Kuzma Petrov-Vodkin. Estas extrañas imágenes de pensamientos

Petrov-Vodkin Kuzma Sergeevich, artista ruso, teórico del arte y escritor.

Nacido en Khvalynsk (provincia de Saratov) el 24 de octubre (5 de noviembre) de 1878 en la familia de un zapatero; pude conseguir Educación artística con el apoyo de los comerciantes locales. Estudió en las clases de pintura y dibujo de F.E. Burov en Samara (1895–1897) y en la Escuela Central dibujo técnico Stieglitz en San Petersburgo (1895–1897). En 1905 se graduó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde V.A. Serov fue uno de sus mentores. Asistió al estudio de A. Ashbe en Munich (1901) ya academias privadas en París (1905-1908).

Durante estos años viajó mucho Europa Oriental y el Mediterráneo, visitó el norte de África; luego gran importancia también tuvo impresiones de Crimea y Asia Central. Experimentó una variedad de influencias, tanto modernas (simbolismo francés) como antiguas (pintura Rusia antigua e italiano Renacimiento temprano) tradiciones. Fue miembro de las asociaciones "Mundo del Arte" y "Cuatro Artes". Vivió en Leningrado, y desde 1927, en Pushkin.

Completamente en el espíritu del simbolismo, ya resolvió su primeras pinturas, donde prevalecen los motivos de una leyenda o un sueño mágico (Son, 1911; Playing Boys, 1911; ambas obras se encuentran en el Museo Ruso de San Petersburgo). La evidencia monumental de la madurez creativa fue pintura famosa Bathing the Red Horse (1912): una trama rural simple se convierte (gracias al ritmo suave de las formas y el color local sonoro) en una generalización poética sobre el destino de Rusia. Los cuadros Mother (1913) y Girls on the Volga (1915) se perciben de la misma manera.

En sus innovadoras obras monumentales y decorativas (murales en la iglesia de San Basilio de las Cúpulas Doradas en Ovruch, 1910, Catedral Naval de San Nicolás en Kronstadt, 1913, murales y vidrieras en la Catedral de la Trinidad en la ciudad de Sumy, 1915 ), Petrov-Vodkin actúa como un notable maestro de la "modernidad de la iglesia". Los motivos religiosos inspiran a veces sus composiciones seculares (1918 en Petrogrado (con la figura de la Madre de Dios con el Niño en primer plano), 1920; todas las pinturas están en Galería Tretiakov).

En la década de 1910, se formó un sistema artístico y teórico especial de Petrov-Vodkin, donde papel principal juega el principio de la "perspectiva esférica", que le permite, al representar la naturaleza en perspectiva desde arriba y desde un lado, transmitir la sensación de "la tierra como un planeta". Incluso sus naturalezas muertas (Herring, 1918, Museo Ruso) son “planetarias” a su manera, monumentalmente significativas, mientras que los retratos se perciben como hitos espirituales a gran escala de su tiempo (Autorretrato, 1918; A.A. Akhmatova, 1922; ambos los retratos están en la Galería Tretyakov).

Sincero "compañero de viaje" de la revolución, el maestro creaba imágenes épicas e idealizadas guerra civil(Después de la batalla, 1923, Museo Central de las Fuerzas Armadas, Moscú; Muerte de un Comisario, 1928, Museo Ruso). Pero la imagen es de 1919. Anxiety (1934, ibíd.), con un trabajador de San Petersburgo que es llamado a la milicia en medio de la noche, se percibe naturalmente como una premonición del "gran terror" de Stalin con sus arrestos nocturnos y el estreno de una casa de múltiples figuras. (1937, Galería Tretyakov) trata sobre el tema de la "densificación de la antigua burguesía", como una sátira sobre la nueva forma de vida.

Petrov-Vodkin a menudo (comenzando con las primeras imitaciones de M. Maeterlinck) recurrió a la literatura, especialmente en su último período. Su Khlynovsk (1930) y Euclid's Space (1933) son románticamente emocionales, muy originales en términos de género: una especie de "autobiografía ficticia", donde se combinan de manera extraña las características de una novela de aventuras, un tratado teórico y memorias. También trabajó fructíferamente como artista teatral y profesor (enseñó en la escuela de E.N. Zvantseva (1910-1915) y en la Academia de las Artes (1918-1933).

Petrov-Vodkin Kuzma Sergeevich (1878-1939)

destino creativo Petrova-Vodkinaformado felizmente. La transformación del hijo del zapatero en pintor famoso, movimiento rápidosudesde el interior del Volga hasta los centros cultura europea(Petersburg, Moscú, Munich, Roma, París), su barrio con los artistas más importantes de los refinados círculos metropolitanos, todo esto parece fantástico.

Petrov-Vodkin. Autorretrato.. 1926

en pinturakuzma sergeevichse desplegaba la estructura paradójica de su personalidad: una actitud provincianamente tenaz, económicamente frugal hacia el material de la actividad espiritual, por un lado, ycon otro- el alcance cósmico de hipótesis, proyectos, asombrosa libertad de pensamiento, desinterés intelectual.

