La palabra "épica" nos llegó del idioma griego, cuya traducción significa "palabra", "narración". El diccionario da la siguiente interpretación: en primer lugar, la épica es “un género literario, que se distingue junto con la letra y el drama, representado por géneros como el cuento de hadas, la leyenda, variedades de epopeya heroica, épica, poema épico, cuento, cuento, cuento, novela, ensayo. La épica, como el drama, se caracteriza por la reproducción de la acción que se desarrolla en el espacio y el tiempo, el curso de los acontecimientos en la vida de los personajes” (18). La epopeya tiene una característica específica, que reside en el papel organizador de la narración. El autor de la epopeya se presenta ante nosotros como un narrador que narra hechos de gran trascendencia en la vida del pueblo, describe la aparición de los personajes y sus destinos. La capa narrativa del discurso de una obra épica interactúa fácilmente con diálogos y monólogos. La narración épica o se vuelve “autosuficiente, por un tiempo, dejando de lado las declaraciones de los personajes, luego se impregna de su espíritu; a veces encuadra los comentarios de los personajes, a veces, por el contrario, los reduce al mínimo y desaparece temporalmente”(18). Pero en general domina la obra y mantiene unido todo lo representado en ella. Por eso las características de la epopeya están determinadas en gran medida por las propiedades de la narrativa.

En la epopeya, el habla cumple la función de informar de lo sucedido anteriormente, como si fuera algo recordado. Esto significa que se mantiene una distancia temporal entre la conducta del habla y la acción representada en la epopeya. El poeta épico habla “de un acontecimiento como algo separado de él mismo”. (Aristóteles 1957:45). El narrador, en cuyo nombre se cuenta la narración épica, es un intermediario entre la persona representada y los lectores. En la epopeya no encontramos ninguna información sobre su destino, sobre su relación con los héroes. Sin embargo, su discurso y forma de descripción nos permiten hablar de cómo se percibía en aquellos tiempos lejanos el mundo en el que vivían los personajes retratados. La epopeya también absorbió la originalidad de la conciencia del narrador.

La epopeya abarca la existencia en su volumen temático, extensión espacio-temporal e intensidad de los acontecimientos. Los medios visuales y expresivos utilizados en la epopeya, como retratos, caracterizaciones directas, diálogos y monólogos, paisajes, acciones, gestos, expresiones faciales, dan a las imágenes la ilusión de autenticidad visual y auditiva. La epopeya se caracteriza por el carácter ficticio, artístico e ilusorio de lo representado.

La forma épica se basa en varios tipos de trama. La trama de las obras puede ser extremadamente tensa o debilitada, de modo que lo sucedido parece ahogarse en descripciones y razonamientos.

Una epopeya puede contener una gran cantidad de personajes y eventos. La epopeya es una especie de representación de la vida en su integridad. La epopeya revela la esencia de toda una era y la escala del pensamiento creativo.

El volumen de texto de una obra épica es variado: desde historias en miniatura (las primeras obras de O. Henry, A.P. Chekhov) hasta epopeyas y novelas espaciales (Mahabharata, Ilíada, Guerra y paz). Una epopeya puede ser prosaica o poética.

Hablando de la historia del surgimiento de la epopeya, vale la pena enfatizar el hecho de que la epopeya se formó de diferentes maneras. La combinación de panegíricos (elogios) y lamentos contribuye al surgimiento de la epopeya. Los panegíricos y los lamentos suelen componerse en el mismo estilo y métrica que la epopeya heroica: la forma de expresión y la composición léxica son casi las mismas. Posteriormente, los panegíricos y lamentos se conservarían como parte de poemas épicos.

Las primeras canciones épicas se basaron en el género lírico-épico. Surgieron de las ideas rituales sincréticas del pueblo. La creatividad épica temprana y el desarrollo posterior de formas de narración artística también estuvieron muy influenciados por leyendas históricas orales y más tarde escritas.

La literatura antigua y medieval se caracteriza por la aparición de epopeyas heroicas populares. La formación de una narrativa cuidadosamente detallada reemplazó la poética ingenua y arcaica de mensajes breves característicos de los mitos, las parábolas y los primeros cuentos de hadas. En la epopeya heroica existe una gran distancia entre los personajes descritos y el propio narrador, las imágenes del héroe están idealizadas.

Pero ya en la prosa antigua se producen cambios significativos, a saber, la distancia entre el autor y los personajes principales deja de ser absolutizada. Usando los ejemplos de la novela "El asno de oro" de Apuleyo y "Satyricon" de Petronio, vemos que los personajes se convierten en narradores, hablan de lo que vieron y experimentaron. (Veselovsky: 1964).

En los siglos XVIII-XIX. El género principal de la epopeya es la novela, donde domina la “narración personal, demostrativamente subjetiva”. (Veselovsky 1964:68). A veces, el narrador mira el mundo a través de los ojos de uno de los personajes y se impregna de su estado de ánimo. Este método de narración es característico de L. Tolstoi y T. Mann. Hay otras formas de narrar, por ejemplo, la historia de lo sucedido es al mismo tiempo un monólogo del héroe. Para prosa novedosa de los siglos XIX y XX. Las conexiones emocionales y semánticas entre las declaraciones de los personajes y el narrador cobrarán importancia.

Habiendo examinado las peculiaridades del surgimiento de la epopeya, nos centraremos en el estudio de la epopeya heroica, ya que en nuestro trabajo compararemos dos epopeyas heroicas, a saber, la epopeya de Adyghe "sobre los Narts" y la epopeya alemana "La canción". de los Nibelungos”.

"La epopeya heroica es una narración heroica sobre el pasado, que contiene una imagen holística de la vida de las personas y representa, en una unidad armoniosa, un cierto mundo épico de héroes heroicos".

Las características de este género se desarrollaron en la etapa del folclore, razón por la cual la epopeya heroica a menudo se llama folk. Sin embargo, es importante señalar que tal identificación es inexacta, ya que las formas de libro de la epopeya tienen su propia especificidad estilística y, a veces, ideológica.

La epopeya heroica nos ha llegado en forma de epopeyas extensas, libros (griego - "Ilíada", "Odisea"; epopeya de los pueblos de la India - "Mahabharata") u oral (epopeya kirguisa - "Manas"; epopeya kalmyk - “Dzhangar”), y en forma de “canciones épicas” breves (epopeyas rusas, poemas de la Edda mayor) parcialmente agrupadas en ciclos (“épicas de Nart”).

La epopeya heroica popular surgió en la era de la descomposición del sistema comunal primitivo y se desarrolló en la antigüedad y la sociedad feudal, en condiciones de preservación parcial de las relaciones e ideas patriarcales, en las que la imagen típica de las relaciones sociales como sangre y clan en el heroico Es posible que la épica aún no represente un recurso artístico consciente. (Zhirmunsky 1962).

En las formas arcaicas de la epopeya, como las runas de Carelia y Finlandia, la epopeya de Nart es característica de una trama mitológica de cuento de hadas, donde los héroes tienen superpoderes y sus enemigos aparecen bajo la apariencia de monstruos fantásticos. Los temas principales son la lucha contra los monstruos, el emparejamiento heroico con el prometido, la venganza familiar y la lucha por la riqueza y el tesoro.

En las formas clásicas de la epopeya, los líderes y guerreros heroicos representan al pueblo histórico, y sus oponentes son a menudo idénticos a los invasores históricos, opresores extranjeros (por ejemplo, los turcos y tártaros en la epopeya eslava). Tiempo épico: un pasado histórico glorioso en los albores de la historia nacional. En las formas clásicas de la epopeya, se glorifican héroes y acontecimientos históricos o pseudohistóricos, aunque la descripción de las realidades históricas en sí todavía está sujeta a los esquemas de trama tradicionales. El trasfondo épico representa la lucha de dos tribus o nacionalidades, que están más o menos correlacionadas con acontecimientos históricos reales. A menudo, el centro de la narrativa es un determinado evento histórico (la Guerra de Troya en la Ilíada, la batalla de Kurushetra en el Mahabharata), con menos frecuencia mítico (la pelea con el gigante en los Narts). El poder generalmente se concentra en manos del personaje principal (Carlomagno en la "Canción de Roldán"), sin embargo, los portadores de la acción activa son guerreros, cuyos personajes se distinguen no solo por el coraje, sino también por la astucia y la independencia de Aquiles, en la Ilíada, Ilya Muromets - en epopeyas, Sausyryko - en “Narts”). La obstinación de los héroes conduce a un conflicto con las autoridades, pero la naturaleza social de la actividad heroica y la comunidad de objetivos patrióticos aseguran la resolución del conflicto. La epopeya se caracteriza por una descripción de las acciones de los héroes y no de sus experiencias psicológicas y emocionales. La trama suele estar llena de numerosos diálogos ceremoniales.

Las canciones y leyendas dedicadas a los héroes populares generalmente se transmitían de boca en boca de generación en generación. Posteriormente, cuando aparece la escritura, cada nación se esfuerza por dejar constancia por escrito de todos aquellos acontecimientos que reflejan su historia y su cultura. Por eso no es casualidad que la fórmula épica se utilice en las epopeyas.

La fórmula épica es “un recurso mnemotécnico asociado con la naturaleza oral de la existencia de la epopeya y utilizado con bastante libertad por el narrador. La fórmula en la epopeya es una preparación expresiva determinada por tres factores:

2. esquema de sintaxis

3. determinante léxico.

Esta plantilla (cuyo contenido es una imagen, idea o característica de descripción separada) se puede adaptar a cualquier situación temática o fraseológica. El poeta tiene a su disposición un gran número de fórmulas que le permiten expresar diversos aspectos concretos de una situación determinada de acuerdo con las necesidades del momento. La fórmula sirve como una microunidad de acción, capaz de combinarse con otras fórmulas para formar un segmento del discurso”.

Existen tipos de fórmulas, y las fórmulas, a su vez, se dividen en dos categorías:

"1. una combinación del tipo “sustantivo + adjetivo” (“mar azul” o “muerte negra”), en la que el sustantivo va acompañado del llamado “epíteto estable”; el epíteto no está funcionalmente relacionado con el contexto narrativo

2. repetir giros, extenderse a parte de una línea, a una línea separada, a un grupo de líneas; son estrictamente funcionales y necesarios para la narrativa, su tarea principal es representar cómo ocurren ciertos eventos recurrentes.

Por ejemplo, la epopeya de Nart se caracteriza por el uso de la combinación “sustantivo + adjetivo”. A continuación se muestran algunos ejemplos: “corazón valiente”, “sol rojo”, “corazón caliente”, “nubes negras”, “distancia infinita”, “noche fría”.

En la epopeya alemana también encontramos una fórmula familiar: "equipo rico", "guardia confiable", "carga desafortunada", "guerrero intrépido", "tiendas de seda".

Las fórmulas narrativas también se utilizan en las epopeyas. Sirven como enlaces obligatorios de la trama. Pongamos algunos ejemplos del “Cantar de los Nibelungos”: “Y sacaron del salón a siete mil muertos”, “el más valiente de los hombres fue asesinado por mano de una mujer”; de la epopeya de Nart: “saltó sobre su caballo con un rayo, agarró la cadena, lo arrastró en manos de sus fuertes”, “enfadado le cortó la cabeza con una espada, por los insultos infligidos a su pueblo”. (Shazzo 2001:32).

Pregunta # 1. El concepto de mito. La evolución de las ideas mitológicas como movimiento del caos al espacio. Mitología olímpica.

Definiciones de mito (del taller):

Forma oral (en variabilidad de movimiento) que expresa la actitud de una persona hacia algo.

exploración del mundo en la etapa inicial de la historia

La cultura de un pueblo comienza con un mito según la arqueología de la conciencia, ya que cada pueblo pasa por una etapa de conciencia mitológica, cuyos rasgos son:

Aislamiento débil de una persona del mundo circundante.

Mal desarrollo del concepto abstracto => antinomia

! Un rasgo característico de los mitos es metamorfosis(transformación de lo vivo en no vivo y viceversa).

Mitología griega antigua, características principales:

Ctonismo (etapa temprana): una persona se considera a sí misma como compuesta de la tierra y sus productos. Fetichismo (vivir en un objeto, de ninguna manera estaba separado del objeto mismo y era adorado)

Animismo (mixantropía, una combinación de rasgos humanos y animales)

Olímpico (heroico): localización (Olimpo), más fe en la propia fuerza, estabilidad, riqueza, armonía, belleza (espacio), orden (de HS a KSMS), el deseo de Zeus de establecer el orden, el poder se comparte entre todos.

heroísmo temprano (la transición al patriarcado, héroes que luchan contra monstruos, salvando a las personas de criaturas peligrosas (la victoria del cap. sobre la naturaleza))

heroísmo tardío (influencia del procesamiento literario, se pierde el miedo a los dioses)

La mitología de los griegos se ha conservado en abundancia gracias al tratamiento que le dio la cultura antigua, por ejemplo, la inserción de mitos en las obras de Homero.

Movimientos del caos al espacio

La evolución de las ideas mitológicas jugó un papel importante en el desarrollo de la civilización. El movimiento hacia el espacio fue la primera etapa de la transición al conocimiento científico del mundo. El espacio es un mundo no mitológico en el que existen procesos naturales, independientes de las personas y los dioses. Vale la pena prestar atención a los mitos teocosmogónicos posteriores, en los que las relaciones sociales, comunitarias, tribales y consanguíneas entre personas se transfieren a procesos naturales. La cuestión del origen del mundo se interpretó desde el punto de vista del origen de la comunidad, clan, tribu, pueblo, ideas sobre el cambio de generaciones dentro del clan y sobre la familia y las relaciones cotidianas en él. Y las imágenes de dioses, héroes y otras personificaciones generalizaron ciertos aspectos de la vida de la comunidad tribal (primero matrilineal y luego patrilineal). El contenido de los mitos teocosmogónicos eran imágenes del origen de los dioses, el cambio de generaciones de dioses y su lucha entre ellos, sus conexiones y relaciones naturalmente determinadas con los mortales, etc. Los mitos teocosmogónicos son la forma más elevada de creación de mitos, que ya contiene los rudimentos de una reflexión científica del mundo. Estos mitos racionalizaron la mitología a través de su historización (mejorando conceptos que reproducen la historia del mundo) y sistematización.

Así, el mérito histórico de las mitologías teocosmogónicas griegas antiguas fue el desarrollo de una idea general del Cosmos, que sirvió como un requisito previo importante para el surgimiento del conocimiento científico del mundo.

mitología olímpica

Los mitos de este ciclo hablan de la vida de los dioses olímpicos (panteón de dioses).

La composición del panteón ha ido cambiando a lo largo de los siglos, por lo que hay más de 12 dioses.

Lista: Hades, Apolo, Ares, Artemisa, Atenea, Afrodita, Hera, Hermes, Hestia, Hefesto, Deméter, Dioniso, Zeus, Poseidón. Todos los mitos sobre estos dioses pertenecen al ciclo de la mitología olímpica.

Boleto #2. Poesía de Catulo. Poemas a Lesbia.

Poesía de Catulo

Guy Valery Catulo (nacido en los años 80 del siglo I, fallecido alrededor de los 54 años) era de Verona. Esa parte de la “Galia Cisalpina” a la que pertenecía Verona aún no era parte de Italia y se consideraba una “provincia”, pero el padre de Catulo era un hombre rico con conexiones en Roma, y ​​su hijo tuvo acceso a la noble sociedad romana. Al principio, el joven "provincial" se mostraba completamente indiferente a las cuestiones políticas, pasaba su tiempo entre jóvenes disolutos y se comunicaba con representantes de los círculos literarios.

