Concurso de dramaturgia moderna “Tiempo de drama. dramaturgia moderna rusa

Relevancia la investigación está condicionada por la exigencia de cambiar el aparato de la descripción analítica del drama, ya que el drama del siglo XX difiere del antiguo, renacentista, clásico.

Novedad es activar la conciencia del autor en el drama ruso desde vuelta del XIX-XX siglos hasta nuestros días, desde el "nuevo drama" hasta el último.

El drama no es solo el tipo de literatura más antiguo, sino también el más tradicional. Se cree que los principios básicos de recepción e interpretación de un texto dramático se pueden aplicar a teatro antiguo, y al teatro "épico" de B. Brecht, y al drama existencial elección moral, y a una obra absurda.

Al mismo tiempo, los investigadores creen que el drama es cambiante: en cada Período histórico lleva dentro de sí un cierto "espíritu de los tiempos", su nervio moral, representa en el escenario los llamados tiempo real, imita el "presente gramatical" desplegándose hacia el futuro.

Quedó claro que las leyes del género, su teoría, adoptada desde la época de Aristóteles, ya no corresponden a nuevos procesos. dramaturgia moderna.

El concepto de "dramaturgia moderna" es muy amplio tanto cronológica como estéticamente (drama psicológico realista - A. Arbuzov, V. Rozov, A. Volodin, A. Vampilov; drama " nueva ola» - L. Petrushevskaya, A. Galin, V. Arro, A. Kazantsev; post-perestroika "nuevo drama" - N. Kolyada. M. Uvarova, M. Arbatova, A. Shipenko)

La dramaturgia moderna se caracteriza por la diversidad de géneros y estilos. En los años 60-90, los principios filosóficos y publicitarios se intensificaron claramente, lo que se reflejó en el género y la estructura estilística de las obras. Así, en muchas obras "políticas" e "industriales", el diálogo-debate forma la base. Se trata de obras controvertidas que apelan a la actividad del público. Se caracterizan por la agudeza del conflicto, un choque de fuerzas y opiniones opuestas. exactamente en drama periodístico a menudo nos encontramos con los héroes del activo posición de vida, héroes de la lucha libre, aunque no siempre victoriosos, con finales abiertos que alientan al espectador a trabajo activo pensamientos que perturban la conciencia civil ("La dictadura de la conciencia" de M. Shatrov, "Actas de una reunión" y "Nosotros, los abajo firmantes" de A. Gelman).

La gravitación del arte moderno hacia una comprensión filosófica de los problemas del siglo ha aumentado el interés por el género del drama intelectual, la parábola teatral. Técnicas condicionales en la moderna. juego filosófico son diversos. Esto, por ejemplo, es el "procesamiento" de libros prestados y tramas legendarias ("The House That Swift Built" de Gr. Gorin, "¡No tires fuego, Prometeo!" de M. Karima, "Madre de Jesús" de A. Volodin, "El séptimo trabajo de Hércules" por M. . Roshchina); retrospectivas históricas ("Lunin, o la muerte de Jacques", "Conversaciones con Sócrates" de E. Radzinsky, "Royal Hunt" de L. Zorin). Tales formas nos permiten plantear problemas eternos, en los que también están involucrados nuestros contemporáneos: el bien y el mal, la vida y la muerte, la guerra y la paz, el destino del hombre en este mundo.

En el período posterior a la perestroika, la renovación del lenguaje teatral y dramático es especialmente activa. Podemos hablar de tendencias modernas de vanguardia, de posmodernismo, de arte “alternativo”, “otro”, cuya línea se cortó allá por los años 20, y que ha estado bajo tierra durante muchas décadas. con la "perestroika" teatro subterráneo no solo salió a la superficie, sino que también “legitimó”, igualó sus derechos con teatro oficial. Esta tendencia, por supuesto, impone nuevas demandas al drama, requiere el enriquecimiento de su formas no tradicionales. O obras contemporáneas se habla de este tipo como juegos con elementos del absurdo, donde el absurdo de la existencia humana se captura vívida y artísticamente, llevando la historia a una parábola o una aguda metáfora. Uno de los momentos más comunes del teatro de vanguardia moderno es la percepción del mundo como un manicomio, una “vida estúpida”, donde los lazos habituales se rompen, las acciones son tragicómicamente las mismas, las situaciones son fantasmagóricas. Este mundo está habitado por personas fantasmas, "imbéciles", hombres lobo ("Wonderful Woman" de N. Sadur, "Walpurgis Night, or the Steps of the Commander" de Ven. Erofeev) En este último, la trama se desarrolla en un psiquiátrico soviético. hospital y se puede resumir en pocas palabras: Gurevich alcohólico como castigo, lo internan en un manicomio, donde ya había estado antes; allí, por un lado, conoce a su ex amante Natalya, por otro lado, entra en conflicto con el ordenanza Borka, quien castiga a Gurevich con una inyección de "sulfa"; para evitar el efecto de la inyección, Gurevich, no sin la ayuda de Natalya, roba alcohol de la sala de profesores; sin embargo, una borrachera alegre en el pabellón termina con una montaña de cadáveres, ya que el alcohol robado por Gurevich resultó ser metílico; en el final, el enfurecido Borka el hocico pisotea al ciego y moribundo Gurevich con los pies. Sin embargo, estos hechos claramente no son suficientes para una tragedia en cinco actos, en la que juega un papel importante la mención de que los hechos tienen lugar la noche anterior al 1 de mayo, es decir en la Noche de Walpurgis, y las asociaciones con "Don Juan" y "Invitado de Piedra" se juegan directamente: después de inyectar a Gurevich con "sulf", Borka el bozal lo invita a una fiesta nocturna con Natalya, a la que Gurevich, con dificultad para mover su roto labios, responde, como la estatua del comandante: "Iré ..." De hecho, la trama trágica y el conflicto de la obra se desarrollan en el espacio del lenguaje. En lugar del conflicto clasicista entre el deber y el sentimiento, Erofeev desarrolla su tragedia en torno al conflicto entre la violencia y el lenguaje. La violencia no tiene palabras, afirma su realidad a través del dolor de la víctima. Cuantas más víctimas, más fuerte el dolor, más fundamental esta realidad. La realidad del caos. El lenguaje es libre, pero sólo puede oponerse a esta realidad despiadada por su carácter ilusorio, su variabilidad, su inmaterialidad: la utopía del carnaval lingüístico creada por Gurevich es invulnerable en su indefensión. La persona en esta obra está condenada a existir en la frontera del lenguaje y la violencia (alguien, por supuesto, como Borka, conecta inequívocamente su vida con el poder de la violencia). Por el poder de la conciencia, Gurevich crea un lenguaje de carnaval a su alrededor, pero su cuerpo -y en clínica psiquiátrica y la conciencia también - continúa sufriendo una verdadera tortura. En esencia, así se revive la historia medieval sobre el litigio entre el alma y la carne. Pero en Erofeev, tanto el alma como la carne están condenadas: no solo la realidad de la violencia busca pisotear al creador de alegres utopías lingüísticas, sino también la lucha constante por la libertad, lejos de las quimeras de la llamada realidad, también conduce a la autodestrucción. Por eso la "Noche de Walpurgis" sigue siendo una tragedia, a pesar de la abundancia de escenas e imágenes cómicas).

