La calificación de las obras más caras de artistas vivos es una construcción que habla mucho menos del papel y el lugar del artista en la historia del arte que de la edad y la salud.

Las reglas para compilar nuestra calificación son simples: en primer lugar, solo se tienen en cuenta las transacciones con obras de autores vivos; en segundo lugar, solo se tienen en cuenta las ventas en subasta pública; y en tercer lugar, se observa la regla "un artista - una obra" (si dos registros pertenecen a Jones en la calificación de las obras, solo queda el más caro y el resto no se tiene en cuenta). La clasificación se realiza en términos de dólares (al tipo de cambio de la fecha de venta).

1. JEFF KOONS Conejo. 1986. $91.075 millones

Cuanto más miras la carrera en subastas de Jeff Koons (1955), más te convences de que nada es imposible para el arte pop. Puedes admirar las esculturas de Koons en forma de juguetes con globos, o puedes considerarlas kitsch y de mal gusto, tienes razón. Una cosa no se puede negar: las instalaciones de Jeff Koons cuestan mucho dinero.

Jeff Koons comenzó su viaje a la fama como el artista vivo más exitoso del mundo en 2007, cuando su gigantesca instalación de metal Hanging Heart fue comprada por 23,6 millones de dólares en Sotheby's. prensa que estaba en los intereses del multimillonario ucraniano Viktor Pinchuk.) La galería adquirió no solo una instalación, sino, de hecho, una obra de arte de joyería. 2,7 m pesa 1.600 kg), pero tiene un propósito similar. Más de seis y se gastaron quinientas horas en la producción de una composición con un corazón cubierto con diez capas de pintura, como resultado, se pagó un dinero gigantesco por la espectacular “decoración”.

El siguiente fue la venta de Purple Balloon Flower por £ 12,92 millones ($ 25,8 millones) en Christie's Londres el 30 de junio de 2008. Curiosamente, siete años antes, los dueños anteriores de "Flor" compraron la obra por $ 1,1 millones, es fácil calcular que durante este tiempo su precio de mercado se ha incrementado en casi 25 veces.

La recesión en el mercado del arte en 2008-2009 dio a los escépticos un motivo para calumniar que la moda de Koons había pasado. Pero se equivocaron: junto con el mercado del arte, se reavivó el interés por las obras de Koons. El sucesor de Andy Warhol al trono del rey del arte pop actualizó su mejor marca personal en noviembre de 2012 con la venta en Christie's de una escultura multicolor "Tulipanes" de la serie "Triumph" por 33,7 millones de dólares, comisión incluida.

Pero "Tulipanes" eran "flores" en sentido literal y figurado. Solo un año después, en noviembre de 2013, siguió la venta de la escultura del perro globo de acero inoxidable (naranja): ¡el precio del martillo ascendió a 58,4 millones de dólares! Una suma fabulosa para un artista vivo. La obra de un autor contemporáneo se vendía por el precio de un cuadro de Van Gogh o Picasso. Esas eran las bayas...

Con este resultado, Koons reinó en lo más alto de los rankings de artistas vivos durante varios años. En noviembre de 2018, fue superado brevemente por David Hockney (ver segundo lugar en nuestro ranking). Pero solo seis meses después, todo volvió a la normalidad: el 15 de mayo de 2019, en Nueva York, en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra, Christie's puso a la venta una escultura de libro de texto para Koons en 1986: un "Conejo" plateado. fabricado en acero inoxidable, imitando un globo de forma similar.

En total, Koons creó 3 de estas esculturas más una copia del autor. La subasta incluyó una copia de "Rabbit" número 2, de la colección de la editorial de culto Cy Newhouse, copropietaria de la editorial Conde Nast (revistas Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). Silver "Rabbit" fue comprado por el "padre del glamour" Cy Newhouse en 1992 por una cantidad impresionante para los estándares de esos años: $ 1 millón. Luego de 27 años en la lucha de 10 postores, el precio del martillo de la escultura fue 80 veces superior al precio de venta anterior. Y con la comisión Buyer's Premium, el resultado final fue un récord de $91.075 millones para todos los artistas vivos.

2. DAVID HOKNEY Retrato del artista. Piscina con dos figuras. 1972. $90,312,500

David Hockney (1937) es uno de los artistas británicos más importantes del siglo XX. En 2011, David Hockney fue votado como el artista británico más influyente de todos los tiempos en una encuesta de miles de pintores y escultores británicos profesionales. Al mismo tiempo, Hockney pasó por alto a maestros como William Turner y Francis Bacon. Su obra, por regla general, se atribuye al arte pop, aunque en sus primeros trabajos gravitó más hacia el expresionismo en el espíritu de Francis Bacon.

Nacido y criado como David Hockney en Inglaterra, Yorkshire. La madre del futuro artista mantuvo a la familia en un rigor puritano, y su padre, un simple contador que dibujaba un poco a nivel aficionado, animó a su hijo a pintar. Cuando tenía poco más de veinte años, David se mudó a California, donde vivió durante un total de unas tres décadas. Todavía tiene dos talleres allí. Hockney hizo de los héroes de sus obras los ricos locales, sus villas, piscinas, jardines bañados por el sol de California. Una de sus obras más famosas del período estadounidense, la pintura "Splash", es una imagen de un haz de rocío que se eleva desde la piscina después de que una persona saltó al agua. Para representar esta gavilla, "viviendo" no más de dos segundos, Hockney trabajó durante dos semanas. Por cierto, este cuadro se vendió en Sotheby's por 5,4 millones de dólares en 2006 y durante algún tiempo se consideró su obra más cara.

Hockney (1937) ya tiene ochenta años, pero aún trabaja e incluso inventa nuevas técnicas artísticas utilizando innovaciones técnicas. Una vez se le ocurrió la idea de hacer enormes collages a partir de fotografías Polaroid, imprimió sus obras en máquinas de fax y hoy el artista domina con entusiasmo el dibujo en el iPad. Las pinturas dibujadas en la tablilla ocupan el lugar que les corresponde en sus exposiciones.

En 2005, Hockney finalmente regresó de los Estados Unidos a Inglaterra. Ahora pinta al aire libre y en el estudio paisajes enormes (que a menudo consisten en varias partes) de bosques locales y tierras baldías. Según Hockney, en sus 30 años en California, se ha vuelto tan desacostumbrado al simple cambio de estaciones que realmente lo fascina y fascina. Ciclos enteros de sus obras recientes están dedicados, por ejemplo, al mismo paisaje en diferentes épocas del año.

En 2018, las pinturas de Hockney superaron la marca de los 10 millones de dólares varias veces. Y el 15 de noviembre de 2018, se registró un nuevo récord absoluto para la obra de un artista vivo en Christie's: $ 90,312,500 para la pintura "Retrato del artista (piscina con dos figuras)".

3. GERHARD RICHTER Pintura abstracta. 1986. $ 46,3 millones

Clásico vivo Gerhard Richter (1932) ocupa el segundo lugar en nuestro ranking. El artista alemán fue el líder entre los colegas vivos hasta que se alcanzó el récord número 58 millones de Jeff Koons. Pero es poco probable que esta circunstancia pueda hacer tambalear la ya férrea autoridad de Richter en el mercado del arte. Según los resultados de 2012, la facturación anual en subastas del artista alemán es superada solo por las de Andy Warhol y Pablo Picasso.

Durante muchos años, nada presagiaba el éxito que ha caído sobre Richter ahora. Durante décadas, el artista ocupó un lugar modesto en el mercado del arte contemporáneo y no aspiraba en absoluto a la fama. Podemos decir que la fama lo alcanzó por sí sola. Muchos consideran que el punto de partida es la compra por parte del Museo MoMA de Nueva York en 1995 de la serie de Richter del 18 de octubre de 1977. El Museo Americano pagó $ 3 millones por 15 pinturas en escala de grises y pronto comenzó a pensar en realizar una retrospectiva completa del artista alemán. La grandiosa exposición se inauguró seis años después, en 2001, y desde entonces el interés por la obra de Richter ha crecido a pasos agigantados. De 2004 a 2008, el precio de sus cuadros se triplicó. En 2010, las obras de Richter ya recaudaron 76,9 millones de dólares, en 2011, según el sitio web de Artnet, las obras de Richter en subasta ganaron un total de 200 millones de dólares, y en 2012 (según Artprice) - 262,7 millones de dólares - más que la obra de cualquier otro artista vivo.

Si bien, por ejemplo, con Jasper Johns, el éxito abrumador en las subastas acompaña principalmente solo a las obras tempranas, una división tan marcada no es típica de las obras de Richter: la demanda es igualmente estable para cosas de diferentes períodos creativos, de los cuales había muchos en la obra de Richter. carrera profesional. Durante los últimos sesenta años, este artista se ha probado a sí mismo en casi todos los géneros de pintura tradicionales: retrato, paisaje, marina, desnudo, naturaleza muerta y, por supuesto, abstracción.

La historia de los registros de subastas de Richter comenzó con una serie de bodegones "Velas". 27 imágenes fotorrealistas de velas a principios de la década de 1980, en el momento en que se escribieron, costaban solo 15 000 marcos alemanes (5800 dólares) por obra. Pero todavía nadie compró Velas en su primera exposición en la Galería Max Hetzler en Stuttgart. Entonces el tema de las pinturas se llamaba anticuado; Hoy en día, las "Velas" se consideran obras de todos los tiempos. Y cuestan millones de dólares.

En febrero de 2008 "Vela", escrito en 1983, fue comprado inesperadamente por £ 7,97 millones ($ 16 millones). Este récord personal se mantuvo durante tres años y medio. Después en octubre de 2011 otro "Vela" (1982) pasó bajo el martillo en Christie's ya por £ 10,46 millones ($ 16,48 millones). Con este récord, Gerhard Richter entró por primera vez entre los tres artistas vivos más exitosos, ocupando su lugar detrás de Jasper Johns y Jeff Koons.

Entonces comenzó la procesión victoriosa de las "Pinturas abstractas" de Richter. El artista pinta tales obras con una técnica de autor única: aplica una mezcla de pinturas simples sobre un fondo claro y luego las unta en el lienzo con un raspador largo del tamaño de un parachoques de automóvil. Esto da como resultado intrincadas transiciones de color, manchas y rayas. Examinar la superficie de sus "Pinturas abstractas" es como excavar: en ellas, los rastros de varias "figuras" se ven a través de los espacios de numerosas capas de colores.

9 de noviembre de 2011 en la subasta de arte moderno y de posguerra a gran escala de Sotheby's "Pintura abstracta (849-3)" 1997 pasó bajo el martillo para 20,8 millones de dólares (13,2 millones de libras esterlinas). Y seis meses después, 8 de mayo de 2012 en la subasta de arte contemporáneo y de posguerra de Christie's en Nueva York "Pintura abstracta (798-3)" 1993 fue por un récord $ 21,8 millones(comisión incluida). Cinco meses después, nuevamente un récord: "Pintura abstracta (809-4)" de la colección del músico de rock Eric Clapton el 12 de octubre de 2012 en Sotheby's en Londres se vendió por £ 21,3 millones ($ 34,2 millones). Richter tomó la barrera de los 30 millones con tanta facilidad, como si no se tratara de pintura moderna, sino de obras maestras que ya tienen cien años, nada menos. Aunque en el caso de Richter parece que la inclusión en el panteón de los “grandes” se produjo ya durante la vida del artista. Los precios alemanes siguen subiendo.

El siguiente registro de Richter pertenecía a una obra fotorrealista: un paisaje "Plaza de la Catedral, Milán (Domplatz, Mailand)" 1968. La obra fue vendida por 37,1 millones en la subasta de Sotheby's 14 de mayo de 2013. La vista de la plaza más hermosa fue pintada por un artista alemán en 1968 por encargo de Siemens Electro, especialmente para la oficina de la empresa en Milán. En el momento de su redacción, era la obra figurativa más grande de Richter (casi tres por tres metros de tamaño).

El récord de la Plaza de la Catedral se mantuvo durante casi dos años, hasta 10 de febrero de 2015 no lo interrumpiste "Pintura abstracta" ( 1986): el precio de remate alcanzó £ 30.389 millones ($46.3 millones). La pintura abstracta de 300,5 × 250,5 cm, puesta a subasta en Sotheby's, es una de las primeras obras a gran escala de Richter en su técnica especial de autor de raspar capas de pintura. La última vez en 1999, esta "Pintura abstracta" fue comprada en una subasta por $ 607 mil (desde este año hasta la venta actual, la obra se exhibió en el Museo Ludwig de Colonia). En la subasta del 10 de febrero de 2015, cierto cliente estadounidense en pasos de subasta de £ 2 millones alcanzó el precio de remate de $ 46,3 millones. Es decir, desde 1999, ¡el trabajo ha aumentado su precio en más de 76 veces!

4. Tsui Zhuzhuo "Grandes montañas nevadas". 2013. $39.577 millones

Durante mucho tiempo no seguimos de cerca el desarrollo de la situación en el mercado del arte chino, no queriendo sobrecargar a nuestros lectores con una cantidad excesiva de información sobre “no nuestro” arte. Con la excepción del disidente Ai Weiwei, que ni siquiera es tan caro como un artista resonante, los autores chinos nos parecían demasiado numerosos y lejanos para ahondar en lo que sucedía allí en su mercado. Pero las estadísticas, como dicen, son una dama seria, y si estamos hablando de los autores vivos más exitosos del mundo, entonces no podemos prescindir de una historia sobre los destacados representantes del arte contemporáneo del Imperio Celestial.

Comencemos con un artista chino. cui ruzhuo. El artista nació en 1944 en Beijing y vivió en los Estados Unidos de 1981 a 1996. Después de regresar a China, comenzó a enseñar en la Academia Nacional de las Artes. Cui Ruzhuo reinterpreta el estilo tradicional de pintura con tinta china y crea los enormes lienzos con pergaminos que a los empresarios y funcionarios chinos les encanta regalarse unos a otros. En Occidente se sabe muy poco de él, aunque muchos deben recordar la historia del pergamino de 3,7 millones de dólares que fue tirado por error, confundiéndolo con basura, por los limpiadores de un hotel de Hong Kong. Entonces, era el pergamino de Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo tiene 70 años y el mercado de su trabajo está prosperando. Más de 60 obras de este artista han cruzado la marca del millón de dólares, sin embargo, sus obras hasta ahora solo han tenido éxito en las subastas chinas. Los registros de Cui Ruzhuo son realmente impresionantes. primero "Paisaje en la nieve" en Poly Auction en Hong Kong 7 de abril de 2014 alcanzó un precio de remate de 184 millones de dólares de Hong Kong ( 23,7 millones de dólares estadounidenses).

Exactamente un año después 6 de abril de 2015 en una Poly Auction especial en Hong Kong dedicada exclusivamente al trabajo de Cui Ruzhuo, una serie "El gran paisaje nevado de la montañosa Jiangnan"(Jiangnan es una región histórica en China, que ocupa la margen derecha de los tramos inferiores del Yangtze.) de ocho paisajes en tinta sobre papel alcanzó un precio de remate de 236 millones de dólares de Hong Kong ( US$30.444 millones).

Un año después, la historia volvió a repetirse: en la subasta en solitario de Cui Ruzhuo, realizada por Poly Auctions en Hong Kong 4 de abril de 2016 políptico en seis partes "Grandes Montañas Nevadas" El precio de remate de 2013 (incluida la comisión de la casa de subastas) alcanzó los 306 millones de dólares de Hong Kong (US$39.577 millones). Hasta ahora, este es un récord absoluto entre los artistas asiáticos vivos.