Era uno de los neotéricos. Los neotéricos realizaron un programa literario repitiendo los principios de Calímaco (poeta griego antiguo que vivió en esta época: 310-240 a. C. Escribió principalmente himnos, elegías y epigramas). Abandonaron las grandes formas, la épica y el drama, y ​​desarrollaron pequeños géneros: epillium, epigrama, elegía. Afirmando ser "eruditos", ellos, siguiendo a los alejandrinos, eligieron mitos raros, variantes poco conocidas e imbuyeron sus obras de indicios oscuros, citas ocultas y préstamos de otros autores; tales citas se consideraban un cumplido literario, un reconocimiento a la habilidad estilística del escritor citado, pero sólo un lector muy sofisticado, bien familiarizado con ambas literaturas, la griega y la romana, podía comprender y apreciar todo esto. Los neoteristas a menudo expresaban confianza en que sus obras “sobrevivirían siglos”; de hecho, este destino le tocó sólo a uno de ellos, quien fue reconocido por sus contemporáneos como el representante más talentoso de la escuela. Este es Guy Valery Catulo.

La herencia literaria de Catulo consta de tres partes. Se trata, por un lado, de grandes obras de estilo "erudito", por el otro, pequeños poemas, "chistes", que, a su vez, se dividen en dos categorías, similares en contenido, pero diferentes en estilo y forma métrica: en poemas compuestos en dísticos elegíacos (epigramas, elegías), y los llamados “polímetros”, es decir, poemas de tal estructura métrica que no permite dividir el verso en pies o metros similares. El lugar predominante entre los “polímetros” lo ocupa el “once sílaba” (verso de 11 sílabas) o “verso falekiano”:

¡Vivamos y amemos, amigo mío!

En la colección que nos ha llegado, los poemas de Catulo están ordenados de tal manera que el comienzo son “polímetros” y el final son epigramas; En el centro se colocan grandes poemas. El autor, por supuesto, concedió gran importancia a sus obras "eruditas", pero su fama posterior se basó principalmente en poemas de formato pequeño.

Los "Polímetros" de Catulo se distinguen por un color subjetivo claramente expresado: el poeta no está interesado en el mundo exterior en sí mismo, sino sólo como agente causante de emociones subjetivas. Un poema lírico se presenta con mayor frecuencia como una reacción dinámica a un evento pequeño, incluso el más pequeño, de orden cotidiano o biográfico, real o ficticio, pero supuestamente experimentado por el autor. Un amigo regresó a su tierra natal: asombro por la sorpresa, alegría, anticipación del encuentro, júbilo. El compañero de bebida se robó el manto: abuso selectivo, exigencia de retorno, amenazas de muerte. Lo principal es la ruidosa vibración de los sentimientos, la alegría física de vivir. De acuerdo con la antigua tradición lírica, los “polímetros” de Catulo casi siempre están dirigidos a alguien: a amigos o enemigos, a un ser querido, a un objeto inanimado y, finalmente, al propio autor.

Pequeños poemas en métrica elegíaca, epigramas y elegías breves, están diseñados en tonos más tranquilos. En la representación de los sentimientos subjetivos, hay una diferencia notable con los "polímetros": allí predominaban las reacciones instantáneas en su formación inmediata, mientras que en los epigramas el centro de gravedad se traslada a los estados mentales a largo plazo, que el poeta afirma pasivamente y sobre que ya puede reflejar.

Poemas a Lesbia

Un acontecimiento significativo en la vida personal de Catulo fue su amor por una mujer, que estuvo acompañada de experiencias difíciles, que aparece en sus poemas bajo el nombre ficticio de "Lesbia". Uno de los temas más importantes de la letra es el amor; Se trata, ante todo, de poemas de amor por Lesbia. En la colección superviviente se encuentran intercalados con otros poemas y sin ningún orden particular, pero podrían formar un ciclo completo. El seudónimo elegido por Catulo para su amada debería recordar a Safo. De hecho, el ciclo comienza con una traducción del famoso poema de Safo en la antigüedad, que describe los síntomas de la locura amorosa. Catulo transfiere los sentimientos que Safo experimentó al ver a su amado amigo casarse con sus experiencias al ver a Lesbia. No hay más información fiable sobre ella que la que se puede encontrar en los poemas de Catulo. La imagen de Lesbia se da sólo en trazos separados que no forman una imagen completa: el poeta está principalmente ocupado consigo mismo y sus sentimientos. Los poemas demuestran la más amplia gama de sentimientos que el poeta experimenta por su amada: desde el tierno amor pasando por la tristeza y la decepción hasta el amargo sarcasmo. El poema más famoso de Catulo dedicado a Lesbia es “Odio y amo” (“Odi et amo”):

Odio y amo. Quizás te preguntes por qué hago esto.

No lo sé, pero siento que esto está pasando y salgo atormentado.

Pregunta 3. EL CONCEPTO DE ÉPICA. AQUILO Y HECTOR COMO HÉROES ÉPICOS.

1.épico (griego antiguoἔπος - “palabra”, “narración”) - una narrativa heroica sobre el pasado, que contiene una imagen holística de la vida de las personas y representa en una unidad armoniosa un cierto mundo épico y héroes heroicos.

La esencia del estilo épico. Lo más importante en todo el problema del estilo épico es la relación entre lo general y lo individual. El estilo épico es un estilo artístico que Nos representa la vida de tal o cual colectivo humano, subordinando absolutamente cada vida personal a sus leyes., y por lo tanto cualquier vida personal individual recibirá interés para nosotros sólo en relación con la vida general de su colectivo. Cada vida personal en la epopeya recibe su significado y su desarrollo natural sólo del grupo al que pertenece. Esta vida personal puede estar llena de los sentimientos más profundos y ardientes. Pero estos sentimientos, si hablamos de la epopeya, son provocados por las tareas vitales del colectivo y obtienen su satisfacción sólo en relación con la vida de este colectivo. Los sentimientos y comportamientos no colectivistas son algo secundario y terciario para el sujeto épico y no juegan ningún papel decisivo en su vida, aunque pueden aportarle contenidos muy diversos.

La posición media de la epopeya.

a) Entre el salvajismo primitivo y la civilización. Lugar sociohistórico de estilo épico.

En rigor, todo el arte de la formación comunal-tribal tiene un estilo épico, ya que se trata de un colectivismo primitivo, espontáneamente indiferenciado, en el que se ahoga cada individuo. Por otro lado, podemos hablar de épica en un sentido más estricto de la palabra, es decir, canciones heroicas y otros géneros relacionados.

b) Patriarcado en ascenso .

El verdadero lugar de la epopeya es el patriarcado ascendente, cuando una persona domina tanto las fuerzas de la naturaleza que puede luchar heroicamente con ellas y subyugarlas heroicamente a sí mismo. En esta época, la comunidad del clan se volvió sedentaria y aquí, utilizando racionalmente los recursos naturales, comienza a realizarse como un todo, comienza a recordar su historia y esos grandes héroes que lo crearon y organizaron, que lo protegieron y lo hicieron avanzar. Aquí es donde aparece el héroe épico, que ya no se disuelve completamente en la comunidad del clan, sino que ya es consciente de su fuerza y ​​de su poder organizador, aunque al darse cuenta de sí mismo, sigue estando en completa unidad con su comunidad del clan y sigue viviendo sólo en eso y solo para ella.

2. La objetividad de la epopeya.

a) Características .

El primer principio que surge de la esencia del estilo épico es su objetividad . De hecho, la épica es la primacía de lo general sobre lo individual. El artista épico no parece utilizar en absoluto su imaginación. Dioses, incluso demonios, incluso milagros y eventos increíbles: todo esto se considera en la epopeya como realmente existente, y no como resultado de la imaginación creativa o la invención ociosa del poeta.

b) Narración . Lo que hoy llamamos objetividad de la epopeya suele denominarse narración.

El tipo narrativo de poesía se caracteriza por la posición básica del poeta, por lo que dirige su atención a la descripción de hechos y acontecimientos como si el propio poeta no tuviera nada que ver con ello y como si su propia vida interior careciera por completo de interés. a él. Por supuesto, la exclusión de los propios intereses del poeta es ficticia, ya que la objetividad y la narración son también una determinada posición de la personalidad creativa y, por tanto, expresan en un grado u otro su estado de ánimo subjetivo. Homero no fue ni indiferente ni apolítico, y no siempre mantuvo su objetividad épica como método artístico.

c) El surgimiento del subjetivismo . Por supuesto, esto se aplica principalmente al estilo épico estricto. Y en Homero hay numerosos acontecimientos de este tipo descritos objetivamente. Son ellos quienes llenan principalmente la poesía de Homero. Pero Homero no es sólo una epopeya estricta. No sólo nos describe ciertos acontecimientos relacionados con la Guerra de Troya, que fue pensada de una manera histórica muy real. Homero, sin duda, saca mucho de sí mismo, crea todo tipo de detalles decorativos y, a menudo, crea simplemente basándose en su propia imaginación. En el futuro encontraremos muchos ejemplos de este estilo no épico.

Ahora señalaremos sólo una técnica de Homero, habitualmente ignorada en las características de su estilo. Esta técnica radica en que Homero no sólo da una imagen objetiva de la vida, sino que muy a menudo la comenta él mismo, expresando diversos tipos de explicaciones, sentimientos, preguntas retóricas, etc.

3. Pintoresco y plasticidad de la epopeya. Este interminable y amoroso examen de las cosas exteriores llevó también a que en ellas siempre quedara registrado todo lo que era brillante para la sensación y todo lo agudo y expresivo para la percepción sensorial ordinaria.

a) Luz y sol . El mundo de Homero está lleno sveta , y los acontecimientos que se desarrollan en él se desarrollan en su mayor parte a la luz del sol. El sol y sus rayos son una verdadera alegría para el griego homérico. Cuando Zeus comenzó a ayudar a los troyanos y a arrojar oscuridad en el campo de batalla, Ayax le reza a Zeus para que disipe la oscuridad, y si van a morir, que mueran a la luz del día (Il., XVII.644-647) . A Aquiles, por supuesto, se le compara con el sol (Il., XXII.134 y sigs.); La diadema de Hera también se compara con el sol (Il., XIV.184 ss.); los maravillosos caballos de Res también se comparan con el sol (Ill., X.547). Está claro que el sol y la luz en Homero son una especie de criterio universal para la vida y la belleza.

A menudo, esta iluminación se contrasta con elementos de oscurecimiento. A Héctor (Ill., XV.604-610) se le compara con un incendio forestal en las montañas; sus ojos también brillan con fuego enojado. De su boca brota espuma, un casco terrible, también brillante, se balancea sobre su cabeza y el propio Héctor vuela a través de la batalla como una tormenta. Desde el escudo de Aquiles también se esparce por todas partes una luz maravillosa, como un faro para los que mueren en las olas (Ill., XIX.375-381). Fuegos, relámpagos, brillo de armas: estas son imágenes comunes en Homero.

b) Colores y pinturas . Pero no sólo todo está lleno de luz en Homero. Todo esta completo tambien pinturas . El Dawn "de dedos de rosa" tiene un peplos "azafrán". Afrodita tiene una túnica "dorada". Apolo tiene el pelo “rubio dorado”. Deméter tiene un velo “azul oscuro”. Latona tiene rizos "dorados". Iris también tiene "alas doradas". Tetis - "de pies plateados". Zeus tiene cejas de “acero oscuro” y Poseidón tiene el mismo cabello. Los dioses beben néctar rojo.

Pongamos otro ejemplo, pero no de poemas homéricos, sino de himnos homéricos, muchos de los cuales se remontan a la antigüedad homérica. En el VII himno homérico, el dios Dioniso, con sus ojos de “acero oscuro” o “azul oscuro” y el mismo cabello en un manto “violeta”, está sentado en medio del mar “color vino”, en un barco. Y los barcos de Homero son "negros" (Il., I.300), y con una proa "azul oscuro" (Il., XXIII.878), y "de mejillas moradas" (Od., XI.124), y " mejillas carmín "(Ill., II.637), las velas son “blancas” (Od., II.425, XV.291). En todas estas imágenes, sin duda, se refleja la infancia de la humanidad, ya que los niños, como sabemos, aman los colores brillantes, la diversidad y el brillo de los objetos. Asimismo, los griegos homéricos encontraron colores excepcionalmente brillantes, variados y brillantes en la naturaleza y la vida que los rodeaba.

c) Plástico . De este pintoresquismo pasemos a la plasticidad. Tanto Homero como los griegos en general siempre han sido elogiados por la naturaleza plástica de las imágenes artísticas que creaban. Sin embargo, esta plasticidad rara vez se entendió específicamente y, en su mayor parte, se entendió de manera demasiado amplia, expandiéndola hasta convertirla en algo generalmente hermoso y expresivo.

5. Períodos de la cosmovisión plástica en Homero. Incluso el análisis más detallado revela que en Homero no todo es plástico, como piensan la mayoría de los críticos. El problema de la plasticidad en Homero resulta extremadamente complejo. Aparentemente, aquí, como en Homero en general, debemos encontrar un reflejo de la evolución centenaria del pensamiento y la percepción humana, comenzando con la total incapacidad de representar el espacio tridimensional y terminando con la plasticidad y escultura muy reales de la imagen.

a) La ley de incompatibilidad cronológica o ley de imagen plana . Si planteamos la cuestión del método más antiguo de presentación de una imagen en Homero, entonces probablemente será lo que F. F. Zelinsky llamó la ley de incompatibilidad cronológica en su artículo "La ley de incompatibilidad cronológica y la composición de la Ilíada". 4) El propio Zelinsky saca conclusiones de esta ley sólo para la composición de la Ilíada. Sin embargo, esto puede tener una importancia aún mayor para el análisis de la imagen del tiempo y el espacio en Homero.

2 Tanto Héctor como Aquiles son los mejores de los mejores entre los participantes en la Guerra de Troya. Ambos son fuertes, valientes, resistentes, verdaderos guerreros y dominan todo tipo de armas de esa época. No es casualidad que Homero los llame alternativamente "iguales a Dios". Pero la principal diferencia es la extrema humanidad y decencia de Héctor y la excesiva ira y crueldad de Aquiles.

Los investigadores de la epopeya griega antigua han notado durante mucho tiempo que el nombre de Héctor no está asociado con ningún otro evento de la Guerra de Troya, excepto los descritos en la Ilíada. La tumba de Héctor no se mostró en Troas, sino en Tebas (Paus. IX 18, 5); Esto permite suponer que Héctor es un héroe beocio por origen, y que su batalla con Aquiles tuvo lugar originalmente en suelo griego. Sólo relativamente tarde se incluyó la imagen de Héctor en el círculo de cuentos sobre la guerra de Troya, en los que Héctor, más que cualquier otro héroe, personifica la idea del deber patriótico. Probablemente por eso la imagen de Héctor goza de gran simpatía por parte del autor de la Ilíada. Héctor está representado con particular calidez en la famosa escena de despedida de su esposa Andrómaca (VI 370-502).

Pregunta #4. "Epístola a Pisón" o "La ciencia de la poesía" de Horacio. Las opiniones de Horacio sobre la poesía y la creatividad.

El libro "Mensajes" es un importante paso adelante en el sentido del arte de representar la vida interior de un individuo; El propio Horacio apenas era consciente del significado pleno de su colección, que ni siquiera clasificó como poesía.

