Френският композитор Жан-Филип Рамо: биография, творчество и интересни факти. Френският композитор Пол Мориа

Най-бунтовната група се оказва група от младежи, сформирана в самия край на Първата световна война. По аналогия с руската "Пет", т.е. " могъща група”, Тя получи името „Шестерки”, присвоено й през 1920 г. от журналиста А. Колле. Той включваше: Дариус Михо, Артур Онегер, Жорж Орик, Франсис Пуленк, Луи Дюре и Жермен Тайфер (към тях трябваше да се присъединят приятели и съмишленици от Шестимата, Жак Ибер, Жан Винер и Алексис Ролан-Мануел). Вестник на тази нова група е поетът, публицист, драматург, сценарист, художник и музикант любител Жан Кокто, чийто памфлет „Петелът и Арлекинът“ (1918) придобива художествено значение.

Позицията на "шестимата" композитори: утвърждаване на френската музика, апел към идеали френски класицизъм, към изисканата музика на клавесинистите J. Ram, F. Couperin, устрем и новаторство. Съсредоточете се върху обновяването музикален езикбазирани на национални традиции чрез ежедневна музика; работа в сложни синтетични жанрове (театър, балет, кино, цирк); прилагането на характеристиките на неокласицизма, експресионизма, урбанизма - опит за отразяване на ритъма, шума на големия град.

Типични произведения: Ф. Пуленк "Сутрешна серенада", "Негърска рапсодия", Ж. Аурик "фокстрот", Ж. Ибер "Магаре бяло", Д. Мийо "Син експрес", "Бик на покрива", "Бразилски танци".

Артър Хонегер(1899 - 1965) - най-значимият от "шестимата" композитори. „Pacific 231“ (1923) – композиция на младия Хонегер. Ономатопея на локомотивното движение. Сериозността на темата в последващото творчество на композитора: оратории "Крал Давид", "Жана д'Арк на кладата", пет симфонии. Отражение на темите за Втората световна война и защитата на мира в симфониите на трета (1946) и пета (1950) Близост до симфониите на Д. Шостакович Трагичното съдържание на Симфония № 5, изразяваща тревога за бъдещето (след Втората световна война надвисна заплахата от нова, атомна война. Три -част цикъл:

Част 1 - бавна, груба, мрачна с интензивна дисонантна музика;

2 част - трагико-гротескно скерцо;

Част 3 - бърз финал, изпълнен с усещане за гняв, ужас с маршова опозиционна тема и мелодична мелодия с широки ходове.

Ерик Сати(17.05.1866 - 01.07.1925) - френски композитор. През 1883 г. постъпва в Парижката консерватория в класа на А. Гилман (орган), но отпада година по-късно. Известно време работи като пианист в кабаре на Монмартър. Занимавайки се с композиция самостоятелно, той започва да пише пиеси за пиано, както и музика за театрални представления. Едва на 40-годишна възраст Сати решава да се заеме сериозно с композиция и постъпва в Schola Cantorum, където негови учители са V. d'Andy и A. Roussel. Благодарение на оригиналното и независимо артистично мислене на Сати, Сати обединява около себе си редица млади музиканти, които симпатизираха на антивагнеровото движение във френското изкуство. естетически възгледимного френски композитори от първата четвърт на 20 век. Творбите на Сати са пълни с остри хармонии, отличават се с оригинален ритъм и необичайна форма. Духът на гротеската и злонамерената ирония подсказаха на Сати ексцентричните заглавия на много от неговите пиеси за пиано: „Изсушени ембриони“, „Три пиеси във формата на круша“, „Резки пиеси“, „Автоматични описания“, „Вечни и Instant Clocks“, „Cold Pieces“ и мн. и др. Най-известните творби на Сати включват пиеси за пиано "Гимнопедия" (1888; оркестрирана от Дебюси). Дягилев поръчва балета на Сати "Парад" за своята трупа (Г. Кокто, Мясин и Пикасо участват в създаването на балета), в партитурата на който композиторът въвежда свирки на локомотив, пишещи машини и др.

ОПЕРА БОРИС ГОДУНОВ

Опера в четири действия с пролог; либрето на Мусоргски по едноименната трагедия на А. С. Пушкин и "История на руската държава" на Н. М. Карамзин. Първо производство: Петербург, Мариински оперен театър, 27 януари 1874 г. Действието се развива в Москва през 1598-1605 г.

Идеята да се напише опера по сюжета на историческата трагедия на Пушкин „Борис Годунов“ (1825) е предложена на Мусоргски от неговия приятел, виден историк, професор В. В. Николски. Мусоргски беше изключително очарован от възможността да преведе темата за връзката между царя и народа, която беше остро актуална за времето си, за да изведе народа като главен герой в операта.

Работата, започнала през октомври 1868 г., протича с огромен творчески подем. Месец и половина по-късно първото действие вече беше готово. Композиторът сам написва либретото на операта, черпейки от материали от „История на руската държава“ на Н. М. Карамзин и други исторически документи. С напредването на композицията отделни сцени се изпълняват в кръг от "кучкисти", които се събират или при А. С. Даргомижски, или при сестрата на Глинка, Л. И. Шестакова. „Радостта, възхищението, възхищението бяха всеобщи“, спомня си В. В. Стасов.