Según el marchante de arte Johnson Chan, quien ha estado trabajando con arte contemporáneo chino durante 30 años, existe un deseo incondicional de aumentar los precios de las obras de este autor, pero todo esto está sucediendo a un nivel de precios que es poco probable que los coleccionistas experimentados quieran. comprar algo. “Los chinos quieren aumentar las calificaciones de sus artistas inflando los precios de su trabajo en las principales subastas internacionales como la organizada por Poly en Hong Kong, pero no hay duda de que estas calificaciones son completamente inventadas”, comenta Johnson Chang sobre Cui Ruzhuo. último registro.

Esto, por supuesto, es solo la opinión de un solo distribuidor, y tenemos un registro real registrado en todas las bases de datos. Así que tomémoslo en cuenta. El propio Cui Ruzhuo, a juzgar por sus declaraciones, está lejos de la modestia de Gerhard Richter en lo que respecta a su éxito en la subasta. Parece que esta carrera por los récords lo está cautivando seriamente. “Espero que en los próximos 5 a 10 años los precios de mis obras superen los precios de las obras de maestros occidentales como Picasso y Van Gogh. Este es el sueño chino”, dice Cui Ruzhuo.

5 Jaspe Johns Bandera. 1983. $36 millones

El tercer lugar en el ranking de artistas vivos pertenece a un estadounidense A Jasper Johns (1930). El precio récord actual para el trabajo de Jones es de $ 36 millones. Tanto pagó por su famoso "Bandera" en la subasta de Christie 12 de noviembre de 2014.

Una serie de pinturas de "bandera", iniciada por Jones a mediados de la década de 1950, inmediatamente después del regreso del artista del ejército, se convirtió en una de las centrales de su obra. Incluso en su juventud, el artista se interesó por la idea de un ready-made, la transformación de un objeto cotidiano en una obra de arte. Sin embargo, las banderas de Jones no eran reales, estaban pintadas al óleo sobre lienzo. Así, una obra de arte adquiría las propiedades de una cosa de la vida ordinaria, era al mismo tiempo la imagen de la bandera y la bandera misma. Una serie de trabajos con banderas le dio fama mundial a Jasper Johns. Pero no menos populares son sus obras abstractas. Durante muchos años, la lista de las obras más caras, compilada de acuerdo con las reglas anteriores, estuvo encabezada por un resumen "Inicio en falso". Hasta 2007, este lienzo muy brillante y decorativo, pintado por Jones en 1959, se consideraba dueño de un precio prácticamente inaccesible para un artista vivo (aunque un clásico de por vida): $ 17 millones. Eso es lo que pagaron por ella en oro para el mercado del arte. 1988.

Curiosamente, la experiencia de Jasper Johns como poseedor de un récord no fue continua. En 1989, fue interrumpido por el trabajo de su colega Willem de Kooning: la abstracción de dos metros "Mixing" se vendió en Sotheby's por $ 20,7 millones. Jasper Johns tuvo que mudarse. Pero después de 8 años, en 1997, de Kooning murió. , y " Comienzo falso ", Jones volvió a ocupar la primera línea de la calificación de la subasta de artistas vivos durante casi 10 años.

Pero en 2007 todo cambió. El récord de False Start primero fue eclipsado por el trabajo de los jóvenes y ambiciosos Damien Hirst y Jeff Koons. Luego hubo una venta récord por $ 33,6 millones de la pintura "El inspector de beneficio durmiente" de Lusien Freud (ya fallecido, y por lo tanto no participa en esta calificación). Entonces comenzaron los registros de Gerhard Richter. En general, hasta ahora con un récord actual de 36 millones, Jasper Johns, uno de los maestros del arte estadounidense de la posguerra, que trabaja en la intersección del neodadaísmo, el expresionismo abstracto y el pop art, ocupa un honroso tercer lugar.

6. ED RUSHAY Aplastar. 1963. $ 30,4 millones

El éxito repentino de la pintura "Smash" de un artista estadounidense Edward Ruscha (n. 1937) En subasta Christie's 12 de noviembre de 2014 llevó a este autor al número de los artistas vivos más caros. El precio récord anterior para la obra de Ed Ruscha (a menudo el nombre Ruscha se pronuncia en ruso como "Rusha", pero la pronunciación correcta es Ruscha) fue de "solo" $ 6,98 millones: eso es lo que pagaron por su lienzo "Burning gas". estación" en 2007. Siete años después su Aplastar con una estimación de $ 15-20 millones, alcanzó el precio de un martillo $ 30,4 millones. Es obvio que el mercado de las obras de este autor ha alcanzado un nuevo nivel, no en vano Barack Obama adorna la Casa Blanca con sus obras, y el mismo Larry Gagosian las exhibe en sus galerías.

Ed Ruscha nunca aspiró al Nueva York de la posguerra con su locura por el expresionismo abstracto. En cambio, durante más de 40 años, buscó inspiración en California, donde se mudó desde Nebraska a la edad de 18 años. El artista se situó en los orígenes de una nueva tendencia en el arte, llamada arte pop. Junto con Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud y otros cantantes de la cultura popular, Edward Ruscha participó en la exposición New Image of Ordinary Things del Museo de Pasadena en 1962, que se convirtió en la primera exposición museística de arte pop estadounidense. Sin embargo, al propio Ed Ruscha no le gusta que su obra se atribuya al arte pop, al conceptualismo oa alguna otra corriente del arte.

Su estilo único se llama "pintura de texto". Desde finales de la década de 1950, Ed Ruscha comenzó a pintar palabras. Así como para Warhol una lata de sopa se convirtió en una obra de arte, para Ed Ruscha, palabras y frases comunes, tomadas ya sea de una valla publicitaria o de un empaque en un supermercado, o de los créditos de una película (Hollywood siempre estuvo del lado de Ruscha, y a diferencia de muchos de sus compañeros artistas, Rushey respetaba la "fábrica de sueños"). Las palabras de sus lienzos adquieren las propiedades de los objetos tridimensionales, son verdaderas naturalezas muertas hechas de palabras. Al mirar sus lienzos, lo primero que viene a la mente es la percepción visual y sonora de la palabra dibujada, y solo después de eso, el significado semántico. Este último, por regla general, no se puede descifrar sin ambigüedades; las palabras y frases elegidas por Ruscha se pueden interpretar de diferentes maneras. La misma palabra amarilla brillante "Smash" sobre un fondo azul profundo puede percibirse como una llamada agresiva para hacer añicos algo oa alguien; como un adjetivo solitario sacado de contexto (parte del titular de algún periódico, por ejemplo), o simplemente como una sola palabra atrapada en una corriente urbana de imágenes visuales. Ed Ruscha se deleita con esta incertidumbre. “Siempre he tenido un profundo respeto por las cosas extrañas e inexplicables… Las explicaciones, en cierto sentido, matan una cosa”, dijo en una entrevista.

7. LANA CRISTÓBAL Sin título (RIOT). 1990. $29,93 millones

artista estadounidense cristobal lana(1955) irrumpió por primera vez en el ranking de artistas vivos en 2013, tras la venta de Apocalypse Now por 26,5 millones de dólares.Este récord lo puso inmediatamente a la par con Jasper Johns y Gerhard Richter. El monto de esta histórica transacción -más de $20 millones- sorprendió a muchos, pues antes los precios de las obras del artista no superaban los $8 millones, sin embargo, el rápido crecimiento del mercado de las obras de Christopher Wool ya era evidente para ese momento. : el historial del artista incluye 48 transacciones de subasta por valor de más de $ 1 millón, y 22 de ellas (casi la mitad) se llevaron a cabo en 2013. Dos años más tarde, el número de obras de Chris Wool, vendió más de $ 1 millón, llegó a 70, y un nuevo récord personal no se hizo esperar. En subasta Obra de Sotheby's del 12 de mayo de 2015 "Sin título (RIOT)" fue vendido por $ 29,93 millones incluida la prima del comprador.

Christopher Wool es mejor conocido por sus letras negras a gran escala sobre láminas de aluminio blanco. Son ellos quienes, por regla general, establecen récords en las subastas. Todas estas son cosas de finales de los 80 y principios de los 90. Según cuenta la leyenda, una noche, Wool estaba caminando por Nueva York y de repente vio un grafiti en letras negras en un camión blanco nuevo: las palabras sexo y luv. Esta vista lo impresionó tanto que inmediatamente regresó al estudio y escribió su propia versión con las mismas palabras. Corría el año 1987, y la búsqueda ulterior del artista de palabras y frases para sus obras "literales" refleja el espíritu contradictorio de esta época. Esta es la frase "vender la casa, vender el carro, vender los niños", tomada por Wool de la película "Apocalipsis Now", y la palabra "FOOL" ("tonto") en mayúsculas, y la palabra "RIOT" ("rebelión"), que a menudo se encuentra en los titulares de los periódicos de la época.

Palabras y frases Lana aplicada a láminas de aluminio usando esténciles con pinturas alquídicas o de esmalte, dejando deliberadamente vetas, marcas de estarcidos y otras evidencias del proceso creativo. El artista dividió las palabras para que el espectador no entendiera inmediatamente el significado. Al principio solo ves un cúmulo de letras, es decir, percibes la palabra como un objeto visual, y solo entonces lees y descifras el significado de la frase o palabra. Wool usó una fuente que estuvo en uso por el ejército de los EE. UU. después de la Segunda Guerra Mundial, lo que realza la impresión de una orden, una directiva, un eslogan. Estas obras de "letra" se perciben como parte del paisaje urbano, como graffiti ilegal que ha violado la limpieza de la superficie de algún objeto de la calle. Esta serie de obras de Christopher Wool es reconocida como una de las cumbres de la abstracción lingüística, y por ello es muy valorada por los amantes del arte contemporáneo.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. $28,81 millones

británico Pedro Doig(1959), aunque pertenece a la generación de los posmodernistas Koons y Hirst, eligió para sí un género de paisaje completamente tradicional, que durante mucho tiempo no fue del agrado de los artistas avanzados. Con su trabajo, Peter Doig revive el interés del público por la pintura figurativa, que se desvanece. Su obra es muy apreciada tanto por la crítica como por los no especialistas, y prueba de ello es la rápida subida de los precios de sus obras. Si a principios de los 90 sus paisajes costaban varios miles de dólares, ahora la factura asciende a millones.

El trabajo de Doig a menudo se conoce como realismo mágico. Basado en paisajes reales, crea imágenes fantásticas, misteriosas y, a menudo, sombrías. Al artista le gusta representar objetos abandonados por la gente: un edificio en ruinas construido por Le Corbusier en medio de un bosque o una canoa blanca vacía en la superficie de un lago del bosque. Además de la naturaleza y la imaginación, Doig se inspira en películas de terror, postales antiguas, fotografías, vídeos de aficionados, etc. Las pinturas de Doig son coloridas, intrincadas, decorativas y no provocativas. Es bueno tener una pintura así. La baja productividad del autor también alimenta el interés de los coleccionistas: el artista radicado en Trinidad no crea más de una decena de cuadros al año.

A principios de la década de 2000, los paisajes individuales del artista se vendieron por varios cientos de miles de dólares. Al mismo tiempo, el trabajo de Doig se incluyó en la Galería Saatchi, en la Bienal del Museo Whitney y en la colección del MoMA. En 2006 se superó el listón de la subasta de 1 millón de dólares y al año siguiente se produjo un avance inesperado: la obra "Canoa blanca", ofrecida en Sotheby's el 7 de febrero de 2007 con una estimación de 0,8 a 1,2 millones de dólares, superó la estimación preliminar. cinco veces y se vendió por £ 5,7 millones ($ 11,3 millones). En ese momento, era un precio récord para la obra de un artista europeo vivo.

En 2008, Doig realizó exposiciones individuales en la Tate Gallery y el Museo de Arte Moderno de París. Los precios multimillonarios del trabajo de Doig se han convertido en la norma. El registro personal de Peter Doig se ha actualizado recientemente varias veces al año: solo tenemos tiempo para cambiar la imagen y el lugar de este artista en nuestro ranking de autores vivos.

El trabajo más caro de Peter Doig hasta la fecha es el paisaje nevado de Rosedale de 1991. Curiosamente, el récord no se estableció en Sotheby's o Christie's, sino en la subasta de arte contemporáneo de Phillips. Esto sucedió el 18 de mayo de 2017. Una vista de Rosedale cubierto de nieve, uno de los vecindarios de Toronto, se vendió a un comprador de teléfonos por $28,81 millones, unos $3 millones más que el récord anterior ($25,9 millones por "Swallowed in the Mire"). La pintura "Rosedale" participó en la exposición clave de Doig en la Whitechapel Gallery de Londres en 1998 y, en general, esta obra era nueva para el mercado y, por lo tanto, el precio récord es bien merecido.

9. FRANK STELLA Pinos del Cabo. 1959. $28 millones

Frank Stella es un brillante representante de la abstracción posterior a la pintura y el minimalismo en el arte. En cierta etapa, se lo conoce como un estilo de pintura de borde duro. Al principio, Stella contrastó la estricta geometría, la monocromía ascética y la estructuración de sus pinturas con la espontaneidad y la aleatoriedad de los lienzos de expresionistas abstractos como Jackson Pollock.

A fines de la década de 1950, el famoso galerista Leo Castelli descubrió al artista y se le otorgó una exposición por primera vez. En él, presentó las llamadas "Pinturas negras", lienzos pintados con líneas negras paralelas con finos espacios de lienzo sin pintar entre ellos. Las líneas se forman en formas geométricas, que recuerdan un poco a las ilusiones ópticas, las mismas imágenes que parpadean, se mueven, giran y crean una sensación de espacio profundo si las miras durante mucho tiempo. Stella continuó el tema de las líneas paralelas con finas tiras divisorias en sus obras sobre aluminio y cobre. Los colores, la base pictórica e incluso la forma de las pinturas cambiaron (entre otras, destacan las obras en forma de las letras U, T, L). Pero el principio principal de su pintura aún consistía en la claridad del contorno, la monumentalidad, la forma simple, la monocromía. En las décadas siguientes, Stella se alejó de esa pintura geométrica hacia formas y líneas suaves y naturales, y de pinturas monocromáticas a transiciones de colores brillantes y variadas. En la década de 1970, Stella quedó cautivada por los enormes patrones utilizados para pintar barcos. El artista los usó para pinturas enormes con elementos de ensamblaje: incluyó piezas de tubos de acero o mallas de alambre en sus obras.

En sus primeras entrevistas, Frank Stella habla con franqueza sobre los significados que se le otorgan a su obra, o mejor dicho, sobre su ausencia: "Lo que ves es lo que ves". El cuadro es un objeto en sí mismo, no una reproducción de nada. "Es una superficie plana con pintura y nada más", dijo Stella.

Bueno, firmada por Frank Stella, esta "superficie con pintura" podría valer millones de dólares hoy. Por primera vez en el ranking de artistas vivos, Frank Stella consiguió en 2015 con la venta de Delaware Crossing (1961) por 13,69 millones de dólares, comisión incluida.

Cuatro años después, el 15 de mayo de 2019, la obra temprana (1959) “Cabo de pinos” estableció un nuevo récord: el precio del martillo superó los 28 millones de dólares, incluida la comisión. Esta es una de las 29 "pinturas negras", las mismas con las que Stella debutó en su primera exposición en Nueva York. El graduado de la Universidad de Princeton, Frank Stella, tenía entonces 23 años. A menudo no tenía suficiente dinero para pintar al óleo para los artistas. El joven artista estaba pluriempleado como trabajo de reparación, le gustaban mucho los colores puros de la pintura, y entonces surgió la idea de trabajar con esta pintura sobre lienzo. Con pintura de esmalte negro, Stella pinta rayas paralelas, dejando finas líneas de lienzo sin imprimar entre ellas. Además, escribe sin reglas, a ojo, sin esbozo previo. Stella nunca supo exactamente cuántas líneas negras aparecerían en una pintura en particular. Por ejemplo, en la pintura "Cabo de pinos", hay 35. El título de la obra se refiere al nombre del cabo en la bahía de Massachusetts - Punta de pinos. A principios del siglo XX contaba con un gran parque de atracciones y hoy es uno de los distritos de la ciudad de Revere.

