Модерен импресионизъм в живописта. Импресионистични картини

Импресионизмът често се разглежда именно като посока в живописта, възникнала през 19 век във Франция. Импресионизмът донесе двойна революция, която се отразява едновременно във визията на света и техника на рисуване. Той показва живопис движеща се, ефимерна, неуловима, фокусирана върху отминаващия момент в настоящето. В допълнение, импресионизмът се характеризира със светлина, докосване и цветна вибрация.

видни представители модерен импресионизъмв живопистамного, но в тази публикация ще се спрем на четирима артисти - Андре Кон (Русия), Лоран Парселие (Франция), Даян Леонард и Карън Тарлтън (САЩ)- всеки от които притежава уникална техника на рисуване.

Андре Кон- родом от Волгоград, Руска федерация. От 15-годишна възраст се захваща сериозно с рисуване под ръководството на Наталия Гавриченко и Анатолий Врубел. Тъй като художникът заслужава висока оценка в живопис с маслени боиот западни колеги, той емигрира в Америка. На този моментживее със семейството си във Финикс. Картините на художника се намират в корпоративни, музейни и частни колекции в Европа, Канада, САЩ, Япония, Австралия и Русия.

Андре Кон е признат лидер в областта на модерния импресионизъм. Със зрял и свеж стил на въображение той винаги създава необикновеното извън обикновеното. Обектите на художника са интерпретирани чрез поезията на движението. На американската сцена импресионистът Андре Кон е смятан за една от най-интересните фигури.

Модерен френски импресионизъм в живописта на Лоран Парселие

Лоран Паселие- маестро на акварела, съвременен френски импресионист. Характерно за творчеството на Порзелие е чистият и ярък начин за предаване на онези места, където самият художник е посетил. художникът свети със светлина, яркост, впечатление. Авторски щрихи и тонове, присъщи само на него.

Съвременният американски импресионизъм в живописта на Даян Леонард

Даяна Леонард е една от онези артисти, които са спечелили мигновена популярност. Започва да твори от 20-годишна възраст и почти веднага талантът й е оценен от специалисти в областта модерна живопис. Даян Леонард- художник импресионист, почитан в родината си, а също и писател на непълно работно време. Платната на художника ще говорят сами за себе си. Приятно гледане!

Съвременен художник импресионист Карен Тарлтън

Карън Тарлтънв едно от личните си интервюта тя говори за себе си като за универсален художник, работещ в жанра на импресионизма. По нейните собствени думи, силна странаХудожникът се занимава с пленерна живопис. Средство в създаването на авторски цветни платна е, а с това и богата цветова палитра. В своите картини Карън Тарлтън прави всичко възможно да вдъхнови и зарадва зрителя с комбинация от светлина, цвят и текстура.

Карън е настоящ специалист по импресионистично рисуване с палитра. Често рисува пейзажи и портрети. В момента живее и работи в Манхатън Бийч, Калифорния.

„Нов свят се роди, когато импресионистите го нарисуваха“

Анри Канвайлер

19 век. Франция. В живописта се случи немислимото. Група млади художници решиха да разклатят 500-годишната традиция. Вместо ясна рисунка, те използваха широка „небрежна“ мазка.

И те напълно изоставиха обичайните изображения. Изобразявайки всички. И дами с леко поведение, и господа със съмнителна репутация.

Публиката не беше готова за импресионистичната живопис. Бяха подигравани и мъмрени. И най-важното, нищо не са купили от тях.

Но съпротивата беше сломена. И част от импресионистите доживяват да видят своя триумф. Вярно, вече бяха над 40. Като Клод Моне или Огюст Реноар. Някои чакаха признание едва в края на живота си, като Камил Писаро. Някой не го оправда, като Алфред Сисли.

Какъв революционер направи всеки от тях? Защо обществото не ги прие толкова дълго? Ето 7 от най-известните френски импресионисти. Който познава целия свят.