В края на 1869 г. операта "Борис Годунов" е завършена и представена на театралния комитет. Но нейните членове, обезсърчени от идеологическата и художествена новост на операта, отхвърлиха произведението под предлог, че няма печеливш женска роля. Композиторът направи редица промени, добави полски акт и сцена близо до Kromy. Второто издание на "Борис", завършено през пролетта на 1872 г., също не е прието от дирекцията на императорските театри.

„Борис“ беше поставен само благодарение на енергичната подкрепа на напреднали артистични сили, по-специално на певицата Ю. Ф. Платонова, която избра операта за своя бенефисен спектакъл. Премиерата се състоя на 27 януари (8 февруари) 1874 г. в Мариинския театър. Демократичната общественост приветства "Борис" възторжено. Реакционната критика и обществото на благородството и земевладелците реагираха рязко негативно на операта. Скоро операта започва да се дава с произволни съкращения и през 1882 г. е напълно премахната от репертоара.

„Борис Годунов” е народна музикална драма, многостранна картина на епохата, поразяваща с шекспирова широта и смелост на контрастите. Героите са обрисувани с изключителна дълбочина и психологическа проницателност. Трагедията на самотата и обречеността на царя е разкрита с удивителна сила, новаторски е въплътен непокорният, бунтарски дух на руския народ.

Прологът се състои от две картини. Оркестровото въведение към първия изразява скръб и трагична безнадеждност. Припевът „На кого ни оставяш” е близък до тъжните народни оплаквания. Призив на писаря Щелкалов "Православен! Неумолим болярин!" пропити с величествена тържественост и сдържана тъга.

Втората картина на пролога е монументална хорова сцена, предшествана от камбанен звън. Тържествената величествена на Борис "Вече като червено слънце в небе" е базирана - на неподправена народна мелодия. В центъра на картината е монологът на Борис "Тъги душевни", в музиката на който царственото величие е съчетано с трагичната обреченост.

Първата сцена на първо действие започва с кратко оркестрово въведение; музиката предава монотонното скърцане на писалката на летописеца в тишината на усамотена килия. Премерената и строго спокойна реч на Пимен (монологът "Още една последна приказка") очертава строгия и величествен вид на стареца. властен, силен характерсе усеща в разказа му за царете на Москва. Григорий е изобразен като неуравновесен, пламенен млад мъж.

Втората картина на първо действие съдържа пикантни домашни сцени. Сред тях са песните на кръчмарката „Хванах сива драка“ и Варлаамовата „Как беше в града в Казан“ (на народни думи); последният е наситен елементарна силаи изтрий.

Второ действие широко очертава образа на Борис Годунов. Голям монолог „Стигнах върховна власт"е наситено с неспокойно тъжно чувство, смущаващи контрасти. Душевният раздор на Борис ескалира в разговор с Шуйски, чиито речи звучат натрапчиво и лицемерно, и достига предела си в последната сцена на халюцинации ("сцената с камбаните").

Първата картина на третото действие започва с елегантно изящен хор от момичета "На лазурната Висла". Арията на Марина "Колко мудно и мудно", издържана в ритъма на мазурката, рисува портрет на високомерен аристократ.

Оркестровото въведение към втората сцена изобразява вечерен пейзаж. Мелодиите от любовното признание на Претендентката са романтично развълнувани. Сцената на Претендента и Марина, изградена върху резки контрасти и капризни промени в настроението, завършва с дует, изпълнен със страст „О, царевич, моля те“.

Първата картина на четвъртото действие е драматична битова сцена. От тъжния стон на песента на Светия юродив „Луната язди, котето плаче” израства удивителният по силата на трагизма хор „Хляб!”.

Втората картина на четвъртото действие завършва с психологически остра сцена на смъртта на Борис. Последният му монолог "Сбогом, сине мой!" рисувани в трагично просветени, умиротворени тонове.

Третата картина на четвърто действие е изключителна по мащаб и сила монументална битова сцена. Подигравателно и заплашително звучи началният хор „Не лети по небесата” (по неподправена народна мелодия на хвалебствена песен). По мелодията е написана песента на Варлаам и Мисаил „Слънце, месечина избледняла”. народен епос. Кулминацията на картината е бунтовният хор „Разпръснаха се, избистриха се”, наситен със спонтанен, неукротим гуляй. Средната част на хора "О, ти, сила" е размахваща мелодия на руска танцова песен, която, развивайки се, води до страховити, гневни възгласи "Смърт на Борис!". Операта завършва с тържественото влизане на Самозванеца и оплакването на Светия глупак.

ОПЕРА РУСЛАН И ЛЮДМИЛА

Опера в пет действия; либрето на композитора и В. Ширков стихотворение със същото имеА. С. Пушкин.
Първо производство: Петербург, 27 ноември 1842 г. Действието се развива в Киев и приказните земи по времето на Киевска Рус.

„Първата мисъл за Руслан и Людмила ми беше дадена от нашите известен комикШаховски.

Композиторът започва да работи върху операта през 1837 г., без да има готово либрето. Поради смъртта на Пушкин той беше принуден да се обърне към незначителни поети и аматьори сред приятели и познати. Сред тях са Н. В. Куколник (1809-1868), В. Ф. Ширков (1805-1856), Н. А. Маркевич (1804-1860) и др.

Текстът на операта включва някои фрагменти от поемата, но като цяло е написан наново. Глинка и неговите либретисти направиха редица промени в актьори. Някои герои изчезнаха (Рогдай), други се появиха (Горислава); са претърпели някои промени и сюжетни линиистихотворения. Идеята на операта до голяма степен се различава от литературния източник.