La explicación más completa de las opiniones teóricas de Horacio sobre la literatura y los principios que siguió en su práctica poética la encontramos en la tercera carta, en la “Epístola a los Pisones”, que más tarde, allá por la antigüedad, recibió el nombre de “Ciencia de la literatura”. Poesía." El mensaje poético de Horacio no representa un estudio teórico, como lo fue en su momento la Poética de Aristóteles, y no se basa en ningún fundamento filosófico profundo. La obra de Horacio pertenece al tipo de poética “normativa”, que contiene “prescripciones” dogmáticas desde el punto de vista de un determinado movimiento literario.

Según el comentarista antiguo, la fuente teórica de Horacio fue el tratado de Neoptólemo de Parion, que sigue en la disposición del material y en las ideas estéticas básicas. La poesía en general, una obra poética, un poeta: Horacio conserva este curso de la presentación de Neoftelemo. Pero el poeta romano no se propone dar un tratado exhaustivo. La forma libre del “mensaje” le permite detenerse sólo en algunas cuestiones, más o menos relevantes, desde el punto de vista de la lucha de las corrientes literarias en Roma. "La ciencia de la poesía" es, por así decirlo, un manifiesto teórico del clasicismo romano de la época de Augusto.

La estética de “La ciencia de la poesía” es clasicista. El trabajo debe ser sencillo, holístico y armonioso. Asimetría, digresiones, excursiones descriptivas, manierismos: todo esto son violaciones del canon de la belleza. Sin nombrar nombres ni direcciones, Horacio vuelve simultáneamente su polémica contra los neoteristas (con este nombre Cicerón designó a un grupo de jóvenes poetas romanos del siglo I a.C. que, rompiendo con las tradiciones de la gran epopeya histórica (Ennia y Lucilio), tomaron el Helenística como poesía modelo, profesando los principios poéticos de Calímaco), y contra el estilo declamatorio asiático que emerge en la poesía romana, y contra los aticistas arcaizantes. Para la poética normativa del clasicismo europeo, la Epístola a Pisón no tenía menos significado canónico que la Poética de Aristóteles. Código de clasicismo, “Arte poético” (L'art poetique, 1674) Boileau reproduce no sólo el título tradicional del mensaje horaciano, sino también todo el curso de la presentación, con la misma disposición del material y con numerosos préstamos de detalles, que A menudo se dan en una traducción casi literal. Muy pronto Horacio fue reconocido como un “clásico” como él mismo previó (Epístola I, 20), sus obras se convirtieron en tema de lectura y comentario en la escuela romana.

Pregunta # 5. Rasgos del estilo homérico.

Estilo épico: temprano (estricto) y posterior (gratuito). En los poemas de Homero hay signos tanto del primero como del segundo.

La singularidad del estilo homérico radica en:

Objetividad. Homero da una imagen objetiva del mundo, sin perseguir detalles ni detalles de la imagen. Lo único que importa es que el acontecimiento realmente haya ocurrido; todo lo demás tiene una importancia secundaria. Incluso todo lo maravilloso y fantástico (dioses y demonios) es representado por Homero como si realmente existiera.

Una descripción “material” de la vida. Homero se centra en el lado externo de los acontecimientos que describe. Sensaciones visuales, auditivas y motoras, como resultado de las cuales a menudo sólo se puede adivinar la psicología de los personajes.

Tradiciones. Homero describe todo lo que es constante, estable, antiguo, obvio para todos y reconocido por todos en el pasado, y obligatorio para todos en el presente.

monumentalidad, aquellos. sublimidad, solemnidad. Una obra épica siempre despierta sentimientos elevados y nobles, fomenta una voluntad heroica y no tolera nada bajo.

Método de comparación a lo que recurre Homero, queriendo explicar algo menos comprensible con algo más comprensible (por ejemplo, la Ilíada, en la que casi todas las imágenes del ámbito militar se comparan con la vida mundana).

Imágenes de héroes, que no se limitan a “héroes” épicos. En casi cada uno de los personajes principales se puede ver el surgimiento de una característica individual. La base de la originalidad de la apariencia de un héroe épico es la gradación, el grado de una cualidad particular. Así, por ejemplo, Agamenón supera a todos en la potencia del poder que se le ha confiado, París - en su amor por las mujeres, Odiseo - en su ingenio, etc. Podemos decir que ninguno de los héroes está privado de destacarse en una cualidad e inferior en otras propiedades.

Imágenes de dioses que juegan un papel importante. El desarrollo de los acontecimientos se desarrolla en 2 planos paralelos: en el Olimpo y en la Tierra. El primer plano es el más alto, ya que el curso de los acontecimientos que luego se desarrollan en la Tierra a menudo está predeterminado allí. . Originalidad homérico Dioses es que ellos dotado de muchas características y debilidades humanas : se pelean, se regañan, se conspiran, etc. Homero los representa a menudo en situaciones reducidas y humorísticas (por ejemplo, Ares y Afrodita son alcanzados durante una cita y cubiertos por la red de Hefesto).

Pathos pacifistas. Con dolor y asombro, Homero transmite el proceso de destrucción y destrucción de los cuerpos humanos, la melancolía del alma que vuela al Hades. Ninguna de las partes en conflicto recibe elevación moral sobre la otra en Homero. El autor es querido. la idea de lo común de la suerte humana , difícil y triste, dependiendo de poderes superiores.

Múltiples géneros épicos disponibles. . La Ilíada y la Odisea son generalmente poemas heroicos. Pero la epopeya de Homero también contiene los inicios de otros géneros épicos, por ejemplo:

Elementos de un cuento de hadas. El cuento de hadas se muestra bastante escéptico respecto a lo que se representa, considerándolo como el tema de una historia divertida y entretenida. "Odisea": la historia de la transformación del dios del mar Proteo en varios animales y cómo Menelao lo atrapó en el momento en que Proteo era un hombre y lo obligó a contar el futuro.

Elementos de una novela : la historia sobre la búsqueda de Telémaco de su padre en la Odisea contiene elementos de una novela de aventuras, y toda la segunda parte del mismo poema, comenzando con el Canto XIII, contiene elementos de una novela familiar.

Elementos de la letra : “La Ilíada” es el escenario de la despedida de Héctor de su esposa Andrómaca antes de la batalla.

Elementos tanto de tragedia como de comedia. con todos los conflictos dramáticos inherentes a ellos. Casi todos los personajes principales de ambos poemas son trágicos. Aquiles es trágico. condenado a muerte en su juventud, y él sabe de su destino. La muerte de Patroclo es trágica. También es trágico el destino de todos los líderes troyanos, cuya muerte también está predeterminada desde arriba.

Elementos cómicos - una pelea entre Odiseo y el mendigo Ir en el umbral del palacio donde los pretendientes están festejando. Esta comedia alcanza el nivel del burlesco, cuando lo sublime se presenta como algo básico. Las escenas olímpicas casi siempre las presenta Homero en estilo burlesco. Un ejemplo bien conocido de esto es la canción de la Ilíada, que describe los celos matrimoniales de Hera. Zeus quiere golpear a su esposa y el monstruo de piernas arqueadas, Hefesto, intenta hacer reír a los dioses con bromas.

elementos de humor . Afrodita se presenta con humor cuando entra en batalla y es herida por el héroe mortal Diomedes, por lo que los dioses del Olimpo la ridiculizan.

Elementos de ironía muy notable en los poemas de Homero. Agamenón en la Ilíada ordena a su ejército que regrese a casa, pero en realidad este ejército tiene que tomar las armas nuevamente y luchar.

Elementos de la sátira. Los cíclopes son representados como una caricatura y una sátira de personas que viven sin leyes. Fersit, representado como un fenómeno, es una parodia del ciudadano, soldado y aristócrata. Hay muchos rasgos satíricos en Agamenón, que sorprende con su avaricia, despotismo, cobardía y muchos otros vicios.

Pregunta #6. El tema de Dido y Eneas en la Eneida de Virgilio

La leyenda de Dido y Eneas fue descrita por primera vez por Nevio en los siglos III-II a.C. Virgilio lo incluyó más tarde en su epopeya "Eneida" (escrita aproximadamente en el 29 a. C.). La obra de Virgilio fue tan popular que los habitantes de Pompeya decoraron sus hogares con citas de ella. Los autores rusos abordaron a menudo este tema (A. Akhmatova "No te asustes, sigo siendo similar"; Brodsky "Un gran hombre miró por la ventana...")

Después de una terrible tormenta, el barco de Eneas (un viudo que perdió a su esposa en el incendio de Troya) aterriza en las costas de África (la tormenta y la dirección del barco están dispuestas por los dioses), donde gobierna Dido (que también perdió a su cónyuge y no ha conocido la felicidad familiar, pero se niega constantemente a cortejar a pretendientes). Eneas habla de guerras, aventuras y viajes, y Dido se enamora de un hombre valiente y ama con amor maternal al hijo de su primera esposa. Encontró la felicidad femenina y en parte incluso se olvidó del Estado que fundó. El amor recíproco de Eneas no se expresa con tanta fuerza, y la expresividad artística de la imagen de Dido es tal que en el cuarto libro ella, como personaje, prácticamente eclipsa al personaje principal. En este libro hay un alto temporal en el camino de Eneas, una “deserción” que supera (el mensajero de Júpiter predice su destino: tendrá un reino y una tercera esposa) y él, habiéndose explicado de alguna manera a su amada, continúa su camino. manera, pero a costa de la vida de este último, quien no pudo sobrevivir a la separación y se suicidó, lo que deja dolor en el alma del héroe (como lo demuestra su encuentro en el reino de los muertos).

Dido entró en el círculo de imágenes femeninas mundiales que encarnan el heroísmo y el sacrificio del amor, y la historia de amor con Eneas en la historia de la cultura adquirió un cierto valor intrínseco (por ejemplo, la ópera "Dido y Eneas" de Purcell, "La tragedia de Dido" de Marlowe ”)

El tema de Dido y Eneas es el tema del amor sacrificial, la búsqueda de la felicidad femenina y la amarga decepción (la muerte del primer marido, la fuga del segundo), el tema del enfrentamiento entre el deseo, los sueños, lo que QUIERES (Dido) y el destino, lo que NECESITAS (Eneas). Esta es la parte más dramáticamente intensa del poema y artísticamente la más poderosa. Desde el punto de vista del trasfondo ideológico de la epopeya, también es importante: en la trágica ruptura de Eneas y Dido, los romanos vieron un prototipo de la enemistad mortal entre Roma y Cartago, que terminó con tres guerras púnicas y la destrucción. del último.

PAG. S.: Correlaciona el carácter y las acciones de Eneas con la pregunta 12: Eneas como hombre de destino.

A las letras declamatorias pertenecían los siguientes géneros:

1. epigrama,

1 .Se consideró el género principal. elegía . este es un poema

duración media, moral y política, posteriormente contenido amoroso, sin

composición distinta. Se considera el tipo de elegía más antiguo.

heroico militar , que se acerca mucho a la epopeya. El héroe de esta elegía.

realiza hazañas conscientemente, no por el bien de la familia, sino por el estado (Kallin, Tyrtey). Otro tipo de elegía - elegía del destino personal . Estas elegías representan reflexiones sobre uno mismo, sobre el lugar del hombre en el mundo, sobre las normas morales (Arquíloco). El tercer tipo de elegía es Elegía filosófica y política. Representa la expresión del pensamiento político en forma semimitológica. En este tipo de elegía predominan las reflexiones. el autor sobre la estructura estatal de la polis, sobre la interacción de varias fuerzas en el estado.

2.Epigrama – un poema corto de cualquier contenido,

que se remonta a inscripciones antiguas. Los epigramas estaban escritos en dístico elegíaco y se distinguían por su brevedad y precisión.

3.Gnomo – Esta es una breve declaración poética con contenido instructivo y filosófico. Los enanos formulan proposiciones generalmente aceptadas y se acercan a los aforismos. El enano también destacó por su brevedad y precisión. El pensamiento enano se refiere a las cuestiones básicas de la vida humana. Este tipo de poesía era muy popular entre los antiguos griegos.

4.yámbico - un género de poesía griega antigua predominantemente acusatorio

personaje. Una característica de la poesía yámbica es la risa, así como

un cierto tamaño y pie con acento en la segunda sílaba. Los griegos creían en

el poder limpiador de la risa, por lo que todo fue ridiculizado.

Había dos tipos de yámbico:

ridículo personal;

ridículo de las relaciones sociales.

Los yambs se distinguían por una libertad extraordinaria; no había restricciones para ellos.

Yámbicos de Arquíloco.

La poesía yámbica no es una invención de Arquíloco, como muchos pensaban: surgió mucho antes, probablemente en relación con el culto a Deméter (la doncella del rey de Eleusis llamada Iamba decidió hacer reír a la afligida Deméter con chistes obscenos), es decir, se remonta a las raíces del folclore. Como dice el himno homérico, la sirvienta del rey de Eleusis Kelei, llamada Yamba, hacía reír a la afligida Deméter con bromas obscenas. Los yámbicos también se utilizaban en determinados momentos de la procesión festiva de Atenas a Edeusis, cuando la costumbre exigía expresiones de carácter burlón y lúdico.

La palabra "yamb" entre los griegos, en general, se asociaba con la idea del carácter cómico de la obra, mientras que en la nueva literatura yámbico es un concepto exclusivamente métrico. El yámbico es una combinación de una sílaba corta y una larga. Archilochus (Ar.) expresó más abiertamente las tendencias individualistas de la época: el individuo, habiendo roto los estrechos lazos de la antigua moral tribal, aquí se opone claramente al colectivo como una persona libre y autosuficiente, no sujeta a las opiniones de nadie y cualquier ley. Arkansas. Vivió a principios del siglo VII y se hizo famoso por sus yámbicos. En sus yámbicos nos contó cómo, como mercenario, arrojó su escudo en una batalla con los bárbaros tracios. Es conocido su romance con Neobula, hija de Licambus, que se oponía a este matrimonio. Arkansas. se vengó de él con yámbicos y lo llevó al suicidio (!). En sus yámbicos Ar. También expresó su amor por Neobula, también hay yámbicos dedicados a amigos que discuten la filosofía de vida de Ar. (filosofía del optimismo). En yámbico Ar. encontramos una moral libre de todo aburrimiento, una confianza clara y tranquila en el fluir de la vida, empezando por Ares, el dios de la guerra, hasta las musas, las diosas del arte; comenzando con humor sobre su propia traición y terminando con una maldición amenazadora sobre un amigo traidor. Ar.-guerrero, amante del vino, amante de las mujeres y misógino, poeta, “juerguista ocioso”, moralmente inestable y apasionado amante de la vida, incluso filósofo, que nos recuerda la fugacidad de la vida, pero también nos consuela con la enseñanza de su eterna devolver.

Pregunta # 8. El arte de la comedia de Plauto.

Titus Maccus, apodado Plauto ("pies planos"), fue el comediante romano más destacado (mediados del siglo III - 184 a. C.). Se atribuyeron a Plauto unas 130 comedias, pero 21 se consideraron genuinas, entre ellas “El tesoro”, “Los trucos del parásito”, “El guerrero jactancioso” y “El esclavo embaucador”. Plauto trabajó en el campo de la palliata, comedia con argumento griego, adaptando obras griegas para la escena romana.

En sus comedias, Plauto retrata principalmente a jóvenes comerciantes, a menudo comerciando en tierras de ultramar, mostrando conflictos entre los niños con sus padres que interfieren en sus vidas personales, conflictos con proxenetas de cuyas manos necesitan arrebatar a sus amadas hijas y con prestamistas a quienes tener que pedir dinero prestado. En las comedias, el odio de Plauto hacia los prestamistas y los proxenetas se siente en todas partes. Las imágenes más llamativas son las de esclavos inteligentes, diestros y enérgicos. Ayudan a sus jóvenes dueños a organizar su vida personal. Lenguaje cercano al público. Los personajes principales son grotescos, sus rasgos hiperbólicos. El hexámetro yámbico coloquial se reemplaza por un troquee de dos metros o un anapesto de dos metros y medio. No hay coro, como en la comedia neoática.