Los primeros tímidos experimentos llevaron al joven de quince años a las Clases de Pintura y Dibujo de Burov (Samara). En 1895, con la ayuda de mecenas, fue a San Petersburgo e ingresó en la CUTR. Pero dos años después, al darse cuenta de su vocación pictórica, Kuzma Sergeevich se mudó a MUZHVZ, donde tuvo la suerte de trabajar en el taller de V. A. Serov. Además, en 1901 visitó Munich y visitó escuela de Arte Ashbe.

Años de estancia en MUZhVZ(graduado en 1904)marcado actividades literarias(prosa y teatro), a veces tan intensos que el artista dudaba incluso a la hora de elegir entre la pintura y la literatura. Viaje a Italia, larga estancia en Francia, estudio en estudios parisinos, familiarización con la modernidad. arte europeo amplió el horizonte artístico de Petrov-Vodkin, determinando finalmente la elección del camino. Viaje a África del Norte sirvió de base para las obras expuestas en el Salón de París (1908), y luego en casa.

Costa. 1908

En 1909, la primera exposición personal Petrov-Vodkin. Al año siguiente, el artista se incorporó a la asociación World of Art, a la que estuvo vinculado hasta su disolución (1924). Ya estoy en eso periodo temprano la obra de Petrov-Vodkin está marcada por una orientación simbolista ("Elegía", 1906; "Orilla", 1908; "Sueño", 1910); aquí, por supuesto, la influencia de los contemporáneos más antiguos: Vrubel, Borisov-Musatov, Puvis de Chavannes, y en el campo de la literatura, Maeterlinck, afectado.

La resonancia pública de las primeras actuaciones del artista llevaba personaje controvertido. La pintura "Sueño" provocó una acalorada controversia y le dio al joven pintor una gran fama, ya que el campo de la crítica estaba encabezado por Repin y la defensa, por Benois. Algunos vieron en Petrov-Vodkin el "último decadente", mientras que otros asociaron expectativas "apolíneas" con su obra, la afirmación de una tendencia neoclásica. El propio artista no podía juzgarse a sí mismo tan definitivamente: llamándose a sí mismo "artista difícil", no era astuto.

Como un "himno a Apolo", como un hechizo de la "confusión monstruosa" (Benoit) de la realidad moderna, la crítica y la premonición de la próxima purificación y renovación del mundo fueron percibidas por los críticos, que aparecieron en 1912 en la exposición " Cuadro "Mundo del arte" de Petrov-Vodkin "Bañando al caballo rojo". Solemne, combinando decoración brillante y psicologismo profundo en la interpretación de "la forma más alta en la tierra" - cara humana, el estilo de las obras de Petrov-Vodkin, por así decirlo, sintetiza lo más varias tradiciones espiritual y formalmente cercano al artista. En su lenguaje pictórico se deja sentir la influencia de las imágenes Alto Renacimiento y arte oriental, conexión sucesiva con el arte de Venetsianov y A. Ivanov, cercanía a las búsquedas de los maestros franceses modernos, especialmente Matisse. Pero especialmente importancia tuvo un descubrimiento para el artista en aquellos años de grandeza antiguo arte ruso, a quien Petrov Vodkin, en sus palabras, "estiró su mano" para la encarnación en los lienzos de los fundamentos "sagrados" de la existencia humana.

Madre. 1915

A lo largo de la década de 1910, el alcance de las búsquedas de Petrov-Vodkin siguió siendo muy amplio. Junto a lienzos de carácter monumental-decorativo, no exentos de estilización ("Chicas en el Volga", 1915), aparecen imágenes psicologizadas en un "caparazón" de forma casi naturalista ("En la línea de fuego", 1916). Las más orgánicas parecen ser obras relacionadas con el tema de la maternidad, que recorre toda la obra de Petrov-Vodkin ("Madre", 1913; "Madre", 1915; "Mañana. Bañistas", 1917).

Chicas en el Volga. 1915

Al mismo tiempo, están madurando las ideas que llevaron a Petrov-Vodkin a crear un producto único en su clase. sistema de arte. Se pone en primer plano el problema del espacio, que se resuelve en una "perspectiva esférica". Su diferencia fundamental con la perspectiva "italiana" se basa en la dinámica del espectador. Al mismo tiempo, se trata de la organización de un espacio simbólico, abordando la percepción de cualquier fragmento de la realidad desde un punto de vista "planetario". La variedad de posiciones espaciales en la imagen está relacionada con la ley de la gravedad: los ejes inclinados de los cuerpos forman, por así decirlo, un abanico, abierto desde el interior de la imagen. Las características de tal organización marcaron muchas obras: "Mediodía. Verano" (1917), "Niño dormido" (1924), "Primeros pasos" (1925), "Muerte del comisario" (1928), "Primavera" (1935). ).

