La Galería Tretyakov te invita a admirar las pinturas de Marc Chagall. La Galería Tretyakov abre una sala de paneles teatrales Marc Chagall ¿Por qué es verde la cabra?

Exposición del patrimonio gráfico poco conocido de Marc Chagall (1887-1985). En la exposición "Marc Chagall. Los orígenes del lenguaje creativo del artista" se presenta la obra del artista en el contexto de la búsqueda de los orígenes de su arte

Chagall perteneció a una generación de artistas que a principios del siglo XX, en un intento de encontrarse a sí mismos, a su propio sistema figurativo y lenguaje plástico, recurrieron al arte popular. Chagall no recibió una educación profesional consistente, su primer y principal maestro fue el entorno natural - el entorno judío, ruso, bielorruso, lituano, francés, "esa agua viva" que "cargaba" e inspiraba al maestro a lo largo de su vida.

Los hechos reales e increíbles captados por el artista están firmemente conectados con el entorno terrenal a través de elementos domésticos clave para él, signos de un lugar que se han convertido en las "contraseñas" características de Chagall: desde el ingenuo signo de un peluquero en Vitebsk o un lechero en París. hasta la cruz de una catedral ortodoxa o las quimeras de Notre Dame en París, desde simples bordados hasta una menorá y la Torá, desde una destartalada choza campesina hasta la sinagoga de Vilnius y las puertas del cementerio judío, desde grabados populares e ilustraciones de publicaciones populares , músicos errantes a las banderas de la revolución. El artista afirmó: "¡No es cierto que mi arte sea fantástico! ¡Soy realista, amo la tierra!".

La base de la exposición en la Galería Tretyakov se compone de obras de las colecciones de la familia del artista: obras únicas, nunca expuestas en Rusia, del "círculo familiar": autorretratos, retratos de madre, abuela, primos, hermana. , esposa Bella e hija Ida, ejecutadas a finales de 1900 - 1910. En estas obras, se presenta al espectador una especie de autobiografía del artista, una crónica de su familia (En la ventana. Madre e hija. 1908; Anillo. 1908-1909; Modelo. La hermana del artista. 1910; Nacimiento. 1911 y otros). La historia grabada de la vida de Chagall está plasmada en las láminas de la serie "Mi vida" (1922). Un leitmotiv peculiar de la exposición es la imagen de su amada ciudad, Vitebsk, que está presente de una forma u otra en todas las pinturas del maestro.

Un grupo de obras de las décadas de 1960 y 1970 en una rara técnica de collage también provino de la colección francesa (Triumph of Music. Sketch for a panel for the Metropolitan Opera, Lincoln Art Center. 1966, The Clown and his Shadow (Blue Violinist). 1964. Desnudo lila, 1967. Anthem Clock Embankment, 1968).

Museo Pushkin im. COMO. Pushkin proporcionó para la exposición Paisaje con una cabra (Liozno) (1910), En el salón de Thea (1910), Habitación en la calle Gorokhovaya (1910), creada en Rusia en 1910, presentada al museo por Ida Chagall. Obras del primer período parisino, ejemplos de la interpretación de Chagall del arte francés moderno - "Desnudo con flores", "Desnudo reclinado" (ambos - 1911) - proporcionados por la Fundación Sepherot (Liechtenstein).

Por primera vez, se mostrarán al público moscovita los álbumes juveniles de Chagall adquiridos recientemente en Francia, procedentes del archivo de Blaise Cendrars, escritor y poeta, amigo y traductor del maestro, que introdujo al joven artista en el círculo de la vanguardia parisina. artistas de guardia (colección de T. e I. Manasherovs, Moscú).

Además de los dibujos originales, la exposición también incluye ilustraciones para Dead Souls de N.V. Gogol (1923-1925) de la colección de la Galería Tretyakov, realizadas por iniciativa del galerista parisino y editor de la serie "Libro de artista" Ambroise. Vollard, recibido como regalo del autor en el año 1927.

