Творчески работи. Оцветяване на картини от известни художници: тайни на техниките за маслена живопис. Живописни работи

Ако има няколко публикации по конкретен въпрос, трябва да се запознаете с всички публикации, за да разберете как се е променила гледната точка по разглеждания въпрос.

Събиране и обработка на фактически материали (скици, скици, скици и композиционни търсения)

Събирането на фактически материали е важен етап от подготовката на практическата част на курсовата работа. Неговото качество до голяма степен зависи от това колко квалифициран и пълен е подбран фактическият материал.

предметни учебни дисциплиниса скици, скици, скици, композиционни търсения на пластични форми, декоративни пана, образци на техники за изпълнение, изходни изображения за компютърна графика, репродукции на произведения на изкуството.

Фактически материал за курсова работа общопрофесионални дисциплини– това са данни от експериментално изследване, базирано на резултатите от практическите занимания в училище.

Събирането и обработката на естествен материал (скици, скици и скици), композиционните търсения са трудоемък етап от курсовата работа. За ускоряване на обработката и систематизирането на материала и успешното завършване на работата на студентите се дава право и възможност да ползват учебни, научни лаборатории и работилници, библиотечни фондове и читални.

Подготовка за защита и защита на курсова работа

Попълнената и правилно оформена курсова работа се предава на научния ръководител не по-късно от две седмици преди защитата в катедрата. Работният ръководител проверява работата, подписва я и я представя на ръководителя на отдела. Въз основа на представените документи ръководителят на катедрата взема решение за допускане на работата до защита. Разрешението за допускане се издава на заглавната страница на курсовата работа и се подписва от ръководителя на катедрата. Ако ръководителят на катедрата не счита за възможно да допусне студента до защитата, въпросът се решава на заседание на катедрата с участието на ръководителя и автора на работата.

В този случай решението за допускане до защита се взема от ръководителя на катедрата въз основа на решението на членовете на катедрата.

Приетата за защита работа се връща на студента за коригиране на коментари и подготовка на резюмета за защита.

Защита на курсова работасе провежда на открито заседание на катедрата, в което участват научни ръководители на работата, преподаватели, студенти и др.. Всички присъстващи могат да задават въпроси на защитника по съдържанието на работата и да участват в нейното обсъждане.

За защита на едно заседание се представят не повече от 20 работи. За защита на една работа се отделят не повече от 15 минути, включително 5-7 минути за доклад на студента.

Докладът на дипломанта (1-1,5 страници) съдържа:

Работна тема;

Цел на работата;

Уместността на изучаваната тема, нейната обосновка;

Характеристика на обема и структурата на работата;

Последователност на практическата част;

Заключение.

Докладът е представен свободно и ясно; ученикът не чете текста, а логично излага своите наблюдения и изводи.

Отговорите на студентите на въпросите на присъстващите, тяхната пълнота и дълбочина влияят върху оценката на курсовата работа.

След като авторът на произведението говори и отговаря на въпросите, водещият говори със своята обратна връзка. След обсъждане на работата, студентът има възможност да отговори на направените коментари. Курсовата работа се оценява по четириточкова система: „отличен“, „добър“, „задоволителен“, „незадоволителен“. При това членовете на отдела се ръководят от следните критерии:

Професионализъм на уменията и способностите при изпълнение на практическата част;

Защита на работата: студентът трябва да покаже колко дълбоко е разбрал темата, способността да се ориентира в научни проблеми, свързани с темата на работата: студентът трябва да демонстрира способността да изразява кратко и ясно мислите си, да дава изчерпателни отговори на въпроси , логично и правилно водят научен дебат;

Дизайн на работата: спазване на правилата за проектиране, препоръчани от тези правила, правописна, пунктуационна и стилистична грамотност; правилен библиографски дизайн.

Студентът трябва да знае, че оценката се състои от много показатели, като решаващият показател е самата защита. Обсъждането на резултатите от защитата на всяка работа се провежда на закрито заседание на членовете на катедрата. Решението за оценка се взема с мнозинство, гласът на ръководителя на катедрата се брои за 2 гласа. Резултатите от защитата на курсовата работа се обявяват на същия ден след одобряване на протокола за защита от ръководителя на катедрата.

При оценка „незадоволителна” студентът има право на нова защита през следващия семестър след дописки, поправки и преработки, но не повече от веднъж.

Общите резултати от защитата на курсовата работа задължително се обсъждат в катедрата. Въз основа на резултатите от защитата катедрата може да препоръча отделни разработки за публикуване в сборници със студентски научни трудове.

Теоретичната част от курсовата работа се съхранява в продължение на 2 години от датата на защита в методическия кабинет на факултета, където може да се използва (на обща основа с учебна и научна литература) от студенти, учители, учители и др. Практическата част се съхранява в изложбения фонд и се използва за изложби и като учебно помагало в класната стая.

Не се допускат изтегляне на материали, промени и допълнения към курсовата работа. При необходимост авторът на произведението има право да направи копия на материалите, налични в произведението.

миналото очарова с цветовете си, играта на светлина и сянка, уместността на всеки акцент, общото състояние и вкуса. Но това, което виждаме сега в галерии, запазени и до днес, се различава от това, което са виждали съвременниците на автора. Маслената живопис има тенденция да се променя с течение на времето, това се влияе от избора на бои, техниката на изпълнение, завършващото покритие на произведението и условията на съхранение. Това не взема предвид незначителните грешки, които талантлив майстор може да направи, когато експериментира с нови методи. Поради тази причина впечатленията от картините и описанието на външния им вид може да се различават през годините.

