Čini se da je savremena japanska umjetnička scena potpuno globalizirana. Umjetnici se kreću između Tokija i New Yorka, gotovo svi su dobili evropsko ili američko obrazovanje, a o svom radu govore na međunarodnom umjetničkom engleskom. Međutim, ova slika je daleko od potpune.

Nacionalni oblici i trendovi pokazuju se kao jedna od najtraženijih roba koju Japan može ponuditi svjetskom tržištu umjetničkih ideja i djela.

Operacija aviona. Kako superflat pokret kombinuje američku geek kulturu i tradicionalno japansko slikarstvo

Takashi Murakami. "Tang Tang Bo"

Ako u zapadnom svijetu za gotovo sve (osim možda najvatrenijih teoretičara postmoderne) granica između visoke i masovne kulture i dalje ostaje relevantna, iako problematična, onda su u Japanu ti svjetovi potpuno pomiješani.

Primjer za to je Takashi Murakami, koji uspješno kombinira izložbe u najboljim svjetskim galerijama i streaming produkciju.

Snimak obilaska Murakamijeve izložbe “Biće nježne kiše”

Međutim, Murakamijev odnos s popularnom kulturom - a za Japan je to prvenstveno kultura obožavatelja mange i animea (otaku) - je složeniji. Filozof Hiroki Azuma kritikuje shvatanje otakua kao autentičnog japanskog fenomena. Otaku sebe smatraju direktno povezanim s tradicijom Edo perioda 17.–19. stoljeća - ere izolacionizma i odbijanja modernizacije. Azuma tvrdi da je otaku pokret – vezan za mangu, animaciju, grafičke romane, kompjuterske igre – mogao nastati samo u kontekstu poslijeratne američke okupacije kao rezultat uvoza američke kulture. Umjetnost Murakamija i njegovih sljedbenika iznova izmišlja otaku koristeći metode pop arta i razotkriva nacionalistički mit o autentičnosti ove tradicije. Predstavlja “reamerikanizaciju japanske američke kulture”.

Sa umjetničke istorijske tačke gledišta, superflat je najbliži ranom japanskom ukiyo-e slikarstvu. Najpoznatije djelo u ovoj tradiciji je grafika Veliki talas od Kanagave Katsushike Hokusaija (1823–1831).

Za zapadni modernizam otkriće japanskog slikarstva predstavljalo je proboj. To nam je omogućilo da sliku vidimo kao ravan i nastojimo da ne prevaziđemo ovu njenu osobinu, već da radimo s njom.

Katsushiki Hokusai. "Veliki talas kod Kanagave"

Pioniri performansa. Šta danas znači japanska umjetnost 1950-ih

Dokumentiranje kreativnog procesa Akire Kanayame i Kazuo Shiraga

Superflat se oblikovao tek 2000-ih. Ali umjetnički događaji koji su bili značajni za svjetsku umjetnost počeli su u Japanu mnogo ranije - pa čak i ranije nego na Zapadu.

Performativni zaokret u umjetnosti dogodio se na prijelazu iz 60-ih u 70-e godine prošlog stoljeća. U Japanu se umjetnost performansa pojavila pedesetih godina.

Gutai Grupa je po prvi put prebacila fokus sa stvaranja samodovoljnih objekata na proces njihove proizvodnje. Odavde je jedan korak od napuštanja umjetničkog objekta u korist efemernog događaja.

Iako su pojedini umjetnici iz Gutaija (ukupno ih je bilo 59 preko dvadeset godina) aktivno postojali u međunarodnom kontekstu, razumijevanje japanske poslijeratne umjetnosti kao kolektivne djelatnosti općenito počelo je na Zapadu tek nedavno. Procvat je došao 2013.: nekoliko izložbi u malim galerijama u Njujorku i Los Anđelesu, „Tokio 1955–1970: Nova avangarda” u MoMA i velika istorijska retrospektiva „Gutai: Splendid Playground” u Gugenhajm muzeju. Čini se da je uvoz japanske umjetnosti u Moskvu gotovo zakašnjeli nastavak ovog trenda.

Sadamasa Motonaga. Rad (Voda) u Guggenheim muzeju

Nevjerovatno je kako savremeno izgledaju ove retrospektivne izložbe. Na primjer, središnji predmet izložbe u Guggenheim muzeju je rekonstrukcija Rada (Voda) Sadamase Motonage, u kojoj su nivoi muzejske rotonde povezani polietilenskim cijevima s vodom u boji. Oni podsjećaju na poteze kista koji su otkinuti s platna i predstavljaju primjer Gutaijevog centralnog fokusa na "konkretnost" (kako naziv benda prevodi sa japanskog), materijalnost objekata sa kojima umjetnik radi.

Mnogi učesnici Gutaija stekli su obrazovanje vezano za klasično nihonga slikarstvo, mnogi su biografski vezani za religijski kontekst zen budizma, za njegovu karakterističnu japansku kaligrafiju. Svi su pronašli novi, proceduralni ili participativni pristup drevnim tradicijama. Kazuo Shiraga je snimio video zapise na kojima je slikao svoje monohrome, iščekujući Rauschenberga, nogama, a čak je i stvarao slike u javnosti.

Minoru Yoshida je transformirao cvijeće iz japanskih grafika u psihodelične objekte - primjer za to je Biseksualni cvijet, jedna od prvih kinetičkih (pokretnih) skulptura na svijetu.

O političkom značaju ovih radova govore kustosi izložbe u Gugenhajm muzeju:

„Gutai je demonstrirao važnost slobodne individualne akcije, subverzije očekivanja gledalaca, pa čak i gluposti kao načina da se suprotstavi društvenoj pasivnosti i konformizmu koji su, tokom nekoliko decenija, omogućili militarističkoj vladi da stekne kritičnu masu uticaja, napadne Kinu i zatim se pridružite Drugom svjetskom ratu.”

Dobro i mudro. Zašto su umjetnici 1960-ih napustili Japan u Ameriku?

Gutai je bio izuzetak od pravila u poslijeratnom Japanu. Avangardne grupe ostale su marginalne, svijet umjetnosti bio je strogo hijerarhijski. Glavni put do priznanja bilo je učešće na takmičenjima priznatih udruženja klasičnih umjetnika. Stoga su mnogi radije otišli na Zapad i integrirali se u umjetnički sistem na engleskom jeziku.

Posebno je teško bilo ženama. Čak iu progresivnom Gutaiju udio njihovog prisustva nije dostigao ni petinu. Šta možemo reći o tradicionalnim institucijama, za pristup kojima je bilo potrebno posebno obrazovanje. Do šezdesetih godina, djevojke su već stekle pravo na to, ali obuka za umjetnost (ako ne govorimo o dekorativnoj umjetnosti koja je bila dio vještina) ryosai kenbo- dobra supruga i mudra majka) bila je društveno neodobravana aktivnost.

Yoko Ono. Cut Piece

Priča o emigraciji pet moćnih japanskih umjetnica iz Tokija u Sjedinjene Države postala je tema studije Midori Yoshimoto “U performans: Japanske umjetnice u New Yorku”. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi i Shigeko Kubota odlučile su da se presele u New York na početku svojih karijera i tamo su radile, uključujući i modernizaciju tradicije japanske umjetnosti. Samo je Yoko Ono odrasla u Sjedinjenim Državama - ali je i ona namjerno odbila da se vrati u Japan, razočaravši se u umjetničku hijerarhiju Tokija tokom kratkog boravka 1962-1964.

Ono je postala najpoznatija od njih pet – ne samo kao supruga Džona Lenona, već i kao autorka protofeminističkih predstava posvećenih objektivizaciji ženskog tela. Očigledne su paralele između Ono’s Cut Piece-a, u kojem su gledaoci mogli da odrežu komade umjetnikove odjeće, i “Ritma 0” “bake performansa” Marine Abramović.

Na kratkim nogama. Kako proći originalni glumački trening Tadashija Suzukija

U slučaju Ono i Gutaija, metode i teme njihovog rada, odvojene od autora, postale su međunarodno značajne. Postoje i drugi oblici izvoza - kada se rad umjetnika sa zanimanjem prima na međunarodnoj sceni, ali se sama metoda ne posuđuje zbog svoje specifičnosti. Najupečatljiviji slučaj je sistem obuke glume Tadashija Suzukija.

Suzuki teatar je omiljen čak iu Rusiji - i to nije iznenađujuće. Poslednji put nas je posetio 2016. godine sa predstavom „Trojanke“ po Euripidovim tekstovima, a 2000-ih je dolazio više puta sa predstavama Šekspira i Čehova. Suzuki je radnju drama prenio u aktuelni japanski kontekst i ponudio neočigledne interpretacije tekstova: otkrio je antisemitizam kod Ivanova i uporedio ga s prezirnim odnosom Japanaca prema Kinezima, a prenio je radnju kralja Lira. u japansku ludnicu.