El famoso "Servicio nupcial" (1951-1952. Cerámica, esmalte blanco, pintura), creado por Chagall en honor a la boda de su hija Ida (colección particular, París) y dos esculturas de mármol para la fuente - "Pez" y " Bird" serán también descubrimientos para el público doméstico. (1964. Colección de la Fundación Pierre Janade, Martini, Suiza). Los objetos de arte popular presentados en la exposición del Museo Etnográfico Ruso (San Petersburgo) y el Museo de Historia de los Judíos en Rusia (Moscú) complementarán la comprensión del público sobre los orígenes del sistema figurativo de Chagall.

¿Y qué? Debo admitir - c "est cautivante. [Es encantador (francés).] No hay nada que hacer. Este es el arte que debería disgustarme en grado extremo. Esto es lo que odio en todas las demás áreas de la vida (todavía no he olvidado cómo odiar), con el que, a pesar de todo mi cansancio mental, todavía no puedo reconciliarme - y sin embargo cautiva, diría incluso - encanta, si mantienes el significado exacto de la palabra. algunos hechizos secretos en el arte de Chagall, una especie de magia que, como el hachís, actúa no solo además de la conciencia, sino también a pesar de ella<...>

Chagall ganó el Premio Carnegie. Esto ya es una especie de consagración global. [Confesión (francés).] Pero incluso antes de eso, desde hace décadas, pertenece a esos artistas cuyos nombres han ganado fama mundial, sobre los que los críticos no escriben sino utilizando fórmulas prefabricadas, y esto es una expresión de la mayor reverencia. Chagall es una verdadera vedette, como, digamos, Chaplin. Y este reconocimiento puede considerarse bien merecido. Realmente se acercó a la era, despierta tales sentimientos en las personas que, por alguna razón, se sienten atraídos por la experiencia. Todavía puedes encontrar en este arte elementos de glamour demoníaco o la acción de fuerzas sucias, pero no está permitido hablar de esto, y si está permitido, solo en un tono irónico o como una especie de "alegoría". Sin duda, hay algo en común entre la obra de Chagall y la obra de todo tipo de artistas - endemoniados de la Edad Media, algunos de los cuales practicaban "decorar" las catedrales más sagradas con todo tipo de diabluras escultóricas, otros rodeaban las miniaturas de libros de oración con las muecas más temerarias y tan maliciosas. La misma diablura fue llevada por grandes maestros de la pintura como El Bosco o el viejo Brueghel, como Schongauer y como Grunewald, y con todos ellos Chagall tiene al menos esto en común que se somete por completo a la arbitrariedad de su imaginación; que escribe todo lo que se le pasa por la cabeza; que generalmente está en el poder de algo que desafía cualquier definición razonable. Sin embargo, las creaciones de Chagall se diferencian simplemente de las tonterías y las bromas y de la creatividad loca de las creaciones locas precisamente por sus encantos genuinos.

La exposición actual (inaugurada en la galería 12 de mayo, rue Bonaparte) me confirmó una vez más mi actitud hacia el arte de Chagall (fui uno de los primeros en apreciar este arte hace un cuarto de siglo), y al mismo tiempo el tiempo disipó la duda que me invadía; ¿Chagall no es esnob; ¿No se ha convertido en un charlatán, se ha convertido, empujado por el éxito, en un banal embaucador que comercia con lo que alguna vez le dio una inspiración genuina? Tales preguntas podrían deslizarse naturalmente en el alma, ya que el repertorio de Chagall sigue siendo el mismo limitado, y solo hace lo que repite los mismos temas.

Así que en esta exposición volvimos a ver a todos los mismos judíos barbudos voladores, amantes reclinados en el sofá, novias blancas, acróbatas, efebos delicados con ramos de flores, ángeles revoloteando, violinistas encorvados miserables, y todo esto intercalado con una especie de cabras musicales, con pollos gigantes, con terneros y caballos apocalípticos. Sí, y en el sentido del fondo, este es nuevamente el mismo cielo negro con halos multicolores de las luminarias, las mismas casas de un agujero sucio de un bosque terrible, la misma nieve derretida, o marcos de ventanas, arbustos verdes, relojes de pared, siete candelabros, toros. Solo cambia la disposición de estos diversos elementos y cambia el formato de la imagen. Se puede ver que el artista simplemente no puede prescindir de otros de estos detalles obligatorios, y ellos, no, no, e incluso se arrastran en su composición, que le parece inacabada, hasta que tal cabra-violinista o un heraldo alado encuentra un lugar por sí mismo.

