La propiedad más importante del contenido musical es la generalización. Características de las habilidades musicales.

Desarrollo habilidades musicales- una de las tareas principales educación musical niños. Fundamental para la pedagogía es la cuestión de la naturaleza de las habilidades musicales: ¿son propiedades humanas innatas o se desarrollan como resultado de la influencia? ambiente, Educación y entrenamiento. Otros importantes aspecto teórico El problema del que depende significativamente la práctica de la educación musical es la definición del contenido de los conceptos. Habilidades musicales, musicalidad, talento musical. La dirección de las influencias pedagógicas, el diagnóstico de las habilidades musicales, etc., dependen en gran medida de lo que se toma como base para el contenido de estos conceptos.

En diferentes etapas históricas de la formación de la psicología y la pedagogía musical (extranjera y nacional), también en la actualidad en el desarrollo de la teoría, y por tanto aspectos prácticos Problemas en el desarrollo de habilidades musicales. Existen diferentes enfoques, existen discrepancias en la definición de los conceptos más importantes.

B.M. Teplov en sus obras hizo un análisis profundo y completo del problema del desarrollo de las habilidades musicales. Comparó los puntos de vista de psicólogos que representan una variedad de direcciones de la psicología y esbozó su visión del problema.

B.M. Teplov definió claramente su posición sobre la cuestión de las habilidades musicales innatas. Basado en el trabajo del destacado fisiólogo I.P. Pavlov reconoció las propiedades innatas sistema nervioso humano, pero no los consideró solo hereditarios (después de todo, pueden formarse durante el período de desarrollo intrauterino del niño y durante varios años después del nacimiento). Propiedades innatas del sistema nervioso B.M. Teplov se separa de las propiedades mentales de una persona. Subraya que sólo las características anatómicas y fisiológicas pueden ser congénitas, es decir, las inclinaciones que subyacen al desarrollo de las capacidades.

Habilidades B.M. Teplov lo define como características psicológicas individuales de una persona que están relacionadas con el éxito en la realización de una o muchas actividades. No se limitan a la presencia de habilidades, habilidades o conocimientos, sino que pueden explicar la facilidad y rapidez de su adquisición.

Las habilidades musicales necesarias para la implementación exitosa de actividades musicales se combinan en el concepto de "musicalidad".

Musicalidad, como escribe B.M. Teplov, se trata de un conjunto de habilidades necesarias para la práctica de la actividad musical, diferente a cualquier otra, pero al mismo tiempo asociada a cualquier tipo de actividad musical.

Además de la musicalidad, que incluye un complejo de habilidades especiales, a saber, musicales, de B.M. Teplov indica que una persona tiene más habilidades generales, manifestado en la actividad musical (pero no solo en ella). Esto es imaginación creativa, atención, inspiración, voluntad creativa, sentido de la naturaleza, etc. La combinación cualitativa de habilidades generales y especiales forma un espectro más amplio que la musicalidad. concepto de talento musical.

B.M. Teplov enfatiza que cada persona tiene una combinación única de habilidades: generales y especiales. Las peculiaridades de la psique humana sugieren la posibilidad de una compensación generalizada de unas propiedades por otras. Por tanto, la musicalidad no se reduce a una sola habilidad: “Cada habilidad cambia y adquiere un carácter cualitativamente diferente dependiendo de la presencia y grado de desarrollo de otras habilidades”.

Cada persona tiene una combinación original de habilidades que determina el éxito de una actividad en particular.

“El problema de la musicalidad”, subraya B.M. Teplov, “este es un problema principalmente cualitativo, no cuantitativo”. Todos persona normal hay algo de musicalidad. Lo principal que debería interesar a un profesor no es la cuestión de qué tan musical es tal o cual alumno, sino cuál es su musicalidad y cuáles, por tanto, deberían ser las formas de su desarrollo.

Así, B.M. Teplov reconoce ciertas características, predisposiciones e inclinaciones humanas como innatas. Las habilidades mismas son siempre el resultado del desarrollo. La capacidad, por su propia esencia, es un concepto dinámico. Sólo existe en movimiento, sólo en desarrollo. Las habilidades dependen de inclinaciones innatas, pero se desarrollan en el proceso de educación y formación.

Una conclusión importante hecha por B.M. Térmico es el reconocimiento del dinamismo, de las habilidades desarrolladas. "Ese no es el punto,- escribe el científico, - que las habilidades se manifiestan en la actividad, pero que se crean en esta actividad.

Por lo tanto, a la hora de diagnosticar habilidades, cualquier prueba o prueba que no dependa de la práctica, el entrenamiento y el desarrollo no tiene sentido.

Entonces, B.M. Teplov define la musicalidad como un complejo de habilidades desarrolladas sobre la base de inclinaciones innatas en la actividad musical, necesarias para su implementación exitosa.

Con el fin de resaltar el complejo de habilidades que componen la musicalidad. , Es importante determinar las características específicas del contenido de la música (y, por tanto, las cualidades necesarias para su percepción), así como las características que distinguen los sonidos musicales de otros sonidos que se encuentran en la vida (y, por tanto, las cualidades necesarias para su percepción). discriminación y reproducción).

Respondiendo a la primera pregunta (sobre los detalles del contenido musical), B.M. Warm discute con el representante de la estética alemana E. Hanslick, quien defiende la visión del arte musical como un arte que no puede expresar ningún contenido. Los sonidos musicales, según Hanslick, sólo pueden satisfacer las necesidades estéticas de una persona.

B.M. Teplov contrasta esto con el punto de vista de la música como un arte que tiene varias posibilidades de reflexión. contenido de vida, transmisión de fenómenos de la vida, el mundo interior del hombre.

Destacando dos funciones de la música: visual y expresiva, B.M. Teplov señala que la música visual programática, que tiene prototipos "visibles" específicos (onomatopeyas, fenómenos naturales, representaciones espaciales: acercarse, alejarse, etc.), un nombre específico o texto literario, la trama, que transmite fenómenos de la vida específicos, siempre expresa un cierto contenido emocional, estado emocional.

Se enfatiza que tanto la música visual y programática (cuya participación en el arte musical es insignificante) como la música no visual y no programática siempre tienen contenido emocional: sentimientos, emociones, estados de ánimo. La especificidad del contenido musical no está determinada por las capacidades visuales de la música, sino por la presencia de color emocional en las imágenes musicales (tanto visuales programáticas como no programáticas). Por tanto, la función principal de la música es expresiva. Amplias posibilidades arte musical transmitir los matices más sutiles de los sentimientos humanos, sus cambios, transiciones mutuas y determinar los detalles contenido musical. B.M. Teplov destaca que en la música entendemos el mundo a través de las emociones. La música es cognición emocional. Por tanto, el principal signo de la musicalidad de B.M. es Teplov llama a la experiencia de la música la experiencia en la que se comprende su contenido. Dado que la experiencia musical por su propia esencia es una experiencia emocional y el contenido de la música no puede entenderse de otra manera que a través de una forma emocional, el centro de la musicalidad es la capacidad de una persona para responder emocionalmente a la música.