Блестящата младежка поема на Пушкин (1820), базирана на теми от руски приказен епос, има характеристики на лека ирония и игриво отношение към героите. Глинка решително отказа такова тълкуване на сюжета. Той създава произведение с епичен размах, изпълнено с големи мисли, широки житейски обобщения.

В операта се възпява героизмът, благородството на чувствата, верността в любовта, осмива се страхливостта, осъждат се измамата, злобата и жестокостта. Чрез цялото произведение композиторът пренася мисълта за победата на светлината над мрака, за триумфа на живота.

Операта е написана от Глинка в продължение на пет години с дълги прекъсвания: тя е завършена през 1842 г. Премиерата се състоя на 27 ноември (9 декември) същата година на сцената Болшой театърВ Петербург.

Руслан и Людмила е епична опера. Монументалните изображения на Киевска Рус, легендарните фигури на великия княз Светозар, юнака Руслан, пророческия народен певец Баян пренасят слушателя в атмосферата древни времена, пораждат представа за красота и величие народен живот. значително мястооперата е заета от фантастични картини на царството на Черномор, замъка на Найна, чиято музика е надарена с ориенталски привкус. Основният конфликт - сблъсъкът на силите на доброто и злото - е отразен в музиката на операта поради релефната опозиция музикални характеристикиактьори. Вокалните части на лакомствата, фолклорните сцени са пълни с песни. Отрицателните герои са или лишени вокални характеристики(Черномор), или очертани с помощта на речитативен "говорещ" (Наина). Епическият склад се подчертава от изобилието от хорови масови сцени и незабързаното развитие на действието, като в епическо повествование.

Идеята на произведението - тържеството на светлите сили на живота - се разкрива още в увертюрата, в която е използвана ликуващата музика от финала на операта. В средната част на увертюрата възникват тайнствени, фантастични звуци.

Първо действие впечатлява с широта и монументалност музикално въплъщение. Актът започва с въведение, което включва поредица от числа. Песента на Баян „Случаи от отминали дни“, съпроводена от арфи, имитиращи арфа, е издържана в отмерен ритъм, изпълнен с величествено спокойствие. Втората песен на Баян „Има пуста земя” има лиричен характер. Въведението завършва с мощен поздравителен хор „На светлия княз и здраве и слава“. Каватината на Людмила „Тъжна съм, скъпи родителю“ - развита сцена с хор - отразява различните настроения на момиче, игриво и грациозно, но способно на голямо искрено чувство. Хорът „Лель тайнствен, опияняващ” възкресява духа на древните езически песни. Сцената на отвличането започва с острите акорди на оркестъра; музиката придобива фантастичен, мрачен привкус, който е запазен и в канона „Какъв прекрасен момент“, който предава състояние на ступор, обхванал всички. Актът се увенчава от квартет с хор „О, рицари, по-добре в поле”, изпълнен със смела решителност.

Второто действие, състоящо се от три сцени, започва със симфонично въведение, изобразяващо суров, загадъчен северен пейзаж, обгърнат от бдителна тишина.

В първата картина баладата на Фин заема централно място; нейната музика създава благороден образ, изпълнен с дълбока човечност и нравствена красота.

Втората снимка е противоположна на първата. Появата на Наина е очертана от бодливи ритми на кратки оркестрови фрази, студени инструментални тембри. Добре насочен комичен портрет на ликуващ страхливец е уловен в рондото на Фарлаф „Часът на моя триумф е близо“.

В центъра на третата картина е великолепната музикална ария на Руслан; нейното бавно въведение „О поле, поле, което те осея с мъртви кости” предава настроението на дълбока, концентрирана медитация; втората част, в бързо енергично движение, е надарена с героични черти.

Третото действие е най-разнообразно като колорит и живописност на музиката. Редуващи се хорове, танци, солови номера рисуват атмосферата на магическия замък на Наина. Гъвкавата мелодия на персийския хор „Нощна тъмнина пада в полето” звучи очарователно съблазнително, пропита със сладостна умора. Каватина Горислава "Луксозна звезда на любовта" е изпълнена с горещи, страстни чувства. Арията на Ратмир „И топлината и топлината замениха нощта със сянка“ се отбелязва с подчертан ориенталски привкус: причудливата мелодия на бавната част и гъвкавият валсов ритъм на бързата очертават пламенната природа на хазарския рицар.

Четвъртото действие се отличава с буйна декоративност, яркост на неочаквани контрасти. Арията на Людмила „О, споделяш, споделяш“ - подробна монологична сцена; дълбоката тъга се превръща в решителност, възмущение и протест. Походът на Черномор рисува картина на странно шествие; ъглова мелодия, пронизителни звуци на тръби, трептящи звуци на камбани създават гротескния образ на зъл магьосник. Походът се следва Източен танц: турски - плавен и отпуснат, арабски - подвижен и смел; танцовата сюита завършва с пламенна, вихрена лезгинка.

В петото действие има две сцени. В центъра на първия е романсът на Ратмир „Тя е моят живот, тя е моята радост“, пропит с блаженство и страст.

Втората сцена е финалът на операта. Строгият, скръбен хор "Ой, ти, светло-Людмила" е близък до народните оплаквания. Вторият ход “Птицата не се събужда сутрин” е обагрена с тъга, прекъсната от скръбните реплики на Светозар. Музиката на пробуждащата се сцена е развеяна от утринната свежест, от поезията на цветущия живот; мелодия, изпълнена с живо, трепетно ​​чувство („Радост, ясно щастие“) се пее от Руслан; Людмила се присъединява към него, а след това и останалите участници и хорът. Финалният припев („Слава на великите богове”) звучи ликуващо, леко и весело (увертюрна музика).

