Bodegón moderno con flores. Bodegones famosos
Pasemos a la etapa final de esta serie de posts sobre el género de los bodegones. Estará dedicado al trabajo de artistas rusos.
Empecemos por Fyodor Petrovich Tolstoi (1783-1873). Gráficos de bodegones de F.P. Tolstoi, el famoso escultor, medallista, dibujante y pintor ruso, es probablemente la parte más destacada y valiosa de su herencia creativa, aunque el propio artista dijo que creó estas obras “en su tiempo libre a partir de estudios serios”.
La principal propiedad de los bodegones de Tolstoi es su carácter ilusorio. El artista copió cuidadosamente la naturaleza. Intentó, según sus propias palabras, “con estricta claridad transmitir de la vida al papel la flor copiada tal como es, con todos los más mínimos detalles pertenecientes a esta flor”. Para engañar al espectador, Tolstoi utilizó técnicas ilusionistas como la imagen de gotas de rocío o papel traslúcido que cubría el dibujo y ayudaba a engañar a la vista.
Ilya Efimofich Repin (1844-1930) también recurrió más de una vez a motivos de naturaleza muerta como las flores. Tales obras incluyen la pintura "Ramo de otoño" (1892, Galería Tretyakov, Moscú), donde el artista representa con igual atención paisaje de otoño, una mujer joven de pie sobre un fondo de árboles dorados y un modesto ramo de flores amarillas y blancas en sus manos.
I. Repin. Ramo de otoño. Retrato de Vera Repina. 1892, Galería Tretiakov
La historia del cuadro “Manzanas y hojas” es algo inusual. La naturaleza muerta, que combina frutas y hojas, fue puesta en escena para el alumno de Repin, V.A. Serova. Al profesor le gustó tanto la composición del tema que decidió pintar él mismo una naturaleza muerta. Las flores y los frutos atrajeron a muchos artistas, quienes los prefirieron, entre otras cosas, porque mostraban el mundo natural de la manera más poética y hermosa. Incluso en. Kramskoy, que desdeñaba este género, también rindió homenaje a la naturaleza muerta, creando el espectacular cuadro “Ramo de flores. Phloxes” (1884, Galería Tretyakov, Moscú).
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) es conocido por la mayoría de nosotros como un artista que prestó atención en su trabajo al paisaje, el retrato y pintura historica. Sin embargo, cabe señalar que el tema en su obra siempre jugó un papel importante y, a menudo, ocupó la misma posición que otros elementos de la composición. Un poco más arriba, ya mencioné su trabajo de estudiante "Manzanas sobre hojas", 1879, completado bajo la dirección de Repin. Si comparamos esta obra con una obra escrita sobre el mismo tema por Repin, podemos ver que la naturaleza muerta de Serov se parece más a un estudio que la pintura de su maestro. El aspirante a artista utilizó un punto de vista bajo, por lo que el primer y segundo plano se combinan y el fondo se reduce.
La pintura "La niña de los melocotones", conocida por todos desde la infancia, va más allá del género del retrato y no es casualidad que se llame "La niña de los melocotones" y no "Retrato de Vera Mamontova". Podemos ver que aquí se combinan los rasgos del retrato, el interior y la naturaleza muerta. El artista presta igual atención a la imagen de una niña con una blusa rosa y a algunos objetos, pero hábilmente agrupados. Sobre un mantel blanco hay suaves melocotones amarillos, hojas de arce y un cuchillo brillante. Otras cosas del fondo también estaban pintadas con cariño: sillas, un gran plato de porcelana que adorna la pared, una figura de un soldado de juguete y un candelabro en el alféizar de la ventana. luz de sol, que brota de la ventana y proyecta reflejos brillantes sobre los objetos, le da a la imagen un encanto poético.
Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) escribió: “Y de nuevo me doy cuenta, no, no es así, pero escucho esa nota nacional íntima que tanto quiero captar en el lienzo y en el adorno. Esta es la música de una persona completa, no desmembrada por las distracciones del Occidente ordenado, diferenciado y pálido”.
En la Academia de las Artes, el maestro favorito de Vrubel era Pavel Chistyakov, quien le enseñó al joven pintor a "dibujar con formas" y argumentó que las formas tridimensionales no deben crearse en el espacio con sombras y contornos, sino que deben construirse con líneas. Gracias a él, Vrubel aprendió no solo a mostrar la naturaleza, sino a mantener una conversación íntima, casi amorosa, con ella. Con este espíritu se creó la maravillosa naturaleza muerta del maestro “Rose Hip” (1884).
Sobre el fondo de exquisitas cortinas con motivos florales, el artista colocó un elegante jarrón redondo pintado con motivos orientales. La delicada flor blanca de escaramujo, sombreada por la tela azul verdosa, destaca claramente y las hojas de la planta casi se funden con el cuello negro, que brilla tenuemente, del jarrón. Esta composición está llena de un encanto y una frescura inexpresables, a los que el espectador simplemente no puede dejar de sucumbir.
Durante su enfermedad, Vrubel comenzó a pintar más del natural, y sus dibujos se distinguen no sólo por su forma precisa, sino también por una espiritualidad muy especial. Parece que cada movimiento de la mano del artista delata su sufrimiento y su pasión.
Destaca a este respecto el dibujo “Naturaleza muerta. Candelero, licorera, vaso”. Es un triunfo aplastante de una objetividad feroz. Cada objeto de naturaleza muerta lleva una fuerza explosiva oculta. El material del que están hechas las cosas, ya sea el bronce de un candelabro, el cristal de una jarra o el reflejo mate de una vela, tiembla visiblemente por una colosal tensión interna. La pulsación la transmite el artista con trazos cortos que se cruzan, por lo que la textura adquiere explosividad y tensión. Así, los objetos adquieren una nitidez increíble, que es la verdadera esencia de las cosas.
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G.N. logró una gran habilidad en la creación de naturalezas muertas "falsas". Teplov y T. Ulyanov. La mayoría de las veces representaban una pared de tablones en la que se dibujaban nudos y vetas de madera. En las paredes colgaban diversos objetos o se metían detrás de cintas clavadas: tijeras, peines, cartas, libros, cuadernos de música. En estantes estrechos se colocan relojes, tinteros, botellas, candelabros, platos y otros objetos pequeños. Parece que tal conjunto de elementos es completamente aleatorio, pero en realidad esto está lejos de ser el caso. Al observar estas naturalezas muertas, uno puede adivinar los intereses de los artistas que tocaban música, leían y se interesaban por el arte. Los maestros representaron con amor y diligencia sus cosas más queridas. Estas pinturas tocan con su sinceridad y espontaneidad de percepción de la naturaleza.
Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) también dedicó gran parte de su obra al género de la naturaleza muerta. En sus alegres lienzos se pueden ver brillantes telas satinadas, centelleantes samovares de cobre, el brillo de la loza y la porcelana, rodajas rojas de sandía, racimos de uvas, manzanas y deliciosos pastelitos. Uno de sus maravillosas pinturas Se trata de "La esposa del comerciante tomando el té", 1918. Es imposible no admirar el brillante esplendor de los objetos mostrados en el lienzo. Un samovar espumoso, pulpa roja brillante de sandías, manzanas brillantes y uvas transparentes, un jarrón de vidrio con mermelada, un azucarero dorado y una taza frente a la esposa del comerciante: todas estas cosas añaden un ambiente festivo a la imagen.
En el género de los bodegones se prestó mucha atención a los llamados "bodegones engañosos". Muchas naturalezas muertas "trucadas", a pesar de que su tarea principal era engañar al espectador, tienen indudables méritos artísticos, especialmente notables en los museos, donde, colgadas en las paredes, tales composiciones, por supuesto, no pueden engañar al público. Pero aquí hay excepciones. Por ejemplo, “Naturaleza muerta con libros”, realizada por P.G. Bogomolov, está insertado en una “estantería para libros” ilusoria y los visitantes no se dan cuenta inmediatamente de que se trata simplemente de un cuadro.
