Ko pripada italijanskoj renesansi. Italijanska renesansa

Jesi li tu: Recepti

Rjazanska državna radiotehnička akademija

Odjeljenje za istoriju i kulturu

Disciplina kulturoloških studija

Sažetak na temu:

"Renesansna umjetnost u Italiji"

Ispunjena čl. gr. 070

Boltukova A.A.

provjereno

Kupreev A.I.

Rjazanj 2001

I Uvod………………………………………………………………………………………………..…..2

II renesansa u Italiji:

1. Periodizacija…………………………………………………………………………………………….3

2. proto-renesansa:

Trecento:

· Nicolo Pisano kao osnivač škole skulpture ……..……………………….4

· Nova riječ u slikarstvu - Pietro Cavalini……….………………………………4

Firenca je glavni grad umetnički život Italija (Giotto di Bondone)…………..………………………………………………………………………4

3. rana renesansa:

Quattrocento……………………………………………………………………………………………………………….6

a) skulptura:

· Lorenzo Ghiberti…………………………………………………………………………………….7

· Donatello je veliki reformator......................................................................................................7

· Jacopo della Quercia……………………………………………………………...9

· Porodica kipara della Robia……………..…………………………………………9

b) slikanje:

· Psihološka dubina Masacciovih slika……………………………………….9

· Paolo Uccelo i njegova “fabuloznost”………………………………………………………………11

4. visoka renesansa:

a) u centralnoj Italiji:

· Kreativnost Leonarda da Vincija kao oličenje harmonije.…………………..12

· Majstor Madona (Rafael)…………………………………………………………13

· Mikelanđelovo delo………………………………………………………………………..14

b) u Veneciji

· Mitološki i književni zapleti Giorgionea……………………………15

· Tizian Vecellio………………………………………………………………………...16

5. kasna renesansa:

· Kreativna individualnost Tintoretta……………………………………………………………………………………16

· Manirizam je posebna faza kasne renesanse…………………………………..17

III Zaključak……………………………………………………………………………………………………..18

Spisak literature…………………………………………………………………………………..20

B E D E N I E

Umjetnost renesanse nastala je na temelju humanizma (od lat. humanus - "ljudski") - trend društvene misli koji je nastao u XIV vijeku. u Italiji, a zatim u drugoj polovini XV-XVI vijeka. proširila na druge evropske zemlje Oh. Humanizam je proglašavao najvišu vrijednost čovjeka i njegovo dobro. Humanisti su vjerovali da svaka osoba ima pravo da se slobodno razvija kao osoba, ostvarujući svoje sposobnosti. Ideje humanizma bile su najslikovitije i najpotpunije utjelovljene u umjetnosti, čija je glavna tema bila lijepa, skladno razvijena osoba s neograničenim duhovnim i stvaralačkim mogućnostima.

Humanisti su bili inspirisani antikom, koja im je poslužila kao izvor znanja i uzor umjetničko stvaralaštvo. Velika prošlost, koja je u Italiji neprestano podsjećala na sebe, tada je doživljavana kao najviše savršenstvo, dok je umjetnost srednjeg vijeka djelovala nevješto varvarsko. Izraz “oživljavanje”, koji je nastao u 16. vijeku, značio je pojavu nove umjetnosti koja je oživjela klasičnu antiku, antičku kulturu. Međutim, umjetnost renesanse mnogo duguje umjetničkoj tradiciji srednjeg vijeka. Staro i novo su bili u neraskidivoj vezi i sučeljavanju.

Uz svu kontradiktornu raznolikost i bogatstvo svog porijekla, umjetnost renesanse je fenomen koji obilježava duboka i temeljna novina. Postavio je temelje evropske kulture modernog doba. Sve glavne vrste umjetnosti - slikarstvo, grafika, skulptura, arhitektura - su se izuzetno promijenile.

U arhitekturi su uspostavljeni kreativno revidirani principi antičkog sistema reda i formirani novi tipovi javnih zgrada. Slikarstvo je obogaćeno linearnom i vazdušnom perspektivom, poznavanjem anatomije i proporcija ljudskog tela. Zemaljski sadržaj je prodro u tradicionalne religiozne teme umjetničkih djela. Povećano interesovanje za antičku mitologiju, istoriju, svakodnevne scene, pejzaže, portrete. Uz monumentalne zidne slike koje krase arhitektonske objekte, pojavila se slika, nastalo je ulje na platnu.

Umjetnost se još nije u potpunosti odvojila od zanata, ali je do izražaja došla kreativna individualnost umjetnika, čija je djelatnost u to vrijeme bila izuzetno raznolika. Univerzalni talenat majstora renesanse je upečatljiv - oni su često radili u oblasti arhitekture, skulpture, slikarstva, kombinovali svoju strast za književnošću, poezijom i filozofijom sa proučavanjem egzaktnih nauka. Koncept kreativno bogate, ili "renesansne", ličnosti kasnije je postao poznata reč.

U umjetnosti renesanse usko su se ispreplitali putevi naučnog i umjetničkog poimanja svijeta i čovjeka. Njegovo spoznajno značenje bilo je neraskidivo povezano sa uzvišenom poetskom Ljepotom, u svojoj težnji za prirodnošću nije silazilo u sitnu svakodnevicu. Umjetnost je postala univerzalna duhovna potreba.

Formiranje renesansne kulture u Italiji odvijalo se u ekonomski nezavisnim gradovima. U usponu i procvatu renesansne umjetnosti važnu su ulogu odigrali Crkva i veličanstveni dvorovi nekrunisanih vladara (vladajućih bogatih porodica) - najvećih pokrovitelja i kupaca djela slikarstva, skulpture i arhitekture. Glavni centri renesansne kulture bili su prvo gradovi Firenca, Siena, Piza, a zatim Padova. Ferara, Đenova, Milano i kasnije od svih, u drugoj polovini 15. veka, bogati trgovac Venecija. U XVI veku. Rim je postao prestonica italijanske renesanse. Od tada su lokalni centri umjetnosti, osim Venecije, izgubili nekadašnji značaj.

P E R I O D I Z A T I A

Zbog tranzicione prirode renesanse, hronološki okvir ovog istorijskog perioda prilično je teško utvrditi. Periodizaciju renesanse određuje vrhunska uloga likovne umjetnosti u njenoj kulturi. Na osnovu znakova koji će kasnije biti naznačeni (humanizam, antropocentrizam, modifikacija kršćanske tradicije, oživljavanje antike), tada će hronologija izgledati ovako: uvodni period, Proto-renesansa, "Epoha Dantea i Giotta", oko 1260-1320, djelomično se poklapa sa periodom ducenta (XII-XII vek) i trecenta (XIII-XIV vek), Rana renesansa(quattrocento XIV-XV st.), kada novi trendovi aktivno stupaju u interakciju s gotikom, prevazilazeći je i kreativno transformirajući, kao i visoko i Kasna renesansa(cinquecento XV-XVI st.); čija je posebna faza postala manirizam.

P O T O R E N E S S A N S

U italijanskoj kulturi XIII - XIV vijeka. Na pozadini još jakih bizantskih i gotičkih tradicija, počele su se pojavljivati crte nove umjetnosti - buduće umjetnosti renesanse. Stoga je ovaj period njegove istorije nazvan protorenesansom (tj. pripremajući početak renesanse; od grčki"protos" - "prvi").

Ni u jednoj evropskoj zemlji nije postojao sličan prelazni period. U samoj Italiji, protornesansna umjetnost postojala je samo u Toskani i Rimu.

U italijanskoj kulturi isprepliću se crte starog i novog. "Posljednji pjesnik srednjeg vijeka" i prvi pjesnik nove ere, Dante Alighieri (1265-1321) stvorio je talijanski književni jezik. Ono što je Dante započeo nastavili su i drugi veliki Firentinci 14. veka - Frančesko Petrarka (1304-1374), osnivač evropske lirike, i Đovani Bokačo (1313-1375), začetnik žanra kratke priče u svetskoj književnosti. U vizuelnoj umetnosti, bezlični esnafski zanat ustupa mesto individualnoj kreativnosti. U arhitekturi, skulpturi i slikarstvu nastupaju veliki majstori koji su postali ponos epohe - Niccolo i Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Pietro Cavallini, Giotto di Bondone, čiji je rad u velikoj mjeri odredio dalji razvoj italijanske umjetnosti, postavljajući temelje za obnovu.

Trecento

Od druge polovine XIII - god početkom XIV in. u borbi protiv lokalnih feudalaca jačali su firentinski građani. Firenca je bila jedna od prvih koja se pretvorila u bogatu republiku sa ustavom usvojenim 1293. godine, sa buržoaskim načinom života i buržoaskom kulturom u nastajanju. Firentinska republika je trajala skoro sto pedeset godina, stekavši bogatstvo u trgovini vunom i svilom i postala poznata po svojim manufakturama.

Promjene u umjetnosti Italije, prije svega, utjecale su na skulpturu. Priredili su ih skulpturalni radovi majstora Niccolo Pisano (oko 1220. - između 1278. i 1284.). Rođen je na jugu, u Pulji, ali se, radeći u Pizi, toliko zbližio sa gradom da je dobio nadimak Pisano, sa kojim je ušao u istoriju italijanske umetnosti. Jasan je uticaj antike u njegovim delima. On je nesumnjivo proučavao skulpturalnu dekoraciju kasnorimskih i ranokršćanskih sarkofaga. Šestougaona mramorna propovjedaonica (1260), koju je izradio za krstionicu u Pizi, postala je izvanredno ostvarenje renesansne skulpture i utjecala na njeno dalje formiranje. Propovjedaonica, izrađena od bijelog, ružičasto-crvenog i tamnozelenog mramora, predstavlja cjelinu arhitektonskog objekta, lako vidljivu sa svih strana. Prema srednjovjekovnoj tradiciji, na parapetima (zidovima propovjedaonice) nalaze se reljefi na scene iz Kristova života, između njih su likovi proroka i alegorijske vrline. Stupovi počivaju na leđima ležećih lavova. Ovdje se koristi Niccolo Pisano tradicionalne priče i motivi, međutim, propovjedaonica već pripada novoj eri.

Nikolo je postao osnivač škole skulpture koja je trajala do sredine 14. veka i proširila svoju pažnju širom Italije. Naravno, mnogo toga u skulpturi pizanske škole još uvijek gravitira prema prošlosti. Sačuva stare alegorije i simbole. U reljefima nema prostora, figure usko ispunjavaju površinu pozadine. Pa ipak, Niccolove reforme su značajne. Upotreba klasične tradicije, naglasak na volumenu, materijalnosti i težini figure, predmeta, želja da se u sliku religiozne scene uvedu elementi stvarnog ovozemaljskog događaja stvorili su osnovu za široku obnovu umjetnosti. U godinama 1260-1270, radionica Niccolo Pisano izvršila je brojne narudžbe u gradovima centralne Italije.

Novi trendovi prodiru u slikarstvo Italije. Neko vrijeme značajna uloga na ovom području pripadala je rimskim umjetnicima. Rimska škola je istakla jednog od najvećih majstora protorenesanse - Pietro Cavallini (između 1240. i 1250. - oko 1330.).

Baš kao što je Niccolò Pisano reformirao italijansku skulpturu, Cavallini je postavio temelje za novi smjer u slikarstvu. U svom radu oslanjao se na kasnoantičke i ranokršćanske spomenike, kojima je Rim još u svoje vrijeme bio bogat. Autor je mozaika (Crkva Santa Maria in Trastvere; 1291) i fresaka (Crkva Santa Cecilia in Trastvere; oko 1293). Zasluga Cavallinija je u tome što je nastojao da prevaziđe ravnost formi i kompozicione konstrukcije, koje su bile svojstvene preovlađujućim u njegovo vreme u Italijansko slikarstvo"vizantijski" ili "grčki" način. Uveo je modeliranje svjetla i sjene posuđeno od antičkih umjetnika, postižući zaobljenost i plastičnost oblika.

Međutim, od druge decenije XIV veka, umetnički život u Rimu je zaleđen. Vodeća uloga u italijanskom slikarstvu prešla je na firentinsku školu.

Firenca je dva stoljeća bila nešto poput prijestolnice umjetničkog života Italije i odredila je glavni smjer razvoja njene umjetnosti.

Rođenje proto-renesansne umjetnosti Firence povezuje se s imenom Cenny di Peppo, nadimak Cimabue (c.1240-c.1302).

Ali najradikalniji reformator slikarstva bio je jedan od najvećih umjetnika talijanske proto-renesanse. Giotto di Bondone (1266/67-1337). U svojim djelima Giotto ponekad postiže takvu snagu u sukobu kontrasta i prenošenju ljudskih osjećaja, što nam omogućava da u njemu vidimo prethodnika najvećih majstora renesanse. Radio je kao slikar, vajar i arhitekta. Ipak, njegovo glavno zanimanje bilo je slikarstvo. Glavno Giottoovo djelo je slika kapele Arene ili kapele Scrovegni (nazvane po kupcu) u gradu Padovi (1303-1306). Kasnija Giottova djela su murali u crkvi Santa Croce u Firenci (kapela Peruzzi i kapela Bardi). U Chapel del Arena, freske su raspoređene u tri reda duž praznog zida. Unutrašnjost jednostavne jednobrodne kapele osvjetljava pet prozora na suprotnom zidu. Ispod, na slikovito imitiranom postolju od ružičastih i sivih kvadrata, nalazi se 14 alegorijskih figura proroka i vrlina. Iznad ulaza u kapelu je slika "Posljednji sud", na suprotnom zidu - scena "Navještenje". Giotto je povezao 38 scena iz Kristova i Marijinog života u jedinstvenu skladnu cjelinu, stvarajući veličanstven epski ciklus. Priče iz evanđelja Giotto predstavlja kao stvarne događaje. Živi jezik govori o problemima koji se tiču ljudi u svako doba: o dobroti i međusobnom razumijevanju ("Susret Marije i Jelisavete", "Susret Joakima i Ane na Zlatnim vratima"), prevari i izdaji ("Judin poljubac" , "Kristovo bičevanje"), o dubini tuge, krotosti, poniznosti i vječne sveopšte majcinska ljubav("Lamentacija"). Scene su pune unutrašnje napetosti, kao, na primer, „Vaskrsenje Lazarevo“, ponekad potresne u svojoj tragediji, poput kompozicije „Nošenje krsta“.

Tumačeći jevanđeljske epizode kao događaje iz ljudskog života, Giotto ih postavlja u realno okruženje, odbijajući da spoji trenutke u različito vrijeme u jednoj kompoziciji. Giottove kompozicije su uvijek prostorne, iako scena na kojoj se radnja igra obično nije duboka. Arhitektura i pejzaž na Giottovim freskama uvijek su podložni akciji. Svaki detalj u njegovim kompozicijama usmjerava pažnju gledatelja na semantičko središte.

Giotto je postavio temelje renesansnoj umjetnosti. Iako nije bio jedini umjetnik svog vremena koji je krenuo putem reformi, njegova odlučnost, odlučnost i hrabar raskid sa bitnim principima srednjovjekovne tradicije čine ga začetnikom nove umjetnosti.

Još jedno značajno središte italijanske umetnosti krajem 13. veka - prve polovine 14. veka bila je Sijena. Formiranje njegove umjetničke škole odvijalo se u isto vrijeme kad i firentinska, ali umjetnost ova dva najveća toskanska grada je različita, koliko su različiti bili njihovi način života i njihovu kulturu.

Sijena je bila stari rival Firence. To je dovelo do niza vojnih sukoba, koji su se završavali promjenjivim uspjehom, ali je do kraja 13. stoljeća prevlast bila na strani Firence, koja je uživala podršku Pape.

Umjetnost Siene obilježena je karakteristikama rafinirane sofisticiranosti i dekorativnosti. Francuski ilustrovani rukopisi i rukotvorine bili su cijenjeni u Sieni. U XIII-XIV vijeku ovdje je podignuta jedna od najelegantnijih talijanskih gotičkih katedrala, na čijoj je fasadi radio 1284-1297. Giovanni Pisano.

R A N E E RESTAURACIJA

U prvim decenijama 15. veka dogodila se odlučujuća prekretnica u umetnosti Italije. Pojava moćnog centra renesanse u Firenci dovela je do obnove cjelokupne talijanske umjetničke kulture. Djelo Donatela, Masaccia i njihovih saradnika obilježava pobjedu renesansnog realizma, koji se bitno razlikovao od "realizma detalja" koji je bio karakterističan za umjetnost kasnog trečenta. Radovi ovih majstora prožeti su idealima humanizma. Oni uzdižu osobu, uzdižu je iznad nivoa svakodnevnog života.

U svojoj borbi s gotičkom tradicijom, umjetnici rane renesanse potporu su tražili u antici i umjetnosti protoresanse. Ono što su majstori proto-renesanse tražili samo intuitivno, dodirom, sada se zasniva na tačnom saznanju.

Italijanska umjetnost 15. stoljeća odlikuje se velikom raznolikošću. Razlika u uslovima u kojima se formiraju lokalne škole stvaraju različite umetničke pokrete. Nova umjetnost, koja je početkom 15. stoljeća pobijedila u naprednoj Firenci, nije odmah dobila priznanje i distribuciju u drugim područjima zemlje.

Dok su Bruneleschi, Masaccio, Donatello radili u Firenci, tradicije vizantijske i gotičke umjetnosti još su živjele u sjevernoj Italiji, tek postupno zamijenjene renesansom.

Quattrocento

Od kraja XIV veka. vlast u Firenci prelazi na kuću bankara Medici. Njegov glavar, Cosimo de' Medici, postao je neizrečeni vladar Firence. Pisci, pjesnici, naučnici, arhitekti i umjetnici hrle na dvor Kozima Medičija (a potom i njegovog unuka Lorenca, zvanog Veličanstveni). Počinje doba medicinske kulture. Prvi znaci nove, buržoaske kulture i pojave novog, građanskog pogleda na svijet posebno su izraženi u 15. vijeku, u periodu Quattrocento. Ali upravo zato što proces formiranja nove kulture i novog pogleda na svet nije završen u ovom periodu (to se dogodilo kasnije, u eri konačnog raspada i raspada feudalnih odnosa), 15. vek je pun stvaralačke slobode, hrabra smelost, divljenje ljudskoj individualnosti. Ovo je zaista doba humanizma. Osim toga, ovo je doba puno vjere u neograničenu moć uma, era intelektualizma. Percepcija stvarnosti testira se iskustvom, eksperimentom, kontroliše um. Otuda duh reda i mjere koji je toliko karakterističan za umjetnost renesanse. Geometrija, matematika, anatomija, doktrina o proporcijama ljudskog tijela su od velike važnosti za umjetnike; tada počinju pažljivo proučavati strukturu čovjeka; u 15. veku Italijanski umjetnici također su riješili problem pravolinijske perspektive, koji je već sazreo u umjetnosti trecenta.

Antika je odigrala veliku ulogu u formiranju sekularne kulture Quattrocenta. 15. vijek pokazuje direktne veze sa kulturom renesanse. Od 1439. godine, od vaseljenskog crkvenog sabora održanog u Firenci, na koji su u pratnji veličanstvene pratnje stigli vizantijski car Jovan Paleolog i carigradski patrijarh, a posebno nakon pada Vizantije 1453. godine, kada su mnogi naučnici koji su pobjegli iz Istok je našao utočište u Firenci, ovaj grad postaje jedan od glavnih centara u Italiji za proučavanje grčkog jezika, kao i književnosti i filozofije antičke Grčke. U Firenci je osnovana Platonska akademija, Laurentijanska biblioteka sadrži najbogatiju zbirku antičkih rukopisa. Pa ipak, vodeća uloga u kulturnom životu Firence u prvoj polovini i sredinom 15. stoljeća nesumnjivo je pripadala umjetnosti. Prvi muzeji umjetnosti ispunjena statuama, fragmentima antičke arhitekture, mermerima, novčićima, keramikom. Stari Rim se obnavlja. Ljepota napaćenog Laokoona, prelijepi Apolon (Belvedere) i Venera (Ljekar) pojavljuju se pred zapanjenom Evropom.

Skulptura

U XV veku. Italijanska skulptura je procvjetala. Dobio je samostalno značenje, nezavisno od arhitekture, pojavili su se novi žanrovi u njemu. Praksa umjetničkog života počela je uključivati narudžbe bogatih trgovaca i zanatlija za ukrašavanje javnih zgrada; likovni konkursi dobili su karakter širokih javnih manifestacija. Događajem koji otvara novo razdoblje u razvoju italijanske renesansne skulpture smatra se konkurs održan 1401. godine za izradu bronze drugih sjevernih vrata firentinske krstionice. Među učesnicima takmičenja bili su mladi majstori - Filippo Brunelleschi i Lorenzo Ghiberti (oko 1381-1455).

Sjajni crtač Ghiberti pobijedio je na takmičenju. Jedan od najobrazovanijih ljudi svog vremena, prvi povjesničar italijanske umjetnosti, Ghiberti, u čijem je radu glavna stvar bila ravnoteža i sklad svih elemenata slike, posvetio je svoj život jednoj vrsti skulpture - reljefu. Njegova potraga kulminirala je izradom istočnih vrata firentinske krstionice (1425-1452), koju je Mikelanđelo nazvao "Vrata raja". Deset kvadratnih kompozicija od pozlaćene bronce koje ih čine prenose dubinu prostora u kojem se spajaju figure, priroda i arhitektura. Podsjećaju na ekspresivne slikovite slike. Ghibertijeva radionica je postala prava škola za čitavu generaciju umjetnika. U njegovoj radionici kao asistent radio je mladi Donatello, veliki reformator italijanske skulpture.

Donato di Niccolò di Betto Bardi, koji je bio pozvan Donatello (oko 1386-1466), rođen je u Firenci u porodici češljara vune. Radio je u Firenci, Sijeni, Rimu, Padovi. Međutim, ogromna slava nije promijenila njegov jednostavan način života. Pričalo se da je nesebični Donatello na vrata svoje radionice okačio torbicu s novcem, a njegovi prijatelji i učenici uzimali su iz torbice koliko im treba.