ОПЕРА ПРИНЦ ИГОР

Опера в четири действия с пролог; либрето на композитора по мотиви от руската епическа поема „Словото за похода на Игор“. Първа постановка: Санкт Петербург, Мариински театър, 23 октомври 1890 г., реж. К. Кучера.

Действието се развива: в пролога, в първо и четвърто действие - в град Путивл, във второ и трето действие - в половецкия лагер през 1185 г.

Всичко е невероятно в княз Игор. Първо, разбира се, страхотна музика. Второ, фактът, че операта е композирана от човек, чиято професионална дейност не е музика, а химия (А. П. Бородин е академичен химик). Трето, голяма част от операта, въпреки че е композирана от Бородин, не е записана и оркестрирана от него; операта е завършена от приятелите на композитора Н. А. Римски-Корсаков, А. К. Глазунов и А. К. Лядов.

Увертюрата, въпреки че е композирана от А. П. Бородин, не е поставена на хартия от него. Тя е записана, завършена и оркестрирана след смъртта му и по памет на А. К. Глазунов, който я е слушал многократно, изпълнявана на пиано от самия автор. Четвърто, всички тези композитори често са работили в толкова близък контакт помежду си, че е почти невъзможно да се определи какво е написано в „Княз Игор“ с едната ръка и какво с другата; с други думи, музикалният стил на операта представлява нещо художествено абсолютно цялостно.

През април 1869 г. В. В. Стасов предлага на Бородин чудесен паметник като оперен сюжет. древноруска литература"Сказание за похода на Игор" (1185-1187). Според композитора той харесал сюжета "ужасно по вкуса си". За да проникне по-дълбоко в духа на древността, Бородин посети околностите на Путивъл (близо до Курск), изучава исторически извори: хроники, стари истории ("Задонщина", " Мамаевско клане“), проучвания за половците, музиката на техните потомци, епоси и епични песни. Голяма помощ на композитора оказва В. В. Стасов, най-големият познавач на руската история и древната литература.

Текстът и музиката на "Игор" са композирани едновременно. Операта е писана 18 години, но не е завършена. След смъртта на Бородин А. К. Глазунов възстановява увертюрата по памет и допълва липсващите епизоди от операта въз основа на скиците на автора, докато Н. А. Римски-Корсаков инструментира по-голямата част от нея. Премиерата е с голям успех на 23 октомври (4 ноември) 1890 г. в Санкт Петербург, на сцената на Мариинския театър.

"Княз Игор" - народно-епическа опера. Епичният склад на "Игор" се проявява в героичен музикални изображения, в мащаба на формите, в лежерен, като в епосите, ход на действието.

В голяма увертюра, базирана на мелодии от операта, контрастират образите на руснаци и половци. Средният епизод рисува картина на ожесточена битка.

Могъщият припев на пролога „Слава на червеното слънце“ (към оригиналния текст от Лей) е близък до суровите, величествено строги мелодии на древните епични песни. Този хор е рамкиран от зловеща оркестрова картина на затъмнението и речитативна сцена, в която са изобразени уплашените боляри, тревожната, влюбена Ярославна, грубият Галицки и смело непреклонният Игор.

Музиката на първата картина (първото действие) със своя безразсъден, буен характер рязко контрастира с настроението на пролога. Песента на Галицки „If only I could wait for honor“ прилича на размахващ танц. В девическия хор „Ой, лихо” фино са пресъздадени особеностите на тъжните народни оплаквания. С присмехулна важност звучи грубо-комичната песен на шутовете „Какво става с принц и Владимир“.

Във втората картина релефно е очертан образът на очарователно женствената, но волева Ярославна. В ариозото „Много време мина оттогава” са изразени нейният копнеж и тревожни предчувствия; целомъдрено сдържана, строга по характер, музиката постепенно придобива страстно възбуден характер. По-нататък действието се драматизира, като най-голямо напрежение достига в сцената на Ярославна с болярите. Хоровете на болярите „Бъди смело, княгиньо” и „Ние, княгиньо, не сме за първи път” са пълни със сурова, страховита сила.

Второто действие е посветено на картините на половецкия лагер. В каватината на Кончаковна „Угасва дневна светлина“ се чуват любовни зовове, страстен копнеж, чувствено блаженство. Поезията на младежката любов, очарованието на разкошната южна нощ е развеяна от каватината на Владимир „Лека-лека денят угасна“. Арията на Игор "Няма сън, няма почивка" - многостранен портрет на главния герой; Тук са уловени и тъжни мисли за съдбата на родината, и страстна жажда за свобода, и чувство на любов към Ярославъл. Хан Кончак изглежда властен, жесток и великодушен в арията си „Здрав ли е, княже?“ Актът завършва с ослепително колоритни сцени от танци, съпроводени от хор. Редуват се в контраст плавно женско хоро, необуздан мъжки, изпълнен със стихийна сила, и бърз, лек танц на момчета. Постепенно всички групи се включват в бурен темпераментен вихрен танц.

В третото действие (това действие обикновено се пуска в продукции) войнствеността и жестокостта излизат на преден план в изобразяването на половците.

