ศิลปินญี่ปุ่นร่วมสมัย ผู้ที่อาศัยอยู่ในโรงพยาบาลจิตเวชจากญี่ปุ่นเป็นศิลปินที่มีชีวิตค่าตัวแพงที่สุด

ได้มาก ประวัติศาสตร์อันยาวนาน- ประเพณีนี้มีมากมาย โดยตำแหน่งอันเป็นเอกลักษณ์ของญี่ปุ่นในโลกมีอิทธิพลอย่างมากต่อสไตล์และเทคนิคที่โดดเด่นของศิลปินชาวญี่ปุ่น ความจริงที่รู้กันการที่ญี่ปุ่นค่อนข้างโดดเดี่ยวมานานหลายศตวรรษนั้นไม่เพียงเนื่องมาจากภูมิศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงแนวโน้มทางวัฒนธรรมของญี่ปุ่นที่โดดเด่นในเรื่องการแยกตัวโดดเดี่ยวซึ่งเป็นประวัติศาสตร์ของประเทศด้วย ในช่วงหลายศตวรรษของสิ่งที่เราอาจเรียกว่า "อารยธรรมญี่ปุ่น" วัฒนธรรมและศิลปะได้พัฒนาแยกจากที่อื่นๆ ในโลก และนี่เป็นสิ่งที่สังเกตได้ชัดเจนในการฝึกวาดภาพของญี่ปุ่น ตัวอย่างเช่น ภาพวาดนิฮงกะเป็นหนึ่งในผลงานหลักของการฝึกวาดภาพของญี่ปุ่น มีพื้นฐานมาจากประเพณีที่มีมายาวนานกว่าพันปี และภาพเขียนมักจะสร้างขึ้นด้วยพู่กันบนวาชิ (กระดาษญี่ปุ่น) หรือเอกินะ (ผ้าไหม)

อย่างไรก็ตาม ศิลปะและภาพวาดของญี่ปุ่นได้รับอิทธิพลจากการปฏิบัติทางศิลปะของต่างประเทศ ประการแรกเป็นศิลปะจีนในศตวรรษที่ 16 และ ศิลปะจีนและประเพณีศิลปะจีนซึ่งมีอิทธิพลโดยเฉพาะหลายประการ เมื่อถึงศตวรรษที่ 17 ภาพวาดญี่ปุ่นยังได้รับอิทธิพลจากประเพณีตะวันตกอีกด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงก่อนสงครามซึ่งกินเวลาตั้งแต่ปี พ.ศ. 2411 ถึง พ.ศ. 2488 ภาพวาดของญี่ปุ่นได้รับอิทธิพลจากอิมเพรสชันนิสม์และแนวโรแมนติกของยุโรป ในเวลาเดียวกัน การเคลื่อนไหวทางศิลปะแบบใหม่ของยุโรปก็ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากญี่ปุ่นเช่นกัน เทคนิคทางศิลปะ- ในประวัติศาสตร์ศิลปะ อิทธิพลนี้เรียกว่า "ลัทธิญี่ปุ่น" และมีความสำคัญโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับอิมเพรสชั่นนิสต์ นักเขียนภาพแบบคิวบิสต์ และศิลปินที่เกี่ยวข้องกับลัทธิสมัยใหม่

ประวัติศาสตร์อันยาวนานของการวาดภาพญี่ปุ่นสามารถมองได้ว่าเป็นการสังเคราะห์ประเพณีหลายอย่างที่สร้างสรรค์ส่วนหนึ่งของสุนทรียศาสตร์แบบญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จัก ประการแรก ศิลปะพุทธศาสนาและวิธีการวาดภาพ เช่นเดียวกับการวาดภาพทางศาสนา ทิ้งร่องรอยสำคัญไว้บนสุนทรียศาสตร์ของภาพวาดญี่ปุ่น การวาดภาพทิวทัศน์ด้วยหมึกน้ำตามประเพณีการวาดภาพวรรณกรรมจีน - อีกอย่างหนึ่ง องค์ประกอบที่สำคัญเป็นที่รู้จักในภาพวาดญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงมากมาย ภาพวาดสัตว์และพืช โดยเฉพาะนกและดอกไม้ เป็นสิ่งที่มักเกี่ยวข้องกับองค์ประกอบของญี่ปุ่น เช่นเดียวกับทิวทัศน์และฉากจากชีวิตประจำวัน ในที่สุด แนวคิดโบราณเกี่ยวกับความงามจากปรัชญาและวัฒนธรรมมีอิทธิพลอย่างมากต่อการวาดภาพของญี่ปุ่น ญี่ปุ่นโบราณ- วาบิ ซึ่งหมายถึงความงามชั่วคราวและขรุขระ ซาบิ (ความงามของคราบและความชราตามธรรมชาติ) และยูเก็น (ความสง่างามอันลึกซึ้งและความละเอียดอ่อน) ยังคงมีอิทธิพลต่ออุดมคติในการปฏิบัติงานวาดภาพของญี่ปุ่น

สุดท้ายนี้ หากเรามุ่งความสนใจไปที่ผลงานชิ้นเอกของญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุด 10 ชิ้น เราต้องพูดถึงภาพอุกิโยเอะ ซึ่งเป็นหนึ่งในประเภทศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในญี่ปุ่น แม้ว่าจะเป็นงานศิลปะภาพพิมพ์ก็ตาม เขาครอบงำ ศิลปะญี่ปุ่นตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 - 19 ในขณะที่ศิลปินประเภทนี้ได้สร้างภาพพิมพ์แกะไม้และภาพวาดด้วยวัตถุต่างๆ เช่น ผู้หญิงสวย, นักแสดงคาบูกิ และนักมวยปล้ำซูโม่ ตลอดจนฉากจากประวัติศาสตร์และ นิทานพื้นบ้านฉากการเดินทางและทิวทัศน์ พืชและสัตว์ และแม้แต่เรื่องโป๊เปลือย

การทำรายการเป็นเรื่องยากเสมอ ภาพวาดที่ดีที่สุดจากประเพณีทางศิลปะ ผลงานที่น่าทึ่งมากมายจะไม่รวมอยู่ด้วย อย่างไรก็ตาม รายการนี้ประกอบด้วยภาพวาดญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในโลก 10 ภาพ บทความนี้จะนำเสนอเฉพาะภาพวาดที่สร้างขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 จนถึงปัจจุบัน

ภาพวาดของญี่ปุ่นมีประวัติศาสตร์อันยาวนานมาก ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา ศิลปินชาวญี่ปุ่นได้พัฒนาขึ้น จำนวนมากเทคนิคและสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งเป็นผลงานอันทรงคุณค่าของญี่ปุ่นต่อโลกแห่งศิลปะ หนึ่งในเทคนิคเหล่านี้คือ sumi-e Sumi-e แปลว่า "การวาดภาพด้วยหมึก" อย่างแท้จริง และผสมผสานการประดิษฐ์ตัวอักษรและการวาดภาพด้วยหมึกเพื่อสร้างความงามที่หาได้ยากขององค์ประกอบที่วาดด้วยพู่กัน ความงามนี้มีความขัดแย้ง - โบราณแต่ทันสมัย ​​เรียบง่ายแต่ซับซ้อน กล้าหาญแต่สงบ สะท้อนถึงพื้นฐานทางจิตวิญญาณของศิลปะในพุทธศาสนานิกายเซนอย่างไม่ต้องสงสัย พระภิกษุสงฆ์นำบล็อกหมึกและพู่กันไม้ไผ่จากประเทศจีนมาสู่ญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 6 และในช่วง 14 ศตวรรษที่ผ่านมา ญี่ปุ่นได้พัฒนา มรดกอันยาวนานภาพวาดหมึก

เลื่อนลงและดูผลงานจิตรกรรมชิ้นเอกของญี่ปุ่น 10 ชิ้น

1. คัตสึชิกะ โฮคุไซ “ความฝันของภรรยาชาวประมง”

ภาพวาดญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดชิ้นหนึ่งคือ “ความฝันของภรรยาชาวประมง” มันถูกเขียนขึ้นในปี ค.ศ. 1814 ศิลปินชื่อดังโฮคุไซ. หากคุณปฏิบัติตามคำจำกัดความที่เข้มงวดสิ่งนี้ การทำงานที่น่าตื่นตาตื่นใจโฮคุไซไม่สามารถถือเป็นภาพวาดได้ เนื่องจากเป็นภาพพิมพ์แกะไม้ประเภทภาพอุกิโยะจากหนังสือ Young Pines (Kinoe no Komatsu) ซึ่งเป็นหนังสือชุงกะสามเล่ม การจัดองค์ประกอบภาพเป็นภาพของอามะนักประดาน้ำที่มีเพศสัมพันธ์กับปลาหมึกยักษ์คู่หนึ่ง ภาพนี้มีอิทธิพลมากในศตวรรษที่ 19 และ 20 งานมีอิทธิพลมากขึ้น ศิลปินสายเช่น Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopf และ Pablo Picasso

2. เทสไซ โทมิโอกะ “อาเบะ โนะ นากามาโระ เขียนบทกวีหวนคิดถึงขณะชมพระจันทร์”

Tessai Tomioka เป็นนามแฝงของศิลปินและช่างอักษรวิจิตรชื่อดังของญี่ปุ่น เขาถือเป็นศิลปินคนสำคัญคนสุดท้ายในประเพณี bunjing และเป็นหนึ่งในศิลปินกลุ่มแรกๆ ศิลปินหลักสไตล์นิฮงกะ Bunjinga เป็นโรงเรียนสอนวาดภาพของญี่ปุ่นที่เจริญรุ่งเรืองในช่วงปลายยุคเอโดะในหมู่ศิลปินที่คิดว่าตนเองมีความรู้หรือปัญญาชน ศิลปินแต่ละคน รวมทั้งเทสยา ต่างก็พัฒนาผลงานของเขาเอง สไตล์ของตัวเองและเทคโนโลยี แต่พวกเขาต่างก็เป็นแฟนตัวยงของศิลปะและวัฒนธรรมจีน

3. ฟูจิชิมะ ทาเคจิ “พระอาทิตย์ขึ้นเหนือทะเลตะวันออก”

ฟูจิชิมะ ทาเคจิเป็นศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงจากผลงานในการพัฒนาแนวจินตนิยมและอิมเพรสชั่นนิสม์ในขบวนการศิลปะโยคะ (สไตล์ตะวันตก) ปลาย XIX- ต้นศตวรรษที่ 20 ในปีพ.ศ. 2448 เขาได้เดินทางไปฝรั่งเศส ซึ่งเขาได้รับอิทธิพล การเคลื่อนไหวของฝรั่งเศสโดยเฉพาะอย่างยิ่งในเวลานั้นอิมเพรสชันนิสม์ซึ่งสามารถเห็นได้ในภาพวาด "พระอาทิตย์ขึ้นเหนือทะเลตะวันออก" ซึ่งวาดในปี พ.ศ. 2475

4. Kitagawa Utamaro “ใบหน้าผู้หญิง 10 แบบ รวบรวมความงามแห่งการปกครอง”

Kitagawa Utamaro เป็นศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงซึ่งเกิดในปี 1753 และเสียชีวิตในปี 1806 เขาเป็นที่รู้จักเป็นอย่างดีจากซีรีส์เรื่อง "Ten Types" ใบหน้าของผู้หญิง- รวบรวมความงาม ธีมปกครอง ความรักที่ยิ่งใหญ่กวีนิพนธ์คลาสสิก" (บางครั้งเรียกว่า "ผู้หญิงในความรัก" โดยมีคำจารึกแยกกันว่า "ความรักเปลือย" และ "ความรักที่รอบคอบ") เขาเป็นหนึ่งในศิลปินที่สำคัญที่สุดในประเภทภาพพิมพ์แกะไม้อุกิโยะ

5. คาวานาเบะ เคียวไซ “เสือ”

คาวานาเบะ เคียวไซเป็นหนึ่งในศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคเอโดะ งานศิลปะของเขาได้รับอิทธิพลจากผลงานของโทฮากุ ศิลปินโรงเรียนคาโนะในคริสต์ศตวรรษที่ 16 ซึ่งเป็นศิลปินเพียงคนเดียวในยุคของเขาที่วาดภาพหน้าจอด้วยหมึกทั้งหมดบนพื้นหลังอันละเอียดอ่อนของผงทองคำ แม้ว่าเคียวไซจะเป็นที่รู้จักในฐานะนักเขียนการ์ตูน แต่เขาเขียนบางส่วนได้มากที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียงวี ประวัติศาสตร์ญี่ปุ่น ศิลปะแห่งศตวรรษที่ 19ศตวรรษ. "เสือ" เป็นหนึ่งในภาพวาดที่ Kyosai ใช้สีน้ำและหมึกในการสร้างสรรค์

6. ฮิโรชิ โยชิดะ “ฟูจิจากทะเลสาบคาวากุจิ”

ฮิโรชิ โยชิดะเป็นที่รู้จักในฐานะบุคคลสำคัญคนหนึ่งของสไตล์ชินฮังกะ (ชินฮังกะเป็นขบวนการทางศิลปะในญี่ปุ่นในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 ในสมัยไทโชและโชวะ ซึ่งได้ฟื้นคืนศิลปะแบบดั้งเดิมของอุกิโยะเอะ ซึ่ง มีรากฐานมาจากสมัยเอโดะและเมจิ (ศตวรรษที่ 17 - 19) เขาได้รับการอบรมเกี่ยวกับประเพณีการวาดภาพสีน้ำมันแบบตะวันตกซึ่งรับมาจากประเทศญี่ปุ่นในสมัยเมจิ

7. ทาคาชิ มุราคามิ “727”

Takashi Murakami น่าจะเป็นศิลปินญี่ปุ่นที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในยุคของเรา ผลงานของเขาขายได้ในราคามหาศาลในการประมูลครั้งใหญ่ และผลงานของเขาได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปินรุ่นใหม่ไม่เฉพาะในญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงต่างประเทศด้วย งานศิลปะของมุราคามิประกอบด้วย ทั้งบรรทัดสภาพแวดล้อมและมักเรียกกันว่าซุปเปอร์เพลน ผลงานของเขามีชื่อเสียงจากการใช้สีโดยผสมผสานลวดลายจากวัฒนธรรมดั้งเดิมและวัฒนธรรมสมัยนิยมของญี่ปุ่น เนื้อหาในภาพวาดของเขามักถูกอธิบายว่า "น่ารัก" "หลอนประสาท" หรือ "เสียดสี"

8. ยาโยอิ คุซามะ “ฟักทอง”

Yaoi Kusama เป็นหนึ่งในศิลปินชาวญี่ปุ่นที่โด่งดังที่สุด เธอสร้างใน เทคนิคต่างๆซึ่งรวมถึงการวาดภาพ ภาพต่อกัน ประติมากรรมแบบซิ การแสดง ศิลปะด้านสิ่งแวดล้อม และการจัดวาง ซึ่งส่วนใหญ่แสดงให้เห็นถึงความสนใจเฉพาะเรื่องของเธอในเรื่องสีไซเคเดลิก การทำซ้ำ และลวดลาย หนึ่งในซีรีย์ที่มีชื่อเสียงที่สุดของเรื่องนี้ ศิลปินผู้ยิ่งใหญ่เป็นซีรีย์ฟักทอง ฟักทองธรรมดาที่มีลายจุดปกคลุมอยู่ สีเหลืองสดใสนำเสนอกับพื้นหลังของเครือข่าย โดยรวมแล้ว องค์ประกอบดังกล่าวทั้งหมดก่อให้เกิดภาษาภาพที่สอดคล้องกับสไตล์ของศิลปินอย่างแท้จริง และได้รับการพัฒนาและปรับปรุงตลอดทศวรรษของการผลิตและการทำซ้ำอย่างอุตสาหะ

9. เทนเมียวยะ ฮิซาชิ “จิตวิญญาณญี่ปุ่นหมายเลข 14”

