ภาพเขียนสีน้ำมันโดยศิลปินชาวญี่ปุ่น ศิลปินญี่ปุ่น - ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน

ญี่ปุ่น จิตรกรรมคลาสสิกมีความยาวและ เรื่องราวที่น่าสนใจ. ทัศนศิลป์ของญี่ปุ่นเป็นตัวแทนใน หลากสไตล์และแนวเพลงซึ่งแต่ละประเภทมีเอกลักษณ์ในแบบของตัวเอง รูปแกะสลักโบราณและลวดลายเรขาคณิตที่พบในระฆังทองแดงดอตาคุและเศษเครื่องปั้นดินเผามีอายุย้อนไปถึงปีค.ศ. 300

การวางแนวพุทธศิลป์

ในญี่ปุ่นศิลปะการเพ้นท์ฝาผนังได้รับการพัฒนาค่อนข้างดี ในศตวรรษที่ 6 ภาพที่เกี่ยวกับปรัชญาของพระพุทธศาสนาได้รับความนิยมเป็นพิเศษ ในเวลานั้นมีการสร้างวัดขนาดใหญ่ในประเทศและผนังของพวกเขาทุกแห่งตกแต่งด้วยจิตรกรรมฝาผนังตามแผนการของตำนานและตำนานทางพุทธศาสนา จนถึงปัจจุบัน ตัวอย่างภาพวาดฝาผนังโบราณได้รับการเก็บรักษาไว้ที่วัดโฮริวจิใกล้กับเมืองนาราของญี่ปุ่น ภาพเฟรสโกของโฮริวจิแสดงฉากชีวิตของพระพุทธเจ้าและเทพเจ้าอื่นๆ รูปแบบศิลปะของจิตรกรรมฝาผนังเหล่านี้ใกล้เคียงกับแนวความคิดเกี่ยวกับภาพที่เป็นที่นิยมในประเทศจีนในสมัยราชวงศ์ซ่ง

รูปแบบที่งดงามของราชวงศ์ถังได้รับความนิยมเป็นพิเศษในช่วงกลางของสมัยนารา จิตรกรรมฝาผนังที่พบในหลุมฝังศพของทาคามัตสึซึกะเป็นของยุคนี้และมีอายุราวๆ คริสตศตวรรษที่ 7 เทคนิคศิลปะก่อตั้งขึ้นภายใต้อิทธิพลของราชวงศ์ถัง ต่อมาได้กลายเป็นพื้นฐานของประเภทจิตรกรรมการาเอะ ประเภทนี้ยังคงได้รับความนิยมจนกระทั่งมีผลงานชิ้นแรกในสไตล์ยามาโตะเอะ ภาพเฟรสโกและผลงานชิ้นเอกของภาพส่วนใหญ่เป็นของศิลปินที่ไม่รู้จัก ปัจจุบันงานจำนวนมากในสมัยนั้นถูกเก็บไว้ในคลัง Sesoin

อิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของโรงเรียนพุทธศาสนาใหม่ เช่น Tendai ส่งผลต่อการปฐมนิเทศทางศาสนาในวงกว้าง ทัศนศิลป์ประเทศญี่ปุ่นในคริสต์ศตวรรษที่ 8 และ 9 ในศตวรรษที่ 10 ในระหว่างที่ศาสนาพุทธของญี่ปุ่นพัฒนาขึ้นโดยเฉพาะ ประเภทของ raigozu "ภาพเขียนต้อนรับ" ซึ่งแสดงถึงการมาถึงของพระพุทธเจ้าในสวรรค์ตะวันตกได้ปรากฏขึ้น ตัวอย่างแรกๆ ของ raigōzu ย้อนหลังไปถึง 1053 สามารถดูได้ที่วัด Bedo-in ซึ่งได้รับการอนุรักษ์ไว้ในเมือง Uji จังหวัดเกียวโต

เปลี่ยนสไตล์

ในช่วงกลางของสมัยเฮอัน รูปแบบการะเอะของจีนถูกแทนที่ด้วยประเภทยามาโตะเอะ ซึ่งเป็นเวลานานกลายเป็นหนึ่งในประเภทจิตรกรรมญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมและเป็นที่ต้องการมากที่สุด รูปแบบภาพใหม่นี้ใช้กับฉากกั้นพับและประตูบานเลื่อนเป็นหลัก เมื่อเวลาผ่านไป yamato-e ย้ายไปที่ม้วนหนังสือแนวนอนของ emakimono ศิลปินที่ทำงานในประเภท emaki พยายามถ่ายทอดอารมณ์ทั้งหมดของพล็อตที่เลือกในงานของพวกเขา ม้วนกระดาษเก็นจิโมโนกาตาริประกอบด้วยหลายตอนเชื่อมต่อกัน ศิลปินในสมัยนั้นใช้ จังหวะเร็วและสีสดใสที่แสดงออก

E-maki เป็นหนึ่งในตัวอย่างที่เก่าแก่และโดดเด่นที่สุดของ otoko-e ซึ่งเป็นประเภทการวาดภาพ ภาพเหมือนชาย. รูปผู้หญิงแยกออกเป็นประเภทที่แยกจากกันของ onna-e ระหว่างประเภทเหล่านี้ อันที่จริง เช่นเดียวกับระหว่างชายและหญิง มีความแตกต่างกันค่อนข้างมาก สไตล์ออนนะเอะถูกนำเสนออย่างมีสีสันในการออกแบบของนิทานของเก็นจิ ซึ่งธีมหลักของภาพวาดคือ แผนโรแมนติก, ฉากจากชีวิตในศาล สไตล์ผู้ชายของ otoko-e เด่นกว่า ภาพศิลปะ การต่อสู้ทางประวัติศาสตร์และคนอื่น ๆ เหตุการณ์สำคัญในชีวิตของอาณาจักร

โรงเรียนศิลปะคลาสสิกของญี่ปุ่นได้กลายเป็นพื้นที่อุดมสมบูรณ์สำหรับการพัฒนาและส่งเสริมความคิด ศิลปะร่วมสมัยญี่ปุ่นซึ่งแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงอิทธิพลของวัฒนธรรมป๊อปและอนิเมะ ศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดคนหนึ่งในยุคของเราคือ Takashi Murakami ซึ่งผลงานของเขาทุ่มเทให้กับการวาดภาพฉากจากชีวิตชาวญี่ปุ่นในยุคหลังสงครามและแนวคิดของการหลอมรวมสูงสุดของวิจิตรศิลป์และกระแสหลัก

จากศิลปินชื่อดังของญี่ปุ่น โรงเรียนคลาสสิคต่อไปนี้สามารถตั้งชื่อได้

เครียด ชูบุน

ชูบุนทำงานเมื่อต้นศตวรรษที่ 15 อุทิศเวลาให้กับการศึกษาผลงานของปรมาจารย์ชาวจีนในสมัยราชวงศ์ซ่งเป็นอย่างมาก ชายผู้นี้ยืนอยู่ที่จุดกำเนิดของญี่ปุ่น ประเภทที่ดี. ชูบุนถือเป็นผู้ก่อตั้งภาพวาดหมึกขาวดำ sumi-e เขาพยายามอย่างมากที่จะเผยแพร่แนวเพลงใหม่นี้ให้กลายเป็นหนึ่งในแนวโน้มชั้นนำในการวาดภาพญี่ปุ่น ลูกศิษย์ของชุบุนเป็นศิลปินมากมายที่ต่อมามีชื่อเสียง รวมทั้งเส็ตชู และผู้ก่อตั้งที่มีชื่อเสียง โรงเรียนศิลปะคาโนะ มาซาโนบุ. ภูมิประเทศหลายแห่งมีสาเหตุมาจากชุบุน แต่งานที่มีชื่อเสียงที่สุดของเขาถือเป็นงานอ่านในป่าไผ่ตามประเพณี