Fui a la exposición de mala gana, anticipando precisamente estas repeticiones que, a lo largo de los años de mi relación con la obra de Chagall, se habían vuelto muy palpables. Pero esta nueva demostración del “ejercicio con un número limitado de accesorios” no solo no me molestó, sino que me cautivó y, lo más importante, esta sesión no dio la impresión de un truco, ni siquiera al punto de completo. insensibilidad de un truco irregular. En cada cuadro, en cada dibujo de Chagall, todavía hay una vida propia, y, en consecuencia, su propia razón de ser. De alguna manera, todo esto, incluso el más familiar, toca; no hay un arrepentimiento como “esto es un talento tan maravilloso, pero se intercambia a sí mismo, se limita a sí mismo de tal manera ". Chagall simplemente se mantuvo fiel a sí mismo, de lo contrario no puede crear. Pero cuando toma pinceles y pinturas, algo rueda sobre él, y él hace lo que quiere. es dicho por el que lo controla deidad - por lo que resulta que la culpa de la deidad, si todo resulta igual.

Pero solo la deidad es, por supuesto, no Apolo. Lo más seductor y ciertamente seductor de Chagall son los colores, y no sólo su combinación, sino los colores en sí mismos, cada color tomado por sí solo. Esta manera de poner las pinturas es encantadora, lo que se llama textura. Pero estos coloridos amuletos no son de ningún modo de origen apolíneo. No hay melodía armoniosa ni armonía bien establecida en ellos, ni hay tarea alguna, llevar a cabo ninguna idea. Todo aparece al azar, y es imposible encontrar intenciones y leyes en esta continua improvisación. Las inspiraciones son más que suficientes, pero la inspiración es del tipo que los artistas que tienen el control total de su trabajo son algo condescendientes. ¿Por qué no debería existir tal arte, por qué no disfrutarlo? Nos divertimos con los dibujos de niños o aficionados, disfrutamos de los productos a menudo inútiles del arte popular, todo en lo que opera el instinto inmediato y en lo que no hay una conciencia reguladora. Es más, incluso es útil para disfrutarlo, tiene un efecto refrescante, da nuevos impulsos. Pero el comienzo apolíneo comienza sólo a partir del momento en que el instinto da paso a la voluntad, al conocimiento, a un cierto sistema de ideas y, finalmente, a la influencia de toda una cultura tradicional.

Todo esto fue reverenciado hasta principios del siglo XX como verdadero arte; los museos nos familiarizan con la historia de este arte, y debido a tal arte, estos museos han adquirido en la vida moderna el significado de depósitos invaluables, casi templos. Nos comunicamos en ellos con las mentes más elevadas y profundas (aunque estas mentes se expresaran a veces de formas muy torpes, extrañas, o incluso simplemente condescendientes con una broma, con bromas). Pero una extraña impresión dejarán en estos mismos museos las pinturas de Chagall y otros artistas, nacidos de nuestra era confusa, inconsciente, a quel saint se vouer [A qué santo adorar (francés)]. Por supuesto, expresarán su época e incluso lo harán mejor que cualquier cuadro de carácter más razonable y sobrio, o cuadros que delaten una gran escolaridad. Sin embargo, dudo que las generaciones futuras se llenen de respeto por nuestra época después de haberla conocido tanto, y nos miren como nosotros miramos las diferentes fases del pasado humano: con ternura, con ternura e incluso envidiar. Los piadosos de estas futuras (¡qué misteriosas!) generaciones, deduciendo el alma de nuestro tiempo de estas obras tan típicas para él (del cuadro de Chagall, entre muchas otras), más bien considerarán afortunado que semejante pesadilla se haya disipado, y se convertirán al cielo con una oración que él mismo no repitió.