Техника на старите майстори

Техниката на маслената живопис дава огромно предимство в работата: можете да рисувате картина в продължение на години, като постепенно моделирате формата и рисувате детайлите с тънки слоеве боя (глазура). Следователно корпусната живопис, където веднага се опитват да придадат завършеност на картината, не е типична за класическия начин на работа с масло. Обмисленият поетапен подход към нанасянето на боя ви позволява да постигнете невероятни нюанси и ефекти, тъй като всеки предишен слой се вижда през следващия при остъкляване.

Фламандският метод, който Леонардо да Винчи обичаше да използва, се състоеше от следните стъпки:

• Рисунката е нарисувана едноцветно върху светла основа, със сепия за контура и основните сенки.
• След това беше направен тънък подрисуван с обемна скулптура.
• Последният етап беше няколко слоя глазура с отражения и детайли.

Но с течение на времето тъмнокафявото писмо на Леонардо, въпреки тънкия слой, започна да прозира през цветното изображение, което доведе до потъмняване на картината в сенките. В основния слой той често използва изгорена умбра, жълта охра, пруско синьо, кадмиево жълто и изгорена сиена. Последното му нанасяне на боя беше толкова фино, че беше невъзможно да се открие. Собствена разработка сфумато метод (засенчване) позволи това да се направи с лекота. Тайната му е в силно разредена боя и работа със суха четка.

Рембранд – Нощна стража

Рубенс, Веласкес и Тициан са работили по италианския метод. Характеризира се със следните етапи на работа:

• Нанасяне на цветен грунд върху платното (с добавяне на пигмент);
• Пренасяне на контура на рисунката върху земята с тебешир или въглен и фиксиране с подходяща боя.
• Подрисуването, на места плътно, особено в осветените зони на изображението, а на места напълно липсващо, оставяше цвета на земята.
• Финална работа в 1 или 2 стъпки с полуглазури, по-рядко с тънки глазури. Кълбото от живописни слоеве на Рембранд може да достигне сантиметър дебелина, но това е по-скоро изключение.

При тази техника беше отделено особено значение на използването на припокриващи се допълнителни цветове, което направи възможно неутрализирането на наситената почва на места. Например червеният грунд може да бъде изравнен със сиво-зелено покритие. Работата с тази техника беше по-бърза, отколкото с фламандския метод, който беше по-популярен сред клиентите. Но неправилният избор на цвета на грунда и цветовете на крайния слой може да съсипе боядисването.

Оцветяване на картината

За да постигнат хармония в една картина, те използват пълната сила на рефлексите и допълващите се цветове. Има и такива малки трикове като използването на цветен грунд, както е обичайно в италианския метод, или покриване на картината с лак с пигмент.

Цветните грундове могат да бъдат лепилни, емулсионни и маслени. Последните представляват пастообразен слой блажна боя с необходимия цвят. Ако бялата основа дава светещ ефект, то тъмната придава дълбочина на цветовете.

Рубенс – Съюз на земята и водата

Рембранд рисува върху тъмно сива основа, Брюлов рисува върху основа с тъмнокафяв пигмент, Иванов оцветява платната си с жълта охра, Рубенс използва английски червени и кафяви пигменти, Боровиковски предпочита сивата основа за портрети, а Левицки предпочита сиво-зелената. Потъмняването на платното очакваше всички, които използваха земни цветове в изобилие (сиена, умбра, тъмна охра).

Boucher – деликатни цветове от светлосини и розови нюанси

За тези, които правят копия на картини на велики художници в цифров формат, този ресурс ще бъде от интерес, където са представени уеб палитри на художници.

Лаково покритие

В допълнение към глинените бои, които потъмняват с времето, лаковете на основата на смола (колофон, копал, кехлибар) също променят лекотата на картината, придавайки й жълти нюанси. За изкуствено придаване на старинен вид на платното към лака специално се добавя пигмент охра или друг подобен пигмент. Но силното потъмняване е по-вероятно да бъде причинено от излишното масло в работата. Това също може да доведе до пукнатини. Въпреки че такива ефектът на craquelure често се свързва с работа с полувлажна боя, което е неприемливо за маслена живопис: те рисуват само върху изсъхнал или все още влажен слой, в противен случай е необходимо да се изстърже и да се рисува отново.

Брюлов – Последният ден на Помпей

1) Избор на тема:

В дипломната си работа се обърнах към един от видовете изобразително изкуство - живописта. Темата на творбата беше пейзаж. Уместно е да цитираме изказването на известния руски пейзажист И.И. Шишкина: „Картината трябва да бъде пълна илюзия, а това не може да се постигне без цялостно изследване на избраните мотиви, към които художникът изпитва най-голямо влечение, които остават в детските му спомени, тоест пейзажът трябва да бъде не само национален , но и местни.“ (Абелдяева И.Г. Училище за изящни изкуства. Брой 5. - М., 1962).

Критерият за избор на темата беше личното ми отношение към местния морски пейзаж. Желанието да се предаде в картината слънчево състояние, гледката към залива Цемес, позната от детството, допълнена от модерни сгради на пристанището.

