El impresionismo en la pintura francesa. Historia del impresionismo en la pintura y sus principales maestros

El impresionismo apareció por primera vez en Francia a finales del siglo XIX. Antes del advenimiento de esta tendencia, las naturalezas muertas, los retratos e incluso los paisajes eran pintados en su mayoría por artistas en estudios. Las pinturas impresionistas, por otro lado, a menudo se crearon al aire libre, y las escenas fugaces reales de la vida moderna se convirtieron en sus temas. Y aunque el impresionismo fue inicialmente criticado, pronto reunió a muchos seguidores y sentó las bases para movimientos similares en la música y la literatura.

Famosos pintores impresionistas franceses

No es de extrañar que el impresionismo en la pintura se haya convertido en una de las áreas más famosas de las bellas artes: los artistas que trabajaron en este estilo dejaron lienzos de una belleza asombrosa, ligeros como un soplo de aire fresco, llenos de luz y colores. Muchas de estas hermosas obras fueron escritas por los siguientes maestros del impresionismo, que todo conocedor que se precie de la pintura mundial conoce.

Eduardo Manet

A pesar de que toda la obra de Edouard Manet no se puede ubicar solo en el marco del impresionismo, el pintor influyó en gran medida en el surgimiento de esta tendencia, y otros artistas franceses que trabajaron en este estilo lo consideraron el fundador del impresionismo y su inspiración ideológica. Otros impresionistas franceses muy conocidos fueron buenos amigos del maestro: Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, así como un artista impresionista con un apellido similar, que desconcierta a los principiantes en el mundo de la pintura, Claude Monet.

Después de conocer a estos artistas, se produjeron cambios impresionistas en la obra de Manet: comenzó a preferir trabajar al aire libre, la luz, los colores brillantes, la abundancia de luz y la composición fraccionada comenzaron a predominar en las pinturas. Aunque todavía no rechaza los colores oscuros, y prefiere pintar en el género doméstico a los paisajes, esto se puede rastrear en las obras del pintor "Bar en el Folies Bergère", "Música en las Tullerías", "Desayuno en la hierba", "Papa's Lathuille", "Argenteuil" y otros.

Claude Monet

El nombre de este artista francés, quizás, al menos una vez en su vida, todos escucharon. Claude Monet fue uno de los fundadores del impresionismo, y fue su pintura Impresión: sol naciente la que le dio su nombre al movimiento.

En los años 60 del siglo XIX, el artista impresionista fue uno de los primeros en interesarse mucho por la pintura al aire libre, y mucho más tarde creó un nuevo enfoque experimental del trabajo. Consistía en observar y representar el mismo objeto en diferentes momentos del día: así fue como se creó toda una serie de lienzos con vistas a la fachada de la Catedral de Rouen, frente a la cual el artista incluso se instaló para no perder de vista el edificio.

Mientras estudias impresionismo en pintura, no te pierdas Campo de amapolas en Argenteuil de Monet, Camino al acantilado en Pourville, Mujeres en el jardín, Dama con paraguas, Boulevard des Capucines y Los nenúfares".

Pedro Auguste Renoir

Este artista impresionista tenía una visión única de la belleza, lo que convirtió a Renoir en uno de los representantes más famosos de este movimiento. En primer lugar, es famoso por sus pinturas sobre la ruidosa vida y el ocio parisino de finales del siglo XIX. Renoir supo trabajar a la perfección el color y el claroscuro, en particular, se nota su excepcional habilidad para pintar desnudos, con una transmisión de tonos y texturas única.

Ya a partir de los años 80, el pintor impresionista comenzó a inclinarse más hacia el estilo clásico de pintura y se interesó por la pintura renacentista, lo que le obligó a incluir líneas más afiladas y una composición clara en sus obras de madurez. Fue durante este período que Pierre-Auguste Renoir creó algunas de las obras más imperecederas de su época.

Preste especial atención a pinturas de Renoir como "Desayuno de remeros", "Baile en el Moulin de la Galette", "Danza en el pueblo", "Paraguas", "Danza en Bougival", "Chicas al piano".

Edgar Degas

En la historia del arte, Edgar Degas se mantuvo como un artista impresionista, aunque él mismo negó esta etiqueta, prefiriendo llamarse más bien un artista independiente. De hecho, tenía cierto interés por el realismo, lo que distinguía al artista de otros impresionistas, pero al mismo tiempo usaba muchas técnicas impresionistas en su trabajo, en particular, "jugaba" con la luz de la misma manera y le gustaba pintar. Escenas de la vida urbana.

Degas siempre se sintió atraído por la figura humana, a menudo representaba a cantantes, bailarinas, lavanderas, tratando de representar el cuerpo humano en varias posiciones, por ejemplo, en los lienzos "Clase de baile", "Ensayo", "Concierto en el Ambassador Cafe". , “Orquesta de ópera”, “Bailarines de azul.

camille pissarro

Pissarro fue el único artista que participó en las ocho exposiciones impresionistas desde 1874 hasta 1886. Mientras que las pinturas impresionistas son conocidas por sus escenas urbanas y rurales, las pinturas de Pissarro muestran al espectador la vida cotidiana de los campesinos franceses, representando la naturaleza rural en diversas condiciones y bajo diferentes condiciones de iluminación.

Al familiarizarse con las pinturas que escribió este artista impresionista, primero vale la pena ver las obras "Boulevard Montmartre en la noche", "Cosecha en Eragny", "Descanso de los segadores", "Jardín en Pontoise" y "Entrada al pueblo de Voisin”.

El impresionismo es una corriente de pintura que se originó en Francia en los siglos XIX-XX, que es un intento artístico de capturar cualquier momento de la vida en toda su variabilidad y movilidad. Las pinturas impresionistas son como una fotografía cualitativamente descolorida, que revive en la fantasía la continuación de la historia vista. En este artículo, echamos un vistazo a 10 de los impresionistas más famosos del mundo. Afortunadamente, hay más de diez, veinte o incluso cien artistas talentosos, así que centrémonos en aquellos nombres que necesitas saber con seguridad.