เท็นเมียวยะ ฮิซาชิเป็นศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นซึ่งมีชื่อเสียงจากผลงานภาพวาดนีโอนิฮงกะ เขามีส่วนร่วมในการฟื้นฟูประเพณีเก่าแก่ของการวาดภาพญี่ปุ่น ซึ่งตรงกันข้ามกับการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่โดยสิ้นเชิง ในปี 2000 เขายังได้สร้างผลงานของเขาด้วย สไตล์ใหม่บูโตฮา ผู้แสดงทัศนคติที่เข้มแข็งต่อผู้มีอำนาจ ระบบศิลปะผ่านภาพวาดของเขา "จิตวิญญาณญี่ปุ่นหมายเลข 14" ถูกสร้างขึ้นโดยเป็นส่วนหนึ่งของโครงการศิลปะ "BASARA" ซึ่งตีความในวัฒนธรรมญี่ปุ่นว่าเป็นพฤติกรรมกบฏของชนชั้นสูงระดับล่างในช่วงยุคสงครามเพื่อปฏิเสธผู้มีอำนาจไม่สามารถบรรลุได้ ภาพในอุดมคติชีวิต แต่งกายด้วยเสื้อผ้าหรูหราฟุ่มเฟือย ประพฤติตามเจตจำนงเสรี ไม่สอดคล้องกับชนชั้นทางสังคม

10. คัตสึชิกะ โฮคุไซ “คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า”

ในที่สุด, " คลื่นลูกใหญ่ในคานากาว่า" น่าจะเป็นที่รู้จักมากที่สุด ภาพวาดญี่ปุ่นเคยเขียน นี่คือที่สุดจริงๆ งานที่มีชื่อเสียงศิลปะที่สร้างขึ้นในประเทศญี่ปุ่น เป็นภาพคลื่นขนาดใหญ่ที่คุกคามเรือนอกชายฝั่งของจังหวัดคานากาว่า แม้ว่าบางครั้งจะถูกเข้าใจผิดว่าเป็นสึนามิ แต่คลื่นดังที่ชื่อภาพบอกไว้ มีแนวโน้มว่าคลื่นจะสูงผิดปกติ ภาพวาดนี้สร้างขึ้นตามประเพณีอุกิโยะเอะ

ยาโยอิ คุซามะ ไม่น่าจะตอบได้ว่าอะไรคือรากฐานในอาชีพศิลปินของเธอ เธออายุ 87 ปี งานศิลปะของเธอได้รับการยอมรับไปทั่วโลก เร็วๆ นี้จะมีการจัดแสดงผลงานสำคัญๆ ของเธอในสหรัฐอเมริกาและญี่ปุ่น แต่เธอยังไม่ได้บอกทุกอย่างให้โลกรู้ “มันยังอยู่ในระหว่างทาง ฉันจะสร้างสิ่งนี้ขึ้นมาในอนาคต" คุซามะกล่าว เธอถูกเรียกว่าเป็นศิลปินที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในญี่ปุ่น นอกจากนี้เธอยังเป็นศิลปินที่ยังมีชีวิตอยู่ซึ่งมีราคาแพงที่สุด: ในปี 2014 ภาพวาดของเธอ "White No. 28" ถูกขายในราคา 7.1 ล้านเหรียญสหรัฐ

คุซามะอาศัยอยู่ในโตเกียวและสมัครใจอยู่ในโรงพยาบาลจิตเวชมาเกือบสี่สิบปีแล้ว วันละครั้งเธอจะออกจากผนังเพื่อทาสี เธอตื่นนอนตอนตีสาม นอนไม่หลับและอยากใช้เวลาทำงานอย่างมีประสิทธิผล “ฉันแก่แล้ว แต่ฉันก็ยังจะสร้าง การทำงานมากขึ้นและผลงานที่ดีที่สุด มากกว่าที่ฉันเคยทำมาในอดีต จิตใจของฉันเต็มไปด้วยภาพ” เธอกล่าว

(ทั้งหมด 17 ภาพ)

ยาโยอิ คุซามะในนิทรรศการผลงานของเขาในลอนดอน เมื่อปี 1985 ภาพ: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock

ตั้งแต่เก้าโมงถึงหกโมงเย็น คุซามะทำงานในสตูดิโอสามชั้นของเขาโดยไม่ต้องลุกจากเตียง รถเข็นคนพิการ- เธอเดินได้แต่อ่อนแอเกินไป ผู้หญิงทำงานบนผืนผ้าใบที่วางอยู่บนโต๊ะหรือจับจ้องไปที่พื้น สตูดิโอเต็มไปด้วยภาพวาดใหม่ๆ ผลงานที่สดใสเต็มไปด้วยจุดเล็กๆ ศิลปินเรียกสิ่งนี้ว่า "การเงียบตัวเอง" - การกล่าวซ้ำไม่รู้จบซึ่งจะกลบเสียงในหัวของเธอ

ก่อนงานประกาศรางวัลศิลปะ Praemium Imperiale ที่กรุงโตเกียว ประจำปี 2549 ภาพ: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock

ฝั่งตรงข้ามจะเปิดเร็วๆ นี้ แกลเลอรี่ใหม่และพิพิธภัณฑ์ศิลปะของเธออีกแห่งหนึ่งกำลังถูกสร้างขึ้นทางตอนเหนือของโตเกียว นอกจากนี้ ยังมีการเปิดนิทรรศการสำคัญสองนิทรรศการผลงานของเธออีกด้วย “Yayoi Kusama: Infinity Mirrors” ซึ่งเป็นการรำลึกถึงอาชีพการงาน 65 ปีของเธอ เปิดที่พิพิธภัณฑ์ Hirshhorn ในกรุงวอชิงตันเมื่อวันที่ 23 กุมภาพันธ์และดำเนินไปจนถึงวันที่ 14 พฤษภาคม ก่อนที่จะเดินทางไปยังซีแอตเทิล ลอสแองเจลิส โตรอนโต และคลีฟแลนด์ นิทรรศการประกอบด้วยภาพวาด 60 ชิ้นโดยคุซามะ

ลายจุดของเธอครอบคลุมทุกอย่างตั้งแต่ชุดของ Louis Vuitton ไปจนถึงรถโดยสารในตัวเธอ บ้านเกิด- ผลงานของ Kusama ขายได้เป็นประจำหลายล้านดอลลาร์ และสามารถพบได้ทั่วโลก ตั้งแต่นิวยอร์กไปจนถึงอัมสเตอร์ดัม นิทรรศการผลงานของศิลปินชาวญี่ปุ่นได้รับความนิยมมากจนต้องมีมาตรการเพื่อป้องกันฝูงชนและการจลาจล ตัวอย่างเช่น ใน Hirshhorn จำหน่ายตั๋วเข้าชมนิทรรศการที่ เวลาที่แน่นอนเพื่อควบคุมการไหลเวียนของผู้เข้าชม

การนำเสนอการออกแบบร่วมกันของ Louis Vuitton และ Yayoi Kusama ในนิวยอร์กในปี 2012 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

แต่คุซามะยังคงต้องการการอนุมัติจากภายนอก เมื่อถูกถามในการให้สัมภาษณ์ว่าเธอบรรลุเป้าหมายในการเป็นคนรวยและมีชื่อเสียงเมื่อหลายสิบปีก่อนหรือไม่ เธอกล่าวด้วยความประหลาดใจว่า “ตอนที่ฉันยังเด็ก ฉันมีช่วงเวลาที่ยากลำบากมากในการโน้มน้าวแม่ว่าฉันอยากเป็นศิลปิน จริงหรือที่ฉันรวยและมีชื่อเสียง?

