Uljane slike japanskih umjetnika. Umjetnici Japana - od antičkih vremena do danas

Japanski klasično slikarstvo ima dug i zanimljiva priča. Vizuelne umetnosti Japana su zastupljene u različitim stilovima i žanrovi, od kojih je svaki jedinstven na svoj način. Drevne oslikane figurice i geometrijski motivi pronađeni na dotaku brončanim zvonima i krhotinama keramike datiraju iz 300. godine nove ere.

Budistička orijentacija umjetnosti

U Japanu je umjetnost zidnog slikarstva bila prilično razvijena; u 6. stoljeću slike na temu filozofije budizma bile su posebno popularne. U to vrijeme u zemlji su se gradili veliki hramovi, a njihovi zidovi su posvuda bili ukrašeni freskama oslikanim prema zapletima budističkih mitova i legendi. Do sada su drevni uzorci zidnih slika sačuvani u hramu Horyuji u blizini japanskog grada Nara. Horyujijeve freske prikazuju scene iz života Bude i drugih bogova. Umjetnički stil ovih fresaka vrlo je blizak slikarskom konceptu popularnom u Kini za vrijeme dinastije Song.

Slikoviti stil dinastije Tang stekao je posebnu popularnost sredinom perioda Nara. Freske pronađene u grobnici Takamatsuzuka pripadaju ovom periodu i datiraju se oko 7. vijeka nove ere. Umjetnička tehnika, nastala pod uticajem dinastije Tang, kasnije je formirala osnovu žanra kara-e slikarstva. Ovaj žanr je zadržao svoju popularnost sve do pojave prvih djela u stilu yamato-e. Većina fresaka i slikarskih remek-djela su nepoznatih umjetnika, a danas se mnoga djela tog perioda čuvaju u riznici Sesoina.

Sve veći uticaj novih budističkih škola, kao što je Tendai, uticao je na široku versku orijentaciju. vizualna umjetnost Japan u 8. i 9. veku. U 10. vijeku, tokom kojeg se japanski budizam posebno razvija, pojavio se žanr raigozua, "slika dobrodošlice", koje prikazuju dolazak Bude u zapadni raj. Rani primjeri raigōzua koji datiraju iz 1053. godine mogu se vidjeti u hramu Bedo-in, koji se čuva u gradu Uji, prefektura Kjoto.

Promjena stilova

Sredinom Heian perioda, kineski kara-e stil zamijenjen je žanrom yamato-e, koji je dugo vremena postao jedan od najpopularnijih i najtraženijih žanrova japanskog slikarstva. Novi slikovni stil uglavnom je primijenjen na preklopne paravane i klizna vrata. Vremenom se yamato-e preselio na horizontalne svitke emakimona. Umjetnici koji su radili u žanru emaki pokušali su svojim radovima prenijeti svu emocionalnost odabrane radnje. Genji monogatari svitak se sastojao od nekoliko epizoda povezanih zajedno, što su koristili umjetnici tog vremena brzi udarci i jarkih, izražajnih boja.

E-maki je jedan od najstarijih i najistaknutijih primjera otoko-e, slikarskog žanra. muški portreti. Ženski portreti izdvojen kao zaseban žanr onna-e. Između ovih žanrova, zapravo, kao i između muškaraca i žena, postoje prilično značajne razlike. Onna-e stil je živopisno predstavljen u dizajnu Priče o Genđiju, gde su glavne teme crteža romantičnih zapleta, scene iz sudskog života. Muški stil otoko-e je pretežno umjetnička slika istorijske bitke i drugi važnih događaja u životu imperije.

Klasična japanska umjetnička škola postala je plodno tlo za razvoj i promociju ideja. savremena umetnost Japan, što jasno pokazuje uticaj pop kulture i animea. Jedan od najpoznatijih japanskih umjetnika našeg vremena je Takashi Murakami, čiji je rad posvećen prikazu scena iz japanskog života u poslijeratnom periodu i konceptu maksimalnog spoja likovne umjetnosti i mainstreama.

Od poznatih japanskih umjetnika klasična škola može se imenovati sljedeće.

Napet Shubun

Šubun je radio početkom 15. vijeka, posvećujući dosta vremena proučavanju djela kineskih majstora iz doba dinastije Song, ovaj čovjek je stajao na početku japanskog fini žanr. Šubun se smatra osnivačem sumi-e, monohromatskog slikanja tušem. Uložio je mnogo napora da popularizuje novi žanr, pretvarajući ga u jedan od vodećih trendova u japanskom slikarstvu. Šubunovi učenici bili su mnogi umjetnici koji su kasnije postali poznati, uključujući Sesshu i osnivača čuvene umetnička škola Kano Masanobu. Šubunu se pripisuju mnogi pejzaži, ali se njegovim najpoznatijim djelom tradicionalno smatra Čitanje u gaju bambusa.