10. YOSHITOMO NARA Cuchillo en la espalda. 2000. $24,95 millones

Yoshitomo Nara (1959) es una de las figuras clave del neo-pop art japonés. Japonés: porque, a pesar de la fama mundial y muchos años de trabajo en el extranjero, su trabajo todavía se distingue por una identidad nacional pronunciada. Los personajes favoritos de Nara son las niñas y los perros al estilo de los cómics de manga y anime japoneses. Las imágenes que inventó durante muchos años “han ido a la gente”: se imprimen en camisetas, souvenirs y con ellas se hacen diversos “merch”. Nacido en una familia pobre, lejos de la capital, no solo es querido por su talento, sino también apreciado como una persona que se ha hecho a sí misma. El artista trabaja con rapidez y expresividad. Se sabe que algunas de sus obras maestras se completaron literalmente de la noche a la mañana. Las pinturas y esculturas de Yoshitomo Nara, por regla general, son muy concisas e incluso escasas en medios expresivos, pero siempre tienen una fuerte carga emocional. Las adolescentes de Nara a menudo miran al espectador con los ojos entrecerrados. A sus ojos: descaro, desafío y agresión. En las manos, luego un cuchillo, luego un cigarrillo. Existe la opinión de que las perversiones de comportamiento representadas son una reacción a la moralidad pública opresiva, varios tabúes y los principios de educación adoptados por los japoneses. La severidad y la vergüenza casi medievales conducen los problemas al interior, crean el terreno para una explosión emocional tardía. "Cuchillo detrás de la espalda" simplemente refleja con capacidad una de las ideas principales del artista. En esta obra hay una mirada de odio de una niña, y una mano amenazadoramente enrollada detrás de su espalda. Hasta 2019, las pinturas y esculturas de Yoshitomo Nara ya han cruzado la marca del millón, o incluso varios millones, más de una vez. Pero veinte millones - por primera vez. Nara es una de las artistas nacidas en Japón más famosas del mundo. Y ahora el más caro de los vivos. El 6 de octubre de 2109, en Sotheby's de Hong Kong, tomó este título de Takashi Murakami y superó notablemente a la artista de vanguardia de 90 años Yayoi Kusama (los precios máximos de subasta de sus pinturas ya se acercan a los 9 millones de dólares).

11. ZENG FANZHI La última cena. 2001. $23,3 millones

En Sotheby's Hong Kong 5 de octubre de 2013 lienzo de escala de año "La última cena" artista de Pekín Zeng Fanzhi (1964) se vendió por una cantidad récord de 160 millones de dólares de Hong Kong - $ 23,3 millones EE.UU. El costo final de la obra de Fanzhi, escrita, por supuesto, bajo la influencia de Leonardo da Vinci, resultó ser el doble de la estimación preliminar de unos 10 millones de dólares. El precio récord anterior de Zeng Fanzhi fue de $ 9,6 millones pagado en la subasta de Christie's Hong Kong en mayo de 2008 por la obra Serie de máscaras. 1996 núm. 6".

"La última cena" es la pintura más grande (2,2 × 4 metros) de Fanzhi en la serie "Máscaras", que abarca el período de 1994 a 2001. El ciclo está dedicado a la evolución de la sociedad china bajo la influencia de las reformas económicas. La introducción de elementos de una economía de mercado por parte del gobierno de la República Popular China condujo a la urbanización y la desunión de los chinos. Fanzhi representa a los habitantes de las ciudades chinas modernas, que tienen que luchar por un lugar bajo el sol. La conocida composición del fresco de Leonardo en la lectura de Fanzhi adquiere un significado completamente diferente: la escena se traslada de Jerusalén al aula de una escuela china con los típicos tableros de jeroglíficos en las paredes. "Cristo" y los "apóstoles" se han convertido en pioneros con corbatas escarlata, y solo "Judas" usa una corbata dorada: esta es una metáfora del capitalismo occidental, que penetra y destruye la forma de vida habitual en un país socialista.

Las obras de Zeng Fanzhi son estilísticamente cercanas al expresionismo europeo y son igual de dramáticas. Pero al mismo tiempo están llenos de símbolos y detalles chinos. Esta versatilidad atrae tanto a coleccionistas chinos como occidentales a la obra del artista. Una confirmación directa de ello es la procedencia de La última cena: la obra fue subastada por el célebre coleccionista de la vanguardia china de los años 80 y principios de los 90, el barón belga Guy Ullens.

12. ROBERTO RAYMAN Puente. 1980. $ 20,6 millones

En subasta Christie's 13 de mayo de 2015 trabajo abstracto "Puente" artista estadounidense de 85 años Roberto Ryman(Robert Ryman) fue vendido por $ 20,6 millones teniendo en cuenta la comisión, el doble de cara que la estimación más baja.

Roberto Ryman(1930) no se dio cuenta inmediatamente de que quería ser artista. A la edad de 23 años, se mudó a Nueva York desde Nashville, Tennessee, con el deseo de convertirse en saxofonista de jazz. Mientras tanto, no se convirtió en un músico famoso, tuvo que ganar dinero extra como guardia de seguridad en el MoMA, donde conoció a Saul LeWitt y Dan Flavin. La primera trabajaba en el museo como secretaria de noche, y la segunda como vigilante de seguridad y ascensorista. Inspirado por las obras de los expresionistas abstractos que vio en el MoMA (Rothko, De Kooning, Pollock y Newman), Robert Ryman comenzó a pintar en 1955.

A Ryman se le suele llamar minimalista, pero prefiere que lo llamen "realista" porque no le interesa crear ilusiones, solo demuestra las cualidades de los materiales que utiliza. La mayoría de sus obras están pintadas con pinturas de todos los tonos posibles de blanco (desde el grisáceo o amarillento hasta el blanco deslumbrante) a partir de una forma cuadrada lacónica. Durante su carrera, Robert Ryman probó muchos materiales y técnicas: pintó al óleo, acrílico, caseína, esmalte, pastel, gouache, etc. sobre lienzo, acero, plexiglás, aluminio, papel, cartón corrugado, vinilo, papel pintado, etc. amigo, un restaurador profesional, Orrin Riley, le aconsejó sobre la causticidad de los materiales que pensaba utilizar. Como dijo una vez un artista: “Nunca tengo una pregunta qué escribir, lo principal - cómo escribe". Se trata de la textura, la naturaleza de los trazos, el borde entre la superficie colorida y los bordes de la base, así como la relación entre la obra y la pared. Desde 1975, una característica especial de su trabajo han sido los accesorios, que Ryman diseña él mismo y los deja visibles deliberadamente, enfatizando su trabajo "tan real como reales son las paredes en las que cuelgan". Ryman prefiere dar a las obras "nombres" en lugar de "títulos". El "nombre" es lo que ayuda a distinguir una obra de otra, y Ryman a menudo nombra sus obras por marcas de pintura, empresas, etc., y el "título" reclama algún tipo de alusiones y significados profundamente ocultos, cuya presencia en su obras que el artista niega regularmente. Sólo importa el material y la técnica.

13. Damián Hirst Primavera dormida. 2002. $19,2 millones

artista inglés A Damien Hirst (1965) estaba destinado a ser el primero en llevarse el primer puesto de esta clasificación en una disputa con el clásico viviente Jasper Johns. La ya mencionada obra "False Start" podría seguir siendo un líder insumergible por mucho tiempo si 21 de junio de 2007 instalación en ese momento Hirst de 42 años "Primavera somnolienta"(2002) no se vendió en Sotheby's por £ 9,76 millones, es decir, por $19,2 millones. El trabajo, por cierto, tiene un formato bastante inusual. Por un lado, se trata de una vitrina con maniquíes de pastillas (6.136 pastillas), en realidad, una instalación clásica. Y por otro lado, esta vitrina se hace plana (10 cm de profundidad), se enmarca y se cuelga en la pared como un panel de plasma, aportando así plenamente la comodidad de posesión inherente a los cuadros. En 2002, la instalación hermana, Sleepy Winter, se vendió por 7,4 millones de dólares, más de la mitad del precio. Alguien "explicó" la diferencia de precio por el hecho de que las tabletas están más descoloridas en invierno. Pero está claro que esta explicación es absolutamente infundada, porque el mecanismo de fijación de precios de tales cosas ya no está asociado con su efecto decorativo.

En 2007, muchos reconocieron a Hirst como el autor de la obra más cara entre los artistas vivos. La pregunta, sin embargo, es de la categoría de "dependiendo de cómo contar". El caso es que Hurst se vendió por libras caras, y Jones por dólares que ahora han bajado de precio, e incluso hace veinte años. Pero incluso si contamos su valor nominal, sin tener en cuenta la inflación de 20 años, entonces el trabajo de Hirst era más caro en dólares y el de Jones en libras. La situación era límite, y cada uno era libre de decidir a quién considerar más caro. Pero Hurst se mantuvo en primer lugar no mucho tiempo. En el mismo 2007, fue desplazado del primer lugar por Koons con su "Hanging Heart".

Justo en vísperas de la caída mundial de los precios del arte contemporáneo, Hirst emprendió una empresa sin precedentes para un artista joven: una subasta en solitario de sus obras, que tuvo lugar el 15 de septiembre de 2008 en Londres. La noticia de la quiebra de Lehman Brothers anunciada la víspera no estropeó el apetito de los amantes del arte contemporáneo: de las 223 obras ofrecidas por Sotheby's, solo cinco no encontraron nuevos dueños (uno de los compradores, por cierto, fue Viktor Pinchuk ). Trabajar "Tauro Dorado"- una enorme efigie de un toro en formol, coronado con un disco de oro, - trajo 10,3 millones de libras esterlinas (18,6 millones de dólares). Este es el mejor resultado de Hurst si se mide en libras (en la moneda en la que se realizó la operación). Sin embargo, estamos clasificados en términos de dólares, así que (que el Becerro de Oro nos perdone) consideraremos que la mejor venta de Hirst es Sleepy Spring.

Desde 2008, Hirst no ha tenido ventas de Sleepy Spring y Golden Calf. Nuevos discos de la década de 2010, por el trabajo de Richter, Jones, Fanzhi, Wool y Koons, movieron a Damien a la sexta línea de nuestra clasificación. Pero no hagamos un juicio categórico sobre el declive de la era Hirst. Según los analistas, Hurst como "superestrella" ya pasó a la historia, lo que significa que lo comprarán por mucho tiempo; sin embargo, el mayor valor en el futuro se augura para las obras creadas en el período más innovador de su carrera, es decir, en la década de 1990.

14. Mauricio Cattelan A él. 2001. $ 17,19 millones

El italiano Maurizio Cattelan (1960) llegó al arte después de trabajar como guardia de seguridad, cocinero, jardinero y diseñador de muebles. El autor autodidacta se ha hecho mundialmente famoso por sus irónicas esculturas e instalaciones. Ha dejado caer un meteorito sobre el Papa, ha convertido a la esposa de un cliente en un trofeo de caza, ha abierto un agujero en el suelo de un Museo de Antiguos Maestros, ha señalado con un dedo medio gigante a la bolsa de Milán, ha llevado un burro vivo a la feria Frieze. . En un futuro cercano, Cattelan promete instalar un inodoro dorado en el Museo Guggenheim. Al final, las travesuras de Maurizio Cattelan fueron ampliamente reconocidas en el mundo del arte: es invitado a la Bienal de Venecia (la instalación "Otros" en 2011: una bandada de dos mil palomas que mira amenazadoramente desde todos los tubos y vigas a la multitud de visitantes pasando por debajo), organiza una retrospectiva en el Museo Guggenheim de Nueva York (noviembre de 2011) y, finalmente, se paga mucho dinero por sus esculturas.

Desde 2010, la obra más cara de Maurizio Cattelan ha sido una escultura de cera de un hombre mirando por un agujero en el suelo, aparentemente similar al propio artista ("Sin título", 2001). Esta instalación-escultura, que existe en la cantidad de tres copias más la copia del autor, se mostró por primera vez en el Museo Boijmans van Beuningen en Rotterdam. Entonces este travieso personaje se asomaba por un hueco en el suelo del salón con cuadros de pintores holandeses de los siglos XVIII y XIX. Maurizio Cattellan en esta obra se asocia con un criminal audaz que invade el espacio sagrado de la sala del museo con pinturas de grandes maestros. Así, quiere despojar al arte del halo de santidad que le otorgan las paredes de los museos. La obra, en aras de exhibir que cada vez hay que hacer agujeros en el suelo, se vendió por 7.922 millones de dólares en Sotheby's.

El récord se mantuvo hasta el 8 de mayo de 2016, cuando el trabajo aún más provocativo de Cattelan, Him, que representa a un Hitler arrodillado, fue rematado por 17,189 millones de dólares. El nombre es extraño. La selección de personajes es arriesgada. Como todo lo demás con Cattelan. ¿Qué significa Él? ¿"Su" o "Su infernal majestad"? Está claro que definitivamente no estamos hablando de cantar la imagen del Führer. En esta obra, Hitler aparece más bien en una forma lamentable y desvalida. Y absurdamente, la encarnación de Satanás se hace del tamaño de un niño, vestido con un traje de colegial y arrodillado con una expresión humilde en su rostro. Para Cattelan, esta imagen es una invitación a reflexionar sobre la naturaleza del mal absoluto y una forma de deshacerse de los miedos. Por cierto, la escultura "Él" es bien conocida por el público occidental. Sus hermanos de la serie se han exhibido más de 10 veces en los principales museos del mundo, incluido el Centro Pompidou y el Museo Solomon Guggenheim.

15. MARC GROTJAN Sin título (S III Estrenado en France Face 43.14). 2011. $16,8 millones

El 17 de mayo de 2017, una de las pinturas más poderosas de Marc Grotjan jamás subastada apareció en la subasta nocturna de Christie's en Nueva York. La pintura “Sin título (S III Released to France Face 43.14)” fue exhibida por el coleccionista parisino Patrick Seguin con una estimación de $ 13-16 millones, y dado que la venta del lote estaba garantizada por un tercero, nadie se sorprendió particularmente. por el establecimiento de un nuevo récord personal en subasta del artista de 49 años. El precio del martillo de 14,75 millones de dólares (16,8 millones de dólares con la prima del comprador) superó el récord anterior de subasta de Grotjan en más de 10 millones de dólares, lo que lo colocó en el club de los artistas vivos cuya obra se vende por ocho cifras. Mismos resultados de siete dígitos (ventas de más de $ 1 millón, pero no más de $ 10 millones) en la alcancía de la subasta Mark Grotyan por unos treinta.

Mark Grotjan (1968), en cuya obra los expertos ven la influencia del modernismo, el minimalismo abstracto, el pop y el op art, llegó a su identidad corporativa a mediados de la década de 1990, después de mudarse con su amigo Brent Peterson a Los Ángeles y abrir allí una galería. "Habitación 702". Como recuerda el propio artista, en ese momento comenzó a pensar en lo que era primero para él en el arte. Estaba buscando el motivo con el que pudiera experimentar. Y me di cuenta de que siempre le interesó la línea y el color. Los experimentos en el espíritu del rayonismo y el minimalismo con perspectiva lineal, numerosos puntos de fuga y formas triangulares abstractas multicolores finalmente dieron fama mundial a Grotjan.