Además de Erofeev, el drama posmoderno está representado por autores como Alexei Shipenko (n. 1961), Mikhail Volokhov (n. 1955), O. Mukhina (las obras Tanya-Tanya, Yu), Evg. dog”, “At the mismo tiempo”), así como Vladimir Sorokin (interpreta “Dumplings”, “Dugout”, “Trust”, “Dostoevsky-trip”, guión “Moscú” [en coautoría con el director de cine Alexander Zeldovich]). Sin embargo, quizás sólo haya un escritor de la nueva generación que haya logrado construir teatro propio como un fenómeno cultural independiente - con su propia estética holística, filosofía, su propio lenguaje dramático original. Esta es Nina Sadur.

La clave del teatro fantasmagórico de Nina Sadur (n. 1950) y de su filosofía artística puede estar en la obra La mujer maravillosa (1982)1. En la primera parte de la obra ("El campo"), una compañera de trabajo común, Lidia Petrovna, enviada con un "grupo de camaradas" a cosechar papas y perdida entre interminables campos desiertos, se encuentra con cierta "tía", quien al principio da la impresión de un tonto tonto. Sin embargo, al conocerse más, la "tía" revela las características de un duende (ella "dirige" a una mujer que se ha quedado atrás del grupo), es igual a la Naturaleza y la Muerte (su apellido es Ubienko) y se define a sí misma. como “el mal del mundo”. Es obvio que, a diferencia de la "gente del pueblo" y otros tradicionalistas (Aitmatov, Voinovich e incluso Aleshkovsky), Sadur no conecta el concepto de la "ley de la eternidad", la verdad suprema de la vida, opuesta a las mentiras de las leyes sociales. y relaciones, con el principio natural. Su "mujer maravillosa" es siniestra y peligrosa, la comunicación con ella provoca un anhelo incomprensible y dolor en el corazón ("de alguna manera tiró ... un sentimiento desagradable"). En esencia, este personaje encarna el conocimiento místico del abismo del caos, oculto bajo el caparazón de una existencia ordenada ordinaria. “Mujer maravillosa” Ubienko ofrece a su compañero de viaje una extraña prueba ritual: “Esta es la alineación. me estoy escapando Estás persiguiendo. Si lo atrapas, cielo, si no lo atrapas, es el fin del mundo. ¿Estás cortando?" Inesperadamente para ella, Lidia Petrovna acepta estas condiciones, pero, en el último momento, después de haber alcanzado a la mujer, sus amenazas la asustan. Como castigo por la derrota, la "mujer" arranca toda la "capa superior" de la tierra, junto con las personas que viven en ella, y convence a Lydia Petrovna de que se quedó sola en todo el mundo y que toda su vida normal es solo un maniquí creado por la “tía” para tranquilidad de Lida: “¡Como de verdad! ¡Exactamente lo mismo! ¡No puedes decirlo!"

En la segunda parte de la obra ("Grupo de camaradas"), Lidia Petrovna admite a sus colegas que después de reunirse con la "mujer de campo" realmente perdió la confianza en que el mundo que la rodea es real: "Dudo incluso de los niños, ustedes entienden ? incluso ahora confunden y entristecen mi corazón”, y además, cuando el jefe del departamento, que está enamorado de ella, intenta besarla, ella reacciona así: “Un espantapájaros me quiere besar. Un modelo, un maniquí de Alexander Ivanovich... Ni siquiera podrás despedirme, porque no estás aquí, ¿entiendes?" Lo más sorprendente es que los colegas, después de haber escuchado la confesión de Lidia Ivanovna, inesperadamente la creen fácilmente. La explicación mística que ofrece la “mujer” coincide con el sentimiento interior de las personas que tratan de escudarse de las preocupaciones cotidianas a partir de la pregunta sin respuesta: “¿por qué vivimos?”. De ahí surge el problema principal, que todos los personajes de la obra, sin excepción, intentan resolver: ¿cómo demostrar que estás vivo? ¿real? El único argumento digno de atención es la capacidad de una persona para ir más allá de su rol habitual en la vida: "¿Solo vivo puedo saltar de mí mismo?" ¿Pero donde? Lidia Petrovna "salta" a la locura, pero esta salida apenas trae alivio. En esencia, esta es una salida a la muerte: bajo el aullido de la sirena de una ambulancia, Lidia Petrovna grita: “Solo mío, solo mi corazón se detuvo. Estoy solo, solo estoy acostado en la humedad, tierra profunda, y el mundo está floreciendo, feliz, feliz, ¡vivo!” Sin embargo, la incapacidad de cualquier personaje de la obra (a excepción de la “mujer”, por supuesto) para encontrar pruebas convincentes de la autenticidad de su propia existencia llena de trágica ironía las palabras sobre el “florecimiento del mundo”.

La fascinación por la belleza, incluso si esta belleza es desastrosa y nacida del caos, incluso si conduce al desastre, es la única prueba posible de la autenticidad de la existencia humana, el único accesible al hombre una forma de "saltar de ti mismo" - en otras palabras, para ganar la libertad.

Lo primero que llama la atención en las obras de teatro de los autores modernos es la ausencia de eventos de gran escala. El hábitat de los héroes modernos es mayoritariamente doméstico, "conectado a tierra", "entre los suyos", fuera del duelo moral con bueno. En gran medida, todo lo anterior está relacionado con la dramaturgia de L. Petrushevskaya. En sus obras, hay una asombrosa discrepancia paradójica entre las palabras de sus títulos -"Amor", "Andante", "Lecciones de música", "El apartamento de Columbine"- y la vida cotidiana, la falta de espiritualidad, el cinismo como norma para la existencia. de héroes La obra de L. Petrushevskaya "Three Girls in Blue" es una de las más famosas. La imagen del título está asociada a algo romántico, sublime, "romántico". Sin embargo, no se corresponde de ninguna manera con tres mujeres jóvenes unidas por un parentesco lejano y una “herencia” común: la mitad de una casa de campo en ruinas, donde de repente, sincrónicamente, decidieron pasar el verano con sus hijos. El tema de discusión en la obra es un techo con goteras: a quién ya expensas de quién repararlo. La vida en la obra es un cautiverio, un gobernante animado. Como resultado, crece mundo fantasmagórico, y no tanto de los acontecimientos (parecen estar ausentes en la obra), sino exclusivamente de los diálogos, donde cada uno se escucha sólo a sí mismo.

Hoy, una nueva generación ha llegado a la dramaturgia, una “nueva ola”. El grupo de jóvenes dramaturgos modernos, que ya se ha definido (N. Kolyada, A. Shipenko, M. Arbatova, M. Ugarov, A. Zheleztsov, O. Mukhina, E. Gremina, etc.), según los críticos de teatro, expresa una nueva visión del mundo. Las obras de teatro de autores jóvenes te hacen sentir dolor por el "problema de la autenticidad", pero al mismo tiempo después de " terapia de choque”, “realismo negro” de la dramaturgia de la perestroika, estos jóvenes no estigmatizan tanto las circunstancias que desfiguran a una persona, sino que se asoman al sufrimiento de esta persona, obligándola a pensar “al límite” sobre las posibilidades de supervivencia, enderezamiento. Suenan "orquestita esperanzada bajo el control del amor"..