S jedne strane, Donatello je žudio za istinom života u umjetnosti. S druge strane, on je svojim djelima dao crte uzvišene heroike. Ove osobine pojavile su se već u ranim majstorovim radovima - statuama svetaca namijenjenim vanjskim nišama fasada crkve Or San Michele u Firenci, te starozavjetnim prorocima firentinskog zvonika. Kipovi su bili u nišama, ali su odmah privukli pažnju svojom oštrom ekspresivnošću i unutrašnja snaga slike. Posebno je poznat "Sveti Đorđe" (1416) - mladi ratnik sa štitom u ruci. Ima fokusiran, dubok pogled; čvrsto stoji na zemlji, široko raširenih nogu. U kipovima proroka Donatello je posebno istakao njihove karakteristične crte, ponekad grube, bez ukrasa, čak i ružne, ali žive i prirodne. Donatelovi proroci Jeremija i Habakuk su cjelovite i duhovno bogate prirode. Njihove snažne figure skrivene su teškim naborima ogrtača. Život je izbrazdao Avvakumovo izblijedjelo lice dubokim borama, postao je potpuno ćelav, zbog čega je u Firenci dobio nadimak Zuccone (Tikva).

Godine 1430. Donatello je stvorio Davida, prvu golu statuu u italijanskoj renesansnoj skulpturi. Statua je bila predviđena za fontanu u dvorištu palate Mediči. Biblijski pastir, pobjednik divovskog Golijata, jedna je od omiljenih slika renesanse. Prikazujući svoje mladalačko tijelo, Donatello je nesumnjivo pošao od antičkih uzoraka, ali ih je preradio u duhu svog vremena. Zamišljeni i smireni David u pastirskoj kapi, zasjenivši lice, gazi nogom Golijatovu glavu i kao da nije svjestan podviga koji je učinio.

Putovanje u Rim sa Brunelleschijem uvelike je proširilo Donatelove umjetničke mogućnosti, njegov rad je obogaćen novim slikama i tehnikama, što je utjecalo na utjecaj antike. Počeo je novi period u radu magistara. Godine 1433. završio je mramornu propovjedaonicu firentinske katedrale. Cijelo polje propovjedaonice zauzima veselo kolo plesača putti- nešto poput antičkih kupida i istovremeno srednjovjekovnih anđela u obliku golih dječaka, ponekad krilatih, prikazanih u pokretu. Ovo je omiljeni motiv u skulpturi italijanske renesanse, koji se potom proširio u umjetnosti 17.-18. stoljeća.

Gotovo deset godina Donatello je radio u Padovi, starom univerzitetskom gradu, jednom od centara humanističke kulture, rodnom mjestu svetog Antuna Padovanskog, duboko poštovanog u Katoličkoj crkvi. Za gradsku katedralu posvećenu Svetom Antunu, Donatello je dovršen 1446-1450. ogroman izvajan oltar sa mnogo statua i reljefa. Centralno mjesto ispod baldahina zauzimao je kip Bogorodice s djetetom, ali s obje strane se nalazilo po šest kipova svetaca. Krajem XVI vijeka. oltar je srušen. Do danas je preživio samo dio, a sada je teško zamisliti kako je prvobitno izgledao.

Četiri sačuvana oltarna reljefa koji prikazuju čudesna djela svetog Antuna omogućavaju nam da cijenimo neobične tehnike koje je majstor koristio. Ovo je vrsta ravnog, kao spljoštenog reljefa. Prepune scene predstavljene su u jednom pokretu u stvarnom okruženju. Ogromne gradske zgrade i arkade služe kao pozadina za njih. Zahvaljujući prijenosu perspektive, nastaje utisak dubine prostora, kao na slikama.

U isto vrijeme Donatello je u Padovi dovršio konjičku statuu kondotjera Erasma de Narnija, rodom iz Padove, koji je bio u službi Mletačke Republike. Italijani su ga zvali Gattamelata (Lukavi Mačak). Ovo je jedan od prvih renesansnih konjičkih spomenika. Smireno dostojanstvo preliveno je u čitav izgled Gatamelate, obučenog u rimski oklop, gole glave na rimski način, što je veličanstven primjer portretne umjetnosti. Skoro osmometarska statua na visokom postamentu podjednako je izražajna sa svih strana. Spomenik je postavljen paralelno sa fasadom katedrale Sant'Antonio, što vam omogućava da ga vidite ili na plavom nebu, ili u spektakularnom poređenju sa moćnim oblicima kupola.

Posljednjih godina provedenih u Firenci Donatello je doživio duhovnu krizu, njegove slike su postajale sve dramatičnije. Stvorio je složenu i izražajnu grupu "Judita i Holofern" (1456-1457); kip "Marije Magdalene" (1454-1455) u obliku oronule starice, iznemoglog pustinjaka u životinjskoj koži - reljefi tragičnog raspoloženja za crkvu San Lorenzo, koje su već dovršili njegovi učenici.

Među najvećim vajarima prve polovine XV veka. ne može se previdjeti Jacopo della Quercia (1374-1438) - stariji Ghibertijev i Donatelov savremenik. Njegovo djelo, bogato mnogim otkrićima, stajalo je takoreći podalje od općeg puta kojim se razvijala umjetnost renesanse. Rodom iz grada Sijene, Quercea je radio u Lucci. Tu, u gradskoj katedrali, nalazi se rijetka ljepota nadgrobna ploča mlade Ilarije del Careto koju je izradio ovaj majstor. Godine 1408 - 1419. Quercea je kreirao skulpture za monumentalnu fontanu Fonte Gaia na trgu Campo u Sijeni. Tada je majstor živio u Bolonji, gdje su njegovo glavno djelo bili reljefi za portal crkve San Petronio (1425-1438). Izrađeni od tamnosivog tvrdog lokalnog kamena, odlikuju se snažnom monumentalnošću, anticipirajući Mikelanđelove slike.

Druga generacija firentinskih kipara gravitirala je ka lirskijoj, mirnijoj, sekularnoj umjetnosti. Vodeća uloga u njemu pripadala je porodici vajara della Robbia. Glava porodice Lucca della Robbia (1399. ili 1400.-1482.), suvremenik Brunelleschija i Donatela, postao je poznat po korištenju tehnike glaziranja u okrugloj skulpturi i reljefu, često ih kombinirajući s arhitekturom. Tehnika glazure (majolika), poznata iz davna vremena narodima Male Azije, u srednjem vijeku donijeta na Iberijsko poluostrvo i ostrvo Majorku, po čemu je i dobila ime, a potom se široko proširila u Italiji. Lucca della Robbia kreirala je medaljone sa reljefima na tamnoplavoj pozadini za zgrade i oltare, vijence cvijeća i voća, biste od majolike Bogorodice, Krista, Ivana Krstitelja. Vesela, elegantna, ljubazna umjetnost ovog majstora dobila je zasluženo priznanje njegovih savremenika. Veliko savršenstvo u tehnici majolike postigao je i njegov nećak Andrea della Robbia (1435-1525).

Slikarstvo

Ogromna uloga koju je Brunelleschi imao u arhitekturi rane renesanse, a Donatello u skulpturi, pripala je Masacciu u slikarstvu. Brunelleschi i Donatello bili su na svom kreativnom vrhuncu kada je Masaccio rođen. Prema Vazariju, "Masaccio je težio da prikaže figure sa velikom živahnošću i najvećom neposrednošću, poput stvarnosti."

Masaccio je umro mlad, pre nego što je napunio 27 godina, a ipak je uspeo da uradi onoliko novog u slikarstvu koliko nijedan drugi majstor nije uspeo u svom životu.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, nadimak Masaccio (1401 - 1428), rođen je u gradu San Valdarno kod Firence, gdje je kao mladić otišao na studije slikarstva.Postojala je pretpostavka da mu je učitelj Masolino de Panicale, s kojim je tada sarađivao; sada su ga istraživači odbacili. Masaccio je radio u Firenci, Pizi i Rimu.

Njegovo "Trojstvo" (1427-1428), stvoreno za crkvu Santa Maria Novella u Firenci, postalo je klasičan primjer oltarske kompozicije. Freska je izvedena na zidu koji se proteže u dubinu kapele, koja je izgrađena u obliku renesansne lučne niše. Mural prikazuje raspelo, likove Marije i Ivana Krstitelja. Zasjenjeni su likom Boga Oca. U prvom planu, freske prikazuju klečeće mušterije, kao da se nalaze u samom prostoru crkve. Slika sarkofaga, koji se nalazi na dnu freske, na kojoj leži kostur Adama. Natpis iznad sarkofaga sadrži tradicionalnu srednjovjekovnu izreku: "Bio sam jednom kao ti, i ti ćeš biti kao ja."

Sve do 50-ih godina. 20ti vijek ovaj Masacciov rad u očima ljubitelja umjetnosti i naučnika povukao se u drugi plan pred njegovim čuvenim ciklusom murala kapele Brancacci. Nakon što je freska 1952. godine premeštena na prvobitno mesto u hramu, oprana, restaurirana, kada je otkriven njen donji deo sa sarkofagom, „Trojica“ je privukla veliku pažnju istraživača i ljubitelja umetnosti. Kreacija Masaccia je izvanredna u svakom pogledu. Veličanstvena odvojenost slika ovde je kombinovana sa dotad neviđenom realnošću prostora i arhitekture, sa obimnošću figura, ekspresivnim portretnim karakteristikama lica kupaca i sa slikom Majke Božije, iznenađujuće u smislu moć suzdržanog osećanja.

Iste godine Masaccio (u suradnji s Masolinom) stvara u crkvi Santa Maria del Carmine murale kapele Brancacci, nazvane po bogatom firentinskom kupcu.

Slikar je bio suočen sa zadatkom da konstruiše prostor linearnom i zračnom perspektivom, u njega postavi moćne figure likova, istinito oslikava njihove pokrete, stavove, geste, a zatim poveže razmeru i boju figura sa prirodnom ili arhitektonskom pozadinom. . Masaccio se ne samo uspješno nosio s ovim zadatkom, već je uspio i prenijeti unutrašnju napetost i psihološku dubinu slika.

Radnja murala uglavnom je posvećena istoriji apostola Petra. Najpoznatija kompozicija „Čudo sa staterom“ govori o tome kako je carinik zaustavio Hrista i njegove učenike na vratima grada Kafarnauma, tražeći od njih novac za održavanje hrama. Hristos je naredio apostolu Petru da ulovi ribu u Genezaretskom jezeru i iz nje izvadi stater. Na lijevoj strani u pozadini, gledalac vidi ovu scenu. Sa desne strane, Peter predaje novac sakupljaču. Dakle, kompozicija povezuje tri epizode različitih vremena, u kojima se apostol pojavljuje tri puta. U Masacciovom suštinski inovativnom slikarstvu, ova tehnika je zakasnela počast srednjovjekovnoj tradiciji slikovnog pripovijedanja; u to vrijeme su je mnogi majstori već napustili, a prije više od jednog stoljeća i sam Giotto. Ali to ne narušava dojam smjele novine, koja odlikuje cjelokupnu figurativnu strukturu slike, njenu dramaturgiju, životno uvjerljive, pomalo grube junake.

Ponekad je Masaccio ispred svog vremena u izražavanju snage i oštrine osjećaja. Ovdje je freska "Izgon Adama i Eve iz raja" u istoj kapeli Brancacci. Gledalac vjeruje da je Adama i Evu, koji su prekršili božansku zabranu, anđeo zaista protjerao iz raja s mačem u rukama. Ovdje nije glavna stvar biblijski zaplet i vanjski detalji, već osjećaj bezgraničnog ljudskog očaja koji obuzima Adama, koji je pokrio lice rukama, i jecajuću Evu, upalih očiju i tamnog razmaka u ustima izobličenim krikom. .

U avgustu 1428. Masaccio je otišao u Rim ne dovršivši sliku i ubrzo je iznenada umro. Kapela Brancacci postala je mjesto hodočašća slikara koji su usvojili tehnike Masaccia. Međutim, mnogo u kreativnom; Naslijeđe Masaccia uspjele su cijeniti samo sljedeće generacije.

U djelu svog savremenika Paolo Uccella (1397-1475), koji je pripadao generaciji majstora koji su radili nakon Masacciove smrti, žudnja za elegantnom bajkovitošću ponekad je dobivala naivnu nijansu. Ova karakteristika umjetnikovog kreativnog stila postala je njegov originalni zaštitni znak. Njegova rana mala slika "Sveti Đorđe" je šarmantna. Zeleni zmaj spiralnog repa i šarenih krila, kao da su izrezana od lima, odlučno hoda na dvije noge. Nije strašan, zabavan je. Sam umjetnik se vjerovatno nasmijao dok je stvarao ovu sliku. Ali u Uccellovom djelu, svojeglava fantazija spojena je sa strašću za istraživanjem perspektive. Eksperimente, crteže, skice, kojima je posvetio besane noći, Vasari je opisao kao ekscentričnosti. U međuvremenu, Paolo Učelo je ušao u istoriju slikarstva kao jedan od onih slikara koji su prvi počeli da koriste tehniku linearne perspektive na svojim platnima.

U mladosti je Učelo radio u Ghibertijevoj radionici, zatim izrađivao mozaike za katedralu San Marko u Veneciji, a po povratku u Firencu upoznaje se sa slikama Masaccia u kapeli Brancacci, koje su imale veliki uticaj na njega. Fascinacija perspektivom ogleda se u prvom Uccellovom djelu - portretu engleskog kondotjera Johna Hawkwooda, poznatog Italijanima kao Giovanni Acuto, koji je on naslikao 1436. godine. Ogromna jednobojna (jednobojna) freska prikazuje ne živu osobu, već njenu konjičku statuu, na koju gledalac gleda.

Učelovo smelo traganje našlo je izraz u tri njegove čuvene slike koje je naručio Kozimo de Mediči i posvećene bici dvojice firentinskih zapovednika sa trupama Sijene kod San Romana. Na nevjerovatnim slikama Uccella, na pozadini pejzaža igračaka, konjanici i ratnici sukobili su se u žestokoj borbi, pomiješali su se koplja, štitovi, jarboli za zastave. I, ipak, bitka izgleda kao uslovna, zamrznuta izuzetno lijepa, sjajna zlatna scenografija s figurama konja u crvenoj, ružičastoj, pa čak i plavoj boji.

HIGH REVIVAL

Visoka renesansa u centralnoj Italiji

Od kraja 15. veka Italija počinje da doživljava sve posledice nepovoljnog ekonomskog rivalstva sa Portugalom, Španijom i Holandijom. Sjeverni gradovi Evropa organizuje niz vojnih pohoda protiv Italije, koja se raspršila i gubi svoju moć. Ovaj težak period oživljava ideju ujedinjenja zemlje, ideju koja nije mogla ne uzbuditi najbolje umove Italije.

Poznato je da se pojedini periodi procvata umjetnosti možda ne poklapaju sa općim razvojem društva, njegovim materijalnim, ekonomskim statusom. U teškim vremenima za Italiju, počinje kratko zlatno doba italijanske renesanse - takozvana visoka renesansa, najviša tačka procvata italijanske umetnosti. Visoka renesansa se tako poklopila sa periodom žestoke borbe italijanskih gradova za nezavisnost. Umetnost ovog vremena bila je prožeta humanizmom, verom u stvaralačke moći čoveka, u neograničenost njegovih mogućnosti, u racionalno uređenje sveta, u trijumf napretka. U umjetnosti su do izražaja dolazili problemi građanske dužnosti, visokih moralnih kvaliteta, podviga, slike lijepog, skladno razvijenog, snažnog duhom i tijelom čovjeka-heroja koji je uspio da se izdigne iznad nivoa svakodnevice. Potraga za takvim idealom dovela je umjetnost do sinteze, generalizacije, do otkrivanja općih obrazaca pojava, do identifikacije njihove logičke povezanosti. Umjetnost visoke renesanse odriče se pojedinosti, sitnih detalja u ime generalizirane slike, u ime težnje za harmoničnom sintezom lijepih aspekata života. To je jedna od glavnih razlika između visoke renesanse i rane.

Leonardo da Vinci (1452-1519) bio je prvi umjetnik koji je jasno utjelovio ovu razliku. Rođen je u Anchianu, blizu sela Vinci; njegov otac je bio notar koji se preselio 1469. u Firencu. Leonardov prvi učitelj bio je Andrea Verrocchio. Lik anđela na slici učitelja "Krštenje" već jasno pokazuje razliku u percepciji svijeta od strane umjetnika prošlog i novog doba: nema frontalne ravnosti Verrocchia, najfinijeg modeliranja svjetla i sjene. volumen i izuzetnu duhovnost slike. Do izlaska iz radionice Verrocchia, istraživači pripisuju "Madonu s cvijetom" ("Madonna Benois", kako su je ranije zvali, po imenu vlasnika). Tokom ovog perioda, Leonardo je nesumnjivo bio pod Botičelijevim uticajem neko vreme. Njegovo "Navještenje" u detalje još uvijek otkriva bliske veze s quattrocentom, ali mirna, savršena ljepota figura Marije i arhanđela, struktura boja slike, kompozicioni red govore o svjetonazoru umjetnika nove ere. , karakterističan za visoku renesansu.

Nakon što je napustio Milano, Leonardo je neko vrijeme radio u Firenci. Tamo se činilo da je Leonardov rad obasjan blistavim bljeskom: naslikao je portret Mona Lize, žene bogatog Firentinca Frančeska di Đokonda (oko 1503.). Portret, poznat kao "La Gioconda", postao je jedno od najpoznatijih djela svjetskog slikarstva.

Mali portret mlade žene obavijene prozračnom izmaglicom, koja sjedi na pozadini plavičasto-zelenog čudnog stenovitog pejzaža, pun je tako živahnog i nježnog drhtanja da se, prema Vazariju, može vidjeti kako puls kuca u produbljivanju Mona Lisin vrat. Čini se da je sliku lako razumjeti. U međuvremenu, u opsežnoj literaturi o Giocondi, sudaraju se najsuprotnije interpretacije slike koju je stvorio Leonardo.

U istoriji svetske umetnosti postoje dela obdarena čudnim, tajanstvenim i magičnim moćima. Teško je to objasniti, nemoguće je opisati. Među njima jedno od prvih mjesta zauzima slika mlade firentinske Mona Lize. Ona je, očigledno, bila izvanredna osoba snažne volje, inteligentne i cjelovite prirode. Leonardo je uložio u njen zadivljujući pogled uperen u posmatrača, u njen čuveni, kao da klizi, tajanstveni osmeh, u njen izraz lica obeležen nestalnom promenljivošću, naboj takve intelektualne i duhovne snage da je njenu sliku uzdigao na nedostižnu visinu.

Poslednjih godina svog života Leonardo da Vinči je malo radio kao umetnik. Dobivši poziv francuskog kralja Franje I, 1517. odlazi u Francusku i postaje dvorski slikar. Ubrzo je Leonardo umro. Na crtežu autoportreta (1510-1515) sijedobradi patrijarh dubokog žalosnog pogleda izgledao je mnogo starije od svojih godina.

Nemoguće je zamisliti da bi Leonardo da Vinci mogao živjeti i stvarati u nekoj drugoj eri. Pa ipak, njegova ličnost je nadmašila svoje vrijeme, uzdigla se iznad njega. Djelo Leonarda prije Vincija je neiscrpno. O razmjeri i jedinstvenosti njegovog talenta mogu se suditi po majstorskim crtežima, koji zauzimaju jedno od počasnih mjesta u istoriji svjetske umjetnosti. Ne samo rukopisi posvećeni egzaktnim naukama, već i radovi o teoriji umjetnosti neraskidivo su povezani sa crtežima Leonarda da Vincija, skicama, skicama i dijagramima. U čuvenom "Traktatu o slikarstvu" (1498) i drugim njegovim beleškama, velika pažnja posvećena je proučavanju ljudskog tela, podacima o anatomiji, proporcijama, odnosu pokreta, izraza lica i emocionalnog stanja čoveka. Mnogo je prostora dato problemima chiaroscura, volumetrijskog modeliranja, linearne i vazdušne perspektive.

Umjetnost Leonarda da Vinčija, njegova naučna i teorijska istraživanja, posebnost njegove ličnosti prošli su kroz čitavu istoriju svjetske kulture, imali su ogroman utjecaj na nju.

Sa kreativnošću Raphael (1483-1520) u istoriji svjetske umjetnosti povezuje se ideja o uzvišenoj ljepoti i harmoniji. Općenito je prihvaćeno da je u plejadi briljantnih majstora visoke renesanse, u kojoj je Leonardo personificirao intelekt, a Michelangelo - moć, upravo Raphael bio glavni nosilac harmonije. Naravno, u ovom ili onom stepenu, svaki od njih je posjedovao sve ove kvalitete. Nema sumnje, međutim, da nemilosrdna težnja za svijetlim, savršenim početkom prožima cijelo Rafaelovo djelo i čini njegov unutrašnji smisao.

Rafael je prvo studirao u Urbinu sa svojim ocem, a zatim kod lokalnog slikara Timotea Vitea. Godine 1500. preselio se u Perugiu, glavni grad Umbrije, da bi nastavio školovanje u radionici poznatog slikara, šefa umbrijske škole, Pietra Perugina. Mladi majstor je brzo nadmašio svog učitelja.

Rafaela su zvali Majstorom Madona. Raspoloženje duhovne čistoće, još pomalo naivno u jednoj od njegovih prvih malih slika - Madonna Conestabile (1502-1503), dobilo je uzvišeni karakter ranog Rafaelova razdoblja - Zaruka Marije (1504). Scena zaruka Marije i Josipa, koja se odvija u pozadini divne arhitekture, slika je visoke ljepote. Ova mala slika već u potpunosti pripada umjetnosti visoke renesanse. Glavni likovi, grupe djevojčica i dječaka osvajaju svojom prirodnom gracioznošću. Izražajni, melodični, tragovi i plastičnost su njihovi pokreti, stavovi i geste: na primjer, približavanje ruku Marije i Josipa, stavljajući prsten na njen prst. Na slici nema ništa suvišno, sporedno. Zlatni, crveni i tamnozeleni tonovi, u skladu sa mekom plavetnilom neba, stvaraju praznično raspoloženje.

1504. Raphael se preselio u Firencu. Ovdje je njegov rad dobio zrelost i mirnu veličinu. U ciklusu Bogorodice varirao je sliku mlade majke sa Mlatecem Hristom i malim Jovanom Krstiteljem u pozadini pejzaža. Posebno je dobra Madona u zelenom (1505). Slika koristi piramidalnu kompoziciju Leonarda, a suptilna harmonija boja svojstvena je koloritu.