Ogata Korin (1658-1716)

Ogata Korin je jedna od njih glavni umjetnici u istoriji japanskog slikarstva, osnivač i jedan od najsjajnijih predstavnika umjetnički stil rimpa. Korin je u svojim radovima hrabro odstupio od tradicionalnih stereotipa, formirajući svoje sopstveni stil, čije su glavne karakteristike bile male forme i živopisan impresionizam radnje. Korin je poznat po svojoj posebnoj vještini u prikazivanju prirode i radu sa apstraktnim kompozicijama boja. "Cvijet šljive crveno-bijeli" je jedan od najjačih poznata dela Poznate su i Ogata Korina, njegove slike "Hrizanteme", "Talasi Matsushime" i niz drugih.

Hasegawa Tohaku (1539-1610)

Tohaku je osnivač japanske umjetničke škole Hasegawa. Za rani period Tohakuov rad karakterizira utjecaj poznate škole japanskog slikarstva Kano, ali je s vremenom umjetnik formirao svoj jedinstveni stil. Na mnogo načina, Tohakuov rad je bio pod utjecajem rada priznatog majstora Sesshua, Hosegawa je čak sebe smatrao petim nasljednikom ovog velikog majstora. Primljena slika Hasegawe Tohakua "Pines". svjetska slava, poznata su i njegova djela “Javor”, “Borovi i cvjetnice” i druga.

Kano Eitoku (1543-1590)

Stil Kano škole je dominirao likovnom umjetnošću Japana oko četiri stoljeća, a Kanō Eitoku je možda jedan od najpoznatijih i istaknutih predstavnika ove umetničke škole. Eitoku je bio favorizovan od strane vlasti, pokroviteljstvo aristokrata i bogatih mecena nije moglo da ne doprinese jačanju njegove škole i popularnosti ovog dela, bez sumnje, veoma talentovani umetnik. Klizni paravan "Cypress" sa osam panela, koji je naslikao Eitoku Kano, pravo je remek djelo i odličan primjer opseg i moć Monoyama stila. Ništa manje zanimljivo izgledaju i druga djela majstora, kao što su "Ptice i drveće četiri godišnja doba", "Kineski lavovi", "Pustinjaci i vila" i mnogi drugi.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Hokusai - najveći majstor ukiyo-e (japanski drvorez). Hokusaijev rad je dobio svjetsko priznanje, njegova slava u drugim zemljama nije uporediva s popularnošću većine azijskih umjetnika, njegov rad " Veliki talas u Kanagawi" postao je nešto poput poslovna kartica Japanska likovna umjetnost na svjetskoj umjetničkoj sceni. Sama kreativan način Hokusai je koristio više od trideset pseudonima, nakon šezdesete umjetnik se u potpunosti posvetio umjetnosti i to vrijeme se smatra najplodnijim periodom njegovog stvaralaštva. Hokusaijev rad utjecao je na rad zapadnih impresionističkih i postimpresionističkih majstora, uključujući radove Renoira, Moneta i Van Gogha.

Umjetnost i dizajn

2702

01.02.18 09:02

Današnja umjetnička scena u Japanu je vrlo raznolika i provokativna: gledajući radove majstora iz Zemlje izlazećeg sunca, pomislit ćete da ste sletjeli na drugu planetu! Dom je inovatora koji su promijenili pejzaž industrije globalnoj skali. Evo liste 10 savremenih japanskih umjetnika i njihovih kreacija, od nevjerovatnih stvorenja Takashija Murakamija (koji danas slavi rođendan) do živopisnog svemira Kusame.

Od futurističkih svjetova do isprekidanih sazviježđa: savremeni japanski umjetnici

Takashi Murakami: tradicionalist i klasik

Počnimo sa junakom prilike! Takashi Murakami jedan je od najpoznatijih japanskih savremenih umjetnika, koji radi na slikama, velikim skulpturama i modi. Murakamijev stil je pod utjecajem mange i animea. Osnivač je pokreta Superflat, koji podržava japansku umjetničku tradiciju i poslijeratnu kulturu zemlje. Murakami je promovirao mnoge svoje kolege savremenike, neke od njih ćemo također upoznati danas. "Subkulturni" radovi Takashi Murakamija predstavljeni su na tržištu mode i umjetnosti. Njegov provokativni "Moj usamljeni kauboj" (1998.) prodat je u Njujorku na Sotbiju 2008. za rekordnih 15,2 miliona dolara. Murakami je sarađivao sa svjetski poznatim brendovima Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.

