Ulje na platnu japanskih umjetnika. Umjetnici Japana - od antičkih vremena do danas

japanski klasično slikarstvo ima dugu i zanimljiva priča. Likovna umjetnost Japana zastupljena je u različitim stilovima i žanrovi, od kojih je svaki jedinstven na svoj način. Drevne oslikane figurice i geometrijski motivi pronađeni na dotaku brončanim zvonima i krhotinama keramike potječu iz 300. godine nove ere.

Budistička orijentacija umjetnosti

U Japanu je umjetnost zidnog slikarstva bila prilično razvijena, au 6. stoljeću posebno su popularne slike na temu filozofije budizma. U to su se vrijeme u zemlji gradili veliki hramovi, a njihovi zidovi posvuda su bili ukrašeni freskama oslikanim prema zapletima budističkih mitova i legendi. Do sada su drevni uzorci zidnih slika sačuvani u hramu Horyuji u blizini japanskog grada Nara. Horyujijeve freske prikazuju prizore iz života Buddhe i drugih bogova. Umjetnički stil ovih freski vrlo je blizak slikarskom konceptu popularnom u Kini za vrijeme dinastije Song.

Slikoviti stil dinastije Tang stekao je posebnu popularnost sredinom razdoblja Nara. Freske pronađene u grobnici Takamatsuzuka pripadaju ovom razdoblju i datirane su oko 7. stoljeća nove ere. Umjetnička tehnika, formiran pod utjecajem dinastije Tang, kasnije je formirao osnovu slikarskog žanra kara-e. Ovaj je žanr zadržao svoju popularnost sve do pojave prvih djela u stilu yamato-e. Većina fresaka i slikarskih remek-djela su nepoznatih umjetnika, danas se mnoga djela iz tog razdoblja čuvaju u riznici Sesoin.

Sve veći utjecaj novih budističkih škola, kao što je Tendai, utjecao je na široku vjersku orijentaciju. likovne umjetnosti Japan u 8. i 9. stoljeću. U 10. stoljeću, tijekom kojeg se posebno razvio japanski budizam, pojavio se žanr raigozu, "slike dobrodošlice", koje prikazuju dolazak Bude u zapadni raj. Rani primjeri raigōzua koji datiraju iz 1053. godine mogu se vidjeti u hramu Bedo-in, koji je sačuvan u gradu Uji, prefektura Kyoto.

Mijenjanje stilova

Sredinom razdoblja Heian, kineski kara-e stil zamijenjen je žanrom yamato-e, koji je dugo vremena postao jedan od najpopularnijih i najtraženijih žanrova japanskog slikarstva. Novi slikovni stil uglavnom je primijenjen na preklopne paravane i klizna vrata. S vremenom se yamato-e preselio u horizontalne svitke emakimona. Umjetnici koji su radili u žanru emaki pokušali su u svojim djelima prenijeti svu emocionalnost odabrane radnje. Svitak Genji monogatari sastojao se od nekoliko epizoda povezanih zajedno, koje su koristili umjetnici tog vremena brzi udarci i svijetle, izražajne boje.

E-maki je jedan od najstarijih i najistaknutijih primjera otoko-e, slikarskog žanra. muški portreti. Ženski portreti izdvojio kao zaseban žanr onna-e. Između ovih žanrova, zapravo, kao i između muškaraca i žena, postoje prilično značajne razlike. Onna-e stil živopisno je predstavljen u dizajnu Priče o Genjiju, gdje su glavne teme crteža romantični zapleti, scene iz dvorskog života. Pretežno je muški stil otoko-e umjetnička slika povijesne bitke i drugi važni događaji u životu carstva.

Klasična japanska umjetnička škola postala je plodno tlo za razvoj i promicanje ideja. suvremena umjetnost Japan, gdje se jasno vidi utjecaj pop kulture i animea. Jedan od najpoznatijih suvremenih japanskih umjetnika može se nazvati Takashi Murakami, čiji je rad posvećen prikazivanju scena iz japanskog života u poslijeratnom razdoblju i konceptu maksimalnog spoja likovne umjetnosti i mainstreama.

Od poznatih japanskih umjetnika klasična škola mogu se navesti sljedeće.

Napeto Šubun

Shubun je radio početkom 15. stoljeća, posvećujući puno vremena proučavanju djela kineskih majstora iz doba dinastije Song, ovaj je čovjek stajao na podrijetlu japanskog fini žanr. Shubun se smatra utemeljiteljem sumi-e, monokromnog slikanja tušem. Uložio je mnogo napora da popularizira novi žanr, pretvorivši ga u jedan od vodećih trendova u japanskom slikarstvu. Shubunovi učenici bili su mnogi umjetnici koji su kasnije postali slavni, uključujući Sesshua i osnivača slavne umjetnička škola Kano Masanobu. Shubunu se pripisuju mnogi krajolici, no njegovim se najpoznatijim djelom tradicionalno smatra Čitanje u gaju bambusa.