Plauto conocía muy bien la literatura griega y el drama griego, y utilizó las tramas de la comedia cotidiana neoática, ya que en las condiciones de su época, cuando el Senado aristocrático estaba a la cabeza del estado, el poeta no podía evitar dar tramas. de la vida italiana, representan satíricamente a sus propios contemporáneos.

Plauto utilizó las tramas de la comedia neoática de Difilo, Demófilo, Filemón y Menandro, pero no las de Aristófanes, porque las comedias de Aristófanes eran demasiado agudas políticamente y los problemas planteados en ellas no eran relevantes para Roma. Plauto utilizó con éxito las tramas de la comedia neoática cotidiana y, al revelarlas, pudo resolver problemas que interesaban a sus contemporáneos. Una de las comedias más agudas: "El guerrero jactancioso"

La novelización de las historias griegas es que Plauto a menudo introduce en sus comedias características del modo de vida romano, la cultura romana, las cortes romanas y el autogobierno romano. Entonces habla mucho de los pretores, y estos son los funcionarios de Roma, del Senado. Ingresar los nombres de las ciudades romanas y representar las nacionalidades. aduanas Tomó argumentos de las comedias griegas que estaban en sintonía con la vida romana y en ellos resolvió problemas relevantes para su sociedad.

La figura favorita de Plauto, el esclavo, representa la máscara más dinámica de la comedia, la menos limitada en sus acciones, palabras y gestos por las exigencias de tranquilidad y decencia impuestas a los libres. El esclavo no es sólo el portador de la intriga, sino también el foco del elemento bufón. Divierte al público con bufonadas y parodias del alto estilo, con “filosofar” y adoración, corriendo por el escenario y movimientos corporales frenéticos y, finalmente, con el hecho de que lo azotan o pueden golpearlo a cada minuto. Desde la altura de exigencias estéticas más estrictas, la crítica romana posterior (por ejemplo, Horacio) reprochó a Plauto la caricatura y la falta de coherencia en sus imágenes. El objetivo de Plauto es provocar risas continuamente con cada escena, frase y gesto.

Boleto # 9. Makarova Ekaterina.

El origen de las letras y sus tipos. Safo como representante del lirismo monódico.

Letra - un tipo de literatura donde se escucha claramente la voz del poeta, transmitiendo sus sentimientos y pensamientos en poemas breves. Proviene de la palabra griega "lyricos", que significa "interpretado con la lira" o "cantando con la lira". Los griegos usaban esta palabra no para llamar poesía en absoluto, sino a canciones que se cantaban al son de la lira.

La aparición de obras del género lírico se remonta a los siglos VII-VI. ANTES DE CRISTO. y están determinados, en primer lugar, por cambios significativos que se han producido en la vida de la mayoría de las comunidades griegas.

Las letras griegas suelen dividirse en tres géneros:elegía, yámbico y melica (letras de canciones). No todos estos géneros se interpretaban al son de la lira: para la elegía y los yambos no era necesario el acompañamiento musical; a veces los yambos iban acompañados de los sonidos de una flauta, y se podían realizar obras mélicas con los sonidos tanto de una lira como de una flauta.

Las letras se basan principalmente en canciones populares rituales y de culto. A cada tipo de poesía lírica, así como a cada género de poesía griega, se le asignó una métrica poética determinada; sólo los poetas mélicos podían utilizar diferentes metros incluso dentro del mismo verso.

La característica principal del género lírico. , meliks, es su conexión con el acompañamiento musical, que era más claramente visible que en la elegía y el yámbico. Pero poco a poco la melika perdió su conexión orgánica con la música y se convirtió en un género puramente literario. Su principal diferencia con los yambos y la elegía, donde se alternan versos o coplas del mismo tamaño, es que Los poemas mélicos se construyeron principalmente sobre estrofas alternas, complejas y de tamaño variado.

La poesía mélica en la Antigua Grecia suele dividirse en solista (monódico) y coral.

El lirismo solista recibió un desarrollo particular en la isla de Lesbos, lugar de nacimiento de dos poetas importantes: Alcaeus y Safo.

Safo(finales del siglo VII - primera mitad del siglo VI aC) pertenecía a la aristocracia familiar, vivió durante mucho tiempo en el exilio (en la isla de Sicilia), pero al final de su vida regresó a su tierra natal, donde Murió arrojándose, según la leyenda, desde un acantilado en el mar a causa de un amor no correspondido por el joven Faón. Esta leyenda refleja la naturaleza de las letras de Safo, cuyo tema principal era el amor.

La mayoría de los poemas de Safo están dedicados a sus amigos, muchos de los cuales, como sabemos, también escribieron poesía. Esto sería imposible si vivieran, por ejemplo, en Atenas, donde la mujer era una reclusa y su búsqueda de la literatura sólo causaría condena.

Safo miró atentamente el mundo del alma humana.. A ella se le ocurrió tres maneras hablar de él. El primero es transmitir confusión mental mediante la representación de estados corporales, la psicología a través de la fisiología.

Otra técnica es más compleja y sutil. Safo describe la deidad que envía amor: Eros(Erotá). Pero es interesante que elija epítetos que puedan aplicarse a una persona, o más bien, al estado en el que se encuentra cuando se enamora. Está contento y triste al mismo tiempo, está confundido, como árboles bajo una ráfaga de viento: “Eros me atormenta otra vez, cansado - / Amargamente dulce...”; “como el viento que vuela desde la montaña hasta las encinas, / El Eros del alma nos sacudió…”

Safo tiene Tercera forma de contar tus sentimientos.. Su confusión en el “Himno a Afrodita” se la ve con los ojos y se la describe con los labios de la diosa que se le apareció.

Hay muchas canciones rituales en la obra de Safo. Esto aumenta el valor de su herencia, ya que el folclore griego "en su forma pura" no nos ha llegado, y sólo podemos juzgarlo por los poemas de aquellos poetas que, consciente o inconscientemente, imitaron el arte popular.

Boleto #10. Novela romana.

Depende del griego, pero se diferencia de él tanto en la técnica y la estructura como en su carácter descriptivo cotidiano; (Petronia y Apuleia tienen detalles y personajes históricamente precisos).

Lucius Apuleius (c. 125 d.C. - después de 170 d.C.) - antiguo escritor romano, filósofo platónico, retórico, autor de la famosa novela "El asno de oro".

El estilo de “ZO” es enfáticamente irónico, excéntrico, repleto de juegos de palabras y montones de epítetos.

La novela es un tratado esotérico velado: los primeros 10 libros están llenos de sentimientos. placeres y tentaciones de la vida, que conducen a la degradación y transición a un estado “bestial”, y este último demuestra la elevación del hombre a través de la familiarización con los secretos divinos.

La novela “cifra” la vida del propio Apuleyo, el gato. Fue iniciado en diversas enseñanzas místicas y fue juzgado por brujería.

La obra es una sátira sobre todos los aspectos de la vida en la Roma tardía, incluida la religión. Las notas irónicas en la descripción de los ritos iniciáticos por los que pasa Lucio hablan del escepticismo religioso de Apuleyo.

Siempre estamos hablando de transformaciones, incluidas las espirituales.

El héroe de la novela, Lucio (¡coincidencia con el nombre del autor!), viaja por Tesalia. - era famosa por ser la cuna del arte mágico, Lucius está convencido de ello por su propia y triste experiencia.

En su sed de unirse a la misteriosa magia, Lukiy entabla una relación con una doncella que participa en la adoración de la amante, pero ella por error lo convierte en un burro en lugar de un pájaro. Una persona conserva su mente y sus gustos. Conoce una manera de liberarse del encantamiento: basta con masticar rosas. Pero la transformación inversa se retrasa mucho tiempo. “Burro” es secuestrado por ladrones esa misma noche, vive diversas aventuras, pasa de un dueño a otro, sufre golpizas por todas partes y se encuentra repetidamente al borde de la muerte. Cuando un animal extraño llama la atención, está destinado a una exhibición pública vergonzosa. Todo esto constituye el contenido de los diez primeros libros de la novela.

En el último momento, Lucius logra escapar a la orilla del mar, y en el último libro 11 se dirige a la diosa Isis con una oración. La diosa se le aparece en un sueño, le promete la salvación, pero para que su vida futura la dedique a servirla. De hecho, al día siguiente el burro se encuentra con la procesión sagrada de Isis, mastica rosas de la corona de su sacerdote y se convierte en hombre. El resucitado Lucio adquiere ahora los rasgos del propio Apuleyo: resulta ser originario de Madaura, acepta la iniciación en los misterios de Isis y, por inspiración divina, va a Roma, donde recibe los más altos grados de iniciación.

11 libros, una novela picaresca, “ZO”, nombre que le dio Agustín.

transformación del hombre en animal a nivel internacional

una serie de cuentos insertados, sin relación con la trama y presentados como historias sobre lo que se vio y escuchó antes y después de la transformación.

Los finales también son diferentes: la intervención de Isis, el final religioso y solemne

Los objetivos de A. son entretener y moralizar.

inserto (4,5 libros) – cuento de hadas “Cupido y Psique”

Libro 11 – extraño, religioso, algunos creen que no pertenece a A.. Invención:

El burro se mueve > ve cosas nuevas todo el tiempo.

con él todos dicen todo, no se “avergüenzan” de lo inesperado, folklórico, neologismos, palabras inventadas y muchos préstamos griegos.

Es conocida la alta valoración del libro de Agustín el Bendito. También informa sobre su segundo nombre, "El burro dorado", el epíteto "dorado" indicaba la admiración de los lectores.

Una posible fuente es la historia satírica “Luky o Donkey, quizás una imitación”. Esta es la historia de un joven, gato. Debido a su apasionado deseo de aprender los secretos de la magia, por error se convirtió en un burro en lugar de un pájaro.

Hoy en día se considera muy probable que las Metamorfosis de Lucio de Patras sirvieran de modelo general para la obra de PseudoLuciano y para la novela de Apuleyo. Una de las pruebas indirectas de la conexión directa entre Apuleyo y Lucio también se ve en el hecho de que la obra de Apuleyo lleva el mismo nombre que la obra de Lucio de Patras.

Pregunta #11. La estructura del teatro griego y las representaciones teatrales.

Durante el apogeo de la sociedad griega, las representaciones teatrales formaban parte del culto a Dioniso y tenían lugar exclusivamente durante las fiestas dedicadas a este dios.

El orden se estableció alrededor de 501 - 500. para El gran Dionisio, preveía tres autores en una competición trágica, cada uno de los cuales representaba tres tragedias y un drama de sátiros. En los concursos de comedia, los poetas debían presentar una obra cada uno. El poeta no sólo compuso el texto, sino también las partes musicales y de ballet del drama; también fue director, coreógrafo y, a menudo, sobre todo en épocas anteriores, actor. La admisión del poeta al concurso dependía del arconte (miembro del gobierno) que estaba a cargo del festival; De esta manera también se ejercía el control ideológico sobre las obras. El Estado asignaba los gastos de puesta en escena de los dramas de cada poeta a algún ciudadano rico, que era designado choreg(Director del coro). El coreg reclutó un coro de 12 personas, y luego 15 personas para la tragedia, 24 para la comedia, pagó los miembros del coro, la sala en la que se preparaba el coro, los ensayos, el vestuario, etc. El esplendor de la producción dependió de la generosidad del choreg. Los gastos de los coreógrafos fueron muy importantes y las victorias en el concurso fueron otorgadas conjuntamente al coreógrafo y al director-poeta. Con el aumento en el número de actores y la separación del actor del poeta, el tercer participante independiente en el concurso se convirtió en el actor principal (“protagonista”), quien seleccionó asistentes para él: uno para los segundos papeles, el otro. para los terceros roles (“deuteragonista” y “tritagonista”). El nombramiento de su poeta para el coregus y de su actor principal para el poeta se hacía por sorteo en la asamblea popular presidida por el arconte. En el siglo IV, cuando el coro perdió importancia en el teatro y el centro de gravedad se desplazó hacia la interpretación, este orden se consideró inconveniente, ya que hacía depender excesivamente el éxito del coreógrafo y del poeta de la actuación del actor que se les asignaba y el éxito del actor depende de la calidad de la obra y de la producción. Luego se estableció que cada protagonista debía aparecer por cada poeta en una de sus tragedias. El Estado ateniense confió el cuidado de los locales para espectadores y artistas, primero con la construcción de estructuras temporales de madera y luego con el mantenimiento y reparación del teatro permanente, a empresarios privados que alquilaban los locales. Por tanto, se pagó la entrada al teatro. Sin embargo, para garantizar que todos los ciudadanos, independientemente de su situación financiera, tengan la oportunidad de asistir al teatro, la democracia desde la época de Pericles ha proporcionado a cada ciudadano interesado una subvención equivalente a la entrada de un día, y en el caso de Siglo IV. y durante los tres días de representaciones teatrales.

Una de las diferencias más importantes entre el teatro griego y el teatro moderno era que la obra se desarrollaba al aire libre, a la luz del día. La ausencia de techo y el uso de luz natural se relacionaron, entre otras cosas, con el enorme tamaño de los teatros griegos, que superaban significativamente incluso a los teatros modernos más grandes. Dada la rareza de las representaciones teatrales, hubo que construir locales de teatro antiguos teniendo en cuenta a las masas de ciudadanos que celebraban la festividad.

Debido a los orígenes corales del drama ático, una de las partes principales del teatro es orquesta(“plataforma de baile”), donde actuaron coros dramáticos y líricos. La orquesta más antigua del teatro ateniense era un patio de armas redondo y compactado, de 24 metros de diámetro, con dos entradas laterales; el público pasó a través de ellos y luego entró el coro. En medio de la orquesta estaba altar de dionisio. Con la introducción de un actor que actuaba en diferentes papeles, se necesitaba un vestuario. Esta habitación es la llamada skena (“escenario”, es decir, tienda de campaña), fue de naturaleza temporal y estuvo inicialmente en esos campos de visión del público; pronto comenzaron a construirlo detrás de la orquesta y a diseñarlo artísticamente como fondo decorativo para el juego. El skene ahora representaba la fachada de un edificio, generalmente un palacio o un templo, frente a cuyos muros se desarrolla la acción (en el drama griego la acción nunca tiene lugar dentro de una casa). fue erigido frente a ella columnata(prosquenio); Entre las columnas se colocaron tableros pintados que sirvieron como una especie de decoración convencional: representaban algo que recordaba el escenario de la obra. Con esta estructura del teatro, una pregunta muy importante para el negocio teatral sigue sin estar clara: ¿dónde actuaron los actores? Sólo se dispone de información precisa sobre esto en la antigüedad tardía; los actores actuaron entonces en el escenario, elevándose muy por encima de la orquesta, por lo que quedaron separados del coro. El tercer componente del teatro, además de la orquesta y el skene, fue asientos para espectadores. En el siglo V Se trataba de bancos de madera, que luego fueron sustituidos por asientos de piedra. Dispositivos mecánicos en el teatro del siglo V. había muy poco. Cuando fue necesario mostrar al espectador lo que sucedía dentro de la casa, una plataforma sobre ruedas de madera salió de las puertas de la pantalla. (ekkyclema), junto con los actores o muñecos que se le colocaban, para luego ser retirado. Para levantar a los personajes (por ejemplo, a los dioses) en el aire se utilizaba la llamada "máquina", algo así como una grúa.