"Naturaleza muerta con un loro" (1737) de G.N. Teplova. Con la ayuda de líneas claras y precisas que se transforman en contornos suaves y suaves, luces, sombras transparentes y sutiles matices de color, el artista muestra una variedad de objetos colgados en una pared de tablones. La madera está magistralmente trabajada, sus tonos azulados, rosados y amarillentos ayudan a crear una sensación casi real del olor fresco de la madera recién cepillada.
G.N. Teplov. “Naturaleza muerta con un loro”, 1737, Museo Estatal de Cerámica, finca Kuskovo
Las “falsas” naturalezas muertas rusas del siglo XVIII indican que los artistas aún no son lo suficientemente hábiles para transmitir el espacio y los volúmenes. Para ellos es más importante mostrar la textura de los objetos, como si se hubieran transferido al lienzo desde realidad. A diferencia de las naturalezas muertas holandesas, donde las cosas absorbidas por la luz del entorno se representan en unidad con él, en las pinturas de los maestros rusos los objetos pintados con mucho cuidado, incluso meticulosamente, viven como si estuvieran solos, independientemente del espacio circundante.
A principios del siglo XIX, la escuela de A.G. desempeñó un papel importante en el desarrollo de la naturaleza muerta. Venetsianov, que se opuso a la estricta distinción de géneros y buscó enseñar a sus alumnos una visión holística de la naturaleza.
A.G. Venetsianov. Era, 1821-23
La escuela Venetsianov abrió un nuevo género para el arte ruso: el diseño de interiores. Los artistas mostraron diversas estancias de una casa noble: salones, dormitorios, despachos, cocinas, aulas, habitaciones de servicio, etc. En estas obras se concedía un lugar importante a la representación de diversos objetos, aunque la naturaleza muerta en sí casi no interesaba a los representantes del círculo de Venetsianov (en cualquier caso, muy pocas naturalezas muertas realizadas por estudiantes de arte) pintor famoso). Sin embargo, Venetsianov instó a sus alumnos a estudiar cuidadosamente no sólo los rostros y las figuras de las personas, sino también las cosas que los rodeaban.
Un objeto en la pintura de Venetsianov no es un accesorio; está indisolublemente ligado al resto de los detalles del cuadro y, a menudo, es la clave para comprender la imagen. Por ejemplo, una función similar la realizan las hoces en el cuadro "Los segadores" (segunda mitad de la década de 1820, Museo Ruso, San Petersburgo). Las cosas en el arte veneciano parecen estar involucradas en una situación pausada y una vida serena caracteres.
Aunque Venetsianov, con toda probabilidad, no pintó naturalezas muertas, incluyó este género en su sistema de enseñanza. El artista escribió: “ Las cosas inanimadas no están sujetas a esos diversos cambios que son característicos de los objetos animados; se mantienen firmes, inmóviles frente a un artista inexperto y le dan tiempo para profundizar con mayor precisión y juicio, para escudriñar la relación de uno. parte a otra, tanto en líneas como en luces y sombras con el color mismo, que dependen del espacio que ocupan los objetos”.
Por supuesto, la naturaleza muerta también jugó un papel importante en el sistema pedagógico de la Academia de las Artes en los siglos XVIII y XIX (en las aulas, los estudiantes hacían copias de naturalezas muertas de maestros holandeses), pero fue Venetsianov quien animó a los jóvenes artistas a Recurrió a la naturaleza, que introdujo en su plan de estudios de primer año la naturaleza muerta, compuesta por figuras de yeso, platos, candelabros, cintas de colores, frutas y flores. Venetsianov seleccionó objetos para naturalezas muertas educativas de modo que fueran interesantes para los pintores principiantes, comprensibles en su forma y hermosos en color.
En las pinturas creadas por los talentosos alumnos de Venetsianov, las cosas se transmiten con sinceridad y frescura. Estas son las naturalezas muertas de K. Zelentsov, P.E. Kornílov. En la obra de los artistas venecianos también hay obras que no son naturalezas muertas en esencia, pero, sin embargo, el papel de las cosas en ellas es enorme. Se pueden nombrar, por ejemplo, las pinturas "Oficina en Ostrovki" y "Reflejo en el espejo" de G.V. Urracas conservadas en la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.
G.V. Urraca. “Oficina en Ostrovki”. Fragmento, 1844, Museo Ruso, San Petersburgo
Las naturalezas muertas en estas obras no aparecen de forma independiente, sino como partes del interior dispuestas de forma única por el maestro, correspondientes a la estructura compositiva y emocional general de la imagen. El principal elemento conector aquí es la luz, que se mueve suavemente de un objeto a otro. Al mirar los lienzos, se comprende lo interesante que es el mundo que rodea al artista, que retrató con amor cada objeto, cada cosa más pequeña.
La naturaleza muerta presentada en la “Oficina en Ostrovki”, aunque ocupa un pequeño lugar en composición general, parece inusualmente significativo, resaltado por el hecho de que el autor lo separó del resto del espacio con un respaldo alto del sofá y lo cortó a izquierda y derecha con un marco. Parece que Soroka se dejó llevar tanto por los objetos que había sobre la mesa que casi se olvidó de los demás detalles del cuadro. El maestro escribió todo cuidadosamente: una pluma, un lápiz, un círculo, un transportador, una navaja, un ábaco, hojas de papel, una vela en un candelabro. El punto de vista desde arriba te permite ver todas las cosas, sin que ninguna bloquee a la otra. Atributos como una calavera, un reloj y símbolos de la "vanidad terrenal" (una figura, papeles, un ábaco) permiten a algunos investigadores atribuir la naturaleza muerta al tipo vanitas, aunque lo más probable es que tal coincidencia sea puramente accidental. El siervo-artista aprovechó lo que su dueño tenía sobre la mesa.
El famoso maestro de las composiciones objetuales del primer mitad del siglo XIX siglo hubo un artista I.F. Khrutsky, que pintó muchos cuadros hermosos en el espíritu Naturaleza muerta holandesa Siglo XVII. Entre sus mejores obras se encuentran “Flores y frutos” (1836, Galería Tretyakov, Moscú), “Retrato de una esposa con flores y frutos” (1838, Museo de Arte de Bielorrusia, Minsk), “Naturaleza muerta” (1839, Museo de la Academia de las Artes, San Petersburgo).
En la primera mitad del siglo XIX, la "naturaleza muerta botánica", que nos llegó desde Europa occidental, fue muy popular en Rusia. En Francia en esta época se publicaron obras de botánicos con hermosas ilustraciones. Gran popularidad en muchos países europeos recibido por el artista P.Zh. Redoute, considerado “el pintor de flores más famoso de su tiempo”. El “dibujo botánico” fue un fenómeno significativo no sólo para la ciencia, sino también para el arte y la cultura. Estos dibujos se presentaban como obsequios y álbumes decorados, lo que los equiparaba así con otras obras de pintura y gráfica.
En la segunda mitad del siglo XIX, P.A. prestó gran atención a la representación de objetos. Fedótov. Aunque en realidad no pintó naturalezas muertas, el mundo de las cosas que creó deleita con su belleza y veracidad.
Los objetos en las obras de Fedotov son inseparables de la vida de las personas; eventos dramáticos, representado por el artista.
Mirando la foto “ caballero fresco” (“Mañana después de la fiesta”, 1846), te sorprende la abundancia de objetos cuidadosamente pintados por el maestro. Una naturaleza muerta real, que sorprende por su laconismo, se presenta en pintura famosa Fedotov "El emparejamiento del mayor" (1848). La copa se transmite de forma tangible y realista: copas de vino con pie alto, una botella, una jarra. Es el más fino y transparente y parece emitir un suave zumbido de cristal.
Fedótov P.A. El emparejamiento del mayor. 1848-1849. Galería Tretiakov
Fedotov no separa los objetos del interior, por lo que las cosas se muestran no sólo de forma auténtica, sino también con una sutileza pintoresca. Cada objeto corriente o poco atractivo que ocupa su lugar en el espacio común parece sorprendente y bello.
