Испания има пълно правода се нарича родина най-великите хораминало и настояще. Тази страна е дала на света много невероятни и талантливи хора, включително архитекти, художници, актьори, режисьори, спортисти и певци.

Сред художниците е така Диего Веласкес, който идентифицира върха на испанския живопис XVIIIвек, Пабло Руис Пикасо- основателят на кубизма, известният художник, график, скулптор и керамист, Франсиско Хосе де Гоя - известен художники гравьор Салвадор Дали- в световен мащаб известен художник, график, художник, скулптор, писател и режисьор.

Сред каталонските художници, с изключение на Салвадор Дали, световноизвестните са Джоан Мирои Антъни Тапис.

Салвадор Дали(1904-1989, пълно име- Салвадор Доменек Фелип Хасинте Дали и Доменек, маркиз дьо Дали де Пубол) - един от най-известните представители на сюрреализма.

Салвадор Дали с любимия си оцелот Бабу през 1965 г.

Салвадор Дали е роден в Испания на 11 май 1904 г. в град Фигерас (провинция Жирона, Северна Каталуния) в семейството на богат нотариус. По националност той беше каталунец, възприемаше себе си в това качество и настояваше за тази негова черта. Дали беше необичайно скандален човек.

Салвадор беше третото дете в семейството (той също имаше брат и сестра). По-големият му брат умира от менингит, преди той да навърши 2 години, а родителите кръстиха бебето, родено 9 месеца след смъртта му, Салвадор - "Спасител". Петгодишният Дали бил казал от майка си, че е превъплъщение на брат си.

Бъдещият художник израства много капризен и арогантен, обичаше да манипулира хората с помощта на публични сцении истерия.

Талантът му към изобразителното изкуство се проявява още в детството. На 6-годишна възраст пише интересни снимки, на 14 години прави първата си изложба във Фигерас. Дали получи възможността да подобри уменията си в общинското училище по изкуства.

През 1914-1918 г. Салвадор учи във Фигерес в Академията на Ордена на маристите. Обучението в монашеското училище не върви гладко и на 15-годишна възраст ексцентричен ученик е изключен за непристойно поведение.

През 1916 г. се случва знаково събитие за Дали - пътуване до Кадакес със семейството на Рамон Пишо. Там се срещна съвременна живопис. AT роден градгеният учи при Хоан Нунес.

На 17-годишна възраст - през 1921 г. - бъдещ художникзавършва института (както се е наричало средното училище в Каталуния).

След това през 1921 г. Салвадор отива в Мадрид и постъпва в Академията там изящни изкуства. Не обичаше преподаването. Той вярваше, че самият той може да научи своите учители на изкуството да рисуват. Той остана в Мадрид само защото се интересуваше от общуването с другарите си.

В училище изящни изкуствав Академията се сближава с литературните и артистични среди на Мадрид. по-специално с Луис Бунюели Федерико Гарсия Лорка. Въпреки че Дали не остава дълго в Академията (той е изключен за някои твърде смели идеи и лошо поведение през 1924 г.), това не попречи на художника да организира първата малка изложба на своите творби и бързо да стане известен в Испания.

Дали се завръща отново в Академията година по-късно, но отново е изключен през 1926 г. (Салвадор е на 22 години) и вече без право на възстановяване. Инцидентът, който доведе до тази ситуация, беше просто невероятен: на един от изпитите професорът от Академията поиска да назове 3 от най-великите художници в света. Дали отговори, че няма да отговаря на подобни въпроси, защото нито един учител от Академията няма право да бъде негов съдник.

Дали провъзгласява пълна свобода от всяка естетическа или морална принуда и отива до самите граници във всеки творчески експеримент. Той не се поколеба да реализира най-провокативните идеи и написа всичко - от любовта и сексуалната революция, историята и технологиите до обществото и религията.

Една от известните картини на Дали е „Устойчивостта на паметта“.

Картина "Мечта".

Картина "Великият мастурбатор".

Картина "Фантом на сексуалната привлекателност".

Картина "Галатея със сфери".

През 1929 г. Дали намира своята муза. Тя стана Гала Елюар. Именно тя е изобразена в много картини на Салвадор Дали. На 30 години - през 1934 г. - Дали се жени неофициално за Гала, която е по-възрастен от художникаот 10 години (истинското име на жената е Елена Дяконова, е роден в Казан. Заради страстта си към Дали тя напуска съпруга си, френски поет. Полета на Елюари 16-годишната дъщеря Сесил). Религиозната церемония на брака на Дали с Гала обаче се състоя едва 24 години по-късно - през 1958 г.

Салвадор и Гала живеели в малко селце Кадакес(провинция Жирона) в пристанището Лигат - там беше единственото собствено жилище на Дали, което той, вече женен, след завръщането си от Париж, придоби за себе си и съпругата си Гала. По онова време това е била малка хижа, където местните рибари държат своите съоръжения, с обща площ от 22 квадратни метра. метра.

С течение на времето къщата на Дали в Кадакес, през 40-те години на импресионистичното семейство, живеещо в нея, стана по-голяма и по-красива: художникът придоби съседни бараки, възстанови ги и ги комбинира в една сграда. Така в залива се появява работилницата, където великият импресионист създава повечето от своите шедьоври.

Къща музей на Салвадор Дали в село Кадакес.

Испания се хвали брилянтни артисти. Но ако не бяха, никой нямаше да се изненада.

В крайна сметка тази страна почти винаги е била консервативна. А там, където има прекомерна морална инерция и още повече инквизицията, там иноваторите не оцеляват или просто не се раждат.

Затова винаги съм се удивлявал как тези артисти успяват да представят своите иновации на света!

Как Ел Греко е изпреварил времето си с 300 години, работейки в стила на експресионизма. А Веласкес 200 години по-рано и започва да твори в!

Предлагам да разгледаме по-отблизо тези талантливи и блестящи испанци.

