La cultura musical: historia, formación y desarrollo. Trabajo de curso La cultura musical del niño como indicador de su desarrollo general Etapas del desarrollo musical.

INTRODUCCIÓN

La relevancia de la investigación debido a la demanda de conocimientos pedagógicos sobre la interacción de un docente y un estudiante en un sistema educativo cambiante. La Ley de la República de Kazajstán “Sobre la Educación”, en el “Concepto para el Desarrollo de la Educación en la República de Kazajstán hasta 2015”, enfatiza que la competitividad de una nación está determinada principalmente por su nivel de educación.
La cultura de cualquier nación deja a la humanidad no sólo valores materiales y espirituales, sino también un cierto tipo de personalidad formada, que es a la vez creadora y producto de esta cultura. Uno de los principales indicadores de la formación de una personalidad en la etapa de la infancia preescolar es el desarrollo de la cultura musical del niño. Hoy, se pone de relieve la tarea de educar la personalidad del niño, desarrollar su conciencia musical y formar un sistema de valores espirituales y morales.
La cultura musical del individuo es la condición más importante para su desarrollo armonioso. La música como parte de la vida contiene el código genético de la humanidad, su carga intelectual, obstinada, artística, que ha absorbido toda la paleta de la cultura espiritual y material de los pueblos, toda la diversidad de fisonomía de la humanidad (épocas, etnias, grupos, tradiciones, ideales, etc.). La percepción de la música en diversas formas y tipos de actividad musical contribuye al desarrollo de la creatividad del niño, el pensamiento figurativo (excentricidad, plasticidad, fantasía, asociaciones). En este sentido, sería legítimo hablar de la exploración creativa, artística, musical del mundo.
Los temas del desarrollo de la cultura musical de los niños se estudiaron en las obras de E.B. Abdullina, Yu.B. Aliyeva, O.A. Apraksina, D.B. Kabalevsky y otros. Los siguientes resultados de estos estudios son especialmente importantes para nosotros: se desarrolló el contenido de la educación musical de los niños en edad preescolar, formas y métodos de educación musical y estética teórica y práctica. se identificaron los niños, que destacan la importancia para la personalidad del niño de la formación y desarrollo de su propia cultura musical y estética.
Propósito del estudio es considerar los fundamentos teóricos y metodológicos para el desarrollo de la cultura musical del niño como indicador de su desarrollo integral.
Objeto de estudio es el proceso de desarrollo de la cultura musical de un niño.
Tema de estudio- un indicador del desarrollo general del niño.
Investigar objetivos:
1. Considerar el concepto de cultura musical, su estructura y contenido.
2. Determinar las características del desarrollo de la cultura musical de un niño en edad preescolar.
3. Analizar el contenido programático del área educativa "Creatividad" y la subárea "Música".
4. Considere los indicadores de diagnóstico de la cultura musical del niño.
5 . Considere la música como un medio de desarrollo infantil.
Métodos de búsqueda: el estudio de la literatura psicológica y pedagógica sobre el problema de investigación.

1 ASPECTOS TEÓRICOS DE LA CULTURA MUSICAL INFANTIL COMO INDICADOR DE SU DESARROLLO GENERAL

1.1 Cultura musical: concepto, estructura, contenido

El concepto de "cultura musical" se ha vuelto cada vez más común, menos metafórico y más operativo. Por lo general, acuden a él cuando una investigación o pensamiento periodístico, satisfecho con un estudio sustantivo de un texto musical, se vuelca hacia su real destino histórico.
El concepto de "cultura" (su alcance es más amplio que el del concepto de "cultura musical") capta la característica integral de toda comunidad autoorganizada, a partir del contenido de la información principal que la consolida. De lo contrario, podemos decir que la cultura es la característica informacional de la sociedad. La información aquí debe entenderse no como una “medida cuantitativa para eliminar la incertidumbre”, como es habitual en la cibernética, sino como un conjunto de medios a disposición de una determinada comunidad y dirigidos por ella a la autoorganización, a eliminar su propio caos, a establecer un orden interno propio de una sociedad dada. Es claro que la originalidad de estos medios incide directamente en la originalidad de la organización de la sociedad. Por eso la cultura, vista desde fuera, se percibe como la cara frontal de la sociedad, su apariencia, sus características individuales.
Pero la información es un proceso. En los sistemas sociales: un proceso de flujo continuo de oposición al caos. Su significado es reproducir constantemente aquellas ideas, relaciones y significados que se reconocen como fundamentales en una determinada comunidad. De ahí la necesidad de una reproducción constante del mismo tipo de información.
La cultura musical forma parte del sistema general de apoyo informativo de la sociedad, uno de los medios de dinamización de la vida pública. La especificidad de la cultura musical reside en el hecho de que el principal medio para ordenar la reproducción en ella de ideas, relaciones, significados reconocidos como esenciales para una determinada comunidad, son las relaciones relativas a la creación, reproducción y percepción de la música. Desde este punto de vista, el texto musical sonoro no es un fin, sino un medio de interacción social, un vínculo mediador, un intermediario. Por tanto, el balón es el mediador de la relación de los veintidós jugadores en el campo de fútbol, ​​de todos los espectadores de este partido y, además, de todos aquellos para los que su resultado final será significativo.
El romance y la sinfonía también median diferentes puntos en común. Pero cuál es la diferencia fundamental entre estas comunidades (entre las culturas de estas comunidades, entre sus "culturas musicales"), no es tan evidente. En ambas culturas musicales, las posiciones del autor, el intérprete y el oyente son fácilmente distinguibles. Y en esto son similares. Las diferencias entre las culturas musicales se encuentran en su orden específico, en la organización mutua de las posiciones de "compositor", "intérprete", "oyente", es decir, en las características estructurales de estas comunidades.
El texto musical, funcionando en la comunidad musicalmente organizada que lo engendró (que puede ser descrita por su cultura musical), no sólo permanece en él, sino que reproduce (confirma, actualiza) la estructura de esta comunidad por el modo mismo de su existencia. El funcionamiento “correcto” de un texto musical reproduce el tipo de estructura inherente a este tipo de cultura. Esto significa que una u otra cultura musical sigue viva y porque los textos musicales creados y funcionando según sus reglas funcionan realmente en la sociedad. En esta propiedad de un texto musical -mientras funciona, reproducir la estructura de "su propia" cultura musical- está la fuente de su capacidad de generar significado.
Por supuesto, un texto musical, como cualquier texto artístico, es potencialmente ambiguo. Pero en este caso, sólo nos interesan aquellos significados que se generan por la correspondencia misma entre las estructuras de los textos musicales de un determinado tipo, por un lado, y la correspondiente estructuración de las culturas musicales -si las distinguimos por la tipo de ordenamiento mutuo en ellos de los principales puestos funcionales que se ofrecen a sus portadores: puestos de "compositor", "intérprete" y "oyente". En otras palabras, nos interesan los significados y las experiencias de los individuos y grupos que surgen de su identificación con una de estas posiciones y, en consecuencia, sus experiencias de relación con otros posicionadores, de acuerdo con su forma de ser”. prescrito” a los miembros de esta comunidad por su cultura musical.
Los significados que nos interesan, si bien se generan en el ámbito musical, son mucho más amplios en su carácter sociocultural, ya que las posiciones mencionadas fijan relaciones no solo en la comunicación musical. Por ejemplo, la posición de "autoría" en varias culturas también se puede atribuir a la idea del destino o la biografía de una persona. Si en la antigüedad un individuo no tiene una idea del camino de su vida como la realización de su propia creatividad, entonces en la cultura del romanticismo, los personajes y sus autores se esfuerzan por realizar su biografía, en el límite, como su propia libertad. creación. Debe suponerse, en consecuencia, que en la cultura musical del romanticismo la autoría debería estar acentuada e incluso hipertrofiada, mientras que en la antigüedad la “autoría” musical normalmente debería permanecer sin descubrir.
Otro aspecto de las diferencias entre las culturas musicales deberían ser las diferencias en las estructuras que median estos puntos en común de los textos musicales. En otras palabras, la estructura del romance debe corresponder a la estructura del tipo de comunidad musical que el romance, como un tipo de texto musical, media y en el que el romance genera ciertos significados socialmente significativos (y para los cuales, al menos, no es indiferente ni exótico). Lo mismo puede decirse de la sinfonía. Al mismo tiempo, las definiciones de género utilizadas aquí para ejemplos (romance, sinfonía) solo representan, pero no agotan, el tipo (o clase) de textos que estructuralmente corresponden al tipo (clase) correspondiente de culturas musicales mediadas por ellos. En este caso, sería más exacto hablar de obras de "tipo romance" o "tipo sinfónico".
Volviendo ahora a la relación entre las estructuras formales de los textos musicales y las culturas musicales correspondientes, esbocemos la principal oposición: por un lado, hay textos musicales que son estables en su totalidad, auténticos en sí mismos (los llamamos “cosa ”, “obra”), por otro lado, textos musicales que no tienen un original inequívoco, más o menos cambiados durante cada interpretación. En consecuencia, las estructuras de las comunidades musicales (culturas musicales) en las que funcionan tales textos resultan ser diferentes: los textos musicales completos funcionan en culturas musicales con una posición de autor claramente formada "compositor", mientras que en culturas musicales con textos musicales variables, la autoría es no se revela, pero el desempeño se expresa claramente.función. Como primera aproximación, se podría decir que los textos completos (están registrados por notación musical) corresponden a la estructura de las culturas musicales "de autor", mientras que los textos musicales variables (no grabados) se crean en el marco de las culturas musicales "ejecutantes". .
Un análisis más profundo nos lleva formalmente a una distinción entre dos tipos de culturas musicales de "autor". Se trata de comunidades con una función interpretativa independiente (intérprete en el escenario del concierto) y una función de oyente (en la sala). Designémoslo como "tipo de cultura musical de concierto". Y comunidades en las que el oyente y el ejecutante cambian fácilmente de lugar, ocupando el mismo sitio (salón, habitación de la casa). Que sea un tipo de hogar, creación musical amateur, un "tipo de cultura musical amateur".
Un análisis formal de las culturas musicales “interpretativas” también permite distinguir, en un caso, comunidades musicales, donde, en ausencia de expresión propia del autor, su función, junto con la suya propia, es asumida por un intérprete-improvisador. que actúa frente a los oyentes reunidos (club de jazz, casa de té en el Este) - “ Tipo de improvisación de la cultura musical. Finalmente, en la creación de música folclórica (el lado musical de los rituales), ninguna de las funciones está formalizada: el folclore no conoce la especialización del autor, del intérprete o del oyente ("cultura musical de tipo folclórico").
Así, todos los problemas asociados al estudio del hombre inciden necesariamente en el ámbito de la cultura. La cultura forma el mundo sólo de lo humano. Se destaca tanto en el análisis del mundo humano, de la realidad humana, como en el análisis de la vida social de las personas en este mundo, y en el ser concreto de una persona particular, en su autoconciencia. Estas son las condiciones y la esfera del ser en la que una persona puede manifestarse en toda la extensión de sus capacidades.
Un análisis de la literatura científica moderna ha permitido identificar diversas aproximaciones a la definición del concepto de "cultura musical". Cultura musical de la personalidad, según Yu.B. Aliyev, actúa como una educación integradora compleja, una experiencia socio-artística individual que provoca el surgimiento de altas necesidades musicales de una persona, cuyos principales indicadores son el desarrollo musical (amor por el arte musical, manifestación de una actitud emocional hacia la música, musical observación) y educación musical (dominio de los métodos de la actividad musical), actitud emocional y valorativa hacia el arte y la vida, desarrollo del gusto musical, criticidad). Los investigadores determinaron que los criterios que determinan la calidad de la cultura musical del individuo son la participación en la creatividad musical a través de diversas formas de actividad musical, el desarrollo de los aspectos morales y estéticos del individuo bajo la influencia de su potencial musical y cultural, conocimientos e ideas valorativas sobre la música.

