ภาพกราฟิกของศิลปินชื่อดัง จิตรกร ประติมากร และศิลปินกราฟิกที่ใหญ่ที่สุดในโลก

ศิลปะของกราฟิกมีความหลากหลาย ประกอบด้วยโปสเตอร์ทางการเมือง ภาพวาดในหนังสือพิมพ์และนิตยสาร ภาพประกอบหนังสือและการ์ตูน กราฟิกประยุกต์ทางอุตสาหกรรม และการโฆษณาภาพยนตร์ ส่วนใหญ่ประกอบด้วยกราฟิกขาตั้ง - ภาพวาดและการแกะสลักที่ทำขึ้นอย่างอิสระ นอกเหนือจากจุดประสงค์ในทางปฏิบัติพิเศษ ได้รับการตั้งชื่อโดยการเปรียบเทียบกับภาพวาดขาตั้งซึ่งเป็นผลงานที่ศิลปินสร้างขึ้นบนเครื่องพิเศษ - ขาตั้ง คำว่า "กราฟิก" มาจากภาษากรีก grapho (grapho) - ฉันเขียน ฉันวาด แน่นอนว่ากราฟิกขาตั้งไม่ได้ไร้จุดประสงค์โดยสิ้นเชิง เมื่อใช้แปรง ดินสอ หรือสิ่ว ศิลปินมีเป้าหมายเฉพาะเสมอ เขามุ่งมั่นที่จะถ่ายทอดความคิดและความรู้สึกความเข้าใจในชีวิตของเขาให้ผู้คนเห็นคุณค่าในนั้นและลงโทษสิ่งที่เป็นลบเพื่อแสดงความงามอันน่าอัศจรรย์ที่ซ่อนอยู่ของโลกซึ่งมีเพียงเขาเท่านั้นที่มองเห็นได้ แต่ในขณะเดียวกันผู้เขียนภาพวาดหรือแกะสลักขาตั้งไม่ได้ติดตามเป้าหมายการโฆษณาชวนเชื่อหรือกล่าวหากับงานของเขาเสมอไปเช่นผู้เชี่ยวชาญด้านโปสเตอร์และการ์ตูนล้อเลียน เขาไม่ได้ทำงานโฆษณาหรืองานที่เป็นประโยชน์เช่นศิลปินโปสเตอร์ และกราฟิกอุตสาหกรรม ในที่สุด รูปภาพของเขาก็ไม่เกี่ยวข้องกับวีรบุรุษและสถานการณ์ในวรรณกรรมเหมือนในผลงานของนักวาดภาพประกอบ

เช่นเดียวกันท่านอาจารย์ การวาดภาพขาตั้งและประติมากรรม ต่างจากนักจิตรกรรมฝาผนังและนักตกแต่ง สร้างผลงานอิสระที่ไม่เกี่ยวข้องกับวงดนตรีศิลปะใดๆ เช่น อาคาร ห้อง จัตุรัส สวนสาธารณะ ฯลฯ

กราฟิกขาตั้งมีความเหมือนกันมากกับการวาดภาพขาตั้ง แม้ว่าพิธีกร สื่อศิลปะศิลปะทั้งสองประเภทนี้มีความแตกต่างกัน ศิลปะทั้งสองประเภทนี้มีความเป็นไปได้ที่ยอดเยี่ยมและในหลายๆ ด้านที่คล้ายคลึงกันในการวาดภาพธรรมชาติ ผู้คน และความมั่งคั่งทั้งหมดของโลกวัตถุ แง่มุมต่าง ๆ ของชีวิตบุคคลซึ่งเป็นจุดเน้นของศิลปะมาโดยตลอดกระตุ้นให้มีการจัดองค์ประกอบของประเภทต่าง ๆ - แนวตั้ง, ภูมิทัศน์, ชีวิตประจำวันหรือองค์ประกอบการต่อสู้, หุ่นนิ่ง ฯลฯ แนวเหล่านี้มีอยู่ทั้งใน ภาพวาดของสหภาพโซเวียตและในกราฟิกของโซเวียต โลกแห่งจิตวิญญาณมนุษย์แสดงให้เห็นอย่างลึกซึ้งเป็นพิเศษในผลงานจิตรกรรมขาตั้ง ประติมากรรม และกราฟิกจำนวนมาก สำหรับลักษณะทางจิตวิทยานี้ สำหรับการสนทนาที่หลากหลายและกว้างขวางกับผู้ชมเกี่ยวกับบุคคลหนึ่ง เราจึงให้ความสำคัญกับงานศิลปะขาตั้งเป็นพิเศษ

กราฟิกขาตั้งมีความเหมือนกันมากในขณะเดียวกันในแง่ของวิธีการดำเนินการ - ส่วนใหญ่บนกระดาษ - และในเทคนิคการวาดภาพและการแกะสลักนั้นใกล้เคียงกับกราฟิกประเภทอื่น ๆ ทั้งหมด เช่นเดียวกับศิลปะภาพพิมพ์ทั้งหมดที่มีความโดดเด่นด้วยความเร็วในการเปรียบเทียบในการดำเนินการของสิ่งต่าง ๆ รวมถึงความเป็นไปได้ที่ดีในการทำซ้ำ ด้วยเหตุนี้ ประการแรก กราฟิกจึงมีศักยภาพที่ดีในการเป็นงานศิลปะเฉพาะที่ ตอบสนองต่อเหตุการณ์ในชีวิตสาธารณะอย่างรวดเร็ว ศิลปะที่ใช้ชีวิตในจังหวะของความทันสมัย ความเป็นไปได้เหล่านี้มีอยู่ในกราฟิก ดังที่เราจะได้เห็นในภายหลัง ได้ถูกใช้งานอย่างสมบูรณ์แบบโดยผู้เชี่ยวชาญมากกว่าหนึ่งครั้ง ประการที่สอง เนื่องจากโดยทั่วไปแล้วแผ่นกราฟิกจะดำเนินการได้เร็วกว่าภาพวาดหรือประติมากรรม (แม้ว่าศิลปินกราฟิกจะต้องใช้ความแข็งแกร่งทางจิตใจ ความสามารถ และทักษะไม่น้อยก็ตาม) แผ่นงานจึงยังคงรักษาความฉับไวเป็นพิเศษในการสื่อสารกับธรรมชาติ ความเป็นไปได้ในการถ่ายภาพอย่างมีชีวิตชีวา หากเราเสริมอีกว่าเทคนิคในการแสดงผลงานกราฟิกมีความหลากหลายมาก ความสมบูรณ์ทางอุดมการณ์และสุนทรียศาสตร์ของงานศิลปะประเภทนี้ก็จะชัดเจนขึ้น

สิ่งที่น่าสนใจมากมายรอคอยผู้ดูงานกราฟิกที่เอาใจใส่ ไม่ใช่ในทันที แต่ความแปลกใหม่และความสวยงามของเทคนิคกราฟิกแต่ละอย่างจะค่อยๆ ถูกเปิดเผยแก่เขา - ความใสสีเงินของภาพวาดดินสอกราไฟท์และสีดำที่นุ่มนวลของดินสออิตาลี ความคล่องแคล่วที่แม่นยำของการวาดด้วยปากกาด้วยหมึกหรือหมึก ความอ่อนโยนของสีพาสเทล และร่าเริง เราค่อยๆ เรียนรู้ที่จะชื่นชมความหลากหลายของโทนสีเทาและสีดำ ภาพวาดสีชาร์โคล ซอส สีน้ำหรือหมึกสีดำที่สามารถเข้าถึงได้ ความโปร่งใสของสีน้ำสี และภาษาวัสดุที่หนักกว่าของ gouache เรารู้สึกยินดีเป็นอย่างยิ่งกับภาษาที่หลากหลายและยืดหยุ่นของงานแกะสลักไม้ รูปแบบทั่วไปของงานแกะสลัก linocuts ที่เน้นความเรียบง่าย การแสดงออกของไคอาโรสคูโร และความลึกของสีในการแกะสลัก ตลอดจนเฉดสีที่ฟรีและเข้มข้นของสีและการสร้างแบบจำลองที่นุ่มนวลของภาพวาดดินสอพิมพ์หิน

ศิลปินมักจะทำงานกับสื่อผสม โดยผสมผสานในงานของพวกเขา เช่น ถ่าน ชอล์ก และดินสอบางชนิด หรือสีน้ำและสีพาสเทล สีน้ำและ gouache เป็นต้น

ในเทคนิคการพิมพ์หินและการแกะสลัก ผู้ชมจะเห็นผลขั้นสุดท้ายของงานของศิลปิน - ความประทับใจหรือรอยประทับ หรืออย่างอื่นคือการพิมพ์ ความประทับใจมากมายสามารถได้รับจากกระดานหรือหินก้อนเดียว และทั้งหมดเป็นผลงานศิลปะต้นฉบับไม่แพ้กัน คุณสมบัติของงานพิมพ์นี้มีค่อนข้างมาก การไหลเวียนขนาดใหญ่ในขณะที่ยังคงรักษาคุณธรรมทางศิลปะเอาไว้ - มันมีคุณค่าต่อเราเป็นพิเศษ

ชาวโซเวียตในวงกว้างเริ่มคุ้นเคยกับงานศิลปะมากขึ้น พวกเขาค้นพบความสมบูรณ์ของความคิดและประสบการณ์เชิงสุนทรีย์ในสิ่งพิมพ์ที่งานศิลปะอันยิ่งใหญ่อย่างแท้จริงมอบให้ และในขณะเดียวกัน งานพิมพ์ไม่ใช่ผลงานชิ้นเอกของพิพิธภัณฑ์ที่อยู่ห่างไกลซึ่งเราเห็นเป็นครั้งคราวเท่านั้น แต่เป็นสิ่งที่ความสวยงามเข้ามาในบ้านของเรา ในชีวิตประจำวัน

กราฟิกขาตั้งของโซเวียตเป็นงานศิลปะที่กว้างขวางของเรา ประวัติศาสตร์ที่ยังไม่ได้เขียนซึ่งรวมถึงหน้าที่ยอดเยี่ยมของการค้นหาและความสำเร็จทางศิลปะที่ยอดเยี่ยม มีประเพณีที่ยอดเยี่ยมทั้งในศิลปะรัสเซียและในโรงเรียนศิลปะแห่งชาติอื่นๆ อีกหลายแห่ง จิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอดีตเกือบทั้งหมดก็เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพและสีน้ำเช่นกัน สีน้ำโดย Alexander Ivanov และ K. Bryullov ภาพวาดและสีน้ำจำนวนมากโดย Repin กราฟิกโดย V. Serov และ Vrubel เป็นผลงานชิ้นเอกของงานศิลปะของเราที่เต็มไปด้วยเสน่ห์ชั่วนิรันดร์ ในฐานะศิลปะประชาธิปไตยที่นำภาพและความคิดของศิลปินมาสู่ผู้คน การพิมพ์หินปรากฏในรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 Kiprensky, Orlovsky, Venetsianov และต่อมา Perov, Shishkin, Vl ต่างก็กระตือรือร้นกับมัน Makovsky, Levitan และศิลปินอื่น ๆ ในวัยสี่สิบของศตวรรษที่ 19 Shchedrovsky ในอัลบั้ม "นี่คือของเรา" แสดงให้เห็นการแลกเปลี่ยนของผู้ชม งานฝีมือ คนประเภทพื้นบ้าน นี่เป็นประสบการณ์ครั้งแรกของการสร้างการพิมพ์หินสีในงานศิลปะรัสเซีย ศิลปินชั้นนำแห่งศตวรรษที่ผ่านมาให้ความสำคัญกับศิลปะการแกะสลักเนื่องจากสามารถเข้าถึงผู้คนได้มากขึ้น เนื่องจากทำให้ผลงานสร้างสรรค์ของพวกเขาใกล้ชิดกับผู้ชมของผู้ชมมากขึ้น กวีนิพนธ์และศิลปินคลาสสิกของยูเครน T. G. Shevchenko ที่ทำงานด้านการแกะสลักเขียนไว้ในปี 1857: “ ในบรรดาวิจิตรศิลป์ทั้งหมด ตอนนี้ฉันชอบแกะสลักมากที่สุด และไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผล การเป็นช่างแกะสลักที่ดีหมายถึงการเป็นผู้จัดจำหน่าย สวยงามและน่าอยู่ในสังคม” Shishkin ยังเป็นคนที่กระตือรือร้นในการแกะสลักอีกด้วย I. E. Repin หันมาใช้เทคนิคการแกะสลักต่างๆ ซ้ำแล้วซ้ำเล่า ทุกประเภทที่หลากหลาย - ทุกวัน ฉากประวัติศาสตร์แนวตั้งและแนวนอน - พัฒนาในด้านการพิมพ์หินการแกะสลักและการวาดภาพของศตวรรษที่ผ่านมา

ในกราฟิกของต้นศตวรรษที่ 20 เช่นเดียวกับงานศิลปะอื่นๆ มีการผสมผสานที่ซับซ้อนของแนวโน้มที่ขัดแย้งกันในบางครั้ง เหตุการณ์ของการปฏิวัติในปี 1905 จับภาพกราฟิกของนิตยสารด้วยพลังพิเศษ แต่พวกเขายังพบเสียงสะท้อนในงานขาตั้ง - ภาพแกะสลักโดย S. Ivanov ในรูปแบบสีพาสเทลโดย V. Serov ผู้เห็นเหตุการณ์ที่น่าตกใจของการสังหารหมู่คนงานของลัทธิซาร์ ในงานเหล่านี้เช่นเดียวกับภาพของคนงานเหมืองคนงานนักเรียนโดย Kasatkin ในภาพวาดของ S. Korovin ที่วาดภาพทหารในแผ่นงานของ Sergei Ivanov ที่อุทิศให้กับผู้อพยพที่ยากจนมีชีวิตที่มีความสนใจในคนทำงานและความเห็นอกเห็นใจ สำหรับชีวิตที่ยากลำบากซึ่งเป็นลักษณะของศิลปะรัสเซียขั้นสูงมักเป็นชะตากรรมที่น่าเศร้า แต่ในกำหนดการของทศวรรษเหล่านี้ก็มีแนวโน้มที่จะเคลื่อนตัวออกจากความซับซ้อนและความขัดแย้งของความเป็นจริงทางสังคมด้วย ในบางกรณี แนวโน้มนี้ทิ้งร่องรอยของการไตร่ตรองอย่างไม่โต้ตอบต่อผลงานของศิลปิน ในบางกรณี แนวโน้มนี้ทำให้ศิลปินต้องไปยังห้องโถงและสวนสาธารณะในพระราชวังที่อยู่ห่างไกล ซึ่งเป็นสิ่งแปลกปลอมต่อสาธารณชนทั่วไป บางทีประเภทชั้นนำในกราฟิกก่อนการปฏิวัติอาจเป็นแนวนอน มีผู้เชี่ยวชาญที่สำคัญเช่น A. Ostroumova-Lebedeva, V. Falileev, K. Yuon, I. Nivinsky, I. Pavlov, E. Lanceray และคนอื่น ๆ พวกเขามองเห็นความงดงามของธรรมชาติที่หลากหลาย สภาวะต่างๆ ของมันอย่างละเอียด บทกวีของสถาปัตยกรรมที่สัมพันธ์กับภูมิทัศน์ ความชื่นชมในความงามของโลกนี้เป็นเนื้อหาหลักนิรันดร์ในผลงานของพวกเขาซึ่งทำให้เรากังวลมาจนถึงทุกวันนี้ แต่บางครั้งก็รู้สึกถึงการไตร่ตรองในหน้าของพวกเขา

ในการแกะสลัก นิตยสาร และภาพประกอบหนังสือก่อนการปฏิวัติ มากกว่างานศิลปะประเภทอื่น ๆ รู้สึกถึงอิทธิพลของสังคมโลกแห่งศิลปะ อาจเป็นเพราะสมาชิกหลายคนเป็นศิลปินกราฟิกในระดับมืออาชีพระดับสูง ในบรรดาศิลปินที่มีชื่อ สังคมนี้รวมถึง Ostroumova-Lebedeva และ Lanceray อย่างไรก็ตาม งานของพวกเขามีแง่มุมที่ดีที่สุดทั้งหมดซึ่งขัดแย้งกับแนวปฏิบัติด้านสุนทรียศาสตร์ของนักทฤษฎีแห่ง "โลกแห่งศิลปะ" ซึ่งสนับสนุน "ศิลปะบริสุทธิ์" ซึ่งห่างไกลจากชีวิตจริง ภาพวาด สีน้ำ และภาพวาดของบุคคลสำคัญของ "โลกแห่งศิลปะ" A. Benois, K. Somov และคนอื่นๆ ได้ฟื้นคืนชีพให้กับโลกแห่งชีวิตในราชสำนักที่กล้าหาญและไร้ชีวิตชีวาในยุคที่ผ่านมา และเป็นเกมแห่งประวัติศาสตร์ที่ซับซ้อนและเรียนรู้ ดังนั้นในกราฟิกก่อนการปฏิวัติผลงานจึงถูกสร้างขึ้นซึ่งเต็มไปด้วยละครของความขัดแย้งทางสังคมภูมิทัศน์โคลงสั้น ๆ จำนวนมากปรากฏขึ้นและในเวลาเดียวกันการหวนกลับก็เจริญรุ่งเรืองนั่นคือการละทิ้งความทันสมัยสุนทรียศาสตร์ของ โลกแห่งศิลปะ

ในช่วงปีแรกหลังการปฏิวัติ รูปลักษณ์ของกราฟิกขาตั้งเปลี่ยนแปลงไปเล็กน้อย ปีที่โหดร้ายเหล่านี้เป็นช่วงเวลาของการสู้รบ ศิลปะโปสเตอร์ที่ดังก้อง ประติมากรรมอนุสาวรีย์โฆษณาชวนเชื่อ และศิลปะใหม่ในการตกแต่งวันหยุดมวลชน เมื่อเทียบกับฉากหลังของการพัฒนาอย่างรวดเร็วของงานศิลปะประเภทนี้ กราฟิกขาตั้งในตอนแรกมีลักษณะแบบดั้งเดิมโดยเฉพาะ โดยพื้นฐานแล้วปรมาจารย์คนเดียวกันที่ทำงานที่นี่จะเหมือนกับในช่วงปีก่อนการปฏิวัติและงานของพวกเขาซึ่งได้ถูกกำหนดไว้เป็นส่วนใหญ่แล้วไม่ได้รับการเปลี่ยนแปลงที่ซับซ้อนในทันทีหรืออย่างรวดเร็วที่เกี่ยวข้องกับอิทธิพลของความเป็นจริงใหม่ ภูมิทัศน์และแนวตั้งกลายเป็นประเภทชั้นนำของกราฟิกขาตั้ง ศิลปินพรรณนาถึงมุมเมืองโบราณ อนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมที่โดดเด่น และความงามอันเป็นนิรันดร์ของธรรมชาติด้วยความรัก โดยไม่อยู่ภายใต้พายุทางสังคม ผลงานของพวกเขามีทักษะที่น่าหลงใหลและการชื่นชมความงามของโลกอย่างสงบ แต่โลกใบเล็กๆ แบบปิดที่มีทิวทัศน์ย้อนหลังและย้อนหลังนี้ ดูเหมือนว่าจะได้รับการปกป้องจากเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในประเทศด้วยกำแพงที่มองไม่เห็น

ผลงานประเภทในชีวิตประจำวันซึ่งมีเพียงไม่กี่ชิ้นที่ถูกสร้างขึ้น พรรณนาถึงชีวิตที่เงียบสงบและเรียบง่ายเหมือนเดิม โดยไม่ถูกแตะต้องจากความวุ่นวายทางสังคมใดๆ เป็นงานบ้านที่เรียบง่าย

กราฟิกของปีเหล่านี้โดดเด่นด้วยการแกะสลักและภาพพิมพ์หิน การวาดภาพและสีน้ำไม่ใช่เรื่องธรรมดามาก ภาพทิวทัศน์และภาพบุคคลมักถูกตีพิมพ์ในอัลบั้มภาพแกะสลัก และเป็นฉบับพิมพ์เผยแพร่เล็กๆ และมีราคาแพงสำหรับผู้ที่ชื่นชอบบางคน

ความใกล้ชิดทำให้งานภาพเหมือนแตกต่าง แบบจำลองสำหรับจิตรกรภาพบุคคลมักเป็นศิลปิน นักเขียน นักแสดง ซึ่งก็คือกลุ่มคนที่ใกล้ชิดทางวิญญาณกับผู้เขียนค่อนข้างแคบ โลกภายในของพวกเขาถูกเปิดเผยอย่างละเอียดและรอบคอบ แต่ยังไม่ถึงระดับทั่วไปที่งานศิลปะโซเวียตจะสามารถเข้าถึงได้ในภายหลัง

และเฉพาะในการถ่ายภาพบุคคลที่ดำเนินการโดย N. A. Andreev โดยเฉพาะอย่างยิ่งในภาพของ V. I. Lenin ประเภทภาพบุคคลในกราฟิกจะได้รับคุณสมบัติใหม่ทันที อำนาจทั่วไป และเสียงสะท้อนทางสังคม ภาพวาดเหล่านี้รวมอยู่ในความสำเร็จที่ดีที่สุดของศิลปะโซเวียตอย่างถูกต้องซึ่งยังคงทำให้เราพึงพอใจและมีส่วนร่วมในชีวิตของเราในปัจจุบัน แต่ในช่วงหลายปีของการสร้างสรรค์ แผ่นงานเหล่านี้เป็นข้อยกเว้นที่ยอดเยี่ยมที่ยืนยันกฎเท่านั้น นั่นคือลักษณะที่ใกล้ชิดโดยทั่วไปของงานภาพบุคคลส่วนใหญ่ เราจะเริ่มทำความรู้จักกับกราฟิกขาตั้งของโซเวียตพร้อมภาพวาดของ Andreev ซึ่งดูเหมือนจะล้ำสมัย

สำหรับ N.A. Andreev (2416 - 2475) - ประติมากรที่มีชื่อเสียงผู้เขียนอนุสาวรีย์มอสโกถึง Gogol, Ostrovsky และอนุสาวรีย์เสรีภาพการวาดภาพไม่เพียง แต่เป็นขั้นตอนการเตรียมงานที่จำเป็นเท่านั้น แต่ยังเป็นพื้นที่แห่งความคิดสร้างสรรค์ที่เป็นอิสระอีกด้วย ในช่วงต้นทศวรรษ 1920 เขาวาดภาพกราฟิกจำนวนมากของ Dzerzhinsky, Lunacharsky, Gorky, Stanislavsky และศิลปิน โรงละครศิลปะและคนอื่น ๆ.

ผู้ชายในความสมบูรณ์ของตัวละครของเขาคือสิ่งที่ Andreev จิตรกรภาพเหมือนสนใจ ในเอกสารของเขา โลกภายในของนางแบบแสดงให้เห็นอย่างชัดเจน มั่นใจ และมีรายละเอียด แต่ไม่มีฮาล์ฟโทนหรือความแตกต่างเล็กน้อย เมื่อทำความคุ้นเคยกับภาพวาดของ Andreev ดูเหมือนว่าเราจะได้รับความรู้ที่แม่นยำและได้รับการยืนยันจำนวนหนึ่งเกี่ยวกับผู้คนที่ปรากฎในภาพเหล่านั้น ความถูกต้องและชัดเจนของความรู้นี้เป็นความน่าสมเพชที่เป็นเอกลักษณ์ของงานของ Andreev ลักษณะของการถ่ายภาพบุคคลก็รองลงมาเช่นกัน

ในลักษณะนี้ส่วนใหญ่มาจากวิสัยทัศน์ด้านประติมากรรมของศิลปิน นี่คือความเป็นพลาสติกที่เน้นย้ำของการออกแบบการค้นหาเส้นเงาที่แสดงออกซึ่งจำเป็น แต่ยังรวมถึงความแข็งแกร่งของสีการขาดความรู้สึกของอากาศ แต่สิ่งสำคัญที่นี่คือข้อดีที่พรสวรรค์ด้านประติมากรรมของ Andreev มอบให้ - ความสามารถในการมองเห็นแบบจำลองโดยรวมซึ่งเป็นสิ่งสำคัญในโครงร่างของศีรษะเพื่อดูลักษณะที่ปรากฏโดยปราศจากเส้นและการหมุนแบบสุ่ม ความสมบูรณ์แบบของภาพเงานี้ ผสมผสานกับพัฒนาการของใบหน้าที่มีรายละเอียดมากที่สุด โดยเฉพาะดวงตา ถือเป็นสไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของศิลปิน ดินสอสีสดใส สีพาสเทล และสีทำหน้าที่ได้ดีในมือของ Andreev เช่นเดียวกับดินสอถ่านหรือดินสออิตาลีซึ่งใช้ในการร่างโครงร่างเล่มหลัก

ในทำนองเดียวกัน Andreev ยังได้วาดภาพบุคคลของ V.I. Lenin หลายภาพซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของ Leniniana ที่โด่งดังของเขา - วงจรขนาดใหญ่ของภาพร่างภาพวาดภาพร่างและประติมากรรมซึ่งเป็นผลงานหลักของชีวิตของ Andreev ในช่วงปีโซเวียต พลัง. ภาพเหมือนของเลนินโดย Andreev ไม่ใช่แค่สิ่งสำหรับเราเท่านั้น ศิลปินที่มีพรสวรรค์แต่ยังเป็นการเปิดเผยอันล้ำค่าจากผู้เห็นเหตุการณ์ด้วย ซึ่งเป็นบุคคลที่สังเกตเห็นเลนินซ้ำแล้วซ้ำเล่าในการประชุมและในรัฐสภาและในที่ทำงานของเขาในเครมลิน Andreev ในกระบวนการของงานนี้มีการสเก็ตช์ภาพอย่างรวดเร็วจำนวนมาก แต่มีภาพบุคคลที่เสร็จสมบูรณ์เพียงสามภาพเท่านั้น ศิลปินเข้าใจความซับซ้อนและความเฉพาะเจาะจงของงานของพวกเขาอย่างสมบูรณ์แบบด้วยความเร็วในการดำเนินการที่ดูเหมือนเป็นไปได้

ในภาพบุคคลเหล่านี้ การหรี่ตาเล็กน้อยของเลนินและรอยยิ้มที่แทบจะสังเกตไม่เห็นได้สูดลมหายใจเข้าไปในภาพ และสร้างภาพที่เต็มไปด้วยความอบอุ่นของมนุษย์ ในเวลาเดียวกัน ภาพบุคคลยังมีความรู้สึกถึงความสำคัญทางสังคมของภาพลักษณ์ของผู้นำ และด้วยเหตุนี้เอกสารนี้จึงมีเนื้อหาใหม่มากสำหรับศิลปะการถ่ายภาพบุคคลแบบกราฟิกในช่วงหลายปีที่ผ่านมา (ป่วย 1)

แก่นเรื่องของเลนิน - ผู้นำมวลชนได้รับการพัฒนาด้วยพลังและการแสดงออกที่มากยิ่งขึ้นโดย Andreev ในภาพโปรไฟล์ของ V.I. เลนินซึ่งมักจะย้อนกลับไปในช่วงต้นทศวรรษ 1920 แรงกระตุ้นและพลังของภาพที่ได้รับแรงบันดาลใจนี้ ความกล้าหาญอันประเสริฐของมันชนะใจ ในเวลาเดียวกันความเข้าใจในบทบาททางประวัติศาสตร์ของ V.I. เลนินที่นี่มีความโดดเด่นด้วยวุฒิภาวะที่งานของ Andreev ดูเหมือนจะล้ำหน้าศิลปะของต้นทศวรรษ 1920 ไปไกล ด้วยความมั่งคั่งและความสำเร็จของศิลปะในช่วงหลายปีที่ผ่านมา เราจะไม่พบความรู้สึกถึงขนาดการกระทำของเลนิน ขอบเขตความคิดของเลนิน ความเข้าใจทางประวัติศาสตร์เกี่ยวกับภาพลักษณ์ของเขา และข้อสันนิษฐานล่าสุดของนักวิจัยของ Leniniana L. Trifonova ดูเหมือนจะยุติธรรมที่ภาพเหมือนซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในช่วงทศวรรษที่ 1930 เท่านั้นไม่ได้ถูกสร้างขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1920 แต่ในภายหลัง ภาษาที่พูดน้อยและเนื้อหาภายในทำให้เอกสารนี้มีความยิ่งใหญ่อย่างแท้จริง ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ภาพบุคคลนี้คุ้นเคยกับสาธารณชนทั่วไปไม่เพียง แต่จากการทำซ้ำหลาย ๆ ครั้งเท่านั้น แต่ยังทำด้วยกระเบื้องโมเสคและถูกทาสีเป็นแผงเมื่อตกแต่งวันหยุด เมื่อขยายจนมีขนาดมหึมา ภาพวาดก็ไม่สูญเสียอะไรไปจากการแสดงออกที่กระชับ

G. S. Vereisky (เกิดปี 1886) ยังทำงานในด้านการถ่ายภาพบุคคลตั้งแต่ปีแรกของการก่อตัวของกราฟิกโซเวียต ช่วงเวลาของการประเมินความสำคัญทางสังคมของบุคคลจะครอบครองสถานที่สำคัญในผลงานของเขาในภายหลัง แต่เส้นทางของศิลปินในเรื่องนี้และโดยเฉพาะอย่างยิ่งลักษณะของผลงานชิ้นแรกของเขานั้นแตกต่างจากของ Andreev G. S. Vereisky ได้รับทักษะด้านศิลปะเป็นครั้งแรกในสตูดิโอส่วนตัวใน Kharkov กำลังศึกษาอยู่ที่มหาวิทยาลัยเข้าร่วมในวงปฏิวัตินักศึกษาและเหตุการณ์ปฏิวัติในปี 1905 ซึ่งเกี่ยวข้องกับสิ่งนี้คุกและจากนั้นหลายปีของการย้ายถิ่นฐาน - นี่คือบางส่วน ช่วงเวลาแห่งชีวประวัติของศิลปิน ตั้งแต่ปี 1918 Vereisky ทำงานในแผนกแกะสลักของ Hermitage เป็นเวลาหลายปี เขามาที่นั่นโดยมีข้อมูลสำคัญจากประวัติศาสตร์ศิลปะโลกอยู่แล้วและผลงานอันยาวนานของเขาที่อาศรมทำให้เขามีคุณค่ามากขึ้นในเรื่องนี้ ไม่ใช่หนังสือ แต่ความรู้ที่มีชีวิตของผลงานชิ้นเอกของศิลปะโลกทิ้งร่องรอยไว้บนภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของศิลปิน วัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่ ความสูงส่ง ความเรียบง่าย เบื้องหลังมีความเข้มงวด แยกแยะผลงานมากมายของเขา Vereisky เริ่มต้นด้วยการถ่ายภาพบุคคลด้วยการพิมพ์หิน และแม้ว่าตอนนี้เราจะรู้จักเขาในฐานะช่างเขียนแบบและช่างแกะสลักที่เก่งกาจแล้ว แต่เขาก็ยังทำสิ่งที่สำคัญที่สุดในสาขาการพิมพ์หิน

ตั้งแต่เริ่มต้นงาน Vereisky โดดเด่นด้วยความภักดีต่อธรรมชาติและการสังเกต ดังนั้นบางทีเส้นทางศิลปะอันยาวนานของศิลปินคนนี้อาจดูราบรื่นและสงบเมื่อมองแวบแรก ในความเป็นจริง มันถูกทำเครื่องหมายด้วยภารกิจอย่างต่อเนื่อง การพัฒนาทักษะ

อัลบั้มแรกของ Bereysky "Russian Artists" เปิดตัวในปี 1922 เราเห็นกลุ่มศิลปินที่เป็นตัวแทนอย่างเต็มที่จากสังคมโลกแห่งศิลปะ ตั้งแต่ผู้ก่อตั้งจนถึงรุ่นที่สอง Vereisky รู้จักแบบจำลองของเขาเป็นอย่างดีและแม่นยำรวบรวมอารมณ์และอุปนิสัยทางจิตวิญญาณของศิลปินแต่ละคน - ความจริงจังที่มืดมนและความเหงาอันไม่พึงประสงค์ของ Benois, สมาธิที่ไร้ความสุขของ Somov, การแสดงออกที่เต็มไปด้วยหนาม, ความตึงเครียดในชีวิตภายในของ Mitrokhin ฯลฯ จากสิ่งเหล่านี้ แผ่นงานเช่นเดียวกับจากภาพบุคคลของ Andreev เราสามารถเรียนรู้ได้มากมายเกี่ยวกับผู้คนที่ปรากฎที่นี่ แต่ในภาพบุคคลของ Vereisky ไม่มีช่วงเวลาใดในการประเมินผู้คนจากระยะไกลดังนั้นหากพูดจากระยะไกล การแสดงลักษณะจะได้รับในห้องที่มีโคลงสั้น ๆ ที่ใกล้ชิด และคำถามเกี่ยวกับความสำคัญทางสังคมของกิจกรรมของพวกเขายังไม่ได้รับการหยิบยกขึ้นมา ในอัลบั้มต่อ ๆ มาของปี 1927 - 1928 Vereisky ค้นหาท่าทางที่เป็นธรรมชาติและผ่อนคลายของนางแบบได้แม่นยำยิ่งขึ้น วาดได้อย่างมั่นใจและอิสระมากขึ้น การถ่ายภาพบุคคลของศิลปิน Golovin, Zamirailr, สถาปนิก Shchuko, นักวิจารณ์ Yaremich, Notgaft ประสบความสำเร็จ Vereisky สามารถถ่ายทอดวัฒนธรรมภายใน ความมีชีวิตชีวาของจิตใจ และเสน่ห์ของการศึกษาที่ยอดเยี่ยมซึ่งมีอยู่ในผู้คนที่เขาพรรณนาได้เป็นอย่างดี

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 Vereisky ทำงานมากกับการถ่ายภาพบุคคลของนักบินโดยชื่นชมความกล้าหาญและความกล้าหาญของพวกเขาโดยพยายามเน้นคุณสมบัติเหล่านี้ในคำอธิบาย และเมื่อตอนต้นมหาราช สงครามรักชาติเขาสร้างภาพบุคคลของนักสู้ผู้กล้าหาญ Fisanovich, Meshchersky, Osipov และคนอื่น ๆ พวกเขาดูเหมือนเป็นเรื่องราวต่อเนื่องของเรื่องราวของศิลปินเกี่ยวกับทหารโซเวียตผู้กล้าหาญซึ่งเริ่มต้นด้วยผลงานในช่วงทศวรรษที่ 1930

