Suvremeni japanski umjetnici. Stanovnik duševne bolnice iz Japana najskuplji je živući umjetnik

Ima vrlo bogata povijest; njegova je tradicija opsežna, s jedinstvenim položajem Japana u svijetu koji uvelike utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Poznata činjenica To što je Japan stoljećima bio prilično izoliran nije posljedica samo geografskog položaja, već i dominantne japanske kulturne sklonosti izolaciji koja je obilježila povijest zemlje. Tijekom stoljeća onoga što bismo mogli nazvati "japanskom civilizacijom", kultura i umjetnost razvijale su se odvojeno od onih u ostatku svijeta. I to je čak vidljivo u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, slike Nihonge među glavnim su elementima japanske slikarske prakse. Temelji se na više od tisuću godina tradicije, a slike se najčešće stvaraju kistovima na vašem (japanski papir) ili egini (svila).

Međutim, japanska umjetnost i slikarstvo bili su pod utjecajem strane umjetničke prakse. Prvo, to je bila kineska umjetnost u 16. stoljeću i kineska umjetnost i kineska umjetnička tradicija, koja je bila posebno utjecajna na nekoliko načina. Od 17. stoljeća japansko slikarstvo također pod utjecajem zapadnih tradicija. Osobito je u predratnom razdoblju, koje je trajalo od 1868. do 1945., japansko slikarstvo bilo pod utjecajem impresionizma i europskog romantizma. U isto vrijeme, novi europski umjetnički pokreti također su bili pod značajnim utjecajem japanskog umjetničke tehnike. U povijesti umjetnosti taj se utjecaj naziva "japanizam", a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umjetnike povezane s modernizmom.

Duga povijest japanskog slikarstva može se promatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju dijelove priznate japanske estetike. Prije svega, budistička umjetnost i metode slikanja, kao i religijsko slikarstvo, ostavili su značajan trag u estetici japanskog slikarstva; slikanje pejzaža vodenim tušem u tradiciji kineskog književnog slikarstva – drugo važan element, prepoznat u mnogim poznatim japanskim slikama; slikanje životinja i biljaka, posebice ptica i cvijeća, nešto je što se najčešće povezuje s japanskim kompozicijama, kao i pejzaži i prizori iz svakodnevnog života. Konačno, antičke ideje o ljepoti iz filozofije i kulture imale su veliki utjecaj na japansko slikarstvo. drevni japan. Wabi, što znači prolazna i surova ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) još uvijek utječu na ideale u praksi japanskog slikarstva.

Na kraju, ako se fokusiramo na odabir deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. Dominirao je u japanska umjetnost od 17. do 19. stoljeća, dok su umjetnici ovog žanra stvarali drvoreze i slike s predmetima kao npr. predivne djevojke, kabuki glumci i sumo hrvači, kao i scene iz povijesti i Narodne priče, scene i pejzaže s putovanja, floru i faunu pa čak i erotiku.

Uvijek je teško napraviti popis najbolje slike iz umjetničkih tradicija. Mnoga nevjerojatna djela bit će isključena; međutim, ovaj popis sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika u svijetu. U ovom će članku biti prikazane samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.

Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu povijest. Tijekom stoljeća japanski umjetnici su se razvijali veliki broj jedinstvene tehnike i stilovi koji su najvrjedniji doprinos Japana svijetu umjetnosti. Jedna od tih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtež tušem", kombinirajući kaligrafiju i tuš za stvaranje rijetke ljepote kompozicija naslikanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, ali složena, odvažna, ali prigušena, nedvojbeno odražava duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički svećenici su u šestom stoljeću iz Kine u Japan donijeli brikete s tvrdom tintom i bambusovu četku, a tijekom proteklih 14 stoljeća Japan se razvio bogato nasljeđe slikanje tušem.

Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 remek-djela japanskog slikarstva

1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"

Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je San ribarske žene. Napisana je 1814 poznati umjetnik Hokusai. Prema strogim definicijama ovo odličan posao Hokusai se ne može smatrati slikom, budući da je to ukiyo-e drvorez iz Mladih borova (Kinoe no Komatsu), koji je trotomna šunga knjiga. Kompozicija prikazuje mladu ama ronilicu seksualno isprepletenu s parom hobotnica. Ova je slika bila vrlo utjecajna u 19. i 20. stoljeću. Rad je utjecao na više kasni umjetnici kao što su Felicien Rops, Auguste Rodin, Luis Ocock, Fernand Khnopf i Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec"

Tessai Tomioka pseudonim je poznatog japanskog umjetnika i kaligrafa. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u bungjing tradiciji i jednim od prvih glavni umjetnici Nihonga stil. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je cvjetala tijekom kasnog razdoblja Edo među umjetnicima koji su sebe smatrali književnicima ili intelektualcima. Svaki od tih umjetnika, uključujući Tessaiu, razvio je svoje vlastiti stil i tehnologiju, ali svi su bili veliki obožavatelji kineske umjetnosti i kulture.