1. Едуард Мане (1832 - 1883)

Едуард Мане. Автопортрет с палитра. 1878 г. Частна колекция

Мане беше по-възрастен от повечето импресионисти. Той беше основният им вдъхновител за промяна.

Самият Мане не претендира да бъде водач на революционерите. Той беше социалистка. мечтал за официални награди.

Но той чакаше много дълго време за признание. Публиката искаше да види Гръцки богини. Или в най-лошия случай натюрморти. За да изглежда красива в трапезарията. Мане искаше да пише модерен живот. Например куртизанки.

Резултатът беше "Закуска на тревата". Двама дендита си почиват в компанията на дами с лекота. Един от тях, сякаш нищо не се е случило, седи до облечени мъже.

Едуард Мане. Закуска на тревата. 1863 г., Париж

Сравнете неговата „Закуска на тревата“ с „Римляните в упадък“ на Томас Кутюр. Картината на Кутюр направи фурор. Художникът веднага стана известен.

"Закуска на тревата" беше обвинена в вулгарност. Бременните жени с пълна сериозност не се препоръчваха да я гледат.

Томас Кутюр. Римляни в упадък. 1847 г. Музей д'Орсе, Париж. artchive.ru

В картината на Couture виждаме всички атрибути на академизма ( традиционна живопис 16-19 век). Колони и статуи. Аполонови хора. Традиционни приглушени цветове. Маниеризмът на позите и жестовете. Сюжет от един далечен живот на съвсем различен народ.

„Закуска на тревата” на Мане е различен формат. Преди него никой не е изобразявал така лесно куртизанки. В близост до почтени граждани. Въпреки че много мъже от онова време прекарваха свободното си време по този начин. Истинския живот истински хора.

Веднъж писах на една уважавана дама. Грозно. Не можеше да я ласкае с четка. Дамата беше разочарована. Тя го остави разплакана.

Едуард Мане. Анджелина. 1860 г. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Така той продължи да експериментира. Например с цвят. Той не се опитваше да изобрази така наречения естествен цвят. Ако той видя сиво-кафява вода като ярко синя, тогава той я изобрази като ярко синя.

Това, разбира се, раздразни обществеността. В края на краищата дори Средиземно море не може да се похвали с такова синьо като водата в Мане, иронизираха те.

Едуард Мане. Аржантьой. Музей от 1874 г изящни изкуства, Турне, Белгия. wikipedia.org

Но фактът остава. Мане фундаментално промени целта на живописта. Картината се превърна в въплъщение на индивидуалността на художника. Който си пише както си иска. Забравете за моделите и традициите.

Всички нововъведения не му прощаваха дълго време. Признанието чакаше само в края на живота. Когато вече не му трябваше. Той болезнено избледняваше неизлечима болест.

2. Клод Моне (1840 - 1926)

Клод Моне. Автопортрет в барета. 1886 г. Частна колекция

Клод Моне може да се нарече Кристофър импресионист. Тъй като той беше верен на тази посока, всичките му дълъг живот.

Той рисува не предмети и хора, а едноцветна конструкция от отблясъци и петна. Отделни удари. Треперене на въздуха.

Клод Моне. Басейн за гребане. 1869 Метрополитен музей на изкуствата, Ню Йорк. Metmuseum.org

Моне рисува не само природата. Той също беше добър в градските пейзажи. Един от най-известните - .

В тази картина има много фотография. Например, движението се предава с помощта на размазано изображение.

Обърнете внимание, далечните дървета и фигури изглеждат в мъгла.

Клод Моне. Булевард де Капуцини в Париж. 1873 (Галерия за европейско и американско изкуство от 19-20 век), Москва

Пред нас е спрял миг от кипящия живот на Париж. Без постановка. Никой не позира. Хората са изобразени като набор от щрихи. Такава безсюжетност и ефектът на „замръзнала рамка“ - основна характеристикаимпресионизъм.

До средата на 80-те художниците се разочароваха от импресионизма. Естетиката, разбира се, е добра. Но безсмислието на много потиснати.