Alejandro Vampilov

(1937-1972)

motivo caída espiritual en la obra de A. Vampilov " caza de patos»

El propósito de la lección:

1. Mostrar la importancia de la dramaturgia de Vampilov para la literatura rusa, comprender las características artísticas y originalidad ideológica toca "La caza del pato"
2. Educar en los estudiantes un principio espiritual que contribuya al desarrollo de una personalidad armoniosa a través de los conceptos de bondad, sensibilidad, filantropía.
3. Favorecer el desarrollo del habla, gustos estéticos en los estudiantes.

Es necesario escribir sobre lo que no
duerme por la noche.
A. Vampilov

durante las clases

1. discurso de apertura maestros

¡Teatro! cuanto significa una palabra
Para todos los que han estado allí muchas veces!
Qué importante y a veces nuevo
¡Hay acción para nosotros!
Morimos en las actuaciones
Derramamos lágrimas junto con el héroe...
Aunque a veces sabemos muy bien
¡Que todas las penas son en vano!

Olvidando la edad, los fracasos,
Aspiramos a la vida de otra persona.
Y del dolor de otra persona lloramos,
¡Con el éxito de otra persona, nos apresuramos!
En las actuaciones, la vida está a la vista,
Y todo se abrirá al final:
¿Quién fue el villano, quién fue el héroe?
Con una máscara terrible en su rostro.
¡Teatro! ¡Teatro! cuanto significan
Para nosotros a veces tus palabras!
¿Y cómo podría ser de otra manera?
¡En el teatro, la vida siempre tiene la razón!

Hoy hablaremos del drama ruso del siglo XX. Hablaremos sobre el trabajo del escritor, cuyo nombre se le da a toda una era del drama ruso: el drama de Vampilov.

2. Curriculum vitae sobre el escritor (estudiante pre-preparado).

3. Trabajo sobre el material teórico.

P: ¿Qué es el teatro?

P: ¿Qué tipos de teatro conoces? Distribuye el partido.

• Tragedia
• Drama
• Comedia

Recrea agudos e insolubles conflictos y contradicciones en los que se ven envueltas personalidades excepcionales; un choque irreconciliable de fuerzas beligerantes, una de las partes beligerantes perece.

La imagen de la personalidad en su relación dramática con la sociedad en vivencias difíciles. Posible resolución exitosa del conflicto.

Principalmente reproduce la vida privada de las personas para ridiculizar a los atrasados, obsoletos.

P: Demuestre que la obra "Cacería de patos" es un drama transmitiendo la trama de esta obra.

Entonces, el héroe de la obra está en profunda contradicción con la vida.

4. Trabajar con texto.

Hay una mesa frente a ti. Distribuya en la tabla los principales puntos de conflicto de la vida de Zilov. (por grupos)

P: ¿Qué frase del teatro clásico ruso es sinónimo del lema "Empújalo y se acabó"? ("Ay del ingenio").

P: ¿Qué tipo de imagen crees que Artista famoso¿Puede ilustrar la relación de Zilov con sus padres? (Rembrandt "Regreso hijo pródigo»).

Entonces, el tema de una persona que ha perdido el rumbo en la vida, un hijo “pródigo”. Preocupa a más de una generación.

P: ¿Qué otras obras que conoces tratan este tema?

P: ¿Cuál crees que es la tragedia de un héroe? ¿Por qué perdió la derrota en todas las áreas de la vida?

P: ¿Por qué la obra se llama "Cacería de patos"? (Caza de un héroe - purificación).

El desarrollo del habla. Expresa tu opinión por escrito sobre el problema “Ser o no ser, o trama eterna sobre el hijo pródigo

Conclusión. El tema planteado en la obra, eterno, es considerado en diferentes aspectos, pero el resultado es siempre el mismo: un intento de cambiar la vida. Los héroes experimentan un remordimiento tardío y comienzan mejor vida o detenerse e intentar quitarse la vida. Por lo tanto, las preguntas de Hamlet suenan eternas.

Ser o no ser es la cuestión;
Lo que es más noble en espíritu: someterse
Hondas y flechas de un destino furioso
O, tomando las armas contra el mar de problemas, mátalos
¿Confrontación?

El trabajo del dramaturgo Vampilov también permanecerá eterno, como lo demuestra el Festival de Drama Moderno de toda Rusia. A. Vampilova.

Tareas para el hogar.

1. Completa la tabla en la sección "Amigos"
2. Dibuje un cartel para la obra (o use un dibujo oral de palabras)

Referencias

1. MAMÁ. Chernyak "Literatura rusa moderna", Moscú, Eksmo Education, 2007
2. M. Meshcheryakova "Literatura en tablas", Rolf Moscú 2000
3. V. V. Agenosov, Literatura rusa del siglo XX. Grado 11, Editorial Drofa, Moscú, 1999
4. N. L. Leiderman, M.N. Lipovetsky "Literatura rusa moderna, 1950-1990", Moscú, ACADEMA, 2003

Al revelarnos la teoría de la dramaturgia, nos parece que nos encontramos en un universo que opera según leyes que sorprenden por su belleza y precisión matemática. La dramaturgia se basa en la ley principal, cuya esencia radica en la unidad armónica. El drama, como cualquier obra de arte, debe ser una imagen artística holística.

La dramaturgia es la teoría y el arte de construir obras dramáticas.

¿En qué otros significados se usa esta palabra? ¿Cuáles son sus cimientos? ¿Qué es la dramaturgia en la literatura?

Definición del concepto

Hay varios significados de este concepto.

• En primer lugar, la dramaturgia es la base composicional de la trama (concepto figurativo de la trama) de una obra cinematográfica o obra teatral. Sus principios básicos son históricamente cambiantes. Se conocen frases como dramaturgia de una película o actuación.

• teoría del drama. No se interpretó como una acción que ya había tenido lugar, sino como algo en curso.
• Y en tercer lugar, la dramaturgia es una colección de obras de una época determinada, de unas personas o escritor.

Una acción es un cambio conocido en un período de tiempo determinado. Un cambio de dramaturgia corresponde a un cambio de destino. En la comedia es alegre, en la tragedia es triste. El lapso de tiempo puede variar. Puede ser de varias horas (como en el drama clásico francés), y cubrir largos años(como William Shakespeare).

Etapas de la dramaturgia

• La exposición pone en acción al lector, oyente o espectador. Aquí está el primer contacto con los personajes. Esta sección revela la nacionalidad de las personas, esta o aquella época y otros puntos. La acción puede comenzar rápida y activamente. O tal vez, viceversa, gradualmente.
• Atar. El nombre habla por sí mismo. Un elemento clave de la dramaturgia. La apariencia de conflicto o el conocimiento de los personajes entre sí.
• Desarrollo de acciones e imágenes. tensión paulatina.
• El clímax puede ser brillante e impresionante. El punto más alto de la pieza. Aquí hay un estallido emocional, intensidad de pasiones, la dinámica de la trama o la relación de los personajes.
• Intercambio. Finaliza una acción. Puede ser gradual o, por el contrario, instantáneo. Puede terminar abruptamente la acción o convertirse en el final. Este es el resumen del ensayo.

secretos de la maestría

Para comprender los secretos de la literatura o el arte escénico, debe conocer los conceptos básicos de la dramaturgia. En primer lugar, es una forma como medio para expresar contenido. También en cualquier forma de arte siempre hay una imagen. A menudo se trata de una versión imaginaria de la realidad, representada a través de notas, lienzos, palabras, plásticos, etc. Al crear una imagen, el autor debe tener en cuenta que el cómplice principal será el espectador, lector u oyente (dependiendo del tipo de Arte). El siguiente elemento importante en el drama es la acción. Implica la presencia de contradicción, y necesariamente contiene conflicto y drama.