แต่ความสำเร็จหลักของ Vereisky ในช่วงเวลานี้และต่อจากนั้นคือการถ่ายภาพบุคคลทางวัฒนธรรม ด้วยความชัดเจนเป็นพิเศษ ศิลปินในช่วงสงครามรู้สึกว่าธีมของภาพบุคคลของเขาคือความคิดสร้างสรรค์ ความสามารถอันล้ำค่าและไม่อาจแบ่งแยกได้ของบุคคลแห่งศิลปะในการทำงานด้วยความเข้าใจเชิงสร้างสรรค์แม้ในช่วงเวลาแห่งความยากลำบากแสนสาหัส ในเอกสารเหล่านี้ ทักษะทางเทคนิคที่ยอดเยี่ยมของ Vereisky ดูเหมือนจะได้รับการส่องสว่างเป็นครั้งแรกด้วยความตื่นเต้นทางอารมณ์อย่างลึกซึ้ง และภาพบุคคลที่ถูกต้องและแม่นยำอยู่เสมอของเขาก็ทำให้เกิดอารมณ์ความรู้สึกที่มีชีวิตชีวา ผู้อำนวยการอาศรมนักตะวันออก I. A. Orbeli และกวี N. Tikhonov ถูกเขาวาดในช่วงสมัยที่ถูกล้อมเลนินกราด; ความยากลำบากทิ้งร่องรอยไว้บนการปรากฏตัวของคนเหล่านี้ แต่แม้ว่าพวกเขาจะทำงานภายใต้เงื่อนไขและความลึกเชิงสร้างสรรค์ของพวกเขาก็ถูกถ่ายทอดอย่างเป็นรูปธรรมและชัดเจน บทกวีเดียวกันของการแสวงหาแรงบันดาลใจก็มีอยู่ในภาพวาดของศิลปิน E. E. Lansere ผู้ควบคุมวง E. A. Mravinsky จิตรกร T. N. Yablonskaya (ป่วย 2) เป็นอีกครั้งที่บุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมของอาชีพต่างๆ ถูกนำเสนอที่นี่ แต่เมื่อโลกภายในของพวกเขาเปลี่ยนไป ความทุ่มเทอย่างแรงกล้าในงานศิลปะของพวกเขาก็ได้รับการส่องสว่างด้วยความหมายใหม่ ความใกล้ชิดในอดีตของผลงานของ Vereisky กำลังหายไป และคำถามเกี่ยวกับบทบาททางสังคมของศิลปะก็ได้ยินอย่างเต็มกำลังในภาพบุคคลของเขาในช่วงปี 1940-1950 วิธีการเขียนเชิงจิตวิทยาของเขาไม่ได้แตกต่างกัน แต่มีเพียงความแม่นยำมากขึ้น แต่จากความจริงตามความเป็นจริงตามปกติของลักษณะของเขารูปทรงของความใกล้ชิดภายในที่ยิ่งใหญ่ของผู้คนที่เขาพรรณนาความใกล้ชิดในสิ่งสำคัญ - ในการทำความเข้าใจความหมายของ งานของพวกเขาดูเหมือนจะปรากฏด้วยตัวเอง

เมื่อเราออกเสียงชื่อของ G. S. Vereisky เรามักจะจำผลงานของ M. S. Rodionov (พ.ศ. 2428 - 2499) ได้ทันทีซึ่งเป็นศิลปินที่มีงานศิลปะซึ่งมีความใกล้ชิดกับ G. S. Vereisky หลายประการ และทิศทางหลักของงาน - แนวตั้งและภูมิทัศน์ (ซึ่ง Vereisky ทำงานมากเช่นกัน) และความสวยงามของท่าทางที่เข้มงวดและความรอบคอบในการศึกษาธรรมชาติเป็นเรื่องปกติสำหรับศิลปินเหล่านี้ ดำเนินการโดย M. S. Rodionov ในปี พ.ศ. 2487 - 2489 ในเทคนิคการพิมพ์หินชุดภาพบุคคลของนักวิทยาศาสตร์และศิลปิน - Abrikosov, Baranov, Vesnin และคนอื่น ๆ - วางโครงร่างในกราฟิกของเราแนวเดียวกันของความจริงจังปราศจากการแสดงภายนอกที่แข็งแกร่ง ในความจริงภายในของศิลปะภาพเหมือนซึ่งระบุไว้ในผลงานของ G. S. Vereisky ด้วย

งานของ Vereisky และ Rodionov พาเราไปไกลจากปีหลังการปฏิวัติครั้งแรก เมื่อกลับมาหาพวกเขาเราต้องเสริมวงกลมของงานภาพบุคคลที่เราคุ้นเคยอยู่แล้วด้วยผลงานของ B. M. Kustodiev (พ.ศ. 2421 - 2470) Kustodiev จิตรกรคนสำคัญยังทำงานด้านกราฟิกเป็นจำนวนมาก สิ่งที่น่าสนใจคือภาพเหมือนของ F.I. Chaliapin ที่เขาวาดด้วยสีน้ำและดินสอในปี 1921 หากในเวอร์ชันแรกของภาพบุคคลนี้ดูเหมือนว่าตราประทับในชีวิตประจำวันจะดับแสงภายในใบหน้าของชลีปินแล้วต่อมาศิลปินก็สร้างภาพที่มีความซับซ้อนและในเวลาเดียวกันก็น่าเชื่อ คนหนึ่งสัมผัสได้ถึงความสามารถ ความกว้าง ความสง่างาม และความคิดบางอย่างที่ซ่อนอยู่ในตัวเขา (ป่วย 3)

ประเภทที่สองที่แพร่หลายในกราฟิกของปี ค.ศ. 1920 คือแนวนอน หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดคือ A.P. Ostroumova-Lebedeva (2414 - 2498) ความสนใจในงานศิลปะที่ตื่นตัวตั้งแต่เนิ่นๆ ทำให้เธอเข้าเรียนที่ Stieglitz School of Technical Drawing ซึ่งเธอศึกษาภายใต้การแนะนำของอาจารย์และช่างแกะสลักที่เก่งกาจ V. V. Mate ซึ่งเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการแกะสลักการสร้างโทนสี โปรไฟล์สร้างสรรค์ของ Ostroumova ไม่ได้ถูกกำหนดในทันที หลังจากย้ายไปที่ Academy of Arts เธอได้ศึกษาที่นั่นกับอาจารย์หลายๆ คน และต่อมาได้รับการยอมรับให้เป็นหนึ่งในนักเรียนของ I.E. Repin นี่เป็นเหตุการณ์ที่ทิ้งร่องรอยไว้ในผลงานในอนาคตทั้งหมดของศิลปิน “โดยลึกๆ แล้ว หัวใจสำคัญของงานศิลปะของเรา ความสมจริงที่ร่าเริง สดชื่น และคงอยู่ตลอดไปของ Repin คือรากฐานที่สำคัญ” Ostroumova เขียนในภายหลัง ความสนใจของศิลปินในการแกะสลักและโดยเฉพาะอย่างยิ่งงานแกะสลักไม้สี เริ่มมีความมุ่งมั่นมากขึ้นเรื่อยๆ เธอได้ศึกษาตัวอย่างที่ดีของงานศิลปะชิ้นนี้จากคอลเลกชันต่างๆ ระหว่างการเดินทางไปปารีส ในบรรดาเทคนิคการแกะสลักทั้งหมด ภาพพิมพ์แกะไม้ในรัสเซียเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 มีความเป็นอิสระน้อยที่สุด คุณค่าทางศิลปะและมีอยู่เป็นวิธีการผลิตภาพเขียนเป็นหลัก ภาพแกะสลักไม้สีถูกลืมไปจนหมด ดังนั้นเมื่อ Ostroumova-Lebedeva ส่งงานแกะสลักของเธอจำนวนหนึ่งไปยัง Academy เพื่อการแข่งขันและในหมู่พวกเขาเป็นงานแกะสลักสีจากภาพวาดของศิลปินชาวเฟลมิช Rubens "Perseus และ Andromeda" คณะลูกขุนในตอนแรกถึงกับปฏิเสธเอกสารนี้ด้วยซ้ำโดยเข้าใจผิดว่าเป็น สีน้ำ

ตลอดชีวิตสร้างสรรค์อันยาวนานของเธอ Ostroumova-Lebedeva มีความมุ่งมั่นในเรื่องงานแกะสลักไม้และสีน้ำ ศิลปินเองเขียนเกี่ยวกับสิ่งแรกด้วยความรักและบทกวี:

“ในงานศิลปะนี้ฉันชื่นชมความกระชับและความกะทัดรัดอย่างไม่น่าเชื่อของการนำเสนอ ความกระชับ และด้วยเหตุนี้ ความคมชัดและการแสดงออกอย่างที่สุด ฉันชื่นชมในการแกะสลักไม้ถึงความแน่นอนและความชัดเจนของเส้นของมัน... เทคนิคนี้ไม่อนุญาตให้ เพื่อการแก้ไขจึงไม่มีความสงสัยและความลังเลในการแกะสลักไม้ ...

และความสวยงามของเครื่องดนตรีบนไม้เนื้อแข็งช่างสวยงามจริงๆ! กระดานขัดเงาจนดูเหมือนกำมะหยี่ และสิ่วที่แหลมคมก็วิ่งไปอย่างรวดเร็วบนพื้นผิวสีทองแวววาวนี้ และงานทั้งหมดของศิลปินก็คือรักษามันให้อยู่ในขอบเขตแห่งเจตจำนงของเขา!

มีช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยมเมื่อหลังจากการทำงานที่ยากและช้าที่เกี่ยวข้องกับความสนใจอย่างต่อเนื่อง - ไม่ทำผิดพลาด - คุณม้วนสีด้วยลูกกลิ้งและเส้นทั้งหมดที่คุณทิ้งไว้บนกระดานก็เริ่มส่องแสงด้วยสีดำและทันใดนั้น ภาพวาดปรากฏบนกระดาน

ฉันเสียใจมาโดยตลอดที่หลังจากการแกะสลักอย่างงดงามซึ่งเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 และ 17 ศิลปะนี้เริ่มเหี่ยวเฉากลายเป็นบริการและเป็นงานฝีมือ! และฉันใฝ่ฝันที่จะให้อิสรภาพแก่เขามาโดยตลอด!”

แม้แต่ในช่วงก่อนการปฏิวัติ Ostroumova ได้สร้างผลงานที่ยอดเยี่ยมมากมาย - ทิวทัศน์ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและบริเวณโดยรอบทิวทัศน์ที่วาดระหว่างการเดินทางในอิตาลีสเปนฝรั่งเศส

ฮอลแลนด์ ความแม่นยำและความเที่ยงตรงต่อธรรมชาติที่คงที่นั้นถูกรวมเข้ากับของขวัญที่ยอดเยี่ยมสำหรับการสรุปทั่วไป ศิลปินวาดภาพเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กอย่างมีจิตวิญญาณและบทกวีเป็นพิเศษ เมืองนี้ดูสง่างามในผ้าปูที่นอน เต็มไปด้วยความกลมกลืนและสวยงาม ความกลมกลืนขององค์ประกอบ ความชัดเจนเชิงเส้น และความบริสุทธิ์ของสีทำให้ผลงานของเธอโดดเด่น

หลังจากการปฏิวัติซึ่งตามบันทึกความทรงจำของเธอทำให้ศิลปินมีพลังสร้างสรรค์เพิ่มขึ้นและการเพิ่มขึ้นอย่างสนุกสนาน Ostroumova ยังคงทำงานในรูปแบบภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมเป็นหลัก ในหน้าต่างๆ เหมือนเมื่อก่อน เมืองนี้ไม่ใช่ถนนที่พลุกพล่านไปด้วยผู้คนที่พลุกพล่าน แต่เหนือสิ่งอื่นใดคืออาณาจักรแห่งสถาปัตยกรรมที่สวยงามและความงามที่ยั่งยืน

ในเวลาเดียวกัน ศิลปินได้ค้นพบคุณลักษณะใหม่ๆ ในรูปลักษณ์ของเมือง และบางครั้งความรู้สึกที่ควบคุมไม่ได้ของภาพวาดของเธอก็ถูกแทนที่ด้วยความรู้สึกที่ปั่นป่วนและเร่งรีบมากขึ้น ภายใต้กรอบของแนวทิวทัศน์ประเภทเดียว Ostroumova สร้างสรรค์สิ่งต่าง ๆ ที่มีความหลากหลายมากและบูรณาการภายในอยู่เสมอ ให้เรานึกถึงสีน้ำปี 1918 ของเธอ "Petrograd. Field of Mars" เอกสารนี้มีการเคลื่อนตัวอย่างรวดเร็วของเมฆบนท้องฟ้า ความกว้างขวางของจัตุรัส และรูปร่างเพรียวบางของอนุสาวรีย์ Suvorov ที่มองไปข้างหน้านั้นเต็มไปด้วยความตึงเครียดและความน่าสมเพชที่ซ่อนอยู่ ทัศนคติของศิลปินที่นี่กล้าหาญ ร่าเริง จังหวะชีวิตที่เธอได้ยินชัดเจนเหมือนการเดินขบวน และเหมือนการเดินขบวน ดนตรี Ostroumova วาดด้วยจังหวะแสงโดยสรุปในรูปแบบโดยใช้รายละเอียดอย่างชาญฉลาด ดูเหมือนว่าเอกสารฉบับนี้จะวาดค่อนข้างเรียบง่าย แต่เบื้องหลังความเรียบง่ายนั้นมีทักษะและรสนิยมทางศิลปะที่ยอดเยี่ยม มันยังแสดงออกมาในความสูงส่งของจานสีที่เรียบง่ายและสวยงามของสิ่งนี้

ภาพพิมพ์แกะไม้ "Smolny" เต็มไปด้วยอารมณ์อันดุเดือดซึ่งไม่ธรรมดาสำหรับ Ostroumova ลมหายใจแห่งการปฏิวัติดูเหมือนจะพัดผ่านภูมิประเทศนี้ และการสร้างรูปแบบคลาสสิกอันเงียบสงบดูเหมือนจะกลับมามีชีวิตชีวาอีกครั้ง ดังเช่นในน้ำเดือดของเดือนตุลาคม พ.ศ. 2460 การชนกันของสีดำและสีขาวดูเหมือนจะเพิ่มพลังของแต่ละสีเหล่านี้เป็นสองเท่า เสา Propylaea ที่ทำเครื่องหมายทางเข้าสู่ Smolny เปลี่ยนเป็นสีดำอย่างน่ากลัว พื้นดินเปล่งประกายด้วยความขาวสว่าง ลายเส้นที่ทอดยาวไปสู่อาคารในส่วนลึกหมุนวนเป็นพายุ ต้นไม้โค้งงอภายใต้ลมกระโชกแรง และล้มลง เส้นแทบจะไม่ได้สรุปท้องฟ้าเหนือ Smolny ภาพถูกสร้างขึ้นเต็มไปด้วยแรงกระตุ้น การเคลื่อนไหว และความตื่นเต้นโรแมนติก ยิ่งไปกว่านั้น งานแกะสลักไม้สีดำนี้สวยงามและงดงามเพียงใด และข้อดีของการตกแต่งล้วนๆ นั้นยอดเยี่ยมเพียงใด

วัฏจักรของการแกะสลักไม้ขนาดเล็กที่วาดภาพ Pavlovsk ก็มีการตกแต่งเช่นกัน ศิลปินมองเห็นการตกแต่งในโครงร่างของกอต้นไม้ ภาพเงาของรูปปั้นหรือโครงตาข่าย ซึ่งสังเกตได้ในชีวิตจึงน่าเชื่อ

ตัวอย่างคลาสสิกของทักษะที่ยอดเยี่ยมของ Ostroumova-Lebedeva คือภูมิทัศน์ "Summer Garden in Frost" (1929; ill. 4)

ความสงบสุขของสวนร้างจะห่อหุ้มคุณเมื่อคุณดูภาพแกะสลักนี้ ดูเหมือนคุณจะพบว่าตัวเองอยู่ในตรอกของเขา - นี่คือวิธีที่ผู้เขียนคลี่องค์ประกอบของแผ่นงาน รอยเย็บรอยเท้าในหิมะลึกและจังหวะของโครงตาข่ายสีดำที่ปกคลุมไปด้วยหิมะแสดงการเคลื่อนไหวในส่วนลึกของแผ่นกระดาษ และมันจะปัดเป็นวงกลมอย่างนุ่มนวลด้วยเงาแสงของสะพาน การเคลื่อนไหวและรูปร่างของผู้คนที่อยู่ห่างไกลทำให้มีชีวิตชีวาทั้งแผ่น แต่ไม่รบกวนเสน่ห์ของหิมะ เป็นการผสมผสานระหว่างความสงบอันน่าทึ่ง ความเงียบ และความรู้สึกของชีวิต เมืองใหญ่ไหลไปที่ไหนสักแห่งใกล้ ๆ และเสน่ห์พิเศษของการแกะสลักนี้ถือกำเนิดขึ้น บทกวีแห่งฤดูหนาว สีสันที่พร่ามัว อากาศหนาวจัดที่พัดปกคลุมยอดไม้ในน้ำค้างแข็งสีชมพูเปราะ ได้รับการถ่ายทอดอย่างสมบูรณ์แบบโดยศิลปินที่นี่

ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ Ostroumova-Lebedeva ซึ่งมีอายุมากกว่าเจ็ดสิบปีแล้วไม่ได้ออกจากเลนินกราด เธอเล่าให้ชาวบ้านทุกคนฟังถึงความยากลำบากอันน่าเหลือเชื่อของการปิดล้อม และไม่ได้หยุดทำงานอย่างดีที่สุดเท่าที่จะทำได้ หน้าบันทึกความทรงจำของเธอที่เกี่ยวข้องกับหลายปีที่ผ่านมาไม่เพียง แต่เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับความยากลำบากและความวิตกกังวลทางจิตเท่านั้น แต่ยังเป็นหลักฐานของไฟสร้างสรรค์ชั่วนิรันดร์และความปรารถนาอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยที่จะทำงาน ความรักในงานศิลปะและการอุทิศตนอย่างยิ่งใหญ่ยังคงเป็นตัวอย่างสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์และความสำเร็จของ Ostroumova-Lebedeva ในการแกะสลักและโดยเฉพาะอย่างยิ่งการฟื้นฟูงานแกะสลักไม้สีเชิงศิลปะของเธอยังคงเป็นผลงานที่ไม่สั่นคลอนของปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ในงานศิลปะของเรา

ผลงานของ V. D. Falileev (พ.ศ. 2422 - 2491) มีมุมมองที่ใกล้เคียงกับผลงานของ Ostroumova-Lebedeva ในหลาย ๆ ด้าน นอกจากนี้ เขายังเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านงานแกะสลักไม้สีดำและงานสีอีกด้วย และหันมาสนใจงานแกะสลักและงานไลโนคัทเพื่อค้นหาความเป็นไปได้ทางเทคนิคใหม่ๆ ให้กับผลงานของเขาอย่างต่อเนื่อง โดยเฉพาะอย่างยิ่งงานที่ใช้สีสัน ภูมิทัศน์ของ Falileev ทั้งที่แสดงถึงประเทศบ้านเกิดของเขาและต่างประเทศดึงดูดเราด้วยความรู้สึกที่สมบูรณ์เหมือนกันความสามารถในการมองเห็นความงามในลวดลายธรรมดาของธรรมชาติเช่นเดียวกับผลงานของ Ostroumova-Lebedeva แต่ความกลมกลืนและความบริสุทธิ์ของเส้นแบบคลาสสิกนั้นพบได้น้อยกว่า ในงานแกะสลักของเขาสไตล์การวาดภาพของเขานั้นอิสระกว่าและกระสับกระส่ายมากกว่าการระบายสีจะร้อนกว่าและงดงามกว่า ในขณะเดียวกันความสามารถในการสรุปความประทับใจและสร้างภาพศิลปะที่กว้างขวางโดยใช้วิธีการขั้นต่ำทำให้ Falileev คล้ายกับ Ostroumova-Lebedeva ในแง่นี้ลักษณะเฉพาะคือตัวอย่างเช่นอัลบั้ม linocuts สีของ Falileev "อิตาลี" ซึ่งศิลปินอุทิศเพียงแผ่นเดียวให้กับเมืองหนึ่งหรืออีกเมืองหนึ่งในการแต่งเพลงที่พูดน้อยมากซึ่งบางครั้งก็วาดภาพเพียงเศษเสี้ยวของอาคารดูเหมือนจะมีสมาธิ สิ่งที่มีลักษณะเฉพาะมากที่สุดในรูปลักษณ์ของเมืองในอิตาลี

ศิลปินยังสนใจธรรมชาติที่มีพายุ เขาสร้างชุดการแกะสลัก "ฝน" ซึ่งมีหลายแผ่น ศึกษาลักษณะที่เปลี่ยนแปลงได้ของทะเล โครงร่างของคลื่นทะเลที่มีพายุ ในภูมิประเทศที่มีลวดลายของพายุและฝน นักวิจัยบางคนมองเห็นการตอบสนองที่เป็นเอกลักษณ์ของกราฟิกต่อพายุปฏิวัติ แต่การสร้างสายสัมพันธ์ดังกล่าวยังคงดูตรงไปตรงมาเกินไป และใน Falileev เราจะไม่เสี่ยงที่จะสร้างความสัมพันธ์ที่คล้ายคลึงกันระหว่างแผนการของเขากับกิจกรรมทางสังคม แต่ในผลงานทั้งหมดของเขา ในความตึงเครียดพิเศษของโครงสร้างภายใน มีความรู้สึกถึงความซับซ้อนของโลกสังคมจริงๆ และในเอกสารภูมิทัศน์ของเขาชัดเจนกว่าใน linocut “Troops, ” เพราะ Falileev ส่วนใหญ่เป็นจิตรกรภูมิทัศน์

I. N. Pavlov (1872 - 1951) ยังเป็นตัวแทนของประเภทภูมิทัศน์ในกราฟิกอีกด้วย ในตัวเขาเอง มอสโกมีกวีคนหนึ่งที่อุทิศตนและไม่เคยเบื่อหน่ายที่จะสรรเสริญมัน เหมือนกับที่เลนินกราดมีในตัวของออสโตรโมวา-เลเบเดวา Pavlov เกือบจะอายุเท่ากันกับ Ostroumova แต่เส้นทางในงานศิลปะของเขาเริ่มต้นในสภาพความเป็นอยู่อื่นที่ยากลำบากกว่า ลูกชายของเจ้าหน้าที่การแพทย์ในเรือนจำ ซึ่งต่อมาเป็นผู้พิทักษ์ที่อาสนวิหารแห่งพระคริสต์ผู้ช่วยให้รอดในมอสโก เขาต้อง "ให้เป็นที่รู้จักของสาธารณชน" ตั้งแต่เนิ่นๆ โดยกลายเป็นเด็กฝึกงานในเวิร์คช็อปงานแกะสลัก การแกะสลักการสืบพันธุ์จากภาพวาดของ V. Makovsky เป็นผลงานชิ้นแรกที่ทำให้เขาประสบความสำเร็จ ต่อจากนั้น Pavlov ศึกษาที่ Stieglitz School of Technical Drawing และในเวิร์คช็อป Mate รวมถึงที่โรงเรียนของ Society for the Encouragement of the Arts แต่ไม่นานนักเนื่องจากต้องทำงาน ศิลปินมีทักษะที่ยอดเยี่ยมในการสร้างภาพวาดและการแกะสลักของเขาได้รับการตีพิมพ์ในนิตยสารยอดนิยมในช่วงหลายปีที่ผ่านมาแนะนำผู้อ่านให้รู้จักกับผลงานของจิตรกรชื่อดังตั้งแต่ Repin ไปจนถึง V. Makovsky อย่างไรก็ตาม Photomechanics กำลังเข้ามาแทนที่วิธีการสร้างภาพนี้ต่อไป ในผลงานของ Pavlov ธีมหลักของงานของเขาปรากฏขึ้น - มุมโบราณของมอสโกและเมืองต่างจังหวัดภูมิทัศน์ของรัสเซียถอยกลับไปในอดีต

การเปลี่ยนไปสู่การสร้างงานแกะสลักดั้งเดิมไม่ใช่เรื่องง่ายสำหรับศิลปิน แต่การทำงานหนักและความรักที่มีต่อวิชาของเขาประสบความสำเร็จอย่างมาก ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2457 อัลบั้มภาพแกะสลักภูมิทัศน์โดย I. N. Pavlov เริ่มปรากฏให้เห็น ภูมิทัศน์ของเขาอิงจากความประทับใจในธรรมชาติของภูมิภาคมอสโก และจากการเดินทางไปตามแม่น้ำโวลก้าและโอคา การรับรู้ของธรรมชาติในห้องและการค้นหาความใกล้ชิดในนั้นทำให้ผลงานชิ้นแรกเหล่านี้โดดเด่น “ฉันพยายามที่จะเลือกมุมและตั้งใจที่จะเห็นภาพแกะสลักของฉันเป็นทิวทัศน์แห่งอารมณ์ที่แท้จริง สำหรับฉัน ในขนาดใหญ่ ในธรรมชาติแบบพาโนรามาของภาพ ดูเหมือนว่าความใกล้ชิดและความชัดเจนขององค์ประกอบภาพที่ฉันพยายามทำให้สำเร็จอาจหายไปโดยสิ้นเชิง ” ศิลปินเล่าในภายหลัง การเริ่มต้นภูมิทัศน์มอสโกชุดใหญ่ Pavlov ที่นี่ก็มองหาห้องเป็นหลักเช่นกัน แรงจูงใจโคลงสั้น ๆ, รวบรวมโบราณวัตถุ “ข้าพเจ้ามองหาอาคารเก่าแก่ที่หายากที่สุด ลานบ้าน ทางตัน บ้านไม้อายุร้อยปี โบสถ์ที่มีสถาปัตยกรรมเก่าๆ ข้าพเจ้าไม่ได้ละเลยโบราณวัตถุที่โดดเด่นมากมาย...บางครั้งข้าพเจ้าก็สลับของเก่ากับของใหม่เพื่อที่จะ เน้นย้ำถึงความเป็นแบบฉบับของชิ้นส่วนที่ถูกยึดครองของเมือง” - เราอ่านในบันทึกความทรงจำของเขา

ในแต่ละปีการแกะสลักของมอสโกโดย I. N. Pavlov ได้สะสมสะสมเพื่อสร้างอัลบั้มมากมายของเขา มีการเปลี่ยนแปลงมากมายในมอสโกในช่วงเวลาสั้น ๆ มุมที่เงียบสงบที่ I. N. Pavlov วาดนั้นกลายเป็นที่รู้จักในเมืองสมัยใหม่ขนาดใหญ่แห่งนี้ และเรารู้สึกขอบคุณศิลปินที่รักษาความสะดวกสบายเล็กน้อยของตรอกซอกซอยอันเงียบสงบและความเป็นมิตรของบ้านหลังเล็ก ๆ (ป่วย 5) และในเมืองอื่น ๆ ของรัสเซีย - Kostroma, Uglich, Ryazan, Torzhok - Pavlov ถูกดึงดูดด้วยสถาปัตยกรรมโบราณ เขารู้สึกถึงการแสดงออกและความคิดริเริ่มของเธอได้เป็นอย่างดี แต่โดยทั่วไปแล้วผลงานของ Pavlov มีความเป็นศิลปะและความงามแบบพลาสติกน้อยกว่าเช่นภูมิทัศน์ของ Ostroumova-Lebedeva หรือ Falileev ความแม่นยำของสารคดีในผลงานของเขามักจะกลายเป็นรูปแบบการถ่ายภาพ

5. ไอ. เอ็น. พาฟโลฟ ใบไม้จากอัลบั้ม "Old Moscow" อยู่ที่วาร์วาร์กา พ.ศ. 2467

วัฏจักรของภูมิทัศน์สมัยใหม่ของ Pavlov ได้รับการขยายในช่วงทศวรรษที่ 1920 - 1930 เมื่อได้เข้าร่วมสมาคมศิลปินแห่งการปฏิวัติรัสเซียเขาก็เหมือนกับปรมาจารย์ด้านศิลปะหลายคนได้เดินทางไปท่องเที่ยวอย่างสร้างสรรค์ไปยังศูนย์กลางอุตสาหกรรมของประเทศ linocut สี "Astrakhan" พร้อมฝูงเรือและแสงไฟสีเข้ม อาคารใหญ่ผู้บังคับการตำรวจน้ำบนชายฝั่งภูมิทัศน์ "บนแม่น้ำโวลก้า" ที่มีเงาเรือใบสีดำคมและน้ำที่สั่นไหวเล็กน้อย "บากู", "บาลัคนา" และแผ่นงานอื่น ๆ ที่ดำเนินการในช่วงหลายปีที่ผ่านมาถือเป็นผลงานที่ดีที่สุดของศิลปิน แผ่นงาน "Zvenigorod ชานเมือง" ที่สร้างขึ้นโดยปรมาจารย์วัย 78 ปีในปี 2492 ยังสร้างความประทับใจด้วยอารมณ์ที่สนุกสนานและสดใส

การยกย่องผลงานของพาฟโลฟอย่างไม่เหมาะสมโดยนักวิจารณ์ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 ได้บดบังข้อบกพร่องของผลงานของเขา และในทางกลับกัน ทำให้ไม่สามารถเปิดเผยข้อดีที่แท้จริงของพวกเขาได้ การปฏิเสธงานของเขาโดยสมบูรณ์มักพบเห็นได้ในปัจจุบัน แต่เราชื่นชมผลงานที่ยอดเยี่ยมของศิลปินและประสบการณ์อันยาวนานของเขาซึ่งเขาแบ่งปันอย่างไม่เห็นแก่ตัวกับปรมาจารย์ด้านกราฟิกโซเวียตหลายคนในช่วงเริ่มต้นเส้นทางสร้างสรรค์ของพวกเขา

ข้อดีของ Pavlov - พร้อมด้วย V.D. Falileev - คือการนำ linocut มาใช้โดยศิลปินโซเวียตและการประดิษฐ์วิธีการใหม่ในการพิมพ์ภาพพิมพ์ด้วยสีน้ำ - ประเภทน้ำ

ในบรรดานักเรียนของ I. N. Pavlov, M. V. Matorin ผู้เชี่ยวชาญด้านงานแกะสลักไม้สีและจิตรกรภูมิทัศน์ทำงานอย่างมีประสิทธิผลในฐานะศิลปินและครู

ในการดึงดูดภูมิทัศน์ทางสถาปัตยกรรมและอนุสรณ์สถานโบราณ I. N. Pavlov ไม่ได้อยู่คนเดียวในช่วงทศวรรษที่ 1920 ฉบับที่ IV Sokolov นักเรียนของ Levitan ซึ่ง I.N. Pavlov คนเดียวกันสามารถสนใจเทคนิคการแกะสลักได้ออกอัลบั้มหลายชุดในปี พ.ศ. 2460 - พ.ศ. 2468 เพื่ออุทิศให้กับ Sergiev Posad มอสโกเก่าและ Rostov ทั้งหมดนี้ล้วนเป็นตัวอย่างที่ดีของภูมิประเทศโบราณ ในอัลบั้มภาพพิมพ์หินของ Yuon และ Kustodiev ในช่วงปี ค.ศ. 1920 เรายังสามารถเห็น Sergiev Posad ภูมิทัศน์ของรัสเซีย รูปภาพของชีวิตในชนบทเก่าแก่ที่ยังมิได้ถูกแตะต้อง อาคารคลาสสิกของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กตั้งตระหง่านอยู่ในแนวไล่ล่าของภาพแกะสลักไม้ของ P. A. Shillingovsky ซึ่งมีอัลบั้มทิวทัศน์ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1923 แม้ว่าจะเรียกว่า "ปีเตอร์สเบิร์ก ซากปรักหักพังและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา" ส่วนใหญ่มีเพียงภาพซากปรักหักพังที่น่าเศร้า - การทำลายล้างที่เกิดขึ้น เปโตรกราดจากการทำลายล้างทางทหาร เมื่อมาถึงอาร์เมเนียในเวลาต่อมา ชิลลิงอฟสกี้ได้เห็นเฉพาะลักษณะโบราณวัตถุอีกครั้งโดยตีพิมพ์อัลบั้มแกะสลัก "Old Erivan" ในปี 2470 ดังนั้นภูมิทัศน์โบราณในกราฟิกของทศวรรษแรกจึงไม่ใช่งานอดิเรกแบบสุ่มของปรมาจารย์แต่ละคน แต่เป็นปรากฏการณ์ทั้งหมด

มีเพียงประมาณปี 1927 เท่านั้นที่ให้ความสนใจกับมันจนหมดสิ้น และ Shillingovsky คนเดียวกันซึ่งเป็นผู้ชื่นชมสถาปัตยกรรมโบราณได้สร้างอัลบั้ม "New Armenia" ในปีหน้า พ.ศ. 2471 ราวกับว่าสังเกตเห็นจุดเปลี่ยนที่เป็นลักษณะเฉพาะในงานของเขาที่เกิดขึ้นใน กราฟิก

แน่นอนว่าสิ่งใหม่เติบโตในส่วนลึกของสิ่งเก่าและผลงานที่อุทิศให้กับ ภูมิทัศน์สมัยใหม่ปรากฏในกราฟิกในเชิงลึกท่ามกลางสิ่งที่เราคุ้นเคยอยู่แล้ว ผู้เขียนของพวกเขาคือศิลปินที่เมื่อวานอุทิศความคิดสร้างสรรค์เพื่อใคร่ครวญถึงความงามอันชั่วนิรันดร์ของสถาปัตยกรรมและธรรมชาติ ตัวอย่างเช่น I. I. Nivinsky (1881 - 1933) ปรมาจารย์ด้านการแกะสลักของสหภาพโซเวียตที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในอัลบั้ม "ไครเมีย" ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1925 มีศิลปะและง่ายดายถึงแม้จะใช้การใคร่ครวญ แต่ก็สื่อถึงการเฉลิมฉลองทุกวันของธรรมชาติทางตอนใต้ที่สวยงาม เนื่องในโอกาสครบรอบ 10 ปีของเดือนตุลาคม ตามคำสั่งของสภาผู้บังคับการตำรวจ Nivinsky ได้สร้างภาพแกะสลักขนาดใหญ่หลายชิ้น "Zages" โดยที่พรรณนาถึงโรงไฟฟ้าในจอร์เจีย เขาไม่เพียงแต่แนะนำหัวข้อใหม่ให้กับภูมิทัศน์ของเขาเท่านั้น แต่ยังแสวงหาสิ่งใหม่ ๆ อย่างแข็งขันอีกด้วย รูปแบบการแสดงออกของมัน