1. Ел Греко (1541-1614)

Ел Греко. Портрет на старец (предполага се автопортрет). 1600 Metropolitan Museum of Art, Ню Йорк

Гръцкият испанец или испанският гръцки Доминикос Теотокопулос почти сам се обърна Испански ренесанс. Ако италианците имаха цяла плеяда от майстори. Тогава испанците могат да издишат: те също имаха ренесанс. Благодаря на Ел Греко.

Създавайки предимно религиозни картини, той смело разруши предложените канони.

Достатъчно е да погледнете платното „Сваляне на дрехите от Христос“.

Ел Греко. Събличане на дрехите на Христос (Есполио). 1579 г. Катедралата в Толедо в Испания

Вместо няколко фигури - цяла тълпа. Вместо перспектива има непроницаема стена от герои.

Вместо лесно разчитащи емоции - сложни чувства. Обърнете внимание на неразбиращия поглед на Св. Тя сякаш не осъзнаваше какво ще се случи. Психолозите биха нарекли това защитна реакция на екстремен стрес.

Но Ел Греко не е достатъчен. Няколко години по-късно той създава още по-удивителна творба. Не картина, а вселената. От най-малките бродирани истории в одежди на светци. До ясно разделяне на света на две половини: светска и небесна.

Това съм аз, разбира се, за "Погребението на граф Оргаз".

Ел Греко. Погребението на граф Оргаз. 1588 Църква Сан Томе в Толедо

И веднага забелязваме издължени тела. По-скоро Ел Греко е шпионирал такова изкривяване на формите от маниеристите. Поне същият Пармиджанино. Може би се е наслагвал и опитът от създаването на византийски икони (все пак той е от гръцки Крит).

С течение на времето той преувеличи тази характеристика още повече. Това ясно се вижда в неговия късна работа"Лаокоон".

Ел Греко. Лаокоон. 1614 Национална галерия във Вашингтон

Художникът интуитивно разбира, че чрез промяна на формата неговите герои могат да ни разкажат за своите чувства и преживявания. В крайна сметка те са неподвижни.

Забелязахте ли, че градският пейзаж на заден план също е много необичаен? Той е по-близо до Ван Гог и Сезан, отколкото до естетиката на Ренесанса.

Никой преди Ел Греко в западната живопис не е изкривявал така формите. И след него художниците се стремят към реалистични пропорции. Затова 300 години го смятали за ексцентричен и непохватен.

Той беше забравен и не се помни. И едва в края на 19 век всички разбират колко е изпреварил времето си. Сега новооткритият Ел Греко в историята на изкуството завинаги.

2. Диего Веласкес (1599-1660)

Диего Веласкес. Менини (детайл с автопортрет). 1656 г

Иновациите на Веласкес изумяват до дъното на сърцето. Той не само е живял в много консервативно общество, но е бил и придворен художник!

А това означава, че е имал придирчиви клиенти, които не се интересуват от иновациите. Само да беше „красиво и подобно“. В такива условия всяка иновация лесно заглъхва.

Но не и Веласкес. По някакво чудо клиентите му простиха всичко, очевидно интуитивно разбирайки, че благодарение на този художник те ще бъдат запомнени дори след 500 години. И не сгрешиха.

Въпреки това, дори и на Веласкес, жестоката инквизиция нямаше да направи отстъпки във всичко. Рисуването на голи тела се смяташе за сериозно престъпление.

И все пак Веласкес успя да създаде шедьовър с красиво голо тяло дори в такива условия.

Диего Веласкес. Венера пред огледало. 1647-1651 Национална галерия в Лондон

Вярно, той написа красивата си "Венера", докато беше в Италия. След това тайно го пренася в Испания и го предава на влиятелен министър за съхранение. И инквизицията не просто нахлу в къщата му в търсене на голота.

Още на тази "Венера" ​​става ясно защо Веласкес изпъкна толкова много. Със своята жизненост. В крайна сметка няма съмнение, че това е истинска жена. Красиво, но истинско. Позата й е толкова спокойна и естествена.

Предполага се, че това е италианската любима на художника. Той благоразумно я обезопаси, като ни обърна гръб. И лицето му се отразяваше в мътно огледало.

На същото място в Италия Веласкес рисува легендарния портрет на папа Инокентий X.

Диего Веласкес. Портрет на папа Инокентий X. 1650 г. Галерия Дория Памфили, Рим

Веласкес успя много точно да предаде твърдата и коварна природа на папата.

Изглежда, че 75-годишният понтифекс ни се явява в най-величествената форма. Но бодливият волеви поглед, стиснатите устни и отровночервеният цвят на мантията говорят за истински ценноститози човек.

Как Веласкес отново успя да постигне жизненост дори в официален портрет?

Факт е, че Веласкес имаше късмета да се срещне с папата, минавайки през една от галериите на Ватикана. Той вървеше сам и лицето му нямаше обичайната „маска“ за трикове. Тогава Веласкес разбира неговия характер и пренася впечатлението си върху платното.

Връщайки се от Италия, Веласкес продължи да изпълнява задълженията на придворен.

Но не мислете, че Веласкес е бил нещастен. Самият той се стремял да стане царски художник, тъй като бил суетен. Затова той примирено рисува безброй портрети на аристократи и дори не се пренебрегва да извади тенджерата за Негово Височество.

Но сред тези произведения от същия тип има един изключително необичаен портрет на кралското семейство: Las Meninas.

Диего Веласкес. Менини. 1656 г

Тази снимка има много необичайна идея.

Веласкес реши да ни покаже как изглежда неговият свят от другата страна на платното. Виждаме случващото се през очите на онези, които ... позират на художника.

Виждаме как художникът работи върху портрет на краля и съпругата му. И те стоят на нашето място (или ние стоим на тяхно място) и гледат художника. И тогава принцесата, тяхната дъщеря, влезе в работилницата със свитата си, за да посети родителите си.

