Картини на Пусен. Никола Пусен - френски художник, основател на стила "класицизъм".

Никола Пусен (на френски Nicolas Poussin; в Италия той се е наричал Николо Пусино (на италиански Niccolò Pussino); 1594, Les Andelys, Нормандия - 19 ноември 1665, Рим) - френски художник, един от основоположниците на класицизма в живописта. Значителна част от активния си творчески живот прекарва в Рим, където е от 1624 г. и се ползва с покровителството на кардинал Франческо Барберини. Привличайки вниманието на крал Луи XIII и кардинал Ришельо, той е удостоен с титлата на първия художник на краля. През 1640 г. той пристига в Париж, но не може да се адаптира към ситуацията в кралския двор и преживява редица конфликти с водещи френски художници. През 1642 г. Пусен се завръща в Италия, където живее до смъртта си, изпълнявайки поръчки от френския кралски двор и малка група просветени колекционери. Умира и е погребан в Рим.

Каталогът на Jacques Thuillier от 1994 г. изброява 224 картини на Пусен, чието приписване е извън съмнение, както и 33 произведения, чието авторство може да бъде оспорено. Картините на художника са на исторически, митологични и библейски сюжети, белязани от строг рационализъм на композицията и избора. художествени средства. Пейзажът става важно средство за себеизразяване за него. Един от първите художници, Пусен, оценява монументалността на местния колорит и теоретично обосновава превъзходството на линията над цвета. След смъртта му изявленията му станаха теоретична основаакадемизъм и дейност на Кралската академия по живопис. Неговата творчески маниерпроучен отблизо от Жак-Луи Давид и Жан Огюст Доминик Енгр.
През 19-20 век оценките за мирогледа на Пусен и интерпретацията на творчеството му се променят коренно.

Най-важният първоизточник на биографията на Никола Пусен е оцелялата кореспонденция - общо 162 съобщения. 25 от тях, написани на италиански, са изпратени от Париж до Касиано дал Поцо - римския покровител на художника - и датирани от 1 януари 1641 г. до 18 септември 1642 г. Почти цялата останала кореспонденция, от 1639 г. до смъртта на художника през 1665 г., е паметник на приятелството му с Пол Фриард дьо Шантелу, придворен съветник и кралски метрдотел. Тези писма са написани на френски език и не претендират за висок литературен стил, като са важен източник на ежедневните дейности на Пусен. Кореспонденцията с Дал Поцо е публикувана за първи път през 1754 г. от Джовани Ботари, но в леко преработен вид. Оригиналните писма се пазят на френски национална библиотека. Публикуването на писмата на художника, издадени от Дидо през 1824 г., е наречено "фалшифицирано" от биографа на Пусен Пол Дежарден.

Първите биографии на Пусен са публикувани от неговия римски приятел Джовани Пиетро Белори, който е служил като библиотекар на кралица Кристина от Швеция, и Андре Фелибиен, който се среща с художника в Рим по време на мандата му като секретар на френското посолство (1647 г.), а след това като кралски историограф. Книгата на Белори Vite de "Pittori, Scaltori ed Architetti moderni е посветена на Колбер и е публикувана през 1672 г. Биографията на Пусен съдържа кратки ръкописни бележки за естеството на неговото изкуство, които са запазени в ръкописа в библиотеката на кардинал Масими. Само в средата на 20-ти век стана ясно, че "Забележки върху живописта", тоест така наречените "модуси" на Пусен, не са нищо повече от откъси от антични и ренесансови трактати. Vita di Pussino от книгата на Белори е публикувана на Френскиедва през 1903 г.

Entretiens sur les vies et sur les ouvrages des plus excellent peintres anciens et modernes на Фелибиен е публикуван през 1685 г. Пусен е посветен на 136 страници in-quarto. Според П. Дежарден това е „истинска агиография”. Стойността на това произведение се дава от пет дълги писма, публикувани в състава му, включително едно, адресирано до самия Фелибиен. Тази биография на Пусен е ценна и с това, че съдържа личните спомени на Фелибиен за неговия външен вид, нрави и ежедневни навици. Фелибиен очерта хронологията на творчеството на Пусен, базирайки се на разказите на неговия зет Жан Дюге. Но и Белори, и Фелибиен са апологети на академичния класицизъм. Освен това италианецът се стреми да докаже влиянието на италианската академична школа върху Пусен.

Това е част от статия в Уикипедия, използвана под лиценза CC-BY-SA. Пълен текстстатии тук →

Не всеки може да хване птица на щастието за многоцветна опашка. И, уви, не всеки е предопределен да прослави името си толкова широко, колкото беше възможно за талантлив човек, който имаше само няколко четки, палитра и платно в арсенала си. Никола Пусен- изключителен френски художник и един от бащите-основатели, които стояха в началото на класицизма.

През 1594 г. в Нормандия, близо до град Les Andelys, се ражда момче, което от детството показва невероятни успехи в рисуването. Навършил пълнолетие, Никола заминава за френската столица, за да се отдаде на тежката работа по рисуване. В Париж талантът на младия мъж е забелязан от портретиста Фердинанд Ван Ел, който става първият учител на Пусен. След известно време мястото на учителя е заето от художника Жорж Лалеман. Това запознанство донесе на Никола двойна полза: в допълнение към възможността да усъвършенства уменията си под строгото ръководство на виден ментор, Пусен получи достъп до Лувъра, където копира картини италиански художнициРенесансът.

Дотогава кариерата на младия художник набираше скорост и главата му се въртеше от осъзнаването на какви височини може да се изкачи, ако продължи да работи усилено. Ето защо, за да подобри уменията си, Пусен отиде в Рим - един вид Мека за всички художници от онези години. Тук художникът активно "гриза гранит на науката", изучавайки произведенията и. Фокусиране върху великите предшественици и общуване с съвременни художници, Пусен се занимава активно с антика и се научава да измерва пропорциите на каменни скулптури с фантастична точност.

Художникът вижда източника на своето вдъхновение в поезията, театъра, философските трактати и библейски теми. Именно тази културна база му помогна скрито да демонстрира образа на съвременната си епоха в картините си. Героят на творбите на Никола е идеализиран човек.

В Рим Никола Пусен прославя името си, на авторитетния майстор е поверено рисуването на катедрали, направени са поръчки за платна с класически или исторически теми. Една от тях е картината "Смъртта на Германик", която се основава на работата на историка Тацит. Написана е през 1627 г., художникът изобразява върху нея последните минути от живота на римския командир.

Уникалността на платното се състои в това, че съчетава абсолютно всички характеристики на класицизма, чиято красота за Пусен се отразява в пропорционалността на всяка част, яснотата на композицията и последователността на действията.

След "Смъртта на Германик" и до 1629 г. художникът създава още няколко картини, сред които специално място заема платното "Слизане от кръста".

В картината, която сега е в Ермитажа, Пусен обърна голямо внимание на тъжното лице на Мария, предавайки скръбта на целия народ за починалия Спасител. Зловещ червен фон и тъмно небе са символи на наближаващия час на възмездие за стореното. Но снежнобялата одежда на Исус Христос още по-силно контрастира с пурпурния фон на картината. Нозете на Спасителя били скръбно прегърнати от невинни ангели.