Ogata Korin (1658.-1716.)

Ogata Korin jedna je od glavni umjetnici u povijesti japanskog slikarstva utemeljitelj i jedan od najsvjetlijih predstavnika umjetnički stil rimpa. Korin je u svojim djelima hrabro odstupio od tradicionalnih stereotipa, formirajući vlastite vlastiti stil, čija su glavna obilježja male forme i živ impresionizam radnje. Korin je poznat po posebnoj vještini u prikazivanju prirode i radu s apstraktnim kolorističkim kompozicijama. "Cvijet šljive crveno bijeli" jedan je od najljepših poznata djela Poznate su i Ogata Korina, njegove slike "Krizanteme", "Valovi Matsushime" i niz drugih.

Hasegawa Tohaku (1539.-1610.)

Tohaku je osnivač japanske umjetničke škole Hasegawa. Za rano razdoblje Tohakuov rad karakterizira utjecaj poznate škole japanskog slikarstva Kano, no s vremenom je umjetnik formirao svoj jedinstveni stil. Na mnogo načina, Tohakuov rad bio je pod utjecajem rada priznatog majstora Sesshua, Hosegawa se čak smatrao petim nasljednikom ovog velikog majstora. Primljena slika Hasegawa Tohakua "Pines". svjetska slava, poznata su i njegova djela “Javor”, “Borovi i cvjetnice” i dr.

Kano Eitoku (1543.-1590.)

Stil Kanō škole dominirao je likovnom umjetnošću Japana oko četiri stoljeća, a Kanō Eitoku je možda jedan od najpoznatijih i istaknuti predstavnici ovu umjetničku školu. Eitoku je bio favoriziran od strane vlasti, pokroviteljstvo aristokrata i bogatih mecena nije moglo ne pridonijeti jačanju njegove škole i popularnosti ovog djela, bez sumnje, vrlo talentirani umjetnik. Pomični paravan od osam panela "Cypress", koji je naslikao Eitoku Kano, pravo je remek-djelo i vrhunski primjer opseg i moć stila Monoyama. Ostala djela majstora izgledaju ne manje zanimljivo, kao što su "Ptice i drveće četiri godišnja doba", "Kineski lavovi", "Pustinjaci i vila" i mnogi drugi.

Katsushika Hokusai (1760.-1849.)

Hokusai - najveći majstor ukiyo-e (japanski drvorez). Hokusaijev rad dobio je svjetsko priznanje, njegova slava u drugim zemljama nije usporediva s popularnošću većine azijskih umjetnika, njegov rad " Veliki val u Kanagawi" postalo nešto poput poslovna kartica Japanska likovna umjetnost na svjetskoj likovnoj sceni. Sam kreativan način Hokusai je koristio više od trideset pseudonima, nakon šezdesete umjetnik se potpuno posvetio umjetnosti, a to se vrijeme smatra najplodnijim razdobljem njegova stvaralaštva. Hokusaijev rad utjecao je na rad zapadnih impresionističkih i postimpresionističkih majstora, uključujući rad Renoira, Moneta i van Gogha.

Umjetnost i dizajn

2702

01.02.18 09:02

Današnja umjetnička scena u Japanu vrlo je raznolika i provokativna: gledajući radove majstora iz Zemlje izlazećeg sunca, pomislit ćete da ste sletjeli na drugi planet! Dom je inovatora koji su promijenili krajolik industrije u globalnih razmjera. Ovdje je popis 10 suvremenih japanskih umjetnika i njihovih kreacija, od nevjerojatnih stvorenja Takashija Murakamija (koji danas slavi rođendan) do šarenog svemira Kusame.

Od futurističkih svjetova do točkastih zviježđa: suvremeni japanski umjetnici

Takashi Murakami: tradicionalist i klasik

Počnimo s junakom prigode! Takashi Murakami jedan je od najpoznatijih japanskih suvremenih umjetnika, koji radi na slikama, velikim skulpturama i modi. Murakamijev stil je pod utjecajem mange i animea. Utemeljitelj je pokreta Superflat koji podržava japansku umjetničku tradiciju i poslijeratnu kulturu te zemlje. Murakami je promovirao mnoge svoje kolege suvremenike, neke od njih ćemo i mi danas upoznati. "Subkulturna" djela Takashija Murakamija predstavljena su na modnim i umjetničkim tržištima. Njegov provokativni My Lonesome Cowboy (1998.) prodan je u New Yorku u Sotheby'su 2008. za rekordnih 15,2 milijuna dolara. Murakami je surađivao sa svjetski poznatim brendovima Marc Jacobs, Louis Vuitton i Issey Miyake.