2) Събиране на материали:

картината е създаването на цялостен образ на природата, това е художествено обобщение, трансформация на природата с помощта на въображението на художника. Невъзможно е да претвориш живописно това, за което нямаш представа. Следователно създаването на пейзаж винаги е предшествано от дълга работа върху скици от живота. „Трябва да погледнете природата просто, внимателно, опитвайки се да разберете общото й впечатление и оттам да преминете към детайлите ...“ (Майстори на съветското изкуство на пейзажа, 1965 г.).

За завършване на работата беше събран подготвителен материал. Това са скици, скици с молив, живописни краткосрочни и дългосрочни проучвания, направени от живота.

(Приложение A, Фиг. A1-A6). Основните предимства на пейзажната скица са прехвърлянето на определено състояние на осветеност на природата, влиянието на въздушната среда и значително пространство. Скиците са завършени по различно време на годината, по различно време на деня.

3) композиционно и колористично решение:

Композиционната цялост на живописната скица зависи от връзката между главното и второстепенното, от свързването на цялото изображение в едно произведение. Когато идентифицира композиционния център, художникът трябва съзнателно да обобщи детайлите, да отслаби силата на тона и цвета на обектите, които се отдалечават от композиционния център, и да подчини всички тонални и цветови отношения на основното.

4) картон (подготвителен чертеж):

След като изясните идеята в скици и скици, след като сте намерили линейна и цветна композиция, трябва да започнете да рисувате цялата композиция върху картон или хартия (Приложение А, Фиг. A7). Картонът е направен в естествен размер с помощта на молив и въглен. В него се усъвършенстват и завършват композиционното решение, естеството на формата и съотношението на обектите, задачите на въздушната и линейната перспектива, определя се оформлението на пейзажа и се изработва композиционният център. След това рисунката от картона (чрез паус или с барут) се пренася върху платното.

5) Картина на платно:

След композиционни търсения и правене на картон, можете да започнете да рисувате върху платно, като започнете с подрисуване, изясняване на тонални и цветови отношения, полагане на сенки, изработване на детайли. Следва обобщаването и завършването на работата (Приложение A, Фиг. A8-A14).

1

Статията разглежда някои проблеми на работата с акварел в часовете по рисуване. Акварелът е привлекателен със своята достъпност и чистота на цветовите отношения. Въпреки привидната простота на работата, акварелът е сложна техника за рисуване на стативи. Особено внимание се обръща на материалите, инструментите и технологичните аспекти на рисуването с акварел: остъкляване, „алла прима“ и „сурови“ методи. Когато работите върху дълги проучвания, по-често се използва първият. За рисуване на пленер, в бързи скици, методът "alla prima" е по-подходящ. Необходимо е да се разбере, че овладяването на умението за рисуване с акварел не се учи от книгите. Всичко се научава чрез дългогодишна практическа работа и личен опит. Следователно практиката е най-добрият метод за овладяване на техниката на рисуване с акварел.

инструменти

бояджийски материали

метод на писане

акварелна живопис

1. Беда Г.В. Основи на визуалната грамотност: Рисуване. Рисуване. Състав. Изд. 2-ро, преработено и допълнителни М .: Образование, - 1981. - 239 с.

2. Василиев А.А. Живопис натюрморт: акварел: Учебник. полза. Изд. 3-то, преработено и допълнителни Краснодар: Кубанско държавно издателство. университет, 2004. - 98 с.

3. Волков Ю.В. Работа по рисуване на скици. М.: Образование, 1984. - 31 с.

4. Скрипникова Е.В. Натюрморт: композиция, рисунка, живопис: учебник / E.V. Скрипникова, А.И. Сухарев, Н.П. Головачева, Г.С. Баймуханов. – Омск: Издателство на Омския държавен педагогически университет, 2015. – 150 с.

5. Скрипникова Е.В., Головачева Н.П., Сухарев А.И. Рисуване на натюрморт: Урок. – Омск: БОУДПО “ИРООО”, 2015. – 92 с.

6. Щетинин И.Д. Акварел: Практическо ръководство. Курган: Издателство "ФОРТ ДИАЛОГ - КУРГАН", 2009. - 31 с.

Формулиране на проблема

Акварелната техника се изучава от студентите в художествените факултети на педагогическите университети през първата година. В часовете по рисуване на учениците се поставят не само задачи по рисуване: намиране на общия цвят на обстановката, съотношения цвят-тон между обекти и фон, предаване на обема на обекти при определени условия на осветление, изучаване на законите и правилата на въздушната перспектива, но и композиция и рисунка. Първо, задачата е да се научите как да композирате продукция: определете пропорциите на формата на листа, намерете размера на изображението в него, поставете обекти в изобразителната равнина един спрямо друг. Второ, научете се да разбирате и рисувате обекти с различни дизайни и форми, като вземете предвид ъгъла и линията на хоризонта, изучавайте законите и правилата на линейната перспектива. В нашата статия разглеждаме само проблемите на технологията на рисуване с акварел: материали, инструменти, различни технологични техники.

Акварелът е привлекателен със своята достъпност и чистота на цветовите отношения. Въпреки привидната простота на работата, акварелът е сложна техника за рисуване на стативи. За да го овладеете и разберете, трябва внимателно да проучите материалите и инструментите (боя, хартия, четки). В крайна сметка тук започва всеки творчески процес.

