Каква е разликата между руския импресионизъм в живописта и френския? Най-добрите картини на импресионистите със заглавия и снимки Характеристики на импресионизма.

Всичко води началото си някъде в миналото, включително и картините, които са се променяли с времето, а съвременните тенденции далеч не са ясни за всеки. Но всичко ново е добре забравено старо и за да разберете съвременната живопис, не е необходимо да познавате историята на изкуството от древни времена, достатъчно е просто да си припомните живописта от 19-ти и 20-ти век.

Средата на 19 век е време на промяна не само в историята, но и в изкуството. Всичко, което беше преди: класицизъм, романтизъм и още повече академизъм - течения, ограничени от определени граници. Във Франция през 50-те и 60-те години на миналия век тенденциите в живописта се определят от официалния салон, но типичното „салонно” изкуство не устройва всички и това обяснява появилите се нови тенденции. В живописта от онова време има революционен взрив, който скъсва с вековните традиции и устои. И един от епицентровете беше Париж, където през пролетта на 1874 г. млади художници, сред които Моне, Писаро, Сисли, Дега, Реноар и Сезан, организираха своя изложба. Представените там творби бяха коренно различни от салонните. Художниците използват различен метод - рефлексите, сенките и светлината са предадени с чисти цветове, отделни щрихи, формата на всеки предмет сякаш се разтваря във въздушно-светлата среда. Никое друго направление в живописта не познаваше такива методи. Тези ефекти помогнаха да изразят възможно най-много своите впечатления от постоянно променящите се неща, природа, хора. Един журналист нарече групата "Импресионисти", като по този начин искаше да покаже пренебрежението си към младите художници. Но те приеха този термин и той в крайна сметка се вкорени и влезе в активна употреба, губейки отрицателното си значение. Така се появява импресионизмът, за разлика от всички други направления в живописта от 19 век.

Първоначално реакцията към нововъведението е повече от враждебна. Никой не искаше да купи твърде смела и нова картина и се страхуваше, защото всички критици не приемаха импресионистите на сериозно, присмиваха им се. Мнозина казаха, че художниците импресионисти искат да постигнат бърза слава, не са доволни от рязкото прекъсване на консерватизма и академизма, както и от незавършения и "небрежен" вид на произведението. Но дори гладът и бедността не успяха да накарат художниците да се откажат от убежденията си и те упорстваха, докато картината им най-накрая беше призната. Но чакането на признание отне твърде много време, някои художници импресионисти тогава вече не бяха живи.

В резултат на това тенденцията, възникнала в Париж през 60-те години, е от голямо значение за развитието на световното изкуство през 19-ти и 20-ти век. В крайна сметка бъдещите тенденции в живописта бяха отблъснати точно от импресионизма. Всеки следващ стил се появи в търсене на нов. Постимпресионизмът е роден от същите импресионисти, които решават, че техният метод е ограничен: дълбокият и двусмислен символизъм е отговор на живописта, която е „изгубила смисъла си“, а Арт Нуво, дори с името си, призовава за нов. Разбира се, много промени са настъпили в изкуството от 1874 г. насам, но всички съвременни тенденции в живописта са някак си отблъснати от мимолетното парижко впечатление.

Импресионизмът е течение в живописта, възникнало във Франция през 19-20 век, което е художествен опит да се улови всеки момент от живота в цялата му променливост и подвижност. Картините на импресионистите са като качествено измита фотография, съживяваща във фантазията продължението на видяната история. В тази статия ще разгледаме 10 от най-известните импресионисти в света. За щастие има повече от десет, двадесет или дори сто талантливи артисти, така че нека се съсредоточим върху тези имена, които трябва да знаете със сигурност.

За да не обидим нито артистите, нито техните почитатели, списъкът е даден по азбучен ред на руски език.

1. Алфред Сисли

Този френски художник от английски произход се смята за най-известния пейзажист от втората половина на 19 век. В колекцията му има повече от 900 картини, от които най-известните са „Селска алея“, „Слана в Лувесиен“, „Мост в Аржантьой“, „Ранен сняг в Лувесиен“, „Тревни площи през пролетта“ и много други.