Los participantes del juego realizaron. usando mascaras. El teatro griego del período clásico conservó plenamente esta herencia del drama ritual, aunque ya no tenía ningún significado mágico. La máscara correspondía al enfoque del arte griego de presentar imágenes generalizadas, no ordinarias, sino heroicas, que se elevan por encima del nivel cotidiano, o grotesco-cómicas. Cuando hubo un cambio brusco en su estado mental, el actor se puso distintas máscaras en sus distintas parroquias. Gracias a la máscara, el actor podía interpretar fácilmente varios papeles durante una obra. En la mente de los griegos, los héroes míticos excedían a la gente común en altura y ancho de hombros. Por eso los actores trágicos vestían borceguíes(zapatos con suela alta en forma de zancos), un tocado alto del que descendían largos rizos y se colocaban almohadas debajo del traje. Actuaban con ropas largas y solemnes, las antiguas vestimentas de los reyes, que sólo los sacerdotes seguían usando.

Pregunta # 12. “Eneida” de Virgilio. Eneas como hombre de destino (Toporov)

La Eneida es la epopeya patriótica inacabada de Virgilio, que consta de 12 libros escritos entre el 29 y el 19. Después de la muerte de Virgilio, la Eneida fue publicada por sus amigos Vario y Plocio sin cambios, pero con algunas abreviaturas.

Virgilio abordó este tema a petición de Augusto para despertar el orgullo nacional de los romanos con relatos de los grandes destinos de sus antepasados ​​y, por otro lado, para proteger los intereses dinásticos de Augusto, supuestamente descendiente de Eneas a través de su hijo Yulus o Ascanius. Virgilio en la Eneida se alinea estrechamente con Homero; En la Ilíada, Eneas es el héroe del futuro. El poema comienza con la última parte de las andanzas de Eneas, su estancia en Cartago, y luego cuenta episódicamente los acontecimientos anteriores, la destrucción de Ilión (párrafo II), las andanzas de Eneas posteriores (párrafo III), la llegada a Cartago (párrafos I y IV). ), viaje a través de Sicilia (V p.) hasta Italia (VI p.), donde comienza una nueva serie de aventuras de carácter romántico y bélico. La ejecución misma de la trama adolece de un defecto común en las obras de Virgil: la falta de creatividad original y personajes fuertes. El héroe, el "piadoso Eneas", fracasa especialmente, privado de cualquier iniciativa, controlado por el destino y las decisiones de los dioses, que lo patrocinan como fundador de una familia noble y ejecutor de la misión divina: trasladar a Lar a una nueva patria. Además, la Eneida lleva la impronta de la artificialidad; a diferencia de la epopeya homérica, que surgió del pueblo, la Eneida fue creada en la mente del poeta, sin conexión con la vida y las creencias populares; Los elementos griegos se confunden con los itálicos, los cuentos míticos con la historia, y el lector siente constantemente que el mundo mítico sirve sólo como expresión poética de la idea nacional. Pero Virgilio utilizó todo el poder de sus versos para decorar episodios psicológicos y puramente poéticos, que constituyen la gloria inmortal de la epopeya.

“Eneas como hombre de destino” Según Toporov(Vladimir Nikolaevich Toporov (5 de julio de 1928, Moscú - 5 de diciembre de 2005, ibid.) - filólogo ruso) : “El significado de la hazaña de la vida de Eneas es aún mayor porque se creó a sí mismo y preparó su futuro teniendo en cuenta, por supuesto, todos esos signos que el destino le envió y que sólo una persona como Eneas podría haber notado y comprendido su significado. y sólo en las circunstancias que le sucedieron. En Virgilio, Eneas se encuentra principalmente en medio de su camino, en el período más incierto e inestable de su vida, entre vagabundeos que más parecen lanzamientos caóticos que un camino, aunque todavía está presente un objetivo lejano y al principio completamente confuso. pero su realidad misma aún no es completamente aceptada por la conciencia. Eneas está vitalmente conectado con su pasado, pero en realidad este pasado ya no existe y sólo puede tocarlo en la memoria. El recuerdo de Troya es a la vez consuelo y amarga tristeza. Es doloroso y tiene un efecto destructivo, si ves a Troya como un apoyo real, y en tu experiencia personal troyana como una especie de espacio cerrado, autosuficiente, completo y, por tanto, agotado después de su muerte. Pero esta memoria también es creativa si esta experiencia se comprende al nivel de una idea y en ella se ve el recurso que se lleva consigo en el viaje y, en cierto sentido, controla este camino. Pero el pasado, sea como fuere, entró en la memoria y enriqueció a Eneas con experiencia. Es aún peor con el futuro: no lo tiene (o, más exactamente, en sus circunstancias no hay posibilidad de ver este futuro ni siquiera de reflexionar sobre él), no puede convertirse en parte de la experiencia integral y en un recurso vital. . Sólo existe el presente, que amenaza con la muerte, y en esencia no es vida. Encerrado por el pasado y el presente en el espacio de la destrucción, Eneas, al menos sólo teóricamente, sólo puede esperar la salvación del futuro, que, afortunadamente para Eneas, se le revela, notificándole de sí mismo con diversos signos, e incluso en el En las circunstancias que vive, hay en sí mismo una última reserva que le permite percibir estos signos y responder a ellos, es decir, entrar en contacto salvador con el futuro, y precisamente con su futuro. La memoria del pasado y la atención a los signos del futuro, garantía de esperanza: estos son los dos dones que determinan el camino de Eneas hacia el futuro y al mismo tiempo lo controlan.

Sin entrar en detalles, en este camino Eneas tiene que lidiar con tres series de factores de los que depende el éxito del camino y, en consecuencia, una solución positiva al problema, poniendo a Eneas a la par de su destino. Estos tres círculos de factores (el azar, la voluntad de los dioses y el destino) son, por naturaleza, externos al hombre. Su papel en el desarrollo de la estrategia conductual de Eneas es diferente, del mismo modo que la naturaleza misma de estos factores es diferente. De hecho, el caso es "aleatorio", y esto es importante en el sentido de que prácticamente coincide con su propio signo, tanto en el tiempo como en el material. De esto se sigue que el aspecto signo del caso juega un papel mínimo, ya que la “víctima” del caso trata el caso mismo como tal y únicamente; El signo del caso antes de que el caso se descubra, por regla general, no es fijo y, por lo tanto, es prácticamente inútil para cambiar el comportamiento con el fin de prepararse para el caso en sí. Por estas mismas razones, la búsqueda de la causa de un caso carece de sentido, o más bien, carece de conveniencia práctica: causa y efecto parecen coincidir en la unidad del caso mismo, así como el significante y el significado coinciden en él. Finalmente, la mayoría de las veces el caso no tiene una fuerza “perturbadora” muy significativa: más bien, es como un paso que provoca tropiezos y dilación, alteración del ritmo y desviación, pero no la cancelación del camino elegido por el viajero. Pero en un mal momento, la escalada de “incidentes” en la parte anterior del viaje puede producir un efecto deprimente, provocar una reacción de arrepentimiento, desaliento incluso en Eneas, que controla estrictamente sus emociones y no está dispuesto a relajarse.

El destino en esta triple serie aparece en la Eneida como un macrofactor. como tribunal supremo y final de lo “impersonal” de una persona. Aquí ella no depende de una persona, y su comportamiento no puede cambiar su última palabra, aunque la persona misma, como Mahoma en la montaña, puede ir hacia el destino. Dado que el destino se revela obviamente sólo en su última palabra sobre una persona, y (al menos en Virgilio) no acumula su decisión, no se desarrolla de manera gradual, consistente, sumativa: está inmóvil y también se revela de una vez y por completo, en un cronotopo de un solo punto. En este sentido, el destino resulta, de hecho, independiente de la dependencia de causa y efecto (en otra versión, la situación se parece a lo que describe el tercer postulado de Bohr), pero al mismo tiempo, el destino es el probador de una persona, y cómo pasa esta prueba depende de cómo la pasa. No es la palabra del destino en sí lo que depende, sino la disposición de una persona para enfrentarla. En el caso extremo (y el ejemplo de Eneas de esta categoría), tal disposición hace que una persona sea amigable con su destino, le permite entrar en contacto con él y crea una situación fundamentalmente nueva: la última palabra del destino sobre una persona no es Ya no es una sentencia, no un acto de determinación rígida, subordinación, esencialmente violencia o, más cuidadosamente, no sólo una sentencia, sino dar a una persona el derecho y la oportunidad de elegir libremente su destino”.

Pregunta #13. Esquilo como "padre de la tragedia". La contribución de Esquilo al desarrollo del drama.

Esquilo, el poeta de la época de la formación del Estado ateniense y de las guerras greco-persas, es el fundador de la tragedia antigua en sus formas establecidas. Esquilo, quien presentó al segundo actor, fue reconocido como el "padre de la tragedia". El dramaturgo, que estuvo en los orígenes del género, logró crear obras que han sobrevivido durante siglos. Los antiguos eruditos contaron 90 obras dramáticas (tragedias y dramas sátiros) en la herencia literaria de Esquilo; Sólo se han conservado íntegramente siete tragedias, incluida una trilogía completa. Además, conocemos 72 obras por sus títulos, de los que suele quedar claro qué material mitológico se desarrolló en la obra; sus fragmentos, sin embargo, son pocos y de pequeño tamaño. En Esquilo, los elementos de la cosmovisión tradicional están estrechamente entrelazados con las actitudes generadas por el Estado democrático. Cree en la existencia real de fuerzas divinas que influyen en el hombre y a menudo le tienden trampas insidiosas. Esquilo se adhiere a la antigua idea de responsabilidad ancestral hereditaria: la culpa del antepasado recae sobre los descendientes, los enreda con sus fatales consecuencias y les conduce a la muerte inevitable. Por otro lado, los dioses de Esquilo se convierten en guardianes de los fundamentos legales de la nueva estructura estatal, y él propone enérgicamente momento de responsabilidad personal por su comportamiento libremente elegido. En este sentido, se están modernizando las ideas religiosas tradicionales. Desarrollando pensamientos ya esbozados por Solón, Esquilo describe cómo la retribución divina se introduce en el curso natural de las cosas. Relación entre La influencia divina y el comportamiento consciente de las personas, el significado de los métodos y objetivos de esta influencia, la cuestión de su justicia y bondad constituyen la principal problemática de Esquilo, que despliega en la descripción del destino y el sufrimiento humanos. Según él mismo admite, los cuentos heroicos (por ejemplo, Homero) sirven como material para Esquilo. El destino del héroe o familia heroica de Esquilo representado con mayor frecuencia en tres tragedias sucesivas, conformando una trilogía argumental e ideológicamente integral; le sigue un drama sátiro basado en una trama del mismo ciclo mitológico al que pertenecía la trilogía. Sin embargo, tomando prestados argumentos de la epopeya, Esquilo no sólo dramatiza las leyendas, sino que también las reinterpreta y las imbuye de sus propios problemas. A la luz de esta problemática, queda clara la dirección de las dramáticas innovaciones de Esquilo. Aristóteles, en el ya citado capítulo IV de la Poética, los resume así: “Esquilo fue el primero en aumentar el número de actores de uno a dos, reducir las partes del coro y dar primacía al diálogo”. Es decir, la tragedia dejó de ser una cantata, una de las ramas del lirismo coral mimético, y pasó a convertirse en drama. En la tragedia anterior a Esquilo, la historia de un solo actor sobre lo que sucedía detrás del escenario y su diálogo con la luminaria sólo servía como pretexto para las efusiones líricas del coro. Gracias a la introducción de un segundo actor, fue posible realzar la acción dramática., oponiendo fuerzas en competencia entre sí, y caracterizan a un actor por su reacción a los mensajes o acciones de otro. Sin embargo, Esquilo llegó al uso generalizado de estas posibilidades sólo en el último período de su obra; en sus primeras obras las partes del coro todavía prevalecen sobre el diálogo actores.

Llena de movimientos dramáticos e imágenes vívidas, la Oresteia es también extremadamente rica en contenido ideológico. Esta trilogía es extremadamente importante para comprender la cosmovisión de Esquilo. Poeta de la era del crecimiento de la democracia ateniense, Esquilo está convencido del significado y la bondad del orden mundial. Por boca del coro de “Agamenón”, polemiza contra la idea de que la felicidad y la infelicidad se alternan mecánicamente en la vida de las personas y proclama la inviolabilidad de la ley de la justa retribución. El sufrimiento le parece una de las herramientas para una gestión justa del mundo: “el conocimiento se adquiere a través del sufrimiento”. Las opiniones políticas de Esquilo también se expresan claramente en la Orestíada. Exalta el Areópago, una antigua institución aristocrática, en torno a cuyas funciones se desarrolló la lucha política en estos años, y considera que la "anarquía" no es menos peligrosa que el despotismo. Esquilo ocupa así Posición conservadora hacia las reformas democráticas., llevada a cabo por el grupo de Pericles, pero su conservadurismo también se dirige contra aquellos lados de la democracia ateniense que son su reverso. El poder del dinero, el trato inhumano a los esclavos, las guerras de conquista: todo esto encuentra la condena incondicional del artista, cuya dura cosmovisión se basa en una profunda simpatía por el sufrimiento humano. Las tragedias supervivientes permiten esbozar tres etapas en la obra de Esquilo, que al mismo tiempo son etapas en la formación de la tragedia como género dramático. Las primeras obras (“Suplicantes”, “Persas”) se caracterizan por un predominio de partes corales, poco uso de un segundo actor, mal desarrollo del diálogo e imágenes abstractas. El período medio incluye obras como "Siete contra Tebas" y "Prometeo atado". Aquí aparece una imagen central del héroe, caracterizada por varios rasgos principales; el diálogo se desarrolla, se crean prólogos; Las imágenes de figuras episódicas (“Prometeo”) también se vuelven más claras. La tercera etapa está representada por la Orestíada, con su composición más compleja, dramatismo creciente, numerosos personajes secundarios y el uso de tres actores.

Muchas de las técnicas de Esquilo, incluso poco después de su muerte, parecían arcaicas y poco dramáticas; Estos incluyen, por ejemplo, dolor silencioso, silencio prolongado de los personajes. Así, Prometeo guarda silencio cuando está encadenado; Casandra también guarda silencio durante mucho tiempo en "Agamenón", a pesar de los discursos que se le dirigen: como ejemplo más sorprendente, las fuentes antiguas citan la tragedia "Niobe", cuya heroína permaneció inmóvil y en silencio ante la tumba de sus hijos durante una parte importante de la acción. El arte de dirigir un diálogo dramático todavía está en proceso de formación en Esquilo, desarrollándose de un drama a otro, y el lirismo sigue siendo uno de los medios más importantes de influencia artística. El coro que predominó en “Los Suplicantes” y “Los Persas” juega un papel importante en tragedias posteriores, como portador del estado de ánimo(“Agamenón”, “Choephori”) y, a veces, como personaje (“Euménides”).

El poder emocional de la tragedia de Esquilo también se ve respaldado por el poderoso patetismo de su lenguaje; se caracteriza por cierta solemnidad y majestuosidad, especialmente en las partes líricas, que, sumadas a un escaso dinamismo, ya a finales del siglo V. Parecía algo arcaico. La antigüedad tardía recurrió a Esquilo con menos frecuencia que a Sófocles y Eurípides; A Esquilo se leía menos y se le citaba menos. Lo mismo sucedió en los siglos XVI al XVIII. La influencia de Esquilo en la literatura mundial fue en mucho mayor medida indirecta, a través de los antiguos sucesores de Esquilo, que directa. De las imágenes creadas por Esquilo, Prometeo fue la de mayor importancia, pero no todos los autores que desarrollaron el mito de Prometeo recurrieron a Esquilo. El poder y la grandeza de las tragedias de Esquilo no recibieron la debida apreciación hasta finales del siglo XVIII; Sin embargo, los investigadores burgueses todavía distorsionan la imagen del fundador de la tragedia, enfatizando el lado exclusivamente conservador, religioso y mitológico de su obra e ignorando su esencia profundamente progresista.