De paisajes abstractos y coloridos con múltiples horizontes y puntos de fuga, terminó con formas triangulares que recuerdan a las alas de una mariposa. Pinturas de Grotjan 2001–2007 Lo llaman "Mariposas". Hoy en día, mover el punto de fuga o utilizar varios puntos de fuga a la vez, espaciados en el espacio, se considera una de las técnicas más poderosas del artista.

La siguiente gran serie de obras se llamó "Rostros"; en las líneas abstractas de esta serie se adivinan los rasgos de un rostro humano, simplificado al estado de una máscara al estilo de Matisse, Jawlensky o Brancusi. Hablando de la máxima simplificación y estilización de las formas, de la solución compositiva de las pinturas, cuando los contornos dispersos de ojos y bocas parecen mirarnos desde la espesura, los investigadores señalan la conexión de los Rostros de Grotjan con el arte de lo primitivo tribus de África y Oceanía, mientras que al propio artista simplemente "le gusta la imagen de los ojos mirando desde la jungla". A veces me imaginaba las caras de babuinos o monos. No puedo decir que fui consciente o inconscientemente influenciado por el arte africano primitivo, sino que fui influenciado por artistas que fueron influenciados por él. Picasso es el ejemplo más obvio".

Las obras de la serie "Faces" se llaman brutales y elegantes, agradables a la vista y agradables a la mente. Con el tiempo, la textura de estas obras también cambia: para crear el efecto de un espacio interior, el artista utiliza amplias pinceladas de pintura espesa, incluso salpicaduras al estilo Pollock, pero la superficie de la pintura se nivela de modo que, tras un examen más detenido, parece completamente plano. La pintura sin título (S III Released to France Face 43.14), que batió un récord en subasta, pertenece a esta célebre serie de Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Mi vaquero solitario. $ 15,16 millones

japonés Takashi Murakami (1962) entró en nuestra calificación con la escultura "Mi vaquero solitario", vendido en Sotheby's en mayo de 2008 por $ 15,16 millones. Con esta venta, Takashi Murakami fue considerado durante mucho tiempo el artista asiático vivo más exitoso, hasta que fue eclipsado por la venta de La última cena de Zeng Fanzhi.

Takashi Murakami trabaja como artista, escultor, diseñador de moda y animador. Murakami quería tomar algo realmente japonés como base de su trabajo, sin préstamos occidentales ni de ningún otro tipo. En sus años de estudiante, estaba fascinado por el arte tradicional japonés de nihonga, más tarde fue reemplazado por el arte popular del anime y el manga. Así nació el psicodélico Mr DOB, estampados de flores sonrientes y brillantes esculturas de fibra de vidrio, como si acabaran de salir de las páginas de los cómics japoneses. Algunos consideran que el arte de Murakami es comida rápida y la encarnación de la vulgaridad, otros llaman al artista el japonés Andy Warhol, y en las filas de este último, como vemos, hay muchas personas muy ricas.

Murakami tomó prestado el nombre de su escultura de The Lonely Cowboys (1968) de Andy Warhol, que el japonés, como él mismo reconoció, nunca había visto, pero le gustó mucho la combinación de palabras. Murakami con una escultura complació a los fanáticos de los cómics eróticos japoneses y se rió de ellos. Aumentado de tamaño, y además, también tridimensional, el héroe del anime se convierte en un fetiche de la cultura de masas. Esta declaración artística está bastante en el espíritu del arte pop occidental clásico (recuerde el juego de muebles de Allen Jones o la Pantera Rosa de Koons), pero con un toque nacional.

17. KAWS. Álbum KAWS. 2005. $14,784,505

KAWS es el seudónimo del artista estadounidense Brian Donelly de Nueva Jersey. Es el participante más joven de nuestra clasificación, nacido en 1974. Donelly comenzó como animador en Disney (dibujando fondos para la caricatura "101 dálmatas" y otros). Me ha interesado el graffiti desde que era joven. Al principio, su diseño característico era una calavera con "X" en lugar de las cuencas de los ojos. El trabajo del joven escritor ha sido amado por la gente del mundo del espectáculo y de la industria de la moda: hizo la portada del álbum de Kanye West, lanzó colaboraciones para Nike, Comme des Garçons y Uniqlo. Con el tiempo, KAWS se ha convertido en una figura reconocida en el mundo del arte contemporáneo. Su estatuilla de Mickey Mouse se ha abierto camino en museos, espacios públicos y colecciones privadas. Una vez, KAWS lanzó un juguete de vinilo de edición limitada con la marca My Plastic Heart, y de repente se convirtieron en objeto de gran interés para los coleccionistas. Uno de los coleccionistas apasionados de estos "juguetes" es el fundador de Black Star, el rapero Timati: coleccionó casi por completo toda la serie de "Cavs Companions".

El trabajo de KAWS estableció un récord para la obra de un artista (14,7 millones de dólares) en la subasta de Sotheby's en Hong Kong el 1 de abril de 2019. Solía ​​estar en la colección del diseñador de moda japonés Nigo. El lienzo del metro The KAWS Album es un homenaje a la portada del famoso álbum de The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de 1967. Solo que en lugar de personas, tiene Kimpsons, personajes estilizados de la serie de dibujos animados de Los Simpson con "X" en lugar de ojos.

18. JIN SHAN novia tayika. 1983. $ 13,89 millones

Entre los artistas chinos relativamente jóvenes y contemporáneos, que pertenecen a la llamada "nueva ola" de finales de la década de 1980 en el arte chino, nuestra calificación inesperadamente incluyó a un representante de una generación completamente diferente y una escuela diferente. Jin Shan (Jin Shangyi), que ahora tiene más de 80 años, pertenece a los brillantes representantes de la primera generación de artistas en la China comunista. Las opiniones de este grupo de artistas se formaron en gran medida bajo la influencia del aliado comunista más cercano: la URSS.

El arte soviético oficial, el realismo socialista, la pintura al óleo, que todavía era inusual en China (a diferencia de la pintura china tradicional con tinta) en la década de 1950, estaban en la cima de la popularidad, y el artista soviético Konstantin vino a la Universidad de Arte de Beijing durante tres años ( de 1954 a 1957) para enseñar a Methodievich Maksimov. Jin Shani, quien en ese momento era el más joven del grupo, entró a su clase. El artista siempre recordó a su maestro con gran calidez, diciendo que fue Maksimov quien le enseñó a comprender y representar correctamente el modelo. K. M. Maksimov trajo toda una galaxia de realistas chinos, ahora clásicos.

En el trabajo de Jin Shan se puede sentir la influencia tanto del "estilo severo" soviético como de la escuela europea de pintura. El artista dedicó mucho tiempo a estudiar la herencia del Renacimiento y el clasicismo, al mismo tiempo que consideraba necesario preservar el espíritu chino en sus obras. La pintura "Novia tayika", pintada en 1983, se considera una obra maestra universalmente reconocida, un nuevo hito en el trabajo de Jin Shan. Fue ella quien se presentó en la subasta de China Guardian en noviembre de 2013 y se vendió varias veces más cara que la estimación, por $ 13,89 millones, incluida la comisión.

19. BANKSY El Parlamento decadente. 2008. $12,14 millones

Las pinturas murales con la etiqueta de Banksy comenzaron a aparecer en las paredes de las ciudades (primero en el Reino Unido y luego en todo el mundo) a fines de la década de 1990. Sus grafitis filosóficos ya la vez punzantes estuvieron dedicados a los problemas del ataque del Estado a las libertades de los ciudadanos, los delitos contra el medio ambiente, el consumo irresponsable y la inhumanidad del sistema migratorio ilegal. Con el tiempo, los "reproches" del muro de Banksy ganaron una popularidad mediática sin precedentes. De hecho, se convirtió en uno de los principales voceros de la opinión pública denunciando la hipocresía de los estados y las corporaciones, produciendo una creciente injusticia en el sistema capitalista.

La trascendencia de Banksy, el sentido del "nervio del tiempo" y la precisión de sus metáforas fueron apreciados no solo por el público, sino también por los coleccionistas. En la década de 2010, se entregaron cientos de miles o incluso más de un millón de dólares por sus obras. Llegó al punto en que los grafitis de Banksy fueron desmantelados y robados junto con pedazos de paredes.

En una era de vigilancia digital avanzada, Banksy aún se las arregla para permanecer en el anonimato. Hay una versión de que ya no es una persona, sino un grupo de varios artistas, encabezados por una mujer talentosa. Eso explicaría mucho. Y la disimilitud exterior de los escritores atrapados en las lentes de las cámaras de los testigos, y el método de aplicación de la plantilla impersonal (da alta velocidad y no requiere la participación directa del autor), y el conmovedor romanticismo de los temas de las pinturas. (pelotas, copos de nieve, etc.). Sea como fuere, la gente del proyecto Banksy, incluidos sus ayudantes, saben callarse la boca.

En 2019, la obra más cara de Banksy se convirtió inesperadamente en un lienzo de cuatro metros de Devolved Parliament (parlamento “degradado”, “decaído” o “delegado”). Los chimpancés que discuten en la Cámara de los Comunes parecen burlarse de la audiencia en el año del escandaloso Brexit. Sorprende que el cuadro haya sido pintado 10 años antes de este punto de inflexión histórico, por lo que alguien lo considera profético. En una subasta de Sotheby's el 3 de octubre de 2019, un comprador desconocido compró el aceite por $12,143,000 en una puja feroz, seis veces el precio de la estimación preliminar.

20. JOHN CURREN "Dulce y sencillo". 1999. $12.007 millones

artista estadounidense John Curran (1962) conocido por sus pinturas figurativas satíricas sobre provocativos temas sexuales y sociales. El trabajo de Curren logra combinar las técnicas pictóricas de los viejos maestros (especialmente Lucas Cranach el Viejo y los manieristas) y la fotografía de moda de las revistas de moda. Al lograr más grotesco, Karren a menudo distorsiona las proporciones del cuerpo humano, agranda o reduce sus partes individuales, representa héroes en poses rotas y amaneradas.

Curren comenzó en 1989 con retratos de niñas redibujados de un álbum escolar; continuó a principios de la década de 1990 con imágenes de bellezas tetonas inspiradas en fotos de Cosmopolitan y Playboy; en 1992 aparecieron retratos de ancianas ricas; y en 1994, Curren se casó con la escultora Rachel Feinstein, quien se convirtió en su principal musa y modelo durante muchos años. A fines de la década de 1990, la destreza técnica de Currin, combinada con el kitsch y lo grotesco de sus pinturas, le dieron popularidad. En 2003, Larry Gagosian se hizo cargo de la promoción del artista, y si un marchante como Gagosian se hace cargo del autor, el éxito está garantizado. En 2004, se llevó a cabo una retrospectiva de John Curran en el Museo Whitney.

Alrededor de este tiempo, su trabajo comenzó a venderse por seis cifras. El récord actual de una pintura de John Curran pertenece a Sweet and Simple, vendido el 15 de noviembre de 2016 en Christie's por 12 millones de dólares. Ahora con más de 50 años, este es definitivamente un gran avance en su carrera. Su anterior récord en 2008 fue de 5,5 millones de dólares (pagados, por cierto, por la misma obra "Linda y sencilla").

21. BRICE MARDEN El asistido. 1996-1999 $10.917 millones

Otro artista abstracto estadounidense vivo en nuestro ranking es Bryce Marden (1938). Las obras de Marden en el estilo del minimalismo, y desde finales de la década de 1980, la pintura gestual, se distinguen por la paleta ligeramente apagada de un autor único. Las combinaciones de colores en las obras de Marden están inspiradas en sus viajes por el mundo: Grecia, India, Tailandia, Sri Lanka. Entre los autores que influyeron en la formación de Marden se encuentran Jackson Pollock (a principios de la década de 1960, Marden trabajó como guardia de seguridad en el Museo Judío, donde observó personalmente los "goteos" de Pollock), Alberto Giacometti (conoció su trabajo en París) y Robert Rauschenberg (algunos mientras Marden trabajaba como su asistente). La primera etapa del trabajo de Marden está dedicada a los lienzos minimalistas clásicos, formados por bloques rectangulares de colores (horizontales o verticales). A diferencia de muchos otros minimalistas, que buscaban la calidad ideal de las obras, como impresas por una máquina y no dibujadas por una persona, Marden retuvo rastros del trabajo del artista, combinando diferentes materiales (cera y pinturas al óleo). Desde mediados de la década de 1980, bajo la influencia de la caligrafía oriental, la abstracción geométrica ha sido reemplazada por líneas en forma de meandro, cuyo fondo eran los mismos campos de color monocromáticos. Una de estas obras de "meandro" -"The Attended"- fue vendida en Sotheby's en noviembre de 2013 por 10.917 millones de dólares, comisión incluida.

22. Pierre Soulages Pintura 186 x 143 cm, 23 de diciembre de 1959. $10,6 millones

23. ZHANG XIAOGANG Amor eterno. $ 10,2 millones

Otro representante del arte contemporáneo chino es un simbolista y surrealista. Zhang Xiaogang (1958). En Sotheby's Hong Kong 3 de abril de 2011, donde se vendía la vanguardia china de la colección del barón belga Guy Ullens, un tríptico de Zhang Xiaogang "Amor eterno" fue vendido por $ 10,2 millones. En ese momento, fue un récord no solo para el artista, sino para todo el arte contemporáneo chino. Se dice que el trabajo de Xiaogang fue comprado por la esposa del multimillonario, Wang Wei, quien está a punto de abrir su propio museo.

Zhang Xiaogang, aficionado al misticismo y la filosofía oriental, escribió la historia del "Amor Eterno" en tres partes: vida, muerte y renacimiento. Este tríptico se presentó en la icónica exposición China/Avant-Garde de 1989 en el Museo Nacional de Arte. También en 1989, las manifestaciones estudiantiles fueron reprimidas brutalmente por el ejército en la plaza de Tiananmen. Después de este trágico evento, los tornillos comenzaron a apretarse: la exposición en el Museo Nacional se dispersó, muchos artistas emigraron. En respuesta al realismo socialista impuesto desde arriba, surgió una dirección de realismo cínico, uno de cuyos principales representantes fue Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN El indefenso Henry Moore. 1967. $ 9,9 millones

Americano Bruce Nauman (1941), el ganador del premio principal de la 48 Bienal de Venecia (1999), lleva mucho tiempo en su palmarés. Nauman comenzó su carrera en los años sesenta. Los conocedores lo llaman, junto a Andy Warhol y Joseph Beuys, una de las figuras más influyentes en el arte de la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, la rica intelectualidad y la absoluta falta de decoración de algunas de sus obras obviamente impidieron su rápido reconocimiento y éxito entre el público en general. Nauman a menudo experimenta con el lenguaje, descubriendo significados inesperados de frases familiares. Las palabras se convierten en los personajes centrales de muchas de sus obras, incluidos los pseudo-letreros y paneles de neón. El mismo Nauman se llama a sí mismo escultor, aunque en los últimos cuarenta años se ha probado en géneros completamente diferentes: escultura, fotografía, videoarte, performances, gráficos. A principios de la década de 1990, Larry Gagosian pronunció las palabras proféticas: "El valor real del trabajo de Naumann aún no se ha realizado". Y así sucedió: 17 de mayo de 2001 en Christie's por Naumann en 1967 "El indefenso Henry Moore (vista trasera)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) estableció un nuevo récord en el segmento del arte de la posguerra. Un molde de las manos de Naumann atadas a la espalda, hecho de yeso y cera, fue rematado por $ 9,9 millones en la colección del magnate francés Francois Pinault (según otras fuentes, la estadounidense Phyllis Wattis). El presupuesto de la obra fue de solo $2-3 millones, por lo que el resultado fue una verdadera sorpresa para todos.

