Tesis: Desarrollo del pensamiento musical de escolares de primaria en lecciones de música. Desarrollo del pensamiento musical El pensamiento musical activa la atención, la memoria, la imaginación.

La especificidad y originalidad del pensamiento musical dependen del grado de desarrollo de las habilidades musicales, así como de las condiciones del entorno musical en el que vive y se cría una persona.

Notemos especialmente estas diferencias entre las culturas musicales orientales y occidentales.

La música oriental se caracteriza por el pensamiento monódico.: desarrollo del pensamiento musical horizontalmente utilizando numerosas inclinaciones modales /más de ochenta/, cuarto de tono, un octavo tono, giros melódicos deslizantes, riqueza de estructuras rítmicas, relaciones no templadas de sonidos, timbre y diversidad melódica.

La cultura musical europea se caracteriza por el pensamiento homofónico-armónico.: desarrollo vertical del pensamiento musical, asociado a la lógica del movimiento de secuencias armónicas y al desarrollo de géneros corales y orquestales sobre esta base.

El pensamiento musical ha sido estudiado desde la antigüedad. Así, se puede decir que el sistema de correlación de tonos musicales, descubierto por Pitágoras durante sus experimentos con el monocordio, marca el comienzo del desarrollo de la ciencia del pensamiento musical.

2. Tipos de pensamiento. Características individuales del pensamiento.

en el arte musical pensamiento visual-real puede incluir las actividades de un artista, maestro, educador.

Pensamiento visual-figurativo relacionado con los detalles percepción del oyente.

El pensamiento abstracto / teórico, abstracto-lógico / está asociado con las actividades de un compositor y musicólogo. En relación con las características específicas del arte musical, se puede distinguir otro tipo de pensamiento, característico de todo tipo de actividad musical: el pensamiento creativo.

Todos estos tipos de pensamiento musical también tienen un carácter sociohistórico, es decir. pertenecen a una época histórica específica. Así aparece el estilo de diferentes épocas.: estilo de los polifonistas antiguos, estilo de los clásicos vieneses, estilo del romanticismo, impresionismo, etc. Podemos observar una individualización aún mayor del pensamiento musical en la creatividad, en la forma de expresar el pensamiento musical, característica de un compositor o intérprete en particular. Cada gran artista, incluso si actúa dentro del marco de la dirección de estilo propuesta por la sociedad, es una individualidad /personalidad/ única.

El pensamiento musical está directamente relacionado con el nacimiento de una imagen artística. En la psicología musical moderna, la imagen artística de una obra musical se considera una unidad de tres principios: material, espiritual y lógico. El principio material incluye:

– texto musical,

Parámetros acústicos,

Melodía

Armonía

metrorritmo,

dinámica,

Registro,

Factura;

al comienzo espiritual:

– estados de ánimo,

asociaciones,

Expresión,

Sentimientos;

al comienzo lógico:

Cuando se comprenden todos estos principios de la imagen musical en la mente del compositor, intérprete y oyente, sólo entonces podremos hablar de la presencia de un pensamiento musical genuino.

En la actividad musical el pensamiento se concentra principalmente en los siguientes aspectos:

Pensar en la estructura figurativa de la obra: posibles asociaciones, estados de ánimo y pensamientos que se encuentran por encima de ellos;

Pensar en el tejido musical de una obra: la lógica del desarrollo del pensamiento en la construcción armónica, las características de las melodías, el ritmo, la textura, la dinámica, la agógica, la construcción de formas;

Encontrar las formas, métodos y medios más perfectos para plasmar pensamientos y sentimientos en un instrumento o en papel musical.

Según muchos músicos-profesores, en la educación musical moderna a menudo prevalece la formación de las habilidades interpretativas profesionales de los estudiantes, en la que la adquisición de conocimientos teóricos y enriquecedores se produce lentamente.

Conclusión: Ampliar los horizontes musicales e intelectuales en general, lo que contribuye activamente al desarrollo del pensamiento musical, debe ser una preocupación constante de un joven músico, porque esto aumenta sus capacidades profesionales.

3. Lógica del desarrollo del pensamiento musical.

En su forma más general, el desarrollo lógico del pensamiento musical contiene, según la conocida fórmula de B.V. Asafiev, – impulso inicial, movimiento y finalización.