Para no ofender a los artistas ni a sus admiradores, la lista se da en orden alfabético ruso.

1. Alfredo Sisley

Este pintor francés de origen inglés es considerado el paisajista más famoso de la segunda mitad del siglo XIX. Hay más de 900 pinturas en su colección, de las cuales las más famosas son “Country Alley”, “Frost in Louveciennes”, “Bridge in Argenteuil”, “Early Snow in Louveciennes”, “Lawns in Spring” y muchas otras.

2. Van Gogh

Conocido en todo el mundo por la triste historia de su oreja (por cierto, no se cortó toda la oreja, sino solo el lóbulo), Wang Gon se hizo popular solo después de su muerte. Y en su vida pudo vender un solo cuadro, 4 meses antes de su muerte. Se dice que fue tanto empresario como sacerdote, pero muchas veces terminó en hospitales psiquiátricos por depresión, por lo que toda la rebeldía de su existencia derivó en obras legendarias.

3. Camille Pissarro

Pissarro nació en la isla de Santo Tomás, en el seno de una familia de judíos burgueses, y fue uno de los pocos impresionistas cuyos padres fomentaron su afición y pronto lo enviaron a estudiar a París. Sobre todo, al artista le gustaba la naturaleza y la representaba en todos los colores, o para ser más precisos, Pissarro tenía un talento especial para elegir la suavidad de los colores, la compatibilidad, después de lo cual el aire parecía aparecer en las imágenes.

4. Claude Monet

Desde niño, el niño decidió que se convertiría en artista, a pesar de las prohibiciones de la familia. Habiéndose mudado solo a París, Claude Monet se sumergió en la gris vida cotidiana de una vida dura: dos años al servicio de las fuerzas armadas en Argelia, litigios con los acreedores debido a la pobreza, la enfermedad. Sin embargo, uno tiene la sensación de que las dificultades no oprimieron, sino que inspiraron al artista para crear pinturas tan vívidas como "Impresión, Amanecer", "Las Casas del Parlamento en Londres", "Puente a Europa", "Otoño en Argenteuil" , “On the Shore Trouville, y muchos otros.

5. Konstantín Korovin

Es bueno saber que entre los franceses, los padres del impresionismo, uno puede ubicar con orgullo a nuestro compatriota, Konstantin Korovin. El amor apasionado por la naturaleza lo ayudó a dar intuitivamente una vivacidad inimaginable a una imagen estática, gracias a la combinación de colores adecuados, el ancho de los trazos, la elección del tema. Es imposible pasar por sus pinturas "Muelle en Gurzuf", "Pescado, vino y fruta", "Paisaje de otoño", "Noche de luna. Invierno” y una serie de sus obras dedicadas a París.

6. Pablo Gauguin

Hasta los 26 años, Paul Gauguin ni siquiera pensó en pintar. Era empresario y tenía una familia numerosa. Sin embargo, cuando vi por primera vez las pinturas de Camille Pissarro, decidí que ciertamente comenzaría a pintar. Con el tiempo, el estilo del artista ha cambiado, pero las pinturas impresionistas más famosas son "Jardín en la nieve", "En el acantilado", "En la playa de Dieppe", "Desnudo", "Palmas en Martinica" y otros.

7. Paul Cézanne

Cezanne, a diferencia de la mayoría de sus colegas, se hizo famoso durante su vida. Se las arregló para organizar su propia exposición y obtener ingresos considerables de ella. La gente sabía mucho sobre sus pinturas: él, como nadie más, aprendió a combinar el juego de luces y sombras, hizo un gran énfasis en las formas geométricas regulares e irregulares, la severidad del tema de sus pinturas estaba en armonía con el romance.

8. Pierre Auguste Renoir

Hasta los 20 años, Renoir trabajó como decorador de fans para su hermano mayor, y solo entonces se mudó a París, donde conoció a Monet, Basil y Sisley. Este conocido lo ayudó en el futuro a tomar el camino del impresionismo y hacerse famoso en él. Renoir es conocido como el autor de un retrato sentimental, entre sus obras más destacadas - "En la terraza", "Paseo", "Retrato de la actriz Jeanne Samary", "La Logia", "Alfred Sisley y su esposa", " En un columpio", "La rana" y muchos otros.

9. Édgar Degas

Si no has oído nada sobre los "Bailarines azules", "Ensayos de ballet", "Escuela de ballet" y "Absenta", date prisa para aprender más sobre el trabajo de Edgar Degas. La selección de colores originales, temas únicos para pinturas, la sensación de movimiento de la imagen: todo esto y mucho más hizo de Degas uno de los artistas más famosos del mundo.

10. Eduardo Manet

No confundas a Manet con Monet: son dos personas diferentes que trabajaron al mismo tiempo y en la misma dirección artística. Manet siempre se sintió atraído por escenas cotidianas, apariencias y tipos inusuales, como por casualidad momentos "atrapados", posteriormente capturados durante siglos. Entre las famosas pinturas de Manet: "Olympia", "Desayuno en la hierba", "Bar en el Folies Bergère", "Flautista", "Nana" y otros.

Si tienes la más mínima oportunidad de ver las pinturas de estos maestros en vivo, ¡te enamorarás del impresionismo para siempre!

Alexandra Skripkina,

French-impression): movimiento artístico que surge en Francia en los años 60 y 70 del siglo XIX. y recibió la encarnación más vívida en las bellas artes de caballete. Los impresionistas desarrollaron nuevas técnicas de pintura: sombras de colores, mezcla de colores, coloración brillante, así como la descomposición de tonos complejos en tonos puros (su imposición en el lienzo en trazos separados dio lugar a su mezcla óptica a los ojos del espectador). Buscaban transmitir la belleza de los estados fugaces de la naturaleza, la variabilidad y movilidad de la vida circundante. Estas técnicas ayudaron a transmitir la sensación de la luz del sol brillante, las vibraciones de la luz y el aire, crearon la impresión de un ser festivo, la armonía del mundo. Las técnicas impresionistas también se utilizaron en otras formas de arte. En la música, por ejemplo, contribuyeron a la transmisión de los más sutiles movimientos espirituales y estados de ánimo fugaces.