В четвъртото действие музиката се развива от траур до всеобщо ликуване. Дълбока, неизбежна тъга се чува в ариозото на Ярославна "Ой, плача", близко до народните оплаквания. Ариозо води до народен плач - хорът на селяните "О, не виеше буен вятър", който звучи като истинска руска протяжна песен. Празнично и тържествено заключително хоро „Да знаеш, Господ е чул молитвите“.

Пол Мориа ... При самото произнасяне на името му музиката започва да звучи в паметта ... френски композитор, един от най-големите майстори XX век, е роден в Марсилия през 1925 г. в семейство на музиканти и когато е на 10 години, без колебание постъпва в консерваторията. Любимият му стил музика беше джазът, но в същото време беше очарован класически симфонии, което го вдъхновява да създаде собствен оркестър - още на 17-годишна възраст Пол изнася концерти. Кога се случи второто Световна война, той свири из цяла Франция, давайки надежда на хората за мирно бъдеще.

След войната той е забелязан от северноамериканската компания "A&R", което означава "Артисти и репертоар", предлагайки му да стане корепетитор в различни представления. Това беше първата стъпка към славата и признанието - Париж отвори обятията си за младия композитор, законодател не само на модата, но и на световната музика. Именно там френският композитор Пол Мориа става аранжор за великолепния шансоние. следвоенно десетилетиемладият музикант е бил музикален директор на известни личности като Морис Шевалие, Далида, Ескудиеро, Азнавур, Анри Салвадор – безброй турнета, концерти, записи... По-късно, в края на 60-те и началото на 70-те, той ще пише за Мирей Матийо.

През 1957 г. френският композитор Пол Мориа издава своя премиерен албум, който се радва на голямо търсене. Името на записа беше съвсем просто - "Пол Мориа". Следващата 1958 г. му носи награда на фестивала "Златен петел на шансона" за песента "Rendez-vos au lavandou".

През 1964 г. излиза албумът "Пол Мориа и неговият оркестър". Пол Мориа започва да използва псевдоними - Нико Попадопулос, Ричард Одри, Едуардо Руо и много много други. Той вярваше, че това ще помогне за по-добро разбиране международен характертворбите си и не загуби - световната слава дойде при него.

Успоредно с това той композира саундтраци - музика за филми, някои от които са "Такси за Тобрук", "Взриви банката", "Хорас 62", "Кръстникът". В началото на 90-те години той издава саундтрака към филма "Действай, сестро!", Който след това започва да се презаписва от известни артисти по света и е известен и до днес. Пол Мориа развива свой собствен стил, който става най-уникален в своята широта и диапазон - това е необичайна, лека, ярка и запомняща се музика.

Пол Мориа влезе в Топ 100 според едно от американските списания като първия френски инструментален артист. Той отдава водеща роля в творбите си на струнните - най-сложните стакато и легато, виртуозното свирене на виолончелистите и експериментите с аранжиментите придават на музиката му неописуем "френски" чар, въпреки че произведенията му отдавна са надхвърлили ограничените музикални рамки. . Неговият подход беше оценен не само от френските композитори - той използва различни страни.

Френският композитор Пол Мориа е удостоен със "Златен диск" във Франция, титлата "Командир на изкуствата" и международно признание: музиката му се чува във всякакви реклами, програми (в СССР известният "В животното" Свят“ и „Кинопанорама“), сериали.

През 1998 г. Мория се оттегля от сцената, изнасяйки последния си концерт в Осака. И през 2006 г., на 81-годишна възраст, френският композитор Пол Мориа почина в южната част на Франция в град Перпинян, в дома си. Въпреки че допринесе безценен приносв музиката съвременници и близки приятели го помнят като сдържан, скромен, приятелски настроен най-великият композитор.

Традициите на френската музикална култура започват да се полагат още преди 15 век. Известно е със сигурност, че той е бил силно повлиян от културите на германските и келтските племена, живеещи на съвременната територия на Франция. Развитието на музиката в тази страна се осъществява във взаимодействие с творчеството на народите от съседните страни - италианци и германци. Ето защо френското музикално наследство се оказа толкова колоритно и разнообразно.

произход

Първоначално във Франция на преден план излиза народната музика, без която обикновените хора не могат да си представят съществуването си. С появата на християнството се ражда църковна музикакоято постепенно започва да се изменя под влиянието на народа.

Най-известният композитор на литургии от онова време се казва Иларий от провинция Поатие. Той живял през 3 век и бил най-умният богослов и учител на църквата.

Около 10 век светската музика започва да набира популярност. Извършва се във феодални дворове, на площадите на големите градове, в манастири. Сред инструментите има тъпан, флейта, тамбура, лютня.

12 век е белязан от откритието музикално училищев Нотр Дам, великият парижка катедрала. Неговите композитори стават създатели на нови музикални жанрове (дирижиране, мотет).

През 13 век най-видният музикант е Адам де ла Але, който преосмисля творчеството на трубадурите, давайки път на истинското музикално изкуство. Най-интересното му творение е "Играта на Робин и Марион". Той стана автор както на поезията, така и на музиката за тази пиеса, която беше успешно поставена в двора на граф Артоа.

Ars nova - посоката на европейската музика, разработена във Франция, стана въплъщение на новите идеи на музикантите. Френските композитори Гийом дьо Машо и Филип дьо Витри стават основните теоретици на този период. Де Витри написа музикалния съпровод към поемата „Романтиката на Фовел“, де Машо стана автор на „Месата на Нотр Дам“. Това е първото произведение, написано от един композитор, а не в сътрудничество с някой друг.