El impulso inicial se da en la presentación inicial de un tema o dos temas, lo que se denomina exposición o presentación.

Después de la presentación comienza el desarrollo del pensamiento musical y uno de los ejemplos sencillos que aquí se utilizan es la repetición y comparación.

Otro ejemplo del desarrollo del pensamiento musical es El principio de variación y alternancia.

Promoción- este es un tipo de comparación en el que cada una de las secciones adyacentes conserva el elemento de la anterior y le agrega una nueva continuación según la fórmula ab-bc-cd.

Compresión progresiva– aquí es cuando la dinámica aumenta, el tempo se acelera y las armonías cambian con más frecuencia hacia el final de una parte o de toda la obra.

Compensación– cuando una parte de la obra compensa, equilibra la otra en carácter, tempo y dinámica.

4. Desarrollo del pensamiento musical

Según el concepto pedagógico general del famoso maestro. M.I.Makhmutova, para desarrollar las habilidades de pensamiento de los estudiantes, es importante utilizar situaciones problemáticas. PS se puede modelar mediante:

Encuentros de los estudiantes con fenómenos de la vida y hechos que requieren explicación teórica;

Organización de trabajos prácticos;

Presentar a los estudiantes fenómenos de la vida que contradicen las ideas cotidianas previas sobre estos fenómenos;

Formulación de hipótesis;

Alentar a los estudiantes a comparar, contrastar y contrastar sus conocimientos existentes;

Alentar a los estudiantes a generalizar preliminarmente nuevos hechos;

Tareas de investigación.

En relación con las tareas del aprendizaje musical, las situaciones problemáticas se pueden formular de la siguiente manera.

Para desarrollar las habilidades de pensamiento en el proceso de percepción musical se recomienda:

Identificar el grano de entonación principal en la obra;

Determinar de oído las direcciones estilísticas de una obra musical;

Encuentra un fragmento de música de un determinado compositor entre otros;

Identificar las características del estilo de interpretación;

Identificar secuencias armónicas de oído;

Unir el gusto, el olor, el color, la literatura, la pintura, etc. con la música.

Para desarrollar habilidades de pensamiento durante el proceso de desempeño, usted debe:

Comparar el plan ejecutivo de diferentes ediciones;

Encontrar entonaciones principales y puntos de apoyo a lo largo de los cuales se desarrolla el pensamiento musical;

Elaborar varios planes de ejecución de la obra;

Interpretar una pieza con varias orquestaciones imaginarias;

Realiza el trabajo en un color imaginario diferente.

Desarrollar habilidades de pensamiento en el proceso de componer música:

Desarrolla melódicamente secuencias armónicas basadas en bajo general, bourdon, ostinato rítmico;

Encuentre canciones familiares de oído;

Improvisar obras de carácter tonal y atonal a partir de un determinado estado emocional o imagen artística;

La encarnación del habla, los diálogos cotidianos en material musical;

Improvisación sobre varias épocas, estilos, personajes;

Diversidad estilística y de género de una misma obra.

5. Requisitos previos pedagógicos para la formación del pensamiento musical en escolares adolescentes (en el contexto de las lecciones de música)

El pensamiento musical es un componente importante de la cultura musical. Por tanto, el nivel de su desarrollo determina en gran medida la cultura musical y los estudiantes adolescentes. Objetivos marcados por el programa de música:

Utilizar la música en el desarrollo de la cultura emocional de los estudiantes;

Desarrollar su capacidad para percibir conscientemente obras musicales;

Piense creativamente en su contenido;

Influir en el tema a través de la música;

Desarrollar las habilidades de desempeño de los estudiantes.

De acuerdo con esto, se formulan los requisitos para una lección de música (en una escuela secundaria, en una escuela de música, etc.), que debe ser holística, dirigida a una comunicación emocionalmente significativa entre los estudiantes y la música.

La percepción de las obras musicales por parte de los estudiantes adolescentes asume:

- su conciencia de sus observaciones y experiencias emocionales;

- determinar el grado de conformidad con el contenido de la obra musical, es decir, su comprensión, evaluación basada en la asimilación de un determinado sistema de conocimientos e ideas sobre la música como arte.