Suzuki je izgradio svoj sistem nasuprot ruskoj pozorišnoj školi. Krajem 19. stoljeća, tokom takozvanog Meiji perioda, modernizirajući imperijalni Japan doživio je porast opozicionih pokreta. Rezultat je bila velika vesternizacija dotad izuzetno zatvorene kulture. Među uvezenim oblicima bio je sistem Stanislavskog, koji i dalje ostaje jedan od glavnih rediteljskih metoda u Japanu (i u Rusiji).

Suzuki vježbe

Šezdesetih godina, kada je Suzuki započeo svoju karijeru, sve se više širila teza da se japanski glumci zbog svojih fizičkih osobina ne mogu naviknuti na uloge iz zapadnih tekstova koji su punili tadašnji repertoar. Mladi reditelj uspio je ponuditi najuvjerljiviju alternativu.

Suzukijev sistem vježbi, nazvan gramatika nogu, uključuje desetine načina za sjedenje, još više za stajanje i hodanje.

Njegovi glumci obično igraju bosi i, zbog spuštanja težišta, deluju što teži, vezani za zemlju. Suzuki njih i strane izvođače uči svojoj tehnici u selu Toga, u drevnim japanskim kućama ispunjenim modernom opremom. Njegova trupa ima svega 70-ak nastupa godišnje, a ostalo vrijeme živi, ​​gotovo nikad ne napuštajući selo i nemajući vremena za lične stvari - samo posao.

Centar u Togi nastao je sedamdesetih godina, a na zahtev direktora projektovao ga je svetski poznati arhitekta Arata Isozaka. Suzukijev sistem može izgledati patrijarhalno i konzervativno, ali on sam govori o Togi u modernim terminima decentralizacije. Sredinom 2000-ih, Suzuki je shvatio važnost izvoza umjetnosti iz glavnog grada u regije i organiziranja lokalnih proizvodnih mjesta. Prema rečima reditelja, japanska pozorišna mapa je po mnogo čemu slična ruskoj – umetnost je koncentrisana u Tokiju i nekoliko manjih centara. Rusko pozorište bi takođe moglo da koristi kompaniju koja redovno ide na turneje u male gradove i sa sedištem daleko od glavnog grada.

SCOT Company Center u Togi

Cvjetne staze. Koji je resurs moderno pozorište otkrilo u noh i kabuki sistemima?

Suzuki metoda proizlazi iz dvije drevne japanske tradicije - Kabuki. Ne samo da se ove vrste pozorišta često okarakterišu kao hodajuća umjetnost, već i očigledniji detalji. Suzuki često slijedi pravilo da sve uloge igraju muškarci, te koristi karakteristična prostorna rješenja, na primjer, hanamichi (“put cvijeća”) iz primjera Kabukija - platforma koja se proteže od bine do dubine gledališta. Također koristi vrlo prepoznatljive simbole poput cvijeća i svitaka.

Naravno, u globalnom svijetu nema govora o privilegiji Japanaca da koriste svoje nacionalne forme.

Pozorište jednog od najznačajnijih reditelja našeg vremena, Amerikanca Roberta Vilsona, izgrađeno je na pozajmicama iz njega.

On ne koristi samo maske i šminku koje podsjećaju masovnu publiku na Japan, već posuđuje i metode glume koje se zasnivaju na maksimalnom usporenom snimku i samodovoljnoj ekspresivnosti gesta. Kombinujući tradicionalne i ritualne forme sa najsavremenijim svetlosnim partiturama i minimalističkom muzikom (jedno od najpoznatijih Wilsonovih dela je produkcija Ajnštajna na plaži Philipa Glassa), Wilson u suštini proizvodi sintezu porekla i relevantnosti kojoj teži veliki deo savremene umetnosti.

Robert Wilson. "Ajnštajn na plaži"

Iz noh i kabukija je izrastao jedan od stubova modernog plesa - butoh, u doslovnom prijevodu - ples tame. Kreiran 1959. godine od strane koreografa Kazuo Ono i Tatsumi Hijikata, koji su se takođe oslanjali na nisko težište i koncentraciju na nogama, butoh je predstavljao prevod razmišljanja o traumatskim ratnim iskustvima u fizičku dimenziju.

“Pokazali su tijelo koje je bilo bolesno, u raspadanju, čak i monstruozno, monstruozno.<…>Pokreti su ponekad spori, ponekad namjerno oštri, eksplozivni. Za to se koristi posebna tehnika, kada se pokret izvodi kao da se ne koriste glavni mišići, zahvaljujući koštanim polugama skeleta“, upisuje butoh u istoriju oslobođenja tela istoričar plesa Irina Sirotkina, povezujući to sa odmakom od baletske normativnosti. Ona poredi buto sa praksom plesača i koreografa s početka 20. veka - Isadore Dankan, Marte Grejem, Meri Vigman, i govori o uticaju na kasniji „postmoderni“ ples.

Fragment plesa Katsure Kan, modernog nasljednika buto tradicije

Danas butoh u svom izvornom obliku više nije avangardna praksa, već istorijska rekonstrukcija.

Međutim, vokabular pokreta koji su razvili Ono, Hijikata i njihovi sljedbenici ostaje vrijedan izvor za moderne koreografe. Na Zapadu ga koriste Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky, pa čak i u spotu za “Belong To The World” grupe The Weekend. U Japanu nastavljač buto tradicije je, na primjer, Saburo Teshigawara, koji će u Rusiju doći u oktobru. Iako i sam negira bilo kakve paralele s plesom tame, kritičari nalaze sasvim prepoznatljive znakove: naizgled bez kostiju, krhkost i tihe korake. Istina, već su stavljeni u kontekst postmoderne koreografije - sa visokim tempom, džogingom, radom sa postindustrijskom noise muzikom.

Saburo Teshigawara. Metamorfoza

Lokalno globalno. Po čemu je savremena japanska umetnost slična zapadnoj?

Radovi Teshigaware i mnogih njegovih kolega neprimjetno se uklapaju u programe najboljih zapadnih festivala savremenog plesa. Ako brzo pogledate opise predstava i predstava koje su prikazane na Festivalu/Tokiju - najvećoj godišnjoj predstavi japanskog teatra, teško će se uočiti suštinske razlike od evropskih trendova.

Jedna od centralnih tema je specifičnost lokacije - japanski umjetnici istražuju prostore Tokija u rasponu od nakupina kapitalizma u obliku nebodera do marginalnih područja koncentracije otakua.

Druga tema je razrada međugeneracijskog nerazumijevanja, pozorište kao mjesto živog susreta i organizirane komunikacije ljudi različitih uzrasta. Projekti Toshikija Okade i Akira Tanayame koji su joj posvetili nekoliko godina za redom donosili su u Beč na jedan od ključnih evropskih festivala performativnih umjetnosti. Do kraja 2000-ih nije bilo ništa novo u iznošenju dokumentarnih materijala i ličnih priča na scenu, ali je kustos Bečkog festivala ove projekte javnosti predstavio kao priliku za živi, ​​ciljani kontakt sa drugom kulturom.

Druga glavna linija je rad na traumatskim iskustvima. Za Japance, to nije povezano s Gulagom ili Holokaustom, već s bombardiranjem Hirošime i Nagasakija. Pozorište se na to stalno poziva, ali najmoćnija izjava o atomskim eksplozijama kao trenutku nastanka cjelokupne moderne japanske kulture i dalje pripada Takashiju Murakamiju.

za izložbu “Mali dječak: umjetnost eksplodirajuće subkulture Japana”

“Mali dječak: umjetnost eksplodirajuće subkulture Japana” naziv je njegovog kustoskog projekta, prikazanog u New Yorku 2005. godine. "Mali dječak" - "beba" na ruskom - naziv je jedne od bombi bačenih na Japan 1945. godine. Prikupljajući stotine manga stripova od vodećih ilustratora, prepoznatljive vintage igračke i suvenire zasnovane na poznatim animeima - od Godzile do Hello Kitty, Murakami je naduvao koncentraciju slatkog - kawaiija - u muzejskom prostoru do krajnjih granica. Istovremeno je pokrenuo izbor animacija u kojima su centralne slike bile slike eksplozija, gole zemlje i uništenih gradova.

Ovaj kontrast postao je prva izjava velikih razmjera o infantilizaciji japanske kulture kao načinu suočavanja s posttraumatskim stresnim poremećajem.