Нещо като "случайни кадри". Когато художникът предпочиташе да пише героите си не на сцената, а зад кулисите.

Забелязваме още една особеност в Las Meninas. Това са бързи, вибриращи удари. В същото време художникът не прави разлика между фона и героите. Всичко е изтъкано сякаш от една материя. Точно така ще пишат импресионистите 200 години по-късно, същото и.

Да, уменията нямат граници... не се страхуват нито от инквизицията, нито от инертния морал. Представете си какво можеше да направи Веласкес, ако живееше в по-свободна епоха! В , например.

3. Хосе де Рибера (1591-1652)

Джузепе Макферсън. Портрет на Хосе де Рибера. 1633-1656 Кралска колекция, Лондон

„Малкият испанец“ (както още го наричат) Хосе де Рибера се мести в Италия на 14-годишна възраст. Но живописта му винаги е оставала испанска, не много като италианския академизъм.

Тук, в Италия, той беше поразен от рисуването. И, разбира се, не можах да устоя да не работя в техниката тенебросо. Това е, когато главен геройе в тъмното и от него се изтръгва само слаба светлина.

Тази техника на Караваджо беше много подходяща общ стилРибера. Той просто обожаваше изпълнените с екшън библейски и митологични истории. И именно tenebroso довежда това действие до кулминацията.

Главните му герои са тези, които приемат страданието в името на висока цел. Като Прометей например.

Хосе де Рибера. Прометей. 1830 Частна колекция

От натурализма на Рибера се изумява. И това не е просто много точен трансфер на истинско тяло. А също и в това как изглеждат раните и колко емоционално героят реагира на страданието си.

Факт е, че Рибера е посещавал затвори и е бил свидетел на изтезанията на осъдените със собствените си очи. Ето един от 17 век. Само Дега ходеше на театър, за да шпионира балерини. И този испанец обикаляше местата за лишаване от свобода и търсеше правдоподобност за своите мъченици.

След известно време майсторът започва да се отдалечава от каравагизма. Въпреки това борците за високи идеали все още са основните му герои. И един от тези шедьоври е мъченичеството на Свети Филип.

Хосе де Рибера. Мъченичеството на Свети Филип. 1639 Музей Прадо, Мадрид

Виждаме светеца няколко секунди преди да бъде поставен на стелажа. Няма най-ужасно във физически план. Но има възможност да съпреживеем предстоящия неизбежен край и да се възхитим на смирението на един светец.

Рибера засилва драмата, като изобразява мъченика строго диагонално. Фигурата му, слаба и дълга, едва се вписва в картината. Сякаш Гъливер (в духовен план) е бил заловен, за да бъде разкъсан на парчета от малки, нещастни хора.

Рибера става известен и с това, че рисува хора с аномалии. Накуцващи, джуджета и жени с бради също са чести герои на неговите картини.

Но не си мислете, че това е било негово болезнено желание. Такива бяха нравите в двора. Аристокрацията обичаше да държи такива хора като шутове и всъщност роби. И художниците отново ги рисуваха за забавление на гостите.

Една от най-известните такива творби на майстора е „Магдалена със съпруга и сина си“.

Хосе де Рибера. Магдалена Вентура със съпруга и сина си (Брадата жена). 1631 Taber Hospital в Толедо, Испания

Жена на 37 години претърпя хормонален срив, в резултат на което брадата й започна да расте. Клиентът поиска да я нарисува с бебе на ръце. Въпреки че по това време тя вече беше над 50. Синовете й бяха израснали отдавна и гърдите й очевидно не бяха толкова великолепни. Но бебето и гърдата направиха тази грешка на природата по-красноречива.

Но за разлика от клиентите, Рибера симпатизираше само на такива хора. А очите на нещастната жена изразяват истинското отношение на художника към нея.

4. Франсиско Гоя (1746-1828)

Висенте Лопес Портана. Портрет на Франсиско Гоя. 1819 Музей Прадо, Мадрид.

Майката на Гоя казала на сина си: „Ти не си роден като роза, а като лук. Ще умреш с лък." Това е всичко за упорития и заядлив характер на сина. Да, Франсиско Гоя беше много темпераментен човек.

Историите за това как е оставил подписа си върху... купола на катедралата Свети Петър в Рим, а освен това е отвлякъл и прелъстил монахиня от манастира - говорят много.

Получава повърхностно образование и цял живот пише с грешки. Но това не му попречи да стане най-великият художник. Той успя да постигне почти невъзможното.

Той рисува гола жена, но не попада в лапите на инквизицията. Веласкес обаче направи този номер първи.

Той успя да остане придворен художник почти през целия си живот. Но в същото време той активно изразява своята гражданска позиция в творбите си. А монарсите сякаш не забелязаха нищо.

Той съблазняваше една красива аристократка след друга, въпреки лошото си здраве и глухота.

Това е един от най-смелите художници, чиято четка е като меч, а цветовете са смели думи. Въпреки това, Гоя също участва в истински дуели и словесни схватки повече от веднъж.

Нека да разгледаме най-забележителната му работа.

Мислейки си за Гоя, разбира се, веднага се сещаме за неговата Гола Мая.

Франсиско Гоя. Маха гола. 1795-1800 Музей Прадо, Мадрид.

За първи път голото се появи не като Веласкес, крадешком и крадешком, а в целия си безсрамен блясък. Никаква сладост, а само чувственост и откровена еротика.

Гоя работи дълго време в съда, но не толерираше подигравките и лъжите. Само вижте платното му.

Франсиско Гоя. Портрет на семейството на Карл IV. 1800 Музей Прадо, Мадрид.

Колко много ирония по отношение на монарсите! В центъра авторът изобразява кралица Мария, ясно намеквайки, че тя, а не Чарлз, управлява страната.

Удивително е как на художника е позволено да създаде такъв контраст: между облеклото на кралската двойка и техните лица! Луксът и блясъкът на златото не могат да скрият посредствеността на героите и откровената "простота" на краля.