3. Fujishima Takeji "Izlazak sunca nad istočnim morem"

Fujishima Takeji bio je japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu Yoga (zapadnjački stil) u potkraj XIX- početak XX stoljeća. 1905. odlazi u Francusku, gdje je pod utjecajem francuski pokreti toga vremena, osobito impresionizma, što se vidi na njegovoj slici "Izlazak sunca nad istočnim morem", koju je napisao 1932. godine.

4. Kitagawa Utamaro "Deset tipova ženskih lica, zbirka dominantnih ljepotica"

Kitagawa Utamaro bio je istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753., a umro 1806. godine. Daleko je najpoznatiji po seriji pod nazivom The Ten Types ženska lica. Zbirka vladajućih ljepotica, teme Velika ljubav Klasična poezija" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži zasebne gravure "Gola ljubav" i "Zamišljena ljubav"). Jedan je od najznačajnijih umjetnika koji pripada žanru ukiyo-e drvoreza.

5. Kawanabe Kyosai "Tigar"

Kawanabe Kyosai bio je jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika iz razdoblja Edo. Na njegovu umjetnost utjecao je Tohaku, kano slikar iz 16. stoljeća koji je bio jedini slikar svog vremena koji je u potpunosti slikao ekrane tintom na nježnoj pozadini od zlata u prahu. Iako je Kyosai poznat kao karikaturist, on je napisao neke od njih najviše poznate slike u Japanska povijest Umjetnost XIX stoljeća. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i tuš.

6. Hiroshi Yoshida Fuji iz jezera Kawaguchi

Hiroshi Yoshida poznat je kao jedna od glavnih figura stila shin-hanga (shin-hanga je umjetnički pokret u Japanu početkom 20. stoljeća, tijekom razdoblja Taisho i Showa, koji je oživio tradicionalnu umjetnost ukiyo-e , koji se ukorijenio u razdobljima Edo i Meiji (XVII - XIX st.)). Bio je obučen u tradiciji zapadnjačkog uljanog slikarstva, koje je usvojeno u Japanu tijekom razdoblja Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Takashi Murakami vjerojatno je najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već nadahnjuje nove generacije umjetnika ne samo u Japanu nego i šire. Murakamijeva umjetnost uključuje cijela linija medija i obično se opisuje kao superravni. Njegov je rad poznat po korištenju boja, uključujući motive iz japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "simpatični", "psihodelični" ili "satirični".

8. Yayoi Kusama "Bundeva"

Yaoi Kusama također je jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika. Ona stvara u razne tehnike uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, umjetnost izvedbe, umjetnost zaštite okoliša i instalacije, od kojih većina pokazuje njezin tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorke. Jedna od najpoznatijih serija ove vrste veliki umjetnik je serija "Bundeva". Obična bundeva s točkicama svijetlo žute boje predstavljen na pozadini mreže. Zajedno, svi takvi elementi tvore vizualni jezik koji je nepogrešiv za umjetnikov stil, a razvijao se i usavršavao tijekom desetljeća mukotrpne izrade i reprodukcije.

9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"

Tenmyoya Hisashi je suvremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Sudjelovao je u oživljavanju stare tradicije japanskog slikarstva, koje je sušta suprotnost modernom japanskom slikarstvu. Godine 2000. stvorio je i svoj novi stil butouha, koji pokazuje čvrst stav prema vlasti sustav umjetnosti kroz njegove slike. "Japanski duh br. 14" nastao je kao dio umjetničke sheme "BASARA", koja se u japanskoj kulturi tumači kao buntovničko ponašanje niže aristokracije tijekom razdoblja Zaraćenih država kako bi se vlastima oduzela mogućnost traženja savršena slikaživot, oblačenje u pompoznu i raskošnu odjeću i djelovanje po slobodnoj volji, što nije odgovaralo njihovom društvenom sloju.