El drama se basa en la supresión del libre albedrío, punto mas alto es una muerte violenta. La vejez y la inevitabilidad de la muerte también son dramáticas. Los desastres naturales se vuelven dramáticos cuando las personas mueren en el proceso.

El trabajo del autor sobre la obra comienza cuando surge el tema. La idea resuelve la cuestión del tema elegido. No es estático ni abierto. Si deja de desarrollarse, muere. El conflicto es el nivel más alto de manifestación de las contradicciones dramáticas. Para su implementación, se necesita una trama. La cadena de eventos se organiza en una trama, que detalla el conflicto a través de la concreción de la trama. También existe una cadena de eventos como la intriga.

Dramaturgia de la segunda mitad del siglo XX

El drama moderno no es solo un cierto período de tiempo histórico, sino todo un proceso de combustión. Se trata de dramaturgos de generaciones enteras y diversas direcciones creativas. Representantes como Arbuzov, Vampilov, Rozov y Shvarts son innovadores del género del drama sociopsicológico. El drama moderno no se detiene, se actualiza constantemente, se desarrolla y se mueve. Entre la ingente cantidad de estilos y géneros que han envuelto al teatro desde finales de la década de los 50 del siglo XX hasta nuestros días, predomina claramente la obra sociopsicológica. Muchos de ellos tenían profundos matices filosóficos.

Durante varias décadas, el drama moderno ha estado tratando de superar los estereotipos establecidos, para estar más cerca de la vida real del héroe en la solución de sus problemas.

¿Qué es la dramaturgia en la literatura?

La dramaturgia es un tipo especial en la literatura que tiene una forma dialógica y está destinada a ser encarnada en el escenario. De hecho, esta es la vida de los personajes en el escenario. En la obra cobran vida y se reproducen vida real con todos los conflictos y contradicciones consiguientes.

Los momentos necesarios para que la obra escrita cobre vida en el escenario y evoque ciertas emociones en el público:

• El arte de la dramaturgia y la dirección deben estar indisolublemente ligados a la inspiración.
• El director debe ser capaz de leer correctamente las obras dramáticas, comprobar su composición y tener en cuenta la forma.
• Entender la lógica de un proceso holístico. Cada acción posterior debe fluir suavemente desde la anterior.
• El director tiene el método de la técnica artística.
• trabajo para todos Equipo creativo. La actuación debe estar cuidadosamente pensada, ideológicamente rica y claramente organizada.

obras dramaticas

Ellos existen gran cantidad. Algunos de ellos deben enumerarse a modo de ejemplo:

• "Otelo", "Sueño en noche de verano Romeo y Julieta de Shakespeare.
• "Tormenta" Ostrovsky.
• "Inspector" Gogol.

Así, la dramaturgia es la teoría y el arte de construir obras dramáticas. Es también la base argumental-compositiva, la totalidad de las obras y la teoría del drama. Hay niveles de dramaturgia. principio, desarrollo, clímax y desenlace. Para comprender los secretos del drama, necesitas conocer sus conceptos básicos.

Con el cambio de siglo, una generación de veinteañeros entra en la dramaturgia. Sus obras, por regla general, son excepcionalmente sombrías y, de una forma u otra, exploran el problema del mal. El lugar principal en las obras lo ocupa la representación de la inhumanidad y la violencia, la mayoría de las veces por parte del estado, pero por el mal, que está arraigado en las relaciones de las personas e indica que sus almas están lisiadas. Tal "Plasticina" de Sigarev, "Claustrofobia" de Konstantin Kostenko, "Oxígeno" de Ivan Viropaev, "Pub" de los hermanos Presnyakov. No había obras de teatro tan lúgubres y en tanta cantidad ni siquiera en los tiempos del underground. Esto atestigua la decepción en los valores de la civilización moderna y en el hombre mismo. Usando el método opuesto, espesando los colores negros, los jóvenes autores defienden los ideales de la humanidad.

Los remakes también ocupan un lugar importante en el drama moderno: versiones nuevas y modernizadas trabajos famosos. Los dramaturgos recurren a Shakespeare, como lo demuestra Hamlet. Versión" de Boris Akunin, "Hamlet. Zero Action" de Petrushevskaya, "Hamlet" de Klim (Klimenko), "Una plaga en ambas casas" de Grigory Gorin. De los autores rusos, recurren a Pushkin (“Dry, ziben, ass, or reina de Espadas"Kolyada), Gogol ("Amor del viejo mundo" de Kolyada, "Bashmachkin" de Bogaev), Dostoievski ("Paradojas del crimen" de Klim), Tolstoi ("Anna Karenina - 2" de Shishkin: la opción de que Anna siguiera viva es permitido), Chéjov ("La gaviota. Versión "Akunin".

El tema principal de la dramaturgia moderna es el hombre y la sociedad. La modernidad en los rostros refleja la obra de los dramaturgos realistas. Uno puede referirse a obras como "Competencia" de Alexander Galin, "Pasiones francesas en una casa de campo cerca de Moscú" de Rozumovskaya, "Entrevista de prueba sobre el tema de la libertad" de Arbatova y muchos otros. Maria Arbatova logró despertar el mayor interés entre los representantes del drama realista en la década de 1990 gracias a temas feministas nuevos en la literatura rusa.

Los criterios de los clásicos durante la valoración de la modernidad se reconocen como más objetivos que cualquier criterio ideológico. En otros casos, discuten con los antecesores o profundizan su observación. Pero ante todo, la dramaturgia se refiere a los valores universales legados por los clásicos. Las mejores obras creadas por los dramaturgos modernos se han convertido en propiedad no solo de la dramaturgia rusa sino también de la extranjera.

Literatura rusa de finales del siglo XX - principios del siglo XXI. generalmente de gran interés. Ella enseña a pensar, forma un sentimiento moral, objeta lo feo, dando (a menudo de forma indirecta) una idea de lo bello y deseable.

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Como toda la literatura rusa de principios de siglo, la dramaturgia está marcada por el espíritu del pluralismo estético. Presenta realismo, modernismo, posmodernismo. Representantes de diferentes generaciones participan en la creación de la dramaturgia moderna: Petrushevskaya, Arbatova, Kazantsev, finalmente representantes legalizados de la ola post-Vampilian, Prigov, Sorokin, los creadores del drama posmoderno, así como representantes de la dramaturgia de los noventa. Los dramaturgos Ugarov, Grishkovets, Dragunskaya, Mikhailova, Slapovsky, Kurochkin y otros lograron llamar la atención: toda una galaxia de autores interesantes y diferentes.