1.2 Características de la formación de la cultura musical de un niño en edad preescolar.

Ya en el segundo año de vida, el niño desarrolla activamente una respuesta emocional a la música. A esta edad, los niños pueden responder emocionalmente a la percepción de música de humor contrastante, por lo que puede observar un resurgimiento alegre cuando un niño percibe música de baile alegre o una reacción tranquila cuando percibe música de naturaleza tranquila, como una canción de cuna.
Los niños desarrollan sensaciones auditivas, se diferencian más: el niño puede distinguir entre sonidos altos y bajos, sonidos bajos y fuertes.
Hacia el final del segundo año de vida, se acumula un cierto stock de impresiones musicales, el niño puede reconocer piezas musicales conocidas y reaccionar emocionalmente ante ellas, y muestra interés por piezas nuevas. Sin embargo, la estabilidad de la atención, debido a las características de la edad, es insignificante: los niños pueden escuchar música continuamente durante 3-4 minutos, por lo que un cambio rápido en las actividades, las acciones del juego le permiten mantener la atención del niño, dirigiéndolo en el dirección correcta.
Los investigadores notan que los niños tienen requisitos previos para las manifestaciones creativas en la actividad musical basada en la imitación de un adulto. Muy a menudo, estas manifestaciones se pueden observar en bailes y juegos musicales, donde los niños usan movimientos familiares de forma independiente.
En el tercer año de vida continúa el desarrollo de los fundamentos de la musicalidad del niño. Hay una respuesta emocional activa a la música de naturaleza contrastante. Los niños reaccionan viva y directamente a las obras musicales, expresando una variedad de sentimientos: animación, alegría, deleite, ternura, calma, etc.
Hay una mayor acumulación de impresiones musicales. Los niños reconocen canciones familiares, obras de teatro y les piden que las repitan. Desarrollan el pensamiento musical y la memoria.
A los niños les encanta participar en juegos de tramas musicales, interpretando determinados papeles (gallinas, gorriones, conejitos, gatitos, etc.) y aprenden a asociar sus movimientos con los cambios que se producen en la música (se mueven en silencio si la música no está alta, más rápido si el tempo de la música se vuelve ágil).
Las manifestaciones creativas de los niños se vuelven más notables. También se pueden observar en el canto, cuando los niños reproducen onomatopeyas, cantan sus nombres con diferentes entonaciones, componen improvisaciones simples sobre “la-la-la” (por ejemplo, una canción de cuna o baile para un oso, un perro, una muñeca Dasha, etc. .).
Los niños del cuarto año de vida muestran una respuesta emocional a la música, distinguen entre el estado de ánimo contrastante de la música y aprenden a comprender el contenido de una pieza musical. Comienzan a acumular, aunque sea una pequeña experiencia de escucha musical, se observan preferencias musicales y se sientan las bases de una cultura de escucha musical. En el proceso de percepción, los niños pueden, sin distracciones, escuchar una pieza musical de principio a fin. Se desarrolla la diferenciación de la percepción: los niños distinguen medios expresivos separados (tempo, dinámica, registros), al cambiar los movimientos reaccionan al cambio de partes en una pieza musical de dos partes, comienzan a distinguir entre los géneros más simples: marcha, baile, canción de cuna.
En el proceso de la actividad musical, las habilidades musicales básicas se desarrollan activamente (sentimiento modal, cuya manifestación es la respuesta emocional a la música, un sentido del ritmo). El desarrollo de las habilidades sensoriales musicales continúa: los niños distinguen sonidos contrastantes en términos de altura, dinámica, duración, timbre (al comparar instrumentos musicales familiares).
La experiencia de realizar actividad musical se va acumulando. Todos los tipos de interpretación musical comienzan a desarrollarse más activamente. Los niños dominan gradualmente las habilidades de actuación en el canto, el ritmo y la ejecución de instrumentos musicales elementales. El aparato vocal y respiratorio crece y mejora. Los niños escuchan con interés canciones interpretadas por adultos y con ganas de cantar canciones junto con un adulto y de forma independiente, transmitiendo su actitud emocional. Desarrollan y se vuelven habilidades de canto más estables, aparecen canciones favoritas.
El interés por tocar instrumentos musicales para niños es cada vez más estable. El stock de ideas sobre instrumentos musicales elementales está aumentando, las habilidades para tocarlos están mejorando.
Los niños están felices de participar en varios tipos y formas de actividades musicales (en actividades musicales independientes, vacaciones, entretenimiento).
En el quinto año de vida, las ideas de los niños sobre la música como arte se están expandiendo y la experiencia de escuchar música se está acumulando. Los niños comienzan a comprender que la música puede contar una historia. Escuchan más atentamente su sonido, distinguen entre entonaciones festivamente alegres, suaves, tristes, tranquilamente enfocadas, comienzan a resaltar y capturar los cambios más vívidos y contrastantes en los medios de expresión musical a lo largo de toda la pieza musical (cambios de tempo, dinámica , registros). Con gusto escuchan música clásica, melodías de canciones y bailes populares, canciones modernas para niños. Los niños comienzan a formar un interés más estable en la percepción de la música, aparecen sus propias preferencias, obras favoritas. Desarrollan la memoria musical, los niños comienzan a memorizar y reconocer piezas musicales familiares.
El desarrollo de las habilidades sensoriales musicales continúa. En este proceso, es de especial ayuda el uso de una variedad de juegos y manuales musicales y didácticos. Se desarrollan las habilidades musicales básicas (sensación modal, sentido del ritmo), que se manifiestan en actividades musicales más activas y variadas de los niños. Entonces, los niños del quinto año de vida muestran interés por cantar, cantan junto con adultos, compañeros y de forma independiente. Sus habilidades de canto se están expandiendo: el rango (re - si de la primera octava) aumenta, la respiración se vuelve más organizada y la dicción mejora debido al desarrollo activo del habla.
Los niños comienzan a desarrollar habilidades creativas en todo tipo de actividad musical: al cantar, esto se manifiesta en la onomatopeya más simple, componiendo entonaciones de canciones individuales de diferentes estados de ánimo para el texto terminado. En los movimientos de la música, los niños también muestran creatividad: usan movimientos de baile familiares en bailes libres y, combinándolos a su manera, crean imágenes originales del juego.
Hay un interés creciente de los niños en una actividad como tocar instrumentos musicales para niños. Los niños ya están familiarizados con muchos instrumentos de percusión y conocen las formas más sencillas de tocarlos. En el quinto año de vida comienza el aprendizaje sistemático de tocar el instrumento de percusión melódica, el metalófono. Además, los niños continúan dominando tocar instrumentos como castañuelas, triángulos, así como instrumentos de orquesta popular (cucharas, sonajeros, campanas, etc.).
En los niños del sexto año de vida, la percepción de la música es más propositiva. No solo pueden escuchar música con interés, sino también evaluarla de forma independiente. Gradualmente cultivan las habilidades de una cultura de escuchar música, forman un conocimiento inicial sobre la música como arte y sus características. Los niños conocen y pueden nombrar los nombres de los compositores cuyas obras conocen, distinguen entre música vocal e instrumental, distinguen entre los géneros musicales más simples (canción, danza, marcha), distinguen medios individuales de expresión musical (melodía, patrón rítmico, dinámica , tempo, registros), distinguen una forma simple de dos y tres partes de una pieza musical. Son capaces de comparar y analizar piezas de música que contrastan o tienen un carácter similar.
Las habilidades musicales se están desarrollando intensamente: sentimiento modal, sentido del ritmo, representaciones musicales y auditivas. Esto es especialmente evidente en varios tipos de actividad musical. En la actividad de canto, el niño se siente más seguro debido al fortalecimiento y desarrollo de las cuerdas vocales y todo el aparato vocal y respiratorio, el desarrollo de la coordinación vocal-auditiva, la expansión del rango de canto (D de la primera octava - C, Do sostenido de la segunda octava), la formación de una dicción más clara. En la mayoría de los niños, la voz adquiere un sonido relativamente alto, un cierto timbre. Los niños pueden cantar un repertorio más complejo vocalmente, interpretándolo junto con un adulto, compañeros e individualmente.
En la actividad musical y rítmica, los niños también se sienten más seguros: se orientan bien en el espacio, dominan varios tipos de movimientos rítmicos: gimnasia, baile, figurativo y juego. Se mueven libremente, bastante rítmicamente, adecuadamente al carácter y estado de ánimo de la música. En bailes, juegos musicales, son capaces de transmitir expresivamente una imagen musical.
En la edad preescolar superior, se pueden observar manifestaciones creativas bastante vívidas al componer improvisaciones de canciones, al crear imágenes de juegos y composiciones de baile. Todavía hay interés en tocar instrumentos musicales para niños. Los niños continúan dominando las habilidades de tocar instrumentos, principalmente grupos de percusión (maracas, rumba, triángulos, metalófonos, xilófonos, etc.). Tocan individualmente, en pequeños conjuntos y en una orquesta infantil.
El séptimo año de vida es muy importante y responsable en la vida de un niño en cuanto a su desarrollo como persona, así como en relación con la preparación para la escolarización venidera. El niño desarrolla activamente el pensamiento, la imaginación, la memoria, el habla. Todo esto contribuye al desarrollo musical activo. Al final de su estancia en el jardín de infancia, los niños en edad preescolar acumulan una cantidad bastante grande de impresiones musicales y conocimientos elementales sobre la música. Así, distinguen entre obras musicales de diferentes géneros, estilos, épocas, reconocen y nombran obras familiares de compositores clásicos nacionales y extranjeros.
El interés por la percepción-escucha de música se vuelve bastante estable. La mayoría de los niños tienen sus propias preferencias musicales. Escuchando obras musicales, son capaces de compararlas, analizarlas, evaluarlas, motivando su valoración.
A esta edad, continúa el desarrollo de habilidades musicales básicas (sentido modal, sentido del ritmo, representaciones musicales y auditivas) y especiales (capacidad para realizar actividades: cantar, musicales y rítmicas, tocar instrumentos, creativas). Las habilidades musicales y sensoriales se desarrollan y mejoran.
Aparato vocal y respiratorio mejorado. En este sentido, las habilidades de canto de los niños se están expandiendo. El rango de canto se expande hasta la primera octava - D, D-sharp de la segunda octava. La interpretación de las canciones se vuelve más expresiva y melodiosa. Los niños están felices de cantar colectivamente, en pequeños conjuntos, individualmente (solo), tanto acompañados por un instrumento como solos. Tienen canciones favoritas y existe la necesidad de volver a interpretarlas.
En los juegos musicales se encuentra una buena reacción, la capacidad de escuchar atentamente la música y cambiar los movimientos con el cambio de sus partes, la naturaleza del sonido. Los movimientos figurativos con los que los niños representan los personajes de los juegos, los cuentos de hadas se vuelven muy brillantes, expresivos y originales.
Al tocar los instrumentos, continúa la mejora de las habilidades y técnicas de interpretación. El conocimiento y las ideas de los niños sobre varios grupos de instrumentos de orquesta se están expandiendo. El repertorio interpretativo se está ampliando. Los niños, unidos en pequeños conjuntos, lo interpretan con placer no solo en el aula, sino también durante las vacaciones y el entretenimiento. En el caso de un trabajo sistemático y decidido, es posible crear una orquesta infantil en la que casi todos los niños de este grupo de edad puedan participar activamente.
Las habilidades musicales y creativas de los niños se están desarrollando activamente, se manifiestan en todo tipo de actividad musical: en la percepción de la música, gracias a una imaginación más desarrollada y la acumulación de impresiones musicales y de la vida, los niños pueden percibir creativamente la música del programa, interpretar hacerlo a su manera, expresando su propia actitud con la ayuda de dibujos, gestos expresivos, expresiones faciales, movimientos.
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CULTURA MUSICAL

sistema multinivel, incluida la descomposición. tipos y géneros de música. art-va, composición y artes escénicas, conciertos, instituciones educativas teatrales y musicales, instituciones musicales. about-va, clubes, tazas, vida. y música casera.