Gran definición

Definición incompleta ↓

Impresionismo

de los franceses impresión - impresión) Una tendencia en el arte que surgió en Francia en el último tercio del siglo XIX. Los principales representantes de I.: Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, así como Edouard Manet, Edgar Degas y algunos otros artistas cercanos a ellos. El desarrollo de un nuevo estilo de I. tuvo lugar en los años 60-70, y por primera vez como una nueva dirección que se oponía al Salón académico, los impresionistas se declararon en su primera exposición en 1874. En particular, C. El cuadro de Monet “Impresión . Soleil levant" (1872). La crítica de arte oficial reaccionó negativamente a la nueva dirección y burlonamente "bautizó" a sus representantes como "impresionistas", recordando la pintura de Monet, que los irritó particularmente. Sin embargo, el nombre reflejaba la esencia de la dirección y sus representantes lo adoptaron como la designación oficial de su método. El impresionismo no duró mucho como tendencia integral: de 1874 a 1886, cuando los impresionistas organizaron 8 exposiciones conjuntas. El reconocimiento oficial por parte de los conocedores del arte y la crítica de arte llegó mucho más tarde, solo a mediados de los 90. I. tuvo, lo que se hizo evidente ya en el siglo siguiente, un gran impacto en todo el desarrollo posterior de las bellas artes (y la cultura artística en su conjunto). De hecho, con él comenzó una etapa fundamentalmente nueva de la cultura artística, que condujo al medio. siglo XX a la POST-cultura (ver: POST-), es decir, a la transición de la Cultura hacia una cualidad fundamentalmente diferente. O. Spengler, quien extendió el concepto de I. a la cultura, lo consideró uno de los signos típicos de la "decadencia de Europa", es decir, la destrucción de la integridad de la cosmovisión, la destrucción de la cultura europea tradicionalmente establecida. Por el contrario, los vanguardistas (ver: Vanguardia) de principios del siglo XX. veía en I. a su precursor, que abría nuevos horizontes al arte, lo liberaba de tareas no artísticas, de los dogmas del positivismo, del academicismo, del realismo, etc., con los que no se puede dejar de estar de acuerdo. Los propios impresionistas, como pintores puros, no pensaron en un significado tan global de su experimento. Ni siquiera lucharon por una revolución especial en el arte. Simplemente vieron el mundo que los rodeaba de una manera ligeramente diferente a como lo vieron los representantes oficiales del Salón, y trataron de consolidar esta visión con medios puramente pictóricos. Al mismo tiempo, se basaron en los descubrimientos artísticos de sus predecesores, principalmente pintores franceses del siglo XIX. Delacroix, Corot, Courbet, "Barbizon". en k Monet, que visitó Londres en 1871, quedó muy impresionado por la obra de W. Turner. Además, los propios impresionistas nombran entre sus antecesores a los clasicistas franceses Poussin, Lorrain, Chardin y el grabado en color japonés del siglo XVIII, y los historiadores del arte ven rasgos de proximidad a los impresionistas en los artistas ingleses T. Gainsborough y J. Constable, por no hablar de U .Turner. Los impresionistas absolutizaron una serie de técnicas de pintura de estos artistas muy diferentes y crearon un sistema de estilo integral sobre esta base. A diferencia de los "académicos", los impresionistas abandonaron las temáticas predeterminadas (filosóficas, morales, religiosas, sociopolíticas, etc.) del arte, a partir de composiciones argumentales reflexivas, premeditadas y claramente trazadas, es decir, comenzaron a luchar contra el dominio de "literario" en la pintura, centrándose en medios específicamente pictóricos - en el color y la luz; salían de los talleres al aire libre, donde intentaban empezar y terminar el trabajo de una obra concreta en una sola sesión; abandonaron los colores oscuros y los tonos complejos (tierra, colores "asfalto") característicos del arte de la Nueva Era, cambiando a colores puros y brillantes (su paleta estaba limitada a 7-8 colores), a menudo colocados en el lienzo en trazos separados , apoyándose conscientemente en su mezcla óptica que ya está en la psique del espectador, lo que logra el efecto de especial frescura e inmediatez; siguiendo a Delacroix, dominaron y absolutizaron la sombra de color, el juego de reflejos de color en varias superficies; desmaterializaron el objeto del mundo visible, disolviéndolo en el ambiente aire-luz, que era el principal tema de su atención como pintores puros; en realidad, abandonaron el enfoque de género en las artes visuales, centrando toda su atención en la transmisión pictórica de su impresión subjetiva de un fragmento de realidad visto al azar, más a menudo un paisaje (como en Monet, Sisley, Pissarro), menos a menudo escenas argumentales ( como en Renoir, Degas). Al mismo tiempo, a menudo trataban de transmitir la impresión con una precisión casi ilusionista de hacer coincidir la atmósfera de color, luz y aire del fragmento representado y el momento de la realidad visible. La aleatoriedad del ángulo de visión sobre un fragmento de naturaleza iluminado por la visión artística, la atención al entorno pictórico, y no al sujeto, les llevó a menudo a decisiones compositivas audaces, ángulos de visión agudos e inesperados, cortes que activan la percepción del espectadores, etc. efectos, muchos de los cuales fueron utilizados posteriormente por representantes de varios movimientos de vanguardia. I. se convirtió en una de las direcciones del "arte puro" a fines del siglo XIX, cuyos representantes consideraban que el principio artístico y estético era lo principal en el arte. Los impresionistas sintieron la belleza inexpresable del entorno de luz, color y aire del mundo material y trataron de capturarlo en sus lienzos con una precisión casi documental (por esto, a veces se les acusa de naturalismo, que en general apenas está justificado). En pintura, son una especie de panteístas optimistas, los últimos cantores de la alegría despreocupada de la existencia terrenal, adoradores del sol. Como escribió con admiración el neoimpresionista P. Signac, “la luz del sol llena todo el cuadro; el aire en él se balancea, la luz envuelve, acaricia, dispersa formas, penetra por todas partes, incluso en la región de la sombra. Las características estilísticas de I. en la pintura, especialmente el deseo de una representación artística refinada de las impresiones fugaces, el bosquejo fundamental, la frescura de la percepción directa, etc., resultaron estar cerca de los representantes de otros tipos de arte de esa época. lo que propició la difusión de este concepto a la literatura, la poesía, la música. Sin embargo, en este tipo de arte no hubo una dirección especial de I., aunque muchas de sus características se encuentran en las obras de varios escritores y compositores del último tercio del siglo XIX y principios del XIX. siglo 20 Elementos de la estética impresionista como la vaguedad de la forma, la fijación de la atención en detalles fugaces, brillantes pero aleatorios, insinuaciones, insinuaciones vagas, etc., son inherentes al trabajo de G. de Maupassant, A.P. Chekhov, los primeros T. Mann, R.- M. Rilke, pero especialmente - a los hermanos J. y E. Goncourt, representantes del llamado "yo psicológico", parcialmente - a K. Hamsun. M. Proust y los escritores de la "corriente de la conciencia" se basaron en técnicas impresionistas, desarrollándolas significativamente. En música, los compositores franceses C. Debussy, M. Ravel, P. Duc y algunos otros, que utilizaron el estilo y la estética de I. en su trabajo, se consideran impresionistas. Su música está llena de experiencias directas de la belleza y el lirismo del paisaje, casi imitación del juego de las olas del mar o el susurro de las hojas, el encanto bucólico de las tramas mitológicas antiguas, la alegría de la vida momentánea, el júbilo de la existencia terrenal, el disfrute del juego interminable de la materia sonora. Al igual que los pintores, desdibujan muchos géneros musicales tradicionales, llenándolos de un contenido diferente, aumentando la atención a los efectos puramente estéticos del lenguaje musical, enriqueciendo significativamente la paleta de medios expresivos y visuales de la música. “Esto se aplica ante todo”, escribe el musicólogo I. V. Nestiev, - a la esfera de la armonía con su técnica de paralelismo y encadenamiento caprichoso de manchas de armonías coloridas no resueltas. Los impresionistas ampliaron significativamente el sistema tonal moderno, allanando el camino para muchas innovaciones armónicas del siglo XX. (aunque debilitaron notablemente la claridad de las relaciones funcionales). La complicación y la ampliación de los complejos de acordes (no acordes, acordes undecimacos, cuartas armonías alternativas) se combinan con la simplificación, la arcaización del pensamiento modal (modos naturales, pentatónicos, complejos de tonos completos). La orquestación de los compositores impresionistas está dominada por colores puros, reflejos caprichosos; A menudo se utilizan solos de viento de madera, pasajes de arpa, divisiones de cuerdas complejas y efectos con sordino. Fondos de ostinato típicos y puramente decorativos, que fluyen uniformemente. El ritmo es a veces inestable y esquivo. La melodía se caracteriza no por construcciones redondeadas, sino por breves frases-símbolos expresivos, estratificación de motivos. Al mismo tiempo, en la música de los impresionistas, el significado de cada sonido, timbre y acorde se realzó de manera inusual y se revelaron posibilidades ilimitadas para expandir el modo. Una frescura especial a la música de los impresionistas fue dada por la frecuente apelación a los géneros de la canción y la danza, la sutil implementación de elementos modales y rítmicos tomados del folclore de los pueblos del Este, España, en las primeras formas del jazz negro. (Enciclopedia Musical. Vol. 2, M., 1974. Stb. 507). Poniendo la atención de la artista en los medios figurativos y expresivos del arte y centrándose en la función hedonista y estética del arte, I. abrió nuevas perspectivas y oportunidades para la cultura artística, que aprovechó al máximo (e incluso a veces en exceso) en el siglo XX. siglo. Lit.: Venturi L. De Manet a Lautrec. M., 1938; Rewald J. Historia del impresionismo. L.-M., 1959; Impresionismo. Cartas de artistas. L., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. leipzig. 1957. L. B.