През следващите няколко години майсторът предпочита митологични сюжети. За кратко време е нарисувана картината „Танкред и Ерминия“, която се основава на поемата „Освободеният Йерусалим“ от Торкуато Тасо и картината „Царството на Флората“, написана под влиянието на произведенията на Овидий.

Малко след завършване на работата, по покана на кардинал Ришельо, Никола Пусен се завръща в Париж, за да украси галерията на Лувъра. Година по-късно Луи XIII се интересува от таланта на художника. Скоро той прави Пусен първият художник в двора. Художникът получи желаната слава и поръчките паднаха върху него като от рог на изобилието. Но сладкият вкус на триумфа на Пусен е развален от завистливи клюкари от артистичния елит, които през 1642 г. принуждават Никола да напусне Париж и да се върне обратно в Рим.

Оттогава до края на дните си Пусен живее в Италия. Този период става най-плодотворният за художника и богат на ярки творби, сред които цикълът „Годишните времена” заема специално място.

Сюжетът се основава на събитията, описани в Стария завет, които художникът алегорично сравнява със сезоните, идентифицирайки всеки с периода на раждане, израстване, стареене и смърт. В една творба Пусен показва и планинския пейзаж на Ханаан, известен със своето плодородие, и Авраам и Лот, които събират грозде, като символ на Божествената щедрост. И художникът изобрази края на един грешен живот последна снимкацикъл, чиято поява може да удиви и най-упоритите зрители.

AT последните годиниПусен активно рисува пейзажи и работи бързо, за да има време да завърши началото на картината. Художникът нямаше време да завърши само платното "Аполон и Дафне".

Никола Пусен записва името си наравно със славните майстори, върху чийто опит някога е учил.

Почти всичките му картини са базирани на исторически и митологични сюжети. Майстор на преследваната, ритмична композиция. Един от първите, които оцениха монументалността на местния колорит.

Енциклопедичен YouTube

1 / 1

НИКОЛА ПУСЕН. „Седем тайнства“. библейска история

субтитри

Биография и творчество

Ранни години (1594-1616)

Никола Пусен е роден във фермата на Villers близо до Les Andelys в Нормандия. Баща му Жан произхожда от семейство на нотариус и ветеран от армията на крал Хенри IV; той даде на сина си добро образование. Майка му, Мари дьо Лейсмент, беше вдовица на прокурор от Върнън и вече имаше две дъщери, Рене и Мари. Няма доказателства за детството на художника, само предположението, че е учил при йезуитите в Руан, където е научил латински.

Там, в родината си, Пусен получава и първоначалното си художествено образование: през 1610 г. той учи при Куентин Варен (фр. Quentin Varin; ок. 1570-1634), който по това време работи върху три платна за Анделиската църква на Дева Мария и сега украсява църквата (фр. Collegiale Notre-Dame des Andelys‎) .

Около 1614-1615 г., след пътуване до Поату, той се среща в Париж с Александър Куртоа (Alexandre Courtois), камериер на вдовстващата кралица Мария Медичи, пазител на кралските художествени колекции и библиотека, Пусен получава възможност да посети Лувъра и да копира картини на италиански художници там. Александър Куртоа притежаваше колекция от гравюри от картини на италианците Рафаело и Джулио Романо, които възхитиха Пусен. Веднъж болен, Пусен прекарва известно време с родителите си, преди да се върне отново в Париж.

Флоренция (1617-1618)

В началото на 17 век младите чужденци се стичат в Рим, за да се запознаят с наследството на античността и Ренесанса. Пусен също прави пътуване до Рим, но след като стигна до Флоренция, той беше принуден да се върне във Франция.

Париж и Лион (1618-1623)

През септември 1618 г. Пусен живее в Saint-Germain-l'Auxerrois (фр. rue Saint-Germain-l "Auxerrois) със златаря Жан Гиймен, който също обядва. Той се премества от адреса на 9 юни 1619 г. Около 1619-1620 г. Пусен създава картината „Свети Дени Ареопагитът“ (виж Дионисий Ареопагитът) за парижката църква „Сен Жермен-л'Осероа“.

През 1622 г. Пусен отново тръгва по пътя към Рим, но спира в Лион, за да изпълни поръчка: парижкият йезуитски колеж инструктира Пусен и други художници да напишат шест големи картинивърху сцени от живота на св. Игнатий Лойола и св. Франциск Ксаверий. Картини, изпълнени в техниката a la détrempe, не са оцелели. Творчеството на Пусен привлича вниманието на италианския поет и кавалер Марино, който живее във Франция по покана на Мария Медичи; 1569-1625). .

През 1623 г., вероятно по поръчка на парижкия архиепископ дьо Гонди (на френски Жан-Франсоа дьо Гонди; 1584-1654), Пусен изпълнява La Mort de la Vierge за олтара на катедралата Нотр Дам в Париж. Това платно, което се смяташе за изгубено през 19-20 век, беше открито в църквата на белгийския град Стеребек. Кавалер Марино, с когото Пусен имаше близко приятелство, се завърна в Италия през април 1623 г.

Първи дълъг италиански период (1624-1640)

През 1624 г. вече доста известен художник, Пусен заминава за Рим и с помощта на приятел, кавалер Марино, става член на дворовете на папския племенник кардинал Барберини и папския съветник Марчело Сакети ( Марчело Сакети). През този период Пусен изпълнява рисунки и платна на митологични теми. В Рим кавалерът Марино вдъхновява Пусен с любов към изучаването на италиански поети, чиито произведения предоставят на художника изобилен материал за неговите композиции. Повлиян е от Карачи, Доменичино, Рафаело, Тициан, Микеланджело, изучава трактатите на Леонардо да Винчи и Албрехт Дюрер, скицира и измерва антични статуи, изучава анатомия и математика, което се отразява в картини, главно по теми от древната античност и митология, които дават ненадминати примери за геометрично точна композиция и обмислена корелация на цветови групи.

През 1626 г. Пусен получава първата си поръчка от кардинал Барберини: да нарисува картината „Разрушаването на Йерусалим“ (не е запазена). По-късно той рисува втората версия на тази картина (1636-1638; Виена, Музей за история на изкуствата).