En el desarrollo de la música. vida de Ekat. reflejó los procesos de fusión de Nar. tradiciones rusas. nosotros., representante otras nacionalidades y el prof. música a-ry europeo tipo. En la esfera de la vida. se afirmaron músicas, formas y géneros propios de la sierra. conservador. Uno de sus signos son las montañas. orc., cuya presencia era obligatoria en todas las veladas festivas de la nobleza local. Desde 1843, las musas han ganado gran popularidad. actuaciones, que se vio facilitada por la llegada a la ciudad por invitación del teatro V. Glinka. compañía P. Sokolov. Vaudevilles y op., presentados por artistas invitados, fueron un éxito rotundo, lo que sirvió de impulso para la implementación de la idea de crear sus propias montañas. t-ra. H. actores de la compañía, incl. prima donna E. Ivanova, así como un pequeño conjunto instrumental que acompañó las actuaciones, permaneció en Ekat. En 1847 en el cap. Cra para t-ra construyeron un kam. edificio (ahora k / t "Coliseo").

En los años 70 del siglo XIX. comienza a desarrollarse activamente op. afirmar. En 1874 en el escenario de las montañas. t-ra realizó una gira en la ciudad de solista imp. t-ditch D.Leonova escenificó op. G. Verdi "Trovador". Su éxito condujo a la aparición de Ekat. música mug (1880), donde, por iniciativa de P. Davydov y G. Svechin, op. puesta en escena.

En la década de 1880, se produjo un cambio notable en el desarrollo del arte coral en la ciudad. Junto a las actuaciones corales de Nar. canciones e iglesia Las representaciones de coros de musas se vuelven populares. taza y capilla de S. Gilev, que incluyeron en su repertorio obras. música clásica. Se llevan a cabo con éxito conciertos de música sacra de iglesias y coros de aficionados unidos. coristas más alto El arte coral alcanzó un auge en sus inicios. siglo 20 gracias a las actividades de A. Gorodtsov y F. Uzkikh, quienes dirigieron los cursos libres de regentes corales de los labios. to-ta tutela sobre nar. sobriedad.

A la vuelta de los siglos XIX-XX. en Ekat. hay un aumento en el nivel de ejecución instrumental. Por iniciativa de V. Tsvetikov, P. Basnin y otros, se organizan reuniones de cámara en la ciudad, se llevan a cabo eventos históricos. conciertos En el jardín de verano de la Sociedad. col. bajo la dirección de dir. O. Kassau, S. Hertz y otros son regularmente sinfónicos. conciertos, en el jardín Kharitonovsky - conciertos de música ligera (ver Ork. Ekat.)

Al principio. siglo 20 en Ekat. Aparecen nuevos edificios de conciertos y teatros: Verkh-Isetsky Nar. t-r (1900, véase Casa del Pueblo), Sala de Conciertos I. Makletsky (1900), Sala de Conciertos de la Asamblea Comercial. (1910). Esto contribuyó a un aumento significativo en el número de conciertos y op. producciones Los eventos más importantes en la música. vida de Ekat. Ocurrió en 1912: se abrieron las Montañas Nuevas. t-r (ver Ekat. state acad. t-r op. and ballet), quien declaró 50 op. en el repertorio a la vez, ganó Ekat. Departamento del Imp. Rus. música about-va, que puso el principio. desarrollo del prof. música educación en la ciudad En 1916, música. clase IRMS con el patrocinio de D. Solomirsky se transforman en musas. escuela, donde trabajan V. Bernhard y N Ivanova-Kulibina, quienes más tarde se convirtieron en musas autorizadas. ped.

Después de 1917 pl. música establecida. las estructuras de la ciudad dejan de existir. Local op. t-ra y los edificios de conciertos y teatros se utilizan para riego. col. y mítines, a menudo acompañados de rugidos de canto masivo. canciones y actuaciones musicales. productos, en consonancia con el rugido. eventos. En la década de 1920, las actividades de los círculos corales fueron adquiridas por el esclavo. y clubes del Ejército Rojo.

En las décadas de 1920 y 1930, el Central Musical vida Ekat.–Sverdl. se convierte en op. t-r. A. Ulyanov, F. Mukhtarova, S. Lemeshev, I. Kozlovsky, D. Agranovsky, V. Ukhov, G. Pirogov cantaron en su escenario, I. Paliev, I. Palitsyn, A. Pazovsky, A. Margulyan dirigieron. En el verano, cuando terminaba la temporada teatral, ork. t-ra dio sinfonías tradicionales. conciertos en el jardin Weiner (antiguo Club).

Desde 1925, un nuevo medio de propaganda de las musas. la demanda se convierte en Sverdl. radio. Musas. edición V. Trambitsky y B. Pevzner trabajaron como locutores de radio. Radiok-t contaba con solistas y orquesta propios, que en 1934 se amplió y transformó. en sinf. orco Sverdl. estado Sociedad Filarmónica (ver Orquesta Filarmónica Académica del Estado de los Urales) bajo la dirección de M. Paverman.

La década de 1930 estuvo marcada por la creación en Sverdl. instituciones que enriquecieron enormemente a las musas. ciudad to-ru En 1933 se inicia la actividad de la t-ra de musas. comedias La compañía estaba dirigida por un director experimentado invitado de Leningrado. A. Feona, la base del equipo de actuación fue S. Dybcho, M. Viks, A. Marenich, P. Emelyanova. Ya después de 10 años, tr fue reconocido como un “laboratorio. búhos operetas". En 1934, comenzó el primer estudio. Ural. estado Conservatorio, en 1939 Sverdl fue aprobado. Departamento de la URSS IC (ver Ural. Departamento de la Unión de Compositores de Rusia).

En los años Vel. Patria Guerras de música. k-ra Sverdl. continuó desarrollándose rápidamente. 40 miembros vivieron y trabajaron fructíferamente en la ciudad. Reino Unido, incluido evacuados R. Glier, T. Khrennikov, A. Khachaturian, V. Shebalin, D. Kabalevsky y otros. músicos En Sverdl. durante mucho tiempo fue la Sra. orco Toda la Unión. la radio, el Conservatorio de Kiev, G. Neuhaus, D. Oistrakh, E. Gilels, L. Oborin dieron conciertos con éxito. En este momento, la creación Ural. nar. coro (ver acad del estado de Ural. Coro folclórico ruso), coro filarmónico, coro de la región. radiokt. por los años guerra solo Sverdl. estado la Filarmónica ha organizado más de 20.000 conciertos.

en la posguerra período sobre el estado de la música. to-ry tuvo una publicación de gran impacto. Comité Central del Partido Comunista de los Bolcheviques de toda la Unión del 10 de febrero. 1948. Las acusaciones de "antipueblo" y "formalismo" también tocaron los Urales. compositores La política de la "guerra fría" y arraigada en Sverdl. el estado de ciudad cerrada contribuyó al aislamiento artificial de Sverdlovsk del mundo. música conservador. Y sin embargo la música vida de la capital U. no se quedó quieta. El género de la canción se desarrolló intensamente. El éxito creativo acompañó a B. Gibalin, E. Rodygin, L. Lyadova en esta dirección. Los festivales de canciones organizados por la Sociedad Coral, dirigida por G. Rogozhnikova, fueron muy populares. Material de la canción, osn. al Ural folklore, formó la base de la sinfonía. G. Toporkov y N. Puzeya, op. G. Beloglazova "Ohonia", música. comedia K.Katsman "Mark Beregovik".

Las habilidades interpretativas han alcanzado un alto nivel. El pianista I. Renzin, los violinistas M. Zatulovsky y N. Schwartz, el violonchelista G. Tsomyk, los cantantes J. Vutiras, N. Dautov, V. Kitayeva, M. Glazunova, A. Novikov, I. Semenov actuaron en las décadas de 1950 y 1960. Mundo. Izv. comprado por los graduados de Ural. estado el Conservatorio arte. URSS B. Shtokolov y Yu. Gulyaev. Cuando la Filarmónica se formó altamente profesional. Conjuntos instrumentales: Urales. cuarteto de cuerdas ellos. N. Myaskovsky y los Urales. trío de acordeón.

Las artes se desarrollaron activamente. actuación de aficionado. Las musas trabajaron en las casas de los k-ry bajo la dirección de músicos experimentados. tazas e incluso op. estudios Más de diez op. organizado por un estudio de aficionados en el centro de recreación de la fábrica Verkh-Isetsky (dirigido por P. Lantratov). Marido. coro Sverdl. bugle in-ta (encabezada por V. Glagolev) se convirtió en laureada de All-Union. música festival (1957), coro Ural. estado un-ta (encabezado por V. Serebrovsky) - laureado del Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes en Viena (1959), pop-orco sinfónico. Trabajadores ferroviarios de DK (encabezados por V. Turchenko) - laureado del Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes en Sofía (1968).

En la década de 1960, desarrollo generalizado en los círculos estudiantiles y de montaña. recibe la intelectualidad el genero de cancion de autor. Se están organizando clubes de canto amateur, de los cuales salieron muchos. Izv. bardos (A. Dolsky y otros).

Ural de nueva subida. escuela juegos en nar. instrumentos se produjo en la década de 1960. en los Urales. estado el conservatorio es creado por un especial departamento, que estaba dirigido por izv. en el país y en el extranjero, el intérprete de balalaika E. Blinov (1963). Ped. y alumnos de este departamento. ganó repetidamente el All-Union. e internacional competiciones Los orcos están organizados. nar. instrumentos, cuya música original está escrita por V. Bibergan ("Ural. Canciones infantiles") y otros Urales. compositores

En las décadas de 1970 y 1980 en la música. vida Sverdl. aparecieron nuevos nombres de músicos talentosos. victoria en el internacional competir con ellos. Beethoven en Viena (1977) lo ganó la pianista N. Pankova; E. Kolobov (Sverdl. op. y ballet), V. Kozhin (orquesta sinfónica. Sverdl. Filarmónica Estatal). Para puesta en escena op. "Profeta" en Sverdl. t-re op. y el compositor de ballet V. Kobekin, dir. E. Brazhnik y dir. A.Titel fueron otorgados al Estado. etc (1987). En 1987, el Mus. sobre-en Sverdl. región, que estaba encabezada por Nar. arte. URSS V. Baeva.