Акварел (от лат. аква- „вода“) - бои, разредени с вода, и в професионална артистична среда - произведения на живописта, направени с такива бои. Цветните пигменти, използвани за направата на акварелни бои, са същите като тези, използвани в другите бои. Но акварелният пигмент е изключително фино смлян, доведен до състояние, в което, докато е във вода, не се утаява на дъното за дълго време. Лепилото - свързващото вещество на този пигмент - трябва да се разтваря във вода, да е безцветно и еластично. Като свързващо вещество в акварелните бои се използват различни растителни лепила (арабска гума, декстрин, черешов клей, мед и др.), които съдържат и пластификатор под формата на глицерин. Глицеринът предпазва боята от чупливост и изсъхване, тъй като задържа влагата. Понякога волската жлъчка се добавя към акварели, така че да лежи лесно върху повърхността на хартията и да не се търкаля по време на писане, и антисептик (фенол), който предотвратява унищожаването на боята от мухъл.

Акварелните бои лесно се разтварят във вода, отмиват се и осигуряват прозрачен слой, който не пречи на отразяването на светлината от хартията. Но някои бои са по-прозрачни (кармин, червено, изумрудено зелено и др.), Те се разтварят по-пълно във вода и лежат по-равномерно върху хартията. Други (кадмиево жълто, лимонено и др.) имат плътност и „покривна способност“, образувайки повърхностни покрития.

По-добре е акварелните бои да се съхраняват на хладно място, без пряка слънчева светлина, за да не се втвърдят поради сух въздух.

Съвременната индустрия произвежда акварелни бои в широка гама. И колкото и богата да е палитрата от цветове, те няма да са достатъчни, за да предадат разнообразието от цветове на света около нас. Художникът разширява цветовата палитра чрез смесване на бои, както механично, така и оптично - чрез нанасяне на един слой боя върху друг. Необходимо е да се проучат свойствата на различни бои, да се провери тяхната покривност, устойчивост на цвят и светлина. Необходимо е да се изпробват всички възможни комбинации от бои, както поотделно, така и в смеси помежду си; разберете какво прави „мръсотията“ в смесите и на какви нюанси трябва да обърнете внимание.

„Чистата“ акварелна живопис е рисуване с бои без използване на бяло. Тъй като акварелните бои са прозрачни, самата хартия (по-рядко картон) служи като "варос". Хартията за акварелно рисуване се произвежда в различни степени по отношение на плътност и текстура. Цветът, плътността и текстурата на хартията са от голямо значение. Най-добрата хартия за акварел е плътна хартия със зърнеста повърхност, която е добре залепена и избелена. Има разновидности от фино зърнеста до груба текстура, напомняща чул. Текстурата допринася за дълбочината на цвета, позволява на акварелната боя лесно да лежи върху повърхността на листа в равномерни и прозрачни слоеве и да задържа влагата в порите по-дълго. Тази хартия може да се използва за много часове скици и също така ви позволява да измиете лошите петна. Боите не се придържат добре към хартия с гладка повърхност и лесно се измиват с четка при нанасяне на следващи слоеве; трудно е да се извърши дълга скица върху нея.

Равномерното разпределение на акварелната боя върху повърхността на хартията е затруднено от наличието на мазни петна. Ето защо, преди боядисване, хартията трябва да се измие с дестилирана вода с няколко капки амоняк. Пожълтялата хартия може да се избели, като се измие с тампон, напоен с водороден прекис.

По време на работа трябва да се грижите за белотата на хартията на светли места (отблясъци, бели повърхности на предмети и др.). За да запазите светлите участъци, можете да изстържете записаните участъци с бръснарско ножче, нож и върху влажна повърхност с дръжка на четка. Друг начин е да покриете запазените отблясъци и отблясъци с гумен цимент. След приключване на работата по скицата, лепилото може лесно да се отстрани с мека гума на молив.

Цветът на хартията е фон, винаги участващ в изграждането на цвета на цялата картина. Добрата хартия за рисуване с акварел е хартия с високо ниво на белота, тъй като нейната повърхност отразява добре светлината през слоевете боя и им придава яркост, разкривайки нюанси на тона. Бялата хартия с предварително оцветяване се използва и в акварелната живопис. Тонираната хартия обединява картината и създава колористична основа на скицата. Неговият тон зависи от задачите, които художникът решава. В акварелите хартията често се оцветява с кафе или отвари от цикория с различна концентрация. Чаят дава красиви нюанси.

За да предотвратите деформация на хартията от влага, тя трябва да бъде залепена към таблета. Върху таблета се поставя навлажнена хартия, която се закрепва отгоре с рамка. Когато изсъхне, хартията се разтяга равномерно и не се деформира. За да запазите хартията влажна за по-дълго време, можете да поставите влажен материал под нея. За малки размери акварелна хартия можете да използвате гумичка. Гумичката е таблетка с определен размер и по-голяма рамка около нея.

В пленера е удобно да се работи по така наречените залепвания. Залепването е купчина листове с дебел картон или шперплат в основата. Листове хартия, залепени заедно в краищата, образуват блок. Използваният горен лист се отстранява, разкривайки нов за работа.

Акварелистите традиционно са използвали четки за катерица, колинска четка и косми, но в наши дни има добри четки за синтетичен косъм. Тези четки са практични за използване, косъмът им не отстъпва на четките Kolinsky и имат повишена устойчивост на износване и по-голяма издръжливост. Те могат да бъдат кръгли или плоски по форма. При акварелите най-често се използват кръгли четки. Четките на Kolinsky се считат за най-добрите, те са по-издръжливи и еластични и се намачкват по-малко. По този начин се проверява качеството на четката. Четката се потапя във вода, след което след изваждане от водата се разклаща. Ако върхът на четката е остър, тогава четката се счита за подходяща за работа.