Възраждане

От средата на XV до втората половина на XVI век френска музикасе развива под влиянието на холандската школа и такива вътрешнополитически промени като войната за обединението на Франция, установяването централизирана държававъзходът на буржоазията.

Под влиянието на такива композитори като Жил Беншоа, Жоскен Депре, Орландо ди Ласо се формира нов слой в музикалното изкуство на Франция. Кралският двор не остава настрана. Там се появяват параклиси и утвърждават позицията на главния интендант на музиката. Първият е италианският цигулар Балтазарини ди Белджоисо.

Разцветът на националната музикална култура пада на 16 век, когато се откроява като жанр на шансона, значителна роля придобиват органна музика. Жан Титлуз стана основател и идеолог на тази посока.

Творчеството на хугенотите беше широко разпространено, което поради религиозни борби беше изместено на заден план. Френските композитори, най-големите представители на този слой, Клод Гудимел и Клод Лежен станаха автори на стотици псалми. И двамата пострадаха по време на Вартоломеевата нощ.

17-ти век

Музиката на този век се развива под влияние на установените абсолютна монархия. Придворният живот при Луи XV е известен със своята пищност и изобилие. Ето защо не е изненадващо, че наред с други забавления, такива основни жанровекато опера и балет.

Кардинал Мазарини се застъпва за развитието на изтънченото изкуство. Италианският му произход е причината за популяризирането на културата на тази страна във Франция. Първите опити за създаване на национална опера принадлежат на Елизабет Жаке дьо ла Гер, която пише „Кефала и Прокрис“ през 1694 г.

Отворен през 1671 г. Royal Оперен театърдаде на страната прекрасни композитори. Марк-Антоан Шарпантие създава стотици произведения, включително оперите „Слизането на Орфей в ада“, „Медея“ и „Съдът на Парис“. Андре Кампра е автор на операта-балет "Галантна Европа", "Карнавалът във Венеция", музикалните трагедии "Ифигения в Таврида", "Ахил и Дейдамия".

17 век е периодът на формиране френско училищеклавесинисти. Сред участниците в него могат да се разграничат Chambonnière и Jean-Henri d'Anglebert.

18 век

Музикалният и социален живот през този век се променя драстично. Концертна дейностизлиза извън рамките на съда. От 1725 г. в театрите се провеждат редовни публични концерти. В Париж са основани дружествата "Аматьорски концерти" и "Приятели на Аполон", където любителите могат да се насладят на изпълнението на инструментална музика.

Сюитата за клавесин достига своя връх през 30-те години на миналия век. Франсоа Куперен пише повече от 250 пиеси за клавесин и става известен не само в родината си, но и в чужбина. Освен това има кралски опери и работи за орган.

За музика от 18 век страхотна ценаима творчеството на Жан Филип Рамо, който е не само талантлив композитор, но и виден теоретик в своята област. Неговата лирически трагедииКастор и Полукс, Иполит и Арисия, балет-операта „Галантните индии“ също са търсени сред съвременните режисьори.

Почти всички музикални произведения до средата на 18 век са или църковни, или митологични. Но настроенията в обществото изискват нови интерпретации и жанрове. На тази основа операта придобива популярност, което от сатирична страна показва висшето обществои кралски особи. Първите либрета за такива опери са написани от Шарл Фавар.

Френските композитори от 18 век оказват голямо влияние върху оперния стил и музикално-теоретичната основа на този жанр.

19 век

Великата френска революция води до значителни промени в музикалната култура. На преден план излезе военната духова музика. Открити са специални училища за подготовка на военни музиканти. В операта вече преобладават патриотични сюжети с нови национални герои.

Периодът на реставрацията е белязан от възхода на романтичната опера. Френският композитор Берлиоз е най-яркият представител на това време. Първата му програмна творба е "Фантастичната симфония", отразяваща преувеличената емоционалност, типичните настроения от онова време. Той става създател на драматичната симфония "Ромео и Жулиета", увертюрата "Крал Лир", операта "Бенвенуто Челини". В родната си страна Хектор Берлиоз беше оценен двусмислено. Беше свързано със специално по творчески начинкойто сам си е избрал. Произведенията му са изпълнени с невероятни оркестрови ефекти, които композиторът е първият френски музикант, който използва.

Средата на 19 век е белязана от началото на развитието на оперетата в страната. Но още през 1870-те години на преден план излиза лиричната музика, но с реалистични тенденции. Шарл Гуно се смята за основател на този жанр. Неговите опери - Неволният доктор, Фауст, Ромео и Жулиета - изразяват всички новаторски разработки на композитора.

Десетки значими за френската култура произведения създава Жорж Бизе, живял кратък живот. Учи в консерваторията от 10-годишна възраст и от самото начало прави голям успех. Той спечели няколко значими музикални конкурса, което позволи на музиканта да замине за Рим за няколко години. След завръщането си в Париж Жорж Бизе започва да работи върху операта на живота си Кармен. Премиерата му се състоя през 1875 г. Публиката не прие и не разбра тази работа. Композиторът почина през същата година, без да види триумфа на "Кармен".

AT последните годиниПрез 19 век френските композитори пишат под влияние на немски, особено Рихард Вагнер.