Aunque Fedotov no pintó naturalezas muertas, mostró un indudable interés por este género. Su instinto le decía cómo disponer tal o cual objeto, desde qué punto de vista presentarlo, qué cosas se verían a su lado no sólo lógicamente, sino también expresivamente.
El mundo de las cosas, que ayuda a mostrar la vida humana en todas sus manifestaciones, dota a las obras de Fedotov de una musicalidad especial. Tales son las pinturas "Ancla, otra ancla" (1851-1852), "Viuda" (1852) y muchas otras.
En la segunda mitad del siglo XIX, el género de la naturaleza muerta prácticamente dejó de interesar a los artistas, aunque muchos pintores de género incluyeron voluntariamente elementos de la naturaleza muerta en sus composiciones. Las cosas adquieren gran importancia en las pinturas de V.G. Perova (“Tea Party en Mytishchi”, 1862, Galería Tretyakov, Moscú), L.I. Solomatkina (“Esclavistas de la ciudad”, 1846, Estado Museo Historico, Moscú).
Las naturalezas muertas se presentan en escenas de género de A.L. Yushanova (“Despedida del jefe”, 1864), M.K. Klodt (“El músico enfermo”, 1855), V.I. Jacobi (“El buhonero”, 1858), A.I. Korzukhina (“Antes de la confesión”, 1877; “En el hotel del monasterio”, 1882), K.E. Makovsky (“Alekseich”, 1882). Todas estas pinturas se conservan ahora en la colección de la Galería Tretyakov.
K.E. Makovsky. “Alekseich”, 1882, Galería Tretyakov, Moscú
En las décadas de 1870 y 1880, la vida cotidiana siguió siendo el género principal de la pintura rusa, aunque el paisaje y el retrato también ocuparon un lugar importante. Los Wanderers, que buscaban mostrar la verdad de la vida en sus obras, desempeñaron un papel muy importante en el desarrollo del arte ruso. Los artistas empezaron a conceder gran importancia al trabajo a partir del natural y, por tanto, recurrieron cada vez más al paisaje y a la naturaleza muerta, aunque muchos de ellos consideraban que este último era una pérdida de tiempo, una pasión sin sentido por la forma, desprovista de contenido interno. Entonces, I.N. Kramskoy mencionó al famoso pintor francés, que no descuidó las naturalezas muertas, en una carta a V.M. Vasnetsov: “Una persona con talento no perderá el tiempo representando, digamos, palanganas, peces, etc. Esto es bueno para las personas que ya lo tienen todo, pero a nosotros nos queda mucho por hacer”.
Sin embargo, muchos artistas rusos que no pintaban naturalezas muertas las admiraban al contemplar las pinturas de los maestros occidentales. Por ejemplo, V.D. Polenov, que se encontraba en Francia, escribió a I.N. Kramskoi: “Miren cómo las cosas aquí van como un reloj, cada uno trabaja a su manera, en las más diversas direcciones, como le gusta, y todo esto se valora y se paga. Para nosotros lo más importante es lo que se hace, pero aquí está cómo se hace. Por ejemplo, pagan veinte mil francos por una palangana de cobre con dos peces y, además, consideran a este calderero como el primer pintor, y tal vez no sin razón.
Habiendo visitado la exposición en París en 1883, V.I. Surikov admiraba paisajes, naturalezas muertas y pinturas de flores. Escribió: “Los peces de Gibert son buenos. La baba de pescado está representada de manera magistral y colorida, mezclando tono sobre tono”. En su carta a P.M. Tretyakov y estas palabras: “Y los peces de Gilbert son un gran milagro. Bueno, realmente puedes tomarlo en tus manos, está escrito hasta el punto de engañar”.
Tanto Polenov como Surikov pudieron convertirse en excelentes maestros de la naturaleza muerta, como lo demuestran los objetos magistralmente pintados en sus composiciones (“Sick” de Polenov, “Menshikov in Berezov” de Surikov).
ENFERMEDAD VENÉREA. Polenov. “Mujer enferma”, 1886, Galería Tretyakov
La mayoría de las naturalezas muertas creadas por famosos artistas rusos en las décadas de 1870 y 1880 son obras de tipo boceto, que muestran el deseo de los autores de transmitir las características de las cosas. Algunas obras similares representan objetos inusuales y raros (por ejemplo, un boceto con una naturaleza muerta para el cuadro de I.E. Repin "Cosacos escribiendo una carta al sultán turco”, 1891). Tales obras no tenían ningún significado independiente.
Interesantes bodegones de A.D. Litovchenko, realizado como estudio preparatorio para el gran lienzo “Iván el Terrible muestra sus tesoros al embajador Horsey” (1875, Museo Ruso, San Petersburgo). El artista mostró lujosas telas de brocado, armas con incrustaciones de piedras preciosas y artículos de oro y plata almacenados en los tesoros reales.
Más raros en aquella época eran los bodegones esbozados que representaban artículos para el hogar. Estas obras fueron creadas con el objetivo de estudiar la estructura de las cosas, y también fueron el resultado de ejercicios de técnica pictórica.
La naturaleza muerta jugó un papel importante no sólo en el género, sino también en pintura de retrato. Por ejemplo, en la película de I.N. Los objetos de Kramskoy “Nekrasov durante el período de “Las últimas canciones” (1877-1878, Galería Tretyakov, Moscú) sirven como accesorios. SN Goldstein, que estudió la obra de Kramskoy, escribe: “En busca de la composición general de la obra, se esfuerza por que el interior que recrea, a pesar de su carácter estrictamente cotidiano, contribuya, en primer lugar, a la conciencia de la apariencia espiritual de el poeta, el significado inmarcesible de su poesía. Y, de hecho, los accesorios individuales de este interior: volúmenes de Sovremennik, colocados al azar sobre la mesa junto a la cama del paciente, una hoja de papel y un lápiz en sus manos debilitadas, un busto de Belinsky, un retrato de Dobrolyubov colgado en la pared. significado adquirido en este trabajo de ninguna manera signos externos situaciones, sino reliquias estrechamente relacionadas con la imagen de una persona”.
Entre las pocas naturalezas muertas de los Wanderers, el lugar principal lo ocupan los “ramos”. Interesante es “Bouquet” de V.D. Polenov (1880, Museo de la finca Abramtsevo), cuya forma de ejecución recuerda un poco a las naturalezas muertas de I.E. Repina. Sin pretensiones en su motivo (pequeñas flores silvestres en un sencillo jarrón de cristal), deleita sin embargo con su pintura de forma libre. En la segunda mitad de la década de 1880, aparecieron ramos similares en las pinturas de I.I. Levitan.
I.N. muestra las flores al espectador de forma diferente. Kramskoi. Muchos investigadores creen que los dos cuadros son “Ramo de flores”. Phloxes” (1884, Galería Tretyakov, Moscú) y “Roses” (1884, colección de R.K. Viktorova, Moscú) fueron creadas por el maestro mientras trabajaba en el lienzo “Inconsolable Grief”.
Kramskoy demostró dos "ramos" en la XII Exposición Móvil. Las composiciones espectaculares y brillantes que representan flores de jardín sobre un fondo oscuro encontraron compradores incluso antes de la inauguración de la exposición. Los propietarios de estas obras fueron el barón G.O. Gintsburg y la emperatriz.
En la IX Exposición Itinerante de 1881-1882, la pintura de K.E. Makovsky, nombrado en el catálogo "Nature morte" (ahora está en Galería Tretiakov titulado “En el estudio del artista”). El gran lienzo muestra un perro enorme tumbado en la alfombra y un niño que se levanta de un sillón y busca una fruta en la mesa. Pero estas figuras son sólo detalles que el autor necesita para revivir la naturaleza muerta: muchas cosas lujosas en el estudio del artista. Pintada según las tradiciones del arte flamenco, la pintura de Makovsky todavía toca el alma del espectador. El artista, fascinado por transmitir la belleza de las cosas caras, no logró mostrar su individualidad y creó una obra. el objetivo principal lo cual es una demostración de riqueza y lujo.