Antes de esta venta legendaria, solo dos de las obras de Naumann habían superado la marca del millón de dólares. Y en toda su carrera en subastas hasta el momento, solo seis obras, además de "Henry Moore...", se han vendido por siete cifras, pero sus resultados aún no se pueden comparar con los nueve millones.

"Helpless Henry Moore" es una de las polémicas series de Naumann sobre la figura de Henry Moore (1898-1986), artista británico considerado entre los más grandes escultores del siglo XX en los años sesenta. Los jóvenes autores, que se encontraban a la sombra de un maestro reconocido, lo atacaron entonces con feroces críticas. La obra de Naumann es una respuesta a esta crítica ya la vez una reflexión sobre el tema de la creatividad. El título de la obra se convierte en un juego de palabras, ya que conecta dos significados de la palabra inglesa atado: atado (en el sentido literal) y condenado a un destino determinado.

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"Jugadores de cartas"

Autor

Paul Cezanne

País Francia
años de vida 1839–1906
Estilo post impresionismo

El artista nació en el sur de Francia en el pequeño pueblo de Aix-en-Provence, pero comenzó a pintar en París. El verdadero éxito le llegó después de una exposición individual organizada por el coleccionista Ambroise Vollard. En 1886, 20 años antes de su partida, se trasladó a las afueras de su ciudad natal. Los jóvenes artistas llamaron a los viajes a él "una peregrinación a Aix".

130x97cm
1895
precio
$ 250 millones
vendido en 2012
en subasta privada

La obra de Cézanne es fácil de entender. La única regla del artista fue la transferencia directa del tema o la trama al lienzo, para que sus pinturas no provoquen desconcierto en el espectador. Cézanne combinó en su arte dos tradiciones francesas principales: el clasicismo y el romanticismo. Con la ayuda de una textura colorida, le dio a la forma de los objetos una plasticidad asombrosa.

Una serie de cinco pinturas "Jugadores de cartas" fue escrita en 1890-1895. Su trama es la misma: varias personas juegan al póquer con entusiasmo. Las obras difieren solo en el número de jugadores y el tamaño del lienzo.

Cuatro cuadros se conservan en museos de Europa y América (el Musée d'Orsay, el Metropolitan Museum of Art, la Fundación Barnes y el Courtauld Institute of Art), y el quinto, hasta hace poco tiempo, era un adorno de la colección privada de la El armador multimillonario griego George Embirikos. Poco antes de su muerte, en el invierno de 2011, decidió ponerlo a la venta. Los compradores potenciales de la obra "gratuita" de Cezanne fueron el marchante de arte William Aquavella y el galerista de fama mundial Larry Gagosian, que ofrecieron alrededor de 220 millones de dólares por ella. Como resultado, la pintura fue a parar a la familia real del estado árabe de Qatar por 250 millones. El acuerdo de arte más grande en la historia de la pintura se cerró en febrero de 2012. Así lo informó a Vanity Fair la periodista Alexandra Pierce. Averiguó el costo de la pintura y el nombre del nuevo propietario, y luego la información penetró en los medios de comunicación de todo el mundo.

En 2010, se inauguró en Qatar el Museo Árabe de Arte Moderno y el Museo Nacional de Qatar. Ahora sus colecciones están creciendo. Quizás la quinta versión de The Card Players fue adquirida por el jeque para este propósito.

lo masfoto caraen el mundo

Dueño
Jeque Hamad
bin Khalifa al Thani

La dinastía al-Thani ha gobernado Qatar durante más de 130 años. Hace aproximadamente medio siglo, se descubrieron aquí enormes reservas de petróleo y gas, lo que instantáneamente convirtió a Qatar en una de las regiones más ricas del mundo. Gracias a la exportación de hidrocarburos, este pequeño país registró el mayor PIB per cápita. El jeque Hamad bin Khalifa al-Thani tomó el poder en 1995, mientras su padre estaba en Suiza, con el apoyo de familiares. El mérito del actual gobernante, según los expertos, está en una estrategia clara para el desarrollo del país, creando una imagen exitosa del estado. Qatar ahora tiene una constitución y un primer ministro, y las mujeres han obtenido el derecho a votar en las elecciones parlamentarias. Por cierto, fue el Emir de Qatar quien fundó el canal de noticias Al Jazeera. Las autoridades del estado árabe prestan gran atención a la cultura.

2

"Número 5"

Autor

jackson pollock

País EE.UU
años de vida 1912–1956
Estilo expresionismo abstracto

Jack the Sprinkler: el público estadounidense le dio ese apodo a Pollock por su técnica de pintura especial. El artista abandonó el pincel y el caballete, y derramó la pintura sobre la superficie del lienzo o tablero de fibra con un movimiento continuo alrededor y dentro de ellos. Desde temprana edad, fue aficionado a la filosofía de Jiddu Krishnamurti, cuyo mensaje principal es que la verdad se revela durante un "desbordamiento" gratuito.

122x244cm
1948
precio
$ 140 millones
vendido en el año 2006
en la subasta Sotheby´s

El valor del trabajo de Pollock no está en el resultado, sino en el proceso. El autor no llamó accidentalmente a su arte "pintura de acción". Con su mano liviana, se convirtió en el principal activo de América. Jackson Pollock mezcló pintura con arena, vidrios rotos y escribió con un trozo de cartón, una espátula, un cuchillo, una pala. El artista fue tan popular que en la década de 1950 hubo incluso imitadores en la URSS. La pintura "Número 5" es reconocida como una de las más extrañas y caras del mundo. Uno de los fundadores de DreamWorks, David Geffen, la compró para una colección privada y en 2006 la vendió en Sotheby`s por 140 millones de dólares al coleccionista mexicano David Martínez. Sin embargo, el bufete de abogados no tardó en emitir un comunicado de prensa en nombre de su cliente afirmando que David Martínez no era el propietario de la pintura. Solo una cosa se sabe con certeza: el financiero mexicano sí ha coleccionado recientemente obras de arte contemporáneo. Es poco probable que se hubiera perdido un "pez gordo" como el "Número 5" de Pollock.

3

"Mujer III"

Autor

willem de kooning

País EE.UU
años de vida 1904–1997
Estilo expresionismo abstracto

Originario de los Países Bajos, emigró a los Estados Unidos en 1926. En 1948 tuvo lugar una exposición personal del artista. Los críticos de arte apreciaron las complejas y nerviosas composiciones en blanco y negro, reconociendo en su autor a un gran artista modernista. Durante la mayor parte de su vida sufrió de alcoholismo, pero la alegría de crear arte nuevo se siente en cada obra. De Kooning se distingue por la impulsividad de la pintura, los trazos gruesos, por lo que a veces la imagen no encaja dentro de los límites del lienzo.

121x171cm
1953
precio
$ 137 millones
vendido en el año 2006
en subasta privada

En la década de 1950, en las pinturas de De Kooning aparecen mujeres con ojos vacíos, senos enormes y facciones feas. "Mujer III" fue la última obra de esta serie que participó en la subasta.

Desde la década de 1970, la pintura se conserva en el Museo de Arte Moderno de Teherán, pero después de la introducción de estrictas normas morales en el país, intentaron deshacerse de ella. En 1994, la obra fue sacada de Irán, y 12 años después, su propietario David Geffen (el mismo productor que vendió "Número 5" de Jackson Pollock) vendió la pintura al millonario Stephen Cohen por 137,5 millones de dólares. Es interesante que en un año Geffen comenzó a vender su colección de pinturas. Esto dio lugar a muchos rumores: por ejemplo, que el productor decidió comprar Los Angeles Times.

En uno de los foros de arte, se expresó una opinión sobre la similitud de "Mujer III" con la pintura de Leonardo da Vinci "La dama del armiño". Detrás de la sonrisa dentuda y la figura sin forma de la heroína, el conocedor de la pintura percibió la gracia de una persona de sangre real. Esto también se evidencia por la corona mal trazada que corona la cabeza de una mujer.

4

"Retrato de AdelaBloch Bauer I"

Autor

gustav klimt

País Austria
años de vida 1862–1918
Estilo moderno

Gustav Klimt nació en la familia de un grabador y fue el segundo de siete hijos. Tres hijos de Ernest Klimt se convirtieron en artistas, y solo Gustav se hizo famoso en todo el mundo. Pasó la mayor parte de su infancia en la pobreza. Después de la muerte de su padre, se hizo cargo de toda la familia. Fue en este momento cuando Klimt desarrolló su estilo. Ante sus pinturas, cualquier espectador se queda helado: bajo los finos trazos de oro, se deja ver claramente el franco erotismo.

138x136cm
1907
precio
$ 135 millones
vendido en el año 2006
en la subasta Sotheby´s

El destino de la pintura, que se llama la "Mona Lisa austriaca", podría convertirse fácilmente en la base de un éxito de ventas. El trabajo del artista se convirtió en la causa del conflicto de todo el estado y una anciana.

Entonces, el "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" representa a una aristócrata, la esposa de Ferdinand Bloch. Su última voluntad fue transferir la pintura a la Galería Estatal de Austria. Sin embargo, Bloch canceló la donación en su testamento y los nazis expropiaron la pintura. Más tarde, la galería apenas compró la Golden Adele, pero luego apareció la heredera: Maria Altman, la sobrina de Ferdinand Bloch.

En 2005, comenzó el juicio de alto perfil "Maria Altman contra la República de Austria", como resultado de lo cual la imagen "se fue" con ella a Los Ángeles. Austria tomó medidas sin precedentes: se negociaron préstamos, la población donó dinero para comprar el retrato. El bien nunca venció al mal: Altman elevó el precio a $300 millones. En el momento del juicio tenía 79 años y pasó a la historia como la persona que cambió el testamento de Bloch-Bauer a favor de intereses personales. La pintura fue comprada por Ronald Lauder, propietario de la New Gallery de Nueva York, donde permanece hasta el día de hoy. No para Austria, para él Altman redujo el precio a $135 millones.

5

"Grito"

Autor

Edvard Munch

País Noruega
años de vida 1863–1944
Estilo expresionismo

El primer cuadro de Munch, que se hizo famoso en todo el mundo, "La niña enferma" (existen cinco ejemplares) está dedicado a la hermana del artista, que murió de tuberculosis a los 15 años. Munch siempre se ha interesado por el tema de la muerte y la soledad. En Alemania, su pintura pesada y maníaca incluso provocó un escándalo. Sin embargo, a pesar de las tramas deprimentes, sus pinturas tienen un magnetismo especial. Toma al menos "Scream".

73,5x91cm
1895
precio
$119.992 millones
vendido en 2012
en la subasta Sotheby´s

El nombre completo del cuadro es Der Schrei der Natur (traducido del alemán como “el grito de la naturaleza”). El rostro de una persona o de un extraterrestre expresa desesperación y pánico: el espectador experimenta las mismas emociones al mirar la imagen. Una de las obras clave del expresionismo advierte los temas que se han agudizado en el arte del siglo XX. Según una versión, el artista lo creó bajo la influencia de un trastorno mental, que sufrió toda su vida.

La pintura fue robada dos veces de diferentes museos, pero fue devuelta. Ligeramente dañado después del robo, The Scream fue restaurado y estaba listo para ser exhibido nuevamente en el Museo Munch en 2008. Para los representantes de la cultura pop, el trabajo se convirtió en una fuente de inspiración: Andy Warhol creó una serie de sus copias impresas, y la máscara de la película "Scream" se hizo a imagen y semejanza del héroe de la imagen.

Para una trama, Munch escribió cuatro versiones de la obra: la de una colección privada está hecha en pastel. El multimillonario noruego Petter Olsen lo puso a subasta el 2 de mayo de 2012. El comprador fue Leon Black, quien no escatimó una cantidad récord por el "Scream". Fundador de Apollo Advisors, L.P. y Lion Advisors, L.P. conocido por su amor por el arte. Black es patrocinador del Dartmouth College, el Museo de Arte Moderno, el Centro de Arte Lincoln y el Museo Metropolitano de Arte. Posee la mayor colección de pinturas de artistas contemporáneos y maestros clásicos de siglos pasados.

6

"Desnudo contra el fondo de un busto y hojas verdes"

Autor

Pablo Picasso

País España, Francia
años de vida 1881–1973
Estilo cubismo

De origen es español, pero en espíritu y lugar de residencia es un verdadero francés. Picasso abrió su propio estudio de arte en Barcelona cuando solo tenía 16 años. Luego se fue a París y pasó la mayor parte de su vida allí. Por eso hay un doble acento en su apellido. El estilo inventado por Picasso se basa en la negación de la opinión de que el objeto representado en el lienzo puede verse desde un solo ángulo.

130x162cm
1932
precio
$106.482 millones
vendido en el año 2010
en la subasta Christie's

Durante su trabajo en Roma, el artista conoció a la bailarina Olga Khokhlova, quien pronto se convirtió en su esposa. Puso fin a la vagancia, se mudó con ella a un lujoso apartamento. En ese momento, el reconocimiento había encontrado un héroe, pero el matrimonio se destruyó. Uno de los cuadros más caros del mundo se creó casi por accidente, por un gran amor que, como siempre con Picasso, duró poco. En 1927 se interesó por la joven Marie-Therese Walter (ella tenía 17 años, él 45). En secreto de su esposa, se fue con su amante a un pueblo cerca de París, donde pintó un retrato que representa a Marie-Therese en la imagen de Daphne. La pintura fue comprada por el comerciante de Nueva York Paul Rosenberg y vendida en 1951 a Sidney F. Brody. Los Brody mostraron la pintura al mundo solo una vez, y solo porque el artista tenía 80 años. Después de la muerte de su esposo, la Sra. Brody puso la obra en subasta en Christie's en marzo de 2010. ¡En seis décadas, el precio ha subido más de 5.000 veces! Un coleccionista desconocido lo compró por 106,5 millones de dólares. En 2011 se realizó en Gran Bretaña una “exposición one-painting”, donde vio la luz por segunda vez, pero aún se desconoce el nombre del propietario.

7

"Ocho Elvises"

Autor

Andy Warhole

País EE.UU
años de vida 1928-1987
Estilo
arte pop

“El sexo y las fiestas son los únicos lugares donde necesitas aparecer en persona”, dijo el artista pop de culto, director y uno de los fundadores de la revista Interview, el diseñador Andy Warhol. Trabajó con Vogue y Harper's Bazaar, diseñó portadas de discos y diseñó zapatos para I.Miller. En la década de 1960, aparecieron pinturas que representaban los símbolos de Estados Unidos: la sopa Campbell y Coca-Cola, Presley y Monroe, lo que lo convirtió en una leyenda.

358x208cm
1963
precio
$ 100 millones
vendido en 2008
en subasta privada

Los años 60 de Warhol: la llamada era del arte pop en Estados Unidos. En 1962 trabaja en Manhattan en el Factory Studio, donde se reunía toda la bohemia de Nueva York. Sus más brillantes representantes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote y otras personalidades célebres del mundo. Al mismo tiempo, Warhol probó la técnica de serigrafía: múltiples repeticiones de una imagen. También utilizó este método al crear "Ocho Elvises": el espectador parece ver fotogramas de una película donde la estrella cobra vida. Todo lo que tanto amaba el artista está aquí: una imagen pública de ganar-ganar, color plata y una premonición de muerte como mensaje principal.