20-ти век

Новият век е белязан от разпространението на импресионизма в музикалната култура. Великите френски композитори станаха привърженици на този стил. Най-ярък беше К. Дебюси. Всички основни характеристики, присъщи на тази посока, бяха отразени в работата му. Естетиката на импресионизма не остана настрана от друг французин. Морис Равел в творбите си смесва различни стилистични тенденции на своето време.

20-ти век е периодът на сътворението творчески асоциации, чиито членове бяха художници. Известната "Френска шесторка", създадена под ръководството на Ерик Сати и Жан Кокто, се превърна в най-мощната общност от композитори от онова време.

Асоциацията получи името си поради аналогията с Руския съюз на композиторите - Могъщата шепа. Обединява ги желанието да се отдалечат от чуждото влияние (в случая немското) и да развият националния пласт на това изкуство.

Асоциацията включваше Луи Дюре („Лирични предложения“, „Автопортрети“), Дариус Мийо (опера „Виновната майка“, балет „Сътворението на света“), Артър Хонегер (опера „Юдит“, балет „Шота Руставели“) , Жорж Орик (музика към филмите "Принцесата на Клев", "Римска ваканция"), Франсис Пуленк (опера "Диалози на кармелитките", кантата "Бал с маски") и Жермен Тайфер (опера "Малката русалка", балет „Продавачът на птици“).

През 1935 г. се ражда друга асоциация - "Млада Франция". Неговите участници бяха Оливие Месиан (опера "Свети Франциск от Асизи"), Андре Жоливе (балети "Красавицата и звяра", "Ариадна").

Такава нова тенденция като музикалния авангард се появява след 1950 г. Негов ярък представител и вдъхновител е Пиер Булез, който учи при Месиан. През 2010 г. той влезе в топ двадесет на най-добрите диригенти в света.

Развитието на съвременното изкуство във Франция беше улеснено от пионерската работа на такива стълбове на академичната музика като Дебюси и Равел.

Дебюси

Ахил-Клод Дебюси, роден в Сен Жермен ан Ле, с ранно детствосе чувстваше привлечен от красотата. Още на 10-годишна възраст той постъпва в Парижката консерватория. Ученето беше лесно за него, момчето дори спечели малък вътрешен конкурс. Но Клод беше обременен от часовете по хармония, тъй като учителят не беше приятелски настроен към експериментите на момчето със звуци.

След като прекъсна обучението си, Клод Дебюси отиде на пътуване с земевладелец от Русия, Н. фон Мек, като домашен пианист. Времето, прекарано на руска земя, имаше благотворен ефект върху Клод. Харесваше творчеството на Чайковски, Балакирев и други композитори.

Връщайки се в Париж, Дебюси продължава да учи в консерваторията и да пише. Той все още развива свой собствен стил. повратна точкав живота на Клод беше познанство с Е. Сати, който със своите новаторски идеи показа пътя към начинаещия композитор.

Зрелият стил на Дебюси най-накрая се оформя през 1894 г., когато той написва „Следобедът на един фавн“, известната симфонична прелюдия.

Равел

Морис Равел е роден в южната част на Франция, но за да научи любимия си бизнес, той се премества в Париж през ранна възраст. Учителят му беше Френски композитор пианистШарл де Берио.

Както при Дебюси, Морис е силно повлиян от срещата си с Ерик Сати. След нея Равел започва да композира с отмъщение, вдъхновен от речите и идеите на композитора.

Още докато учи в консерваторията, Равел написва редица произведения Испански мотиви(„Хабанера”, „Стар менует”), които са поздравени от колеги музиканти. Стилът на композитора обаче веднъж му изигра жестока шега. На Равел не беше позволено да участва в надпреварата за престижната Римска награда, позовавайки се на възрастови ограничения. Но композиторът все още не беше на 30 години и можеше, в съответствие с правилата, да представи композицията си. През 1905 г. заради това в света на музиката избухва огромен скандал.

След Първата световна война, в която Равел участва като доброволец, емоционалният принцип се смята за основен в творбите му. Това обяснява внезапния преход от писане на опери към инструментални композиции (сюитата „Гробницата на Куперен“). Той също така си сътрудничи със Сергей Дягилев и пише музика за балета Дафнис и Хлое.

В същото време композиторът започва да работи върху най-значимото си произведение - "Болеро". Музиката е завършена до 1928 г.

Последната творба на Морис Равел е "Три песни", написана за Фьодор Шаляпин.

Legrand

За руската публика името на един френски композитор звучи много познато. Това е Мишел Льогран, създал музиката за култови филми.

Мишел Жан е роден в семейството на диригент и пианист. От детството момчето беше очаровано музикално изкуство, така че той влезе в Парижката консерватория. След като завършва обучението си, заминава за САЩ, където започва да пише музика за филми.

Във Франция работи с известните режисьори Жан-Люк Годар и Жак Деми. Най-популярната му творба е музиката към филма "Шербургските чадъри".

Написа Джаз музика. От 60-те години работи в Холивуд. Между известни произведениякомпозитор - музика за "Аферата Томас Краун", "От другата страна на полунощ". Мишел Льогран е трикратен носител на Оскар.

21 век

Академичната музика все още е търсена във Франция. Не изброявайте всички фестивали и утвърдени награди за постижения в тази област. В Париж, който е културен центърстрани, там са Националната консерватория, Опера Бастилията, Опера Гарние, Театърът на Шанз Елизе. Има десетки оркестри, известни по целия свят.