การแกะสลัก "อนุสาวรีย์ของ V. I. Lenin ใน Zagese" ประสบความสำเร็จด้วยการวาดภาพอย่างระมัดระวังและอนุสาวรีย์ของ V. I. Lenin ที่ครอบงำภูมิทัศน์อุตสาหกรรมโดยธรรมชาติ - การสร้างประติมากร I. D. Shadra (ป่วย 6) ความงดงามของอนุสาวรีย์แห่งนี้ ภาพเงาตระการตาตระการตากลายเป็นองค์ประกอบหลักของภาพทิวทัศน์ที่นี่ ในปัจจุบัน ธรรมชาติได้รับการสร้างสรรค์โดยศิลปิน ไม่เพียงแต่เป็นเพียงวัตถุแห่งการใคร่ครวญเท่านั้น แต่ยังเป็นสาขาแห่งกิจกรรมอันยิ่งใหญ่ของมนุษย์อีกด้วย เป็นครั้งแรกที่บันทึกเกี่ยวกับทัศนคติที่กระตือรือร้นต่อชีวิตฟังดูชัดเจนในภูมิทัศน์กราฟิก

ลวดลายใหม่ปรากฏขึ้นในช่วงครึ่งหลังของปี ค.ศ. 1920 ในผลงานของศิลปิน I. A. Sokolov (เกิด พ.ศ. 2433) นักเรียนและผู้ชื่นชมอย่างมากของ V.D. Falileev, I.A. Sokolov ตั้งแต่เริ่มต้นงานของเขาได้บรรยายถึงฉากการทำงานในงานแกะสลัก ในตอนแรกนี่เป็นงานบ้านที่ยากและลำบากของผู้หญิงคนหนึ่งที่อยู่รอบบ้าน งานหัตถกรรม โลกที่คับแคบและจำกัด แสดงออกมาด้วยความอบอุ่นและความรัก ช่างทำรองเท้าก้มทำงานของเขา, ซักผ้า, ยายกับหลานของเธอในห้องที่คับแคบและไม่ธรรมดาในตอนเย็น, ภาพเงาเรียวเล็กของช่างทำลูกไม้กับพื้นหลังของผ้าสีอ่อนที่มีลวดลายที่ซับซ้อนซึ่งเห็นได้ชัดว่าเธอถัก - นี่คือของ Sokolov งานแรก (ป่วย 7)

โดยธรรมชาติแล้วพวกเขามีความใกล้ชิดกับผลงานของ I. Pavlov, Vl. Sokolov และศิลปินคนอื่น ๆ ที่แสดงให้เราเห็นมุมที่ไม่โอ้อวดของเมืองใหญ่ซึ่งเป็นของโบราณที่ไม่มีใครแตะต้อง “ ดูเหมือนว่าชีวิตซึ่งสะท้อนให้เห็นในภาพแกะสลักของ I. A. Sokolov เกิดขึ้นหลังกำแพงบ้านหลังเล็ก ๆ เหล่านั้นที่ I. N. Pavlov พรรณนา” ผู้เขียนชีวประวัติของ I. A. Sokolov M. Z. Kholodovskaya เขียนอย่างถูกต้อง

เห็นได้ชัดว่าเนื่องจากศิลปินใกล้ชิดกับภาพวาดที่ใช้แรงงานมาโดยตลอด เขาจึงเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรก ๆ ที่ขยายกรอบการทำงานที่แคบของธีมของเขา และเริ่มวาดภาพโลกใหม่ของแรงงานอุตสาหกรรม - ทำงานในโรงงานโลหะวิทยาขนาดใหญ่ แผ่นงานแรกของเขาซึ่งพรรณนาถึงต้นมอสโกค้อนและเคียวมีอายุย้อนไปถึงปี 1925 มาถึงตอนนี้ศิลปินได้เชี่ยวชาญเทคนิคของ linocut หลายแผ่นสีแล้วและมุมมองของการประชุมเชิงปฏิบัติการการผสมผสานของโครงเหล็กอันทรงพลังและแสงที่ซับซ้อนของฉากด้วยโลหะร้อนพราวที่ถูกสร้างขึ้นมาใหม่อย่างแม่นยำและละเอียด ต่อมา Sokolov ซึ่งเป็นปรมาจารย์ที่เป็นผู้ใหญ่แล้วก็มาที่โรงงานที่เขาคุ้นเคยอีกครั้งและในปี 1949 ได้สร้างชุดงานแกะสลักที่อุทิศให้กับเขา คราวนี้เขาแนะนำแผ่นภาพบุคคลในซีรีส์นี้ หนึ่งในนั้นคือภาพวาดช่างเหล็ก F.I. Sveshnikov ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษสำหรับศิลปิน ในหน้ากากของ Sveshnikov เฝ้าดูการถลุงอย่างตั้งใจเขาสามารถถ่ายทอดความสุภาพเรียบร้อยเรียบง่ายและมีเสน่ห์ของผู้ชายที่มีประสบการณ์ชีวิตและการทำงานมายาวนาน แต่เอกสาร "โรงงาน" แผ่นแรกของ Sokolov ยังคงมีความสำคัญสำหรับเรา ประกอบด้วยความแม่นยำของก้าวแรกตามเส้นทางที่ผู้เขียนและศิลปินคนอื่น ๆ ยังไม่รู้จัก

ตลอดชีวิตของเขา I. Sokolov ทำงานหนักมากในด้านภูมิทัศน์ ภูมิทัศน์ของเขาในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 กลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ความสดชื่นอันหนาวเย็นของต้นฤดูใบไม้ผลิและเสื้อคลุมที่ร้อนแรงของฤดูใบไม้ร่วงจะถูกบันทึกไว้เสมอด้วยการวาดภาพที่ชัดเจนแม่นยำสีที่ชัดเจนและบริสุทธิ์ การปรับปรุงเทคนิคของ linocut สีเพื่อให้ได้การถ่ายโอนสีที่หลากหลายฟรีศิลปินใช้กระดานจำนวนมากและบางครั้งก็กลิ้งไปบนกระดานไม่ใช่แค่สีเดียวตามปกติ แต่หลายสี การแกะสลักอันโด่งดังของเขา "Kuzminki, Autumn" ซึ่งมีเสน่ห์ด้วยสีสันที่งดงามราวกับภาพวาดนั้นถูกประหารชีวิตบนกระดานเจ็ดสีในเก้าสี

ศิลปินสะท้อนเหตุการณ์สงครามในซีรีส์ใหญ่เรื่อง "Moscow in 1942" และ "What the Enemy Ruined" ในตอนแรกการวาดภาพรถถังที่ทิ้งไว้ด้านหน้าบนถนนในมอสโกฝูงสัตว์ที่ขับไปทางด้านหลังสวนผักในสนามหญ้า ฯลฯ ศิลปินทำให้ผ้าปูที่นอนของเขาอิ่มตัวด้วยลวดลายประเภทต่างๆ แต่ยังคงเป็นศิลปินภูมิทัศน์ในการแก้ปัญหาเป็นหลัก องค์ประกอบโดยรวม ในซีรีส์ที่สอง - ภูมิทัศน์ - งานสารคดีถูกจงใจนำมาไว้ข้างหน้า แต่ความโศกเศร้าก็แต้มสีสันให้กับเอกสารเหล่านี้ด้วยซึ่งแสดงให้เห็นถึงการทำลายล้างอันเจ็บปวดของวงดนตรีที่สวยงามของชานเมืองเลนินกราด งานสารคดีเดียวกันนี้ต้องเผชิญกับศิลปินในซีรีส์ของเขาในช่วงหลังสงครามซึ่งเขาสร้างสถานที่ที่น่าจดจำที่เกี่ยวข้องกับชีวิตและผลงานของ V. I. Lenin และ A. M. Gorky อย่างระมัดระวังและระมัดระวัง

ผลงานชิ้นแรกเกี่ยวกับชีวิตใหม่ เช่น แผ่นของ Nivinsky หรือ Sokolov มีจำนวนน้อย อย่างไรก็ตาม จำนวนของพวกเขาก็ค่อยๆ เพิ่มขึ้น ในช่วงปีของแผนห้าปีแรก การเดินทางของจิตรกรและศิลปินกราฟิกถูกจัดขึ้นไปยังอาคารใหม่ที่สำคัญที่สุด อุตสาหกรรมยักษ์ใหญ่ และฟาร์มรวมแห่งแรกๆ ศิลปินตอบรับงานใหม่เหล่านี้อย่างกระตือรือร้น และถึงแม้ในบรรดาผลงานที่สร้างขึ้นจากการเดินทางครั้งนี้ก็ยังมีบางสิ่งที่มีคุณค่าทางศิลปะสูงอยู่บ้าง โดยงานนี้ กระแสความสดใหม่เข้ามาสู่กราฟิก ชีวิตที่ดีประเทศ.

ความซับซ้อนของงานนี้ขึ้นอยู่กับความรู้ที่ไม่เพียงพอของศิลปินเกี่ยวกับชีวิตประจำวันของการก่อสร้างสังคมนิยม และในธรรมชาติที่ถกเถียงกันในประเด็นต่างๆ ของลักษณะรูปแบบทางศิลปะในช่วงหลายปีที่ผ่านมา กลุ่มศิลปะจำนวนมากมักจะออกมาพร้อมกับแพลตฟอร์มทางทฤษฎีที่ขัดแย้งกัน และในข้อพิพาทที่เกิดขึ้นนั้น สิทธิในการดำรงอยู่ของศิลปะขาตั้งบางครั้งก็ถูกตั้งคำถาม เราไม่ควรลืมว่าปีนี้เป็นช่วงเวลาแห่งภารกิจที่ขัดแย้งกันในด้านการศึกษาศิลปะ บ่อยครั้งที่การเตรียมศิลปินในมหาวิทยาลัยอย่างไม่เหมาะสมทำให้พวกเขาขาดรากฐานที่แข็งแกร่งของทักษะทางวิชาชีพและศิลปินกราฟิกรุ่นเยาว์ต้องแต่งหน้าอีกมากในภายหลัง จริงอยู่ที่ผลงานของปรมาจารย์รุ่นก่อนที่ยอดเยี่ยมจำนวนหนึ่งตลอดจนคำแนะนำที่พวกเขาให้กับคนหนุ่มสาวซึ่งมักจะอยู่นอกกำแพงทางการของมหาวิทยาลัยนั้นให้ความรู้แก่พวกเขามาก นอกจากนี้ยังมีสตูดิโอเช่นสตูดิโอของ Kardovsky ซึ่งศิลปินได้เข้าเรียนในโรงเรียนการวาดภาพและการจัดองค์ประกอบที่สมจริง แต่สภาพการทำงานของศิลปินก็ยังยากลำบาก พวกเขาปรับปรุงเฉพาะเมื่อมีการเลิกกิจการของกลุ่มศิลปะในช่วงต้นทศวรรษ 1930 และการรวมพลังสร้างสรรค์ที่ดีต่อสุขภาพทั้งหมดไว้บนแพลตฟอร์มที่สมจริงเพียงแห่งเดียว

เมื่อกราฟิกหันไปใช้ธีมสมัยใหม่ ทิศทางหลักหลายประการของงานของศิลปินก็ปรากฏออกมาอย่างรวดเร็ว หนึ่งในนั้นคือตามที่เราเห็นในภาพแกะสลักของ I. Sokolov ผ่านการทำซ้ำที่แม่นยำและค่อนข้างสื่อความหมายเกือบเป็นสารคดีเกี่ยวกับสถานการณ์แรงงานทางอุตสาหกรรมส่วนใหญ่ที่เห็น ในงานประเภทนี้มีความปรารถนาอันชาญฉลาดและจริงใจของผู้เขียนจำนวนมากที่จะบอกผู้ชมเกี่ยวกับอาคารและโรงงานใหม่อย่างถูกต้องและครบถ้วนที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ไม่ใช่เพื่อสิ่งใดที่ศิลปินมักไม่จำกัดตัวเองอยู่เพียงแผ่นเดียว แต่จับภาพทิวทัศน์ของโรงงาน การก่อสร้าง ฯลฯ ไว้ในซีรีส์ทั้งหมด

ทิศทางที่สองสามารถเรียกได้ว่าอบอุ่นด้วยความรู้สึกโคลงสั้น ๆ กระชับรักษาความมีชีวิตชีวาของภาพร่าง แต่ยังขาดความชัดเจนซึ่งเป็นศิลปะของภูมิทัศน์อุตสาหกรรมซึ่งสร้างขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1920 - ต้นทศวรรษ 1930 โดย N. N. Kupreyanov (1894 - พ.ศ. 2476) นักเรียนของศิลปินที่แตกต่างกัน เช่น Kardovsky, Petrov-Vodkin, Ostroumova-Lebedeva, Kupreyanov เดินทางไปในเส้นทางศิลปะที่สั้น แต่ยากลำบากซึ่งเต็มไปด้วยภารกิจที่ไม่หยุดนิ่ง เขาทำงานได้อย่างน่าสนใจไม่เพียงแต่ในกราฟิกขาตั้งเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภาพประกอบในหนังสือด้วย Kupreyanov เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่อุทิศผลงานของเขาให้กับการปฏิวัติ และภาพแกะสลักไม้ของเขา "Armored Car" (1918) และ "Cruiser "Aurora" (1923) ซึ่งค่อนข้างจงใจในการเน้นเชิงมุมหรือการเคลื่อนไหวอย่างรวดเร็วของเส้น อนุภาคของการยกระดับจิตวิญญาณอย่างแท้จริงการตอบสนองต่อเหตุการณ์ในเดือนตุลาคมที่มีชีวิตชีวา ในไม่ช้า Kupreyanov ก็ออกจากงานแกะสลักไม้ทำงานเป็นหลักในรูปแบบของอิสระเต็มไปด้วยแสงและการเปลี่ยนแสงและเงาลึกลับของการวาดภาพด้วยหมึกและสีน้ำ ภูมิทัศน์ของห้องและฉากของ " ซีรีส์ Selishchensky” ซึ่งมีทั้งความอบอุ่นและความโดดเดี่ยวของโลกครอบครัวถือเป็นหนึ่งในแง่มุมของงานของเขา แต่งานศิลปะของ Kupreyanov มาถึงพื้นที่กว้างใหญ่ของประเทศอันกว้างใหญ่ตั้งแต่เนิ่นๆ ในซีรีส์ "รางรถไฟ" (1927) แปรงอันรวดเร็วของเขาเติมเต็มแผ่นแล้วแผ่นเล่าด้วยการเคลื่อนไหวที่สะท้อนของรถไฟและในจังหวะที่เร่งรีบคุณสามารถได้ยินเสียงสะท้อนของชีวิตธุรกิจของประเทศ วัฏจักร "ทะเลบอลติก" ซึ่งเริ่มสร้างขึ้นในปี 2474 และ "การประมงของ แคสเปียน” ซึ่งเกิดขึ้นจากการเดินทางไปที่นั่นของศิลปินแสดงให้เห็นถึงความสะดวกในการวาดภาพร่างที่ไร้ความเอาใจใส่ภายนอกเช่นเดียวกัน เบื้องหลังเราสามารถรู้สึกได้ว่าห่างไกลจากการค้นหาภาพแห่งความทันสมัยที่สมบูรณ์ซึ่งผสมผสานการแสดงออกของเนื้อหาที่หายวับไปและกว้างขวางของลักษณะเฉพาะ

การเสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆ ทำให้งานของศิลปินที่อยู่ท่ามกลางงานนั้นสั้นลง

ทิศทางที่สามในผลงานของศิลปินกราฟิกในธีมสมัยใหม่เกิดขึ้นพร้อมกับเทรนด์แรกเริ่มของการนำเสนอโครงเรื่องที่ยกระดับความโรแมนติก เธอเปลี่ยนลวดลายทางอุตสาหกรรมให้กลายเป็นภาพอันงดงามตระการตาและบางครั้งก็น่าหลงใหล ดูเหมือนว่างานเหล่านี้จะเป็นผลงานที่มีความสร้างสรรค์และเข้าถึงอารมณ์ของธรรมชาติมากที่สุด และแน่นอนว่าในบรรดาสิ่งเหล่านั้นมักมีสิ่งที่สำคัญและถูกประหารชีวิตอย่างสวยงามมาก แต่ความอิ่มเอมใจในโรแมนติกส่วนใหญ่มักมีลักษณะที่เป็นนามธรรมและเป็นอัตวิสัยเช่นเดียวกับความถูกต้องเชิงพรรณนาของผลงานอื่น ๆ ที่เป็นผลมาจากการสัมผัสครั้งแรกของศิลปินกับธีมเท่านั้น ไม่ใช่โดยไม่มีเหตุผลที่การก่อสร้างประเภททั่วไปการประชุมเชิงปฏิบัติการของโรงงาน ฯลฯ ผู้เขียนงานอุตสาหกรรมในยุคแรกทั้งหมดยังคงอุทิศสถานที่ที่เรียบง่ายให้กับผู้คนในตัวพวกเขา ตัวอย่างของผลงานที่มีลักษณะโรแมนติกคือแผ่นงานของ N. I. Dormidontov“ Dneprostroy” (1931; ill. 8) Dormidontov (เกิด พ.ศ. 2441) ยังเป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรก ๆ ในด้านกราฟิกสมัยใหม่ ตั้งแต่กลางทศวรรษ 1920 เอกสารงานของเขาเกี่ยวกับงานปรากฏขึ้น ในตอนแรกมีความแม่นยำและแห้งอย่างจำกัด จากนั้นจึงเป็นอิสระมากขึ้นและขึ้นอยู่กับองค์ประกอบภาพ ในภาพวาด "Dneprostroy" ศิลปินหลงใหลในโครงสร้างขนาดใหญ่และธรรมชาติอันน่าหลงใหลของภาพผลงานยามค่ำคืนซึ่งส่องสว่างด้วยแสงจ้าของหลอดไฟจำนวนมาก ในภาพวาดของเขา แรงงานกลายเป็นภาพที่น่าทึ่ง ลึกลับ ยิ่งใหญ่ และน่าอัศจรรย์เล็กน้อย

การตีความแรงงานที่คล้ายกันสามารถเห็นได้ในชุดภาพแกะสลักโดย A. I. Kravchenko (พ.ศ. 2432 - 2483) ซึ่งอุทิศให้กับการก่อสร้างสถานีไฟฟ้าพลังน้ำ Dnieper (พ.ศ. 2474) มันถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินที่อยู่ในช่วงสร้างสรรค์ของเขาและทักษะอันน่าทึ่งของเขาก็แสดงออกมาอย่างชัดเจน

ในการแกะสลักของวัฏจักรนี้ โครงสร้างเขื่อนขนาดใหญ่ซ้อนกันขึ้นไป มีเครนบูมลอยขึ้นอย่างใกล้ชิด ท้องฟ้าสูงหมุนวนไปด้วยเมฆ และดวงอาทิตย์ส่งรังสีที่สุกใสขึ้นไปด้านบน ความแตกต่างระหว่างสีดำและสีขาวทำให้เกิดภาพแกะสลักที่สดใสและกระสับกระส่าย ปรากฏการณ์การก่อสร้างของ Kravchenko นั้นยิ่งใหญ่และน่าประทับใจ และผู้คนที่สร้างอุตสาหกรรมยักษ์ใหญ่แห่งใหม่ในสภาวะที่ยากลำบากจะได้รับเฉพาะกลุ่มของภาพเงาที่เหมือนกันซ้ำ ๆ กันเป็นจังหวะเท่านั้นในฐานะพาหะของการเคลื่อนไหวที่เป็นนามธรรม อย่างไรก็ตาม ศิลปินหลายคนได้รับความสนใจจากการแสดงออกแบบพาโนรามาโดยทั่วไปของสถานที่ก่อสร้าง เวิร์กช็อป ฯลฯ และในงานแกะสลักของ Kravchenko นั้นแสดงออกมาได้อย่างมีความสามารถที่สุดเท่านั้น

โดยทั่วไปงานของ Kravchenko ถือเป็นหน้าที่สดใสและเป็นต้นฉบับในประวัติศาสตร์ของกราฟิกของเรา ผู้เชี่ยวชาญด้านการพิมพ์แกะไม้ การแกะสลัก และการวาดภาพ มีความอ่อนไหวต่อธีมของความหมายแฝงทางสังคมที่รุนแรงในวัตถุขาตั้ง นักเขียนนิยายวิทยาศาสตร์ และพ่อมดในภาพประกอบ Kravchenko ได้รับชื่อเสียงอย่างรวดเร็วทั้งในและต่างประเทศ มาจากครอบครัวชาวนา เขาได้รับการศึกษาที่โรงเรียนจิตรกรรม ประติมากรรม และสถาปัตยกรรมแห่งมอสโก ครูของเขาเป็นจิตรกรชาวรัสเซียชื่อดัง S. Ivanov, V. Serov, K. Korovin, A. Arkhipov Kravchenko เริ่มต้นอาชีพของเขาในฐานะจิตรกร แต่ในสาขาการวาดภาพและการแกะสลักซึ่งเขาหันไปหาในช่วงปีแห่งอำนาจของสหภาพโซเวียต งานของเขาน่าสนใจเป็นพิเศษ การเดินทางไปอินเดีย ฝรั่งเศส อิตาลี อเมริกา และสหภาพโซเวียตหลายครั้งทำให้การศึกษาด้านศิลปะของ Kravchenko สำเร็จและเปิดโลกทัศน์ของเขาให้กว้างขึ้น Kravchenko ทำงานหนักมาก เขาสร้างโลกที่แปลกประหลาดของภาพในภาพประกอบหนังสือ ผสมผสานระหว่างจินตนาการและความแปลกประหลาด ความมหัศจรรย์ของความรู้สึกที่สั่นไหว และพลังแห่งความหลงใหล เขาทำงานอย่างต่อเนื่องในสาขาภูมิทัศน์ แผ่นงานต่าง ๆ ของเขาจับความกลมกลืนความงามของทั้งธรรมชาติที่เรียบง่ายของภูมิภาคมอสโกและเมืองที่มีชื่อเสียงของยุโรป เขาเป็นหนึ่งในศิลปินกราฟิกกลุ่มแรกๆ ที่สร้างซีรีส์เรื่องราวที่ตอบสนองต่อธีมทางสังคม ชุดภาพแกะสลักที่อุทิศให้กับงานศพของ V.I. เลนินซึ่งสร้างขึ้นในปีเดียวกัน พ.ศ. 2467 เป็นประจักษ์พยานของผู้เห็นเหตุการณ์ที่น่าเศร้าและตอนนี้ได้รับความสำคัญของงานประวัติศาสตร์แล้ว ต่อมาศิลปินก็กลับมาใช้แนวคิดเลนินนิสต์อีกครั้ง โดยเสร็จสิ้นการแกะสลัก "สุสาน" ที่เข้มงวดและเคร่งขรึมในปี พ.ศ. 2476 นอกจากนี้เขายังได้สร้างชุดภาพแกะสลัก "ชีวิตของผู้หญิงในอดีตและปัจจุบัน" สำหรับศาลาโซเวียตที่นิทรรศการระดับนานาชาติในกรุงปารีส ใน ภาพที่ตัดกันศิลปินสร้างชะตากรรมของผู้หญิง - แม่ในซาร์และโซเวียตรัสเซีย เขาแสดงที่นี่ในฐานะนักเล่าเรื่องซึ่งมีคำพูดที่เต็มไปด้วยอารมณ์และสดใส แต่ไม่มีการแสดงออกภายในและพลาสติกในภาพของเขา หลังจากซีรีส์ "Dneprostroy" Kravchenko ไม่ได้ละทิ้งธีมอุตสาหกรรมและในปี 1938 โดยใช้วัสดุจากการเดินทางเพื่อธุรกิจเชิงสร้างสรรค์เขาสร้างภาพวาดและการแกะสลักที่อุทิศให้กับโรงงาน Azovstal

ในการแกะสลักที่แสดงถึงการรั่วไหลของเหล็ก (ป่วย 9) ศิลปินยังคงหลงใหลในพลังของโครงสร้างทางเทคนิคขนาดใหญ่และความสง่างามของภาพแรงงาน เขาจัดฉากที่ซับซ้อนได้อย่างอิสระ โดยให้แสงสว่างและประกายไฟส่องสว่างให้กับฉากนั้นอย่างมีประสิทธิภาพ นอกจากนี้จังหวะการทำงานที่แท้จริงปรากฏที่นี่และด้วยความได้เปรียบของทุกสิ่งที่เกิดขึ้นแทนที่จะเป็นสิ่งที่น่าสมเพชที่เป็นนามธรรมของ "Dnieper" นอกจากความบันเทิงอันน่าตื่นตาตื่นใจแล้ว แผ่นนี้ยังได้รับเนื้อหาที่ยอดเยี่ยมอีกด้วย

การแกะสลักอันยิ่งใหญ่นี้ดำเนินการโดย Kravchenko สำหรับนิทรรศการ All-Union "Industry of Socialism" นิทรรศการศิลปะโซเวียตนี้เกี่ยวข้องกับการดึงดูดศิลปินจำนวนมากให้มีความทันสมัย ผลงานนี้ใช้เวลาหลายปีเริ่มตั้งแต่ปี 1936 ไม่นานก่อนเริ่มงานนี้ มือกลอง 1,500 คนจากโรงงานที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งเขียนบนหน้าของ Pravda โดยพูดกับศิลปิน:

“เราคาดหวังผืนผ้าใบขนาดใหญ่จากคุณ เราต้องการให้ไม่เพียงแต่เท่านั้น ภาพถ่ายที่เรียบง่าย. เราต้องการใส่ความหลงใหลเข้าไปในพวกเขา เราต้องการให้พวกเขาทำให้เราและลูก ๆ ของเราตื่นเต้น เราต้องการให้พวกเขาปลูกฝังความสุขในการต่อสู้และความกระหายในชัยชนะครั้งใหม่ให้กับเรา เราต้องการให้คุณแสดงให้ผู้คนในประเทศของเราเห็น - วีรบุรุษและผู้เข้าร่วมทั่วไปในการก่อสร้างของเรา"

ถ้อยคำอันเร่าร้อนเหล่านี้ไม่เพียงแต่กำหนดรูปแบบงานศิลปะของเราได้ดีเท่านั้น แต่ยังสะท้อนถึงบรรยากาศของความรักในงานศิลปะที่เรียกร้องของผู้คน ความสนใจอันสูงส่งของคนทำงานที่ช่วยศิลปินในการทำงานของพวกเขา นิทรรศการนี้จัดขึ้นตามความคิดริเริ่มของ Sergo Ordzhonikidze และเปิดในระหว่างการประชุมพรรคคองเกรสครั้งที่ 18 โดยครอบคลุมเรื่องราวชีวิตของประเทศโซเวียตอย่างกว้างขวาง มีการจัดแสดงผลงานมากกว่า 1,000 ชิ้นที่นี่ โดย 340 ชิ้นอยู่ในแผนกกราฟิก (ยกเว้นงานเสียดสี) ในบรรดาเอกสารเหล่านี้ มีผลงานทักษะที่ยอดเยี่ยมเพียงไม่กี่ชิ้น และมีเพียงไม่กี่ชิ้นเท่านั้นที่รอดมาได้จนถึงทุกวันนี้ แต่ธีมใหม่ที่พวกเขานำมาซึ่งศิลปินเห็นในชีวิตจริง - บนนั่งร้านของอาคารใหม่ในเวิร์กช็อปของโรงงาน - ถือเป็นความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่สำหรับศิลปะกราฟิก Dnieprostroy และทำงานที่เหมืองโพแทสเซียม Solikamsk การก่อสร้างรถไฟใต้ดินและการพัฒนาของอาร์กติก การขุดทองในไทกาและงานของนักขุด - แตกต่างจากหัวข้อเหล่านี้ที่มาจากวงจรอุบาทว์ของปรากฏการณ์ชีวิตที่ถูก จำกัด อยู่ที่ โลกแห่งกราฟิกขาตั้งก่อนหน้านี้ การยึดมั่นในสมัยโบราณเพียงเล็กน้อยเท่านั้น หลักการพื้นฐานยังคงอยู่ในการหวนกลับ! ยังคงมีภูมิทัศน์ทางอุตสาหกรรมอยู่มากมายที่นี่ แต่นอกเหนือจากนั้น ฉากการทำงานก็ปรากฏขึ้นเช่นกัน และคนที่ทำงานในโรงงาน ในสนาม ในห้องปฏิบัติการ ในเหมืองเป็นครั้งแรก กลายเป็นฮีโร่ของงานกราฟิก ศิลปินยังไม่รู้จักโลกภายในของเขาดีนัก ในตอนแรก พวกเขาแค่รู้สึกดีและสามารถถ่ายทอดท่าทางที่มั่นใจในงานของเขา ความปั้นของการเคลื่อนไหวแบบมืออาชีพของเขาได้ นั่นเป็นเหตุผลว่าทำไมท่าทางที่ลำบากในการวาดภาพจึงน่าเชื่อมากกว่าการแสดงออกทางสีหน้า และผลงานที่ดีบางอย่างก็เสียไปเพราะความหยาบภายนอกของตัวละคร

ตัวอย่างเช่นศิลปิน A. Samokhvalov (เกิด พ.ศ. 2437) ในชุดสีน้ำแสดงให้เห็นถึงพลังและการมองโลกในแง่ดีของ "Metrostroy Girls" ได้เป็นอย่างดี แต่ยังเน้นย้ำถึงความหยาบของพวกเขาด้วย การเน้นย้ำดังกล่าวดูเหมือนจะจำกัดความรู้ของเราเกี่ยวกับวีรสตรีของ Samokhvalov และทำให้งานของเขาแย่ลงแม้ว่าจะมีน้ำเสียงของตัวเอง แต่ในบรรยากาศก็มีคุณสมบัติที่เห็นได้อย่างแท้จริงในชีวิต คนทำงานมีลักษณะที่รอบคอบมากขึ้นในสีน้ำโดย S. M. Shor (เกิดปี 1897) “ The Goat Woman” จากซีรีส์ “ Old and New Qualifications of Donbass” (1936; ill. 10) นี่คือภาพของผู้หญิงที่ฉลาดและมีพลังถูกสร้างขึ้น การแต่งหน้าทางจิตและความแข็งแกร่งทางศีลธรรมของเธอนั้นเดาได้อย่างละเอียดอ่อน ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ S. Shor กลายเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านภาพกราฟิกซึ่งส่วนใหญ่เธอแสดงโดยใช้เทคนิคการแกะสลัก

ในช่วงก่อนสงคราม เอกสารงานที่อุทิศให้กับ I. A. Lukomsky (เกิดปี 1906) ปรากฏขึ้น ในภาพวาดซีเปียของเขาเรื่อง “Worker” (1941; ill. 11) การเน้นจะถูกถ่ายโอนจากบุคคลและคุณลักษณะไปสู่ลักษณะทั่วไป โดยเน้นย้ำ ราวกับอยู่ในระยะใกล้ อิสรภาพภายในและความภาคภูมิใจในงานของตนเองสามารถเห็นได้จากใบหน้าของคนงาน

เหตุการณ์สำคัญสำหรับกราฟิกในช่วงทศวรรษที่ 1930 คือการเตรียมนิทรรศการภาพประกอบเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของงานปาร์ตี้ โดยเน้นความสนใจของศิลปินหลายคนในหัวข้อประวัติศาสตร์ และทำให้พวกเขาคิดใหม่เกี่ยวกับเส้นทางที่รัฐของเราดำเนินการ ธีมการปฏิวัติประวัติศาสตร์เริ่มต้นชีวิตในรูปแบบกราฟิกในช่วงต้นทศวรรษ 1920 อย่างไรก็ตาม ในเวลานั้นงานเหล่านี้เป็นเพียงผลงานเดี่ยวๆ เท่านั้น ซึ่งส่วนใหญ่เป็นงานแกะสลัก ซึ่งการตกแต่งแบบนามธรรมและแผนผังมักยังถือว่าเป็นลักษณะสำคัญของเทคนิคการแกะสลัก ต่อมาในปี พ.ศ. 2470 ใต้สิ่วของศิลปินชาวยูเครน V. I. Kasiyan ใต้สิ่วของศิลปินชาวยูเครน V. I. Kasiyan ปกคลุมไปด้วยความน่าสมเพชของการปฏิวัติซึ่งเต็มไปด้วยความน่าสมเพชที่ปกคลุมไปด้วยความน่าสมเพชของการปฏิวัติ V. I. Kasiyan (เกิด พ.ศ. 2439) - โดยกำเนิด ยูเครนตะวันตกซึ่งได้รับการศึกษาจาก Prague Academy of Fine Arts เป็นศิลปินที่มีจิตวิญญาณแห่งการค้นหา มีนิสัยเจ้าอารมณ์ที่สดใส งานของเขาสดใสและมีอารมณ์ แต่เขายังคงอยู่คนเดียวในชาร์ตของปีนี้

ผลงานส่วนใหญ่ที่สร้างขึ้นสำหรับนิทรรศการดังกล่าวมีขาตั้งมากกว่าตัวละครที่เป็นตัวอย่าง เปิดในปี 1941 ก่อนสงคราม เรียกว่า "นิทรรศการผลงานใหม่ของกราฟิกโซเวียต" และมีผลงานดีๆ มากมาย หลายคนเป็นของอาจารย์ กราฟิกหนังสือ. นักวาดภาพประกอบได้นำขาตั้งมาสู่การวาดภาพลักษณะทางจิตวิทยาของภาพและความถูกต้องของสภาพแวดล้อมทางประวัติศาสตร์ ซึ่งเป็นความสำเร็จทางศิลปะครั้งล่าสุดและโดดเด่น นี่คือแผ่นงานของกลุ่มศิลปิน Kukryniksy - "On the Barricades", "Chkalov on Udd Island", "Political Leads", Kibrik - "Khalturin และ Obnorsky", Shmarinov "Bauman's Funeral" และอื่น ๆ