Tycho Asima i njen nadrealni univerzum

Članica umjetničke produkcijske kuće Kaikai Kiki i pokreta Superflat (oba osnovao Takashi Murakami), Chiho Ashima poznata je po svojim fantastičnim gradskim pejzažima i čudnim pop stvorenjima. Umjetnik stvara nadrealističke snove u kojima žive demoni, duhovi, mlade ljepotice prikazane u pozadini neobične prirode. Njeni radovi su obično velikih razmera i štampani na papiru, koži, plastici. 2006. godine ovaj moderni Japanski umetnik učestvovao u Art on the Underground u Londonu. Ona je stvorila 17 uzastopnih lukova za platformu - magični pejzaž se postepeno pretvarao iz dana u noć, iz urbanog u ruralni. Ovo čudo je procvjetalo na stanici metroa Gloucester Road.

Chiharu Shima i beskonačne niti

Drugi umjetnik, Chiharu Shiota, radi na velikim vizualnim instalacijama za određene znamenitosti. Rođena je u Osaki, ali sada živi u Njemačkoj - u Berlinu. Centralne teme njen rad je zaborav i sećanje, snovi i stvarnost, prošlost i sadašnjost, a takođe i sučeljavanje sa anksioznošću. Većina poznata dela Chiharu Shiota - neprobojne mreže od crnog konca, koje pokrivaju razne kućne i lične stvari - poput starih stolica, Vjenčanica, spaljeni klavir. U ljeto 2014. Shiota je povezala više od 300 cipela i čizama koje su joj donirane nitima od crvenog prediva i objesila ih na kuke. Prva izložba Tiharua u glavnom gradu Njemačke održana je u Berlinu sedmica umjetnosti 2016. godine i izazvao je senzaciju.

Hej Arakawa: svuda, ne bilo gdje

Ei Arakawa je inspiriran stanjima promjena, periodima nestabilnosti, elementima rizika, a njegove instalacije često simboliziraju teme prijateljstva i kolektivni rad. Kredo savremenog japanskog umetnika definisan je performativnim neodređenim "svuda ali nigde". Njegove kreacije pojavljuju se na neočekivanim mjestima. Godine 2013. Arakavin rad je bio izložen na Venecijanskom bijenalu i na izložbi japanske savremene umjetnosti u Mori Art Museum (Tokio). Instalacija Hawaiian Presence (2014) nastala je u saradnji sa umjetnicom Carissom Rodriguez iz New Yorka i predstavljena je na Whitney Biennaleu. Takođe 2014. godine, Arakawa i njegov brat Tomu, nastupajući kao duet pod nazivom United Brothers, ponudili su posetiocima Frieze London njihov "rad" "The This Soup Taste Ambivalent" sa "radioaktivnim" Fukushima daikon korenima.

Koki Tanaka: Odnos i ponavljanje

Koki Tanaka je 2015. godine proglašen za umjetnika godine. Tanaka istražuje zajedničko iskustvo kreativnosti i mašte, potiče razmjenu između učesnika u projektu i zalaže se za nova pravila za saradnju. Njegova instalacija u japanskom paviljonu na Venecijanskom bijenalu 2013. sastojala se od video zapisa objekata koji pretvaraju prostor u platformu za razmjenu umjetnosti. Instalacije Kokija Tanake (ne treba ih brkati s njegovim punim imenom glumca) ilustriraju odnos između objekata i radnji, kao što je video snimak jednostavnih gesta koji se izvode običnim predmetima (nožem rezanje povrća, sipanje piva u čašu, otvaranje kišobrana) . Ne dešava se ništa značajno, osim opsesivnog ponavljanja i pažnje najsitnijih detalja učinite da gledalac cijeni svakodnevno.

Mariko Mori i aerodinamičnim oblicima

Još jedna savremena japanska umjetnica, Mariko Mori, "dočara" multimedijalne objekte, kombinirajući video zapise, fotografije, objekte. Ima minimalističku futurističku viziju i uglađene, nadrealne forme. Tema koja se ponavlja u Mauryjevom radu je suprotstavljanje zapadnjačke legende sa zapadnom kulturom. Godine 2010. Mariko je osnovala Fau fondaciju, obrazovnu kulturnu neprofitna organizacija, za koju je izradila seriju svojih umjetničkih instalacija u čast šest naseljenih kontinenata. Nedavno je stalna instalacija Fondacije, Prsten: Jedno s prirodom, podignuta iznad slikovitog vodopada u Resendeu blizu Rio de Janeira.