Hay dos comerciantes de arte que promueven el trabajo de Warhol en el mercado mundial hoy: Larry Gagosian y Alberto Mugrabi. El primero en 2008 gastó $200 millones para comprar más de 15 obras de Warhol. El segundo compra y vende sus cuadros como si fueran tarjetas de Navidad, solo que más caros. Pero no fueron ellos, sino el humilde consultor de arte francés Philippe Segalo quien ayudó al conocedor del arte romano Annibale Berlinghieri a vender los Ocho Elvises a un comprador desconocido por un récord de Warhol de 100 millones de dólares.

8

"Naranja,rojo amarillo"

Autor

marca rothko

País EE.UU
años de vida 1903–1970
Estilo expresionismo abstracto

Uno de los creadores de la pintura de campo de color nació en Dvinsk, Rusia (ahora Daugavpils, Letonia), en una familia numerosa de un farmacéutico judío. En 1911 emigraron a los Estados Unidos. Rothko estudió en el departamento de arte de la Universidad de Yale, logró una beca, pero los sentimientos antisemitas lo obligaron a abandonar sus estudios. A pesar de todo, los críticos de arte idolatraron al artista y los museos lo persiguieron toda su vida.

206x236cm
1961
precio
$86.882 millones
vendido en 2012
en la subasta Christie's

Los primeros experimentos artísticos de Rothko fueron de orientación surrealista, pero con el tiempo simplificó la trama a manchas de color, privándolas de toda objetividad. Al principio tenían matices brillantes, y en la década de 1960 se llenaron de marrón, púrpura, espesando a negro en el momento de la muerte del artista. Mark Rothko advirtió contra la búsqueda de algún significado en sus pinturas. El autor quería decir exactamente lo que dijo: sólo el color que se disuelve en el aire, y nada más. Recomendó mirar las obras desde una distancia de 45 cm, para que el espectador sea "arrastrado" hacia el color, como en un embudo. Precaución: ver de acuerdo con todas las reglas puede conducir al efecto de la meditación, es decir, la conciencia del infinito llega gradualmente, la inmersión completa en uno mismo, la relajación, la purificación. El color en sus pinturas vive, respira y tiene un fuerte impacto emocional (a veces se dice que es curativo). El artista dijo: "El espectador debería llorar mirándolos", y realmente hubo tales casos. Según la teoría de Rothko, en este momento la gente vive la misma experiencia espiritual que él tuvo en el proceso de elaboración del cuadro. Si logró comprenderlo en un nivel tan sutil, entonces no se sorprenda de que los críticos a menudo comparen estas obras de abstracción con íconos.

La obra "Orange, Red, Yellow" expresa la esencia de la pintura de Mark Rothko. Su coste inicial en la subasta de Christie's en Nueva York es de 35-45 millones de dólares. Un comprador desconocido ofreció un precio el doble del estimado. El nombre del feliz dueño de la pintura, como suele ser el caso, no fue revelado.

9

"Tríptico"

Autor

Francis Bacon

País
Gran Bretaña
años de vida 1909–1992
Estilo expresionismo

Las aventuras de Francis Bacon, homónimo de pleno derecho y, además, descendiente lejano del gran filósofo, comenzaron cuando su padre lo repudió, incapaz de aceptar las inclinaciones homosexuales de su hijo. Bacon fue primero a Berlín, luego a París, y luego sus huellas se confunden por toda Europa. Incluso durante su vida, sus obras se exhibieron en los principales centros culturales del mundo, incluido el Museo Guggenheim y la Galería Tretyakov.

147,5x198 cm (cada uno)
1976
precio
$ 86,2 millones
vendido en 2008
en la subasta Sotheby´s

Prestigiosos museos se esforzaron por poseer pinturas de Bacon, pero el remilgado público inglés no tenía prisa por desembolsar ese arte. La legendaria primera ministra británica Margaret Thatcher dijo de él: "El hombre que pinta estos cuadros horribles".

El período inicial en su trabajo, el propio artista consideró el período de posguerra. Al regresar del servicio, volvió a pintar y creó las principales obras maestras. Antes de la participación de "Tríptico, 1976" en la subasta, la obra más cara de Bacon fue "Estudio para un retrato del Papa Inocencio X" (52,7 millones de dólares). En el "Tríptico, 1976" el artista retrató la trama mítica de la persecución de Orestes por las furias. Por supuesto, Orestes es el mismo Bacon, y las furias son sus tormentos. Durante más de 30 años, la pintura estuvo en una colección privada y no participó en exposiciones. Este hecho le otorga un valor especial y, en consecuencia, aumenta el coste. Pero, ¿qué son unos pocos millones para un conocedor del arte, e incluso generoso en ruso? Roman Abramovich comenzó a crear su colección en la década de 1990, en esto fue significativamente influenciado por su novia Dasha Zhukova, quien se ha convertido en una galerista de moda en la Rusia moderna. Según datos extraoficiales, el empresario posee obras de Alberto Giacometti y Pablo Picasso, compradas por montos que superan los 100 millones de dólares. En 2008, se convirtió en propietario del Tríptico. Por cierto, en 2011, se adquirió otra valiosa obra de Bacon: "Tres bocetos para un retrato de Lucian Freud". Fuentes ocultas dicen que Roman Arkadievich se convirtió nuevamente en el comprador.

10

"Estanque con nenúfares"

Autor

Claude Monet

País Francia
años de vida 1840–1926
Estilo impresionismo

El artista es reconocido como el fundador del impresionismo, quien "patentó" este método en sus lienzos. El primer trabajo significativo fue la pintura "Desayuno en la hierba" (la versión original de la obra de Edouard Manet). En su juventud dibujó caricaturas y se dedicó a la pintura real durante sus viajes por la costa y al aire libre. En París, llevó un estilo de vida bohemio y no lo abandonó incluso después de servir en el ejército.

210x100cm
1919
precio
$ 80,5 millones
vendido en 2008
en la subasta Christie's

Además del hecho de que Monet era un gran artista, también se dedicaba con entusiasmo a la jardinería, adoraba la vida silvestre y las flores. En sus paisajes, el estado de naturaleza es momentáneo, los objetos parecen desdibujarse por el movimiento del aire. La impresión se ve reforzada por grandes trazos, desde cierta distancia se vuelven invisibles y se fusionan en una imagen tridimensional con textura. En la pintura del último Monet, el tema del agua y la vida en ella ocupan un lugar especial. En la ciudad de Giverny, el artista tenía su propio estanque, donde cultivaba nenúfares a partir de semillas traídas especialmente por él desde Japón. Cuando sus flores florecieron, comenzó a pintar. La serie Nenúfares consta de 60 obras que el artista pintó a lo largo de casi 30 años, hasta su muerte. Su visión se deterioró con la edad, pero no se detuvo. Dependiendo del viento, la estación y el clima, la vista del estanque cambiaba constantemente y Monet quería capturar estos cambios. A través de un trabajo cuidadoso, llegó a él una comprensión de la esencia de la naturaleza. Algunas de las pinturas de la serie se conservan en las principales galerías del mundo: Museo Nacional de Arte Occidental (Tokio), Orangerie (París). La versión del próximo "Estanque con nenúfares" pasó a manos de un comprador desconocido por una cantidad récord.

11

Estrella falsa t

Autor

jaspe johns

País EE.UU
Año de nacimiento 1930
Estilo arte pop

En 1949, Jones ingresó a la escuela de diseño de Nueva York. Junto con Jackson Pollock, Willem de Kooning y otros, es reconocido como uno de los principales artistas del siglo XX. En 2012, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad, el premio civil más alto de los Estados Unidos.

137,2x170,8cm
1959
precio
$ 80 millones
vendido en el año 2006
en subasta privada

Al igual que Marcel Duchamp, Jones trabajó con objetos reales, representándolos en lienzos y esculturas de acuerdo con el original. Para sus obras utilizó objetos sencillos y comprensibles para todos: una botella de cerveza, una bandera o mapas. No hay una composición clara en la imagen de False Start. El artista parece estar jugando con el espectador, a menudo firmando “incorrectamente” los colores en la imagen, invirtiendo el concepto mismo de color: “Quería encontrar una manera de representar el color para que pudiera ser determinado por algún otro. método." Su pintura más explosiva e "insegura", según los críticos, fue adquirida por un comprador desconocido.

12

"Sentadodesnudoen el sofá"

Autor

Amadeo Modigliani

País Italia, Francia
años de vida 1884–1920
Estilo expresionismo

Modigliani estuvo enfermo a menudo desde la infancia, durante un delirio febril, reconoció su destino como artista. Estudió dibujo en Livorno, Florencia, Venecia y en 1906 se fue a París, donde floreció su arte.

65x100cm
1917
precio
$68.962 millones
vendido en el año 2010
en la subasta Sotheby´s

En 1917, Modigliani conoció a Jeanne Hebuterne, de 19 años, quien se convirtió en su modelo y más tarde en su esposa. En 2004, uno de sus retratos se vendió por 31,3 millones de dólares, el último récord antes de la venta de Seated Nude on a Sofa en 2010. La pintura fue comprada por un comprador desconocido por el precio máximo para Modigliani en este momento. Las ventas activas de obras comenzaron solo después de la muerte del artista. Murió en la pobreza, aquejado de tuberculosis, y al día siguiente, Jeanne Hebuterne, que estaba embarazada de nueve meses, también se suicidó.

13

"Águila en un pino"

Autor

Qi Baishi

País Porcelana
años de vida 1864–1957
Estilo guohua

El interés por la caligrafía llevó a Qi Baishi a pintar. A la edad de 28 años, se convirtió en alumno del artista Hu Qingyuan. El Ministerio de Cultura de China le otorgó el título de "Gran Artista del Pueblo Chino", en 1956 recibió el Premio Internacional de la Paz.

10x26cm
1946
precio
$ 65,4 millones
vendido en 2011
en la subasta Guardián de China

Qi Baishi estaba interesado en aquellas manifestaciones del mundo circundante, a las que muchos no le dan importancia, y esta es su grandeza. Un hombre sin educación se convirtió en profesor y en un destacado creador de la historia. Pablo Picasso dijo sobre él: "Tengo miedo de ir a tu país, porque hay Qi Baishi en China". La composición "Eagle on a Pine Tree" es reconocida como la obra más grande del artista. Además del lienzo, incluye dos rollos jeroglíficos. Para China, la cantidad por la que se compró el producto es un récord: 425,5 millones de yuanes. Solo el pergamino del antiguo calígrafo Huang Tingjian se vendió por 436,8 millones de dólares.

14

"1949-A-#1"

Autor

Clifford todavía

País EE.UU
años de vida 1904–1980
Estilo expresionismo abstracto

A los 20 años visitó el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y quedó decepcionado. Más tarde, se inscribió en un curso de la liga de artes para estudiantes, pero se fue 45 minutos después del comienzo de la clase; resultó que "no era suyo". La primera exposición personal causó una resonancia, el artista se encontró a sí mismo, y con ello el reconocimiento

79x93cm
1949
precio
$ 61,7 millones
vendido en 2011
en la subasta Sotheby´s

Todas sus obras, que son más de 800 lienzos y 1600 obras sobre papel, todavía legó a la ciudad estadounidense, donde se abrirá un museo que lleva su nombre. Denver se convirtió en una de esas ciudades, pero solo la construcción resultó costosa para las autoridades, y se subastaron cuatro obras para completarla. Es poco probable que las obras de Still vuelvan a ser subastadas, lo que elevó su precio por adelantado. La pintura "1949-A-No.1" se vendió por una cantidad récord para el artista, aunque los expertos predijeron la venta de un máximo de 25 a 35 millones de dólares.

15

"Composición suprematista"

Autor

Kazimir Malévich

País Rusia
años de vida 1878–1935
Estilo Suprematismo

Malevich estudió pintura en la Escuela de Arte de Kyiv, luego en la Academia de Artes de Moscú. En 1913, comenzó a pintar cuadros geométricos abstractos en un estilo que denominó suprematismo (del latín “dominancia”).

71x88,5cm
1916
precio
$ 60 millones
vendido en 2008
en la subasta Sotheby´s

La pintura se mantuvo en el museo de la ciudad de Ámsterdam durante unos 50 años, pero después de una disputa de 17 años con los familiares de Malevich, el museo la regaló. El artista pintó esta obra el mismo año que El manifiesto del suprematismo, por lo que Sotheby`s incluso antes de la subasta anunció que no iría a una colección privada por menos de 60 millones de dólares. Y así sucedió. Es mejor mirarlo desde arriba: las figuras en el lienzo se asemejan a una vista aérea de la tierra. Por cierto, unos años antes, los mismos familiares expropiaron otra "composición suprematista" del Museo MoMA para venderla en Phillips por 17 millones de dólares.

16

"bañistas"

Autor

Paul Gauguin

País Francia
años de vida 1848–1903
Estilo post impresionismo

Hasta los siete años, el artista vivió en Perú, luego regresó a Francia con su familia, pero los recuerdos de la infancia lo empujaban constantemente a viajar. En Francia, comenzó a pintar, era amigo de Van Gogh. Incluso pasó varios meses con él en Arles, hasta que Van Gogh le cortó la oreja durante una pelea.

93,4x60,4cm
1902
precio
$ 55 millones
vendido en 2005
en la subasta Sotheby´s

En 1891, Gauguin arregló una venta de sus pinturas para utilizar las ganancias para adentrarse en la isla de Tahití. Allí creó obras en las que se puede sentir la sutil conexión entre la naturaleza y el hombre. Gauguin vivía en una choza con techo de paja y un paraíso tropical florecía en sus lienzos. Su esposa era una tahitiana Tehura de 13 años, lo que no impidió que el artista se dedicara a la promiscuidad. Habiendo contraído sífilis, se fue a Francia. Sin embargo, Gauguin estaba apretado allí y regresó a Tahití. Este período se llama el "segundo tahitiano"; fue entonces cuando se pintó la pintura "Bañistas", una de las más lujosas de su obra.

17

"Narcisos y un mantel en azul y rosa"

Autor

henri matisse

País Francia
años de vida 1869–1954
Estilo fauvismo

En 1889, Henri Matisse tuvo un ataque de apendicitis. Cuando se recuperó de la operación, su madre le compró pinturas. Primero, por aburrimiento, Matisse copió postales de colores, luego, las obras de grandes pintores que vio en el Louvre, y a principios del siglo XX se le ocurrió un estilo: el fauvismo.

65,2x81cm
1911
precio
$ 46,4 millones
vendido en 2009
en la subasta Christie's

El cuadro "Narcisos y un mantel en azul y rosa" perteneció a Yves Saint Laurent durante mucho tiempo. Tras la muerte del modisto, toda su colección de arte pasó a manos de su amigo y amante Pierre Berger, quien decidió ponerla a subasta en Christie's. La perla de la colección vendida fue el cuadro "Narcisos y un mantel en azul y rosa", pintado sobre un mantel ordinario en lugar de lienzo. Como ejemplo del fauvismo, está lleno de la energía del color, los colores parecen explotar y gritar. De la conocida serie de cuadros de mantel, hoy esta obra es la única que se encuentra en una colección privada.

18

"Chica durmiente"

Autor

RoySotavento

chtenstein

País EE.UU
años de vida 1923–1997
Estilo arte pop

El artista nació en Nueva York y, después de graduarse de la escuela, se fue a Ohio, donde asistió a cursos de arte. En 1949, Liechtenstein recibió su Maestría en Bellas Artes. El interés por los cómics y la capacidad para la ironía le convirtieron en un artista de culto del siglo pasado.

91x91cm
1964
precio
$44.882 millones
vendido en 2012
en la subasta Sotheby´s

Una vez, el chicle cayó en manos de Liechtenstein. Volvió a dibujar la imagen del inserto en el lienzo y se hizo famoso. Esta trama de su biografía contiene todo el mensaje del arte pop: el consumo es el nuevo dios, y no hay menos belleza en un envoltorio de chicle que en Mona Lisa. Sus pinturas recuerdan a los cómics y los dibujos animados: Lichtenstein simplemente amplió la imagen terminada, dibujó tramas, usó serigrafía y serigrafía. El cuadro "Niña dormida" perteneció a los coleccionistas Beatrice y Philip Gersh durante casi 50 años, cuyos herederos lo vendieron en una subasta.