Pregunta #14. “Idilio” de Teócrito y “Bucólicas” de Virgilio.

El creador del idilio fue un poeta. Teócrito (Teócrito) poeta del siglo III. antes de Cristo mi. El término idilio significa, según una interpretación, "cuadro", y según otra, más plausible, "canción". Así se llamaba en la antigüedad a los pequeños poemas que no encajaban en ninguno de los géneros habituales.

Escribió idilios bucólicos: canciones de pastores. El género bucólico tenía su base en el folclore griego. Fuentes antiguas informan sobre las canciones de los pastores tocando la flauta, sus competiciones rituales durante la "limpieza" de rebaños y prados, así como en las fiestas de la "dueña de las bestias" Artemisa. La competencia en los cantos de los pastores ("bucoliasmo"), tal como se presenta en los poemas de Teócrito, tiene una estructura típica que se parece mucho a las escenas de "contienda" de la antigua comedia ática. Dos pastores se encuentran y comienzan una pelea, que termina en un desafío a un concurso de canto; Se elige un juez, éste determina el orden de la competición y al final pronuncia su veredicto. La competición en sí consiste en que los competidores interpreten secuencialmente una canción larga y coherente o intercambien canciones cortas, que deben tener un tema similar y ser idénticas en tamaño.

Teócrito contra la civilización urbana. Te acerca a lo natural. Sus idilios son escenas con botas que compiten en canciones (normalmente canciones de amor). Teócrito los trata con ironía: es un residente de la ciudad, no pobre, y juega con el lector. Intercalado con el estilo sentimental, a menudo dentro del mismo poema, hay un estilo irónico, a veces incluso paródico, con esbozos de supersticiones y rasgos cotidianos.

IDILO I tirsis

"Tyrsis" es un ejemplo típico de idilio pastoral rural, en el que

Se inserta un hermoso canto pastoril sobre la muerte del mítico pastor Dafnis. A continuación se muestra un ejemplo del diseño literario de una canción popular de pastor como género. Un pastor con un cabrero. La pastora Tirsis le dice al cabrero que canta bien. El cabrero dice que tiene una copa muy bonita y le pide que cante. Regala una taza por una canción.

Aparece un paisaje conmovedor que tiene una gran influencia en toda la literatura posterior. Teócrito siempre tiene un clima maravilloso. El anhelo del amor solitario es un área en la que Teócrito es un maestro en representar.

IDILO XV Siracusanos o mujeres en el festival de Adonis

Ante nosotros hay una escena vívida de la vida real; Teócrito muestra una gran habilidad en este género. El escenario es Alejandría, en Egipto; Los personajes son dos chismosos conversadores de la ciudad. Dos mujeres provinciales (de Sicilia) asistieron a la fiesta, rodeadas de una multitud de espectadores, soldados y caballería. Se dirigen al palacio donde actúa el cantante. Después de un himno exquisitamente solemne al rey Ptolomeo, llega un final cotidiano: una de las amigas recuerda que su marido gruñón aún no ha desayunado y es hora de volver a casa.

IDILO XI Cíclope

El erotismo recorre como un hilo rojo toda la obra de Teócrito. El amor es una enfermedad; La mejor cura para ello es derramar tu pasión en una canción. En este idilio, Teócrito, de acuerdo con el género principal de su poesía, pone tal canción de amor en boca del mítico pastor cíclope Polifemo. Este pastor gigante tuerto es extremadamente cómico y expresa su amor por la ninfa Galatea.

invitándola a chamuscarlo si le parece demasiado peludo, y dispuesta a dar incluso su único ojo por el bien de su amada.

Publio Virgilio Maro (70 – 19 ) esencialmente escribe sus tres poemas por orden de Augusto. Los “bucólicos” son poemas de pastores, los “geórgicos” son poemas agrícolas. La Eneida es una epopeya heroica. Lo que los une a todos es una idea diferente de la griega: Virgilio renunció al pasado y pidió un renacimiento en el futuro.

"Bucólicos"

1. poesía del pastor

2. incluye 10 poemas - églogas

3. El pasado siempre es feliz, el presente es triste.

4. fuentes – poesía idílica de Teócrito, casi un recuento

Diferencias con Teócrito:

1. Los héroes llevan máscaras convencionales de pastores; de hecho, son poetas educados. Teócrito enfatizó la aspereza externa y cierta primitividad del mundo espiritual de sus héroes y describió con entusiasmo los detalles cotidianos de la vida rural. Virgilio crea en sus "Bucólicas" un mundo ideal habitado por personas moralmente puras y al mismo tiempo sensibles y poéticamente dotadas, que visten, en esencia, sólo máscaras de pastores.

2. El mundo natural no es sólo un fondo, está lleno de vida misteriosa.

3. Las imágenes son ambiguas, como en la poesía helenística.

4. Composición discordante: las églogas resuenan en pares

"Bucólicas", compilada durante uno de los momentos más agudos de la guerra civil, marcó un escape de la realidad a un mundo ideal.

Pregunta # 15. Epopeya didáctica de Hesíodo.

La comunidad de clanes se estaba desintegrando rápidamente, y si Homero fue la víspera de la sociedad de clases, entonces Hesíodo ya refleja la orientación del hombre dentro de los límites de la sociedad de clases.

Hesíodo: escritor de los siglos VIII-VII antes de Cristo. El didactismo de sus obras fue provocado por las necesidades de la época, el fin de la era épica, cuando los ideales heroicos se secaron en su brillante espontaneidad y se convirtieron en enseñanza, instrucción y moralidad. En una sociedad de clases, las personas estaban unidas por una u otra actitud hacia el trabajo. La gente pensaba en sus ideales, pero... Si bien las relaciones puramente comerciales e industriales aún no habían madurado y las antiguas relaciones domésticas aún no habían muerto, la conciencia de la gente convirtió estas últimas en moralidad, un sistema de enseñanzas e instrucciones. La sociedad de clases dividió a las personas en ricos y pobres. Hesíodo es el cantante de una población arruinada que no se beneficia del colapso de la antigua comunidad. De ahí la abundancia de colores oscuros.

“Trabajos y días” fue escrito como una instrucción para el hermano Persa, quien, a través de jueces injustos, le quitó a Hesíodo la tierra que le pertenecía, pero luego quebró. El poema es un ejemplo de epopeya didáctica y desarrolla varios temas. primer tema construido sobre la predicación de la verdad, con episodios insertados sobre Prometeo y el mito de los cinco siglos. El segundo está dedicado. trabajo de campo, implementos agrícolas, ganado, ropa, alimentos y otros atributos del hogar. El poema está salpicado de diversas instrucciones que pintan la imagen de un campesino que sabe cómo y cuándo puede arreglar sus asuntos de manera rentable, que es astuto, previsor y prudente. Hesíodo también quiere ser rico, porque... "Los ojos de los ricos son audaces". La moral de Hesíodo siempre se reduce a las autoridades divinas y no va más allá de la organización de los asuntos económicos. Hesíodo es muy conservador y muy estrecho en su horizonte mental. El estilo de Hesíodo es lo opuesto al lujo, la verbosidad y la amplitud de la epopeya homérica. Sorprende por su sequedad y brevedad. En general, el estilo es épico con todos sus rasgos distintivos (hexámetro, expresiones estándar, dialecto jónico). Pero la epopeya no es heroica, sino didáctica, la suave narración épica se ve interrumpida por el drama de episodios mitológicos desconocidos para Homero, y el lenguaje está repleto de expresiones comunes, fórmulas tradicionales de oráculos y moralidad bastante prosaica. El moralismo es tan fuerte e intenso que produce una impresión muy aburrida y monótona. Pero Hesíodo es observador y a veces dibuja cuadros muy vívidos de la vida antigua. También tiene rasgos de cierta poesía, pero la poesía está llena de instrucciones morales y económicas.

Usando el ejemplo de su trabajo, se pueden observar cambios y contradicciones sociales. Los poemas de Hesíodo sorprenden por la abundancia de contradicciones de diversa índole, que, sin embargo, no nos impiden percibir su epopeya como un todo orgánico. Después de la llegada del sistema esclavista, Hesíodo, por un lado, es un hombre pobre, por el otro, sus ideales están asociados con el enriquecimiento, ya sea en el sentido antiguo o en el nuevo. Su valoración de la vida está llena de pesimismo, pero al mismo tiempo de optimismo laboral, esperanzas de que gracias a la actividad constante llegará una vida feliz. La naturaleza para él es ante todo una fuente de beneficios, pero Hesíodo es un gran amante de sus bellezas. En general, Hesíodo fue el primer poeta históricamente real de la antigua Grecia, lo que refleja la era turbulenta del colapso de la comunidad tribal.

Pregunta # 16. Fábulas de Fedro. Esopo y Fedro.

Aparte de las tendencias literarias de la élite, tuvieron lugar las actividades del fabulista Fedro, esclavo y luego liberto del emperador Augusto. Originario de la provincia de Macedonia, mitad griego, Fedro entró en contacto con la cultura romana y la lengua latina desde pequeño. Desde los años 20. Siglo I, publica cinco colecciones de Fábulas de Esopo. Como género independiente, la fábula no había estado representada en la literatura romana hasta ese momento, aunque los escritores (especialmente los satíricos) a veces introducían tramas de fábula en su presentación (las obras del poeta Horacio, el historiador Plutarco y el ya familiar "maestro de la literatura"). el género coloquial” Dion Crisóstomo, el satírico, están repletos de fábulas (Luciano, Josefo, Apio y Eliano, Aquiles Tacio). Sin embargo, el término “fábula” no debe entenderse en un sentido demasiado restringido; Fedro incluye en sus colecciones no sólo "fábulas", sino también entretenidas historias anecdóticas.

Las fábulas griegas aparecieron bajo el nombre de "Esopo" (el idioma en el que se escribieron las fábulas de la colección de Esopo es el idioma hablado habitual de los griegos de los siglos I-II d.C.), pero al compilador no le importaban las habilidades literarias: pensó sólo sobre sencillez y claridad, y accesibilidad pública), quien al mismo tiempo fue héroe de numerosos chistes; Fedro traduce este material en verso latino. Al principio se limita a tramas prestadas, pero luego intenta pasar a la creatividad original. El título "Fábulas de Esopo", según explica el autor, en libros posteriores sirve sólo como una característica del género y no como una indicación de que las tramas pertenezcan a Esopo. La forma en verso de las fábulas de Fedro es la antigua métrica yámbica del drama republicano, algo desviada del tipo griego y ya en desuso en la literatura "alta", pero familiar para el visitante masivo del teatro romano.

Fedro es un poeta plebeyo. Al elegir el género “Esopo”, es consciente de su carácter “popular”. Fedro cree que la fábula fue creada por esclavos que no se atrevían a expresar libremente sus sentimientos y encontró para ellos una forma alegórica de invención lúdica. El elemento de sátira social se nota especialmente en las dos primeras colecciones, en las que predomina el tipo tradicional de fábula de animales. La elección de las tramas (aunque tradicionales), la naturaleza de su tratamiento, la formulación de la enseñanza moral: todo indica la dirección de la fábula de Fedro contra los "fuertes".

El primer libro comienza con "El lobo y el cordero". La cooperación con los “fuertes” es imposible (“vaca, cabra, oveja y león”). Los desacuerdos entre los “fuertes” traen nuevos sufrimientos a los “bajos” (“Ranas asustadas por la corrida de toros”). El único consuelo es que el poder y la riqueza a menudo conducen a más peligros que la pobreza (“Dos mulas y ladrones”). Fedro no cree en mejorar la situación de los pobres; cuando cambian los líderes del gobierno, “los pobres no cambian nada excepto el nombre del amo” (“El burro al viejo pastor”). Esto ya es una fábula con tintes políticos. Fedro también da una interpretación política a la fábula de “Las ranas pidiendo rey”; Se refiere, es cierto, a la tiranía de Pisístrato en Atenas, pero está redactado en términos que son mucho más aplicables a la pérdida de la libertad republicana en Roma. La fábula finaliza con un llamado a la humildad: “ciudadanos, soportad este mal para que no suceda algo peor”. En algunos poemas, los contemporáneos probablemente pudieron discernir alusiones de actualidad, aunque el poeta asegura que su sátira no está dirigida contra individuos. Por ejemplo: Helios (Sol) quiere casarse; las ranas gritan: “Ya está secando todos los pantanos, ¿qué pasará cuando dé a luz niños?”

Después de la publicación de las dos primeras colecciones, el autor sufrió por su valentía: fue víctima de la persecución de Sejano, un servidor temporal del emperador Tiberio, y se encontró en una situación difícil. En sus próximos libros busca el patrocinio de libertos influyentes. La sátira se vuelve mucho más inocente. "Hacer un chillido en público es un crimen para un plebeyo", cita Fedro a Ennio. Cada vez más, aparecen fábulas de tipo abstracto, anécdotas: historias históricas de la vida moderna, cuentos cotidianos, como la trama sobre la "viuda inconsolable" ("La matrona de Éfeso" de Petronio), aretalogías, incluso poemas sin fábulas descriptivos o Contenido instructivo, y el autor muestra una gran tendencia a la moralización filosófica popular.

Fedro se atribuye el mérito de la "brevedad". Su narración no se detiene en detalles y va acompañada únicamente de explicaciones lacónicas de carácter moral y psicológico. Los personajes se expresan en fórmulas concisas y claras. El lenguaje es simple y limpio. El resultado sigue siendo cierta sequedad y, a veces, una especificidad insuficiente de la presentación. La moraleja no siempre se desprende de la historia. Los contemporáneos ya reprochaban al fabulista su “excesiva brevedad y oscuridad”; el delicado autor polemiza duramente con estas "personas envidiosas" y inclinado a valorar mucho sus méritos literarios como creador de un nuevo género de poesía romana.

La “gloria” que esperaba Fedro no llegó pronto. La literatura de élite lo ignoró. Séneca en los años 40 también llama a la fábula “un género no probado por los talentos romanos”; O no conoce a Fedra o no lo reconoce. En la antigüedad tardía, las fábulas de Fedro, presentadas en prosa, formaban parte de una colección de fábulas (la llamada “Rómulo”), que durante muchos siglos sirvió para la enseñanza escolar y fue una de las fuentes más importantes de fábulas medievales. El verdadero Fedro no se hizo ampliamente conocido hasta finales del siglo XVI. Tanto el Fedro original como el revisado fueron un vínculo intermedio entre el “Esopo” griego y la fábula europea moderna. Tramas tan conocidas como "El lobo y el cordero", "Las ranas preguntando por el zar", "El cuervo y el zorro", "El lobo y la grulla", "La rana y el buey", "El gallo y el grano de perlas" y muchas otras. Encontró en la literatura rusa una expresión poética clásica de Krylov, tomada por él del fabulista francés La Fontaine, quien utilizó directamente la colección de Fedro.

Nota: En la literatura griega, la autoría de varias fábulas ya se atribuye a Hesíodo (ca. 800 a. C.) y Estesacor (siglo VI a. C.), pero el fabulista más famoso es Esopo, de origen frigio; sus fábulas (todas contadas en prosa) se distinguen por su extraordinaria claridad, claridad, sencillez, tranquilidad e ingenio, por lo que no es de extrañar que muy pronto se hayan extendido ampliamente por todo el entonces mundo civilizado, hayan sido reelaboradas durante muchos siglos hasta nuestros días y sean ahora, en modificaciones y traducciones, constituyen propiedad de toda literatura, aunque sea muy poco desarrollada.