Ryoji Ikeda: Sinteza zvuka i videa

Ryoji Ikeda je novi medijski umjetnik i kompozitor čiji se rad uglavnom odnosi na zvuk u različitim "sirovim" stanjima, od sinusoidnih zvukova do šumova koji koriste frekvencije na rubu ljudskog sluha. Njegove instalacije koje oduzimaju dah uključuju kompjuterski generisane zvukove koji se vizuelno pretvaraju u video projekcije ili digitalne šablone. Ikedini audiovizuelni umetnički objekti koriste razmeru, svetlost, senku, jačinu zvuka, elektronske zvukove i ritam. Umetnikov čuveni testni objekat sastoji se od pet projektora koji osvetljavaju prostor dužine 28 metara i širine 8 metara. Jedinica pretvara podatke (tekst, zvukove, fotografije i filmove) u bar kod i binarne obrasce nula i jedinica.

Tatsuo Miyajima i LED brojači

Savremeni japanski vajar i instalacijski umjetnik Tatsuo Miyajima koristi u svojoj umjetnosti električna kola, video, kompjuteri i drugi gedžeti. Miyajima su inspirisani osnovnim konceptima humanističkih ideja i budističkih učenja. LED brojila u njegovoj postavci neprekidno trepću u ponavljanju od 1 do 9, simbolizirajući putovanje od života do smrti, ali izbjegavajući konačnost koja je predstavljena 0 (nula se nikada ne pojavljuje u Tatsuovom radu). Sveprisutni brojevi u mrežama, tornjevima i dijagramima izražavaju Miyajimovo zanimanje za ideje kontinuiteta, vječnosti, povezanosti i protoka vremena i prostora. Ne tako davno, Miyajimin objekat Strela vremena prikazan je na inauguracionoj izložbi "Nepotpune misli vidljive u Njujorku".

Nara Yoshimoto i zla djeca

Nara Yoshimoto stvara slike, skulpture i crteže djece i pasa, teme koje odražavaju dječji osjećaj dosade i frustracije i žestoku nezavisnost koja je prirodna za malu djecu. Estetika Yoshimotoovog rada podsjeća na tradicionalnu ilustracije knjiga, mješavina je nelagodne napetosti i umjetnikove ljubavi prema punk rocku. 2011. godine, Muzej azijskog društva u Njujorku bio je domaćin prvog lična izložba Yoshimoto pod nazivom "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", koji pokriva dvadesetogodišnju karijeru savremenog japanskog umjetnika.Izložbe su bile usko povezane sa svjetskim omladinskim supkulturama, njihovom otuđenjem i protestom.

Yayoi Kusama i prostor koji raste u čudnim oblicima

Upadljivo kreativna biografija Yayoi Kusama traje sedam decenija. Za to vreme, neverovatna Japanka uspela je da prouči oblasti slikarstva, grafike, kolaža, skulpture, bioskopa, graviranja, ekološke umetnosti, instalacije, kao i književnosti, mode i dizajna odeće. Kusama je razvila veoma prepoznatljiv stil dot art koji je postao njen zaštitni znak. Iluzorne vizije predstavljene u radovima 88-godišnje Kusame - kada se čini da je svijet prekriven čudnim oblicima koji se razmnožavaju - rezultat su halucinacija koje je iskusila od djetinjstva. Prepoznatljive su sobe sa šarenim tačkama i "beskonačnim" ogledalima koja odražavaju njihove nakupine, ne mogu se pobrkati ni sa čim drugim.

Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju historiju je prošla veliki broj promjene. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a originalni japanski principi su ostali. Uz nevjerovatnu istoriju Japana, slika je spremna predstaviti i mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.

drevni japan

Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijem istorijskom periodu zemlje, čak i prije Krista. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e., bilo je raznih geometrijske figure koji su rađeni na grnčariji sa štapićima. Takav nalaz arheologa kao ukras na bronzanim zvonima pripada kasnijem vremenu.

Nešto kasnije, već 300. godine nove ere. e., pojaviti se pećinski crteži koje su mnogo raznovrsnije. geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Pronađeni su unutar kripta, a vjerovatno su ljudi koji su na njima naslikani sahranjeni u ovim grobljima.