คุซามะเกิดที่เมืองมัตสึโมโตะ บนภูเขาทางตอนกลางของญี่ปุ่น ในปี 1929 ในครอบครัวที่ร่ำรวยและอนุรักษ์นิยมซึ่งขายต้นกล้า แต่มันไม่ใช่บ้านที่มีความสุข แม่ของเธอดูถูกสามีนอกใจของเธอ จึงส่งคุซามะตัวน้อยไปสอดแนมเขา เด็กหญิงเห็นพ่อของเธออยู่กับผู้หญิงคนอื่น และสิ่งนี้ทำให้เธอรังเกียจเรื่องเพศตลอดชีวิต

หน้าต่างบูติกของ Louis Vuitton ออกแบบโดย Kusama ในปี 2012 ภาพ: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock

เมื่อตอนเป็นเด็ก เธอเริ่มมีอาการประสาทหลอนทั้งทางสายตาและการได้ยิน ครั้งแรกที่เธอเห็นฟักทอง เธอจินตนาการว่ามันกำลังคุยกับเธอ ศิลปินในอนาคตจัดการกับนิมิตโดยสร้างรูปแบบซ้ำๆ เพื่อกลบความคิดในหัวของเธอ แม้กระทั่งในเรื่องนี้ เมื่ออายุยังน้อยศิลปะกลายเป็นการบำบัดแบบหนึ่งสำหรับเธอ ซึ่งต่อมาเธอเรียกว่า "เวชศาสตร์ศิลปะ"

ผลงานของ ยาโยอิ คุซามะ จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ ศิลปะร่วมสมัยวิทนีย์ในปี 2555 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

แม่ของคุซามะต่อต้านความปรารถนาของลูกสาวในการเป็นศิลปินอย่างรุนแรง และยืนกรานให้เด็กสาวเดินตามเส้นทางดั้งเดิม “เธอไม่ยอมให้ฉันวาดรูป เธออยากให้ฉันแต่งงาน” ศิลปินกล่าวในการให้สัมภาษณ์ - เธอโยนงานของฉันทิ้งไป ฉันอยากจะโยนตัวเองลงใต้รถไฟ ฉันทะเลาะกับแม่ทุกวัน จิตใจฉันจึงเสียหาย”

ในปีพ.ศ. 2491 หลังจากสิ้นสุดสงคราม คุซามะได้เดินทางไปเกียวโตเพื่อศึกษาการวาดภาพนิฮงกะของญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมโดยมีกฎเกณฑ์ที่เข้มงวด เธอเกลียดงานศิลปะประเภทนี้

หนึ่งในนิทรรศการจากนิทรรศการ ยาโยอิ คุซามะ ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะร่วมสมัยวิทนีย์ เมื่อปี พ.ศ. 2555 ภาพ: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock

เมื่อคุซามะอาศัยอยู่ที่มัตสึโมโตะ เธอพบหนังสือของจอร์เจีย โอคีฟ และรู้สึกทึ่งกับภาพวาดในนั้น เด็กหญิงคนนั้นไปที่สถานทูตอเมริกันในโตเกียวเพื่อค้นหาบทความเกี่ยวกับ O'Keefe ในสารบบที่นั่นและค้นหาที่อยู่ของเธอ คุซามะเขียนจดหมายถึงเธอและส่งภาพวาดให้เธอ และทำให้เธอประหลาดใจ ศิลปินชาวอเมริกันตอบเธอ

“ฉันไม่อยากจะเชื่อโชคของฉันเลย! เธอใจดีมากจนเธอตอบสนองต่อความรู้สึกที่ปะทุออกมาอย่างกะทันหันจากคนเจียมเนื้อเจียมตัว สาวญี่ปุ่นซึ่งเธอไม่เคยพบมาก่อนในชีวิตหรือแม้แต่เคยได้ยินชื่อมาก่อน” ศิลปินเขียนไว้ในอัตชีวประวัติของเธอ “Infinity Net”

Yayoi Kusama ในหน้าต่างบูติกของ Louis Vuitton ในนิวยอร์กในปี 2012 ภาพ: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock

แม้ว่า O'Keeffe จะเตือนว่าชีวิตเป็นเรื่องยากมากสำหรับศิลปินรุ่นเยาว์ในสหรัฐอเมริกา ไม่ต้องพูดถึงเด็กสาวโสดในญี่ปุ่น แต่ Kusama ก็ผ่านพ้นไม่ได้ ในปีพ.ศ. 2500 เธอได้รับหนังสือเดินทางและวีซ่า เธอเย็บเงินดอลลาร์เข้ากับชุดของเธอเพื่อหลีกเลี่ยงการควบคุมเงินตราหลังสงครามอย่างเข้มงวด

สถานที่แรกคือซีแอตเทิล ซึ่งเธอจัดนิทรรศการในแกลเลอรีเล็กๆ จากนั้นคุซามะก็เดินทางไปนิวยอร์กซึ่งเธอรู้สึกผิดหวังอย่างขมขื่น “นิวยอร์กเป็นสถานที่ที่ชั่วร้ายและรุนแรงไม่เหมือนกับมัตสึโมโตะหลังสงคราม มันกลายเป็นเรื่องเครียดเกินไปสำหรับฉัน และในไม่ช้าฉันก็กลายเป็นโรคประสาท” ที่เลวร้ายยิ่งกว่านั้น คุซามะพบว่าตัวเองยากจนข้นแค้นโดยสิ้นเชิง ประตูเก่าทำหน้าที่เป็นเตียงของเธอ และเธอก็เอาหัวปลาและผักเน่าๆ จากถังขยะมาทำซุป

การติดตั้ง ห้องกระจกอินฟินิตี้ - รักตลอดไป (“ห้องที่มีกระจกอินฟินิตี้ - รักตลอดไป”) ภาพ: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock

สถานการณ์ที่ยากลำบากนี้ทำให้ Kusama ทุ่มเทให้กับงานของเขามากยิ่งขึ้น เธอเริ่มสร้างสรรค์ภาพวาดชิ้นแรกในซีรีส์ Infinity Net ซึ่งครอบคลุมผืนผ้าใบขนาดใหญ่ (หนึ่งในนั้นสูง 10 เมตร) พร้อมด้วยคลื่นลูกเล็กที่ชวนให้หลงใหลซึ่งดูเหมือนจะไม่มีที่สิ้นสุด ศิลปินเองก็อธิบายสิ่งเหล่านี้ไว้ดังนี้: “เครือข่ายสีขาวที่ห่อหุ้มจุดสีดำแห่งความตายอันเงียบงันโดยมีฉากหลังเป็นความมืดมิดที่สิ้นหวังแห่งความว่างเปล่า”

การติดตั้งโดย Yayoi Kusama ในงานเปิดอาคารใหม่ของ Garage Museum of Contemporary Art ที่ Gorky Central Park of Culture and Culture ในมอสโกในปี 2015 ภาพ: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock

การทำซ้ำๆ แบบย้ำคิดย้ำทำนี้ช่วยขับไล่โรคประสาทออกไปได้ แต่ก็ไม่ได้ช่วยเสมอไป คุซามะป่วยเป็นโรคจิตอย่างต่อเนื่องและต้องเข้าโรงพยาบาลในนิวยอร์ก ด้วยความทะเยอทะยาน จุดมุ่งหมาย และการยอมรับบทบาทของสาวเอเชียที่แปลกหน้าในชุดกิโมโนอย่างมีความสุข เธอจึงเข้าร่วมกับฝูงชน ผู้มีอิทธิพลในงานศิลปะและสื่อสารกับศิลปินที่มีชื่อเสียงเช่น Mark Rothko และ Andy Warhol คุซามะกล่าวในภายหลังว่าวอร์ฮอลเลียนแบบงานของเธอ

ในไม่ช้า คุซามะก็ได้รับชื่อเสียงและจัดแสดงในแกลเลอรีที่มีผู้คนพลุกพล่าน นอกจากนี้ชื่อเสียงของศิลปินยังกลายเป็นเรื่องอื้อฉาวอีกด้วย

ในช่วงทศวรรษที่ 1960 ขณะที่ Kusama หมกมุ่นอยู่กับลายจุด เธอเริ่มจัดฉากในนิวยอร์กซิตี้ โดยสนับสนุนให้ผู้คนเปลื้องผ้าในสถานที่ต่างๆ เช่น Central Park และสะพานบรูคลิน และวาดภาพร่างกายด้วยลายจุด

ก่อนจัดแสดงที่ Art Basel ในฮ่องกงในปี 2013 ภาพ: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock

หลายทศวรรษก่อนขบวนการ Occupy Wall Street คุซามะได้จัดเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในย่านการเงินของนิวยอร์ก โดยประกาศว่าเธอต้องการ "ทำลายคนในวอลล์สตรีทด้วยลายจุด" ในช่วงเวลานี้ เธอเริ่มคลุมสิ่งของต่างๆ เช่น เก้าอี้ เรือ รถเข็นเด็ก โดยมีส่วนยื่นออกมาคล้ายลึงค์ “ฉันเริ่มสร้างอวัยวะเพศชายเพื่อรักษาความรู้สึกเกลียดชังทางเพศ” ศิลปินเขียนโดยอธิบายว่าสิ่งนี้เกิดขึ้นได้อย่างไร กระบวนการสร้างสรรค์ค่อยๆ เปลี่ยนสิ่งที่เลวร้ายให้กลายเป็นสิ่งที่คุ้นเคย