19

"Victoria. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

País Países Bajos
años de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo

Su nombre real, Cornelis, el artista cambió a Mondrian cuando se mudó a París en 1912. Junto con el artista Theo van Doesburg, fundó el movimiento neoplástico. El lenguaje de programación Piet lleva el nombre de Mondrian.

27x127cm
1944
precio
$ 40 millones
vendido en 1998
en la subasta Sotheby´s

El más "musical" de los artistas del siglo XX se ganaba la vida con bodegones de acuarela, aunque se hizo famoso como artista neoplástico. Se mudó a los Estados Unidos en la década de 1940 y pasó el resto de su vida allí. Jazz y Nueva York: ¡eso es lo que más lo inspiró! Cuadro "Victoria. Boogie Woogie es el mejor ejemplo de esto. Los cuadrados limpios "de marca" se obtuvieron mediante el uso de cinta adhesiva, el material favorito de Mondrian. En Estados Unidos, fue llamado "el inmigrante más famoso". En los años sesenta, Yves Saint Laurent produjo los mundialmente famosos vestidos "Mondrian" con un gran estampado de cuadros de colores.

20

"Composición No. 5"

Autor

AlbahacaKandinsky

País Rusia
años de vida 1866–1944
Estilo vanguardia

El artista nació en Moscú y su padre era de Siberia. Después de la revolución, trató de cooperar con las autoridades soviéticas, pero pronto se dio cuenta de que las leyes del proletariado no fueron creadas para él y emigró a Alemania no sin dificultades.

275x190cm
1911
precio
$ 40 millones
vendido en 2007
en la subasta Sotheby´s

Kandinsky fue uno de los primeros en abandonar por completo la pintura de objetos, por lo que recibió el título de genio. Durante el nazismo en Alemania, sus pinturas fueron clasificadas como "arte degenerado" y no se exhibieron en ninguna parte. En 1939, Kandinsky tomó la ciudadanía francesa, en París participó libremente en el proceso artístico. Sus cuadros “suenan” a fugas, por lo que a muchos se les llama “composiciones” (la primera fue escrita en 1910, la última en 1939). “Composición No. 5” es una de las obras clave en este género: “La palabra “composición” me sonaba como una oración”, dijo el artista. A diferencia de muchos seguidores, planeó lo que representaría en un lienzo enorme, como si estuviera escribiendo notas.

21

"Estudio de una mujer de azul"

Autor

fernand leger

País Francia
años de vida 1881–1955
Estilo cubismo-post-impresionismo

Leger recibió una educación arquitectónica y luego fue estudiante en la Escuela de Bellas Artes de París. El artista se consideraba seguidor de Cézanne, era un apologista del cubismo y en el siglo XX también tuvo éxito como escultor.

96,5x129,5cm
1912-1913
precio
$ 39,2 millones
vendido en 2008
en la subasta Sotheby´s

David Normann, presidente de Impresionismo y Modernismo Internacional de Sotheby's, cree que la enorme suma pagada por La dama azul está totalmente justificada. La pintura pertenece a la famosa colección Leger (el artista pintó tres pinturas en una parcela, la última de ellas está hoy en manos privadas. - Ed.), y la superficie del lienzo se ha conservado en su forma original. El propio autor cedió esta obra a la galería Der Sturm, luego acabó en la colección de Hermann Lang, un coleccionista alemán del modernismo, y ahora pertenece a un comprador desconocido.

22

"Escena callejera. Berlina"

Autor

Ernesto LuisKirchner

País Alemania
años de vida 1880–1938
Estilo expresionismo

Para el expresionismo alemán, Kirchner se convirtió en un referente. Sin embargo, las autoridades locales lo acusaron de adherirse al "arte degenerado", lo que afectó trágicamente el destino de sus pinturas y la vida del artista, quien se suicidó en 1938.

95x121cm
1913
precio
$38.096 millones
vendido en el año 2006
en la subasta Christie's

Después de mudarse a Berlín, Kirchner creó 11 bocetos de escenas callejeras. Se inspiró en el bullicio y el nerviosismo de la gran ciudad. En la pintura, vendida en 2006 en Nueva York, la ansiedad del artista es especialmente aguda: las personas en una calle de Berlín parecen pájaros, elegantes y peligrosos. Fue la última obra de la famosa serie, vendida en subasta, el resto se conservan en museos. En 1937, los nazis trataron brutalmente a Kirchner: 639 de sus obras fueron incautadas de galerías alemanas, destruidas o vendidas en el extranjero. El artista no pudo sobrevivir a esto.

23

"Descansandobailarín"

Autor

Edgar Degas

País Francia
años de vida 1834–1917
Estilo impresionismo

La historia de Degas como artista comenzó con el hecho de que trabajó como copista en el Louvre. Soñaba con convertirse en "famoso y desconocido", y al final lo logró. Al final de su vida, sordo y ciego, Degas, de 80 años, siguió asistiendo a exposiciones y subastas.

64x59cm
1879
precio
$37.043 millones
vendido en 2008
en la subasta Sotheby´s

“Las bailarinas siempre han sido para mí solo una excusa para representar telas y capturar el movimiento”, dijo Degas. Las escenas de la vida de las bailarinas parecen asomarse: las muchachas no posan para el artista, sino que simplemente pasan a formar parte del ambiente captado por la mirada de Degas. Resting Dancer se vendió por 28 millones de dólares en 1999, y menos de 10 años después se compró por 37 millones de dólares; hoy es la obra más cara del artista jamás subastada. Degas prestó mucha atención a los marcos, los diseñó él mismo y prohibió cambiarlos. Me pregunto qué marco está instalado en la pintura vendida.

24

"Cuadro"

Autor

Juan Miró

País España
años de vida 1893–1983
Estilo arte abstracto

Durante la Guerra Civil Española, el artista estuvo del lado de los republicanos. En 1937 huyó del poder fascista a París, donde vivió en la pobreza con su familia. Durante este período, Miro pinta el cuadro "¡Ayuda a España!", Llamando la atención de todo el mundo sobre el dominio del fascismo.

89x115cm
1927
precio
$36.824 millones
vendido en 2012
en la subasta Sotheby´s

El segundo nombre de la pintura es "Blue Star". El artista lo escribió en el mismo año cuando anunció: “Quiero matar la pintura” y se burló sin piedad de los lienzos, arañando la pintura con las uñas, pegando plumas al lienzo, cubriendo la obra con basura. Su objetivo era desacreditar los mitos sobre el misterio de la pintura, pero, habiendo superado esto, Miro creó su propio mito: una abstracción surrealista. Su "Pintura" hace referencia al ciclo de "cuadros-sueños". Cuatro compradores lucharon por ella en la subasta, pero una llamada telefónica de incógnito resolvió la disputa y "Pintura" se convirtió en la pintura más cara del artista.

25

"Rosa azul"

Autor

yves klein

País Francia
años de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática

El artista nació en una familia de pintores, pero estudió lenguas orientales, navegación, el oficio de dorador de marcos, budismo zen y mucho más. Su personalidad y sus travesuras descaradas eran muchas veces más interesantes que las pinturas monocromáticas.

153x199x16cm
1960
precio
$36.779 millones
vendido en 2012
en la subasta de Christie

La primera exposición de obras sólidas de color amarillo, naranja y rosa no despertó el interés del público. Klein se ofendió y la próxima vez presentó 11 lienzos idénticos, pintados con ultramar mezclado con una resina sintética especial. Incluso patentó este método. El color pasó a la historia como el "Azul Klein Internacional". El artista también vendió el vacío, creó pinturas exponiendo papel a la lluvia, prendiendo fuego a cartón, haciendo impresiones de un cuerpo humano sobre lienzo. En una palabra, experimenté lo mejor que pude. Para crear la "Rosa Azul" utilicé pigmentos secos, resinas, guijarros y una esponja natural.

26

"Buscando a Moisés"

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

País Gran Bretaña
años de vida 1836–1912
Estilo neoclasicismo

El propio Sir Lawrence añadió el prefijo "alma" a su apellido para aparecer primero en los catálogos de arte. En la Inglaterra victoriana, sus pinturas tenían tanta demanda que el artista recibió el título de caballero.

213,4x136,7cm
1902
precio
$35.922 millones
vendido en 2011
en la subasta Sotheby´s

El tema principal de la obra de Alma-Tadema fue la antigüedad. En las pinturas, trató de representar la era del Imperio Romano en el más mínimo detalle, para esto incluso se dedicó a excavaciones arqueológicas en la península de los Apeninos, y en su casa de Londres reprodujo el interior histórico de esos años. Las historias mitológicas se convirtieron en otra fuente de inspiración para él. El artista tuvo una gran demanda durante su vida, pero después de su muerte fue rápidamente olvidado. Ahora el interés está resurgiendo, como lo demuestra el costo del cuadro "En busca de Moisés", siete veces superior al estimado de preventa.

27

"Retrato de un oficial dormido desnudo"

Autor

Luciano freud

País Alemania,
Gran Bretaña
años de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa

El artista es nieto de Sigmund Freud, el padre del psicoanálisis. Después del establecimiento del fascismo en Alemania, su familia emigró al Reino Unido. Las obras de Freud se encuentran en la Wallace Collection de Londres, donde ningún artista contemporáneo ha expuesto anteriormente.

219,1x151,4cm
1995
precio
$ 33,6 millones
vendido en 2008
en la subasta Christie's

Mientras que los artistas de moda del siglo XX crearon "manchas de color en la pared" positivas y las vendieron por millones, Freud pintó pinturas extremadamente naturalistas y las vendió por aún más. “Capturo los gritos del alma y el sufrimiento de la carne marchita”, dijo. Los críticos creen que todo esto es el "legado" de Sigmund Freud. Las pinturas se exhibieron tan activamente y se vendieron con tanto éxito que los expertos tuvieron una duda: ¿tienen propiedades hipnóticas? Vendido en una subasta, "Retrato de un oficial dormido desnudo", según el Sun, fue adquirido por el conocedor de belleza y multimillonario Roman Abramovich.

28

"Violín y guitarra"

Autor

Xuno gris

País España
años de vida 1887–1927
Estilo cubismo

Nacido en Madrid, donde se licenció en la Escuela de Artes y Oficios. En 1906 se trasladó a París y entró en el círculo de los artistas más influyentes de la época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, también trabajó con Sergei Diaghilev y su compañía.

5x100cm
1913
precio
$28.642 millones
vendido en el año 2010
en la subasta Christie's

Gris, en sus propias palabras, se dedicaba a la "arquitectura plana y coloreada". Sus pinturas están pensadas con precisión: no dejó un solo trazo accidental, lo que hace que la creatividad esté relacionada con la geometría. El artista creó su propia versión del cubismo, aunque tenía un gran respeto por Pablo Picasso, el padre fundador del movimiento. El sucesor incluso le dedicó su primera obra cubista, Homenaje a Picasso. La pintura "Violín y guitarra" es reconocida como destacada en la obra del artista. Durante su vida, Gris fue conocido, favorecido por críticos e historiadores del arte. Sus obras se exhiben en los museos más importantes del mundo y se conservan en colecciones privadas.

29

"RetratoCampos de Eluard»

Autor

Salvador Dalí

País España
años de vida 1904–1989
Estilo surrealismo

“El surrealismo soy yo”, dijo Dalí cuando fue expulsado del grupo surrealista. Con el tiempo, se convirtió en el artista surrealista más famoso. El trabajo de Dalí está en todas partes, no solo en las galerías. Por ejemplo, fue él quien ideó el empaque de Chupa-Chups.

25x33cm
1929
precio
$ 20,6 millones
vendido en 2011
en la subasta Sotheby´s

En 1929, el poeta Paul Eluard y su esposa rusa Gala vinieron a visitar al gran provocador y alborotador Dalí. El encuentro fue el comienzo de una historia de amor que duró más de medio siglo. El cuadro "Retrato de Paul Eluard" fue pintado precisamente durante esta histórica visita. “Sentí que se me encomendaba el deber de plasmar el rostro del poeta, de cuyo Olimpo robé una de las musas”, dijo el artista. Antes de conocer a Gala, era virgen y le disgustaba la idea de tener sexo con una mujer. El triángulo amoroso existió hasta la muerte de Eluard, tras lo cual se convirtió en el dúo Dalí-Gala.

30

"Aniversario"

Autor

marc chagall

País Rusia, Francia
años de vida 1887–1985
Estilo vanguardia

Moishe Segal nació en Vitebsk, pero en 1910 emigró a París, cambió su nombre y se acercó a los principales artistas de vanguardia de la época. En la década de 1930, cuando los nazis tomaron el poder, partió hacia los Estados Unidos con la ayuda de un cónsul estadounidense. Regresó a Francia recién en 1948.

80x103cm
1923
precio
$ 14,85 millones
vendido en 1990
en la subasta de Sotheby's

La pintura "Jubileo" es reconocida como una de las mejores obras del artista. Tiene todas las características de su obra: las leyes físicas del mundo se borran, el sentimiento de un cuento de hadas se conserva en el escenario de la vida pequeñoburguesa y el amor está en el centro de la trama. Chagall no dibujó personas de la naturaleza, sino solo de memoria o fantasear. La pintura "Jubileo" representa al propio artista con su esposa Bela. La pintura se vendió en 1990 y no ha sido objeto de licitación desde entonces. Curiosamente, el MoMA del Museo de Arte Moderno de Nueva York mantiene exactamente el mismo, solo que bajo el nombre de "Cumpleaños". Por cierto, fue escrito antes, en 1915.

borrador preparado
Tatiana Palasova
calificación compilada
según la lista www.art-spb.ru
revista tmn №13 (Mayo-Junio ​​2013)

) en sus expresivas obras de barrido supo conservar la transparencia de la niebla, la ligereza de la vela, el suave vaivén del barco sobre las olas.

Sus pinturas sorprenden por su profundidad, volumen, saturación y la textura es tal que es imposible quitarles la vista de encima.

Cálida simplicidad Valentina Gubareva

Artista primitivo de Minsk Valentín Gubarev no persiguiendo la fama y simplemente haciendo lo que ama. Su trabajo es increíblemente popular en el extranjero, pero casi desconocido para sus compatriotas. A mediados de los 90, el francés se enamoró de sus bocetos cotidianos y firmó un contrato con el artista por 16 años. Las pinturas, que, al parecer, deberían ser comprensibles solo para nosotros, los portadores del "modesto encanto del socialismo subdesarrollado", fueron del agrado del público europeo y comenzaron exposiciones en Suiza, Alemania, Gran Bretaña y otros países.

Realismo sensual de Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov tiene 41 años. Vive en San Petersburgo y crea en las mejores tradiciones de la escuela clásica rusa de retratos realistas. Las heroínas de sus cuadros se muestran tiernas e indefensas en sus mujeres semidesnudas. Muchas de las pinturas más famosas representan a la musa y esposa del artista, Natalia.

El mundo miope de Philip Barlow

En la era moderna de las imágenes de alta resolución y el auge del hiperrealismo, el trabajo de Philip Barlow llama inmediatamente la atención. Sin embargo, se requiere un cierto esfuerzo por parte del espectador para obligarse a mirar siluetas borrosas y puntos brillantes en los lienzos del autor. Probablemente, así es como las personas que sufren de miopía ven el mundo sin anteojos ni lentes de contacto.