U 7. veku nove ere. e. Japan usvaja pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odatle potiču i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.

edo

Edo je daleko od prve, a ne posljednje slike, ali upravo je ona donijela mnogo novih stvari u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedenoj u crno-sivim tonovima. Sotasu se smatra najistaknutijim umjetnikom ovog stila. On je stvorio klasične slike ali njegovi likovi su bili veoma šareni. Kasnije je prešao na prirodu, a većina pejzaža je rađena na pozadini pozlate.

Drugo, tokom Edo perioda pojavila se egzotika, namban žanr. Koristio je moderne evropske i Kineski tehničari koji su isprepleteni sa tradicionalnim japanskim stilovima.

I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici prvo u potpunosti oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.

Period modernizacije

Edo period zamjenjuje Meiji, a sada je japansko slikarstvo prisiljeno da uđe nova faza razvoj. U to vrijeme žanrovi poput vesterna i sličnih postaju popularni širom svijeta, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje stvari. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u dato vrijeme stvari su bile veoma različite od onoga što se dešavalo u drugim zemljama. Ovdje se naglo rasplamsava konkurencija između evropskih i domaćih tehničara.

Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji služe velika očekivanja poboljšati vještine u zapadnjačkim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Evropi i Americi.

Ali to je bilo tek na početku perioda. Činjenica je da zapaženih kritičara prilično kritizirao zapadnjačku umjetnost. Da bi se izbjegla velika pompa oko ovog problema, Evropski stilovi a tehnike su počele biti zabranjene na izložbama, njihovo izlaganje je prestalo, kao i njihova popularnost.

Pojava evropskih stilova

Zatim dolazi period Taisho. U to vrijeme u domovinu se vraćaju mladi umjetnici koji su otišli da studiraju u stranim školama. Naravno, oni sa sobom donose nove stilove japanskog slikarstva, koji su veoma slični evropskim. Pojavljuju se impresionizam i postimpresionizam.

U ovoj fazi formiraju se mnoge škole u kojima se oživljavaju drevni japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se riješiti zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili i ljubitelji klasike i ljubitelji modernog europskog slikarstva.

Neke škole finansira država, zahvaljujući čemu su očuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci su, s druge strane, prisiljeni slijediti primjer potrošača koji žele nešto novo, umorni su od klasike.

WWII painting

Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvija se zasebno i nezavisno. Ali nije moglo ovako da traje zauvek.

Vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i ugledne ličnosti privlače mnoge umjetnike. Neki od njih, još na početku rata, počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali počinju ovaj proces samo po nalogu nadležnih.

Shodno tome, japanska likovna umjetnost tokom Drugog svjetskog rata nije se mogla posebno razvijati. Stoga se za slikanje može nazvati stagnirajućim.

Eternal Suibokuga

Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". Ovo definira stil i tehniku ovu umjetnost. Došao je iz Kine, ali su Japanci odlučili da mu daju svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štaviše, u početku su crtali slike, a kasnije su trenirali koncentraciju dok su ih gledali. Monasi su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve što se naziva monohromatskim.

Slikanje japanskim tušem, unatoč širokoj raznolikosti slika i tehnika, nije tako komplicirano kao što se na prvi pogled čini. Zasnovan je na samo 4 parcele:

1. Krizantema.
2. Orhideja.
3. Grana šljive.
4. Bambus.

Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.

Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štaviše, danas možete sresti majstore ove škole ne samo u Japanu, već je rasprostranjena i daleko izvan njenih granica.

Moderni period

Krajem Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu cvjetala je samo u velikim gradovima, seljani i seljani imali su dovoljno briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa ratnim gubicima i na platnu dočarati savremeni urbani život sa svim njegovim ukrasima i obilježjima. Evropske i američke ideje su uspješno usvojene, ali takvo stanje nije dugo trajalo. Mnogi majstori počeli su se postepeno udaljavati od njih prema japanskim školama.

Tradicionalni stil je oduvijek bio moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvođenja ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.

O modernom da i ne govorimo moderne subkulture kao što su anime i slični stilovi. Mnogi umjetnici pokušavaju brisati granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom, ovakvo stanje je posljedica trgovine. Classics and tradicionalnim žanrovima u stvari, ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.

Zaključak

Japansko slikarstvo je nesumnjivo riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična država ostala jedina koja nije pratila zapadne trendove, nije se prilagođavala modi. Uprkos brojnim udarcima u vrijeme dolaska novih tehnika, umjetnici Japana ipak su uspjeli odbraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerovatno se zbog toga u moderno doba slike rađene u klasičnim stilovima visoko cijene na izložbama.