El tema principal de la dramaturgia moderna es el hombre y la sociedad. La modernidad en los rostros refleja la obra de los dramaturgos realistas. Uno puede referirse a obras como "Competencia" de Alexander Galin, "Pasiones francesas en una casa de campo cerca de Moscú" de Razumovskaya, "Entrevista de prueba sobre el tema de la libertad" de Arbatova y muchos otros. Maria Arbatova logró despertar el mayor interés entre los representantes del teatro realista en la década de 1990 gracias a los nuevos temas feministas para la literatura rusa.

El feminismo es luchar por la liberación y la igualdad de la mujer. En la década de 1990 se hará sentir un enfoque de género en este tema. La traducción literal de la palabra “género” es “género”, pero en este caso el género se entiende no solo como un factor biofísico, sino como un factor sociobiocultural que forma ciertos estereotipos de masculino y femenino. Tradicionalmente, en la historia mundial de los últimos milenios, a la mujer se le otorgó un lugar secundario, y la palabra "hombre" en todos los idiomas es masculina.

En uno de los discursos, en respuesta a las palabras "Ya ha habido emancipación en Rusia, ¿por qué estás rompiendo las puertas abiertas?" Arbatova dijo: “Para hablar de lo que pasó emancipación de la mujer, hay que ver cuántas mujeres hay en las ramas del poder, cómo se les permite acceder al recurso y tomar decisiones. Después de revisar las cifras, verá que todavía no se habla de ninguna emancipación femenina seria en Rusia. Una mujer... es discriminada en el mercado laboral. Una mujer no está protegida de... la monstruosa violencia doméstica y sexual... Las leyes en esta materia funcionan de tal manera que protegen al violador... porque fueron escritas por hombres. Sólo se da una parte de las declaraciones de Arbatova para mostrar la vigencia de los movimientos de mujeres que han comenzado a darse a conocer en Rusia.

El fondo musical de la obra fue la canción "Bajo el cielo azul" de Khvostenko - Grebenshchikov. La hija del vecino está aprendiendo esta canción, la música suena desafinada y desafinada. Canción sobre ciudad ideal resulta corrupto. Una melodía estropeada es, por así decirlo, un acompañamiento de un fracaso vida familiar en el que reina el resentimiento y el dolor en lugar de la armonía.

Arbatova muestra que una mujer emancipadora, que se afirma a sí misma, no debe repetir al hombre promedio, tomar prestada su psicología. Sobre esto, en la obra "La guerra de los reflejos". Aquí se recrea el tipo de la nueva mujer rusa, esforzándose por comportarse como, según sus ideas erróneas, se comportan la mayoría de las mujeres de Occidente. “También creo que un hombre es un objeto de consumo, y también le exijo comodidad. Que sea pura sangre y silencioso. El hombre y la mujer se convierten en espejos en la obra, reflejados el uno en el otro. Por primera vez, un héroe masculino tiene la oportunidad de verse a sí mismo desde el exterior en la forma de un monstruo moral. El nuevo feminismo no significa una guerra de sexos, sino su paridad, la igualdad.

A la pregunta “¿Ves el peligro del feminismo?” Arbatova citó como ejemplo a los países escandinavos, donde ya hasta el 70% del clero son mujeres, la mitad del parlamento y el gabinete de ministros están ocupados por mujeres. Como resultado, tienen "la política más equilibrada, la seguridad social más alta y la sociedad más legal".

Otras obras de Arbatova también tuvieron éxito: "La toma de la Bastilla" (sobre la originalidad del feminismo ruso en comparación con el occidental) y "Una entrevista de prueba sobre el tema de la libertad" (un intento de mostrar una mujer exitosa moderna).

Desde mediados de la década de 1990, Arbatova ha dejado la dramaturgia por la política y escribe solo prosa autobiográfica. Skoropanova cree que la dramaturgia ha perdido mucho en la persona de Arbatova. Aquellas obras de teatro que se publicaron son relevantes hasta el día de hoy.

El realismo en el teatro se moderniza en parte y se puede sintetizar con elementos de la poética de otros sistemas artísticos. En particular, aparece una corriente de realismo como el "sentimentalismo cruel", una combinación de la poética del realismo cruel y el sentimentalismo. El dramaturgo Nikolai Kolyada es reconocido como el maestro de esta dirección. "Vete, vete" (1998) - el autor revive la línea hombrecito En literatura. "La gente de la que escribo es la gente de la provincia... Se esfuerzan por volar sobre la ciénaga, pero Dios no les dio alas". La acción de la obra se desarrolla en un pequeño pueblo de provincias ubicado junto a una unidad militar. De los soldados, las mujeres solteras dan a luz hijos y siguen siendo madres solteras. La mitad de la población de un pueblo así, si logra salir de la pobreza, no logra ser feliz. La heroína, Lyudmila, estaba endurecida por la vida, pero en el fondo de su alma se conservaron la ternura, la calidez y la profundidad del amor, por lo que Lyudmila anuncia su deseo de conocer a un hombre para formar una familia. Un cierto Valentine aparece en su vida, a quien la realidad, sin embargo, decepciona: él (como Lyudmila, su esposo) quiere encontrar una esposa fuerte y rica. El viernes, la ciudad se sumerge en una borrachera desenfrenada y Valentine llega justo a tiempo para el sábado y el domingo. Durante la siguiente fiesta, las desmovilizaciones insultaron a Lyudmila y Valentin la defendió. Para ella, esto fue un verdadero shock: por primera vez en su vida (la heroína tiene una hija adulta), un hombre la defendió. Lyudmila llora de felicidad por ser tratada como una persona. La nota sentimental que impregna la obra de Kolyada refleja la necesidad de bondad y misericordia. El hecho de que todas las personas son infelices, Kolyada busca enfatizar en este y sus otros trabajos. La piedad impregna todo lo escrito por Kolyada y determina los detalles de su trabajo.

En primer plano en la dramaturgia, puede que ni siquiera sea la persona misma, sino la realidad en Rusia y el mundo. Los autores utilizan la fantasía, el simbolismo, la alegoría y su realismo se transforma en posrrealismo. Un ejemplo es "Sueño ruso" (1994) de Olga Mikhailova. La obra refleja la pasividad social del grueso de la sociedad rusa, así como la utopía social vigente. La obra recrea el mundo condicional de un cuento-sueño, extrapolado a la realidad de los años noventa. En el centro de la obra está la imagen del moderno Oblomov, el encantador joven Ilya, que se caracteriza por la pereza y la ociosidad. En su corazón, sigue siendo un niño que vive en un mundo de fantasía. Ilya busca que la francesa Katrin la convenza de la actividad social, pero ni su energía ni su amor pueden cambiar el estilo de vida de Ilya. El finale tiene una connotación inquietante y hasta escatológica: tal pasividad no puede acabar bien.

Las características del realismo escatológico también aparecen en la obra de teatro "Cartas rusas" de Xenia Dragunskaya (1996). La situación condicionalmente alegórica representada recuerda la situación en El jardín de los cerezos: la casa de campo que vende el joven Nochlegov cuando se muda al extranjero es una metáfora: esta es la casa de la infancia, que se representa condenada a muerte, como el jardín en frente de la casa (debido a la radiación, mueren todos los seres vivos). Sin embargo, el Skye que surge entre Nochlegov y una joven puede convertirse en amor, lo deja claro el autor, y este, con un final triste, deja una vaga, pero esperanza en la posibilidad de salvación.