Todos los objetos de la imagen parecen estar reunidos para sorprender al espectador con su esplendor. Sobre la mesa hay un juego tradicional de frutas para una naturaleza muerta: manzanas grandes, peras y uvas en un plato grande y hermoso. También hay una gran taza plateada decorada con adornos. Cerca se encuentra una vasija de barro azul y blanca, junto a la cual se encuentra un arma antigua ricamente decorada. El hecho de que se trata de un estudio de artista lo recuerdan los pinceles colocados en una amplia jarra en el suelo. La silla dorada tiene una espada en una lujosa funda. El suelo está cubierto con una alfombra con motivos brillantes. También se utilizan como decoración telas caras: brocados adornados con pieles gruesas y terciopelo con el que se cose la cortina. El color del lienzo está diseñado en ricos tonos con predominio del escarlata, azul y dorado.
De todo lo anterior se desprende claramente que en la segunda mitad del siglo XIX la naturaleza muerta no jugó un papel importante en la pintura rusa. Se distribuyó únicamente como boceto para un cuadro o un estudio didáctico. Muchos artistas que representaron naturalezas muertas como parte del programa académico nunca regresaron a este género en su trabajo independiente. Las naturalezas muertas fueron pintadas principalmente por no profesionales que crearon acuarelas con flores, bayas, frutas y setas. Grandes maestros No consideraban que las naturalezas muertas fueran dignas de atención y usaban objetos solo para mostrar de manera convincente la situación y decorar la imagen.
Los primeros comienzos de una nueva naturaleza muerta se pueden encontrar en las pinturas de artistas que trabajaron a principios de los siglos XIX y XX: I.I. Levitan, es decir. Grabar, V.E. Borisova-Musatova, M.F. Larionova, K.A. Koroviná. Fue en ese momento cuando la naturaleza muerta apareció en el arte ruso como género independiente.
Pero se trataba de una naturaleza muerta muy singular, entendida por artistas que trabajaban de manera impresionista, no como una composición ordinaria de tema cerrado. Los maestros representaron los detalles de una naturaleza muerta en un paisaje o interior, y lo importante para ellos no era tanto la vida de las cosas como el espacio mismo, una neblina de luz que disuelve los contornos de los objetos. También son de gran interés los bodegones gráficos de M.A. Vrubel, que se distingue por su originalidad única.
A principios del siglo XX, artistas como A.Ya desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la naturaleza muerta rusa. Golovin, S.Yu. Sudeikin, A.F. Gaush, B.I. Anisfeld, I.S. Colegial. N.N. también dijo una palabra nueva en este género. Sapunov, quien creó una serie de pinturas-paneles con ramos de flores.
En el siglo XX, muchos artistas recurrieron a la naturaleza muerta. direcciones diferentes. Entre ellos estaban los llamados. Cézanneistas de Moscú, simbolistas (P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin), etc. Las composiciones de objetos ocuparon un lugar importante en las obras de tales maestros famosos, como dice M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Lentulov, R.R. Falk, PP. Konchalovsky, A.V. Shevchenko, D.P. Shterenberg, quien hizo de la naturaleza muerta un género completo entre otros géneros de la pintura rusa del siglo XX.
Simplemente enumerar a los artistas rusos que utilizaron elementos de naturaleza muerta en su trabajo ocuparía mucho espacio. Por tanto, nos limitaremos al material aquí presentado. Los interesados pueden conocer más sobre los enlaces proporcionados en la primera parte de esta serie de posts sobre el género de los bodegones.
Publicaciones anteriores: Parte 1 -
Parte 2 -
Parte 3 –
Parte 4 –
Parte 5 –
La naturaleza muerta es un género que ganó prominencia en el arte occidental hacia finales del siglo XVI y ha seguido siendo un género importante desde entonces. Los bodegones se clasifican según la representación de objetos comunes, que pueden ser naturales, como flores, frutas, etc., o artificiales, como vasos, instrumentos musicales etc. A continuación se muestra una lista de las 10 naturalezas muertas más famosas. artistas famosos entre ellos Chardin, Paul Cézanne, Van Gogh y Giorgio Morandi.
No. 10 Serie de naturalezas muertas, Artista Tom Wesselman
El movimiento del arte pop surgió en la década de 1950 y utiliza imágenes reconocibles de la cultura popular. Entre las obras de arte pop más populares se encuentra una serie de naturalezas muertas de Tom Wesselmann. Sus naturalezas muertas representan elementos del mundo moderno en lugar de las frutas y verduras de la generación anterior de artistas de este género. Esta obra (Still Life #30) es una combinación de pintura, escultura y un collage de marcas que Tom vio en la calle.
N°9 Vanitas con violín y bola de cristal
Artista: Peter Claes
De:
Peter Claes es uno de los pintores de bodegones más destacados de su época. Su vanitas con violín y bola de cristal, que representa muchos objetos, entre ellos una calavera, pero lo que llama especialmente la atención es la bola de cristal, en la que se refleja el propio artista delante del caballete. Hay una sensación de misticismo en esto. La "Cesta de frutas" de Caravaggio es muy natural; incluso se ven agujeros de gusano en la fruta. Y no está claro si el maestro representó lo que vio o si hay un significado más profundo escondido en los frutos estropeados. Indudablemente La naturaleza muerta de Van Gogh con girasoles es bonita. |
La clasificación presentada de naturalezas muertas muestra perfectamente cuán diversas pueden ser las pinturas de este género. Una obra muy “soviética” (o proletaria) de Wesselmann, aunque no representa los atributos de la URSS, salvo la estrella roja. El retrato de Lincoln no encaja en la naturaleza muerta, parece extraño entre whisky, fruta, flor de interior, un gato y nuevamente una fruta, que involuntariamente se asocia con imágenes de secretarios generales, que en un momento fueron un atributo indispensable de cualquier ambiente. Dos botellas de whisky parecen cerveza, dando la impresión de una bebida cotidiana que no requiere un refrigerio especial. La casa Blanca en la imagen está casi completamente oculto por la fruta, lo que da a entender que se trata sólo de un pequeño detalle interior. Colores brillantes confiere a la composición un claro carácter años 60 y facilita la percepción de la estrella roja junto a Lincoln. Vanitas contrasta marcadamente con el violín, que se diferencia marcadamente en elegancia, sofisticación, colores más tenues y un conjunto de objetos del mundo opuesto a la pintura de Wesselmann. La cesta de frutas de Caravaggio es un ejemplo de naturaleza muerta clásica, muy elegante, lacónica, que siempre es agradable de ver. Una paleta interesante que no difiere en la variedad de colores, pero se adapta a una determinada gama de tonos naturales. Y la obra de Morandi es tan sencilla, esencial y pura que es imposible cansarse de mirarla. Un mínimo de color, pocos objetos que componen la composición, nada de estampados, variedad de objetos, formas simples, a excepción del jarrón. Sin embargo, quiero mirar la naturaleza muerta y encontrar varios matices en su aparente sencillez. Las pinturas de Cezanne son una celebración de la vida, la abundancia, las alegrías simples: fruta fresca, vino casero, postre casero, destinados a ser comidos y no a crear una composición canónica. La naturaleza muerta con limones es muy elegante, con ventajas. combinación de colores negro y amarillo, y la pareja de plato, cesta y café crean una especie de “secuencia de vídeo” y añaden dinamismo. La pendiente del cuadro de Chardin llama inmediatamente la atención y distingue efectivamente el lienzo de cualquier otro, aunque en esencia se trata de una naturaleza muerta bastante clásica y tradicional. La obra cúbica y geométrica de Braque demuestra que el género de la naturaleza muerta es posible en este estilo. Bueno, los girasoles de Van Gogh son una obra soleada, alegre, radiante y cálida, pero no estoy seguro de ponerla en primer lugar. |
Hoy estuve en una exposición en el Museo Nacional Ucraniano de Arte Moderno.