ความสนใจของศิลปินกราฟิก หัวข้อทางประวัติศาสตร์ในช่วงคริสต์ทศวรรษ 1920-1930 มีแง่มุมที่เกี่ยวข้องกับวรรณกรรมอีกประการหนึ่ง

ภาพที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก Pushkin และ Lermontov ดึงดูดความสนใจอย่างสร้างสรรค์ของศิลปินมาหลายปี N.P. Ulyanov (พ.ศ. 2418 - 2492) ทุ่มเทงานมากมายให้กับซีรีส์พุชกินของเขา Ulyanov เป็นหนึ่งในจิตรกรโซเวียตคนสำคัญในยุคก่อนซึ่งเป็นลูกศิษย์ที่ใกล้ชิดของ V. A. Serov จิตรกรรมประวัติศาสตร์และภาพบุคคลตลอดจนศิลปินละคร

ภาพวาดของ Ulyanov เล่าถึงช่วงเวลาต่าง ๆ ในชีวิตของกวีผู้ยิ่งใหญ่ตั้งแต่สมัย Lyceum จนถึงเดือนที่น่าเศร้าสุดท้าย พวกเขาเสร็จสมบูรณ์ในระดับที่แตกต่างกัน - บางส่วนมีความสมบูรณ์มากกว่าส่วนอื่น ๆ ดูเหมือนภาพร่างเช่นหน้าการค้นหาที่เข้มข้นและยังไม่เสร็จ แต่สิ่งสำคัญสำหรับศิลปินทั้งหมดคือชีวิตที่ร้อนแรงของจิตวิญญาณของพุชกิน หนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดคือภาพวาดที่เกี่ยวข้องกับภาพวาด "พุชกินกับภรรยาของเขาหน้ากระจกที่ลูกบอลในศาล" รูปลักษณ์ที่สวยงามและน่าภาคภูมิใจของพุชกินปรากฏที่นี่ในลายเส้นที่กระชับของภาพวาดที่ได้รับแรงบันดาลใจจาก Serov

ธีมพุชกินได้รับการตีความอีกครั้งในกราฟิก - ในภูมิทัศน์ของสถานที่ที่น่าจดจำ ศิลปิน L. S. Khizhinsky (เกิด พ.ศ. 2439) ทำงานประเภทนี้ ในเครื่องประดับของเขา ซึ่งใช้ภาพแกะสลักไม้อย่างชำนาญซึ่งแสดงถึงฉากของพุชกินและเลอร์มอนตอฟ เขาประสบความสำเร็จในการผสมผสานระหว่างความแม่นยำของสารคดีและบทกวีเชิงอารมณ์อย่างยากลำบาก หากไม่มีการผสมผสานนี้ ความสำเร็จของภูมิทัศน์แห่งความทรงจำซึ่งสร้างขึ้นจากข้อความย่อยที่ละเอียดอ่อนและการเชื่อมโยงแต่ละอย่างจะเป็นไปไม่ได้

ในช่วงทศวรรษที่ 1930 ช่วงเวลาใหม่ในการพัฒนากราฟิกได้รับการตอบรับอย่างแข็งแกร่งมาก พวกเขาไม่เพียงแต่ประกอบด้วยทิศทางใหม่ในการทำงานของศิลปินซึ่งดังที่เราได้เห็น - สนับสนุนโดยกิจกรรมนิทรรศการ - กำลังได้รับขอบเขตที่ยอดเยี่ยม แต่ยังอยู่ในเนื้อหาใหม่ของประเภทแนวตั้งและแนวนอนแบบดั้งเดิมและในลักษณะที่ปรากฏ ผลงานชิ้นสำคัญของศิลปินแห่งสาธารณรัฐสหภาพ ดังนั้น V.I. Kasiyan ที่กล่าวถึงข้างต้นจึงสร้างงานแกะสลักที่อุทิศให้กับ Shevchenko ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาซึ่งเต็มไปด้วยความคิดที่จริงจัง ศิลปินยังใส่ไฟทางจิตวิญญาณมากมายในงานต่อมาของเขาเกี่ยวกับคอบซาร์ผู้ยิ่งใหญ่โดยพรรณนาถึง Shevchenko ที่โกรธแค้นอย่างไม่ขาดสายท่ามกลางฉากหลังของการต่อสู้ของผู้คน (ป่วย 12)

ผลงานที่สำคัญที่สุดของปีเหล่านี้ ได้แก่ ทิวทัศน์และภาพบุคคลของปรมาจารย์ชาวอาร์เมเนีย M. Abeghyan ภาพพิมพ์หินที่อุทิศให้กับมอลโดวาโดยชาวยูเครน G. Pustovit ซึ่งเป็นงานแกะสลักที่ยิ่งใหญ่ ศิลปินชาวจอร์เจีย D. Kutateladze รับบทเป็น S. Ordzhonikidze และ S. M. Kirov ในช่วงเวลานี้ A. Azimzade ศิลปินอาเซอร์ไบจันผู้โด่งดัง นักวาดภาพล้อเลียน ช่างเขียนแบบ และศิลปินโปสเตอร์ ได้สร้างสิ่งที่น่าสนใจที่สุดในด้านกราฟิกขาตั้ง รูปภาพในอดีตได้รับการทำซ้ำบนแผ่นงานของเขาในลักษณะต้นฉบับที่มีรายละเอียด พร้อมด้วยการออกแบบที่ประดับประดา มีอะไรใหม่ปรากฏในแนวตั้งและแนวนอนในช่วงทศวรรษที่ 1930? ความใกล้ชิดในอดีตของประเภทนี้กำลังหายไปและปรมาจารย์ของพวกเขากำลังก้าวไปสู่ชีวิตอย่างกล้าหาญมากขึ้นเรื่อย ๆ ทำความรู้จักกับผู้คนใหม่ ๆ ขยายขอบเขตทางภูมิศาสตร์ของงานภูมิทัศน์ สิ่งหลังนี้ไม่เพียงใช้กับผู้เชี่ยวชาญด้านอุตสาหกรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงภูมิทัศน์ธรรมดาด้วย หากก่อนหน้านี้มีเพียง E. E. Lanceray ที่ศึกษาธรรมชาติและชีวิตของผู้คนในคอเคซัสอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยและ Shillingovsky ผู้วาดภาพอาร์เมเนียซึ่งเบี่ยงเบนไปจากประเพณีมอสโก - เลนินกราดที่จัดตั้งขึ้นในแนวนอนตอนนี้ปรมาจารย์ทั้งกาแล็กซีสร้างผลงานของพวกเขานอกแคบ เส้นขอบ ศิลปินพรรณนาถึงธรรมชาติ โซนกลางรัสเซีย, เหนือ, ไครเมีย, คอเคซัส, เอเชียกลาง ภูมิทัศน์กลายเป็นพื้นที่ของการใช้เทคนิคสีน้ำที่ยอดเยี่ยม ผลงานของศิลปินกราฟิก L. Bruni, A. Ostroumova-Lebedeva, จิตรกร S. Gerasimov, A. Deineka, P. Konchalovsky เป็นพยานถึงความเจริญรุ่งเรืองที่แท้จริง ภูมิทัศน์สีน้ำ. กิจกรรมโลกทัศน์ของผู้เขียน - คุณลักษณะใหม่ผลงานเหล่านี้ บางทีอาจมองเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในภูมิประเทศของศิลปินที่เดินทางไปต่างประเทศในช่วงหลายปีที่ผ่านมา

วิสัยทัศน์อันเฉียบแหลมของความแตกต่างระหว่างความเป็นจริงในต่างประเทศนั้นมีอยู่ในภูมิทัศน์ของชาวปารีสและโรมันของ A. A. Deineka (ป่วย 13 ปี) ศิลปินไม่สามารถยอมจำนนต่อเสน่ห์อันเงียบสงบของสถาปัตยกรรมและรูปปั้นอันงดงามได้ เช่นเดียวกับที่เกิดขึ้นมากกว่าหนึ่งครั้งในซีรีส์กราฟิกต่างประเทศก่อนการปฏิวัติ เมื่อเทียบกับพื้นหลังที่สวยงามนี้ ดวงตาของเขาสังเกตเห็นทั้งร่างของคนว่างงานและร่างที่น่ากลัวและมั่นใจในตนเองของนักบวชในโบสถ์ มันอยู่ในแวดวงของผลงานเช่นแผ่นงานของ Deineka ที่ความหลงใหลในนักข่าวและคุณลักษณะที่ไม่ดื้อรั้นทางการเมืองของกราฟิกโซเวียตถือกำเนิดขึ้น

คุณสมบัติเหล่านี้แสดงออกมาอย่างทรงพลังในภาพวาด "Spanish Series" โดย Leningrader Yu. N. Petrov (1904 - 1944) ซีรีส์ของ Petrov คือการมีส่วนร่วมของกราฟิกขาตั้งในการต่อสู้กับลัทธิฟาสซิสต์ซึ่งในช่วงหลายปีที่ผ่านมาได้รับการต่อสู้อย่างแข็งขันจากทั้งผู้เชี่ยวชาญด้านภาพล้อเลียนและศิลปินโปสเตอร์การเมือง ศิลปะของ Yu. Petrov ช่างเขียนแบบและนักวาดภาพประกอบเป็นศิลปะแห่งวัฒนธรรมอันยิ่งใหญ่และความรู้สึกลึกซึ้ง Petrov เป็นผู้มีส่วนร่วมในการต่อสู้กับลัทธิฟาสซิสต์ในสเปน เขารู้จักและรักประเทศนี้ ผู้คน นักเขียนและศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ในอดีต และภาพวาดของเขาสะท้อนให้เห็นถึงความรักและความเคารพนี้ สเปน, ภูมิทัศน์ภูเขา, บ้านเรือนที่ถูกทำลายด้วยระเบิด, ผู้คนที่สงวนไว้, ภูมิใจและกระตือรือร้น - ทหารของกองทัพประชาชน, ผู้หญิงและเด็กที่สูญเสียบ้าน - ถูกจับด้วยองค์ประกอบที่พูดน้อย, เศร้าเล็กน้อยและกล้าหาญ บางหน้าของซีรีส์ของ Petrov ดูเหมือนเป็นภาพร่าง แต่การวาดภาพที่อ่อนโยนพร้อมการสร้างแบบจำลองที่นุ่มนวลนั้นได้สรุปความเป็นพลาสติกของรูปแบบและแผนผังภูมิทัศน์อย่างแม่นยำ ชีวิตที่เคารพนับถือเช่นนี้เติมเต็มพวกเขาจนความรอบคอบอันยิ่งใหญ่ของแต่ละแผ่นงานกลายเป็นที่สังเกตได้ชัดเจน ซีรีส์นี้ยังคงเป็นหนึ่งในเรื่องที่มีประสบการณ์และจริงใจที่สุดในกำหนดการของเรา ต่อมาผู้เขียนเสียชีวิตที่ป้อมรบในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ และงานศิลปะของเขาซึ่งสัญญาไว้มากก็ไม่มีเวลาที่จะไปถึงจุดสุดยอด

มหาสงครามแห่งความรักชาติซึ่งเริ่มขึ้นในปี พ.ศ. 2484 ได้เปลี่ยนแปลงลักษณะและพัฒนาการของงานศิลปะทุกประเภทไปอย่างมาก นอกจากนี้ยังทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในกราฟิกขาตั้งอีกด้วย ประสิทธิภาพของกราฟิกและความเรียบง่ายในการเปรียบเทียบของเทคนิคได้กลายเป็นคุณสมบัติอันล้ำค่าอย่างยิ่ง ความต้องการอันร้อนแรงต้องพูดในช่วงเวลาแห่งการทดลองของผู้คน เพื่อตอบสนองต่อความขมขื่นและวีรกรรมของวันที่จะมาถึงอย่างรวดเร็ว ทำให้ศิลปินหลายคนหันมาวาดภาพ สีน้ำ และบางครั้งก็แกะสลัก นอกเหนือจากปรมาจารย์ที่ได้รับการยอมรับแล้ว จิตรกรบางคนและยังประสบความสำเร็จอย่างมาก ปัจจุบันนักวาดภาพประกอบเริ่มทำงานในกราฟิกแบบขาตั้ง

ตั้งแต่ปีแรกของสงคราม พร้อมด้วยโปสเตอร์และการ์ตูนล้อเลียน กราฟิกขาตั้งได้กลายเป็นหนึ่งในรูปแบบงานศิลปะที่มีการเคลื่อนไหวมากที่สุดซึ่งโดนใจผู้ชมอย่างลึกซึ้ง ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพและแกะสลักได้สร้างสรรค์สิ่งสวยงามมากมาย เกิดจากความโกรธและแรงบันดาลใจ ผลงานชุดนี้มีจุดสูงสุดของแต่ละบุคคล โดดเด่นด้วยทักษะพิเศษด้านพลาสติก แต่กราฟิกทางการทหารระดับทั่วไปนั้นอยู่ในระดับสูง ศิลปินสร้างภาพวาดของพวกเขาในกองทัพแดงและในเลนินกราดที่ถูกปิดล้อมในเมืองที่มีคลื่นแห่งการล่าถอยอย่างหนักผ่านไปทางด้านหลังซึ่งทุกอย่างอยู่ภายใต้ภารกิจของแนวหน้าและนอกขอบเขตของเรา ประเทศใน ช่วงสุดท้ายการต่อสู้กับลัทธิฟาสซิสต์ กราฟิกแสดงให้เราเห็นด้านต่างๆ ของสงคราม แง่มุมต่างๆ ของชีวิตในช่วงเวลาสำคัญนี้ในประวัติศาสตร์ของมาตุภูมิของเรา - ตั้งแต่ภวังค์ที่หายวับไปของนางพยาบาลที่เหนื่อยล้าไปจนถึงภาพพาโนรามาของการต่อสู้ครั้งใหญ่ ขณะเดียวกันก็สะท้อนให้เห็นความแตกต่างในด้านความสามารถและความคิดสร้างสรรค์ของศิลปินอย่างชัดเจน ในงานชิ้นหนึ่ง สงครามดูเหมือนเป็นเส้นทางทหารที่ทอดยาว มักไม่เป็นที่พอใจ และบางครั้งก็น่าพึงพอใจเป็นอย่างยิ่งด้วยความงามที่คาดไม่ถึงของป่าที่ยังมีชีวิตอยู่ ในแผ่นงานอีกเรื่องหนึ่ง มีเนื้อหาเกี่ยวกับฉากชีวิตกองทัพที่เรียบง่ายชุดหนึ่ง ซึ่งร่างขึ้นอย่างเร่งรีบแต่แม่นยำ ในภาพวาดชิ้นที่ 3 นั้นเป็นการแสดงออกพิเศษของดวงตาของนักรบหรือพรรคพวกที่พบกับความตายมากกว่าหนึ่งครั้ง ความกล้าหาญและความรักชาติของชาวโซเวียตซึ่งแสดงออกมาอย่างชัดเจนในช่วงสงครามหลายปีได้รับการยกย่องจากศิลปินในผลงานที่มีลักษณะแตกต่างเหล่านี้ งานกราฟิกเต็มไปด้วยความรู้สึกพิเศษถึงความงามของเรา ซึ่งได้รับอิทธิพลจากสงคราม ชีวิตโซเวียตซึ่งเฉลิมฉลองสิ่งที่ดีที่สุดในงานศิลปะทุกรูปแบบ

คุณลักษณะเฉพาะของกราฟิกคือลักษณะของภาพร่างจำนวนมาก บางครั้งศิลปินแสดงสิ่งเหล่านี้ในสถานการณ์การต่อสู้ที่ยากลำบากที่สุด โดยพยายามบอกผู้คนเกี่ยวกับสงครามให้ถูกต้องและครบถ้วนยิ่งขึ้น และรวบรวมเนื้อหาสำหรับการเรียบเรียงในอนาคต ในคำนำของอัลบั้มภาพวาด "Front Diary" โดยศิลปินกราฟิกชาวมอสโก P. Ya. Kirpichev, Hero สหภาพโซเวียต S. Borzenko เขียนว่า: “ มีภาพวาดอยู่ทีละภาพซึ่งร่างไว้ในร่องรอยสงครามใหม่ ๆ ผ่านไปในขณะที่ศิลปินเห็นพวกเขาในช่วงเวลาของเหตุการณ์... ไม่มีอันตรายหรือความยากลำบากใด ๆ หยุดเขาได้ เขาเดินไปที่ วัตถุโปรดในทุ่นระเบิดและทำงานที่นั่นตั้งแต่เช้าจรดเย็น กลัวพลาดช่วงเวลา กลัวไฟจะดับ และทีมที่ยึดได้จะยึดปืนและรถถังที่เสียหายออกไป” คำอธิบายผลงานแนวหน้าของศิลปินนี้เป็นเรื่องปกติมาก เนื่องจากศิลปินกราฟิกขาตั้งหลายคนทำงานเหมือน Kirpichev ในช่วงสงคราม ภาพร่างถือเป็นกองทุนอันล้ำค่าของงานศิลปะของเรา ซึ่งยังห่างไกลจากการเผยแพร่เต็มจำนวน ผู้เขียนของพวกเขาคือ N. A. Avvakums, O. G. Vereisky, M. G. Deregus, U. M. Japaridze, N. N. Zhukov, P. Ya. Kirpichev, A. V. Kokorii, D. K-Mochalsky, E.K. Okas, U. Tansykbaev, S.S. Uranova และคนอื่น ๆ ได้สร้างเหตุการณ์ที่ยากลำบากทั้งหมด ชีวิตประจำวันของทหาร บทกวีเกี่ยวกับชายผู้ทำสงครามปกป้องบ้านเกิดของเขาจากลัทธิฟาสซิสต์

แม้จะมีความคล่องแคล่วที่ทำให้ภาพร่างแตกต่าง แต่พวกเขาบ่งบอกถึงลักษณะเฉพาะของความสามารถของศิลปินแต่ละคนแล้ว - และไม่เพียง แต่ผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงปรากฏการณ์บางอย่างที่สัมผัสเขาได้มากที่สุดอีกด้วย

ตัวอย่างเช่น A. V. Kokorin (เกิดปี 1908) จะไม่มีวันผ่านฉากที่งดงามที่เขาเห็นโดยไม่คาดคิด ในไดอารีกราฟิกของเขาเขาวาดภาพอานม้าที่ห้อยอยู่บนปืนและรถบรรทุกที่พังโดยยื่นออกมาจากใต้รองเท้าทั้งสามด้าน มีทหารกำลังซ่อมมัน และทหารขบวนรถกำลังเย็บบางอย่างด้วยจักรเย็บผ้าในสนามอย่างใจเย็น และร่างของนักบวชที่สะพายเป้ใบใหญ่กำลังพูดคุยกับทหารโซเวียต ลักษณะทั่วไปของรูปร่างหน้าตาของผู้คนนั้นถูกจับโดย Kokorin ได้อย่างแม่นยำ และเบื้องหลังฉากที่เรียบง่ายของเขา คุณจะรู้สึกได้ถึงรอยยิ้มเล็กน้อยและความรักต่อฮีโร่ของเขาเสมอ ในภาพร่างเหล่านี้ Kokorin สะสมประสบการณ์ของเขาในฐานะผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์สถาปัตยกรรมสามารถร่างลักษณะที่ปรากฏของเมืองรูปทรงหลักของสถาปัตยกรรมและชีวิตของถนน - คุณสมบัติที่พัฒนาขึ้นในช่วงหลังสงครามของศิลปิน ภาพวาดอินเดีย

ความอบอุ่นและการแต่งเนื้อร้องทำให้ภาพร่างและภาพวาดของ D.K. Mochalsky แตกต่าง แม้ในสถานการณ์ที่ไม่เหมาะสมที่สุดสำหรับสิ่งนี้ ในความเร่งรีบและคึกคักของถนนแนวหน้าที่มุ่งตรงสู่เบอร์ลินในช่วงสุดท้ายของสงคราม หรือในเบอร์ลินแล้ว - ป้อมปราการแห่งลัทธิฟาสซิสต์ที่กองทหารของเราเพิ่งยึดครอง - ความอบอุ่นของ ชีวิตแสงที่สนุกสนานของมันในรูปแบบที่อ่อนโยนจะเปล่งประกายในสาว ๆ ผู้ควบคุมการจราจรของ Mochalsky อย่างแน่นอนในสายตาของนักสู้ที่จ้องมองไปที่ผู้หญิงที่มีรถเข็นเด็ก

N. N. Zhukov (เกิดปี 1908) ปรากฏเป็นศิลปินนักโหราศาสตร์ที่สามารถมองเห็นบุคคลได้มากมายในภาพร่างทางทหารของเขา ความสนใจในโลกภายในของบุคคลอย่างต่อเนื่องทำให้แม้แต่ภาพวาดที่ดูคร่าวๆ ที่สุดของเขาก็มีความหมาย ทิวทัศน์ ภาพร่างของทหาร และฉากประเภทต่างๆ สลับกันในเอกสารของเขา สไตล์การวาดดินสอของ Zhukov ซึ่งปราศจากความอวดดีภายนอกใด ๆ ดูเหมือนจะสะท้อนถึงการดูดซึมในธรรมชาติของศิลปินคนนี้และวิธีการคิดอย่างรอบคอบของเขา ผลงานของ Zhukov ได้รับชื่อเสียงแม้กระทั่งก่อนสงครามเมื่อเขาวาดภาพประกอบชุดชีวประวัติของคาร์ลมาร์กซ์ ต่อจากนั้น Zhukov ก็ไม่ละทิ้งงานของเขาในหัวข้อสำคัญนี้ เขาทุ่มเทความพยายามอย่างมากในการสร้างชุดภาพวาด "V.I. เลนิน" แผ่นงานที่ประสบความสำเร็จที่สุดของเธอได้รับการออกแบบในรูปแบบของภาพร่างแสง โดยบันทึกช่วงเวลาสั้น ๆ ในกลุ่มของผู้อื่น ในรูปแบบของภาพร่างประเภทหนึ่ง แต่เมื่อสร้างภาพร่างทางทหารได้อย่างแม่นยำนั้นพลังในการสังเกตของศิลปินและทักษะของเขาในการร่างภาพอย่างรวดเร็วนั้นแข็งแกร่งขึ้นซึ่งเป็นประโยชน์สำหรับเขาในภายหลัง - ทั้งในภาพวาดชุดกว้างขวางที่อุทิศให้กับเด็ก ๆ ซึ่งเป็นที่นิยมของผู้ชมและในการถ่ายภาพบุคคล ที่สำคัญที่สุด ประสบการณ์การทำงานในช่วงสงครามสะท้อนให้เห็นในภาพประกอบเรื่อง "The Tale of a Real Man" โดย B. Polevoy ซึ่งสร้างโดย Zhukov ไม่นานหลังสงคราม

ต้องบอกว่าประสบการณ์การทำงานทางทหารมีบทบาทในผลงานภาพประกอบของศิลปินคนอื่น ๆ ประสบการณ์นี้ช่วยให้ O. G. Vereisky สร้างภาพวาดสำหรับ "Vasily Terkin" โดย A. Tvardovsky และเป็นเวลานานนำ A. V. Kokorin ซึ่งต่อมาเป็นผู้วาดภาพประกอบ "Sevastopol Stories" โดย L. N. Tolstoy มาเป็นเวลานานใกล้กับธีมทหารมากขึ้น เส้นทางของ A.P. Livanov จากซีรีส์ "พลพรรค" ซึ่งเขาสร้างขึ้นหลังสงครามไม่นานไปจนถึงภาพประกอบของ "Chapaev" โดย D. A. Furmanov ก็มีเหตุผลเช่นกัน

คุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะอีกประการหนึ่งของกราฟิกในช่วงสงครามคือการที่ศิลปินหันมาใช้รูปแบบของซีรีส์ ซึ่งก็คือชุดของชีตที่รวมเข้าด้วยกันด้วยแนวคิดและรูปแบบการดำเนินการเดียว เราเห็นได้ว่าซีรีส์นี้ถูกสร้างขึ้นโดยศิลปินมาก่อน แต่ในช่วงสงครามหลายปี ซีรีส์เหล่านี้กลายเป็นปรากฏการณ์ชั้นนำในด้านกราฟิก ซีรีส์จะดีก็ต่อเมื่อผู้ชมเรียนรู้สิ่งใหม่ในแต่ละหน้า เมื่อศิลปินแนะนำความประทับใจของเขา สลับแผ่นงานด้วยวิธีใดวิธีหนึ่ง นั่นคือ ทำให้ซีรีส์มีองค์ประกอบที่ชัดเจน เรามักจะพบกับแนวคิดเรื่อง "องค์ประกอบ" เมื่อวิเคราะห์งานศิลปะที่แยกจากกัน แต่ในความเป็นจริงแล้วยังมีองค์ประกอบของซีรีย์กราฟิกทั้งหมดเป็นรูปแบบภายในของการสลับแผ่นงานซึ่งมีการเชื่อมต่อต่างๆ เกิดขึ้น ด้วยการสร้างองค์ประกอบของซีรีส์อย่างชัดเจน ศิลปินจึงค้นพบวิธีการใหม่ในการแสดงออกที่ยิ่งใหญ่ ผู้เขียนซีรีส์นี้ทำงานหลายพยางค์เป็นหลัก โดยแต่ละหน้าจะต้องฟังดูสมบูรณ์และหนักแน่น และในขณะเดียวกันก็เป็นส่วนสำคัญของงานทั้งหมดที่สร้างขึ้นราวกับหายใจเข้าเพียงครั้งเดียว แน่นอนว่างานนี้ไม่ใช่เรื่องง่าย และบ่อยครั้งที่ผลรวมของชีตที่ศิลปินเรียกว่าซีรีส์นั้นไม่ได้รวมเป็นหนึ่งเดียว

องค์ประกอบของซีรีส์จะแตกต่างกันไป ดังนั้นซีรีส์สามารถสร้างขึ้นจากการเปรียบเทียบแผ่นงานที่แตกต่างกันหรือตรงกันข้ามกับเสียงที่เหมือนกัน ในอีกกรณีหนึ่งผู้เขียนสามารถเริ่มต้นเรื่องราวต่อเนื่องของเขาค่อยๆเพิ่มความตึงเครียดทางอารมณ์สร้างจุดสุดยอดของการกระทำและความรู้สึกในหนึ่งหรือหลายหน้าแล้วปิดท้ายด้วยการสิ้นสุด

นี่คือวิธีการรวบรวมการพิมพ์หินวงจรขนาดใหญ่โดย A. F. Pakhomov“ เลนินกราดในยุคแห่งการล้อมและการปลดปล่อย” ถูกรวบรวมตีพิมพ์พร้อมข้อความของกวี N. S. Tikhonov ในปี 2489 รอบนี้เป็นการแสดงหลักครั้งแรกในกราฟิกขาตั้งโดย A. F. Pakhomov (เกิดปี 1900) ผู้เชี่ยวชาญด้านหนังสือเด็กซึ่งเป็นที่รู้จักจากภาพประกอบผลงานของ N. A. Nekrasov และ I. S. Turgenev ภาพพิมพ์หินของ Pakhomov เป็นเรื่องราวของผู้เห็นเหตุการณ์ และพวกเขาสัมผัสเราด้วยความจริงของสิ่งที่เห็น ด้วยแสงสว่างแห่งความสามัคคีและความกล้าหาญของมนุษย์

ซีรีส์เปิดเรื่องด้วยแผ่น “มองอาสาประชาชน” พาเราเข้าสู่บรรยากาศวิตกกังวล สับสน วุ่นวายทันที ชีวิตมีความสุข. เหตุการณ์อื่นๆ ดำเนินไปอย่างรวดเร็ว ชีวิตในเมืองเปลี่ยนไป การทิ้งระเบิดและการทิ้งระเบิดกลายเป็นส่วนสำคัญของเมือง พวกเลนินกราดสร้างบังเกอร์บนถนน ยืนเฝ้าบนหลังคาเมื่อมีสัญญาณเตือนภัย และช่วยเหลือผู้บาดเจ็บจากบ้านเรือนที่ถูกทำลาย ทั้งหมดนี้แสดงเป็นภาพพิมพ์หิน แทนที่กันอย่างรวดเร็ว มีรายละเอียดเหมือนเรื่องราว แต่เต็มไปด้วยความตึงเครียดภายใน ในนั้นเวลามีขนาดกะทัดรัดและอิ่มตัว ผู้คนลงมือทำโดยไม่เสียเวลาแม้แต่นาทีเดียวและต่อสู้กับศัตรูอย่างกล้าหาญ

หน้าถัดไปของอัลบั้ม - "To the Neva for Water" (ป่วย 14) พาเราออกจากจังหวะที่รวดเร็วของตอนเหล่านี้ เวลาผ่านไปอย่างช้าๆ - มันเป็นเส้นทางที่หนักหน่วงของวันที่หนาวเย็นและหิวโหยของการปิดล้อมเลนินกราด เด็กผู้หญิงที่มีถังหนักเหลือทนเดินขึ้นบันไดอย่างช้าๆ Pakhomova นางเอกคนนี้เป็นหนึ่งในภาพที่แข็งแกร่งที่สุดไม่เพียง แต่ในซีรีส์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงกราฟิกทางทหารทั้งหมดด้วย ก่อนอื่นให้ผู้ชมจ้องมองไปที่ใบหน้าของหญิงสาว - นี่คือวิธีการจัดโครงสร้างของการพิมพ์หินนี่คือวิธีที่การแสดงออกที่ยอดเยี่ยมของใบหน้านี้กำหนด ศิลปินพัฒนาการแสดงออกทางสีหน้าของเขาอย่างละเอียด - ดวงตาสีเข้มที่แสดงความเหนื่อยล้าอย่างล้ำลึกดูใหญ่เป็นพิเศษบนใบหน้าที่บางลง คิ้วที่ขมวดคิ้วขมวดเข้าหากันในการเคลื่อนไหวที่เฉียบคม ริมฝีปากที่ไม่มีเลือดของปากที่อ้าออกครึ่งหนึ่งนั้นซีดมากจนเกือบจะทำ ไม่โดดเด่นบนใบหน้าและศิลปินก็ใช้เส้นโครงร่างเล็กน้อย ดูเหมือนว่าภาพลักษณ์ของหญิงสาวคนนี้จะเป็นศูนย์รวมของความเหนื่อยล้าและความทุกข์ทรมาน แต่สิ่งที่น่าทึ่งที่สุดเกี่ยวกับเขาก็คือการผสมผสานระหว่างลักษณะความเหนื่อยล้าทางร่างกายและความเหนื่อยล้าเข้ากับความเข้มแข็งทางจิตใจ

ความแน่วแน่และการไม่เชื่อฟังของนางเอกของ Pakhomov นั้นเป็นการผสมผสานที่ซับซ้อนของหลาย ๆ ด้านของชีวิตฝ่ายวิญญาณของเธอคุณสมบัติภายในของเธอและในขณะเดียวกันนี่ก็เป็นคุณสมบัติหลักของเธอที่มีชัยเหนือสิ่งอื่นใดทั้งหมด ที่นี่ ด้วยความเรียบง่ายตามปกติของ Pakhomov และความชัดเจนของภาพแบบไร้ศิลปะ ความเก่งกาจและความลึกของภาพจึงถือกำเนิดขึ้น Pakhomov มักจะใกล้ชิดกับภาพเด็กเป็นพิเศษเสมอ และในภาพพิมพ์หินนี้เขาสามารถบอกอะไรได้มากมายโดยแสดงให้เห็นว่าเด็กผู้หญิงคนหนึ่งเทน้ำจากกาต้มน้ำอย่างไร สำหรับเธอแล้ว นี่เป็นเรื่องที่เธอถูกดูดซึมอย่างสมบูรณ์ ทั้งความจำเป็นและในเวลาเดียวกันกับเกม การผสมผสานนี้ประกอบด้วยความเจ็บปวดอันน่าปวดหัว มีชีวิตที่แท้จริงภายใต้การถูกล้อม พร้อมบันทึกโศกนาฏกรรมเฉียบพลันท่ามกลางชีวิตประจำวัน แม่น้ำที่กว้างใหญ่เต็มไปด้วยหิมะและอากาศที่แจ่มใสในฤดูหนาวที่เย็นยะเยือกถ่ายทอดออกมาได้ดีในการพิมพ์หิน เอกสารนี้เหมือนกับภาพวาดถัดไป “ไปโรงพยาบาล” ที่ทรงพลังที่สุดและเต็มไปด้วยความรู้สึก พวกมันก่อตัวเป็นจุดสุดยอดของซีรีส์ นอกจากนี้เรื่องราวของศิลปินได้รับการบอกเล่าอย่างสงบมากขึ้นและตามจังหวะของเหตุการณ์แผ่นงานของเขาจะเบาลงและสนุกสนานมากขึ้น: "Krovelitsytsy", "วันส่งท้ายปีเก่า" และอื่น ๆ ซีรีส์จบลงด้วยภาพพลุดอกไม้ไฟเมื่อวันที่ 27 มกราคม พ.ศ. 2487 เพื่อเป็นเกียรติแก่ความก้าวหน้า กองทัพโซเวียตการปิดล้อมเมือง ดอกไม้ไฟที่ปลุกเร้าผู้คนอย่างลึกซึ้งและสนุกสนาน ปลุกความทรงจำและความหวังมากมาย ภายใต้แสงไฟของดอกไม้ไฟ ผู้คนต่างชื่นชมยินดีในรูปแบบต่างๆ: เสียงดัง ยอมจำนนต่อชัยชนะอันสดใสของช่วงเวลานี้อย่างสมบูรณ์ และครุ่นคิด ถอยกลับเข้าสู่ความทรงจำเล็กน้อย และรู้สึกอย่างลึกซึ้งด้วยสุดใจ รู้สึกถึงความปลอดภัยของลูก ๆ ของพวกเขา ความตื่นเต้นและความสุขรวมกันเป็นหนึ่งเดียวกัน และองค์ประกอบที่ใกล้ชิดของแผ่นงานทำให้มองเห็นและมองเห็นความแข็งแกร่งนี้ได้