Me gustaría destacar uno de los cuadros de esta exposición de Chagall. Si no es menos pesadillesco que los demás, si es muy característico de Chagall, si en él domina el principio de improvisación, entonces sin embargo, me parece, es más grave que cualquier otra cosa, sin duda sufrió, y se siente. que, al crearla, el artista, en lugar de recurrir a la habitual excitación creativa, que tiene en común con una somnolencia agridulce, fue despertado por algo, gravemente asustado e indignado. No hay duda de que los hechos reales fueron la razón de la creación de esta visión.<…>Sin embargo, el significado mismo del símbolo presentado no me queda claro. ¡¿Por qué el pálido cadáver de Cristo clavado en la cruz corta oblicuamente con blanco resplandor las tinieblas que se derraman sobre el cuadro?! Varios otros símbolos también son incomprensibles (incomprensibles precisamente como símbolos) que están dispersos por la imagen. Sin embargo, en conjunto, esta “visión” golpea y subyuga la atención. ¿Debe interpretarse la presencia de Cristo como un rayo de esperanza? ¿O tenemos un sacrificio expiatorio? ¿O es un intento de denunciar al culpable de innumerables problemas? Otros consideraban que todos los males que acontecieron a la humanidad durante los largos siglos de la era cristiana eran frutos directos de aquella enseñanza que, predicando la misericordia y el amor, en la experiencia real, entrañaba consecuencias más crueles y maliciosas que todo lo que la precedió.

Cómo resolver el problema, no lo sé. La imagen en sí no contiene una respuesta, y no tengo la intención de recurrir al creador mismo para obtener comentarios verbales (si desea darlos). Pero una cosa, en cualquier caso, sigue siendo indiscutible. En el cuadro “Cristo” se presenta algo sumamente trágico, y algo que corresponde plenamente a la abominación de la época que se vive. Este es el documento del alma de nuestro tiempo. Y esto es una especie de grito, una especie de grito, ¡este es el verdadero patetismo! Quizás esta imagen signifique también un giro en la propia obra de Chagall, su deseo de alejarse de su anterior “diversión seductora”, y en este caso, podemos esperar de él otras revelaciones similares en el futuro. Chagall es un verdadero artista, y lo que dice con toda sinceridad siempre será significativo e interesante.

Una sala entera de la Galería Tretyakov en Krymsky Val ahora está dedicada a Marc Chagall, una leyenda de la vanguardia rusa, uno de los artistas más importantes del arte mundial del siglo XX. Por primera vez después de la restauración, será posible ver el ciclo completo de paneles creados por el maestro para el Teatro Judío, y no solo.

En la colección de la Galería Tretyakov hay una gran colección de gráficos de Marc Chagall, incluidas las ilustraciones de "Dead Souls", que el autor presentó personalmente a la galería, pero no hay tantas pinturas, solo 12. Pero algunas son reales. golpes. Uno de ellos - "Sobre la ciudad" - lo que vale la pena. Una serie de paneles creados por Chagall para el Teatro Judío tiene una gran demanda. Fueron vistos en cuarenta y cinco ciudades del mundo, pero en sus paredes natales, como parte de una exposición permanente, se mostrarán juntos por primera vez. Esta serie fue creada por Chagall en la década de 1920, cuando dejó su Vitebsk natal y la escuela que creó tras desacuerdos con Kazimir Malevich, se mudó a Moscú e inmediatamente recibió un gran pedido.

“Chagall enseguida dijo que pintaría un gran panel y escribiría estas cosas para hacer una especie de diapasón, una introducción al teatro, y que con su pintura quiere combatir las barbas postizas, el naturalismo que existía en la teatro”, dice el curador del departamento de pinturas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Galería Tretyakov Lyudmila Bobrovskaya.

El artista trabajó en el escenario durante dos meses, creó nueve paneles, solo sobrevivieron siete. El más grande es "Introducción al Teatro Judío". El destino de estas obras de Marc Chagall es difícil, así como el del propio teatro judío, que se mudó y en 1949 fue cerrado por completo. Luego, las obras terminaron en la Galería Tretyakov y esperaron mucho tiempo para su restauración.

“En 1973, cuando Chagall vino a Moscú, vino a nosotros, y estas cosas le fueron presentadas en el Salón Serov. Estaba increíblemente feliz: no esperaba que estuvieran vivos, e incluso puso una firma en algunas cosas, no estaban allí. No percibía sus obras como obras de caballete”, explica Lyudmila Bobrovskaya.