A partir del análisis de los programas musicales, teniendo en cuenta los aspectos psicológicos y pedagógicos de la actividad musical de los escolares adolescentes, podemos identificar una serie de factores que en cierta forma determinan el nivel de desarrollo de sus habilidades de pensamiento musical.

1. Factores psicológicos y pedagógicos:

Habilidades naturales (capacidad de respuesta emocional a la música, habilidades sensoriales: audición musical melódica, armónica y de otro tipo, sentido del ritmo musical, que permite a los estudiantes participar con éxito en actividades musicales;

Características individuales y caracterológicas del niño, que contribuyen a identificar la calidad de su esfera emocional y volitiva (capacidad de concentrar la atención, habilidades de pensamiento lógico y abstracto, receptividad, impresionabilidad, desarrollo de ideas, fantasía, memoria musical);

Características de la motivación para la actividad musical (satisfacción por la comunicación con la música, identificación de intereses y necesidades musicales);

2. Factores analíticos y tecnológicos:

Los estudiantes tienen un cierto conocimiento teórico e histórico musical, habilidades para comprender las características del lenguaje musical y la capacidad de operar con ellas en el proceso de la actividad musical.

3. Factores artísticos y estéticos:

Tener una determinada experiencia artística, un nivel de desarrollo estético, un gusto musical suficientemente desarrollado, capacidad para analizar y evaluar obras musicales desde la perspectiva de su valor y significado artístico y estético.

La presencia de determinados componentes del pensamiento musical en los estudiantes adolescentes y los niveles de su formación se pueden establecer utilizando los siguientes criterios en el proceso de la actividad pedagógica investigadora.

1. Características del componente reproductivo del pensamiento musical:

Interés por actividades musicales;

Conocimiento de las particularidades de los elementos del lenguaje musical, sus capacidades expresivas, capacidad para operar con conocimientos musicales en el proceso de percepción e interpretación de obras musicales (según las indicaciones del profesor).

2. Características del componente reproductivo-productivo del pensamiento musical:

Interés por interpretar canciones folklóricas y clásicas;

La capacidad de percibir e interpretar adecuadamente la imagen artística de una canción;

La capacidad de crear su propio plan para su ejecución y disposición;

La capacidad de evaluar objetivamente la propia interpretación de una canción;

La capacidad de analizar holísticamente una obra musical desde el punto de vista de su dramaturgia, características de género y estilo, valor artístico y estético.

3. Características del componente productivo del pensamiento musical:

La presencia de una necesidad de creatividad en diferentes tipos de actividades musicales;

Desarrollo de un sistema de percepciones musicales y auditivas, capacidad de utilizarlas en actividades musicales prácticas;

Habilidades artísticas especiales (visión artística, etc.);

La capacidad de operar con los medios del lenguaje musical (habla) en el proceso de creación de sus propias muestras musicales.

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El pensamiento musical-imaginativo es una condición necesaria para la percepción o reproducción del contenido artístico de una obra musical. Se caracteriza por estar basado en material figurativo. Las imágenes musicales son secuencias de sonido con significado entonacional, cuyo contenido son los sentimientos, emociones y experiencias de una persona.
Se sabe que el contenido artístico de una obra musical se expresa a través de la melodía, el ritmo, el tempo, la dinámica, etc., que en general representa el lenguaje específico de la música. Por lo tanto, el desarrollo del pensamiento musical-imaginativo presupone, en primer lugar, la comprensión del lenguaje de la música y la conciencia de que la música no representa el mundo visible, sino que expresa principalmente la actitud sensorial de una persona hacia este mundo. Y sus imágenes están limitadas únicamente por la onomatopeya (por ejemplo, el canto de los pájaros), las conexiones entre sensaciones auditivas y visuales, la asociación (el canto de los pájaros es una imagen de un bosque, los sonidos altos son claros, claros, sutiles; los sonidos bajos son oscuros, pesados, espesos). .

Un rasgo característico de la música es que carece de claridad objetiva. Los mismos sentimientos, y por tanto la entonación sonora de su expresión, pueden ser provocados por diferentes circunstancias, fenómenos u objetos. Por tanto, la percepción de una imagen musical presenta cierta dificultad. En consecuencia, uno de los principales métodos para desarrollar una comprensión de la expresividad figurativa de la música es el método de concretar la imagen mediante el análisis de una cadena secuencial: la presentación de una imagen objetiva (por ejemplo, una escena de baile), los sentimientos que evoca esta imagen objetiva, el medio de expresión musical de estos sentimientos.