Me gusta mucho. Estoy compartiendo.
Victor Tolochko
1922-2006, Yalta
"Bodegón de primavera", 1985
óleo, lienzo.
Victor Tolochko
"Naturaleza muerta con tetera blanca", 1993
óleo, lienzo
/Nacido en Melitopol, participante en la Segunda Guerra Mundial, estudió en Jarkov. Dirigió el Museo de Arte de Yalta, que en ese momento ocupaba las salas del Palacio Vorontsov. Luego se mudó a Donetsk. En sus últimos años regresó a Crimea. Pintó naturalezas muertas, paisajes, retratos. Artista del pueblo Ucrania/.
Ibrahim Litinsky
1908-1958, Kyiv
"Naturaleza muerta con peones al piano", 1958
óleo, lienzo
/Litinsky Ibrahim Moiseevich (1908 - 1958) - Artista, retratista y maestro de carteles políticos y cinematográficos ucranianos. Se graduó en la Escuela Industrial y de Arte de Kiev, tras lo cual estudió en el Instituto de Arte de Kiev en el departamento de teatro y cine (1927-1928). Pintó retratos de personajes destacados: Stalin, Panas Saksagansky, Ivan Patorzhinsky, Natalia Uzhviy, Gnat Yura. Las obras del artista se encuentran en varias colecciones privadas./(Con)
Nina Dragomirová
1926
"Naturaleza muerta con verduras", 1971
/Artista y pintor ucraniano. Graduado de la Universidad de Crimea que lleva su nombre. N. Samokisha (1952). Miembro de la Unión Nacional de Artistas desde 1970. Maestro del paisaje y la naturaleza muerta. Las obras se encuentran en numerosas colecciones privadas en Ucrania.(c)/
Serguéi Shapovalov
1943, Kirovogrado
"Naturaleza muerta". 1998
óleo, lienzo
/ Graduado del Instituto Estatal de Arte de Kiev. Miembro de la Unión de Artistas de Ucrania. Artista de Honor de Ucrania (2008). Una parte importante de las obras del artista se encuentran en exposiciones de arte itinerantes en los Ministerios de Cultura y museos de Ucrania. Muchas de las obras del artista se encuentran en colecciones privadas. Participó en exposiciones comerciales extranjeras ("Nueva York. Inter-Expo 2002" (EE.UU.), "Casa Rusa" en Berlín (Alemania). En 2004, el artista realizó una exposición personal en Guadalajara (España) (c)/.
Fyodor Zajárov
1919-1994, Yalta
"Lila", 1982
óleo, lienzo
/Destacado pintor, maestro del paisaje y del bodegón. Nacido en el pueblo. Aleksandrovskoye, región de Smolensk. En 1935 - 1941 estudió en la Escuela de Arte e Industria que lleva su nombre. M. Kalinin en Moscú, en 1943 - 1950 - en el Instituto de Arte de Moscú. V. Surikov con A. Lentulov, I. Chekmasov y G. Ryazhsky. En 1950 se trasladó a Simferopol, donde enseñó en la Escuela de Arte. N. Samokisha. En 1953 se instaló en Yalta. Artista de Honor de la República Socialista Soviética de Ucrania desde 1970, Artista del Pueblo de la República Socialista Soviética de Ucrania desde 1978.
Laureado con el Premio Estatal de la República Socialista Soviética de Ucrania. T. Shevchenko (1987). Se realizaron exposiciones conmemorativas del artista en la Galería Estatal Tretyakov (2003), en Simferopol (2004) y en Kiev (2005). Las obras se conservan en la Galería Estatal Tretyakov, el Museo Nacional de Arte de Ucrania, Feodosia galería de arte a ellos. I. Aivazovsky, Simferopol, Sebastopol Museos de arte y otros (c)/
Sergey Dupliy
1958, Kyiv
"Floxes", 2003
óleo, lienzo
/Nacido en 1958 en el pueblo de Sidorovka, región de Cherkasy.
Las obras de I. Grabar, N. Glushchenko y F. Zakharov tuvieron una gran influencia en su desarrollo como artista.
Miembro Unión Nacional artistas de Ucrania desde 2000. Vive y trabaja en Rzhishchev.(c)/
Valntina Tsvetkova
1917-2007, Yalta
"Flores de otoño", 1958
óleo, lienzo
/Pintor ucraniano y ruso, maestro del paisaje y de la naturaleza muerta. Nacido en Astracán, Rusia. Graduado en Astracán en 1935. escuela de Arte. Recibió órdenes y medallas. Artista del Pueblo de Ucrania desde 1985. Vivió y trabajó en Yalta.(c)/
Stepan Titko
1941-2008, Leópolis
"Naturaleza muerta", 1968
óleo, lienzo
/Nacido en el pueblo de Stilskoye, región de Lviv.
En 1949, la familia del artista fue reprimida y exiliada al territorio de Khabarovsk. En 1959, Stepan Titko se graduó de la escuela y ingresó en el departamento de arte y gráficos del Instituto Estatal de Imprenta de Khabarovsk, y en 1961, en el Instituto de Arte de Khabarovsk. Desde 1964 vivió en Komsomolsk-on-Amur y trabajó como diseñador gráfico en el Instituto de Cosmonáutica. En 1966, junto con su familia, el artista regresó a Ucrania, se instaló en la ciudad de Novy Rozdol, región de Lviv, y trabajó como profesor de arte en una escuela. De 1969 a 1971 Titko S.I. está en un viaje creativo a isla japonesa Sakyu.
En 1974 participó en la “exposición de bulldozers”. Fue acusado de formalismo y actitud pro occidental hacia el arte.
Obras de Titko S.I. se conservan en museos y colecciones privadas de Ucrania, Polonia, Alemania, Francia, Estados Unidos y otros países.(c)/
Konstantin Filatov
1926-2006, Odesa
"Naturaleza muerta con una taza", 1970
cartón, aceite
Konstantin Filatov
1926-2006, Odesa
"Berenjenas y pimientos", 1965
lienzo sobre cartón, óleo
/Artista de Honor de Ucrania. Nacido en Kyiv.
En 1955 se graduó en la Escuela de Arte de Odessa que lleva el nombre de M.B. Desde 1957 - participante de partidos republicanos, de toda la Unión y extranjeros. exhibiciones de arte. Miembro de la Unión de Artistas de la República Socialista Soviética de Ucrania desde 1960.
Trabajó en la zona pintura de caballete. Autor de numerosos pinturas de genero, paisajes, retratos y naturalezas muertas.
De 1970 a 1974 fue profesor en la Escuela de Arte de Odessa.
En 1972 recibió el Premio Estatal de la República Socialista Soviética de Ucrania. T. Shevchenko por los cuadros “Plaza Roja” y “V. I. Lenin." En 1974 recibió el título de "Artista de Honor de la República Socialista Soviética de Ucrania".
Obras de K.V. Las obras de Filatov están representadas en museos y colecciones privadas de Ucrania y el extranjero. (Con)/
Pavel Miroshnichenko (¡me gusta mucho este trabajo!)
1920-2005, Sebastopol
"Naturaleza muerta", 1992
óleo, lienzo
/Artista de Honor de Ucrania. Pintor paisajista, maestro de la naturaleza muerta. Nacido en Belovodsk, región de Lugansk.
Participante de la Gran Guerra Patria. Órdenes y medallas otorgadas.
De 1946 a 1951 estudió en la Escuela de Arte de Crimea que lleva su nombre. N. S. Samokisha. Desde 1951 el artista vivió y trabajó en Sebastopol.
Desde 1965 Miroshnichenko P.P. - Miembro de la Unión de Artistas de Ucrania.