И разбира се, не можете да подминете работата му "Екзекуция на 3 май". Това е картина на героизма на обикновените испанци по време на окупацията от наполеоновите войски.

Франсиско Гоя. 3 май 1808 г. в Мадрид. 1814 Прадо, Мадрид

В момента преди залпа всеки от обречените бунтовници изглежда различно: някой смирено чака, някой се моли, някой плаче.

Но един испанец в бяла риза е готов да посрещне смъртта без страх. Художникът го постави на колене. И ако си представите, че той ще стане, ще се окаже просто гигант. И оръжията на френските войници сякаш са насочени само срещу него.

Така Гоя пръв показа подвиг и смелост Хайде де човек. Преди него далеч от обикновените хора бяха изобразявани като герои. Перфектно е Нов погледза историческа живопис.

Несъмнено Гоя все още удивлява със своята смелост, ексцентричност и хуманизъм. Беше майстор със специално отношение.

Той е артист с особена сила за нас, като духовен водач. Който няма да ласкае властимащите, няма да пренебрегне героизма на обикновения човек и няма да се отвърне от красотата, дори да се смята за греховна и подла.

5. Пабло Пикасо (1881 - 1973)

Пабло Пикасо. Автопортрет. 1907 Национална галерия в Прага

Пикасо се счита за най-много известен художникв света. Вярно, повечето го познават като кубист. Макар и в стила на чистия кубизъм, той не работи дълго. Той беше едновременно експресионист и сюрреалист. Беше художник-хамелеон.

Няма особено значение в какъв стил е работил. Основната му характеристика са многобройните експерименти с формата. Мачка формата, разтяга я, мачка я, мачка я и я показва от всички страни.

Започва с внимателни експерименти, имитирайки Ел Греко. Именно от него той надникна деформираните форми. И точно като Ел Греко, той извади фигурите си по време на своя.

Пабло Пикасо. Две сестри. 1902 Ермитаж

Сезан търси възможности да изрази същността на нещо в цвят, форма и перспектива. Пикасо, с помощта на кубизма, доведе тази идея до края.

С помощта на различни ъгли на гледна точка и елементи на темата той се опита да стартира асоциативен ред в зрителя: да покаже същността на нещото, а не неговия образ.

Пабло Пикасо. Композиция с разрязана круша. 1914 Ермитаж

В картината "Круша" НЕ виждаме образа на круша. Но виждаме петнисти парчета платно: имаме спомен за подобна текстура на крушова маса. Деликатното бежово и кафяво също се свързват с круша. Да не говорим за характерната дъга.

Всички тези фрагменти от образа на круша предизвикват у нас не само визуален спомен за круша, но и за нейния вкус и как се усеща на допир.

Именно тази концепция за изразяване на същността, а не на образа е водеща в живописта на Пикасо. Дори когато се отдалечава от типичните "кубчета" и пише в стил, близък до сюрреализма.

Те включват портрети на Мари-Терез Валтер.

Пабло Пикасо. Мечта. 1932 г. Частна колекция

По време на изтощителен и разпадащ се брак с Хохлова, Пикасо случайно среща младата Мари-Терез.

Той винаги я изобразяваше цветна и вълниста, с елементи на кубизъм. В крайна сметка лицето й е показано едновременно от две гледни точки: както в профил, така и в анфас.

Така той обръща отвътре навън цялата й чувственост и нежност, изключителна женственост. И това въпреки факта, че във фигурата й имаше нещо мъжко. Но в крайна сметка формите трябва да подчертават същността, а не да изобразяват външната обвивка на модела.

Пикасо е голям експериментатор. Неговият основен тестов предмет е формата. Тя претърпя промени в огромен бройпроизведения на художника. В крайна сметка той беше и един от най-плодотворните художници в света. Както самият той каза за себе си: „Дайте ми музей и аз ще го напълня с картините си“.

Петима велики художници, петима испанци са сред творците съвременно изкуство. Въпреки факта, че повечето от тях са живели преди 200-300 години.

Вдъхновени от тяхната работа съвременни художници. Те дават импулс, който все още подхранва световна култура.

Остава да сме благодарни, да пазим тяхното наследство и, разбира се, да се възхищаваме.

За тези, които не искат да пропуснат най-интересното за художници и картини. Оставете имейла си (във формата под текста) и ще бъдете първите, които ще научават за новите статии в моя блог.

PS. Проверете знанията си, като преминете.

Във връзка с

Картина - Сън, причинен от летенето на пчела около нар, секунда преди събуждането.
Година на създаване - 1944 г.,
Маслени бои върху платно 51×40,5 см
Музей Тисена-Барнемиса, Мадрид

Ако вярвате на историите на Дали, той дреме на статива, държейки ключ, четка или лъжица в ръката си. Когато предметът изпаднал и се ударил в предварително поставена на пода чиния, ревът събудил артиста. И веднага се зае да работи, докато изчезна състоянието между съня и реалността.

Дали каза за картината по следния начин: „Целта беше за първи път да се изобрази типът дълъг свързан сън, открит от Фройд, причинен от мигновено въздействие, от което настъпва събуждането.“
Фройд го описва като сън, чийто сюжет е причинен от някакъв вид стимул отвън: подсъзнанието на спящ човек идентифицира този стимул и го превръща в образи, които имат известна прилика с източника на дразнене. Ако дразнителят носи заплаха в действителност, тогава насън той ще придобие заплашителен вид, който ще провокира събуждане.