Marc Chagall a menudo enfatizaba su nacionalidad: escribió poesía en yiddish, creó vidrieras para la sinagoga, pero es difícil llamarlo un artista judío, todavía es cosmopolita, su lenguaje artístico es comprensible en todos los continentes. Por ejemplo, los japoneses lo quieren mucho y desde hace mucho tiempo. En el País del Sol Naciente se forman colas para sus exposiciones.

Chagall básicamente no se unió a ningún grupo, es difícil llamarlo partidario de una dirección en particular, aunque él mismo se dijo a sí mismo: "Soy realista, amo la tierra". Chagall puede llamarse un artista fabuloso, los orígenes de su trabajo: en la infancia, cuando parece que todo es posible. Y una cabra puede ser verde, y la gente puede volar en las nubes.

MOSCÚ, 8 de enero. /corr. RIA Novosti Elena Titarenko/. Muy brevemente, solo hasta marzo de 2003, las pinturas de Wassily Kandinsky y Marc Chagall ocuparon el lugar que les corresponde en la exposición de la Galería Estatal Tretyakov / Galería Estatal Tretyakov /.

Varias pinturas, conocidas en todo el mundo como obras maestras de la vanguardia rusa, hicieron una breve parada en casa entre giras por el extranjero. Hoy, las obras de estos maestros son verdaderas "estrellas", estando casi constantemente "de gira" en diferentes partes del mundo. Así, los lienzos de Kandinsky han regresado recientemente de Japón, donde se realizó con éxito su mayor exposición individual de los últimos años.

Como dijo Svetlana Maslova, investigadora principal de la Galería Estatal Tretyakov, en una entrevista con RIA Novosti, en la Tierra del Sol Naciente, de la herencia del primer artista abstracto, "se mostró todo lo que está en Rusia". Ya en la primavera, las pinturas irán a Occidente, a España. Durante todo el verano de 2003 la exposición de Wassily Kandinsky estará abierta en Barcelona, ​​en octubre se trasladará a Madrid, donde permanecerán lienzos procedentes de Rusia hasta finales de enero de 2004.

Mientras tanto, los espectadores de Moscú pueden volver a ver los clásicos en Krymsky Val: la famosa "Composición VII" /1913/, "Improvisación de formas frías" /1914/, "Problemas" /1917/, "Óvalo blanco" /1919/, así como la obra de período tardío de Kandinsky - "Movimiento" / 1935 /.

Cerca de allí, en la exposición permanente "Arte del siglo XX", hay pinturas de Chagall del período de Vitebsk, los poros de destacados descubrimientos creativos: "Above the City" /1914-1918/, "Lilies of the Valley" /1916/, "Boda" /1918/ están impregnadas de una percepción temblorosa y fantasiosa de la realidad rusa. Tres obras tempranas ilustran vívidamente la formación del Maestro, quien en vida se convirtió en una leyenda del arte del siglo XX. De hecho, estas son obras icónicas: imbuidas de un temperamento poderoso, están marcadas por la forma única de Chagall que finalmente se había desarrollado en ese momento.

En marzo, la exposición individual de Chagall se inaugurará en París, en la Galería Nacional del Grand Palais. En julio, la misma amplia exposición se desarrollará en el Museo de San Francisco /EE.UU./. Pero algunos lienzos de la Galería Estatal Tretyakov ya se fueron a Amsterdam para la exposición "Siete paneles de Marc Chagall", dijo Maslova.

El Museo Histórico Judío exhibe dentro de sus paredes exhibiciones de "impacto" de la Galería Tretyakov: siete paneles de gran formato pintados en 1920 para decorar el interior del Teatro de Cámara Judío en Moscú. "Introducción al teatro judío", "Amor en el escenario" y el friso "Comida nupcial", así como las famosas alegorías de la música, la danza, el teatro y la literatura: todos estos lienzos fueron creados dos años antes de que el artista abandonara Rusia para siempre. .

Poco después del cierre del teatro, los paneles también se encontraron "en el exilio": después de haber estado almacenados durante más de medio siglo, no vieron la luz nuevamente hasta 1991. El equipo de restauradores de la Galería Estatal Tretyakov bajo la dirección de Alexei Kovalev, después de haber realizado un trabajo titánico, salvó los paneles y cada vez que su demostración se convierte en una fiesta para la Galería Tretyakov.