Las obras se encuentran en el Museo de Arte de Sebastopol. M. P. Kroshitsky y otros museos y colecciones privadas en Ucrania, Rusia, Francia, Alemania, Japón, Estados Unidos, Polonia y la República Checa. Se compraron cinco paisajes marinos para el Museo de Arte Ruso en Japón.(c)/
Gayane Atoyan
1959, Kyiv
"Acianos", 2001
óleo, lienzo
/En 1983 se graduó en el Instituto Estatal de Arte de Kiev. Considera a su madre, artista, su principal maestra. Tatiana Yablonskaya. Desde 1982 participa en exposiciones de arte.
En 1986 fue admitida en la Unión de Artistas de Ucrania.
Las obras de Gayane Atoyan se encuentran en museos de arte de Kiev, Zaporozhye, Khmelnitsky, en colecciones privadas en Ucrania y en el extranjero.(c)/
Evgeniy Egorov
1917-2005, Jarkov
"Rosas", 1995
papel, pasteles
/Trabajó en el Instituto de Arte e Industria de Jarkov (ahora KhSADI) de 1949 a 2000. (de 1972 a 1985 - rector)/.
Serguéi Shurov
1883-1961, Kyiv
"Naturaleza muerta", años 50
papel, acuarela
Ígor Kotkov
1961, Kyiv
"Naturaleza muerta con flores rojas" 1990
óleo, lienzo
/Se graduó en la Escuela Republicana de Arte de Kiev y luego en la Academia de Arte de Kiev. Trabajó como diseñador de producción en el estudio de cine UkrAnimafilm, creando dibujos animados para adultos. Poco a poco, el artista desarrolló su propio estilo de escritura, su propio estilo creativo. Ahora pintar es pasatiempo favorito y el trabajo de su vida. Su arsenal creativo incluye varias docenas de obras en colecciones privadas en Ucrania, Rusia, Alemania, Gran Bretaña, Estados Unidos, Canadá, dos exposiciones personales en Kiev y participación en muchas otras exposiciones.(c)/
Vladimir Mikita (¡clase!)
1931, Transcarpatia
"Bodegón hutsul", 2002
lienzo, técnica mixta
/Artista del Pueblo de Ucrania.
Nacido en el pueblo de Rakoshino, distrito de Mukachevo, región de Transcarpacia. Nacionalidad: Rusyn.
En 1947, después del noveno grado, aprobó los exámenes en la escuela de Uzhgorod. Artes Aplicadas y fue aceptado en el tercer año.
De 1951 a 1954 estuvo en las filas ejército soviético en la isla de Sajalín. Después del ejército, fue contratado por los Talleres de Arte y Producción del Fondo de Arte de Transcarpacia, donde trabajó hasta su jubilación en 2001.
En 1962 fue admitido en la Unión de Artistas de Ucrania. En 2005, galardonado con el Premio Nacional de Ucrania. Taras Shevchenko.
Otorgado la Orden de Yaroslav el Sabio grados V y IV. Desde 2010 - Ciudadano honorario de Uzhgorod.
Las obras del artista se encuentran en las colecciones de los Ministerios de Cultura de Ucrania y Rusia, en varios museos de arte, incluidos los extranjeros: Lituania, Eslovaquia, Alemania, Hungría, Serbia, Venezuela y en colecciones privadas de todo el mundo.(c)/
Anastasia Kalyuzhnaya(a mí también me gusta mucho)
1984, Kerch
"Naturaleza muerta" 2006
óleo, lienzo
/Anastasia Kalyuzhnaya se graduó en la Academia Nacional de Bellas Artes de Ucrania y en la Escuela de Arte Roman Serdyuk. La rica experiencia de la escuela de pintura ucraniana sirvió de base para el desarrollo del artista. Ahora trabaja en Kerch en manera realista pintura.(c)/
Mijaíl Roskin
1923-1998, Úzhgorod
"Jarrón de cristal con flores", 1990
papel, pasteles
/Nacido en Nikopol, región de Dnepropetrovsk. Recibió formación artística y profesional en el Estudio de Artistas Militares que lleva su nombre. M. B. Grekova. Miembro de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania desde 1978 (c)/
Elena Yablonskaya
1918-2009, Kyiv
"Tabaco perfumado en la ventana", 1945
cartón, aceite
/Hermana de la artista Tatyana Yablonskaya. La esposa del destacado artista ucraniano E.V. Volobuev.
En 1941 se graduó en el Instituto Estatal de Arte de Kiev. En 1945 recibió la medalla "Por el trabajo valiente en la Gran Guerra Patria de 1941-1945".
Miembro de la Unión de Artistas de la URSS desde 1944.
Maestro de la pintura de caballete y la gráfica de libros. Durante veinte años Elena Nilovna ilustró libros. Varias generaciones de niños crecieron gracias a su trabajo. El artista dirigió y actividad pedagógica— enseñó a artistas gráficos y escultores.
En 1977 recibió el título de “Artista de Honor de Ucrania”.
Obras de E.N. Yablonskaya se presentan en el Museo Nacional de Arte de Ucrania, en museos, galerías y colecciones privadas de Ucrania, Alemania, Inglaterra, Estados Unidos y otros países.(c)/
Oksana Pilipchuk
1977, Kyiv
"Naturaleza muerta", 2001
óleo, lienzo
/Pilipchuk Oksana Dmitrievna - artista-pintora, miembro de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania, profesora en la Universidad Nacional de Ingeniería Civil y Arquitectura de Kiev (departamento de dibujo y pintura).
Las obras se conservan en muchos museos ucranianos, así como en colecciones privadas en Ucrania, Bielorrusia, Rusia, Holanda, Estados Unidos, Japón, Eslovaquia, República Checa, Polonia, Alemania, Israel y Francia./
Evgeny Smirnov
1959, Sebastopol
"Naturaleza muerta con peras verdes", 2000
óleo, lienzo
/Nacido en Rybinsk, región de Yaroslavl, Rusia. De 1975 a 1979 Estudió en el departamento de pintura de la Escuela de Arte de Saratov. Bogolyubova. Al finalizar sus estudios, Evgeny Smirnov se traslada a Sebastopol.
En 1993 se incorporó a la Unión Nacional de Artistas de Ucrania. Desde 2005 - Artista de Honor de Ucrania.
Las obras del artista se encuentran en el Museo de Arte de Sebastopol. M.P. Kroshitsky y en otros museos y colecciones privadas de Ucrania, Rusia, Alemania y otros países./
Vera Chursina
1949, Jarkov
"Bodegón de tarde", 2005
óleo, lienzo
/ Artista gráfico, pintor.
Nacido en el pueblo. Borisovka, región de Belgorod, Rusia.
En 1972 se graduó en el Instituto Pedagógico Estatal de Oryol, departamento de arte y gráfica.
En 1980 defendió su diploma en el Instituto de Arte e Industria de Jarkov, especializándose en gráfica de caballete. Artista de Honor de Ucrania, miembro de la rama de Jarkov de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania, profesor de Jarkov academia estatal diseño y artes, profesor del departamento de pintura.
Participa en exposiciones internacionales, de toda Ucrania y regionales.
Desde 1992 - miembro de la Unión Económica de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania.(c)/
Vladímir Kuznetsov
1924-1998, Jarkov
"Naturaleza muerta", 1992
aceite, cartón
/ Graduado en el Instituto de Artes de Jarkov (1954), enseñó allí. Participante habitual en exposiciones municipales, regionales y regionales desde 1954. Las obras del artista se encuentran en muchos museos regionales y en colecciones privadas en Rusia y en el extranjero./
Alexander Gromovoy
1958
"Naturaleza muerta", 2011
óleo, lienzo
/Nacido en el pueblo de Krasnopolye, región de Nikolaev.
En 1987 se graduó en Uzhgorod. Universidad Estatal, en 1993 - departamento de arte y gráficos del Instituto Pedagógico de Odessa que lleva el nombre de K.D. Miembro de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania desde 1995./
Azat Safin
1961, Jarkov
"Naturaleza muerta" 2003
óleo, lienzo
Anna Fainerman
1922-1991, Kyiv
"Naturaleza muerta con Rowan", 1966
cartón, aceite
/Nacido en el pueblo de Uspenskaya, distrito de Beloglinsky región de krasnodar Rusia. En 1941 se graduó en arte. escuela secundaria a ellos. T. G. Shevchenko. Después de graduarse en la Facultad de Periodismo de la Universidad de los Urales en 1945, ingresó en el Instituto de Arte de Kiev, donde se graduó en 1951.