¿Qué capacidades tiene el arte musical para transmitir determinado contenido emocional?

La música es el movimiento de sonidos, diferentes en altura, timbre, dinámica, duración, organizados de cierta manera en modos musicales(mayor, menor), que tiene un cierto colorido emocional y capacidades expresivas. En cada modo, los sonidos se relacionan entre sí, interactúan entre sí (algunos se perciben como más estables, otros, menos). Para percibir profundamente el contenido musical, una persona debe tener la capacidad de diferenciar de oído los sonidos en movimiento, distinguir y percibir la expresividad del ritmo. Por tanto, el concepto de “musicalidad” incluye el oído para la música, así como el sentido del ritmo, que están indisolublemente ligados a las emociones.

Los sonidos musicales tienen diferentes propiedades: tienen altura, timbre, dinámica y duración. Su discriminación de sonidos individuales constituye la base de las capacidades musicales sensoriales más simples. La última de las propiedades enumeradas de los sonidos (duración) subyace al ritmo musical. El sentimiento de expresividad emocional de un ritmo musical y su reproducción forman una de las habilidades musicales de una persona: el sentimiento musical-rítmico. Las tres primeras propiedades nombradas de los sonidos musicales (tono, timbre y dinámica) forman la base del tono, el timbre y la audición dinámica, respectivamente.

En un sentido amplio, el oído musical incluye el tono, el timbre y la audición dinámica.

Todas las propiedades enumeradas (tono, timbre, dinámica y duración) son inherentes no sólo a los sonidos musicales, sino también a otros: sonidos del habla, ruidos, voces de animales y pájaros. ¿Qué constituye la singularidad de los sonidos musicales? A diferencia de todos los demás sonidos y ruidos, los sonidos musicales tienen un tono y una duración definidos y fijos. Por tanto, los principales portadores de significado en la música de B.M. Teplov llama tono y movimiento rítmico.

Oído musical en el sentido estricto de la palabra B.M. Teplov lo define como audición del tono. Dando justificaciones teóricas y experimentales, demuestra que el tono juega un papel protagonista en la sensación del sonido musical. Comparando la percepción de la altura en sonidos de ruido, sonidos del habla y la música, B.M. Teplov llega a la conclusión de que en el ruido y en los sonidos del habla el tono se percibe en su conjunto, indiferenciado. Los componentes de timbre no están separados de los propios componentes de tono.

La sensación de altura se fusiona inicialmente con el timbre. Su división se forma en el proceso de la actividad musical, ya que sólo en la música el movimiento tonal se vuelve esencial para la percepción. Así, se crea una sensación de tono musical como la altura de los sonidos que forman algún movimiento musical, amigo de pie a un amigo en una u otra relación de altitud. Como resultado, se llega a la conclusión de que el oído musical por esencia debe ser oído tonal, de lo contrario no será musical. No puede haber musicalidad sin escuchar el tono musical.

Entender el oído musical (en un sentido estricto) como un oído tonal no reduce el papel del timbre y la audición dinámica. El timbre y la dinámica permiten percibir y reproducir la música en toda la riqueza de sus colores y matices. Estas propiedades de la audición son especialmente importantes para el músico intérprete. Dado que el tono de los sonidos está fijado en notas y solo hay instrucciones generales del autor sobre el timbre y la dinámica, es la elección de diferentes colores de sonidos (timbre y dinámica) lo que determina en gran medida las posibilidades. libertad creativa intérprete, originalidad de interpretación. Sin embargo, B.M. Teplov aconseja cultivar la audición tímbrica sólo cuando se dispone de los conceptos básicos de la audición tonal: “Antes de ocuparse del desarrollo de un oído intérprete, es necesario asegurarse de la presencia de sonidos musicales simples, es decir, tono, oído."

Por tanto, el oído musical es un concepto de múltiples componentes. La audición del tono tiene dos variedades: melódica y armónica. La audición melódica es la audición del tono tal como se manifiesta en una melodía de una sola voz; audición armónica: audición del tono en su manifestación en relación con las consonancias y, por tanto, con la música polifónica. La audición armónica puede ir muy por detrás de la audición melódica en el desarrollo. En los niños en edad preescolar, la audición armónica suele estar poco desarrollada. Hay datos observacionales que indican que en edad preescolar Muchos niños son indiferentes al acompañamiento armónico de una melodía: no pueden distinguir un acompañamiento desafinado de uno desafinado. La audición armónica implica la capacidad de sentir y distinguir la consonancia (eufonía), que, aparentemente, se desarrolla en una persona como resultado de alguna experiencia musical. Además, para demostrar una audición armónica, es necesario escuchar simultáneamente varios sonidos de diferentes tonos y distinguir escuchando el sonido simultáneo de varias líneas melódicas. Se adquiere como resultado de actividades que no se pueden realizar sin él, cuando se trabaja con música polifónica.

Además de la audición melódica y armónica, también existe concepto de tono absoluto. Esta es la capacidad de una persona para distinguir y nombrar sonidos sin tener un estándar real de comparación, es decir, sin recurrir a la comparación con el sonido de un diapasón o un instrumento musical. tono absoluto es bastante calidad útil, pero incluso sin él es posible practicar música con éxito, por lo que no se incluye entre las habilidades musicales básicas que componen la estructura de la musicalidad.

Como ya se ha señalado, el oído musical está estrechamente relacionado con las emociones. Esta conexión se manifiesta especialmente claramente al percibir la música, distinguiendo los colores emocionales, modales, los estados de ánimo y los sentimientos expresados ​​​​en ella. Al tocar melodías, actúa una calidad de audición diferente: se hace necesario tener ideas sobre la ubicación de los sonidos en altura, es decir, tener ideas musical-auditivas sobre el movimiento del tono.

Estos dos componentes de la audición tonal, el emocional y el auditivo real, los distingue B.M. Térmica como dos habilidades musicales, a las que llamó sentido modal y percepciones musical-auditivas. Ladovoye sentimiento, percepciones musicales y auditivas Y sentido del ritmo constituyen tres habilidades musicales básicas que forman el núcleo de la musicalidad.

Veamos la estructura de la musicalidad con más detalle.

Sensación de inquietud. Los sonidos musicales están organizados de un modo determinado. Los modos mayor y menor difieren en el color emocional. A veces, el mayor se asocia con una variedad de estados de ánimo emocionalmente positivos (un estado de ánimo alegre y alegre, y el menor) con uno triste. En algunos casos esto es exactamente así, pero no siempre.

¿Cómo se distingue el modo de coloración de la música?

El sentimiento modal es una experiencia emocional, una capacidad emocional. Además, el sentimiento modal revela la unidad de los lados emocional y auditivo de la musicalidad. No sólo el traste en su conjunto tiene su propio color, sino también cada uno de los sonidos del traste (que tienen un tono determinado). De los siete grados de la escala, algunos suenan estables, otros, inestables. Los pasos principales del modo (primero, tercero, quinto), y especialmente el tónico, suenan de manera constante. ( primera etapa). Estos sonidos forman la base del modo, su soporte. Los sonidos restantes son inestables; en melodía tienden a ser estables. El sentimiento modal es la distinción no sólo de la naturaleza general de la música, los estados de ánimo expresados ​​​​en ella, sino también de ciertas relaciones entre los sonidos: estables, completas (cuando la melodía termina en ellos) y que requieren finalización.