ผลงานหลายชิ้นของศิลปินคนอื่นๆ อุทิศให้กับเลนินกราดในช่วงสงคราม ให้เราพูดถึงชุดของ linocuts โดย S. B. Yudovin (1892 - 1954) เราได้เห็นแล้วว่าเทคนิคการพิมพ์หินในซีรีส์ของ Pakhomov ทำให้ศิลปินสามารถนำเสนอภาพแต่ละภาพที่เขาคิดได้อย่างไร โดยเจาะลึกรายละเอียด ผสมผสานความละเอียดอ่อนเชิงเส้นของพวกเขาเข้ากับความงดงามของความกว้างใหญ่ที่หลอมละลายของภูมิทัศน์ฤดูหนาว ซีรีส์ของ Yudovin ดำเนินการด้วย linocut Yudovin โดดเด่นด้วยความรู้สึกที่เพิ่มสูงขึ้นโน้ตที่น่าเศร้าฟังดูมีพลังในผ้าปูที่นอนของเขา และโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างทั้งหมดของเอกสารของเขาและลักษณะการประหารชีวิตนั้นอยู่ภายใต้ความรู้สึกของโศกนาฏกรรมของสิ่งที่เกิดขึ้น สีดำหนาทึบและแสงอันเยือกเย็นของหิมะปกคลุมอยู่ในงานแกะสลักของเขา ในความเงียบอันหนาวเหน็บของเมือง ผู้คนย่ำแย่ด้วยความยากลำบาก ก้มลงภายใต้น้ำหนักของภาระ ภายใต้ภาระของปัญหาที่ถูกล้อม ร่างของพวกเขาซึ่งมักจะมองราวกับมองจากด้านบน โดดเด่นอย่างมากโดยมีฉากหลังเป็นถนนที่เต็มไปด้วยหิมะ การออกแบบเชิงมุม แสงที่ไร้ความปรานี แย่งชิงเซียนนาจากความมืด ชีวิตประจำวันที่กลายเป็นกรอบของโศกนาฏกรรม - นี่คือภาพแกะสลักของ Yudovin เป็นการเปล่าประโยชน์ที่จะตำหนิศิลปินสำหรับความจริงอันโหดร้ายของพวกเขาเนื่องจากขาดการมองโลกในแง่ดี ธรรมชาติของพรสวรรค์ของ Yudovin ทำให้เขาสามารถแสดงออกถึงแง่มุมที่น่าเศร้าของการต่อสู้ของ Leningraders กับศัตรูด้วยความอ่อนไหวเป็นพิเศษ

แต่กราฟิกโดยรวมนั้นโดดเด่นด้วยมุมมองที่สดใสของโลก แม้ว่าจะแสดงให้เห็นถึงการทดลองที่เกิดขึ้นกับชาวโซเวียตก็ตาม เราเห็นสิ่งนี้ได้แล้วในซีรีส์ของ Pakhomov และเราจะพบการยืนยันใหม่เกี่ยวกับเรื่องนี้โดยทำความคุ้นเคยกับชุดภาพวาดของ D. A. Shmarinov “ เราจะไม่ลืม เราจะไม่ให้อภัย!” Shmarinov (เกิดปี 1907) เป็นหนึ่งในศิลปินที่มีความพยายามในการวาดภาพประกอบหนังสือของโซเวียตประสบความสำเร็จอย่างมากในช่วงทศวรรษที่ 1930 เขาได้รับการฝึกอบรมทางวิชาชีพที่ดีในสตูดิโอศิลปะของ Prahov ใน Kyiv และ Kardovsky ในมอสโก ความสามารถของเขาในฐานะนักจิตวิทยาและวัฒนธรรมภายในที่ยอดเยี่ยมทำให้ผลงานหนังสือของเขาแตกต่าง ในช่วงสงคราม Shmarinov ได้สร้างโปสเตอร์และภาพวาดขาตั้ง ซีรีส์ "เราจะไม่ลืม เราจะไม่ให้อภัย!" เขาแสดงในปี พ.ศ. 2485 ในช่วงเวลาสั้น ๆ แต่แนวคิดนี้ถูกสร้างขึ้นตลอดปีแรกของสงคราม

เรื่องราวของศิลปินเริ่มต้นไม่ค่อยเป็นค่อยไป แต่ตั้งแต่เริ่มแรก - เขาทำให้เราตกใจทันทีด้วยโศกนาฏกรรมครั้งใหญ่ของการวาดภาพ "การประหารชีวิต" รูปภาพของการทดลองและความยากลำบากของสงครามตามมาทีละภาพ แต่ธีมที่สดใสของความกล้าหาญของชาวโซเวียตซึ่งเกิดขึ้นจากหน้าแรกของซีรีส์นั้นชนะแม้จะอยู่ในหน้าที่ขมขื่นที่สุดก็ตาม ภาพวาดที่ดีที่สุดของวัฏจักรนี้คือแผ่นงาน "การกลับมา" (ป่วย 15) ชาวนาโซเวียตหลายพันคนคุ้นเคยกับสถานการณ์ที่ศิลปินวาดภาพผู้หญิงพบว่าตัวเอง Shmarinov วาดภาพเธอในช่วงเวลาที่สายตาของเธอเห็นบ้านที่พังทลายและพังทลายของเธอเป็นครั้งแรกทำให้เธอต้องหยุดอยู่ในอาการมึนงงของความคิดที่น่าเศร้าและขุ่นเคือง ความตื่นเต้นอันลึกซึ้งของเธอแทบจะไม่ปรากฏออกมาภายนอกเลย นี่คือความยับยั้งชั่งใจของคนเข้มแข็งที่ไม่ปล่อยให้ตัวเองระเบิดความรู้สึกเป็นช่วงเวลาแห่งความสิ้นหวัง และทิวทัศน์นี้บอกผู้ชมได้มากแค่ไหน! ความบริสุทธิ์ที่โปร่งใสของอากาศ ความสว่างของแสงจ้าของดวงอาทิตย์ และเงาที่เลื่อนผ่านพื้นดินที่ละลาย - ภาพของต้นฤดูใบไม้ผลิที่เต็มไปด้วยเสน่ห์นี้นำความสุขมาสู่ข้อความย่อยที่ซับซ้อนของฉาก ลิซท์เริ่มฟังดูเหมือนเรื่องราวที่เป็นโคลงสั้น ๆ และนี่เป็นลักษณะเฉพาะของพรสวรรค์ของชมารินอฟ ภาพวาดของ Shmarinov ที่ใช้สีถ่านและสีน้ำสีดำ ต้องผ่านขั้นตอนต่างๆ มากมายในกระบวนการทำงาน แต่พวกเขามีความสุขที่จะหลีกเลี่ยงความสมบูรณ์ภายนอกที่แห้งแล้ง โดยรักษาความมีชีวิตชีวาของจังหวะที่คารวะไว้ราวกับว่าพวกเขาเพิ่งถูกวางโดยศิลปิน

เฉพาะในสองหน้าสุดท้ายของซีรีส์ - "การกลับมา" และ "การประชุม" - ไม่มีภาพของพวกฟาสซิสต์และถึงแม้ว่าความสุขจะยังอยู่ห่างไกลที่นี่ แต่บรรยากาศก็สดใสขึ้น แต่เหล่าฮีโร่ก็หายใจได้ง่ายขึ้น ชีวิตอันโหดร้ายในปีแรกของสงครามซึ่งเป็นเหตุการณ์ที่ศิลปินสรุปได้แนะนำให้เขาทราบถึงองค์ประกอบของซีรีส์ - ความตึงเครียดอันน่าสลดใจอย่างไม่ลดละของหน้าส่วนใหญ่และบันทึกย่อที่สดใสของภาพวาดสุดท้าย

ในช่วงสงคราม V. A. Favorites (เกิดปี 1886) หนึ่งในศิลปินโซเวียตที่เก่าแก่ที่สุดและเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการแกะสลักไม้ก็หันมาใช้กราฟิกขาตั้งเช่นกัน ตลอดอาชีพของเขา ภาพประกอบหนังสือดึงดูดความสนใจของเขาได้มากที่สุด และตอนนี้ผู้ชมชาวโซเวียตและชาวต่างชาติต่างชื่นชมอย่างแรกเลยคือโลกแห่งมหากาพย์ที่กลมกลืนกันของการแกะสลักของเขาสำหรับ "The Tale of Igor's Campaign" โศกนาฏกรรมและความลึกของภาพประกอบสำหรับ "Boris Godunov" ซึ่งเป็นพยางค์ที่หลากหลายซึ่งเต็มไปด้วยการสรุปเชิงปรัชญาและบางครั้ง เฉดสีแห่งชีวิตที่รุนแรงและบางครั้งก็น่าหลงใหลในชุดภาพแกะสลักสำหรับ "โศกนาฏกรรมเล็ก ๆ น้อย ๆ " ของพุชกิน แต่ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1920 Favorites ได้สร้างภาพเหมือนที่ยอดเยี่ยมของ F. M. Dostoevsky ซึ่งเป็นสิ่งที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์แม้ว่าแน่นอนว่าจะเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับหนังสือของนักเขียนก็ตาม แสงและเงาเป็นสิ่งที่ขัดแย้งกันในใบไม้ที่น่ากังวลนี้ ภาพลักษณ์ของชายคนหนึ่งที่ถูกครอบงำด้วยความคิดอันเจ็บปวดนั้นถูกแกะสลักอย่างระมัดระวังและทรงพลัง ที่นี่เราสัมผัสกับชีวิตฝ่ายวิญญาณที่มีความเข้มข้นเป็นพิเศษ เรามองเห็นโลกภายในที่เต็มไปด้วยความขัดแย้งและการต่อสู้ดิ้นรน สัมผัสได้ถึงทักษะที่ยอดเยี่ยมในจังหวะที่หลากหลายอย่างอิสระและการใช้สีอย่างชาญฉลาด

ในปี 1940 Favorites ได้สร้างแผ่นงาน "Minin and Pozharsky", "Kutuzov" ศิลปินไม่ได้อยู่คนเดียวในการสร้างสรรค์หน้าเพจอันรุ่งโรจน์ของประวัติศาสตร์มาตุภูมิของเรา พวกเขาได้รับความสนใจเป็นพิเศษจากจิตรกรและศิลปินภาพพิมพ์ในช่วงสงคราม ในซีรีส์ Samarkand ของ linocuts แบบบางเป็นจังหวะที่ดำเนินการในเวลาเดียวกัน การไหล ชีวิตประจำวันถูกจับด้วยความสง่างามที่ไม่เร่งรีบและความพูดน้อย พื้นหลังสีขาวซึ่งมีบทบาทสำคัญในงานเขียนทั้งหมดของเธอ โดยเน้นย้ำความสง่างามของภาพเงาและการแสดงดนตรีขององค์ประกอบที่เรียบง่ายแต่พิถีพิถัน

ต่อมาศิลปินหันมาใช้กราฟิกขาตั้งมากกว่าหนึ่งครั้ง (แผ่น "Flying Birds", 1959; ดูส่วนหน้า ฯลฯ ) แต่ภาพประกอบในหนังสือครอบงำเขาในระดับที่มากขึ้นอย่างล้นหลาม

สถานที่สำคัญในกราฟิกในช่วงสงครามเป็นของผลงานของ L. V. Soifertis (เกิดปี 1911) ก่อนหน้านี้ Soyfertis เคยทำงานด้านกราฟิกเสียดสีนิตยสาร และตอนนี้เขามักจะปรากฏบนหน้านิตยสาร Krokodil ในช่วงสงคราม เขาเข้าร่วมการรบในเซวาสโทพอล โนโวรอสซีสค์ และโอเดสซา Soyfertis ต้องเจอกับความยากลำบากมากมายในสงคราม ความตายอยู่ใกล้ตัวเขามากกว่าหนึ่งครั้ง แต่พรสวรรค์ที่สดใสและสว่างของเขาได้มาจากฉากการต่อสู้ที่ไม่ดุเดือด ไม่ใช่โศกนาฏกรรมและความตาย แต่เป็นรอยยิ้มแห่งชีวิต ที่ยังคงเหลืออยู่ ภายใต้การทิ้งระเบิด ความเฉลียวฉลาดและความสนุกสนานที่แปลกประหลาดบ่งบอกถึงสถานการณ์ที่เขาแสดง กะลาสีเรือรีบไปที่แนวหน้าในเมืองเซวาสโทพอลที่ถูกปิดล้อมและเด็ก ๆ - ร่วมกันเพื่อความเร็ว - ส่องรองเท้าของเขาอย่างขยันขันแข็ง “กาลครั้งหนึ่ง” คือชื่อของเอกสารฉบับนี้ มีการต่อสู้ทางอากาศเหนือเมืองท่ามกลางท้องฟ้าที่สดใส ผู้หญิงกำลังเฝ้าดูมัน และหญิงชรากำลังเย็บอะไรบางอย่างอย่างใจเย็น นั่งอยู่ที่นั่นบนเก้าอี้ที่ประตูทางเข้า กะลาสีเรือที่หน้าต่างหนังสือพิมพ์กำลังอ่านข่าวล่าสุดโดยยืนอยู่ในกลุ่มใกล้ ๆ เต็มไปด้วยดาบปลายปืนปืนไรเฟิล (รูปที่ 16) กะลาสีเรือและช่างภาพตั้งอยู่ในปล่องระเบิด - พวกเขาต้องการรูปภาพสำหรับเอกสารงานปาร์ตี้ เห็นได้ชัดว่าทั้งหมดนี้เรียกได้ว่าเป็นตอนในชีวิตประจำวัน แต่นี่คือชีวิตประจำวันที่สร้างขึ้นสองก้าวจากแนวหน้าและฉากที่ไม่โอ้อวดที่สุดแม้จะตลกขบขันเมื่อมองแวบแรกฉากที่นี่เต็มไปด้วยลมหายใจของความกล้าหาญและความกล้าหาญอันยิ่งใหญ่ ความสง่างามที่แท้จริงทำให้ภาพวาดของ Soifertis แตกต่าง และหากใน "ซีรีส์ Samarkand" ของ Favorite เส้นไล่ล่าและเงาของ linocuts นั้นสง่างาม ใน Soyfertis เส้นที่เบา เปราะ ดูเหมือนไม่ระมัดระวังของการวาดเส้นขอบและการใช้ชีวิต การหายใจ การเติมสีน้ำโปร่งใสที่มีสีเล็กน้อยจะดูสง่างามและสวยงาม

Soifertis ยังคงเป็นศิลปินที่มีรอยยิ้มชั่วขณะและความเห็นอกเห็นใจอันยิ่งใหญ่ต่อผู้คนในภาพวาดของเขาในช่วงทศวรรษ 1950 ซีรีส์ "Metro" ของเขาเป็นซีรีส์ฉากประเภทต่างๆ ที่พบเห็นได้ในพระราชวังใต้ดินในมอสโกที่เร่งรีบและวุ่นวาย ภาพวาดและภาพแกะสลักที่อุทิศให้กับเด็กๆ ยังคงได้รับการมองเห็นอย่างระมัดระวังอย่างน่าประหลาดใจ โดยยังคงส่องสว่างด้วยความสนใจที่เรียกร้องในมนุษย์ บางครั้งก็สัมผัสและตลกขบขันบางครั้งก็เยาะเย้ยและแปลกประหลาดเล็กน้อยเมื่อเปรียบเทียบแล้วเอกสารเหล่านี้มักจะเปิดเผยคุณลักษณะใหม่ ๆ ของชีวิตให้เราทราบเสมอสิ่งใหม่ ๆ ในชีวิตประจำวันตามปกติ

เนื้อหาจำนวนมากที่สะสมในช่วงสงครามไม่พอดีกับที่เก็บถาวรของศิลปินอย่างเงียบ ๆ หลายคนยังคงทำงานเกี่ยวกับหัวข้อทางทหารต่อไปหลังสิ้นสุดสงคราม โดยเฉพาะอย่างยิ่งมีการแสดงภาพวาดและภาพแกะสลักเกี่ยวกับสงครามมากมายในนิทรรศการในช่วงปีแรกที่สงบสุข ในเวลาเดียวกัน ผลงานของศิลปินกราฟิกเป็นไปตามเส้นทางของการสรุปความรู้และการแสดงผลทางภาพอย่างเป็นธรรมชาติ ตลอดเส้นทางตั้งแต่แบบร่างและแบบร่างไปจนถึงแผ่นขาตั้งและซีรีส์กราฟิกทั้งหมด ดังนั้นการพิมพ์หินหลายชุดโดยใช้วัสดุจากภาพร่างทางทหารของเขาจึงถูกดำเนินการในปี พ.ศ. 2489 - 2493 โดยศิลปิน V. V. Bogatkin (เกิด พ.ศ. 2465) ในช่วงสงคราม Bogatkin เพิ่งเริ่มต้น งานสร้างสรรค์. เขาวาดได้มาก ภาพวาดชิ้นหนึ่งของเขาซึ่งเป็นภาพทหารหนุ่มริมฝั่ง Tisza (พ.ศ. 2488) ได้รับชื่อเสียงอย่างมาก แต่งานหลักของเขาคือภูมิทัศน์ ความเงียบงันของถนนร้างของเลนินกราดที่ถูกปิดล้อม, มอสโกที่มืดมน, เบอร์ลินในสมัยของการล่มสลายของลัทธิฟาสซิสต์, ภูเขาอุปกรณ์ที่พังทลายลงบนถนน, รถถังโซเวียตที่ประตูบรันเดนบูร์กถูกจับโดย Bogatkin ในการพิมพ์หินของเขา ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ความถูกต้องแม่นยำของสิ่งที่เราเห็นในเอกสารเหล่านี้ ซึ่งสร้างขึ้นในช่วงสงครามที่ร้อนระอุนั้น ได้รับการชื่นชมจากเรามากขึ้นเรื่อยๆ

ในช่วงปลายทศวรรษที่ 1940 และต้นทศวรรษ 1950 ภาพของการพัฒนากราฟิกขาตั้งมีความซับซ้อนและขัดแย้งกันอย่างมาก ศิลปินสามารถสังเกตเห็นและถ่ายทอดแง่มุมที่สำคัญบางอย่างในชีวิตของเรา และเหนือสิ่งอื่นใดคือแสดงบุคคลที่ผ่านสงคราม ความสุขที่ได้กลับมาทำงาน และความกระหายในการสร้างสรรค์อย่างแรงกล้า สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในงานบางชิ้นที่อุทิศให้กับแรงงานในฟาร์มโดยรวม ความงามของทุ่งอันเงียบสงบของมาตุภูมิของเรานั้นให้ความรู้สึกเหมือนเป็นมรดกที่เพิ่งค้นพบและถูกยึดครอง ในเวลาเดียวกันในกระแสภาพวาดที่แสดงถึงชาวโซเวียตและผลงานของพวกเขาได้สะท้อนให้เห็นลักษณะของภาพประกอบและความยากจนของความคิดและความรู้สึกอย่างชัดเจน เอกสารที่ไม่ธรรมดาทำให้ศิลปินหลายคนในผลงานเหล่านี้ไม่สามารถก้าวไปสู่ระดับภาพรวมบทกวีในชีวิตของเราได้ ภาพวาดและการแกะสลักจำนวนมากปรากฏในธีมทางประวัติศาสตร์และการปฏิวัติศิลปินทุ่มเทความแข็งแกร่งและพรสวรรค์ในการสร้างสรรค์สิ่งเหล่านี้ แต่อิทธิพลของลัทธิบุคลิกภาพนั้นยากต่อพวกเขาเป็นพิเศษ เป็นการป้องกันศิลปินจากการสร้างสรรค์ผลงานที่มีความเข้มข้นทางอุดมการณ์อย่างมาก และส่งผลให้งานบางชิ้นมีการรายงานบทบาทของประชาชนในฐานะผู้สร้างประวัติศาสตร์อย่างไม่ถูกต้อง

กราฟิกในช่วงหลายปีที่ผ่านมาได้รับการพัฒนาด้านเดียวในแง่เทคนิค เทคนิคกราฟิกหลายอย่างไม่ค่อยได้ใช้ หมึก ถ่าน และภาพวาดสีน้ำสีดำมีอิทธิพลเหนือกว่า เฉพาะในทิวทัศน์เท่านั้นที่มีภาพวาดสีน้ำจริงและการแกะสลักบางประเภททั่วไป แต่เทคนิคที่หลากหลายมักอยู่ร่วมกันในภูมิประเทศพร้อมกับความเฉื่อยชาภายในของสิ่งต่างๆ

ในทางกลับกันผลงานศิลปะอันทรงคุณค่าก็ถูกสร้างขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ดังนั้นในช่วงเวลานี้ความสามารถดั้งเดิมและแข็งแกร่งของ B. I. Prorokov ซึ่งปัจจุบันเป็นหนึ่งในปรมาจารย์กราฟิกโซเวียตชั้นนำจึงได้รับการพัฒนา งานของ Prorokov มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับช่วงสงครามหลายปีกับสิ่งที่ศิลปินได้เห็นและประสบในขณะนั้น แต่ Prorokov ไม่เพียง แต่กลับมาตลอดหลายปีที่ผ่านมาพร้อมกับความทรงจำในหัวใจของเขาต่อสงครามเท่านั้น แต่เขายังสามารถพูดคำที่จำเป็นที่สุดเกี่ยวกับสันติภาพด้วยงานศิลปะของเขา

B.I. Prorokov เกิดในปี 1911 ในเมือง Ivanovo-Voznesensk ความชื่นชอบในการวาดภาพของเขาเริ่มต้นตั้งแต่สมัยมัธยมปลาย ภาพวาดของโรงเรียนของเขาที่ส่งไปยังการแข่งขันหนังสือพิมพ์ Komsomolskaya Pravda ได้รับรางวัลชนะเลิศ สิ่งนี้ทำให้ผู้เขียนมีสิทธิ์ได้รับตั๋วเข้าชมสถาบันศิลปะและเทคนิคขั้นสูง (Vkhutein) อย่างไรก็ตามการศึกษาที่นั่นทำให้ Prorokov เพียงเล็กน้อยและใช้เวลาไม่ถึงสองปี เฉพาะคำแนะนำของปรมาจารย์ด้านกราฟิกการเมืองที่ยิ่งใหญ่ที่สุด D. S. Moor ผู้สอนการพิมพ์หินเท่านั้นที่มีคุณค่ามากสำหรับ Prorokov Prorokov ผ่านโดยไม่ได้รับการศึกษาพิเศษใด ๆ โรงเรียนที่ดี- การเมืองและศิลปะ - ทำงานใน Komsomolskaya Pravda และต่อมาในนิตยสาร Krokodil ในการทำงานหนังสือพิมพ์ เขาเดินทางไปทั่วประเทศบ่อยครั้ง ในฐานะนักข่าว เขาเรียนรู้ที่จะจัดทำภาพร่างจำนวนมากเพื่อใช้ในอนาคตเพื่อที่จะทำงานให้เสร็จสิ้นอย่างรวดเร็ว ผลงานก่อนสงครามของ Prorokov ส่วนใหญ่เป็นการ์ตูนล้อเลียนในหัวข้อในประเทศและต่างประเทศ โปสเตอร์ส่วนบุคคลที่ดำเนินการโดยเขาและโดยเฉพาะอย่างยิ่งแผ่นงานที่เผยให้เห็นธรรมชาติของลัทธิฟาสซิสต์ที่ต่อต้านมนุษยนิยมที่ดุร้ายได้เล็งเห็นถึงความรุนแรงความหลงใหลและความเฉียบแหลมของงานนักข่าวในอนาคตของเขาแล้ว

ตั้งแต่เดือนแรกของสงคราม Prorokov ทำงานในหนังสือพิมพ์ของกองทหารรักษาการณ์ของคาบสมุทร Hanko ซึ่งยืนหยัดต่อสู้กับศัตรูอย่างกล้าหาญ

“บางครั้งเรารู้สึกเขินอายที่จะพูดเกี่ยวกับความสำเร็จของนักศิลปะอย่างดังพอ ๆ กับความสำเร็จของทหารหรือผู้บัญชาการ จนกระทั่งนักเขียนหรือศิลปินเกิดขึ้นเพื่อแทนที่ผู้บัญชาการที่เสียชีวิตในสนามรบและเป็นผู้นำในการป้องกันที่สูง” เขียน ผู้เข้าร่วมในการป้องกัน Hanko ซึ่งพูดถึงเรื่องนี้ในเรื่อง "The Gangutians" Vl. Rudny - แต่ฉันไม่คิดว่าการต่อสู้อย่างต่อเนื่องของลูกเรือของ Gangut * ( * คาบสมุทร Hanko ถูกเรียกว่า Gangut ในสมัยของ Peter I) ในปีที่สี่สิบเอ็ดโดยไม่มีเสียงหัวเราะและการเสียดสีเชิงพยากรณ์โดยไม่มีภาพ feuilletons ภาพแกะสลักภาพบุคคลของเขาทุกวันที่ถูกตัดออกเนื่องจากขาดสังกะสีสำหรับถ้อยคำที่เบื่อหูบนเสื่อน้ำมันฉีกออกจากพื้นบ้านที่ถูกทำลายโดยสงคราม” ศิลปิน ทิ้งฮานโกะไว้กับกองทหารเรือชุดสุดท้าย Kronstadt และ Leningrad ถูกปิดล้อม Malaya Zemlya ใกล้ Novorossiysk, Berlin และ Port Arthur - นี่คือเหตุการณ์สำคัญในการเดินทางทางทหารของเขา และทุกที่แม้ในสภาวะที่ยากลำบากที่สุดและในแนวหน้าศิลปินก็วาดภาพมากมาย

ซีรีส์หลังสงครามเรื่องแรกของ Prorokov เรื่อง "In Kuomintang China" ถูกสร้างขึ้นโดยเขาบนพื้นฐานของสิ่งที่เขาเห็นใน ตะวันออกอันไกลโพ้นทันทีหลังจากการพ่ายแพ้ของทหารญี่ปุ่น เนื้อหามีเนื้อหาเพียงเล็กน้อย โดยสรุปเพียงลักษณะบางประการของชีวิตชาวจีน ที่ยังคงประสบกับการกดขี่จากอาณานิคมและต่อสู้เพื่ออิสรภาพของชาติ แต่ความหลงใหลในชีวิตของผู้เขียนสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่แล้วที่นี่ ด้วยความเห็นอกเห็นใจศิลปินพรรณนาถึงพรรคพวกชาวจีน - ชายหนุ่มที่เรียบง่ายถ่อมตัวและกล้าหาญด้วยความเกลียดชังและการเยาะเย้ย - ชาวอเมริกันผู้สง่างามที่จัดการแข่งขันรถลากที่ไร้มนุษยธรรม สำหรับเราแล้ว ดูเหมือนว่าเขาจะเล่าให้ฟัง ทั้งความคลั่งไคล้ของผู้พูดที่บ้าคลั่งในที่ประชุม และความเหนื่อยล้าอย่างหนักของผู้ลากรถลากที่หมอบอยู่ใต้แสงแดดที่แผดเผาข้างรถม้า ในผลงานต่อไปของ Prorokov เราจะรู้สึกถึงเสียงของผู้แต่งความขุ่นเคืองหรือความรักที่กระตือรือร้นของเขาอยู่เสมอดังนั้นผลงานของเขาจะดึงดูดเราด้วยพลังพิเศษ

ในการวาดรอบต่อๆ มา “นี่ไง อเมริกา!” และ "เพื่อสันติภาพ!" เสียงของนักประชาสัมพันธ์ Prorokov แข็งแกร่งขึ้น ชีวิตประจำวันในเพจของเขาได้รับพลังอันโกรธแค้นจากการเปิดเผยทางการเมืองของลัทธิจักรวรรดินิยม ในภาพวาด "Tanks of the Aggressor to the Bottom" ศิลปินในภาพที่สะเทือนอารมณ์และน่าสมเพชแสดงให้เห็นถึงเจตจำนงของคนงานเพื่อสันติภาพความแข็งแกร่งของความสามัคคีของพวกเขา ความขุ่นเคืองที่กระโชกแรงปลดปล่อยกองกำลังและระดมคนกลุ่มใหญ่โยนรถถังลงไปในน้ำ ลิซท์มีองค์ประกอบที่พูดน้อย เต็มไปด้วยความน่าสมเพชแห่งการต่อสู้ มันสามารถทนต่อกำลังขยายสูงได้อย่างง่ายดาย และผู้สนับสนุนสันติภาพนอกขอบเขตประเทศของเรามากกว่าหนึ่งครั้งถือมันเป็นโปสเตอร์ในการประท้วง ซีรีส์ "นี่อเมริกา!" ดำเนินการโดย Prorokov เพื่อเป็นภาพประกอบสำหรับหนังสือแผ่นพับและบทความเกี่ยวกับอเมริกา แต่มันกลายเป็นวงจรขาตั้งโดยพื้นฐานแล้ว - เนื้อหาของชีตมีความเป็นอิสระ ชัดเจน และไม่มีข้อความ ในทำนองเดียวกัน ภาพประกอบในภายหลังของ Prorokov สำหรับหนังสือ Mayakovsky on America ได้รับคุณสมบัติขาตั้ง การอุทธรณ์ต่อ Mayakovsky มีเหตุผลอย่างลึกซึ้งในงานของ Prorokov ศิลปินอยู่ใกล้กับความเข้มข้นอันเร่าร้อนของบทกวีของ Mayakovsky และการสลับความโกรธและการเสียดสีที่เป็นลักษณะเฉพาะของพวกเขาและภาพเชิงเปรียบเทียบที่เป็นตัวหนาและการประเมินปรากฏการณ์ทางการเมืองที่บังคับ

ผลงานทั้งหมดของเขาที่ทำหลังสงคราม Prorokov ต่อสู้เพื่อสันติภาพ เปิดเผยลัทธิจักรวรรดินิยม ความไร้มนุษยธรรมของนโยบายอาณานิคม และแผนการทางทหาร แต่ส่วนใหญ่ ประสิทธิภาพที่แข็งแกร่งศิลปินเพื่อสันติภาพคือซีรีส์ของเขาเรื่อง “This Must Not Happen Again!” ซึ่งเป็นครั้งแรกหลังจากการสู้รบสิ้นสุดลง เขาได้สัมผัสกับนิมิตเกี่ยวกับสงครามที่ไม่เคยออกไปจากใจเขา

ซีรีส์ของเขามีการเน้นอารมณ์ตรงกันข้ามสองแผ่น: หนึ่ง - "ฮิโรชิม่า" - ใบหน้าที่ถึงวาระยังคงมองเราจากนรก การระเบิดปรมาณูอีกด้านหนึ่ง - คุณแม่ยังสาวพร้อมอาวุธในมือปกป้องลูกปกป้องชีวิตที่สดใสบนโลก ระหว่างสองแผ่นนี้ ราวกับอยู่ในกรอบ มีภาพสงครามเรียงกันเป็นแถว ในพวกเขา ผู้คนต่อสู้กับความตายที่ลัทธิฟาสซิสต์นำมา และในชั่วโมงแห่งความตายพวกเขาก็ดูหมิ่นศัตรู เช่นเดียวกับที่หญิงสาวดูหมิ่นผู้ประหารชีวิต ซึ่งในดวงตาของเขามีนิมิตที่เปื้อนเลือดของ Babyn Yar (ป่วย 17) ไม่มีรายละเอียดใดที่จะคลายความตึงเครียดอันใหญ่หลวงได้ แต่ละใบไม้คือความรู้สึกที่ได้รับในช่วงเวลาสูงสุด นี่คือความเจ็บปวดที่ยังไม่สิ้นสุด ภาพซิลูเอตต์ที่คมชัดและภาพระยะใกล้ถูกเลือกไว้ที่นี่เป็นเทคนิคทางศิลปะที่จำเป็น มีเพียงศิลปินที่กล้าหาญและศรัทธาอย่างแรงกล้าในผู้คนเท่านั้นที่สามารถพูดซ้ำกับเราด้วยพลังที่น่าทึ่งเช่นนี้ถึงความจริงอันโหดร้ายเกี่ยวกับสงครามที่ผ่านมา หน้าเพจของเขาเต็มไปด้วยความเจ็บปวด ความโกรธ และความทุกข์ทรมานทำให้ไม่มีใครสนใจ พินัยกรรมของคอมมิวนิสต์เช็ก J. Fucik “ประชาชนจงระวัง!” ฟังเราอีกครั้งในซีรีส์นี้โดยศิลปินโซเวียต

ในบรรดาผลงานที่อุทิศให้กับ V.I. เลนิน ภาพวาดของปรมาจารย์ภาพประกอบหนังสือที่ยิ่งใหญ่ที่สุด E.A. Kibrik (เกิดปี 1906) มีความโดดเด่น ในแต่ละแผ่นของซีรีส์ ศิลปินที่ศึกษาเนื้อหาที่เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของเลนินในปีแห่งการปฏิวัติอย่างรอบคอบ ไม่เพียงแต่เชี่ยวชาญความจริงประการแรกของความคล้ายคลึงภายนอกเท่านั้น แต่ยังได้ย้ายไปยังส่วนลึกของลักษณะภายในอีกด้วย

แผ่นงาน "V.I. Lenin in Underground" (ป่วย 18) ทำซ้ำในเดือนกรกฎาคมปี 1917 เมื่อเลนินอาศัยอยู่ใน Petrograd ถูกบังคับให้ซ่อนตัวจากสุนัขล่าเนื้อของรัฐบาลเฉพาะกาล ศิลปินจินตนาการถึงเนื้อเรื่องของภาพวาดนี้อย่างไร? ตามที่เขาพูดที่นี่เขาต้องการแสดงให้เลนินนักทฤษฎีนักวิทยาศาสตร์นักคิดซึ่งพูดทุกวันในสมัยนั้นด้วยบทความที่ทำให้พรรคติดอาวุธในการต่อสู้เพื่อแย่งชิงเผด็จการของชนชั้นกรรมาชีพ ศิลปินบรรยายช่วงเวลาเฉพาะที่ต้องพรรณนาดังนี้: “...เลนินเดินไปรอบ ๆ ห้องตามปกติสำหรับเขาโดยไตร่ตรองถึงเนื้อหามหาศาลที่ชีวิตนำมาทุกวันและซึ่งเขาต้องคว้าสิ่งที่สำคัญที่สุด อะไร อะไร "เราต้องตั้งเป้าหมายปาร์ตี้ด้วยบทความอื่นในปราฟดา เมื่อพบสิ่งสำคัญนี้แล้วเขาก็รีบนั่งลงที่โต๊ะลืมทุกสิ่งในโลกทันทีและหมกมุ่นอยู่กับงาน" เป็นลักษณะเฉพาะที่ Kibrik จินตนาการถึงภาพที่เคลื่อนไหวและเมื่อวาดช่วงเวลาเดียวในกลุ่มของผู้อื่นให้คำนึงถึงช่วงเวลาก่อนหน้าด้วย ความเงียบของห้องเล็กๆ ที่เงียบสงบ เต็มไปด้วยความตึงเครียดจากการทำงานหนัก ศิลปินสามารถถ่ายทอดความยุ่งวุ่นวายและการซึมซับงานของเลวินได้เป็นอย่างดีผ่านการแสดงออกที่เข้มข้นของใบหน้าและท่าทางของเขาในฐานะผู้ชายที่เขียนอย่างรวดเร็ว