Madre de Dios. sensibilidad corazones malvados. 1914-1915

Entendiendo el espacio como "uno de los principalesnarradores de la pintura" junto con una interpretación específica del papel del color (basada en la tríada primaria: rojo, amarillo, azul) determinaron el estilo de pintura madura de Petrov-Vodkin. ; "Retrato de Anna Akhmatova", 1922).

Virgen de Petrogrado.1920

kuzma sergeevichconsideraba la pintura como una herramienta para mejorar la naturalezahumanoy trató de descubrir en él la manifestación de las leyes eternas del dispositivopaz, para hacer de cada imagen específica la personificación de la conexión de las fuerzas cósmicas. Tal vez eso fue lo que le permitió leer el destino de los rostros. En los primeros años posrevolucionariosXartistaespecialmente a menudo recurrió a la naturaleza muerta, encontrando ricas posibilidades experimentales en este género (" Bodegón matinal", 1918; "Bodegón con espejo", 1919; "Bodegón con cenicero azul", 1920).Petrova-Vodkinatransmitir el duro espíritu de la época con elocuente precisión ("Arenque", "Violín", ambos de 1918). Muchas obras están construidas sobre el principio de la doble exposición ("1918 en Petrogrado", 1920; "Después de la batalla", 1923; "Muerte del comisario", 1928), lo que da motivos para asociar su pintura con el lenguaje del cine.

A finales de las décadas de 1920 y 1930, Kuzma Sergeevich, forzadopor un momentoabandonarcuadropor enfermedad, se volvió hacia creatividad literaria. Escribió las novelas autobiográficas "Khlynovsk" y "Euclid's Space", en las que desarrolló ampliamente sus puntos de vista sobre la naturaleza y las posibilidades del arte. Última cosa trabajo significativo Petrov-Vodkin - "1919. Ansiedad" (1934). Aunque el título de la pintura hace referencia a eventos históricos, contiene significados contrastantes y crece hasta convertirse en un símbolo de la época. Angustia por la patria destinos humanos, el futuro de los niños en 1934 adquirió un significado diferente al de 1919.

Petrogrado 1918. Ansiedad. 1934

La orientación hacia los valores eternos, inherente a la obra de Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin, no podía ser aceptada por la ideología de la época de Stalin. Después de su muerte, su nombre fue medio olvidado. Recién a mediados de la década de 1960Petrova-Vodkinaabriónuevamente, entendiendo la escala de su talento y el valor de su herencia creativa.

artsait.ru ›Petrov-Vodkin

Cereza de pájaro en un vaso, 1932

Estreno de una casa (Petrogrado Obrero). 1937

Después de todo, para todos rasgos característicos por su talento, por la amplitud de sus composiciones, por la originalidad de su colorido, Petrov-Vodkin es el artista más típico de los grandes espacios, un artista de la pintura al fresco... Artistas como Petrov-Vodkin, que se sienten irresistiblemente atraídos por " caballete" pintura cerca caballetes al espacio, al fresco, cada vez más en nuestro el mundo del arte. Pero no tienen dónde mostrar su talento y tienen que romperse y, quién sabe, perderse en mayor medida.

Bazhénov N.

Fantasía, 1925

Entrada original y comentarios sobre

Kuzma Petrov-Vodkin- un artista único que trabajó en el cruce de dos épocas, a quien los contemporáneos llamaron "un antiguo pintor de iconos ruso, que por casualidad cayó en el futuro". Las obras del pintor no solo fueron un reflejo del presente, sino que también profetizaron el futuro, y también provocaron una feroz confrontación de opiniones y valoraciones, desde el elogio entusiasta hasta el ridículo despectivo.

1. La historia del origen del nombre del famoso artista.

Petrovs, luego Vodkins.Y como resultado, dos apodos se combinaron en un apellido Petrov-Vodkin.Y Kuzma Sergeevich, la huella de este apellido no muy honorable, tuvo que llevarse toda su vida.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/petrov_vodkin0019.jpg" alt="(!LANG: Vasya. (1916).

La siguiente obra fue pintada en una ocasión especial. De alguna manera, Kuzma nadó casi hasta la mitad del Volga, pero de regreso, no tenía suficiente fuerza. Por casualidad, Kuzma, que se estaba ahogando, fue salvado por el transportista Ilya Zakharov, quien se ahogó una semana después, salvando a un pobre hombre. Y luego el niño tomó un plato de hojalata y dibujó un bote meciéndose en las olas, las cabezas de personas que se ahogan, el cielo y zigzags de relámpagos, y firmó en la esquina: “¡Muertos por los demás! ¡Eterno recuerdo para ti!”. Entonces Kuzma se mostró por primera vez en el arte de la pintura.

3. Pintor de iconos fallido

Cuando aún era estudiante de una escuela de la ciudad de cuatro años, el joven conoció a dos pintores de iconos locales. Y mirando con interés cómo se crean los íconos, Kuzma intenta pintar él mismo la imagen sagrada. pinturas de aceite. Pero el sacerdote no aceptó su icono: “¡Me duele que tu Madre de Dios parezca una mujer real con un niño! Y sus ojos brillan, como si buscara a un hombre. ¡Pura indecencia!. Este trabajo de Kuzma, por supuesto, no se conservó, y luego recurrió a esta imagen más de una vez.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/petrov_vodkin0001.jpg" alt="(!LANG:Retrato de madre.