Само Моне продължи да упорства. Хипертрофия на импресионизма. Това, което се превърна в поредица от картини.

Изобразявал е един и същи пейзаж десетки пъти. AT различно времедни. По различно време на годината. За да покаже колко температура и светлина могат да променят един и същ изглед до неузнаваемост.

Така се появиха безброй купи сено.

Картини на Клод Моне в Музея за изящни изкуства, Бостън. Вляво: Купи сено при залез слънце в Живерни, 1891 г. Вдясно: Купа сено (снежен ефект), 1891 г.

Моля, имайте предвид, че сенките в тези картини са цветни. И не сиво или черно, както беше обичайно преди импресионистите. Това е друга тяхна особеност.

Моне успя да се наслади на успех и материално благополучие. След 40 той вече забрави за бедността. Той има къща и красива градина. И твореше за собствено удоволствие дълги години.

Прочетете за най-емблематичната картина на майстора в статията

3. Огюст Реноар (1841 - 1919)

Пиер-Огюст Реноар. Автопортрет. 1875 Стърлинг и Франсин Кларк Институт за изкуство, Масачузетс, САЩ. Pinterest

Импресионизмът е най-позитивната живопис. А най-позитивният сред импресионистите беше Реноар.

В неговите картини няма да откриете драматизъм. Дори черна боятой не е използвал. Само радостта от съществуването. Дори най-баналният Реноар изглежда красив.

За разлика от Моне, Реноар рисува хора по-често. Пейзажите за него бяха по-малко значими. В неговите картини неговите приятели и познати си почиват и се наслаждават на живота.

Пиер-Огюст Реноар. Закуска на гребци. 1880-1881 г Колекция Филипс, Вашингтон, САЩ. wikimedia.commons.org

Няма да намерите в Реноар и замисленост. Той беше много щастлив да се присъедини към импресионистите. Които анкети отказаха сюжети.

Както самият той каза, най-после има възможност да пише цветя и да ги нарича просто „Цветя“. И не си измисляйте истории за тях.

Пиер-Огюст Реноар. Жена с чадър в градината. 1875 Музей Тисен-Борменис, Мадрид. arteuam.com

Реноар се чувствал най-добре в женска компания. Той помоли своите прислужници да пеят и да се шегуват. Колкото по-тъпа и наивна беше песента, толкова по-добре за него. Мъжкото бърборене го умори. Нищо чудно, че Реноар е известен със своите голи тела.

Моделът в картината „Голо в слънчева светлина” изглежда се появява на цветен абстрактен фон. Защото за Реноар няма нищо второстепенно. Окото на модела или зоната на фона са еквивалентни.

Пиер-Огюст Реноар. Гола на слънчева светлина. 1876 ​​г. Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.commons.org

Реноар е живял дълъг живот. И никога не оставяйте четката и палитрата. Дори когато ръцете му бяха напълно оковани от ревматизъм, той завърза четката за ръката си с въже. И той рисува.

Подобно на Моне, той чака признание след 40 години. И видях картините си в Лувъра, до творбите известни майстори.

Прочетете за един от най-очарователните портрети на Реноар в статията

4. Едгар Дега (1834 - 1917)

Едгар Дега. Автопортрет. 1863 г. Музей Калуст Гулбенкян, Лисабон, Португалия. културен.com

Дега не е класически импресионист. Не обичаше да работи на открито (на открито). При него няма да намерите умишлено изсветлена палитра.

Напротив, той обичаше ясната линия. Той има много черно. И той работеше изключително в студиото.

Но въпреки това той винаги е поставян наравно с други велики импресионисти. Защото беше импресионист на жеста.

Неочаквани ъгли. Асиметрия в подреждането на обектите. Герои, хванати неподготвени. Всичко това са основните атрибути на неговите картини.

Той спря мига на живота, не му позволи да дойде на себе си. Вижте поне неговия „Оперен оркестър“.