El sentido modal se manifiesta cuando percepción La música como experiencia emocional, “percepción sentida”. B.M. Teplov lo llama Componente perceptivo y emocional de la audición musical. Se puede detectar al reconocer una melodía, determinando si la melodía ha terminado o no, en la sensibilidad a la precisión de la entonación, la coloración modal de los sonidos. En la edad preescolar, el amor y el interés por la música son indicadores del desarrollo del sentido modal. . Dado que la música es esencialmente una expresión de contenido emocional, entonces el oído musical obviamente debería ser un oído emocional. El sentimiento modal es uno de los fundamentos de la capacidad de respuesta emocional a la música (el centro de la musicalidad). Dado que el sentimiento modal se manifiesta en la percepción del movimiento del tono, rastrea la relación entre la capacidad de respuesta emocional a la música y el sentimiento del tono musical.

Actuaciones musicales y auditivas.. Para reproducir una melodía con una voz o en un instrumento musical, es necesario tener representaciones auditivas de cómo se mueven los sonidos de la melodía: hacia arriba, hacia abajo, suavemente, abruptamente, si se repiten, es decir, tener representaciones musical-auditivas. del movimiento tonal (y rítmico). Para reproducir una melodía de oído, es necesario recordarla. Por tanto, las representaciones musical-auditivas incluyen la memoria y la imaginación. Así como la memorización puede ser involuntaria y voluntaria, las representaciones musical-auditivas difieren en el grado de voluntariedad. Las representaciones musical-auditivas voluntarias están asociadas con el desarrollo de la audición interna. La audición interna no es sólo la capacidad de imaginar mentalmente sonidos musicales, sino de operar voluntariamente con ideas auditivas musicales.

Las observaciones experimentales demuestran que para imaginar arbitrariamente una melodía, muchas personas recurren al canto interno, y los estudiantes que aprenden a tocar el piano acompañan la presentación de la melodía con movimientos de los dedos (reales o apenas grabados), imitando su reproducción en el teclado. Esto demuestra la conexión entre las percepciones musicales y auditivas y las habilidades motoras. Esta conexión es especialmente estrecha cuando una persona necesita recordar voluntariamente una melodía y retenerla en la memoria. "Memorización activa de ideas auditivas" notas B.M. Teplov, - hace que la participación de momentos motores sea especialmente significativa”. 1 .

La conclusión pedagógica que se desprende de estas observaciones es la capacidad de utilizar las habilidades motoras vocales (cantar) o jugar. instrumentos musicales Desarrollar la capacidad de percepciones musicales y auditivas.

Así, la percepción musical-auditiva es una habilidad que se manifiesta en reproducción al escuchar melodías. Se llama auditivo, o componente reproductivo de la audición musical.

sentido del ritmo- esta es la percepción y reproducción de relaciones temporales en la música. Los acentos juegan un papel importante en la división del movimiento musical y en la percepción de la expresividad del ritmo.

Como lo demuestran las observaciones y numerosos experimentos, durante la percepción de la música una persona realiza movimientos notables o imperceptibles que corresponden a su ritmo y acento. Estos son movimientos de la cabeza, brazos, piernas, así como movimientos invisibles del habla y del aparato respiratorio. A menudo surgen de forma inconsciente e involuntaria. Los intentos de una persona de detener estos movimientos conducen al hecho de que surgen en una capacidad diferente o que la experiencia del ritmo se detiene por completo. El ego habla de la presencia de una conexión profunda entre las reacciones motoras y la percepción del ritmo, de la naturaleza motora. ritmo musical.

La experiencia del ritmo, y por tanto la percepción de la música, es un proceso activo. “El oyente sólo experimenta el ritmo cuando coproduce, realiza... Cualquier percepción plena de la música es un proceso activo que implica no sólo escuchar, sino también haciendo. y haciendo Incluye una gama muy diversa de movimientos. Como resultado, la percepción de la música nunca es sólo un proceso auditivo; siempre es un proceso auditivo-motor”.

El sentido del ritmo musical no sólo tiene un carácter motor, sino también emocional. El contenido de la música es emotivo.

El ritmo es uno de los medios expresivos de la música a través del cual se transmite el contenido. Por tanto, el sentido del ritmo, al igual que el sentido de la modalidad, forma la base de la capacidad de respuesta emocional a la música. La naturaleza activa y eficaz del ritmo musical permite transmitir en movimientos (que, como la música misma, tienen un carácter temporal) los cambios más pequeños en el estado de ánimo de la música y así comprender la expresividad del lenguaje musical. Características discurso musical(acentos, pausas, movimientos suaves o espasmódicos, etc.) pueden transmitirse mediante movimientos correspondientes en color emocional (aplausos, patadas, movimientos suaves o espasmódicos de brazos, piernas, etc.). Esto permite utilizarlos para desarrollar la capacidad de respuesta emocional a la música.

Por tanto, el sentido del ritmo es la capacidad de experimentar la música de forma activa (motora), sentir la expresividad emocional del ritmo musical y reproducirlo con precisión. Memoria musical BM no enciende Térmica entre las habilidades musicales básicas, ya que "inmediato la memorización, el reconocimiento y la reproducción del tono y los movimientos rítmicos son manifestaciones directas del oído musical y del sentido del ritmo”.

Entonces, B.M. Teplov identifica tres habilidades musicales principales que forman el núcleo de la musicalidad: el sentido modal, la percepción musical-auditiva y el sentido del ritmo.

SOBRE EL. Vetlugina menciona dos habilidades musicales principales: la audición del tono y el sentido del ritmo. Este enfoque enfatiza vínculo inquebrantable Componentes emocionales (sentimiento modal) y auditivos (percepciones musicales-auditivas) de la audición musical. La combinación de dos habilidades (dos componentes del oído musical) en una (audición tonal) indica la necesidad de desarrollar el oído musical en la interrelación de sus bases emocionales y auditivas.

El concepto de “musicalidad” no se limita a las tres (dos) habilidades musicales básicas mencionadas anteriormente. Además de ellos, la estructura de la musicalidad puede incluir interpretación, Habilidades creativas etc,

Originalidad individual inclinaciones naturales Cada niño en el proceso pedagógico debe tener en cuenta la singularidad cualitativa del desarrollo de las habilidades musicales.

Municipal Autónoma Institución educativa Gimnasio nº 26 de Tomsk

Pruebas de control en música para I cuarto

(según el programa de Naumenko T.I., Aleeva V.V.)

Séptimo grado

Compilado por: Zhukova Liubov Ivanovna,

profesor de música,

G. Tomsk

2016

Prueba final nº1 en música (preguntas)

Séptimo grado

A) verdadera comprensión de la naturaleza. Ni un yeso, ni un rostro sin alma.