Sada se ovaj zaključak čini očiglednim. Akademsko istraživanje Inuhiko Yomote o kawaiju se zasniva na tome.

Postoje i kasniji traumatski okidači. Najvažniji su događaji od 11. marta 2011. godine, potres i cunami koji su doveli do velike nesreće u nuklearnoj elektrani Fukushima. Na Festivalu/Tokiju 2018. cijeli program od šest predstava bio je posvećen razumijevanju posljedica prirodne i tehnološke katastrofe; postali su i tema za jedan od radova predstavljenih na Solyanki. Ovaj primjer jasno pokazuje da se arsenal kritičkih metoda u zapadnoj i japanskoj umjetnosti suštinski ne razlikuje. Haruyuki Ishii kreira instalaciju od tri televizora koji puštaju visokotemperaturne snimke iz televizijskih programa o zemljotresu u petlji.

“Rad se sastoji od 111 video zapisa koje je umjetnik svakodnevno gledao na vijestima do trenutka kada je sve što je vidio počelo doživljavati kao fikcija”, objašnjavaju kustosi. "Novi Japan" je upečatljiv primjer kako se umjetnost ne opire interpretaciji zasnovanoj na nacionalnim mitovima, ali istovremeno kritičko oko otkriva da bi ista interpretacija mogla biti relevantna za umjetnost bilo kojeg porijekla. Kustosi razmatraju kontemplaciju kao osnovu japanske tradicije, oslanjajući se na citate iz Lao Cea. Istovremeno, kao da ostavlja iza zagrada, gotovo sva savremena umjetnost fokusirana je na „efekat posmatrača“ (tako je naziv izložbe) – bilo u obliku stvaranja novih konteksta za percepciju poznatih pojava ili u podizanju pitanje mogućnosti adekvatne percepcije kao takve.

Imagined Communities je još jedan rad video umjetnika Haruyukija Ishiija

Igra

Međutim, ne treba misliti da Japan 2010-ih predstavlja koncentraciju progresivnosti.

Navike starog dobrog tradicionalizma i ljubavi prema orijentalističkoj egzotici još nisu prevladane. „Teatar djevica“ naslov je prilično divnog članka o japanskom Takarazuka teatru u ruskom konzervativnom časopisu PTZh. Takarazuka se pojavila krajem 19. stoljeća kao poslovni projekat za privlačenje turista u istoimeni udaljeni grad, koji je slučajno postao kraj privatne željeznice. U pozorištu nastupaju samo neudate devojke, koje su, prema planu vlasnika železnice, trebale da privuku muške gledaoce u grad. Danas Takarazuka funkcionira kao industrija - sa vlastitim TV kanalom, užurbanim koncertnim programom, čak i lokalnim zabavnim parkom. Ali samo neudate devojke i dalje imaju pravo da budu u trupi - nadajmo se da bar ne proveravaju nevinost.

Međutim, Takarazuka blijedi u poređenju sa klubom Toji Deluxe u Kjotu, koji Japanci nazivaju i pozorištem. Pokazuju apsolutno divlje stvari, sudeći po tome opis Kolumnista New Yorkera Ian Buruma, striptiz emisija: nekoliko golih djevojaka na pozornici pretvaraju izlaganje genitalija u javni ritual.

Kao i mnoge umjetničke prakse, i ova je predstava zasnovana na drevnim legendama (uz pomoć svijeće i lupe muškarci u publici mogli su se naizmjenično istraživati ​​“tajne majke boginje Amaterasu”), a podsjetio se i sam autor Noh tradicija.

Potragu za zapadnim analogama za Takarazuku i Toji prepustićemo čitaocu – nije ih teško pronaći. Napomenimo samo da je upravo na suzbijanje ovakvih praksi ugnjetavanja usmjeren značajan dio suvremene umjetnosti – i zapadne i japanske, od superflat do butoh plesa.

Ima veoma bogatu istoriju; njegova tradicija je ogromna, sa jedinstvenom pozicijom Japana u svijetu koja uveliko utječe na dominantne stilove i tehnike japanskih umjetnika. Opšte je poznata činjenica da je Japan bio prilično izolovan dugi niz vekova, ne samo zbog geografije, već i zbog dominantne japanske kulturne sklonosti ka izolaciji koja je obeležila istoriju zemlje. Tokom vekova onoga što bismo mogli nazvati „japanskom civilizacijom“, kultura i umetnost su se razvijale odvojeno od onih u ostatku sveta. A to je čak i primjetno u praksi japanskog slikarstva. Na primjer, Nihonga slike su među glavnim djelima japanske slikarske prakse. Zasniva se na preko hiljadu godina tradicije, a slike se obično stvaraju kistovima na Vashi (japanski papir) ili Egina (svila).

Međutim, japanska umjetnost i slikarstvo su bili pod utjecajem stranih umjetničkih praksi. Prvo, to je bila kineska umjetnost u 16. stoljeću i kinesko slikarstvo i kineska umjetnička tradicija, koja je bila posebno utjecajna u nekoliko aspekata. Od 17. veka, japansko slikarstvo je takođe bilo pod uticajem zapadne tradicije. Konkretno, tokom predratnog perioda, koji je trajao od 1868. do 1945. godine, japansko slikarstvo je bilo pod uticajem impresionizma i evropskog romantizma. Istovremeno, na nove evropske umjetničke pokrete također su značajno utjecale japanske umjetničke tehnike. U istoriji umetnosti ovaj uticaj se naziva „japanizam“, a posebno je značajan za impresioniste, kubiste i umetnike povezane sa modernizmom.

Duga istorija japanskog slikarstva može se posmatrati kao sinteza nekoliko tradicija koje stvaraju delove priznate japanske estetike. Prije svega, budistička umjetnost i slikarske metode, kao i religiozno slikarstvo, ostavili su značajan trag na estetiku japanskog slikarstva; slikanje pejzaža vodenim tušem u tradiciji kineskog književnog slikarstva još je jedan važan element prepoznat u mnogim poznatim japanskim slikama; slike životinja i biljaka, posebno ptica i cvijeća, su ono što se obično povezuje s japanskim kompozicijama, kao i pejzaži i prizori iz svakodnevnog života. Konačno, drevne ideje o lepoti iz filozofije i kulture starog Japana imale su veliki uticaj na japansko slikarstvo. Wabi, što znači prolazna i gruba ljepota, sabi (ljepota prirodne patine i starenja) i yugen (duboka gracioznost i suptilnost) nastavljaju da utiču na ideale u praksi japanskog slikarstva.

Konačno, ako se koncentrišemo na odabir deset najpoznatijih japanskih remek-djela, moramo spomenuti ukiyo-e, koji je jedan od najpopularnijih žanrova umjetnosti u Japanu, iako pripada grafiki. Dominirao je japanskom umetnošću od 17. do 19. veka, a umetnici koji pripadaju ovom žanru stvarali su drvoreze i slike sa temama kao što su lepe devojke, Kabuki glumci i sumo rvači, kao i scene iz istorije i narodnih priča, scene putovanja i pejzaži. i fauna, pa čak i erotika.

Uvijek je teško sastaviti listu najboljih slika iz umjetničkih tradicija. Mnogi nevjerovatni radovi bit će isključeni; međutim, ova lista sadrži deset najprepoznatljivijih japanskih slika na svijetu. Ovaj članak će predstaviti samo slike nastale od 19. stoljeća do danas.

Japansko slikarstvo ima izuzetno bogatu istoriju. Tokom vekova, japanski umetnici su razvili veliki broj jedinstvenih tehnika i stilova koji su najvredniji doprinos Japana svetu umetnosti. Jedna od ovih tehnika je sumi-e. Sumi-e doslovno znači "crtanje tušem" i kombinuje kaligrafiju i slikanje tušem kako bi stvorio rijetku ljepotu kompozicija nacrtanih kistom. Ova ljepota je paradoksalna - drevna, ali moderna, jednostavna, a složena, hrabra, ali prigušena, nesumnjivo odražavajući duhovnu osnovu umjetnosti u zen budizmu. Budistički sveštenici su u Japan uveli čvrste blokove mastila i bambusove četke iz Kine u šestom veku, a tokom proteklih 14 vekova Japan je razvio bogato nasleđe slikanja tušem.