Ejemplos de fábulas (creo que te serán útiles):

Esopo (aquí http://lib.ru/POEEAST/EZOP/aesop.txt - más).

Comadreja y Afrodita

Weasel se enamoró de un apuesto joven y le rezó a Afrodita para que la convirtiera en mujer. La diosa se apiadó de su sufrimiento y la transformó en una hermosa niña. Y el joven se enamoró tanto de ella de un vistazo que inmediatamente la llevó a su casa. Y así, cuando estaban en el dormitorio, Afrodita quiso saber si la caricia, junto con su cuerpo, había cambiado su carácter, y dejó entrar un ratón en medio de la habitación. Entonces la comadreja, olvidando dónde estaba y quién era, salió corriendo de la cama hacia el ratón para devorarlo. La diosa se enojó con ella y nuevamente la devolvió a su apariencia anterior.

Del mismo modo, las personas que son malas por naturaleza, por mucho que cambien su apariencia, no pueden cambiar su carácter.

Un hombre de pelo gris y sus amantes.

El hombre de pelo gris tenía dos amantes, una joven y la otra vieja.

La anciana se avergonzaba de vivir con un hombre más joven que ella, y por eso cada vez

Él se acercó a ella y ella le arrancó el pelo negro. Y la joven quería

para ocultar que su amante era un anciano, y le arrancó las canas. Así se arrancaron

fueron uno tras otro, y al final quedó calvo.

Por tanto, la desigualdad es perjudicial en todas partes.

Fedro (más aquí: http://grigam.narod.ru/verseth/vers1/vers19.htm)

Prólogo

Esopo eligió el tema de las fábulas y lo pulí con versos en hexámetros. El libro tiene un doble beneficio: provoca risas y enseña a vivir con consejos sensatos. Y si me reprochan que aquí no sólo hablan los animales, sino también los árboles, que lo recuerden: todo esto es una fantasía divertida.

La más antigua de estos tipos de creatividad artística es la épica. Las primeras formas de la epopeya surgieron en las condiciones del sistema comunal primitivo y están asociadas con la actividad laboral humana, con la conquista de la naturaleza, con enfrentamientos tribales (por ejemplo, los cuentos de hadas de los indios norteamericanos sobre Hiowata). En su desarrollo, la epopeya experimentó grandes cambios, prosperidad y decadencia; sus tramas, héroes, géneros y estilo cambiaron; en él se depositaron estratos de diversas épocas históricas.

La característica principal de la epopeya es que reproduce la realidad externa al autor, generalmente sin la intervención de este, cuya identidad está en su mayor parte oculta a los lectores. Sólo en los géneros autobiográficos y en la literatura del siglo XX se viola esta regla.

La narración en la epopeya se lleva a cabo en nombre de un narrador, testigo, participante de los acontecimientos y, con menos frecuencia, héroe de los acontecimientos, real o ficticio. La epopeya utiliza una variedad de métodos de presentación (narración, descripción, diálogo, monólogo, digresiones del autor), el discurso del autor y el discurso de los personajes, a diferencia del drama, donde un método de presentación (diálogo) y una forma de discurso. (el discurso de los personajes) se utilizan. La epopeya presenta grandes oportunidades para una descripción multifacética de la realidad y una descripción de una persona en el desarrollo de su carácter, circunstancias, motivación de los eventos y comportamiento de los personajes. La narración en la epopeya generalmente se lleva a cabo en tiempo pasado, como sobre eventos pasados, y solo en la nueva literatura la epopeya incluye tanto el tiempo presente como una combinación de tiempos pasado, presente y futuro. El lenguaje de la epopeya es en gran medida figurativo y plástico, a diferencia de la letra, donde domina el discurso emocionalmente expresivo.

Los tipos específicos de epopeya son épica, epopeya, cuento de hadas, novela, cuento, poema, cuento, ensayo, fábula, anécdota.

La épica es la forma más grande y monumental de literatura épica. La epopeya heroica antigua y la epopeya moderna difieren significativamente entre sí.

Las epopeyas antiguas tienen sus raíces en el folclore, la mitología y la memoria legendaria de los tiempos prehistóricos. La característica más importante de las epopeyas antiguas es que en ellas todo lo maravilloso e increíble se convierte en objeto de fe inmediata y en la única forma posible de exploración del mundo. La antigua epopeya inevitablemente se extingue junto con el fin de la “infancia de la sociedad humana”. Es artísticamente necesario sólo mientras la conciencia mitológica viva y determine la percepción humana del mundo.

La base de la epopeya de los tiempos modernos es una conciencia realista (como, por ejemplo, en “Guerra y paz”, en “Los hermanos Karamazov”, “Quiet Flows the Flow”) o una conciencia romántica del mundo (como, por ejemplo, ejemplo, en la epopeya de Proust “En busca del tiempo perdido”). La característica principal de la epopeya moderna es que encarna el destino de los pueblos, el proceso histórico mismo.

Al clasificar formas específicas en la epopeya, las diferencias en el volumen de obras son de gran importancia.

Hay una forma pequeña (cuento), una forma mediana (cuento) y una forma épica grande: la novela. A diferencia de un cuento y una novela, una historia no se caracteriza por un sistema desarrollado de personajes, no tiene una evolución compleja de los personajes y su individualización detallada;

Una historia con una trama dinámica, giros inesperados y bruscos y un desenlace se suele denominar cuento.

Una historia descriptiva-narrativa se llama ensayo. La trama del ensayo juega un papel menor que el diálogo, las digresiones del autor y la descripción de la situación. Un rasgo característico del ensayo es documental. A menudo los ensayos se combinan en ciclos.

El tipo épico principal es la novela. La palabra “novela” en sí misma inicialmente significaba, en la Europa medieval, obras narrativas en lenguas romances.

En la historia de la novela europea podemos distinguir varias etapas de su desarrollo.

Novela antigua (“etíope” de Heliodoro y otros). Una novela así se construyó según un patrón determinado: la inesperada separación de los amantes, sus desventuras y una feliz unión al final de la obra.

Un romance de caballerías que también combina elementos de amor y aventuras. El caballero fue retratado como un amante ideal, dispuesto a soportar cualquier desafío por el bien de su dama.

Ya en el siglo XVIII la novela picaresca tomó forma. Su tema es el ascenso de una persona emprendedora de las clases bajas a la escala social. La novela picaresca refleja ampliamente los elementos de la vida y es interesante por su recreación concreta de situaciones cotidianas cotidianas.

El verdadero apogeo de la novela se produjo en el siglo XIX. En la literatura rusa, la novela recibió su color específico. Los artistas rusos de la palabra en sus expresiones representan la discordia entre las aspiraciones del individuo al ideal y la imposibilidad de alcanzarlo. Aparece la llamada galería de personas “extra”.

En el siglo XX apareció una novela decadente que describe un conflicto entre el individuo y el medio ambiente, a menudo este conflicto es insoluble. Un ejemplo de esta novela es El castillo de Kafka.

Entonces, descubrimos que los tipos de epopeya son novela, cuento, cuento, ensayo, etc. Pero los tipos aún no son las formas finales de las obras literarias. Si bien siempre conserva las características genéricas generales y los rasgos estructurales del tipo, cada obra literaria también contiene características únicas dictadas por las características del material y las características del talento del escritor, es decir, tiene una forma de "género" única.

Por ejemplo, los géneros de la novela son una novela filosófica (por ejemplo, "La peste" de A. Camus), una novela de previsión ("Nosotros" de E. Zamyatin), una novela de advertencia ("El cadalso" de Ch Aitmatov), ​​​​una novela militar ("La estrella" de E. Kazakevich), una novela de fantasía ("El hiperboloide del ingeniero Garin" de A. Tolstoi), una novela autobiográfica ("La vida de Arsenyev" de I. Bunin), una novela psicológica (“Crimen y castigo” de F. Dostoievski), etc.

La historia tiene los mismos géneros que la novela. Lo mismo ocurre con la historia. Hay historias sobre temas filosóficos, sobre temas militares, los escritores de ciencia ficción crean historias fantásticas, los escritores satíricos crean historias satíricas y humorísticas. Un ejemplo de historia humorística es "El aristócrata" de M. Zoshchenko.

Épico

Una epopeya (del griego épico y poieo - creo) es una extensa obra de arte en verso o prosa, que narra acontecimientos históricos importantes. Normalmente describe una serie de acontecimientos importantes dentro de una época histórica específica. Inicialmente tenía como objetivo describir acontecimientos heroicos.

Epopeyas conocidas: "Ilíada", "Mahabharata".

Novedoso

Una novela es una gran obra de arte narrativa, en cuyos acontecimientos suelen participar muchos personajes (sus destinos están entrelazados).

Una novela puede ser filosófica, histórica, de aventuras, familiar, social, de aventuras, fantástica, etc. También hay una novela épica que describe el destino de las personas en épocas históricas críticas ("Guerra y paz", "Quiet Don", "Lo que el viento se llevó").

Una novela puede estar en prosa o en verso, contener varias líneas argumentales e incluir obras de pequeños géneros (cuento, fábula, poema, etc.).

La novela se caracteriza por la formulación de problemas socialmente significativos, el psicologismo y la revelación del mundo interior de una persona a través de conflictos.

Periódicamente se pronostica el declive del género novelesco, pero sus amplias posibilidades para representar la realidad y la naturaleza humana le permiten tener un lector atento en los próximos nuevos tiempos.

Muchos libros y trabajos científicos están dedicados a los principios de construcción y creación de una novela.

Cuento

Una historia es una obra de arte que ocupa una posición intermedia entre una novela y un cuento en términos de volumen y complejidad de la trama, construida en forma de una narración sobre los acontecimientos del personaje principal en su secuencia natural. Por regla general, la historia no pretende plantear problemas globales.

Historias ampliamente conocidas: "El abrigo" de N. Gogol, "La estepa" de A. Chejov, "Un día en la vida de Ivan Denisovich" de A. Solzhenitsyn.

Historia

Una historia es una obra breve de ficción con un número limitado de personajes y eventos. Una historia puede contener sólo un episodio de la vida de un personaje.

Los relatos breves y los cuentos son los géneros con los que los jóvenes prosistas suelen iniciar su labor literaria.

Novela

Un cuento, como un cuento, es una pequeña obra de arte caracterizada por la brevedad, la falta de descripción y un final inesperado.

Los cuentos de G. Boccaccio, Pr. Mérimée, S. Maughema.

Visión

Una visión es una narración de eventos que fueron revelados en un (supuestamente) sueño, alucinación o sueño letárgico. Este género es característico de la literatura medieval, pero todavía se utiliza en la actualidad, normalmente en obras satíricas y fantásticas.

Fábula

Una fábula (de “bayat” - contar) es una pequeña obra de arte en forma poética de carácter moralizante o satírico. Al final de la fábula suele haber una breve conclusión moralizante (la llamada moraleja).

La fábula ridiculiza los vicios de las personas. En este caso, los personajes suelen ser animales, plantas o cosas diferentes.

Parábola

Una parábola, como una fábula, contiene un mensaje moral en forma alegórica. Sin embargo, la parábola elige a personas como héroes. También se presenta en forma de prosa.

Quizás la parábola más famosa sea la "Parábola del hijo pródigo" del Evangelio de Lucas.

Cuento de hadas

Un cuento de hadas es una obra de ficción sobre acontecimientos y personajes ficticios, en los que aparecen fuerzas mágicas y fantásticas. Un cuento de hadas es una forma de enseñar a los niños el comportamiento correcto y el cumplimiento de las normas sociales. También transmite información importante para la humanidad de generación en generación.

El tipo moderno de cuento de hadas, la fantasía, es una especie de novela histórica de aventuras, cuya acción tiene lugar en un mundo ficticio cercano al real.

Broma

Una anécdota (anécdota francesa - cuento, fábula) es una pequeña forma de prosa, caracterizada por la brevedad, un final inesperado, absurdo y divertido. Una anécdota se caracteriza por un juego de palabras.

Aunque muchos chistes tienen autores específicos, por regla general sus nombres se olvidan o inicialmente permanecen "detrás de la cortina".

Una colección ampliamente conocida de anécdotas literarias sobre los escritores N. Dobrokhotova y Vl. Pyatnitsky, atribuido erróneamente a D. Kharms.

Se puede encontrar información más detallada sobre este tema en los libros de A. Nazaikin.

Antes de analizar los géneros de la épica, conviene averiguar qué se esconde detrás de este término. En crítica literaria, esta palabra a menudo puede referirse a fenómenos ligeramente diferentes.

Existe una categoría como género literario. Hay tres en total y cada uno incluye una serie de obras que son similares en el tipo de organización del habla. Otro detalle importante es que cada tipo se diferencia en su enfoque sobre el sujeto, objeto o acto de expresión artística.

Elemento principal

La unidad clave que determina la división de la literatura es la palabra. Es esto lo que, en primer lugar, representa el tema, reproduce la comunicación de los personajes o expresa el estado de cada hablante.

De una forma u otra, tradicionalmente existen tres géneros literarios. Esto es drama, lirismo, épica.

tipo de literatura

Si el drama representa la personalidad humana en conflicto con las personas que lo rodean, y las letras tienen como objetivo expresar los sentimientos y pensamientos del autor, entonces los géneros épicos implican una imagen objetiva de un individuo interactuando con el mundo que lo rodea.

Se presta mucha atención a los acontecimientos, personajes, circunstancias, entorno social y natural. Es por ello que los géneros épicos en la literatura son más diversos que los dramas o las letras. La capacidad de utilizar todas las profundidades del lenguaje permite al autor prestar especial atención a la descripción y la narración. Esto puede verse facilitado por epítetos, oraciones complejas, todo tipo de metáforas, unidades fraseológicas, etc. Esto y mucho más son finos detalles.

Principales géneros épicos

De los géneros voluminosos, la épica incluye los siguientes géneros: épica, novela y obras que se incluyen en ambas definiciones. Esta denominación genérica se opone a géneros tan pequeños como el cuento, el cuento, etc.

Epic se puede definir usando dos definiciones:

1. Una narrativa extensa que se centra en acontecimientos históricos significativos.

2. Una historia larga y compleja que involucra muchos eventos y personajes.

Ejemplos del género épico son las obras de la literatura rusa "Quiet Don" de M.A. Sholokhov y "Guerra y paz" de L.N. Tolstoi. Ambos libros tienen una trama que abarca varios años dramáticos de la historia del país. En el primer caso, se trata de la Primera Guerra Mundial y la Guerra Civil, que destruyeron a los cosacos, a los que pertenecían los personajes principales. La epopeya de Tolstoi habla de la vida de los nobles en el contexto del enfrentamiento con Napoleón, las sangrientas batallas y el incendio de Moscú. Ambos escritores prestan atención a múltiples personajes y destinos, en lugar de convertir a un personaje en el protagonista de toda la obra.

Una novela, por regla general, tiene un volumen algo menor que una epopeya y no se centra en un número tan grande de personas. En general, este término puede descifrarse como “una narración detallada en prosa sobre la vida del personaje principal y el desarrollo de su personalidad”. Por su accesibilidad y versatilidad, este género es sin duda el más popular de la literatura.

El concepto bastante vago de novela nos permite incluir una variedad de obras, a veces radicalmente diferentes entre sí. Existe un punto de vista sobre el surgimiento de este fenómeno en la Antigüedad (“Satyricon” de Petronio, “Águila Dorada” de Apuleyo). Una teoría más popular es que la novela apareció durante el apogeo de la caballería. Podría ser una epopeya popular reelaborada o fábulas más pequeñas (El romance de Renard).