El contenido de una interpretación musical-figurativa viene sugerido, en primer lugar, por el género de la obra, su forma, título, texto de la canción, etc., y los medios de expresión están siempre predeterminados por el autor de la obra musical. Por tanto, la cuestión es averiguar con el alumno qué sentimientos evoca la imagen del objeto presentado e indicarle cómo se reflejan los sentimientos evocados en esta pieza musical.
En el proceso de análisis de esta cadena, es necesario evitar sobrecargar el pensamiento del estudiante con detalles excesivos de la imagen del tema y esforzarse por lograr un mínimo de generalizaciones. El propósito del análisis es descubrir qué estado emocional (estado de ánimo) o cualidad volitiva de una persona es causada por una imagen objetiva determinada, es decir, alegría, diversión, alegría, ternura, desaliento, tristeza; o - consideración, determinación, energía, moderación, perseverancia, falta de voluntad, seriedad, etc. Posteriormente, se analizan los medios de expresividad musical característicos de un estado de ánimo particular o cualidad volitiva: modo, tempo, dinámica, ataque sonoro (duro o suave) y otros.
El principal medio de expresión es, por supuesto, la melodía: su carácter entonativo, organización rítmica, división en motivos, frases, períodos, etc., que se percibe de manera similar al habla y afecta no solo al sonido, sino también al significado. Esta circunstancia es muy importante para el desarrollo del pensamiento musical-imaginativo, especialmente la analogía del significado entonacional de la melodía de un habla emocionalmente rica. Después de todo, al comenzar a aprender a tocar el acordeón de botones, el estudiante ya tiene alguna experiencia de vida: puede distinguir los estados emocionales de las personas que lo rodean, distinguir sus cualidades volitivas, sabe cómo percibir y reproducir un habla emocionalmente rica y También tiene algo de experiencia musical. Todo esto es un requisito previo necesario y natural para el desarrollo exitoso de la comprensión del significado de la entonación de una melodía y, en consecuencia, el desarrollo del pensamiento musical imaginativo. La cuestión es confiar hábilmente en esta experiencia, utilizándola como conocimientos y habilidades previamente adquiridos.

En psicología se ha establecido la posición de que el pensamiento artístico es pensar en imágenes a partir de ideas específicas. En la psicología musical moderna, la imagen artística de una obra musical se considera una unidad de tres principios: material, espiritual y lógico.

La base material de una obra musical aparece en forma de características acústicas de la materia sonora, que pueden analizarse según parámetros tales como melodía, armonía, ritmo, dinámica, timbre, registro y textura. Pero todas estas características externas de una obra no pueden por sí solas dar el fenómeno de una imagen artística. Una imagen así sólo puede surgir en la mente del oyente y del intérprete cuando conecta su imaginación y voluntad con estos parámetros acústicos de la obra y colorea el tejido sonoro con la ayuda de sus propios sentimientos y estados de ánimo. Así, el texto musical y los parámetros acústicos de una obra musical constituyen su base material. La base material de una obra musical, su tejido musical, se construye según las leyes de la lógica musical. Los principales medios de expresividad musical (melodía, armonía, ritmo, dinámica, textura) son formas de conectar y generalizar la entonación musical, que en la música, según la definición de B.V. Asafiev, es el principal portador de la expresión del significado.

La base espiritual son los estados de ánimo, las asociaciones, diversas visiones figurativas que crean una imagen musical.

Base lógica es la organización formal de una obra musical, en cuanto a su estructura armónica y secuencia de partes, formando un componente lógico de la imagen musical. La entonación, sujeta a las leyes del pensamiento musical, se convierte en una categoría estética en una obra musical, combinando principios emocionales y racionales. Experimentar la esencia expresiva de una imagen artística musical, comprender los principios de la construcción material del tejido sonoro, la capacidad de encarnar esta unidad en el acto de la creatividad (componer o interpretar música): esto es el pensamiento musical en acción.

Cuando se comprenden todos estos principios de la imagen musical en la mente del compositor, del intérprete y del oyente, sólo entonces podremos hablar de la presencia de un pensamiento musical genuino.