La madre del artista era empleada doméstica en la casa de los comerciantes Kazaryins, y una vez logró mostrar los dibujos de su hijo dotado al arquitecto Meltzer, quien estaba muy interesado en él. Pronto, el arquitecto llevó a Kuzma a San Petersburgo, donde comenzó a estudiar en la Escuela Central de Dibujo Técnico. Y los mismos Kazaryins pagaron sus estudios y alojamiento: 25 rublos al mes.

En 1897, Petrov-Vodkin se mudó a Moscú y entró en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde Valentin Serov fue su maestro.

5. Gran aventurero: "Los ricos son astutos para el dinero, y la necesidad es de inventos".

llegar de Moscú a París en un nuevo medio de transporte de moda: una bicicleta de dos ruedas ". Kuzma animó a su amigo Vladimir Sorokhtin a esta aventura, y fueron a largo camino.

El camino de Moscú a Varsovia, viajaron con un amigo en 12 días, eso es 100 millas por día. Manos y pies ensangrentados, una bicicleta rota no pudo detener a los valientes. Llegaron a Alemania, alternando unos con otros: ya sea en tren o en bicicleta. Y tenía que olvidarme de París por ahora.

En Munich, en la famosa escuela de dibujo de Anton Ashbe, estudiaron muchos artistas novatos rusos: Bilibin, Grabar, Kandinsky. Y Kuzma volvió a tener suerte: nuevos amigos recaudaron algo de dinero para él, que resultó ser suficiente para un par de meses de clases y para un boleto de regreso a Rusia.

6. Artista del interior de Rusia y parisina Mara Jovanovich

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219416087.jpg" alt="(!LANG: Kuzma Sergeevich y Maria Fedorovna. París. 1908." title="Kuzma Sergeevich y Maria Feodorovna. París. 1908" border="0" vspace="5">!}

En el otoño de 1906, los recién casados, habiendo firmado en el ayuntamiento, celebraron una boda civil. Durante algún tiempo vivieron en París, y antes de partir hacia Rusia, Kuzma Sergeevich también logró visitar el norte de África, sobre el cual luego contó tantas historias que los oyentes ni siquiera creían que él estaba allí.
Y a su amada Mara, Maria Feodorovna, le escribió líneas conmovedoras desde la lejana África: “Fuiste el primero en llenar la soledad de mi vida. Fui para los demás como un profeta, siempre fuerte y alegre, para quien no hubo sufrimiento, pero yo mismo me congelé. Encontré una mujer en la Tierra. Nuestros corazones están abiertos el uno al otro. Ahora soportaremos todo lo que la vida nos mande, ya que somos dos y no tenemos nada que temer en la Tierra ni por nosotros mismos ni por nuestro amor.

A los treinta y siete, Maria Fedorovna dará a luz a una hija, Lenochka. Y el propio Kuzma Sergeevich, fuera de sí de felicidad, declarará: “¡Era medio humano sin experimentar esto! ¡Ahora tengo algo por lo que vivir!”

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/petrov_vodkin0015.jpg" alt="(!LANG: "Bañando al caballo rojo". (1912). Autor: K.S. Petrov-Vodkin." title=""Bañando al Caballo Rojo" (1912).

8. El don de profecía

Petrov-Vodkin también se hizo famoso por su extraordinario don de profecía. Hubo muchos casos asombrosos en su vida en los que una frase lanzada casualmente se volvió profética. En 1918, después de haber completado el trabajo en la pintura "Arenque", sus colegas lo ridiculizaron: "¡Vodkin dibuja un arenque!". En respuesta, solo se quejó: "Esta es una ración de tiempo de bloqueo". Pero antes del bloqueo de Leningrado, quedaban 23 años, y él, por así decirlo, ya había visto este bloqueo con el ojo de la mente.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/petrov_vodkin0008.jpg" alt="Auto retrato.

Petrov-Vodkin desde los primeros días de los eventos revolucionarios fue un participante activo vida artistica países soviéticos. Dedicó mucha energía a la enseñanza, desarrollando una nueva teoría de la pintura. Y por su trabajo en 1930 recibió el título de Artista de Honor de la RSFSR.

Cuando Kuzma Sergeevich murió, las autoridades soviéticas, al darse cuenta de repente de que los orígenes de su trabajo se encuentran en la pintura de iconos y el simbolismo francés, se enfriaron notablemente con respecto a su herencia artística.

Acabó en Malmo (Suecia) y fue devuelto a Rusia recién a finales de los años 40. Y gracias a los esfuerzos de la viuda del artista, esta famosa pintura fue restaurada y transferida a la Galería Tretyakov.