Tycho Asima i njezin nadrealni svemir

Članica umjetničke produkcijske tvrtke Kaikai Kiki i pokreta Superflat (oboje je osnovao Takashi Murakami), Chiho Ashima poznata je po svojim fantastičnim gradskim pejzažima i čudnim pop stvorenjima. Umjetnik stvara nadrealističke snove u kojima žive demoni, duhovi, mlade ljepotice prikazane na pozadini neobične prirode. Njezini su radovi uglavnom velikih dimenzija i tiskani su na papiru, koži, plastici. Godine 2006. ovaj moderni japanski umjetnik sudjelovao na Art on the Underground u Londonu. Napravila je 17 uzastopnih lukova za platformu - čarobni krajolik postupno se pretvarao iz dana u noć, iz urbanog u ruralni. Ovo čudo procvjetalo je na stanici podzemne željeznice Gloucester Road.

Chiharu Shima i beskonačne niti

Drugi umjetnik, Chiharu Shiota, radi na vizualnim instalacijama velikih razmjera za određene znamenitosti. Rođena je u Osaki, ali sada živi u Njemačkoj - u Berlinu. Središnje teme njezin rad je zaborav i sjećanje, snovi i stvarnost, prošlost i sadašnjost, ali i sučeljavanje tjeskobe. Najviše poznata djela Chiharu Shiota - neprobojne mreže od crnog konca, koje pokrivaju razne kućanske i osobne predmete - poput starih stolica, Vjenčanica, spaljeni klavir. U ljeto 2014. Shiota je povezala više od 300 cipela i čizama koje su joj bile donirane nitima crvene pređe i objesila ih na kuke. Prva izložba Tiharua u glavnom gradu Njemačke održana je tijekom Berlina tjedan umjetnosti 2016. i izazvala senzaciju.

Hej Arakawa: posvuda, ne bilo gdje

Ei Arakawa inspiriran je stanjima promjena, razdobljima nestabilnosti, elementima rizika, a njegove instalacije često simboliziraju teme prijateljstva i kolektivni rad. Credo suvremenog japanskog umjetnika definiran je performativnim neodređenim "svugdje samo nigdje". Njegove kreacije iskaču na neočekivanim mjestima. Godine 2013. Arakawin rad bio je izložen na Venecijanskom bijenalu i na izložbi japanske suvremene umjetnosti u Muzeju umjetnosti Mori (Tokio). Instalacija Hawaiian Presence (2014.) nastala je u suradnji s njujorškom umjetnicom Carissom Rodriguez i predstavljena je na Whitney Biennaleu. Također 2014. Arakawa i njegov brat Tomu, nastupajući kao duet pod nazivom United Brothers, ponudili su posjetiteljima Frieze Londona svoje “djelo” “The This Soup Taste Ambivalent” s “radioaktivnim” korijenima daikona iz Fukushime.

Koki Tanaka: Odnos i ponavljanje

Godine 2015. Koki Tanaka proglašen je umjetnikom godine. Tanaka istražuje zajedničko iskustvo kreativnosti i mašte, potiče razmjenu između sudionika projekta i zagovara nova pravila suradnje. Njegova instalacija u japanskom paviljonu na Venecijanskom bijenalu 2013. sastojala se od videa objekata koji prostor pretvaraju u platformu za razmjenu umjetnosti. Instalacije Kokija Tanake (ne brkati s njegovim punim imenjakom glumcem) ilustriraju odnos između predmeta i radnji, na primjer, video sadrži snimku jednostavnih gesta izvedenih običnim predmetima (nož koji reže povrće, točenje piva u čašu, otvaranje kišobrana). Ne događa se ništa značajno, osim opsesivnog ponavljanja i pažnje najsitnijih detalja natjerati gledatelja da cijeni ovozemaljsko.

Mariko Mori i aerodinamični oblici

Još jedna suvremena japanska umjetnica, Mariko Mori, "dočarava" multimedijalne objekte, kombinirajući video, fotografije, objekte. Ona ima minimalističku futurističku viziju i elegantne, nadrealne oblike. Tema koja se ponavlja u Mauryjevom radu je sučeljavanje zapadnjačke legende sa zapadnom kulturom. Godine 2010. Mariko je osnovala Fau Foundation, obrazovnu kulturnu neprofitna organizacija, za koju je izradila niz svojih umjetničkih instalacija u čast šest naseljenih kontinenata. Nedavno je stalna postavka Zaklade, Prsten: jedno s prirodom, podignuta iznad slikovitog vodopada u Resendeu blizu Rio de Janeira.

Ryoji Ikeda: Sinteza zvuka i videa

Ryoji Ikeda novomedijski je umjetnik i skladatelj čiji se rad uglavnom odnosi na zvuk u različitim "sirovim" stanjima, od sinusoidalnih zvukova do šuma koji koriste frekvencije na rubu ljudskog sluha. Njegove instalacije koje oduzimaju dah uključuju računalno generirane zvukove koji se vizualno pretvaraju u video projekcije ili digitalne predloške. Ikedini audiovizualni umjetnički objekti koriste skalu, svjetlo, sjenu, glasnoću, elektroničke zvukove i ritam. Poznati umjetnikov testni objekt sastoji se od pet projektora koji osvjetljavaju prostor dug 28 i širok 8 metara. Jedinica pretvara podatke (tekst, zvukove, fotografije i filmove) u crtični kod i binarne uzorke nula i jedinica.