Además de la presencia en la imagen musical de los tres principios mencionados anteriormente (sentimientos, materia sonora y su organización lógica), existe otro componente importante de la imagen musical: la voluntad del intérprete, que conecta sus sentimientos con la capa acústica de la obra musical y transmitirla al oyente en todo el esplendor de la perfección posible de la materia sonora. Sucede que un músico siente y comprende muy sutilmente el contenido de una obra musical, pero en su propia interpretación, por diversos motivos (falta de preparación técnica, excitación...) la interpretación real resulta ser de poca calidad artística. Y son los procesos volitivos responsables de superar las dificultades para lograr la meta los que resultan ser el factor decisivo en la implementación de lo concebido y experimentado en el proceso de preparación del hogar.

Para el desarrollo y autodesarrollo de un músico, con base en lo dicho, resulta muy importante comprender y organizar adecuadamente todos los aspectos del proceso creativo musical, desde su concepción hasta su implementación concreta en la composición o interpretación. Por tanto, el pensamiento del músico se concentra principalmente en los siguientes aspectos de la actividad:

• - pensar en la estructura figurativa de la obra - posibles asociaciones, estados de ánimo y pensamientos detrás de ellas.
• - pensar en el tejido material de la obra - la lógica del desarrollo del pensamiento en la construcción armónica, las características de la melodía, el ritmo, la textura, la dinámica, la agógica, la construcción de formas.
• - encontrar las formas, métodos y medios más perfectos para plasmar pensamientos y sentimientos en un instrumento o en papel musical.

"Logré lo que quería": este es el punto final del pensamiento musical en el proceso de interpretación y composición musical", dijo G. G. Neuhaus.

Amateurismo profesional. En la educación musical moderna, a menudo prevalece la formación de las habilidades interpretativas profesionales de los estudiantes, en la que la reposición de los conocimientos teóricos se produce lentamente. La escasez de conocimientos musicales de los músicos da pie a hablar del notorio “amateurismo profesional” de los músicos instrumentales que no saben nada más allá del estrecho círculo de su especialización inmediata. La necesidad de aprender varias piezas durante el año escolar según un programa determinado no deja tiempo para actividades tan necesarias para un músico como seleccionar de oído, transponer, leer a primera vista y tocar en conjunto.

Como resultado de lo anterior, podemos identificar una serie de circunstancias que interfieren en el desarrollo del pensamiento musical en el proceso educativo:

• 1. Los estudiantes de interpretación musical en su práctica diaria abordan un número limitado de obras y dominan un repertorio didáctico y pedagógico mínimo.
• 2. Una lección en una clase de interpretación, que esencialmente se convierte en un entrenamiento de cualidades interpretativas profesionales, a menudo tiene un contenido empobrecido: la reposición de conocimientos de carácter teórico y general se produce de forma lenta e ineficaz para los estudiantes de instrumentos, el lado cognitivo del aprendizaje resulta a continuación.
• 3. La enseñanza en varios casos tiene un marcado carácter autoritario, orientando al alumno a seguir el modelo interpretativo marcado por el profesor, sin desarrollar adecuadamente la independencia, la actividad y la iniciativa creativa.
• 4. Las habilidades y destrezas desarrolladas en el proceso de aprender a tocar un instrumento musical resultan limitadas, insuficientemente amplias y universales. (El alumno demuestra incapacidad para ir más allá del estrecho círculo de obras elaboradas mano a mano con el profesor en actividades prácticas de juego).

Ampliar los horizontes musicales e intelectuales en general debe ser una preocupación constante de un joven músico, porque esto aumenta sus capacidades profesionales.

Para desarrollar las habilidades de pensamiento en el proceso de percepción musical se recomienda:

• - identificar el grano de entonación principal de la obra;
• - determinar de oído la dirección estilística de una obra musical;
• - identificar las características del estilo interpretativo cuando diferentes músicos interpretan la misma obra;
• - identificar secuencias armónicas de oído;
• - seleccionar obras de literatura y pintura para una composición musical de acuerdo con su estructura figurativa.