Pomaknite se prema dolje i pogledajte 10 japanskih slikarskih remek-djela

1. Katsushika Hokusai "San ribarske žene"

Jedna od najprepoznatljivijih japanskih slika je „San ribarske žene“. Naslikao ju je 1814. godine poznati umjetnik Hokusai. Po strogoj definiciji, ovo zadivljujuće Hokusaijevo djelo ne može se smatrati slikom, jer je riječ o drvorezu žanra ukiyo-e iz knjige Mladi borovi (Kinoe no Komatsu), koja je trotomna šunga knjiga. Kompozicija prikazuje mladog ama ronioca koji je seksualno isprepleten sa parom hobotnica. Ova slika je bila veoma uticajna u 19. i 20. veku. Djelo je utjecalo na kasnije umjetnike kao što su Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff i Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka “Abe no Nakamaro piše nostalgičnu pjesmu dok gleda mjesec”

Tessai Tomioka je pseudonim poznatog japanskog umjetnika i kaligrafa. Smatra se posljednjim velikim umjetnikom u tradiciji bunjinga i jednim od prvih velikih umjetnika Nihonga stila. Bunjinga je bila škola japanskog slikarstva koja je procvjetala u kasnoj Edo eri među umjetnicima koji su sebe smatrali literatima ili intelektualcima. Svaki od ovih umjetnika, uključujući Tessayu, razvio je svoj stil i tehniku, ali su svi bili veliki obožavatelji kineske umjetnosti i kulture.

3. Fujishima Takeji “Izlazak sunca nad istočnim morem”

Fujishima Takeji bio je japanski umjetnik poznat po svom radu na razvoju romantizma i impresionizma u umjetničkom pokretu joge (zapadnjački stil) s kraja 19. i početka 20. stoljeća. Godine 1905. otputovao je u Francusku, gdje je bio pod utjecajem francuskih pokreta tog vremena, posebno impresionizma, što se može vidjeti na njegovoj slici Izlazak sunca nad istočnim morem, koja je naslikana 1932. godine.

4. Kitagawa Utamaro “Deset tipova ženskih lica, kolekcija vladajućih ljepotica”

Kitagawa Utamaro je bio istaknuti japanski umjetnik koji je rođen 1753. i umro 1806. On je svakako najpoznatiji po seriji pod nazivom “Deset tipova ženskih lica. Zbirka dominantnih ljepotica, velike ljubavne teme klasične poezije" (ponekad nazvana "Zaljubljene žene", koja sadrži odvojene gravure "Gola ljubav" i "Promišljena ljubav"). On je jedan od najvažnijih umjetnika koji pripadaju žanru ukiyo-e drvoreza.

5. Kawanabe Kyosai “Tigar”

Kawanabe Kyosai je bio jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika Edo perioda. Na njegovu umjetnost utjecao je rad Tohakua, slikara iz škole Kano iz 16. stoljeća koji je bio jedini umjetnik svog vremena koji je slikao ekrane u potpunosti mastilom na osjetljivoj pozadini od zlata u prahu. Iako poznat kao karikaturista, Kyōsai je naslikao neke od najpoznatijih slika u japanskoj istoriji umjetnosti 19. stoljeća. "Tigar" je jedna od onih slika za koje je Kyosai koristio akvarel i mastilo.

6. Hiroši Jošida “Fudži sa jezera Kavaguči”

Hiroshi Yoshida je poznat kao jedna od glavnih figura Shin-hanga stila (Shin-hanga je umjetnički pokret u Japanu početkom 20. stoljeća, tokom perioda Taisho i Showa, koji je oživio tradicionalnu umjetnost ukiyo-e, koja ima svoje korijene u periodu Edo i Meiji (XVII - XIX vijek)). Obučavao se u tradiciji zapadnog slikarstva ulja, koja je preuzeta iz Japana tokom Meiji perioda.

7. Takashi Murakami “727”

Takashi Murakami je vjerovatno najpopularniji japanski umjetnik našeg vremena. Njegovi radovi prodaju se po astronomskim cijenama na velikim aukcijama, a njegov rad već inspirira nove generacije umjetnika ne samo u Japanu, već iu inostranstvu. Murakamijeva umjetnost uključuje niz medija i obično se opisuje kao superflat. Njegov rad je poznat po upotrebi boja, uključujući motive japanske tradicionalne i popularne kulture. Sadržaj njegovih slika često se opisuje kao "slatki", "psihedelični" ili "satirični".

8. Yayoi Kusama “Pumpkin”

Yaoi Kusama je također jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika. Ona stvara u različitim medijima uključujući slikarstvo, kolaž, scat skulpturu, performans, umjetnost okoliša i instalaciju, od kojih većina pokazuje njen tematski interes za psihodelične boje, ponavljanje i uzorak. Jedna od najpoznatijih serija ovog velikog umjetnika je serija “Bundeva”. Prekrivena točkastim uzorkom, obična bundeva jarko žute boje predstavljena je na mrežastoj pozadini. Zajedno, svi takvi elementi čine vizuelni jezik koji je nepogrešivo veran umetnikovom stilu, a razvijan je i usavršavan decenijama mukotrpne proizvodnje i reprodukcije.

9. Tenmyoya Hisashi “Japanski duh br. 14”

Tenmyoya Hisashi je savremeni japanski umjetnik koji je poznat po svojim neo-nihonga slikama. Učestvovao je u oživljavanju stare tradicije japanskog slikarstva, što je sušta suprotnost modernom japanskom slikarstvu. 2000. godine stvara i svoj novi stil butouha, koji svojim slikama pokazuje snažan stav prema autoritativnom umjetničkom sistemu. "Japanski duh br. 14" nastao je kao dio umjetničke sheme "BASARA", koja se u japanskoj kulturi tumači kao buntovno ponašanje niže aristokracije tokom perioda Zaraćenih država, kako bi se onima na vlasti uskratila mogućnost da ostvare idealan način života oblačeći se u raskošnu i luksuznu odjeću i ponašajući se slobodno, volje koja nije odgovarala njihovoj društvenoj klasi.

10. Katsushika Hokusai “Veliki val od Kanagawe”

Konačno, Veliki talas od Kanagave je verovatno najprepoznatljivija japanska slika ikada naslikana. To je zapravo najpoznatije umjetničko djelo nastalo u Japanu. Prikazuje ogromne valove koji prijete čamcima uz obalu prefekture Kanagava. Iako se ponekad pogrešno smatra cunamijem, val je, kao što naziv slike sugerira, najvjerovatnije jednostavno nenormalno visok. Slika je napravljena u ukiyo-e tradiciji.

Od:  18346 pregleda

- Pridruži nam se! Tvoje ime:

Komentar:

Svoje slike stvarao je tokom perioda Taisho (1912-26) i rane Seve. Rođen je 1891. godine
godine u Tokiju, bio je sin novinarke Kišide Ginko. Godine 1908. završio je školu, u god
Za 15 godina postao je kršćanin i posvetio se crkvenim aktivnostima, zatim Kishida
Ryūsei je studirao zapadnjačke umjetničke stilove u studiju Hakubakai pod vodstvom
Seiki Kuroda (1866-1924), koji je bio jedan od osnivača Akademije umjetnosti u Japanu.
Već 1910. godine mladi umjetnik počinje izlagati svoja djela na godišnjem
Banten državna izložba. Napisana su njegova rana djela, posebno pejzaži
pod velikim uticajem i oponašajući stil svog učitelja Kuroda Seike.

Portret Reiko

Kasnije je umetnik upoznao i sprijateljio se sa Mushanokoji Saneatsuom,
koji je umjetnika upoznao sa društvom Shirakaba (Bijela breza) i upoznao ga sa evropskim
Fovizam i kubizam. Pojava Kishida Ryūseia kao umjetnika dogodila se u prvom
decenije dvadesetog veka, kada su mnogi japanski mladi umetnici otišli na studije
slika u inostranstvu, prvenstveno u Parizu. Kishida Ryūsei nikada nije bila u Evropi i
nije studirao kod evropskih majstora, ali je bio pod uticajem evropskog postimpresionizma
bio ogroman, posebno rad Van Gogha i Cezannea. Od kraja 1911. do početka
1912. inspirisan je delima savremenih francuskih umetnika čijim radovima
Upoznao sam ga u časopisu Shirakaba i kroz ilustrovane knjige. Njegovi rani radovi su jasni
nastao pod uticajem Henrija Matisa i Fova.

Autoportret sa šeširom, 1912
stil: fovizam

Godine 1912, u dobi od dvadeset i jedne godine, Kishida Ryūsei je debitovao kao
profesionalni umjetnik, njegova prva lična izložba održana je u
umjetnička galerija Rokando. Iste godine umjetnik je organizirao svoj
umjetnički krug Fyizankai za proučavanje i promociju
postimpresionizam.

Vrt predsjednika Južnomandžurske željezničke kompanije 1929

Krug se ubrzo raspao zbog unutrašnjih sukoba nakon dvije izložbe.
Oko 1914. umjetnik je napustio fovizam, svoj rani stil. Godine 1915
godine, Kishida Reisai je stvorio Shodosa grupu, u kojoj je njegov glavni drug, student
a sljedbenik je bio umjetnik Michisai Kono.