Y los propios artistas, Wassily Kandinsky /1866-1944/ y Marc Chagall /1887-1985/, que abandonaron Rusia a principios de la década de 1920, y sus obras tuvieron un destino difícil. Dos pioneros en el arte, a la par de los titanes del siglo XX como Kazimir Malevich, Pavel Filonov, Natalya Goncharova, Vladimir Tatlin, fueron más una leyenda que una realidad en su tierra natal durante mucho tiempo. Su patrimonio, conservado en museos nacionales, en realidad fue excluido de la vida artística del país en la URSS.

Por el contrario, eran conocidos en el extranjero incluso antes de la Primera Guerra Mundial, y en la década de 1930 les llegó la verdadera fama. Ambos conocieron la persecución: en 1933, Kandinsky se vio obligado a abandonar Alemania, donde enseñó en la famosa escuela Bauhaus, expuso activamente e incluso tomó la ciudadanía. Hasta el final de sus días vivió en París, donde Chagall también se instaló en 1923.

En 1937, se unieron en ausencia en Alemania por la exposición "Arte degenerado", organizada por los nazis en Munich. Pronto Chagall tuvo que abandonar Europa por completo: durante el Holocausto, escapó a los Estados Unidos.

Al igual que otros líderes del arte innovador de Rusia en el siglo XX, ambos artistas fueron silenciados en su tierra natal, lo que agravó su partida hacia la emigración. Los ideólogos oficiales de la URSS mantuvieron sus pinturas bajo llave, lejos de los ojos de la audiencia, hasta que todo el viejo sistema de valores se derrumbó. Aunque la Galería Tretyakov, el Hermitage y el Museo Ruso han tenido durante mucho tiempo magníficas colecciones de obras de Kandinsky y Chagall, pertenecientes al período temprano más valorado, durante décadas han estado "ocultas": no se permitió promover el trabajo de los emigrantes. .

Solo en 1973, cuando la fama de Chagall era realmente mundial, su exposición en la Galería Tretyakov "se abrió paso"; luego, el autor mismo vino a Rusia por primera vez después de 1922. Kandinsky, por otro lado, se exhibió ampliamente solo en 1989, aunque algunas de sus obras brillaron en la estruendosa exposición "Moscú-París" / 1981 /.

Hasta 1985, la pequeña sala de la Galería Estatal Tretyakov parecía un gran avance en el espacio desconocido de la vanguardia, donde las obras de los más grandes maestros de la época no se exhibían por docenas, lo que habría sido bastante realista con la riqueza. de fondos, sino por uno o dos cuadros.

Al mismo tiempo, allá por los años 70, los museos de la URSS comenzaron a proporcionar obras de pintores "prohibidos" a exposiciones extranjeras, que llevaban nombres tan característicos: "Kandinsky. Treinta cuadros de museos soviéticos" / París, 1979 /.

La verdadera escala de estos artistas se mostró en retrospectivas personales que tuvieron lugar en Moscú y Leningrado sobre la ola posterior a la perestroika de llenar vacíos en la historia del arte ruso. Entonces las exposiciones de vanguardia se convirtieron en todo un acontecimiento, reuniendo enormes colas.

Sin embargo, durante unos 10 años no ha sido posible familiarizarse seriamente con Chagall o Kandinsky en Rusia: incluso después de la apertura de la exposición del siglo XX, la Galería Tretyakov muestra con más frecuencia que en la patria la herencia de los "grandes". en el extranjero, donde es ampliamente conocido y demandado. Causando una reverencia cada vez mayor, ambos maestros exhibieron en Europa y los EE. UU. En los años 10 del siglo XX, y en los años 20, y desde principios de los años 30, los artistas de Rusia aceptaron voluntariamente los mejores museos y galerías del Viejo y Nuevo. Los mundos / no fueron una excepción, ni siquiera en los años de la guerra.