En las décadas de 1980 y 1990, un movimiento juvenil se declaró abiertamente. Surgió un club de rock en la ciudad (1986), y el mejor gr. - "Nautilus Pompilius", "Agatha Christie", "Chayf", "Semantic Hallucinations", "Chicherina" - ocuparon una posición de liderazgo en Rusia en esta música. dirección. “El abuelo Ural está trabajando activamente. rock "compositor A. Pantykin (ver Música rock). Resurgió la actividad de los maestros y amantes del jazz. Creado Ural. estado orco música de jazz (encabezada por N. Baranov), se celebran regularmente festivales de jazz. Mundo. Izv. recibió un alumno de los Urales. músico de jazz del conservatorio V.Chekasin. Se está desarrollando la música pop (V. Presnyakov Jr., A. Malinin) y la canción de autor (A. Novikov).

El notable fenómeno de la música. vida de Ekat. último décadas del siglo XX. - el surgimiento de muchas estructuras independientes de conciertos, musicales y teatros y el fortalecimiento de países extranjeros. conexiones Realizan giras exitosas en el extranjero y participan en eventos internacionales. concursos de orquestas filarmónicas. bajo la dirección de D. Liss, orquesta. nar. herramientas manuales. L.Shkarupy, orquesta de cámara. V-A-S-N (fundado en 1990 por S. Dyachenko), "Lyceum", "Camerata" (encabezado por el Honorable Art. de la Federación Rusa V. Usminsky), conjuntos folclóricos. instrumentos "Ayushka" (dirigido por V. Zykin) y "Ural" (dirigido por M. Ulyashkin), el coro "Domestik" (dirigido por V. Kopanev, Gub. pr. 1998), etc. Los contactos creativos de los Urales han fortalecido. conservatorios con música universidades en Francia e Italia, que es el gran mérito del rector de la UGK, el pianista M. Andrianov. De particular importancia son las victorias en el internacional. concursos para jóvenes ekaterimburgueses: niños. coro "Aurora" (encabezado por V. y N. Bulanova), coro masculino. liceo coral (dirigido por S. Pimenov), coro y conjunto de danza "Sonrisa" Det. Sociedad Filarmónica (encabezada por Y. Bondar, O. Zhuravleva), etc.

Lit.: Del pasado musical: Colección de ensayos. Asunto. 1. M., 1960; Asunto. 2. M., 1965; Sobre música y músicos de los Urales // Notas científicas y metodológicas de la UGK. Asunto. 3. Sverdlovsk, 1959; Belyaev S. Historia de la cultura musical de los Urales: un curso de conferencias. Ekaterimburgo, 1996.

DE ACUERDO. Shabalina

Enciclopedia de Ekaterimburgo. EdwART. 2010 .

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Cultura musical. Características del concepto de "cultura musical", la estructura de la cultura musical de los niños en edad preescolar, las fuentes de la cultura musical.

La cultura musical de la sociedad es la unidad de la música y su funcionamiento social.

Este es un sistema complejo que incluye:

1) valores musicales creados o preservados en una sociedad determinada,

2) todo tipo de actividades para la creación, almacenamiento, reproducción, distribución, percepción y uso de valores musicales,

3) todos los sujetos de este tipo de actividad, junto con sus conocimientos, habilidades y demás cualidades que aseguren su éxito,

4) todas las instituciones e instituciones sociales, así como las herramientas y equipos al servicio de esta actividad.

La cultura musical es de naturaleza espiritual y material. Su contenido principal está formado por imágenes musicales y otros fenómenos de la conciencia musical pública (intereses, ideales, normas, visiones, gustos, etc.).

Considere el concepto de cultura musical de los niños en edad preescolar.

DB Kabalevsky asoció la cultura musical de la personalidad del niño con la comprensión espiritual del arte musical. Él creía que la alfabetización musical, de hecho, es una cultura musical, que se manifiesta en las cualidades de la percepción musical:

La capacidad de percibir la música como un arte figurativo vivo, nacido de la vida e indisolublemente ligado a la vida;

Un "sentido de la música" especial, que te permite percibirla emocionalmente, distinguir lo bueno de lo malo en ella;

La capacidad de determinar la naturaleza de la música de oído y sentir la conexión interna entre la naturaleza de la música y la naturaleza de su ejecución.

Yu.B. Aliyev bajo la cultura musical de la personalidad del niño significa experiencia social y artística individual, lo que provoca la aparición de altas necesidades musicales. La cultura musical es entendida como una propiedad integradora del individuo, cuyos principales indicadores son:

Desarrollo musical (amor por el arte musical, actitud emocional hacia él, la necesidad de varias muestras de música artística, observación musical;

Educación musical (armamento con los métodos de la actividad musical, crítica de arte, actitud emocional y de valor hacia el arte y la vida, "apertura" a la nueva música, nuevos conocimientos sobre el arte, desarrollo de ideales musicales y estéticos, gusto artístico, actitud crítica selectiva hacia varios fenómenos musicales).

OP Radynova considera que la cultura musical de un niño en edad preescolar es una cualidad personal integradora que se forma en el proceso de educación y capacitación sistemática y decidida basada en la capacidad de respuesta emocional a obras de arte musical altamente artísticas, pensamiento e imaginación musical-figurativos, la acumulación de entonación. experiencia de valor cognitivo en la actividad musical creativa, desarrollo de todos los componentes de la conciencia musical y estética: emociones estéticas, sentimientos, intereses, necesidades, gusto, ideas sobre el ideal (dentro de los límites accesibles a la edad), dando lugar a lo emocional y evaluativo actitud del niño hacia la música, actualizada en las manifestaciones de la actividad estética y creativa.

El núcleo del concepto de "cultura musical de un niño en edad preescolar" es la respuesta emocional a las obras de arte musical altamente artísticas, que desempeña el papel de una evaluación positiva inicial para el niño y contribuye a la formación del interés por la música, el comienzo del gusto. e ideas sobre la belleza.

Detengámonos en las características del concepto de "cultura musical de los niños en edad preescolar" y analicemos su estructura.

La cultura musical de los niños puede considerarse como una subcultura específica de un determinado grupo social (niños en edad preescolar).

Tiene dos componentes:

1) la cultura musical individual del niño, incluida su conciencia musical y estética, conocimientos musicales, destrezas y habilidades que se han desarrollado como resultado de la actividad musical práctica;

2) la cultura musical de los preescolares, que incluye obras de arte musical popular y profesional utilizadas en el trabajo con niños, la conciencia musical y estética de los niños y diversas instituciones que regulan la actividad musical de los niños y satisfacen las necesidades de su educación musical.

El niño adopta el volumen de la cultura musical de la sociedad correspondiente a la edad preescolar en la familia, el jardín de infancia, a través de los medios de comunicación, las instituciones musicales y culturales.

La influencia de la familia en la formación de los inicios de la cultura musical del niño está determinada por sus tradiciones, la actitud de los miembros de la familia hacia el arte musical, la cultura general e incluso el acervo genético.

El papel del jardín de infancia se manifiesta a través de las cualidades personales y profesionales del maestro-músico, su talento y habilidad, el nivel cultural general de los educadores y todo el personal docente, a través de las condiciones que crearon.

Las instituciones públicas (medios de comunicación, sindicatos creativos musicales, instituciones musicales y culturales, etc.) organizan diversas actividades musicales para niños, la creación, reproducción y almacenamiento de obras musicales, y la investigación científica.

La base de la cultura musical del niño puede considerarse su conciencia musical y estética, que se forma en el proceso de la actividad musical.

Con la ayuda de la conciencia musical y estética (la actitud estética de una persona hacia la música), se comprenden las obras musicales, las propias impresiones de ellas. Al desarrollarse en la actividad musical, ayuda a una persona a percibir el contenido de una pieza musical y determinar su significado para sí mismo.

Para una percepción completa, el oyente necesita experimentar una pieza musical, ser capaz de distinguir entre los principales medios de expresión musical, tener experiencia musical y alguna información sobre la música. La conciencia musical se eleva gradualmente a un nivel superior, si el niño tiene interés en la actividad musical, dada la actitud hacia la percepción de la música, si el niño es capaz de evaluar el trabajo sonado, dar su propio juicio, aunque elemental. El principal medio por el cual se forma la conciencia musical y estética y la cultura musical en su conjunto es la música misma.

Con base en las disposiciones de la psicología sobre el papel de la actividad en el desarrollo de la personalidad, se pueden distinguir varios componentes en la estructura de la cultura musical del niño (Fig. 1).

Figura 1. La estructura de la cultura musical del niño.

Los componentes de la estructura de la cultura musical del niño incluyen: experiencia musical, alfabetización musical, que D.B. Kabalevsky llama "cultura esencialmente musical" y que, en efecto, es su núcleo, su expresión significativa, y su desarrollo musical y creativo.

La experiencia musical, según L.V. Shkolyar, el más visible, la primera "capa" de la cultura musical. Le permite juzgar los intereses musicales del niño, sus pasiones, la amplitud de la perspectiva musical y de vida. La experiencia de percepción de la música y su ejecución testimonia la orientación (o falta de ella) en los valores del acervo musical del pasado (clásicos, folclore musical) y en la vida musical moderna circundante. Los criterios para tener experiencia pueden ser: el nivel de conocimiento general de la música, la presencia de interés, ciertas pasiones y preferencias, los motivos para llevar al niño a tal o cual música (lo que el niño busca en ella y lo que espera de eso).

Los parámetros de alfabetización musical están relacionados con las cualidades de percepción de las obras musicales. Esta es una capacidad individual-personal de percibir la música como un arte vivo, figurativo, nacido de la vida e indisolublemente ligado a la vida; un "sentido de la música" especial, que te permite percibirla emocionalmente, distinguir lo bueno de lo malo en ella; la capacidad de determinar la naturaleza de la música de oído y sentir la conexión interna entre el contenido de la música y la naturaleza de su interpretación; así como la capacidad de identificar de oído al autor de música desconocida, si es característica de este autor.

El desarrollo musical y creativo del niño (el tercer componente) es considerado en el sistema integral de la cultura musical como la capacidad de creatividad y autodesarrollo. La creatividad es un indicador del desarrollo de una persona, y en la música es el indicador más alto del dominio del arte musical de una persona. La creatividad musical se manifiesta como autoconocimiento, autoexpresión y autoafirmación en su unidad. La necesidad de autoexpresión se manifiesta cuando el niño manifiesta su actitud ante los ideales morales y estéticos contenidos en el arte; el autoconocimiento se manifiesta cuando un niño explora su mundo espiritual a través de la música, y la autoafirmación - cuando a través del arte musical se declara, sobre la riqueza de su sensualidad, sobre su energía creativa.

http://otveti-examen.ru/pedagogika/12-metodika-muzykalnogo-razvitiya.html?showall=1&limitstart

UNIVERSIDAD ESTATAL DE CULTURA Y ARTES DE MOSCÚ

Instituto de Estudios Culturales y Museología

IMPACTO DE LA CULTURA MUSICAL MODERNA EN LA PERSONALIDAD

(POR EL EJEMPLO DEL ROCK AND ROLL)

trabajo de curso

Completado por: Volkova E.O.