През 1627 г. Пусен рисува Смъртта на Германик въз основа на сюжета на древноримския историк Тацит, който се смята за програмната работа на класицизма; показва сбогуването на легионерите с умиращия командир. Смъртта на герой се възприема като трагедия обществен интерес. Темата е интерпретирана в духа на спокойния и суров героизъм на античния разказ. Идеята на картината е служба на дълга. Художникът подрежда фигури и предмети в плитко пространство, разделяйки го на поредица от планове. В тази работа бяха разкрити основните характеристики на класицизма: яснота на действието, архитектурност, хармония на композицията, противопоставяне на групировките. Идеалът за красота в очите на Пусен се състоеше в пропорционалността на частите на цялото, във външния ред, хармонията, яснотата на композицията, какво ще стане характерни особеностизрял стил на майстора. Една от характеристиките творчески методПусен беше рационализъм, който се отразява не само в сюжетите, но и в обмислеността на композицията. По това време Пусен създава стативни картинипредимно среден размер, но високо гражданско звучене, поставило основите на класицизма в европейската живопис, поетични композиции на литературни и митологични теми, белязани от възвишен ред на образите, емоционалността на интензивен, меко хармонизиран колорит "Вдъхновение на поета" , (Париж, Лувър), "Парнас" , 1630-1635 (Прадо, Мадрид). Ясният композиционен ритъм, преобладаващ в произведенията на Пусен през 30-те години на 16 век, се възприема като отражение на разумен принцип, който придава величие на благородните дела на човек - „Спасяването на Мойсей“ (Лувър, Париж), „Моисей, пречистващ водите на Мера ”, „Мадона, която е Св. Яков Стари” (“Мадона на колона”) (1629 г., Париж, Лувър).

През 1628-1629 г. художникът работи за главния храм католическа църква- Катедралата Свети Петър; му е поръчано да нарисува „Мъките на Св. Еразъм“ за олтара на катедралния параклис с реликвария на светеца.

През 1629-1630 г. Пусен създава забележителното по сила на израза и най-жизнено правдивото "Снемане от кръста" (Санкт Петербург, Ермитаж).

На 1 септември 1630 г. Пусен се жени за Ан-Мари Дюге, сестра на френски готвач, който живее в Рим и се грижи за Пусен по време на болестта му.

В периода 1629-1633 г. темата на картините на Пусен се променя: той рядко рисува картини на религиозни теми, отнасящи се до митологични и литературни предмети: "Нарцис и Ехо" (ок. 1629, Париж, Лувър), "Селена и Ендимион" (Детройт, Институт по изкуства); и цикъл от картини по поемата на Торкуато Тасо „Освободеният Йерусалим“: „Риналдо и Армида“, 1625-1627 г. (Музеят на Пушкин, Москва); „Танкред и Ерминия“, 1630 г. (Държавен Ермитаж, Санкт Петербург).

Пусен обичал ученията на древните стоически философи, които призовавали за смелост и достойнство пред лицето на смъртта. Мисленето за смъртта е заето важно мястов работата си. Идеята за крехкостта на човека и проблемите на живота и смъртта формират основата на ранна версия на картината "Аркадските овчари", около 1629-1630 г. (колекция на херцога на Девъншър, Чатсуърт), към която той се завръща през 50-те (1650 г., Париж, Лувър). Според сюжета на картината жителите на Аркадия, където царуват радост и мир, откриват надгробен камък с надпис: „И аз съм в Аркадия“. Самата смърт е тази, която говори на героите и разрушава ведрото им настроение, принуждавайки ги да мислят за неизбежните бъдещи страдания. Една от жените слага ръка на рамото на съседа си, сякаш се опитва да му помогне да се примири с мисълта за неизбежния край. Но въпреки трагичното съдържание, художникът разказва спокойно за сблъсъка на живота и смъртта. Композицията на картината е проста и логична: героите са групирани в близост до надгробната плоча и свързани чрез движения на ръцете. Фигурите са рисувани с мека и изразителна светлосенка, донякъде напомнят антични скулптури. В живописта на Пусен преобладават античните теми. Той си представя Древна Гърция като идеално красив свят, населен с мъдри и съвършени хора. Дори в драматичните епизоди от древната история той се опита да види триумфа на любовта и върховната справедливост. На платното „Спящата Венера“ (ок. 1630 г., Дрезден, Художествена галерия) богинята на любовта е представена от земна жена, като същевременно остава недостижим идеал. Един от най-добрите работина антична тема "Царството на флората" (1631 г., Дрезден, Галерия със снимки), написана въз основа на поемите на Овидий, поразява с красотата на живописното въплъщение на древни образи. Това е поетична алегория за произхода на цветята, която изобразява героите на древните митове, превърнати в цветя. В картината художникът събра героите от епоса на Овидий "Метаморфози", които след смъртта се превърнаха в цветя (Нарцис, Хиацинт и други). Танцуващата флора е в центъра, а останалите фигури са подредени в кръг, техните пози и жестове са подчинени на един ритъм - благодарение на това цялата композиция е проникната кръгово кръстовище. Мек като цвят и нежен като настроение, пейзажът е написан доста условно и прилича повече на театрална декорация. Връзката на живописта с театрално изкуствое естествено за художника от 17 век - разцвета на театъра. Картината разкрива важна мисъл за майстора: героите, които страдаха и умряха преждевременно на земята, намериха мир и радост в магическата градина на Флора, тоест от смъртта, те се прераждат нов живот, цикълът на природата. Скоро е нарисувана друга версия на тази картина - Триумфът на Флора (1631 г., Париж, Лувър).

През 1632 г. Пусен е избран за член на Академията на Свети Лука.

Няколко години (1636-1642) Пусен работи по поръчка на римския учен и член на Академията dei Lincei Cassiano dal Pozzo, любител на античността и християнската археология; за него художникът рисува поредица от картини за седемте тайнства ( Септември тайнства). Поцо подкрепя френския художник повече от другите като покровител на изкуствата. Някои от картините са включени в колекцията от картини на херцозите на Рътландс.

Завръщане във Франция (1640-1642)

Новият суперинтендант на кралските сгради на Франция, Франсоа Субле дьо Ноайе (на френски François Sublet de Noyers ‎; 1589-1645; на длъжност 1638-1645) се заобикаля с такива специалисти като Пол Флеар дьо Шантелу (на френски Paul Fréart de Chantelou ‎; 1609-1694 ) и Ролан Флеар дьо Шамбре (фр. Roland Fréart de Chambray; 1606-1676), когото той инструктира по всякакъв възможен начин да улесни завръщането на Никола Пусен от Италия в Париж. За Flear de Chantleux художникът изпълни картината "Манна от небето", която по-късно (1661) кралят ще придобие за своята колекция.

Няколко месеца по-късно Пусен все пак приема кралското предложение - „nolens volens“ и пристига в Париж през декември 1640 г. Пусен получава статута на първия кралски художник и съответно общата посока на изграждането на кралски сгради, за силното недоволство на придворния художник Симон Вю.

Веднага след завръщането на Пусен в Париж през декември 1640 г. Луи XIII възлага на Пусен да изобрази Евхаристията в голям мащаб ( L'Institution de l'Eucharistie) за олтара на кралския параклис на двореца Сен Жермен. По същото време, през лятото на 1641 г., Пусен рисува фронтисписа за изданието на Biblia Sacra, където изобразява Бог, засенчващ две фигури: отляво - женски ангел, пишещ в огромен фолио, гледащ към някой невидим, и вдясно - напълно забулена фигура (с изключение на пръстите на краката) с малък египетски сфинкс в ръцете.

От Франсоа Субле дьо Нойер се получава поръчка за картината „Чудото на Св. Франциск Ксавие“ ( Чудото на Свети Франсоа-Ксавие) за послушническите помещения на йезуитския колеж. Христос в това изображение беше критикуван от Саймън Вуе, който каза, че Исус „изглеждаше повече като гърмящ Юпитер, отколкото като милостив Бог“.

