želim obratiti pozornost ne na povijest monokromnog slikarstva, već na njegovu bit. O tome će se raspravljati.

Ekran "Bor" Hasegawa Tohaku, 1593.

Ono što vidimo na monokromnim slikama rezultat je umjetnikove interakcije s borovom trijadom: papir, kist, tuš. Dakle, da bi se ispravno razumjelo djelo, potrebno je razumjeti samog umjetnika i njegov stav.

"Pejzaž" Sesshu, 1398

Papir za Japanski majstor Nije lako improvizirani materijal, koju podređuje svom hiru, već je, naprotiv, "brat", pa se odnos prema njoj razvio u skladu s tim. Papir je dio okolne prirode, prema kojem su se Japanci oduvijek odnosili s poštovanjem i pokušavali ga ne potčiniti, već mirno koegzistirati s njim. Papir je u prošlosti drvo koje je stajalo na određenom području, Određeno vrijeme, “vidjela” nešto oko sebe, i sve to čuva. Japanski umjetnik tako doživljava materijal. Često su majstori, prije početka rada, dugo gledali Prazan list(kontemplirao) i tek onda prešao na slikanje. I danas suvremeni japanski umjetnici koji prakticiraju Nihon-ga (tradicionalno japansko slikarstvo) pažljivo biraju svoj papir. Kupuju ga po narudžbi od tvornica papira. Za svakog umjetnika određena debljina, propusnost vlage i tekstura (mnogi umjetnici čak sklapaju ugovor s vlasnikom tvornice da ne prodaju ovaj papir drugim umjetnicima) - stoga se svaka slika doživljava kao nešto jedinstveno i živo.

"Čitanje u šumarku bambusa" Shubun, 1446.

Govoreći o značaju ovog materijala, vrijedi spomenuti takve slavni spomenici Japanska književnost poput "Bilješki uz uzglavlje" Seija Shonagona i "Genji Monogotari" Murasakija Shikibua: i u "Bilješkama" i u "Genjiju" možete pronaći scene u kojima dvorjani ili ljubavnici razmjenjuju poruke. Papir na kojem su ispisane ove poruke bio je odgovarajućeg godišnjeg doba, nijanse, a način ispisivanja teksta odgovarao je njegovoj teksturi.

"Murasaki Shikibu u svetištu Ishiyama" Kyosen

Četka- druga komponenta je nastavak majstorove ruke (opet, ovo je prirodni materijal). Stoga su se kistovi izrađivali i po narudžbi, ali najčešće od samog umjetnika. Odabrao je dlačice potrebne duljine, odabrao veličinu četke i najudobniju ručku. Majstor piše samo svojim kistom i nikakvim drugim. (Iz osobno iskustvo: bio na majstorskom tečaju kineski umjetnik Jiang Shilun, publika je tražila da pokaže što mogu njegovi učenici koji su bili prisutni na majstorskom tečaju, a svaki od njih je, uzimajući u ruke majstorov kist, rekao da neće ispasti ono što su očekivali, jer kist nije njihov, nisu bili navikli na to i ne znaju ga pravilno koristiti.

"Fuji" skica tušem Katsushike Hokusaija

tinta- treće važan element. Tinta se događa različiti tipovi: može dati sjajni ili mat efekt nakon sušenja, može se miješati sa srebrnim ili oker nijansama, stoga pravi izbor maskara također nije nevažna.

Yamamoto Baitsu, kasno 18- XIX stoljeće.

Glavne teme monokromnog slikarstva su pejzaži. Zašto nemaju boju?

Dvostruki ekran "Pines", Hasegawa Tohaku

Prvo, japanskog umjetnika ne zanima sam objekt, već njegova bit, određena komponenta koja je zajednička svim živim bićima i vodi harmoniji između čovjeka i prirode. Stoga je slika uvijek nagovještaj, upućena je našim osjećajima, a ne viziji. Podcjenjivanje je poticaj za dijalog, a time i za povezivanje. Linije i mrlje su važne na slici - one formiraju umjetnički jezik. To nije sloboda majstora, koji je, gdje je htio, tamo ostavio mastan trag, a na drugom mjestu, naprotiv, nije dobro nacrtao - na slici sve ima svoje značenje i značenje, a ne nosi slučajni lik.

Drugo, boja uvijek nosi neku vrstu emocionalne konotacije i percipira se drugačije. razliciti ljudi u različitim stanjima, dakle, emocionalna neutralnost omogućuje gledatelju da najadekvatnije uđe u dijalog, pozicionira ga za percepciju, kontemplaciju i mišljenje.

Treće, ovo je interakcija jina i janga, svaka jednobojna slika je skladna u smislu omjera tinte i netaknutog dijela papira u njoj.

Zašto većina prostor na papiru nije iskorišten?

"Pejzaž" Syubun, sredina 15. stoljeća.