Estudiante 1er año grupo 126

Consejero científico:

leontief

Moscú 2009

Introducción…………………………………………………………………………………………3

Capítulo I . Particularidades de la música. ¿Qué es la cultura musical? .............................4

Capítulo Yo . La historia del rock and roll………………………………………………..……..........7

Capítulo tercero . Personajes ilustres de los años sesenta…………………………………………...12

Capítulo IV . La influencia de la música rock en el cuerpo humano……………………………….16

Capítulo V . El impacto negativo del rock and roll……………………………………………….19

Capítulo VI . Aspectos positivos de la música rock……………….................................. ..........21

Conclusión…………………………………………………………………………………….23

Lista de fuentes y literatura

Introducción.

El propósito de este trabajo es un intento de estudiar la influencia de la música en la personalidad. Gran parte de este trabajo está dedicado a examinar la influencia de la música rock en la juventud de los años 60. Me gustaría explorar en detalle el desarrollo de la música rock and roll en diferentes países. También en este trabajo me gustaría averiguar qué papel juega la música que escuchamos todos los días en la vida de cada uno de nosotros y cómo la cultura musical que seguimos afecta nuestro estilo de vida, nuestra cosmovisión, nuestra cosmovisión. Quisiera aclarar esta cuestión, considerando los años 60 de la vida de USA e Inglaterra, porque fue en esta época que se produjo la “revolución musical” en estos países, con lo que me refiero al surgimiento del rock and roll y aquellos grupos que podrían dejar una gran huella en la música. Me gustaría resolver el problema que he planteado analizando las biografías de figuras musicales famosas de los años 60.

Se sabe que en el período de desarrollo de la adolescencia, la cultura musical alcanza un cierto nivel. Los jóvenes desarrollan su propio gusto musical, aparece su propio círculo de intereses y preferencias musicales, que poco a poco va adquiriendo estabilidad. Las observaciones de muchos nos permiten decir que la mayoría de los jóvenes de hoy son apasionados por la música rock. El rock es la realidad social de nuestro tiempo. La música contemporánea se percibe como un área separada del arte musical que existe de forma autónoma.

El trabajo consta de una introducción, seis capítulos, una conclusión y una lista de referencias. El primer capítulo está dedicado a definir el papel y el lugar de la música en la vida de la juventud moderna ya identificar el concepto de "cultura musical". El segundo capítulo trata sobre el origen del rock and roll, su desarrollo en diferentes países y da sus características en su conjunto. El tercer capítulo brindará datos de la vida de personas famosas que tocaron música rock y también jugaron un papel importante en la vida de su país. En los últimos tres capítulos, se considerarán los aspectos negativos y positivos del rock and roll como cultura musical.

Capítulo I

Particularidades de la música. ¿Qué es la cultura musical?

En la sociedad moderna, la música ocupa un lugar especial, lejos del último lugar. Incluso los filósofos antiguos describieron la influencia positiva de la música en una persona. Aristóteles argumentó que con la ayuda de la música se puede influir en la formación del carácter humano de cierta manera. Avicena llamó a la música un tratamiento no farmacológico junto con la dieta. En India, los cantos nacionales se realizan como profilaxis en muchos hospitales. La música tiene un impacto significativo en el comportamiento, la vida y la salud de las personas. La música y su ritmo fueron ampliamente utilizados durante los rituales y otras actividades de culto. Un ejemplo bastante llamativo de esto es la práctica chamánica conocida entre diferentes pueblos del mundo. Los golpes rítmicos especialmente seleccionados de la pandereta del chamán contribuyeron a la entrada en estados especiales de conciencia tanto del chamán como de los demás participantes.

El mundo en el que vivimos está lleno de varios sonidos naturales y artificiales, pero los sonidos en sí mismos no son música. La música surge cuando una persona comienza a organizar estos sonidos. Cualquier música que escuchamos todos los días no solo puede entretener y deleitar nuestros oídos, sino que también esta música tiene la capacidad de tener un impacto notable (tanto positivo como negativo) en el estado psicoemocional y físico de una persona. En la sociedad moderna, la música se define por los conceptos: "de moda" o "no de moda". En la antigüedad, la música desempeñaba un papel relajante y entretenido, pero ahora su significado ha cambiado significativamente. Con la invención de la grabación de sonido, la música se convierte en una mercancía que se puede comprar o vender. Este producto, a su vez, crea un mercado que le permite obtener grandes ganancias. Había una gran cantidad de estaciones de radio que transmitían solo música. En 1981, apareció la televisión musical MTV en los Estados Unidos, transmitiendo las 24 horas del día. Por lo tanto, la música es una parte integral de la vida humana. Ahora hay una gran cantidad de diferentes géneros, direcciones y estilos de música. En la sociedad moderna, no existe un género musical líder. Las diferencias no están en la música en sí, sino en su oyente. Los géneros musicales tienen diferentes espectros de valores que determinan su percepción por parte del público como fenómenos asociados no solo al arte, sino también a la vida real. En mi opinión, cada oyente es individual, cada persona percibe algo a su manera. La música es capaz de transmitir de manera convincente el estado emocional de las personas.

La cultura musical es un conjunto de valores musicales, la distribución y el almacenamiento de los mismos. En mi opinión, la música en la sociedad moderna no es solo entretenimiento, también es un medio de autoexpresión. Sobre la base de la música, las personas, y con mayor frecuencia los jóvenes, se unen en varias subculturas, encontrando su propia especie. Pero ese papel lo juega la música que se opone al gusto de las masas.

Los principales elementos y medios expresivos de la música son la melodía, el ritmo, la métrica, el tempo, la dinámica, el timbre, la armonía, la instrumentación y mucho más.

La música, en mi opinión, es el arte más simbólico de todos, porque influye en una persona y su psique sin usar palabras ni imágenes visuales. La música es considerada uno de los modos más elevados de pensamiento simbólico. Según el filósofo Attali, “la música son las vibraciones y los símbolos de la sociedad revestidos de sonidos”. En la mitología griega, la palabra "música" está asociada con las Musas, las nueve hijas de Zeus y la diosa de la memoria Mnemosyne. Las Musas, a excepción de Urania y Clio, están asociadas con el canto, el baile y la música. Cantan las hazañas de los dioses y conocen el pasado, el presente y el futuro. Otra tradición vincula a las Musas con el músico mágico Orfeo.

Todos los días, la mayoría de nosotros escuchamos música diferente, incluso cuando no lo hacemos intencionalmente, tenemos que escucharla, por ejemplo, en un automóvil, autobús, supermercado, cine, en la calle, en una discoteca, en un bar o restaurante - dondequiera que estemos, estamos acompañados por el sonido de la música. Al mismo tiempo, casi nadie puede pensar en el gran impacto que tiene en nuestro mundo interior y su expresión exterior, es decir, comportamiento. Con su ritmo, melodía, armonía, dinámica, variedad de combinaciones de sonido, la música transmite un sinfín de sentimientos y estados de ánimo. Su fuerza radica en el hecho de que, ignorando la mente humana, penetra directamente en el alma, en el subconsciente y crea el estado de ánimo de una persona. Según su contenido, la música puede evocar una variedad de sentimientos, impulsos y deseos en una persona. Puede relajar, calmar, vigorizar, irritar, pero estas son solo aquellas influencias que nuestra mente reconoce. Al mismo tiempo, regulamos nuestro comportamiento en función de la calidad de esta influencia. Todo esto sucede conscientemente, con la participación del pensamiento y la voluntad. Pero hay influencias que pasan precisamente “por” nuestra conciencia, asentándose en las profundidades de nuestro cerebro y constituyendo una proporción significativa de todos nuestros significados y motivos. Por supuesto, no se puede exagerar el papel de la música en la construcción del "yo" humano y su comportamiento: hay muchos factores, tanto externos como internos, que influyen en nuestro mundo interior. Pero no se puede negar el hecho de la participación de la música en la formación de la conciencia.

Muchos de los jóvenes de hoy, teniendo en cuenta toda la variedad de géneros musicales, tratando de demostrar su rico mundo interior y su alteridad, dan preferencia a aquellos géneros que de alguna manera van en contra de las normas aceptadas en la sociedad. Estos géneros incluyen el rock, que tiene muchas manifestaciones (hard rock, punk rock, art rock). El rock se originó en Occidente a principios de los años 60, bajo el nombre rock and roll.

Capítulo Yo

Historia del rock and roll

Rock and roll (Rock and roll) - traducido literalmente del inglés como "swing and spin". Este es uno de los géneros de música popular que se originó en Estados Unidos en la década de 1950 y fue una etapa temprana en el desarrollo de la música rock. También es un baile realizado con la música del rock and roll y una composición musical al estilo del rock and roll. El rock and roll se caracteriza por un ritmo rápido, mucha jerga (principalmente negra) y libertad de interpretación musical. Los principales instrumentos son guitarra eléctrica, bajo, batería y piano.

Inicialmente, el término "rock and roll" fue acuñado por Alan Fried de Cleveland (un disc jockey de una de las estaciones de radio estadounidenses). A principios de los años 50 en los EE. UU., había una canción popular en el estilo de rhythm and blues, en la que había una frase como: "We" ll rock, we "ll roll", que significa aproximadamente "we will rock, we will spin ". Esta frase fue utilizada por Alan Freed, describiendo con ella la nueva música que transmitía en la radio. La palabra "rock and roll" entró en uso de inmediato. Alan Fried no solo inventó el término "rock and roll", sino que también promovió vigorosamente un nuevo estilo musical. Al convertirse en una celebridad, protagonizó varias películas, la más famosa de ellas "Dance rock around the clock", en la que participó Bill Haley. Pero al final, Fried en 1960 fue condenado a prisión por su soborno activo y murió de alcoholismo.

El rock and roll fue el resultado de una mezcla de diferentes estilos de música comunes en ese momento en Estados Unidos. Casi simultáneamente, independientemente unos de otros, desconocidos músicos blancos y negros del sur de Estados Unidos comenzaron a mezclar el rhythm and blues, el boogie-woogie y el country, logrando sonidos hasta entonces desconocidos. Bill Haley (el primer intérprete de rock and roll "puro") usó la jerga negra con poder y fuerza a principios de la década de 1950. en sus canciones rítmicas basadas en la música country con una mezcla de jazz y boogie-woogie. Sus dos sencillos "Rock Around The Clock" (grabado en abril de 1954) y "Shake Rattle And Roll" jugaron un papel decisivo en la popularidad masiva del rock and roll, que hasta entonces era solo un experimento musical y solo era conocido por los oyentes de estaciones de radio locales. Por supuesto, es muy difícil determinar el comienzo del origen de este estilo de música, pero los expertos suelen dar la primacía del rock and roll a la canción "Rocket 88", grabada por Ike Turner en el estudio Sam Phillips en 1951. Como resultado, el sonido clásico del rock and roll se formó en 1954-55, cuando Bill Haley, Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard y Fats Domino grabaron las canciones que sentaron las bases de esta dirección. Presley experimentó audazmente con el country y el blues, Fats Domino finalmente demostró que su piano boogie woogie de Nueva Orleans era rock and roll; Los ritmos vertiginosos y los gritos frenéticos del pianista Little Richard son la quintaesencia de la naturaleza rebelde del rock, mientras que los acordes de guitarra y las letras ingeniosas de Chuck Berry son ejemplos de innumerables imitaciones.