"Exposición de los impresionistas", basada en el nombre del cuadro de Claude Monet "Impresión. Sol naciente" (fr. Impresión, soleil levant). Inicialmente, este término era algo despectivo, lo que indicaba una actitud correspondiente hacia los artistas que escribían de una nueva manera "descuidada".

Impresionismo en la pintura

orígenes

A mediados de la década de 1880, el impresionismo dejó de existir gradualmente como una sola dirección y se desintegró, dando un impulso notable a la evolución del arte. A principios del siglo XX, la tendencia a alejarse del realismo ganó impulso y una nueva generación de artistas se alejó del impresionismo.

La aparición del nombre

Han pasado décadas. Y una nueva generación de artistas llegará a un auténtico derrumbe de formas y empobrecimiento de contenidos. Luego, tanto la crítica como el público vieron en los impresionistas condenados: los realistas y, un poco más tarde, los clásicos del arte francés.

La especificidad de la filosofía del impresionismo

El impresionismo francés no planteó problemas filosóficos y ni siquiera intentó penetrar la superficie coloreada de la vida cotidiana. En cambio, el impresionismo, siendo un arte hasta cierto punto cursi y manierista, se centra en la superficialidad, la fluidez de un momento, el estado de ánimo, la iluminación o el ángulo de visión.

Al igual que el arte del Renacimiento (Renacimiento), el impresionismo se basa en las características y habilidades de percepción de la perspectiva. Al mismo tiempo, la visión renacentista explota con la probada subjetividad y relatividad de la percepción humana, que hace del color y de la forma componentes autónomos de la imagen. Para el impresionismo no es tan importante lo que se muestra en la figura, sino cómo se muestra.

Las pinturas impresionistas no llevan crítica social, no tocan problemas sociales como el hambre, la enfermedad, la muerte, presentando solo los aspectos positivos de la vida. Esto más tarde condujo a una división entre los propios impresionistas.