В долната част на картината е спяща гола жена, сякаш надвиснала над каменна плоча, която се измива от морето. Морето в творчеството на Дали означава вечност. Фройд сравнява човешката психика с айсберг, девет десети потопен в морето на несъзнаваното.
Жената на снимката е Гала, която художникът смята за свое вдъхновение и второ Аз. Тя вижда сън, изобразен на картината, и е на границата на два свята - реалния и илюзорния, като присъства едновременно и в двата.
Една жена чува насън бръмченето на пчела над нар. Изображението на нар в древността и Християнска символикаозначава прераждане и плодородие.
„Цялата животворна биология възниква от спукан нар“, коментира снимката самият художник.
Подсъзнанието сигнализира, че насекомото може да е опасно и мозъкът реагира, като извежда образи на ръмжащи тигри. Едно животно изскача от устата на друго и след това на свой ред възниква от отворената уста на риба, излизаща от огромен нар, който висеше над спящото. Острите нокти и зъби са символ на страх от ужилване от насекомо, както и пистолет с щик, който е на път да прониже ръката на жена.

„Слонът на Бернини на заден план носи обелиск и атрибути на папата“, намекна художникът за сън за погребението на папата, който Фройд сънувал заради камбанния звън и цитиран от психиатър като пример за странно връзка между сюжета и външен дразнител.
Слонът от Пиаца Минерва в Рим, създаден от бароковия майстор Джовани Лоренцо Бернини като пиедестал за древен египетски обелиск, впоследствие е изобразяван от Дали повече от веднъж в картини и в скулптура. Тънките ставни крака са символ на нестабилността и нереалността, присъщи на съня.

Пабло Пикасо, Герника

Живопис - Герника
Година на създаване - 1937г.
Платно, масло. 349 х 776 см
Център за изкуство Рейна София, Мадрид

Картината е нарисувана през май 1937 г. по поръчка на правителството на Испанската република за испанския павилион на Световното изложение в Париж.
Експресивното платно на Пикасо се превърна в публичен протест срещу нацистката бомбардировка на баския град Герника, когато няколко хиляди бомби бяха пуснати върху града за три часа; в резултат на това шестхилядната Герника беше унищожена, около две хиляди жители бяха под развалините.

Картините на Пикасо са изпълнени с лични чувства на страдание и насилие.
От дясната страна на картината фигурите бягат от горящата сграда, от прозореца на която пада жена; вляво ридаеща майка държи детето си на ръце и победоносен бик тъпче паднал воин.
Счупеният меч, смачканото цвете и гълъбът, черепът (скрит в тялото на коня) и подобната на разпятие поза на падналия воин са обобщени символи на войната и смъртта.
На ръцете на мъртъв войник се виждат стигмати (болезнени кървящи рани, които се отварят по тялото на някои дълбоко религиозни хора - тези, които "страдаха като Исус" Бикът символизира злото и жестокостта, а конят символизира страданието на невинните.
Някои испанци тълкуват бика, символ на традиционната испанска корида, като самата Испания, която се отвърна от случващото се в Герника (препратка към Франко, който позволи бомбардирането на неговия град).
Заедно тези жестоки фигури образуват подобие на колаж, силует на тъмен фон, ярко осветен от жена с лампа и око с електрическа крушка вместо зеница. Монохромната живопис, напомняща вестникарски илюстрации, и ярък контраст на светло и тъмно засилват силното емоционално въздействие.

Франсиско де Гоя, Голата Мая

Картина - голо Маха
Година на създаване - 1795-1800.
Платно, масло. 98х191 см
Музей Прадо, Мадрид

В образа на махи, испанска гражданка от 18-19 век, художникът, противно на строгите академични канони, въплъщава вид привлекателна, естествена красота. Маха е жена, чийто смисъл на живота е любовта. Съблазнителните, темпераментни люлки олицетворяваха испанското разбиране за привлекателност.
Гоя създава образа на новата Венера на съвременното си общество, умело показвайки младостта, живия чар, мистериозната чувственост на съблазнителен модел.
Младата жена е изобразена на тъмен фон, така че цялото внимание на зрителя е привлечено от предизвикателната голота на нейната копринена кожа, която всъщност се превръща в основна и единствена тема на картината.

По израз френски писатели историк на изкуството Андре Малро, това произведение "не е толкова сладострастно, колкото еротично, следователно не може да остави равнодушен нито един повече или по-малко чувствен човек."

Картината е поръчана от Мануел Годой, първият министър на Испания, фаворит на кралица Мария Луиза, съпруга на Карл IV. Дълго време го крие в кабинета си. Тя беше съчетана и с второ платно - облечена от Маха, която Годой окачи върху голото тяло.
Очевидно един от шокираните гости осъжда сладострастието и през 1813 г. Инквизицията конфискува и двете картини от Годой, като едновременно обвинява Гоя в неморалност и изисква от художника незабавно да посочи името на модела, който му позира. Гоя, въпреки всякакви заплахи, категорично отказа да даде името на тази жена.
С леката ръка на писателя Лион Фойхтвангер, автор на романа "Гоя, или трудният път на познанието", легендата обиколи света, че голата маха е Мария Кайетана де Силва, 13-тата херцогиня на Алба, с която Твърди се, че художникът е имал любовна връзка.
През 1945 г., за да опровергае тази версия, семейство Алба отваря гробницата, за да измери костите на херцогинята и да докаже, че нейните пропорции не съвпадат с тези на Маха, но тъй като гробът вече е бил отворен и тялото на херцогинята е било изхвърлен от наполеоновите войници, а след това в сегашното си състояние измерването е неуспешно.
В момента повечето историци на изкуството са склонни да вярват, че картините изобразяват Пепита Тудо, любовницата на Годой.

Диего Веласкес, Лас Менинас

Картина - Las Meninas
Година на създаване - 1656 г.
Платно, масло. 318 х 276 см
Музей Прадо, Мадрид

Вероятно Las Meninas е най-известната и разпознаваема картина на художника, която е известна на почти всички. Това голямо платно е едно от най-добрите работихудожник. Картината впечатлява със своя мащаб и гъвкавост.