Prvo, prazan prostor uranja gledatelja u sliku; drugo, slika nastaje kao da je na trenutak isplivala na površinu i samo što nije nestala – to je povezano sa svjetonazorom i svjetonazorom; treće, na onim područjima gdje nema tinte dolazi do izražaja tekstura i nijansa papira (to se ne vidi uvijek na reprodukcijama, no u stvarnosti se uvijek radi o interakciji dva materijala - papira i tinte).

Sesshu, 1446

Zašto pejzaž?

"Razmatranje vodopada" Gayami, 1478

Prema japanskom svjetonazoru, priroda je savršenija od čovjeka, stoga on mora učiti od nje, štititi je na sve moguće načine, a ne uništavati ili podjarmljivati. Stoga se u mnogim krajolicima mogu vidjeti male slike ljudi, ali uvijek beznačajne, male u odnosu na sam krajolik, ili slike koliba koje se uklapaju u prostor oko sebe i čak nisu uvijek uočljive – sve su to simboli svjetonazor.

"Godišnja doba: jesen i zima" Sesshu. "Pejzaž" Sesshu, 1481

Zaključno, želim reći da japansko jednobojno slikarstvo nije nasumično poprskana tinta, nije hir umjetnikova unutarnjeg ega - to je cijeli sustav slika i simbola, to je spremište filozofske misli, i što je najvažnije, način komunikacije i usklađivanja sebe i svijeta oko sebe.

Ovdje su, mislim, odgovori na glavna pitanja koja gledatelj ima kad se suoči s jednobojnim japanskim slikarstvom. Nadam se da će vam oni pomoći da to najispravnije shvatite i percipirate kada se sretnete.

Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju povijest pretrpjela je veliki broj promjene. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a izvorna japanska načela su ostala. Zajedno s nevjerojatna priča Japansko slikarstvo također je spremno predstaviti mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.

drevni japan

Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijim povijesno razdoblje zemlje prije pr. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e., bilo je raznih geometrijske figure koje su se izrađivale na keramici štapićima. Takav nalaz arheologa kao ukras na brončanim zvonima pripada kasnijem vremenu.

Nešto kasnije, već 300. godine. e. pojaviti se pećinski crteži koje su mnogo raznovrsnije. geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Nađeni su unutar kripti, a vjerojatno su i ljudi koji su na njima naslikani pokopani u tim grobljima.

U 7. stoljeću A.D. e. Japan preuzima pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odande dolaze i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.

edo

Edo je daleko od prve i ne posljednje slike, ali je ona ta koja je donijela mnogo toga novog u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedenoj u crnim i sivim tonovima. Najviše izvanredan umjetnik Ovaj stil se smatra Sotasu. Stvorio je klasične slike ali su njegovi likovi bili vrlo živopisni. Kasnije se prebacio na prirodu, a većinu krajolika izradio je na pozadini pozlate.

Drugo, tijekom razdoblja Edo pojavila se egzotika, namban žanr. Koristila se modernim europskim i Kineski tehničari koji se isprepliću s tradicionalnim japanskim stilovima.

I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici najprije potpuno oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.

Period modernizacije

Edo razdoblje zamjenjuje Meiji, a sada japansko slikarstvo prisiljen otići na nova pozornica razvoj. U to vrijeme diljem svijeta postaju popularni žanrovi kao što su western i slični, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u dano vrijeme stvari su bile vrlo različite od onoga što se događalo u drugim zemljama. Ovdje naglo bukti natjecanje između europskih i domaćih tehničara.

Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji služe velika očekivanja poboljšati vještine u zapadnjačkim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Europi i Americi.

Ali to je bilo tek na početku razdoblja. Činjenica je da značajni kritičari prilično kritizirao zapadnjačku umjetnost. Kako bismo izbjegli mnogo pompe oko ovog pitanja, europski stilovi a tehnike su se počele zabranjivati ​​na izložbama, prestalo je njihovo izlaganje, kao i njihova popularnost.

Pojava europskih stilova

Zatim dolazi razdoblje Taisho. U ovo vrijeme mladi umjetnici koji su otišli studirati u strane škole vraćaju se u domovinu. Naravno, sa sobom donose nove stilove japanskog slikarstva, koji su vrlo slični europskim. Javljaju se impresionizam i postimpresionizam.

Na ovoj fazi nastaju mnoge škole u kojima antički japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se osloboditi zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili kako ljubitelji klasike, tako i ljubitelji modernog europskog slikarstva.

Neke škole financira država, zahvaljujući čemu su sačuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci, pak, prisiljeni su se povoditi za potrošačima koji žele nešto novo, umorni su od klasike.

Slika iz Drugog svjetskog rata

Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvijao se odvojeno i neovisno. Ali nije moglo ovako zauvijek.

S vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i cijenjene figure privlače mnoge umjetnike. Neki od njih već početkom rata počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali započinju ovaj proces samo po nalogu vlasti.

Shodno tome, japanska likovna umjetnost tijekom Drugog svjetskog rata nije se mogla posebno razviti. Stoga se za slikanje može nazvati ustajalim.