Impresionismo y Sociedad

El impresionismo se caracteriza por la democracia. Por inercia, el arte en el siglo XIX era considerado un monopolio de los aristócratas, las capas altas de la población. Fueron ellos quienes actuaron como los principales clientes de murales, monumentos, fueron ellos quienes fueron los principales compradores de pinturas y esculturas. Parcelas con el trabajo duro de los campesinos, las páginas trágicas de nuestro tiempo, los aspectos vergonzosos de las guerras, la pobreza, la agitación social fueron condenados, no aprobados, no comprados. La crítica de la moralidad blasfema de la sociedad en las pinturas de Theodore Gericault, Francois Millet encontró una respuesta solo de los partidarios de los artistas y algunos expertos.

Los impresionistas en este asunto ocuparon posiciones intermedias bastante comprometidas. Se descartaron tramas bíblicas, literarias, mitológicas, históricas inherentes al academicismo oficial. Por otro lado, deseaban ardientemente el reconocimiento, el respeto, incluso los premios. Indicativa es la actividad de Edouard Manet, que durante años buscó reconocimientos y premios del Salón oficial y de su administración.

En cambio, apareció una visión de la vida cotidiana y la modernidad. Los artistas a menudo pintaban personas en movimiento, durante la diversión o la relajación, imaginaban una vista de un lugar determinado con una luz determinada, la naturaleza también era el motivo de su trabajo. Tomaron temas de coqueteo, baile, hospedaje en cafés y teatros, paseos en bote, en playas y en jardines. A juzgar por las pinturas de los impresionistas, la vida es una serie de pequeñas vacaciones, fiestas, pasatiempos agradables fuera de la ciudad o en un ambiente agradable (una serie de pinturas de Renoir, Manet y Claude Monet). Los impresionistas fueron de los primeros en pintar en el aire, sin finalizar su trabajo en el estudio.

Técnica

La nueva tendencia difería de la pintura académica tanto técnica como ideológicamente. En primer lugar, los impresionistas abandonaron el contorno, sustituyéndolo por pequeños trazos separados y contrastados, que aplicaron de acuerdo con las teorías cromáticas de Chevreul, Helmholtz y Rude. El rayo de sol se divide en sus componentes: violeta, azul, azul, verde, amarillo, naranja, rojo, pero como el azul es una variedad del azul, su número se reduce a seis. Dos colores colocados uno al lado del otro se refuerzan y, a la inversa, cuando se mezclan pierden su intensidad. Además, todos los colores se dividen en primarios o primarios y duales o derivados, siendo cada pintura dual adicional a la primera:

• Azul - Naranja
• rojo verde
• Amarillo - Púrpura

Por lo tanto, fue posible no mezclar pinturas en la paleta y obtener el color deseado aplicándolos correctamente al lienzo. Esto más tarde se convirtió en el motivo del rechazo del negro.

Luego los impresionistas dejaron de concentrar todo su trabajo en los lienzos de los talleres, ahora prefieren el aire libre, donde es más conveniente captar una fugaz impresión de lo que veían, lo cual fue posible gracias a la invención de los tubos de acero para pintar, que, a diferencia de las bolsas de cuero, podía cerrarse para que la pintura no se secara.

Además, los artistas utilizaron pinturas opacas que no transmiten bien la luz y no son aptas para mezclar porque se vuelven grises rápidamente, esto les permitió crear pinturas no con " interno", a " externo» la luz se refleja en la superficie.

Las diferencias técnicas contribuyeron al logro de otros objetivos, en primer lugar, los impresionistas intentaron capturar una impresión fugaz, los cambios más pequeños en cada tema según la iluminación y la hora del día, la encarnación más alta fueron los ciclos de pinturas de Monet "Almiares", "Catedral de Rouen" y "Parlamento de Londres".

En general, muchos maestros trabajaron en el estilo del impresionismo, pero la base del movimiento fueron Édouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille y Berthe Morisot. Sin embargo, Manet siempre se llamó a sí mismo un "artista independiente" y nunca participó en exposiciones, y aunque Degas participó, nunca pintó sus obras al aire libre.

Cronología por artistas

impresionistas

Exposiciones

• Primera exposición(15 de abril - 15 de mayo)

• Segunda exposición(Abril )

Dirección: S t. Lepeletier, 11 (Galería Durand-Ruel). miembros: Basil (póstumamente, el artista murió en 1870), Beliar, Bureau, Debutin, Degas, Caillebotte, Cals, Lever, Legros, Lepic, Millet, Monet, Morisot, L. Otten, Pissarro, Renoir, Rouar, Sisley, Tillo, Francois

• Tercera Exposición(Abril )

Dirección: S t. Lepelletier, 6. miembros: Guillaumin, Degas, Caillebotte, Cals, Cordeil, Lever, Lamy, Monet, Morisot, Alphonse Moreau, Piette, Pissarro, Renoir, Rouard, Cezanne, Sisley, Tillo, Francois.

• Cuarta exposición(10 de abril - 11 de mayo)

Dirección: Avenida de la Ópera, 28. miembros: Bracquemont, Madame Bracquemont, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cals, Cassatt, Lebourg, Monet, Piette, Pissarro, Rouart, Somm, Tillo, Forain.

• Quinta Exposición(1 de abril - 30 de abril)

Dirección: S t. Pirámides, 10. miembros: Bracquemont, Sra. Bracquemont, Vidal, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Caillebotte, Cassatt, Lebour, Lever, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Rouart, Tillo, Forain.

• Sexta exposición(2 de abril - 1 de mayo)

Dirección: Boulevard des Capucines, 35 (estudio del fotógrafo Nadar). miembros: Vidal, Vignon, Guillaume, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassatt, Morisot, Pissarro, Raffaelli, Rouar, Tillo, Forain.

• Séptima exposición(Marzo )

Dirección: Faubourg-Saint-Honoré, 251 (en Durand-Ruel). miembros: Vignon, Guillaume, Gauguin, Caillebotte, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley.

• Octava Exposición(15 de mayo - 15 de junio)

Dirección: S t. Laffitt, 1. miembros: Madam Braquemont, Vignon, Guillaumin, Gauguin, Degas, Zandomeneghi, Cassette, Morisot, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Rouart, Seurat, Signac, Tillo, Forain, Schuffenecker.