โอกาตะ โคริน (1658-1716)

Ogata Korin เป็นหนึ่งใน ศิลปินหลักในประวัติศาสตร์จิตรกรรมญี่ปุ่น ผู้ก่อตั้งและตัวแทนที่ฉลาดที่สุดคนหนึ่ง สไตล์ศิลปะริมปา Korin ก้าวออกจากแบบแผนดั้งเดิมในผลงานของเขาอย่างกล้าหาญโดยสร้างของตัวเองขึ้นมา สไตล์ของตัวเองซึ่งมีลักษณะเด่นคือรูปแบบขนาดเล็กและพล็อตเรื่องอิมเพรสชั่นนิสม์ที่สดใส Korin เป็นที่รู้จักในด้านทักษะเฉพาะของเขาในการวาดภาพธรรมชาติและการทำงานกับองค์ประกอบสีที่เป็นนามธรรม “ดอกพลัมสีแดงขาว” เป็นที่สุดอย่างหนึ่ง ผลงานที่มีชื่อเสียง Ogata Korina ภาพวาดของเขา "Chrysanthemums", "Waves of Matsushima" และอีกจำนวนหนึ่งก็เป็นที่รู้จัก

ฮาเซงาวะ โทฮาคุ (1539-1610)

Tohaku เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนศิลปะญี่ปุ่น Hasegawa สำหรับ ช่วงต้นผลงานของ Tohaku โดดเด่นด้วยอิทธิพลของโรงเรียนจิตรกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียง Kano แต่เมื่อเวลาผ่านไปศิลปินก็สร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองขึ้นมา ในหลาย ๆ ด้าน งานของ Tohaku ได้รับอิทธิพลจากผลงานของอาจารย์ Sesshu ที่ได้รับการยอมรับ โฮเซกาวะถึงกับคิดว่าตัวเองเป็นผู้สืบทอดตำแหน่งที่ห้าของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่คนนี้ ภาพวาด "ต้นสน" ของ Hasegawa Tohaku ได้รับ ชื่อเสียงระดับโลกผลงานของเขา "เมเปิ้ล", "ต้นสนและไม้ดอก" และอื่น ๆ ก็เป็นที่รู้จัก

คาโนะ เอโทคุ (1543-1590)

รูปแบบโรงเรียนKanōครอบงำวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นมาเป็นเวลาประมาณสี่ศตวรรษและKanō Eitoku อาจเป็นหนึ่งในศิลปะที่มีชื่อเสียงที่สุดและ ตัวแทนที่โดดเด่นโรงเรียนศิลปะแห่งนี้ เจ้าหน้าที่ Eitoku เป็นที่ชื่นชอบการอุปถัมภ์ของขุนนางและผู้อุปถัมภ์ที่ร่ำรวยไม่สามารถสนับสนุนการเสริมสร้างความเข้มแข็งของโรงเรียนของเขาและความนิยมของงานนี้อย่างไม่ต้องสงสัย ศิลปินมากความสามารถ. หน้าจอเลื่อนแปดแผง "Cypress" วาดโดย Eitoku Kano เป็นผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงและ ตัวอย่างสำคัญขอบเขตและพลังของสไตล์โมโนยามะ ผลงานอื่นๆ ของอาจารย์ดูน่าสนใจไม่น้อย เช่น "นกและต้นไม้สี่ฤดู", "สิงโตจีน", "ฤาษีและนางฟ้า" และอื่นๆ อีกมากมาย

คัตสึชิกะ โฮคุไซ (1760-1849)

โฮคุไซ - ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ukiyo-e (ไม้ญี่ปุ่น) ผลงานของ Hokusai ได้รับการยอมรับไปทั่วโลก ชื่อเสียงของเขาในประเทศอื่นๆ เทียบไม่ได้กับความนิยมของศิลปินเอเชียส่วนใหญ่ ผลงานของเขา " คลื่นลูกใหญ่ที่คานางาวะ" กลายเป็นประมาณว่า นามบัตรวิจิตรศิลป์ญี่ปุ่นในฉากศิลปะโลก ด้วยตัวเอง ทางสร้างสรรค์โฮคุไซใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบนาม หลังจากหกสิบแล้ว ศิลปินได้อุทิศตนให้กับงานศิลปะทั้งหมด และคราวนี้ถือเป็นช่วงที่ผลงานของเขาเกิดผลมากที่สุด งานของ Hokusai มีอิทธิพลต่องานของ Western Impressionist และ Post-Impressionist masters รวมทั้งงานของ Renoir, Monet และ van Gogh

ศิลปะและการออกแบบ

2702

01.02.18 09:02

ฉากศิลปะในญี่ปุ่นวันนี้มีความหลากหลายและเร้าใจมาก เมื่อดูผลงานของปรมาจารย์จากดินแดนอาทิตย์อุทัย คุณจะคิดว่าคุณได้ลงจอดบนดาวดวงอื่นแล้ว! เป็นที่ตั้งของนักประดิษฐ์ที่เปลี่ยนภูมิทัศน์ของอุตสาหกรรมใน ระดับโลก. นี่คือรายชื่อศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย 10 คนและการสร้างสรรค์ของพวกเขา ตั้งแต่สิ่งมีชีวิตที่น่าทึ่งของทาคาชิ มูราคามิ (ซึ่งกำลังฉลองวันเกิดของเขาในวันนี้) ไปจนถึงจักรวาลที่เต็มไปด้วยสีสันของคุซามะ

จากโลกอนาคตสู่กลุ่มดาวกระจาย: ศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย

Takashi Murakami: นักอนุรักษนิยมและความคลาสสิค

มาเริ่มกันที่ฮีโร่แห่งโอกาส! ทาคาชิ มูราคามิเป็นหนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่โดดเด่นที่สุดของญี่ปุ่น ทำงานเกี่ยวกับภาพวาด ประติมากรรมขนาดใหญ่ และแฟชั่น สไตล์ของมูราคามิได้รับอิทธิพลจากมังงะและอนิเมะ เขาเป็นผู้ก่อตั้งขบวนการ Superflat ซึ่งสนับสนุนประเพณีศิลปะของญี่ปุ่นและวัฒนธรรมหลังสงครามของประเทศ มูราคามิได้เลื่อนตำแหน่งเพื่อนร่วมรุ่นของเขาหลายคน เราจะมาทำความรู้จักกับพวกเขาในวันนี้ด้วย ผลงาน "วัฒนธรรมย่อย" โดย Takashi Murakami นำเสนอในตลาดแฟชั่นและศิลปะ ความยั่วยวนของเขา My Lonesome Cowboy (1998) ถูกขายในนิวยอร์กที่ Sotheby's ในปี 2008 ในราคา 15.2 ล้านเหรียญสหรัฐ Murakami ได้ร่วมมือกับแบรนด์ดังระดับโลกอย่าง Marc Jacobs, Louis Vuitton และ Issey Miyake