Vječni Suibokuga

Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". To definira stil i tehniku ova umjetnost. Došao je iz Kine, ali su mu Japanci odlučili dati svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štoviše, isprva su crtali slike, a kasnije su vježbali koncentraciju gledajući ih. Redovnici su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve to se naziva jednobojnim.

Japansko slikarstvo tušem, unatoč velikom izboru slika i tehnika, nije tako komplicirano kao što se na prvi pogled čini. Temelji se na samo 4 parcele:

1. Krizantema.
2. Orhideja.
3. Grana šljive.
4. Bambus.

Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.

Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štoviše, danas možete upoznati majstore ove škole ne samo u Japanu, već je raširena i daleko izvan njegovih granica.

Moderno razdoblje

Na kraju Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu cvjetala je samo u velikim gradovima, seljani i seljaci imali su dovoljno briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa ratnim gubicima i na platnu prikazati suvremeni urbani život sa svim njegovim ukrasima i obilježjima. Europske i američke ideje uspješno su usvojene, ali takvo stanje nije dugo potrajalo. Mnogi majstori počeli su se postupno udaljavati od njih prema japanskim školama.

Tradicionalni stil je uvijek bio moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvedbe ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.

O modi da i ne govorimo moderne subkulture kao što su anime i slični stilovi. Mnogi umjetnici pokušavaju zamagliti granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom je takvo stanje posljedica trgovine. Klasici i tradicionalnih žanrova zapravo, ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.

Zaključak

Bez sumnje, japansko slikarstvo je riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična zemlja ostala jedina koja nije slijedila zapadne trendove, nije se prilagodila modi. Unatoč brojnim udarcima u vrijeme dolaska novih tehnika, umjetnici Japana ipak su se uspjeli obraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerojatno su zato u moderno doba slike rađene u klasičnom stilu visoko cijenjene na izložbama.

Svaka zemlja ima svoje heroje suvremene umjetnosti, čija su imena dobro poznata, čije izložbe okupljaju mnoštvo obožavatelja i znatiželjnika, a čija su djela raspoređena po privatnim zbirkama.

U ovom ćemo vam članku predstaviti najpopularnije suvremeni umjetnici Japan.

Keiko Tanabe

Rođena u Kyotu, Keiko je kao dijete pobijedila na mnogim likovnim natjecanjima, ali više obrazovanje primio uopće ne na području umjetnosti. Radila je u odjelu za međunarodne odnose japanske samoupravne trgovačke organizacije u Tokiju, u velikoj odvjetničkoj tvrtki u San Franciscu te u privatnoj konzultantska tvrtka u San Diegu, puno je putovao. Počevši od 2003. godine napušta posao i, nakon što je u San Diegu naučila osnove slikanja akvarelom, posvećuje se isključivo umjetnosti.

Ikenaga Yasunari (Ikenaga Yasunari)

Japanski umjetnik Ikenaga Yasunari slika portrete moderne žene u prastarom Japanska tradicija slikanje Menso kistom, mineralnim pigmentima, čađom, tušem i lanom kao podlogom. Njegovi likovi su žene našeg vremena, ali zahvaljujući stilu Nihonge, postoji osjećaj da su nam došle iz davnih vremena.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki je realistički umjetnik koji je savladao akvarel tehnika. Abea se može nazvati umjetnikom-filozofom: on u osnovi ne crta dobro poznate znamenitosti, preferirajući subjektivne kompozicije koje odražavaju unutarnja stanja osoba koja ih promatra.

Hiroko Sakai

Karijera umjetnice Hiroko Sakai započela je ranih 90-ih u gradu Fukuoka. Nakon što je diplomirao na Sveučilištu Seinan Gakuin i francuska škola Interior Design Nihon u području dizajna i vizualizacije osnovala je "Atelier Yume-Tsumugi Ltd." i uspješno vodio ovaj studio 5 godina. Mnogi njezini radovi krase predvorja bolnica, urede velikih korporacija i neke gradske zgrade u Japanu. Nakon što se preselila u Sjedinjene Države, Hiroko je počela slikati u ulju.

Riusuke Fukahori

Trodimenzionalni radovi Ryuusukija Fukahorija su poput holograma. Gotovi su akrilna boja nanesena u nekoliko slojeva i prozirna tekućina smole - sve to, zajedno s tradicionalnim metodama kao što su crtanje sjena, omekšavanje rubova, kontrola prozirnosti, omogućuje Ryusukiju stvaranje skulpturalne slike i daje dubinu i realizam djelu.

Natsuki Otani

Natsuki Otani je talentirani japanski ilustrator koji živi i radi u Engleskoj.

Makoto Muramatsu

Makoto Muramatsu odabrao je win-win temu kao osnovu za svoj rad - on crta mačke. Njegove slike su popularne u cijelom svijetu, posebno u obliku zagonetki.

Tetsuya Mishima

Većina slika moderne japanski umjetnik Mishima se pravi u ulju. Slikarstvom se profesionalno bavi od 90-ih, ima ih nekoliko osobne izložbe te veliki broj kolektivnih izložbi, japanskih i stranih.