ภาพวาด "V.I. Lenin in Razliv" มีอารมณ์ที่แตกต่าง: มีความตื่นเต้นและแรงกระตุ้นที่ควบคุมไม่ได้ กระแสความคิดของเลนินอยู่ไกลจากสภาพแวดล้อม และความกว้างใหญ่ของภูมิทัศน์ริมทะเลสาบก็ดูเหมือนจะขยายขอบเขตของหน้าด้วย ในหนังสือที่อ้างถึงข้างต้น Kibrik อธิบายรายละเอียดกระบวนการทำงานของเขาในการเรียบเรียงเหล่านี้และใครก็ตามที่คุ้นเคยกับภาพวาดของเขาจะสนใจอ่านหน้าเหล่านี้

ในช่วงกลางทศวรรษ 1950 สิ่งมหัศจรรย์เกี่ยวกับความทันสมัยของเราปรากฏอยู่ในกราฟิก ศิลปิน Yu. I. Pimenov - จิตรกร, ศิลปินกราฟิกและมัณฑนากรโรงละคร - ด้วยซีรีส์ชุดใหญ่ของเขา "Moscow Region" เปิดโลกใบใหญ่ให้กับเราซึ่งเต็มไปด้วยความสุขอันสดใสของชีวิต Pimenov มีของขวัญหายากสำหรับการบรรยายบทกวีเกี่ยวกับชีวิตประจำวันความสามารถในการมองเห็นความงดงามของชีวิตประจำวัน และความงามที่สังเกตเห็นได้ทั่วไปมักจะพบเส้นทางที่ใกล้ชิดกับหัวใจของผู้ชมอยู่เสมอ อากาศร้อนของวันที่อากาศร้อนในภูมิภาคมอสโก และร่างของเด็กผู้หญิงบนสะพานไม้กระดาน คนงานที่กระปรี้กระเปร่าในสถานที่ก่อสร้างบ้านใหม่ และฝนที่ส่องประกายบนจัตุรัสชานเมืองมอสโก - สิ่งเหล่านี้คือ เรื่องราวง่ายๆภาพวาดและสีน้ำโดย Pimenov “สำหรับผมแล้ว ดูเหมือนว่าสำหรับศิลปินประเภทหนึ่ง” เขาเขียน “สิ่งที่ล้ำค่าที่สุดที่ค้นพบคือชิ้นส่วนของชีวิตที่แท้จริงที่ได้พบเห็น ซึ่งในกรณีจริงธรรมดาๆ ที่ไม่เคยจินตนาการไว้ ในแต่ละวัน ความจริงที่ยิ่งใหญ่ของประเทศจะถูกเปิดเผย” จังหวะการทำงานที่รวดเร็วในยุคของเรา ความงามที่พิเศษ มีพลัง และเหมือนธุรกิจอาศัยอยู่ในผลงานของศิลปิน (ดูหน้าปก) กิจกรรมกิจกรรมอาจเป็นเสน่ห์หลักของภาพลักษณ์ของ Pimenov และโดยเฉพาะอย่างยิ่งวีรสตรีที่คงที่ของเขา - ผู้หญิงที่ทำงานในสถานที่ก่อสร้าง, การปรับปรุงอพาร์ทเมนต์ที่ยุ่งวุ่นวาย, การตัดเย็บและงานบ้าน การใช้สีสีน้ำแบบอ่อนๆ ช่วยเพิ่มความรู้สึกรื่นเริงให้กับฉากและสิ่งต่างๆ ที่ดูธรรมดาที่สุด ศิลปินยังนำความงดงามมาสู่เทคนิคสีน้ำสีดำและถ่าน ด้วยการไล่ระดับสีดำ เขาสามารถถ่ายทอดความลึกของเงาที่ทอดยาวจากต้นไม้บนผืนน้ำ และความหนาวเย็นที่โปร่งใสของต้นฤดูใบไม้ผลิ และความสดชื่นของสายฝนบนชานชาลาสถานี และความสบายที่เหมือนยางไม้ของถนนในป่า Pimenov เป็นศิลปินที่สมบูรณ์มาก มุมมองของเขาต่อโลก วงกลมของวิชาโปรดของเขายังคงเหมือนเดิมในชุดสิ่งที่งดงามราวภาพวาดในช่วงปี 1940 - 1950 - ฉากประเภท หุ่นนิ่ง ซึ่งบอกเล่าอย่างเรียบง่ายและเป็นบทกวีเกี่ยวกับความร่วมสมัยของเขาและในกราฟิกของเขา และแม้แต่ในร้อยแก้ว - ในหนังสือเกี่ยวกับภูมิภาคมอสโกที่เขียนด้วยความหลงใหลอย่างแรงกล้ารวดเร็วสง่างามและง่ายดายด้วยวิสัยทัศน์ทางศิลปะล้วนๆของชีวิตในรูปแบบที่สวยงามหลากสีสันอย่างแท้จริง

ชีวิตที่เคลื่อนไหว ใหม่และสนุกสนาน เกิดทุกวัน Pimenov รีบจับภาพในซีรีส์เรื่อง "New Quarters" ของเขาในภายหลัง

หลังจากไปเที่ยวต่างประเทศมากกว่าหนึ่งครั้งในปี 1950 Pimenov ได้สร้างผืนผ้าใบและภาพร่างขนาดเล็กทั้งชุดโดยอิงจากความประทับใจของเขาจากการเดินทางเหล่านี้หรือโดยตรงระหว่างการเดินทางของเขา การจ้องมองของเขาที่นี่ยังคงเป็นการจ้องมองของผู้ชายที่รักความงามเป็นหลัก การสื่อสารมวลชนไม่ใช่ลักษณะเฉพาะของเขา แต่เนื้อเพลงที่ปกคลุมความเศร้าของผลงานต่างประเทศบางชิ้นของเขานั้นฟังดูขัดแย้งกับความสุขที่ดังก้องในชีตของเขาโดยไม่ได้ตั้งใจซึ่งอุทิศให้กับวันธรรมดาและกิจวัตรประจำวันของเรา

งานต่างประเทศของ Pimenov ไม่ได้อยู่คนเดียวในตารางงานของเรา ในช่วงทศวรรษที่ 1950 และต่อจากนั้น เมื่อความสัมพันธ์ทางวัฒนธรรมระหว่างประเทศของประเทศเราขยายออกไป และศิลปินจำนวนมากได้ไปเยือนประเทศต่างๆ ทั่วโลก ซีรีส์ทั้งกลุ่มก็ปรากฏขึ้นตามความประทับใจจากการเดินทางเหล่านี้ โดยปกติแล้วจะมีฉากชีวิตบนท้องถนน ทิวทัศน์ และภาพเหมือนของแต่ละบุคคล ศิลปินพูดคุยเกี่ยวกับสิ่งที่พวกเขาได้เห็น แสดงให้เห็นมุมที่งดงามของธรรมชาติ อนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมและประติมากรรมที่มีชื่อเสียง วิถีชีวิตประจำวันที่ผู้คนพบเจอระหว่างการเดินทาง ความคล่องแคล่วแบบบังคับมีลักษณะเฉพาะของงานเหล่านี้ส่วนใหญ่ แต่จากการเดินทางทำให้เกิดซีรีส์ที่สมบูรณ์ซึ่งการเล่าเรื่องและความร่างถูกแทนที่ด้วยภาพรวมทางศิลปะที่แท้จริง จากการทำความรู้จักกับวัฏจักรดังกล่าว ผู้ชมไม่เพียงได้รับความประทับใจจากนักท่องเที่ยวที่สดใสเท่านั้น แต่ยังได้รับความรู้ใหม่เกี่ยวกับประเทศใดประเทศหนึ่งและความพึงพอใจด้านสุนทรียภาพอีกด้วย

หนึ่งในนั้นคือซีรีส์โดย N. A. Ponomarev (เกิดปี 1918) “เวียดนามเหนือ” สร้างขึ้นในปี 1957 ภาพลักษณ์ของประเทศนี้ที่ศิลปินมองเห็นนั้นเต็มไปด้วยเสน่ห์ ท้องฟ้าสูงสีเทาฟ้า ผืนน้ำอันกว้างใหญ่อันเงียบสงบ นาข้าว และกลุ่มหินไลแล็คบนขอบฟ้า บางครั้งก็มองเห็นได้ชัดเจน บางครั้งก็ละลายกลายเป็นหมอกมุก . เอกสารเหล่านี้มีบทกวีที่สงบและครุ่นคิดเล็กน้อยในชีวิตประจำวัน ผู้คนแสดงความเห็นอกเห็นใจอย่างสุดซึ้ง - ผู้คนที่ถ่อมตัวและทำงานหนักของเวียดนาม - ชาวประมง, คนงานเหมือง, ผู้หญิงไปตลาด (ป่วยอายุ 19 ปี) รอทางข้ามที่อ่าว การระบายสีที่ละเอียดอ่อนและละเอียดอ่อนทำให้ภาพวาดมีความหมาย ซีรีส์เวียดนามเป็นจุดเปลี่ยนสำหรับผู้แต่งในหลาย ๆ ด้าน ศิลปินเริ่มต้นอาชีพของเขาด้วยภาพวาดถ่านและ gouache สีดำที่อุทิศให้กับคนงานเหมืองของ Donbass (พ.ศ. 2492-2493) พวกเขามีจิตสำนึกและการทำงานมากและมีแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์น้อยลง การวาดภาพเวียดนามศิลปินค้นพบในงานของเขาไม่เพียง แต่บันทึกบทกวีใหม่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถของนักระบายสีที่รู้วิธีมองเห็นความกลมกลืนและการตกแต่งของเทคนิคผสมของ gouache และสีพาสเทล

ในบรรดาซีรีส์ที่แสดงโดยอิงจากความประทับใจจากต่างประเทศ ผลงานของ O. G. Vereisky (เกิดปี 1915) ก็น่าสนใจเช่นกัน O. Vereisky ซึ่งปัจจุบันเป็นนักวาดภาพประกอบหนังสือที่มีชื่อเสียงของนักเขียนชาวโซเวียตและศิลปินกราฟิกแบบขาตั้ง เป็นหนี้ความรู้ด้านศิลปะครั้งแรกของเขากับ G. S. Vereisky พ่อของเขา เขายังศึกษาที่ Academy of Arts ในเลนินกราด ด้วยอิสระที่เท่าเทียมกัน O. Vereisky เชี่ยวชาญทั้งโทนสีอ่อนของการวาดภาพด้วยสีน้ำหรือหมึกสีดำ และความเปรียบต่างที่สดใสของเทคนิคการวาดด้วยปากกาที่ชัดเจน เมื่อเร็ว ๆ นี้ ศิลปินเริ่มสนใจเทคนิคการแกะสลักบางอย่าง และวาดภาพพิมพ์ซ้ำบางส่วนซึ่งเป็นผลมาจากการเดินทางไปยังอียิปต์ ซีเรีย และเลบานอน หนึ่งในสิ่งที่ดีที่สุดในหมู่พวกเขาคือแผ่นงานที่เรียกว่า "พักผ่อนบนถนน ซีเรีย" (ป่วย 20) มีสีที่สวยงามและองค์ประกอบที่กระชับ แต่เสน่ห์หลักอยู่ที่ภาพลักษณ์ของผู้หญิง ความงามอันงดงามและความโศกเศร้าเล็กน้อยของใบหน้า ความอ่อนโยนของท่าทางที่ควบคุม และความสง่างามตามธรรมชาติของผู้หญิง ได้รับการทำซ้ำโดยศิลปินด้วยความเพลิดเพลินทางสุนทรีย์อย่างแท้จริง หน้าของ "American Series" ของ O. Vereisky ซึ่งไม่เพียงเห็นพิธีการเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเงาซึ่งเป็นลักษณะประจำวันของชีวิตชาวอเมริกันด้วยก็เต็มไปด้วยการสังเกตที่แม่นยำเช่นกัน

ความรู้ของเราเกี่ยวกับประเทศนี้ยังเสริมด้วยภาพร่างเชิงเส้นที่สง่างามของ V. Goryaev ศิลปินที่มีท่าทางเฉียบคมและค่อนข้างประชดประชันนักวาดภาพประกอบของ Mark Twain และผู้สนับสนุนนิตยสาร Crocodile เป็นประจำ

กราฟิกหลังสงครามโดดเด่นด้วยความสำเร็จอันยิ่งใหญ่ของศิลปินจากสาธารณรัฐสหภาพ ทีมกราฟิกที่แข็งแกร่งที่สุดได้ก่อตั้งขึ้นในยูเครน เอสโตเนีย ลิทัวเนีย และลัตเวีย ทั้งการวาดภาพและสีน้ำต่างก็มีศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ในสาธารณรัฐเหล่านี้ และศิลปะภาพพิมพ์ได้รับการพัฒนาที่นี่และเมื่อเสื่อมถอยลงในช่วงปลายทศวรรษปี 1940 และต้นทศวรรษ 1950 ใน RSFSR

เป็นตัวอย่างกราฟิกขาตั้งภาษายูเครน เราสามารถอ้างอิงซีรีส์เรื่อง "Ukrainian National Dumas and Songs" ของ M. Deregus ได้ วัฏจักรนี้แสดงถึงความเป็นผู้ใหญ่ของกราฟิกภาษายูเครน แม้จะอยู่ในผลงานของ Deregus เอง ซึ่งเป็นจิตรกรภูมิทัศน์และนักวาดภาพประกอบที่มีความเป็นเลิศ แต่ก็มีความโดดเด่นค่อนข้างมาก ความโศกเศร้าและความหวังของหน้า "ความคิดของ Marus Boguslavka" และโศกนาฏกรรมของความเหงาที่หลอกลวงศรัทธาในผู้คนในหน้า "ความคิดของสามพี่น้อง Azov" ถูกแทนที่ด้วยบทกวีที่กล้าหาญในสมัยของเราในองค์ประกอบ " ความคิดของพลพรรค” โดยมีภาพลักษณ์เป็นศูนย์กลางของ Kovpak คนหนุ่มสาวที่ทำงานอย่างประสบความสำเร็จในด้านการพิมพ์ ศิลปินชาวยูเครน V. Panfilov ผู้อุทิศงานแกะสลักของเขาให้กับช่างทำเหล็ก และ I. Selivanov ผู้สร้างเอกสารเกี่ยวกับธีมทางประวัติศาสตร์และการปฏิวัติ ประเภททั่วไปสำหรับกราฟิกภาษายูเครนคือภูมิทัศน์ทางอุตสาหกรรม ซึ่งมักใช้เทคนิคการแกะสลัก ผู้เชี่ยวชาญคือ V. Mironenko, A. Pashchenko, N. Rodzin และคนอื่น ๆ

ในสาธารณรัฐบอลติก กราฟิกแนวนอนมีความหลากหลายมาก มีภูมิทัศน์โคลงสั้น ๆ ที่แข็งแกร่งที่นี่อารมณ์และมีเสน่ห์อย่างมาก ผู้สร้าง ได้แก่ ศิลปินชาวเอสโตเนีย ช่างแกะสลัก R. Kaljo, A. Kaerend, L. Ennosaar นักสีน้ำ K. Burman (รุ่นน้อง) ศิลปินกราฟิกลัตเวีย A. Junker, Lithuanian N. Kuzminskis และคนอื่น ๆ ผลงานของพวกเขาประกอบด้วยการสะท้อนโคลงสั้น ๆ การสื่อสารอย่างใกล้ชิดที่เสริมสร้างจิตวิญญาณกับธรรมชาติ และความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับความงามของทุ่งนาของพวกเขาในแต่ละครั้ง ทาลลินน์โบราณที่งดงาม ฯลฯ

ในผลงานของ G. Reindorf ช่างเขียนแบบชาวเอสโตเนียที่เก่าแก่ที่สุด ภาพทิวทัศน์มีความหวือหวาทางปรัชญามากขึ้น ตอนนี้เป็นเรื่องยากสำหรับเราที่จะจินตนาการถึงเส้นทางสร้างสรรค์อันยาวนานของศิลปินคนนี้ได้อย่างเต็มที่ เนื่องจากผลงานก่อนสงครามของเขาเกือบทั้งหมดสูญหายไปในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ แต่กิจกรรมของเขาในช่วงหลังสงครามก็ประสบผลสำเร็จเช่นกัน Reindorf เกิดเมื่อปี พ.ศ. 2432 ที่เมืองเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หลังจากสำเร็จการศึกษาจาก Stieglitz School of Technical Drawing เขาได้รับสิทธิ์เดินทางไปต่างประเทศและไปฝรั่งเศส ช่วงเวลาสั้น ๆ ของการเกษียณอายุในต่างประเทศถูกขัดจังหวะด้วยสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เมื่อกลับมาที่บ้านเกิด Reindorf ทำงานในด้านกราฟิกประยุกต์และแนวนอน และมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอน ความสนใจเชิงสร้างสรรค์หลักของเขาในช่วงทศวรรษที่ 1940 - 1950 คือภูมิทัศน์และบางส่วนเป็นภาพประกอบในหนังสือ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาเขาทำงานในรูปแบบภาพวาดเป็นหลัก ก่อนหน้านี้ศิลปินยังสร้างแผ่นงานแกะสลักที่แสดงออกถึงอารมณ์ด้วย ความปรารถนาของไรน์ดอร์ฟที่ต้องการความถูกต้องตามวัตถุประสงค์ของการพรรณนาบางครั้งก็มาพร้อมกับความร่ำรวยทางอารมณ์ของชีตของเขา แต่ในงานที่ดีที่สุดของเขา หลักการทั้งสองนี้ถูกรวมเข้าด้วยกัน ลักษณะที่โดดเด่นที่สุดในเรื่องนี้คือเอกสารของเขา "On the Hot Days of August" (1955) ความสามัคคีที่แปลกประหลาดรวมทุกสิ่งที่อาศัยอยู่ในนี้เข้าด้วยกัน ภูมิทัศน์ชนบทและเทคนิคการวาดภาพด้วยดินสอกราไฟท์อย่างเชี่ยวชาญทำให้แผ่นงานมีโทนสีที่หลากหลายและมีลวดลายพิเศษ

นอกจากนี้ยังมีแนวภูมิทัศน์ที่โรแมนติกในกราฟิกของรัฐบอลติกซึ่งเต็มไปด้วยความน่าสมเพชของพายุกระสับกระส่าย ความรู้สึกของมนุษย์. ในงานแกะสลักของศิลปินชาวลัตเวีย P. Upitis, O. Abelite และในแต่ละแผ่นโดย M. Ozoliņš รูปภาพของธรรมชาติถูกระบายสีด้วยอารมณ์ความรู้สึกที่รุนแรงและเต็มไปด้วยความตึงเครียดภายใน

ในการแกะสลักของอี. แอนเดอร์สันผู้อาศัยอยู่ในริกา ภูมิทัศน์กลายเป็นสภาพแวดล้อมที่การกระทำอันสง่างามของแรงงานเผยออกมา

ศิลปินบอลติกหลายคนทำหน้าที่เป็นทั้งจิตรกรภูมิทัศน์และผู้แต่งผลงานเฉพาะเรื่องและนี่เป็นเพียงการเสริมสร้างผลงานของพวกเขาเท่านั้น ตัวอย่างเช่น ในงานอเนกประสงค์ของศิลปินชาวเอสโตเนีย E. K. Okas (เกิดปี 1915) เราสามารถพบภาพวาดทิวทัศน์ ภาพบุคคล และสิ่งต่างๆ ที่มีเนื้อหาเฉพาะเรื่อง Okas เกิดที่ทาลลินน์ในครอบครัวชนชั้นแรงงานและศึกษาที่นั่น ครั้งแรกที่ State Art and Industrial School และจากนั้นที่ State Higher School โรงเรียนศิลปะ. ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติเขาทำงานเป็นศิลปินแนวหน้า Okas เป็นทั้งจิตรกรและผู้เชี่ยวชาญด้านภาพประกอบในหนังสือ แต่หากภาพที่เขาสร้างขึ้นสำหรับหน้าหนังสือบางครั้งถูกแยกจากเราหลายทศวรรษหรือหลายศตวรรษ วีรบุรุษของผลงานขาตั้งของเขามักจะอยู่ในความทันสมัย ​​ห่างไกลจากบรรยากาศอันเงียบสงบ ความรู้สึกของความซับซ้อนของโลกสมัยใหม่ที่มีความขัดแย้งทางสังคมที่รุนแรงเช่นแผ่นภาพร่างการเดินทางชุดดัตช์และอิตาลีของ Okas ซึ่งดำเนินการโดยเขาโดยพื้นฐานในเทคนิคการแกะสลักต่างๆ การแกะสลักเหล่านี้ดูระมัดระวังและเป็นความจริงอย่างไร้ความปราณี ฟังดูเหมือนเป็นนักข่าวจริงๆ ศิลปินชาวลิทัวเนีย V. Jurkunas (เกิดปี 1910) ยังทำงานทั้งในหนังสือและกราฟิกขาตั้ง เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนศิลปะเคานาสในปี พ.ศ. 2478 และมีส่วนร่วมในกิจกรรมการสอนอย่างต่อเนื่อง ในภาพแกะสลักของเขา ผู้คนดูมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดเป็นพิเศษ ธรรมชาติพื้นเมือง, ดินแดนบ้านเกิด เหล่านี้คือวีรบุรุษของบทกวีโดย Maironis (1960; ป่วย 21) ซึ่งทำซ้ำโดยเขาเช่นเกษตรกรกลุ่มเล็ก ๆ ที่ได้รับความเห็นอกเห็นใจจากผู้ชมจำนวนมาก - ภาพลักษณ์ของเยาวชนที่เดินไปตามดินแดนที่สวยงามเรียบง่ายอย่างชาญฉลาดและกระปรี้กระเปร่า น่าทึ่งด้วยความรู้สึกสมบูรณ์อันเป็นเอกลักษณ์ ("I'll Be a Milkmaid", 1960) เทคนิค linocut ในแผ่นงานของ V. Jurkunas มีทั้งความกระชับและยืดหยุ่น โดยธรรมชาติแล้วจะสร้างภาพที่สดใสและมองโลกในแง่ดี

ผู้ค้ามนุษย์ในทะเลบอลติกทำงานด้วยความหลงใหลในการถ่ายภาพบุคคล และหากในบรรดาผลงานของศิลปิน RSFSR ที่เรามี นอกเหนือจากการแสดงที่ประสบความสำเร็จอย่างสม่ำเสมอ แต่หายากของ G. S. Vereisky แล้ว มีเพียงภาพแกะสลักที่มีลักษณะเฉพาะของ M. Feigin ในทะเลบอลติค เราจะพอใจกับงานฝีมือที่ละเอียดอ่อนและหลากหลายของจิตรกรภาพบุคคลจำนวนหนึ่ง

ศิลปินชาวเอสโตเนีย E. Einmann (เกิดปี 1913) ประสบความสำเร็จอย่างมากในประเภทนี้ เขาได้รับการศึกษาในโรงเรียนของรัฐ ศิลปะประยุกต์และที่โรงเรียนศิลปะชั้นสูงในทาลลินน์ เส้นทางสร้างสรรค์ของเขาเริ่มต้นในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ ขณะนี้ผลงานของเขามีมายาวนานลักษณะเฉพาะของพรสวรรค์ของเขาก็ปรากฏให้เห็นชัดเจน ทัศนคติของศิลปินต่อโลกภายในของนางแบบของเขานั้นช่างรอบคอบและเอาใจใส่ การเคารพต่อผู้คนเป็นคุณลักษณะเฉพาะของงานของเขา ปรากฏอยู่เสมอไม่ว่าศิลปินจะวาดภาพชาวประมงแก่ๆ หรือเด็กนักเรียนอาชีวศึกษา พยาบาล หรือนักแสดงก็ตาม ในขณะเดียวกัน ประสบการณ์ตรงของผู้เขียนและการประเมินแบบจำลองยังคงอยู่ สิ่งสำคัญคือเรื่องราวที่จำกัดและเป็นกลางเกี่ยวกับเรื่องนี้ การถ่ายภาพบุคคลของ Einmann มีเสน่ห์ด้วยความละเอียดอ่อนของสไตล์กราฟิก ซึ่งแปลกจากเอฟเฟกต์ภายนอก ความละเอียดอ่อนนี้ทำให้ผ้าปูที่นอนของเขาแตกต่างออกไป โดยใช้กราไฟท์หรือดินสออิตาลี สีน้ำ และการพิมพ์หิน

ผลงานภาพบุคคลของศิลปินชาวเอสโตเนีย A. Bach-Liimand ซึ่งเชี่ยวชาญด้านการวาดภาพผู้หญิงและเด็กเป็นพิเศษ ปรากฏอารมณ์และโคลงสั้น ๆ ภาพบุคคลและภาพเหมือนตนเองของศิลปินชาวลิทัวเนีย A. Makunaite ซึ่งทำงานใน linocut เต็มไปด้วยความคิดที่จริงจัง ภาพเหมือนสีชาร์โคลที่สร้างขึ้นโดย F. Pauluk ศิลปินร่างสาวชาวลัตเวียนั้นสื่อความหมายได้ดี

กราฟิกในยูเครนและรัฐบอลติกมีประเพณีมายาวนาน ดังนั้นความสำเร็จจึงเป็นไปตามธรรมชาติหลายประการ แต่แม้กระทั่งในสาธารณรัฐอย่างเช่น คีร์กีซสถานหรือคาซัคสถาน ซึ่งศิลปะภาพพิมพ์ยังเด็กมาก แต่ก็มีความก้าวหน้าอย่างเห็นได้ชัด

ศิลปินกราฟิกชั้นนำในคีร์กีซสถานสำเร็จการศึกษาจากสถาบันการพิมพ์มอสโกซึ่งทำงานในเมือง Frunze มาหลายปีคือ L. Ilyina (เกิดปี 1915) ความยิ่งใหญ่ รูปแบบขนาดใหญ่ ความพูดน้อยเป็นคุณลักษณะเฉพาะของ linocuts ของเธอ ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา Ilyina ซึ่งค่อนข้างจะห่างไกลจากภาพประกอบในหนังสือ ได้ผลิตผลงานขาตั้งหลายชิ้น โดยเฉพาะชุดภาพพิมพ์แกะไม้แนวนอน "Native Lands" (1957) และชุดภาพพิมพ์สีชุดใหญ่ที่อุทิศให้กับผู้หญิงในสาธารณรัฐของเธอ คุณลักษณะของสิ่งใหม่ที่ทำให้ชีวิตของเราแตกต่างอาจสังเกตเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษในชะตากรรมของผู้หญิงที่แสดงโดยศิลปินชาวคีร์กีซสถาน แรงงานไม่ได้ทำให้ผู้หญิงในปัจจุบันเปลี่ยนไป แต่เพียงแต่ให้ความสง่าผ่าเผยและมีความสำคัญต่อท่าทางของพวกเธอเท่านั้น ทัศนคติที่เป็นอิสระและผ่อนคลายทำให้ทั้งเด็กสาวที่ปลูกบีท (พ.ศ. 2499) และผู้แทนจากเทียนซานที่อยู่ห่างไกลต่างแยกแยะ โดยตั้งใจฟังผู้พูด (พ.ศ. 2503) Linocuts โดย L. Ilyina เป็นพลาสติก ปริมาตรถูกแกะสลักอย่างอิสระด้วยลายเส้นที่มีชีวิตชีวาและหยาบและมีจุดสีขนาดใหญ่ ในเวลาเดียวกันการตกแต่งภาพเงาของแผ่นงานจะถูกรักษาไว้เสมอ (ป่วย 22)

ในอาเซอร์ไบจาน ศิลปิน M. Rahman-zade (เกิดปี 1916) กำลังทำงานที่น่าสนใจในสาขาการพิมพ์หินสี โดยวาดภาพแหล่งน้ำมันนอกชายฝั่งในทะเลแคสเปียน เธอรู้วิธีแนะนำลวดลายต่างๆ ที่ดูเหมือนจะคล้ายกันในซีรีส์ของเธอ และในขณะเดียวกัน แต่ละครั้งก็เผยให้เห็นสิ่งใหม่ๆ ในวงการอุตสาหกรรม แผ่นงาน "Overpass" จากผลงานของเธอในปี 1957 โดดเด่นเหนือใครเนื่องจากความกลมกลืนขององค์ประกอบการผสมผสานที่ดังของโทนสีเหลืองสดใสของน้ำและงานฉลุสีดำของโครงสร้าง นี่คือความสำเร็จบางส่วนของช่างแกะสลักและช่างเขียนแบบของพรรครีพับลิกัน

กราฟิกในปัจจุบันแตกต่างอย่างมากจากกราฟิกในทศวรรษหลังสงครามแรก มีอะไรใหม่ที่แตกต่างจากครั้งก่อนปรากฏอยู่ในนั้น? หากความทันสมัยก่อนหน้านี้ถูกบันทึกด้วยลักษณะทั่วไปของบทกวีที่แท้จริงเฉพาะในแต่ละสิ่งเท่านั้น ในปัจจุบัน ลักษณะชีวิตของมันก็กระจัดกระจายอยู่ในงานกราฟิกจำนวนมาก การที่ศิลปินหันมาสนใจความทันสมัยครั้งใหญ่กำลังให้ผลลัพธ์ ความทันสมัยกำลังถูกครอบงำด้วยคุณสมบัติที่ไม่ใช่ภายนอกและลึกซึ้ง ศิลปินกำลังค้นพบโฉมหน้าใหม่ของชาวโซเวียตในประเทศของเรา ในหลาย ๆ ด้าน กราฟิกในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมามีบางอย่างที่เหมือนกันกับการวาดภาพ ศิลปินในศิลปะเหล่านี้มองเห็นเวลาอันโหดร้ายและรวดเร็วและมีโลกทัศน์ที่กระตือรือร้นเป็นพิเศษแทรกซึมอยู่ในผลงานของพวกเขา และความอยากในสิ่งใหม่ๆ ที่ยังไม่ได้ลอง รูปแบบศิลปะก็กลายเป็นเรื่องธรรมดาสำหรับพวกเขาเช่นกัน ในด้านกราฟิก ทั้งหมดนี้เกี่ยวข้องกับการพิมพ์เป็นหลัก การเพิ่มขึ้นของมันเริ่มขึ้นในช่วงกลางทศวรรษ 1950 และตอนนี้เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับความรุ่งเรืองที่แท้จริงของมันได้ ความเจริญรุ่งเรืองนี้เกี่ยวข้องหลักกับการหลั่งไหลของพลังรุ่นใหม่เข้ามาในการแกะสลักขาตั้ง แต่ศิลปินที่มีประสบการณ์อยู่แล้วก็มีส่วนช่วยเขาเช่นกัน ตัวอย่างเช่นในภูมิประเทศของ A. Vedernikov เลนินกราดซึ่งมีประเพณีการพรรณนามากมายปรากฏขึ้นโดยไม่คาดคิดในรูปลักษณ์ใหม่ซึ่งเปล่งประกายด้วยสีสันที่บริสุทธิ์ซึ่งดูเหมือนว่าจะปรากฏเป็นครั้งแรก เทคนิคการพิมพ์หินสีของ Vedernikov ไม่ได้เลียนแบบการวาดด้วยดินสอสีหรือรายละเอียด จิตรกรรมสีน้ำ. ศิลปินดำเนินการด้วยรูปแบบทั่วไป ผสมผสานตัวหนาของโทนสีบริสุทธิ์หลายโทน การค้นหาการตกแต่งในการพิมพ์หินด้วยสีเป็นหนึ่งในหลายสิ่งที่เป็นลักษณะเฉพาะของงานภาพพิมพ์ในปัจจุบัน

ในบรรดาความสำเร็จของงานภาพพิมพ์ เราได้รวมงานแกะสลักไม้ของ F. D. Konstantinov เกี่ยวกับแรงงานในชนบท และโดยเฉพาะอย่างยิ่งเอกสารภูมิทัศน์ของเขา "Spring on the Collective Farm" (1957; ill. 23) และภูมิทัศน์ของศิลปินชาวอาร์เมเนีย M. M. Abegyan - "The Rocky Shore ของ Zangi”, "In the Bjni Mountains" (1959) และผลงานอื่นๆ อีกมากมายโดยศิลปินรุ่นพี่และรุ่นกลาง