Tycho Asima และจักรวาลเหนือจริงของเธอ

สมาชิกของบริษัทผลิตงานศิลปะ Kaikai Kiki และขบวนการ Superflat (ทั้งสองก่อตั้งโดย Takashi Murakami) Chiho Ashima เป็นที่รู้จักจากภาพเมืองแฟนตาซีและสิ่งมีชีวิตป๊อปแปลก ๆ ศิลปินสร้างความฝันเหนือจริงที่อาศัยอยู่โดยปีศาจ ผี และสาวงามท่ามกลางฉากหลังของธรรมชาติที่แปลกประหลาด ผลงานของเธอมักเป็นงานขนาดใหญ่และพิมพ์บนกระดาษ หนัง พลาสติก ในปี 2549 ความทันสมัยนี้ ศิลปินชาวญี่ปุ่นเข้าร่วม Art on the Underground ในลอนดอน เธอได้สร้างซุ้มโค้ง 17 โค้งต่อเนื่องกันสำหรับแท่น - ภูมิทัศน์มหัศจรรย์ค่อยๆ เปลี่ยนจากกลางวันเป็นกลางคืน จากในเมืองสู่ชนบท ปาฏิหาริย์นี้เบ่งบานที่สถานีรถไฟใต้ดิน Gloucester Road

Chiharu Shima และ Infinite Threads

ศิลปินอีกคนหนึ่งชื่อ Chiharu Shiota กำลังทำงานเกี่ยวกับการจัดวางภาพขนาดใหญ่สำหรับจุดสังเกตเฉพาะ เธอเกิดที่โอซาก้า แต่ตอนนี้อาศัยอยู่ที่เยอรมนี - ที่เบอร์ลิน ธีมกลางงานของเธอคือการลืมเลือนความทรงจำ ความฝันและความเป็นจริง ทั้งในอดีตและปัจจุบัน และการเผชิญหน้ากับความวิตกกังวล ที่สุด ผลงานที่มีชื่อเสียงชิฮารุ ชิโอตะ - ตาข่ายสีดำที่เจาะทะลุไม่ได้ ครอบคลุมของใช้ในบ้านและของใช้ส่วนตัวต่างๆ - เช่น เก้าอี้เก่า ชุดแต่งงาน, เปียโนที่ถูกเผา ในฤดูร้อนปี 2014 ชิโอตะเชื่อมโยงรองเท้าและรองเท้าบูทมากกว่า 300 ตัวที่บริจาคให้กับเธอด้วยด้ายสีแดงและแขวนไว้บนตะขอ นิทรรศการครั้งแรกของ Tiharu ในเมืองหลวงของเยอรมนีเกิดขึ้นระหว่างเบอร์ลิน สัปดาห์ศิลปะในปี 2559 และทำให้เกิดความรู้สึก

เฮ้ อาราคาวะ: ทุกที่ ไม่ใช่ทุกที่

Ei Arakawa ได้รับแรงบันดาลใจจากสภาวะของการเปลี่ยนแปลง ช่วงเวลาของความไม่มั่นคง องค์ประกอบของความเสี่ยง และการติดตั้งของเขามักเป็นสัญลักษณ์ของมิตรภาพและ แรงงานส่วนรวม. ความเชื่อของศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัยถูกกำหนดโดยการแสดงที่ไม่แน่นอน "ทุกที่ แต่ไม่มีที่ไหนเลย" การสร้างสรรค์ของเขาปรากฏขึ้นในสถานที่ที่คาดไม่ถึง ในปี 2013 ผลงานของ Arakawa ได้จัดแสดงที่ Venice Biennale และในนิทรรศการศิลปะร่วมสมัยของญี่ปุ่นที่ Mori Art Museum (Tokyo) งานติดตั้ง Hawaiian Presence (2014) เป็นความร่วมมือกับ Carissa Rodriguez ศิลปินจากนิวยอร์กและจัดแสดงที่ Whitney Biennale นอกจากนี้ในปี 2014 อาราคาวะและโทมุน้องชายของเขาซึ่งแสดงเป็นคู่ที่ชื่อว่า United Brothers ได้เสนอ "งาน" ของพวกเขา "The This Soup Taste Ambivalent" ให้ผู้มาเยี่ยมชม Frieze London ด้วยรากไดคอน "กัมมันตภาพรังสี" ของฟุกุชิมะ

Koki Tanaka: ความสัมพันธ์และการทำซ้ำ

ในปี 2015 Koki Tanaka ได้รับรางวัล Artist of the Year Tanaka สำรวจประสบการณ์ร่วมกันของความคิดสร้างสรรค์และจินตนาการ สนับสนุนการแลกเปลี่ยนระหว่างผู้เข้าร่วมโครงการ และสนับสนุนกฎใหม่สำหรับการทำงานร่วมกัน ผลงานการติดตั้งของเขาในศาลาญี่ปุ่นที่งาน Venice Biennale ปี 2013 ประกอบด้วยวิดีโอเกี่ยวกับวัตถุที่เปลี่ยนพื้นที่ให้เป็นเวทีแลกเปลี่ยนงานศิลปะ สถานที่ปฏิบัติงานของ Koki Tanaka (เพื่อไม่ให้สับสนกับนักแสดงชื่อเต็มของเขา) แสดงให้เห็นถึงความสัมพันธ์ระหว่างวัตถุและการกระทำ เช่น การบันทึกวิดีโอท่าทางง่ายๆ ที่ทำกับวัตถุธรรมดา (มีดหั่นผัก เบียร์ถูกเทลงในแก้ว เปิดร่ม) . ไม่มีอะไรสำคัญเกิดขึ้น มีแต่ความซ้ำซากจำเจและใส่ใจ รายละเอียดที่เล็กที่สุดทำให้ผู้ดูเห็นคุณค่าทางโลกีย์

Mariko Mori และรูปทรงเพรียวบาง

มาริโกะ โมริ ศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นอีกคน "เสก" วัตถุมัลติมีเดีย รวมวิดีโอ ภาพถ่าย วัตถุ เธอมีวิสัยทัศน์แห่งอนาคตแบบมินิมอลและรูปแบบที่เหนือจริงและโฉบเฉี่ยว ธีมที่ซ้ำซากในงานของ Maury คือการผสมผสานระหว่างตำนานตะวันตกกับวัฒนธรรมตะวันตก ในปี 2010 มาริโกะได้ก่อตั้งมูลนิธิ Fau ซึ่งเป็นวัฒนธรรมทางการศึกษา องค์กรไม่แสวงผลกำไรซึ่งเธอได้ผลิตชุดงานศิลปะของเธอเพื่อเป็นเกียรติแก่หกทวีปที่มีผู้คนอาศัยอยู่ ล่าสุด The Ring: One with Nature ซึ่งเป็นสถานที่ติดตั้งถาวรของมูลนิธิถูกยกขึ้นเหนือน้ำตกที่งดงามใน Resende ใกล้เมืองริโอเดจาเนโร

Ryoji Ikeda: การสังเคราะห์เสียงและวิดีโอ

Ryoji Ikeda เป็นศิลปินและนักแต่งเพลงหน้าใหม่ซึ่งงานส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับเสียงในสถานะ "ดิบ" ที่แตกต่างกันตั้งแต่เสียงไซน์ไปจนถึงเสียงโดยใช้ความถี่ที่ขอบของการได้ยินของมนุษย์ การติดตั้งที่น่าทึ่งของเขารวมถึงเสียงที่สร้างด้วยคอมพิวเตอร์ซึ่งถูกแปลงเป็นภาพวิดีโอหรือเทมเพลตดิจิทัล งานศิลปะภาพและเสียงของ Ikeda ใช้มาตราส่วน แสง เงา ระดับเสียง เสียงอิเล็กทรอนิกส์ และจังหวะ วัตถุทดสอบที่มีชื่อเสียงของศิลปินประกอบด้วยเครื่องฉายภาพห้าเครื่องที่ส่องสว่างในพื้นที่ยาว 28 เมตรและกว้าง 8 เมตร หน่วยแปลงข้อมูล (ข้อความ เสียง ภาพถ่าย และภาพยนตร์) เป็นบาร์โค้ดและรูปแบบไบนารีของศูนย์และคน