Tatsuo Miyajima i LED brojači

Suvremeni japanski kipar i instalacijski umjetnik Tatsuo Miyajima koristi u svojoj umjetnosti električni krugovi, video, računala i druge naprave. Temeljni koncepti Miyajima inspirirani su humanističke ideje i budističkih učenja. LED brojači u njegovoj postavci treperi kontinuirano u ponavljanju od 1 do 9, simbolizirajući putovanje od života do smrti, ali izbjegavajući konačnost koja je predstavljena s 0 (nula se nikada ne pojavljuje u Tatsuovom radu). Sveprisutni brojevi u rešetkama, tornjevima i dijagramima izražavaju Miyajimin interes za ideje kontinuiteta, vječnosti, povezanosti i protoka vremena i prostora. Ne tako davno, Miyajimin objekt Strijela vremena prikazan je na inauguralnoj izložbi "Nepotpune misli vidljive u New Yorku".

Nara Yoshimoto i zla djeca

Nara Yoshimoto stvara slike, skulpture i crteže djece i pasa, teme koje odražavaju djetinjasti osjećaj dosade i frustracije i žestoku neovisnost koja je prirodna za malu djecu. Estetika Yoshimotova rada podsjeća na tradicionalnu ilustracije knjiga, mješavina je nelagodne napetosti i umjetnikove ljubavi prema punk rocku. Godine 2011. Azijski muzej društva u New Yorku ugostio je prvi osobna izložba Yoshimoto pod nazivom "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", koja pokriva 20-godišnju karijeru suvremenog japanskog umjetnika. Izložbe su bile usko povezane sa svjetskim subkulturama mladih, njihovom otuđenošću i protestima.

Yayoi Kusama i prostor koji raste neobičnim oblicima

Upečatljivo kreativna biografija Yayoi Kusama traje sedam desetljeća. Tijekom tog vremena, nevjerojatna Japanka uspjela je proučiti područja slikarstva, grafike, kolaža, skulpture, filma, graviranja, ekološke umjetnosti, instalacije, kao i književnosti, mode i dizajna odjeće. Kusama je razvila vrlo osebujan stil točkaste umjetnosti koji je postao njezin zaštitni znak. Iluzorne vizije prikazane u djelima 88-godišnje Kusame - kada se čini da je svijet prekriven neobičnim oblicima koji se razmnožavaju - rezultat su halucinacija koje je proživljavala od djetinjstva. Sobe sa šarenim točkama i "beskrajnim" ogledalima u kojima se odražavaju njihove nakupine su prepoznatljive, ne mogu se zamijeniti ni s čim drugim.

Koji pokriva mnoge tehnike i stilove. Kroz svoju povijest pretrpjela je veliki broj promjene. Dodane su nove tradicije i žanrovi, a izvorna japanska načela su ostala. Uz nevjerojatnu povijest Japana, slika je također spremna predstaviti mnoge jedinstvene i zanimljive činjenice.

drevni japan

Prvi stilovi pojavljuju se u najstarijem povijesnom razdoblju zemlje, čak i prije Krista. e. Tada je umjetnost bila prilično primitivna. Prvo, 300. godine p.n.e. e., bilo je raznih geometrijske figure koje su se izrađivale na keramici štapićima. Takav nalaz arheologa kao ukras na brončanim zvonima pripada kasnijem vremenu.

Nešto kasnije, već 300. godine. e. pojaviti se pećinski crteži koje su mnogo raznovrsnije. geometrijski ornament. Ovo su već punopravne slike sa slikama. Nađeni su unutar kripti, a vjerojatno su i ljudi koji su na njima naslikani pokopani u tim grobljima.

U 7. stoljeću A.D. e. Japan preuzima pismo koje dolazi iz Kine. Otprilike u isto vrijeme odande dolaze i prve slike. Tada se slikarstvo pojavljuje kao posebna sfera umjetnosti.

edo

Edo je daleko od prve i ne posljednje slike, ali je ona ta koja je donijela mnogo toga novog u kulturu. Prvo, to je svjetlina i sjaj koji su dodani uobičajenoj tehnici, izvedenoj u crnim i sivim tonovima. Sotasu se smatra najistaknutijim umjetnikom ovog stila. Stvorio je klasične slike ali su njegovi likovi bili vrlo živopisni. Kasnije se prebacio na prirodu, a većinu krajolika izradio je na pozadini pozlate.

Drugo, tijekom razdoblja Edo pojavila se egzotika, namban žanr. Koristila se modernim europskim i Kineski tehničari koji se isprepliću s tradicionalnim japanskim stilovima.