10. Katsushika Hokusai "Veliki val kod Kanagawe"

konačno, " Veliki val u Kanagawi" je vjerojatno najprepoznatljiviji japansko slikarstvo ikada napisano. Stvarno je najviše poznato djelo umjetnost proizvedena u Japanu. Prikazuje ogromne valove koji prijete brodovima u blizini obale prefekture Kanagawa. Iako se ponekad pogrešno smatra tsunamijem, val, kako naziv slike govori, najvjerojatnije jednostavno ima nenormalno visoku visinu. Slika je napravljena u tradiciji ukiyo-e.

Yayoi Kusama vjerojatno neće moći odgovoriti što je činilo temelj njezine karijere umjetnice. Ima 87 godina, njezina je umjetnost priznata u cijelom svijetu. Velike izložbe njezinih radova uskoro će biti održane u SAD-u i Japanu, no svijetu još nije sve rekla. “Još je na putu. Kreirat ću ovo u budućnosti", kaže Kusama. Nazivaju je najuspješnijom umjetnicom u Japanu. Uz to je i najskuplja živuća umjetnica: 2014. godine njezina je slika "Bijela br. 28" prodana za 7,1 milijun dolara.

Kusama živi u Tokiju i već gotovo četrdeset godina dobrovoljno leži u psihijatrijskoj bolnici. Jednom dnevno ostavlja svoje zidove da ih okreči. Ustaje u tri sata ujutro, ne može spavati i želi kvalitetno iskoristiti vrijeme na poslu. “Sada sam star, ali i dalje ću stvarati više radova i najbolji rad. Više nego što sam učinio u prošlosti. Moj um je pun slika”, kaže ona.

(Ukupno 17 fotografija)

Yayoi Kusama na izložbi svojih radova u Londonu 1985. Fotografija: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

Od devet do šest, Kusama radi u svom trokatnom studiju bez ustajanja invalidska kolica. Može hodati, ali je preslaba. Žena radi na platnu postavljenom na stolove ili učvršćenom na podu. Studio je pun novih slika, svijetlih djela prošaranih sitnim točkicama. Umjetnica to naziva "samoutišavanjem" - beskrajnim ponavljanjem koje prigušuje buku u njezinoj glavi.

Prije dodjele umjetničkih nagrada Praemium Imperiale 2006. u Tokiju. Fotografija: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

Preko ceste će se uskoro otvoriti nova galerija, a još jedan muzej njezine umjetnosti gradi se sjeverno od Tokija. Osim toga, otvaraju se dvije velike izložbe njezinih radova. Yayoi Kusama: Infinite Mirrors, retrospektiva njezine 65-godišnje karijere, otvorena je u muzeju Hirshhorn u Washingtonu 23. veljače i traje do 14. svibnja, nakon čega će putovati u Seattle, Los Angeles, Toronto i Cleveland. Izložba uključuje 60 slika Kusame.

Njezin grašak pokriva sve od Louis Vuitton haljina do autobusa u njoj rodni grad. Kusamin rad redovito se prodaje za milijune dolara i nalazi se po cijelom svijetu – od New Yorka do Amsterdama. Izložbe radova japanskog umjetnika toliko su popularne da su potrebne mjere za sprječavanje stampeda i nereda. Na primjer, u Hirshhornu se ulaznice za izložbe prodaju na Određeno vrijeme nekako regulirati protok posjetitelja.

Predstavljanje zajedničkog dizajna Louisa Vuittona i Yayoi Kusama u New Yorku 2012. Foto: Agencija Billy Farrell/REX/Shutterstock

Ali Kusama i dalje treba odobrenje izvana. Kada su je u jednom intervjuu upitali je li prije desetljeća postigla svoj cilj da postane bogata i slavna, iznenađeno je rekla: “Kad sam bila mala, bilo mi je jako teško uvjeriti majku da želim postati umjetnica. Je li stvarno istina da sam bogat i slavan?"

Kusama je rođen u Matsumotu, u planinama središnjeg Japana, 1929. godine u bogatoj i konzervativnoj obitelji koja je prodavala sadnice. Ali to nije bio sretan dom. Njena majka je prezirala svog prevarenog muža i poslala je malu Kusamu da ga špijunira. Djevojčica je viđala oca s drugim ženama i to je kod nje izazvalo doživotnu averziju prema seksu.

Louis Vuitton izlog koji je dizajnirao Kusama 2012. Fotografija: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

Kao dijete počela je doživljavati vidne i slušne halucinacije. Kad je prvi put vidjela bundevu, zamislila je da razgovara s njom. Buduća umjetnica nosila se s vizijama stvarajući ponavljajuće uzorke kako bi prigušila misli u svojoj glavi. Čak i u takvim mlada dob umjetnost je za nju postala svojevrsna terapija koju će kasnije nazvati "lijekom umjetnosti".