Impresionismo en la literatura

En la literatura, el impresionismo no se desarrolló como una tendencia separada, sino que sus características se reflejaron en el naturalismo y el simbolismo.

En primer lugar, se caracteriza por la expresión de la impresión privada del autor, el rechazo de una imagen objetiva de la realidad, la descripción de cada momento, lo que debería haber implicado la ausencia de trama, historia y la sustitución del pensamiento por la percepción. y razonar con el instinto. Las principales características del estilo impresionista fueron formuladas por los hermanos Goncourt en su obra "Diario", donde aparece la célebre frase " Ver, sentir, expresar: todo esto es arte se ha convertido en una posición central para muchos escritores.

En el naturalismo, el principio principal era la veracidad, la fidelidad a la naturaleza, pero está sujeta a la impresión y, por lo tanto, la apariencia de la realidad depende de cada persona individual y su temperamento. Esto se expresa más plenamente en las novelas de Emile Zola, sus detalladas descripciones de olores, sonidos y percepciones visuales.

El simbolismo, por el contrario, exigía el rechazo del mundo material y el retorno al ideal, pero la transición sólo es posible a través de impresiones fugaces que revelan una esencia secreta en las cosas visibles. Un ejemplo sorprendente de impresionismo poético - una colección

El impresionismo es una corriente en el arte que surgió en la segunda mitad del siglo XIX. Su objetivo principal era transmitir impresiones fugaces y cambiantes.

El surgimiento del impresionismo está asociado con la ciencia: con los últimos descubrimientos de la óptica y la teoría del color.

Esta dirección afectó a casi todos los tipos de arte, pero se manifestó más claramente en la pintura, donde la transferencia de color y luz fue la base del trabajo de los artistas impresionistas.

Significado del término

Impresionismo(fr. Impressionnisme) de impresión - impresión). Este estilo de pintura apareció en Francia a fines de la década de 1860. Estuvo representado por Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Jean Frederic Bazille. Pero el término en sí apareció en 1874, cuando la pintura de Monet “Impresión. Sol naciente (1872). En el título de la pintura, Monet quiso decir que transmite solo su impresión fugaz del paisaje.

C. Monet “Impresión. Amanecer" (1872). Museo Marmottan Monet, París
Más tarde, el término "impresionismo" en pintura comenzó a entenderse de manera más amplia: un estudio cuidadoso de la naturaleza en términos de color e iluminación. El objetivo de los impresionistas era representar situaciones y movimientos instantáneos, por así decirlo, "aleatorios". Para ello utilizaron diversas técnicas: ángulos complejos, asimetría, fragmentación de composiciones. La imagen de los artistas impresionistas se convierte, por así decirlo, en un momento congelado de un mundo en constante cambio.

El método artístico de los impresionistas

Los géneros más populares de los impresionistas son los paisajes y las escenas de la vida urbana. Siempre se escribieron "al aire libre", es decir, directamente de la naturaleza, en la naturaleza, sin bocetos ni bocetos preliminares. Los impresionistas notaron y pudieron transmitir colores y sombras en el lienzo, generalmente invisibles a simple vista y para un espectador distraído. Por ejemplo, representar azul en las sombras o rosa al atardecer. Descompusieron tonos complejos en sus colores puros constituyentes del espectro. A partir de esto, su pintura resultó ser ligera y temblorosa. Los pintores impresionistas aplicaron la pintura en trazos separados, de manera libre e incluso descuidada, por lo que sus pinturas se ven mejor desde la distancia; es con esta mirada que se crea el efecto de un vivo parpadeo de colores.
Los impresionistas abandonaron el contorno, reemplazándolo con pequeños trazos separados y contrastados.
K. Pissarro, A. Sisley y C. Monet preferían los paisajes y las escenas urbanas. A O. Renoir le gustaba representar a las personas en el seno de la naturaleza o en el interior. El impresionismo francés no planteó cuestiones filosóficas y sociales. No recurrieron a temas bíblicos, literarios, mitológicos, históricos, inherentes al academicismo oficial. En cambio, en los lienzos pintorescos apareció la imagen de la vida cotidiana y la modernidad; la imagen de personas en movimiento, mientras se relajan o se divierten. Sus temas principales son el coqueteo, el baile, la gente en cafés y teatros, paseos en barco, playas y jardines.
Los impresionistas intentaron capturar una impresión fugaz, los cambios más pequeños en cada tema, dependiendo de la iluminación y la hora del día. En este sentido, los ciclos de pinturas de Monet "Pajares", "Catedral de Rouen" y "Parlamento de Londres" pueden considerarse el mayor logro.

C. Monet "Catedral de Rouen bajo el sol" (1894). Musée d'Orsay, París, Francia
"Catedral de Rouen" es una serie de 30 pinturas de Claude Monet, que representan vistas de la catedral según la hora del día, el año y la iluminación. Este ciclo fue escrito por el artista en la década de 1890. La catedral le permitió mostrar la relación entre la estructura constante y sólida del edificio y la luz cambiante, fácilmente lúdica, que modifica nuestra percepción. Monet se concentra en fragmentos individuales de la catedral gótica y elige el portal, la torre de San Martín y la torre de Albane. Sólo le interesa el juego de luces sobre la piedra.

C. Monet "Catedral de Rouen, Portal Oeste, Tiempo brumoso" (1892). Museo de Orsay, París

C. Monet “Catedral de Rouen, portal y torre, efecto mañana; armonía blanca" (1892-1893). Museo de Orsay, París

C. Monet "Catedral de Rouen, portal y torre al sol, armonía de azul y oro" (1892-1893). Museo de Orsay, París
Después de Francia, los artistas impresionistas aparecieron en Inglaterra y Estados Unidos (James Whistler), en Alemania (Max Lieberman, Lovis Corinth), en España (Joaquín Sorolla), en Rusia (Konstantin Korovin, Valentin Serov, Igor Grabar).