2. Ван Гог

Известен на целия свят с тъжната история за ухото си (между другото, той не отряза цялото ухо, а само лобчето), Ван Гон стана популярен едва след смъртта си. И през живота си успя да продаде една-единствена картина, 4 месеца преди смъртта си. Говори се, че той е бил едновременно предприемач и свещеник, но често е попадал в психиатрични болници поради депресия, така че цялото бунтарство на неговото съществуване е довело до легендарни произведения.

3. Камил Писаро

Писаро е роден на остров Свети Тома, в семейство на буржоазни евреи и е един от малкото импресионисти, чиито родители насърчават хобито му и скоро го изпращат в Париж да учи. Художникът най-много харесваше природата и я изобразяваше във всички цветове, и по-точно Писаро имаше специален талант да избира мекотата на цветовете, съвместимостта, след което в картините сякаш се появяваше въздух.

4. Клод Моне

От детството си момчето реши, че ще стане художник, въпреки забраните на семейството. След като се премести сам в Париж, Клод Моне се потопи в сивото ежедневие на тежък живот: две години служба във въоръжените сили в Алжир, съдебни спорове с кредитори поради бедност, болест. Човек обаче има чувството, че трудностите не са потискали, а по-скоро са вдъхновили художника да създаде такива ярки картини като „Импресия, изгрев“, „Сградата на парламента в Лондон“, „Мост към Европа“, „Есен в Аржантьой“, „ On the Shore Trouville и много други.

5. Константин Коровин

Хубаво е да се знае, че сред французите, родоначалници на импресионизма, с гордост можем да поставим нашия сънародник Константин Коровин. Страстната любов към природата му помогна интуитивно да придаде невъобразима жизненост на статична картина, благодарение на комбинацията от подходящи цветове, ширина на щрихи, избор на тема. Невъзможно е да се мине покрай картините му „Кей в Гурзуф“, „Риба, вино и плодове“, „Есенен пейзаж“, „Лунна нощ. Зима” и поредица от негови творби, посветени на Париж.

6. Пол Гоген

До 26-годишна възраст Пол Гоген дори не си е помислял да рисува. Той беше предприемач и имаше голямо семейство. Въпреки това, когато за първи път видях картините на Камий Писаро, реших, че със сигурност ще започна да рисувам. С течение на времето стилът на художника се променя, но най-известните импресионистични картини са Градина в снега, Край скалата, На плажа в Диеп, Голо тяло, Палми в Мартиника и други.

7. Пол Сезан

Сезан, за разлика от повечето си колеги, става известен още приживе. Той успя да организира собствена изложба и да спечели значителни приходи от нея. Хората знаеха много за неговите картини - той, както никой друг, се научи да комбинира играта на светлина и сянка, направи силен акцент върху правилни и неправилни геометрични форми, строгостта на темата на неговите картини беше в хармония с романтиката.

8. Пиер Огюст Реноар

До 20-годишна възраст Реноар работи като декоратор на ветрила за по-големия си брат и едва след това се премества в Париж, където се запознава с Моне, Базил и Сисли. Това запознанство му помогна в бъдеще да поеме по пътя на импресионизма и да стане известен по него. Реноар е известен като автор на сантиментален портрет, сред най-забележителните му творби са „На терасата“, „Разходка“, „Портрет на актрисата Жана Самари“, „Хижата“, „Алфред Сисли и съпругата му“, „ На люлката”, “Жабата” и много други.

9. Едгар Дега

Ако не сте чували нищо за „Сините танцьорки“, „Балетни репетиции“, „Балетна школа“ и „Абсент“ – побързайте да научите повече за творчеството на Едгар Дега. Изборът на оригинални цветове, уникални теми за картини, усещането за движение на картината - всичко това и много повече направиха Дега един от най-известните художници в света.

10. Едуард Мане

Не бъркайте Мане с Моне – това са двама различни хора, работили по едно и също време и в една и съща художествена посока. Мане винаги е бил привличан от ежедневни сцени, необичайни изяви и типове, сякаш случайно "уловени" моменти, впоследствие запечатани в продължение на векове. Сред известните картини на Мане: "Олимпия", "Закуска на тревата", "Бар в Folies Bergère", "Флейтист", "Нана" и др.

Ако имате и най-малката възможност да видите на живо картините на тези майстори, ще се влюбите в импресионизма завинаги!