I treće, pojavljuje se Nang škola. U njemu umjetnici najprije potpuno oponašaju ili čak kopiraju djela kineskih majstora. Tada se pojavljuje nova grana, koja se zove bunjing.

Period modernizacije

Razdoblje Edo zamjenjuje Meiji, a sada je japansko slikarstvo prisiljeno ući u njega nova pozornica razvoj. U to vrijeme diljem svijeta postaju popularni žanrovi kao što su western i slični, pa je modernizacija umjetnosti postala uobičajeno stanje. Međutim, u Japanu, zemlji u kojoj svi ljudi poštuju tradiciju, u dano vrijeme stvari su bile vrlo različite od onoga što se događalo u drugim zemljama. Ovdje naglo bukti natjecanje između europskih i domaćih tehničara.

Vlada u ovoj fazi daje prednost mladim umjetnicima koji služe velika očekivanja poboljšati vještine u zapadnjačkim stilovima. Stoga ih šalju u škole u Europi i Americi.

Ali to je bilo tek na početku razdoblja. Činjenica je da značajni kritičari prilično kritizirao zapadnjačku umjetnost. Kako bismo izbjegli mnogo pompe oko ovog pitanja, europski stilovi a tehnike su se počele zabranjivati ​​na izložbama, prestalo je njihovo izlaganje, kao i njihova popularnost.

Pojava europskih stilova

Zatim dolazi razdoblje Taisho. U ovo vrijeme mladi umjetnici koji su otišli studirati u strane škole vraćaju se u domovinu. Naravno, sa sobom donose nove stilove japanskog slikarstva, koji su vrlo slični europskim. Javljaju se impresionizam i postimpresionizam.

U ovoj fazi formiraju se mnoge škole u kojima se oživljavaju drevni japanski stilovi. Ali nije moguće potpuno se osloboditi zapadnih tendencija. Stoga je potrebno kombinirati nekoliko tehnika kako bi se zadovoljili kako ljubitelji klasike, tako i ljubitelji modernog europskog slikarstva.

Neke škole financira država, zahvaljujući čemu su sačuvane mnoge nacionalne tradicije. Privatni trgovci, pak, prisiljeni su se povoditi za potrošačima koji žele nešto novo, umorni su od klasike.

Slika iz Drugog svjetskog rata

Nakon početka rata, japansko slikarstvo je neko vrijeme ostalo podalje od događaja. Razvijao se odvojeno i neovisno. Ali nije moglo ovako zauvijek.

S vremenom, kada se politička situacija u zemlji pogoršava, visoke i cijenjene figure privlače mnoge umjetnike. Neki od njih već početkom rata počinju stvarati u patriotskim stilovima. Ostali započinju ovaj proces samo po nalogu vlasti.

Shodno tome, japanska likovna umjetnost tijekom Drugog svjetskog rata nije se mogla posebno razviti. Stoga se za slikanje može nazvati ustajalim.

Vječni Suibokuga

Japansko sumi-e slikarstvo, ili suibokuga, znači "crtanje tušem". To definira stil i tehniku ova umjetnost. Došao je iz Kine, ali su mu Japanci odlučili dati svoje ime. I u početku tehnika nije imala nikakvu estetsku stranu. Monasi su ga koristili za samousavršavanje dok su proučavali zen. Štoviše, isprva su crtali slike, a kasnije su vježbali koncentraciju gledajući ih. Redovnici su vjerovali da stroge linije, nejasni tonovi i sjene pomažu poboljšanju - sve to se naziva jednobojnim.

Japansko slikarstvo tušem, unatoč velikom izboru slika i tehnika, nije tako komplicirano kao što se na prvi pogled čini. Temelji se na samo 4 parcele:

1. Krizantema.
2. Orhideja.
3. Grana šljive.
4. Bambus.

Mali broj parcela ne čini razvoj tehnologije brzim. Neki majstori vjeruju da učenje traje cijeli život.

Unatoč činjenici da se sumi-e pojavio davno, uvijek je tražen. Štoviše, danas možete upoznati majstore ove škole ne samo u Japanu, već je raširena i daleko izvan njegovih granica.

Moderno razdoblje

Na kraju Drugog svjetskog rata umjetnost u Japanu cvjetala je samo u velikim gradovima, seljani i seljaci imali su dovoljno briga. Umjetnici su uglavnom pokušavali okrenuti leđa ratnim gubicima i na platnu prikazati suvremeni urbani život sa svim njegovim ukrasima i obilježjima. Europske i američke ideje uspješno su usvojene, ali takvo stanje nije dugo potrajalo. Mnogi majstori počeli su se postupno udaljavati od njih prema japanskim školama.

Tradicionalni stil je uvijek bio moderan. Stoga se moderno japansko slikarstvo može razlikovati samo u tehnici izvedbe ili materijalima koji se koriste u procesu. Ali većina umjetnika ne percipira dobro razne inovacije.