Por lo tanto, los códigos del sentimentalismo, del modernismo o del posmodernismo se están introduciendo en el drama realista en todas partes. También hay fenómenos límite, entre los que se pueden atribuir las obras de teatro de Yevgeny Grishkovets. En gran medida, gravitan hacia el realismo, pero pueden incluir elementos de la corriente de conciencia modernista. Grishkovets se hizo famoso como el autor de los monodramas "Cómo me comí un perro", "Al mismo tiempo", "Dreadnoughts", en los que solo hay uno. actor(de ahí el término "monodrama"). El héroe de estas obras se dedica principalmente a la reflexión, cuyos resultados familiariza a la audiencia. Reflexiona sobre los más diversos fenómenos de la vida, y con mayor frecuencia sobre los llamados " Cosas simples”, así como la categoría de tiempo. Todos adquieren conocimientos sobre estos temas en la escuela y la universidad, pero el héroe de Grishkovets se esfuerza por pensar de forma independiente. El proceso de pensamiento independiente, algo ingenuo, confuso, no coronado de grandes resultados, ocupa un lugar central en las obras. La sinceridad del héroe del monodrama atrae, lo que lo acerca a los que están sentados en la sala. A menudo, el héroe reconsidera ciertos hechos de su biografía. Lo que en su juventud le parecía normal y evidente ahora lo critica, lo que indica un crecimiento personal, un aumento de las exigencias morales para sí mismo.

Curiosamente, Grishkovets no solo es dramaturgo, sino también actor. Admite que es aburrido pronunciar el mismo texto una y otra vez, y cada nuevo discurso suyo incluye momentos variantes. Es por eso que Grishkovets tuvo problemas con la publicación: se publica un texto condicionalmente básico.

Junto con el monodrama, Grishkovets también crea un "juego de diálogos" "Notas de un viajero ruso", que enfatiza la importancia de confiar en la comunicación amistosa. El autor muestra que la amistad es muy tediosa para una persona, ya que, ante todo, fortalece la creencia en la propia necesidad. "Dos ya es mucho más que uno". genero conversacional determina los rasgos de la poética de esta obra. Ante nosotros están las conversaciones de amigos sobre esto y aquello. En la obra "La Ciudad" se alternan conversaciones (diálogos) y monólogos. Los intentos de superar el anhelo y la soledad, que impregnaron protagonista obras. En algún momento, simplemente se cansa de la vida, y principalmente no de sus dramas y tragedias, sino de la monotonía, la monotonía, la repetición de lo mismo. Quiere brillante, inusual, incluso quiere irse. ciudad natal, dejar la familia; su proyección interior refleja el texto. Al final, una persona se reconsidera en gran medida y gana lenguaje mutuo con el mundo, con los seres queridos. Un intento de reevaluarse a uno mismo, volver a la gente y ganar una dimensión adicional de vida que le daría nuevo significado existencia, termina con éxito en esta obra. En primer lugar, el autor enfatiza que una persona es una medicina para una persona.

Las obras de Grishkovets tienen una carga humanística y poseen en gran medida fiabilidad. A través de lo conocido penetra en mundo interior personalidad individual y llama a sus personajes a la autorrenovación, entendida no como un cambio de lugar, sino también como un cambio interior en la persona. Yevgeny Grishkovets se hizo ampliamente conocido a principios de siglo, pero en tiempos recientes empezó a repetir.

Junto con los dramaturgos realistas y posrrealistas, los dramaturgos modernos y modernistas están creando, principalmente, dramas del absurdo. Se destacan las obras de Stanislav Shulyak "Investigación", "Opus Mixtum" de Maxim Kurochkin, "Otra vez veinticinco" de Petrushevskaya. El énfasis está en las persistentes contradicciones de la vida sociopolítica, que hasta el día de hoy se manifiestan. por la mayoría trabajo brillante este tipo de Skoropanov considera "De nuevo veinticinco" (1993). Valiéndose del convencionalismo fantástico y exponiendo el absurdo de lo que está pasando, el autor opone el panoptismo inagotable, es decir, contra la intrusión del Estado en la vida privada de las personas. Petrushevskaya defiende el derecho al disenso ya la alteridad en general, al que no se acostumbran los campeones del estandarte, que rompen los destinos ajenos. La obra consiste en diálogos entre una Mujer liberada de la prisión y una Niña asignada a ella para la adaptación social de ella y su Hijo, nacido en prisión. Al darse cuenta de que este niño es una criatura que se parece más a un animal que a una persona, la Niña se vuelve más audaz y comienza a hacer las preguntas que le prescribe el cuestionario. La heroína más joven no puede entender que la Mujer ya está en libertad y amenaza con encarcelar repetidamente. La niña no se da a entender que frente a ella hay una Mujer de habilidades extraordinarias. Petrushevskaya, por así decirlo, hace la pregunta: ¿realmente le importa al estado a quién dio a luz exactamente? (¿Y de quién dio a luz la Virgen María? Pero ella es adorada, porque dio a luz a Cristo). Petrushevskaya afirma en el lector y espectador general la categoría de privacidad: el territorio personal de todos.

De las obras escritas por Petrushevskaya ya en el nuevo siglo, destaca la obra Beefem (2001). La obra tiene una naturaleza estilística límite y se acerca al modernismo en cuanto al uso de la convencionalidad fantástica en ella. nombre común Bifem pertenece a Petrushevskaya mujer con dos cabezas. La acción se traslada al futuro, cuando los trasplantes de órganos, incluido el cerebro, resultaron posibles, pero muy costosos. Bea fue una de las primeras en acceder a adjuntar una segunda cabeza a su cuerpo, su cabeza acababa de hija muerta, espeleóloga Fem. Las cabezas hablan durante toda la actuación, y resulta que Bee está muy orgullosa de su sacrificio, cumpliendo con su deber moral hacia su hija, y Fem, por el contrario, está terriblemente atormentada, al darse cuenta de que una mujer con dos cabezas nunca sabrá tampoco amor o matrimonio, y le ruega a su madre que acabe conmigo. La unión de cabezas a un solo cuerpo simboliza los lazos familiares en Petrushevskaya. El escritor predica la igualdad en la familia: si no está en la familia, ¿de dónde viene en la sociedad? "Bephem" también contiene las características de una distopía, advirtiendo que sin una transformación moral, los últimos descubrimientos científicos no llevarán a ninguna parte y darán lugar a monstruos.