За разширяване на пространството бяха използвани няколко работилници наведнъж. художествени техники. Художникът поставя героите в просторна стая, на фона на която има врата с джентълмен в черни дрехи, стоящ на осветените стъпала. Това веднага показва наличието на друго пространство извън помещението, което визуално разширява размерите му, лишавайки го от двуизмерност.

Цялото изображение е леко изместено встрани поради платното, обърнато към нас с обратната страна. Художникът стои пред платното – това е самият Веласкес. Той рисува картина, но не тази, която виждаме пред себе си, тъй като главните герои са с лице към нас. Това са три различни плана. Но и това не се стори достатъчно на майстора и той добави огледало, което отразява кралската двойка – крал Филип IV от Испания и съпругата му Мариана. Те гледат с любов единственото си дете по това време - инфанта Маргарита.

Въпреки че картината се нарича Las Meninas, тоест придворни дами в испанския кралски двор, в центъра на изображението е малка принцеса, надеждата на цялото семейство на испанските Хабсбурги по това време. Петгодишната Маргарита е спокойна, самоуверена и дори арогантна за възрастта си. Тя, без ни най-малко вълнение и промяна в изражението на лицето, гледа околните, а малкото й бебешко тяло е буквално оковано в твърдата черупка на великолепна придворна тоалетна. Тя не се смущава от знатни дами - нейните менини - които клякат пред нея в дълбок поклон в съответствие със строгия етикет, възприет в испанския двор. Тя дори не се интересува от дворцовото джудже и шута, който стъпи на голямо куче, лежащо на преден план. Това малко момиченце се държи с цялото възможно величие, олицетворявайки вековната испанска монархия.

Фонът на стаята сякаш се разтваря в лека сивкава мъгла, но всички детайли на сложното облекло на малката Маргарита са изписани с най-малките детайли. Художникът не забрави себе си. Пред нас се появява внушителен мъж на средна възраст, с буйни къдрави кичури, в черни копринени дрехи и с кръст на Свети Яго на гърдите. Заради това отличие, което само чистокръвен испанец може да получи без капка еврейска или мавританска кръв, възникна малка легенда. Тъй като художникът получава кръста само три години след рисуването на платното, се смята, че самият крал на Испания го е завършил.

Ел Греко, Погребение на граф Оргас

Картина - Погребение на граф Оргас
Година на създаване - 1586-1588.
Платно, масло. 480 х 360 см.
Църквата на Сао Томе, Толедо

Повечето известна снимкавеликият и мистериозен Ел Греко принадлежи към разцвета на неговото творчество. По това време художникът вече е разработил свой собствен стил на писане, който не може да бъде объркан със стиловете на други художници.
През 1586 г. майсторът започва да украсява църквата Сао Томе в Толедо. За централен сюжет е избрана легендата за толедския светец Дон Гонзал Руис, известен още като граф Оргаз, живял през 13-14 век. Благочестив и благочестив християнин, той станал известен с благотворителната си дейност и когато починал през 1312 г., самият Свети Стефан и Блажени Августин слезли от небето, за да дадат на земята достоен покойник.
Картината е визуално разделена на две части: "земна" и "небесна". Строгият ритъм на долния "етаж" е противопоставен на бароковия "върх". И там, на различни небесни нива, душата на графа се среща от Йоан Кръстител, Дева Мария, ангели и херувими. Христос седи в центъра. Летящият ангел е подчертан в бяло - той е този, който издига душата на графа до небето.
Христос, ангелът заминала душаи благородник отдолу образуват вертикална ос. Геометричните линии в изграждането на композицията са много характерни за Ел Греко.
Експозиционната кулминация е изместена в дъното на творбата, където Стефан и Августин, покланяйки се, спускат Оргаз в земята. Светците са облечени в златни одежди, които отразяват фигурата на ангел и дрехите на Петър в горната зона. Така със златния цвят художникът свързва героите на творбата, свързани със света на небето, другия свят.

Картината има огромен успех в Испания по времето на художника. По-късно Ел Греко е забравен и преоткрит от импресионистите. Експресивната емоционална работа има огромно въздействие върху зрителя. Според очевидци Салвадор Дали дори губи съзнание близо до платното. Може би тази характеристика е изчерпателна.

Испания. Държава ярко слънце, топло море и хубаво вино. Това е страна, която ни е дала много известни имена различни полета- в спорта, киното, литературата. Но Испания също може с право да се гордее със своите артисти. Ел Греко, Веласкес, Салвадор Дали, Пабло Пикасо, Франсиско Гоя - всички те дадоха безценен принос за развитието на световното изкуство.

За истинските ценители на произведенията на испанските майстори предлагаме 3-дневна обиколка на основните музеи, посветени на тези велики хора.

1 ден. Да започнем със столицата и главен град на страната – Мадрид. Защо е интересен? Например фактът, че тук можете да намерите уникални произведения на Франсиско Гоя. Ще можете да посетите църквата, най-известна като "Пантеона на Гоя". Знаменателна е с това, че по стените й са запазени стенописи на майстора. На първо място, трябва да обърнете внимание на купола на църквата, където Гоя изобразява необичайна религиозна история - възкресението от мъртвите. Освен това художникът украсява сводовете на параклиса с невероятни декоративни композиции, в които централното място е отделено на ангелите. Тук се намират и тленните останки на великия художник, пренесени от Франция.

Следващата спирка в Мадрид е храмът Сан Франциско Ел Гранде края на XVIIIв. Тук ще видите картината „Проповедта на св. Бернардин от Сиена“, намираща се в параклиса на Сан Бернардино. Струва си да разгледате по-отблизо тази работа: ще видите образа на Гоя, заловен от него в самия последен моментпреди предаване на работата.

Останалото време можете да посветите на разходка из уютните улици на Мадрид или опознаване национална кухняв един от многото ресторанти в града.

Ден 2 Полет до Барселона. Друг град и друг, не по-малко известен, художник - Пабло Пикасо. Именно тук се намира Музеят на Пикасо - най-голямата колекция от творби на майстора, където можете да се насладите на творчеството му и главно ранен период(от 1895 до 1904 г.).