O modi da i ne govorimo moderne subkulture kao što su anime i slični stilovi. Mnogi umjetnici pokušavaju zamagliti granicu između klasike i onoga što je danas traženo. Uglavnom je takvo stanje posljedica trgovine. Klasici i tradicionalnih žanrova zapravo, ne kupuju, stoga je neisplativo raditi kao umjetnik u svom omiljenom žanru, morate se prilagoditi modi.

Zaključak

Bez sumnje, japansko slikarstvo je riznica likovne umjetnosti. Možda je dotična zemlja ostala jedina koja nije slijedila zapadne trendove, nije se prilagodila modi. Unatoč brojnim udarcima u vrijeme dolaska novih tehnika, umjetnici Japana ipak su se uspjeli obraniti nacionalne tradicije u mnogim žanrovima. Vjerojatno su zato u moderno doba slike rađene u klasičnom stilu visoko cijenjene na izložbama.

Volite li japansko slikarstvo? Koliko znate o poznatim japanskim umjetnicima? Pogledajmo najviše poznati umjetnici Japan koji su stvarali svoja djela u stilu ukiyo-e (浮世絵). Ovaj stil slikanja razvijen je od razdoblja Edo. Hijeroglifi koji ispisuju ovaj stil 浮世絵 doslovno znače "slike (slike) svijeta koji se mijenja", možete pročitati više o ovom smjeru slikanja

Hisikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Smatra se utemeljiteljem ukiyo-e žanra, iako je, zapravo, samo prvi majstor čiji je život sačuvan. biografski podaci. Moronobu je rođen u obitelji majstora bojanja tekstila i vezenja zlatnim i srebrnim nitima i već je dugo u obiteljskom zanatu, pa je zaštitni znak njegova rada lijepo ukrašena odjeća ljepotica, dajući prekrasan umjetnički učinak .

Nakon preseljenja u Edo, najprije je sam učio slikarske tehnike, a zatim je studij nastavio umjetnik Kambun.

Do nas su uglavnom došli Moronobuovi albumi u kojima prikazuje povijesne i književne teme i knjige s uzorcima kimona. Majstor je radio iu žanru šunge, a među pojedinačnim djelima sačuvano je nekoliko lijepih žena.

(鳥居清長, 1752-1815). Priznat krajem 18. stoljeća, Seki (Sekiguchi) majstor Shinsuke (Ishibei) nosio je pseudonim Torii Kiyonaga, koji je uzeo nakon što je naslijedio školu ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsua nakon njegove smrti.

Kiyonaga je rođen u obitelji knjižara Shirakoya Ishibeija. Najveću slavu donio mu je žanr bijinga, iako je započeo s yakusha-e. Radnje za gravure u žanru bijinga preuzete su iz svakodnevnog života: šetnje, svečane procesije, izlasci u prirodu. Među brojnim radovima umjetnice izdvajaju se serije “Natjecanje pomodnih ljepotica iz zabavnih četvrti” koje prikazuju Minami, jednu od “zabavnih četvrti” u južnom Edu, “12 portreta južnjačkih ljepotica”, “10 vrsta čajana”. . obilježje majstor je bio detaljno proučavanje pozadinskog prikaza i korištenje tehnika koje su stigle sa Zapada za prikaz svjetla i prostora.

Kiyonaga je svoju početnu slavu stekao nastavkom serije "Modni modeli: modeli novi kao proljetno lišće" 1782. koju je započeo Koryusai 1770-ih za izdavača Nishimurai Yohachi.

(喜多川歌麿, 1753-1806). Na ovog eminentnog ukiyo-e majstora značajno su utjecali Torii Kiyonaga i izdavač Tsutai Juzaburo. Kao rezultat dugogodišnje suradnje s potonjim objavljeni su mnogi albumi, knjige s ilustracijama i niz gravira.

Unatoč činjenici da je Utamaro uzimao priče iz života jednostavnih zanatlija i nastojao prikazati prirodu ("Knjiga insekata"), slava mu je došla kao umjetnik djela posvećenih gejšama iz četvrti Yoshiwara ("Yoshiwara Green Houses Yearbook" ).

Utamaro je stigao visoka razina u izražavanju duševnih stanja na papiru. Po prvi put u japanskom drvorezu počele su se koristiti kompozicije prsa.

Utjecao je rad Utamaroa francuski impresionisti i pridonio zanimanju Europljana za japanske gravure.

(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusaijevo pravo ime je Tokitaro. Vjerojatno najpoznatiji ukiyo-e majstor diljem svijeta. U svom radu koristio je preko trideset pseudonima. Nerijetko se povjesničari služe pseudonimima kako bi periodizirali njegovo djelo.

U početku je Hokusai radio kao rezbar, čiji je rad bio ograničen umjetnikovom namjerom. Ta je činjenica opteretila Hokusaija i počeo je tražiti sebe kao neovisnog umjetnika.