Mientras estudiaba en el instituto, trabajó como empleada literaria y correctora en la editorial Ucrania soviética.
La esposa del famoso artista ucraniano Rapoport Boris Naumovich.
Miembro de la Unión de Artistas de la República Socialista Soviética de Ucrania desde 1955. Las obras se conservan en museos, galerías y colecciones privadas de Ucrania y del extranjero./
Adalberto Marton
1913-2005, Úzhgorod
Naturaleza muerta, 1969
papel, pastel
/Pintor ucraniano-húngaro. Maestro del paisaje y la naturaleza muerta de Transcarpacia.
Nacido en Clairton, Estados Unidos. En 1936 se graduó en la escuela de arte e industria de Gablonc, Checoslovaquia.
Desde 1937 vivió y trabajó en Uzhgorod. Desde 1957 ha participado en exposiciones regionales, republicanas, de toda la Unión e internacionales. Las obras del artista se encuentran en museos, galerías y colecciones privadas de Ucrania, Rusia, Hungría, Estados Unidos, Canadá y Japón. En 1972, el artista se trasladó a Hungría, donde falleció en 2005. (c)/
Alejandro Sheremet
1950, Kyiv
"Naturaleza muerta", 2001
óleo, lienzo
Konstantin-Vadim Ignatov
1934, Kyiv
"Ceremonia del té" 1972
lienzo al temple
/Nacido en Kharkov (Ucrania). Estudió en la escuela de arte de Kiev y también en el Instituto Estatal de Arte de Kiev.
EN tiempo soviético Tenía fama de destacado ilustrador y trabajó en la editorial Veselka durante unos 30 años, donde ilustró más de 100 libros. Miembro de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania./
Lesya Priimich
1968
"Santa Noche", 2013
óleo, lienzo
/Nacido en Uzhgorod, región de Transcarpacia.
Graduado del Instituto Estatal de Ciencias Aplicadas y Artes Decorativas(1992). Pintor. Miembro de la Unión Nacional de Artistas (2006)./
Andrei Zvezdov
1963-1996, Kyiv
Naturaleza muerta con hojas de otoño" 1991
aceite, cartón
Karl Zvirinsky
1923-1997
"Naturaleza muerta", 1965
Zoya Orlová
1981, Kyiv
Naturaleza muerta", 2004
cartón, técnica mixta
Oleg Omelchenko
1980
"Naturaleza muerta con reloj", 2010
óleo, lienzo
Nikolai Kristopchuk
1934, Leópolis
"Bodegón de Kosovo", 1983
óleo, lienzo
Boris Kolesnik
1927-1992, Jarkov
"Naturaleza muerta", 1970
cartón, aceite
/Nacido en el pueblo. Vilshany, región de Jarkov.
En 1943-1949 Estudió en la Escuela Estatal de Arte de Jarkov, en 1949-1955. - en el Instituto Estatal de Arte de Jarkov.
En 1965 se incorporó a la Unión de Artistas de la República Socialista Soviética de Ucrania.
autor del genero pinturas líricas, revelando la vida y las tradiciones del pueblo ucraniano.
Obras de Kolesnik B.A. se conservan en el Museo de Arte Ruso de Kiev, en museos de arte de Jarkov y otras ciudades de Ucrania y la antigua URSS./
Konstantin Lomykin
1924-1993, Odesa
"Peras", 1980
cartón, pasteles
/Pintor, artista gráfico. Artista del Pueblo de Ucrania.
Nacido en Glukhov, región de Sumy. En 1951 se graduó en la Escuela de Arte de Odessa. Miembro de la organización Odessa de la Unión de Artistas de la República Socialista Soviética de Ucrania desde 1953.
Autor de cuadros y obras temáticas. género cotidiano, paisajes y naturalezas muertas.
Artista de Honor de la República Socialista Soviética de Ucrania.
Las obras del artista se encuentran en museos de arte de Ucrania, así como en colecciones privadas de Ucrania, Rusia, Japón, Francia, Grecia, Alemania, Italia, Portugal y otros países./
Alejandro Jmelnitski
1924-1998, Jarkov
"Naturaleza muerta con un sombrero rojo"
óleo, lienzo
/Nacido en Jarkov.
Participó en las hostilidades durante la Gran Guerra Patria.
De 1947 a 1953 estudió en el Instituto Estatal de Arte de Jarkov, luego enseñó en el Instituto Estatal de Arte de Jarkov (Instituto Industrial y de Arte de Jarkov), con1978 - profesor
En 1956, fue aceptado como miembro de la organización de Jarkov de la Unión de Artistas de Ucrania y fue presidente de la sección de pintura.
En 1974 participó en la creación del diorama “Forcing the Dnieper” en colaboración con A. Konstantinopolsky, V. Mokrozhitsky y V. Parchevsky para el Museo de la Gran Guerra Patria de Kiev.
Artista del Pueblo de Ucrania. Es miembro correspondiente de la Academia de las Artes de Ucrania desde 1997.
Las obras del artista se encuentran en museos, galerías y colecciones privadas en Ucrania y en el extranjero./
Vladimir Boguslavsky
1954, Leópolis
"Jarra de bronce", 2005
óleo, lienzo
Espero que lo hayas disfrutado.
¡Gracias por su atención!
I. Mashkov "Naturaleza muerta" (1930)
La palabra “naturaleza muerta” se traduce del francés como “naturaleza muerta” (fr. naturaleza muerta).
Sobre la naturaleza muerta
Todo lo que ya no vive, no respira, que ha sido arrancado, cortado, pero que sigue deleitando a una persona con su existencia, todo esto es el tema de una naturaleza muerta.
La naturaleza muerta comenzó a existir como género pictórico independiente en el siglo XVII. en las obras de holandeses y artistas flamencos. Anteriormente, era sólo una decoración y cumplía una función utilitaria.
Las primeras naturalezas muertas a menudo contenían una alegoría oculta (alegoría), que se expresaba a través de objetos cotidianos dotados de significado simbólico. A veces, las naturalezas muertas representaban una calavera, que se suponía que recordaba la fugacidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte.
La naturaleza muerta alegórica se llamó Vanitas (lat. vanitas, lit.: “vanidad, vanidad”). Su centro compositivo es tradicionalmente el cráneo humano.
Bartholomeus Brain el Viejo (primera mitad del siglo XVI). Vanitas
“Vanidad de vanidades”, dijo Eclesiastés, “¡vanidad de vanidades, todo es vanidad!”
Willem Claes Heda. Vanitas
La calavera simboliza la fragilidad. vida humana. Una pipa para fumar es un símbolo de fugaz y esquiva. placeres terrenales. El vidrio simboliza la fragilidad de la vida. Las claves son el poder del ama de casa que gestiona sus suministros. El cuchillo nos recuerda la vulnerabilidad y la mortalidad humanas. Una hoja de papel normalmente con un dicho moralizante (a menudo pesimista). Por ejemplo:
Hodie mihi cras tibi - hoy por mí, mañana por ti;
recuerdo mori - recuerdo Mori;
Aeterne pungit cito volat et occidit: la gloria de los hechos heroicos se disipará como un sueño;
Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - todo es destruido por la muerte, la muerte es el límite final de todas las cosas;
Nil omne – todo es nada.
Pero más a menudo, en las naturalezas muertas, se puede sentir la admiración del artista por los objetos: utensilios de cocina, flores, frutas, artículos para el hogar; estos cuadros fueron adquiridos por los clientes para decorar los interiores de sus hogares.