The Male Zone (1994) es una obra posmoderna. La propia escritora definió el género como “cabaret”. La acción tiene lugar en una "zona" condicional, que recuerda tanto a un campo de concentración como a uno de los círculos del infierno. El autor acerca al lector con imágenes. gente famosa: Lenin, Hitler, Einstein, Beethoven. Lyudmila Petrushevskaya juega el juego con estas imágenes, destruyendo su personaje de culto. Ante nosotros están los caracteres de comillas híbridas. Cada uno de ellos conserva los rasgos bien establecidos de la imagen, y al mismo tiempo adquiere los rasgos de un prisionero, de un ladrón, mostrado en el momento de interpretar un papel que no le conviene en absoluto, a saber: Hitler en el papel de la Enfermera, Lenin en forma de luna flotando en el cielo, Einstein y Beethoven son retratados, respectivamente, como Romeo y Julieta. Surge una realidad esquizoabsurda que distorsiona la esencia de la obra de Shakespeare. La acción se desarrolla bajo la dirección de un capataz, que personifica el totalitarismo del pensamiento y el logocentrismo. En este contexto, la "zona masculina" de Petrushevskaya resulta ser una metáfora de una cultura de masas totalitaria que utiliza el lenguaje de las falsas verdades. Como resultado, no solo se desacraliza la imagen de Lenin, sino también la adoración incondicional de cualquier culto en general.

Un juego de parodia con imágenes de la vida real. personajes historicos Mikhail Ugarov también actúa en la obra "Green (...?) April" (1994-95, dos ediciones, una para lectura y la segunda para puesta en escena). Si Korkia en la obra "El hombre negro" desacredita la imagen de Stalin creada por la propaganda oficial, entonces Ugarov en su obra desacredita la imagen de Lenin y su esposa y compañera de armas Nadezhda Krupskaya. Como Petrushevskaya, sus personajes son simulacros. Al mismo tiempo, las imágenes de los personajes se personifican bajo las nominaciones "Lisitsyn" y "Krupa". Ugarov no tiene prisa por revelar sus cartas y decir quiénes son exactamente sus héroes. Él los anima a percibirlos a través de los ojos de un joven de una familia inteligente, Seryozha, quien no tiene idea con quién lo empujó la trama, y ​​por lo tanto no está programado para mito leninista. El autor crea una imagen puramente virtual, es decir ficticia, pero posible realidad. Representa un encuentro casual de Seryozha en un día de abril de 1916 en el lago de Zúrich en Suiza con dos extraños. La misma aparición de estos dos pone al espectador en un estado de ánimo cómico: andan en bicicleta, y la mujer se cae de inmediato, y su compañero se echa a reír y no puede calmarse durante mucho tiempo. Estas dos figuras recuerdan a los payasos y recuerdan un truco de mimetismo de circo estándar. "Lisitsyn" reacciona de manera tan exageradamente inadecuada a la caída de su esposa que durante mucho, mucho tiempo no puede respirar de la risa. "Lisitsyn" es un sujeto activo, vivaz y de baja estatura, "Krupa" se presenta como una mujer gorda torpe con una expresión apagada en el rostro. En este tándem, "Lisitsyn" desempeña el papel de maestra y "Krupa", el papel de su estudiante poco inteligente. "Lisitsyn" siempre enseña a todos, mientras muestra una fuerte intolerancia y rudeza. La pareja se encuentra en el mismo claro que Seryozha y comienza a comportarse, por decirlo suavemente, incivilizado. "Lisitsyn" despotrica todo el tiempo y generalmente se comporta extremadamente desvergonzadamente. Seryozha conoció por primera vez a personas de este tipo y apenas tolera lo que está sucediendo, pero, como una persona de buenos modales, guarda silencio. “Lisitsyn” siente una desaprobación irradiada y decide “enseñar” a Seryozha: lo atrae a su círculo y le enseña que la inteligencia es falta de libertad. “Y aquí estoy”, dice Lisitsyn, “muy hombre libre". En conversaciones pseudoculturales, "Lisitsyn" intenta de todas las formas posibles humillar a Seryozha y, además, emborracharlo. Dejando a un joven completamente borracho bajo la lluvia torrencial, "Lisitsyn" y "Krupa", bien descansados, se van a Zúrich. Y la novia de Seryozha debería llegar en el tren de la tarde.

Jugando con la imagen del líder, Ugarov no solo lo priva de humanidad propagandística, sino que también recrea el modelo mismo de las relaciones. Estado soviético con sus ciudadanos, basado en el irrespeto a una persona, la inobservancia de sus derechos, para que todos puedan quebrantar su destino en cualquier momento. La desacreditación de las figuras de culto del sistema totalitario es un paso importante para superarlo.

"Imágenes estereoscópicas privacidad» (1993) Prigov - sobre la cultura de masas. Prigov muestra que cultura de masas nuestro tiempo se ha transformado. El imperativo ideológico de supresión total está siendo reemplazado por una estrategia de seducción suave, coqueteo halagador fingido, intimidación en voz dulce. Esta es una forma más disfrazada y sofisticada de influir en la esfera de la conciencia y el inconsciente. Contribuye a la formación y doma de las personas estándar, ya que imita el cumplimiento de sus deseos. Prigov muestra que la falsificación de la imagen de la realidad, la profanación del principio espiritual, su destrucción en el hombre permanece sin cambios. Prigov en la obra examina el impacto en las personas de la producción masiva de televisión. Le llaman la atención los programas de entrevistas, en los que no puede haber nada malo, deprimente, insoportable para el cerebro. Si hay una apariencia de conflicto, es conflicto entre lo bueno y lo mejor. Prigov construye la obra a partir de una serie de escenas en miniatura (28 en total). Estos son episodios de la vida de una familia. el papel principal en miniaturas pertenece al diálogo cómico. Se tratan temas de moda: sexo, SIDA, música rock. Mientras tanto, poco a poco se van sugiriendo ideas bastante ciertas:

Lo principal en la vida es el sexo. "Generación joven, déjanos el poder y el dinero a nosotros, y tómate el sexo para ti".

comunistas - buena gente. Se da un diálogo entre un nieto y una abuela. Al nieto le hablaron en la escuela sobre los comunistas, y la abuela lo convence de la idea de que los comunistas son "una especie de salvaje".

No es lo que la mayoría cree. "Masha, ¿crees en Dios?" - "La mayoría cree, entonces, probablemente, hay un Dios".

Se escuchan aplausos después de casi cada una de las 28 escenas. Esto se hace para provocar una reacción programada en un posible espectador.

Los extraterrestres aparecen de repente, pero ninguno de los miembros de la familia se preocupa por él. Entonces aparece el monstruo. "¿Eres tú, Denis?" "No, soy yo, el monstruo". - "Ah, okey." El monstruo se come a la madre y luego al resto de la familia. El monstruo simboliza el poder de los medios de comunicación sobre el hombre. Pero finalmente, cuando el monstruo se come al alienígena, ambos son aniquilados. El extranjero es un símbolo de la verdadera "otra" cultura, la única que es capaz de resistir a la cultura de masas.

El aplauso grabado continúa después de que no queda nadie en el escenario. A excepción de Masha y Dios, todos los demás personajes se comen. El monstruo se replicó a sí mismo, penetró en el alma de las personas.

Con el cambio de siglo, una generación de jóvenes de veinte años entró en la dramaturgia. Sus escritos tienden a ser excepcionalmente oscuros y exploran el problema del mal de una forma u otra. El lugar principal en las obras está ocupado por imágenes de inhumanidad y violencia, la mayoría de las veces no del lado del estado, sino del mal que está arraigado en las relaciones de las personas y atestigua cómo sus almas están paralizadas. Tales son Plastilina de Sigarev, Claustrofobia de Konstantin Kostenko, Oxígeno de Ivan Vyropaev y Pub de los hermanos Presnyakov. No había obras de teatro tan lúgubres y en tanta cantidad ni siquiera en los tiempos del underground. Esto atestigua la decepción en los valores de la civilización moderna y en el hombre mismo. Sin embargo, por contradicción, espesando los colores negros, los jóvenes autores defienden los ideales de humanidad.