การติดตั้ง "ผ่านฤดูหนาว" ที่ Tate Gallery ในลอนดอน ภาพ: James Gourley/REX/Shutterstock

คุซามะไม่เคยแต่งงาน แม้ว่าเธอจะมีความสัมพันธ์แบบการแต่งงานกับศิลปินโจเซฟ คอร์เนลเป็นเวลาสิบปีในขณะที่อาศัยอยู่ในนิวยอร์ก “ฉันไม่ชอบเซ็กส์ และเขาก็ไร้สมรรถภาพ ดังนั้นเราจึงเข้ากันได้ดีมาก” เธอกล่าวในการให้สัมภาษณ์กับนิตยสาร Art

คุซามะมีชื่อเสียงมากขึ้นจากการแสดงตลกของเธอ เธอเสนอที่จะนอนกับประธานาธิบดีริชาร์ด นิกสันของสหรัฐอเมริกา หากเขาจะยุติสงครามในเวียดนาม “มาตกแต่งกันด้วยลายจุดกันเถอะ” เธอเขียนถึงเขาในจดหมาย ความสนใจในงานศิลปะของเธอก็จางหายไป เธอพบว่าตัวเองไม่เป็นที่โปรดปราน และปัญหาเรื่องเงินก็เริ่มต้นขึ้นอีกครั้ง

ยาโยอิ คุซามะ ระหว่างชมผลงานของเธอที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่วิทนีย์ในนิวยอร์ก เมื่อปี 2012 ภาพ: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock

ข่าวการหลบหนีของคุซามะไปถึงญี่ปุ่น พวกเขาเริ่มเรียกเธอว่าเป็น "ภัยพิบัติระดับชาติ" และแม่ของเธอบอกว่าจะดีกว่าถ้าลูกสาวของเธอเสียชีวิตด้วยโรคนี้ในวัยเด็ก ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 กลุ่มผู้ยากจนและ ล้มเหลวคุซามะกลับญี่ปุ่น เธอลงทะเบียนในโรงพยาบาลจิตเวชซึ่งเธอยังมีชีวิตอยู่ และจมดิ่งลงสู่ความสับสนทางศิลปะ

ในปี 1989 ศูนย์ศิลปะร่วมสมัยในนิวยอร์กได้จัดแสดงผลงานย้อนหลังของเธอ นี่คือจุดเริ่มต้นของการฟื้นฟูความสนใจในงานศิลปะของคุซามะ แม้ว่าจะช้าก็ตาม เธอเติมเต็มห้องกระจกด้วยฟักทองสำหรับงานศิลปะจัดวางซึ่งจัดแสดงที่ Venice Biennale ในปี 1993 และมีนิทรรศการใหญ่ที่ MoMa ในนิวยอร์กในปี 1998 นี่คือที่ที่เธอเคยจัดฉากเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น

ในนิทรรศการ My Eternal Soul ที่ศูนย์ศิลปะแห่งชาติในกรุงโตเกียว กุมภาพันธ์ 2017 ภาพ: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

ในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมา ยาโยอิ คุซามะ ได้กลายเป็นปรากฏการณ์ระดับนานาชาติ หอศิลป์เทตโมเดิร์นในลอนดอนและพิพิธภัณฑ์วิทนีย์ในนิวยอร์กจัดงานย้อนหลังครั้งสำคัญซึ่งดึงดูดผู้เข้าชมจำนวนมาก และลวดลายลายจุดอันเป็นเอกลักษณ์ก็กลายเป็นที่รู้จักอย่างสูง

ในนิทรรศการ My Eternal Soul ที่ศูนย์ศิลปะแห่งชาติในกรุงโตเกียว กุมภาพันธ์ 2017 ภาพ: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

ศิลปินไม่มีแผนที่จะหยุดทำงาน แต่เริ่มคิดถึงการเสียชีวิตของเธอแล้ว “ฉันไม่รู้ว่าฉันสามารถอยู่รอดได้นานแค่ไหนแม้จะตายไปแล้ว มีคนรุ่นอนาคตที่เดินตามรอยเท้าของฉัน มันจะเป็นเกียรติสำหรับฉันหากผู้คนสนุกกับการดูผลงานของฉันและหากพวกเขาประทับใจกับงานศิลปะของฉัน”

ในนิทรรศการ My Eternal Soul ที่ศูนย์ศิลปะแห่งชาติในกรุงโตเกียว กุมภาพันธ์ 2017 ภาพ: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

แม้ว่างานศิลปะของเธอจะถูกนำไปใช้ในเชิงพาณิชย์ แต่คุซามะก็ยังคิดถึงหลุมศพในมัตสึโมโตะ ไม่ใช่ในห้องใต้ดินของครอบครัว แต่เธอก็สืบทอดมันมาจากพ่อแม่ของเธออยู่ดี และจะไม่เปลี่ยนมันให้เป็นศาลเจ้าได้อย่างไร “แต่ฉันยังไม่ตาย ฉันคิดว่าฉันจะมีชีวิตอยู่ต่อไปอีก 20 ปี” เธอกล่าว

ในนิทรรศการ My Eternal Soul ที่ศูนย์ศิลปะแห่งชาติในกรุงโตเกียว กุมภาพันธ์ 2017 ภาพ: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock

ซึ่งครอบคลุมเทคนิคและสไตล์มากมาย ตลอดประวัติศาสตร์ มีการเปลี่ยนแปลงมากมาย มีการเพิ่มประเพณีและประเภทใหม่ๆ และยังคงหลักการดั้งเดิมของญี่ปุ่นไว้ พร้อมด้วย เรื่องราวที่น่าทึ่งภาพวาดญี่ปุ่นยังพร้อมนำเสนอข้อเท็จจริงอันเป็นเอกลักษณ์และน่าสนใจมากมาย

ญี่ปุ่นโบราณ

รูปแบบแรกปรากฏในสมัยโบราณที่สุด ช่วงเวลาทางประวัติศาสตร์ประเทศต่างๆ แม้กระทั่งก่อนคริสต์ศักราช จ. จากนั้นศิลปะก็ค่อนข้างดึกดำบรรพ์ ครั้งแรกใน 300 ปีก่อนคริสตกาล จ. ต่างๆ รูปทรงเรขาคณิตซึ่งดำเนินการกับเครื่องปั้นดินเผาโดยใช้ไม้ การค้นพบดังกล่าวโดยนักโบราณคดีเช่นการตกแต่งระฆังทองสัมฤทธิ์มีอายุย้อนกลับไปในเวลาต่อมา

ต่อมาอีกเล็กน้อยในคริสตศักราช 300 e. ปรากฏขึ้น ภาพวาดถ้ำซึ่งมีความหลากหลายมากกว่ามาก เครื่องประดับเรขาคณิต- ภาพเหล่านี้เป็นภาพที่มีรูปภาพครบถ้วนอยู่แล้ว พวกเขาถูกพบในห้องใต้ดิน และอาจเป็นไปได้ว่าผู้คนที่ถูกวาดบนนั้นถูกฝังอยู่ในบริเวณฝังศพเหล่านี้

ในคริสตศตวรรษที่ 7 จ. ญี่ปุ่นรับเอาการเขียนที่มาจากประเทศจีน ในเวลาเดียวกัน ภาพวาดชิ้นแรกก็มาจากที่นั่น จากนั้นภาพวาดก็ปรากฏเป็นงานศิลปะที่แยกจากกัน

เอโดะ

เอโดะอยู่ไกลจากภาพวาดแรกและไม่ใช่ภาพสุดท้าย แต่ได้นำสิ่งใหม่ๆ มาสู่วัฒนธรรมมากมาย ประการแรกคือความสว่างและสีสันที่เพิ่มเข้ามาในเทคนิคปกติซึ่งแสดงในโทนสีดำและสีเทา ที่สุด ศิลปินที่โดดเด่นลักษณะนี้ถือว่าโซทาสุ เขาสร้าง ภาพวาดคลาสสิกแต่ตัวละครของเขามีสีสันมาก ต่อมาเขาเปลี่ยนมาสู่ธรรมชาติ และภูมิทัศน์ส่วนใหญ่ของเขาถูกทาสีด้วยพื้นหลังปิดทอง