Rafaelovi uspjesi bili su toliko značajni da je 1508. godine pozvan na papski dvor u Rim. Umjetnik je dobio narudžbu da oslika svečane stanove pape, takozvane stanz (sobe) u Vatikanskoj palači. Murali vatikanskih strofa (1509 - 1517) donijeli su slavu Rafaelu, nominirali ga za vodeće majstore ne samo Rima, već i Italije.

Kao i prije, Raphael se ponovo okrenuo voljenoj slici Madone s Djetetom. Majstor se pripremao da stvori svoje veliko remek-djelo - "Sikstinsku Madonu" (1515 - 1519) za crkvu Svetog Siksta u Pjaćenci. U istoriji umetnosti, "Sikstinska Madona" je slika savršene lepote.

Rafael je bio divan majstor crtanja. Ovdje se jasno pokazao njegov besprijekoran, lagan, slobodan osjećaj za liniju. Dao je značajan doprinos i arhitekturi. Samo ime Raphael - Divine Sanzio - kasnije je postalo oličenje idealnog umjetnika obdarenog božanskim darom.

Uz velike počasti, sahranjen je u rimskom Panteonu, gdje njegov pepeo i danas počiva.

Michelangelo Buonarroti(1475-1564) - najveći majstor visoke renesanse, koji je stvorio izvanredna djela kiparstva, slikarstva i arhitekture.

Michelangelo je proveo djetinjstvo u malom toskanskom gradiću Caprese u blizini Firence. Mladost i godine studija proveo je u Firenci. AT umetnička škola na kneževom dvoru Lorenzo Medici otkrio je ljepotu antičke umjetnosti, komunicirao sa velikim predstavnicima humanističke kulture. Gotovo sve Michelangelove skulpture pripadaju Firenci. Međutim, Rim se jednako može nazvati i Mikelanđelovim gradom.

Godine 1469. stigao je u Rim, gdje je ubrzo došao do slave. Najpoznatije djelo prvog rimskog perioda je "Pieta" ("Oplaćanje Krista") (1498 - 1501) u kapeli bazilike Svetog Petra. Na koljenima, premlada za tako odraslog sina Marije, ispruženo je beživotno Kristovo tijelo. Majčina tuga je lagana i uzvišena, samo u pokretu lijeve ruke, psihička patnja kao da prska. Bijeli mermer poliran do sjaja. U igri svjetla i sjene, njegova površina djeluje dragocjeno.

Vrativši se u Firencu 1501. godine, Mikelanđelo se obavezao da izvede kolosalnu mermernu statuu Davida (1501-1504). Kip doseže pet i po metara visine. Ona personificira neograničenu moć čovjeka. David se upravo sprema da udari neprijatelja kamenom iz praćke, ali se već osjeća da je to budući pobjednik, pun svijesti o svojoj fizičkoj i duhovnoj snazi. Lice junaka izražava nepokolebljivu volju.

Michelangelo je sebe smatrao samo kiparom, što ga, međutim, nije spriječilo, pravog sina renesanse, da bude veliki slikar i arhitekta. Najgrandiozniji rad monumentalno slikarstvo Visoka renesansa - plafonsko slikarstvo Sikstinska kapela u Vatikanu, koju je izradio Michelangelo 1508-1512.

Grobnica pape Julija II mogla je postati vrhunac na polju skulpture da je Michelangelo uspio da ostvari svoj prvobitni plan: četrdeset mramornih statua trebalo je da ukrase mauzolej. Došli smo do "Okovanog roba" - snažnog, zdepastog mladića koji uzalud nastoji da se oslobodi okova, i "Umirućeg roba" - prekrasnog mladića koji očekuje smrt kao izbavljenje od muke ( oko 1513).

Nakon pada Republike u Firenci, Michelangelo se nije osjećao sigurnim. Godine 1534 napustio je rodni grad i preselio se u Rim, gde je, po nalogu pape Pavla III, naslikao čuvenu fresku "Poslednji sud" (1536 - 1541) na krajnjem zidu Sikstinske kapele. Na pozadini hladnog plavo-pepeljastog neba, mnoge figure su zahvaćene vrtložnim pokretom. Prevladava tragični osjećaj svjetske katastrofe. Približava se čas odmazde, anđeli najavljuju dolazak posljednjeg suda.

Poslednjih decenija svog života majstor se bavio samo arhitekturom i poezijom. Djelo velikog Michelangela činilo je čitavu eru i bilo je daleko ispred svog vremena, odigralo je grandioznu ulogu u svjetskoj umjetnosti, a utjecalo je i na formiranje principa baroka.

Visoka renesansa u Veneciji

Ako Mikelanđelovo delo u svojoj drugoj polovini već nosi obeležja nove ere, onda za Veneciju čitav 16. vek još uvek prolazi u znaku Cinquecenta. Venecija, koja je uspjela održati svoju nezavisnost, duže vrijeme ostaje vjerna tradiciji renesanse.

Iz Gianbellinove radionice izašla su dva velika umjetnika visoke venecijanske renesanse: Giorgione i Tizian.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, nadimak Giorgione (1477-1510), - direktni sljedbenik svog učitelja i tipičan umjetnik vremena visoke renesanse. Bio je prvi na tlu Venecije koji se okrenuo književnim temama, mitološkim temama. Pejzaž, priroda i prekrasno nago ljudsko tijelo postali su za njega predmet umjetnosti i predmet obožavanja. Leonardo je blizak Giorgioneu po osjećaju za harmoniju, savršenstvu proporcija, linearnom ritmu, slikarstvu mekog svjetla, duhovnosti i psihološkoj ekspresivnosti njegovih slika, a ujedno i Giorgioneovom racionalizmu, koji je, nesumnjivo, imao direktan utjecaj na njega kada je putovao je iz Milana 1500. Venecije. Ali Giorgione je emotivniji od velikog milanskog majstora i, poput tipičnog venecijanskog umjetnika, ne zanima ga toliko linearna perspektiva koliko prozračni i uglavnom problemi boja.

Već u prvom poznatom djelu "Madonna of Castelfranco" (oko 1505.), Giorgione se pojavljuje kao potpuno razvijen umjetnik; slika Madone puna je poezije, promišljene sanjivosti, prožeta onim raspoloženjem tuge koje je svojstveno svim ženskim slikama Giorgionea. U posljednjih pet godina života (Giorgione je umro od kuge, koja je bila posebno čest gost Venecije), umjetnik je stvorio svoja najbolja djela, izvedena u tehnici ulja, glavnu u venecijanskoj školi u vrijeme kada je mozaik postao je stvar prošlosti zajedno sa čitavim srednjovjekovnim sistem umetnosti, a freska se pokazala nestabilnom u vlažnoj venecijanskoj klimi. Na slici iz 1506. godine "Grmljavina" Giorgione prikazuje čovjeka kao dio prirode. Žena koja hrani dijete, mladić sa štapom (koji se može zamijeniti za ratnika s helebardom) nisu ujedinjeni nikakvom radnjom, već ih u ovom veličanstvenom pejzažu spaja zajedničko raspoloženje, zajedničko stanje duha. Giorgione posjeduje najbolju i izuzetno bogatu paletu. Prigušeni tonovi mladićeve narandžasto-crvene odeće, zelenkasto-bele košulje, koja odzvanja ženskom belom ogrtaču, kao da su obavijeni onim polumračnim vazduhom koji je karakterističan za osvetljenje pred oluju. Zelena boja ima mnogo nijansi: maslina u drveću, gotovo crna u dubini vode, olovo u oblacima. I sve to objedinjuje jedan blistavi ton, koji odaje dojam nestabilnosti, tjeskobe, tjeskobe, radosti, poput samog stanja osobe u iščekivanju predstojeće grmljavine.

Tizian Vecellio (1477-1576) - najveći umjetnik venecijanske renesanse. Stvarao je radove kako na mitološke tako i na kršćanske teme, radio je u žanru portreta, njegov koloristički talenat je izuzetan, njegova kompozitorska domišljatost je neiscrpna, a njegova srećna dugovječnost omogućila mu je da iza sebe ostavi najbogatije kreativno naslijeđešto je imalo dubok uticaj na njegove potomke. Tizian je rođen u Cadoreu, gradiću u podnožju Alpa, u vojnoj porodici, učio je, poput Giorgionea, kod Gianbellina, a njegovo prvo djelo (1508.) bilo je zajedničko slikanje sa Giorgioneom štala njemačkog kompleksa u Veneciji. . Nakon Giorgioneove smrti, 1511. godine, Tizian je u Padovi naslikao nekoliko prostorija scuolo, filantropskih bratstava, u kojima se nesumnjivo osjeća utjecaj Giotta, koji je nekada radio u Padovi, i Masaccia. Život u Padovi upoznao je umjetnika, naravno, sa djelima Mantegne i Donatela. Slava Ticijanu dolazi rano. Već 1516. godine postao je prvi slikar republike, od 20-ih godina - najpoznatiji umjetnik Venecije, a uspjeh ga ne napušta do kraja njegovih dana. Vojvoda od Ferare mu je oko 1520. godine naručio niz slika na kojima se Tizian pojavljuje kao antički pevač koji je uspeo da oseti i, što je najvažnije, otelotvori duh paganstva („Bakhanalija”, „Venerin praznik”, „Bakh i Arijadna").

L O D E N E R E N E N I E

U drugoj polovini 16. veka u Italiji je jačao pad privrede i trgovine, katolicizam je ušao u borbu sa humanističkom kulturom, umetnost je bila u dubokoj krizi. Jačao je antirenesansne antiklasične tendencije, oličene u manirizmu.

Manirizam gotovo nije uticao na Veneciju, koja je u drugom poluvremenu XVI vijek postao glavni centar kasnorenesansne umjetnosti. Iako je trgovački i politički značaj Venecijanske Republike stalno opadao, kao i njena moć, Grad Laguna je i dalje bio izbačen iz vlasti Pape i strane dominacije, a bogatstva koja je on akumulirao bila su ogromna. U tom periodu, način života u Veneciji i priroda njene kulture odlikovali su se takvim obimom i sjajem da se činilo da ništa nije ukazivalo na opadanje slabljenja mletačke države. U skladu sa visokom humanističkom renesansnom tradicijom u novim istorijskim prilikama u Veneciji razvijalo se stvaralaštvo velikih majstora kasne renesanse, obogaćeno novim oblicima - Palladia, Veronesea, Tintoretta.

Tintoretto (1518-1594), čije je pravo ime Jacopo Robusti, rođen je u Veneciji i bio je sin farbara, pa otuda i majstorov nadimak - Tintoretto, ili Mali farbač.

Obilje vanjskih umjetničkih utjecaja rastvorilo se u jedinstvenoj stvaralačkoj individualnosti ovog posljednjeg od velikih majstora italijanske renesanse. U svom radu bio je džinovska figura, tvorac vulkanskog temperamenta, burnih strasti i herojskog intenziteta. Slijedeći pokojnog Michelangela i Tiziana, Tintoretto je utabao nove puteve u umjetnosti. Nije ni čudo što je njegov rad postigao ogroman uspjeh kako među savremenicima tako i među narednim generacijama. Tintoretto se odlikovao zaista neljudskom sposobnošću za rad, neumornom potragom. Osjećao je tragediju svog vremena oštrije i dublje od većine njegovih savremenika. Majstor se pobunio protiv ustaljenih tradicija u likovnoj umjetnosti - poštivanje simetrije, stroge ravnoteže, statičnosti; proširio granice prostora, zasitio ga dinamikom, dramskom radnjom, počeo življe izražavati ljudska osjećanja. Tvorac je masovnih scena prožetih jedinstvom iskustva.

1539. godine slikar otvara svoju radionicu u Veneciji. Tintorettov rani rad je malo poznat. Slavu mu je donijela slika "Čudo uklonjenog žiga" (1548). Ekspresivnost oblika i bogata shema boja velikih mrlja crvene i plave stvaraju utisak čuda koje se dešava pred očima uplašene gomile. Brze leteći naopačke, sveti Marko u lepršavoj grimiznoj odeći zaustavlja pogubljenje nepravedno osuđenih. Restauracija posljednjih desetljeća otkrila je u svoj svojoj raskoši bogatu i šaroliku paletu majstora.

Neobična slika "Uvod u hram" u crkvi Santa Maria del Orto (1555). Tintoretto je prikazao polukružno asimetrično stepenište koje se strmo penje. Marija je već dostigla svoj vrhunac, a sporedni likovi u prvom planu, među kojima je i žena sa devojkom, gestikulacijama i pogledima usmeravaju pažnju gledaoca na nju. Umjetnik je ekspresivno i hrabro gradio kompoziciju dijagonalno - najdinamičniju tehniku u slikarstvu. Na slici je Tintoretto izrazio ideju duhovnog savršenstva čovjeka.

U Veneciji, zbog klimatskih uslova, za ukrašavanje zgrada nisu korištene freske, već ogromne slike slikane u tehnici ulje na platnu. Tintoretto je majstor monumentalnog slikarstva, autor gigantskog ansambla koji se sastoji od nekoliko desetina djela. Izrađene su za gornju i donju dvoranu Skuolidi San Rocco (Škola Sv. Roka; 1565-1588).

Majstor je započeo dizajn Scuola di San Rocco stvaranjem grandiozne monumentalne kompozicije "Raspeće". Slika sa mnoštvom likova - gledalaca (muškaraca i žena), ratnika, dželata - zatvara središnju scenu raspeća u polukrug. U podnožju krsta, rođaci i učenici Spasiteljevi čine grupu koja je retka po duhovnoj snazi. U sjaju boja na sumračnom nebu, Hristos kao da grli nemirni, uznemireni svet rukama, prikovanim za poprečne grede, blagosiljajući ga i praštajući ga. A u kasnijim godinama života, Tintoretta su privlačile masovne scene. “Carska bitka” koju je kreirao za Duždevu palaču (oko 1585.) zauzima cijeli zid. U suštini, ovo je prva istinski istorijska slika u evropskom slikarstvu. Kako bi na slici prenio napetost bitke, majstor je koristio nemirni ritam linija, poteza boja i bljeskova svjetlosti.

Djelo Tintoretta zaokružuje razvoj umjetničke kulture renesanse u Italiji.

Maniristička umjetnost

Manirizam je pravac u evropskoj umetnosti 16. veka. Dolazi od italijanske riječi maniera - "način", "prijem", "umjetnički rukopis". Ovaj termin se prvi put pojavio u evropskoj istoriji umetnosti 1920-ih. XX vek., a proučavanje manirizma je stvorilo obimnu naučnu literaturu sa kontroverznim ocenama i gledištima.

Manirizam u svom najopćenitijem izrazu označava antiklasični trend koji se razvio u Italiji oko 1520. godine i razvijao se sve do 1590. godine. Umjetnost manirizma odstupa od renesansnih ideala harmonične percepcije osobe koja se nalazi u nemilosti natprirodnih sila. Svijet izgleda nestabilno, klimavo, u stanju propadanja. Slike su pune tjeskobe, tjeskobe, napetosti, umjetnik se udaljava od prirode, nastoji da je nadmaši, slijedeći u svom radu subjektivnu „unutrašnju ideju“, čija osnova nije stvarni svijet, već kreativna mašta; sredstvo izvedbe je "lijep način" kao zbir određenih tehnika. Među njima su proizvoljna izduženost figura, složeni serpentinasti ritam, nestvarnost fantastičnog prostora i svjetlosti, a ponekad i hladne prodorne boje.

Prva faza italijanskog manirizma obuhvata 20-40-te godine. 16. vek i predstavlja relativno usku struju, najjasnije oličenu u slikarstvu. Najveći i najdarovitiji majstor kompleksa kreativna sudbina bio Jacopo Pontormo(1494-1556). Na njegovoj čuvenoj slici "Silazak sa krsta" kompozicija je nestabilna, figure su pretenciozno polomljene, svijetle boje rezanje.

Završava se prva generacija manirista Francesco Mazzola, nadimak Parmigianino (1503 - 1540), sofisticirani majstor i briljantan crtač. Voleo je da impresionira gledaoca: na primer, naslikao je autoportret u konveksnom ogledalu. Namjerna promišljenost izdvaja njegovu čuvenu "Madonu s dugim vratom" (1438. - 1540.).

Druga faza manirizma (1540-1590) prelazi u Italiji u široku struju, koja obuhvata slikarstvo, skulpturu i arhitekturu. Manirizam postaje dvorska aristokratska umjetnost, koja se u početku razvija u vojvodstvima Parme, Mantove, Ferrare, Modene, a zatim se afirmira u Firenci i Rimu.

Najveći majstor - umjetnik dvora Medici Agnolo Bronzino(1503-1572), posebno poznat po svojim svečanim portretima. Oni su odzvanjali eri krvavih zločina i moralnog pada koji su zahvatili najviše krugove italijanskog društva. Plemeniti kupci Bronzina takoreći su odvojeni od posmatrača nevidljivom daljinom; ukočenost njihovih poza, ravnodušnost njihovih lica, bogatstvo njihove odeće, pokreti lepih besposlenih ruku su poput spoljašnje ljuske koja skriva unutrašnji manjkav život.

Tip dvorskog portreta koji je stvorio manirizam utjecao je na portretnu umjetnost 16.-17. stoljeća u drugim zemljama, gdje se obično razvijao na živahnoj, zdravoj, ponekad prozaičnijoj lokalnoj osnovi.

Umjetnost manirizma bila je prijelazna: renesansa je blijedila u prošlost, došlo je vrijeme za novi sveevropski umjetnički stil - barok.

ZAKLJUČAK

Ideje humanizma su duhovna osnova za procvat renesansne umjetnosti. Umjetnost renesanse prožeta je idealima humanizma, stvorila je sliku lijepe, skladno razvijene osobe. Italijanski humanisti su tražili slobodu za čovjeka. „Ali sloboda u shvatanju italijanske renesanse“, napisao je njen poznavalac A.K. da bude snaga volje, koja ga sprečava da oseća i razmišlja kako želi. U modernoj nauci ne postoji jednoznačno razumijevanje prirode, strukture i hronološki okvir Renesansni humanizam. Ali, naravno, humanizam treba smatrati glavnim ideološki sadržaj Renesansna kultura, neodvojiva od čitavog kursa istorijski razvoj Italija u doba početka raspada feudalnih i pojave kapitalističkih odnosa. Humanizam je bio progresivni ideološki pokret koji je doprinio uspostavljanju kulturnog sredstva, oslanjajući se prvenstveno na antičko nasljeđe. Italijanski humanizam prošao je niz faza: formiranje u 14. veku, svetli procvat sledećeg veka, unutrašnje restrukturiranje i postepeni pad u 16. veku. Evolucija italijanske renesanse bila je usko povezana s razvojem filozofije, političke ideologije, nauke i drugih oblika društvene svijesti i, zauzvrat, imala je snažan utjecaj na umjetničku kulturu renesanse.

Oživljeno na drevnim osnovama, pokazalo se da je humanitarno znanje, uključujući etiku, retoriku, filologiju, historiju, glavno područje u formiranju i razvoju humanizma, čija je ideološka jezgra bila doktrina o čovjeku, njegovom mjestu i ulozi u prirodi. i društvo. Ova se doktrina razvila uglavnom u etici i obogaćena je u različitim područjima renesansne kulture. Humanistička etika je u prvi plan stavila problem čovjekove zemaljske sudbine, postizanje sreće vlastitim naporima. Humanisti su na nov način pristupili pitanju društvene etike, u čijem rješavanju su se oslanjali na ideje o snazi čovjekovih stvaralačkih sposobnosti i volje, o njegovim širokim mogućnostima za izgradnju sreće na zemlji. Smatrali su da je usklađenost interesa pojedinca i društva važan preduvjet uspjeha, postavljali su ideal slobodnog razvoja pojedinca i unapređenja društvenog organizma i političkih poredaka, koji je s njim neraskidivo povezan. To je dalo izražen karakter mnogim etičkim idejama i učenjima italijanskih humanista.

Mnogi problemi koji se razvijaju u humanističkoj etici dobivaju novo značenje i posebnu važnost u našem vremenu, kada moralni poticaji ljudske djelatnosti obavljaju sve važniju društvenu funkciju.

Humanistički pogled na svijet postao je jedno od najvećih progresivnih osvajanja renesanse, koje je imalo snažan utjecaj na cjelokupni kasniji razvoj evropske kulture.

Bibliografija

1. AI Pigalev Kulturologija. Volgograd. Izdavačka kuća Volgogradskog državnog univerziteta, 1998.

2. Kulturološke studije. Istorija svetske kulture, urednik profesor A.N. Markova. Moskva. "Kultura i sport", Izdavačko društvo "UNIGI", 1998.

3. Istorija svjetske kulture. Kurs predavanja koji je uredio S.D. Serebryany. Moskva. Ruski državni univerzitet, 1998.

4. Eseji o istoriji svjetske kulture, priredila T.F. Kuznetsova. Moskva. "Jezici ruske kulture", 1997.

5. Kulturologija. Naučni urednik profesor G.V.Drach. Rostov na Donu. Izdavačka kuća "Feniks", 1998.

6. Enciklopedija za djecu. Umjetnost priredio M.D. Aksenov. Moskva.

"Avanta+", 1997.

7. L. Lyubimov Umetnost Zapadne Evrope. Moskva. "Prosvjeta", 1982.

8. Umetnost Zapadne Evrope, priredio V. Butrosheev. Moskva. "Savremenik", 1996.

Uvod

Historiografija

Glavne faze renesanse

Rana renesansa

Visoka renesansa

Kasna renesansa

Karakteristike renesansne arhitekture

Likovne umjetnosti renesanse

Zaključak

Bibliografija

Uvod

„Ja sam te stvorio kao biće ne nebesko, nego ne samo zemaljsko, ne smrtno, ali ni besmrtno, da ti, strano stegnuti, postaneš sam svoj tvorac i potpuno iskovaš svoj lik. Dobili ste priliku da padnete na nivo životinje, ali i mogućnost da se uzdignete do nivoa bogolikog bića - isključivo svojom unutrašnjom voljom..."

To je ono što Bog kaže Adamu u raspravi italijanskog humaniste Pico della Mirandola "O dostojanstvu čovjeka". Ovim riječima je sabijeno duhovno iskustvo renesanse, izražen je pomak u svijesti koji je napravila.