Едгар Дега. Оперен оркестър. 1870 г. Музей д'Орсе, Париж. commons.wikimedia.org

На преден план е облегалката на стол. Музикантът е с гръб към нас. А на заден план балерините на сцената не се вписваха в „рамката“. Главите им са безмилостно „отсечени“ от ръба на картината.

Следователно толкова обичаните от него танцьори далеч не винаги са изобразени в красиви пози. Понякога просто се разтягат.

Но такава импровизация е въображаема. Разбира се, Дега внимателно обмисля композицията. Това е просто ефект на стоп рамка, а не истинска стоп рамка.

Едгар Дега. Двама балетисти. 1879 Shelburne Museum, Wermouth, САЩ

Едгар Дега обичаше да рисува жени. Но болестта или характеристиките на тялото не му позволиха да има физически контакт с тях. Той никога не се жени. Никой никога не го е виждал с жена.

Липсата на реални сюжети в личния му живот придава фина и наситена еротичност на образите му.

Едгар Дега. Балетна звезда. 1876-1878 г Музей д'Орсе, Париж. wikimedia.comons.org

Моля, обърнете внимание, че в картината „Звезда на балета“ е нарисувана само самата балерина. Колегите й от задкулисието едва се различават. Само няколко крака.

Това не означава, че Дега не е завършил картината. Такъв е приемът. Дръжте само най-важните неща на фокус. Останалото да изчезне, нечетливо.

Прочетете за други картини на майстора в статията.

5. Берта Моризо (1841 - 1895)

Едуард Мане. Портрет на Берта Моризо. 1873 г. Музей на Мармотан Моне, Париж.

Берта Моризо рядко е поставяна на първия ред с великите импресионисти. Сигурен съм, че не е заслужено. Точно в нея ще намерите всички основни характеристики и техники на импресионизма. И ако харесвате импресионизма, ще обикнете работата й с цялото си сърце.

Моризо работеше бързо и упорито. Пренасяне на вашето впечатление върху платното. Фигурите сякаш са на път да се разтворят в пространството.

Берт Моризо. лято. 1880 г. Музей на Фабр, Монпелие, Франция.

Подобно на Дега, тя често не завършва някои детайли. И дори части от тялото на модела. Не можем да различим ръцете на момичето в картината „Лято“.

Пътят на Моризо към себеизразяването беше труден. Тя не само се занимаваше с „небрежно“ рисуване. Тя все още беше жена. В онези дни една жена трябваше да мечтае да се омъжи. След това всякакви хобита бяха забравени.

Затова Берта дълго време отказваше брак. Докато не намери мъж, който се отнасяше с уважение към нейната професия. Йожен Мане е брат на художника Едуар Мане. Той послушно копнееше за статива и боите на жена си.

Берт Моризо. Йожен Мане с дъщеря си в Бугивал. 1881 г. Музей на Мармотан Моне, Париж.

Но това беше още през 19 век. Не, Моризо не носеше панталони. Но тя не можеше да си позволи пълна свобода на движение.

Не можеше да отиде сама в парка на работа. Непридружен от някой близък. Не можех да седя сама в кафене. Затова нейните картини са хора от семейния кръг. Съпруг, дъщеря, роднини.

Берт Моризо. Жена с дете в градина в Бугивал. 1881 г Национален музейУелс, Кардиф.

Моризо не дочака признание. Тя почина на 54-годишна възраст от пневмония. През живота си не е продал почти нищо от творбите си. В акта за смъртта й в графата "професия" имаше тире. Беше немислимо една жена да се нарича художник. Дори и наистина да беше.

Прочетете за картините на майстора в статията

6. Камий Писаро (1830 - 1903)

Камил Писаро. Автопортрет. 1873 г. Музей д'Орсе, Париж. wikipedia.org

Камил Писаро. Неконфликтен, разумен. Мнозина го смятаха за учител. Дори най-темпераментните колеги не говореха лошо за Писаро.

Той беше верен последовател на импресионизма. В крайна нужда, с пет деца и жена, той все още работеше усилено в същия стил. И никога не премина към салонно боядисване. За да станат по-популярни. Не е известно откъде е намерил сили да вярва напълно в себе си.