Al mismo tiempo, grandes coleccionistas comenzaron a comprar obras de Kandinsky: Solomon R. Guggenheim y Arthur J. Eddy /EE.UU./, Mitchell T. Sadler /Gran Bretaña/, Willem Beffi /Dinamarca/. Y ya en 1937, sus lienzos aparecieron en la colección del Museo Solomon R. Guggenheim / Nueva York /, y luego en otros importantes museos de arte contemporáneo: el Centro Georges Pompidou / París /, la Galería Lenbachhaus / Munich /. Su colega más joven, Chagall, no fue inferior a Kandinsky: su legado lo conservan el Museo Ludwig / Colonia / y el Museo de Arte de Basilea, museos de Londres, Jerusalén, París, Nueva York, Montreal, etc., y el Museo Chagall. fue inaugurado en Niza.

El número de coleccionistas privados que poseen las obras de estos dos autores es prácticamente incalculable. Ambos maestros fueron elevados al rango de tesoro nacional en varios países a la vez, desde Alemania y Francia hasta Israel.

Destacados representantes de la cultura rusa, Kandinsky y Chagall pertenecen al arte mundial del siglo XX, y su patrimonio pertenece al "fondo dorado" de la Galería Tretyakov, el Museo Ruso y una serie de tesoros del interior de Rusia. Sus obras se muestran regularmente en los principales museos de todo el mundo. Ejemplos recientes son las exposiciones internacionales "Kandinsky y Rusia" en Suiza, "Marc Chagall: Tradiciones Judías" en España.

La exposición “Marc Chagall. Los orígenes del lenguaje creativo del artista”, coincidiendo con su 125 cumpleaños. La exposición se centra en gráficos poco conocidos, también incluye ejemplos de arte popular judío y grabados populares rusos.

Al exiliarse en 1922, Marc Chagall escribió: “Ni la Rusia zarista ni la soviética me necesitan. No me entienden, soy un extraño aquí. Pero Rembrandt ciertamente me ama. Y tal vez, después de Europa, mi Rusia me ame. El pronóstico estaba plenamente justificado, aunque el artista tuvo que esperar medio siglo para ser reconocido en su tierra natal. En 1973 vino a Moscú para inaugurar su exposición personal en la Galería Tretyakov. Sin embargo, el reconocimiento completo, acompañado del amor del público en general, sucedió después de la muerte de Chagall, en tiempos de la perestroika. En 1987, el Museo Pushkin organizó una gran retrospectiva del maestro, que se hizo muy popular: la cola del museo estaba ocupada desde la noche. Y un proyecto relativamente reciente, de 2005, de la Galería Tretyakov llamado "¡Hola, Patria!" disfrutó de un gran éxito

La exposición actual en el Cuerpo de Ingenieros puede considerarse una especie de juego de notas a pie de página y comentarios sobre el "folio" anterior.

No hay éxitos populares como "Walks over Vitebsk" o "Fiddler on the Roof" aquí, pero hay cien exhibiciones con un sonido más de cámara. La mayoría de ellos no son familiares para nuestros espectadores. Según la curadora de la exposición, Ekaterina Selezneva (en su tiempo libre trabaja como directora del departamento de relaciones internacionales del Ministerio de Cultura de la Federación Rusa), casi todos estos materiales fueron nominados hace siete años para participar en el Hello, Motherland!, pero no llegó a la composición final. Presumiblemente, principalmente debido al hecho de que se desvanecieron contra el telón de fondo de lienzos a gran escala. Al mismo tiempo, se decidió organizar en un futuro indefinido una exposición separada de gráfica y pintura de pequeño formato para centrarse en las raíces y orígenes del arte de Chagall. Como bromeó Meret Meyer, la nieta del artista, en una conferencia de prensa, "si comparas la exposición con un niño, entonces siete años de gestación podrían conducir al nacimiento de cierto monstruo". Sin embargo, el "bebé" presentado al público salió bastante lindo, al menos sin desviaciones del desarrollo. Aunque tampoco puedes llamarlo niño prodigio.

No es ningún secreto que el arte de Marc Chagall fue el resultado de una poderosa síntesis de varios estilos, modales y culturas visuales a la vez. El artista plegó su mito personal por capricho e inspiración, tomando prestadas no tanto ideas e imágenes como "cabezas de puente" para sus propias emociones. Pero en retrospectiva, se pueden identificar una buena cantidad de paralelos, a menudo bastante inconscientes.