ประการที่สอง ในสมัยเอโดะ ลัทธินอกรีต แนวนัมบังก็ปรากฏขึ้น ใช้เทคนิคยุโรปและจีนสมัยใหม่ที่ผสมผสานกับสไตล์ญี่ปุ่นดั้งเดิม

และประการที่สาม โรงเรียนนางาก็ปรากฏตัวขึ้น ในนั้นศิลปินจะเลียนแบบหรือคัดลอกผลงานของอาจารย์ชาวจีนโดยสิ้นเชิงก่อน จากนั้นกิ่งก้านใหม่ก็ปรากฏขึ้น เรียกว่า bunjing

ยุคสมัยใหม่

สมัยเอโดะเปิดทางให้กับเมจิ และตอนนี้ภาพวาดของญี่ปุ่นถูกบังคับให้ทำเช่นนั้น เวทีใหม่การพัฒนา. ในเวลานี้ ประเภทต่างๆ เช่น ตะวันตกและประเภทอื่นๆ กำลังได้รับความนิยมไปทั่วโลก ดังนั้นความทันสมัยของศิลปะจึงกลายเป็นเรื่องธรรมดา อย่างไรก็ตาม ในญี่ปุ่น ซึ่งเป็นประเทศที่ทุกคนเคารพประเพณี เวลาที่กำหนดสถานการณ์แตกต่างอย่างมากจากสิ่งที่เกิดขึ้นในประเทศอื่น การแข่งขันระหว่างช่างเทคนิคชาวยุโรปและท้องถิ่นนั้นดุเดือดที่นี่

รัฐบาลในขั้นตอนนี้ให้ความสำคัญกับศิลปินรุ่นเยาว์ที่ส่งผลงาน ความหวังที่ยิ่งใหญ่เพื่อพัฒนาทักษะแบบตะวันตก พวกเขาจึงส่งพวกเขาไปโรงเรียนในยุโรปและอเมริกา

แต่นี่เป็นเพียงช่วงต้นยุคเท่านั้น ความจริงก็คือว่า นักวิจารณ์ชื่อดังศิลปะตะวันตกถูกวิพากษ์วิจารณ์ค่อนข้างรุนแรง เพื่อหลีกเลี่ยงปัญหาใหญ่เกี่ยวกับปัญหานี้ สไตล์ยุโรปและเทคนิคเหล่านี้เริ่มถูกห้ามในนิทรรศการ การจัดแสดงก็หยุดลง เช่นเดียวกับความนิยมของพวกเขา

การเกิดขึ้นของสไตล์ยุโรป

ถัดมาเป็นยุคไทโช ช่วงนี้ศิลปินหนุ่มที่ไปเรียนต่อที่โรงเรียนต่างประเทศกลับมาบ้านเกิด โดยธรรมชาติแล้วพวกเขานำภาพวาดญี่ปุ่นรูปแบบใหม่ซึ่งคล้ายกับภาพวาดของยุโรปมาด้วย อิมเพรสชันนิสม์และโพสต์อิมเพรสชันนิสม์ปรากฏขึ้น

บน ที่เวทีนี้โรงเรียนหลายแห่งกำลังก่อตัวขึ้นโดยที่คนสมัยก่อนกำลังฟื้นขึ้นมา สไตล์ญี่ปุ่น- แต่มันเป็นไปไม่ได้เลยที่จะกำจัดแนวโน้มแบบตะวันตกออกไปโดยสิ้นเชิง ดังนั้นเราจึงต้องผสมผสานเทคนิคหลายอย่างเข้าด้วยกันเพื่อเอาใจทั้งผู้ชื่นชอบความคลาสสิกและผู้ที่ชื่นชอบการวาดภาพยุโรปสมัยใหม่

โรงเรียนบางแห่งได้รับทุนจากรัฐ ซึ่งทำให้สามารถรักษาประเพณีของชาติหลายประการไว้ได้ เจ้าของเอกชนถูกบังคับให้ปฏิบัติตามผู้นำของผู้บริโภคที่ต้องการสิ่งใหม่ ๆ พวกเขาเบื่อหน่ายกับความคลาสสิก

ภาพวาดจากสงครามโลกครั้งที่สอง

หลังจากเริ่มเข้าสู่ช่วงสงคราม ภาพวาดของญี่ปุ่นยังคงห่างไกลจากเหตุการณ์ต่างๆ มาระยะหนึ่งแล้ว มันพัฒนาแยกกันและเป็นอิสระ แต่สิ่งนี้ไม่สามารถดำเนินต่อไปได้ตลอดไป

เมื่อเวลาผ่านไป เมื่อสถานการณ์ทางการเมืองในประเทศแย่ลง บุคคลระดับสูงและได้รับความเคารพจะดึงดูดศิลปินจำนวนมาก บางคนเริ่มสร้างสไตล์รักชาติแม้ในช่วงเริ่มต้นของสงคราม ส่วนที่เหลือจะเริ่มกระบวนการนี้ตามคำสั่งจากเจ้าหน้าที่เท่านั้น

ตามนั้นครับ ภาษาญี่ปุ่น ศิลปะในช่วงสงครามโลกครั้งที่สองมันไม่สามารถทำได้ ดังนั้นสำหรับการทาสีจึงเรียกได้ว่านิ่ง

ซุยโบกุงะผู้เป็นนิรันดร์

ภาพวาดซูมิเอะของญี่ปุ่นหรือซุยโบกุกะ แปลว่า "ภาพวาดหมึก" อย่างแท้จริง นี่เป็นตัวกำหนดสไตล์และเทคนิค ของศิลปะนี้- มันมาจากประเทศจีน แต่ญี่ปุ่นก็ตัดสินใจเรียกมันว่าเป็นของตัวเอง และในตอนแรกเทคนิคนี้ไม่มีด้านความสวยงามเลย พระสงฆ์ใช้เพื่อการพัฒนาตนเองขณะศึกษาเซน นอกจากนี้พวกเขาวาดภาพก่อนแล้วจึงฝึกสมาธิขณะชมภาพเหล่านั้น พระภิกษุเชื่อว่าเส้นที่เข้มงวด โทนสีและเงาที่พร่ามัว - ทั้งหมดที่เรียกว่าเอกรงค์ - ช่วยปรับปรุง

การวาดภาพด้วยหมึกของญี่ปุ่น แม้จะมีภาพวาดและเทคนิคที่หลากหลาย แต่ก็ไม่ซับซ้อนเท่าที่ควรเมื่อมองแวบแรก มันขึ้นอยู่กับเพียง 4 แปลง:

1. ดอกเบญจมาศ.
2. กล้วยไม้.
3. สาขาบ๊วย.
4. ไม้ไผ่.

แผนการจำนวนน้อยไม่ได้ช่วยให้เชี่ยวชาญเทคนิคได้อย่างรวดเร็ว อาจารย์บางคนเชื่อว่าการเรียนรู้จะคงอยู่ตลอดชีวิต

แม้ว่า sumi-e จะปรากฏตัวเมื่อนานมาแล้ว แต่ก็ยังเป็นที่ต้องการอยู่เสมอ ยิ่งไปกว่านั้น วันนี้คุณจะได้พบกับอาจารย์ของโรงเรียนแห่งนี้ ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้น แต่ยังแพร่หลายไปไกลเกินขอบเขตอีกด้วย

ยุคสมัยใหม่

หลังจากสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่สอง ศิลปะในญี่ปุ่นเจริญรุ่งเรืองเฉพาะในเมืองใหญ่เท่านั้น ชาวบ้านและชาวบ้านก็มีความกังวลมากพอแล้ว ศิลปินส่วนใหญ่พยายามหันหลังให้กับการสูญเสียในช่วงสงครามและพรรณนาชีวิตในเมืองสมัยใหม่บนผืนผ้าใบด้วยการตกแต่งและคุณสมบัติทั้งหมด แนวคิดของยุโรปและอเมริกาได้รับการยอมรับอย่างประสบความสำเร็จ แต่สถานการณ์นี้อยู่ได้ไม่นาน ปรมาจารย์หลายคนเริ่มค่อยๆ ย้ายจากพวกเขาไปโรงเรียนญี่ปุ่น