Volite li japansko slikarstvo? Koliko znate o poznatim japanskim umjetnicima? Pogledajmo najviše poznati umetnici Japan koji su stvarali svoja djela u stilu ukiyo-e (浮世絵). Ovaj stil slikarstva razvijen je od Edo perioda. Hijeroglifi koji pišu ovaj stil 浮世絵 doslovno znače "slike (slike) svijeta koji se mijenja", možete pročitati više o ovom smjeru slikanja

Hisikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Smatra se osnivačem ukiyo-e žanra, iako je, zapravo, tek prvi majstor čiji je život sačuvan. biografske informacije. Moronobu je rođen u porodici majstora bojenja tkanina i vezenja zlatnim i srebrnim nitima i dugo se bavi porodičnim zanatom, pa je obilježje njegovog rada lijepo ukrašena odjeća ljepotica, koja daje predivan umjetnički efekat. .

Nakon preseljenja u Edo, prvo je samostalno učio slikarske tehnike, a potom je slikar Kambun nastavio studije.

Do nas su došli uglavnom Moronobuovi albumi u kojima prikazuje istorijske i književne teme i knjige sa šarama za kimona. Majstor je radio i u žanru šunge, a među pojedinačnim radovima sačuvano je nekoliko slika lijepih žena.

(鳥居清長, 1752-1815). Priznat krajem 18. vijeka, Seki (Sekiguchi) majstor Shinsuke (Ishibei) nosio je pseudonim Torii Kiyonaga, koji je uzeo nakon što je naslijedio školu ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsua nakon njegove smrti.

Kiyonaga je rođen u porodici knjižara Shirakoya Ishibeija. Najveću slavu donio mu je žanr bidžinge, iako je počeo sa yakusha-e. Zapleti za gravure u žanru bidžinga preuzeti su iz svakodnevnog života: šetnje, svečane procesije, izlazak u prirodu. Među brojnim radovima umjetnika, serija "Takmičenje mondenih ljepotica iz zabavnih kvartova" koja prikazuje Minami, jedno od "zabavnih kvartova" na jugu Eda, "12 portreta južnjačkih ljepotica", "10 vrsta čajdžinica" isticati se. žig majstor je detaljno proučavao pozadinski pogled i upotrebu tehnika koje su došle sa Zapada za prikazivanje svjetlosti i prostora.

Kijonaga je svoju početnu slavu stekao nastavkom 1782. serije "Modeli mode: modeli novi kao proljetno lišće", koju je započeo Koryusai 1770-ih za izdavača Nishimurai Yohachi.

(喜多川歌麿, 1753-1806). Na ovog eminentnog ukiyo-e majstora značajno su utjecali Torii Kiyonaga i izdavač Tsutai Juzaburo. Kao rezultat dugogodišnje saradnje sa ovim poslednjim, objavljeni su brojni albumi, knjige sa ilustracijama i niz gravura.

Uprkos činjenici da je Utamaro uzimao priče iz života jednostavnih zanatlija i težio da prikaže prirodu („Knjiga insekata“), slava mu je došla kao umetnik radova posvećenih gejšama iz četvrti Yoshiwara („Yoshiwara Green Houses Yearbook“ ).

Utamaro je stigao visoki nivo u izražavanju mentalnih stanja na papiru. Po prvi put u japanskim drvorezima počele su se koristiti kompozicije sanduka.

Utamaro je djelo bio ono što je utjecalo francuski impresionisti i doprinio interesovanju Evropljana za japanske gravure.

(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusaijevo pravo ime je Tokitaro. Vjerovatno najpoznatiji ukiyo-e majstor širom svijeta. Tokom svog rada koristio je preko trideset pseudonima. Povjesničari često koriste pseudonime za periodizaciju njegovog rada.

U početku je Hokusai radio kao rezbar, čiji je rad bio ograničen umjetnikovom namjerom. Ova činjenica je opterećivala Hokusaija i on je počeo da traži sebe kao nezavisnog umetnika.

Godine 1778. postao je šegrt u ateljeu Katsukawa Shunshoa, koji se specijalizirao za yakusha-e printeve. Hokusai je bio i talentovan i veoma vredan učenik koji je uvek pokazivao poštovanje prema učitelju, i stoga je uživao posebnu naklonost Šunšoa. Dakle, prvi samostalan rad Hokusai su bili u yakusha-e žanru u obliku diptiha i triptiha, a popularnost učenika bila je jednaka popularnosti učitelja. U to vrijeme, mladi majstor je već toliko razvio svoj talenat da je u jednoj školi postala gužva, a nakon smrti učitelja, Hokusai je napustio studio i proučavao smjerove drugih škola: Kano, Sotatsu (inače Koetsu), Rinpa, Tosa.