ทัตสึโอะ มิยาจิมะและเคาน์เตอร์ LED

ศิลปินประติมากรและการติดตั้งชาวญี่ปุ่นร่วมสมัย ทัตสึโอะ มิยาจิมะ ใช้ในงานศิลปะของเขา วงจรไฟฟ้า, วิดีโอ, คอมพิวเตอร์และอุปกรณ์อื่นๆ แนวคิดหลักของมิยาจิมะได้รับแรงบันดาลใจจาก ความคิดเห็นอกเห็นใจและคำสอนทางพระพุทธศาสนา ตัวนับ LED ในการตั้งค่าของเขาจะกะพริบต่อเนื่องเป็น 1 ถึง 9 ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการเดินทางจากชีวิตสู่ความตาย แต่หลีกเลี่ยงจุดสิ้นสุดที่แสดงด้วย 0 (ศูนย์ไม่เคยปรากฏในงานของ Tatsuo) ตัวเลขที่แพร่หลายในตาราง เสา และไดอะแกรมแสดงถึงความสนใจของมิยาจิมะในแนวคิดเรื่องความต่อเนื่อง นิรันดร การเชื่อมต่อ และการไหลของเวลาและพื้นที่ เมื่อไม่นานมานี้ วัตถุ Arrow of Time ของ Miyajima ได้จัดแสดงในนิทรรศการครั้งแรก "Incomplete Thoughts Visible in New York"

นารา โยชิโมโตะ กับ เด็กปีศาจ

นารา โยชิโมโตะ สร้างสรรค์ภาพวาด ประติมากรรม และภาพวาดของเด็กและสุนัข หัวข้อที่สะท้อนถึงความรู้สึกเบื่อหน่ายและความคับข้องใจแบบเด็กๆ และความเป็นอิสระที่ดุเดือดที่เกิดขึ้นเองตามธรรมชาติของเด็กวัยหัดเดิน ความสวยงามของผลงานของ Yoshimoto ชวนให้นึกถึงประเพณี ภาพประกอบหนังสือเป็นส่วนผสมของความตึงเครียดที่ไม่สบายใจและความรักของศิลปินในพังก์ร็อก ในปี 2554 พิพิธภัณฑ์สมาคมเอเชียในนิวยอร์กเป็นเจ้าภาพครั้งแรก นิทรรศการส่วนตัว Yoshimoto มีชื่อว่า "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool" ซึ่งครอบคลุมอาชีพ 20 ปีของศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่น การจัดแสดงนิทรรศการมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับวัฒนธรรมย่อยของเยาวชนของโลก ความแปลกแยก และการประท้วงของพวกเขา

ยาโยอิ คุซามะ และพื้นที่ที่เติบโตด้วยรูปแบบที่แปลกประหลาด

โดดเด่น ชีวประวัติสร้างสรรค์ยาโยอิ คูซามะ อยู่ได้เจ็ดทศวรรษ ในช่วงเวลานี้ หญิงสาวชาวญี่ปุ่นผู้น่าทึ่งสามารถศึกษาด้านการวาดภาพ กราฟิก ภาพปะติด ประติมากรรม ภาพยนตร์ การแกะสลัก ศิลปะสิ่งแวดล้อม การจัดวาง ตลอดจนวรรณกรรม แฟชั่น และการออกแบบเสื้อผ้า Kusama ได้พัฒนารูปแบบ Dot Art ที่โดดเด่นอย่างมากจนกลายมาเป็นเครื่องหมายการค้าของเธอ ภาพลวงตาที่นำเสนอในผลงานของคุซามะ วัย 88 ปี ที่ซึ่งโลกนี้ดูเหมือนถูกปกคลุมไปด้วยรูปแบบที่แปลกประหลาดที่แพร่ขยายออกไป เป็นผลจากภาพหลอนที่เธอประสบมาตั้งแต่เด็ก ห้องที่มีจุดสีสันสดใสและกระจก "ไม่มีที่สิ้นสุด" ที่สะท้อนการสะสมของพวกเขาเป็นที่จดจำ พวกเขาไม่สามารถสับสนกับสิ่งอื่นได้

ซึ่งครอบคลุมเทคนิคและสไตล์มากมาย ตลอดประวัติศาสตร์มันได้ผ่าน จำนวนมากของการเปลี่ยนแปลง มีการเพิ่มประเพณีและประเภทใหม่ ๆ และหลักการดั้งเดิมของญี่ปุ่นยังคงอยู่ นอกจากประวัติศาสตร์อันน่าทึ่งของญี่ปุ่นแล้ว ภาพวาดดังกล่าวยังพร้อมนำเสนอข้อเท็จจริงที่ไม่ซ้ำใครและน่าสนใจอีกมากมาย

ญี่ปุ่นโบราณ

รูปแบบแรกปรากฏในยุคประวัติศาสตร์ที่เก่าแก่ที่สุดของประเทศ แม้กระทั่งก่อนพระคริสต์ อี สมัยนั้นศิลปะค่อนข้างดั้งเดิม ครั้งแรกใน 300 ปีก่อนคริสตกาล e. มีหลากหลาย ตัวเลขทางเรขาคณิตซึ่งทำขึ้นบนเครื่องปั้นดินเผาด้วยไม้ นักโบราณคดีค้นพบเช่นเครื่องประดับบนระฆังทองสัมฤทธิ์เป็นของในเวลาต่อมา

ต่อมาอีกไม่นานในคริสตศักราช 300 ง. ปรากฏ ภาพวาดถ้ำซึ่งมีความหลากหลายมากขึ้น เครื่องประดับเรขาคณิต. เหล่านี้เป็นภาพที่เต็มเปี่ยมด้วยภาพ พวกเขาถูกพบอยู่ในห้องใต้ดิน และบางทีคนที่ถูกวาดบนพวกเขาอาจถูกฝังอยู่ในพื้นที่ฝังศพเหล่านี้

ในคริสต์ศตวรรษที่ 7 อี ญี่ปุ่นใช้สคริปต์ที่มาจากจีน ในเวลาเดียวกัน ภาพวาดแรกก็มาจากที่นั่น จากนั้นภาพวาดก็ปรากฏเป็นทรงกลมที่แยกจากกัน

สมัยเอโดะ

เอโดะอยู่ไกลจากภาพแรกและไม่ใช่ภาพสุดท้าย แต่เป็นเธอที่นำสิ่งใหม่มากมายมาสู่วัฒนธรรม ประการแรก มันคือความสว่างและความเจิดจ้าที่เพิ่มเข้าไปในเทคนิคปกติ โดยใช้โทนสีดำและสีเทา Sotasu ถือเป็นศิลปินที่โดดเด่นที่สุดในสไตล์นี้ พระองค์ทรงสร้าง ภาพวาดคลาสสิกแต่ตัวละครของเขามีสีสันมาก ต่อมาเขาเปลี่ยนไปใช้ธรรมชาติ และภูมิทัศน์ส่วนใหญ่ทำขึ้นโดยมีพื้นหลังเป็นการปิดทอง

ประการที่สอง ในช่วงสมัยเอโดะ มีประเภทนัมบังที่แปลกใหม่ปรากฏขึ้น ใช้ยุโรปสมัยใหม่และ ช่างจีนที่ผสมผสานกับสไตล์ญี่ปุ่นดั้งเดิม