KUZMA Sergeevich Petrov-Vodkin nació en familia pobre zapatero en Khvalynsk en el Volga de la provincia de Saratov el 5 de noviembre de 1878. Gracias al apoyo de los comerciantes de cereales locales, el niño, que se distinguía de sus compañeros por una tenaz memoria visual, recibió educación artística, primero en las clases de arte de Samara y en la escuela Stieglitz de San Petersburgo, luego en la Escuela de Pintura de Moscú. , Escultura y Arquitectura.

Auto retrato. 1929

La alegría de las primeras impresiones de la vida: la belleza de la región del Volga y los huertos, la poesía y la sabiduría. cuentos populares y canciones, - fue reemplazada muy pronto por universidades juveniles: la crueldad y el absurdo de la vida pequeñoburguesa de la Rusia provinciana. Con amargura, el joven Kuzma le escribió a su madre desde Samara: “En el mundo de Dios, hay tal cantidad de lágrimas, dolor, necesidad insuperable, que todo lo alegre se ha perdido en el mundo y no puedes agarrar la felicidad por la cola. .”

El artista continuó sus estudios en academias privadas en Munich y París. Esta es probablemente la razón por la cual el trabajo de Petrov-Vodkin combinó el postimpresionismo francés, el simbolismo del Art Nouveau europeo y las tradiciones de la pintura y los frescos de los iconos rusos antiguos. Algunos críticos incluso señalaron que el trabajo de Petrov-Vodkin "puede compararse con un espejo, en el que Occidente reconoce el Este en sí mismo, y el Este, el Oeste".

"Café", 1907

Al regresar a Moscú, Petrov-Vodkin pasa de las clases generales de la escuela al taller de Serov. Sin embargo, la necesidad de pensar en el pan de cada día le lleva, en el verano de 1902, junto con sus compañeros de escuela Kuznetsov y Utkin, a ir a Saratov, donde se les pide que pinten la Iglesia de Kazanskaya. Madre de Dios. Los artistas jóvenes están lejos del canon Iglesia Ortodoxa, y de los métodos tradicionales de pintura eclesiástica de aquellos años. El trabajo aún no se había completado cuando comenzó una campaña contra ellos en los periódicos de Saratov, y luego, por orden del tribunal de la iglesia y a pesar de la defensa Artista famoso Borisov-Musatov: las pinturas fueron destruidas. Como escribió Borisov-Musatov al mismo tiempo, estas fueron obras "en comparación con las cuales la pintura de toda la diócesis de la iglesia de Saratov, tanto la antigua como la nueva, no vale absolutamente nada ..."

Madre de Dios "Ternura de Corazones Malvados". 1914-1915

En 1904, Petrov-Vodkin se graduó en la Escuela de Moscú y un año después se fue a Italia. Uno de los propósitos del viaje era… Vesubio. DE primeros años futuro artista tenía un interés especial en diversas manifestaciones fuerzas elementales naturaleza - terremotos, mareas del mar, erupciones volcánicas, aunque en el Volga solo pudo observar acumulaciones de hielo, tormentas eléctricas, lluvia de estrellas, tormentas fluviales y, una vez, Eclipse solar. Ver un volcán real era su viejo sueño. Y ahora este sueño se ha realizado por completo: el Vesubio, cuando el artista se subió a la boca, se estremeció por las explosiones y arrojó cenizas sobre las laderas. Según Petrov-Vodkin, las sensaciones que experimentó en el Vesubio sacudieron su conciencia artística y se convirtieron en la línea que separaba el tiempo de su aprendizaje en el arte de la próxima vida creativa independiente.

Retrato de mujer ("Retrato de persona desconocida"). 1908

Toda su vida, Petrov-Vodkin buscó una forma pintoresca de "imagen filosófica del mundo". En 1910 había encontrado estilo propio interpretación simbólica del espacio pictórico, la interacción de los tres colores primarios: rojo, azul y amarillo -los llamados "tricolores"- y la expresión en imágenes pictóricas categorías filosóficas siendo. "La forma y el color que abarca esta forma es la pintura", así formuló el propio Petrov-Vodkin su principio. Son estas cualidades las que distinguen la pintura "Bañando al caballo rojo": gran obra maestra artista, pintado por él en 1912. En todo el lienzo, una poderosa figura de un caballo. Oscurece casi todo el espacio del lienzo. Ahora el cuadro está en la Galería Tretyakov de Moscú, y hasta 1950 se desconocía su destino.