Втори италиански период (1642-1665)

През 1642 г. Пусен се завръща в Рим, при своите покровители: кардинал Франческо Барберини и академик Касиано дал Поцо, и живее там до смъртта си. Оттук нататък художникът работи само със средни формати, поръчани от големи любители на изкуството - dal Pozzo, Chantlou ( Фреар дьо Шантелу), Pointeille ( Жан Пойнтел) или Serisier ( По-сериозно) .

Връщайки се в Рим, Пусен завършва работата, поръчана от Касиано дал Поцо върху поредица от картини „Седемте тайнства“, в които той разкрива дълбокия философски смисъл на християнските догми: „Пейзаж с“, „Пейзаж с висок път“, „Присъда на Соломон”, “Аркадски пастири”, вторият автопортрет. Темите на неговите картини от този период са добродетелите и доблестта на владетели, библейски или древни герои. В своите платна той показва съвършени герои, верни на гражданския дълг, безкористни, щедри, като същевременно демонстрира абсолютния универсален идеал за гражданство, патриотизъм и духовно величие. Създавайки идеални образи, основани на реалността, той съзнателно коригира природата, отнемайки красивото от нея и изхвърляйки грозното.

Около 1644 г. той рисува платното „Бебето Моисей, потъпкващо короната на фараона“ ( Moïse enfant foulant aux pieds la couronne de Pharaon), е първият от 23, предназначени за неговия парижки приятел и филантроп Жан Пойнтъл ( Жан Пойнтел). Важно място в творчеството на художника заема библейският Мойсей. За библиофила Жак Огюст дьо Ту ( Жак-Огюст II дьо Ти; 1609-1677), работещ върху Разпятието ( Разпятието), признавайки в кореспонденцията цялата трудност на тази работа, която го доведе до болезнено състояние.

През 1649 г. той създава картината "Моисей, изрязващ вода от скалата" ( Le Frappement du rocher) за приятел и колега художник Jacques Stella .

AT последен периодтворчество (1650-1665) Пусен все повече се обръща към пейзажа, неговите герои са свързани с литературни, митологични сюжети: "Пейзаж с Полифем" (Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин). Но техните фигури на митични герои са малки и почти невидими сред огромните планини, облаци и дървета. Героите на древната митология действат тук като символ на духовността на света. Същата идея е изразена и от композицията на пейзажа – проста, логична, подредена. Пространствените планове са ясно разделени в картините: първият план е равнина, вторият е гигантски дървета, третият е планина, небе или морска повърхност. Разделението на планове беше подчертано и цветово. Така се появява система, наречена по-късно „пейзажна трицветна“: в картината на първия план преобладават жълти и кафяви цветове, във втория - топли и зелени, в третия - студени и преди всичко сини. Но художникът беше убеден, че цветът е само средство за създаване на обем и дълбоко пространство, той не трябва да отвлича вниманието на зрителя от ювелирно точната рисунка и хармонично организираната композиция. В резултат на това се роди образ на идеален свят, устроен според висшите закони на разума. От 1650-те години в творчеството на Пусен се засилва етическият и философски патос. Обръщайки се към сюжетите на древната история, оприличавайки библейските и евангелските герои на героите на класическата античност, художникът постига пълнотата на образното звучене, ясната хармония на цялото („Почивка на полета в Египет“, 1658 г., Ермитаж музей, Санкт Петербург).

В периода 1660-1664 г. създава поредица от пейзажи „Четирите годишни времена” с библейски сцени, символизиращи историята на света и човечеството: „Пролет”, „Лято”, „Есен” и „Зима”. Пейзажите на Пусен са многостранни, редуването на плановете се подчертава от ивици светлина и сянка, илюзията за пространство и дълбочина им придава епична сила и величие. Както в историческите картини, главните герои обикновено са разположени на преден план и се възприемат като неразделна част от пейзажа. Изучавайки пейзажите на Болонската школа по живопис и тези, които са живели в Италия Холандски художници, Пусен създава така наречения "героичен пейзаж", който, подреден според правилата на балансирано разпределение на масите, със своите приятни и величествени форми, му служи като сцена за изобразяване на идиличен златен век. Пейзажите на Пусен са пропити със сериозно, меланхолично настроение. В изобразяването на фигурите той се придържа към антиките, чрез които определя по-нататъшния път, който следва френската школа в живописта след него. Като исторически художник Пусен има дълбоки познания по рисуване и дарба за композиция. В рисунката той се отличава със строга последователност на стила и коректност.

Работата на Пусен за историята на живописта е трудно да се надценява: той е основателят на такъв стил на рисуване като класицизма. Френските художници преди него са били традиционно запознати с изкуството на италианския Ренесанс. Но те бяха вдъхновени от произведенията на майсторите на италианския маниеризъм, барок, каравагизъм. Пусен беше първият френски художниккоито прегърнаха традицията класически стилЛеонардо да Винчи и Рафаел. Обръщайки се към темите на древната митология, древната история, Библията, Пусен разкрива темите на съвременната му епоха. Със своите творби той възпита съвършена личност, показваща и възпяваща примери на висок морал, гражданска доблест. Яснотата, постоянството и подредеността на визуалните техники на Пусен, идеологическата и морална ориентация на неговото изкуство по-късно превръщат работата му в стандарт за Академията за живопис и скулптура на Франция, която се занимава с разработването на естетически норми, формални канони и общо задължителни правила художествено творчество(т.нар. "

Никола Пусен (фр. Nicolas Poussin, 1594, Les Andelys, Нормандия - 19 ноември 1665, Рим) е френски художник, който стои в началото на живописта на класицизма. Дълго време живее и работи в Рим. Почти всичките му картини са базирани на исторически и митологични сюжети. Майстор на преследваната, ритмична композиция. Един от първите, които оцениха монументалността на местния колорит.

БИОГРАФИЯ НА ХУДОЖНИКА

Никола Пусен е роден през 1594 г. в град Лез Андели в Нормандия. Още в младостта си той получава добро общо образование и в същото време започва да учи рисуване. На 18-годишна възраст заминава за Париж, където продължава обучението си под ръководството на известния по това време портретист Ван Ел, а след това и при други майстори. Те му помогнаха много да усъвършенства техниката си - посещението на Лувъра, където той копира картините на италианците от Ренесанса.

През този период Пусен получава известно признание. За да усъвършенства уменията си, той отива в Рим, който по това време е Мека за художници от всички страни. Тук той продължи да усъвършенства знанията си, изучавайки трактати и изучавайки подробно и измервайки пропорциите антични скулптуричрез взаимодействие с други артисти. През този период творчеството му придобива чертите на класицизма, за един от стълбовете на който все още се смята Никола Пусен.

Художникът черпи вдъхновение от работата на класическия и съвременни поети, в театрални представления, във философски трактати, в библейски теми. Но дори каноничните сюжети му позволиха да изобрази реалността около себе си, изпълвайки платната с безупречно изпълнени характерни изображения, пейзажи и планове. Умението и вече установеният му собствен стил донасят признание на художника в Рим, той е канен да рисува катедрали, поръчва платна за класически и исторически сюжети. Именно към този период принадлежи програмното платно „Смъртта на Германик“, което обединява всички черти, присъщи на европейския класицизъм.