За да рисувате с акварел, трябва да имате четки с различна големина (от No8 до No16). Голямата кръгла четка е основният инструмент в рисуването с акварел. Може да се използва за нанасяне на големи количества боя или писане с върха на четката. Отначало можете да се справите с голяма четка, с която художникът работи свободно и широко, в големи отношения. Тъй като опитът в работата с акварел се натрупва и образователните и творческите задачи стават все по-сложни, художникът трябва да разшири своя набор от четки.

Палитрата е от голямо значение при работа с акварел. Палитрата трябва да е чисто бяла. За да предотвратите попиването на боята, палитрата трябва да е твърда, равна и гладка. Те използват палитра от бяло стъкло в дървена рамка, покрита с бяла блажна боя отдолу или от бял порцелан или фаянс. Като палитра можете да използвате бели керамични плочки, чинии, метални плочи, боядисани с бяла боя; Пластмасовите палети също могат да работят и се предлагат в някои комплекти акварелни бои.

Често учениците използват хартия като палитра. Хартията не е подходяща за тези цели. Водата бързо поврежда хартията, намокря се и затруднява работата. Недостатъкът при работа с такава палитра е, че разхлабената, напоена хартия отнема най-ценното от бояджийската смес - добре разтворени пигменти, свързващи компоненти; частици хартия, лепило и нежелани химикали попадат в бояджийската смес, което я лишава на прозрачност и придава "мръсотия" на картината "

Няма специални стативи или скицници за рисуване с акварел. Боите могат да се носят във всякакви плоски кутии. Препоръчително е да носите четките отделно, увити в кърпа или поставени в „носител за четки“. Когато носите четки в скицник, те се повреждат и губят формата си. Водата може да се носи в колби с широко гърло.

Старателната, задълбочена подготовка на материали и инструменти за рисуване с акварел не трябва да бъде тежест.

Има няколко технологични начина за работа с акварелни бои. Но има два основни метода: методът на глазурата и методът „alla prima“. Когато работите върху дълги проучвания, по-често се използва първият. За рисуване на пленер, в бързи скици, методът "alla prima" е по-подходящ.

Остъкляването като метод на многослойно боядисване се основава на използването на прозрачността на акварелната боя, нейните свойства на оптичен състав на цветовете при нанасяне на един прозрачен слой боя върху друг. Нанасяйки един слой боя върху друг, можете да получите по-наситени нюанси на един цвят, както и да образувате сложни комбинирани цветове. При метода на глазурата дълбочината и наситеността на цвета се постигат чрез последователно покриване на добре изсъхнал прозрачен слой с друг слой боя.

Продължително проучване по метода на остъкляване се извършва в определена последователност. Първо се прави лека линейна рисунка с молив или тънка четка във всеки един цвят, след което големи равнини на изображението се очертават с четка, но не с пълна сила, а като предварителна колористична подготовка за последващо рисуване. От самото начало на работа върху скица човек трябва да се опита да предаде всички взаимоотношения на природата възможно най-точно. Необходимо е да се установи връзка между всички цветове на природата, постоянно да се сравнява тонът на боята по отношение на наситеността и лекотата.

По време на работа трябва постоянно да сравнявате цветовите отношения на изобразените обекти, както в реалния живот, така и на скицата, и според връзката на взаимните характеристики: сравнявайте светлината на един обект със светлината на друг, сянката със сянка и т.н. . Необходимо е да се определят основните контрасти в природата - местата и предметите, които са най-светли и най-тъмни по сила на тона, за да се установи веднага разликата между най-светлите и най-тъмните области на природата. Най-често това се случва на преден план или специално обозначени „основни“ обекти на природата. Когато правите скица, не можете да се ограничите да работите на едно място, опитвайки се да я завършите веднага, без никаква връзка с останалата среда. В природата всичко е взаимосвързано и е невъзможно да се вземе истински цвета на изобразения обект изолирано от околната среда.

Винаги трябва да правите скица според принципа - от общото към конкретното. След като отворите цялата скица с леки, широки разделители (с изключение на светли места и акценти), като се уверите, че взетите връзки са правилни, можете да започнете по-нататъшна работа - извайване на формата на обекти, оформяне на полутонове, сенки, рефлекси. Когато работите с акварел, препоръчително е да работите от светло към тъмно. Обикновено изобразяваните обекти първо се покриват с широко светли пластове боя, които по сила на тона съответстват на най-светлите осветени места на изобразяваните обекти. След това се нанасят сенките. След това полутоновете се определят чрез сравняването им един с друг.

При метода на глазурата слоят боя, с всичките му многослойности (за предпочитане не повече от три слоя, в противен случай боите губят прозрачност, което води до така нареченото замърсяване) трябва да остане тънък и прозрачен, за да пропуска светлина, отразена от повърхността на хартия. Още при първата регистрация е необходимо ясно да се очертаят контрастите - най-големите разлики в съотношението на блендата и съотношението на топли и студени тонове.

Препоръчително е да използвате телесни, покриващи бои в края на работата, за да създадете по-голяма материалност, обективност и тежест. Трябва да се помни, че при изсъхване акварелните бои донякъде губят силата на цвета си - те изсветляват с около една трета от първоначалната си сила. Ето защо е необходимо да направите необходимите цветове по-наситени, по-ярки, за да избегнете скуката на картината.