Put u rano ljeto 1917
stil: joga-ka

Od tog vremena razvio je svoj jedinstveni stil velikog majstora, na japanskom
Na jeziku se naziva "shajitsu" ili "shasei", što se obično prevodi na ruski kao realizam.
Umjetnik pojednostavljuje forme, pronalazi jedinstveni okus, sve to dolazi iz umjetnosti
Cezanne. Iako je Kishida Reisai visoko cijenio umjetnost Francuske, u kasnom periodu on
smatra da je istočnjačka umjetnost mnogo višu od zapadne umjetnosti.

Cesta usečena kroz brdo, 1915
stil: joga-ka

Portret Bernarda Leača, 1913
stil: fovizam

Autoportret, 1915.
stil: joga-ka

Autoportret, 1913.
stil: joga-ka

Autoportret, 1917.
stil: joga-ka

Portret muškarca
stil: joga-ka

Oko 1917. umjetnik se preselio u Kugenuma Fujisawa u oblasti Kanagawa. On je počeo
proučavaju stilove i tehnike sjevernoevropskih renesansnih umjetnika kao npr
Durer i Van Dyck. U tom periodu naslikao je svoju čuvenu seriju slika svoje ćerke Reiko,
koji kombinuju gotovo fotografski realizam sa nadrealnim
dekorativni elementi. Početkom 1920-ih Kishida Ryūsei pokazao je interesovanje za
elemente orijentalne umjetnosti, posebno na kineske slike "Pjesme" i
"Dinastija Yuan".

"Portret Sanade Hisakichija"

Tokom velikog zemljotresa Kanto 1923. godine, umetnikova kuća u Kugenumi je bila
uništen, Kishida Ryūsei se preselio u Kjoto na kratak period, nakon čega je u februaru
Godine 1926. vratio se da živi u Kamakuri. Tokom 1920-ih, umjetnik je slikao brojne
članci o estetici i istoriji japanskog slikarstva.

Čajna posuda za čaj i tri zelene jabuke, 1917
stil: cezanizam

Mrtva priroda, 1918.
stil: cezanizam

Dvije crvene jabuke, šolja za čaj, činija za čaj i boca, 1918.
stil: cezanizam

Godine 1929, uz pomoć Južnomandžurske željeznice, Kishida Ryūsei je završio
jedino putovanje u inostranstvo u mom životu, posjet Dalianu, Harbinu i Fengtianu
u Mandžuriji. Na povratku kući, zaustavio se u gradu Tokuyama, okrug
Yamaguchi, gdje je iznenada preminuo od akutnog samotrovanja tijela. Kishida Ryūsei
stvarao je svoje portrete, pejzaže i mrtve prirode do svoje rane smrti u godini
38 godina. Umjetnikov grob se nalazi na groblju Tama Reien u Tokiju. Nakon smrti
Kishida Ryūsei dvije svoje slike Japanska vladina agencija za kulturna pitanja
dobio titulu „Nacionalna kulturna vrednost“. U decembru 2000. godine, jedan od
Njegovi portreti njegove ćerke Reiko sa šalom na ramenima prodati su za 360 miliona jena, što
postala najviša cijena na aukcijama japanskih slika.

Japan je veoma zanimljiva država, poznata po raznim tradicijama i običajima. Geografski položaj Zemlje izlazećeg sunca učinio ju je donekle izolovanom od drugih država, zbog čega se razvijala bez obzira na evropske zemlje. Kultura Japana je izuzetno bogata i raznolika. Jedinstvene japanske tradicije nastale su pod uticajem istorijski važnih događaja. Japan se postepeno pretvorio u moćnu, ujedinjenu državu sa karakterističnim osobinama i određenim mentalitetom stanovništva.

Osnovni aspekti japanske kulture

Kultura zemlje se manifestuje u mnogim sferama društva. U Japanu su njegovi aspekti;

Za Japance proces ispijanja čaja nije jednostavno zadovoljenje fizioloških potreba organizma, već pravi kult. Ceremonija čaja u Japanu je popraćena posebnim atributima i sadrži mnogo tradicija. Čini se da je takav odnos poštovanja prema svakodnevnom procesu razvio iz meditacije budističkih monaha. Oni su ti koji su dali toliko značaja procesu ispijanja čaja.

Za Evropljane, koncept "kimona" karakterizira nacionalnu odjeću Japana. Međutim, u samoj zemlji izlazećeg sunca postoje dva značenja ove riječi - u užem i širem smislu. Riječ "kimono" u Japanu se ne odnosi samo na nacionalnu nošnju, već i na svu odjeću općenito. Ispod kimona se po pravilu nosi poseban ogrtač i sedam pojaseva. Kimono koji se nosi ljeti zove se jukata. U zavisnosti od starosti žene, model odjeće može varirati.

U Japanu se uspješno propovijedaju dva vjerska pokreta odjednom - šintoizam i budizam. Šintoizam se pojavio u starom Japanu; zasniva se na obožavanju raznih stvorenja. Budizam je, pak, podijeljen u nekoliko varijanti. U Japanu postoje mnoge škole koje promovišu jedan ili drugi pokret budizma.

Kameni vrtovi su od posebnog značaja za japansku kulturu. Oni nisu samo arhitektonsko stvaralaštvo koje privlači pažnju turista, već i mjesto duhovnog rasta. Ovdje Japanci pronalaze prosvjetljenje u razmišljanju o kamenim strukturama raspoređenim po posebnom redoslijedu. Kameni vrtovi imaju specifičan dizajn koji samo prosvijetljena osoba može otkriti.

Tango no sekku je slavlje dječaka. Posvećena je ne samo svim malim muškim predstavnicima, već i muškosti i snazi ​​cijelog japanskog naroda. Uobičajeno je da se praznik slavi u proljeće, kada se priroda budi i oduševljava svojom ljepotom. Na dan Tango no Sekkua o dečacima se brinu njihovi roditelji. Otac mora reći svom sinu o svim japanskim ratnicima i njihovim podvizima. A majka mu postavlja sto sa ukusnom hranom.

Cvjetovi trešnje smatraju se najljepšim prirodnim fenomenom. Mnogi turisti dolaze ovamo upravo da bi uživali u kontemplaciji cvjetnice. U proljeće se u japanskim parkovima mogu vidjeti velike gomile ljudi. Mnoge porodice odlaze na piknike i gledaju ljepotu stabala japanske trešnje.

Jedna od jedinstvenih tradicija ove zemlje uključuje klanjanje. Oni personificiraju pravila lijepog ponašanja. Nije uobičajeno da se Japanci opraštaju, već se klanjaju onoliko puta koliko je to činio sagovornik.

Samuraji predstavljaju određenu klasu društva, koja je nastala pod uticajem tradicije i običaja. Ima direktnu vezu sa kulturom zemlje. Samuraji su ratnici koji obavljaju određenu službu, koja može biti vojna, sigurnosna ili domaća. U bilo kojem od ovih slučajeva, samuraji personificiraju hrabrost, muževnost i plemenitost japanskog naroda.

Proces formiranja kulture starog Japana

Kultura starog Japana počela se razvijati rođenjem japanskog jezika i pisma. Zemlja izlazećeg sunca posudila je osnovu za to iz Kine. Japansko pismo također sadrži hijeroglife koje strani državljanin neće moći razumjeti. S vremenom su se japanskom jeziku počele dodavati nove riječi, glasovi i fraze. Dakle, potpuno je transformisan, ali se još uvijek mogu pratiti zajedničke karakteristike s Kinom.

Religioznost zemlje takođe datira još od antičkih vremena. Šintoizam je bio posljedica razvoja različitih mitologija. Trenutno ovo učenje promoviše kult vođa i mrtvih ljudi. Budizam ima tako duboke korijene da se mišljenja naučnika i istoričara o nastanku ove vrste religije uvelike razlikuju.

Japanska umjetnost

Gotovo sve vrste umjetnosti koje se praktikuju u Japanu nose jednu glavnu ideju - smirenost i opuštanje. Upravo je sklad čovjeka sa samim sobom ono što sadrži umjetnost, bez obzira na način iznošenja informacija. Mnoge vrste umjetnosti poznate širom svijeta započele su svoj razvoj u Japanu. Među njima možemo istaknuti origami - mogućnost savijanja raznih oblika s papira.

Još jedan popularan dio japanske umjetnosti je ikebana. Ovo je vještina formiranja buketa cvijeća posebnom tehnologijom. Odavde je proizašla jednako popularna aktivnost koja se zove bonsai. Ovo je stvaranje raznih kompozicija od patuljastih stabala. U Omiji, nedaleko od Tokija, nalazi se cijeli bonsai park. Svako patuljasto drvo predstavljeno ovdje je jedinstveno i lijepo na svoj način.