2. Para que el artista tenga verdadero trabajo arte, necesitas:

a) nada

B) ver y comprender

3. ¿A qué compositor le llamó la atención una melodía (en el oratorio “La creación del mundo”) que expresaba el nacimiento de la luz y exclamó: “¡Esto no es mío, es de arriba!”

A) J. Brahms

B) M. Glinka

B) I. Haydn

4. Naturaleza en III

A) vivo, furioso

B) tranquilo, pacífico

B) furioso y pacífico

A) unidad de contenido

B) unidad de forma

A) no programa

segundo) software

A) uno B) dos C) tres

A) del programa literario

a) detalles

b) generalización

C) ambas respuestas son correctas

A) todos los dolores del mundo

B) todas las alegrías del mundo

C) la tristeza y la alegría del héroe

A) el mar y el barco de Simbad

B) Príncipe Guidon

Prueba final nº1 en música (respuestas)

Séptimo grado

1. ¿Qué nos enseña más F. Tyutchev en su poema?

No es lo que piensas, naturaleza,

A) una verdadera comprensión de la naturaleza Ni un yeso, ni una cara sin alma.

B) imaginación Tiene alma, tiene libertad,

C) el uso de los dones de la naturaleza. Hay amor en ella, afuera está el lenguaje.

2. Para que un artista pueda crear una auténtica obra de arte deberá:

a) nada

B) ver, comprender y encarnar

B) ver y comprender

3. El compositor, que quedó impresionado por una melodía (en el oratorio “La creación del mundo”) que expresaba el nacimiento de la luz, y exclamó: “¡Esto no es mío, esto es de arriba!”

A) J. Brahms

B) M. Glinka

B) I. Haydn

4. Naturaleza en III parte del concierto “Verano” (del ciclo “Estaciones”) aparece A. Vivaldi:

A) vivo, furioso

B) tranquilo, pacífico

B) furioso y pacífico

5. ¿Qué idea une el poema de F. Tyutchev, la pintura de I. Repin e I. Aivazovsky (página 4 del libro de texto), la música de A. Vivaldi?

A) unidad de contenido

B) unidad de contenido y forma

B) unidad de forma

6. ¿Qué tipo de música es difícil de explicar con palabras?

A) no programa

segundo) software

C) tener nombre (“Bosque”, “Scheherazade”, “Noche en Madrid” y otros)

7. ¿Cuántos estados de ánimo hay en la obra de P. Tchaikovsky “Noviembre? Sobre los tres":

Unasegundo) dos a las tres en punto

8. El Estudio No. 12 de A. Scriabin es una prueba de que la expresividad del contenido de una obra musical no siempre depende de:

A) del programa literario

B) de los medios de expresión musical

C) de la experiencia personal del compositor

9. La base de la creatividad en el arte es (elija la que no coincide):

A) expresión de sentimientos y pensamientos. extraños

B) expresión de sentimientos y pensamientos experimentados por el autor

EN) experiencia personal derrotas y victorias

10. ¿Qué es? la propiedad más importante contenido musical:

a) detalles

b) generalización

C) ambas respuestas son correctas

11. ¿Qué sentimientos resume la música? Sonata de luz de Luna» L.Beethoven:

A) todos los dolores del mundo

B) todas las alegrías del mundo

C) la tristeza y la alegría del héroe

12. N. Rimsky-Korsakov en suite sinfónica"Scheherazade" utiliza los nombres de las partes individuales como un programa (elija la que no coincide):

A) el mar y el barco de Simbad

B) la historia de Kalender - el príncipe

B) Príncipe Guidon

En la literatura psicológica y pedagógica moderna, la percepción de la música se considera “el proceso de reflexión, la formación de una imagen musical en la mente de una persona. Este proceso se basa en una actitud evaluativa hacia el trabajo percibido”.

Existe otra definición de percepción musical: es “una actividad compleja destinada a reflejar adecuadamente la música y combinar la percepción real (percepción) del material musical con datos de la experiencia musical y de la vida general (apercepción), la cognición, la experiencia emocional y la evaluación de la trabajar"

La percepción musical es un proceso complejo y mentalmente multicomponente. Cualquier persona con un simple oído físico puede determinar dónde suena música y dónde simplemente hay ruido producido por varios objetos, máquinas y otros objetos. Pero no todo el mundo puede oír el reflejo de las experiencias más sutiles en los sonidos de la música.

Además, percepción musical- un concepto histórico, social y de edad. Está determinado por un sistema de determinantes: una pieza musical, un contexto histórico general, de vida, de género-comunicativo, condiciones de percepción externas e internas. También está determinado por la edad y el sexo. La percepción musical está influenciada por el estilo de la obra y su género. Por ejemplo, las misas de Palestrina se escuchan de forma diferente a las sinfonías de Shostakovich o las canciones de Solovyov-Sedov. La música se percibe de manera diferente en la histórica Sala Filarmónica, en particular en la sala de la Capilla Académica. MI. Glinka o en el escenario abierto del parque de cultura y recreación. Y no son sólo las características acústicas de estos salas de conciertos, pero también en el estado de ánimo que genera en el oyente el ambiente, interior, etc. Construcción y decoración de un concierto o. salas de teatro es uno de las tareas más complejas arquitectura y Artes Aplicadas. Decoración Salas de conciertos flores, pinturas, esculturas, etc. tiene un efecto inusualmente beneficioso sobre la percepción musical.

Desarrollar la percepción musical significa enseñar al oyente a empatizar con los sentimientos y estados de ánimo expresados ​​por el compositor a través del juego de sonidos organizados de una manera especial. Esto significa incluir al oyente en el proceso de co-creación activa y empatía por las ideas e imágenes expresadas en el lenguaje. comunicación no verbal; Esto también significa una comprensión de los medios por los cuales un artista-músico, compositor o intérprete logra un efecto estético determinado. Además de la actividad, la percepción musical se caracteriza por una serie de cualidades que revelan su influencia beneficiosa y en desarrollo sobre la psique humana, incluidas las capacidades mentales.

La percepción musical, como ninguna otra, se distingue por su vívida emocionalidad e imágenes. Afecta a diversos aspectos de la esfera emocional. A pesar de lo abstracto del lenguaje musical, el contenido musical es diverso y vívido en sus imágenes. Y la especificidad de su percepción no reside en la estricta fijeza de estas imágenes, sino en su variabilidad. El trabajo del pensamiento reproductivo está asociado a la percepción musical y su inherente actividad evaluativa.

Hablando de los detalles específicos de la percepción musical, es necesario comprender la diferencia entre audiencia música, audiencia música y percepción música. Escuchar música no implica centrar la atención sólo en ella; escuchar ya requiere centrar la atención en la percepción musical, está asociada a la comprensión del significado de la música y requiere la inclusión de funciones intelectuales. Además, cuanto más compleja y de gran escala es una pieza musical, más intenso trabajo intelectual requiere de una persona para percibirla. La etapa intermedia entre escuchar música y percibirla es la percepción comitat, una especie de percepción “ligera”, “media oreja”. Fue esto lo que dominó durante miles de años.