За да не умре изобщо от глад, Писаро рисува ветрила. които се продаваха лесно. И истинското признание дойде при него след 60 години! Когато най-накрая успя да забрави за нуждата.

Камил Писаро. Дилижанс в Лувесиен. 1869 г. Музей д'Орсе, Париж

Въздухът в картините на Писаро е гъст и плътен. Необичайно сливане на цвят и обем.

Художникът не се страхуваше да рисува най-променливите природни явления. Което ще се появи за миг и ще изчезне. първи сняг, мразовито слънце, дълги сенки.

Камил Писаро. Слана. 1873 г. Музей д'Орсе, Париж

Най-известните му творби са изгледи от Париж. С широки булеварди, суета и пъстра тълпа. През нощта, през деня, при различно време. Нещо общо с поредица от картини на Клод Моне.

Импресионизмът е посока в живописта, възникнала във Франция през XIX-XX век, което е артистичен опит да се улови някакъв момент от живота в цялата му променливост и подвижност. Картините на импресионистите са като качествено измита фотография, съживяваща във фантазията продължението на видяната история. В тази статия ще разгледаме 10 от най-известните импресионисти в света. за щастие, талантливи художницимного повече от десет, двадесет или дори сто, така че нека се съсредоточим върху тези имена, които трябва да знаете със сигурност.

За да не обидим нито артистите, нито техните почитатели, списъкът е даден по азбучен ред на руски език.

1. Алфред Сисли

Това френски художник английски произходсмятан за най известен пейзажиствторо половината на XIXвек. В колекцията му има повече от 900 картини, от които най-известните са „Селска алея“, „Слана в Лувесиен“, „Мост в Аржантьой“, „Ранен сняг в Лувесиен“, „Тревни площи през пролетта“ и много други.

2. Ван Гог

Известен по целия свят тъжна историяотносно ухото му (между другото, той не отряза цялото ухо, а само лобчето), Уанг Гон стана популярен едва след смъртта си. И през живота си успя да продаде една-единствена картина, 4 месеца преди смъртта си. Говори се, че той е бил едновременно предприемач и свещеник, но често е попадал в психиатрични болници поради депресия, така че цялото бунтарство на неговото съществуване е довело до легендарни произведения.

3. Камил Писаро

Писаро е роден на остров Свети Тома, в семейство на буржоазни евреи и е един от малкото импресионисти, чиито родители насърчават хобито му и скоро го изпращат в Париж да учи. Най-вече художникът харесваше природата и я изобразяваше във всички цветове, и по-точно Писаро имаше специален талантза избор на мекота на цветовете, съвместимост, след което изглеждаше, че въздухът се появява в снимките.

4. Клод Моне

От детството си момчето реши, че ще стане художник, въпреки забраните на семейството. След като се премести сам в Париж, Клод Моне се потопи в сивото ежедневие на тежък живот: две години служба във въоръжените сили в Алжир, съдебни спорове с кредитори поради бедност, болест. Все пак има усещането, че трудностите не са потискали, а са вдъхновили твореца да създава такива ярки снимки, като "Впечатление, изгрев", "Каматата на парламента в Лондон", "Мостът към Европа", "Есен в Аржантьой", "На брега на Трувил" и много други.

5. Константин Коровин

Хубаво е да се знае, че сред французите, родоначалници на импресионизма, с гордост можем да поставим нашия сънародник - Константин Коровин. Страстната любов към природата му помогна интуитивно да придаде невъобразима жизненост на статична картина, благодарение на комбинацията от подходящи цветове, ширина на щрихи, избор на тема. Невъзможно е да се мине покрай картините му "Кей в Гурзуф", "Риба, вино и плодове", " Есенен пейзаж», « Лунна нощ. Зима” и поредица от негови творби, посветени на Париж.