Друг метод за акварелно рисуване е методът „alla prima“, при който се рисува веднага, без последователно нанасяне на слоеве боя, всеки детайл започва и завършва в една стъпка. Всички цветове се вземат наведнъж в пълна сила, което позволява използването на механични смеси от бои, т.е. съставете желания цвят от няколко цвята на палитрата. При работа с метода “alla prima” не се използват многократни регистрации. Този метод е по-приемлив на открито. Най-често акварелистите използват и двата метода.

За да създадете леки цветови преходи, особено в сенчести места, при докосване на обекти и равнини, е необходимо краищата на нанесените щрихи да се слеят. За да направите това, хартията е предварително навлажнена с вода. Този метод се нарича работа „сурова“.

За да забавите изсъхването на боите по време на работа, можете да използвате разтвори на глицерин, сапун или мед във водата, в която са разредени боите.

Необходимо е да се разбере, че овладяването на умението за рисуване с акварел не се учи от книгите. Всичко се научава чрез дългогодишна практическа работа и личен опит. Следователно практиката е най-добрият метод за овладяване на техниката на рисуване с акварел.

Рецензенти:

Медведев Л. Г., доктор на педагогическите науки, професор, декан на Факултета по изкуствата на Омския държавен педагогически университет, Омск;

Шаляпин О.В., доктор на педагогическите науки, професор, ръководител на катедрата по рисуване, живопис и художествено образование в Института по изкуствата на Федералната държавна бюджетна образователна институция за висше професионално образование "NGPU", Новосибирск.

Библиографска връзка

Сухарев А.И., Щетинин И.Д. ТЕХНОЛОГИЯ НА АКВАРЕЛНА ЖИВОПИСА // Съвременни проблеми на науката и образованието. – 2015. – № 2-2.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=21931 (дата на достъп: 01.02.2020 г.). Предлагаме на вашето внимание списания, издадени от издателство "Академия за естествени науки"

Техника на рисуване- набор от техники за използване на художествени материали и средства.

Традиционни техники за рисуване: енкаустика, темпера, стена (вар), лепило и други видове. От 15 век техниката на рисуване с маслени бои става популярна; през 20 век се появяват синтетични бои с полимерно свързващо вещество (акрил, винил и др.). Към живописта се причисляват още гваш, акварел, китайски туш и техника полурисунка - пастел.

АКВАРЕЛ

Акварел(от италиански “aquarello”) - означава рисуване с бои на водна основа.

Има много художествени техники в акварела: работа върху мокра хартия („A la Prima“), работа върху суха хартия, изливане, измиване, използване на акварелни моливи, мастило, работа със суха четка, използване на палитра, сол, мулти- рисуване на слоеве, използвайки смесена техника.

Видове акварелни техники:

сухо - рисуване върху суха хартия, като всеки слой боя изсъхва преди нанасяне на следващия

необработен, мокър акварел, alla prima - рисуване върху мокра хартия. Техниката мокро върху мокро използва потока от акварел и създава необичайни цветови ефекти. Използването на тази техника изисква познаване на нивото на влажност на хартията и опит в използването на самата техника.

Alla prima (ала прайм) (произлиза от италианското alla prima - в първия момент) е вид маслена и акварелна живописна техника, която включва завършване на картина (или фрагмент от нея) в една сесия, без предварителни маркировки или подрисуване.

Запълването е много интересна техника в акварела. Плавните цветови преходи ви позволяват ефективно да изобразите небето, водата и планините.

Палетният нож се използва не само в маслената живопис, но и в акварелната живопис. С палетен нож можете да подчертаете очертанията на планини, камъни, скали, облаци, морски вълни, да изобразите дървета и цветя.

Абсорбиращите свойства на солта се използват за създаване на интересни ефекти в акварелите. С помощта на сол можете да украсите поляна с цветя, да получите движеща се въздушна среда в картината, движещи се тонални преходи.

Многослойната живопис е богата на цветове. Многослойната живопис използва всички художествени техники за работа с акварел.

Акварелът е една от най-сложните техники за рисуване. Основното качество на акварела е прозрачността и ефирността на изображението. Привидната простота и лекота на рисуване с акварел е измамна. Рисуването с акварел изисква владеене на четката, владеене на тон и цвят, познаване на законите на смесването на цветовете и нанасянето на слой боя върху хартията. Има много техники в акварела: работа върху суха хартия, работа върху мокра хартия („A la Prima“), използване на акварелни моливи, мастила, многопластово рисуване, работа със суха четка, изливане, измиване, използване на палитра , сол, като се използва смесена техника.

Акварелът, въпреки привидната си простота и лекота на рисуване, е много сложна техника на рисуване. Рисуването с акварел изисква владеене на четката, владеене на тон и цвят, познаване на законите на смесването на цветовете и нанасянето на слой боя върху хартията.

За работата с акварел хартията е един от най-важните материали. Важно е неговото качество, вид, релеф, плътност, зърнистост, едрина. В зависимост от качеството на хартията, акварелните бои се нанасят върху хартията, абсорбират се и изсъхват по различен начин.

МОЛИВ

Моливът е материал за рисуване. Има черен графит и цветни моливи. Чертежите с молив се правят на хартия с помощта на засенчване, тонални петна и светлина и сянка.