Rad Yayoi Kusame izložen u muzeju suvremena umjetnost Whitney 2012. godine. Foto: Agencija Billy Farrell/REX/Shutterstock

Kusamina majka oštro se protivila želji svoje kćeri da postane umjetnica i inzistirala je da djevojčica slijedi tradicionalni put. “Nije mi dopustila da crtam. Željela je da se oženim - rekao je umjetnik u intervjuu. Bacila je moj rad. Htio sam se baciti pod vlak. Svaki dan sam se svađao s majkom i zbog toga mi je um bio oštećen.

Godine 1948., nakon završetka rata, Kusama odlazi u Kyoto proučavati tradicionalno japansko nihonga slikarstvo sa strogim pravilima. Mrzila je ovaj oblik umjetnosti.

Jedan od eksponata izložbe Yayoi Kusame u Muzeju moderne umjetnosti Whitney 2012. Foto: Agencija Billy Farrell/REX/Shutterstock

Kad je Kusama živjela u Matsumotu, pronašla je knjigu Georgije O'Keeffe i bila je zadivljena njezinim slikama. Djevojka je otišla u američko veleposlanstvo u Tokiju kako bi u imeniku pronašla članak o O'Keeffeu i saznala njezinu adresu. Kusama joj je napisao pismo i poslao neke crteže, i na njezino iznenađenje, američki umjetnik odgovori joj.

“Nisam mogao vjerovati svojoj sreći! Bila je toliko ljubazna da je odgovorila na iznenadni izljev osjećaja skromne japanske djevojke, kojeg nikada u životu nije upoznala niti čula za njega”, napisala je umjetnica u svojoj autobiografiji Infinity Net.

Yayoi Kusama u izlogu koji je dizajnirala za Louis Vuitton u New Yorku 2012. Fotografija: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

Unatoč O'Keeffeovim upozorenjima da je mladim umjetnicima u SAD-u teško, a da ne govorimo o mladim slobodnim djevojkama iz Japana, Kusama je bila nezaustavljiva. Godine 1957. uspjela je dobiti putovnicu i vizu. Ušivala je dolare u svoje haljine kako bi zaobišla strogu poslijeratnu deviznu kontrolu.

Prva postaja bio je Seattle, gdje je održala izložbu u maloj galeriji. Zatim je Kusama otišla u New York, gdje je doživjela gorko razočaranje. “Za razliku od poslijeratnog Matsumota, New York je u svakom pogledu bio zlo i nasilno mjesto. Za mene je to bilo previše stresno i ubrzo sam zaglibio u neurozu. Da stvar bude gora, Kusama se našla u potpunom siromaštvu. Kao krevet poslužila su joj stara vrata, a iz kanti za smeće vadila je riblje glave i pokvareno povrće kako bi od njih napravila juhu.

Instalacija Infinity Mirror Room - Love Forever ("Soba s ogledalima beskonačnosti - ljubav zauvijek"). Fotografija: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

Ova teška situacija potaknula je Kusamu da još više uroni u svoj posao. Počela je stvarati svoje prve slike u seriji Infinity Web, prekrivajući ogromna platna (jedno od njih dosezalo je visinu od 10 metara) s očaravajućim valovima malih petlji za koje se činilo da nikad nemaju kraja. Sama umjetnica opisala ih je na sljedeći način: "Bijele mreže koje obavijaju crne točke tihe smrti na pozadini beznadne tame ništavila."

Instalacija Yayoi Kusama na otvaranju nove zgrade Muzeja suvremene umjetnosti Garage u Centralnom parku kulture i kulture Gorky u Moskvi 2015. Fotografija: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

To opsesivno-kompulzivno ponavljanje pomoglo je otjerati neurozu, ali nije uvijek spasilo. Kusama je neprestano patio od napadaja psihoze i završio je u njujorškoj bolnici. Budući da je ambiciozna i svrhovita te rado preuzimajući ulogu egzotične Azijke u kimonu, pridružila se gomili utjecajni ljudi u umjetnosti i komunicirao s takvim priznatim umjetnicima kao što su Mark Rothko i Andy Warhol. Kusama je kasnije rekla da je Warhol oponašao njezin rad.

Kusama je ubrzo stekao određeni stupanj slave i izlagao u prepunim galerijama. Osim toga, slava umjetnika postala je skandalozna.

Šezdesetih godina prošlog stoljeća, kada je Kusama bila opsjednuta točkicama, počela je priređivati ​​hepeninge u New Yorku: provocirala je ljude da se skinu goli na mjestima poput Central Parka i Brooklynskog mosta, a njihova tijela oslikavala je točkicama.