Si los organizadores de la exposición hubieran perseguido realmente el objetivo de explorar los "orígenes del lenguaje creativo del artista", no se habrían limitado a incluir menorás de bronce, vasos rituales, lámparas de Hanukkah y otros signos de vida shtetl en la exposición.

Artículos de este tipo, tomados del Museo Ruso de Etnografía y del Museo de Historia Judía en Rusia, son extremadamente apropiados aquí, pero claramente insuficientes. E incluso una pequeña colección de grabados populares rusos todavía no cierra el tema de los "orígenes". Para una credibilidad completa, se requerirían íconos ortodoxos (Chagall los valoraba mucho), y obras de cubistas y surrealistas, e incluso obras seleccionadas de clásicos rusos, desde Alexander Ivanov hasta Mikhail Vrubel. En el catálogo de la exposición se trazan tales conexiones, pero en la realidad expositiva no son visibles. Es fácil ver por qué: tal estudio no sólo requeriría esfuerzos organizativos adicionales (y considerables), sino que también inquietaría a los llamados espectadores "ordinarios". La figura de Marc Chagall dejaría de jugar un papel principal y exclusivo; el público tendría que vadear laberintos de significados a sus obras. Desde el punto de vista de la naturaleza democrática del proyecto, este enfoque debe haber parecido inaceptable para los organizadores, aunque desde el punto de vista de la historia del arte parecía muy seductor.

Pero no hay mal sin bien. La minimización de las alusiones atraídas permite aferrarse a la obra de Chagall directamente, sin intermediarios.

Aunque la apuesta es por los gráficos, incluidos los impresos, aquí también hay pintura, por lo que los amantes de los reconocibles efectos de Chagall no se quedarán fuera. El impacto del lienzo "Desnudo sobre Vitebsk" debe ser especialmente dramático: debe tenerse en cuenta que fue escrito en 1933, cuando el artista recibió dos heridas morales a la vez.

Luego, los nazis quemaron varias obras de Chagall después de la exposición "El bolchevismo en el arte", y las autoridades francesas se negaron a otorgarle la ciudadanía, recordando el período del comisariado en Vitebsk. En cierto sentido, este cuadro puede considerarse como una sesión de autocuración espiritual.

Sin embargo, casi todo en Chagall es autobiográfico, incluso fantasmagoría. Por ejemplo, las ilustraciones grabadas del libro “Mi vida” (es curioso que el artista terminó de escribir el volumen de memorias a la edad de solo 37 años) están llenas de detalles surrealistas y, sin embargo, se perciben casi como evidencia documental. Aún más confiables son los retratos de los miembros de la familia: madre, esposa Bella e hija Ida, primos, parientes lejanos. En esta ocasión, se recuerda la frase de Chagall: “Si mi arte no jugó ningún papel en la vida de mis familiares, entonces sus vidas y sus acciones, por el contrario, influyeron mucho en mi arte”.

¿Por qué no otra "fuente de lenguaje creativo"? El tema de la familia en la exposición continúa de manera algo inesperada con fragmentos del "Servicio nupcial": platos de cerámica pintados por el artista en honor al matrimonio de su hija.

Meret Meyer afirma que a menudo usaban este servicio durante la vida de su abuelo en la vida cotidiana.

La exposición fundamentalmente no sigue ninguna cronología, por lo que en el barrio en un único espacio se pueden encontrar bocetos juveniles, y la famosa serie de grabados de ilustraciones para la Biblia y Dead Souls (son obras de los años 20 - 30), y posteriores collages coloreados, que en realidad no estaban destinados al público, pero sirvieron como bocetos para obras monumentales, por ejemplo, para el panel Triumph of Music para la Ópera Metropolitana de Nueva York. Está claro que la mezcla de diferentes períodos de creatividad tampoco contribuye a la percepción analítica. Aunque en el caso de Chagall, tal método de exposición se justifica parcialmente. A lo largo de su larga vida, pareció dar vueltas en torno a sus propias emociones, entre las cuales una de las más importantes fue la añoranza por el Vitebsk perdido. Así que las brechas de decenas de años entre obras no parecen tan críticas.

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