La formación de una percepción musical en toda regla indica un proceso multilateral interconectado muy complejo: en primer lugar, crecimiento intelectual persona, en segundo lugar, sobre mejorar todas sus habilidades musicales básicas, en tercer lugar, sobre nivel alto desarrollo del arte musical, cuyo pináculo fue la aparición de la sonata y sinfonía clásicas. Es la percepción de géneros como la sinfonía y la sonata lo que requiere el mayor esfuerzo intelectual y concentración.

El desarrollo de la percepción musical se produce en el proceso de todo tipo de actividad musical. Por ejemplo, para aprender una canción, primero debes escucharla; Al interpretar una canción, es importante escuchar la pureza de la entonación de la melodía y la expresividad de su sonido; Pasando a la música, seguimos su ritmo, dinámica, cambios de tempo, desarrollo y transmitimos nuestra actitud ante la obra en movimiento.

En el proceso de percepción musical podemos distinguir varias etapas:

La etapa de desarrollo del interés por la obra que está a punto de ser escuchada y la formación de una actitud hacia su percepción,

etapa de escucha

La etapa de comprensión y experiencia,

Etapa de interpretación y evaluación,

Al darse cuenta de que la división es condicional, ya que la secuencia de etapas puede cambiar, un período de percepción puede fusionarse con otro.

Analizando el proceso de percepción musical, podemos imaginarlo en dos planos de actividad, inextricablemente amigo relacionado con un amigo: la percepción como tal y la idea de la música, es decir. imagen completa de la obra. Sólo la percepción repetida (repetición) de la música permite a una persona formarse una imagen holística y completa de la obra. En el proceso de percepción repetida de la música, hay una mejora constante de las acciones auditivas y el grado de coordinación. Durante la primera escucha, la principal tarea de percepción es una cobertura aproximada de todo el plan musical de la obra, destacando fragmentos individuales. En el proceso de escucha repetida, la predicción y la anticipación comienzan a aparecer en la estructura de la actividad musical a partir de ideas previamente formadas. El oyente compara lo que suena en este momento tiempo con lo previamente percibido, con su propia serie asociativa. Finalmente, en el proceso de percepción posterior basado en el análisis profundo a través de la síntesis, el dominio racional y lógico del material musical, se produce la comprensión y vivencia integral de su significado emocional.

De lo anterior se desprende claramente que la percepción musical se caracteriza por ciertas propiedades. Algunos de ellos son específicos de la percepción musical (emocionalidad, imaginería), mientras que otros son comunes a todos los tipos de percepción (integridad, significado, selectividad).

Hablando de la percepción de la música, no se puede ignorar un componente tan integral de la misma como Emocionalidad. La emocionalidad estética se entiende como la experiencia de la belleza de una imagen artística, sentimientos, pensamientos que despierta la música. Percepción estética La música siempre es emotiva, sin emociones es impensable. Al mismo tiempo, la percepción emocional puede no ser estética. Al escuchar música, una persona puede simplemente "sucumbir" a su estado de ánimo, "infectarse", simplemente estar feliz o triste, sin pensar en su contenido estético. Solo gradualmente, como resultado de una actividad decidida para adquirir experiencia en la comunicación con la música, habiendo recibido ciertos conocimientos y conocimientos musicales, comenzará a resaltar el lado estético de una obra musical, a notar y darse cuenta de la belleza y profundidad de la música que suena. .

A veces la experiencia estética es tan fuerte y vívida que la persona experimenta un sentimiento de gran felicidad. “Este sentimiento, tal como lo definió el compositor D. Shostakovich, surge del hecho de que bajo la influencia de la música, las fuerzas del alma hasta ahora dormidas se despiertan en una persona y él las conoce”.

Otra propiedad característica de la percepción musical es integridad. Una persona percibe una pieza musical, en primer lugar, en su conjunto, pero esto se hace sobre la base de la percepción de la expresividad de los elementos individuales del habla musical: melodía, armonía, ritmo, timbre. La imagen musical percibida es una unidad compleja de varios medios de expresión musical, utilizados creativamente por el compositor para transmitir un determinado contenido artístico. Una imagen musical artística siempre es percibida por una persona de manera integral, pero con distintos grados de integridad y diferenciación, dependiendo del nivel de desarrollo de cada individuo.

“El concepto de integridad de la percepción musical no se adapta al concepto de su completa diferenciación. Naturalmente, un oyente no preparado no puede percibir adecuadamente todo el sistema de medios que crea una imagen musical, como puede hacerlo un músico profesional. Sin embargo, percibe en la obra su imagen holística: el estado de ánimo, el carácter de la obra.

Uno de los componentes más importantes (si no el más importante) de la percepción en general y de la percepción musical en particular es significado. Los psicólogos sostienen que la percepción es imposible sin la participación del pensamiento, sin conciencia y comprensión de lo percibido. V.N. Shatskaya escribe que "la percepción básica de una obra musical significa la percepción asociada con su evaluación estética y conciencia de la música, su idea, la naturaleza de la experiencia y todos los medios expresivos que forman la imagen musical".

La tesis sobre la unidad de lo emocional y lo consciente en la percepción de la música también se encuentra en los trabajos de los científicos rusos. Uno de los primeros en formularlo fue B.V. Asafiev. “Muchas personas escuchan música”, escribió, “pero pocos la escuchan, especialmente música instrumental... Es lindo soñar con música instrumental. Escuchar de tal manera que se aprecie el arte es ya una atención intensa, lo que también significa trabajo mental y especulación”. La unidad de lo emocional y lo consciente en la percepción e interpretación de la música es uno de los principios básicos de la pedagogía musical.

La lógica juega un papel importante en la percepción de la música. pensamiento. Todas sus operaciones (análisis, síntesis) y formas (juicio, inferencia) tienen como objetivo la percepción de la imagen musical y los medios de expresividad musical. Sin él, el proceso de percepción musical no podría tener lugar.

Una de las operaciones de pensamiento más importantes para la percepción de la música es comparación. La base de la percepción, del “devenir” de la música es precisamente el proceso de comparar, por ejemplo, las entonaciones de los sonidos anteriores y posteriores en una obra, complejos repetidos de consonancias en diferentes obras.

Son esenciales las operaciones de clasificación y generalización, que ayudan a clasificar una obra musical como un cierto genero o estilo, que a su vez. Hace que sea mucho más fácil de entender. Las formas de pensamiento (juicio e inferencia) subyacen a la evaluación de obras musicales específicas, a todo el proceso de educación artística y a la cultura musical en su conjunto.

Selectividad La percepción se manifiesta en la capacidad de captar la expresividad de las entonaciones y seguir el desarrollo de melodías y temas musicales. Podemos hablar de selectividad de la percepción musical en un sentido más amplio, como preferencia por uno u otro. estilo de música, género, determinadas obras musicales. En este caso, la selectividad de la percepción puede considerarse la base para la formación del gusto artístico.