El desarrollo del género continuó en los tiempos modernos. Llegó a su apogeo en el siglo XIX. Fue en esta época que trabajaron clásicos como A. Dumas, V. Hugo, F. Dostoievski. Las obras de este último también pueden caracterizarse como una novela psicológica, ya que Fyodor Mikhailovich alcanzó alturas increíbles al describir el estado mental, las experiencias y los pensamientos de sus héroes. También se puede añadir a Stendhal a la serie “psicológica”.

Otros subgéneros: filosófico, histórico, educativo, fantástico, romántico, novela de aventuras, utopía, etc.

Además, existe una clasificación de novelas por países. Todos estos son también géneros de épica. Las características de mentalidad, estilo de vida y lenguaje han hecho que las novelas rusas, francesas y estadounidenses sean fenómenos completamente diferentes.

Elementos más pequeños

Según la clasificación, la epopeya incluye los siguientes géneros: cuento y poema. Estos dos fenómenos reflejan enfoques opuestos de la creatividad entre los autores.

La historia ocupa una posición intermedia entre la novela y las formas pequeñas. Una obra de este tipo puede abarcar un período breve de tiempo y tener un personaje principal. Es interesante que en el siglo XIX en nuestro país las historias también se llamaban cuentos, ya que el idioma ruso aún no conocía ese término. En otras palabras, esta era la designación de cualquier obra cuyo volumen fuera inferior a una novela. En los estudios literarios extranjeros, por ejemplo en inglés, el concepto de “cuento” es sinónimo de la expresión “novela corta”. En otras palabras, es una novela corta. La clasificación de este fenómeno literario es similar a la que se utiliza entre las novelas.

Si la historia pertenece a la prosa, entonces en poesía hay un poema paralelo a ella, que también se considera una obra de volumen medio. La forma poética incluye una narrativa característica del resto de la epopeya, pero también tiene rasgos propios fácilmente reconocibles. Se trata de descripción moral, pompa y emociones profundas de los personajes.

Esta epopeya, cuyos ejemplos se pueden encontrar en diversas culturas, surgió hace mucho tiempo. Las canciones de carácter lírico-épico, conservadas, por ejemplo, en forma de himnos y números griegos antiguos, pueden considerarse un cierto punto de partida. Posteriormente, estas obras literarias se volvieron características de las culturas medievales tempranas germánica y escandinava. Estos también pueden incluir epopeyas, es decir. Epopeya rusa. Con el tiempo, la naturaleza épica de la narrativa se convirtió en la columna vertebral de todo el género. El poema y sus derivados son los principales géneros de la epopeya.

En la literatura moderna, el poema ha dado paso a la posición dominante de la novela.

Formas pequeñas

Los géneros de la epopeya incluyen y Con la ayuda de tales experiencias, el autor explora primero los pensamientos y la personalidad del héroe. El mundo circundante juega un papel secundario y su descripción está subordinada a la tarea principal. En ocasiones, un retrato también recibe el nombre de descripción biográfica basada en las principales etapas de la vida del sujeto.

Si un retrato es una experiencia artística, entonces un ensayo problemático se considera parte del periodismo. Se trata de una especie de diálogo, una conversación con el lector sobre un tema determinado. La tarea del autor es identificar el problema y presentar sus propios puntos de vista sobre la situación. Los periódicos y cualquier revista en general están llenos de notas de este tipo, ya que su profundidad y tamaño son completamente adecuados para el periodismo.

Por otra parte, cabe señalar que surgieron antes que los demás e incluso se reflejaron en la literatura clásica rusa. Por ejemplo, estos son bocetos de Pushkin, así como "El viaje de San Petersburgo a Moscú" de A.N. Radishchev, que le dio fama inmortal. Con la ayuda de notas de viaje, el autor intenta registrar sus propias impresiones de lo que vio en el camino. Esto es exactamente lo que hizo Radishchev, sin tener miedo de declarar directamente la horrible vida de los siervos y trabajadores que se encontraron en su camino.

Los géneros de la épica en la literatura también están representados por los cuentos. Esta es la forma más sencilla y accesible tanto para el autor como para el lector. Las obras de la literatura rusa en el género de los cuentos hicieron que A.P. fuera mundialmente famoso. Chéjov. A pesar de su aparente sencillez, en apenas unas pocas páginas creó imágenes vívidas que han quedado arraigadas en nuestra cultura (“El hombre en un estuche”, “Grueso y delgado”, etc.).

El cuento es sinónimo del término “cuento”, que proviene del idioma italiano. Ambos se encuentran en el último nivel de la prosa en términos de volumen (secuencialmente después de la novela y el cuento). Los escritores especializados en este género se caracterizan por la denominada ciclación, o publicación de obras en revistas periódicas, así como en colecciones.

La historia se caracteriza por una estructura sencilla: inicio, clímax, desenlace. Este desarrollo lineal de la trama a menudo se diluye con la ayuda de giros o acontecimientos inesperados (el llamado piano entre los arbustos). Una técnica similar se generalizó en la literatura del siglo XIX. Las raíces de la historia son las epopeyas populares o los cuentos de hadas. Las colecciones de cuentos míticos fueron las precursoras de este fenómeno. Por ejemplo, "Las mil y una noches", que se hizo famosa no sólo en el mundo árabe, sino que también se reflejó en otras culturas.

Ya más cerca del comienzo del Renacimiento en Italia, la colección "El Decamerón" de Giovanni Boccaccio ganó popularidad. Fueron estos cuentos los que marcaron la pauta para el tipo de cuento clásico, que se generalizó después de la época barroca.

En Rusia, el género del cuento se hizo popular durante el período del sentimentalismo de finales del siglo XVIII, incluso gracias a la obra de N.M. Karamzin y V.A. Zhukovski.

La épica como género independiente.

En contraste con el género literario y la tríada "drama, lirismo, épica", también existe un término más limitado que habla de la épica como una narrativa, cuya trama está tomada del pasado lejano. Al mismo tiempo, incluye muchas imágenes, cada una de las cuales crea su propia imagen del mundo, diferente para cada cultura. El papel más importante en tales obras lo desempeñan los héroes de la epopeya popular.

Comparando dos puntos de vista sobre este fenómeno, no podemos evitar recurrir a las palabras del famoso culturólogo y filósofo ruso M.M. Bajtín. Separando la epopeya del pasado lejano de la novela, dedujo tres tesis:

1. El tema de la epopeya es el pasado nacional, llamado absoluto, del que no existen pruebas exactas. El epíteto "absoluto" fue tomado de las obras de Schiller y Goethe.

2. La fuente de la epopeya es sólo la leyenda nacional y no la experiencia personal a partir de la cual los escritores crean sus libros. Así, las epopeyas contienen abundantes referencias a lo mítico y divino, de las que no existe evidencia documental.

3. El mundo épico no tiene nada que ver con la modernidad y está lo más alejado posible de ella.

Todas estas tesis facilitan la respuesta a la pregunta de qué tipo de obras o qué géneros se incluyen en la epopeya.

Las raíces del género hay que buscarlas en Oriente Medio. Las civilizaciones más antiguas que surgieron entre los ríos Éufrates y Tigris se distinguían por un nivel cultural más alto que sus vecinas. El cultivo de la tierra, la aparición de recursos, el surgimiento del comercio: todo esto desarrolló no solo el lenguaje, sin el cual la literatura es imposible, sino que también creó las razones del estallido de conflictos militares, cuya trama forma la base de obras heroicas.

A mediados del siglo XIX, los arqueólogos ingleses lograron descubrir la antigua ciudad de Nínive, que pertenecía a la cultura asiria. Allí también se encontraron tablillas de arcilla que contenían varios cuentos dispersos. Posteriormente se combinaron en una sola obra: La epopeya de Gilgamesh. Estaba inscrito en escritura cuneiforme y hoy se considera el ejemplo más antiguo de su género. La datación nos permite atribuirlo a los siglos XVIII-XVII a.C.

En el centro de la narrativa de los cuentos está el semidiós Gilgamesh y la historia de sus campañas, así como las relaciones con otros seres sobrenaturales de la mitología acadia.

Otro ejemplo importante de la Antigüedad, que permite responder a la pregunta de a qué géneros pertenece la epopeya, es la obra de Homero. Sus dos poemas épicos, "La Ilíada" y "La Odisea", son los monumentos más antiguos de la cultura y la literatura griegas antiguas. Los personajes de estas obras no son solo los dioses del Olimpo, sino también héroes mortales, cuyas historias se han conservado en las epopeyas populares de generación en generación. "La Ilíada" y "La Odisea" son prototipos de futuros poemas heroicos de la Edad Media. En muchos sentidos, las estructuras de la trama y el ansia de historias místicas se heredaron entre sí. Es en el futuro cuando el fenómeno alcanzará su máximo desarrollo y difusión.

Epopeya medieval

Este término se refiere principalmente a la epopeya, cuyos ejemplos se pueden encontrar en Europa entre las civilizaciones cristianas o paganas.

También existe una clasificación cronológica correspondiente. La primera mitad es obra de la Alta Edad Media. Por supuesto, estas son las sagas que nos dejaron los pueblos escandinavos. Hasta el siglo XI, los vikingos navegaron por los mares europeos, saquearon, trabajaron como mercenarios para los reyes y crearon sus propios estados en todo el continente. Esta prometedora base, junto con la fe pagana y el panteón de deidades, permitieron la aparición de monumentos literarios como "La saga de los Welsungs", "La saga de los pantalones de cuero de Ragner", etc. Cada rey dejó una historia heroica. La mayoría de ellos han sobrevivido hasta el día de hoy.

La cultura escandinava también influyó en sus vecinos. Por ejemplo, los anglosajones. El poema "Beowulf" fue creado entre los siglos VIII y X. 3182 líneas cuentan la historia de un glorioso vikingo que primero se convierte en rey y luego derrota al monstruo Grendel, su madre y el dragón.

La segunda mitad se remonta a la era del feudalismo desarrollado. Esta es la “Canción de Roldán” francesa, la “Canción de los Nibelungos” alemana, etc. Lo sorprendente es que cada obra da una idea de una imagen única del mundo de un pueblo en particular.

¿Qué géneros se incluyen en la epopeya de este período? En su mayor parte se trata de poemas, pero hay obras poéticas en las que hay partes escritas en prosa. Por ejemplo, esto es típico de las leyendas irlandesas ("La saga de la batalla de Mag Turied", "El libro de las conquistas de Irlanda", "Anales de los cuatro maestros", etc.).

La diferencia clave entre los dos grupos de poemas medievales es la escala de los acontecimientos descritos. Si monumentos anteriores al siglo XII. Hablamos de toda una era, luego, en los años de feudalismo desarrollado, un evento específico (por ejemplo, una batalla) se convierte en el objeto de la historia.

Existen varias teorías sobre el origen de la creatividad "heroica" en la Europa medieval. Según uno de ellos, esa base se convirtió en canciones del género cantilena, común en el siglo VII. Un defensor de esta teoría fue Gaston Paris, un famoso explorador francés de la Edad Media. Las cantilenas eran pequeñas historias sobre un evento histórico particular, ambientadas en una estructura musical simple (la mayoría de las veces vocal).

Con el paso de los años, estas “migajas” se combinaron en algo más grande y generalizado. Por ejemplo, en los cuentos del Rey Arturo, común entre la población celta de Gran Bretaña. Así, los géneros de la epopeya popular con el tiempo se fusionaron en un todo. En el caso de Arthur surgieron las novelas del “ciclo bretón”. Las tramas penetraron en todo tipo de crónicas creadas en los monasterios. Así es como las historias semimíticas se convirtieron en verdades documentadas. Los Caballeros de la Mesa Redonda todavía causan mucha controversia en cuanto a realidad y autenticidad.

Se considera que la razón clave del florecimiento del género en la Europa cristiana de esa época fue la descomposición del sistema esclavista y el surgimiento del feudalismo, que se basaba en el servicio militar al señor supremo.

epopeya rusa

La epopeya rusa recibió su propio término en nuestro idioma: "epopeya". La mayoría de ellos se transmitieron oralmente de generación en generación, y las listas que actualmente se presentan en museos y se transfieren a libros de texto y antologías se remontan a los siglos XVII y XVIII.

Sin embargo, los géneros de la epopeya popular en Rusia alcanzaron su apogeo entre los siglos IX y XIII, es decir, antes de la invasión mongola. Y es precisamente esta época la que se refleja en la mayoría de monumentos literarios de este tipo.

Las peculiaridades del género épico son que representan una síntesis de las tradiciones cristianas y paganas. A menudo, tal entrelazamiento impide a los historiadores determinar con seguridad la naturaleza de tal o cual personaje o fenómeno.

Los personajes clave de tales obras son héroes, héroes de la epopeya popular. Esto se refleja especialmente claramente en las epopeyas del ciclo de Kiev. Otra imagen colectiva es la del príncipe Vladimir. Muy a menudo se sugiere que bajo este nombre se esconde el bautista de Rusia. Esto, a su vez, da lugar a una disputa sobre dónde se originó la epopeya rusa. La mayoría de los investigadores coinciden en que las epopeyas se crearon en el sur de la Rus de Kiev, mientras que en la Rus moscovita se generalizaron varios siglos después.

Por supuesto, "La historia de la campaña de Igor" ocupa un lugar especial en el panteón literario ruso. Este monumento de la antigua cultura eslava presenta al lector no sólo la trama principal: la fallida campaña de los príncipes en las tierras de los polovtsianos, sino que también personifica la imagen del mundo que rodeaba a los habitantes de Rusia en esos años. En primer lugar, se trata de mitología y canciones. La obra resume las características del género épico. La “Palabra” también es sumamente importante desde el punto de vista lingüístico.

obras perdidas

El legado del pasado, que no ha sobrevivido hasta el día de hoy, merece un debate aparte. La razón suele ser la banal falta de una copia documentada del libro. Dado que las leyendas a menudo se transmitían oralmente, con el tiempo aparecieron en ellas muchas inexactitudes y, especialmente las que no tuvieron éxito, se olvidaron por completo. Muchos poemas se perdieron debido a frecuentes incendios, guerras y otros desastres.

También se pueden encontrar menciones de reliquias perdidas del pasado en fuentes antiguas. Así, Cicerón allá por el siglo I a.C. en sus obras se quejaba de que la información sobre los héroes legendarios de la ciudad de las siete colinas (Rómulo, Régulo, Coriolano) se había perdido irremediablemente.

Los poemas se pierden especialmente porque no hay portadores que puedan transmitir su cultura y preservar la memoria del pasado del pueblo. Aquí hay sólo una pequeña lista de estos grupos étnicos: turdules, galos, hunos, godos, lombardos.

En fuentes griegas antiguas hay referencias a libros cuyos originales nunca fueron encontrados o se conservaron en fragmentos. Se trata de la Titanomaquia, que cuenta la historia de la batalla entre dioses y titanes antes de la existencia de la humanidad. Plutarco, que vivió a principios de nuestra era, lo mencionó en sus obras.

Se han perdido muchas fuentes de la civilización minoica, que vivió en Creta y desapareció tras un misterioso cataclismo. En particular, esta es la historia del reinado del rey Minos.

Conclusión

¿Qué géneros pertenecen a la épica? En primer lugar, se trata de monumentos medievales y se basan en una trama heroica y referencias religiosas.

Además, la epopeya en general es una de las tres formas literarias. Incluye epopeyas, novelas, cuentos, poemas, cuentos y ensayos.