De mediados del siglo XVII. naturaleza muerta en pintura holandesa se ha generalizado como género independiente. Y uno de los primeros en destacar fue el bodegón floral, especialmente en las obras de Ambrosius Bosschaert el Viejo y Balthasar van der Ast, para luego continuar su desarrollo en los lujosos bodegones de Jan Davids de Heem en la segunda mitad del siglo XIX. el siglo XVII. La naturaleza muerta floral también es popular entre los artistas de nuestro tiempo.
La temática de los bodegones es extensa: se trata de los ya mencionados bodegones florales, imágenes de desayunos, mesas servidas, bodegones científicos que representan libros y otros objetos de la actividad humana, instrumentos musicales, etc.
Veamos algunas de las naturalezas muertas más famosas.
Willem Claes Heda (1594-1682) “Naturaleza muerta con jamón y cubiertos” (1649)
Willem Claes Heda "Naturaleza muerta con jamón y cubiertos" (1649)
En esta imagen se nota la habilidad virtuosa del artista para transmitir objetos cotidianos y corrientes. Kheda los representa de tal manera que resulta evidente que él mismo los admira: se crea una sensación de tangibilidad de cada uno de los objetos.
Sobre una pequeña mesa cubierta con un rico y pesado mantel, vemos un limón y admiramos su suavidad ambarina, sentimos el aroma del jamón fresco y escuchamos el tintineo de la plata centelleante. El desayuno ha terminado, por lo que los artículos sobre la mesa están en un desorden natural.
Cubiertos significa riqueza terrenal, jamón - alegrías sensuales, limón - belleza externa, en cuyo interior se esconde la amargura. La imagen concluye con una reflexión sobre el hecho de que hay que cuidar no sólo el cuerpo, sino también el alma.
El bodegón está diseñado en un único tono marrón grisáceo, característico de todo el pintura holandesa ese momento. El lienzo no sólo es hermoso, también habla de lo oculto” vida tranquila» objetos vistos por el ojo atento del artista.
La naturaleza muerta está en Museo Estatal Bellas Artes a ellos. A. S. Pushkin en Moscú.
Paul Cézanne (1830-1906) Melocotones y peras (1895)
Paul Cezanne "Melocotones y peras" (1895)
Paul Cézanne fue el mayor artista francés. finales del XIX v. Habiendo experimentado la influencia del impresionismo, Cézanne los opuso con su propio método. Se opuso a su deseo de seguir únicamente su impresión visual en el arte: estaba a favor de una transmisión objetiva de la realidad basada en patrones de la naturaleza. No quería verla cambiante, sino sus cualidades constantes. Cézanne dijo: "Quiero devolver la eternidad a la naturaleza". El artista llevó a cabo sus búsquedas creativas a través de la síntesis de forma y color, forma y espacio. Esta búsqueda es especialmente evidente en sus naturalezas muertas.
Cada uno de los objetos de esta naturaleza muerta está representado desde un punto de vista diferente. Vemos la mesa desde arriba, el mantel y la fruta desde un lado, la mesa desde abajo y la jarra desde diferentes puntos de vista simultáneamente. Cezanne se esfuerza por mostrar lo más plenamente posible la forma y el volumen característicos de los melocotones y las peras. Su técnica se basa en la ley óptica: los colores cálidos (rojo, rosa, amarillo, dorado) nos parecen sobresalir, y los colores fríos (azul, celeste, verde) parecen retroceder más profundamente en el lienzo.
La forma de los objetos en las naturalezas muertas de Cezanne no depende de una iluminación aleatoria, sino que se vuelve constante, inherente a cada objeto. Por tanto, las naturalezas muertas de Cézanne parecen monumentales.
La pintura se encuentra en el Museo Estatal de Bellas Artes. A. S. Pushkin en Moscú.
Henri Matisse (1869-1954) "El mantel azul" (1909)
Henri Matisse "El mantel azul" (1909)
Famoso artista francés Henri Matisse en arte extranjero Siglo XX ocupa uno de los lugares destacados. Pero este lugar es especial.
A principios del siglo XX. Matisse se convirtió en el jefe de la primera. nuevo grupo V pintura europea, que fue llamado Fauvismo(del francés "salvaje"). Una característica de esta dirección fue la libertad de utilizar cualquier color elegido arbitrariamente por el artista y el deseo de un colorido decorativo. Esto pareció un desafío a las normas establecidas del arte oficial.
Pero después de un tiempo, este grupo se disolvió y Matisse ya no pertenecía a ninguna dirección, sino que eligió su propio camino. Con su arte claro y alegre, Matisse buscó dar paz a las almas atormentadas de las personas en la atmósfera emocional del siglo XX.
En la naturaleza muerta "Mantel azul", Matisse utiliza su favorito. dispositivo compositivo: tela que desciende desde arriba. La materia en primer plano parece cerrar el espacio del lienzo, haciéndolo poco profundo. El espectador admira el juego caprichoso de los adornos azules sobre el fondo turquesa del mantel y las líneas de los objetos de la naturaleza muerta. El artista generalizó las formas de la cafetera dorada, la jarra verde y las manzanas rojizas en el jarrón; perdieron su volumen y los pequeños objetos obedecieron el ritmo de la tela y complementaron el acento colorido del cuadro;
Naturaleza muerta en la pintura rusa.
La naturaleza muerta como género pictórico independiente apareció en Rusia a principios del siglo XVIII, pero inicialmente se la consideraba un género "inferior". La mayoría de las veces se utilizó como producción educativa y fue aceptada sólo de forma limitada como pintura de flores y frutas.
Pero a principios del siglo XX. La naturaleza muerta floreció en la pintura rusa y por primera vez se convirtió en un género igual. Los artistas buscaban nuevas posibilidades en el campo del color, la forma y la composición de naturalezas muertas. Entre los bodegones rusos se puede nombrar a I.F. Khrutsky, es decir. Grabar, P.P. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko y otros.
La naturaleza muerta más famosa de P. Konchalovsky es su "Lila".
P. Konchalovsky "Lila" (1939)
P. Konchalovsky "Lila" (1939)
P. Konchalovsky fue un seguidor de Cézanne en la pintura; buscó expresar la festividad del color característica del ruso; arte popular, con la ayuda del color constructivo de Paul Cézanne. El artista ganó fama precisamente gracias a sus naturalezas muertas, a menudo ejecutadas en un estilo cercano al cubismo y al fauvismo.
Su naturaleza muerta “Lila” está llena de este color festivo, que deleita la vista y la imaginación. Parece que el aroma primaveral de las lilas flota desde el lienzo.
Los racimos de lilas se representan en términos generales, pero memoria interna nos dice los contornos de cada flor del ramo y por eso la pintura de Konchalovsky parece realista.
El contemporáneo de Konchalovsky, I. Mashkov, no fue menos generoso al representar la materialidad del mundo y la paleta de colores.
I. Mashkov “Bayas sobre el fondo de una bandeja roja” (1910)
Esta naturaleza muerta también tiene un derroche de colores, la capacidad de disfrutar cada momento que regala la vida, porque cada momento es hermoso.
Todos los objetos de la naturaleza muerta nos son familiares, pero sentimos que el artista admira la generosidad de la naturaleza, la riqueza del mundo que nos rodea y nos invita a compartir esta alegría con él.
V. Nesterenko "Padre de la Patria" (1997)
V. Nesterenko "Padre de la Patria" (1997)
Esta es una naturaleza muerta artista contemporáneo V. Nesterenko. El tema de la pintura se expresa en su título, y el contenido se revela en la representación de objetos de naturaleza muerta, símbolos del poder imperial de Pedro I. El retrato del emperador tiene como telón de fondo una escena de batalla, de las cuales hubo muchas en su vida. No tiene sentido volver a contar todos esos hechos por los que a Pedro I se le llama Padre de la Patria. Puede oirse opiniones diferentes sobre las actividades del primer emperador ruso, pero en este caso el artista expresa su opinión, y esta opinión se expresa de manera muy convincente.
La naturaleza muerta se encuentra en el Kremlin, en la sala de recepción del presidente de la Federación Rusa.
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