La selectividad como propiedad de la percepción musical, en particular en los niños, aún no ha sido suficientemente estudiada. Las observaciones y encuestas pedagógicas masivas indican que la mayoría de los niños prefieren la música "ligera" a la música "seria". Pero este fenómeno no ha sido explicado científicamente. No está claro por qué a los niños les gustan y comprenden algunas obras, mientras que rechazan otras por considerarlas aburridas e incomprensibles.

La percepción musical es un proceso complejo, que se basa en la capacidad de escuchar y experimentar el contenido musical de una obra como reflejo artístico y figurativo de la realidad. En el proceso de percepción, el oyente parece “acostumbrarse” a las imágenes musicales de la obra. Sin embargo, sentir el estado de ánimo en la música no lo es todo; es importante comprender la idea de la obra. La estructura de pensamientos y sentimientos adecuados, la comprensión de las ideas surgen en el oyente debido a la activación de su pensamiento musical, que depende del nivel de general y desarrollo musical.

Resumiendo el análisis del proceso de percepción musical, vale la pena señalar que los musicólogos en ejercicio que trabajan directamente con el público infantil han llamado repetidamente la atención sobre la necesidad de desarrollar la percepción. El desarrollo de la percepción musical amplía y fortalece la experiencia musical de los estudiantes y activa su pensamiento. Una condición importante para desarrollar la capacidad de pensar es la percepción emocional directa. Sólo después de esto podremos pasar a un análisis detallado de la obra.

De este modo, organización adecuada“escuchar” música, teniendo en cuenta las peculiaridades de la percepción, contribuye a la activación de la actividad musical, el desarrollo de intereses, Gustos musicales estudiantes y, en consecuencia, la formación paulatina de una cultura musical.

La adquisición de conocimientos, destrezas y habilidades en educación musical se realiza utilizando material artístico. La percepción de las obras musicales en todo tipo de actividades es siempre de carácter original y creativo. La actividad de aprendizaje creativo debe impregnar todo el proceso de adquisición de conocimientos, desarrollo de habilidades y capacidades y, por tanto, no destacar como un elemento independiente del aprendizaje.

En relación con lo anterior, los elementos de contenido entrenamiento musical son: - la experiencia de la actitud emocional y moral de una persona ante la realidad, encarnada en la música (es decir, la música misma, " material musical"); - conocimientos musicales; - habilidades musicales; - habilidades musicales.

Criteria de selección El material musical, el componente principal del contenido de la educación musical, son:

Arte;

Divertida y accesible para los niños;

Viabilidad pedagógica;

Valor educativo (posibilidad de formar ideales morales y gustos estéticos de los estudiantes.

conocimientos musicales. La base para comprender el arte de la música es el conocimiento en dos niveles: 1) conocimiento que contribuye a la formación de una comprensión holística del arte de la música; 2) conocimientos que ayuden a la percepción de obras musicales específicas.

El primer nivel de conocimiento caracteriza la naturaleza del arte musical como fenómeno social, su función y papel en la vida pública, normas estéticas.

El segundo nivel es el conocimiento de los rasgos esenciales del lenguaje musical, las leyes de construcción y desarrollo de la música y los medios de expresión musical.

Estas disposiciones de la ciencia musical determinaron el enfoque para la selección de conocimientos sobre música. De acuerdo con ellos, D.B. Kabalevsky identificó conocimientos generalizados ("clave") en el contenido de la educación musical. Se trata de conocimientos que reflejan los fenómenos más generales del arte musical. Caracterizan conexiones típicas y estables entre la música y la vida y se correlacionan con los patrones de desarrollo musical de los niños. Se necesitan conocimientos clave para comprender el arte de la música y sus obras individuales.

En el contenido de la educación musical escolar, el segundo grupo de conocimientos se correlaciona con los conocimientos que habitualmente se denominan “privados” (D.B. Kabalevsky). Están subordinados a los clave. Esta categoría incluye conocimientos sobre elementos específicos individuales del habla musical (tono, ritmo, tempo, dinámica, modo, timbre, agógica, etc.), información biográfica sobre compositores, intérpretes, la historia de la creación de la obra, conocimientos. Notación musical y etc.

habilidades musicales. La percepción de la música es la base para la formación de la cultura musical entre los escolares. Su aspecto esencial es la conciencia. La percepción está estrechamente relacionada con el conocimiento e incluye la apreciación artística. La capacidad de dar una valoración estética de una obra puede servir como uno de los indicadores de la cultura musical de un estudiante. La percepción es la base de todo tipo de interpretación, ya que es imposible sin una actitud emocional y consciente hacia la música, sin su valoración.

Así, la capacidad de los estudiantes para aplicar conocimientos en la práctica, en el proceso de percepción musical, se manifiesta en la formación de habilidades musicales.

El conocimiento "clave" se utiliza en todo tipo de música. actividades educacionales escolares, por lo que las habilidades formadas a partir de ellos se consideran principales.

Junto a las principales habilidades musicales, se distinguen otras particulares, que también se forman en formas específicas de actividad.

Entre las habilidades “privadas” se pueden distinguir tres grupos:

Habilidades relacionadas con el conocimiento de elementos individuales del habla musical (tono, ritmo, timbre, etc.);

Habilidades relacionadas con la aplicación de conocimientos musicales sobre compositores, intérpretes, instrumentos musicales, etc.;

Habilidades relacionadas con el conocimiento de la notación musical.

Por lo tanto, las habilidades principales y privadas se correlacionan con conocimientos clave y privados, así como con diversas formas de actividad educativa musical.

habilidades musicales están en conexión directa con las actividades musicales educativas de los escolares y actúan en determinadas técnicas de interpretación musical. Las habilidades interpretativas también se forman sobre la base de la percepción musical. Sin su adquisición no se puede hablar de una asimilación completa del contenido de aprendizaje.

Sujeto 6:

El concepto de educación musical y el programa musical D.B. Kabalevsky: pasado y presente

1. Características generales

En los años 70 del siglo XX, la pedagogía rusa había acumulado una amplia experiencia en el campo de la educación musical de los escolares. Al mismo tiempo, es necesario crear un concepto unificado y generalizador que dé instrucciones claras para la formación de la cultura musical de los escolares.

Un concepto, según el diccionario, es un sistema de opiniones sobre un fenómeno, el punto de vista principal desde el que se ve este fenómeno, la idea principal, etc.

Un grupo de jóvenes científicos liderados por compositor famoso Y figura pública Dmitri Borisovich Kabalevsky. El concepto y el programa fueron desarrollados en el laboratorio del Instituto de Investigación Escolar del Ministerio de Educación de la RSFSR en el período de 1973 a 1979. Las ideas principales del concepto están plasmadas en el artículo que precede al programa de música "Principios y métodos básicos del programa de música para escuelas secundarias". El programa en sí fue lanzado en pequeñas ediciones con la nota "Experimental". Paralelamente se publicaron antologías musicales para el apoyo musical del programa, así como fonocrestomatología con grabaciones de todas las obras del programa. Durante las pruebas experimentales del programa, el propio Kabalevsky impartió lecciones de música en una de las escuelas de Moscú. Estas lecciones se transmitieron por televisión. También se distribuyó ampliamente por todo el país el libro para niños “Acerca de tres ballenas y mucho más”, escrito por D.B. Kabalevsky para niños.