Импресионизъм- течение в изкуството от последната третина на 19-ти - началото на 20-ти век, което произхожда от Франция и след това се разпространява в целия свят, чиито представители се стремят най-естествено и безпристрастно да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост, да предадат своята мимолетност импресии. Обикновено терминът "импресионизъм" означава посока в живописта, въпреки че неговите идеи са намерили своето въплъщение и в литературата и музиката.

Рисуване.

Импресионизмът възниква във Франция през втората половина на 19 век. Младите художници искаха да надхвърлят класическата живопис. Това, което не беше толкова лесно: нито критиците, нито публиката искаха да приемат картини, които бяха толкова различни от обичайната академична живопис в "античен" стил.

Картините на художниците от новото направление дори не се смятаха за картини, толкова много приличаха на бързи скици.

Но това беше същността на новата посока - да уловиш момента, да покажеш живота такъв, какъвто е. Импресионистите не измислят сюжети, те ги вземат от ежедневието: това е всичко, което всеки може да види, просто излизайки на улицата.

Художниците започнаха да използват напълно нова техника на рисуване. Боите на статива не бяха смесени, а насложени върху платното в отделни щрихи. Ето защо, за да получите цялостен поглед върху картината, те трябва да се гледат от малко разстояние, а не отблизо. С такова възприятие ясните отделни щрихи плавно преминават един в друг и се формира представа за картината.

За разлика от майсторите от минали години, импресионистите не са работили в работилници, завършвайки и усъвършенствайки своите скици там. Именно сред тях става популярна техниката пленер – тоест работа на открито. Художниците пътуваха до предградията (гората на Фонтенбло беше особено популярна), където скицираха пикници или изобразяваха сцени от парижкия живот: Моне и Реноар често изобразяваха сцени на брега на Сена и серия от картини на Реноар от Мулен дьо la Gallette също е известен.

Но импресионистите не винаги са се интересували от хората или природата. Беше много по-интересно да се предаде например движението на въздуха или падането на слънчевата светлина. Например в картината на Моне "Gare Saint-Lazare" основният обект на изображението дори не е гарата или самият влак, а димът, който се издига на клубове от димящ комин.

Новата тенденция се различава от академичната живопис както технически, така и идеологически. На първо място, импресионистите изоставиха контура, заменяйки го с малки отделни и контрастни щрихи. Слънчевият лъч се разделя на компонентите си: виолетово, синьо, синьо, зелено, жълто, оранжево, червено, но тъй като синьото е разновидност на синьото, техният брой е намален до шест. Два цвята, поставени един до друг, се подсилват взаимно и обратно, когато се смесят, губят интензитета си. Освен това всички цветове са разделени на първични, или основни, и двойни, или производни, като всяка двойна боя е допълнителна към първата:

Синьо - Оранжево

Червено зелено

Жълто - лилаво

Като цяло много майстори са работили в стила на импресионизма, но Едуард Мане, Клод Моне, Огюст Реноар, Дега са в основата на движението. Въпреки това Мане винаги се е наричал „независим художник“ и никога не е участвал в изложби, и въпреки че Дега е участвал, той никога не е рисувал своите творби на пленер.

Бояджии. (Много, но достатъчно накратко, за да знаете за тяхната работа)

Колко органично традицията и новаторството се сливат в изкуството на импресионистите, се доказва преди всичко от работата на изключителния художник от 19 век Едуард Мане. Междувременно в тези творби, както и в по-нататъшното си творчество, художникът разчита на опита на класическото изкуство. В стремежа си да осмисли естетически съвременния живот, Мане използва величествените композиционни схеми на ренесансовите художници, като се започне от Джорджоне и Тициан и се стигне до Веласкес и Гоя. Неговите картини, редица портрети и други произведения от 1860-те години са написани в традиционен живописен маниер, който все още не е напълно преодолян, въпреки че и тук вече се усеща желанието за открит цвят и естествена светлина. По-късно палитрата на Мане става забележимо по-лека. Той е един от първите, които рисуват върху чисто бяла основа, понякога я „натоварват“ с богати щрихи от ярки слънчеви цветове, понякога я покриват с най-фините нюанси на благородни розови и сиво-сиви нюанси. Той имаше дарбата да предаде безкрайното богатство от цветове и оживеното трептене на обективния свят, което беше особено ясно проявено в натюрморта - "никой от съвременниците на Мане не можеше да нарисува натюрморт по-добре от него." Иновацията на Мане беше, че успява да хвърли нов, непредубеден поглед върху заобикалящата я действителност и да разшири кръга от явления, към които се обръща изобразителното изкуство. Той не се страхуваше да направи предмет на наистина високо изкуство и да въплъти в съвършени живописни форми такива страни от живота и човешките отношения, от които художниците преди него се отвръщаха или не ги забелязваха.