Tokom ovog perioda, umetnik doživljava značajne finansijske poteškoće. Ali istovremeno se odvija i njegovo formiranje kao majstora, koji odbija uobičajenu sliku koju je tražilo društvo i traži svoj stil.

Godine 1795. objavljene su ilustracije za poetsku antologiju Keka Edo Murasaki. Tada je Hokusai naslikao surimono slike, koje su odmah počele biti popularne, a mnogi umjetnici su ih počeli oponašati.

Od tog perioda, Tokitaro počinje da potpisuje svoja dela imenom Hokusai, iako su neka od njegovih dela objavljena pod pseudonimima Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

Godine 1800. majstor je sebe počeo zvati Gakejin Hokusai, što znači "slikajući ludog Hokusaija".

Poznata serija ilustracija uključuje “36 pogleda na planinu Fuji”, od kojih je “Pobjednički vjetar. Clear Day" ili "Red Fuji" i "The Great Wave off Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji", objavljena u tri albuma, "Hokusai Manga" (北斎漫画), koji se naziva "enciklopedija Japanci". Umjetnik je u "Mangu" uložio sve svoje poglede na kreativnost, filozofiju. "Manga" je najvažniji izvor za proučavanje života Japana u to vrijeme, jer uključuje mnoge kulturne aspekte. Ukupno je za života umjetnika objavljeno dvanaest brojeva, a nakon njegove smrti - još tri:

* 1815. - II, III

* 1817. - VI, VII

* 1849 - XIII (nakon smrti umjetnika)

Hokusaijeva umjetnost je utjecala na evropske pokrete kao što su secesija i francuski impresionizam.

(河鍋暁斎, 1831-1889). Koristio je pseudonime Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, studirao je u školi Kano.

Za razliku od Hokusaija, Kyosai je bio prilično drzak, zbog čega se posvađao sa umjetnikom Tsuboyamom Tozanom. Nakon škole je postao samostalni majstor, iako ju je ponekad posjećivao još pet godina. U to vrijeme je slikao kyogu, takozvane "lude slike".

Među izvanrednim gravurama izdvaja se „Sto Kyosaijevih slika“. Kao ilustrator, Kyosai sarađuje s drugim umjetnicima na stvaranju ilustracija za kratke priče i romane.

Krajem 19. vijeka Evropljani su često posjećivali Japan. Umjetnik je bio upoznat s nekima od njih, a nekoliko njegovih radova danas se nalazi u Britanskom muzeju.

(歌川広重, 1797-1858). Radio je pod pseudonimom Ando Hiroshige (安藤広重) i poznat je po svom suptilnom prikazivanju prirodnih motiva i prirodnih fenomena. Prvu sliku "Planina Fudži u snijegu", koja se danas čuva u muzeju Suntory u Tokiju, napisao je sa deset godina. Parcele rani radovi na osnovu stvarni događaji odvija na ulicama. Njegovi poznati ciklusi: "100 pogleda na Edo", "36 pogleda na planinu Fuji", "53 tokaido stanice", "69 kimokaido stanica", "100 poznatih pogleda na Edo". Monet i ruski umjetnik Bilibin bili su pod velikim utjecajem 53 stanice Tokaido puta, naslikanih nakon putovanja duž East Seaside Roada, kao i 100 pogleda na Edo. Iz serije kacho-ga od 25 gravura najpoznatiji je list „Vrapci nad snijegom prekrivenom kamelijom“.

(歌川 国貞, poznat i kao Utagawa Toyokuni III (jap. 三代歌川豊国)). Jedan od mnogih izuzetnih umjetnika ukiyo-e.

Posebnu pažnju posvetio je kabuki glumcima i samom pozorištu - to je oko 60% svih radova. Poznata su i djela u žanru bidžinga i portreti sumo rvača. Poznato je da je stvorio od 20 do 25 hiljada priča, koje su uključivale 35-40 hiljada listova. Retko se obraćao pejzažima i ratnicima. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798. - 1861.) Rođen u porodici farbača svile. Kuniyoshi je počeo učiti crtanje sa deset godina dok je živio u njihovoj porodici umjetnika Kuninaoa. Zatim je nastavio da uči kod Katsukawa Shun'eija, a sa 13 godina je ušao u radionicu Tokuyonija. Prvih godina mladog umjetnika stvari ne idu dobro. Ali nakon što je od izdavača Kagaya Kitibeija dobio narudžbu za pet otisaka za seriju 108 Suikoden Heroes, stvari su krenule. On kreira preostale likove u ovoj seriji, a zatim prelazi na druge razne poslove i nakon petnaest godina je u rangu sa Utagawom Hiroshigeom i Utagawom Kunisadom.