Japansko slikarstvo zaslužuje poseban značaj, jer svaka slika nosi skriveno značenje. U pravilu se kao dizajn koriste svijetle boje, kontrastni prijelazi i jasne linije. Japan takođe ima umetnost kaligrafije. Ovo je vještina estetski lijepog pisanja hijeroglifa. Primijenjena umjetnost je također rasprostranjena u Japanu. U Tokiju postoji čitav muzej posvećen ovom zanatu. Ovdje možete vidjeti proizvode od papira, stakla ili metala. I ovo nije potpuna lista materijala koji se koriste u tu svrhu.

Japanski stil uređenja interijera također zaslužuje posebnu pažnju. Uključuje funkcionalnost i jednostavnost, uz originalnost izvođenja. Osim toga, dizajn interijera nosi religijsku filozofiju, baš kao i svaki drugi oblik japanske umjetnosti.

Arhitektura Japana

Arhitektonske građevine u Japanu su, na ovaj ili onaj način, povezane s religijom. U početku su hramske zgrade najčešće bile bez cvijeća. To je bilo zbog upotrebe neobojenog drveta u građevinarstvu. Kasnije su počeli koristiti crvene i plave nijanse.

Drvo se smatra glavnim materijalom za arhitektonske zgrade u Japanu. To je zbog činjenice da su rezerve ovog resursa u zemlji prilično velike. Osim što drvo dobro provodi toplinu i upija vlagu, praktično je i u slučaju potresa, koji se u Japanu često dešavaju. Ako je kamenu kuću nakon uništenja vrlo teško obnoviti, onda je drvenu mnogo lakše.

Glavna karakteristika japanske arhitekture je prisustvo glatkih geometrijskih oblika. Najčešće su to trokuti i pravokutnici. Gotovo je nemoguće pronaći glatke i okrugle linije u bilo kojoj strukturi. Glavni princip na kojem Japanci uređuju svoje domove je neodvojivo postojanje unutrašnjosti i spoljašnosti kuće. Ovo se odnosi na japanske bašte. Trebali bi biti uređeni u potpuno istom stilu kao i sama kuća. U suprotnom, smatra se lošom formom i potpunim neukusom. Japanci posebnu pažnju posvećuju svojim baštama.

Japanska muzika

U smislu muzičkog razvoja, Japan je gledao na druge zemlje koristeći neke vrste muzičkih instrumenata. Ali kasnije ih je modernizirala pod utjecajem lokalnih ukusa i tradicije. Prvi koji je uticao na formiranje klasične muzike u Japanu bio je lokalni folklor Dengakua, pomešan sa stranim uticajima i iznedrio muziku koja je trenutno poznata Japanu.

Svoj doprinos muzičkom porijeklu dala je i vjerska strana problema. Zahvaljujući kršćanstvu, sviranje na orguljama počelo se širiti. A budizam je promovirao sviranje flaute.

Trenutno je klasična muzika stekla popularnost u Japanu. Mnogi predstavnici ove kreativne ćelije putuju u inostranstvo u Japan. Među njima su Goto Midori, Ozawa Seiji i Uchida Mitsuko. Relativno nedavno, u Japanu su otvorene sale dizajnirane za udobno slušanje klasične muzike. To uključuje Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, itd.

Domaćinske tradicije Japana

Japanci su dobro vaspitan narod koji poštuje svoju tradiciju i običaje. Postupanje prema sebi i drugima s poštovanjem smatra se normom u Japanu. Od djetinjstva djecu se uči lijepom ponašanju, objašnjavaju im se osnovne vrijednosti japanskog naroda i obrazuju se na sve moguće načine. I sve to koristi društvu. Svaki turista koji dođe u zemlju izlazećeg sunca iz druge zemlje iznenadi se koliko su Japanci prijateljski raspoloženi, prijateljski raspoloženi i dobro vaspitani.

Za razliku od evropskih zemalja, Japan odavno ima zabranu pušenja na javnim mjestima. Ovo se odnosi i na privatnu imovinu. Pušenje u blizini drugih ljudi je dozvoljeno samo ako su oni dali svoj pristanak.

Između ostalog, Japanci striktno poštuju sva pravila higijene koja im društvo nalaže. Na primjer, u svakoj prostoriji, uključujući vjerske objekte, postoje posebne slamnate prostirke. Ne možete hodati po njima u cipelama, smatraju se ne samo ukrasom interijera, već i pravim svetogrđem. Takođe, Japanci su odlučili da se zaštite od mogućih bakterija koje dolaze iz toaleta na njihovim nogama. Na svakom javnom mestu iu stanovima postoje posebne papuče za toalet, koje ne dozvoljavaju da se štetne klice prenesu u druge prostorije.

Za Japance se jelo ne smatra procesom života, već pravim kultom. Prije jela, Japanci uvijek brišu ruke posebnim ručnikom navlaženim u vodi, koji se zove oshibori. Postavljanje tablice se ne odvija bilo kojim slučajnim redoslijedom, već prema posebnom obrascu. Čak i svaki uređaj ima svoje mjesto. Japanci ih dijele na muške i ženske, a to im je jako bitno. U Japanu se kašike koriste samo za jelo o-zoni supe, koja se priprema za Novu godinu, Japanci više vole da piju ostatak prvih jela isključivo iz posebnih činija. Štaviše, čoksanje usana tokom obroka ne smatra se lošim ponašanjem. Vjeruje se da se na taj način bolje otkriva okus jela.

Važnost lijepog ponašanja u Japanu dokazuje se sljedećim pravilima:

• Potrebno je unaprijed dogovoriti mjesto i vrijeme sastanka. U Japanu se kašnjenje smatra drskošću izvan granica pristojnosti.
• Ne možete prekidati sagovornika, potrebno je strpljivo sačekati da osoba progovori, a zatim početi da iznosi svoje mišljenje.
• Ako pozovete pogrešan broj, morate se izviniti.
• Ako vam je neko priskočio u pomoć, onda mu svakako trebate zahvaliti.
• Neki gosti Japanaca mogu se smatrati počasnim. Čak im je dodijeljeno posebno mjesto za stolom, koje se, po pravilu, nalazi najdalje od ulaza u prostoriju.
• Kada poklanjate Japancima, trebalo bi da se izvinite što ste bili skromni, bez obzira na ono što predstavlja. Ovo su pravila, ne treba ih kršiti.
• Dok sjede za stolom, muškarci mogu prekrstiti noge, ali je ženama to strogo zabranjeno. Noge trebaju biti uvučene i usmjerene u jednom smjeru.

Takođe među tradicijama u svakodnevnom životu u Japanu je i poštovanje starijih ljudi. Nije bitno kakvo je zanimanje, primanja, izgled ili karakterne osobine osobe, ako je starija, onda se prema njoj mora postupati s poštovanjem. Starost u Japanu izaziva poštovanje i ponos. To znači da je osoba prešla dug put i sada zaslužuje čast.

Pomozite sajtu: Pritisnite dugmad

Ogromna regija, konvencionalno nazvana Daleki istok, uključuje Kinu, Japan, Koreju, Mongoliju i Tibet - zemlje koje imaju niz sličnih karakteristika, ali u isto vrijeme značajne razlike u kulturi.

Sve zemlje Dalekog istoka iskusile su uticaj drevnih civilizacija Kine i Indije, gde su još u 1. milenijumu pre nove ere nastala filozofska i religiozna učenja koja su postavila temelj za ideju prirode kao sveobuhvatnog Kosmosa - živog i produhovljeni organizam koji živi po svojim zakonima. Priroda se našla u središtu filozofskih i umjetničkih traganja kroz srednjovjekovni period, a njeni zakoni su smatrani univerzalnim, određujući živote i odnose ljudi. Unutrašnji svijet čovjeka upoređivan je sa različitim manifestacijama prirode. To je uticalo na razvoj simboličke metode u likovnoj umjetnosti, definirajući njen alegorijski poetski jezik. U Kini, Japanu i Koreji, pod utjecajem takvog odnosa prema prirodi, formiraju se vrste i žanrovi umjetnosti, grade se arhitektonske cjeline, usko povezane s okolnim krajolikom, rađa se vrtlarska umjetnost i, konačno, osvanulo je pejzažno slikarstvo. Pod uticajem drevne indijske civilizacije, budizam se počeo širiti, a hinduizam se širio i u Mongoliji i Tibetu. Ovi religijski sistemi su donijeli ne samo nove ideje u zemlje Dalekog istoka, već su imali i direktan utjecaj na razvoj umjetnosti. Zahvaljujući budizmu, u svim zemljama regiona pojavio se do sada nepoznat novi umjetnički jezik skulpture i slikarstva, stvoreni su ansambli čija je karakteristika bila interakcija arhitekture i likovne umjetnosti.