และประการที่สาม โรงเรียนนางปรากฏตัว ในนั้นศิลปินเลียนแบบหรือลอกเลียนแบบผลงานของอาจารย์ชาวจีนก่อน จากนั้นสาขาใหม่จะปรากฏขึ้นซึ่งเรียกว่าบุนจิง

ช่วงเวลาแห่งความทันสมัย

ยุคเอโดะเข้ามาแทนที่เมจิ และตอนนี้ภาพวาดญี่ปุ่นถูกบังคับให้เข้าสู่ เวทีใหม่การพัฒนา. ในเวลานี้ แนวเพลงเช่นตะวันตกและอื่นๆ ที่คล้ายคลึงกันกำลังได้รับความนิยมไปทั่วโลก ดังนั้นความทันสมัยของศิลปะจึงกลายเป็นเรื่องทั่วไป อย่างไรก็ตาม ในญี่ปุ่น ประเทศที่ทุกคนเคารพในประเพณีใน ให้เวลาต่างจากสิ่งที่เกิดขึ้นในประเทศอื่นมาก ที่นี่ การแข่งขันระหว่างช่างเทคนิคชาวยุโรปและช่างเทคนิคในท้องถิ่นนั้นปะทุขึ้นอย่างรวดเร็ว

รัฐบาลในขั้นตอนนี้ให้ความสำคัญกับศิลปินรุ่นเยาว์ที่รับใช้ ความคาดหวังสูงเพื่อพัฒนาทักษะในสไตล์ตะวันตก ดังนั้นพวกเขาจึงส่งพวกเขาไปโรงเรียนในยุโรปและอเมริกา

แต่นี่เป็นเพียงช่วงต้นของช่วงเวลาเท่านั้น ความจริงก็คือ นักวิจารณ์ที่มีชื่อเสียงค่อนข้างวิพากษ์วิจารณ์ศิลปะตะวันตก เพื่อหลีกเลี่ยงโฆษณาเกินจริงในประเด็นนี้ สไตล์ยุโรปและเทคนิคต่างๆ เริ่มถูกห้ามในนิทรรศการ การแสดงของพวกเขาหยุดลง เช่นเดียวกับความนิยมของพวกเขา

การเกิดขึ้นของสไตล์ยุโรป

มาถึงยุคไทโช ในเวลานี้ ศิลปินรุ่นเยาว์ที่ออกไปเรียนในโรงเรียนต่างประเทศกลับมายังบ้านเกิด โดยธรรมชาติแล้วพวกเขานำภาพวาดญี่ปุ่นรูปแบบใหม่มาด้วยซึ่งคล้ายกับภาพวาดยุโรปมาก อิมเพรสชั่นนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ปรากฏขึ้น

ในขั้นตอนนี้ โรงเรียนหลายแห่งได้ก่อตั้งขึ้นซึ่งมีการฟื้นฟูสไตล์ญี่ปุ่นโบราณ แต่เป็นไปไม่ได้ที่จะขจัดแนวโน้มของตะวันตกให้หมดไป ดังนั้นจึงจำเป็นต้องรวมเทคนิคต่าง ๆ เข้าด้วยกันเพื่อเอาใจทั้งผู้ชื่นชอบภาพวาดคลาสสิกและแฟน ๆ ของภาพวาดยุโรปสมัยใหม่

โรงเรียนบางแห่งได้รับทุนจากรัฐ ต้องขอบคุณประเพณีระดับชาติมากมายที่ได้รับการอนุรักษ์ไว้ ในทางกลับกัน ผู้ค้าเอกชนถูกบังคับให้ทำตามผู้นำของผู้บริโภคที่ต้องการสิ่งใหม่ ๆ พวกเขาเบื่อกับความคลาสสิก

ภาพวาดสงครามโลกครั้งที่สอง

หลังจากเริ่มสงคราม ภาพวาดญี่ปุ่นยังคงห่างไกลจากเหตุการณ์ต่างๆ อยู่ระยะหนึ่ง มันพัฒนาแยกกันและเป็นอิสระ แต่ก็ไม่สามารถเป็นแบบนี้ตลอดไปได้

เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อสถานการณ์ทางการเมืองในประเทศแย่ลง บุคคลที่มีชื่อเสียงและเป็นที่เคารพจะดึงดูดศิลปินมากมาย บางคนเริ่มสร้างในรูปแบบความรักชาติแม้ในช่วงเริ่มต้นของสงคราม ส่วนที่เหลือเริ่มกระบวนการนี้ตามคำสั่งของเจ้าหน้าที่เท่านั้น

ดังนั้นวิจิตรศิลป์ของญี่ปุ่นในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองจึงไม่สามารถพัฒนาได้โดยเฉพาะ ดังนั้นสำหรับการทาสีจึงเรียกได้ว่านิ่ง

นิรันดร์ ซุยโบคุงะ

ภาพวาด sumi-e ของญี่ปุ่นหรือ suibokuga หมายถึง "การวาดภาพด้วยหมึก" เป็นตัวกำหนดสไตล์และเทคนิค ศิลปะนี้. มันมาจากประเทศจีน แต่ชาวญี่ปุ่นตัดสินใจตั้งชื่อให้เอง และในขั้นต้นเทคนิคนี้ไม่มีด้านสุนทรียภาพ พระภิกษุใช้เพื่อพัฒนาตนเองขณะศึกษาเซน ยิ่งกว่านั้นในตอนแรกพวกเขาวาดภาพและต่อมาพวกเขาก็ฝึกสมาธิขณะดู พระสงฆ์เชื่อว่าเส้นที่เคร่งครัด โทนสีและเงาที่คลุมเครือช่วยปรับปรุง - ทั้งหมดที่เรียกว่าขาวดำ

ภาพวาดหมึกญี่ปุ่น แม้จะมีภาพวาดและเทคนิคที่หลากหลาย แต่ก็ไม่ได้ซับซ้อนอย่างที่คิดในแวบแรก มันขึ้นอยู่กับ 4 แปลงเท่านั้น:

1. ดอกเบญจมาศ
2. กล้วยไม้.
3. สาขาพลัม.
4. ไม้ไผ่.

แปลงเล็ก ๆ ไม่ได้ทำให้การพัฒนาเทคโนโลยีรวดเร็ว อาจารย์บางคนเชื่อว่าการเรียนรู้คงอยู่ชั่วชีวิต

แม้ว่าซูมิเอะจะปรากฏตัวเมื่อนานมาแล้ว แต่ก็ยังเป็นที่ต้องการอยู่เสมอ ยิ่งไปกว่านั้น วันนี้คุณสามารถพบกับปรมาจารย์ของโรงเรียนแห่งนี้ ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังแพร่หลายไปไกลเกินขอบเขตอีกด้วย

ยุคปัจจุบัน

เมื่อสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่ 2 ศิลปะในญี่ปุ่นเฟื่องฟูเฉพาะในเมืองใหญ่เท่านั้น ชาวบ้านและชาวบ้านต่างกังวลกันพอสมควร ส่วนใหญ่ ศิลปินพยายามที่จะหันหลังให้กับการสูญเสียของสงครามและพรรณนาถึงชีวิตในเมืองสมัยใหม่ด้วยการตกแต่งและคุณลักษณะทั้งหมดบนผืนผ้าใบ ความคิดของยุโรปและอเมริกาถูกนำมาใช้อย่างประสบความสำเร็จ แต่สถานการณ์นี้ไม่นาน อาจารย์หลายคนเริ่มทยอยย้ายจากพวกเขาไปโรงเรียนญี่ปุ่น