Музиката на френските композитори става известна на широката публика благодарение на киното. Наред с операта и симфонична музикапишат и за филми. Това са главно произведения за френската филмова индустрия, но някои композитори излизат и на международно ниво. Най-успешните живи френски композитори на 21 век са:

1. Антоан Дюамел ("Откраднати целувки", "Благодатна възраст").
2. Морис Жар ("Доктор Живаго", "Разходка в облаците").
3. Владимир Косма ("Убождане с чадър", "Татко").
4. Бруно Куле ("Белфегор-призракът на Лувъра", "Хористи").
5. Луи Обер (опери "Синя гора", "Очарователна нощ").
6. Филип Сарде ("Дъщерята на Д" Артанян "," Принцеса дьо Монпенсие ").
7. Ерик Сера (саундтраци за Леон, Жана д'Арк, Петият елемент).
8. Габриел Яред ("Английският пациент", "Студена планина").

Сред тези мелодии има мотив за всяко настроение: романтично, положително или мрачно, да се отпуснете и да не мислите за нищо или, обратно, да съберете мислите си.

Италианският композитор и пианист работи в посока минимализъм, често се обръща към ембиънта и умело съчетава класическа музика с други. музикални стилове. Той е известен на широк кръг с атмосферни композиции, превърнали се в саундтраци към филми. Например, със сигурност ще разпознаете музиката от френската лента "1 + 1", написана от Einaudi.

Глас е една от най-противоречивите личности в света на съвременната класика, която или е възхвалявана до небето, или критикувана до девет. Той е с ансамбъла на Филип Глас от половин век и е написал музика за над 50 филма, включително Шоуто на Труман, Илюзионистът, Вкусът на живота и Фантастичната четворка. Мелодиите на американския минималистичен композитор размиват границата между класическата и популярната музика.

Автор на много саундтраци, най-добрият филмов композитор за 2008 г. според Европейската филмова академия и пост-минималист. Завладява критиците от първия албум Memoryhouse, в който музиката на Рихтер е насложена върху поетично четене, а следващите албуми също използват художествена проза. Освен че пише свои собствени ембиънт композиции, той аранжира класически произведения: The Four Seasons на Вивалди оглави класациите за класическа музика на iTunes в негов аранжимент.

Този творец на инструментална музика от Италия не е свързан със сензационното кино, но вече е известен като композитор, виртуоз и опитен учител по пиано. Ако опишете музиката на Marradi с две думи, това ще бъдат думите "чувствен" и "магически". Тези, които обичат ретро класиката, ще харесат неговите творения и корици: в мотивите се виждат нотки от миналия век.

Известният филмов композитор е създал музикален съпровод за много касови филми и анимационни филми, включително Гладиатор, Пърл Харбър, Начало, Шерлок Холмс, Интерстелар, Мадагаскар, Цар Лъв. Неговата звезда се издига на Холивудската алея на славата, а на рафта му са Оскар, Грами и Златен глобус. Музиката на Zimmer е разнообразна като тези филми, но независимо от тона, тя удря акорд.

Хисаиши е един от най-известните японски композитори, спечелил четири филмови награди на Японската академия за най-добра филмова музика. Той стана известен с това, че написа саундтрака към анимето на Хаяо Миядзаки Nausicaä от долината на вятъра. Ако сте фен на Studio Ghibli или касетите на Takeshi Kitano, със сигурност ще се възхитите на музиката на Hisaishi. Предимно е лек и лек.

Този исландски мултиинструменталист е просто момче в сравнение с изброените майстори, но до 30-те си години успява да се превърне в признат неокласик. Записва акомпанимент към балет, печели награда БАФТА за саундтрака към британския сериал "Убийство на плажа" и издава 10 студийни албума. Музиката на Арналдс напомня за суров вятър на безлюден морски бряг.

Повечето известни произведения Lee Ru Ma - Kiss the Rain and River Flows in You. Корейският ню ейдж композитор и пианист пише популярни класики, които могат да бъдат разбрани от слушателите на всеки континент, с всяка музикален вкуси образование. Неговите леки и чувствени мелодии за мнозина станаха началото на любовта към пиано музиката.

Дъстин О'Халоран

Американският композитор е интересен, защото няма музикално образование, но в същото време пише най-приятната и доста търсена музика. Използвани са мелодии на О'Халоран Top Gearи няколко филма. Може би най-успешният албум със саундтрак беше към мелодрамата Like Crazy. Този композитор и пианист знае много за изкуството на дирижирането и как да създава електронна музика. Но основното му поле е модерна класика. Cacchapalla е записал много албуми, три от които с Royal Филхармоничен оркестър. Музиката му тече като вода, страхотно е да се отпуснеш под нея.

Кои други съвременни композитори си струва да слушате

Ако обичате епоса, добавете Клаус Баделт към своя плейлист, който си сътрудничи със Zimmer в Pirates карибите". Също така, Ян Качмарек, Александър Десплат, Хауърд Шор и Джон Уилямс не трябва да се пропускат - трябва да напишете отделна статия, за да изброите всичките им творби, заслуги и награди.

Ако искате по-вкусен неокласицизъм, обърнете внимание на Niels Fram и Sylvain Chauveau.

Ако не ви стига, спомнете си създателя на саундтрака към „Амели“ Ян Тирсен или открийте японския композитор Тамон: той пише ефирни, мечтателни мелодии.

Музиката на кои композитори харесвате и кои не? Кой друг бихте добавили към този списък?