En 1914, el "Caballo Rojo" fue a exposición Internacional a Suecia Pronto el primero Guerra Mundial y la imagen desapareció. Y solo gracias a la viuda del artista, que milagrosamente logró encontrar la pintura, logró regresar a su tierra natal. "Para mí, el 'Caballo rojo' es un vívido ejemplo de pintura simbolista", señaló la historiadora de arte Natalya Adaskina. - Esta es una imagen muy espaciosa, que representa la época, hablando en su nombre. Lo principal en la imagen es un presentimiento: algo ha sucedido y están esperando algo. Se avecina algo grandioso, que cambiará radicalmente el destino. El entumecimiento antes del comienzo de algo nuevo se expresa tan claramente en la imagen que se ha convertido en un símbolo de la época: el comienzo del siglo XX. Y de hecho lo es. Los contemporáneos de Petrov-Vodkin percibieron el "Caballo Rojo" como un hechizo de la realidad moderna, como una llamada y una premonición de la próxima purificación y renovación del mundo. Y el propio artista, tras el inicio de la Guerra Mundial, exclamó: “¡Así que de eso se trataba “Bañando al Caballo Rojo”! Después de los hechos de 1917, repitió lo mismo.

Mal sueño sin despertar.

"1918 en Petrogrado". 1920.

Petrov-Vodkin invariablemente prefirió permanecer fuera de las castas, conjuró a los familiares para que no se involucraran en la política en la que "el mismo diablo se rompería la pierna". Sin embargo, acepta con entusiasmo la Revolución de Octubre. “En el caos de la construcción, a todos los que no están absortos en las partituras personales,... mirando más allá de los límites de la confusión temporal, suena un hilo de esperanza: habrá vida maravillosa!.. La garantía de la esperanza es que el "pueblo" se sintió humanidad, y como ha aparecido este sentimiento... no desaparecerá. ... La apariencia de un hermano-hombre se delineó claramente entre la basura de los enredados ... rotondas de la vida ”, escribió en 1917. Encarnó en los clásicos su comprensión de la revolución como un fenómeno histórico-mundial que abre el camino a la perfección para la humanidad. arte soviético pinturas "1918 en Petrogrado" (1920) y "Muerte del Comisario" (1928).

"Muerte del Comisionado". 1928

El artista cree sinceramente que después de octubre, “el pueblo ruso, a pesar de todos los tormentos, organizará una vida libre y honesta. Y esta vida estará abierta a todos. Al mismo tiempo, entiende que “es posible crear el destino solo por la paz, y no por la violencia, no por las bayonetas, no por las prisiones, y no por la palabra, sino por la acción”. También ve que la escasez de alimentos está comenzando en Petrogrado. “¡Aquí amaneció que no hay sal! Hay que buscar cualquier disposición con pena. Y en 1917, reina una verdadera hambruna. Bizcochos enviados por mi madre desde Khvalynsk: ¡una fiesta! “¿De dónde”, exclamó el artista, “Dios nos da fuerzas aquí, hambrientos?”. Y concluyó: “Esta vida es como un mal sueño sin despertar…”

"Ansiedad." 1926

El Honorable Trabajador de Arte de la RSFSR K. S. Petrov-Vodkin no era un artista que estaría bastante satisfecho poder soviético. Simbolista de la escuela parisina, pintor de iconos en el pasado, que con su interés por el icono y por arte religioso no se escondió incluso en la era del materialismo militante, no se ajustaba al formato de los santos soviéticos. Y, tal vez, Kuzma Sergeevich habría compartido el destino de muchos Gente talentosa que se pudrió en el Gulag, no muera la noche del 14 al 15 de febrero de 1939 ...

"Violín." 1921

"Bodegón rosa". 1918

"Madre." 1915

"Retrato de una hija." 1935

"Uva." 1938

El destino creativo de Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878-1939) se desarrolló felizmente. La transformación del hijo de un zapatero en un pintor famoso, su rápido movimiento desde el interior del Volga a los centros de la cultura europea (San Petersburgo, Moscú, Munich, Roma, París), su proximidad a las figuras más importantes del arte ruso en círculos refinados de la capital - todo esto parece fantástico. La estructura paradójica de su personalidad se mostró completamente en el arte de Petrov-Vodkin: una actitud provincialmente tenaz y económicamente ahorrativa hacia el material de la actividad espiritual, por un lado, y el alcance cósmico de hipótesis, proyectos, asombrosa libertad de pensamiento, desinterés intelectual, por el otro.

"Nuestra Señora Ternura de los Corazones Malvados" 1914-1915

Los primeros tímidos experimentos llevaron al niño de quince años a las clases de pintura y dibujo de F. E. Burov (Samara). En 1895, con la ayuda de patrocinadores, fue a San Petersburgo e ingresó en la Escuela Central de Dibujo Técnico del Barón A. L. Stieglitz. Sin embargo, dos años más tarde, al darse cuenta de su vocación pictórica, Petrov-Vodkin se trasladó a la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú (MUZHVZ), de la que se graduó en 1904. Aquí tuvo la suerte de trabajar en el taller de Valentin Serov. Además, en 1901 estuvo en Munich, donde asistió a la escuela de arte de A. Ashbe. Los años de su estancia en MUZhVZ estuvieron marcados por actividades literarias (prosa y dramaturgia), a veces tan intensas que el artista dudó incluso entre la pintura y la literatura. Un viaje a Italia, una larga estancia en Francia, estudios en estudios parisinos, el conocimiento del arte europeo moderno amplió el horizonte artístico de Petrov-Vodkin, determinando finalmente la elección del camino. Un viaje al norte de África sirvió de base para las obras expuestas en el Salón de París (1908), y luego en casa. En 1909, tuvo lugar la primera exposición personal de Petrov-Vodkin en la redacción de la revista Apollon. Al año siguiente, el artista se incorporó a la asociación World of Art, a la que estuvo vinculado hasta su disolución (1924).