สไตล์ดั้งเดิมนั้นทันสมัยอยู่เสมอ ดังนั้นการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่จึงมีความแตกต่างกันเฉพาะในเทคนิคการดำเนินการหรือวัสดุที่ใช้ในกระบวนการเท่านั้น แต่ศิลปินส่วนใหญ่ไม่รับรู้ถึงนวัตกรรมต่างๆ เป็นอย่างดี

แฟชั่นไม่ต้องพูดถึง วัฒนธรรมย่อยสมัยใหม่เช่นอะนิเมะและสไตล์ที่คล้ายกัน ศิลปินหลายคนพยายามเบลอเส้นแบ่งระหว่างคลาสสิกกับสิ่งที่เป็นที่ต้องการในปัจจุบัน ส่วนใหญ่สภาพนี้เกิดจากการพาณิชยกรรม คลาสสิกและ ประเภทดั้งเดิมอันที่จริงพวกเขาไม่ซื้อดังนั้นจึงไม่มีประโยชน์ที่จะทำงานเป็นศิลปินในแนวเพลงที่คุณชื่นชอบ คุณต้องปรับตัวให้เข้ากับแฟชั่น

บทสรุป

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าภาพวาดญี่ปุ่นเป็นขุมสมบัติของวิจิตรศิลป์ บางทีประเทศที่เป็นปัญหายังคงเป็นประเทศเดียวที่ไม่เป็นไปตามแนวโน้มของตะวันตก ไม่ปรับให้เข้ากับแฟชั่น แม้จะมีการตีหลายครั้งในช่วงที่เทคนิคใหม่มาถึง แต่ศิลปินของญี่ปุ่นก็ยังป้องกันได้ ประเพณีประจำชาติในหลายประเภท นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมในยุคปัจจุบัน ภาพวาดที่สร้างในรูปแบบคลาสสิกจึงมีมูลค่าสูงในการจัดนิทรรศการ

คุณรักการวาดภาพญี่ปุ่นหรือไม่? คุณรู้จักศิลปินญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงมากแค่ไหน? มาดูกันดีกว่า ศิลปินชื่อดังญี่ปุ่นผู้สร้างสรรค์ผลงานในรูปแบบอุกิโยะเอะ (浮世絵) รูปแบบการวาดภาพนี้ได้รับการพัฒนามาตั้งแต่สมัยเอโดะ อักษรอียิปต์โบราณที่เขียนลักษณะนี้ 浮世絵 หมายถึง "ภาพ (ภาพ) ของโลกที่เปลี่ยนแปลง" อย่างแท้จริง คุณสามารถอ่านเพิ่มเติมเกี่ยวกับทิศทางของการวาดภาพนี้

ฮิซิกาวะ โมโรโนบุ(菱川師宣, 1618-1694). ถือว่าเป็นผู้ก่อตั้งประเภท ukiyo-e แม้ว่าที่จริงแล้วเขาเป็นเพียงปรมาจารย์คนแรกที่ได้รับการอนุรักษ์ชีวิตไว้ ข้อมูลชีวประวัติ. Moronobu ถือกำเนิดขึ้นในตระกูลของปรมาจารย์ด้านการย้อมผ้าและงานปักด้วยด้ายสีทองและสีเงิน และอยู่ในสายงานหัตถกรรมของครอบครัวมาเป็นเวลานาน ดังนั้นจุดเด่นของงานของเขาจึงเป็นเสื้อผ้าที่ตกแต่งอย่างสวยงามซึ่งให้ผลงานศิลปะที่ยอดเยี่ยม .

หลังจากย้ายมาอยู่ที่เอโดะ เขาได้ศึกษาเทคนิคการวาดภาพด้วยตัวเองก่อน จากนั้นศิลปินกัมบุนก็ศึกษาต่อไป

อัลบั้มของ Moronobu ส่วนใหญ่มาจากเรา ซึ่งเขาบรรยายเรื่องราวทางประวัติศาสตร์และวรรณกรรม และหนังสือที่มีลวดลายสำหรับชุดกิโมโน อาจารย์ยังทำงานในประเภท shunga และในบรรดาผลงานส่วนบุคคลนั้นได้มีการเก็บรักษาภาพวาดผู้หญิงสวย ๆ ไว้หลายชิ้น

(鳥居清長, 1752-1815). ชินสุเกะ (อิชิเบะ) ปรมาจารย์เซกิ (เซกิกุจิ) ที่รู้จักกันในปลายศตวรรษที่ 18 ได้ใช้นามแฝงโทริอิ คิโยนางะ ซึ่งเขาได้รับหลังจากสืบทอดโรงเรียนของ ukiyo-e Torii จากโทริอิ คิโยมิตสึ หลังจากการสิ้นพระชนม์ของโทริอิ

Kiyonaga เกิดในครอบครัวของร้านหนังสือ Shirakoya Ishibei ประเภทของ bijinga ทำให้เขามีชื่อเสียงมากที่สุด แม้ว่าเขาจะเริ่มด้วย yakusha-e พล็อตสำหรับการแกะสลักในประเภท bijinga ถูกพรากไปจากชีวิตประจำวัน: การเดินขบวนรื่นเริงการออกสู่ธรรมชาติ ในบรรดาผลงานมากมายของศิลปิน ซีรีส์เรื่อง "การแข่งขันของสาวงามแฟชั่นจากย่านที่สนุกสนาน" ที่แสดงภาพมินามิ หนึ่งใน "ย่านที่สนุกสนาน" ทางตอนใต้ของเอโดะ "ภาพวาด 12 ภาพคนสวยทางใต้" "ร้านชา 10 ประเภท" โดดเด่น. จุดเด่นอาจารย์ได้ศึกษารายละเอียดเกี่ยวกับมุมมองเบื้องหลังและการใช้เทคนิคที่มาจากตะวันตกเพื่อถ่ายทอดแสงและพื้นที่

Kiyonaga ได้รับชื่อเสียงตั้งแต่เริ่มต้นในปี 1782 ของซีรีส์ "Models of Fashion: Models New as Spring Foliage" ซึ่งเริ่มโดย Koryusai ในปี 1770 สำหรับผู้จัดพิมพ์ Nishimurai Yohachi

(喜多川歌麿, 1753-1806). ปรมาจารย์อุกิโยะผู้มีชื่อเสียงท่านนี้ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากโทริอิ คิโยนางะและสำนักพิมพ์สึไท จูซาบุโระ อันเป็นผลมาจากการทำงานร่วมกันเป็นเวลานานกับหลัง อัลบั้ม หนังสือพร้อมภาพประกอบ และชุดของการแกะสลักจำนวนมากถูกตีพิมพ์

แม้ว่าอุทามาโระจะนำเรื่องราวจากชีวิตของช่างฝีมือธรรมดาๆ และพยายามถ่ายทอดธรรมชาติ ("หนังสือแห่งแมลง") ชื่อเสียงก็เข้ามาหาเขาในฐานะศิลปินที่อุทิศให้กับเกอิชาจากย่านโยชิวาระ ("หนังสือประจำปีของ Yoshiwara Green Houses" ).