Para desarrollar habilidades de pensamiento durante el proceso de desempeño, usted debe:

• - comparar planes de interpretación de obras musicales en sus distintas ediciones;
• - encontrar en una obra musical entonaciones principales y puntos fuertes a lo largo de los cuales se desarrolla el pensamiento musical;
• - elaborar varios planes de interpretación para la misma obra musical;
• - interpretar obras con diversas orquestaciones imaginarias.

Dependiendo del tipo específico de actividad en el pensamiento musical, puede predominar un principio visual-figurativo, que podemos observar al percibir la música, o uno visual-efectivo, como ocurre al tocar un instrumento musical, o abstractos en la experiencia de la vida. del oyente.

En todos estos tipos de actividades (crear música, interpretarla, percibirla) hay necesariamente imágenes de la imaginación, sin las cuales no es posible ninguna actividad musical en toda regla. Al crear una pieza musical, el compositor opera con sonidos imaginarios, piensa en la lógica de su implementación y selecciona las entonaciones que mejor transmiten sentimientos y pensamientos en el momento de crear música. Cuando el intérprete comienza a trabajar con el texto que le proporciona el compositor, el principal medio para transmitir la imagen musical es su habilidad técnica, con la ayuda de la cual encuentra el tempo, ritmo, dinámica, agógica y timbre deseados. El éxito de una interpretación suele estar relacionado con lo bien que el intérprete siente y comprende la imagen holística de una obra musical. El oyente podrá comprender lo que el compositor e intérprete quería expresar si, en sus representaciones internas, los sonidos de la música pueden evocar aquellas situaciones, imágenes y asociaciones de la vida que corresponden al espíritu de la obra musical. A menudo, una persona con una experiencia de vida más rica, que ha experimentado y visto mucho, incluso sin mucha experiencia musical, responde a la música más profundamente que una persona con formación musical que ha experimentado poco.

La conexión entre la imaginación musical y la experiencia de vida del oyente.

Dependiendo de su experiencia de vida, dos personas que escuchan la misma pieza musical pueden entenderla y apreciarla de manera completamente diferente y ver en ella imágenes diferentes. Todas estas características de la percepción de la música, su interpretación y creación se deben al trabajo de la imaginación, que, como las huellas dactilares, nunca puede ser la misma ni siquiera en dos personas. La actividad de la imaginación musical está más estrechamente relacionada con las ideas musical-auditivas, es decir. la capacidad de escuchar música sin depender de su sonido real. Estas ideas se desarrollan sobre la base de la percepción de la música, que proporciona al oído impresiones vivas de la música que suena directamente. Sin embargo, la actividad de la imaginación musical no debe terminar con el trabajo del oído interno. B.M. Teplov lo señaló con razón, diciendo que las representaciones auditivas casi nunca son auditivas y deben incluir aspectos visuales, motores y otros.

Casi no es necesario intentar traducir completamente el lenguaje de las imágenes musicales al significado conceptual expresado en palabras. Hay una afirmación muy conocida de P. I. Tchaikovsky sobre su Cuarta Sinfonía: “Una sinfonía”, creía P. I. Tchaikovsky, “debe expresar aquello para lo que no hay palabras, sino lo que pide el alma y lo que quiere expresarse”. Sin embargo, el estudio de las circunstancias bajo las cuales el compositor creó su obra, su propia cosmovisión y la cosmovisión de la época en la que vivió influyen en la formación del concepto artístico para la interpretación de una obra musical. Se sabe que el software funciona, es decir. resultan más fáciles de entender aquellas a las que el compositor les da algún nombre o que van precedidas de explicaciones especiales del autor. En este caso, el compositor, por así decirlo, describe el canal por el que se moverá la imaginación del intérprete y del oyente al familiarizarse con su música.

En la escuela I.P. Pavlova divide a las personas en tipos artísticos y mentales según el sistema de señalización en el que se basa una persona en su actividad. Cuando nos basamos en el primer sistema de señalización, que opera principalmente con ideas específicas, mientras se dirige directamente al sentimiento, se habla de un tipo artístico. Cuando se basa en el segundo sistema de señalización, que regula el comportamiento con la ayuda de palabras, se habla de un tipo de pensamiento.