Sobre la obra de algunos artistas impresionistas

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet, fotografía 1899
Pintor francés, uno de los fundadores del impresionismo. Nacido en París. Fue aficionado al dibujo desde pequeño, a los 15 años demostró ser un talentoso dibujante. Eugene Boudin, un artista francés, precursor del impresionismo, lo introdujo en la pintura de paisajes. Monet ingresó más tarde a la universidad en la Facultad de Artes, pero se desilusionó y lo dejó, inscribiéndose en el estudio de pintura de Charles Gleyre. En el estudio conoció a los artistas Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Eran prácticamente iguales, tenían puntos de vista similares sobre el arte y pronto formaron la columna vertebral del grupo impresionista.
La fama de Monet fue traída por el retrato de Camille Donsier, escrito en 1866 ("Camille, o un retrato de una dama con un vestido verde"). Camilla en 1870 se convirtió en la esposa del artista.

C. Monet "Camilla" ("La dama de verde") (1866). Kunsthalle, Bremen

C. Monet "Paseo: Camille Monet con su hijo Jean (Mujer con paraguas)" (1875). Galería Nacional de Arte, Washington
En 1912, los médicos le diagnosticaron a K. Monet una doble catarata, tuvo que someterse a dos operaciones. Habiendo perdido la lente en su ojo izquierdo, Monet recuperó la vista, pero comenzó a ver la luz ultravioleta como azul o púrpura, por lo que sus pinturas adquirieron nuevos colores. Por ejemplo, al pintar los famosos "Nenúfares", Monet vio los lirios como azulados en el rango ultravioleta, para otras personas eran simplemente blancos.

C. Monet "Nenúfares"
El artista murió el 5 de diciembre de 1926 en Giverny y fue enterrado en el cementerio de la iglesia local.

Camille Pissarro (1830-1903)

C. Pissarro "Autorretrato" (1873)

Pintor francés, uno de los primeros y más consistentes representantes del impresionismo.
Nacido en la isla de Santo Tomás (Antillas), en el seno de una familia burguesa de origen judío sefardí y oriundo de la República Dominicana. Hasta los 12 años vivió en las Indias Occidentales, a los 25 años se mudó a París con toda su familia. Aquí estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia de Suiza. Sus maestros fueron Camille Corot, Gustave Courbet y Charles-Francois Daubigny. Comenzó con paisajes rurales y vistas de París. Pissarro tuvo una fuerte influencia en los impresionistas, desarrollando de forma independiente muchos de los principios que formaron la base de su estilo de pintura. Fue amigo de los artistas Degas, Cezanne y Gauguin. Pizarro fue el único participante en las 8 exposiciones impresionistas.
Murió en 1903 en París. Fue enterrado en el cementerio Pere Lachaise.
Ya en sus primeras obras, el artista prestó especial atención a la representación de objetos iluminados en el aire. La luz y el aire se han convertido desde entonces en el tema principal de la obra de Pissarro.

C. Pissarro “Boulevard Montmartre. Tarde soleada" (1897)
en 1890, Pizarro se interesó por la técnica del puntillismo (aplicación separada de trazos). Pero después de un tiempo volvió a su forma habitual.
En los últimos años de su vida, la vista de Camille Pissarro se deterioró notablemente. Pero siguió trabajando y creó una serie de vistas de París, llenas de emociones artísticas.

K. Pissarro "Calle en Rouen"
El ángulo inusual de algunas de sus pinturas se explica por el hecho de que el artista las pintó desde habitaciones de hotel. Esta serie fue uno de los mayores logros del impresionismo en la transferencia de luz y efectos atmosféricos.
Pissarro también pintó en acuarela y creó una serie de grabados y litografías.
Estas son algunas de sus interesantes declaraciones sobre el arte del impresionismo: “Los impresionistas van por buen camino, su arte es sano, se basa en las sensaciones y es honesto”.
“¡Feliz es aquel que puede ver la belleza en las cosas ordinarias, donde otros no ven nada!”

C. Pissarro "La primera helada" (1873)

impresionismo ruso

El impresionismo ruso se desarrolló desde finales del siglo XIX hasta principios del siglo XX. Fue influenciado por el trabajo de los impresionistas franceses. Pero el impresionismo ruso tiene una especificidad nacional pronunciada y en muchos aspectos no coincide con las ideas de los libros de texto sobre el impresionismo francés clásico. La objetividad y la materialidad predominan en la pintura de los impresionistas rusos. Tiene mayor carga de significado y menor dinamización. El impresionismo ruso está más cerca que el impresionismo francés del realismo. Los impresionistas franceses enfatizaron la impresión de lo que vieron, mientras que los rusos también agregaron un reflejo del estado interior del artista. El trabajo debía completarse en una sola sesión.
Cierta incompletitud del impresionismo ruso crea el "asombro de la vida" que era característico de ellos.
El impresionismo incluye el trabajo de artistas rusos: A. Arkhipov, I. Grabar, K. Korovin, F. Malyavin, N. Meshcherin, A. Murashko, V. Serov, A. Rylov y otros.

V. Serov "Chica con melocotones" (1887)

Esta imagen se considera el estándar del impresionismo ruso en el retrato.

Valentin Serov "Chica con melocotones" (1887). Lienzo, óleo. 91×85 cm Galería Estatal Tretyakov
El cuadro fue pintado en la finca de Savva Ivanovich Mamontov en Abramtsevo, que adquirió de la hija del escritor Sergei Aksakov en 1870. El retrato representa a Vera Mamontova, de 12 años. La niña está dibujada sentada a la mesa; lleva una blusa rosa con un lazo azul oscuro; sobre la mesa hay un cuchillo, melocotones y hojas.
“Todo lo que quería era frescura, esa frescura especial que siempre se siente en la naturaleza y que no se ve en las fotos. Escribí durante más de un mes y la agoté, pobrecita, hasta la muerte, realmente quería preservar la frescura de la pintura con total integridad, así es como los viejos maestros ”(V. Serov).

Impresionismo en otras formas de arte.

En literatura

En la literatura, el impresionismo como una tendencia separada no tomó forma, pero sus características se reflejaron en naturalismo y simbolismo .