През 1639 г., по покана на кардинал Ришельо, Пусен отново идва в Париж, за да украси галерия Лувър. Година по-късно Луи XIII, впечатлен от таланта на художника, го назначава за свой първи художник. Пусен е признат в двора, те започват да се надпреварват с него да поръчват картини за техните замъци и галерии.

Но интригите на завистливия местен артистичен елит го принуждават отново да напусне Париж през 1642 г. и да отиде в Рим. Тук той живее до края на дните си и последните години от живота му, разбира се, се превръщат в най-плодотворния етап в творчеството на егото. По това време Пусен започва да обръща повече внимание на образа на заобикалящата природа, прекарвайки много време в рисуване от природата. Несъмнено едно от най-добрите въплъщения на тази тенденция в творчеството му е цикълът "Годишните времена", завършен малко преди смъртта му.

Подобно на други картини на художника, тези платна хармонично съчетават натурализма и идеализма, които през целия творчески живот на Никола Пусен не напускат творбите му.

Художникът умира през есента на 1665 г. в Рим.

СЪЗДАВАНЕ

Творчеството на Пусен за историята на живописта е трудно да се надцени.

Той е основателят на такъв стил в живописта като класицизма.

Френските художници преди него са били традиционно запознати с изкуството Италиански ренесанс. Но те бяха вдъхновени от произведенията на майсторите на италианския маниеризъм, барок, каравагизъм. Пусен е първият френски художник, който възприема традицията на класическия стил и. Обръщайки се към темите на древната митология, древната история, Библията, Пусен разкрива темите на съвременната му епоха. Със своите творби той възпита съвършена личност, показваща и възпяваща примери на висок морал, гражданска доблест. Яснотата, постоянството и подредеността на визуалните техники на Пусен, идеологическата и морална насоченост на неговото изкуство по-късно превръщат работата му в стандарт за Френската академия по живопис и скулптура, която се заема с разработването на естетически норми, формални канони и задължителни правила на художественото творчество (т.нар. "академизъм").

Мисията на Пусен измина дълъг път.

Още в една от ранните си картини, Смъртта на Германик (1626-1628, Минеаполис, Институт по изкуствата), той се обръща към техниките на класицизма и предвижда много от неговите по-късни работив района на историческа живопис. Германик - смел и доблестен командир, надеждата на римляните - е отровен по заповед на подозрителния и завистлив император Тиберий. Картината изобразява Германик на смъртния му одър, заобиколен от семейството си и верни воини. Но не лична скръб, а граждански патос - служене на родината и дълг - е преносен смисълтова платно. Германик, който умира, полага клетва за вярност и отмъщение от римските легионери, сурови, силни и изпълнени с достойнство хора. Всички актьори са разположени като релеф.

След като пое по пътя на класицизма, Пусен понякога излизаше извън неговите граници. Неговите картини от 1620-те години „Клането на невинните“ (Шантили, Музей Конде) и „Мъченичеството на Свети Еразъм“ (1628-1629, Ватикана, Пинакотека) са близки до каравагизма и барока в тяхната преувеличено драматична интерпретация на ситуацията и образите, лишени от идеалност. Напрежението на изражението на лицето и бързината на движението се отличават с изразителното „Слизане от кръста“ в Ермитажа (ок. 1630) и „Оплакването“ в Мюнхенската пинакотека (ок. 1627). В същото време изграждането на двете картини, в които пластически осезаеми фигури са включени в общия ритъм на композицията, е безупречно. Цветовата схема е подчинена на добре обмислено съотношение на цветни петна. Мюнхенското платно е доминирано от различни нюансисиво, с което изящно контрастират синьо-сини и ярко червени тонове.

Пусен рядко изобразява страданията на Христос. По-голямата част от творбите му са свързани с библейски, митологични и литературни сюжети.

Античната тема на ранните му творби, в която е засегната страстта към цвета, утвърждава светлата радост от живота.

Фигурите на мургави сатири, очарователни нимфи, весели купидони са изпълнени с онова меко и плавно движение, което майсторът нарича "език на тялото". Картината „Царството на флората“ (1631, Дрезден, Художествена галерия), вдъхновена от мотивите на „Метаморфозите“ на Овидий, изобразява героите от древните митове, които след смъртта си дават живот на различни цветя, украсяващи ароматното царство на богинята Флора. Смъртта на хвърлящия се с меча Аякс, гибелта на смъртно ранените Адонис и Хиацинт, страданието на влюбените Смила и Крокон не помрачават царящото ликуващо настроение. Кръвта, изтичаща от главата на Хиацинт, се превръща в падащи листенца от прекрасни сини цветя, червен карамфил израства от кръвта на Аякс, Нарцис се възхищава на отражението си във ваза с вода, държана от нимфата Ехо.

Като пъстър жив венец героите от картината обгръщат танцуващата богиня. Платното на Пусен въплъщава идеята за безсмъртието на природата, което дава на живота вечно обновяване.

Този живот носи на героите смеещата се богиня Флора, обсипвайки ги с бели цветя, и сияйната светлина на бог Хелиос, който прави огнения си бяг в златни облаци.

Темата за живота и смъртта преминава през цялото творчество на Пусен.

В царството на Флората тя придобива характер на поетична алегория, в „Смъртта на Германик“ се свързва с етични, героични проблеми. В картините от 1640-те и по-късно тази тема е наситена с философска дълбочина. Митът за Аркадия, страна на безметежно щастие, често е въплъщаван в изкуството. Но Пусен изрази в този идиличен сюжет идеята за преходността на живота и неизбежността на смъртта. Художникът изобразява овчари, които неочаквано откриват гробница с надпис „И аз бях в Аркадия ...“ - напомняне за крехкостта на живота, за идващия край. В ранната версия (1628-1629, Чатсуърт, среща на херцозите на Девъншир), по-емоционална, наситена с движение и драматизъм, объркването на младите овчари е силно изразено, които сякаш се изправят пред смъртта, нахлула в техния светъл свят.

Образът на природата като олицетворение на висшата хармония на битието преминава през цялото творчество на Пусен. Разхождайки се в околностите на Рим, той изучава пейзажите на римската Кампаня с обичайната си любознателност. Неговите живи впечатления са предадени в прекрасни пейзажни рисунки от природата, изпълнени със свежест на възприятията и тънък лиризъм. Живописните пейзажи на Пусен са лишени от това усещане за непосредственост, идеалното начало е по-силно изразено в тях.

Пейзажите на Пусен са пропити с усещане за величието и величието на света.

Натрупани скали, буйни дървета, кристално чисти езера, прохладни извори, течащи сред камъни и сенчести храсти, са съчетани в пластично цялостна, цялостна композиция, основана на редуването на пространствени планове, всеки от които е разположен успоредно на равнината на платното. Сдържаната гама от цветове обикновено се основава на комбинация от студени сини и синкави тонове на небето, водата и топли кафеникави тонове на почвата и скалите.