Para uso masivo, en 1980 se lanzó un programa de música para los grados 1 a 3 (con desarrollos metodológicos basados ​​en lecciones), y para los grados 4 a 7, en 1982.

El programa de Kabalevsky todavía se utiliza ampliamente en nuestro país. Es el punto de partida para el desarrollo de nuevos programas musicales. Sin embargo, en últimos años Este programa se está convirtiendo cada vez más en blanco de críticas. Al mismo tiempo, también cuenta con muchos seguidores. Parece que es ilícito considerarlo obsoleto e inadecuado.

Este concepto es un logro importante de nuestra cultura. Absorbió la mejor experiencia de la pedagogía nacional y también anticipó una serie de procesos cualitativamente nuevos que surgieron tanto en la historia del arte como en todos los aspectos de la vida pública. Es decir, el deseo de preservar y nutrir la cultura espiritual, el reconocimiento de la prioridad de los valores humanos universales. Este concepto tiene un gran potencial de desarrollo. Manteniendo la esencia, este desarrollo tiene las siguientes direcciones:

Desarrollo de didáctica artística y teoría de la pedagogía del arte;

Justificación del material musical del programa;

Ampliación del material musical del programa;

Ampliar el papel de la improvisación y la creación musical vocal e instrumental;

Enriqueciendo la lección con folklore, música sacra, muestras de folk moderno. creatividad musical etc.

Una de las tareas más importantes de un docente que trabaja según el D.B. Kabalevsky - para desarrollar ideas humanistas conceptos. En su línea, el contenido del proceso educativo es el diálogo espiritual. culturas diferentes. El contenido se convierte en el proceso de educar a los niños en una actitud moral y estética ante la realidad, a través del arte mismo, la actividad artística del niño como su “vida” en el arte, la creación de sí mismo como individuo, una mirada dentro de sí mismo.

Así, entendiendo el contenido del concepto como el proceso de formación de la espiritualidad del niño a través de la música, a través de la experiencia, el sentimiento y la impresión, se puede argumentar que no hay nada que actualizar en el programa.

Si hablamos de actualización del contenido del programa como actualización de material musical, formas de comunicarse con la música, etc., entonces este proceso es inherente al concepto como constante, necesario y natural.

Se centra en el hecho de que el material musical puede ser reemplazado y en el hecho de que, al implementar el programa, es necesario el enfoque creativo del profesor a la hora de elegir métodos y formas de creación musical práctica.

En 1994 Se lanzó una nueva edición del programa, realizada por Bader y Sergeeva. Los principales objetivos de la reedición son eliminar el contenido ideológico del contenido y permitir al profesor mostrar iniciativa creativa en la planificación de lecciones. Así, en esta edición se ha modificado el material musical y se han eliminado desarrollos metodológicos basados ​​en lecciones.

2. El propósito, objetivos, principios y métodos fundamentales del programa de música,

desarrollado bajo el liderazgo de D.B. Kabalevsky

Propósito de las lecciones de música. V Escuela secundaria– nutrir la cultura musical de los escolares como parte necesaria de su cultura espiritual general.

Tareas principales: 1) formación de una actitud emocional hacia la música a partir de su percepción; 2) formación de una actitud consciente hacia la música; 3) la formación de una actitud activa y práctica hacia la música en el proceso de su interpretación, especialmente el canto coral, como la forma más accesible de hacer música.

Principios básicos del programa.:

Estudiar la música como un arte vivo, apoyándose en las leyes de la música misma;

Conexiones entre la música y la vida;

Interés y pasión por la educación musical;

Unidad de lo emocional y consciente;

Unidad de lo artístico y lo técnico;

Estructura temática del programa musical.

Según el último principio, cada trimestre tiene su propio tema. Gradualmente se vuelve más complejo y profundo, y se revela de lección en lección. Hay una continuidad entre trimestres y etapas (grados). Todos los temas secundarios y secundarios están subordinados a los principales y se estudian en relación con ellos. El tema de cada trimestre corresponde a un conocimiento “clave”.

Métodos fundamentales del programa.. Los métodos principales del programa en su totalidad están dirigidos principalmente a lograr el objetivo y organizar la asimilación de contenidos. Contribuyen a establecer la integridad del proceso de aprendizaje musical en una lección de música como en una lección de arte, es decir, realizan funciones regulatorias, cognitivas y comunicativas. Estos métodos interactúan con todos los demás métodos.

Método de generalización musical.. Cada tema es de carácter general y une todas las formas y tipos de actividades. Dado que el tema es de naturaleza generalizadora, sólo es posible dominarlo mediante el método de generalización. Los estudiantes dominan conocimientos generalizados basados ​​en la percepción musical. Este método tiene como objetivo principal desarrollar una actitud consciente hacia la música en los niños y desarrollar el pensamiento musical.

El método de generalización musical aparece en forma de formas acumulativas de organizar las actividades de los estudiantes destinadas a dominar conocimientos clave sobre música y desarrollar habilidades de liderazgo.

El método incluye una serie de acciones secuenciales:

1ª acción. La tarea es activar ese sonido musical y experiencia de vida escolares, lo cual es necesario para introducir el tema o profundizar en él. La duración de la etapa preparatoria está determinada por la naturaleza del conocimiento generalizado. La duración de la preparación también depende del nivel de experiencia musical de los estudiantes. Lo principal es no permitir que el tema se estudie formalmente, sin contar con suficiente experiencia auditiva para ello.

2da acción. El objetivo es introducir nuevos conocimientos. De primordial importancia son las técnicas de naturaleza productiva: varias opciones para organizar una situación de búsqueda. En el proceso de búsqueda se destacan tres puntos: 1) la tarea claramente formulada por el docente; 2) gradualmente, junto con los estudiantes, resolver un problema con la ayuda de preguntas capciosas, organizando una u otra acción; 3) la conclusión final, que los propios alumnos deberán formular y pronunciar.

La 3ª acción está relacionada con la consolidación de conocimientos en diferentes tipos actividades educativas, con la formación de la capacidad de navegar música de forma independiente sobre la base de los conocimientos adquiridos. Implementación de esta acción Implica el uso de una combinación de diversas técnicas de carácter productivo y reproductivo.

El método de “avanzar” y “regresar” a lo que se ha cubierto. El contenido del programa es un sistema de temas interrelacionados. Es importante que la lección en la mente del profesor y de los alumnos actúe como vínculo. tema general y todo el programa. El profesor necesita, por un lado, preparar constantemente el terreno para los próximos temas y, por otro, volver constantemente al material estudiado para comprenderlo a un nuevo nivel.

Al implementar el método, la tarea del profesor es elegir las mejores opciones de "carreras" y "regresos" para una clase en particular. Aquí hay tres niveles de conexiones.