Otra persona que dejó su huella en la creación del rock and roll es Little Richard, un cantante negro de rhythm and blues. En 1973, declaró que él era el fundador del rock and roll, al igual que Ford fue el fundador de Ford. Little Richard afirmó que fue él quien primero aceleró el ritmo del rhythm and blues y se hizo conocido como rock and roll.

Pero a pesar del ritmo acelerado de desarrollo del rock and roll hasta 1954, su popularidad no fue más allá de varios estados. El verdadero éxito se produjo después de la aparición en las pantallas de cine de la imagen "Slate Jungle" sobre pandillas de adolescentes en edad escolar. La acción de la película fue acompañada por la música interpretada por la Orquesta de Bill Haley. Bill ya tenía más de treinta años y los adolescentes lo clasificaban como una generación mayor y querían ver a sus compañeros en la pantalla. Y luego sale Elvis. Elvis Presley encajaba a la perfección en los estándares de Hollywood y, además, era dueño de una voz sobresaliente. Su actuación se caracterizó por un dinamismo y temperamento excepcionales. Él sigue siendo el epítome del rock and roll. Aunque no se le puede considerar el primer intérprete de rock and roll, la historia del nuevo estilo se calcula desde el momento en que Elvis Presley apareció en el escenario. A partir de ese momento, el rock and roll comenzó a desarrollarse, por así decirlo, a su propio ritmo: la demanda de discos creció cada año y las letras se volvieron más sociales, problemáticas. Elvis Presley, apodado el "Rey del Rock and Roll", tuvo una gran influencia musical y estilística en la generación más joven, no solo en Estados Unidos, sino en todo el mundo.

Tras el éxito comercial sin precedentes de Presley, el rock and roll se convirtió inmediatamente en objeto de interés del cine, así como de las principales discográficas. En 1956-57. El rock and roll se repuso con nuevas estrellas: Carl Parkins, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Eddie Cochran, que demostraron técnicas de interpretación innovadoras y tuvieron una influencia aún mayor en la próxima generación de músicos. Link Ray ocupó un lugar especial en la historia del rock and roll instrumental, cuya composición "Rumble" tuvo un gran impacto en el desarrollo de la música de guitarra posterior. A fines de la década de 1950, los discos de rock and roll se encontraban entre los más populares de los Estados Unidos.
El desarrollo del rock and roll fue rápido, pero también se encontró rápidamente al borde del agotamiento: Little Richard dejó la música pop ya en 1957, dos años después de su primer éxito; Elvis Presley fue reclutado por el ejército durante dos años y, a su regreso en 1960, estaba más preocupado por su carrera cinematográfica; Buddy Holly, Ritchie Valens y Eddie Cochran murieron en 1959-60; Chuck Berry fue sentenciado a prisión. Otros cantantes comenzaron a dominar estilos extraños (country, rythm and blues, etc.). Paralelamente, hubo muchos artistas comercialmente exitosos, pero hicieron poco para contribuir al desarrollo musical.

A principios de la década de 1960. el rock and roll se encontraba en una etapa de desarrollo sin salida y solo fue posible darle vida con la "invasión británica" (The Beatles) de mediados de la década de 1960. Casi todos los éxitos del rock and roll de los años 50. (especialmente Chuck Berry y Little Richard) han sido versionados por bandas británicas. En este momento, aparece el término "rock".

A principios de la década de 1960, la juventud británica que había crecido con el blues estadounidense comenzó a inventar y componer su propio estilo. Bandas como The Rolling Stones y The Who contribuyeron al nacimiento de un nuevo sonido, nuevas ideas y un nuevo movimiento en la música, a saber, el rock. En cualquier entorno creativo, siempre existe la necesidad de desarrollarse, de buscar algo nuevo. Desde 1966, la dirección del art rock se ha vuelto bastante popular, lo que posteriormente impresionó a todo el mundo. Representantes destacados de este movimiento fueron Andy Warhol y Welwit Underground, Pink Floyd y David Bowie.

El año 1975 ocupa legítimamente un lugar especial en la historia del rock and roll. Fue en este momento cuando las dos reconocidas capitales mundiales del rock, Nueva York y Londres, están perdiendo terreno, y los jóvenes músicos de ambos lados del Atlántico están ganando impulso, con ganas de insuflar nueva fuerza al rock. Quizás este proceso se reflejó más claramente en el trabajo de equipos como Patti Smith, Ramones, The Sex Pistols y The Clash. Como resultado de estos experimentos audaces e intransigentes, el mundo ha sido testigo del nacimiento de la tercera generación del rock and roll: el punk rock.

En 1965, en la capital industrial de Inglaterra, Birmingham, se produjo un accidente que cambió para siempre la historia del rock. Al joven guitarrista Tony Iron le cortaron las yemas de los dedos de la mano derecha con una máquina herramienta. Después de eso, el chico no perdió la esperanza de jugar: insertó placas de metal en sus dedos, como resultado de lo cual el sonido comenzó a sonar más fuerte, más fuerte, más duro y más agresivo. Esto provocó una resonancia inaudita entre los músicos, desde ese momento todos intentaron reproducir este sonido. El "heavy metal" se ha convertido en un fenómeno mundial en la historia del rock. La dirección continúa desarrollándose hoy. Quizás los representantes más destacados de esta generación sean Deep Purple, Iron Maiden y Metallica.

A principios de los 70, el rock suena con tal potencia que surge la oportunidad y la necesidad de escucharlo en los estadios. Led Zeppelin es el primero en dar un paso tan audaz. Pronto, los miembros de la banda descubren que su música no solo se escucha en todo el mundo, sino que también puede generar muchos cambios en ella. Varios artistas celebran la era del rock de estadio: Led Zeppelin, Kiss, The Police, Queen y Dire Straits.

A principios de los 90, Seattle se convierte en la capital musical del mundo y al mismo tiempo aparecen nuevos reyes del rock alternativo. Kurt Cobain, cantante principal de Nirvana, se está convirtiendo verdaderamente en la voz de una generación. Pronto varias bandas más se unen al rock alternativo. El legado de Kurt Cobain y R.E.M., Black Flag, Pearl Jam, Sonic Youth aún influye en el rock actual. Todos los días estoy rodeado de esas personas que sacrificarían mucho para poder escuchar a los miembros de estas bandas en vivo.

A principios de los 80, la dirección indie sigue siendo un profundo misterio en la música británica. Incluye una serie de artistas como The Smiths y Oasis. Estos intérpretes en un principio no gozaron de gran popularidad, pero al cabo de unos años su triunfo se vuelve tan completo que es difícil dar cabida a todos los fans en los conciertos. Y la nueva ola de bandas de Manchester The Libertines, Franz Ferdinand, Blur, Kaiser Chiefs y Arctic Monkeys no solo consolida la posición de "indie", sino que también eleva esta dirección a la cima de la música rock.

Ahora todo el mundo celebra el Día Mundial del Rock and Roll el 13 de abril. Fue en este día en 1962 que los Beatles actuaron en el Star Club de Hamburgo.

De la historia del rock and roll en la URSS.

El rock and roll llegó a la Unión Soviética después del Festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes de 1957. Joseph Stalin murió un año antes del nacimiento del rock and roll. En este momento, comenzó un período de deshielo en la Unión, todo comenzó a revivir. El primer paso fue revivir la radio, que en ese momento todavía funcionaba por cable. Y después de un largo descanso, una música ligera sonó a través de estos cables arcaicos. Hasta entonces, por regla general, solo sonaban en el aire conjuntos de instrumentos populares rusos, música clásica y cantos georgianos. Poco a poco se llegó a tocar tango, foxtrot, rumba en la radio, todo lo que antes se consideraba inaceptable. Los coleccionistas desarrollaron una fascinación por los discos extranjeros de boogie-woogie. Eran caros, era bastante difícil encontrarlos, por lo que cada vez se distribuían más en discos caseros.

Cuando, después de 1959, aparecieron a la venta los primeros discos de larga duración, incluidos los discos de Bill Haley, la gente musical finalmente pudo ver la cara de su ídolo, impresa en las fundas de los discos de larga duración.

Por primera vez, "Rock Around the Clock" sonó en la radio de San Petersburgo en 1957 durante la transmisión de una actuación estudiantil del Instituto LETI llamada "Primavera en LETI". Y sin embargo, entonces, el rock and roll solo podía faltar en la radio en forma de parodia.

El rock and roll trajo un gran impulso al ambiente juvenil de aquellos años, que continúa hasta el día de hoy.

Capítulo tercero

Personajes ilustres de los años sesenta.

Hablando de los personajes ilustres de los años sesenta, me refiero a aquellos músicos que tocaban rock and roll, que no sólo tocaban su música, sino que aportaban al desarrollo de la cultura musical ya la vida de su país. Estas eran las personas en quienes la juventud (tanto la moderna como la de entonces) creían y orgullosamente trataban de ser como ellos. Me gustaría hablar de Chuck Berry, Mick Jagger y John Lennon.

Chuck Berry.

Chuck Berry es llamado el "rey negro" del rock and roll. Generalmente se acepta que el músico combinó la música negra, el blues, con la música blanca, la música country, y el resultado fue el rock and roll. Aquí hay citas del propio músico:
“Por Dios, no importa si eres negro o blanco”, replicó el músico, “pero en la música lo único que importa es si sabes tocar o no. Había buenos músicos negros y había buenos "Los blancos. El jazz fue interpretado tanto por blancos como por negros. En cuanto al rock n-roll, es mucho más importante que trajera un nuevo impulso y sonido. Expandiera las posibilidades de autoexpresión. La música en sí es capaz de unir a las personas. "
Con éxitos de Berry como "Rock and roll music", "Roll over Beethoven" y "Johnny B Goode", el rock and roll finalmente se apoderó del mundo en los años 60. Tuvo una gran influencia en el trabajo de "The Beatles" (con el cantante principal John Lennon) y "The Rolling Stones" (cuyo frente es Mick Jagger).
Chuck Berry comenzó a actuar en los años 50 del siglo XX y, para sorpresa de sus fanáticos, todavía está alegre y realiza giras regulares con conciertos, aunque el músico ya tiene 80 años. "Toco la guitarra todos los días y ensayo mucho. Les enseño a tocar a mis músicos. Les enseño a tocar a mis hijos. Tengo muchos conciertos".

Por lo tanto, con base en esta información, se puede concluir que Chuck Berry pudo reducir las tensiones raciales con su música al combinar la música de negros y blancos.

Mick Jagger

Mick Jagger es un legendario músico de rock inglés, actor, productor y líder de los Rolling Stones. El hombre dueño de la mundialmente famosa frase "Sexo, drogas y rock and roll". La imagen creada por Jagger en el escenario es única: su voz, a veces áspera, a veces femenina y suave, labios gruesos, sonrisa lujuriosa, provocando sexualidad en el comportamiento frente a una multitud de miles, agresión, energía y al mismo tiempo. , tonterías y travesuras: todo esto hizo que Jagger sea uno de los líderes de rock más populares. Los Rolling Stones son una banda de rock que ha seguido actuando y grabando durante más de 30 años. Longevidad fenomenal. Su contribución al rock mundial no se puede subestimar, los Rolling Stones han sido durante mucho tiempo figuras de culto. En la ola de éxito rotundo, los músicos tuvieron problemas: las drogas. Casi todo 1967 estuvo marcado por litigios por los delitos de Mick Jagger, Keith Richard, Brian Jones, relacionados con el consumo de drogas. La sentencia fue lo suficientemente severa: tres meses de prisión. Sin embargo, en este caso se interpuso recurso de apelación y se cambió la sentencia a libertad condicional.