Произведенията на Пусен, наситени с дълбока мисъл, завладяват преди всичко с жизнената пълнота на образите. Привличаше го красотата човешки чувства, размисли за съдбата на човека, темата за поетичното творчество. Особено важносттъй като философската и художествена концепция на Пусен имаше темата за природата като най-висше въплъщение на разумна и естествена хармония.

Ако откриете неточности или искате да допълните тази статия, моля, изпратете ни информация на имейл адреса [имейл защитен]сайт, ние и нашите читатели ще ви бъдем много благодарни.

В малко по-различен план се развива класицизма, чийто основател и основен представител е най-големият френски художник от 17 век. Никола Пусен.

Художествената теория на живописта на класицизма, основана на заключенията на италианските теоретици и изявленията на Пусен, които през втората половина на 17 век се превърнаха в последователна доктрина, идеологически има много общо с теорията на класическата литература и драматургия. Той също така подчертава обществено начало, тържеството на разума над чувството, значението на античното изкуство като безспорен образец. Според Пусен едно произведение на изкуството трябва да напомня на човека „за съзерцанието на добродетелта и мъдростта, с помощта на които той ще успее да остане твърд и непоклатим пред ударите на съдбата“.

В съответствие с тези задачи е разработена система от художествени средства, използвани в изобразителното изкуство на класицизма, и стриктно регулиране на жанровете. Водещ жанр е така наречената историческа живопис, която включва композиции на исторически, митологични и библейски сюжети. Стъпка по-долу имаше портрет и пейзаж. битов жанри натюрмортът в живописта на класицизма практически липсваше.

Но на Пусен по-малка степенотколкото френските драматурзи, привлечени от формулирането на проблемите на социалното съществуване на човек, към темата за гражданския дълг. В по-голяма степен той беше привлечен от красотата на човешките чувства, размисли за съдбата на човек, за отношението му към света около него, темата за поетичното творчество. Особено забележително е значението на темата за природата за философската и художествена концепция на Пусен. Природата, която Пусен възприема като най-висшето въплъщение на рационалността и красотата, е жизнената среда за неговите герои, арена на тяхното действие, важен, често доминиращ компонент във фигуративното съдържание на картината.

За Пусен античното изкуство е най-малко сбор от канонични техники. Пусен улови главното в античното изкуство - неговия дух, неговото жизненоважна основа, органичното единство на високо художествено обобщение и усещане за пълнота на битието, образна яркост и голямо социално съдържание.

Творчеството на Пусен пада върху първата половина на века, белязана от възхода на обществения и художествен живот във Франция и активната социална борба. Оттук и общата прогресивна насоченост на неговото изкуство, богатството на неговото съдържание. Друга ситуация се развива през последните десетилетия на 17 век, по време на най-голямото засилване на абсолютисткото потисничество и потискането на прогресивните явления на социалната мисъл, когато централизацията се разпростира върху художници, обединени в Кралската академия и принудени да служат с изкуството си възхвала на монархията. При тези условия тяхното изкуство губи своето дълбоко социално съдържание и на преден план излизат слабите, ограничени черти на класическия метод.

И художниците на класицизма и „художници реалния свят„Напредналите идеи на епохата бяха близки - висока представа за достойнството на човека, желанието за етична оценка на неговите действия и ясно възприемане на света, изчистено от всичко случайно. Поради това и двете посоки в живописта, въпреки различията помежду си, бяха в тясна връзка помежду си.

Пусен е роден през 1594 г. близо до град Андели в Нормандия в бедно семейство на военен. Много малко се знае за младежките години на Пусен и ранното му творчество. Може би първият му учител е странстващият художник Кантен Варен, който посещава Андели през тези години, срещата с когото е от решаващо значение за определяне на артистичното призвание на младия човек. Следвайки Варен, Пусен тайно напуска родния си град и заминава за Париж. Това пътуване обаче не му носи късмет. Само година по-късно той отново влиза в столицата и прекарва няколко години там. Още в младостта си Пусен разкрива голямо чувство за цел и неуморна жажда за знание. Учи математика, анатомия, антична литература, запознава се с гравюрите от произведенията на Рафаело и Джулио Романе.

В Париж Пусен среща модния италиански поет Кавалер Марино и илюстрира поемата му Адонис. Тези илюстрации, които са оцелели до днес, са единствените надеждни произведения на Пусен от неговия ранен парижки период. През 1624 г. художникът заминава за Италия и се установява в Рим. Въпреки че Пусен е предопределен да живее почти целия си живот в Италия, той страстно обича родината си и е тясно свързан с традициите Френска култура. Той беше чужд на кариеризма и не беше склонен да търси лесен успех. Животът му в Рим е посветен на упорита и систематична работа. Пусен скицира и измерва антични статуи, продължава изучаването на науката, литературата, изучава трактатите на Алберти, Леонардо да Винчи и Дюрер. Той илюстрира един от списъците на трактата на Леонардо; В момента този най-ценен ръкопис се намира в Ермитажа.

Творческите търсения на Пусен през 1620-те години. бяха много трудни. Майсторът измина дълъг път, за да създаде своя художествен метод. древно изкуствоа художниците от Ренесанса са за него най-висши модели. Сред съвременните болонски майстори той цени най-строгия от тях - Доменикино. Имайки отрицателно отношение към Караваджо, Пусен все пак не остава безразличен към неговото изкуство.

През 1620-те Пусен, след като вече е тръгнал по пътя на класицизма, често рязко го надхвърля. Негови картини като Клането на невинните (Шантили), Мъченичеството на Св. Еразъм ”(1628 г., Ватиканската пинакотека), белязана от черти на близост до каравагизма и барока, добре познати намалени изображения, преувеличено драматично тълкуване на ситуацията. Слизането от кръста в Ермитажа (около 1630 г.) е необичайно за Пусен с повишената си експресия в предаването на чувство на сърцераздирателна скръб. Драматизмът на ситуацията тук се засилва от емоционалната интерпретация на пейзажа: действието се развива на фона на буреносно небе с отблясъци на червена, зловеща зора. Различен подход характеризира творбите му, изпълнени в духа на класицизма.

Култът към разума е едно от основните качества на класицизма и следователно никой от великите майстори на 17 век. рационалното начало не играе толкова съществена роля, както при Пусен. Самият майстор каза, че възприемането на едно произведение на изкуството изисква концентрирано обмисляне и упорита работа на мисълта. Рационализмът се отразява не само в целенасоченото придържане на Пусен към етичния и художествен идеал, но и в създадената от него визуална система. Той изгради теория за т. нар. режими, която се опита да следва в работата си. Под модус Пусен има предвид вид фигуративен ключ, сбор от устройства с фигуративно-емоционални характеристики и композиционно-изобразителни решения, които най-много съответстват на изразяването на определена тема. На тези режими Пусен дава имена, идващи от гръцките имена на различни режими музикален ред. Така например темата за морален подвиг е въплътена от художника в строги сурови форми, обединени от Пусен в концепцията за "дорийски режим", темите от драматичен характер - в съответните форми на "фригийския режим" , радостни и идилични теми - под формата на "йонийски" и "лидийски" модуси. Силната страна на произведенията на Пусен са ясно изразената идея, ясната логика и високата степен на завършеност на идеята, постигната в резултат на тези художествени техники. Но в същото време подчиняването на изкуството на определени стабилни норми, въвеждането на рационалистични елементи в него също беше голяма опасност, тъй като това можеше да доведе до преобладаването на непоклатимата догма, умъртвяването на живия творчески процес. Точно до това стигнаха всички академици, следвайки само външните методи на Пусен. Впоследствие тази опасност възниква и пред самия Пусен.