В центъра на изкуството Едгар Дегачовек винаги стои, докато пейзажът, почти водещият жанр на импресионистите, не играе съществена роля в творчеството му. Голям почитател на Енгр, той отдава изключително значение на рисунката. В Италия той се възхищава на Мантеня, от френските художници се интересува от Пусен и копира неговите картини. Дега се движи под влиянието на Мане, за да изобрази сцени от съвременния живот. Основните му теми са светът на балета и конните надбягвания, само в редки случаи той излиза отвъд тях, обръщайки се към живота на парижката бохема, изобразявайки модистки, гладачки и перачки. Новаторството на Дега в предаването на движение е неразривно свързано с неговото композиционно майсторство. При него дори повече, отколкото при Мане, се усеща непреднамереност, случайност, изтръгване на отделен епизод от потока на живота. Той постига това чрез неочаквана асиметрия и необичайни гледни точки (често отгоре или отстрани, под ъгъл), чрез "ръхкавост" на пространството, сякаш надникнало в огледало, чрез експресивно рамкиране и смели изрезки на рамката. Това усещане за естественост и пълна свобода е извоювано с упорит труд, прецизно изчисление и изравняване на композиционното изграждане.

Трудно е да си представим по-голяма антитеза на изкуството на Дега от живописта. Огюст Реноаредин от най-слънчевите и жизнеутвърждаващи художници на Франция, когото А. В. Луначарски нарича "художник на щастието". Най-високите постижения на Реноар са свързани с образа на жените и децата. Любимият му тип са закръглени жени с нацупени устни, чифт носове и очарователно безгрижни очи. Рисува ги облечени и голи, на открито в дъжда, на люлка в градината, докато плуват или на закуска със загорели лодкари. Неговите модели са момичета от народа и бедни буржоа, здрави и свежи, които не познават корсета и не се смущават от голотата си.

Презентация " Импресионизъм в живописта„ще запознае с творчеството на изключителни френски художници: Клод Моне, Камий Писаро, Едгар Дега, Алфред Сисле и Огюст Реноар, ще говори за революцията, която те направиха в изкуството.

Импресионизъм в живописта

За произхода на термина импресионизъм „Просто ще кажа за ред, сигурен съм, че моят любознателен читател знае за това още от ученическите си години. Терминът се появява за първи път в критична статия във вестника Шаривари”, посветен на изложбата на художници, решили да покажат творби, неприети от Салона, където по това време академичното изкуство се приветства. Нашите свободолюбиви герои, не искайки да се подчиняват на никакви правила, получиха разрешение от император Наполеон III да организират своя собствена изложба. Първата подобна акция през 1863 г. е наречена " Изгонен салон". Десет години по-късно художниците отново излагат. На тази изложба, наред с други произведения, които шокираха обществеността, имаше и сега известната картина в целия свят. Клод Моне „Впечатление. Изгрев”, което даде име на една прекрасна посока в изкуството.

Художници импресионисти е имало и има много. Моята презентация е посветена само на творчеството на петимата най-изявени. Всеки креативен човек добре знае колко трудно е да останеш верен на идеите си в авторитарно общество. Нашите герои често се оказват в безнадеждна ситуация, нямайки средства да изхранват семействата си (Камил Писаро например има седем деца!).

Изкуство и наука

Откритията на импресионистите в областта на изкуството са неразривно свързани с научните открития и творчески прозрения на техните предшественици. Основното правило на художниците импресионисти е условието за работа en пленер. Тази идея не беше нова. Те рисуваха прекрасните си живи пейзажи на открито. Но нито барбизонците, нито импресионистите биха могли да работят във въздуха, ако през 1841 г. американският портретист Джон Ренд не беше изобретил калай, термосвиваема тръба за маслени бои. Изобретяването на фотографията също не може да не повлияе на съдбата на живописта. Между другото, един от първите професионални фотографи, Ралф Надар, беше приятел на импресионистите и те организираха първите си изложби в неговото студио.