Edmond y Jules Goncourt. Foto
Principios naturalismo se puede rastrear en las novelas de los hermanos Goncourt y George Eliot. Pero Emile Zola fue el primero en utilizar el término "naturalismo" para referirse a su propia obra. En torno a Zola se agruparon los escritores Guy de Maupassant, Alphonse Daudet, Huysmans y Paul Alexis. Después de la publicación de la colección Medanese Evenings (1880) con historias francas sobre los desastres de la guerra franco-prusiana (incluida la historia de Maupassant "Pyshka"), se les asignó el nombre de "grupo Medan".

emilio zola
El principio naturalista en la literatura a menudo ha sido criticado por su falta de arte. Por ejemplo, I. S. Turgenev escribió sobre una de las novelas de Zola que "hay mucho que cavar en los orinales". Gustave Flaubert también fue crítico con el naturalismo.
Zola mantuvo relaciones amistosas con muchos pintores impresionistas.
simbolistas símbolos usados, eufemismo, insinuaciones, misterio, misterio. El estado de ánimo principal capturado por los simbolistas fue el pesimismo, llegando a la desesperación. Todo lo “natural” parecía ser solo “apariencia”, que no tenía valor artístico independiente.
Así, el impresionismo en la literatura se expresó por la impresión privada del autor, el rechazo de una imagen objetiva de la realidad, la imagen de cada momento. De hecho, esto condujo a la ausencia de argumento e historia, al reemplazo del pensamiento por la percepción y de la razón por el instinto.

G. Courbet "Retrato de P. Verlaine" (hacia 1866)
Un ejemplo sorprendente de impresionismo poético es la colección de Paul Verlaine Romances Without Words (1874). En Rusia, la influencia del impresionismo la experimentaron Konstantin Balmont e Innokenty Annensky.

V. Serov "Retrato de K. Balmont" (1905)

Innokenty Annensky. Foto
Estos sentimientos también afectaron a la dramaturgia. En las obras hay una percepción pasiva del mundo, un análisis de los estados anímicos, mentales. Los diálogos concentran impresiones fugaces dispares. Estos rasgos son característicos de la obra de Arthur Schnitzler.

En musica

El impresionismo musical se desarrolló en Francia en el último cuarto del siglo XIX. - principios del siglo XX. Se expresó más claramente en las obras de Eric Satie, Claude Debussy y Maurice Ravel.

eric satie
El impresionismo musical está cerca del impresionismo en la pintura francesa. No solo tienen raíces comunes, sino también relaciones de causa y efecto. Los compositores impresionistas buscaron y encontraron no solo analogías, sino también medios expresivos en las obras de Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes y Henri de Toulouse-Lautrec. Por supuesto, los medios de la pintura y los medios del arte musical pueden conectarse entre sí solo con la ayuda de paralelos asociativos sutiles y especiales que existen solo en la mente. Si observa la vaga imagen de París "bajo la lluvia de otoño" y los mismos sonidos "amortiguados por el ruido de las gotas que caen", aquí solo puede hablar sobre la propiedad de la imagen artística, pero no sobre la imagen real.

Claude Debussy
Debussy escribe "Nubes", "Estampas" (la más imaginativa de las cuales, un boceto sonoro de acuarela - "Jardines bajo la lluvia"), "Imágenes", "Reflejos en el agua", que evocan asociaciones directas con la famosa pintura de Claude Monet "Impresión: Amanecer". Según Mallarmé, los compositores impresionistas aprendieron a “escuchar la luz”, a transmitir en sonidos el movimiento del agua, la vibración de las hojas, el soplo del viento y la refracción de la luz del sol en el aire de la tarde.

Mauricio Ravel
M. Ravel tiene conexiones directas entre la pintura y la música en su obra sonora-pictórica "El juego del agua", el ciclo de piezas "Reflejos", la colección pianística "Susurro de la noche".
Los impresionistas crearon obras de arte refinadas y al mismo tiempo claras en términos de medios expresivos, emocionalmente contenidas, libres de conflictos y estrictas en estilo.

en escultura

O. Rodin "El beso"

El impresionismo en la escultura se expresó en la plasticidad libre de formas suaves, lo que crea un complejo juego de luces en la superficie del material y una sensación de incompletitud. En las poses de los personajes escultóricos se captura el momento de movimiento y desarrollo.

O. Rodín. Fotografía 1891
Esta dirección incluye las obras escultóricas de O. Rodin (Francia), Medardo Rosso (Italia), P.P. Trubetskoy (Rusia).

V. Serov "Retrato de Paolo Trubetskoy"

Pavel (Paolo) Trubetsköy(1866-1938) - escultor y artista, trabajó en Italia, Estados Unidos, Inglaterra, Rusia y Francia. Nacido en Italia. El hijo ilegítimo de un emigrante ruso, el príncipe Pyotr Petrovich Trubetskoy.
Desde niño, he estado esculpiendo y pintando por mi cuenta. No tenía educación. En el período inicial de su obra, realiza bustos retratos, obras de pequeñas artes plásticas y participa en concursos para la creación de grandes esculturas.

P. Trubetskoy "Monumento a Alejandro III", San Petersburgo
La primera exposición de las obras de Paolo Trubetskoy tuvo lugar en los EE. UU. en 1886. En 1899, el escultor llegó a Rusia. Participa en el concurso para la creación de un monumento a Alejandro III y, inesperadamente para todos, recibe el primer premio. Este monumento provocó y sigue provocando valoraciones contradictorias. Es difícil imaginar un monumento más estático y pesado. Y solo una evaluación positiva de la familia imperial permitió que el monumento tomara el lugar apropiado: encontraron similitudes con el original en la imagen escultórica.
Los críticos creían que Trubetskoy trabajaba con el espíritu del "impresionismo obsoleto".

La imagen de Trubetskoy del brillante escritor ruso resultó ser más "impresionista": aquí hay claramente movimiento: en los pliegues de la camisa, la barba suelta, el giro de la cabeza, incluso hay una sensación de que el escultor logró captar la tensión del pensamiento de L. Tolstoi.

P. Trubetskoy "Busto de León Tolstoi" (bronce). Galería Estatal Tretyakov