Pretpremijerno na Art Baselu u Hong Kongu 2013. Fotografija: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

Desetljećima prije uspona pokreta Occupy Wall Street, Kusama je inscenirala hepening u financijskom okrugu New Yorka, rekavši da želi "uništiti muškarce Wall Streeta točkicama". Otprilike u isto vrijeme počela je prekrivati ​​razne predmete - stolicu, čamac, kočiju - falusnim izbočinama. “Počeo sam izrađivati ​​penise kako bih izliječio svoju averziju prema seksu”, napisao je umjetnik, opisujući kako je ovo kreativni proces postupno pretvorio strašno u nešto poznato.

Prolazna zimska instalacija u galeriji Tate u Londonu. Fotografija: James Gourley/REX/Shutterstock

Kusama se nikad nije udavala, iako je dok je živjela u New Yorku deset godina imala vezu sličnu bračnoj s umjetnikom Josephom Cornellom. “Nisam voljela seks, a on je bio impotentan, tako da smo bili jako dobri jedno za drugo”, rekla je u intervjuu za Art Magazine.

Kusama je postajala sve poznatija po svojim nestašlucima: ponudila se spavati s američkim predsjednikom Richardom Nixonom ako on prekine Vijetnamski rat. "Kitimo jedno drugo točkicama", napisala mu je u pismu. Zanimanje izravno za njezinu umjetnost je izblijedjelo, pala je u nemilost i ponovno su počeli problemi s novcem.

Yayoi Kusama tijekom retrospektive njezinih radova u Muzeju moderne umjetnosti Whitney u New Yorku 2012. Fotografija: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

Vijesti o Kusaminim bježanjima stigle su do Japana. Počeli su je nazivati ​​"nacionalnom katastrofom", a majka je rekla da bi bilo bolje da joj je kći umrla od bolesti u djetinjstvu. Početkom 1970-ih osiromašeni i fijasko Kusama se vratio u Japan. Registrirana je u psihijatrijskoj bolnici, gdje i danas živi, ​​i potonula u umjetnički mrak.

Godine 1989. Centar za suvremenu umjetnost u New Yorku organizirao je retrospektivu njezina rada. Bio je to početak sporog, ali ponovnog oživljavanja interesa za umjetnost Kusame. Napunila je sobu s ogledalom bundevama za instalaciju koja je predstavljena na Venecijanskom bijenalu 1993., a 1998. imala je veliku izložbu u Muzeju moderne umjetnosti MoMa u New Yorku. Tu je svojedobno priredila hepening.

Na izložbi My Eternal Soul u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, veljača 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

U posljednjih nekoliko godina Yayoi Kusama je postala međunarodni fenomen. Suvremena galerija Tate u Londonu i Whitneyjev muzej u New Yorku održali su velike retrospektive koje su privukle ogromne gužve i učinile njezin kultni točkasti uzorak vrlo prepoznatljivim.

Na izložbi My Eternal Soul u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, veljača 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Umjetnica neće prestati raditi, ali počela je razmišljati o svojoj smrtnosti. “Ne znam koliko dugo mogu preživjeti čak i nakon smrti. Postoji buduća generacija koja ide mojim stopama. Bit će mi čast ako ljudi uživaju gledajući moje radove i ako ih moja umjetnost dirne.”

Na izložbi My Eternal Soul u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, veljača 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Unatoč komercijalizaciji svoje umjetnosti, Kusama razmišlja o grobu u Matsumotu - ne u obiteljskom trezoru, koji je već naslijedila od roditelja - i kako ga ne pretvoriti u svetište. “Ali ja još ne umirem. Mislim da ću živjeti još 20 godina”, kaže ona.

Na izložbi My Eternal Soul u Nacionalnom umjetničkom centru u Tokiju, veljača 2017. Fotografija: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju povijest doživio je veliki broj promjena. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a izvorna japanska načela su ostala. Zajedno s nevjerojatna priča Japansko slikarstvo također je spremno predstaviti mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.

drevni japan

Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijim povijesno razdoblje zemlje prije pr. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e., bilo je raznih geometrijske figure koje su se izrađivale na keramici štapićima. Takav nalaz arheologa kao ukras na brončanim zvonima pripada kasnijem vremenu.

Nešto kasnije, već 300. godine. e. pojaviti se pećinski crteži koje su mnogo raznovrsnije. geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Nađeni su unutar kripti, a vjerojatno su i ljudi koji su na njima naslikani pokopani u tim grobljima.