6. Пол Гоген

До 26-годишна възраст Пол Гоген дори не си е помислял да рисува. Той беше предприемач и имаше голямо семейство. Въпреки това, когато за първи път видях картините на Камий Писаро, реших, че със сигурност ще започна да рисувам. С течение на времето стилът на художника се променя, но най-известните импресионистични картини са "Градина в снега", "При скалата", "На плажа в Диеп", "Голо", "Палми в Мартиника" и други.

7. Пол Сезан

Сезан, за разлика от повечето си колеги, става известен още приживе. Той успя да организира собствена изложба и да спечели значителни приходи от нея. Хората знаеха много за неговите картини - той, както никой друг, се научи да комбинира играта на светлина и сянка, направи силен акцент върху правилни и неправилни геометрични форми, строгостта на темите на неговите картини беше в хармония с романтиката.

8. Пиер Огюст Реноар

До 20-годишна възраст Реноар работи като декоратор на ветрила за по-големия си брат и едва след това се премества в Париж, където се запознава с Моне, Базил и Сисли. Това запознанство му помогна в бъдеще да поеме по пътя на импресионизма и да стане известен по него. Реноар е известен като автор на сантиментален портрет, сред най-големите му изключителни произведения- "На терасата", "Разходка", "Портрет на актрисата Жана Самари", "Ложа", "Алфред Сисли и съпругата му", "На люлката", "Жаба" и много други.

9. Едгар Дега

Ако не сте чували за " Сини танцьори”, „Балетни репетиции”, „Балетна школа” и „Абсент” – побързайте да научите повече за творчеството на Едгар Дега. Изборът на оригинални цветове, уникални теми за картини, усещането за движение на картината - всичко това и много повече направи Дега един от най- известни артистиспокойствие.

10. Едуард Мане

Не бъркайте Мане с Моне - това са две различен човеккоито са работили по едно и също време и в едно и също художествено направление. Мане винаги е бил привлечен от домашни сцени, необичаен външен види типове, сякаш случайно "уловени" моменти, впоследствие уловени за векове. Сред известните картини на Мане: "Олимпия", "Закуска на тревата", "Бар в Folies Bergère", "Флейтист", "Нана" и др.

Ако имате и най-малката възможност да видите на живо картините на тези майстори, ще се влюбите в импресионизма завинаги!

Александра Скрипкина,

мазни петна, ярки цветове, ежедневни сцени от живота, откровени пози и, най-важното, точно описание на светлината ... Само малка част от характеристиките на един от най-популярните художествени направления. Импресионизмът се появява във Франция в средата на 19 век. Преди да се появи, натюрморти, портрети и дори пейзажи обикновено са създавани от художници в техните ателиета. Първите импресионисти нарушават традиционните канони и буквално излизат на полето - започват да творят на открито, заснемайки реалистични сцени от съвременния живот. Въпреки че първоначално беше силно критикуван, импресионизмът скоро доведе до подобна тенденция в музиката и литературата. Каним ви да се насладите максимално известни картинитова революционно движениев изкуството.

Бар във Folies Bergère, Едуар Мане, 1882 г

Последната основна работа на Мане и просто най-великата работаизкуство. Платното изобразява известното кабаре на Париж, което самият художник често посещава. За да предаде атмосферата на този период и да направи сцената по-сложна, той изобразява огледало на заден план, което отразява голяма сумахора, изпълващи стаята. Срещу тълпата и зрителя, напротив, зад щанда стои самотна барманка, погълната от собствените си мисли. Един от изследователите на творчеството на Мане отбелязва, че портокалите в картината са пряко доказателство, че говорим за проститутка. Датата и подписът на самия Мане са показани на етикета на една от бутилките, който е в долния ляв ъгъл.

Серия от "Водни лилии" на Клод Моне се нарича от професионалистите само като " Сикстинска капелаимпресионизъм“. Цикълът се състои от около 250 картини, създадени от художника през последните тридесет години от живота му на мястото на къщата му в Живерни. Днес те са изложени в музеи по света. Удивително е, че Моне е написал повечето от тях, когато е страдал от катаракта на окото и е загубил лявата си леща.