Интересно е да се отбележи, че първоначално тази колекция е създадена от приятел на художника Хайме Сабартес, след чиято смърт Пикасо лично дарява повече от 2,5 хиляди свои творби (гравюри, рисунки, керамика), за да продължи работата си.

Ден 3 От Барселона ще отидете до прекрасния град Фигерас (на испански: Figueres), където се намира Театърът-музей на известния сюрреалист Салвадор Дали. Пътуването ще се осъществи с влак, което ще ви позволи да се насладите на живописните гледки на Каталуния. Самият музей е уникален комплекс, построен по проект на самия художник върху руините на стария общински театър.

Както е замислено от Дали, това е трябвало да бъде един вид сюрреалистичен лабиринт, в който посетителите могат да разберат по-добре намеренията на художника, както и да се откъснат от обичайната реалност. Всъщност вътрешната подредба на музея съчетава няколко архитектурни стиловеи различни трикове, които заблуждават човешкото зрение с помощта на оптични илюзии. Освен това съдържа най-голямата колекция от произведения на великия испански гений не само в живописта, но и в скулптурата, та дори и в бижутерията.

Това е повече от красиви снимкие отражение на реалността. В произведенията на велики художници можете да видите как светът и съзнанието на хората са се променили.

Изкуството също е опит за създаване на алтернативна реалност, където можете да се скриете от ужасите на вашето време или желанието да промените света. Изкуството на 20 век с право заема специално място в историята. Хората, които са живели и работили в онези дни, са преживели социални катаклизми, войни и безпрецедентно развитие на науката; и всичко това намери отпечатък върху техните платна. Художниците на 20 век са участвали в създаването на съвременната визия за света.

Някои имена все още се произнасят с дъх, а някои са несправедливо забравени. Някой беше толкова конфликтен творчески начинче все още не можем да му дадем еднозначна оценка. Този преглед се фокусира върху 20-те най-велики художници на 20-ти век. Камий Писаро- френски художник. Изключителен представител на импресионизма. Творчеството на художника е повлияно от Джон Констабъл, Камий Коро, Жан Франсоа Миле.
Роден на 10 юли 1830 г. в Сейнт Томас, починал на 13 ноември 1903 г. в Париж.

Ермитаж в Понтоаз, 1868 г

Оперен пасаж в Париж, 1898 г

Залез във Варенгевил, 1899 г

Едгар Дега -Френски художник, един от най-големите импресионисти. В работата на Дега е проследено влиянието на японската графика.Роден на 19 юли 1834 г. в Париж, починал на 27 септември 1917 г. в Париж.

Абсент, 1876 г

Звезда, 1877 г

Жена сресва косата си, 1885 г

Пол Сезан -Френски художник, един от най-големите представителипостимпресионизъм. В творчеството си той се стреми да разкрие хармонията и баланса на природата. Творчеството му оказа огромно влияние върху мирогледа на художниците от XX век.
Роден на 19 януари 1839 г. в Екс ан Прованс, Франция, починал на 22 октомври 1906 г. в Екс ан Прованс.

Комарджии, 1893 г

Съвременна Олимпия, 1873 г

Натюрморт с черепи, 1900 г

Клод Моне- изключителен френски художник. Един от основоположниците на импресионизма. В творбите си Моне се стреми да предаде богатството и богатството на света около него. Късният му период се характеризира с декоративност и
Късният период от творчеството на Моне се характеризира с декоративизъм, нарастващо разтваряне на обективни форми в сложни комбинации от цветни петна.
Роден на 14 ноември 1840 г. в Париж, починал на 5 декември 1926 г. в Жверни.

Уелк Клиф в Пурвил, 1882 г

След обяд, 1873-1876

Етрета, залез, 1883 г

Архип Куинджи -известен руски художник, майстор на пейзажната живопис. Рано губи родителите си. ОТ ранните годинизапочва да проявява любов към рисуването. Изобразено творчеството на Архип Куинджи огромно въздействиена Николай Рьорих.
Роден на 15 януари 1841 г. в Мариупол, починал на 11 юли 1910 г. в Санкт Петербург.

"Волга", 1890-1895

"Север", 1879 г

„Изглед към Кремъл от Замоскворечие“, 1882 г

Пиер Огюст Реноар -Френски художник, график, скулптор, един от видните представители на импресионизма. Известен е и като майстор на светския портрет. Огюст Роден става първият импресионист, станал популярен сред богатите парижани.
Роден на 25 февруари 1841 г. в Лимож, Франция, починал на 2 декември 1919 г. в Париж.

Мостът на изкуствата в Париж, 1867 г

Бал в Мулен дьо ла Галет, 1876 г

Жана Самари, 1877 г

Пол Гоген- френски художник, керамичен скулптор, график. Наред с Пол Сезан и Винсент ван Гог той е един от най-видните представители на постимпресионизма. Художникът живееше в бедност, защото картините му не бяха търсени.
Роден на 7 юни 1848 г. в Париж, починал на 8 май 1903 г. на остров Хива Оа, Френска Полинезия.

Бретански пейзаж, 1894 г

Бретонско село в снега, 1888 г

Ревнив ли си? 1892 г

Ден на светците, 1894 г

Василий Кандински -руски и немски художник, поет, теоретик на изкуството. Смятан за един от лидерите на авангарда от 1-вата половина на 20 век. Един от основоположниците на абстрактното изкуство.
Роден на 22 ноември 1866 г. в Москва, починал на 13 декември 1944 г. в Ньой сюр Сен, Франция.

Двойка на кон, 1918 г

Пъстър живот, 1907 г

Москва 1, 1916

В сиво, 1919 г

Анри Матис -един от най-великите Френски художниции скулптори. Един от основателите на фовисткото движение. В работата си той се стреми да предаде емоции чрез цвят. В работата си той е повлиян от ислямската култура на западния Магреб. Роден на 31 декември 1869 г. в град Ле Като, починал на 3 ноември 1954 г. в град Симиез.