Utamaro ถึง ระดับสูงในการแสดงสภาพจิตใจบนกระดาษ เป็นครั้งแรกในงานแกะสลักไม้ของญี่ปุ่นที่มีการใช้องค์ประกอบหน้าอก

เป็นผลงานของอุทามาโรที่มีอิทธิพลต่อ อิมเพรสชั่นนิสม์ชาวฝรั่งเศสและมีส่วนทำให้ชาวยุโรปสนใจงานแกะสลักญี่ปุ่น

(葛飾北斎, 1760-1849). ชื่อจริงของโฮคุไซคือโทคิทาโร่ น่าจะเป็นปรมาจารย์ ukiyo-e ที่รู้จักกันแพร่หลายที่สุดในโลก ตลอดงานของเขา เขาใช้นามแฝงมากกว่าสามสิบนาม บ่อยครั้งนักประวัติศาสตร์ใช้นามแฝงเพื่อจัดตารางงานของเขา

ในตอนแรก Hokusai ทำงานเป็นช่างแกะสลัก ซึ่งงานถูกจำกัดด้วยความตั้งใจของศิลปิน ข้อเท็จจริงนี้ส่งผลต่อโฮคุไซ และเขาเริ่มมองหาตัวเองในฐานะศิลปินอิสระ

ในปี ค.ศ. 1778 เขาได้ฝึกงานที่สตูดิโอของ Katsukawa Shunsho ซึ่งเชี่ยวชาญด้านการพิมพ์ yakusha-e โฮคุไซเป็นทั้งนักเรียนที่มีความสามารถและขยันมาก ซึ่งแสดงความเคารพต่อครูอยู่เสมอ ดังนั้นจึงได้รับความโปรดปรานเป็นพิเศษจากชุนโช ดังนั้นครั้งแรก งานอิสระ Hokusai อยู่ในประเภท yakusha-e ในรูปแบบของ diptychs และ triptychs และความนิยมของนักเรียนก็เท่ากับของครู ในเวลานี้ นายน้อยได้พัฒนาความสามารถของเขาไปมากจนแออัดในโรงเรียนแห่งหนึ่ง และหลังจากการตายของครู Hokusai ออกจากสตูดิโอและศึกษาทิศทางของโรงเรียนอื่น: Kano, Sotatsu (หรือ Koetsu) รินปะ, โทสะ.

ในช่วงเวลานี้ ศิลปินประสบปัญหาทางการเงินอย่างมาก แต่ในขณะเดียวกัน การก่อตัวของเขาในฐานะปรมาจารย์ก็เกิดขึ้น ผู้ซึ่งปฏิเสธภาพลักษณ์ปกติที่สังคมเรียกร้อง และกำลังมองหาสไตล์ของตัวเอง

ในปี ค.ศ. 1795 มีการตีพิมพ์ภาพประกอบสำหรับกวีนิพนธ์ Keka Edo Murasaki จากนั้นโฮคุไซก็วาดภาพซูริโมโนะ ซึ่งเริ่มเป็นที่นิยมในทันที และศิลปินหลายคนก็เริ่มเลียนแบบพวกเขา

นับตั้งแต่ช่วงเวลานี้ โทกิทาโร่ก็เริ่มเซ็นผลงานของเขาในชื่อโฮคุไซ แม้ว่างานบางชิ้นของเขาจะถูกตีพิมพ์โดยใช้นามแฝงว่า Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku

ในปี 1800 อาจารย์เริ่มเรียกตัวเองว่า Gakejin Hokusai ซึ่งแปลว่า "การวาดภาพ Mad Hokusai"

ชุดภาพประกอบที่มีชื่อเสียง ได้แก่ “36 Views of Mount Fuji” ซึ่ง “The Victorious Wind. Clear Day" หรือ "Red Fuji" และ "The Great Wave off Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji" วางจำหน่ายในสามอัลบั้ม "Hokusai Manga" (北斎漫画) ซึ่งเรียกว่า "สารานุกรม คนญี่ปุ่น". ศิลปินได้ลงทุนใน "มังงะ" ทุกมุมมองของเขาเกี่ยวกับความคิดสร้างสรรค์ปรัชญา "มังงะ" เป็นแหล่งที่สำคัญที่สุดสำหรับการศึกษาชีวิตของญี่ปุ่นในขณะนั้น เนื่องจากมีแง่มุมทางวัฒนธรรมมากมาย โดยรวมแล้วมีการเผยแพร่ 12 ประเด็นในช่วงชีวิตของศิลปินและหลังจากการตายของเขา - อีกสามเรื่อง:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (หลังจากการเสียชีวิตของศิลปิน)

ศิลปะของ Hokusai มีอิทธิพลต่อการเคลื่อนไหวของยุโรปเช่น Art Nouveau และ French Impressionism

(河鍋暁斎, 1831-1889). เขาใช้นามแฝง Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin เรียนที่โรงเรียน Kano

Kyosai ค่อนข้างหน้าด้าน ซึ่งแตกต่างจาก Hokusai ซึ่งทำให้เขาตกหลุมรัก Tsuboyama Tozan ศิลปิน หลังเลิกเรียนเขากลายเป็นอาจารย์อิสระแม้ว่าบางครั้งเขาจะไปเยี่ยมเธออีกห้าปี ขณะนั้นเขากำลังวาดภาพเคียวกะหรือที่เรียกว่า "ภาพบ้าๆ"

ในบรรดางานแกะสลักที่โดดเด่น "หนึ่งร้อยภาพวาดของ Kyosai" มีความโดดเด่น ในฐานะนักวาดภาพประกอบ Kyosai ร่วมมือกับศิลปินคนอื่นๆ เพื่อสร้างภาพประกอบสำหรับเรื่องสั้นและนวนิยาย

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 ชาวยุโรปมักไปเยือนญี่ปุ่น ศิลปินบางคนคุ้นเคยกับพวกเขาและผลงานหลายชิ้นของเขาอยู่ในบริติชมิวเซียม

(歌川広重, 1797-1858). เขาทำงานภายใต้นามแฝง Ando Hiroshige (安藤広重) และเป็นที่รู้จักจากการแสดงลวดลายธรรมชาติและปรากฏการณ์ทางธรรมชาติที่ละเอียดอ่อน ภาพวาดแรก "ภูเขาไฟฟูจิท่ามกลางหิมะ" ซึ่งปัจจุบันถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ซันโทรี่ในโตเกียว เขาเขียนเมื่ออายุสิบขวบ พล็อต งานแรกๆขึ้นอยู่กับ เหตุการณ์จริงที่เกิดขึ้นบนท้องถนน วัฏจักรที่มีชื่อเสียงของเขา: "100 ทิวทัศน์ของเอโดะ", "ทิวทัศน์ 36 แห่งของภูเขาไฟฟูจิ", "53 สถานีโทไคโด", "69 สถานีคิโมไคโดะ", "100 ทิวทัศน์อันโด่งดังของเอโดะ" Monet และ Bilibin ศิลปินชาวรัสเซียได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก 53 สถานีของถนน Tokaido ซึ่งทาสีหลังจากเดินทางไปตามถนน East Seaside เช่นเดียวกับ 100 Views of Edo จากการแกะสลักชุดคาโชกาจำนวน 25 แผ่น แผ่นงานที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ “นกกระจอกเหนือดอกคาเมลเลียที่ปกคลุมไปด้วยหิมะ”

(歌川 国貞 หรือที่เรียกว่า Utagawa Toyokuni III (Jap. 三代歌川豊国)) หนึ่งในที่สุด ศิลปินดีเด่นอุกิโยะ-เอะ