"Суха теория, приятелю..."

За разлика от живописта, в пейзажите на импресионистите няма да открием дълбочина и искреност. Задачата на героите от моята презентация беше да уловят върху платното моментното състояние на въздушната среда. Основният герой на художниците импресионисти не е природата, а светлина и въздухпроменяйки се всеки момент. Клод Моне, Камий Писаро, Алфред Сисли се опитаха да уловят тези промени. Именно на това желание дължим съществуването на известната поредица на Клод Моне: Купи сено, Руанската катедрала, Гара Сен Лазар, Тополи, сградата на парламента в Лондон, Нимфеумите и други. На сайта Gallerix.ruможете да видите тези снимки с добро качество.

Импресионистични идеи

• Нито един цвят не съществува сам по себе си. Формата и цветовете са неразделни понятия. Светлината предизвиква форми. Светлината изчезва, формите и цветовете изчезват.

• Всеки цвят се състои от елементите на слънчевата светлина, тоест от 7-те тона на спектъра.

• Това, което преди се наричаше локален тон, е заблуда: листото не е зелено, стволът на дървото не е кафяв.

• Въздухът е единственият реален сюжет на картината, само чрез него виждаме всичко, което е изобразено на него.

• Художникът трябва да пише само със седем цвята от спектъра и да изхвърли всички останали от палитрата. Това смело направи Клод Моне, като добави само бяло и черно. Тогава, вместо да композира смеси върху палитра, той трябва да въведе само щрихи от седем чисти цвята върху платното, като ги постави един до друг, оставяйки отделните цветове да влязат в смеси вече в очите на зрителя, следователно, действайки както прави самата светлина.. Това е теорията за разлагането на тоновете, която е основната основа на техниката на импресионистите.

• Светлината става единственият сюжет на картината, интересът към обектите, върху които играе, става второстепенен.
  Волински. зелено дърво на живота

„Импресионистите трансформираха възприемането на живописта и природата. Едва ли след тях ще има любител на изкуството или художник, който да се осмели да каже, че небето е просто синьо, снегът е бял, а тревата е зелена. Без да го забелязваме, сега гледаме на света през призмата на импресионистичната живопис. Те отвориха възможността да се види не само определен обект, но и "това, което живее между художника и обекта на изображението". Разбира се, те са имали велики предшественици, но импресионистите са отворили толкова широко прозореца към света на слънцето и въздуха.“
Фомина Н.Н.

В сайта Arthive има интересен материал, посветен на импресионистите: „ Пътуване във Франция с импресионистите. Любителите на импресионистичното изкуство ще бъдат заинтересовани.

Ако решите да гледате моята презентация, тогава не бъдете твърде мързеливи, за да я изтеглите на компютъра си (той обаче се оказа много тежък, исках да го направя красив, а png форматът е тежък). В противен случай много анимационни ефекти няма да работят.

Препратки:

• Изкуство. Малка детска енциклопедия. - М .: Руско енциклопедично партньорство, 2001.
• Енциклопедия за деца. Т.7. Изкуство. – М.: Аванта+, 2000.
• Енциклопедия. Пейзаж. - М .: "ОЛМА-ПРЕС Образование", 2002 г.
• Големи художници. Том 72. Камий Якоб Писаро. - М .: Издателство "Direct-Media", 2011 г.
• Бекет В. История на живописта. - М .: Издателска къща Астрел LLC: AST Publishing House LLC, 2003.
• Големи художници. Том 25. Едгар Илер Жерм Дега. - М .: Издателство "Direct-Media", 2010 г.
• Големи художници. Том 59. Алфред Сислей. - М .: Издателство "Direct-Media", 2010 г.
• Големи художници. Том 4. Клод Моне. - М .: Издателство "Direct-Media", 2009 г.
• Емохонова Л.Г. Световна художествена култура: учеб. Надбавка за студенти. ср. пед. учебник заведения. - М .: Издателски център "Академия", 1998 г.
• Лвова Е.П., Сарабянов Д.В., Борисова Е.А., Фомина Н.Н., Березин В.В., Кабкова Е.П., Некрасова Л.М. Световно изкуство. XIX век. Визуални изкуства, музика, театър. ‒ Санкт Петербург: Питър, 2007.
• Реймънд Коня. Писаро. - М.: Слово, 1995
• Самин Д.К. Сто големи художници. – М.: Вече, 2004.