Cuando se trabaja con niños de tipo artístico, el profesor no necesita gastar muchas palabras, porque en este caso el alumno comprende intuitivamente el contenido del trabajo, centrándose en la naturaleza de la melodía, la armonía, el ritmo y otros medios. de expresividad musical. Sobre estos estudiantes G. G. Neuhaus dijo que no necesitan explicaciones verbales adicionales.

Cuando se trabaja con alumnos de tipo pensante, resulta fundamental para su comprensión de una obra musical un empujón externo del profesor, quien, con la ayuda de diversas comparaciones, metáforas y asociaciones figurativas, activa la imaginación de su alumno y evoca en él experiencias emocionales similares a aquellas que son cercanas a la estructura emocional de la pieza que está aprendiendo.

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Una de las tareas de la educación musical escolar es brindar al niño la oportunidad de “escuchar el contenido esencial de la música..., de formar... un oído para la música como órgano de búsqueda de una belleza sin precedentes”. Una persona que acaba de nacer ya establece sus conexiones con el mundo a través de las entonaciones. Cualquiera que sea la etapa de desarrollo en la que se encuentre el niño, él responde a su expresividad emocional.

La entonación es el microfoco del pensamiento en la estructura sonora, la expresión de los sentimientos y el contorno plástico en la micromateria sonora. No importa cómo una persona se posicione ante el mundo, no importa cómo se dirija a él, no importa cómo perciba el mundo, opera con entonaciones, que son la esencia del habla y la esencia de la música. La entonación, según V. Medushevsky, es nuestro "yo artístico". El ámbito de la entonación está relacionado con todo tipo de arte, ya que en los orígenes de la música, las bellas artes, la literatura, la coreografía, el teatro, etc. existe una actitud ante la existencia, cuya esencia se puede transmitir en palabras de F. Tyutchev. : “¡Todo está en mí y yo estoy en todo! "

La entonación es también una memoria musical-lingüística en la que se esconden huellas melódicas-rítmicas, figurativas, plásticas y otras de la experiencia vital-cultural de la humanidad. Comprender la entonación, sentir su individualidad y singularidad, sentir su imagen, penetrar en su naturaleza más íntima, admirar la brevedad de su construcción, predecir su desarrollo es difícil, pero increíblemente interesante. Al revelar el secreto de esta microestructura, comienzas a comprender y escuchar el mundo de manera más sutil y profunda, así como a comprenderte y escucharte a ti mismo en este mundo. Por lo tanto, es obvio que el desarrollo del pensamiento entonacional - la capacidad de pensar con entonación y a través de la entonación - es la forma en que un niño se vuelve hacia adentro, hacia las profundidades de su alma y su mente, la forma de acumular experiencia de vida a través de la música. y, en última instancia, una de las formas más seguras de superar la crisis espiritual y moral de la humanidad.

El conjunto educativo y metodológico "Música", desarrollado por un equipo creativo bajo la dirección de G. P. Sergeeva y E. D. Kritskaya, ofrece las más amplias oportunidades para resolver los problemas mencionados anteriormente. La estructura concéntrica de los materiales didácticos, la división en bloques y una variada serie asociativa permiten formar un “vocabulario de entonación” para los escolares, basado en la comprensión de la entonación como patrón de arte. El material del programa está estructurado de tal manera que el "equipaje de entonación" se acumula gradualmente y la experiencia de entonación se enriquece. Las comparaciones intencionadas de diferentes obras con entonaciones de género similares o entonaciones de un determinado estilo desarrollan la intuición musical y mejoran significativamente la calidad de la percepción musical.

La base para el desarrollo del pensamiento de los niños es la ambigüedad de su percepción, la multiplicidad de interpretaciones y la variedad de "opciones de audición". El conjunto educativo y metodológico "Música" empuja constantemente al niño a buscar conexiones entonacionales y figurativas entre la música y las bellas artes, la historia, la literatura, la escultura y la fotografía artística. Así, el énfasis en la educación musical basada en el complejo educativo "Música" pasa de la teoría y la historia de la música a ampliar la entonación y el bagaje figurativo del niño, desarrollando su respuesta a la música y el deseo de expresarse en el arte. Las lecciones impartidas según este programa permiten, según B. Asafiev, “tanto alegrarse como estar triste, y sentir energía y coraje severo en uno mismo... no sobre la música o la música, sino experimentarla en la entonación. "