Renesansna arhitektura - period razvoja arhitekture u evropskim zemljama od početka 15. do početka 17. veka, u opštem toku renesanse i razvoja temelja duhovne i materijalne kulture antičke Grčke i Rima. . Ovaj period je prekretnica u istoriji arhitekture, posebno u odnosu na prethodni arhitektonski stil, gotiku. Gotika je, za razliku od renesansne arhitekture, tražila inspiraciju u vlastitoj interpretaciji klasične umjetnosti.

Historiografija

Reč "renesansa" (francuska renesansa) potiče od izraza "la rinascita", koji je prvi upotrebio Giorgio Vasari u knjizi "Životi najpoznatijih italijanskih slikara, skulptora i arhitekata" objavljenoj 1550-1568.

Termin „renesansa“ uveo je francuski istoričar Jules Michelet da označi odgovarajući period, međutim, švajcarski istoričar Jacob Burckhardt je u svojoj knjizi „Kultura italijanske renesanse“ potpunije otkrio definiciju, njeno tumačenje je činilo osnovu modernog shvatanja italijanske renesanse. Objavljivanje albuma crteža, Zgrade modernog Rima, ili Zbirka palata, kuća, crkava, manastira i drugih najznačajnijih javnih građevina Rima, koji je objavio Paul Le Tarouille 1840., izazvalo je opće interesovanje za renesansu. period. Tada se renesansa smatrala stilom "imitirajući antiku".

Prvi predstavnik ovog trenda može se nazvati Filippo Brunelleschi, koji je radio u Firenci, gradu koji se uz Veneciju smatra spomenikom renesanse. Zatim se proširio na druge italijanske gradove, u Francusku, Njemačku, Englesku, Rusiju i druge zemlje.

Glavne faze renesanse

Italijanska renesansa se obično dijeli na tri perioda. U istoriji umetnosti možemo govoriti o razvoju likovne umetnosti i skulpture u okviru rane renesanse u XIV veku. U istoriji arhitekture stvari stoje drugačije. Zbog ekonomske krize XIV vijeka, renesansa u arhitekturi počinje tek početkom XV vijeka i traje do početka XVII vijeka u Italiji i duže van njenih granica.

Mogu se razlikovati tri glavna perioda:

· Rana renesansa ili Quattrocento, otprilike se poklapa sa 15. vekom.

· Visoka renesansa, prva četvrtina 16. vijeka.

· Manirizam ili kasna renesansa (2. polovina 16. veka u 17. veku).

U drugim europskim zemljama razvio se vlastiti predrenesansni stil, a sama renesansa nije započela ranije od 16. stoljeća, stil je usađen u postojeće tradicije, zbog čega renesansne građevine u različitim regijama mogu imati malo slične karakteristike.

U samoj Italiji renesansna arhitektura prelazi u manirističku arhitekturu, predstavljenu u prilično različitim trendovima u djelima Michelangela, Giulija Romana i Andrea Palladija, koji se potom ponovo rađaju u barok, primjenjujući slične arhitektonske tehnike u drugačijem općem ideološkom kontekstu.

Rana renesansa

Tokom Quattrocenta, norme klasične arhitekture su ponovo otkrivene i formulisane. Proučavanje antičkih uzoraka dovelo je do asimilacije klasičnih elemenata arhitekture i ornamenta.

Prostor je, kao arhitektonska komponenta, organizovan na način drugačiji od srednjovekovnih predstava. Zasnovan je na logici proporcija, oblik i redoslijed dijelova podliježu geometriji, a ne intuiciji, što je bila karakteristična karakteristika srednjovjekovnih građevina. Prvi primjer tog perioda može se nazvati bazilika San Lorenzo u Firenci, koju je sagradio Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Filippo Brunelleschi

Filipo Bruneleski (tal. Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446) bio je veliki italijanski renesansni arhitekta.

Filippo Brunelleschi je rođen u Firenci od notara Brunelleschi di Lippo. Kao dijete, Filipo, na koga je prešla praksa njegovog oca, dobio je humanistički odgoj i najbolje obrazovanje za to vrijeme: učio je latinski, proučavao antičke autore.

Napuštajući karijeru notara, Filipo je od 1392. godine bio šegrt, vjerovatno kod zlatara, a zatim je radio kao šegrt kod draguljara u Pistoji; studirao je i crtanje, vajanje, graviranje, skulpturu i slikarstvo, u Firenci je studirao industrijske i vojne mašine, stekao značajna znanja iz matematike za to vrijeme u učenju Paola Toscanellija, koji ga je, prema Vazariju, predavao matematici. Godine 1398. Brunelleschi se pridružio Arte della Seta, koji je uključivao zlatare. U Pistoji je mladi Brunelleschi radio na srebrnim figurama oltara svetog Jakova - na njegov rad snažno je utjecala umjetnost Giovannija Pisana. Donatello je pomogao Bruneleskiju da radi na skulpturama (tada je imao 13 ili 14 godina) - od tog vremena prijateljstvo je povezivalo majstore za ceo život.

Godine 1401. Filippo Brunelleschi se vratio u Firencu, sudjelovao u natječaju koji je raspisao Arte di Calimala (trgovačka radnja) za ukrašavanje reljefima dvije bronzane kapije Firentinskog krstionice. Sa njim su na takmičenju učestvovali Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti i niz drugih majstora. Takmičenje, kojim su predsjedavala 34 sudije, za koje je svaki majstor morao dostaviti bronzani reljef „Izakova žrtva“ koji je izveo, trajalo je godinu dana. Konkurencija je izgubio Brunelleschi - Ghibertijev reljef je bio superioran umjetnički i tehnički (izliven je iz jednog komada i bio je 7 kg lakši od Brunelleschijevog reljefa).

Povrijeđen gubitkom konkurencije, Brunelleschi je napustio Firencu i otputovao u Rim, gdje je možda odlučio da proučava antičku skulpturu do savršenstva. U Rimu se mladi Brunelleschi okrenuo od plastike ka građevinskoj umjetnosti, počevši pažljivo mjeriti preživjele ruševine, skicirati planove za cijele građevine i planove za pojedine dijelove, kapitele i vijence, projekcije, tipove građevina i sve njihove detalje. Morao je iskopati dijelove i temelje koji su bili zasuti, morao je te planove napraviti u jedinstvenu cjelinu kod kuće, obnoviti ono što nije bilo potpuno netaknuto. Tako je bio prožet duhom antike, radeći poput modernog arheologa s mjernom trakom, lopatom i olovkom, naučio je razlikovati tipove i raspored antičkih građevina i stvorio prvu povijest rimske arhitekture u fasciklama sa svojim skice.

Bruneleschijev rad:

1401-1402 takmičenje na temu "Žrtva Abrahamova" iz Starog zavjeta; projekt bronzanih reljefa za sjeverna vrata firentinske krstionice (28 reljefa zatvorenih u kvadrifoliju dimenzija 53×43 cm). Brunelleschi je izgubio. Takmičenje je pobedio Lorenco Giberti. “Uboden odlukama komisije, Brunelleschi se okrenuo iz svog rodnog grada i otišao u Rim... da tamo studira prava umetnost". Olakšanje je unutra Nacionalni muzej Bargello, Firenca.

1412-1413 Raspeće u crkvi Santa Maria Novella, Firenca.

1417-1436 Kupola katedrale Santa Maria del Fiore, ili jednostavno Duomo, i dalje je najviša građevina u Firenci (114,5 m), dizajnirana na način da cjelokupno stanovništvo grada može stati unutar "velike ... strukture dizanje u nebo zasjenjuje sve toskanske zemlje”, napisao je o njemu Leon Battista Alberti.

· 1419-1428 Stara sakristija (Sagrestia Vecchia) crkve San Lorenzo (San Lorenzo), Firenca. Godine 1419. naručilac Giovanni di Bicci, osnivač porodice Medici, otac Cosimo Stariji (Cosimo il Vecchio), planirao je da obnovi katedralu, koja je tada bila mala župna crkva, ali Brunelleschi je uspio dovršiti samo staru sakristiju, Nova sakristija (Sagrestia Nuova), koju je dizajnirao Michelangelo.

1429-1443 Kapela (kapela) Pazzi (Cappella de'Pazzi), nalazi se u dvorištu franjevačke crkve Santa Croce (Santa Croce) u Firenci. To je mala kupolasta zgrada sa trijemom.

· Crkva Santa Maria degli Angeli, započeta 1434. godine, u Firenci, ostala je nedovršena.

· 1436-1487 Crkva Santo Spirito (Santo Spirito), završena nakon smrti arhitekte. "Centrična kupolasta zgrada jednakih kvadrata i bočnih prolaza s nišama-kapelama je zatim proširena dodavanjem uzdužne zgrade na stup bazilike s ravnim krovom."

· Započeta 1440. godine, palača Pitti (Palazzo Pitti) je konačno završena tek u 18. stoljeću. Radovi su prekinuti 1465. godine zbog činjenice da je kupac palate, trgovac Luca Pitti bankrotirao, a rezidenciju su 1549. godine kupili Mediči (Eleonora od Toleda, supruga Kozima I), koju je Luca Pitti želio za opremanje, naručivši prozore iste veličine kao i vrata u Palazzo Medici.

Prema Brunelleschiju, prava renesansna palata trebala je izgledati ovako: trospratni, kvadratni volumen zgrade, sa polaganjem firentinskog tesanog kamena (vađen direktno na mjestu gdje se sada nalaze vrtovi Boboli, iza palate), sa 3 ogromna ulazna vrata na prvom spratu. Dvije gornje etaže presječene su sa po 7 prozora koji se nalaze sa svake strane i ujedinjeni nizom balkona koji se proteže cijelom dužinom fasade.

Tek 1972. godine saznalo se da je Brunelleschi sahranjen u katedrali Santa Reparata (IV-V vek, u Firenci) u prethodnom hramu, na čijim ostacima je bila katedrala Santa Maria del Fiore (Santa Maria del Fiore). podignuta).

Evropske zemlje dale su ogroman doprinos kulturi renesanse. Najbolja djela ovog doba ušla su u svjetsku kulturu. Karakteristike istorijskog, društveno-ekonomskog, političkog i duhovnog razvoja ovih zemalja odredile su specifičnosti renesanse u svakoj od njih.

Renesansna kultura nastala je u Italiji, koja je postala klasični centar renesansne kulture. To je zbog određenih razloga. Kroz Italiju su prolazili najvažniji trgovački putevi koji su povezivali Evropu sa Azijom, što je uslovilo brzi rast lučkih i zanatskih gradova (Firenca, Đenova, Venecija, Bolonja itd.).

Kroz Italiju su prolazili krstaši, što je doprinijelo razvoju zanata, povećanju sloja zanatlija. Ranije nego u drugim zemljama, proizvodnja se počela razvijati. Sve je to podstaklo aktivan politički život u gradovima-republikama i stvorilo povoljne uslove za razvoj kulture.

Borba građana protiv feudalaca, koja se u nekim zemljama završila ujedinjenjem zemlje pod okriljem jake monarhijske vlasti, u Italiji se završila pobedom republikanskog oblika vladavine i formiranjem velikog broja gradovi-republike. Ovo je bila pobjeda trećeg staleža, koji se nije mogao zadovoljiti srednjovjekovnom kulturom i ideologijom. Stoga je politička borba neminovno dovela do novog poimanja svijeta.

Konačno, činjenica da je Italija bila direktni nasljednik antičke kulture a njoj u ovoj zemlji ima više spomenika nego bilo gdje drugdje.

Hronološki okvir italijanske renesanse obuhvata period od druge polovine XIII veka. i u 16. veku. inkluzivno. U okviru ovog perioda izdvajaju se: Protorenesansa (prepreporod) - XIII i početak XIV vijeka; Rana renesansa - od sredine XIV veka. i skoro čitav 15. vijek; Visoka renesansa - kraj 15. i prva trećina 16. vijeka; Kasna renesansa - XVI i početak XVII vijeka.

Sve do kraja XV veka. o renesansi se može govoriti samo u odnosu na Italiju. U drugim evropskim zemljama počelo je mnogo kasnije i nije našlo tako živopisan izraz, iako je bilo i izvanrednih majstora.

Završetkom italijanske renesanse smatra se 1530. godina, kada je italijanske gradove-republike potčinila Habsburška monarhija. Samo je Papska država zadržala nezavisnost, a Venecija je dugo ostala nezavisna.

Osnova italijanske renesanse je otkrivanje pojedinca, svijest o njegovom dostojanstvu i vrijednosti njegovih sposobnosti. To je suština renesansnog humanizma. Potonji nastavlja tradiciju antičkog humanizma, ali se razlikuje od njega, kao što se snažna, preduzimljiva osoba s početka buržoaske ere razlikuje od osobe antičkog polisa. Junak antičkog društva i drevne umjetnosti je lijepa i razumna osoba, Kalakagatia (lijepo ljubazna), fizički savršena, estetski razvijena. Preporod formira snažnu, svestrano obrazovanu, aktivnu osobu, kreatora svoje sudbine, tvorca sebe.

Umjetnost renesanse ne može se nazvati nereligioznom. Nastajala su djela na vjerske teme, postojao je i vjerski osjećaj, ali je dobio novi sadržaj. Za ljude renesanse udaljenost između Boga i ljudi bila je smanjena u odnosu na srednjovjekovnog čovjeka. Sve što su ljudi voljeli u životu, čemu su se divili - muško junaštvo, mudrost starijih, nježnost djece, ljepota žena, ljepota prirode i ono što je čovjek stvorio vlastitim radom - sve je to postalo vlasništvo i atribut svete istorije.

A istovremeno su svi vidovi umjetničkog stvaralaštva renesanse - likovna umjetnost, književnost, arhitektura, muzika, pozorište i drugo bili prožeti sekularnim duhom. Odbacujući kanone srednjovjekovne kulture, od simbola srednjeg vijeka, umjetnost renesanse osjetila je dah života.

Najsjajnija stranica italijanske renesanse bila je likovna umjetnost, posebno slikarstvo i skulptura. A, pozivajući se na doba italijanske renesanse, prije svega predstavljamo ove vrste umjetnosti.

Vrlo je teško odabrati pojedinačna imena kada se govori o stvaralaštvu umjetnika talijanske renesanse. I ne samo zato što ih je bilo mnogo, već uglavnom zato što je čak i prosječan nivo italijanske umjetnosti ovog doba bio vrlo visok.

Proto-renesansa(XIII - početak XIV vijeka) - prag renesanse, kada se nešto novo pojavljuje samo u umjetnosti. Proto-renesansa je uspostavljena u gradovima pokrajine Toskana - Pizi, Sijeni, Firenci.

Firenca je za renesansu ono što je Atina za antičku Grčku - centar umjetničke kulture. Ona je svijetu dala Dantea, Petrarku, Boccaccia. Živio i radio u Firenci Giotto di Bondone(1266/76-1337) - osnivač evropskog slikarstva, osnivač realizma.

"- Glavna Giottova djela su freske. To se objašnjava činjenicom da je u Toskani u to vrijeme postojala velika gradnja palača i crkava. Umjetnici su slikali u njima, pa je freska postala glavna vrsta njihovog rada. Čuvene Giottoove freske nalaze se u kapeli del Arena u Padovi. Oslikane su tako blistavim bojama da čak i sada, 700 godina kasnije, kapela izgleda kao škrinja optočena dragim kamenjem. Kapela sadrži 37 slika na biblijske teme: „Poklonstvo mudraci", "Judin poljubac", "Joakim kod pastira" i dr. Posebno treba istaći umjetnikov prikaz života i stradanja Hristovog.

Giotto odbacuje srednjovjekovni kanon, koji je zahtijevao izraz primata duha nad tijelom, čija su manifestacija bile bestjelesne izdužene figure, stroge krupne oči i noge koje samo malo dodiruju tlo. Giotto ima materijalne slike: masivne čučnjeve figure, veliku glavu, uski prorez na očima. Doživljaji likova su prirodni: nema teatralizacije. Napuštajući ravnu zlatnu pozadinu usvojenu u srednjovjekovnom slikarstvu, umjetnik postavlja figure u interijer ili pejzaž, često unoseći u njega elemente arhitekture.

Ne poznavajući zakone perspektive i dopuštajući nepreciznosti u anatomiji, Giotto je bio u stanju da prenese osjećaj prostora, da figurama da volumen. On nije bio samo slikar, već i izvanredan arhitekta.

„Giotto je bio genije takve izuzetne snage da ne bi bilo ničega u cijelom svemiru što on ne bi mogao prikazati“, Giottov savremenik Giovanni Boccaccio tako je pohvalio Giottov rad. I drugi njegov savremenik, najveći pesnik protornesanse, „koji je postao klasik svetske književnosti, Dante Aligijeri veliča Đota u svojoj Božanstvenoj komediji u njenom drugom delu, Čistilište.

Rana renesansa(kraj XIV-XV vijeka) predstavljala galaksija briljantnih umjetnika: Masaccio (1401-1426), Donatello (1386-1466), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Pietro Perugia no (1445-1523), 1445 -1510) i desetine drugih istaknutih umjetnika, čije slike krase svjetske muzeje.

Slikar Masaccio (pravo ime Tommaso di Giovanni), vajar Donatello i arhitekta Philippe Brunelleschi (1337-1446) definišu ličnosti rane renesanse.

Kreacija Masaccio otvara XV vek, koji je bio vek najvećeg procvata firentinske umetnosti. Masaccio je u Firenci oslikao malu kapelu Brancacci (nazvanu po kupcu), koja je postala model i škola za nekoliko generacija Italijanski majstori. Tema fresaka preuzeta je iz legende o životu apostola Petra. Ali na krajnjem zidu ulaznog luka umjetnik je postavio fresku "Protjerivanje iz raja". Ovdje je prvi put nakon antičkog doba prikazano nago ljudsko tijelo, prvi put u slikarstvu preneta je zapremina, težina figura. Masaccio je bio prvi koji je prenio prostor na ravni koristeći linearnu perspektivu (na to je utjecao Brunelleschi). On ne gomila figure u redove, kao što je to ranije učinjeno, već ih slaže na različitim udaljenostima u zavisnosti od udaljenosti od posmatrača. Istovremeno, Masaccio je uspio da izrazi dramatičnost situacije pronalazeći tačne karakteristike likova.

Umjetnik je živio kratak život - 27 godina (otrovan je iz zavisti), ali njegova umjetnost ostaje škola visoke vještine.

Kipar Donatello stvorio je štafelaj i monumentalnu okruglu skulpturu i reljef. Poznata su mnoga njegova djela: slike svetog Đorđa i proroka, grb Firence, reljef "Irodov praznik" itd. Ali njegovo najpoznatije djelo je bila statua Davida (1430). Bio je to prvi prikaz nage figure monumentalna skulptura. Slika akta, raširena u antici, zaboravljena je u srednjem vijeku.

Prema legendi, mladić - pastir David - spasio je svoj narod pobijedivši ratnika neprijateljskog plemena Golijata u pojedinačnoj borbi. Za ovaj podvig narod ga je izabrao za svog kralja. Slika Davida - jednostavnog čovjeka koji je došao do izražaja zahvaljujući hrabrosti i ljubavi prema svom narodu - bila je jedna od omiljenih u renesansi. Donatello ga je prikazao u pastirskom šeširu, optočenom bršljanom, uokvirenom duga kosa, lice je skoro prekriveno šeširom. U jednoj ruci ima kamen, a u drugoj mač. Davidovo tijelo je predivno oblikovano. Skulptura je dizajnirana za kružni pogled, a to je bila i inovacija, jer su srednjovjekovne statue bile usko povezane sa zidom i podređene arhitekturi. Ovdje skulptura djeluje kao samostalno umjetničko djelo.

Nemoguće je ne nazvati još jednog divnog umjetnika tog vremena, čovjeka svijetlog, originalnog talenta i tragične sudbine - Sandro Botticelli.„Rijetko je da je umjetnik tako iskusan, tako izrazio sadržaj svoje epohe“, tako je Botičelijevo djelo definirao istraživač ovog perioda.

Botičeli je naslikao veliki broj slika, napravio ilustracije za Danteovu Božanstvenu komediju, ali njegove najpoznatije slike su Proleće i Rođenje Venere. Prema mitu, boginja ljubavi, radosti, braka rođena je iz morske pjene. Ovo je prva velika (172x278) renesansna slika na antičku temu. Pojava necrkvenog slikarstva bila je znak vremena.

Struktura boja slike je suzdržana, crtež profinjen i tačan. Poza boginje koja lebdi na školjci je čedna: ona pokriva svoju golotinju rukama. Sva ona je oličenje ženstvenosti, gracioznosti, lepote.

Nakon toga, ponesen idejama propovjednika Savonarole, Botticelli se odrekao svog rada, spalio slike koje je ostavio, prekinuo s antičkim temama i počeo slikati slike na vjerske teme. Umro je u izgnanstvu, zaboravljen od svih, nadživeo svoju slavu. Ponovo je otkriven krajem XIX - početkom XX stoljeća, a ispostavilo se da je njegova umjetnost u skladu s francuskim impresionistima - Eduardom Maneom, pa čak i Modiglianijem.

Krajem 15. i početkom 16. stoljeća pozvao "visoka renesansa" i prve decenije 16. veka kao "zlatno doba" renesanse. Tokom ovih godina završena je potraga za novom kulturom. Karakteristične karakteristike realizma italijanske renesanse - klasična jasnoća, ljudskost slika, njihova plastična snaga i harmonična ekspresivnost - dostižu neviđenu visinu.

Visoka renesansa nije samo nastavak i završetak prethodnog razvoja, već i kvalitativno nova faza. Njegovi najbolji predstavnici ne samo da nastavljaju potragu za svojim prethodnicima, oni stečeno znanje podređuju dubljim zadacima: u posebnom, konkretnom, u stanju su da otkriju opšte, karakteristično. Slike koje su stvorili su himna ljudskoj ljepoti i mudrosti.

Visoka renesansa osvjetljava rad tri velika titana, briljantnih umjetnika - Leonarda da Vinčija, Raphaela Santija i Michelangela Buonarotija.