Пусен. Смъртта на Германик. 1626-1627 Институт по изкуствата в Минеаполис.

Един от характерните примери за идейно-художествената програма на класицизма е композицията на Пусен „Смъртта на Германик“ (1626/27; Минеаполис, Институт по изкуствата). Тук е показателен самият избор на героя - смел и благороден командир, крепост на най-добрите надежди на римляните, който е отровен по заповед на мнителния и завистлив император Тиберий. Картината изобразява Германик на смъртния му одър, заобиколен от семейството си и отдадените му воини, обхванат от общо чувство на вълнение и скръб.

Много плодотворна за творчеството на Пусен е страстта към изкуството на Тициан през втората половина на 1620-те години. Обръщението към традицията на Тициан допринесе за разкриването на най-важните аспекти на таланта на Пусен. Голяма е и ролята на колоризма на Тициан в развитието на живописния талант на Пусен.

Пусен. Царство Флора. Фрагмент. ДОБРЕ. 1635 Дрезден, Художествена галерия.

В неговата московска картина "Риналдо и Армида" (1625-1627), чийто сюжет е взет от поемата на Тасо "Освободеният Йерусалим", епизод от легендата за средновековното рицарство е интерпретиран по-скоро като мотив от античната митология. Магьосницата Армида, след като намери спящия рицар кръстоносец Риналдо, го отвежда в магическите си градини, а конете на Армида, влачещи колесницата си през облаците и едва задържани от красиви момичета, приличат на конете на бога на слънцето Хелиос (този мотив по-късно често се среща в картините на Пусен). Моралната висота на човек се определя за Пусен от съответствието на неговите чувства и действия с разумните закони на природата. Затова идеалът на Пусен е мъж, живеещ сам щастлив животс природата. Художникът посвети такива платна от 1620-1630-те години на тази тема, като Аполон и Дафне (Мюнхен, Пинакотека), Вакханалия в Лувъра и Лондонската национална галерия, Кралството на флората (Дрезден, Галерия). Той възкресява света на древните митове, където мургави сатири, стройни нимфи ​​и весели купидони са изобразени в единство с красивата и радостна природа. Никога по-късно в творчеството на Пусен не се появяват толкова спокойни сцени, толкова прекрасни женски образи.

Изграждането на картини, където пластично осезаеми фигури са включени в общия ритъм на композицията, има яснота и завършеност. Винаги ясно установеното движение на фигурите е особено изразително, това, според Пусен, „език на тялото“. Цветовата гама, често наситена и богата, също се подчинява на добре обмислено ритмично съотношение на цветни петна.

През 1620г създава един от най-завладяващите образи на Пусен - дрезденската "Спящата Венера". Мотивът на тази картина - образът на богинята, потопена в сън, заобиколен от красив пейзаж - се връща към примерите на венецианския Ренесанс. В този случай обаче художникът е взел от майсторите на Ренесанса не идеалността на образите, а другото им съществено качество - огромна жизненост. В картината на Пусен самият образ на богинята, младо момиче с порозовяло от съня лице, със стройна, изящна фигура, е изпълнен с такава естественост и някаква особена интимност на усещането, че този образ сякаш е грабнат направо от живота . За разлика от спокойния мир на спящата богиня, гръмотевичното напрежение се усеща още по-силно. горещ ден. В Дрезденското платно, по-ясно от където и да било другаде, връзката между Пусен и колоризма на Тициан е осезаема. В сравнение с общия кафеникав, наситен тъмнозлатист тон на картината, нюансите на голото тяло на богинята се открояват особено красиво.

Пусен. Танкред и Ерминия. 1630-те Ленинград, Ермитаж.

Ермитажната картина Танкред и Ерминия (1630-те) е посветена на драматичната тема за любовта на амазонката Ерминия към рицаря-кръстоносец Танкред. Сюжетът му също е взет от поемата на Тасо. AT пустинна зона, върху камениста земя, Танкред, ранен в двубой, е изпънат. С грижовна нежност той е подкрепян от своя верен приятел Вафрин. Ерминия, току-що слязла от коня, се втурва към любимия си и с бърз замах на искрящ меч отрязва кичур от русата й коса, за да превърже раните му. Лицето й, погледът й, прикован в Танкред, бързите движения на стройната й фигура са вдъхновени от голямо вътрешно чувство. Емоционалната приповдигнатост на образа на героинята се подчертава от цветовата гама на нейните дрехи, където контрастите на стоманеносивите и наситено сини тонове звучат с повишена сила, а общото драматично настроение на картината намира своето ехо в пейзажа, изпълнен с пламтящият блясък на вечерната зора. Бронята на Танкред и мечът на Ерминия отразяват в своите отражения цялото това богатство от цветове.

По-нататък емоционален моментв творчеството на Пусен се оказва по-свързано с организиращия принцип на ума. В произведенията от средата на 1630-те. художникът постига хармоничен баланс между разум и чувство. Водеща стойностпридобива образа на героичен, съвършен човек като въплъщение на морално величие и духовна сила.

Пример за дълбоко философско разкриване на темата в творчеството на Пусен се дава от две версии на композицията „Аркадските овчари“ (между 1632 и 1635 г., Чесуърт, колекция на херцога на Девъншир, вижте илюстрации и 1650 г., Лувър) . Митът за Аркадия, страна на безметежно щастие, често е въплъщаван в изкуството. Но Пусен в този идиличен сюжет изрази дълбока идея за преходността на живота и неизбежността на смъртта. Той си представи пастирите, които внезапно видяха гробница с надпис "И аз бях в Аркадия ...". В момента, когато човек е изпълнен с чувство на безоблачно щастие, той сякаш чува гласа на смъртта - напомняне за крехкостта на живота, за неизбежния край.

Пусен. Аркадски овчари. Между 1632 и 1635г Часуърт, колекция на херцога на Девъншър.

В първата, по-емоционална и драматична лондонска версия, объркването на овчарите е по-силно изразено, сякаш внезапно изправени пред смъртта, нахлула в светлия им свят. Във втората, много по-късна версия на Лувъра, лицата на героите дори не са замъглени, те остават спокойни, възприемайки смъртта като естествен модел. Тази идея е въплътена с особена дълбочина в образа на красива млада жена, на чиято външност художникът придава черти на стоическа мъдрост.

Пусен. Вдъхновението на поета. Между 1635 и 1638г Париж, Лувър.