Акварелните моливи са вид цветни моливи, които са водоразтворими. Техниките за използване на акварелни моливи са разнообразни: замазване на рисунка с акварелен молив с вода, работа с акварелен молив, напоен с вода, работа с молив върху мокра хартия и др. По-трудно е да се направи рисунка.

С молив можете да получите безкрайно много нюанси и градации на тона. В рисунката се използват моливи с различна степен на мекота.

Работата по графичен чертеж започва с конструктивен чертеж, т.е. изчертаване на външните контури на обект с помощта на конструктивни линии, обикновено със средно мек молив H, HB, B, F, след това в чертеж с тон, в който няма контурни линии на обекти, а границите на обектите са обозначени с засенчване, при необходимост се използват по-меки моливи. Най-твърдият е 9H, най-мекият е 9B.

Когато рисувате с молив, препоръчително е да правите възможно най-малко корекции и да използвате внимателно гумичката, за да не оставите петна, така рисунката ще изглежда свежа и спретната. По-добре е да не използвате засенчване в рисунка с молив поради същите причини. За нанасяне на тон се използва техниката на засенчване. Щрихите могат да бъдат различни по посока, дължина, разстояние и натиск на молив. Посоката на щриха (хоризонтална, вертикална, наклонена) се определя от формата, размера на обекта и движението на повърхността в чертежа.

Портретът с молив се оказва много реалистичен и изпълнен със светлина. В края на краищата, с помощта на молив можете да предадете много нюанси, дълбочина и обем на изображението, както и chiaroscuro преходи.

Рисунката с молив се фиксира с фиксатор, така рисунката не губи своята чистота, не се размазва дори при докосване с ръка и се запазва дълго време.

МАСЛО

Маслената живопис върху платно е най-популярната техника за рисуване. Маслената живопис дава на майстора неограничен брой начини за изобразяване и предаване на настроението на околния свят. Пастообразни или въздушни прозрачни щрихи, през които се вижда платното, създаване на релеф с палитра, остъкляване, използване на прозрачни или непрозрачни бои, различни варианти на смесване на цветовете - цялото това разнообразие от техники за маслена живопис позволява на художника да намери и предаде настроението, обемът на изобразените обекти, въздушната среда и създават илюзионно пространство, предават богатството от нюанси на околния свят.

Маслената живопис има своя особеност - картината се рисува на няколко слоя (2-3), всеки слой трябва да изсъхне няколко дни в зависимост от използваните материали, така че обикновено една маслена картина се рисува от няколко дни до няколко седмици.

Най-подходящият материал за маслена живопис е лененото платно. Ленената тъкан е издръжлива и има жива текстура. Ленените платна се предлагат в различни размери на зърното. За портрети и детайлни картини се използва фино зърнесто, по-гладко платно. Едрозърнестото платно е подходящо за рисуване с изразена текстура (камъни, скали, дървета), рисуване с импасто и рисуване с палетно ножче. Преди това боядисването използваше техниката на остъкляване, нанасяйки боята на тънки слоеве, така че грапавостта на ленения слой придаваше на картината елегантност. В днешно време техниката на импасто щрихи често се използва в живописта. Качеството на платното обаче е важно за изразителността на картината.

Памучното платно е издръжлив и евтин материал, подходящ за рисуване с пастообразни щрихи.

Маслената живопис също използва такива основи като чул, шперплат, фазер, метал и дори хартия.

Платната са опънати върху картон и носилка. Платната върху картон са тънки и обикновено не се предлагат в големи размери и не надвишават 50*70. Те са леки и лесни за транспортиране. Платната на носилка са по-скъпи; готовите платна на носилка могат да достигнат размер от 1,2 м на 1,5 м. Готовата картина се поставя в рамка.

Преди работа с масло, платната се залепват и грундират. Това е необходимо, за да не унищожи маслената боя платното и боята да залепне добре върху платното.

Картините с маслени бои най-често се правят чрез поставяне на платното върху статив. Рисуването с маслени бои използва техника на палитра. Палетният нож е инструмент, изработен от гъвкава стомана под формата на нож или шпатула с извита дръжка. Различните форми на палетния нож помагат за постигане на различни текстури, релеф и обем. Можете също да нанасяте равномерни, гладки щрихи с палитра. Острието на палетния нож може да се използва и за създаване на фини линии – вертикални, хоризонтални, хаотични.

ПАСТЕЛ

Пастел(от лат. pasta - тесто) - техника за рисуване и рисуване върху грапава повърхност на хартия и картон с пастели. Пастелът е един от много необичайните видове визуални материали. Рисуването с пастел е ефирно и нежно. Изтънчеността и елегантността на пастелната техника придава на картините живост, понякога приказност и магия. В техниката на „сухия“ пастел широко се използва техниката „засенчване“, която дава ефект на меки преходи и деликатност на цвета. Пастелът се нанася върху груба хартия. Цветът на хартията има значение. Цветът на фона, появяващ се чрез щрихите на пастеля, предизвиква определено настроение, отслабвайки или засилвайки цветовите ефекти на рисунката. Пастелните картини се фиксират с фиксатор и се съхраняват под стъкло.

Пастелната техника придобива широка популярност и достига своя връх през 18 век. Пастелът има свойството да придава изключителна мекота и нежност на всеки предмет. Използвайки тази техника, можете да създавате всякакви теми - от пейзажи до рисунки на хора.