El método de “perspectiva y retrospectiva”, propuesto por D. B. Kabalevsky y desarrollado con éxito en este complejo educativo, permite recorrer el camino desde el nacimiento de la entonación y su desarrollo hasta la encarnación de la imagen y la revelación de la orientación ideológica. de grandes obras musicales. Los pensamientos y sentimientos que el autor incorporó en grandes formas musicales se vuelven obvios y comprensibles para el niño. Recurrir al ámbito de la entonación permite “descifrar” el contenido de la propia obra, comprender cómo nace una idea artística y reflexionar sobre un determinado conflicto moral y estético. Y solo entonces consideraremos el dramaturgia de la obra, la disposición de las imágenes musicales, el grado de conflicto e interacción. Como resultado, el pensamiento entonacional se forma como componente del pensamiento artístico y creativo, el niño emprende el camino de la búsqueda, el camino del creador, comprende el arte como una “experiencia de relaciones” (S. Kh. Rappoport).

Teniendo en cuenta la evolución de las formas musicales, comparando diferentes interpretaciones de obras y sus interpretaciones, dominando varias capas del arte musical (desde el folclore y la tradición religiosa hasta la música académica y popular moderna en su diálogo), gradualmente se forma una "imagen artística holística del mundo". construido en la mente de los estudiantes. Volviendo al arte musical como la experiencia de generaciones, vivirlas en la propia actividad musical permite formar activamente el valor emocional, la experiencia moral-estética y la experiencia de la creatividad musical y artística.

¿Qué recibe, en un sentido práctico, un docente al impartir una asignatura basada en el complejo educativo “Música”?

En primer lugar, los niños no tienen miedo de componer música, porque la naturaleza de la creatividad les resulta familiar, comprensible y familiar. Componen e interpretan voluntariamente sus obras. Por supuesto, no se trata de grandes obras musicales, sino sólo de pequeñas formas, pero entre ellas ya hay canciones presentadas en concursos municipales y federales.

En segundo lugar, los niños desarrollan el pensamiento creativo. Un profesor rara vez les da a los estudiantes conceptos teóricos en una forma ya preparada; más a menudo se comprenden a través de la cooperación y la co-creación entre el profesor y los estudiantes, o en el proceso de trabajo independiente en clase. Por ejemplo, los niños de segundo grado dedujeron ellos mismos los patrones de construcción de formas cíclicas y ellos mismos sugirieron que las partes del ciclo deberían estar conectadas por entonación o melodía, entonces el ciclo adquirirá una mayor integridad. Y qué placer les produjo seguir los cambios sonoros de "El paseo" en "Cuadros de una exposición" de M. P. Mussorgsky.

En tercer lugar, los niños adquieren una especie de "oído social" (B. Asafiev), perciben mejor el estilo de la época, las características nacionales de la música y adquieren una idea del "retrato estilístico del compositor".

En cuarto lugar, les interesan las grandes formas musicales. Al escuchar en los grados de primaria no fragmentos individuales de óperas, ballets, conciertos y sinfonías, sino acciones y partes enteras, y en la escuela secundaria la obra completa, el trabajo del alma y la mente de los estudiantes es visible y llega la comprensión de que nada puede reemplazar esos momentos en la vida de una persona, cuando una persona dialoga con su “yo” interior, cuando aprende a vivir con la Música.

BIBLIOGRAFÍA:

1. Medushevsky V.V. Forma de entonación de la música. - M., 1993. - 265 p.
2. Sergeeva G. P., Kritskaya E. D. Música: método. prestación. - M., 2005. - 205 p.
3. Kritskaya E. D., Sergeeva G. P., Shmagina T. S. Métodos para trabajar con libros de texto "Música" grados 1-4. - M., 2002. - 206 p.

Enlace bibliográfico

Talalaeva N.V. DESARROLLO DEL PENSAMIENTO INTONACIONAL A PARTIR DEL CONJUNTO EDUCATIVO Y METODOLÓGICO “MÚSICA” // Investigación Fundamental. – 2008. – N° 5. – Pág. 125-126;
URL: http://fundamental-research.ru/ru/article/view?id=3002 (fecha de acceso: 28/10/2019). Llamamos su atención sobre las revistas publicadas por la editorial "Academia de Ciencias Naturales".