Bio je čovjek fantastičnog uma i umjetničkog genija Leonardo da Vinci(1452-1519). Njegova fenomenalna istraživačka moć prodrla je u sve oblasti nauke i umetnosti. Čak i vekovima kasnije, istraživači njegovog rada su zadivljeni genijalnošću uvida. najveći mislilac. Leonardo je bio umetnik, vajar, arhitekta, filozof, istoričar, matematičar, fizičar, mehaničar, astronom, anaton... Njegovi brojni crteži i crteži sa projektima strugova, predionih mašina, bagera, dizalice, livnice, hidrauličnih mašina imaju dolaze do nas, sprave za ronioce itd. Sanjajući o letenju, Leonardo je proučavao, skicirao, proračunao sve što se tiče leta ptica i insekata. Rezultat ovih studija bili su crteži i proračuni aviona, helikoptera, padobrana... Teško je i nabrojati sve na čemu sam radio briljantan mislilac i kreator i do kakvih je rezultata došao.

Među neograničenim mnoštvom svojih interesovanja, Leonardo na prvo mesto stavlja slikarstvo. „Ako slikar želi da vidi lepe stvari koje ga nadahnjuju ljubavlju, onda je u njegovoj moći da ih rodi, a ako želi da vidi ružne stvari... onda je on vladar i bog nad njima... Sve što postoji u svemiru kao suština, kao pojava ili kao imaginarno, on ima prvo u svojoj duši, a potom u svojim rukama", napisao je. "Stoga slikarstvo treba staviti iznad svake druge aktivnosti."

Leonardo da Vinci je naslikao mnoge slike. Među njima su "Madona s cvijetom" ("Madonna Benois"), "Madonna Litta", "Dama s hermelinom", "Marija s djetetom" i mnoge druge. Njegove Madone su ljupke mlade žene čija su lica obasjana ljubavlju i divljenjem prema svojoj bebi. Razlikuju se po karakteru, po tipu ličnosti; ali sve su lepe prirodnom ženstvenošću, zemaljskom lepotom. Sva Leonardova djela su odlična, a ipak su njegove najpoznatije kreacije " Posljednja večera» (1495-1498) - slika zida blagovaonice milanskog samostana Santa Maria delle Grazie, koja je postala prekretnica u autorovom naučnom istraživanju i nova riječ u likovnoj umjetnosti; portret žene trgovca Đokonde Mona Lize (oko 1503), sa njenim neotkrivenim, tajanstvenim osmehom. Mnogi sljedbenici umjetnika pokušali su ponoviti ovaj osmijeh na platnu, ali nikome nije uspjelo. Mnoga od najtalentovanijih djela posvećena su ženama, ali nijedno od njih nije po svojoj tajanstvenoj snazi jednako himni koju je genijalni Leonardo stvorio u čast najljepše i najtajanstvenije tvorevine prirode.

Na portretu Mona Lize, umjetnik je riješio problem koji je anticipirao buduće težnje likovne umjetnosti: uhvatio je ne jedno stanje osobe, već težak proces njegov duhovni život. I već pet vekova, Mona Liza inspiriše pesnike, muzičare, umetnike, izaziva spekulacije, izaziva falsifikovanje i krađe.

Sinteza tradicija antike i duha kršćanstva našla je svoje najživlje utjelovljenje u djelima briljantnog umjetnika renesanse. Rafael Santi(1483-1520). U njegovom radu su rešena dva glavna problema likovne umetnosti:

slika plastičnog savršenstva ljudskog tijela, izražavajući duhovno bogatstvo i harmoniju unutrašnjeg svijeta osobe, i konstrukciju složene višefiguralne kompozicije.

Rafael je čitavog života tražio savršenu, harmoničnu sliku, utjelovljujući svoju ideju u sliku Madone (“Madonna of the Horse-stabile”, “Madonna in Greenery”, “Madonna with a Goldfinch”, “Madonna in an Fotelja”). Vrhunac Rafaelovog genija bila je "Sikstinska Madona" (1515-1519). Autor je uspeo da stvori sliku idealno lepe žene sa bebom Hristom u naručju, koju daje kao žrtvu za iskupljenje ljudskih greha. Zelene draperije su se raširile, a Madona se pojavila gledaocu, držeći u rukama dete Hrista. Mirna silueta Madone jasno se ocrtava na vedrom nebu. Kreće se laganim, odlučnim korakom, čeoni vjetar leprša naborima njene odjeće, zbog čega njena figura djeluje opipljivije. Njena mala bosa stopala jedva dodiruju svjetlošću ispunjen oblak. To joj daje izuzetnu lakoću. I sa istom lakoćom nosi sina, pružajući ga ljudima i istovremeno ga čvrsto držeći uz sebe.

Lijepo lice mlade žene izražava veliku unutrašnju snagu. Sadrži ljubav prema bebi, strepnju za njegovu sudbinu i nepokolebljivu čvrstinu, svest o podvigu koji čini: majka žrtvuje sina jedinca zarad spasavanja ljudi.

Hristovo lice je detinjasto ozbiljno. Snaga se osjeća kroz djetinju krhkost: njegove oči izgledaju tvrdo i oštroumno.

Savršena kompozicija, slika stvara osećaj zadivljujuće harmonije. Ovo je jedno od najistaknutijih djela svjetske likovne umjetnosti u smislu umjetničkog jezika, boje, plastičnosti, ritma i kompozicije.

Rafael je radio u raznim žanrovima. Autor je i poznatih fresaka (“Atinska škola”, “Parnas”, “Izgon Eliodora”, “Misa u Bolseni”, “Oslobođenje apostola Petra iz zatvora” itd.) i najveći slikar portreta njegovog vremena. Slikao je djela u kojima su pojedinačne crte spojene sa tipičnim koje karakteriziraju sliku tog doba („Portret Julija II“, „Lav X“, „Portret kardinala“, „Dama s velom“ itd.).

Pored slikarstva, Raphael se bavio i arhitekturom, arheologijom i zaštitom antičkih spomenika. Raphael je umro u 37. godini, prije nego što je uspio dovršiti mnoge poslove koje je započeo.

Treći titan renesanse - Michelapjelo Buonarroti(1475-1564). Proživjevši dug život, djelovao je kako u periodu visoke renesanse, tako iu godinama njenog opadanja. Najveći majstor svoje ere, Michelangelo, nadmašio je sve po snazi i zasićenosti slikovitih slika, građanskog patosa, strasti. Slikar, vajar, arhitekta, pjesnik Michelangelo dao je velikodušan doprinos riznici svjetske kulture.

Godine 1496-1499. stvara svoja prva skulpturalna djela "Bacchus" i "Pieta" koja su mu donijela slavu. Od tog trenutka do kraja njegovog života, slika prekrasnog nagog tijela postaje glavna tema Mikelanđelovog rada. Godine 1504. završio je radove na Davidovom kipu (visine je oko 5,5 m). Skulptura je dobila visoko priznanje javnosti i najistaknutijih umjetnika tog vremena, pa je odlučeno da se postavi ispred gradske vijećnice u Firenci. Otvaranje statue rezultiralo je nacionalnom proslavom.

Oslikavanje stropa Sikstinske kapele u Vatikanu svjedoči o titanskoj sposobnosti za rad, neljudskom naprezanju uma i fizičkoj snazi Mikelanđela. Prije njega niko nije morao preuzeti tako gigantski posao: površina fresaka je 600 kvadratnih metara. m na visini od 18 m. Michelangelo ih je radio od 1508. do 1512. Na slici Sikstinskog stropa nalaze se 343 figure, a uprkos religioznom zapletu (scena Starog zavjeta), to je himna čovjeku, njegovom savršenstvo, snaga, hrabrost, lepota.

Posljednje dvije decenije Mikelanđelovog života obilježile su gubitak nade, razočaranje i duhovna usamljenost. Ali veliki majstor je nastavio da stvara do kraja svojih dana, stvarajući dela koja svedoče o njegovom besmrtnom geniju.

Najveći umjetnik renesanse bio je Tizian Vecellio(1476/77 ili 1480-1576). Živeo je dug život, koji se poklopio sa burnim i tragičnim događajima u istoriji Italije. Početkom 20-ih godina XVI vijeka. on postaje najviše poznati umetnik Venecija, a slava ga ne napušta do kraja života. Tizianovi kistovi pripadaju tvorevinama na mitološke i kršćanske teme, radovima u žanru portreta. Kompozicionom genijalnošću nije imao premca, njegov koloristički talenat je bio fenomenalan.

Ticijanova rana djela puna su životne radosti ("Ljubav zemaljska i nebeska", "Bakh i Arijadna" (1523), "Venerin praznik" itd.). U njima se pojavljuje i kao pevač antike, koji je uspeo da inspiriše slobodni duh tog doba.

Jedna od najpoznatijih slika velikog majstora je "Ležeća Venera" (1538). U njoj autor otkriva svoj tip ljepote. Ticijanova Venera je prije svega lijepa zemaljska žena. Ova slika započinje seriju slika koje prikazuju ljepotu nagog ženskog tijela. To uključuje četiri varijante "Danaja" (1545-1554). Reproducirajući drevni ideal ljepote, majstor stvara sliku koja nosi lijepi zemaljski princip, ispunjava ga ljudskim mesom i radošću postojanja.

Tizian je tokom svoje karijere radio u žanru formalnog portreta i bio je jedan od kreatora ovog žanra. Njegovi portreti odlikuju se najvišim majstorstvom izvedbe, plemenitošću boja. Ali najvažnija stvar za Tiziana bio je prijenos individualnosti i unutrašnjeg svijeta osobe („Portret mladi čovjek s rukavicom”, portreti Ipolita Riminaldija, Pjetra Aretina, Karla V, pape Pavla III i mnogih drugih).

Posljednje godine Tizianovog života prolaze u uvjetima jačanja feudalno-katoličke reakcije u Italiji, uključujući i Veneciju, gdje prodiru jezuitski red i inkvizicija. Tragični motivi pojavljuju se u stvaralaštvu umjetnika kao rezultat strepnje i razočaranja. Sve više piše o antičkim temama ("Venera i Adonis", "Jupiter i Antiopa", "Dijana i Akteon" itd.).

Priroda njegovog slikarstva se mijenja: svjetlo, svijetlo kolorit ustupa mjesto snažnom, burnom slikarstvu, kompozicija postaje dinamičnija. Po svojoj duhovnosti, unutrašnjoj dramatici i snazi boja, Tizianove kasnije kreacije nadmašuju sve što je umjetnik prethodno stvorio. To su "Venera pred ogledalom" (1553), "Pokajnica Marija Magdalena" (1565), "Sv. Sebastijan" (1570), "Pieta" (1576). Najnoviji radovi Tizian pripada kasnoj renesansi.

Veliki majstor je imao mnogo učenika, ali niko od njih nije mogao nadmašiti učitelja. Tizianov rad je imao ogroman uticaj na slikarstvo narednog veka.

Arhitektura. Arhitektura zauzima jedno od vodećih mjesta u umjetničkoj kulturi renesanse. Renesansa je označila novu fazu u njegovom razvoju. Karakteristične karakteristike arhitekture u ovom periodu su: povećanje obima građanske, svjetovne gradnje, promjena prirode monumentalne, religiozne arhitekture - vertikalnost, težnja prema gore, svojstvena gotici srednjeg vijeka, zamjenjuju se novim forme koje se razvijaju u širini. Čovjek postaje mjerilo struktura.

Arhitektura renesanse odlikuje se jednostavnošću volumena, oblika i ritma; miran i statičan; simetrija kompozicije;

podjela zgrade na etaže horizontalnim šipkama; jasan redoslijed postavljanja prozorskih otvora i arhitektonskih detalja. Iz antičke arhitekture, sistem poretka se prenosi ovamo. Glavni arhitektonski elementi ponovo postaju arhitrav, arhivolta, stub, pilon, pilastar i trezor, a glavni geometrijski oblici su kvadrat, pravougaonik, kocka, lopta. Od samog početka i kroz sva razdoblja renesanse, prolazi princip umjetničkog individualizma, slobodnog pribjegavanja antičkim formama. Nova era upisala je velika imena F. Brunelleschi, L. Albert, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, F. Delorme i druge u svjetsku istoriju arhitekture.

Kao i sve klice renesansne kulture, nova arhitektura je nastala u Italiji. U njegovom razvoju mogu se razlikovati tri glavna perioda: rani period - 1420-1500. Njegov vodeći arhitekta bio je F. Brunelleschi, a glavno središte bila je pokrajina Toskana i njen glavni grad Firenca - kolevka italijanske renesanse; visoki period - 1500-1540, kada D. Bramante postaje vodeći arhitekta, a centar se seli u Rim; kasni period - 1540-1580 Vodeći arhitekta tog vremena bio je veliki vajar i slikar Michelangelo Buonarroti.

Rani period renesansne arhitekture bio je prijelaz sa srednjovjekovne gotike na nove arhitektonske forme. U zgradama su se i dalje očuvale stare karakteristike, red nije imao strogu proporcionalnu konstrukciju, velika važnost se pridavala ornamentu. Visoki period odlikovao se strožom, monumentalnijom arhitekturom, pravilno pronađenim proporcijama. Ornamentu se više nije pridavao toliki značaj. Kasni period, nastavljajući i razvijajući tradiciju prva dva, otkriva i nove karakteristike - dekorativnost, ljepotu, složenost arhitektonskih oblika, koji su potom svoj puni razvoj dobili u baroknom stilu.

Prvo arhitektonsko djelo renesanse bila je zgrada sirotišta u Firenci, koju je 1421. projektirao osnivač talijanske renesansne arhitekture. F. Brunelleschi(1377-1446). Ova struktura se značajno razlikovala od gotičkih građevina srednjeg vijeka i nosila je obilježja novog stila koji je u nastajanju.

Od velikog značaja za cjelokupni kasniji razvoj arhitekture bila je izgradnja i izgradnja najveće kupole u Europi nad firentinskom katedralom Santa Maria del Fiore (njegov promjer je 42 m).

U razvoju renesansne arhitekture važno mjesto pripada izgradnji dvorske arhitekture - palazzo(kuća pravougaone osnove sa zatvorenim pravougaonim dvorištem). Ovi arhitektonski objekti imali su oštar izgled tvrđava, jer su obavljali odbrambene funkcije. Najbolji primjerci palače iz 15. stoljeća koji se nalazi u Firenci, odavde se ovaj stil postepeno širio u druge gradove Italije. Među najpoznatijima su Palazzo Pitti (1458.), Palazzo Strozzi (1489.), Palazzo Gondi (1490.) i dr. Ova vrsta građevina je nastavila evoluirati kroz renesansu prema većoj dekorativnosti.

Visoka renesansa povezana je s porastom političke aktivnosti papstva. Pape Julije II i Lav X pozvali su u Rim najveće arhitekte - Bramantea, Rafaela, Mikelanđela i dr. Rim je postao arhitektonska prestonica Italije, zadržavši tu ulogu do danas.

Osnivač visoke renesanse u arhitekturi bio je Donato Bramante(1444-1514), a njegova najveća kreacija bio je projekat grandiozne renesansne građevine - katedrale sv. Peter. Bio je to jedno od najvećih dostignuća renesansne arhitekture. Gradnja je započela 1506. godine i trajala do smrti arhitekte. Rad je nastavio Rafael Santi, a nakon njega Antonio da Sangallo. Godine 1546. izgradnja je prešla u ruke Michelangela, koji je razvio novu verziju projekta. Do njegove smrti (1564.) gradnja katedrale je u osnovi završena.

Kasna renesansa- ovo je vrijeme daljeg razvoja tradicije prethodne faze. Njegova posebnost je u tome što su se u arhitekturi najistaknutije otkrila dva komplementarna trenda: jedan je bio povezan s rastom klasične, akademske tradicije, drugi - s povećanjem dekorativnosti, protobaroknim trendovima. Kasnu renesansu predstavljaju prvenstveno djela Michelangela Buonarrotija, Giacoma Vignole, Andrea Palladija. Mikelanđelova arhitektonska remek-djela pokazuju da je njihovom stvaranju pristupio kao vajar, majstor plastike. Stvarajući ovu ili onu sliku, formu, ponekad je kršio konstruktivnu logiku, nastojeći povećati umjetničku, emocionalnu ekspresivnost. Genije Michelangela, ispred svog vremena, postavio je temelje za nove trendove koji su se kasnije raširili i predodredili rađanje baroknog stila.

Još jedan istaknuti arhitekta posmatranog perioda J. Vignola(1507-1573) napisao je poznatu raspravu "Pravilo pet redova arhitekture", koju su sve do 20. veka praktično koristili svetski arhitekti. On opisuje sistem za konstruisanje narudžbi na osnovu više numeričkih odnosa elemenata. Među najboljim tvorevinama Vignole su vila pape Julija III koja se nalazi u blizini Rima, glavna crkva jezuitskog reda u Rimu Il Gesu i druge.

Kreacija A. Palladio(1508-1580) povezan sa svojim rodnim gradom Vicencom. Imao je ogroman uticaj na razvoj italijanske i svetske arhitekture, pre svega na arhitekturu klasicizma druge polovine XVIII i prvog. polovina XIX veka.

Palladio je sagradio nekoliko palaca u Vićenci i nekoliko vila u njenoj blizini. Sva njegova djela odlikuju široka i raznovrsna upotreba reda, savršenstvo proporcija, zadivljujući sklad, izuzetna plastičnost (Palazzo Chiericati, Valmarana, Villa Rotonda, Olimpico teatar itd.).

Arhitektura italijanske renesanse značajno je utjecala na razvoj arhitekture evropskih zemalja, ali je tu kasnila stoljeće zbog stabilnijih feudalnih odnosa i gotičke tradicije.

Fikcija. Prirodu i sadržaj nove ere na mnogo načina izražavala fikcija. Prvi izdanci humanističke ideologije našli su svoj izraz u djelu Dantea, "posljednjeg pjesnika srednjeg vijeka i prvog pjesnika modernog doba".

Dante Alighieri (1265-1321),Giovanni Boccaccio(1313-1375) i Francesco Petrarca(1304-1374) - najveći pisci italijanske renesanse. Po prirodi kreativnosti, temama, žanrovima - svi su potpuno različiti. Ali postoji jedna karakteristika koja je ujedinila njihovu istorijsku sudbinu. Svi su oni mnogo pisali i ostavili ne samo umjetnička, već i neka književna djela, međutim, u istoriji svjetske književnosti svako od ovih imena povezuje se s jednim glavnim djelom: Dante - s Božanstvenom komedijom, Boccaccio - sa Dekameron, Petrarka - sa pjesmama posvećenim Lauri.

Dante je dugo godina radio na svom glavnom delu, dovršivši ga na samom kraju života. Nazvao ju je "Komedija". Epitet "božanska" joj je dao Boccaccio u znak divljenja ljepoti pjesme i taj epitet joj je sačuvan. Napisana "Božanstvena komedija" na italijanskom, u žanru vizije, "spavanje", popularna u srednjovjekovne književnosti. Pesma se sastoji od tri dela ("Pakao", "Čistilište" i "Raj") i 100 pesama. Vergilije, rimski pjesnik, koji je i sam u prvom krugu, postao je Danteov vodič kroz krugove pakla (ima ih devet) i čistilišta. Glavna ideja pjesme je odmazda za sve zemaljske poslove u zagrobnom životu. Niti se protežu od Božanstvene komedije do književnosti kasnijeg vremena. Po dubini filozofskog shvaćanja svijeta saglasna je Geteova tragedija "Faust". Uticaj Dantea i Getea jasno se oseća u Majstoru i Margariti M. Bulgakova. “U prvom krugu” A. Solženjicin naziva jedan od svojih romana. Ljubavna priča Frančeske i Paola postaje tema Rahmanjinovove opere Frančeska da Rimini. Na istu temu, P.I. Čajkovski je napisao simfonijsku poemu Francesca da Rimini.

"Dekameron" (s grčkog - desetodnevna knjiga) G. Boccaccia je zbirka kratkih priča sa literarnim okvirom. Ovo je tradicionalna kompozicija. Tako se gradi “Hiljadu i jedna noć”, tako je napisan Novellino u Italiji. Inovacija je bila podređivanje ove forme zakonima "gotičke vertikale" - od osnove do uzvišenog - upravo u tom nizu su se nalazile kratke priče, a dobili su i sami pojmovi "uzvišeno" i "nisko". humanističko tumačenje. Radnja romana je raznolika. To su i drevne legende i srednjovjekovne priče, ali prije svega pouzdani slučajevi iz života i anegdote. Ideja Boccaccia i struktura knjige formirani su pod uticajem Dantea: isti princip od osnovnog do uzvišenog - od grešnika "pakla" do svetog "raja" - kod Dantea; od satiričnih likova do lopovskih i, konačno, do pozitivnih idealiziranih junaka - kod Boccaccia. Boccacciova inovacija je u tome što je kosmičku kompoziciju prenio u stvarni zemaljski život bez anđela, đavola i svetaca. Prirodni princip u "Dekameronu" suprotstavljen je protivprirodnim zakonima društva, crkvenom asketizmu i klasnim predrasudama. Problemi Dekamerona su univerzalni i istovremeno društveni. Djelo Boccaccia toliko je bogato događajima da su mnogi dramski pisci iz njega posuđivali zaplete za svoje drame: Shakespeare - drama "Cymbeline" i komedija "Kraj je kruna", Lope de Vega, Moliere. Ruski kompozitor D. Bortnjanski napisao je operu zasnovanu na zapletu iz Dekamerona (Sokol, 1786).

Za razliku od Dantea, Petrarka je najčešće pisao na latinskom, ali je delo koje ga je ovekovečilo - "Canzoniere" - "Knjiga pesama" napisano u na maternjem jeziku. On sam nije dao poseban značaj na njegove lirske pesme. Tek kasnije je počeo ozbiljno da shvata ove stihove, te ih je mnogo puta uređivao i poboljšavao. Petrarka je zbirku pjesama podijelio u dvije knjige: "O životu Madone Laure", "O smrti Madone Laure".

Petrarkina ljubav je pravi, zemaljski osjećaj, a sama Laura je konkretna žena. Petrarka imenuje datum njihovog prvog susreta, datum njene smrti.

Petrarka nema opis Laure. On govori samo o njenim očima i one postaju simbol same Laure: "Nećeš videti moju izdaju, oči koje su me naučile ljubavi." Ovim riječima - ideja vjernosti voljenoj ženi. Ali ne samo: oni tretiraju ljepotu kao najvišu mudrost, sposobnu naučiti najljepši osjećaj ljubavi. Petrarkin koncept ljubavi je potpuno humanistički, jer mu se ljubav javlja kao osjećaj koji donosi i radost i muku u isto vrijeme. Po tome se razlikuje od nebeske ljubavi, koja donosi samo radost. Promjena osjećaja - radosti i bola, sreće i patnje oplemenjuje čovjeka, stvara poeziju. Ljubav je uvek lepa, obogaćuje čoveka, pa makar to bila i neuzvraćena ljubav. I nakon Laurinog odlaska iz života, pjesnik ne živi samo s nadom u susret na nebu, već i sa uspomenom na nju, koju sve živo čuva za njega, kao da odražava njen izgled. Ljubav uvek ostaje deo ovozemaljskog postojanja i pesnikove sreće.