แต่สิ่งใหม่ที่ทำให้งานพิมพ์สมัยใหม่แตกต่างออกไปนั้นรู้สึกได้ชัดเจนเป็นพิเศษในเรื่องของคนหนุ่มสาว I. Golitsyn, A. Ushin, G. Zakharov, Y. Manukhin, I. รีเซ็ต, L. Tukachev, K. Nazarov, V. Popkov, D. Nodia, I. Nekrasov, V. Volkov - กาแล็กซีทั้งหมดของคนหนุ่มสาว ซึ่งแสดงผลงานได้อย่างยอดเยี่ยมในการพิมพ์ เราเห็นทิวทัศน์ชานเมืองธรรมดาๆ ใน "Seeing Off Suite" โดย A. Ushin (เกิดปี 1927) นักเรียนของ Leningrad Art and Pedagogical School (ป่วย 24 ปี) ในหน้าต่างๆ ไม่มีเหตุการณ์ใดเกิดขึ้น มีเพียงรถไฟฟ้าเท่านั้นที่วิ่งไปอย่างเงียบๆ และในขณะเดียวกันก็มีหลายอย่างเกิดขึ้นที่นี่ - โครงเหล็กที่รองรับสายไฟลุกขึ้น มัดแสงจากหน้าต่างรถไฟฉีกผ่านความมืดมิดยามค่ำคืนสีขาว ฟ้าแลบของฝนพาดผ่าน และเมฆก็กองรวมกันเป็นกองพราวบนท้องฟ้าสีดำ - ชีวิตดำเนินไป มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว มีชีวิตชีวา รู้สึกได้ถึงความกระตือรือร้นอย่างยิ่ง ในสภาวะที่กระฉับกระเฉงและเข้มข้นที่สุด การรับรู้ชีวิตอย่างกระตือรือร้นและเฉียบแหลมในการเปลี่ยนแปลงอย่างต่อเนื่องนี้เองที่ทำให้ผลงานหลายชิ้นของคนหนุ่มสาวแตกต่าง มันรวมผลงานของพวกเขาเข้าด้วยกัน แต่นอกจากนี้ คนหนุ่มสาวยังมีความเป็นปัจเจกบุคคลในด้านความคิดสร้างสรรค์อีกด้วย ศิลปินที่ได้รับการเสนอชื่อแต่ละคนมีหน้าตาในงานศิลปะอยู่แล้ว มีวิจารณญาณเกี่ยวกับชีวิต มีความเข้าใจในภาษาแกะสลักของตัวเอง

ภูมิทัศน์ที่กว้างขวางและฉากโคลงสั้น ๆ ของ G. Zakharov พร้อมจังหวะที่เน้นของจังหวะและจุดขาวดำขนาดใหญ่ฟังดูมีเอกลักษณ์ นวนิยายภูมิทัศน์ที่น่าขันและน่าขันเล็กน้อยของ I. Golitsyn มีรายละเอียดโดยที่บ้านแต่ละหลังเป็นเรื่องราวทั้งหมดเกี่ยวกับชีวิตของเมืองใหญ่และทางแยกถนนเผยให้เราทราบในทันทีและค่อนข้างมองโลกในแง่ร้ายซึ่งเป็นม้วนหนังสือชีวิตประจำวันของมนุษย์ . เทคนิคการแกะสลักเงินแบบยืดหยุ่นของ Golitsyn ได้รับอิทธิพลอย่างมากจาก Favoursky ความละเอียดอ่อนของการแกะสลักไม้ ความสมบูรณ์ของโทนสี ซึ่งยอมจำนนต่อ Favorite ดูเหมือนจะขยายขอบเขตของ Golitsyn ศิลปินที่มีเทคนิค linocut ที่ใหญ่กว่าและเป็นผู้ชายมากกว่า (ป่วย 25 ปี)

ความรุนแรงเล็กน้อย สำคัญ และในลักษณะที่ธรรมดาที่สุด ชีวิตจะไหล 24. A. A. ที่ยาง ฝน. ปี 1960 เมืองใหญ่ที่แกะสลักโดย Leningrader V. Volkov ปราศจากความเร่งรีบและวุ่นวายของสิ่งเล็กๆ น้อยๆ ผ้าปูที่นอนของเขาสร้างความเป็นจริงที่ยิ่งใหญ่ ราวกับเผยให้เห็นจังหวะที่กล้าหาญและสง่างามในการไหลเวียนของชีวิตประจำวัน และศิลปินก็แสดงผู้คนในแง่มุมหนึ่งแต่สำคัญ - คนเหล่านี้เป็นคนเคร่งครัดและเงียบขรึมในการใช้แรงงาน

ศิลปินชาวจอร์เจีย D. Nodia มองเห็นภูมิทัศน์อุตสาหกรรมและฉากการทำงานอย่างแข็งขันและมีชีวิตชีวา โลกที่โปร่งใสของวัยเยาว์ การผสมผสานที่ยอดเยี่ยมของความชัดเจนของจิตวิญญาณแบบเด็ก ๆ และความละเอียดอ่อนของการเคลื่อนไหวทางจิตของผู้ใหญ่ ถูกเปิดเผยโดย Ya. Manukhin ในภาพเปราะบางของ "Blade of Grass" ยอดนิยมของเขา

ศิลปินคนเดียวกันในการแกะสลักที่อุทิศให้กับการต่อสู้เพื่อสันติภาพได้บรรลุการแสดงออกพิเศษของภาพที่รวบรวมความโกรธและความเจ็บปวดของฮิโรชิมา ในเวลาเดียวกัน Manukhin ได้เรียนรู้มากมายจากความใกล้ชิดของแผ่นขาตั้งไปจนถึงศิลปะโปสเตอร์ (ป่วย 26)

V. Popkov (ป่วยอายุ 27 ปี) ซึ่งพูดอย่างน่าสนใจในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาในฐานะจิตรกรพูดในรายละเอียดและด้วยความกระตือรือร้นเกี่ยวกับงานของคนงานขนส่งในชุดงานแกะสลักและงาน gouache ในผลงานทั้งหมดนี้ ศิลปินรุ่นเยาว์ได้เผยให้เห็นแง่มุมต่างๆ ของความทันสมัยของเรา ซึ่งเห็นได้ในแบบของตัวเองและสดใหม่มาก

แน่นอนว่าไม่ใช่ทุกอย่างในการพิมพ์จะประสบความสำเร็จในตอนนี้ พบงานเขียนและภาพประกอบในชีวิตประจำวันเล็กๆ น้อยๆ ได้ที่นี่ เรามักจะพบสิ่งเหล่านี้ในซีรีส์เกี่ยวกับแรงงาน เช่นเดียวกับระเบียบปฏิบัติที่น่าเบื่อในภูมิทัศน์ทางอุตสาหกรรม นอกจากนี้ยังมีสิ่งต่าง ๆ ที่ความหมายทั้งหมดหมดไปด้วยการตกแต่งภายนอก ในทางกลับกัน สิ่งใหม่ ๆ ที่ถูกค้นพบในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาในด้านภาพพิมพ์ก็เกิดในการวาดภาพเช่นกัน แม้ว่ากลุ่มคนหนุ่มสาวที่มีอำนาจเช่นนี้จะไม่ปรากฏที่นี่ก็ตาม สิ่งบ่งชี้ในเรื่องนี้คือเส้นทางสร้างสรรค์ของ V. E. Tsigal (เกิดปี 1916) มันเริ่มในช่วงแรก ปีหลังสงครามชุดภาพวาดด้วยหมึกและสีน้ำซึ่งแสดงชีวิตและผลงานของชาวโซเวียตอย่างแท้จริงและมักจะเป็นบทกวีและอบอุ่น แต่ก็ยังไม่มีการค้นพบทางศิลปะที่ยอดเยี่ยม Tsigal ถูกขัดขวางส่วนหนึ่งจากกิจกรรมที่มากเกินไปของเขา ความปรารถนาของเขาที่จะปกปิดปรากฏการณ์ชีวิตที่หลากหลายด้วยงานศิลปะของเขามากเกินไป Tsigal ทำงานได้อย่างรวดเร็ว แผ่นงานชุดใหญ่ของเขาปรากฏในนิทรรศการสำคัญเกือบทั้งหมด แต่ความเข้มข้นเชิงสร้างสรรค์ที่แท้จริงมาถึงเขาเมื่อเริ่มเดินทางและศึกษาชีวิตของชาวนาในหมู่บ้านบนภูเขาของดาเกสถานเขาเริ่มหลงใหลในหัวข้อเดียวนี้มาเป็นเวลานานซึ่งแน่นอนว่าคุ้มค่ามากสำหรับ ศิลปิน. นี่คือลักษณะที่ซีรีส์ของเขา "Dagestan" (พ.ศ. 2502 - 2504) ปรากฏขึ้นซึ่งเป็นก้าวสำคัญสำหรับ Tsigal ในวัฏจักรนี้ มีเสน่ห์ที่ไม่สูญหายของความแปลกใหม่ของชีวิตนักปีนเขาที่เปิดเผยต่อศิลปิน และคุณลักษณะบางอย่างที่ซ่อนอยู่ในชีวิตประจำวันซึ่งสังเกตได้จากการมองอย่างเป็นมิตร และความรู้สึกที่แปลกประหลาดของความกลมกลืนระหว่างมนุษย์กับธรรมชาติ หน้าของมันถูกสร้างขึ้นจากการเปรียบเทียบลวดลายทั่วไปในดาเกสถานอย่างละเอียด แต่ทันใดนั้นก็เปิดเผยให้เราทราบอย่างชัดเจนถึงวิถีชีวิตเฉพาะและความสัมพันธ์ระหว่างผู้คนชั่วนิรันดร์และในขณะเดียวกันก็ค่อนข้างทันสมัยอย่างเข้าใจยาก (ป่วย 28)

ในกราฟิกขาตั้งที่เพิ่มขึ้นในปัจจุบัน ศิลปะสีน้ำที่ซับซ้อน/ละเอียดอ่อนก็เข้ามาแทนที่เช่นกัน ในสีน้ำ คุณจำเป็นต้องมีตาขวาและมือที่รวดเร็วและแม่นยำเป็นพิเศษ ทำให้การปรับเปลี่ยนแทบจะเป็นไปไม่ได้เลย และการเคลื่อนไหวของแปรงด้วยสีและน้ำก็เป็นเรื่องง่ายอย่างหลอกลวง และต้องมีวินัยที่เข้มงวดจากศิลปิน แต่ความเป็นไปได้ด้านสีสันของสีน้ำนั้นมีมากมาย และความโปร่งแสงของกระดาษภายใต้ชั้นสีโปร่งใสทำให้ได้ความสว่างและความสง่างามที่เป็นเอกลักษณ์ “สีน้ำเป็นภาพวาดที่แอบอยากจะเป็นภาพกราฟิก สีน้ำเป็นภาพกราฟิกที่กลายเป็นภาพวาดอย่างสุภาพและประณีต สร้างความสำเร็จไม่ใช่บนกระดาษฆ่าตาย แต่บนการเปิดเผยที่แปลกประหลาดของพื้นผิวที่ยืดหยุ่นและไม่มั่นคง” หนึ่งในนั้น เคยเขียนผู้เชี่ยวชาญที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในด้านกราฟิกของโซเวียต A. A. Sidorov ผู้เชี่ยวชาญด้านสีน้ำในปัจจุบันเช่นเดียวกับในช่วงทศวรรษที่ 1930 ส่วนใหญ่เป็นจิตรกรทิวทัศน์ ผลงานของ S. Boym, N. Volkov, G. Khrapak, S. Semenov, V. Alfeevsky, D. Genin, A. Mogilevsky และคนอื่น ๆ อีกมากมายแสดงให้เห็นถึงชีวิตของเมืองสมัยใหม่ ธรรมชาติในความมีชีวิตชีวาของสีสันใน ความหลากหลายที่สวยงามของมัน และการอธิบายแบบเฉยเมยพบว่าบ้านของมันน้อยลงในภูมิประเทศ

นี่คือคุณลักษณะบางประการของกราฟิกโซเวียตสมัยใหม่ อย่างไรก็ตาม รูปภาพของมันซับซ้อนและสมบูรณ์มากจนสมควรได้รับคำอธิบายแยกต่างหาก เป้าหมายของเราคือเพียงเพื่อทำความคุ้นเคยกับผลงานของปรมาจารย์ด้านกราฟิกขาตั้งที่มีชื่อเสียงที่สุดและช่วงเวลาหนึ่งของประวัติศาสตร์

ศิลปิน Yu. I. Pimenov ซึ่งมีการกล่าวถึงภาพวาดข้างต้นเขียนว่า:“ เส้นทางของศิลปินคือเส้นทางแห่งความลุ่มหลงกับชีวิตและ เต็มไปด้วยความผิดหวังและความล้มเหลวคือหนทางแห่งการแสดงออก แต่ในทุกสิ่งที่จริงใจเมล็ดพืชอนุภาคขนาดเล็กของสิ่งที่ต้องการปรากฏขึ้นนี่คือสิ่งที่พบเสียงสะท้อนที่ไหนสักแห่งคลื่นแห่งความรู้สึกนี้เป็นที่ยอมรับและเบ่งบาน" เพื่อประโยชน์ของ "เมล็ดพืชแห่งความปรารถนา" นี้เพื่อ เห็นแก่คลื่นแห่งความรู้สึกซึ่งจำเป็นอย่างยิ่งสำหรับศิลปิน การทำงานหนักและสนุกสนานทั้งหมดของเขา

กราฟิกถือเป็นศิลปะประเภทหนึ่ง

คำว่า "กราฟิก" มาจากคำภาษากรีก "grapho" - ฉันเขียน ลักษณะการมองเห็นหลักของกราฟิก ได้แก่ เส้น เส้นขีด จุด และจุด สีหลักคือสีดำ แม้ว่าสีอื่นจะสามารถใช้เป็นสีเสริมได้ก็ตาม

เอ็ม. วูเบล. ภาพประกอบโศกนาฏกรรมของ A.S. พุชกิน "โมสาร์ทและซาลิเอรี"
พื้นหลังของกระดาษในกราฟิกมีบทบาทเป็นพื้นที่ ซึ่งเป็นสิ่งสำคัญสำหรับการออกแบบกราฟิก
กราฟิก แม้ว่าภาษาจะเบาบางกว่าการวาดภาพ แต่ก็โดดเด่นด้วยความเป็นไปได้ที่มากขึ้นในการวาดภาพและถ่ายทอดอารมณ์ เราต้องจำภาพวาดของศิลปินหนุ่ม Nadya Rusheva เท่านั้น พวกเขาหลงใหลในความเบา ความแม่นยำ และความลึกของภาพ คุณสามารถอ่านเกี่ยวกับศิลปินคนนี้

N. Rusheva "พุชกินและพุชชิน"
ศิลปินชื่อดังหลายคนใช้ความเป็นไปได้ของกราฟิก: Bilibin, Bruegel, Van Gogh, Watteau, Vrubel, Goya, Quarenga, Leonardo da Vinci, Alphonse Mucha, Rembrandt, Titian, Somov, Hokusai เป็นต้น

F. Tolstoy “ Under the Play of Cupid” กระดาษสี, ดินสอ, ซีเปีย, ปูนขาว

ประเภทของกราฟิกโดยพื้นฐานแล้วจะเหมือนกับประเภทของการวาดภาพ แต่ที่นี่ประเภทภาพบุคคลและภูมิทัศน์เป็นเรื่องธรรมดามากกว่า และประเภทประวัติศาสตร์ ในชีวิตประจำวัน และประเภทอื่นๆ ในระดับที่น้อยกว่า

M. Demidov “ ภาพเหมือนของ S. Rachmaninov”

V. Favorites “Mikhail Kutuzov” (1945) จากซีรีส์ "ผู้บัญชาการรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่"

V. Favorites “นักเรียน Pushkin the Lyceum” (1935)

ภูมิทัศน์ในการวาดภาพกราฟิกไม่ได้ "เล่น" กับสีสัน แต่สร้างความประหลาดใจด้วยความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนและกระตุ้นจินตนาการ

S. Nikireev “ดอกแดนดิไลอัน”

ผลงานกราฟิกโดยศิลปินชื่อดังระดับโลก

ศิลปะภาพพิมพ์มีความหลากหลายและดึงดูดศิลปินที่มีความสามารถในการถ่ายทอดความรู้สึกและความคิดโดยใช้เพียงดินสอหรือปากกาสักหลาด ความเป็นไปได้นี้ไม่เพียงสร้างความประทับใจให้กับศิลปินกราฟิกที่สร้างงานศิลปะ แต่ยังรวมถึงผู้ชมด้วย

A. Durer “ภาพเหมือนตนเอง” (1500) อัลเต้ ปินาโคเทค (มิวนิค)
ศิลปินชาวยุโรปที่ใหญ่ที่สุด อัลเบรชท์ ดูเรอร์(ค.ศ. 1471-1528) ทิ้งมรดกทางภาพวาดไว้มากมาย - ประมาณหนึ่งพันภาพ: ทิวทัศน์ ภาพบุคคล ภาพร่างคน สัตว์ และพืช ศิลปินคนนี้เปิดเผยตัวเองอย่างเต็มที่ที่สุดในการวาดภาพกราฟิกเพราะว่า ในภาพวาดของเขาเขาไม่ได้เป็นอิสระจากความเด็ดขาดของลูกค้าเสมอไป
Dürer ฝึกฝนการจัดเตรียม การวางนัยทั่วไป และการก่อสร้างพื้นที่อย่างต่อเนื่อง ภาพวาดสัตว์และพฤกษศาสตร์ของเขาโดดเด่นด้วยทักษะและการสังเกตระดับสูง ภาพวาดส่วนใหญ่ของเขาถูกสร้างขึ้นมาอย่างพิถีพิถัน ในงานแกะสลักและภาพวาดของเขา เขาทำซ้ำลวดลายของงานกราฟิกซ้ำแล้วซ้ำอีก

A. Durer “มือแห่งคำอธิษฐาน” (ประมาณปี 1508)

คัตสึชิกะ โฮคุไซ "ภาพเหมือนตนเอง"
คัตสึชิกะ โฮคุไซ(พ.ศ. 2303-2392) - ศิลปินชาวญี่ปุ่นผู้ยิ่งใหญ่แห่ง ukiyo-e (ภาพของโลกที่เปลี่ยนแปลง) นักวาดภาพประกอบช่างแกะสลัก เขาเป็นผู้เขียนภาพวาดและงานแกะสลักกราฟิกมากมาย

คัตสึชิกะ โฮคุไซ "คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า" (ค.ศ. 1823-1831)

วลาดิมีร์ อันดรีวิช ฟาวสกี้(พ.ศ. 2429-2507) - ศิลปินกราฟิกชาวรัสเซียและโซเวียต ผู้เชี่ยวชาญด้านภาพบุคคล ภาพแกะสลักและกราฟิกหนังสือ นักประวัติศาสตร์ศิลปะ นักออกแบบฉาก นักจิตรกรรมฝาผนัง ครูและนักทฤษฎีวิจิตรศิลป์ ศาสตราจารย์

เป็นที่รู้จักจากผลงานกราฟิกและการแกะสลักตลอดจนภาพประกอบสำหรับผลงานของ A.S. พุชกิน, ถึง "The Tale of Igor's Campaign", การแปลของ Marshak, เรื่องราวของ Prishvin และ Tolstoy เป็นต้น
ในวิสัยทัศน์พลาสติกของเขา Favorsky มีความใกล้ชิดกับนักโมเสกไบเซนไทน์ Michelangelo, Vrubel

วี. ฟาวสกี้. ภาพประกอบเรื่อง “Little Tragedies” โดย A.S. พุชกิน
เลโอนาร์โด ดา วินชี(1452-1519) “มนุษย์สากล”: ศิลปินและนักวิทยาศาสตร์ชาวอิตาลี นักประดิษฐ์ นักเขียน นักดนตรี หนึ่งในตัวแทนงานศิลปะที่ใหญ่ที่สุด ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง.

ถูกกล่าวหาว่าเป็นภาพเหมือนตนเองของเลโอนาร์โด ดา วินชี
ศิลปินบันทึกผลการสังเกตโลกรอบตัวเขาอย่างต่อเนื่องเป็นภาพร่างและภาพร่างที่ดำเนินการ เทคนิคต่างๆ(ดินสออิตาลี ดินสอเงิน ร่าเริง ปากกา ฯลฯ) มีความเฉียบคมในการถ่ายทอดการแสดงออกทางสีหน้า ลักษณะทางกายภาพ และการเคลื่อนไหวของร่างกายมนุษย์ ทำให้ทุกสิ่งกลมกลืนกับบรรยากาศทางจิตวิญญาณขององค์ประกอบของเขาอย่างสมบูรณ์แบบ

เลโอนาร์โด ดา วินชี. ร่างศีรษะของเด็กสาว (หัวของนางฟ้าสำหรับภาพวาด "Madonna of the Rocks")

เลโอนาร์โด ดาวินชี "วิทรูเวียนแมน" (1490) แกลเลอรี Academy of Venice (อิตาลี)
ภาพวาดนี้สร้างขึ้นเพื่อกำหนดสัดส่วนของร่างกายมนุษย์ (ชาย) ดังที่อธิบายไว้ในบทความของ Vitruvius สถาปนิกชาวโรมันโบราณเรื่อง “On Architecture”
วิทรูเวียนแมน– ร่างของชายเปลือยในสองท่าซ้อนทับ: โดยกางแขนและขาออกไปด้านข้าง จารึกเป็นวงกลม โดยแยกแขนออกและเอาขามาประกบกัน จารึกไว้ในสี่เหลี่ยมจัตุรัส ภาพวาดและคำอธิบายบางครั้งเรียกว่า "สัดส่วนตามรูปแบบบัญญัติ"
วาดภาพด้วยปากกา หมึก และสีน้ำ โดยใช้ดินสอโลหะ ขนาดของภาพวาดคือ 34.3 × 24.5 เซนติเมตร
ภาพวาดเป็นทั้งงานศิลปะและวิทยาศาสตร์ และเป็นตัวอย่างความสนใจของเลโอนาร์โดตามสัดส่วน

การ์ตูนล้อเลียน

ประเภทกราฟิกที่เฉพาะเจาะจงคือภาพล้อเลียน (ภาพวาดเสียดสี การ์ตูน)
ภาพล้อเลียนเป็นหนึ่งในการวาดภาพประเภทที่เก่าแก่ที่สุด มันสะท้อนให้เห็นถึงปัญหาของสังคมและตั้งแต่สมัยโบราณทำหน้าที่เป็นวิธีการยืนยันตนเองเหนือผู้กระทำความผิด นี่คือวิธีที่พวกเขาเยาะเย้ยศัตรูของพวกเขา นี่คือวิธีที่ผู้คนเยาะเย้ยผู้ปกครองหรือทาสของพวกเขา โดยปกติแล้วจะเป็นภาพวาดที่มีการบิดเบือนลักษณะของผู้กระทำผิดอย่างร้ายแรงหรือมีการเพิ่มเขา หาง ฯลฯ ต้นกำเนิดของภาพล้อเลียนในรัสเซียเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 17 จากภาพพิมพ์ยอดนิยมของชาวบ้าน
ภาพล้อเลียนในรูปแบบเสียดสีหรือตลกขบขัน และปัจจุบันแสดงถึงปรากฏการณ์ทางสังคม สังคม การเมือง ในชีวิตประจำวัน ใบหน้าที่แท้จริงหรือลักษณะของคนประเภทต่างๆ
การ์ตูนล้อเลียนสมัยใหม่เป็นภาพวาดเสียดสีหรือตลกขบขันซึ่งเป็นเกร็ดเล็กเกร็ดน้อย พวกเขาแยกแยะระหว่างการเมือง สังคม ชีวิตประจำวัน ฯลฯ ตามธีม ประเภทของการ์ตูนล้อเลียนกำลังพัฒนาไปทั่วโลก

ระบบทุนนิยมในสายตาของ Herluf Bidstrup นักเขียนการ์ตูนชาวเดนมาร์ก ((1912-1988)
นักเขียนการ์ตูนชื่อดังในประเทศ: Cheremnykh, Rotov, Semyonov, Brodaty, Denis, Kukryniksy, Efimov

คูครีนิคซี (จากซ้ายไปขวา: ปอร์ฟิรี ครีลอฟ, มิคาอิล คูปรียานอฟ, นิโคไล โซโคลอฟ)

ภาพล้อเลียนของ Kukryniksy
การ์ตูน(ค่าธรรมเนียมฝรั่งเศส) – ประเภทการ์ตูนล้อเลียน; ภาพเสียดสีหรืออารมณ์ขันที่มีนิสัยดี (โดยปกติจะเป็นภาพบุคคล) ซึ่งมีการสังเกตความคล้ายคลึงภายนอก แต่เน้นคุณลักษณะที่เป็นลักษณะเฉพาะที่สุดของแบบจำลอง การ์ตูนล้อเลียนสามารถพรรณนาถึงคน สัตว์ และวัตถุต่างๆ การ์ตูนไม่ได้ล้อเลียนข้อบกพร่องของฮีโร่ต่างจากการ์ตูนล้อเลียน มีนิสัยดี ทำให้ผู้คนยิ้มได้ แต่ไม่หัวเราะกับข้อบกพร่องที่ปรากฎ

ภาพล้อเลียนของ Maxim Galkin
การ์ตูนล้อเลียนอีกประเภทหนึ่งคือพิสดาร
พิสดาร(พิสดารฝรั่งเศสแท้จริง - "แปลกประหลาด", "ตลก" - กิจกรรมทางศิลปะประเภทหนึ่งที่สรุปอย่างตลกขบขันหรือน่าเศร้าและทำให้แผนการชีวิตคมชัดขึ้นผ่านการผสมผสานระหว่างของจริงและความมหัศจรรย์ นอกจากนี้ Grotesque ยังมีอยู่ในงานศิลปะประเภทอื่น ๆ : วรรณกรรม , จิตรกรรม, ดนตรี อันที่จริงแล้วความพิสดารนั้นมีอยู่ในความคิดทางศิลปะบางอย่างมันเป็นของขวัญชนิดหนึ่ง Aristophanes, F. Rabelais, E. T. A. Hoffman, N. V. Gogol, M. Twain, F. Kafka, M. A. Bulgakov, M. E. Saltykov-Shchedrin เขียนในประเภทพิสดารแต่ในบทความนี้เราจะพิจารณาเฉพาะความแปลกประหลาดในงานศิลปะเท่านั้น

โคลงสั้น ๆ พิสดาร

) ในผลงานที่แสดงออกและกว้างขวางของเธอสามารถรักษาความโปร่งใสของหมอก ความเบาของใบเรือ และการโยกตัวของเรือที่ราบรื่นบนคลื่น

ภาพวาดของเธอสร้างความประหลาดใจด้วยความลึก ปริมาณ ความสมบูรณ์ และพื้นผิวที่ไม่อาจละสายตาจากภาพวาดเหล่านั้นได้

ความเรียบง่ายอันอบอุ่นของ Valentin Gubarev

ศิลปิน Primitivist จากมินสค์ วาเลนติน กูบาเรฟไม่ไล่ตามชื่อเสียงแต่ทำในสิ่งที่เขารัก งานของเขาได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อในต่างประเทศ แต่เพื่อนร่วมชาติแทบไม่รู้จัก ในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 ชาวฝรั่งเศสตกหลุมรักภาพร่างในชีวิตประจำวันของเขาและเซ็นสัญญากับศิลปินเป็นเวลา 16 ปี ภาพวาดซึ่งดูเหมือนว่าควรจะเข้าใจได้สำหรับเราเท่านั้นผู้ถือ "เสน่ห์อันเรียบง่ายของลัทธิสังคมนิยมที่ยังไม่พัฒนา" ดึงดูดสาธารณชนชาวยุโรปและนิทรรศการเริ่มขึ้นในสวิตเซอร์แลนด์ เยอรมนี บริเตนใหญ่ และประเทศอื่น ๆ

ความสมจริงทางความรู้สึกของ Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov อายุ 41 ปี เขาอาศัยอยู่ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและทำงานในประเพณีที่ดีที่สุดของโรงเรียนการวาดภาพเหมือนจริงของรัสเซียคลาสสิก วีรสตรีของผืนผ้าใบของเขาคือผู้หญิงที่อ่อนโยนและไม่มีที่พึ่งในสภาพเปลือยเปล่าครึ่งหนึ่ง ภาพวาดที่โด่งดังที่สุดหลายภาพพรรณนาถึงรำพึงของศิลปินและภรรยา Natalya

โลกสายตาสั้นของฟิลิป บาร์โลว์

ในยุคสมัยใหม่ของภาพที่มีความละเอียดสูงและการเพิ่มขึ้นของไฮเปอร์เรียลลิสม์ ผลงานของ Philip Barlow ดึงดูดความสนใจได้ทันที อย่างไรก็ตามผู้ชมต้องใช้ความพยายามบางอย่างเพื่อบังคับตัวเองให้มองภาพเงาและจุดสว่างที่พร่ามัวบนผืนผ้าใบของผู้เขียน นี่อาจเป็นวิธีที่ผู้คนที่เป็นโรคสายตาสั้นมองโลกโดยไม่สวมแว่นตาและคอนแทคเลนส์

กระต่ายสดใส โดย Laurent Parselier

จิตรกรรมโดย Laurent Parcelier คือ โลกที่น่าตื่นตาตื่นใจซึ่งไม่มีทั้งความโศกเศร้าและความท้อแท้ คุณจะไม่พบภาพที่มืดมนและมีฝนตกจากเขา ผืนผ้าใบของเขาประกอบด้วยแสง อากาศ และสีสดใสมากมาย ซึ่งศิลปินนำไปใช้กับลายเส้นที่มีลักษณะเฉพาะและเป็นที่จดจำได้ ทำให้เกิดความรู้สึกว่าภาพเขียนถูกถักทอจากแสงตะวันนับพัน

พลวัตของเมืองในผลงานของ Jeremy Mann

ศิลปินชาวอเมริกัน Jeremy Mann วาดภาพบุคคลที่มีชีวิตชีวาของมหานครสมัยใหม่ด้วยสีน้ำมันบนแผ่นไม้ “รูปทรงนามธรรม เส้น คอนทราสต์ของแสงและจุดมืด ล้วนสร้างภาพที่กระตุ้นให้เกิดความรู้สึกที่บุคคลหนึ่งประสบท่ามกลางฝูงชนและความวุ่นวายในเมือง แต่ยังสามารถถ่ายทอดความสงบที่พบได้เมื่อใคร่ครวญความงามอันเงียบสงบ” ศิลปินกล่าว

โลกมายาของนีล ไซมอน

ในภาพวาดของศิลปินชาวอังกฤษ Neil Simone ไม่มีอะไรเหมือนที่เห็นเมื่อมองแวบแรก “สำหรับฉัน โลกรอบตัวฉันเต็มไปด้วยรูปทรง เงา และขอบเขตที่เปราะบางและเปลี่ยนแปลงอยู่ตลอดเวลา” ไซมอนกล่าว และในภาพวาดของเขาทุกอย่างเป็นภาพลวงตาและเชื่อมโยงถึงกันอย่างแท้จริง ขอบเขตถูกเบลอ และเรื่องราวก็ไหลเข้าหากัน

ละครรักโดย Joseph Lorasso

Joseph Lorusso ศิลปินชาวอเมริกันร่วมสมัยชาวอิตาลีโดยกำเนิดได้ถ่ายทอดลงบนผืนผ้าใบที่เขาสังเกตเห็นในชีวิตประจำวันของผู้คนทั่วไป การกอดและจูบ การแสดงอารมณ์ที่เร่าร้อน ช่วงเวลาแห่งความอ่อนโยนและความปรารถนาเติมเต็มภาพทางอารมณ์ของเขา

ชีวิตในชนบทของมิทรีเลวิน

Dmitry Levin เป็นปรมาจารย์ด้านภูมิทัศน์ของรัสเซียที่ได้รับการยอมรับซึ่งได้สร้างชื่อเสียงให้กับตัวเองในฐานะตัวแทนที่มีความสามารถของโรงเรียนสมจริงของรัสเซีย แหล่งที่มาที่สำคัญที่สุดของงานศิลปะของเขาคือความผูกพันกับธรรมชาติ ซึ่งเขารักอย่างอ่อนโยนและหลงใหล และรู้สึกว่าตัวเองเป็นส่วนหนึ่ง

ไบรท์อีสต์ โดย Valery Blokhin

ในโลกตะวันออกทุกอย่างแตกต่าง: สีต่างกัน, อากาศต่างกัน, คุณค่าชีวิตที่แตกต่างกันและความเป็นจริงนั้นยอดเยี่ยมยิ่งกว่านิยาย - นี่คือสิ่งที่ศิลปินสมัยใหม่ Valery Blokhin เชื่อ ในการวาดภาพ Valery ชอบสีมากที่สุด งานของเขาคือการทดลองอยู่เสมอ เขาไม่ได้เริ่มต้นจากรูปร่างเหมือนศิลปินส่วนใหญ่ แต่มาจากจุดที่มีสีสัน Blokhin มีเทคนิคพิเศษของตัวเอง ขั้นแรกเขาใช้จุดนามธรรมบนผืนผ้าใบ จากนั้นจึงทำให้ความเป็นจริงสมบูรณ์

ด้านล่างนี้เราจะนำเสนอศิลปินที่มีชื่อเสียงไปทั่วโลกด้วยความสามารถในการวาดด้วยดินสอชนวนธรรมดา แต่ละคนมีสไตล์ บุคลิกภาพ และธีมที่ชื่นชอบในการสร้างสรรค์เป็นของตัวเอง นอกจากนี้ชื่อของผู้แต่งแต่ละคนยังเป็นลิงก์ไปยังแกลเลอรีออนไลน์ส่วนตัวของศิลปินซึ่งคุณสามารถศึกษาภาพวาดดินสอและชีวประวัติของแต่ละคนโดยละเอียดยิ่งขึ้น
เมื่อคุณดูภาพ คุณจะสังเกตเห็นคุณลักษณะที่น่าสนใจในภาพวาดของทุกคน บางส่วนโดดเด่นด้วยเส้นที่นุ่มนวล การเปลี่ยนแสงและเงาอย่างราบรื่น และรูปทรงที่เพรียวบาง ในทางกลับกัน คนอื่นๆ ใช้เส้นที่แข็งและลายเส้นที่ชัดเจนในความคิดสร้างสรรค์ ซึ่งสร้างเอฟเฟกต์ที่น่าทึ่ง
ก่อนหน้านี้เราได้เผยแพร่รูปภาพของปรมาจารย์บางคนบนเว็บไซต์ของเราแล้ว นี่คือรายการบทความที่คุณสามารถดูภาพวาดดินสอที่น่าดึงดูดไม่แพ้กัน

• อัลบั้มภาพประกอบอันน่าทึ่งจาก Mattias Adolfsson;