Osobine prikaza budističkih božanstava u skulpturi i slikarstvu razvijale su se tokom mnogih stoljeća kao poseban jezik simbola koji je izražavao ideje o svemiru, moralnim zakonima i ljudskoj sudbini. Na taj način konsolidovano je i očuvano kulturno iskustvo i duhovna tradicija mnogih naroda. Slike budističke umjetnosti utjelovile su ideje sukoba dobra i zla, milosrđa, ljubavi i nade. Svi ovi kvaliteti odredili su originalnost i univerzalni značaj izvanrednih kreacija dalekoistočne umjetničke kulture.

Japan se nalazi na otocima Pacifika, koji se proteže duž istočne obale azijskog kontinenta od sjevera prema jugu. Japanska ostrva se nalaze u području podložnom čestim zemljotresima i tajfunima. Stanovnici ostrva navikli su da stalno budu na oprezu, zadovoljavaju se skromnim životom i brzo obnavljaju svoje domove i domaćinstva nakon prirodnih katastrofa. Unatoč prirodnim katastrofama koje neprestano prijete dobrobiti ljudi, japanska kultura odražava želju za harmonijom s okolnim svijetom, sposobnost da se ljepota prirode vidi u velikim i malim stvarima.

U japanskoj mitologiji, božanski supruzi, Izanagi i Izanami, smatrani su precima svega na svijetu. Od njih je proizašla trijada velikih bogova: Amaterasu - boginja Sunca, Tsukiyomi - boginja Mjeseca i Susanoo - bog oluja i vjetra. Prema idejama starih Japanaca, božanstva nisu imala vidljiv izgled, već su bila utjelovljena u samoj prirodi - ne samo u Suncu i Mjesecu, već iu planinama i stijenama, rijekama i vodopadima, drveću i bilju, koji su bili poštovani. kao duhovi-kami (rečima prevedeno znači božanski vetar na japanskom). Ovo oboženje prirode održalo se tokom srednjeg vijeka i nazvano je šintoizam – put bogova, koji je postao japanska nacionalna religija; Evropljani to zovu šintoizam. Počeci japanske kulture sežu u antičko doba. Najranija umjetnička djela datiraju iz 4....2. milenijuma prije nove ere. Najduži i najplodniji period za japansku umetnost bio je srednji vek (6....19. vek).

Dizajn tradicionalne japanske kuće razvijene od 17....18. stoljeća. To je drveni okvir sa tri pomična zida i jednim fiksnim. Zidovi ne služe kao oslonac, pa se mogu razdvojiti ili čak ukloniti i istovremeno služiti kao prozor. U toplom godišnjem dobu zidovi su bili rešetkasta konstrukcija prekrivena prozirnim papirom koji je propuštao svjetlost, au hladnom i kišnom vremenu prekrivani su ili zamijenjeni drvenim pločama. U slučaju visoke vlažnosti japanske klime, kuća mora biti ventilirana odozdo. Zbog toga je izdignut 60 cm iznad nivoa tla.Da bi se noseći stubovi zaštitili od truljenja, postavljeni su na kamene temelje.

Lagani drveni okvir imao je potrebnu fleksibilnost, što je smanjilo razornu silu udara tokom čestih potresa u zemlji. Krov, crijep ili trska, imao je velike nadstrešnice koji su štitili papirne zidove kuće od kiše i užarenog ljetnog sunca, ali nisu blokirali niske zrake sunca zimi, u rano proljeće i kasnu jesen. Ispod nadstrešnice je bila veranda.

Pod u dnevnim sobama bio je prekriven strunjačama - tatamijima, na kojima su ljudi uglavnom sjedili, a ne stajali. Stoga su sve proporcije kuće bile orijentirane na osobu koja sjedi. Kako u kući nije bilo stalnog namještaja, spavali su na podu, na specijalnim debelim dušecima, koji su preko dana odlagani u ormare. Jeli su sjedeći na strunjačama za niskim stolovima, služili su i za razne aktivnosti. Klizne unutrašnje pregrade, obložene papirom ili svilom, mogle su u zavisnosti od potreba dijeliti unutrašnje prostore, što je omogućavalo raznovrsniju upotrebu, ali je bilo nemoguće da svaki njen stanovnik ima potpunu privatnost unutar kuće, što je uticalo na unutarnje prostore. porodičnim odnosima u japanskoj porodici, iu širem smislu - o posebnostima nacionalnog karaktera Japanaca. Važan detalj kuće bila je niša koja se nalazila u blizini fiksnog zida - tokonama, gdje je mogla visiti slika ili kompozicija cvijeća - ikebana. To je bio duhovni centar kuće. Dekoracija niše otkrila je individualne kvalitete stanovnika kuće, njihov ukus i umjetničke sklonosti.

Produžetak tradicionalne japanske kuće bio je vrt. Služila je kao ograda i istovremeno povezivala kuću sa okolinom. Razmještanjem vanjskih zidova kuće nestala je granica između unutrašnjosti kuće i vrta i stvorio se osjećaj bliskosti s prirodom i direktne komunikacije s njom. Ovo je bila važna karakteristika nacionalnog pogleda. Međutim, japanski gradovi su rasli, veličina vrta se smanjivala, a često ga je zamjenjivala mala simbolička kompozicija cvijeća i biljaka, koja je imala istu ulogu u dovođenju doma u kontakt s prirodnim svijetom. japanska mitološka kuća ikebana netsuke

Umetnost aranžiranja cveća u vaze - ikebbna (život cveća) - datira još od drevnog običaja polaganja cveća na oltar božanstva, koji se proširio u Japan sa budizmom u 6. veku. Najčešće se kompozicija u stilu tog vremena - rikka (postavljeno cvijeće) - sastojala od grane bora ili čempresa i lotosa, ruža, narcisa, postavljenih u drevne bronzane posude.

Sa razvojem svjetovne kulture u 10....12. vijeku, u palatama i rezidencijalnim kvartovima predstavnika aristokratske klase postavljaju se cvjetne kompozicije. Posebna takmičenja za aranžiranje buketa postala su popularna na carskom dvoru. U drugoj polovini 15. stoljeća pojavio se novi pravac u umjetnosti ikebane, čiji je osnivač bio majstor Ikenobo Senei. Radovi škole Ikenobo odlikovali su se posebnom ljepotom i sofisticiranošću, postavljani su na kućne oltare i predstavljani kao darovi. U 16. vijeku, širenjem čajnih ceremonija, formirana je posebna vrsta ikebana za ukrašavanje niše tokonoma u čajnom paviljonu. Zahtjev za jednostavnošću, harmonijom i suzdržanom shemom boja, koji je bio nametnut svim predmetima kulta čaja, proširio se i na dizajn cvijeća - chabana (ikebana za čajnu ceremoniju). Čuveni majstor čaja Senno Rikyu stvorio je novi, slobodniji stil - nageire (nepažljivo postavljeno cvijeće), iako je upravo u očiglednom neredu ležala posebna složenost i ljepota slika ovog stila. Jedna vrsta nageirea bila je takozvana tsuribana, kada su biljke stavljane u viseću posudu u obliku čamca. Takve kompozicije prezentovane su osobi koja ulazi na poziciju ili završava studije, jer su simbolizirale „izlazak u otvoreno more života“. U 17....19. vijeku se širi umjetnost ikebane, a javlja se i običaj obaveznog osposobljavanja djevojaka u umijeću aranžiranja buketa. Međutim, zbog popularnosti ikebane, kompozicije su pojednostavljene, a stroga pravila stilirike su morala biti napuštena u korist nageirea, iz kojeg je nastao još jedan novi stil, seika ili šoka (svježe cvijeće). Krajem 19. stoljeća majstor Ohara Ushin je stvorio Moriban stil, čija je glavna inovacija bila da se cvijeće stavlja u široke posude.

U kompoziciji ikebana, po pravilu, postoje tri obavezna elementa, koji ukazuju na tri principa: Nebo, Zemlja i Čovjek. Mogu se utjeloviti kao cvijet, grana i trava. Njihov međusobni odnos i dodatni elementi stvaraju djela koja se razlikuju po stilu i sadržaju. Zadatak umjetnika nije samo da stvori lijepu kompoziciju, već i da u njoj najpotpunije prenese vlastite misli o ljudskom životu i svom mjestu u svijetu. Radovi vrhunskih majstora ikebana mogu izraziti nadu i tugu, duhovni sklad i tugu.