สไตล์ดั้งเดิมยังคงเป็นแฟชั่นอยู่เสมอ ดังนั้นการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่จึงมีความแตกต่างกันเฉพาะในเทคนิคการดำเนินการหรือวัสดุที่ใช้ในกระบวนการเท่านั้น แต่ศิลปินส่วนใหญ่ไม่ค่อยรับรู้ถึงนวัตกรรมต่างๆ ได้ดีนัก

เป็นไปไม่ได้ที่จะไม่พูดถึงวัฒนธรรมย่อยสมัยใหม่ที่ทันสมัย ​​เช่น อะนิเมะและสไตล์ที่คล้ายคลึงกัน ศิลปินหลายคนพยายามทำให้เส้นแบ่งระหว่างความคลาสสิกกับสิ่งที่เป็นที่ต้องการในปัจจุบันไม่ชัดเจน สถานการณ์นี้ส่วนใหญ่เกิดจากการพาณิชย์ แนวคลาสสิกและแบบดั้งเดิมไม่ได้ซื้อจริง ๆ ดังนั้นการทำงานเป็นศิลปินในแนวที่คุณชื่นชอบจึงไม่มีประโยชน์คุณต้องปรับตัวให้เข้ากับแฟชั่น

บทสรุป

ไม่ต้องสงสัยเลยว่าภาพวาดของญี่ปุ่นถือเป็นขุมทรัพย์แห่งวิจิตรศิลป์ บางทีประเทศที่เป็นปัญหาอาจเป็นประเทศเดียวที่ไม่ตามกระแสตะวันตกและไม่ปรับตัวเข้ากับแฟชั่น แม้จะมีความพ่ายแพ้หลายครั้งในระหว่างการใช้เทคนิคใหม่ๆ แต่ศิลปินญี่ปุ่นก็ยังคงสามารถปกป้องได้ ประเพณีประจำชาติในหลายประเภท นี่อาจเป็นเหตุผลว่าทำไมภาพวาดที่ทำในรูปแบบคลาสสิกจึงมีมูลค่าสูงในนิทรรศการในปัจจุบัน

สวัสดี, ผู้อ่านที่รัก– ผู้แสวงหาความรู้และความจริง!

ศิลปินญี่ปุ่นมีสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ ซึ่งได้รับการยกย่องจากปรมาจารย์รุ่นต่อรุ่น วันนี้เราจะมาพูดถึงตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของภาพวาดญี่ปุ่นและภาพวาดของพวกเขาตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงสมัยใหม่

เรามาดำดิ่งสู่ศิลปะแห่งดินแดนอาทิตย์อุทัยกันดีกว่า

การกำเนิดของศิลปะ

ศิลปะการวาดภาพโบราณในญี่ปุ่นมีความเกี่ยวข้องกับลักษณะเฉพาะของการเขียนเป็นหลัก ดังนั้นจึงสร้างขึ้นจากรากฐานของการประดิษฐ์ตัวอักษร ตัวอย่างแรกประกอบด้วยเศษระฆังทองสัมฤทธิ์ จานชาม และของใช้ในครัวเรือนที่พบในระหว่างการขุดค้น หลายชิ้นถูกทาสีด้วยสีธรรมชาติ และการวิจัยก็ให้เหตุผลที่เชื่อได้ว่าผลิตภัณฑ์เหล่านี้ผลิตขึ้นก่อน 300 ปีก่อนคริสตกาล

การพัฒนางานศิลปะรอบใหม่เริ่มต้นด้วยการมาถึงญี่ปุ่น เอมากิโมโนะ - ม้วนกระดาษพิเศษ - ตกแต่งด้วยรูปเทพแห่งวิหารแพนธีออน ภาพเหตุการณ์ชีวิตของอาจารย์และผู้ติดตามของเขา

ความโดดเด่นของธีมทางศาสนาในการวาดภาพสามารถสืบย้อนไปได้ในญี่ปุ่นยุคกลาง ตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ถึงศตวรรษที่ 15 อนิจจาชื่อของศิลปินในยุคนั้นยังไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในช่วงศตวรรษที่ 15-18 ยุคใหม่เริ่มต้นขึ้นโดยมีลักษณะเป็นการปรากฏตัวของศิลปินที่มีการพัฒนา สไตล์ของแต่ละบุคคล- พวกเขากำหนดเวกเตอร์ การพัฒนาต่อไปทัศนศิลป์.

ตัวแทนที่สดใสในอดีต

เครียด Xubun (ต้นศตวรรษที่ 15)

เพื่อที่จะเป็นปรมาจารย์ที่โดดเด่น ซิ่วบุนได้ศึกษาเทคนิคการเขียนของศิลปินเพลงของจีนและผลงานของพวกเขา ต่อมาเขาได้กลายเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งการวาดภาพในญี่ปุ่นและเป็นผู้สร้าง sumi-e

ซูมิเอะ – สไตล์ศิลปะซึ่งใช้การวาดภาพด้วยหมึกจึงเป็นสีเดียว

Syubun ทำหลายอย่างเพื่อให้แน่ใจว่ารูปแบบใหม่หยั่งรากในแวดวงศิลปะ เขาสอนศิลปะให้กับผู้มีความสามารถอื่นๆ รวมถึงจิตรกรชื่อดังในอนาคต เช่น Sesshu

ที่สุด ภาพวาดยอดนิยม Syubuna ถูกเรียกว่า "การอ่านในป่าไผ่"

"การอ่านในป่าไผ่" โดย Tense Xubun

ฮาเซกาวะ โทฮาคุ (1539–1610)

เขากลายเป็นผู้สร้างโรงเรียนที่ตั้งชื่อตามตัวเขาเอง - ฮาเซกาวะ ในตอนแรกเขาพยายามปฏิบัติตามหลักการของโรงเรียนคาโน แต่ค่อยๆ "ลายมือ" ของแต่ละคนเริ่มถูกติดตามในผลงานของเขา Tohaku ได้รับคำแนะนำจากกราฟิก Sesshu

พื้นฐานของงานคือภูมิทัศน์ที่เรียบง่าย กระชับ แต่สมจริงพร้อมชื่อที่เรียบง่าย:

• "ต้นสน";
• "เมเปิ้ล";
• "ต้นสนและไม้ดอก"

"ต้นสน" โดย Hasegawa Tohaku

พี่น้องโอกาตะ โคริน (1658-1716) และโอกาตะ เค็นซัง (1663-1743)

พี่น้องทั้งสองเป็นช่างฝีมือชั้นเยี่ยมแห่งศตวรรษที่ 18 โอกาตะ โคริน คนโต อุทิศตนให้กับการวาดภาพและก่อตั้งแนวริมปะขึ้นมา เขาหลีกเลี่ยงภาพเหมารวม โดยเลือกประเภทอิมเพรสชั่นนิสต์

Ogata Korin วาดภาพธรรมชาติโดยทั่วไปและดอกไม้ในรูปแบบของนามธรรมที่สดใสโดยเฉพาะ พู่กันของเขาเป็นของภาพวาด:

• "ดอกพลัมสีแดงและสีขาว";
• "คลื่นแห่งมัตสึชิมะ";
• "ดอกเบญจมาศ".