U 7. stoljeću A.D. e. Japan preuzima pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odande dolaze i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.

edo

Edo je daleko od prve i ne posljednje slike, ali je ona ta koja je donijela mnogo toga novog u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedenoj u crnim i sivim tonovima. Najviše izvanredan umjetnik Ovaj stil se smatra Sotasu. Stvorio je klasične slike ali su njegovi likovi bili vrlo živopisni. Kasnije se prebacio na prirodu, a većinu krajolika izradio je na pozadini pozlate.

Drugo, tijekom razdoblja Edo pojavila se egzotika, namban žanr. Koristila je moderne europske i kineske tehnike, koje su se ispreplitale s tradicionalnim japanskim stilovima.

I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici najprije potpuno oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.

Period modernizacije

Razdoblje Edo zamjenjuje Meiji, a sada je japansko slikarstvo prisiljeno ući u njega nova pozornica razvoj. U to vrijeme diljem svijeta postaju popularni žanrovi kao što su western i slični, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u dano vrijeme stvari su bile vrlo različite od onoga što se događalo u drugim zemljama. Ovdje naglo bukti natjecanje između europskih i domaćih tehničara.

Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji služe velika očekivanja poboljšati vještine u zapadnjačkim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Europi i Americi.

Ali to je bilo tek na početku razdoblja. Činjenica je da značajni kritičari prilično kritizirao zapadnjačku umjetnost. Kako bismo izbjegli mnogo pompe oko ovog pitanja, europski stilovi a tehnike su se počele zabranjivati ​​na izložbama, prestalo je njihovo izlaganje, kao i njihova popularnost.

Pojava europskih stilova

Zatim dolazi razdoblje Taisho. U ovo vrijeme mladi umjetnici koji su otišli studirati u strane škole vraćaju se u domovinu. Naravno, sa sobom donose nove stilove japanskog slikarstva, koji su vrlo slični europskim. Javljaju se impresionizam i postimpresionizam.

Na ovoj fazi nastaju mnoge škole u kojima antički japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se osloboditi zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili kako ljubitelji klasike, tako i ljubitelji modernog europskog slikarstva.

Neke škole financira država, zahvaljujući čemu su sačuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci, pak, prisiljeni su se povoditi za potrošačima koji žele nešto novo, umorni su od klasike.

Slika iz Drugog svjetskog rata

Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvijao se odvojeno i neovisno. Ali nije moglo ovako zauvijek.

S vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i cijenjene figure privlače mnoge umjetnike. Neki od njih već početkom rata počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali započinju ovaj proces samo po nalogu vlasti.

Prema tome, japanski umjetnost za vrijeme Drugog svjetskog rata bila nesposobna. Stoga se za slikanje može nazvati ustajalim.

Vječni Suibokuga

Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". To definira stil i tehniku ova umjetnost. Došao je iz Kine, ali su mu Japanci odlučili dati svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štoviše, isprva su crtali slike, a kasnije su vježbali koncentraciju gledajući ih. Redovnici su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve to se naziva jednobojnim.

Japansko slikarstvo tušem, unatoč velikom izboru slika i tehnika, nije tako komplicirano kao što se na prvi pogled čini. Temelji se na samo 4 parcele:

1. Krizantema.
2. Orhideja.
3. Grana šljive.
4. Bambus.

Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.

Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štoviše, danas možete upoznati majstore ove škole ne samo u Japanu, već je raširena i daleko izvan njegovih granica.

Moderno razdoblje

Na kraju Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu cvjetala je samo u velikim gradovima, seljani i seljaci imali su dovoljno briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa ratnim gubicima i na platnu prikazati suvremeni urbani život sa svim njegovim ukrasima i obilježjima. Europske i američke ideje uspješno su usvojene, ali takvo stanje nije dugo potrajalo. Mnogi majstori počeli su se postupno udaljavati od njih prema japanskim školama.

Tradicionalni stil je uvijek bio moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvedbe ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.

Nemoguće je ne spomenuti moderne suvremene subkulture kao što su anime i slični stilovi. Mnogi umjetnici pokušavaju zamagliti granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom je takvo stanje posljedica trgovine. Klasici i tradicionalni žanrovi zapravo se ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.

Zaključak

Bez sumnje, japansko slikarstvo je riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična zemlja ostala jedina koja nije slijedila zapadne trendove, nije se prilagodila modi. Unatoč brojnim udarcima u vrijeme dolaska novih tehnika, umjetnici Japana ipak su se uspjeli obraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerojatno su zato u moderno doba slike rađene u klasičnom stilu visoko cijenjene na izložbama.