Prema tradiciji, u ikebani se uvijek reprodukuje godišnje doba, a kombinacija biljaka formira dobro poznate simbolične želje u Japanu: bor i ruža - dugovječnost; božur i bambus - blagostanje i mir; krizantema i orhideja - radost; magnolija - duhovna čistoća itd.

Minijaturna skulptura - netsuke - postala je rasprostranjena u 18....19. vijeku kao jedna od vrsta dekorativne i primijenjene umjetnosti. Njegov izgled je zbog činjenice da nacionalna japanska nošnja - kimono - nema džepove i svi potrebni sitni predmeti (lula, torbica, kutija za lijekove, itd.) su pričvršćeni za pojas pomoću privjeska-protutega. Netsuke stoga nužno ima rupu za vrpcu, uz pomoć koje se na njega pričvršćuje željeni predmet. Privjesci za ključeve u obliku štapića i dugmadi korišteni su i ranije, ali od kraja 18. stoljeća poznati majstori već rade na stvaranju netsukea, stavljajući svoj potpis na radove.

Netsuke je umjetnost urbane klase, masovna i demokratska. Na osnovu predmeta netsukea može se suditi o duhovnim potrebama, svakodnevnim interesima, moralu i običajima građana. Vjerovali su u duhove i demone, koji su često bili prikazani u minijaturnim skulpturama. Voljeli su figurice "sedam bogova sreće", među kojima su najpopularniji bili bog bogatstva Daikoku i bog sreće Fukuroku. Stalni predmeti netsukea bili su: napukli patlidžan sa mnogo sjemenki unutra - želja za velikim muškim potomstvom, dvije patke - simbol porodične sreće. Ogroman broj netsukea posvećen je svakodnevnim temama i svakodnevnom životu grada. To su putujući glumci i mađioničari, ulični prodavci, žene koje se bave raznim aktivnostima, lutajući monasi, rvači, čak i Holanđani u svojoj egzotičnoj, sa japanske tačke gledišta, odjeći - šeširima širokog oboda, kamizolama i pantalonama. Odlikujući se svojom tematskom raznolikošću, netsuke je zadržao svoju prvobitnu funkciju privjeska za ključeve, a ta namjena je majstorima diktirala kompaktan oblik bez krhkih izbočenih dijelova, zaobljen i ugodan na dodir. To je također povezano s izborom materijala: nije jako težak, izdržljiv, sastoji se od jednog komada. Najčešći materijali bili su razne vrste drveta, slonovače, keramike, laka i metala.

Japansko slikarstvo je vrlo raznoliko ne samo po sadržaju, već i po formi: to su zidne slike, ekranske slike, vertikalni i horizontalni svici izvedeni na svili i papiru, listovi albuma i lepeze.

O antičkom slikarstvu može se suditi samo po referencama u pisanim dokumentima. Najraniji sačuvani izvanredni radovi datiraju iz perioda Heian (794...1185). Ovo su ilustracije čuvene “Priče o princu Genđiju” pisca Murasakija Šikibua. Ilustracije su napravljene na nekoliko horizontalnih svitaka i dopunjene tekstom. Pripisuju se kistovima umjetnika Fujiwara Takayoshi (prva polovina 12. stoljeća).

Karakteristična karakteristika kulture tog doba, koju je stvorio prilično uski krug aristokratske klase, bio je kult ljepote, želja da se u svim manifestacijama materijalnog i duhovnog života pronađe njihov svojstveni šarm, ponekad neuhvatljiv i neuhvatljiv. Slika tog vremena, koja je kasnije dobila ime Yamato-e (doslovno prevedeno kao japansko slikarstvo), nije prenosila radnju, već stanje uma. Kada su na vlast došli strogi i hrabri predstavnici vojne klase, počelo je opadanje kulture Heian ere. U slikarstvu svitaka uspostavljen je narativni element: to su legende o čudima pune dramatičnih epizoda, biografije propovjednika budističke vjere i scene ratničkih bitaka. U 14....15. veku, pod uticajem učenja zen sekte sa posebnom pažnjom prema prirodi, počinje da se razvija pejzažno slikarstvo (u početku pod uticajem kineskih uzora).

Tokom stoljeća i po, japanski umjetnici su ovladali kineskim umjetničkim sistemom, čineći monohromatsko pejzažno slikarstvo vlasništvom nacionalne umjetnosti. Njegov najveći procvat vezuje se za ime izvanrednog majstora Toyo Oda (1420...1506), poznatijeg pod pseudonimom Sesshu. U svojim pejzažima, koristeći samo najfinije nijanse crnog mastila, uspeo je da odrazi sav raznobojni svet prirode i njenih bezbrojnih stanja: vlagom zasićenu atmosferu ranog proleća, nevidljivi, ali primetni vetar i hladnu jesenju kišu, nepomično zamrzavanje zime.

XVI vek otvara eru takozvanog kasnog srednjeg veka, koja je trajala tri i po veka. U to vrijeme, zidne slike postale su široko rasprostranjene, ukrašavajući palače vladara zemlje i velikih feudalaca. Jedan od osnivača novog smjera u slikarstvu bio je poznati majstor Kano Eitoku, koji je živio u drugoj polovini 16. stoljeća. Drvorez (drvorez), koji je doživio svoj procvat u 18....19. vijeku, postao je još jedna vrsta likovne umjetnosti srednjeg vijeka. Graviranje se, kao i žanrovsko slikarstvo, zvalo ukiyo-e (slike svakodnevnog svijeta). Pored umjetnika koji je izradio crtež i napisao svoje ime na gotovom listu, u izradi gravure su učestvovali rezbar i štampar. U početku je gravura bila jednobojna, ručno ju je bojio sam umjetnik ili kupac. Tada je izumljena dvobojna štampa, a 1765. godine umjetnik Suzuki Harunobu (1725...1770) prvi je koristio višebojnu štampu. Da bi to učinio, rezbar je stavio paus papir s uzorkom na posebno pripremljenu uzdužno rezanu ploču (od kruške, trešnje ili japanskog šimšira) i izrezao potreban broj tiskanih ploča ovisno o shemi boja gravure. Ponekad ih je bilo i više od 30. Nakon toga, štampač je, birajući željene nijanse, štampao na posebnom papiru. Njegova vještina je bila da postigne tačnu podudarnost kontura svake boje dobivene od različitih drvenih ploča. Sve gravure podijeljene su u dvije grupe: pozorišne, koje prikazuju glumce japanskog klasičnog teatra Kabuki u različitim ulogama, i svakodnevne, koje prikazuju ljepote i prizore iz njihovog života. Najpoznatiji majstor pozorišnog graviranja bio je Toshushai Sharaku, koji je u krupnom planu prikazivao lica glumaca, naglašavajući karakteristike uloge koju su igrali, karakteristične crte osobe koja se reinkarnira kao lik u predstavi: ljutnja, strah, okrutnost. , izdaja.

Takvi izvanredni umjetnici kao što su Suzuki Harunobu i Kitagawa Utamaro postali su poznati u svakodnevnom graviranju. Utamaro je bio kreator ženskih slika koje su oličavale nacionalni ideal ljepote. Čini se da su se njegove junakinje na trenutak ukočile i sada će nastaviti svoje glatko, graciozno kretanje. Ali ova pauza je najizrazitiji trenutak kada nagib glave, pokret ruke, silueta figure prenose osjećaje po kojima žive.

Najpoznatiji majstor graviranja bio je briljantni umjetnik Katsushika Hokusai (1776...1849). Hokusaijev rad je zasnovan na stoljetnoj slikarskoj kulturi Japana. Hokusai je napravio više od 30.000 crteža i ilustrovao oko 500 knjiga. Već sedamdesetogodišnjak, Hokusai je stvorio jedno od najznačajnijih djela - seriju "36 pogleda na Fuji", koja mu omogućava da se svrsta u ravan s najistaknutijim umjetnicima svjetske umjetnosti. Prikazujući planinu Fuji - nacionalni simbol Japana - sa različitih mjesta, Hokusai po prvi put otkriva sliku domovine i sliku naroda u njihovom jedinstvu. Umjetnik je život vidio kao jedinstven proces u svoj raznolikosti njegovih manifestacija, počevši od jednostavnih osjećaja čovjeka, njegovih svakodnevnih aktivnosti pa do okolne prirode sa njenim elementima i ljepotom. Hokusaijev rad, koji je upio stoljetno iskustvo umjetnosti njegovog naroda, posljednji je vrhunac u umjetničkoj kulturi srednjovjekovnog Japana, njegov izuzetan rezultat.