Canzoniere sadrži i političke motive, refleksiju komplikovan odnos tog vremena. Postoje misli koje i dalje zvuče moderno. Dakle, Petrarka smatra da je kultura suprotnost ratu, ona je moguća samo u uslovima mira: „Idem, vičem: Mir! Mir! Mir! - završava jedan od soneta. Petrarka je dao veliki doprinos teoriji stiha, otkrivši najbogatije mogućnosti soneta.

I još jedna od mnogih, svijetla figura književnog svijeta - Niccolo Machiavelli(1469-1527) - italijanski pisac i političar kasne renesanse. Njegova politička rasprava "Suveren" je nadaleko poznata. Moderna književnost definiše ovaj žanr kao distopiju: ovdje se razvijaju najtragičnije i najnehumanije ideje 16. stoljeća. Međutim, Makijaveli nije pisao samo političke rasprave, već i pesme, kratke priče, komedije. Likovi njegove komedije "Mandragora" anticipiraju slike junaka dramskih pisaca kasnijeg vremena: skitnica Ligrio je srodna Šekspirovim Jagom i Figarom Bomaršeom, licemjer Timoteo je prototip Molijerovog Tartuffea. A to opet pokazuje, otkriva uticaj koji je kultura renesanse imala na cjelokupnu evropsku kulturu.

Ministarstvo obrazovanja Ruske Federacije

Institut za svjetsku ekonomiju i informatizaciju

ESSAY

na studijama kulture

na temu: " Italijanska renesansa »

Naučni savetnik: Malkova T.P.

Radi student

MOSKVA, 2002.

1. Uvod

2. Humanizam i njegovi nedostaci

4. visoki preporod

5. Leonardo da Vinči, Mikelanđelo Buonaroti, Rafael Santi

7. Pseudonauka i prirodne nauke

8. Kasna renesansa i njen pad

Uvod.

Snažan nalet u kulturnom životu mnogih evropskih zemalja, koji se dogodio uglavnom u 14.-16. veku, au Italiji je započeo već u 13. veku, obično se naziva renesansom. Termin "preporod" (prevod francuskog izraza "renesansa") ukazuje na vezu nove kulture sa antikom. Kao rezultat upoznavanja Istoka, posebno Vizanta, u doba krstaških ratova i redovnih odnosa sa Levantom koji su ih pratili, Italijani su se upoznali sa antičkim humanističkim rukopisima, raznim spomenicima antičke likovne umjetnosti i arhitekture. Sve ove antikvitete počele su se djelomično transportovati u Italiju, gdje su sakupljane i proučavane. Ali čak iu samoj Italiji bilo je mnogo drevnih rimskih spomenika, koje su također počeli pažljivo proučavati predstavnici talijanske urbane inteligencije.

Koristeći se antičkom ideologijom, nekada stvorenom u ekonomski najživljim i najdemokratskijim gradovima antike u smislu njihovog političkog sistema, nova buržoazija ne samo da je pasivno asimilirala, već ju je preradila na svoj način, formulirajući svoj novi pogled na svijet, oštro suprotan svjetonazor koji je vladao prije feudalizma. Drugi naziv nove italijanske kulture - humanizam upravo svjedoči o tome. Humanistička kultura je u centar svoje pažnje stavila samog čovjeka (humanus – čovjeka), a ne božansko, onostrano, kao što je to bio slučaj u srednjovjekovnoj ideologiji. Askeza više nije imala mjesta u humanističkom svjetonazoru. Ljudsko tijelo, njegove strasti i potrebe nisu viđene kao nešto „grešno“ što je trebalo potiskivati ili mučiti, već kao cilj sam po sebi, kao najvažnija stvar u životu. Zemaljsko postojanje je priznato kao jedino stvarno. Poznavanje prirode i čovjeka proglašeno je suštinom nauke. Za razliku od pesimističkih motiva koji su dominirali u svjetonazoru srednjovjekovnih skolastika i mistika, u svjetonazoru i raspoloženju ljudi renesanse prevladavali su optimistični motivi; karakterisala ih je vera u čoveka, u budućnost čovečanstva, u trijumf ljudskog razuma i prosvetljenja. U italijanskom društvu pojavilo se duboko interesovanje za klasične antičke jezike, antičku filozofiju, istoriju i književnost. Grad Firenca je odigrao posebno važnu ulogu u ovom pokretu. Iz Firence su potekle brojne istaknute ličnosti nove kulture.

Humanizam i njegovi nedostaci.

Ja sam most koji vodi u pakao i raj...

Pogledajmo sada kojoj su kategoriji pripadali ljudi koji su po prvi put povezali sadašnjost sa antikom i postavili ovu starinu u temelj novog obrazovanja.

Preteče ovih novih ljudi još su bili lutajući klerici 12. veka. Ovdje vidimo isto lutajuće postojanje, isti slobodan, pa čak i više nego slobodan, pogled na život i iste rudimente antičke poezije. Ali umjesto srednjovjekovnog obrazovanja, koje je pretežno duhovni karakter i kultivisan od strane klerika, javlja se novi trend koji se zasniva na želji za svime što je izvan srednjeg veka. Aktivni predstavnici novog trenda dobijaju izuzetan individualni značaj zbog činjenice da znaju ono što su stari znali, pokušavaju da pišu kako su stari pisali, počinju da razmišljaju i ubrzo doživljavaju utiske onako kako su drevni mislili i percipirali. Tradicije kojima posvećuju svoje aktivnosti sve aktivnije prodiru u život.

Ali humanizam je imao i svojih nedostataka. Novi pisci često žale da su humanizam i oživljavanje antike omeli razvoj nacionalne italijanske erudicije, koja je bila istaknuta u Firenci oko 1300. godine. Tada je, kažu, svako u Firenci mogao da čita, čak su i magarci pevali Danteove kancone, a najbolji sačuvani italijanski rukopisi delo su firentinskih pisara; tada se kaže da je bila moguća popularna enciklopedija poput Tesoretto Brunetta Latinnija, a sve je to rezultat aktivnog učešća građana u javnih poslova, široka trgovina i putovanja. Firenca je napredovala jer nisu znali šta je besposlica. Talenti Firentinaca bili su visoko cijenjeni u cijelom svijetu, svi su koristili njihove usluge. Jačanjem humanističkih struja, prema nezadovoljnicima ovim fenomenom, počevši od 1400. godine nestaju nacionalne težnje, rješenja za sve probleme iz tog vremena traže se samo od antičkih, pa stoga sva književnost teži samo citatima. Čak se i pad slobode vezuje za fascinaciju klasičnom antikom, koja je savremenicima nametnula ropsko obožavanje autoriteta, a književnost antičkih zadobila je posebnu naklonost i pokroviteljstvo italijanskih despota, jer oslikava razaranje opštinska prava.

Ipak, kultura 14. veka, na osnovu unutrašnje nužde, težila je da prihvati humanizam, a najveći italijanski geniji, sami po sebi najnacionalniji, širom su otvorili vrata humanizmu i otvorili put njegovim osvajanjima u 15. veku. . Najupečatljivije ličnosti ovog vremena su nesumnjivo pjesnici Dante, Petrarka i Boccaccio.

Dante Aligijeri, Frančesko Petrarka, Đovani Bokačo

Ostavite nadu vi koji ovde ulazite...

Dante je živio u Italiji u vrijeme kada su talijanski gradovi branili svoju nezavisnost u borbi protiv pape i njemačkog cara i pretvarali se u bogate i prosperitetne republike. Đenova i Venecija su postale poznate po svojim pomorcima i trgovcima, Firenca - po zanatlijama i bankarima.

Unutar svakog grada vodila se žestoka borba. Imućni građani, zvani "debeli ljudi", tlačili su male zanatlije, koje su nazivali "mršavim ljudima". Plemićke porodice bile su u međusobnom neprijateljstvu. Od vremena borbe protiv njemačkog cara nastale su dvije stranke - gvelfi, koji su se suprotstavljali caru i podržavali papu, i gibelini, saveznici cara i papini protivnici. I nakon uspostavljanja nezavisnosti, svaki od njih je težio svojim ciljevima.

Bilo je to turbulentno vrijeme koje je svijetu dalo Dantea, velikog pjesnika kojeg su zvali poslednji pesnik srednjeg veka i prvi pesnik modernog doba, tvorac italijanskog književnog jezika. Rođen je u Firenci u plemićkoj porodici. Kao devetogodišnji dečak, na veličanstvenoj majskoj proslavi, ugledao je ćerku svoje komšinice Beatriče. Bila je njegovih godina. Ovaj susret ga je učinio pesnikom.

Prošlo je devet godina, a Dante je ponovo sreo Beatriče, sada neodoljivu lepoticu. Ljubav iz detinjstva se pretvorila u romantičnu ljubav. Beatrice je ubrzo umrla i zauvek je za svog ljubavnika ostala ideal ljubavi i lepote. Prve cikluse pesama Dante je posvetio Beatriči. U stihovima je oplakivao njen odlazak sa ovog svijeta.

Dante je učestvovao u političkoj borbi. Stranka Gvelfa kojoj je pripadao podijelila se na bijele i crne Gvelfe. Bijeli Gvelfi su se suprotstavili Papi. Dante im se pridružio. Pobjeda je bila na strani crnih Gvelfa. Dante je morao da pobegne iz svog rodnog grada. U odsustvu je osuđen na spaljivanje na lomači.

Tokom godina lutanja gubio je prijatelje, patio od prevare i izdaje, tražio ljubav i sreću, vjernost i prijateljstvo, nadao se i borio. Nikada se nije morao vratiti u Firencu, kamo je težio svim srcem. Čak i kada je postao najpoznatiji od pjesnika, ponos Italije, dozvoljeno mu je da se vrati u domovinu pod tako ponižavajućim uslovima da je ponosno odbio.

Ceo svoj život, sve svoje patnje i pobede, Dante je uložio u glavno delo - pesmu pod nazivom "Komedija". U ovoj pjesmi on razmatra antički i kršćanski svijet, iako ne ravnopravno, ali stalno povlači paralelu između njih. Kao što su se u ranom srednjem vijeku obično međusobno uspoređivali različiti tipovi i slike Starog i Novog zavjeta, tako se Dante, u potkrepljivanju svojih ideja, uglavnom služi i paganskim i kršćanskim usporedbama. Kasnije je pjesma zbog svog savršenstva nazvana "Božanstvena komedija". Dante je u svojoj pesmi opisao pakao, čistilište i raj, naselivši ih dušama svojih savremenika. U svjetskoj poeziji Božanstvena komedija je uporediva samo sa pjesmama Homera, a iz djela modernog vremena - s pjesmama Getea i Puškina. Nekoliko vekova kasnije, Balzac je zbirku svojih romana nazvao "Ljudska komedija".

Gotovo odmah nakon Dantea u Italiji su se pojavila još dva pjesnika, čija su imena ušla u svjetsku književnost. To su Petrarka i Bokačo.

Petrarka do danas živi u sjećanju većine čovječanstva kao veliki talijanski pjesnik, ali njegova slava među savremenicima bila je mnogo veća po tome što je, da tako kažem, personificirao klasičnu antiku, znao vješto oponašati sve vrste Latinska poezija, nastojao je da antičku nauku svojim istorijskim djelima učini dostupnim svima i pisao je "poruke" ili diskurse o pojedinim predmetima antike, koji su za nas od male vrijednosti, ali čiji je značaj sasvim jasan u vrijeme kada nije bilo priručnika. .

Petrarka je, kao i Dante, bio Firentinac. Njegov otac je pripadao partiji Belih Gvelfa, a jednom je, zajedno sa Danteom, morao da pobegne iz Firence. Petrarka je također proveo mnogo godina lutajući po Italiji. Njegove lirske ljubavne pjesme bile su posvuda poznate. Pariz, Napulj i Rim pozvali su ga da bude krunisan za kralja poezije. Petrarka je izabrao Rim, a na Kapitolinskom brdu okrunjen je lovorovim vijencem. Poput Dantea, Petrarka se smatra tvorcem italijanskog književnog jezika.

Najpoznatije Petrarkove pesme posvećene su njegovoj prelepoj voljenoj - Lauri, koju je video samo jednom i koja ga je inspirisala na uzvišenu ljubav. U drugom poznatom djelu - pjesmi "Trijumfi" - Petrarka je slikovito opisao pobjedu ljubavi nad čovjekom, čednosti nad ljubavlju, smrti nad čednošću, slave nad smrću, vremena nad slavom i vječnosti nad vremenom.

Ime Laura, kao i ime Beatrice, postalo je simbol ljubavi, zajednička imenica za pesnikovu voljenu. Ime Petrarke je simbol pjesnika ljubavi.

Boccaccio je bio vanbračni sin firentinskog trgovca i Francuskinje. Rođen je u Parizu 1313. godine, djetinjstvo i cijeli život proveo je u Italiji. Kada je imao deset godina, otac ga je dao jednom trgovcu da bi njegov sin naučio da trguje. Umjesto da trguje računima, Boccaccio je pisao poeziju od djetinjstva. Trgovac je shvatio da njegov šegrt neće biti trgovac i poslao ga je nazad ocu. Otac je prisilio sina da još osam godina sjedi iza trgovačkih knjiga troškova i prihoda. Mladić se pokazao upornim, a otac mu je dozvolio da studira pravo, nadajući se da će mu sin postati advokat. Boccaccio se sprijateljio sa Petrarkom i još je našao vremena za poeziju.

Kasnije je Boccaccio postao poznat i kao diplomata. Posjećivao je dvorove mnogih talijanskih prinčeva i vladara sa raznim diplomatskim misijama. Koristeći se svojom slavom i autoritetom, Boccaccio je uvjerio vladu Firence da otvori posebno odjeljenje za proučavanje djela i djela njihovog velikog zemljaka Dantea, kojeg su svojevremeno protjerali iz njegovog rodnog grada, Boccaccio je objavio prvu biografiju velikog pjesnika, a on je svoju čuvenu pesmu prvi nazvao "Božanstvena komedija".

Boccaccio je napisao mnoge pjesme i kompozicije. Među njima su i rasprave „On poznate žene"," O nesrećama poznatih ljudi. Ali u svjetsku književnost ušao je kao autor Dekamerona, zbirke kratkih priča. U knjizi ih je tačno stotinu, koji govore kako su se sedam dama i tri mladića okupili u seoskoj vili i deset dana pričali jedno drugom ljubavne priče.

Stvarajući svoje kratke priče, Boccaccio je obradio poznate parabole i anegdote o ljubavi, prikazujući ih u novom obliku (zbog čega se nazivaju pripovijetke, što u prijevodu s talijanskog znači „vijest“). Dekameron je postao svojevrsna enciklopedija ljubavi. Slava Boccaccia zasjenila je slavu mnogih pisaca i filozofa.

Boccaccio je najviše cijenio poeziju Dantea i Petrarke. Smatrao je Petrarku bliskim prijateljem; kada je pjesnik preminuo, Boccaccio se razbolio i nakon nekog vremena umro od tuge.

Pjesme Dantea i Petrarke preživjele su mnogo vekova. Još uvijek dirnu i uzbuđuju ljubitelje poezije. Bokačijev Dekameron i danas stoji na polici pored knjiga njegovih velikih savremenika, a otkriva se, možda, češće od Danteove Božanstvene komedije ili Petrarkinih soneta.

Visoka renesansa.

Prve tri decenije kulturnog razvoja Italije u XVI veku. izuzetno bogat svijetlim talentima. Ovo je vrijeme najbliže interakcije raznim oblastima umjetničko i intelektualno stvaralaštvo na osnovu utvrđene zajedništva novih svjetonazorskih pozicija, a različite vrste umjetnosti - na osnovu novog stila koji je postao zajednički za čitav njihov ansambl. Kultura renesanse je u to vrijeme stekla neviđenu moć i široko priznanje u italijanskom društvu, aktivno utječući na cjelokupni tok kulturnog razvoja zemlje. Tome su u velikoj mjeri doprinijeli uspjesi humanizma postignuti krajem 15. vijeka. Humanistički ideal slobodne i harmonične ličnosti, koja posjeduje neograničene mogućnosti za spoznaju svijeta i stvaralačku djelatnost, u doba visoke renesanse s posebnom jasnoćom oličavao se u likovnoj umjetnosti i književnosti, našao je novo poimanje u filozofskoj i političkoj misli. Istovremeno, renesansna estetika dobija i zrele forme, koja se razvija uglavnom na neoplatonskoj osnovi, ali je i pod uticajem Aristotelove poetike. Estetika je obogaćena novim idejama rođenim u stvaralaštvu velikih majstora - Leonarda da Vinčija, Rafaela, Mikelanđela, u delima Bemba, Kastiljonea i drugih pisaca, u brojnim filozofskim raspravama o ljubavi. Ideali ljepote i harmonije bili su sveobuhvatno shvaćeni i čak postali svojevrsna norma koja je utjecala na najrazličitije vrste stvaralačke aktivnosti: unutarnji sklad i savršenstvo oblika djela postali su karakterističan znak epohe. Blizina estetskih pristupa i umjetničkog stila, koji je dostigao klasične crte i izražajnost, stvorio je određeno jedinstvo umjetnosti i književnosti, koje su imale vodeću ulogu u kulturi visoke renesanse.

Ne samo dvorski i aristokratski krugovi, već i dio klera Katoličke crkve aktivno se pridružio vrijednostima renesanse. Patronat je u Italiji postao vrlo uočljiv socio-kulturni fenomen. U zemlji u kojoj je očuvan državni policentrizam, dvorovi vladara, koji su privlačili umjetnike i arhitekte, pisce i historičare, političke mislioce i filozofe, pokazali su se glavnim središtima renesansne kulture. U velikodušnom pokroviteljstvu vladara Milana i Napulja, Mantove i Ferare, Urbina i Riminija, papski dvor nije zaostajao. U republikama Firenca i Venecija razvila se tradicija državnih poretka i privatnog pokroviteljstva kulturnih ličnosti. Istovremeno, patronažni sistem, koji je mnogima od njih postao glavni izvor egzistencije, ostavio je određeni pečat na njihov rad, prisiljavajući ih da vode računa o interesima i ukusima kupaca.

Postigavši vrhunce svog razvoja tokom visoke renesanse, renesansna kultura nije zaobišla krizne pojave. One se očituju u nastajanju dramatičnosti umjetničkih slika, koje su kasnije dostigle tragediju, u gorkoj želji da se pokaže uzaludnost čak i herojskih napora čovjeka u borbi protiv kobnih sila koje mu se suprotstavljaju. Znakovi pojavljivanja kriznih pojava formiraju se i u kontrastima društvene misli koji su se oštro manifestirali u to vrijeme: racionalizam i trezven pogled na stvarnost spojeni su s intenzivnim utopijskim traganjima za idealnim zemaljskim gradom.

Unutrašnje kontradiktornosti u razvoju renesansne kulture bile su uzrokovane prvenstveno promijenjenim povijesnim okolnostima, oštrim koje su dovele u pitanje vjerovanje u sposobnosti pojedinca. Sve očigledniji jaz između humanističkih ideala i stvarnosti doveo je do kriznih pojava u kulturi, ali i pokušaja njihovog prevazilaženja. To je povezano s pojavom manirizma - novog umjetničkog pravca u književnosti i umjetnosti, čije su karakteristične osobine bile naglasak na intenzivnom unutrašnjem životu osobe, misticizam, hirovite fantazije. Manirizam je napustio strogu klasičnu harmoniju u korist gracioznosti ili hladnog sjaja slika, pribjegavao je širokoj upotrebi tehnika velikih majstora renesanse, ali je njegova umjetnička virtuoznost često bila ograničena na čisto vanjske efekte. Umjetnički jezik manirizma se usložnjavao, dobivao karakteristike pretencioznosti, prefinjenosti i pojačanog izraza. Estetika manirizma ustvrdila je orijentaciju ne na "imitaciju" prirode, već na njenu "preobrazbu". Ovaj pravac bio je raširen uglavnom u dvorsko-aristokratskom okruženju, gdje je rješavao uglavnom dekorativne zadatke. Povezuje se s razvojem paradno-aristokratskog portreta, oslikavanjem palača i vila, vrtnom i parkovnom arhitekturom, razvojem nošnje, skulpturalnih djela, au književnosti - prije svega, stvaralaštvom pjesnika. Do kraja stoljeća, kada je počeo da se javlja još jedan umjetnički pravac - barok, stilska heterogenost italijanske kulture pokazala se jednom od njenih najkarakterističnijih osobina.

Leonardo da Vinči, Mikelanđelo Buonaroti, Rafael Santi.

Zadovoljstvo je spavati, veselije je biti kamen.

Oh, u ovo doba, zločinačko i sramotno,

Ne živjeti, ne osjećati je zavidna punoća.

Možda se, bez pretjerivanja, jednom od najupečatljivijih figura renesanse može nazvati umjetnik, vajar, arhitekta i naučnik Leonardo da Vinci.

Leonardo je rođen 1452. godine u gradiću Vinči blizu Firence. Leonardo od Vincija - tako je potpisivao svoje slike, ovjekovječujući gradić koji je zahvaljujući Leonardu postao poznat gotovo više od svih svjetskih prijestolnica.

Leonardo je bio vanbračni sin notar i prosta seljanka. Primijetivši sinovljevu sposobnost slikanja, otac ga je zadužio kod firentinskog vajara i umjetnika Andrea Verrocchia. Šest godina Leonardo je učio zanat. Verrocchio ga je uputio da naslika jednog od anđela na svojoj slici "Krštenje Gospodnje". U poređenju sa anđelima koje je naslikao Leonardo, ostatak slike izgledao je primitivno. Shvativši da ga je učenik daleko nadmašio, Verrocchio je zauvijek napustio slikarstvo i više nikada nije uzeo četkicu.