เขาให้ความสนใจเป็นพิเศษกับนักแสดงคาบุกิและตัวโรงละครเอง ซึ่งเป็นผลงานประมาณ 60% ของผลงานทั้งหมด หรือที่รู้จักก็คือผลงานประเภทบิจิงกะและภาพเหมือนของนักมวยปล้ำซูโม่ เป็นที่ทราบกันดีว่าเขาสร้างเรื่องราวจาก 20 ถึง 25,000 เรื่องซึ่งรวมถึง 35-40,000 แผ่น เขาไม่ค่อยพูดถึงภูมิประเทศและนักรบ อุตางาวะ คุนิโยชิ (歌川 国芳, 1798 - 1861) เกิดในตระกูลคนย้อมไหม คุนิโยชิเริ่มเรียนรู้การวาดตั้งแต่อายุ 10 ขวบ ขณะที่อาศัยอยู่ในครอบครัวของศิลปินคูนินาโอะ จากนั้นเขาก็เรียนหนังสือกับคัตสึคาวะ ชุนเอต่อ และเมื่ออายุได้ 13 ขวบเขาก็เข้าไปในห้องทำงานของโทคุโยนิ ศิลปินหนุ่มปีแรก สิ่งต่างๆ ไม่เป็นไปด้วยดี แต่หลังจากได้รับคำสั่งจากสำนักพิมพ์ Kagaya Kitibei สำหรับภาพพิมพ์จำนวนห้าภาพสำหรับซีรีส์ 108 Suikoden Heroes สิ่งต่างๆ ก็เริ่มลดลง เขาสร้างตัวละครที่เหลือในซีรีส์นี้ และจากนั้นก็ทำงานอื่น ๆ และหลังจากสิบห้าปีเขาก็เทียบเท่ากับ Utagawa Hiroshige และ Utagawa Kunisada

หลังปี 1842 ห้ามรูปภาพ ฉากละครนักแสดง เกอิชาและโสเภณี คุนิโยชิเขียนซีรีส์ "แมว" ของเขา แกะสลักจากซีรีส์การศึกษาสำหรับแม่บ้านและเด็ก แสดงให้เห็น วีรบุรุษของชาติในซีรีส์เรื่อง "ประเพณี คุณธรรม และคณบดี" และในช่วงปลายยุค 1840 - ต้นทศวรรษ 1850 หลังจากการผ่อนปรนข้อห้าม ศิลปินก็กลับเข้าสู่ธีมคาบุกิ

(渓斎英泉, 1790-1848). เป็นที่รู้จักจากผลงานของเขาในประเภทการเสนอราคา ผลงานที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ ภาพเหมือนของประเภท okubi-e ("หัวโต") ซึ่งถือเป็นตัวอย่างงานฝีมือของยุค Bunsei (1818-1830) เมื่อประเภท ukiyo-e กำลังตกต่ำ ศิลปินเขียน surimonos ที่เป็นโคลงสั้น ๆ และเร้าอารมณ์มากมายรวมถึงวัฏจักรของภูมิทัศน์ "Sixty-nine Stations of Kisokaido" ซึ่งเขาไม่สามารถทำให้เสร็จได้และฮิโรชิเงะก็ทำมันเสร็จ

ความแปลกใหม่ในการพรรณนาถึง bijinga เป็นความเย้ายวนที่ศิลปินคนอื่นไม่เคยมีมาก่อน จากผลงานของเขาเราสามารถเข้าใจแฟชั่นของเวลานั้นได้ นอกจากนี้ เขายังตีพิมพ์ชีวประวัติของโรนินสี่สิบเจ็ดคนและเขียนหนังสืออื่นๆ อีกหลายเล่ม รวมทั้งประวัติภาพพิมพ์อุกิโยะ (อุกิโยะ-เอะ รุยโกะ) ซึ่งมีชีวประวัติของศิลปิน และในบันทึกของผู้เฒ่านิรนาม เขาบรรยายตัวเองว่าเป็นคนขี้เมาที่เลวทรามและเคยเป็นเจ้าของซ่องเนซุซึ่งถูกไฟไหม้ที่พื้นในช่วงทศวรรษ 1830

ซูซูกิ ฮารุโนบุ (鈴木春信, 1724-1770) ชื่อจริงของศิลปินคือ Hozumi Jirobei เขาเป็นผู้บุกเบิกการพิมพ์ ukiyo-e polychrome เขาเรียนที่โรงเรียน Kano และเรียนจิตรกรรม จากนั้นภายใต้อิทธิพลของชิเกนากะ นิชิมูระและโทริยะ คิโยมิตสึ งานตัดไม้ก็กลายเป็นความหลงใหลของเขา มีการพิมพ์สองหรือสามสีตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 18 และ Harunobu เริ่มวาดภาพในสิบสีโดยใช้กระดานสามแผ่นและรวมสามสีเข้าด้วยกัน - สีเหลืองสีน้ำเงินและสีแดง

เขาโดดเด่นในการพรรณนาภาพท้องถนนและภาพวาดในประเภทชุงกะ และตั้งแต่ช่วงทศวรรษ 1760 เขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่เริ่มวาดภาพนักแสดงของโรงละครคาบุกิ งานของเขามีอิทธิพลต่อ E. Manet และ E. Degas

(小原古邨, 1877 - 1945). ชื่อจริงของเขาคือ Matao Ohara ภาพจำลองจากสงครามรัสเซีย-ญี่ปุ่น และจีน-ญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม หลังจากการปรากฏตัวของการถ่ายภาพ งานของเขาเริ่มขายได้ไม่ดี และเริ่มหาเลี้ยงชีพในการสอนที่โรงเรียน ศิลปกรรมในโตเกียว ในปี พ.ศ. 2469 เออร์เนสต์ เฟลโลซา ภัณฑารักษ์ของแผนก ศิลปะญี่ปุ่นในพิพิธภัณฑ์บอสตันเกลี้ยกล่อมให้ Ohara กลับไปวาดภาพและศิลปินเริ่มวาดภาพนกและดอกไม้และงานของเขาขายดีในต่างประเทศ

(伊藤若冲, 1716 - 1800). เขาโดดเด่นท่ามกลางศิลปินคนอื่นๆ ด้วยความพิศวงและรูปแบบการใช้ชีวิต ซึ่งประกอบด้วยมิตรภาพกับหลายวัฒนธรรมและ ผู้นำศาสนาเวลานั้น. ภาพสัตว์ ดอกไม้ และนกในรูปแบบที่แปลกใหม่มาก เขามีชื่อเสียงมากและได้รับคำสั่งให้วาดภาพหน้าจอและภาพวาดในวัด

(鳥居清信, 1664-1729). หนึ่งในตัวแทนที่สำคัญที่สุดของยุคอุกิโยะเอะตอนต้น แม้จะมีอิทธิพลอย่างมากจากอาจารย์ Hisikawa Monorobu เขาก็กลายเป็นผู้ก่อตั้งประเภท yakusha-e ในการพรรณนาโปสเตอร์และโปสเตอร์และคิดค้นสไตล์ของตัวเอง นักแสดงถูกแสดงท่าพิเศษในบทบาท วีรบุรุษผู้กล้าและถูกทาสี
มีคุณธรรมสูง สีส้มและคนร้ายถูกชักจูงใน สีฟ้า. เพื่อสื่อถึงความหลงใหล ศิลปินได้คิดค้นรูปแบบพิเศษของ mimizugaki ซึ่งเป็นเส้นที่คดเคี้ยวด้วยการสลับจังหวะที่บางและหนา และผสมผสานกับภาพที่แปลกประหลาดของกล้ามเนื้อของแขนขา

โทริอิ คิโยโนบุ ผู้ก่อตั้งราชวงศ์โทริอิ ลูกศิษย์ของเขาคือ Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu

คุณชอบศิลปิน ukiyo-e คนไหนมากที่สุด?

ภาษาญี่ปุ่นแตกต่างจากภาษายุโรปในโครงสร้าง ซึ่งอาจทำให้เกิดปัญหาในการเรียนรู้ อย่างไรก็ตาม ไม่ต้องกังวล! สำหรับคุณโดยเฉพาะ คุณได้พัฒนาหลักสูตร "" ซึ่งคุณสามารถสมัครได้ทันที!