Zdravo, dragi čitatelji tragači za znanjem i istinom!

Japanski umjetnici odlikuju se svojim jedinstvenim stilom, brušenim generacijama majstora. Danas ćemo govoriti o najsjajnijim predstavnicima japanskog slikarstva i njihovim slikama, od antičkih vremena do modernih vremena.

Pa, zaronimo u umjetnost Zemlje izlazećeg sunca.

Rođenje umjetnosti

Drevna umjetnost slikanja u Japanu prvenstveno je povezana s osobitostima pisanja i stoga se temelji na osnovama kaligrafije. Prvi primjeri uključuju ulomke brončanih zvona, posuđa i kućanskih predmeta pronađenih tijekom iskapanja. Mnogi od njih oslikani su prirodnim bojama, a istraživanja pokazuju da su proizvodi nastali prije 300. godine pr.

Nova etapa u razvoju umjetnosti započela je dolaskom u Japan. Na emakimono - posebnim papirnatim svicima - primijenjene su slike božanstava budističkog panteona, scene iz života Učitelja i njegovih sljedbenika.

Prevlast vjerskih tema u slikarstvu može se pratiti u srednjovjekovnom Japanu, točnije od 10. do 15. stoljeća. Imena umjetnika tog doba do danas, nažalost, nisu sačuvana.

U razdoblju od 15. do 18. stoljeća počinje novo vrijeme koje karakterizira pojava umjetnika s razvijenim individualni stil. Označili su vektor daljnji razvoj likovne umjetnosti.

Svijetli predstavnici prošlosti

Napeti šubun (rano 15. stoljeće)

Kako bi postao izvanredan majstor, Xubong je proučavao tehnike pisanja kineskih Sung umjetnika i njihov rad. Kasnije je postao jedan od utemeljitelja slikarstva u Japanu i tvorac sumi-e.

Sumi-e - umjetnički stil, koji se temelji na crtežu tušem, što znači jednom bojom.

Shubun je puno učinio da novi stil zaživi u umjetničkim krugovima, podučavao je umjetnosti i druge talente, uključujući i buduće poznate slikare, poput Sesshua.

Najviše popularno slikarstvo Shubun se zove "Čitanje u gaju bambusa".

"Čitanje u bambusovom gaju" Tense Shubuna

Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)

Postao je tvorac škole, nazvane po sebi - Hasegawa. U početku je pokušavao slijediti kanone škole Kano, ali postupno se njegov individualni "rukopis" počeo pratiti u njegovim djelima. Tohaku se vodio Sesshuovim grafikama.

Osnova rada bili su jednostavni, sažeti, ali realistični krajolici s nekompliciranim nazivima:

• "borovi";
• "Javor";
• Borovi i cvjetnice.

Pines, Hasegawa Tohaku

Braća Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)

Braća su bila vrsni majstori 18. stoljeća. Najstariji, Ogata Korin, potpuno se posvetio slikarstvu i utemeljio žanr rimpa. Izbjegavao je stereotipne slike, preferirajući impresionistički žanr.

Ogata Korin slikao je prirodu općenito, a posebno cvijeće u obliku svijetlih apstrakcija. Njegovi kistovi pripadaju slici:

• "Cvijet šljive crveno bijeli";
• "Valovi Matsushime";
• "Krizanteme".

Valovi Matsushime, Korin Ogata

Mlađi brat - Ogata Kenzan - imao je mnogo pseudonima. Barem se bavio slikarstvom, ali više je bio poznat kao izvrstan keramičar.

Ogata Kenzan svladao je mnoge tehnike keramike. Odlikovao se nestandardnim pristupom, na primjer, stvorio je ploče u obliku kvadrata.

Vlastito slikarstvo nije se odlikovalo sjajem - to je također bila njegova osobitost. Volio je stavljati kaligrafiju na proizvode kao što su svitak ili odlomci iz poezije. Ponekad su radili zajedno s bratom.

Katsushika Hokusai (1760.-1849.)

Radio je u stilu ukiyo-ea - vrste drvoreza, drugim riječima, graviranja. Za sve vrijeme kreativnosti promijenio je oko 30 imena. poznato djelo- "Veliki val kod Kanagawe", zahvaljujući kojem je postao poznat i izvan domovine.

"Veliki val kod Kanagawe" Hokusaija Katsushike

Posebno naporan Hokusai je počeo raditi nakon 60 godina, što je donijelo dobre rezultate. Van Gogh, Monet, Renoir bili su upoznati s njegovim radom, a in donekle utjecao je na rad europskih majstora.