Sa dvadeset godina Leonardo je počeo da radi samostalno. Tih godina Firencom je vladao potomak bankara, velikodušni pokrovitelj umjetnosti, Lorenco de Medici Veličanstveni. Najviše od svega volio je Botičelijeve slike. Na Lorencovom dvoru, Leonardo nije našao nikakvu upotrebu svojim talentima i otišao je u Milano. Tamo je živeo sedamnaest godina i postao poznat kao umetnik, vajar i veliki inženjer i pronalazač. Leonardo je oduvek želeo da nadmaši svakoga i u svemu. Bio je zgodan i snažan, mogao je rukama lomiti potkovicu, nije mu bilo ravne u mačevanju, a nijedna žena mu nije mogla odoljeti. Leonardo je bio nestrpljiv da se okuša u svim oblastima aktivnosti. Studirao je arhitekturu, izumio tenk i helikopter, pisao studije iz matematike, anatomije i botanike. Možda je bio najsvestraniji genije koji je ikada živio na zemlji.

A ipak je u istoriji čovečanstva ostao prvenstveno kao umetnik, odličan slikar renesansa. Njegova freska "Posljednja večera" vrhunac je filozofskog slikarstva. U pozama, gestovima, licima dvanaest ljudi, veliki umjetnik je uhvatio čitav univerzum osjećaja, doživljaja, misli. Posljednja večera od Leonarda je toliko značajna i duboka da, gledajući je, možete napisati studiju o psihologiji ili raspravu o filozofiji. Još jedno svjetski poznato djelo velikog majstora je portret Mona Lize - "Giaconda". Njenom osmijehu pripisuje se čarobnjačka moć, slava slike je tolika da mnogi smatraju da je cilj života vidjeti je.

Leonardo je bio daleko od političkih događaja svog vremena - borbe partija, gradova. Firentinac, živio je u Milanu, koje je bilo u neprijateljstvu sa Firencom, zatim se ponovo vratio u domovinu, da bi na kraju života prihvatio poziv francuskog kralja Franje I i do kraja života proveo u kraljevskom zamku. Cloux u blizini grada Ambloise. Običan život, sa svojom vrevom, Leonardu se činio beznačajnim u poređenju sa njegovim planovima. Umro je 1519. godine, ostavivši četrnaest tomova rukopisa. Neki od njih do danas nisu shvaćeni i dešifrovani.

Drugi gigant renesanse - Michelangelo Buonarroti - nije nastojao da se dokaže u svim oblastima umjetnosti i nauke, poput Leonarda. Ali kao vajar i slikar, možda je čak i nadmašio svog velikog savremenika. Michelangelo je također započeo svoju karijeru umjetnika u Firenci. Sa četrnaest godina ušao je u radionicu jednog od firentinskih slikara. Nakon godinu dana studija, Michelangelo je kopirao crteže starih majstora na način da njegov učitelj nije mogao razlikovati kopiju od originala. Skulptura je više privukla mladog umjetnika i on se preselio u vajarski atelje. Ubrzo je vladar Firence, Lorenzo Medici Veličanstveni, skrenuo pažnju na talentovanog mladića i dao mu priliku da nastavi da se bavi umetnošću.

Kao vrlo mlad - nije imao ni dvadeset godina - Mikelanđelo je posetio Rim. U Rimu je skulptirao jednu od svojih najpoznatijih skulptura - "Pieta", odnosno "Oplaćanje Hrista". Skulpturi su se divili. U Rimu niko nije poznavao Mikelanđela. Poznavaoci su se prepirali ko je vlasnik ovog prekrasnog djela, te prozivali imena poznatih vajara. Tada je Mikelanđelo noću došao u crkvu, gde je bila postavljena "Pieta", i urezao na njoj ponosan natpis: "Mikelanđelo Buonaroti, Firentinac".

Vrativši se u Firencu, mladi vajar je stvorio Davidov kip. Prema biblijskoj legendi, David je pobijedio diva Golijata. Ova pobjeda se smatrala simbolom pobjede uz božansku pomoć nad grubom silom. Slikari i vajari su obično prikazivali Davida kao slabog mladića koji gazi poraženog moćnog neprijatelja. Michelangelo je stvorio Davida snažnog, atletskog, kao da naglašava da je pobjedu ostvario zahvaljujući sebi. Firentincima se jako dopao Mikelanđelov rad. Postavili su Davida ispred zgrade u kojoj se sastajala republička vlada. David je postao simbol Firence, koja se borila protiv svojih neprijatelja. Ponosni mladić se doživljava i kao simbol cijele renesanse, kao himna čovjeku.

Mikelanđelovo glavno slikarsko delo, slika na plafonu Sikstinske kapele u Rimu, takođe je postala himna čoveku i njegovom ponovnom rođenju. Za četiri godine rada, Michelangelo je sam oslikao plafon površine 500 kvadratnih metara, prikazao stvaranje svijeta, Posljednji sud i biblijske proroke. Postoji zabavna, ali nepotvrđena priča povezana sa Mikelanđelovim četvorogodišnjim radom. Zbog potrebe da se sve četiri godine pogleda u plafon, velikom majstoru se vrat nije dugo savijao, a glavu je mogao da drži samo zabacivanjem unazad. Na pitanje šta se desilo sa umetnikovim vratom i zašto Mikelanđelo nije mogao da sagne glavu, on je u šali odgovorio: „Predugo sam razgovarao sa Bogom“.

Za razliku od Leonarda, koji se veličanstveno povukao iz svakodnevnog života, Michelangelo je bio strastvena i temperamentna osoba. Kada je papa pokrenuo rat protiv Firence, Michelangelo se vratio u svoj rodni grad i vodio izgradnju gradskih utvrđenja. Nakon poraza od Firence, Michelangelo je bio veoma zabrinut zbog poniženja svoje domovine. Uprkos činjenici da mu je život pripremio mnogo patnje i razočaranja, nije odustajao pred nedaćama i radio je do kraja svojih dana. Posljednji period Mikelanđelovog života proveo je u Rimu. Po njegovom projektu rekonstruisan je centar Rima - Kapitolinsko brdo i podignuta Katedrala Svetog Petra, jedna od najgrandioznijih građevina na svetu.

Michelangelo je umro 1564. u svom ateljeu. Papa je, u znak poštovanja prema briljantnom umjetniku, naredio da bude sahranjen u katedrali Svetog Petra. Mikelanđelov nećak ga je tajno odveo iz Rima u Firencu, a meštani su svog zemljaka svečano sahranili u crkvi Santa Corce, grobnici velikih ljudi Firence.

U poređenju sa veličanstvenim Leonardom i izbezumljenim Michelangelom, Raphael Santi izgleda kao skroman mladić. Sin umjetnika, od djetinjstva živi u svijetu slikarstva. Nakon što je posjetio Firencu i upoznao se sa radom svojih savremenika - Leonarda i Michelangela - stvorio je vlastitu, lirsku, poetsku sliku. Raphael je spojio mekoću i nježnost karaktera sa zadivljujućim performansama. Naslikao je mnoge slike, freske, a još više njegovih skica dovršili su njegovi učenici. U Vatikanskoj palati, Rafael je oslikao nekoliko soba.

Posebno su poznate dvije freske - "Parnas" i "Atinska škola". Na fresci Parnasa bog umjetnosti Apolon okružen je muzama i velikim pjesnicima antike - Homerom, Safo, Vergilijem, Horacijem. Tu su i Dante, Petrarka, Bokačo. Freska "Atinska škola" posvećena je filozofima. U centru su Platon i Aristotel. Oni nastavljaju raspravu o idealu i materijalnom: Platon pokazuje prema nebu Aristotel pokazuje dolje na zemlju. Rafael od svih poznatih filozofa antike - Sokrata, Demokrita, Diogena, matematičara Euklida. Platonu je dao sličnost sa Leonardom da Vinčijem, Demokrit sa Mikelanđelom.

Rafaelova najpoznatija slika je Sikstinska Madona. Nazivaju je ne samo vrhuncem Rafaelovog rada, već i vrhuncem italijanskog renesansnog slikarstva. Slika prelijepe žene sa bebom u naručju postala je simbol ljubavi, ljudskosti, uzvišene duhovnosti. Sam Raphael je bio veoma zaljubljen. Divio se ženskoj ljepoti. Možda je zato dostigao takve visine u liku ljepote, da je u svakoj od Madona ponovo stvorio sliku svojih prekrasnih ljubavnica.

Rafael je umro 1520. godine u dobi od trideset sedam godina. Ali u ovom kratkom periodu učinio je toliko toga da istoričari i istoričari umjetnosti godine njegovog života nazivaju erom, stoljećem Rafaela.

Unutrašnji svet čoveka u poeziji

Kultura renesanse uključuje ne samo niz vanjskih otkrića, njena glavna zasluga je u tome što po prvi put otkriva cijeli unutarnji svijet osobe i poziva ga u novi život. U ovom trenutku, prije svega, individualizam dostiže visok stupanj razvoja, zatim humanizam dovodi do svestranog upoznavanja individualnosti u svim njenim pojavnim oblicima, a formiranje ličnosti unapređuje se uglavnom kroz samosvijest i upoznavanje različitih individualnosti općenito. Uticaj klasične antike je karika čitavog ovog pokreta, jer određuje prirodu novih sticanja u sferi individualnosti i književne slike pojedinca. Ali sama snaga znanja ležala je u vremenu iu duhu nacije. Spoznaja unutrašnjeg svijeta čovjeka nije započela rasuđivanjem po pravilima teorijske psihologije, budući da su se u tom pogledu zadovoljavali Aristotelom, već zapažanjima i umjetničke slike. Neizbježni teorijski balast ograničen je na doktrinu o četiri temperamenta, u vezi sa tada prihvaćenim vjerovanjem u utjecaj planeta. Ali ovi koncepti, zamrznuti od pamtivijeka, služili su samo kao osnova za sudove o sudbini pojedinaca, ne ometajući općenito velike progresivne pokrete. Naravno, samo postojanje ovakvih pojmova izgleda čudno u vremenu kada ne samo da već postoji tačan opis uopšte, već i večna umetnost i poezija oslikavaju savršenog čoveka svom njegovom unutrašnjom dubinom iu njegovim najkarakterističnijim manifestacijama. Pogledamo li sve što je dvorska i viteška poezija proizvela u prethodna dva stoljeća na Zapadu, onda ćemo sresti mnogo toga što može parirati djelima Talijana. Ali takvi su biseri rasuti u cijelom moru umjetnih i uvjetnih predstava, a sadržaj ovih djela još je vrlo daleko od objektivne potpunosti u prikazivanju ljudske duše u svom njenom bogatstvu. Italija je u 13. veku, zauzvrat, donela priznanje dvorskoj i viteškoj poeziji u liku svojih trubadura. Svoje postojanje uglavnom duguju kanconi, koja nije inferiorna pesmama severnih minezingera, čak i sadržaj i misaoni proces u kanconi imaju isti karakter uslovne dvorske poezije, iako autor pripada građanskoj ili učenoj klasi.

U prvoj polovini 13. vijeka u Italiji postaje vrlo čest i jedan od mnogih strogo odmjerenih oblika koji su u to vrijeme nastali na Zapadu, a to je sonet. Redoslijed strofa, pa čak i broj stihova u sonetu varira i mijenja se još sto godina, sve dok Petrarka nije uspostavio normalna pravila za to. U tom obliku počeli su da izražavaju sve visoke lirske i kontemplativne motive, a potom i sve vrste sadržaja uopšte; madrigali, Oseti, pa čak i kancone izbledeli su u pozadini. Kasnije su se i sami Italijani, nekad u šali, nekad ozbiljno, žalili na ovaj neizbežni obrazac, na ovu prokrustovu posteljicu svih osećanja i misli. Drugi su, naprotiv, bili i ostali zadovoljni ovim oblikom i nastavljaju ga koristiti za izražavanje misli i osjećaja, lišenih dubokog sadržaja. Dakle, loših soneta ima mnogo više nego dobrih. Ipak, sonet nam se čini velikom blagodati za italijansku poeziju. Njegova jasnoća i odmjerena ljepota, neizostavno oživljavanje i usavršavanje u drugom dijelu, i konačno, lakoća pamćenja, doveli su do toga da su mu se veliki pjesnici stalno vraćali. Sonet je na neki način postao kondenzator ideja i utisaka, kakav ne vidimo u poeziji drugih novih naroda.

Ali zašto Italijani renesanse nisu proizveli ništa od najveće važnosti u tragediji? Drugim riječima, zašto Italija nije proizvela vlastitog Shakespearea? Ovo pitanje se može odnositi samo na paralelu sa kratkim procvatom pozorišta u Engleskoj, budući da Italija u tom pogledu nije bila inferiorna u odnosu na ostatak Evrope u 16. i 17. veku; nije mogla da se takmiči sa Španijom, jer nije bilo ni verskog fanatizma ni apstraktnog osećaja časti, a istovremeno su Italijani bili previše pametni i ponosni da bi svoj tiranski državni sistem stavili na pijedestal. Ali, paralelno s Engleskom, može se prigovoriti da je, prvo, cijela Evropa proizvela samo jednog Shakespearea i da je takav genije općenito neka vrsta neba. Nadalje, moguće je da je pozorište u Italiji bilo blizu većeg procvata, ali je borba protiv reformacije i španske vlasti nad Napuljem i Milanom, a zapravo gotovo cijelom Italijom, dovela do pogibije najboljih izdanaka duhovni život Italije. Konačno, teško je zamisliti samog Shakespearea pod jarmom nekog španskog vicekralja ili rimske kurije, ili čak u svojoj zemlji dvije decenije kasnije, tokom revolucije. Drama u svom najvišem razvoju je kasnije dete svake kulture; ona zahteva posebne uslove vremena i srećnu nesreću. Bilo je i drugih okolnosti koje su otežale procvat drame u Italiji. Prije svega, takva smetnja bila je strast prema određenoj vrsti spektakla, a posebno prema misterijama i drugim vjerskim obredima. Širom ostatka Evrope scenski nastup, pozajmljen iz legendi i svete istorije, bio je, prije svega, izvor i početak drame i pozorišta uopće, ali je Italija bila toliko zanesena dekorativnom pompom i luksuzom kostima u misterijama. da je dramski element morao patiti. Među razloge koji su odložili razvoj drame u Italiji, svakako se moraju ubrojati predstave na italijanskom i Latinski djela Plauta i Terentija, kao i antičkih tragičara, koja su ušla u modu u Rimu, Ferari i drugim gradovima. Ali sve to zajedno nije od presudne važnosti, ova okolnost bi čak mogla biti korisna i doprinijeti prelasku u novu dramu, da se ne umiješa reakcija protiv reformacije i dominacije stranaca. Nakon 1520. živ talijanski jezik prevladava u tragediji i komediji, uprkos negodovanju humanista. Očigledno, s ove strane nije bilo prepreka stvaranju drame u kojoj bi najrazvijenija nacija u Evropi mogla naizgled dati najviši odraz unutrašnjeg života onoga vremena. Ali inkvizitori i Španci su učinili svoj posao, a dramatično prikazivanje raznih sukoba postalo je nemoguće, posebno u sferi nacionalnih tradicija. Ovom istorijskom razlogu treba dodati i štetan uticaj takozvanih "intermezzosa". Kada je u Ferari proslavljeno venčanje princa Alfonsa i Lukrecije Bordžije, vojvoda Erkole lično je uvaženim gostima pokazao sto deset kostima namenjenih za pet Plautovih komedija, kako bi se svi uverili da se nijedan kostim neće ponoviti dva puta. Ali sve ovo obilje tafta i damasta nije značilo ništa u poređenju sa raskošnošću i raznovrsnošću baleta i pantomima, koje su se zabavljale u prekidima antičkih drama. U ovim intermezzosima mogli su se vidjeti rimski ratnici kako tresu drevno oružje u ritmu muzike, Mauri kako plešu sa zapaljenim bakljama i brzi pokreti divljih ljudi s rogom izobilja koji raspršuju vatru. Sav ovaj balet poslužio je kao dodatak pantomimi koja prikazuje spašavanje mlade djevojke od zmaja koji ju je oteo, a zatim su zaigrali klovnovi u odjeći ludaka. Takvi nastupi ponekad su se izvodili na otvorenoj sceni i trajali do tri sata ujutro. Oni su, naravno, zadovoljavali samo strast za spektaklima, ali nisu imali nikakve veze ni sa samom predstavom ni sa prisutnima, pa stoga nisu mogli biti od interesa za misleće ljude.

Raskoš krajolika i luksuz kostima bili su kobni za pravu italijansku tragediju. „U Veneciji“, piše Frančesko Sansovino 1570. godine, „ranije su se ne samo komedije, već i tragedije antičkih i modernih autora često izvodile s velikim sjajem. Mnogo je gledalaca hrlilo iz bližih i dalekih krajeva da vide svu ovu raskoš. A sada bogataši priređuju predstave u zidovima svojih domova, a neko vrijeme je postao običaj da se karneval ispunjava samo komedijama i drugim veličanstvenim i skupim zabavama. Drugim riječima, pompa je ubila tragediju. Neki izolovani pokušaji novih tragičara, među kojima je Trissino najveću slavu stekao svojom "Sofonisbom" (1515), pripadaju istoriji književnosti. Isto se može reći i za najbolje komedije imitatore Plauta i Terencije. Čak ni Ariosto nije mogao stvoriti ništa izvanredno slijedeći ovaj žanr. Naprotiv, narodna komedija u prozi, u obliku u kojem su je komponovali Machiavelli, Bibiena, Aretino, nesumnjivo bi mogla imati budućnost da je sadržaj nije osudio na smrt, jer se ili odlikovala krajnjim nemoralom ili je bila usmjerena protiv pojedinih posjeda, koji nakon 1540. više nisu mogli podnijeti takav neprijateljski stav. Ali kako god bilo, italijanske komedije su prve napisane u prozi i realističkog karaktera i u tom smislu moraju zadržati svoj značaj u istoriji evropske književnosti. Od tada se neprestano pojavljuju tragedije i komedije, na sceni ne manjka ni starih i novih predstava, ali pozorište služi kao samo izgovor da se na raznim svečanostima pokaže raskoš, koji odgovara bogatstvu i plemenitosti naroda. heroji prilike, pa samim tim i genije nacije ovde ne učestvuje. Nacionalna je ostala samo jedna vrsta scenskih djela, a to je commedia dell'arte, improvizirana pred publikom po scenariju. Međutim, u njemu je malo prostora za karakterizacije, budući da su aktivne maske brojne i nepromijenjene, karakter svake od njih odavno je svima poznat. Međutim, ovakva improvizacija je toliko u duhu nacije da glumac i tokom izvođenja pisanih komedija često dodaje mnogo sebe i tako se stvara mešana forma. Nešto ovakvog u Veneciji se može vidjeti u scenskim nastupima Antonio da Molina, poznatog po imenu Burchiella, u društvu Armogno i dr. Burkiella je znala kako da oplemeni komediju venecijanskim dijalektom pomiješanim s grčkim i slavonskim riječima. Veoma bliska komediji dell'arte bila su dela Anđela Beolka, zvanog Ruzante (1502-1524). Pjesnik i glumac, stekao je veliku slavu, a kao pisac upoređivan je sa Plautom, a kao glumac sa Roscijem. Imao je prijatelje koji su u nekim od njegovih drama prikazivali seljake Padove pod imenima Menato, Bezzo i Villora. Proučavao je dijalekt ovih seljaka dok je ljetovao u vili svog prijatelja Luigija Cornara (Aloysius Cornelius) u Codevicu. Nakon toga na raznim mjestima u Italiji nastaju poznate maske s kojima se Italijani i danas zabavljaju: Pantalone, Dr. Brigella, Pulcinello, Arlecchino i drugi. Uglavnom su svi mnogo starijeg porijekla i, možda, nasljednici su maski starorimskih farsi, ali tek u 16. vijeku sakupljene su u jednoj predstavi. Međutim, nijedna sila nije mogla potpuno uništiti dramske talente u Italiji, a time i u sferi muzičke predstave Italija je širila svoj uticaj širom Evrope. Nažalost, u herojskoj poeziji Italije potpuno je odsutan integritet likova. Određene prednosti italijanske epske poezije ne mogu se poreći. Još uvijek se čita i distribuira u štampi, dok epska djela drugih naroda zadržavaju samo historijski i književni interes.

Nakon što je poezija viteštva postepeno zamrla, srednjovjekovne tradicije su nastavile postojati, dijelom u obliku rimovanih prerada i u zbirkama, dijelom u obliku romana u prozi. Ovo poslednje posebno cveta u Italiji u četrnaestom veku, ali u isto vreme probuđena sećanja na antiku potpuno zamagljuju sve slike i fantazije srednjeg veka. Iako Boccaccio u svojoj Visione amorosa među svojim junacima u magičnoj palači spominje Tristana, Artusa, Galeotta i druge, ali samo usputno, kao da ih se stidi, a pisci koji ga slijede ili uopće ne spominju takve junake, ili ih pa samo iz zabave. Ali oni ostaju živi u sjećanju naroda, a pjesnici 15. stoljeća uzimaju ih, moglo bi se reći, direktno iz njegovih ruku. Stoga su potpuno slobodni da koriste ovaj materijal, što i čine; nastavljaju da stvaraju i dalje na temu ovih legendi, ali donose i nešto svoje, novo. U svom radu očigledno se vode uglavnom činjenicom da svaki pojedinačni stih treba da ostavi ugodan utisak kada se naglas ponavlja, pa sve takve pesme ili stihovi imaju koristi posebno ako se recituju u zasebnim strofama sa blagim komičnim prizvukom u glasu. i gestove. U odnosu na poetska pravila i figure, raspoloženje pjesnika je ambivalentno, njegovo humanističko obrazovanje protestira protiv srednjovjekovnih tehnika, dok opis bitaka i borilačkih vještina zahtijeva ne samo precizno poznavanje vojne umjetnosti i borilačkih vještina u srednjem vijeku, već i također takve tehnike koje bi recitatori mogli uspješno koristiti. Stoga ni Pulci zapravo ne parodira viteštvo, kao takvo, iako je grubi način govora njegovih paladina pomalo komičan. Uz to stvara idealnu sliku nasilnika u liku smiješnog i dobrodušnog Morgantea, koji jednim zvonastim jezikom pobjeđuje cijele vojske. Boiardo se prema svojim glumcima odnosi sa istom slobodom i raspolaže s njima proizvoljno, čas ozbiljno, čas razigrano. Samo u jednom pogledu, on, kao i Pulci, sebi postavlja ozbiljan umjetnički cilj, a to je da u priču unese što više pokreta i tehničkih detalja. Pulci je recitovao svoju pesmu, tačnije svaku pesmu posebno, čim ju je pripremio, pred Lorencom Veličanstvenim i njegovim dvorom, a Boiardo čita svoje pesme u Ferari, na dvoru vojvode Erkole. Teško je pretpostaviti koji su zahtjevi u ovom slučaju postavljeni obojici. Jedno je jasno: djela nastala u takvim uvjetima su najmanje bila zaokružena cjelina i mogla su, u suštini, biti duplo kraća ili, naprotiv, duža bez ugrožavanja sadržaja; svi takvi radovi nisu kao velika istorijska slika, već kao fraze ili kao vijugavi veličanstveni vijenac. Boiardova figurativnost i upečatljiva promjena u slikama koje stvara potpuno su u suprotnosti s našim školskim definicijama pravila epske poezije. Za to vrijeme ova poezija je bila najprijatnija digresija od antike i, zapravo, jedino sredstvo za stvaranje originalne narativne poezije.