Площад в Сен Тропе, 1904 г

Очертание на Нотр Дам през нощта, 1902 г

Жена с шапка, 1905 г

Танц, 1909 г

италиански, 1919 г

Портрет на Делекторская, 1934 г

Николай Рьорих- руски художник, писател, учен, мистик. През живота си той рисува над 7000 картини. Един от забележителните културни дейци на 20 век, основател на движението "Мир чрез култура".
Роден на 27 октомври 1874 г. в Санкт Петербург, починал на 13 декември 1947 г. в Кулу, Химачал Прадеш, Индия.

Задгранични гости, 1901 г

Великият дух на Хималаите, 1923 г

Послание от Шамбала, 1933 г

Кузма Петров-Водкин -Руски художник, график, теоретик, писател, учител. Беше един от идеолозите на реорганизацията художествено образованиев СССР.
Роден на 5 ноември 1878 г. в град Хвалинск, Саратовска губерния, починал на 15 февруари 1939 г. в Ленинград.

"1918 г. в Петроград", 1920 г

„Играещи момчета“, 1911 г

Къпане на червен кон, 1912 г

Портрет на Анна Ахматова

Казимир Малевич- руски художник, основател на супрематизма - течение в абстрактно изкуствопедагог, теоретик на изкуството и философ
Роден на 23 февруари 1879 г. в Киев, починал на 15 май 1935 г. в Москва.

Почивка (Общество в цилиндри), 1908 г

"Селянки с кофи", 1912-1913

Черният супрематичен площад, 1915 г

Супрематична живопис, 1916 г

На булеварда, 1903 г

Пабло Пикасо- испански художник, скулптор, скулптор, дизайнер керамик. Един от основоположниците на кубизма. Творчеството на Пабло Пикасо оказва значително влияние върху развитието на живописта през 20 век. Според анкета сред читатели на списание Time
Роден на 25 октомври 1881 г. в Малага, Испания, починал на 8 април 1973 г. в Мужен, Франция.

Момиче на топка, 1905 г

Портрет на Амброаз Валор, 1910 г

Три грации

Портрет на Олга

Танц, 1919 г

Жена с цвете, 1930 г

Амадео Модилиани - италиански художник, скулптор. Един от най-ярките представители на експресионизма. През целия си живот той има само една изложба през декември 1917 г. в Париж. Роден на 12 юли 1884 г. в Ливорно, Италия, починал на 24 януари 1920 г. от туберкулоза. Световно признаниеполучено посмъртно Световно признание, получено посмъртно.

Виолончелист, 1909 г

Съпрузи, 1917 г

Джоан Хебутерн, 1918 г

Средиземноморски пейзаж, 1918 г

Диего Ривера- мексикански художник, стенописец, политик. Той беше съпруг на Фрида Кало. В къщата им за кратко намира подслон Леон Троцки.
Роден на 8 декември 1886 г. в Гуанахуато, починал на 21 декември 1957 г. в Мексико Сити.

Нотр Дам дьо Пари под дъжда, 1909 г

Жена на кладенеца, 1913 г

Съюз на селяните и работниците, 1924 г

Индустрията в Детройт, 1932 г

Марк Шагал- руски и френски художник, график, илюстратор, театрален артист. Един от най-големите представители на авангарда.
Роден на 24 юни 1887 г. в град Лиозно, Могилевска губерния, починал на 28 март 1985 г. в Сен Пол дьо Прованс.

Анюта (Портрет на сестра), 1910 г

Булка с ветрило, 1911 г

Аз и селото, 1911 г

Адам и Ева, 1912 г

Марк Ротко(истински Марк Роткович) - американски художник, един от основоположниците на абстрактния експресионизъм и основоположник на живописта с цветно поле.
Първите творби на художника са създадени в реалистичен дух, но след това до средата на 40-те години Марк Ротко се насочва към сюрреализма. До 1947 г. настъпва важен повратен момент в творчеството на Марк Ротко, който той създава собствен стил- абстрактен експресионизъм, който се отклонява от предметни елементи.
Роден на 25 септември 1903 г. в град Двинск (сега Даугавпилс), починал на 25 февруари 1970 г. в Ню Йорк.

Без заглавие

Номер 7 или 11

оранжево и жълто

Салвадор Дали- художник, график, скулптор, писател, дизайнер, режисьор. Може би най-много известен представителсюрреализъм и един от най-великите художници на 20 век.
Проектиран от Chupa-Chups.
Роден на 11 май 1904 г. във Фигерас, Испания, починал на 23 януари 1989 г. в Испания.

Изкушението на Свети Антоний, 1946 г

Тайната вечеря, 1955

Жена с глава от рози, 1935 г

Жена ми Гала, гола, гледа тялото си, 1945 г

Фрида Кало -Мексикански художник и график, един от най-ярките представители на сюрреализма.
Фрида Кало започва да рисува след автомобилна катастрофа, която я приковава на легло за една година.
Тя беше омъжена за известния мексикански комунистически художник Диего Ривера. В къщата им за кратко намира убежище Леон Троцки.
Роден на 6 юли 1907 г. в Койоакан, Мексико, починал на 13 юли 1954 г. в Койоакан.

Прегръдката на универсалната любов, Земята, аз, Диего и Коатъл, 1949 г

Мойсей (Creation Core), 1945 г

Две Фриди, 1939 г

Анди Уорхол(същ. Андрей Вархола) - американски художник, дизайнер, режисьор, продуцент, издател, писател, колекционер. Основоположник на поп изкуството, той е една от най-противоречивите личности в историята на културата. За живота на художника са заснети няколко филма.
Роден на 6 август 1928 г. в Питсбърг, Пенсилвания, починал през 1963 г. в Ню Йорк.