Godine 1778. postao je pripravnik u studiju Katsukawa Shunshoa, koji se specijalizirao za yakusha-e grafiku. Hokusai je bio i talentiran i vrlo marljiv učenik koji je uvijek pokazivao poštovanje prema učitelju, te je stoga uživao posebnu naklonost Shunshoa. Dakle, prvi samostalan rad Hokusai su bili u žanru yakusha-e u obliku diptiha i triptiha, a popularnost učenika bila je jednaka popularnosti učitelja. U to je vrijeme mladi majstor već toliko razvio svoj talent da je postalo gužva u jednoj školi, a nakon smrti učitelja, Hokusai je napustio studio i proučavao smjerove drugih škola: Kano, Sotatsu (inače - Koetsu) , Rinpa, Toša.

U tom razdoblju umjetnik doživljava značajne financijske poteškoće. Ali u isto vrijeme odvija se njegovo formiranje kao majstora, koji odbija uobičajenu sliku koju je zahtijevalo društvo i traži svoj stil.

Godine 1795. objavljene su ilustracije za pjesničku antologiju Keka Edo Murasaki. Tada je Hokusai slikao surimono slike, koje su odmah postale popularne, a mnogi su ih umjetnici počeli oponašati.

Od tog razdoblja, Tokitaro je svoja djela počeo potpisivati ​​imenom Hokusai, iako su neka njegova djela objavljena pod pseudonimima Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobeku.

Godine 1800. majstor se počeo zvati Gakejin Hokusai, što znači "Slika ludog Hokusaija".

Poznata serija ilustracija uključuje "36 pogleda na planinu Fuji", od kojih je "Pobjednički vjetar. Clear Day" ili "Red Fuji" i "The Great Wave off Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji", objavljen u tri albuma, "Hokusai Manga" (北斎漫画), koji se naziva "enciklopedijom Japanci". Umjetnik je uložio u "Mangu" sve svoje poglede na kreativnost, filozofiju. "Manga" je najvažniji izvor za proučavanje života Japana u to vrijeme, jer uključuje mnoge kulturne aspekte. Za života umjetnika objavljeno je ukupno dvanaest brojeva, a nakon njegove smrti - još tri:

* 1815. - II, III

* 1817. - VI, VII

* 1849 - XIII (nakon smrti umjetnika)

Hokusaijeva umjetnost utjecala je na europske pokrete kao što su secesija i francuski impresionizam.

(河鍋暁斎, 1831-1889). Koristio je pseudonime Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, studirao je u Kano školi.

Za razliku od Hokusaija, Kyosai je bio prilično drzak, zbog čega se posvađao s umjetnikom Tsuboyamom Tozanom. Nakon škole postao je samostalni majstor, iako ju je ponekad posjećivao još pet godina. U to vrijeme slikao je kyogu, takozvane "lude slike".

Među izvanrednim gravurama izdvajaju se "Stotinu slika Kyosaija". Kao ilustrator, Kyosai surađuje s drugim umjetnicima na izradi ilustracija za kratke priče i romane.

Krajem 19. stoljeća Europljani su često posjećivali Japan. Umjetnik je bio upoznat s nekima od njih, a nekoliko njegovih djela danas se nalazi u Britanskom muzeju.

(歌川広重, 1797-1858). Radio je pod pseudonimom Ando Hiroshige (安藤広重) i poznat je po svom suptilnom prikazivanju prirodnih motiva i prirodnih fenomena. Prvu sliku "Planina Fuji u snijegu", koja se danas čuva u muzeju Suntory u Tokiju, napisao je u dobi od deset godina. Parcele rani radovi na temelju stvarni događaji koji se odvijaju na ulicama. Njegovi poznati ciklusi: "100 pogleda na Edo", "36 pogleda na planinu Fuji", "53 postaje Tokaido", "69 postaja Kimokaido", "100 slavnih pogleda na Edo". Na Moneta i ruskog umjetnika Bilibina uvelike su utjecale 53 postaje Tokaido ceste, naslikane nakon putovanja Istočnom obalnom cestom, kao i 100 pogleda na Edo. Iz serije kacho-ga od 25 gravira najpoznatiji je list “Vrapci nad snježnom kamelijom”.

(歌川 国貞, također poznat kao Utagawa Toyokuni III (jap. 三代歌川豊国)). Jedan od naj izvanrednih umjetnika ukiyo-e.

Posebnu pozornost posvetio je kabuki glumcima i samom kazalištu - to je oko 60% svih radova. Poznata su i djela u žanru bijinga i portreti sumo hrvača. Poznato je da je stvorio od 20 do 25 tisuća priča, koje su uključivale 35-40 tisuća listova. Rijetko se obraćao krajolicima i ratnicima. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798. - 1861.) Rođen u obitelji farbara svile. Kuniyoshi je počeo učiti crtati u dobi od deset godina dok je živio u njihovoj obitelji umjetnika Kuninaoa. Zatim je nastavio učiti kod Katsukawe Shun'eija, au dobi od 13 godina ušao je u radionicu Tokuyoni. U prvim godinama mladog umjetnika stvari ne idu dobro. Ali nakon što smo od izdavača Kagaye Kitibeija dobili narudžbu za pet ispisa za seriju 108 Suikoden Heroes, stvari su krenule. Kreira ostale likove u ovoj seriji, a zatim se bavi raznim poslovima i nakon petnaestak godina izjednačio se s Utagawom Hiroshigeom i Utagawom Kunisadom.