Exclusivamente gran lugar en la dramaturgia moderna, también se ocupan los remakes: versiones nuevas y modernizadas de obras famosas. Los dramaturgos recurren a Shakespeare, como lo demuestra Hamlet. Versión" de Boris Akunin, "Hamlet. Zero Action" de Petrushevskaya, "Hamlet" de Klim (Klimenko), "Una plaga en ambas casas" de Grigory Gorin. De los autores rusos, recurren a Pushkin ("Dray, ziben, as, or the Queen of Spades" de Nikolai Kolyada), Gogol ("Old World Love" de Nikolai Kolyada, "Bashmachkin" de Oleg Bogaev), Dostoievski (" Paradojas del crimen” de Klim), Tolstoi (“ Anna Karenina - 2 "de Oleg Shishkin: se permite la opción de que Anna permaneció viva), Chéjov ("La gaviota. Versión" de Akunin). Los criterios de los clásicos para evaluar el presente se reconocen como más objetivos que cualquier criterio ideológico. En otros casos, discuten con los predecesores o profundizan sus observaciones. Pero ante todo, la dramaturgia se refiere a los valores universales legados por los clásicos. Las mejores obras creadas por los dramaturgos modernos se han convertido en propiedad no solo de la dramaturgia rusa sino también de la extranjera.

Concepto " dramaturgia moderna"muy amplio tanto cronológicamente (finales de los años 50 - 60) como estéticamente. A. Arbuzov, V. Rozov, A. Volodin, A. Vampilov: los nuevos clásicos se han actualizado significativamente genero tradicional drama psicológico realista ruso y allanó el camino para más descubrimientos. Prueba de ello es el trabajo de los dramaturgos de la "nueva ola" de las décadas de 1970 y 1980, incluidos L. Petrushevskaya, A. Galin, V. Arro, A. Kazantsev, V. Slavkin, L. Razumovskaya y otros. como el "nuevo drama" posterior a la perestroika asociado con los nombres de N. Kolyada, M. Ugarov, M. Arbatova, A. Shipenko y muchos otros.

La dramaturgia moderna es un mundo artístico vivo y multifacético, que se esfuerza por superar los patrones, los estándares desarrollados por la estética ideológica del realismo socialista y las realidades inertes de los tiempos estancados. Fue la dramaturgia soviética la que proclamó abiertamente la necesidad de la reestructuración de la sociedad, social, económica y moral. Los dramaturgos de los años 60 - principios de los 80 y sus héroes con envidiable persistencia y coraje mostraron desde el escenario teatral los vicios del sistema que estaba destruyendo criminalmente el país, la naturaleza, la conciencia humana. En condiciones de dictadura ideológica, la valentía cívica también fue demostrada por talentosos directores de teatro como G. Tovstonogov, Yu. Lyubimov, O. Efremov, A. Efros, M. Zakharov. Sus esfuerzos colosales crearon actuaciones publicísticamente apasionadas: mítines "Hombre de afuera" (basado en la obra de teatro de I. Dvoretsky), "Minutos de una reunión" de A. Gelman, "¡Así que ganaremos!" y "La dictadura de la conciencia" de M. Shatrov; actuaciones-parábolas con un profundo trasfondo socio-filosófico basado en las obras de teatro de Gr. Gorin ("¡Olvídate de Herostratus!", "El mismo Munchausen"), E. Radzinsky ("Conversaciones con Sócrates", "El teatro de los tiempos de Nerón y Séneca"), A. Volodin ("Dos flechas", "Lagarto" ), dramaturgos nacionales soviéticos (I. Druta, A. Makaenka, K. Sai y otros). Durante los años de estancamiento destino difícil la inmarcesible "rama de Chéjov", el drama psicológico doméstico, representado por las obras de Arbuzov, Rozov, Volodin, Vampilov, también lo tenía. Estos dramaturgos invariablemente convertían el espejo en el alma humana y lo registraban con evidente ansiedad, y también trataban de explicar las causas y el proceso de la destrucción moral de la sociedad, la devaluación del "código moral de los constructores del comunismo".

Junto con la prosa de Y. Trifonov y V. Shukshin, V. Astafiev y V. Rasputin, canciones de A. Galich y V. Vysotsky, bocetos de M. Zhvanetsky, guiones y películas de G. Shpalikov, A. Tarkovsky y E. Klimov, las obras de estos autores estaban plagadas de gritos. dolor: "Hay algo entre nosotros que pasó.

Nos hemos vuelto salvajes, completamente salvajes… ¡¿De dónde viene esto de nosotros?!” Esto sucedió bajo la más severa censura, durante el nacimiento del samizdat, la disidencia estética y política, y la clandestinidad. la ola de "perestroika", muchas obras lograron abrirse paso En primer lugar, estas son obras antiestalinistas y anti-Gulag ("Kolyma" de I. Dvoretsky, "Anna Ivanovna" de V. Shalamov, "Troika" de Y . Edlis, obras de teatro de A. Solzhenitsyn), así como "Brest Peace" de M Shatrova, "Kastruchcha" y "Madre de Jesús" de A. Volodin.En la obra "El séptimo trabajo de Hércules" apareció M. Roshchin con una imagen original de la diosa de las mentiras Ata, quien, haciéndose pasar por la Verdad y llamando al negro blanco y viceversa, gobernó libremente en la empobrecida Hélade "socialismo desarrollado". .

Y entonces surgió una reacción psicológica paradójica. Habiendo recibido finalmente la tan esperada libertad y publicidad, muchos simplemente estaban confundidos. Sin embargo, esto también tuvo sus ventajas, cuando surgió un sabio deseo de "no correr, sino detenerse para comprender el significado de lo que está sucediendo". Lo más positivo fue que, en las nuevas circunstancias, los llamamientos de los funcionarios de arte a los escritores para ser un "equipo de respuesta rápida", crear obras "sobre el tema del día", "mantenerse al día con la vida", "reflexionar" tan pronto como sea posible, organice un concurso para " mejor jugada sobre ... "perestroika".

V. S. Rozov habló acertadamente sobre esto en las páginas de la revista Cultura soviética: "Perdóname, esto es algo en el espíritu de los viejos tiempos ... No puede haber una obra tan especial "sobre la perestroika".

Una obra de teatro puede ser sólo una obra de teatro. Y las obras son sobre personas. Restricciones temáticas similares inevitablemente darán lugar a una corriente de trabajo de pirateo pseudotópico. nueva era cuando se elevaba el listón de los criterios de verdad y maestría en las reflexiones de los dramaturgos sobre la actualidad. "La audiencia de hoy está muy por delante tanto de la moda teatral transitoria como de la actitud hacia uno mismo de arriba a abajo desde el costado del teatro: tiene hambre, espera una conversación inteligente y no inútil sobre lo más importante y vital, sobre . .. eterna e imperecedera", señala acertadamente Y. Edlis.