Nakon zabrane slika iz 1842 pozorišne scene, glumci, gejše i kurtizane, Kuniyoshi piše svoju "mačku" seriju, izrađuje gravure iz edukativne serije za domaćice i djecu, prikazuje nacionalni heroji u seriji "Tradicije, moral i dekanat", a krajem 1840-ih - početkom 1850-ih, nakon ublažavanja zabrana, umjetnik se vraća temi kabukija.

(渓斎英泉, 1790-1848). Poznat po svojim radovima u žanru nadmetanja. Njegovo najbolje djelo uključuje portrete tipa okubi-e ("velike glave"), koji se smatraju primjerima zanatskog umijeća iz ere Bunsei (1818-1830), kada je žanr ukiyo-e bio u opadanju. Umjetnik je napisao mnogo lirskih i erotskih surimona, kao i ciklus pejzaža "Šezdeset devet stanica Kisokaida", koji nije mogao dovršiti, a Hirošige ga je završio.

Novost u prikazu bidžinge bila je senzualnost koju drugi umjetnici ranije nisu imali. Iz njegovih radova možemo razumjeti modu tog vremena. Takođe je objavio biografije Četrdeset i sedam Ronina i napisao nekoliko drugih knjiga, uključujući Istoriju Ukijo-e grafika (Ukiyo-e ruiko), koja sadrži biografije umetnika. A u Bilješkama bezimenog starca opisao je sebe kao pokvarenog pijanca i bivšeg vlasnika bordela Nezu koji je izgorio do temelja 1830-ih.

Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770) Pravo ime umjetnika je Hozumi Jirobei. On je pionir ukiyo-e polihromne štampe. Studirao je u školi Kano i studirao slikarstvo. Zatim, pod uticajem Šigenage Nišimure i Torije Kijomitsua, drvorez je postao njegova strast. Od početka 18. veka rade se otisci u dve ili tri boje, a Harunobu je počeo da slika slike u deset boja, koristeći tri ploče i kombinujući tri boje - žutu, plavu i crvenu.

Isticao se prikazom uličnih scena i slikama u žanru šunga. A od 1760-ih, bio je jedan od prvih koji je počeo glumiti glumce kabuki teatra. Njegov rad je uticao na E. Maneta i E. Degasa.

(小原古邨, 1877 - 1945). Njegovo pravo ime je Matao Ohara. Prikazane scene iz rusko-japanskog i kinesko-japanskog rata. Međutim, nakon pojave fotografije, njegovi radovi počeli su se slabo prodavati, te je počeo zarađivati ​​za život predavajući u školi. likovne umjetnosti u Tokiju. Godine 1926. Ernest Felloza, kustos odjela Japanska umjetnost u Bostonskom muzeju, ubedio je Ohara da se vrati slikarstvu, a umetnik je počeo da prikazuje ptice i cveće, a njegovi radovi su se dobro prodavali u inostranstvu.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Isticao se među ostalim umjetnicima svojom ekscentričnosti i životnim stilom, koji se sastojao u prijateljstvu sa mnogim kulturnim i vjerske vođe tog vremena. Prikazane životinje, cvijeće i ptice na vrlo egzotičan način. Bio je veoma poznat i primao je narudžbine za slikanje paravana i hramskih slika.

(鳥居清信, 1664-1729). Jedan od najvažnijih predstavnika ranog ukiyo-e perioda. Uprkos velikom uticaju svog učitelja Hisikawe Monorobua, postao je osnivač yakusha-e žanra u prikazivanju postera i postera i izmislio svoj stil. Glumci su u ulozi prikazani u posebnim pozama hrabri heroji i bili su ofarbani
plemenito narandžasta boja i zlikovci su bili uvučeni plavo cveće. Da bi prikazao strast, umjetnik je izumio posebnu vrstu mimizugaki uzorka - to su krivudave linije s naizmjeničnim tankim i debelim potezima i u kombinaciji s grotesknom slikom mišića udova.

Torii Kiyonobu je osnivač Torii dinastije umjetnika. Njegovi učenici su bili Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu.

Ko je vaš omiljeni ukiyo-e umjetnik?

Japanski jezik se razlikuje od bilo kojeg evropskog jezika po svojoj strukturi, što može uzrokovati određene poteškoće u učenju. Međutim, ne brinite! Posebno za vas, razvili ste kurs "", na koji se možete prijaviti odmah!