"Autorretrato" 1907

"Manzana y cereza" 1907

"En el estudio del artista" 1901

"Teatro. Farsa" 1907

"Teatro. Drama" 1907

"Café" 1907

"Retrato de Maria Fedorovna Petrova-Vodkina, la esposa del artista" 1907

"Niñera" 1906

"Modelo" 1907

"Negra" 1907

"Costa" 1908

"Retrato de Anna Panteleevna Petrova-Vodkina, la madre del artista" 1909

"Ancianas" 1909

Ya en el período inicial, la obra de Petrov-Vodkin estuvo marcada por una orientación simbolista ("Elegía", 1906; "Orilla", 1908; "Sueño", 1910); aquí, por supuesto, afectó la influencia de los contemporáneos mayores (Mikhail Vrubel, Viktor Borisov-Musatov, P. Puvis de Chavannes; en el campo de la literatura - Maurice Maeterlinck). La resonancia pública de las primeras actuaciones del artista fue controvertida. La pintura "Sueño" provocó una acalorada controversia y le dio gran fama al joven pintor, ya que el campo de la crítica estaba encabezado por el mismo Ilya Repin, y la defensa: Alejandro Benois. Algunos vieron en Petrov-Vodkin el "último decadente", mientras que otros asociaron expectativas "apolíneas" con su obra, la afirmación de una tendencia neoclásica. El propio artista no podía juzgarse a sí mismo tan definitivamente: llamándose a sí mismo "artista difícil", no era astuto. La evolución posterior muestra que el simbolismo lenguaje artistico estaba arraigado en la naturaleza misma del pintor, así como en la tradición de la pintura de iconos, cuyo nuevo descubrimiento tuvo lugar precisamente en este momento. The Playing Boys (1911) y especialmente The Bathing of the Red Horse (1912) marcan un hito de fundamental importancia en la obra de Petrov-Vodkin. Si bien la elaboración plástica de los volúmenes entra en cierta contradicción con la convencionalidad del color y el achatamiento del espacio, aquí se lee claramente la voluntad de síntesis de las tradiciones pictóricas oriental y occidental, que resultó tan fructífera.

"Cabeza de un joven" 1910

"Mujer con quitón" 1910

"Expulsión del Paraíso" 1911

"Bañando al Caballo Rojo" 1912

"Cabeza de mujer" 1912

"Autorretrato" 1912

"Bodegón con manzanas" 1912

"Ásteres" 1912

"Retrato de Natasha Grekova (cosaca)" 1912

"Juventud (beso)" 1913

"Madre" 1913

A lo largo de la década de 1910, el alcance de las búsquedas de Petrov-Vodkin siguió siendo muy amplio. Junto a lienzos de carácter monumental-decorativo, no exentos de estilización ("Chicas en el Volga", 1915), aparecen imágenes psicologizadas en un "caparazón" de forma casi naturalista ("En la línea de fuego", 1916).

"Retrato de un niño" 1913

"Chicas en el Volga" 1915

"En la línea de fuego" 1916

"Violín." 1916

Las más orgánicas parecen ser obras relacionadas con el tema de la maternidad, que recorre toda la obra de Petrov-Vodkin ("Madre", 1913; "Madre", 1915; "Mañana. Bañistas", 1917).

"Mañana" 1917

"Mediodía" 1917

"Manzanas" 1917

"Cabeza de mujer" 1918

"Mikula Selyaninovich. Cabeza" Estudio. 1918

"Cabezas de niños" 1918

Al mismo tiempo, maduraban las ideas que llevaron a Petrov-Vodkin a crear un sistema artístico único. Se pone en primer plano el problema del espacio, que se resuelve en una "perspectiva esférica". Su diferencia fundamental con la perspectiva "italiana" se basa en la dinámica del espectador. Al mismo tiempo, se trata de la organización de un espacio simbólico, abordando la percepción de cualquier fragmento de la realidad desde un punto de vista "planetario". La variedad de posiciones espaciales en la imagen está relacionada con la ley de la gravedad: los ejes inclinados de los cuerpos forman, por así decirlo, un abanico, abierto desde el interior de la imagen. Las características de tal organización marcaron muchas obras: "Mediodía. Verano" (1917), "Niño dormido" (1924), "Primeros pasos" (1925), "Muerte del comisario" (1928), "Primavera" (1935). ), etc. La comprensión del espacio como "uno de los principales narradores del cuadro" junto con una interpretación específica del papel del color (basado en la tríada primaria: rojo, amarillo, azul) determinaron el estilo pictórico maduro de Petrov-Vodkin.