Conejitos soleados de Laurent Parcelier

La pintura de Laurent Parcelier es un mundo asombroso en el que no hay tristeza ni abatimiento. No encontrarás imágenes sombrías y lluviosas en él. Hay mucha luz, aire y colores vivos en sus lienzos, que el artista aplica con característicos trazos reconocibles. Esto crea la sensación de que las pinturas están tejidas con miles de rayos de sol.

Dinámicas urbanas en las obras de Jeremy Mann

El óleo sobre paneles de madera del artista estadounidense Jeremy Mann pinta retratos dinámicos de una metrópolis moderna. “Formas abstractas, líneas, contraste de puntos claros y oscuros: todo crea una imagen que evoca el sentimiento que una persona experimenta en la multitud y el bullicio de la ciudad, pero también puede expresar la calma que proviene de contemplar la belleza tranquila”, dice el artista.

El mundo ilusorio de Neil Simon

En las pinturas del artista británico Neil Simone (Neil Simone) no todo es lo que parece a primera vista. “Para mí, el mundo que me rodea es una serie de formas, sombras y límites frágiles y en constante cambio”, dice Simon. Y en sus pinturas todo es realmente ilusorio e interconectado. Las fronteras se borran y las historias fluyen entre sí.

El drama amoroso de Joseph Lorasso

El artista estadounidense contemporáneo nacido en Italia, Joseph Lorusso, transfiere a lienzo escenas que vio en la vida cotidiana de la gente común. Abrazos y besos, impulsos apasionados, momentos de ternura y deseo llenan sus emotivos cuadros.

La vida del pueblo de Dmitry Levin

Dmitry Levin es un maestro reconocido del paisaje ruso, que se ha establecido como un representante talentoso de la escuela realista rusa. La fuente más importante de su arte es su apego a la naturaleza, a la que ama con ternura y pasión y de la que se siente parte.

Este brillante Valery Blokhin

El arte de la pintura moderna son obras creadas en la actualidad o en un pasado reciente. Pasará un cierto número de años y estas pinturas pasarán a formar parte de la historia. Las pinturas creadas en el período que va desde los años 60 del siglo pasado hasta la actualidad reflejan varias áreas del arte contemporáneo que se pueden catalogar como posmodernismo. En la época del Art Nouveau, el trabajo de los pintores estaba más representado, y en la década de los 70 del siglo XX se produjo un cambio en la orientación social del arte de la pintura.

arte actual

Los artistas de la pintura moderna representan, ante todo, las nuevas tendencias en las bellas artes. En la terminología cultural, existe el concepto de "arte contemporáneo", que está algo relacionado con el concepto de "pintura contemporánea". Por arte contemporáneo, los artistas suelen referirse a la innovación, cuando el pintor recurre a temas ultramodernos, independientemente de su orientación. La imagen se puede pintar y representar cualquier empresa industrial. O en el lienzo hay un paisaje con un campo de trigo, un prado, un bosque, pero al mismo tiempo, seguramente se dibujará una cosechadora en la distancia. El estilo de la pintura moderna implica una orientación social de la imagen. Al mismo tiempo, los paisajes de artistas contemporáneos sin tintes sociales se valoran mucho más.

Elección de la dirección

Desde finales de la década de 1990, los artistas contemporáneos han ido abandonando los temas de producción y transfiriendo su trabajo a la corriente principal de las bellas artes puras. Hay maestros del retrato fino, escenas de paisajes, naturalezas muertas al estilo del dibujo flamenco. Y gradualmente, en la pintura moderna, comenzó a aparecer el arte genuino, de ninguna manera inferior a las pinturas creadas por artistas destacados de los siglos XVIII y XIX, y en algunos aspectos incluso superior a ellos. Los maestros del pincel de hoy cuentan con una base técnica desarrollada, una gran cantidad de nuevas herramientas que les permiten reflejar completamente sus planes en el lienzo. Así, los artistas de la pintura contemporánea pueden crear lo mejor que pueden. Por supuesto, la calidad de las pinturas o pinceles es importante en el proceso de pintura, pero aún así lo principal es el talento.

expresionismo abstracto

Los artistas modernos se adhieren a los métodos de pintura que permiten el uso de trazos no geométricos aplicados en grandes cantidades en un lienzo grande. Se utilizan pinceles grandes, a veces pinceles. Tal pintura difícilmente puede llamarse arte en el sentido clásico de la palabra, sin embargo, la abstracción es una continuación del surrealismo, que apareció en 1920 gracias a las ideas de Andre Breton e inmediatamente encontró muchos seguidores, como Salvator Dali, Hans Hofmann, Adolf Gottlieb. Al mismo tiempo, los artistas contemporáneos entienden el expresionismo a su manera. Hoy, este género se diferencia de su predecesor en el tamaño de las pinturas, que pueden alcanzar los tres metros de largo.

Arte pop

El contrapeso al abstraccionismo fue la nueva vanguardia conceptual, que promueve valores estéticos. Los artistas modernos han comenzado a incluir imágenes de personalidades famosas como Mao Zedong o Marilyn Monroe en sus pinturas. Este arte se llamó "arte pop", una tendencia popular y generalmente reconocida en la pintura. La cultura de masas reemplazó al abstraccionismo y dio lugar a una estética especial, que de manera colorida y espectacular presentaba al público lo que estaba en boca de todos, algunos hechos recientes o imágenes de personajes conocidos en diferentes situaciones de la vida.

Los fundadores y seguidores del arte pop fueron Andy Warhol, Tom Wesselman, Peter Blake, Roy Lichtenstein.

Fotorrealismo

El arte moderno es multifacético, a menudo aparece una nueva dirección, combinando dos o más tipos de bellas artes. El fotorrealismo se convirtió en una forma de autoexpresión del artista. Esta dirección en la pintura apareció en los Estados Unidos en 1968. Fue inventado por el artista de vanguardia Louis Meisel, y el género se presentó dos años después en el Museo Whitney durante la exposición Veintidós realistas.

La pintura al estilo del fotorrealismo está asociada con la fotografía, el movimiento del objeto parece estar congelado en el tiempo. El artista fotorrealista recoge su imagen, que será capturada en la imagen, con la ayuda de fotografías. A partir de un negativo o una diapositiva, la imagen se transfiere al lienzo por proyección o utilizando una cuadrícula de escala. Luego se crea una imagen completa utilizando tecnologías de pintura.

El apogeo del fotorrealismo llegó a mediados de los 70, luego hubo una disminución de la popularidad y, a principios de los 90, el género revivió nuevamente. Los venerables artistas trabajaron principalmente en los EE. UU., entre ellos hubo muchos escultores que también crearon sus obras utilizando la proyección de imágenes. Los maestros más famosos de la pintura basada en el fotorrealismo son Richard Estes, Charles Bellet, Thomas Blackwell, Robert Demekis, Donald Eddy, Duane Hanson.

Artistas fotorrealistas de la generación más joven: Raffaella Spence, Roberto Bernardi, Chiara Albertoni, Tony Brunelli, Olivier Romano, Bertrand Meniel, Clive Head.

Artistas modernos de Rusia

• Serge Fedulov (nacido en 1958), nativo de Nevinnomyssk, territorio de Stavropol. Participó en varias exposiciones en América Latina y Europa. Sus pinturas se distinguen por el realismo y las combinaciones de colores contrastantes.
• Mikhail Golubev (n. 1981), se graduó de la clase de arte de la Escuela de Pintura de Omsk. Actualmente vive en San Petersburgo. Se distingue por una forma inusual de creatividad, todas sus obras son pinturas de reflexión con profundos matices filosóficos.
• Dmitry Annenkov (n. 1965) en Moscú. Graduado del Instituto de Arte Stroganov. Popular en el extranjero, pero prefiere las exposiciones rusas. El arte de Annenkov es realista, el artista es un reconocido maestro de la naturaleza muerta.

Impresionistas rusos

• Alexei Chernigin, pintor impresionista ruso (nacido en 1975), es hijo del famoso pintor Alexander Chernigin. Estudió pintura y diseño gráfico en la escuela de arte de Nizhny Novgorod. Graduado del Instituto Arquitectónico de Nizhny Novgorod con una licenciatura en Diseño en la Industria. Miembro de la Unión de Artistas de Rusia desde 1998. Desde 2001, ha sido profesor en NGASU en el Departamento de Diseño de Interiores.
• Konstantin Lupanov, artista de Krasnodar (n. 1977). Graduado de la Academia Industrial de la Universidad Estatal de la Cultura y las Artes con una licenciatura en pintura monumental. Participante de muchas exposiciones de arte en y San Petersburgo. Distinguido por un estilo raro de pintura al óleo con trazos arremolinados. Las pinturas de Lupanov están completamente desprovistas de combinaciones contrastantes de colores, las imágenes parecen fluir unas en otras. El propio artista llama a sus obras "un embadurnamiento alegre e irresponsable", pero esta declaración contiene una parte de coquetería: las pinturas en realidad están escritas de manera bastante profesional.

Artistas rusos pintando al estilo desnudo.

• Sergei Marshennikov (nacido en 1971), uno de los artistas rusos contemporáneos más famosos. Graduado de la Facultad de Artes de Ufa. Sus pinturas son un ejemplo de realismo descarado. Las obras dan la impresión de una fotografía artística, la composición es muy precisa y se verifica cada trazo. La esposa del pintor, Natalya, actúa con mayor frecuencia como modelo, y esto lo ayuda a crear una imagen sensual.
• Vera Vasilievna Donskaya-Khilko (nacida en 1964), nieta del famoso cantante de ópera Lavrenty Dmitrievich Donskoy. El representante más brillante de la pintura rusa moderna. Dibuja en el estilo del sujeto desnudo. En la paleta creativa del artista, puedes encontrar bellezas del harén oriental y chicas desnudas del pueblo en la orilla del río en la noche de las vacaciones de Ivan Kupala, una casa de baños rusa con mujeres calientes que salen a la nieve y nadan en el agujero. El artista dibuja mucho y con talento.

Los artistas rusos contemporáneos y su trabajo son de creciente interés para los conocedores de las bellas artes de todo el mundo.

La pintura moderna como arte mundial

Hoy en día, las artes visuales han tomado formas diferentes a las que tenían demanda en los siglos XVIII y XIX. Los artistas modernos del mundo se han vuelto hacia la vanguardia en una interpretación más estrecha, los lienzos han adquirido sofisticación y se han vuelto más significativos. La sociedad actual necesita un arte renovado, la necesidad se extiende a todo tipo de creatividad, incluida la pintura. Las pinturas de artistas contemporáneos, si están hechas a un nivel suficientemente alto, se compran, se convierten en objeto de negociación o intercambio. Algunos lienzos están incluidos en las listas de obras de arte especialmente valiosas. Las pinturas del pasado, pintadas por grandes pintores, todavía tienen demanda, pero los artistas contemporáneos están ganando cada vez más popularidad. El óleo, la témpera, la acuarela y otras pinturas les ayudan en su creatividad y en la implementación exitosa de sus planes. Los pintores, por regla general, se adhieren a cualquier estilo. Puede ser paisaje, retrato, escenas de batalla u otro género. En consecuencia, para su trabajo, el artista elige un cierto tipo de pintura.

Artistas contemporáneos del mundo.

Los artistas modernos más famosos difieren en la forma de escribir, su pincel es reconocible, a veces ni siquiera necesitas mirar la firma en la parte inferior del lienzo. Famosos maestros de la pintura moderna: Perlstein Philip, Alexander Isachev, Francis Bacon, Stanislav Plutenko, Peter Blake, Freud Lucien, Michael Parkes, Guy Johnson, Eric Fischl, Nikolai Blokhin, Vasily Shulzhenko.

Levitan, Shishkin, Aivazovsky y muchos otros nombres son familiares para todas las personas educadas en nuestro país y en el extranjero. Este es nuestro orgullo. Hay muchos artistas talentosos hoy en día. Es solo que sus nombres aún no son tan conocidos.
Lado positivo reunió a 10 artistas rusos contemporáneos (estamos seguros de que hay muchos más), que sin duda escribirán su nombre en los clásicos de la pintura del siglo XXI. Infórmese sobre ellos hoy.

Alexey Chernigin

La mayoría de las pinturas al óleo sobre lienzo de Alexey Chernigin representan belleza, romance y momentos de verdaderos sentimientos. Alexei Chernigin heredó su talento y pasión por el arte de su padre, el famoso artista ruso Alexander Chernigin. Cada año organizan una exposición conjunta en su natal Nizhny Novgorod.

Konstantin Lupanov

Un artista joven e increíblemente talentoso de Krasnodar llama a su pintura "divertido embadurnamiento irresponsable". Konstantin Lupanov escribe lo que ama. Los personajes principales de sus pinturas son amigos, conocidos, parientes y el amado gato Philip. Cuanto más simple es la trama, dice el artista, más veraz es la imagen.

Stanislav Plutenko

El lema creativo de Stanislav Plutenko: "Ver lo inusual y hacer lo inusual". El artista moscovita trabaja con una técnica única que combina témpera, acrílico, acuarela y el mejor glaseado AirBrash. Stanislav Plutenko está incluido en el catálogo de 1000 surrealistas de todos los tiempos y pueblos.

Nikolái Blokhin

Descubre a un artista ruso contemporáneo que, sin duda, siglos después, estará a la altura de los clásicos mundiales de la pintura. Nikolai Blokhin es conocido principalmente como retratista, aunque también pinta paisajes, naturalezas muertas y pinturas de género. Pero es en el retrato donde se manifiesta con mayor claridad uno de los aspectos más importantes de su talento.

Dmitri Annenkov

Mirando las naturalezas muertas hiperrealistas de este artista ruso, solo quieres estirar la mano y tomar del lienzo o tocar lo que está pintado allí. Son tan vivos y conmovedores. El artista Dmitry Annenkov vive en Moscú y trabaja en diferentes géneros. Y en todo inusualmente talentoso.

Vasili Shulzhenko

El trabajo del artista Vasily Shulzhenko no deja indiferente a nadie. Es amado u odiado, ensalzado por comprender el alma rusa y acusado de odio por ello. En sus pinturas: Rusia dura, sin cortes y comparaciones grotescas, alcohol, libertinaje y estancamiento.

Arush Votsmush

Bajo el seudónimo de Arush Votsmush, se esconde un talentoso artista de Sebastopol, Alexander Shumtsov. “Existe tal palabra: “conflicto”: cuando ves algo asombroso que hace que tus ruedas internas giren en la dirección correcta. Un buen conflicto, “con piel de gallina” es interesante. Y la piel de gallina puede ser por cualquier cosa: por agua fría, por unas vacaciones, por el hecho de que de repente sentiste algo como en la infancia, cuando te sorprendiste por primera vez y comenzaste a jugar dentro de ti ... No estoy tratando de probar nada a nadie con mi trabajo. En primer lugar, disfruto. Es una droga pura de creatividad. O una vida pura, sin dopaje. Es solo un milagro".

Alexander Vinogradov y Vladimir Dubossarsky

Vinogradov y Dubossarsky son los principales gamberros y sinvergüenzas de la pintura rusa moderna. El dúo creativo se formó a mediados de los años 90 del siglo XX. Y hoy ha ganado fama mundial. No es casualidad que el escritor Viktor Pelevin diseñara una de sus novelas con ilustraciones de las obras terminadas de Dubossarsky y Vinogradov.

Mijaíl Golubev

El joven artista ruso Mikhail Golubev vive y trabaja en San Petersburgo. Sus obras son pinturas de pensamiento, pinturas de fantasía y reflexiones filosóficas. Un artista muy interesante con su propia, pero muy familiar para muchos, visión de este mundo.

serguéi marshennikov