Предимствата на пастела са голяма свобода за художника: той ви позволява да премахвате и покривате цели слоеве от картината, да спирате и възобновявате работата по всяко време. Пастелът съчетава възможностите на живописта и рисунката. Можете да рисувате и пишете с него, да работите със засенчване или петно ​​за рисуване, със суха или мокра четка.

Видове пастел:

суха- произведен от пигмент чрез пресоване без добавяне на масло

масло- произведен от пигмент с ленено масло чрез пресоване.

восъчен- произведени от пигмент чрез пресоване с добавка на восък

Техниките за работа с пастели са разнообразни. Пастелните щрихи се втриват с пръсти, специални четки, кожени ролки, копринени квадратни четки и меки тампони. Техниката на пастел е много фина и сложна в нейните наслагвания на пастелен цвят „глазура“ върху цвят. Пастелът се прилага на петна, щрихи и глазури.

За да работите с пастелни моливи, ви трябват основи, които задържат пастела и го предпазват от падане. Пастелите се използват върху груби видове хартия, като торшон, ватман, шкурка, върху насипен, мъхест картон, велур, пергамент и канаваца. Най-добрата основа е велурът, върху който са написани някои класически произведения. Пастелните рисунки се закрепват със специални фиксатори, които предпазват пастела от падане.

Едгар Дега беше ненадминат майстор на пастел. Дега имаше набито око и безпогрешна рисунка, което му позволи да постигне безпрецедентни ефекти в пастелите. Никога досега пастелните рисунки не са били толкова благоговейни, майсторски небрежни и толкова ценни на цвят. В по-късните си творби, напомнящи празничен калейдоскоп от светлини, Е. Дега е обсебен от желанието да предаде ритъма и движението на сцената. За да придаде на боите особен блясък и да ги накара да светят, художникът разтваря пастела с гореща вода, превръщайки го в вид маслена боя, и го нанася върху платното с четка. През февруари 2007 г. на търг на Sotheby's в Лондон пастелът на Дега "Три танцьорки в лилави поли" беше продаден за $7,87 млн. В Русия майстори като Репин, Серов, Левитан, Кустодиев и Петров-Водкин са работили с пастели.

САнгвиник

Цветовата гама на сангвиника, материал за рисуване, варира от кафяво до близко до червено. С помощта на сангвиника тоновете на човешкото тяло се предават добре, така че портретите, направени със сангвиника, изглеждат много естествени. Техниката за рисуване от натура с помощта на сангвиника е известна от Ренесанса (Леонардо да Винчи, Рафаел). Sanguine често се комбинира с въглен или италиански молив. За да се осигури по-голяма издръжливост, сангвиничните рисунки се фиксират с фиксатор или се поставят под стъкло.

Sanguina е позната от древността. Тогава сангвиникът позволи въвеждането на телесен цвят в рисунката. Техниката на рисуване със сангвиник става широко разпространена през Ренесанса. Ренесансовите художници разработват и широко използват техниката "три молива": те рисуват рисунка в сангвина или сепия и въглен върху тонирана хартия и след това подчертават желаните области с бяла креда.

Сангина(от латински "sanguineus" - "кърваво червено") - това са моливи с червено-кафяви тонове. Sanguine се прави от фино смляна изгорена сиена и глина. Подобно на пастел, въглен и сос, сангвинът е мек материал, който се оформя в тетраедрични или кръгли пастели по време на производството.

С помощта на сангвиника тоновете на човешкото тяло се предават добре, така че портретите, направени със сангвиника, изглеждат много естествени.

Техниката на работа със сангвиник се характеризира с комбинация от широки удари и засенчване с удари на рязко заострени сангвинични блокове. Красиви сангвинични рисунки се получават на тонизиран фон, особено когато към основния материал се добавят въглен и креда (техниката „три молива“).

За рисунката изберете сангвиник от сянка, която по-добре отговаря на характеристиките на природата. Например, добре е да нарисувате голо тяло с червеникава сангвина, а пейзаж със сиво-кафява или сепия.

Понякога сангината се комбинира с въглен, който произвежда студени нюанси. Контрастът на топли и студени нюанси придава особен чар на такива произведения.

За да се осигури по-голяма издръжливост, сангвиничните дизайни могат да бъдат закрепени с фиксатор или поставени под стъкло.

ТЕМПЕРА

Темпера(от латинското "temperare" - свързване) - свързващо вещество на бои, състоящо се от естествена или изкуствена емулсия. Преди усъвършенстването на маслените бои от Й. Ван Ейк (15 век) средновековната яйчна темпера е била един от най-популярните и разпространени видове живопис в Европа, но постепенно губи значението си.

През втората половина на 19 век разочарованието, което идва с по-късната маслена живопис, послужи като начало на търсенето на нови свързващи вещества за бои и забравената темпера, чиито добре запазени произведения говорят красноречиво, отново привлече интерес .

За разлика от маслената живопис и старата темпера, новата темпера не изисква от художника да има определена система за рисуване, като му дава пълна свобода в това отношение, която той може да използва без никаква вреда за здравината на картината. Температа, за разлика от маслото, изсъхва бързо. Темперните картини, покрити с лак, не отстъпват по колорит на маслените, а по неизменност и дълготрайност темперните бои дори превъзхождат маслените.

Графичните материали и техники са разнообразни, но като правило основата е хартиен лист. Цветът и текстурата на хартията играят голяма роля. Цветните материали и техники се определят от вида на графиката.