Los méritos de Jagger en el campo musical fueron muy apreciados: con motivo del 60 aniversario, la reina Isabel II nombró caballero a Jagger. En una entrevista, Mick Jagger, comparando 1968 y 1998, dijo que antes en la trinidad "Sexo, drogas y rock and roll" el sexo estaba en primer lugar, y ahora las drogas están en su lugar. Jagger ahora ha anunciado que dejará de beber, fumar y tomar drogas. El motivo de esta decisión fue la preocupación por su propia salud.

A pesar del reconocimiento mundial, la personalidad del famoso rockero no solo evoca emociones positivas. Según una encuesta realizada por la revista Blender, Sir Mick Jagger ocupa actualmente el puesto 13 en la lista de los 50 peores músicos de la historia de la música moderna.

Un músico como Mick Jagger pudo hacer una gran contribución al desarrollo de la música rock. Su música sigue siendo popular hasta el día de hoy. También presentó un signo negativo de la música rock: estas son drogas que podrían arruinar su salud y reputación.

John Lennon

La contribución de John Lennon como parte de The Beatles, así como por separado del grupo legendario, a la cultura mundial difícilmente puede sobreestimarse. Junto con McCartney y Harrison, elevó el trabajo de sus colegas estadounidenses, los vocalistas de rock, a un nuevo nivel artístico. En los EE. UU., solo Elvis Presley, Ritchie Valens y algunas otras estrellas del rockabilly se tomaron realmente en serio el desarrollo y la interpretación de partes vocales. Los Beatles siempre han hecho esto, por lo que sus versiones de artistas estadounidenses suenan mucho más expresivas y técnicas que las mismas canciones en el original. La mayoría de los artistas de rock and roll de aquellos tiempos cantaban exclusivamente "sobre el amor roto y los nervios alterados". Los Beatles fueron de los primeros en alejarse de los temas pop, convirtiendo las canciones en verdadera poesía y/o planteando en ellas graves problemas sociales e incluso políticos.

Además, la obra de The Beatles se distinguió por la humanidad, la festividad, el positivismo, de lo que siempre ha carecido el arte occidental. Lennon y otros músicos de los Liverpool Four estaban llenos de un amor sincero por sus oyentes, y lo sentían. Y, probablemente, incluir esto explica el gran éxito de The Beatles. John Lennon era una persona muy sincera y nunca ocultó sus puntos de vista. Esta era su fuerza, pero precisamente por esto, él, aparentemente, no pudo vivir hasta el día de hoy. El período de actividad política de John Lennon duró de 1968 a 1972. En este momento, Lennon ya había tomado una posición muy definida -abogó por la paz mundial, e incluso devolvió la Orden del Imperio Británico a la Reina- en protesta por la política exterior del país. En 1969, pertenecen las primeras acciones políticas públicas de Lennon, junto a Yoko Ono. El 15 de diciembre de 1969, los Lennon organizaron un concierto contra la guerra bajo el lema "La guerra terminará si tú la quieres". Inmediatamente después de mudarse al extranjero, Lennon se involucró en la vida política de los Estados Unidos. Abogó por el empoderamiento de los indios con derechos civiles, por la mitigación de las condiciones carcelarias, por la liberación de John Sinclair, uno de los líderes de la juventud estadounidense, quien fue sentenciado a 10 años de prisión por posesión de marihuana.

El gran músico John Lennon, con sus canciones y actuaciones demostró al mundo entero que la gente debe luchar por la paz y la libertad.

Capítulo IV

La influencia de la música rock en el cuerpo humano

Como saben, no todas las direcciones musicales tienen un efecto positivo en el cuerpo humano, así que echemos un vistazo más de cerca a la influencia de la música rock. Este estilo musical tiene sus propias características distintivas o medios para influir en la psique:

1. Ritmo duro

2. Repeticiones monótonas

3. Volumen, súper frecuencias

4. Efecto de luz

El ritmo es una de las formas fuertes de influir en el cuerpo humano. El culto vudú usaba un ritmo especial que, con una secuencia especial de ritmo musical y encantamientos durante los rituales paganos, podía poner a una persona en un estado de trance o éxtasis. Un sistema de ritmos bien pensado controlaba el cuerpo humano y la psique, como una herramienta en manos de los sacerdotes vudú. Los negros estadounidenses que adoptaron estos ritmos los usaron como música de baile, pasando gradualmente del blues a ritmos más pesados.

La percepción del ritmo musical está asociada a las funciones del audífono. El ritmo dominante primero captura el centro motor del cerebro y luego estimula algunas de las funciones hormonales del sistema endocrino. Pero el golpe principal está dirigido a aquellas partes del cerebro que están estrechamente relacionadas con las funciones sexuales de una persona. Las bacantes usaban el tamborileo para volverse frenéticas, y en algunas tribus, las ejecuciones se llevaban a cabo con la ayuda de ritmos similares.

La psicóloga y musicóloga estadounidense Janet Podell escribe: "El poder del rock siempre se ha basado en la energía sexual de sus ritmos. Estos sentimientos en los niños asustaban a sus padres, quienes veían el rock como una amenaza para sus hijos y, por supuesto, tenían razón. Rock and roll y tú capaz de hacerte mover, bailar para que te olvides de todo en el mundo.

Se debe prestar especial atención a la influencia de las frecuencias utilizadas en la música rock, que tienen un efecto especial en el cerebro. El ritmo adquiere propiedades narcóticas cuando se combina con frecuencias ultrabajas (15-30 hercios) y ultraaltas (80.000 hercios).

Un exceso de frecuencias tanto altas como bajas daña gravemente el cerebro. En los conciertos de rock, las contusiones sonoras, las quemaduras sonoras, la pérdida de la audición y la pérdida de la memoria no son infrecuentes.

Nuestro oído está sintonizado para percibir un sonido normal a 55-60 decibelios. El sonido fuerte será de 70 decibelios. Pero al pasar todos los umbrales de la percepción normal, un sonido de gran intensidad provoca un estrés auditivo increíble. El volumen de sonido en el sitio, donde se instalan paredes con altavoces potentes, que se utilizan durante los conciertos de rock, alcanza los 120 dB, y en el medio del sitio hasta 140-160 dB. (120 dB corresponde al volumen del rugido de un avión a reacción que despega en las inmediaciones, y los valores medios para un jugador con auriculares son 80-110 dB). Durante tal estrés sonoro, la hormona del estrés adrenalina se libera de los riñones (glándulas suprarrenales). Este proceso ocurre en cada situación estresante. Pero el impacto del estímulo no cesa y se produce una sobreproducción de adrenalina, que borra parte de la información impresa en el cerebro. Una persona simplemente olvida lo que le pasó o lo que estudió, y se degrada mentalmente. No hace mucho, los médicos suizos demostraron que después de un concierto de rock, una persona se orienta y reacciona a un estímulo 3,5 veces peor de lo habitual.

Entonces, todo el arsenal técnico del rock está dirigido a tocar el cuerpo humano, su psique, como si fuera un instrumento musical. La música rock resultó ser capaz de cambiar por completo las características individuales de una persona. Afecta simultáneamente el centro motor, las esferas emocional, intelectual y sexual de la actividad humana.

¿Cuáles son las consecuencias del impacto de la música rock en el comportamiento del oyente?

Como se señaló anteriormente, cada sonido o trabajo tiene su propio "camino auditivo" y la reacción en el cambio del comportamiento humano depende de esto. Si las células nerviosas asociadas con las emociones negativas están involucradas, esto se refleja inmediatamente en el comportamiento.

Los siguientes son los posibles efectos de la música rock en el cerebro humano:

1. Agresividad.

2. Furia.

4. Depresión.

5. Miedos.

6. Acciones forzadas.

7. Un estado de trance de varias profundidades.

8. Tendencia suicida. En los adolescentes, esta tendencia comienza a manifestarse a partir de los 11-12 años, pero al escuchar música rock, esta característica de la psique adolescente se provoca o se intensifica mucho a una edad más avanzada).

9. Sexo antinatural y forzado.

10. Incapacidad para tomar decisiones claras.

11. Movimiento muscular involuntario.

12. Manía musical (el deseo de sonar constantemente música rock).

13. Desarrollo de inclinaciones místicas.

14. Alienación social.

Esto, por supuesto, no significa en absoluto que una persona que ama apasionadamente el rock posea necesariamente todas estas cualidades, simplemente tiene una predisposición mucho mayor a ellas, y con una combinación adecuada de otros factores, seguramente estará sujeto a esta influencia. . Por cierto, la música rock también puede cambiar las ideas y los valores religiosos (especialmente en la infancia, cuando aún no están completamente formados), así como estimular en una persona el deseo de autorrealización, autorrealización, individualismo y exclusión. en sociedad.

Todo esto puede considerarse, por supuesto, como uno de los aspectos negativos de esta cultura musical. El resto de los efectos negativos de la música rock sobre la personalidad me gustaría considerarlos en el próximo capítulo.

Capítulo V .

El impacto negativo del rock and roll en la personalidad

En la sociedad actual, la música rock se ha convertido en un movimiento mundial con cientos de millones de seguidores. Para muchos jóvenes, la música rock se ha convertido en un estilo de vida que fomenta el libertinaje, el consumo de drogas, el alboroto y el nihilismo. No importa cómo una persona se relacione básicamente con la música rock, no puede negar el hecho de la influencia dominante de dicha música en la visión del mundo y las acciones de los jóvenes.

La evidencia muestra que la música rock estimula la promiscuidad sexual. Según el US News and World Report del 19 de marzo de 1990, "Actualmente hay 13 bandas de rock que llevan el nombre de los órganos genitales masculinos, 6 de los órganos genitales femeninos, 8 están asociadas con el aborto, una es una enfermedad uterina, 10 grupos llevan el nombre de diferentes actos sexuales, y 8 incluyen palabrotas en su nombre”. La música rock moderna está saturada de elementos de cópula extramatrimonial, adulterio, sadismo y masoquismo, homosexualidad, violación y necrofilia.

El estado de ánimo destructivo de las composiciones de rock puede dirigirse contra el oyente de música. Algunos compositores de rock predican el suicidio, a veces con insinuaciones, a veces directamente. Así, por ejemplo, el compositor Ozzy Osbourne en la canción "Suicide Solution" dice: "El suicidio es el único camino hacia la liberación".

Además del sexo y la violencia, la música rock promueve el abuso de drogas. Allá por 1969, la revista Times (26 de septiembre). comentó que "los compositores de rock consumen drogas con frecuencia y abiertamente, sus obras están saturadas de alusiones a las drogas".

Muchas de las estrellas de rock más exitosas estuvieron involucradas no solo en el ocultismo, sino también en el satanismo. Tratando de describir sus propios procesos "inspirados", John Lennon explicó: "Este estado es como una posesión, como una psicosis o un estado psíquico". Little Richard experimentó estados similares y apuntó a Satanás como su inspiración: "Fui dirigido y ordenado por otra fuerza. Era el poder de las tinieblas... en el que muchas personas ni siquiera creen". posesión, y en su honor compuso composiciones poéticas.
Todos los poemas de Jim Morrison, toda su obra está relacionada con las drogas que lo mataron.