1. Conexiones entre las etapas del aprendizaje 2. Conexiones entre los temas de los trimestres. 3. Conexiones entre específicos obras musicales en el proceso de estudio de los temas del programa.

Método de dramaturgia emocional. Las lecciones se estructuran principalmente de acuerdo con dos principios emocionales: el contraste emocional y el enriquecimiento y desarrollo constante de uno u otro tono emocional de la lección.

En base a esto, la tarea es correlacionar uno u otro principio de construcción de lecciones propuesto en el programa con condiciones específicas, el nivel de música y desarrollo general estudiantes.

El método de la dramaturgia emocional tiene como objetivo principal activar la actitud emocional de los escolares hacia la música. Ayuda a crear una atmósfera de pasión y gran interés en Lecciones de musica. Este método permite, si es necesario, aclarar la secuencia de trabajos planificados para la lección (su comienzo, continuación, culminación, especialmente punto importante lección, al final) de acuerdo con las condiciones específicas de la lección.

Es importante determinar la mejor combinación de formas y tipos de actividad (actividades) musicales en las condiciones de una clase determinada.

La personalidad del docente (su pasión por la materia, manifestada en la interpretación musical, en los juicios, la objetividad en la evaluación de los alumnos, etc.) actúa como un poderoso incentivo para intensificar las actividades de los escolares en el aula.

Tema 1. La música como fenómeno. Tipos de creatividad musical.

Música(del griego musike, iluminado. - el arte de las musas) - un tipo de arte en el que los medios de encarnación imagenes artisticas Sirven secuencias de sonido significativas y especialmente organizadas (en tono y tiempo). Al expresar pensamientos y sentimientos en forma audible, la música, junto con el habla, sirve como un medio sonoro de comunicación humana.

en desarrollado cultura musical La creatividad está representada por muchas variedades que se cruzan y que pueden diferenciarse según diferentes criterios.

Clasificación de fenómenos musicales por tipos de creatividad musical:

1. Folklore o arte popular.

Características de la creatividad:

1) Orales. Transmitido de boca en boca.

2) Poco profesional.

3) Canónico (el canon es un modelo, la ley según la cual se crea tal o cual obra)

2. Creatividad del tipo juglar. O música de entretenimiento urbano desde la Alta Edad Media hasta música pop o pop moderna.

Características de la creatividad:

1) Orales.

2) Profesional.

3) Canónico.

4) Teóricamente ininteligible.

3. Improvisación canónica(música religiosa).

Características de la creatividad:

1) Orales.

2) Profesional.

3) Canónico.

4) Teóricamente significativo.

4. Opus - música(opus es una composición original grabada en notación musical). Opus - también se llama música - de compositor, autónomo, serio, clásico, académico.

Características de la creatividad:

1) Escrito.

2) Profesional.

3) Original (requisitos – unicidad, individualidad).

4) Teóricamente significativo.

Características de clasificación de la música como arte:

1. No figurativo.

2. Temporal (no espacial).

3. Actuación.

Tema 2. Propiedades del sonido musical. Medios expresivos de la música.

En el lenguaje musical, separar sonidos musicales conceptualizados y organizados de tal manera que formen complejo de medios expresivos de la música. Los medios expresivos de la música sirven para encarnar imágenes artísticas que pueden evocar en el oyente una determinada gama de asociaciones a través de las cuales se percibe el contenido de una obra musical.

Propiedades del sonido musical:

1. Altura.

2. Duración.

3. Volumen.

Medios expresivos de la música:

1. Melodía.

2. Armonía.

3. Textura.

5. Dinámica.

Melodía. Organiza sonidos por tono en su secuencia.

Uno de los medios expresivos más importantes (junto con el ritmo). La palabra "melodía" puede utilizarse como sinónimo de la palabra "música". (Pushkin A.S. “De los placeres de la vida, la música es inferior al amor por sí solo, pero el amor también es una melodía”). A la melodía también se le llama pensamiento musical.

La expresividad de una melodía se basa en el hecho de que su análogo fuera de los fenómenos musicales es el habla. La melodía en la música juega el mismo papel que el habla en nuestro La vida cotidiana. ¿Qué hay en común entre la melodía y el habla? entonación. En el habla, la entonación tiene principalmente una connotación emocional, en la música, tanto semántica como emocional.

Armonía. Organiza sonidos por altura (vertical) en simultaneidad.

La armonía organiza los sonidos en consonancia.

consonancias están divididos en consonancias(buen sonido) y disonancias(sonido agudo).

Las consonancias pueden sonar. estable e inestable. Estas cualidades son un medio de expresión colosal. Transmiten un aumento de la tensión, una disminución de la tensión y crean una sensación de desarrollo.

Textura. Se trata de un tejido musical que organiza los sonidos tanto horizontal como verticalmente.

Tipos de facturas:

1. Monodía (melodía sin acompañamiento).

A) la polifonía es el sonido simultáneo de melodías iguales.

3. Melodía con acompañamiento (textura homofónica).

4. Acorde y figuración acorde.

Ritmo es la organización de los sonidos en el tiempo. Los sonidos tienen diferentes duraciones. Los sonidos tienen acento (acentuados y no acentuados). Funciones rítmicas:

a) el ritmo organiza tiempo musical, lo divide en secciones proporcionadas de acento a acento. La sección de acento en acento es un ritmo. Ésta es una función métrica del ritmo (llamada "métrica");

b) el ritmo transmite movimiento hacia adelante, crea un sentimiento de vida, unicidad, ya que en la cuadrícula métrica se superponen sonidos de diferentes duraciones.

El campo asociativo del ritmo es muy amplio. La principal asociación es con el movimiento corporal: la plasticidad de un gesto, el ritmo de un paso. También puede estar asociado con los latidos del corazón y el ritmo respiratorio. Te recuerda la cuenta atrás. A través del ritmo, la música se conecta con otras formas de arte, especialmente la poesía y la danza.

Dinámica– organización de sonidos por volumen. Forte es ruidoso, el piano es silencioso. Crescendo - disminución de la dinámica, tensión y diminuendo - aumento.

Timbre- color del sonido que distingue a uno u otro instrumento, uno u otro Voz cantante. Para caracterizar el timbre se utilizan con mayor frecuencia asociaciones visuales, táctiles y gustativas (timbre brillante, brillante o mate, timbre cálido o frío, timbre jugoso), lo que una vez más habla de la naturaleza asociativa de la percepción musical.

De los hombres: tenor, barítono, bajo

De las mujeres: soprano, mezzosoprano, contralto

Composición de la orquesta sinfónica:

4 grupos principales

(el orden de enumeración de instrumentos en grupos es por tono, de arriba a abajo):

Cuerdas (violín, viola, violonchelo, contrabajo).

Instrumentos de viento (flauta, oboe, clarinete, fagot).

Instrumentos de metal (trompeta, trompa, trombón, tuba).

Percusión (timbal, tambor grande, caja, platillos, triángulo).

Compuesto cuarteto de cuerda:

2 violines, viola, violonchelo

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