"1918 en Petrogrado" 1920

"La cabeza de un niño uzbeko". 1921

"Autorretrato" 1918

El simbolismo cosmológico también se refleja en los retratos (Autorretrato, 1918; Cabeza de niño uzbeko, 1921; Retrato de Anna Akhmatova, 1922, etc.). El artista consideró la pintura un instrumento para mejorar la naturaleza humana y buscó descubrir en el hombre la manifestación de las leyes eternas del orden mundial, para hacer de cada imagen específica la personificación de la conexión de las fuerzas cósmicas. Tal vez eso fue lo que le permitió leer el destino de los rostros.

"Retrato de Anna Andreevna Akhmatova" 1922

"Autorretrato" 1921

"Cabeza de un niño uzbeko" 1921

"Composición" 1921

"Tashkent (en una casa de té)" 1921

"Bodegón matinal" 1918

"Retrato de la hija del artista" 1923

"Retrato de N.A. (Retrato de una mujer)"

"Arenque" 1918

En los primeros años posteriores a la revolución, Petrov-Vodkin recurrió con especial frecuencia a la naturaleza muerta, encontrando ricas posibilidades experimentales en este género ("Naturaleza muerta matutina", 1918; "Naturaleza muerta con espejo", 1919; "Naturaleza muerta con Cenicero", 1920). Los objetos están incluidos en la misma unidad de conexión cósmica universal: tomados de punto álgido visión, en relaciones espaciales claramente visibles, interactúan activamente, se comunican entre sí en su idioma sujeto. Al mismo tiempo, los bodegones transmiten con elocuente precisión el espíritu duro de la época ("Arenque", "Violín", ambos de 1918).

"Violín" 1918

"Bodegón con cenicero azul" 1920

"Bodegón con un espejo" 1919

"Violín" 1921

"Bodegón. Flores y cabeza de mujer" 1921

"Madonna y el Niño" 1923

"Después de la batalla" 1923

"Retrato de Madame Bodin" 1924

"Retrato de Lyubov Mikhailovna Ehrenburg" 1924

"Bosquejo de maquillaje de Boris para la obra "Boris Godunov" 1924

"Boceto de maquillaje de Marina Mnishek para la obra" Boris Godunov "1924

"París. Notre Dame" 1924

"Bodegón con letras" 1925

"Trabajadora (niña con un pañuelo rojo)" 1925

Muchas de las obras de Petrov-Vodkin se basan en el principio de la doble exposición ("1918 en Petrogrado", 1920; "Después de la batalla", 1923; "La muerte de un comisario", 1928), lo que da motivos para asociar su pintura con el lenguaje del cine.

"Autorretrato" 1926

"En Shuvalov" 1926

"La chica de la ventana" 1928

"Mañana en el pueblo (primavera en el pueblo)" Sketch 1928

"Muerte del Comisario" 1928

"Autorretrato" 1929

"Retrato de Sergei Dmitrievich Mstislavsky" 1929

"Manzana y limón" 1930

A finales de las décadas de 1920 y 1930, Petrov-Vodkin, que se vio obligado a dejar la pintura por un tiempo debido a una enfermedad, volvió a dedicarse a la creatividad literaria. Fue entonces cuando escribió las novelas autobiográficas "Khlynovsk" y "El espacio de Euclides", en las que desarrolló ampliamente sus puntos de vista sobre la naturaleza y las posibilidades del arte.

"Bodegón. Cereza de pájaro en un vaso" 1932

"1919. Alarma" 1934

El último trabajo significativo de Petrov-Vodkin es "1919. Ansiedad" (1934). Aunque el nombre de la imagen se refiere a eventos históricos específicos, combina significados contrastantes y se convierte en un símbolo de toda una era. La angustia por la patria, por los destinos humanos, por el futuro de los hijos en 1934 adquirió un significado diferente al de 1919.

"Primavera" 1935

La orientación hacia los valores eternos, inherente a la obra de Petrov-Vodkin, no podía ser aceptada por la ideología soviética de la época de Stalin. Tras la muerte del artista, su nombre quedó medio olvidado. Solo a mediados de la década de 1960 tuvo lugar un nuevo descubrimiento de Petrov-Vodkin, gracias al cual la verdadera escala de su talento y el valor de su herencia creativa ahora son claras.

"Inauguración de la casa" 1937

"Alimentación del bebé"

"Detrás del samovar"

"Retrato de Andréi Bely". 1932

"Retrato de familia (autorretrato con esposa e hija)" 1933

"Bodegón (Vaso de té, tintero y manzana sobre la mesa)" 1934

"Naturaleza muerta. Uvas y manzana" 1934

"Terremoto en Crimea". 1927

"Retrato de la hija del artista" 1935

"La hija del pescador" 1936

"Niña con una muñeca (retrato de Tatuli)" 1937

"Bodegón. Ramo de flores y lámpara" 1937

"Retrato del científico Leonid Vitalyevich Kantorovich" 1938

"Pushkin en San Petersburgo (Pushkin en el Neva)" 1937-1938