Картината на Лувъра "Вдъхновение на поет" е пример за това как една абстрактна идея е въплътена от Пусен в дълбоки, силни образи. По същество сюжетът на това произведение сякаш граничи с алегория: виждаме млад поет, увенчан с венец в присъствието на Аполон и Музата - но най-малкото в тази картина е алегоричната сухота и пресилено. Идеята за картина - раждането на красотата в изкуството, нейният триумф - се възприема не като абстрактна, а като конкретна, фигуративна идея. За разлика от често срещаните през 17 век. алегорични композиции, образите на които са обединени външно и реторично, картината на Лувъра се характеризира с вътрешно обединяване на образи чрез обща система от чувства, идеята за възвишената красота на творчеството. Образът на красивата муза в картината на Пусен напомня за най-поетичните женски образи в изкуството на класическа Гърция.

Композиционната структура на картината е по свой начин образцова за класицизма. Отличава се с голяма простота: фигурата на Аполон е поставена в центъра, фигурите на музата и поета са разположени симетрично от двете му страни. Но в това решение няма ни най-малка сухота и изкуственост; леки фино открити премествания, завои, движения на фигури, избутано дърво, летящ купидон - всички тези техники, без да лишават композицията от яснота и баланс, внасят в нея онова усещане за живот, което отличава тази работа от конвенционалните схематични творения на академици, подражаващи на Пусен.

В процеса на формиране на художествено-композиционната концепция на картините на Пусен голямо значениеимаше неговите прекрасни рисунки. Тези скици със сепия, направени с изключителна широта и смелост, базирани на съпоставяне на петна от светлина и сянка, играят подготвителна роля за превръщането на идеята на творбата в завършена живописна цялост. Живи и динамични, те сякаш отразяват цялото богатство на творческото въображение на художника в търсенето на композиционен ритъм и емоционален ключ, съответстващи на идейния замисъл.

Пусен. вакханалия. Снимка. Италиански молив, бистр. 1630-1640-те години Париж, Лувър.

През следващите години хармоничното единство на най-добрите произведения от 1630-те. постепенно се губи. В живописта на Пусен се засилват чертите на абстрактността и рационалността. Назряващата криза на творчеството рязко се засилва по време на пътуването му до Франция.

Славата на Пусен достига френския двор. След като получи покана да се върне във Франция, Пусен по всякакъв начин забавя пътуването. Само едно хладно императивно лично писмо от крал Луи XIII го кара да се подчини. През есента на 1640 г. Пусен заминава за Париж. Едно пътуване до Франция носи на художника много горчиво разочарование. Изкуството му среща яростна съпротива от страна на представителите на декоративното бароково течение, начело със Симон Вуе, който работи в двора. Мрежа от мръсни интриги и изобличения на „тези животни” (както ги нарича художникът в писмата си) оплита Пусен, човек с безупречна репутация. Цялата атмосфера на придворния живот му вдъхва мрачно отвращение. Художникът, според него, трябва да се измъкне от примката, която е сложил на врата си, за да се занимава отново с истинско изкуство в тишината на ателието си, защото „ако остана в тази страна“, пише той, „аз ще трябва да се превърна в мръсен като другите, които са тук." Кралският двор не успява да привлече голям художник. През есента на 1642 г., под претекст за болестта на жена си, Пусен заминава за Италия, този път завинаги.

Работата на Пусен през 1640-те белязана от дълбока криза. Тази криза се обяснява не толкова с посочените факти от биографията на художника, колкото преди всичко с вътрешната непоследователност на самия класицизъм. Тогавашната жизнена действителност далеч не отговаряше на идеалите за рационалност и гражданска добродетел. Позитивната етическа програма на класицизма започва да губи позиции.

Работейки в Париж, Пусен не може напълно да изостави задачите, възложени му като придворен художник. Произведенията от парижкия период са със студен, официален характер, те осезаемо изразяват чертите на бароковото изкуство, насочено към постигане на външен ефект („Времето спасява истината от завистта и раздора“, 1642 г., Лил, музей; „Чудото на Св. Франциск Ксавие”, 1642 г., Лувър). Именно този вид работа впоследствие се възприема като модел от художниците от академичния лагер, начело с Чарлз Льо Брун.

Но дори и в онези произведения, в които майсторът стриктно се придържаше към класическата художествена доктрина, той вече не достигна предишната дълбочина и жизненост на образите. Рационализмът, нормативността, преобладаването на абстрактната идея над чувството и стремежът към идеалност, характерни за тази система, получават у него едностранчив преувеличен израз. Пример за това е Музеят за изящни изкуства „Щедростта на Сципион“. А. С. Пушкин (1643). Изобразявайки римския командир Сципион Африкански, който се отказва от правата си върху пленената картагенска принцеса и я връща на годеника й, художникът прославя добродетелта на мъдрия командир. Но в този случай темата за тържеството на нравствения дълг е получила студено, реторично превъплъщение, образите са загубили своята жизненост и одухотвореност, жестовете са условни, дълбочината на мисълта е заменена с пресилено. Фигурите изглеждат замръзнали, колоритът е пъстър, с преобладаване на студени местни цветове, стилът на рисуване се отличава с неприятна гладкост. Подобни характеристики се характеризират с тези, създадени през 1644-1648 г. картини от втория цикъл на Седемте тайнства.

Кризата на класическия метод засегна основно сюжетни композицииПусен. Още от края на 1640 г. най-високите постижения на художника се проявяват в други жанрове - в портрета и в пейзажа.

Пусен. Автопортрет. Фрагмент. 1650 Париж, Лувър

До 1650 г. един от най- значими произведенияПусен – прочутият му автопортрет от Лувъра. Художникът за Пусен е преди всичко мислител. В епоха, когато чертите на външната представителност бяха подчертани в портрета, когато значимостта на образа се определяше от социалната дистанция, отделяща модела от обикновените смъртни, Пусен вижда стойността на човека в силата на неговия интелект, в творческия мощност. И в автопортрет художникът запазва строга яснота композиционно изгражданеи яснота на линейни и обемни решения. Дълбочината на идеологическото съдържание и забележителната пълнота на "Автопортрет" на Пусен значително надхвърля произведенията на френските портретисти и принадлежи на най-добрите портретиЕвропейското изкуство от 17 век.

Очарованието на Пусен от пейзажа е свързано с промяна. мирогледа му. Несъмнено Пусен е загубил тази интегрална идея за човек, която е характерна за неговите произведения от 1620-1630-те години. Опитите за въплъщение на тази идея в сюжетните композиции от 1640-те. доведе до провал. Образната система на Пусен от края на 1640-те. изградени на различни принципи. В творбите от това време фокусът на вниманието на художника е образът на природата. За Пусен природата е олицетворение на висшата хармония на битието. Човекът е загубил господстващото си положение в него. Той се възприема само като едно от многото творения на природата, на чиито закони е принуден да се подчинява.

Живописните пейзажи на Пусен нямат същото чувство за непосредственост, което е присъщо на неговите рисунки. В неговите картини идеалното, обобщаващо начало е по-силно изразено и природата се явява в тях като носител на съвършена красота и величие. Наситени с голямо идейно и емоционално съдържание, пейзажите на Пусен принадлежат към най-високите постижения на живописта на 17 век. така нареченият героичен пейзаж.