Късмет!

За мен стилът на импресионизма е преди всичко нещо ефирно, ефимерно, неумолимо изплъзващо се. Това е онзи невероятен момент, който окото едва успява да фиксира и който след това остава за дълго в паметта като момент на най-висша хармония. Майсторите на импресионизма бяха известни със способността си лесно да прехвърлят този момент на красота върху платното, дарявайки го с осезаеми усещания и фини вибрации, които възникват с цялата реалност при взаимодействие с картината. Когато гледате творбите на изключителни художници от този стил, винаги има известен послевкус на настроение.

Импресионизъм(от импресия - впечатление) е движение в изкуството, възникнало във Франция в края на 1860-те години. Неговите представители се стремяха да уловят реалния свят в неговата подвижност и променливост по най-естествен и непредубеден начин, да предадат мимолетните си впечатления. Особено внимание беше обърнато на предаването на цвят и светлина.

Думата "импресионизъм" идва от името на картината на Моне "Импресия". Изгрев, представен на изложбата от 1874 г. Малко известният журналист Луи Лероа в статията си в списанието нарече художниците „импресионисти“, за да изрази своето презрение. Името обаче остана и загуби първоначалното си отрицателно значение.

Първата важна изложба на импресионистите се състоя от 15 април до 15 май 1874 г. в студиото на фотографа Надар. Бяха представени 30 автора, общо 165 творби. Младите художници бяха упрекнати в „незавършеността“ и „небрежността на живописта“, липсата на вкус и смисъл в работата им, „опит за истинско изкуство“, бунтарски настроения и дори безнравственост.

Водещи представители на импресионизма са Алфред Сисли и Фредерик Базил. Заедно с тях, Едуард Мане и изложи свои картини. Хоакин Сорола също е смятан за импресионист.

Пейзажи и сцени от градския живот - може би най-характерните жанрове на импресионистичната живопис - са рисувани "en plein air", т.е. директно от живота, а не въз основа на скици и подготвителни скици. Импресионистите се взираха внимателно в природата, забелязвайки цветове и нюанси, които обикновено са невидими, като синьото в сенките.

Техният артистичен метод беше да разлагат сложни тонове на съставните им чисти цветове на спектъра. Получиха се цветни сенки и чиста светлинна трепетна живопис. Импресионистите нанасят боя в отделни щрихи, понякога използвайки контрастни тонове в една област на картината. Основната характеристика на импресионистичните картини е ефектът на живо трептене на цветове.

За да предадат промените в цвета на обекта, импресионистите започват да предпочитат да използват цветове, които взаимно се подсилват: червено и зелено, жълто и лилаво, оранжево и синьо. Същите цветове създават ефект на постоянен контраст. Например, ако гледаме известно време червеното, а след това бялото, то ще ни се стори зеленикаво.

Импресионизмът не повдига философски проблеми и дори не се опитва да проникне в цветната повърхност на ежедневието. Вместо това художниците се фокусират върху повърхностността, плавността на момента, настроението, осветлението или зрителния ъгъл. Техните картини представят само положителните аспекти на живота, без да засягат остри социални проблеми.

Художниците често рисуват хора в движение, докато се забавляват или си почиват. Те взеха теми като флирт, танци, престой в кафенета и театри, разходки с лодка, по плажовете и в градините. Съдейки по картините на импресионистите, животът е непрекъсната поредица от малки празници, партита, приятни забавления извън града или в приятелска среда.

Импресионизмът оставя богато наследство в живописта. На първо място, това е интерес към цветни проблеми и нестандартни техники. Импресионизмът изрази желанието да актуализира художествения език и да скъса с традицията, като протест срещу старателната техника на майсторите на класическото училище. Е, вече можем да се възхищаваме на тези великолепни произведения на изключителни художници.