He enumerado todos los aspectos negativos de esta cultura musical, que son los más peligrosos en mi opinión. Pero dado que esta música y sus intérpretes han sido populares durante medio siglo, también tiene una serie de aspectos positivos.

Capítulo VI .

El lado bueno de la música rock.

El rock and roll no es solo una dirección musical, es una cultura juvenil, un medio de comunicación para los jóvenes, un espejo de la sociedad. Fue creado originalmente como una forma de autoexpresión juvenil, rebeldía y protesta, negación y revisión de los valores morales y materiales del mundo.

Vemos que a lo largo de su historia, el rock and roll muestra el eterno e insoluble dilema de padres e hijos. Como medio de autoexpresión de la generación más joven, el rock and roll a los ojos de la generación mayor parece solo un entretenimiento para niños, a veces peligroso y dañino. Aunque el rock ha existido durante mucho tiempo, la generación adulta moderna ha crecido en él, pero aún hoy enfrenta los mismos problemas que al comienzo de su camino: incomprensión y rechazo. Esta circunstancia muestra bien la naturaleza espiral del desarrollo: no importa cómo nos desarrollemos, pasamos por etapas que ya han quedado en la historia.

Por supuesto, el desarrollo del rock and roll está íntimamente relacionado con el desarrollo técnico, económico, político y social. Es el desarrollo técnico lo que da impulso al desarrollo del rock. El desarrollo de la tecnología también ha llevado al hecho de que ahora casi todas las familias tienen una radio y una grabadora, lo que aumenta la influencia de la música en la sociedad. El desarrollo económico eleva el nivel de desarrollo de los ciudadanos, y por tanto eleva su educación y tienen más tiempo libre para dedicarse a la música, también mejora las condiciones laborales y la provisión de puestos de trabajo para los músicos.

En el rock and roll se manifiestan todas las leyes de la filosofía. En el hecho de que se trata de una protesta de la juventud y de la aparición de nueva música, al negar lo antiguo, se manifiesta la ley de la negación, mostrando el desarrollo de la música rock. En el surgimiento de un nuevo estilo mediante la fusión de otros estilos - la ley de la reflexión, que subyace en el desarrollo de la conciencia. En la inconsistencia del rock (oposición entre el pop rock y la música pesada), se manifiesta la ley de la unidad y la lucha de los opuestos.

El rock 'n' roll demostró ser el medio que unió a los adolescentes blancos y negros, lo que destruyó los prejuicios raciales y sociales. Dos ídolos de la juventud negra de los años 50 -Little Richard y Chuck Berry- expresaron su negativa a obedecer al movimiento racista con cada gesto escénico, con cada sonido de sus canciones.

A principios de la década de 1960, otra generación había llegado a la mayoría de edad. Los padres de estos niños lucharon activamente por la paz, la tranquilidad y la abundancia, con la esperanza de que sus descendientes no solo apreciaran sus esfuerzos, sino que también ampliaran los horizontes de este nuevo mundo. Sin embargo, los padres trajeron consigo el miedo a la guerra nuclear y el pecado del odio racial, y los ideales de igualdad y justicia simplemente fueron pisoteados en la búsqueda de la estabilidad y el éxito. No en vano, los niños cuestionaron los fundamentos morales y políticos del mundo de la posguerra; estos nuevos estados de ánimo se reflejaron en sus gustos musicales.

Pero con el tiempo, la popularidad del rock and roll comenzó a desvanecerse, dando paso a nuevos géneros, que ya se han mencionado anteriormente. Más y más ramas comenzaron a aparecer. Con la democratización paulatina de la sociedad, comenzaron a aparecer nuevos movimientos juveniles. Cada movimiento dio a luz a un nuevo estilo musical. Poco a poco, la variedad eclipsó el género original. Y en nuestro tiempo se cree que el rock and roll ha dejado de ser un género de masas y, en general, ha dejado de existir. Pero incluso ahora entre los amantes de la música hay quienes se mantienen fieles al género. Esta eterna lucha no se ha detenido ni siquiera hoy; después de todo, el rock and roll es esencialmente la música del crecimiento. El rock 'n' roll siempre sabe cómo sorprender a sus fans, al menos por un momento. Y al mismo tiempo, siempre sigue siendo un misterio para las personas en trajes de negocios, conduciendo limusinas, mirando el mundo desde lo alto de los rascacielos, para quienes la estabilidad y la previsibilidad son lo más importante. En cinco décadas tumultuosas en la escena estadounidense, el rock 'n' roll ha pasado por altibajos fenomenales y ha dado a luz a muchos grandes músicos.

Conclusión

La música es una de las formas de arte más inspiradas. Su ritmo, melodía, armonía, dinámica, variedad de combinaciones de sonido, colores y matices, la música transmite un sinfín de sentimientos y estados de ánimo. Su fuerza radica en el hecho de que, sin pasar por la mente, penetra directamente en el alma, el subconsciente y crea el estado de ánimo de una persona. Según su contenido, la música puede evocar en una persona los sentimientos más sublimes y nobles, y viceversa, los deseos más oscuros y sucios. Todo depende de la música, lo que es.
Los compositores modernos de música rock están de acuerdo en que sus obras tienen un gran poder. Su música guía la vida de personas que no conocen en absoluto. La famosa frase de Mick Jagger "Sexo, drogas, rock and roll" habla por sí sola. Esto es lo que te hace condenar el estilo de vida del rock and roll. La imposición de la promiscuidad es, de hecho, un gran inconveniente. Después de todo, cuando los músicos de rock cantan sobre la libertad y luchan por ella, ¿la perciben como permisividad? ¿Es el sexo promiscuo y las drogas la paz del mundo?

Este problema sigue siendo relevante en nuestro tiempo. Una persona puede seguir una determinada cultura musical, pero siempre debe ser responsable de sus actos. Podemos amar a Jim Morrison (el cantante principal de The Doors), pero no tienes que volverte como él para hacerlo, no tienes que usar drogas duras y morir. Basta con escuchar su voz en sus canciones y lamentar que nos haya dejado tan pronto.

En sus inicios, el rock 'n' roll fue condenado universalmente por socavar los cimientos morales de la juventud, pero parece que es por eso que ha ganado una popularidad inmarcesible, a pesar de algunos períodos de estancamiento, declive y autoderrota sin sentido. Protesta es la palabra clave.

Cada cultura musical tiene sus pros y sus contras, sus pros y sus contras, sus fans y sus opositores. Siguiendo cualquier cultura musical, es necesario extraer solo lo mejor de ella.

Lista de fuentes y literatura

· R. Neckland "Claves Musicales del Cosmos". Sunday Times en el extranjero 1995 #46.

G. S. Knabbe "El fenómeno del rock y la contracultura" Cuestiones de filosofía 1990, n.º 8.

· SÍ. Leontiev, Yu.A. Volkov "Música rock: funciones sociales y mecanismos psicológicos de percepción". Problemas de la cultura de la información vol. 4, 1997

concepto cultura atravesó un difícil camino de desarrollo histórico. Los filósofos y culturólogos cuentan hasta doscientas definiciones.

En la teoría de la cultura se distinguen sus capas espiritual y material, los conceptos cultura de la personalidad Y la cultura de la sociedad. En este sentido, es interesante la afirmación del célebre pensador y musicólogo alemán de los siglos XIX-XX. A. Schweitzer: "La cultura es el resultado de todos los logros de los individuos y de toda la humanidad en todas las áreas y en todos los aspectos, en la medida en que estos logros contribuyan a la mejora espiritual del individuo y al progreso general".

La cultura artística se considera en la estética moderna como una capa independiente y específica de la cultura general. Cubre una cierta parte de la cultura material y espiritual de la sociedad.

La participación directa en la actividad artística, la percepción de las obras de arte desarrolla espiritualmente a una persona, enriquece sus sentimientos, el intelecto.

Las actividades de las personas en el campo de la cultura incluyen la creación de valores artísticos, su almacenamiento y distribución, la reflexión crítica y el estudio científico, la educación artística y la educación.

Se pueden distinguir ciertas áreas de la cultura artística, correspondientes a los tipos de arte, y entre ellas la cultura musical. Este concepto incluye varios tipos de actividad musical y su resultado: obras musicales, su percepción, interpretación, así como la conciencia musical y estética de las personas que se ha desarrollado en el proceso de esta actividad (intereses, necesidades, actitudes, emociones, experiencias, sentimientos, apreciaciones estéticas, gustos, ideales). , puntos de vista, teorías). Además, la estructura de la cultura musical incluye las actividades de diversas instituciones relacionadas con el almacenamiento y distribución de obras musicales, la educación y formación musical y la investigación musicológica.

Detengámonos en las características del concepto de cultura musical de los niños en edad preescolar y analicemos su estructura.

La cultura musical de los niños puede considerarse como una subcultura específica de un determinado grupo social (niños en edad preescolar). En él se pueden distinguir dos componentes: 1) la cultura musical individual del niño, incluida su conciencia musical y estética, conocimientos musicales, destrezas y habilidades que se han desarrollado como resultado de la actividad musical práctica; 2) la cultura musical de los preescolares, que incluye obras de arte musical popular y profesional utilizadas en el trabajo con niños, la conciencia musical y estética de los niños y diversas instituciones que regulan la actividad musical de los niños y satisfacen las necesidades de su educación musical.

El niño adopta el volumen de la cultura musical de la sociedad correspondiente a la edad preescolar en la familia, el jardín de infancia, a través de los medios de comunicación, las instituciones musicales y culturales.

La influencia de la familia en la formación de los comienzos de la cultura musical del niño está determinada por sus tradiciones, la actitud de los miembros de la familia hacia el arte musical, la cultura general e incluso los acervos genéticos. El papel del jardín de infancia se manifiesta a través de las cualidades personales y profesionales del maestro-músico, su talento y habilidad, el nivel cultural general de los educadores y todo el personal docente, a través de las condiciones que crearon.

Las instituciones públicas (medios de comunicación, sindicatos creativos musicales, instituciones musicales y culturales, etc.) organizan diversas actividades musicales para niños, la creación, reproducción y almacenamiento de obras musicales, y la investigación científica.

Sobre la base de las disposiciones de la psicología sobre el papel de la actividad en el desarrollo de la personalidad, se pueden distinguir varios componentes en la estructura de la cultura musical de un niño (Esquema 1).

Los elementos de la conciencia musical y estética, que se manifiestan en la edad preescolar, todavía son de naturaleza indicativa y su contenido no corresponde completamente a elementos análogos de la conciencia, al igual que los ideales, las opiniones y las teorías son inaccesibles para los niños en edad preescolar.

La conciencia musical y estética en las diferentes etapas de la vida de un niño se manifiesta y se desarrolla de manera desigual. Sus componentes están estrechamente interconectados por conexiones externas e internas y forman un solo sistema.

La base de la cultura musical individual del niño puede considerarse su conciencia musical y estética, que se forma en el proceso de la actividad musical.

CULTURA MUSICAL DEL NIÑO

ACTIVIDADES MUSICALES

percepción de la música

Realización de actividades de creatividad.

Conocimientos, destrezas y habilidades