Ando Hiroshige (1791.-1858.)

Jedan od najveći umjetnici 19. stoljeća. Rođen, živio, radio u Edu, nastavio rad Hokusaija, bio inspiriran njegovim radom. Način na koji je portretirao prirodu gotovo je jednako upečatljiv kao i broj samih djela.

Edo - bivše ime Tokio.

Evo nekoliko podataka o njegovom radu, koji su predstavljeni ciklusom slika:

• 5,5 tisuća - broj svih gravura;
• “100 pogleda na Edo;
• "36 pogleda na Fuji";
• "69 Kisokaido postaja";
• "53 postaje Tokaido".

Slika Andoa Hiroshigea

Zanimljivo je da je izvanredni Van Gogh napisao nekoliko kopija svojih gravura.

Modernost

Takashi Murakami

Slikar, kipar, modni kreator, ime je stekao već krajem 20. stoljeća. U svom radu pridržava se modnih trendova s ​​elementima klasike, a inspiraciju crpi iz anime i manga crtića.

Slika Takashija Murakamija

Djela Takashija Murakamija klasificiraju se kao subkultura, ali su istovremeno nevjerojatno popularna. Primjerice, 2008. jedan njegov rad kupljen je na aukciji za više od 15 milijuna dolara. Svojedobno je moderni kreator surađivao s modnim kućama "Marc Jacobs" i "Louis Vuitton".

Tycho Asima

Suradnica prijašnjeg umjetnika, stvara suvremene nadrealne slike. Prikazuju poglede na gradove, ulice velegradova i bića kao iz drugog svemira - duhove, zli duhovi, vanzemaljske djevojke. U pozadini slika često se vidi netaknuta, ponekad čak i zastrašujuća priroda.

Njezine slike dosežu velike veličine i rijetko su ograničeni na papir. Prenose se na kožu, plastične materijale.

Godine 2006., u sklopu izložbe u britanskoj prijestolnici, žena je stvorila oko 20 lučnih struktura koje su odražavale ljepotu prirode sela i grada, danju i noću. Jedna od njih ukrasila je stanicu podzemne željeznice.

Hej Arakawa

Mladić se ne može nazvati samo umjetnikom u klasičnom smislu riječi - on stvara instalacije koje su toliko popularne u umjetnosti 21. stoljeća. Teme njegovih izložbi su istinski japanske i dotiču se prijateljskih odnosa, ali i rada cijelog tima.

Hey Arakawa često sudjeluje na raznim bijenalima, na primjer, u Veneciji, izlaže u Muzeju moderne umjetnosti u svojoj domovini, zasluženo dobiva drugačija vrsta nagrade.

Ikenaga Yasunari

Moderni slikar Ikenaga Yasunari uspio je spojiti dvije naizgled nespojive stvari: život današnjih djevojaka u portretnoj formi i tradicionalne tehnike Japana potječu iz antike. Slikar u svom radu koristi posebne kistove, prirodne pigmentirane boje, tuš i ugljen. Umjesto uobičajenog lana - laneno platno.

Slika Ikenaga Yasunarija

Slična tehnika suprotstavljanja prikazanog doba i izgled junakinje ostavljaju dojam da su nam se vratile iz prošlosti.

popularan u novije vrijeme u internetskoj zajednici seriju slika o složenosti života krokodila također je stvorio japanski karikaturist Keigo.

Zaključak

Dakle, japansko slikarstvo nastalo je oko 3. stoljeća prije Krista, i od tada se dosta promijenilo. Prve slike primijenjene su na keramiku, zatim su u umjetnosti počeli prevladavati budistički motivi, ali imena autora nisu preživjela do danas.

U doba novoga vijeka majstori kista stekli su sve velika osobnost, stvoreno različitih smjerova, škole. Današnja likovna umjetnost nije ograničena na tradicionalno slikarstvo- koriste se instalacije, karikature, umjetničke skulpture, posebne strukture.

Hvala vam puno na pažnji, dragi čitatelji! Nadamo se da vam je naš članak bio koristan, a priče o životu i radu najsjajnijih predstavnika umjetničke umjetnosti omogućile su da ih bolje upoznate.

Naravno, teško je u jednom članku reći o svim umjetnicima od antike do danas. Stoga neka ovo bude prvi korak prema poznavanju japanskog slikarstva.

I pridružite nam se - pretplatite se na blog - zajedno ćemo proučavati budizam i kulturu Istoka!