Nakon zabrane slika 1842 kazališne scene, glumci, gejše i kurtizane, Kuniyoshi piše svoju "mačju" seriju, izrađuje gravure iz obrazovne serije za domaćice i djecu, prikazuje narodni heroji u seriji "Tradicije, moral i dekanat", a krajem 1840-ih - početkom 1850-ih, nakon ublažavanja zabrana, umjetnik se vraća temi kabukija.

(渓斎英泉, 1790-1848). Poznat po svojim radovima u žanru nadmetanja. Njegov najbolji rad uključuje portrete tipa okubi-e ("velike glave"), koji se smatraju primjerima majstorstva Bunsei ere (1818-1830), kada je žanr ukiyo-e bio u opadanju. Umjetnik je napisao mnogo lirskih i erotskih surimona, kao i ciklus pejzaža "Šezdeset i devet postaja Kisokaida", koji nije mogao dovršiti, a završio ga je Hiroshige.

Novost u prikazivanju bijinga bila je senzualnost kakvu drugi umjetnici do tada nisu imali. Iz njegovih djela možemo razumjeti modu tog vremena. Također je objavio biografije Četrdeset sedam Ronina i napisao nekoliko drugih knjiga, uključujući Povijest Ukiyo-e grafika (Ukiyo-e ruiko), koja sadrži biografije umjetnika. A u Bilješkama bezimenog starješine sebe je opisao kao pokvarenog pijanicu i bivšeg vlasnika bordela u Nezuu koji je 1830-ih izgorio do temelja.

Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724.-1770.) Pravo ime umjetnika je Hozumi Jirobei. On je pionir ukiyo-e višebojnog tiska. Učio je školu Kano i studirao slikarstvo. Tada je, pod utjecajem Shigenage Nishimure i Toriye Kiyomitsua, drvorezac postao njegova strast. Otisci u dvije ili tri boje rade se od početka 18. stoljeća, a Harunobu je počeo slikati u deset boja, koristeći tri ploče i kombinirajući tri boje - žutu, plavu i crvenu.

Istakao se u prikazu uličnih prizora i slikama u žanru šunge. A od 1760-ih, bio je jedan od prvih koji je počeo portretirati glumce kabuki kazališta. Njegov rad utjecao je na E. Maneta i E. Degasa.

(小原古邨, 1877. - 1945.). Njegovo pravo ime je Matao Ohara. Prikazane su scene iz rusko-japanskog i kinesko-japanskog rata. Međutim, nakon pojave fotografije, njegovi radovi su se počeli slabo prodavati, a on je počeo zarađivati ​​za život predajući u školi. likovne umjetnosti u Tokiju. Godine 1926. Ernest Felloza, kustos odjela japanska umjetnost u Bostonskom muzeju, nagovorio je Oharu da se vrati slikarstvu, te je umjetnik počeo prikazivati ​​ptice i cvijeće, a njegov se rad dobro prodavao u inozemstvu.

(伊藤若冲, 1716. - 1800.). Među ostalim umjetnicima isticao se svojom ekscentričnošću i životnim stilom koji se sastojao od prijateljstva s mnogim kulturnim i vjerskih vođa to vrijeme. Prikazivao životinje, cvijeće i ptice na vrlo egzotičan način. Bio je vrlo poznat i primao je narudžbe za oslikavanje paravana i hramskih slika.

(鳥居清信, 1664-1729). Jedan od najvažnijih predstavnika ranog ukiyo-e razdoblja. Unatoč velikom utjecaju svog učitelja Hisikawe Monorobua, postao je utemeljitelj žanra yakusha-e u prikazivanju plakata i plakata te je izumio vlastiti stil. Glumci su prikazani u posebnim pozama u ulogama hrabri junaci i bili su naslikani
plemenita narančasta boja a zlikovci su bili uvučeni plavo cvijeće. Kako bi prikazao strast, umjetnik je izumio posebnu vrstu mimizugaki uzorka - to su vijugave linije s izmjeničnim tankim i debelim potezima u kombinaciji s grotesknom slikom mišića udova.

Torii Kiyonobu je osnivač Torii dinastije umjetnika. Njegovi učenici bili su Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I, Torii Kiyomitsu.

Tko je vaš omiljeni ukiyo-e umjetnik?

Japanski jezik razlikuje se od bilo kojeg europskog jezika po svojoj strukturi, što može izazvati određene poteškoće u učenju. Ipak, ne brinite! Posebno za vas razvili ste tečaj "", na koji se možete prijaviti upravo sada!