"คลื่นแห่งมัตสึชิมะ" โดย โองาตะ โคริน

น้องชาย โอกาตะ เคนซัน มีนามแฝงมากมาย แม้ว่าเขาจะมีส่วนร่วมในการวาดภาพ แต่เขาก็ยังมีชื่อเสียงมากกว่าในฐานะช่างทำเซรามิกที่ยอดเยี่ยม

โอกาตะ เคนซังเชี่ยวชาญเทคนิคมากมายในการสร้างเครื่องเซรามิก เขาโดดเด่นด้วยแนวทางที่ไม่ได้มาตรฐาน เช่น เขาสร้างจานเป็นรูปสี่เหลี่ยมจัตุรัส

ภาพวาดของเขาเองไม่ได้โดดเด่นด้วยความงดงาม - นี่เป็นลักษณะเฉพาะของเขาเช่นกัน เขาชอบที่จะใช้การประดิษฐ์ตัวอักษรหรือข้อความที่ตัดตอนมาจากบทกวีลงบนสิ่งของของเขา บางครั้งพวกเขาก็ทำงานร่วมกับพี่ชายของพวกเขา

คัตสึชิกะ โฮะกุไซ (ค.ศ. 1760-1849)

เขาสร้างขึ้นในสไตล์อุกิโยะ - งานแกะสลักไม้ชนิดหนึ่งหรืออีกนัยหนึ่งคือภาพวาดแกะสลัก ตลอดอาชีพของเขา เขาเปลี่ยนชื่อประมาณ 30 ชื่อ งานดัง– “คลื่นลูกใหญ่ในคานากาว่า” ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงนอกบ้านเกิด

“คลื่นยักษ์นอกคานากาว่า” โดย โฮคุไซ คัตสึชิกะ

โฮะคุไซเริ่มทำงานอย่างหนักเป็นพิเศษหลังอายุ 60 ปี ซึ่งนำมาซึ่งผลลัพธ์ที่ดี แวนโก๊ะ, โมเน่ต์, เรอนัวร์ และใน ในระดับหนึ่งมันมีอิทธิพลต่องานของปรมาจารย์ชาวยุโรป

อันโดะ ฮิโรชิเกะ (1791-1858)

หนึ่งใน ศิลปินที่ยิ่งใหญ่ที่สุดศตวรรษที่ 19. เขาเกิด อาศัย และทำงานในเอโดะ สานต่องานของโฮคุไซ และได้รับแรงบันดาลใจจากผลงานของเขา วิธีที่เขาพรรณนาถึงธรรมชาตินั้นเกือบจะน่าประทับใจพอๆ กับจำนวนผลงานเลยทีเดียว

เอโดะ – ชื่อเดิมโตเกียว.

ต่อไปนี้เป็นตัวเลขบางส่วนเกี่ยวกับผลงานของเขาซึ่งมีภาพเขียนหลายชุดแสดง:

• 5.5 พัน - จำนวนการแกะสลักทั้งหมด
• “100 วิวเอโดะ;
• "36 วิวฟูจิ";
• "69 สถานีของคิโซไคโด";
• "53 สถานีโทไคโด"

จิตรกรรมโดยอันโดะ ฮิโรชิเกะ

สิ่งที่น่าสนใจคือ Van Gogh ผู้มีชื่อเสียงได้วาดภาพแกะสลักของเขาสองสามชุด

ความทันสมัย

ทาคาชิ มุราคามิ

ในฐานะศิลปิน ประติมากร นักออกแบบเสื้อผ้า เขาได้รับชื่อเมื่อปลายศตวรรษที่ 20 ในงานของเขา เขาติดตามเทรนด์แฟชั่นด้วยองค์ประกอบคลาสสิก และได้รับแรงบันดาลใจจากการ์ตูนอนิเมะและมังงะ

จิตรกรรมโดยทาคาชิ มุราคามิ

ผลงานของ Takashi Murakami ถือเป็นวัฒนธรรมย่อย แต่ในขณะเดียวกันก็ได้รับความนิยมอย่างไม่น่าเชื่อ ตัวอย่างเช่นในปี 2008 ผลงานชิ้นหนึ่งของเขาถูกซื้อในการประมูลในราคามากกว่า 15 ล้านดอลลาร์ ครั้งหนึ่งผู้สร้างสมัยใหม่ได้ทำงานร่วมกับบ้านแฟชั่น Marc Jacobs และ Louis Vuitton

อาชิมะเงียบๆ

เธอซึ่งเป็นเพื่อนร่วมงานของศิลปินคนก่อน เธอสร้างสรรค์ภาพวาดเหนือจริงสมัยใหม่ พวกเขาพรรณนาถึงทิวทัศน์ของเมืองถนนในเมืองใหญ่และสิ่งมีชีวิตราวกับมาจากจักรวาลอื่น - ผี วิญญาณชั่วร้าย,สาวต่างดาว. ในพื้นหลังของภาพวาด คุณมักจะสังเกตเห็นธรรมชาติอันบริสุทธิ์ บางครั้งก็ถึงกับธรรมชาติที่น่ากลัวด้วยซ้ำ

ภาพวาดของเธอไปถึง ขนาดใหญ่และไม่ค่อยจำกัดอยู่เพียงสื่อกระดาษเท่านั้น พวกมันถูกถ่ายโอนไปยังวัสดุหนังและพลาสติก

ในปี 2549 ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของนิทรรศการในเมืองหลวงของอังกฤษ ผู้หญิงคนหนึ่งได้สร้างโครงสร้างโค้งประมาณ 20 หลังที่สะท้อนถึงความงามของธรรมชาติของหมู่บ้านและเมืองทั้งกลางวันและกลางคืน หนึ่งในนั้นตกแต่งสถานีรถไฟใต้ดิน

เฮ้ อารากาวะ

ชายหนุ่มไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นเพียงศิลปินในความหมายคลาสสิก - เขาสร้างผลงานศิลปะจัดวางที่ได้รับความนิยมอย่างมากในงานศิลปะแห่งศตวรรษที่ 21 ธีมนิทรรศการของเขาเป็นภาษาญี่ปุ่นอย่างแท้จริงและสัมผัสถึงความสัมพันธ์ฉันมิตรตลอดจนผลงานของทีมงานทั้งหมด

เฮ้ อาราคาวะมักจะเข้าร่วมงาน Biennales ต่างๆ เช่น ในเวนิส จัดแสดงที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ในบ้านเกิดของเขา และสมควรได้รับ หลากหลายชนิดรางวัล

อิเคนากะ ยาสุนาริ

จิตรกรร่วมสมัย Ikenaga Yasunari สามารถผสมผสานสองสิ่งที่ดูเหมือนจะเข้ากันไม่ได้: ชีวิตของเด็กผู้หญิงยุคใหม่ในรูปแบบภาพเหมือนและเทคนิคดั้งเดิมของญี่ปุ่นตั้งแต่สมัยโบราณ ในงานของเขา จิตรกรใช้แปรงพิเศษ เม็ดสีธรรมชาติ หมึก และถ่าน แทนผ้าลินินธรรมดา - ผ้าลินิน

ภาพวาดของอิเคนากะ ยาสุนาริ

เทคนิคที่คล้ายกันในการเปรียบเทียบยุคสมัยที่ปรากฎและ รูปร่างนางเอกให้ความรู้สึกว่าได้กลับมาหาเราจากอดีต

เป็นที่นิยมใน เมื่อเร็วๆ นี้ในชุมชนออนไลน์ ชุดภาพวาดเกี่ยวกับความซับซ้อนของชีวิตจระเข้ก็ถูกสร้างขึ้นโดยนักเขียนการ์ตูนชาวญี่ปุ่น Keigo

บทสรุป

ดังนั้น ภาพวาดของญี่ปุ่นจึงเริ่มต้นขึ้นราวศตวรรษที่ 3 ก่อนคริสต์ศักราช และมีการเปลี่ยนแปลงไปมากตั้งแต่นั้นมา ภาพแรกถูกนำไปใช้กับเครื่องเซรามิกจากนั้นลวดลายทางพุทธศาสนาก็เริ่มมีอิทธิพลเหนืองานศิลปะ แต่ชื่อของผู้เขียนยังไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้

ในยุคปัจจุบัน ปรมาจารย์พู่กันได้รับทุกสิ่ง บุคลิกลักษณะที่ดี, สร้าง ทิศทางที่แตกต่างกัน, โรงเรียน. วิจิตรศิลป์ในปัจจุบันไม่ได้จำกัดอยู่แค่เพียง ภาพวาดแบบดั้งเดิม– มีการใช้ศิลปะจัดวาง การ์ตูนล้อเลียน ประติมากรรม และโครงสร้างพิเศษ

ขอบคุณมากสำหรับความสนใจของคุณผู้อ่านที่รัก! เราหวังว่าคุณจะพบว่าบทความของเรามีประโยชน์ และเรื่องราวเกี่ยวกับชีวิตและผลงานของตัวแทนงานศิลปะที่ฉลาดที่สุดทำให้คุณรู้จักพวกเขามากขึ้น

แน่นอนว่าเป็นเรื่องยากที่จะพูดถึงศิลปินทุกคนตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบันในบทความเดียว ดังนั้นให้นี่เป็นก้าวแรกในการทำความเข้าใจภาพวาดของญี่ปุ่น

และเข้าร่วมกับเรา - สมัครสมาชิกบล็อก - เราจะศึกษาพุทธศาสนาและวัฒนธรรมตะวันออกด้วยกัน!