Бал в Мулен дьо ла Галет, Пиер-Огюст Реноар, 1876 г.

Известният шедьовър на импресионизма често се характеризира от историците на живописта като „най-красивият художествено платно 19 век“. Картината изобразява типичен неделен следобед в Moulin de la Galette в Монмартър. Под открито небеРеноар изобрази дансинг и кафене близо до къщата си - художникът обичаше да гледа щастливи грациозни двойки. За него това беше идеалната среда за творчество. “Бал в Мулен дьо ла Галет” е изкусен групов портрет, натюрморт и пейзаж едновременно. Освен това това е най-амбициозната творба на Реноар: художникът никога досега не е изобразявал аспекти Ежедневиетовърху платно с такъв мащаб - 131х175 см. Умаленият вариант на картината е сред десетте най-скъпо продадени произведения на изкуството.

Впечатление. Изгряващо слънце, Клод Моне, 1872 г

Емблематична картина, която даде име на цялото художествено движение (от френското импресия - „впечатление“) и стана негова квинтесенция. Първоначално платното, създадено от Моне в пристанището на Хавър, беше разбито на пух и прах от критиците, а терминът „импресионизъм“ възниква в сатирична рецензия на журналиста Луи Лерой, който пише: „Тапети и те щяха да изглеждат завършени , не като това е „Впечатление“!“ Интересна подробност: ако направите черно-бяло копие на тази творба, слънцето ще изчезне почти напълно.

Обяд на тревата Едуард Мане 1862-1863

Сцената, изобразяваща гола жена, обядваща с двама напълно облечени мъже, първоначално се смяташе за обида - художникът беше обвинен в упадък и лош вкус. Картината не беше допусната до участие в Парижкия салон. Това наистина беше смело изявление в полза на свободата на личността на художника.

Парижка улица в дъждовен ден, Гюстав Кайбот, 1877 г

Смятан за едно от най-известните произведения на градския живот през 19 век. Картината изобразява Дъблинския площад близо до пресичането му с улица Москва близо до гара Париж Сен Лазар. Лампата и линията на хоризонта, така да се каже, разделят картината на четири квадранта. Всички хора тук се нанасят различни посоки, сякаш подчертавайки тяхната безличност, изолация, самота в един развиващ се град. В допълнение, Caillebotte майсторски предава усещането за дъжд с помощта на осветление и липсата на силни сенки на улицата.

Закуска на гребците, Пиер-Огюст Реноар

Закуската на гребците, Пиер-Огюст Реноар, 1880-1881 г.

Романтичен портрет на приятели на Реноар, наслаждаващи се на вечер на балкон покрай река Сена. Сред хората на снимката можете да видите бъдеща съпругаавтор (гледачка Алина Шариго - дама с куче) и др известен импресионист- Гюстав Кайбот (вдясно със сламена шапка). Картината представя променящата се природа на френското общество в края на 19 век в резултат на индустриалната революция.

Pont Boildieu в Руан в дъждовен ден, Камий Писаро, 1896 г.

Това известна картинаДега е артистично представяне на социалното изключване в Париж по време на неговия бум. Картината изобразява жена, която гледа безразлично чаша абсент пред себе си и, очевидно, не е първата. До нея седи мъж, който прилича на алкохолик. Всъщност ролите на „унижените и оскърбени” герои са изиграни от художника Марселин Дебютен и актрисата Елън Андре. Отначало критиците бяха шокирани от атмосферата на деградация и упадък, царяща на платното. А някои го видяха като предупреждение срещу прекомерното пиене.

Паркет, Гюстав Кайбот, 1875 г

Една от първите картини, изобразяващи градската работническа класа. Caillebotte е пример за непоколебим интерес към ежедневието. Забележете колко точно художникът е уловил светлината, идваща през прозореца и сенките. Картината е реалистична като снимка, но въпреки това беше отхвърлена от най-престижните художествени изложбии салони: изобразяването на полуголи мъже от работническата класа се смяташе за "вулгарна тема".