เจดี ฮิลเบอร์รี่

ความสามารถตามธรรมชาติและความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะดึงดูดความสนใจให้กับงานของเขาปรากฏใน JD Hillberry เมื่อยังเป็นเด็ก ความปรารถนาและความสามารถทำให้ปรมาจารย์เป็นหนึ่งในศิลปินวาดดินสอที่เก่งที่สุดในโลก ขณะที่ยังศึกษาอยู่ที่ไวโอมิง เขาเริ่มพัฒนาเทคนิคของตัวเอง โดยการผสมถ่านและกราไฟต์เพื่อให้ได้เอฟเฟกต์ภาพถ่ายที่สมจริงในภาพวาดของเขา JD ใช้แสงสีเดียวเพื่อดึงดูดความสนใจของผู้ชมผ่านการแสดงแสง เฉดสี และพื้นผิว ตลอดอาชีพการงานของเขา เขาพยายามที่จะก้าวไปไกลกว่าความสมจริงและการแสดงออก หลังจากย้ายไปโคโลราโดในปี 1989 ฮิลเบอร์รี่เริ่มทดลองวาดภาพทรอมเป้ โลอีล ตามเนื้อผ้างานประเภทนี้ทำด้วยน้ำมัน แต่เขาประสบความสำเร็จในการถ่ายทอดความสมจริงของโครงเรื่องโดยใช้ดินสอ ผู้ชมที่ดูภาพดังกล่าวถูกหลอกให้คิดว่าวัตถุอยู่ในกรอบหรือในหน้าต่าง แม้ว่าในความเป็นจริงแล้วองค์ประกอบทั้งหมดจะถูกวาดขึ้นก็ตาม JD Hillberry ทำงานจากสตูดิโอของเขาในเวสต์มินสเตอร์ รัฐโคโลราโด ยังคงขยายการรับรู้ของสาธารณชนด้วยภาพวาดของเขา

ไบรอัน ดูอีย์

Brian เป็นหนึ่งในศิลปินดินสอที่น่าทึ่งที่สุดที่ทำงานอย่างสวยงามด้วยดินสอเพื่อสร้างงานศิลปะที่สร้างแรงบันดาลใจ นี่คือสิ่งที่เขาพูดเกี่ยวกับงานของเขาและตัวเขาเอง:
"ฉันชื่อ Brian Duey ฉันเกิดและเติบโตใน Grand Rapids รัฐมิชิแกน ฉันเข้าเรียนในโรงเรียนของรัฐในหมู่บ้านเล็กๆ ชื่อ Granville ซึ่งเป็นที่ที่ฉันรู้จักงานศิลปะเป็นครั้งแรก ฉันไม่เคยคิดถึงความจริงจังของงานอดิเรกของตัวเองเลย แต่ฉันค้นพบว่า แรงดึงดูดในการวาดภาพดินสอเมื่ออายุ 20 ปี ฉันนั่งอยู่คนเดียวในบ้าน ด้วยความเบื่อหน่าย ฉันจึงตัดสินใจหยิบดินสอขึ้นมาเริ่มวาดภาพ ฉันหลงรักการวาดภาพทันที และอยากทำมันตลอดเวลา . ด้วยการวาดภาพแต่ละครั้ง ฉันดีขึ้นเรื่อยๆ ฉันพัฒนาเทคนิคและลูกเล่นต้นฉบับของตัวเองในขณะที่ทำงาน ฉันมุ่งมั่นที่จะสร้างภาพวาดที่เหมือนจริงและเพิ่มแนวคิดแนวความคิดของตัวเอง ฉันมักจะถามว่าอะไรเป็นแรงบันดาลใจให้ฉันและที่ฉันเรียนรู้ที่จะวาด ฉัน สามารถพูดได้อย่างเปิดเผยว่าฉันเรียนรู้ด้วยตนเอง
ภาพประกอบของฉันได้รับการตีพิมพ์ในหนังสือและใน การ์ดอวยพร, บนปกซีดีและในนิตยสารต่างๆ ฉันทำงานเชิงพาณิชย์มาตั้งแต่ปี 2548 และในช่วงเวลานี้ฉันได้ลูกค้าจากทั่วทุกมุมโลก คำสั่งซื้อของฉันส่วนใหญ่มาจากสหรัฐอเมริกา สหราชอาณาจักร และแคนาดา แต่ฉันก็ทำงานร่วมกับลูกค้าจากไอร์แลนด์ด้วยเช่นกัน ภาพวาดของฉันถูกนำไปแสดงในแกลเลอรีทั่วสหรัฐอเมริกา ในปี 2550 ฉันถูกขอให้วาดภาพเหมือนของ Britney Spears ที่รวมอยู่ในหอศิลป์ในฮอลลีวูด แคลิฟอร์เนีย งานนี้ออกอากาศทาง MTV และฉันก็มีชื่อเสียงไปทั่วโลก ฉันจะไม่หยุดอยู่แค่นั้นและทำงานต่อไป ฉันมีความคิดและแผนใหม่ เป้าหมายประการหนึ่งของฉันในอนาคตคือการเผยแพร่แบบฝึกหัดการวาดภาพ

ที.เอส.อาเบะ

แม้ว่าเราจะไม่พบผลงานของอาเบะมากนัก แต่จากภาพประกอบของเธอก็ชัดเจนว่าเธอเป็นศิลปินระดับสูง ศิลปินใช้ดินสอเป็นเลิศและถ่ายทอดแนวคิดที่ซับซ้อนอย่างชำนาญโดยใช้เทคนิคของเธอเอง ภาพวาดของอาเบะมีความกลมกลืนและสมดุล ซับซ้อนและในเวลาเดียวกันก็ง่ายต่อการรับรู้ เธอเป็นหนึ่งในศิลปินวาดดินสอที่มีความสามารถมากที่สุดในยุคของเรา

ซีซาร์ เดล วัลเล่

ศิลปินใช้เทคนิคการวาดภาพด้วยดินสอพิเศษเฉพาะในงานของเขา ภาพประกอบของซีซาร์ไม่เพียงแสดงความสามารถของเขาเท่านั้น แต่ยังสะท้อนถึงการรับรู้ที่ละเอียดอ่อนของผู้เขียนเกี่ยวกับสิ่งแวดล้อมอีกด้วย

เฮนริก

ผลงานของ Henrik มีอยู่ใน Deviant Art Gallery ภาพวาดของเขาเป็นตัวอย่างที่น่าสนใจของศิลปะดินสอ ปรมาจารย์ใช้โทนขาวดำอย่างน่าอัศจรรย์เพื่อถ่ายทอดภาพต้นฉบับและแนวคิดที่แปลกประหลาด

ศิลปิน ประติมากร ศิลปินกราฟิกชื่อดัง

ไอวาซอฟสกี้ อีวาน คอนสแตนติโนวิช(พ.ศ. 2360–2443) - จิตรกรชาวรัสเซีย ปรมาจารย์ด้านท้องทะเล (“ The Ninth Wave”, “ Black Sea”)

โบโรวิคอฟสกี้ วลาดิเมียร์ ลูคิช(พ.ศ. 2300–2368) - จิตรกรวาดภาพชาวรัสเซียและยูเครน, นักอารมณ์อ่อนไหว (ภาพเหมือนของ M. I. Lopukhina, A. B. Kurakin)

บอช (บอส ฟาน อาเคน) เฮียโรนีมัส (เฮียโรนีมัส)(ประมาณ ค.ศ. 1460–1516) - จิตรกรชาวดัตช์ หนึ่งในนั้น ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาภาคเหนือ

บอตติเชลลี ซานโดร (อเลสซานโดร ดิ มาเรียโน ดิ วานี ฟิลิเปปี)(ค.ศ. 1445–1510) - จิตรกรชาวอิตาลีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคเรอเนซองส์ตอนต้น

บรูเกล ผู้เฒ่าปีเตอร์ (“ชาวนา”)(ค.ศ. 1525–1569) - จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวเฟลมิช ผู้เชี่ยวชาญด้านภูมิทัศน์และฉากประเภทต่างๆ

บรายลอฟ คาร์ล ปาฟโลวิช(พ.ศ. 2342–2395) - จิตรกรชาวรัสเซีย ช่างเขียนแบบ ปรมาจารย์ด้านผืนผ้าใบอันเข้มข้น (“วันสุดท้ายของเมืองปอมเปอี”) และภาพเหมือนในพิธี (“นักขี่ม้า”)

แวนโก๊ะ วินเซนต์(พ.ศ. 2396-2433) - จิตรกรชาวดัตช์ ตัวแทนของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ ภาพวาดของเขามีลักษณะที่ตัดกันของสีและจังหวะที่เร่งรีบ เขาสร้างภาพโศกนาฏกรรมด้วยความรุนแรงและแสดงออกอย่างเจ็บปวด โดยสร้างขึ้นจากความแตกต่างของสี จังหวะที่เร่งรีบ และการเคลื่อนไหวอย่างอิสระของจังหวะอิมพาสโต ("Night Cafe", "Landscape in Auvers after the Rain")

ฟาน ไดค์ อันโตนิส (1599–1641) -จิตรกรชาวเฟลมิช ผู้มีฝีมือด้านการวาดภาพ นักเรียนของรูเบนส์ ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยจิตวิญญาณอันสูงส่ง (“ภาพเหมือนตนเอง”)

วังเอ้า เอียน(ประมาณ ค.ศ. 1385 หรือ ค.ศ. 1390–1441) - จิตรกรชาวเฟลมิชแห่งยุคเรอเนซองส์ตอนต้น ผู้เชี่ยวชาญด้านการวาดภาพบุคคล ผู้แต่งผลงานเรียงความเกี่ยวกับศาสนามากกว่า 100 เรื่อง หนึ่งในศิลปินกลุ่มแรก ๆ ที่เชี่ยวชาญเทคนิคการวาดภาพด้วยสีน้ำมัน

วาสเนตซอฟ วิคเตอร์ มิคาอิโลวิช(พ.ศ. 2391-2469) - ศิลปินนักเดินทางชาวรัสเซีย เขาสร้างผืนผ้าใบในธีมของมหากาพย์และเทพนิยายรัสเซีย (“ Alyonushka”, “ Three Heroes”)

วัตโต อองตวน(1684–1721) - ศิลปินชาวฝรั่งเศสปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมประเภทต่างๆ

เวลาสเกซ ดิเอโก้ (เบลาสเกซ โรดริเกซ เดอ ซิลวา)(1599–1660) - ศิลปินชาวสเปน ผืนผ้าใบของ Velazquez ("อาหารเช้า", "การยอมจำนนของเบรดา") โดดเด่นด้วยความรู้สึกกลมกลืนความละเอียดอ่อนและสีสันที่หลากหลาย

เวเนทเซียนอฟ อเล็กเซย์ กาฟริโลวิช(1780–1847) - จิตรกรชาวรัสเซีย ผลงานของเขาส่วนใหญ่อยู่ในธีม ชีวิตชาวนาเขียนจากชีวิต

เวเรชชากิน วาซิลี วาซิลีวิช(พ.ศ. 2385-2447) - จิตรกรการต่อสู้ชาวรัสเซีย ในงานของเขาเขาแสดงให้เห็นถึงความน่าสะพรึงกลัวของสงคราม (“Apotheosis of War”) เสียชีวิตจากการระเบิดของเรือรบ Petropavlovsk ในพอร์ตอาร์เทอร์

แวร์เมียร์แห่งเดลฟท์ ม.ค(1632–1675) - จิตรกรชาวดัตช์ โดดเด่นด้วยการรับรู้บทกวีเกี่ยวกับชีวิตประจำวัน (“ เด็กผู้หญิงกำลังอ่านจดหมาย”)

เวโรเนเซ่ (กายารี) เปาโล(ค.ศ. 1528–1588) - จิตรกรยุคเรอเนซองส์ชาวอิตาลี ภาพวาดที่เขาสร้างขึ้นมีความโดดเด่นด้วยความรื่นเริงและความซับซ้อน

วรูเบล มิคาอิล อเล็กซานโดรวิช(พ.ศ. 2399-2453) - ศิลปินชาวรัสเซียแห่งยุคเงิน เขามุ่งความสนใจไปที่หลักปรัชญาทั่วไป โศกนาฏกรรม และการตีความเชิงสัญลักษณ์ของโครงเรื่อง (“เจ้าหญิงแห่งความฝัน” “ปีศาจ”)

วูเชติช เยฟเกนีย์ วิคโตโรวิช(พ.ศ. 2451-2517) - ประติมากรชาวรัสเซียโซเวียต (ร่างของมาตุภูมิบน Mamayev Kurgan ในโวลโกกราด)

เก นิโคไล นิโคลาวิช(1831–1894) - จิตรกรชาวรัสเซียผู้โด่งดังปรมาจารย์ด้านภาพบุคคลภาพวาดประวัติศาสตร์และศาสนา (“ The Last Supper”, “ Peter I ซักถาม Tsarevich Alexei Petrovich ใน Peterhof”, “ ความจริงคืออะไร?”)

เกนส์โบโรห์ โธมัส(1727–1788) - จิตรกรชาวอังกฤษ ศิลปินกราฟิก นักวาดภาพบุคคล และจิตรกรภูมิทัศน์

โกแกง ยูจีน อองรี ปอล(1848–1903) - จิตรกร ประติมากร นักเซรามิก และศิลปินกราฟิกชาวฝรั่งเศส ร่วมกับ Cezanne และ Van Gogh เขาได้รับการยกย่องว่าเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของลัทธิอิมเพรสชันนิสม์

โกยา ฟรานซิสโก โฆเซ่ เด(1746–1828) - จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวสเปน ผู้ริเริ่มรูปแบบที่กล้าหาญ ผลงานของเขา ได้แก่ ภาพจิตรกรรมฝาผนัง ภาพวาด (“Maja Nude”) และชุดภาพแกะสลัก (“Caprichos”)

เกรโก (เอล เกรโก)(โดเมนิกอส ธีโอโตโคปูลอส) (1541–1614 ) - จิตรกรชาวสเปนที่มีต้นกำเนิดจากกรีกซึ่งมีผลงานโดดเด่นด้วยความสูงส่งอันลึกลับ (“ ภาพเหมือนของผู้สอบสวน”)

เดวิด ฌาคส์ หลุยส์(1748–1825) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส ผู้สนับสนุนโรงเรียนจิตรกรรมคลาสสิก (“คำสาบานของ Horatii”)

ดาลี ซัลวาดอร์(1904–1989) - ศิลปินชาวสเปน หนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของสถิตยศาสตร์ ในภาพวาดของเขา เขาให้ความสมจริงที่มองเห็นได้กับสถานการณ์ที่ไม่เป็นธรรมชาติและการผสมผสานของวัตถุ

เดกาส เอ็ดการ์ ( 1834–1917) - ศิลปินอิมเพรสชั่นนิสต์ชาวฝรั่งเศส ปรมาจารย์สีพาสเทล (“นักเต้นสีน้ำเงิน”)

เดลาครัวซ์ ยูจีน ( 1798–1863) - จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวฝรั่งเศส หัวหน้ากลุ่มแนวโรแมนติกชาวฝรั่งเศส (“เสรีภาพนำพาประชาชน”)

จอร์โจเน(1477–1510) - จิตรกรชาวอิตาลี หนึ่งในผู้ก่อตั้งงานศิลปะยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาสูง (“ Sleeping Venus”, “ Judith”)

จิออตโต ดิ บอนโดเน่(1266–1337) - ศิลปินชาวอิตาลี ผู้ก่อตั้งจิตรกรรมสมัยใหม่ (“คร่ำครวญถึงพระคริสต์”)

โดนาเตลโล (Donato di Niccolo di Betto Bardi) ( 1386–1466) - ประติมากรชาวอิตาลี หนึ่งใน "บิดา" แห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ดูเรอร์ อัลเบรชท์(ค.ศ. 1471–1528) - จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวเยอรมันแห่งยุคเรอเนซองส์ นักทฤษฎีศิลปะ (ภาพเหมือนตนเอง มาดอนน่าและเด็ก ภาพแกะสลัก)

คันดินสกี วาซิลี วาซิลีวิช(พ.ศ. 2409-2487) - จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวรัสเซีย ศิลปินแนวหน้า หนึ่งในผู้ก่อตั้งศิลปะนามธรรม

คาโนวา อันโตนิโอ(พ.ศ. 2300–2365) - ประติมากรชาวอิตาลีซึ่งเป็นตัวแทนที่สำคัญที่สุดของลัทธิคลาสสิกในประติมากรรมยุโรป

คาราวัจโจ มีเกลันเจโล (มีเกลันเจโล เมริซี คาราวัจโจ)(ค.ศ. 1571–1610) - ศิลปินชาวอิตาลี นักปฏิรูปจิตรกรรมยุโรปแห่งศตวรรษที่ 17 หนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของยุคบาโรก

คิเปรนสกี้ โอเรสต์ อดาโมวิช(พ.ศ. 2325-2379) - จิตรกรและนักเขียนแบบชาวรัสเซียซึ่งเป็นตัวแทนของแนวโรแมนติก (ภาพเหมือนของ A. S. Pushkin)

โคล็อดต์ ปีเตอร์ คาร์โลวิช(พ.ศ. 2348-2410) - ประติมากรชาวรัสเซียตัวแทนของลัทธิคลาสสิกจิตรกรสัตว์ (ม้าบนสะพาน Anichkov ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก)

โคโรวิน คอนสแตนติน อเล็กเซวิช(พ.ศ. 2404-2482) - จิตรกรและศิลปินละครชาวรัสเซีย ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพแบบ Plein Air ใกล้กับอิมเพรสชั่นนิสต์

ครามสคอย อีวาน นิโคลาวิช(พ.ศ. 2380–2430) - จิตรกรชาวรัสเซีย ผู้พเนจร ครูของ I. E. Repin (“ May Night”) ปรมาจารย์ด้านการถ่ายภาพบุคคลทางจิตวิทยาที่เผยให้เห็นถึงความซับซ้อน การเคลื่อนไหวทางอารมณ์("คนแปลกหน้า").

ครานัค ลูคัส ผู้เฒ่า(ค.ศ. 1472–1553) - จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวเยอรมันผู้ผสมผสานหลักการทางศิลปะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเข้ากับประเพณีแบบโกธิก ซึ่งเป็นจิตรกรภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยม

คูอินด์ซี อาร์คิป อิวาโนวิช(พ.ศ. 2384-2453) - จิตรกรภูมิทัศน์ชาวรัสเซีย พเนจร ผลงานของ Kuindzhi แสดงให้เห็นถึงความกลมกลืนของสีและเอฟเฟกต์แสงที่ใกล้เคียงกับชีวิตจนถึงภาพลวงตา (“ Night on the Dnieper”)

ลาริโอนอฟ มิคาอิล เฟโดโรวิช(พ.ศ. 2424-2507) - จิตรกรชาวรัสเซีย, ศิลปินแนวหน้า, นักนามธรรม, ผู้สร้างสิ่งที่เรียกว่าลัทธิเรยอน

เลวิตัน ไอแซค อิลิช(พ.ศ. 2403-2443) - จิตรกรนักเดินทางชาวรัสเซีย จิตรกรภูมิทัศน์ ผู้สร้าง "ภูมิทัศน์อารมณ์" เผยให้เห็นความแตกต่างอันละเอียดอ่อนของสภาวะของธรรมชาติ (“ เหนือสันติภาพนิรันดร์”)

เลวิทสกี้ มิทรี กริกอรีวิช(1735–1822) - จิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18 ปรมาจารย์ด้านภาพเหมือนในพิธี

เลโอนาร์โด ดา วินชี(1452–1519) - จิตรกร ประติมากร สถาปนิก และนักวิทยาศาสตร์ชาวอิตาลี เขารวบรวมอุดมคติของความงามของผู้หญิงไว้ในภาพวาดชื่อดังระดับโลก "La Gioconda" ("Mona Lisa")

ไลซิปโปส(ศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช) - ประติมากรชาวกรีกโบราณ ศิลปินในราชสำนักของอเล็กซานเดอร์มหาราช

มาซาชโช (ทอมมาโซ ดิ จิโอวานนี ดิ ซิโมเน คาสไซ)(1944–1971) - จิตรกรชาวอิตาลีในผลงานของเขาเขาพยายามที่จะรวบรวมแนวคิดเรื่องความสมบูรณ์แบบของมนุษย์

มาเลวิช คาซิเมียร์ เซเวริโนวิช(พ.ศ. 2421-2478) - ศิลปินนามธรรมชาวรัสเซีย (“ Black Square”) ผู้ก่อตั้ง Suprematism

มาเนต์ เอดูอาร์(พ.ศ. 2375-2426) - ศิลปินชาวฝรั่งเศส หนึ่งในนั้น ตัวแทนที่ฉลาดที่สุดอิมเพรสชันนิสม์ ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความสดใหม่และการรับรู้ถึงความเป็นจริง (“คอนเสิร์ตในตุยเลอรี”)

มาติส อองรี(พ.ศ. 2412-2497) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส ศิลปินกราฟิก ผู้สร้างรูปแบบการประดับกระจกสี งานแกะสลัก ภาพพิมพ์หิน ผู้ก่อตั้ง Fauvism

มิเกลันเจโล บูโอนาร์โรติ(1475–1564) - จิตรกร ประติมากร และสถาปนิกชาวอิตาลี (“ David” ภาพวาดของโบสถ์ Sistine ในกรุงโรม)

ไมรอนแห่งเอลูเธอร์(ศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช) - ประติมากรชาวกรีกแห่งยุคที่นำหน้าศิลปะกรีกที่ออกดอกสูงสุดในทันที (ปลาย VI - ต้นศตวรรษที่ 5) ผลงานที่โด่งดังที่สุดของไมรอนคือ “Discobolus”

โมดิเกลียนี่ อเมเดโอ(พ.ศ. 2427-2463) - จิตรกรชาวอิตาลี ผลงานของ Modigliani โดดเด่นด้วยความซับซ้อนทางดนตรีของภาพเงาและสี และองค์ประกอบที่พูดน้อย

โมเนต์ ออสการ์ คล็อด(พ.ศ. 2383-2469) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิอิมเพรสชันนิสม์

มันช์ เอ็ดเวิร์ด(พ.ศ. 2406-2487) - จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวนอร์เวย์ หนึ่งในผู้ก่อตั้งลัทธิการแสดงออก (“ The Scream”)

มูคินา เวรา อิกนาติเยฟนา(พ.ศ. 2432-2496) - ประติมากร - นักอนุสาวรีย์ชาวโซเวียต (“ คนงานและผู้หญิงในฟาร์มส่วนรวม”)

เปรอฟ วาซิลี กริกอรีวิช (ครีเดเนอร์)(พ.ศ. 2377-2425) - จิตรกรชาวรัสเซียหนึ่งในสมาชิกผู้ก่อตั้ง "สมาคมนิทรรศการศิลปะการเดินทาง" ("Troika", "ภาพเหมือนของ F. M. Dostoevsky", "Hunters at a Rest")

เปตรอฟ-วอดกิน คุซมา เซอร์เกวิช(พ.ศ. 2421-2482) - จิตรกรโซเวียตรัสเซีย (“ การอาบน้ำม้าแดง”) นักสัญลักษณ์โรแมนติก

ปิกัสโซ ปาโบล รุยซ์(พ.ศ. 2424-2516) - ศิลปินชาวฝรั่งเศสทำงานในหลายทิศทาง - ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม ความสมจริง ฯลฯ สร้างผลงานที่เต็มไปด้วยความเจ็บปวดและการประท้วง (“ Guernica”) ผู้แต่ง "Dove of Peace" อันโด่งดัง

ปิโรสมานี นิโก้(พ.ศ. 2405-2461) - ศิลปินดึกดำบรรพ์ชาวจอร์เจีย เขาวาดภาพเหมือนกลุ่มและป้ายที่สื่อถึงความรู้สึกอิ่มเอิบและสนุกสนานของชีวิตอย่างชัดเจน

แพรกซิเตเลส(ศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช) - ประติมากรชาวกรีกโบราณเกิดที่กรุงเอเธนส์ประมาณปี ค.ศ. 390 ปีก่อนคริสตกาล จ. ผู้แต่งผลงานที่มีชื่อเสียง "Hermes with the baby Dionysus", "Apollo Kill the Lizard" ผลงานของ Praxiteles ส่วนใหญ่เป็นที่รู้จักจากสำเนาของโรมันหรือจากคำอธิบายของนักเขียนโบราณ

ปูสซิน นิโคลัส(ค.ศ. 1594–1665) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส ตัวแทนของโรงเรียนแห่งความคลาสสิก (“Landscape with Polyphemus”)

ราฟาเอล สันติ(1483–1520) - จิตรกรและสถาปนิกชาวอิตาลีซึ่งมีภาพวาดโดดเด่นด้วยความชัดเจนแบบคลาสสิกและจิตวิญญาณอันสง่างาม เขาเชิดชูการดำรงอยู่ทางโลกของมนุษย์ความกลมกลืนทางจิตวิญญาณและ ความแข็งแกร่งทางกายภาพ("ซิสตินมาดอนน่า")

เรย์โนลด์ส โจชัว(1723–1792) - จิตรกรและนักทฤษฎีศิลปะชาวอังกฤษ เขาเป็นจิตรกรวาดภาพบุคคลผู้เชี่ยวชาญ ("เจ. โอ. ฮีธฟิลด์") เขายังเขียนเกี่ยวกับประเด็นทางประวัติศาสตร์และตำนานอีกด้วย

แรมแบรนดท์ ฮาร์เมน ฟาน ไรจ์น(1606–1669) - จิตรกรชาวดัตช์ ช่างเขียนแบบ ช่างแกะสลัก เขียนซับซ้อน โครงสร้างทางจิตวิทยาฉาก, ภาพบุคคล ("Night Watch", "Danae")

เรอนัวร์ ออกุสต์(พ.ศ. 2384-2462) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส ศิลปินกราฟิก และประติมากร ผู้ใกล้ชิดกับอิมเพรสชั่นนิสต์ เขาร้องเพลงด้วยความงามอันตระการตาและความสุขของการเป็น

เรพิน อิลยา เอฟิโมวิช(พ.ศ. 2387-2473) - จิตรกรรัสเซียและยูเครน เขาเปิดเผยความงามทางจิตวิญญาณของผู้คนความรักในอิสรภาพของพวกเขา (“ คอสแซคเขียนจดหมายถึงสุลต่านตุรกี”, “ เรือลากจูงบนแม่น้ำโวลก้า”, “ พวกเขาไม่รอช้า”)

โรริช นิโคไล คอนสแตนติโนวิช(พ.ศ. 2417-2490) - ศิลปินชาวรัสเซียนับตั้งแต่ปี ค.ศ. 1920 เขาอาศัยอยู่ในอินเดียซึ่งปรัชญาดังกล่าวมีอิทธิพลอย่างมากต่องานของเขา

โรแดง ออกัสต์(พ.ศ. 2383-2460) - ประติมากรชาวฝรั่งเศสผู้ริเริ่มรูปแบบ (“ นักคิด”, “ พลเมืองแห่งกาเลส์”)

โรโคตอฟ เฟเดอร์ สเตปาโนวิช(1735–1808) - จิตรกรชาวรัสเซียผู้โดดเด่น ผลงานของศิลปิน ได้แก่ ภาพบุคคลเชิงกวีที่ละเอียดอ่อน ซึ่งเปี่ยมด้วยความตระหนักรู้ถึงความงามทางจิตวิญญาณและร่างกายของมนุษย์

รูเบนส์ ปีเตอร์ พอล(1577–1640) - จิตรกรชาวเฟลมิช ภูมิทัศน์ของเขาตื้นตันไปด้วยความรู้สึกถึงพลังธรรมชาติอันทรงพลัง ฉาก ชีวิตชาวนา(“Return of the Reapers”) เปี่ยมไปด้วยจิตวิญญาณแห่งประชาธิปไตย

รูเบลฟ อันเดรย์(ประมาณปี 1360-1973) - จิตรกรชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ จิตรกรไอคอน ปรมาจารย์ที่ใหญ่ที่สุดของโรงเรียนจิตรกรรมมอสโก ผลงานของ Rublev เต็มไปด้วยความเป็นมนุษย์ที่ลึกซึ้งและจิตวิญญาณอันประเสริฐ (“Trinity” ซึ่งเป็นภาพวาดของมหาวิหารและไอคอนต่างๆ มากมาย)

ซาฟราซอฟ อเล็กเซย์ คอนดราติวิช(พ.ศ. 2373-2440) - จิตรกรภูมิทัศน์ชาวรัสเซีย พเนจร เขาถ่ายทอดความงดงามของบทกวีและความสำคัญของลวดลายในชีวิตประจำวัน (“The Rooks Have Arrival”)

ซาร์ยัน มาร์ติรอส เซอร์เกวิช(พ.ศ. 2423-2515) - ศิลปินชาวอาร์เมเนีย ปรมาจารย์แห่งการเห็นพ้องชีวิต ภูมิทัศน์ทางอารมณ์ สดใสและตกแต่งอย่างมีสไตล์ (“หุบเขาอารารัต”, “อาร์เมเนีย”) ภาพบุคคลทางจิตวิทยาที่เฉียบคม และหุ่นนิ่งที่มีสีสันตามเทศกาล

เซซาน พอล(พ.ศ. 2382-2449) - จิตรกรชาวฝรั่งเศส โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์ (“ Banks of the Marne”, “ Peaches and Pears”)

เซรอฟ วาเลนติน อเล็กซานโดรวิช(พ.ศ. 2408-2454) - จิตรกรและศิลปินกราฟิกชาวรัสเซีย Wanderer ผลงานยุคแรก(“Girl with Peaches”) มีความโดดเด่นด้วยความสดและสีสันที่หลากหลาย

สไนเดอร์สฝรั่งเศส(1579–1657) - จิตรกรชาวเฟลมิช ปรมาจารย์ด้านหุ่นนิ่งและองค์ประกอบของสัตว์ในสไตล์บาร็อค (“การชนไก่”, “ผู้ขายผลไม้”)

ซูริคอฟ วาซิลี อิวาโนวิช(พ.ศ. 2391-2459) - ศิลปินนักเดินทางชาวรัสเซีย ผืนผ้าใบจำนวนมากอุทิศให้กับจุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์รัสเซีย (“ Boyarina Morozova” ฯลฯ ) ปริญญาโทสาขาภาพบุคคล

Tintoretto (Robusti) จาโคโป(ค.ศ. 1518–1594) - จิตรกรชาวอิตาลี หนึ่งในจิตรกรที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของโรงเรียนเวนิสแห่งยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาตอนปลาย

ทิเชียน (ทิเชียน เวเชลลิโอ)(ค.ศ. 1476–1576) - จิตรกรชาวอิตาลี หัวหน้าโรงเรียนเวนิส ผลงานของเขาโดดเด่นด้วยความร่าเริง การรับรู้ชีวิตที่หลากหลาย (“Venus and Adonis”, “Danae”) และอื่นๆ อีกมากมาย ทำงานในภายหลัง- ดราม่าเข้มข้น

ธอร์วัลด์เซ่น เบอร์เทล(พ.ศ. 2311-2387) - ประติมากรชาวเดนมาร์กซึ่งเป็นตัวแทนของลัทธิคลาสสิก ประติมากรรมของ Thorvaldsen มีลักษณะเฉพาะคือความสมบูรณ์ของพลาสติก ความยับยั้งชั่งใจ และทำให้ภาพลักษณ์ในอุดมคติ ("Jason")

ทรอปินิน วาซิลี อันดรีวิช(พ.ศ. 2319-2400) - จิตรกรชาวรัสเซีย ปรมาจารย์ด้านการวาดภาพบุคคลแสนโรแมนติก

อองรี เดอ ตูลูส-โลเทรก(พ.ศ. 2407-2444) - ศิลปินกราฟิกและจิตรกรชาวฝรั่งเศส โพสต์อิมเพรสชั่นนิสต์

ฟิเดียส(ศตวรรษที่ 5 ก่อนคริสต์ศักราช) - ประติมากรชาวกรีกโบราณในยุคคลาสสิกชั้นสูง ความคิดสร้างสรรค์ของ Fidia ถือเป็นหนึ่งในความสำเร็จสูงสุด ศิลปะโบราณ(รูปปั้นของเอเธน่า, ซุสโอลิมเปีย)

โฮคุไซ คัตสึชิกะ(พ.ศ. 2303–2392) - จิตรกรและช่างเขียนแบบชาวญี่ปุ่น ปรมาจารย์ด้านงานแกะสลักไม้สี

เซลลินี เบนเวนูโต(1500–1571) - ประติมากร สถาปนิก และนักเขียนชาวอิตาลี หนึ่งในตัวแทนที่มีชื่อเสียงที่สุดของมารยาท

ชากาล มาร์ก(พ.ศ. 2430-2528) - ศิลปินชาวฝรั่งเศส สาวกของสถิตยศาสตร์ ภาพส่วนใหญ่ของเขาได้รับแรงบันดาลใจจากลวดลายพื้นบ้านของรัสเซียและยิว

ชิชกิน อีวาน อิวาโนวิช(พ.ศ. 2375-2441) จิตรกรชาวรัสเซีย หนึ่งในปรมาจารย์ด้านการวาดภาพทิวทัศน์ที่สมจริงที่สุด นักวิชาการ (พ.ศ. 2408) ศาสตราจารย์ (พ.ศ. 2416) หัวหน้าการประชุมเชิงปฏิบัติการด้านภูมิทัศน์ (พ.ศ. 2437–2438) ของ Academy of Arts สมาชิกผู้ก่อตั้งสมาคมนิทรรศการศิลปะการท่องเที่ยว

เอสเชอร์ เมาริซ คอร์เนลิส(พ.ศ. 2441-2515) - ศิลปินกราฟิกชาวดัตช์ เขาเป็นที่รู้จักเป็นอย่างดีจากงานพิมพ์หินแนวความคิด งานแกะสลักไม้และโลหะ ซึ่งเขาได้สำรวจแง่มุมพลาสติกของแนวคิดเรื่องอนันต์และสมมาตร ตลอดจนลักษณะเฉพาะของการรับรู้ทางจิตวิทยาของวัตถุสามมิติที่ซับซ้อน

ยาโรเชนโก นิโคไล อเล็กซานโดรวิช(พ.ศ. 2389–2441) - จิตรกรนักเดินทางชาวรัสเซีย ภาพบุคคล ทิวทัศน์ ฉากประเภท (“สโตเกอร์”, “คนแก่และเด็ก”) มีความโดดเด่นด้วยธรรมชาติอันน่าทึ่ง