Epska poezija u liku Pulcija, Boiarda i drugih bila je u svoje vrijeme pravi spas za izgubljene pjesnike. Malo je vjerovatno da će ep ikada biti dočekan s takvim entuzijazmom. Poenta uopšte nije u tome koliko je ova poezija odgovarala idealima herojske poezije uopšte u smislu kako je mi razumemo, ali je nesumnjivo da je ova poezija oličavala ideal svog vremena. Brojni opisi bitaka i dvoboja u ovim pjesmama ostavljaju na nas dosadan utisak, ali su u to vrijeme izazivali veliko zanimanje koje teško možemo zamisliti, baš kao što nam se sada čini čudnim oduševljenje koje je u srednjem vijeku izazivala improvizacija. Sa ove tačke gledišta, zahtevati bilo kakve karakteristike od Ariosta, na primer, u njegovom "Besnom Rolandu" značilo bi samo pristupiti mu sa potpuno lažnim kriterijumom. Karakteristike ove vrste nalaze se u ovoj pjesmi i u njima samima, čak i vrlo vještim, ali se pjesma na njih ne oslanja bitnije i prije bi mogla izgubiti nego dobiti kada bi se autor na njima počeo zadržavati. Sa moderne tačke gledišta, imali bismo pravo da od Ariosta zahtevamo ne samo karakteristike, već i mnogo ozbiljnije stvari. Tako bogato nadaren pjesnik, čini se, nije se mogao ograničiti samo na avanture, već je u jednom velikom djelu mogao oslikati najdublje sukobe ljudskih osjećaja i najvažnije poglede svog vremena na sva božanska i čisto ljudska pitanja. Jednom riječju, mogao je stvoriti jednu od onih cjelovitih slika svijeta koje imamo u Božanstvenoj komediji i u Faustu. Umjesto toga, on radi potpuno isto što i slikari i drugi umjetnici tog vremena, i postaje besmrtan, uprkos činjenici da se uopće ne trudi biti originalan. Umjetnički cilj Ariosta je živa briljantna priča i stalna, neprekidna promjena slika i slika. Da bi se postigao ovaj cilj, ne bi trebalo da bude vezan ni dubokim karakteristikama, ni bilo kakvom strogom zavisnošću pojedinačnih pojava i redosleda u prezentaciji. Stalno gubi nit priče i vezuje krajeve prekinutih niti gdje mu se sviđa, njegovi likovi mogu nestati i pojaviti se jer to samo njegovo djelo zahtijeva. Ali, ipak, i pored sve naizgled nelogičnosti i samovolje, pjesnik pokazuje zadivljujuće razumijevanje ljepote i skladnog takta. Nikada se ne gubi u detaljima, već se, naprotiv, u opisivanju situacije i likova zaustavlja samo na onome što je u bliskoj vezi sa daljim kretanjem i ne narušava opšti sklad. On također ne prelazi granice u govorima i monolozima, a iako govori likova predstavljaju, pak, priču, pjesnik zadržava visoku privilegiju epa: da ono što se dogodilo ne prenese kao prepričavanje, već kao radnju na pozornici. Paphos nikada nije izražen u njegovim riječima, kao što se može naći u Pulci, to mu se ne može zamjeriti čak ni u čuvenoj 23. i u sljedećim pjesmama, gdje je prikazan Rolandov bijes. Među njegove zasluge treba ubrojiti i činjenicu da u njegovoj herojskoj pjesmi ljubavne priče nisu nimalo lirske prirode. Oni ostavljaju mnogo da se požele sa moralne tačke gledišta, ali su toliko istiniti da se u njima definitivno naslućuju avanture samog autora. Previše samopouzdanja u sebe i svoje umetničkim sredstvima omogućava mu da u svoju pjesmu unese neke od modernih pojava i veliča kuću Este u proročanstvima figurativnih slika.

U liku Teofila Folenga ili, kako on sebe naziva, Limerno Pitocco, parodija na cjelokupno viteštvo, sa svojim posljedicama u životu i književnosti, dobiva izvanredan poetski značaj, au vezi sa pravom satirom, strožiju karakterizaciju tipova. ravnomerno je pojačan u ovoj poeziji. Među uličnim životom malog rimskog grada, uvježbavajući se šakama i bacanjem kamenja, mali Orlando raste pred našim očima, postajući hrabri heroj, mrzitelj monaha i razumnik. Svijet uslovne fantazije, koji je stvorio Pulci i koji od tada služi kao okvir za ep, raspada se u komadiće. Porijeklo i samo dostojanstvo paladina ismijavaju se, na primjer, u drugom pjevanju, na turniru magaraca, a vitezovi se pojavljuju u najnevjerovatnijem oružju. Pjesnik izražava komično žaljenje zbog neobjašnjive izdaje u porodici Ganona od Mainza ili poteškoća u vezi s nabavkom Durindanovog mača itd. Uz to, nemoguće je ne primijetiti i poznatu ironiju u odnosu na Ariosta, na sreću “pomamnog Rolanda”, Orlandino je sa svojom luteranskom jeresom ubrzo potpao pod inkviziciju i neminovno zaboravljen. Konačno, u Torkvatu Tasou „Oslobođeni Jerusalim“ karakterizacija likova je već jedna od glavnih autorovih briga, pa se tako vidi koliko su pesnikov pogled i manir otišli daleko od strujanja koja su vladala pre pola veka. Njegovo nevjerovatno djelo može poslužiti kao spomenik eri borbe protiv reformacije.

Pseudonauka i prirodne nauke.

U svakom kulturnom narodu, u svakom trenutku, može se pojaviti osoba koja zahvaljujući svojim ličnim izuzetnim kvalitetima napravi značajan iskorak na empirijskom putu, uprkos svoj nepripremljenosti terena. Takvi ljudi su bili Herbert od Reimsa (papa Silvester II) u 10. veku i Rodžer Bekon u 13. veku. Morali su odjednom rješavati mnoge probleme, koji su nastali zajedno sa nestankom lažnih ideja, obožavanja tradicije i knjiga i straha od prirode. Druga je stvar kada je cijeli narod ponesen kontemplacijom i radoznalošću drugih naroda, a jedna osoba, koja ide naprijed putem otkrića, može računati na činjenicu da ne samo da neće biti dočekana prijetnjama ili prezrivom šutnjom, ali, naprotiv, razumeće i pokazati interesovanje. Ovo poslednje vidimo u Italiji. Italijanski prirodnjaci, ne bez ponosa, slijede Danteove dokaze empirijskog poznavanja prirode u njegovoj Božanstvenoj komediji. Ne možemo suditi koliko je pravedno ili nepogrešivo prvenstvo koje mu se pripisuje u ovim ili drugim otkrićima, ali čak i slabo obrazovana osoba ne može a da ne bude zapanjena punoćom kontemplacije vanjskog svijeta, koju je Dante otkrio u svojim slikama i poređenjima. Više od bilo koga od modernih pesnika, on sve posuđuje iz stvarnosti - bilo da je priroda ili ljudski život - i nikada ne koristi ove slike i poređenja samo radi ukrasa, već isključivo da bi dočarao ideju koja najbolje odgovara onome što želi da kaže. ili objasniti. On je pravi naučnik par excellence u oblasti astronomije, iako se ne može poreći da su neka astronomska mesta u njegovom odlična pjesma oni nam se sada čine „naučnicima“, ali su u to vreme svima bili razumljivi, jer se Dante poziva na dobro poznate astronomske činjenice koje su Italijani tog vremena dobro poznavali kao navigatori. Naime, narodni podaci o vremenu pojavljivanja na nebu i zalasku sunca izgubili su na značaju izumom satova i kalendara, a time je nestao i opći interes za astronomiju općenito. Danas ne nedostaje priručnika, a svaki učenik u školi zna da se Zemlja kreće oko Sunca, što Dante nije znao. Astrologija, ili tobožnja nauka o predviđanjima, itd., ni najmanje ne protivreči empirijskom duhu Italijana tog vremena; to samo pokazuje da se empirizam morao boriti sa željom da zna i predvidi budućnost. Crkva je, zapravo, bila gotovo uvijek tolerantna prema ovoj i drugim lažnim naukama, ali je bila neprijateljski nastrojena prema pravom proučavanju prirode samo kada se optužba, opravdano ili ne, ticala jeresi i nekromancije, zapravo vrlo bliskih jedna drugoj. Bilo bi zanimljivo, naravno, znati jesu li dominikanski inkvizitori (a i franjevci) uopće bili svjesni lažnosti ovih optužbi i u kojim slučajevima i dokle su išli u osudi da bi se dodvorili neprijateljima optuženih ili iz skrivene mržnje prema poznavanju prirode uopšte i svih eksperimenata posebno. Ovo poslednje se, po svoj prilici, često dešavalo, iako je to teško dokazati; u svakom slučaju, u Italiji ovi progoni nisu imali posledice kakve vidimo na severu, gde je otpor inovatorima bio izražen u zvaničnom sistemu prirodnih nauka koji su usvojili sholasti. Pjetro od Albana (početkom 14. veka) pao je, kao što znate, žrtvom zavisti drugog lekara, koji ga je pred inkvizicijom optužio za jeres i veštičarenje; čini se da se nešto slično dogodilo njegovom savremeniku Giovanninu Sanguinacciju u Padovi, jer je ovaj bio inovator u svojoj medicinskoj praksi; platio je samo progonstvom. Uostalom, ne smijemo zaboraviti da dominikanski inkvizitori nisu mogli imati tako veliku vlast u Italiji kao na sjeveru, budući da su se i tirani i slobodni gradovi u četrnaestom vijeku često odnosili prema sveštenstvu s takvim prezirom da ne samo zanimanje prirodnih nauka, ali mnogo za osudu u ovom smislu moglo bi ostati nekažnjeno. Kada je klasična antika trijumfalno napredovala u 15. veku, tako napravljen proboj u starom sistemu otvorio je put za sve vrste sekularnih studija, a humanizam je, naravno, privukao sve najbolje sile i time odložio empirijsku prirodnu nauku. U međuvremenu, s vremena na vrijeme, tu i tamo, Inkvizicija se uvijek iznova budi i proganja ili spaljuje doktore na lomačama, kao ateiste i nekromante, i nikada nije moguće sa sigurnošću utvrditi pravi, duboko skriveni razlog za osudu i pogubljenje . Uz sve to, Italija je krajem 15. vijeka sa svojim naučnicima, kao što su, na primjer, Paolo Toscanelli, Luca Pacioli i Leonardo da Vinci, drugi matematičari i prirodnjaci, zauzimala prvo mjesto među svim narodima u Evropi, a naučnici svih zemalja prepoznale su se kao njeni studenti. Vrlo važan pokazatelj opšteg interesa za prirodne nauke je rana strast u Italiji za prikupljanje kolekcija i za uporedno proučavanje biljaka i životinja. Italija je poznata po prvim botaničkim vrtovima, prvobitno uzgajanim radije u praktične svrhe. Mnogo je važnija činjenica da se već u 14. veku na poljoprivredu gledalo kao na predmet umetnosti i industrije, sudeći, na primer, prema poljoprivrednom udžbeniku Pierrea da Crescencia, koji je bio veoma čest u to vreme; pored toga vidimo da se prinčevi i bogataši u svojim seoskim baštama takmiče u uzgoju svih vrsta biljaka, voćaka i cvijeća, i time se hvale jedni pred drugima. Tako je u 15. veku veličanstvena bašta Vile Caregi, porodice Mediči, prikazana gotovo kao botanička bašta sa beskrajnom raznolikošću različitih vrsta drveća i žbunja. Takođe u početkom XVI vijeka, opisana je vila kardinala Trivulzia u rimskoj Kampaniji: sa živicom od raznih vrsta ruža, velikim brojem voćaka, kao i dvadeset vrsta vinove loze i prostranom baštom. Bez sumnje, ovo što vidimo kod nas uopšte nije ono što vidimo na Zapadu, gde se u svakom dvorcu i manastiru uzgajaju samo dobro poznate lekovite biljke. Ovdje se, pored povrća pogodnog za ljudsku ishranu, uzgajaju biljke koje su same po sebi zanimljive i, osim toga, lijepog izgleda. Iz istorije umetnosti znamo kako se kasno baštovanstvo oslobodilo ove kolekcionarske strasti uopšte i počelo da se podređuje zadacima arhitektonike i slikarstva. Istovremeno, a u vezi, naravno, sa istim interesovanjem za prirodne nauke uopšte, uobičajeno je da se drže strane životinje. Južne i istočne luke Sredozemnog mora omogućavaju dopremanje životinja iz drugih krajeva, a italijansko podneblje - da ih drže i uzgajaju, te stoga Talijani rado kupuju divlje životinje ili ih primaju od sultana na dar. Gradovi i suvereni su najspremniji da drže lavove, ne samo kada su prikazani u grbu, kao u Firenci. Lavlje jazbine su u samim palatama ili u blizini, kao u Peruđi i Firenci; u Rimu su postavljeni na padini Kapitola. Ove životinje ponekad služe i kao izvršitelji političkih kazni, na izvestan način izazivaju strahovit strah kod ljudi uopšte, iako su svi uspeli da primete da iz volje gube deo žestine, pa ih je bik jednog dana oterao kući "kao ovce". u ovčaru." Ipak, pridaje im se veliki značaj i ovo ili ono vjerovanje je povezano s njima; pa, kada je jednog od najlepših lavova, koji pripada Lorencu Medičiju, drugi rastrgao na komade, onda se to smatralo znakom smrti samog Lorenza (Ako bi se lavovi borili, a posebno ako bi jedan drugog ubio, ovo se smatralo lošim predznakom). Njihova plodnost nagovještavala je dobru žetvu. Bio je običaj da se mladi lavovi poklanjaju prijateljskim gradovima u Italiji ili inostranstvu, kao i kondotijerima kao nagrada za hrabrost. Štaviše, Firentinci su dobrovoljno držali leoparde. Borzo, vojvoda od Ferare, natjerao je svoje lavove da se bore s bikovima, medvjedima i divljim svinjama. Benedetto Dei donio je 7 stopa dugog krokodila na poklon Lorenzu de Medičiju, za koji kroničar primjećuje: "Zaista lijepa životinja." Krajem 15. vijeka prave zvjerinjak postaju neizostavan atribut na dvorovima mnogih vladara. „Za punu raskoš dvora“, kaže Matarazzo, „neophodno je imati konje, pse, deve, jastrebove i druge ptice, kao i šaljivdžije, pjevače i strane životinje“. U Napulju, pod kraljem Ferranteom, žirafa i zebra također su živjele u menažeriji, očigledno poklon tadašnjeg bagdadskog vladara. Philippe Maria Visconti nije imao samo konje u vrijednosti od petsto do hiljadu zlatnika, već i vrijedne engleske pse, kao i leoparde dovedene iz raznih istočnih zemalja; na sjeveru su ga posvuda tražile lovačke ptice, a njihovo održavanje ga je koštalo tri hiljade zlatnika mjesečno. Brunetto Latini piše: "Kremonežani kažu da im je car Fridrih II poklonio slona kojeg je dobio iz Indije." Petrarka navodi izumiranje slonova; portugalski kralj Emanuel Veliki dobro je znao šta radi kada je Lavu X poslao slona i nosoroga kao dokaz svoje pobjede nad nevjernicima; Ruski car je poslao morskog sokola u Milano. Istovremeno je počelo naučno proučavanje životinja i biljaka. Zapažanja na životinjama i zvijerima dobila su praktičnu primjenu u ergelama; tvornice Este u Napulju bile su posebno poznate, a tvornica u Mantovi, pod Francescom Gonzagom, smatrana je prvom u Evropi. Rasa konja je cijenjena, naravno, otkad je uopće počelo jahanje, ali umjetni uzgoj i ukrštanje rasa je u navici još od vremena krstaških ratova. U Italiji su u svim gradovima bilo kojeg značaja organizovane trke i nagradna takmičenja, što je bio glavni motiv za unapređenje rasa. U ergeli u Mantovi uzgajali su se konji za trke, ali i za rat. Općenito, konji su se smatrali dostojnim poklonom za suverene. Gonzaga je imao pastuve i kobile iz Španije, Irske, Afrike, Trakije i obe Sicilije; radi njih je održavao prijateljske odnose sa turskim sultanima. Ovdje su vršeni eksperimenti ukrštanja kako bi se pasmina dovela do savršenstva. Ljudskih "menažerija" nije nedostajalo. Čuveni kardinal Ipolito Mediči, rođeni sin Đulijana, vojvode od Namura, držao je na svom neverovatnom dvoru čitavu gomilu višejezičnih varvara, više od dvadeset različitih nacionalnosti; svaki od njih je na svoj način predstavljao nešto izuzetno. Bilo je tu neuporedivih voltigera, tatarskih strelaca, crnačkih rvača, indijskih plivača i Turaka, koji su uglavnom pratili kardinala u lovu. Kada je rano umro, ova šarolika gomila nosila je kovčeg na svojim ramenima od Itrija do Rima, a usred opće žalosti u gradu, ispuštali su turobne povike na raznim jezicima, oplakujući svog velikodušnog domaćina.

Kasna renesansa i njen pad.

16. vek je poslednji vek u istoriji italijanske renesanse. Naziva se i Cinquecento. Obuhvaća vrijeme njenog najsjajnijeg procvata, tzv. Visoku renesansu (kraj 15. - 30. st. 16. vijeka), vrijeme kasne renesanse (40. - 80. godine) i period njenog postepenog zamiranja u uslovima oštrije Katolička reakcija. U eri Cinquecenta, kao i ranije, postojala je sekularna humanistička kultura renesanse i, u jednom ili drugom stepenu, bila u interakciji sa narodnom, aristokratskom i crkveno-katoličkom kulturom Italije. Opšti proces kulturnog razvoja zemlje u XVI veku. daje šaroliku sliku i stilske heterogenosti, spoj renesanse sa manirizmom koji je nastao 20-ih godina i akademizma i baroka koji su nastali u posljednjim decenijama ovog stoljeća.

Glavne faze političkog i društveno-ekonomskog razvoja Italije u XVI vijeku. hronološki se nije poklapala sa glavnim fazama kulturnih procesa. Visoka renesansa dogodila se za vrijeme razornih talijanskih ratova (1494 - 1559), kada je Apeninsko poluostrvo postalo poprište borbe između Francuske i Španije i Carstva za posjed Napuljskog kraljevstva i Milanskog vojvodstva. Mnoge italijanske države bile su uključene u ove ratove, slijedeći svoje političke i teritorijalne ciljeve. Ratovi su nanijeli ozbiljnu štetu privredi zemlje, koja je gubila i poziciju na stranim tržištima, što je bilo povezano sa kretanjem svjetskih trgovačkih puteva kao rezultat velikih geografskih otkrića i turskih osvajanja u istočnom Mediteranu. Ispostavilo se da je kraj italijanskih ratova politički izuzetno nepovoljan za zemlju, jer je Španija učvrstila svoju vlast nad Napuljskom kraljevinom i potvrdila svoju dominaciju u Milanskom vojvodstvu i nizu malih teritorija, ali je stvorila uslove za ekonomski procvat u Italiji u drugoj polovini veka. Istovremeno, u poljoprivredi se već početkom stoljeća ocrtava, a kasnije i pojačava težnja ka ponovnoj feudalizaciji, ka očuvanju tradicionalnih oblika zemljišne svojine, ka obnavljanju lične zavisnosti seljaštva. Kapitali formirani u komercijalno-industrijskoj sferi sve su više ulagani u sticanje zemljišta, a ne u dalji razvoj proizvodnje. Rani kapitalistički odnosi u industriji nisu dobili nove poticaje, a kao rezultat toga, Italija početkom 17. stoljeća. bio daleko iza naprednih zemalja kao što su Engleska i Holandija. Njegovi društveni kontrasti zadivljivali su strane savremenike, iako su njihove manifestacije i razmjeri u drugim zemljama bili značajni. Jaz između polova bogatstva i siromaštva dostigao je neviđene razmjere u Italiji. Socijalni protesti su se takođe pojačali, što je rezultiralo periodičnim rasplamsavanjem gradskih pobuna i seljačkih nemira. Sa raširenim usvajanjem apsolutističkih oblika vladavine u italijanskim državama (republikanski sistem se održao tokom celog 16. veka, a kasnije, do kraja 18. veka, samo u Veneciji), proces prodaje i distribucije feudalnih titula i titula od strane vladara do urbane elite se aktivno odvijalo, birokratija je rasla, formirao se sloj birokratije. U novoj sredini promijenila su se raspoloženja i ideologije različitih društvenih slojeva. Etičke vrijednosti uobičajene u trgovačkim i poduzetničkim slojevima, racionalizam i principi poštenog gomilanja, ideje građanstva i patriotizma ustupili su mjesto plemenitom moralu, koji je cijenio velikodušnost, porodičnu čast, vojničku hrabrost i odanost gospodaru. U doba kontrareformacije i katoličke reakcije, koja se naglo intenzivirala u posljednjim decenijama 16. stoljeća, principi tradicionalnog crkvenog morala i pobožnosti usađuju se novom energijom i raznim metodama, a lojalnost pravoslavlju smatrana je moralnim postulat.

Humanistički ideali su također prošli određenu transformaciju. To se odrazilo u kriznim pojavama, od kojih se jedan broj ocrtavao u renesansnoj kulturi već u doba visoke renesanse. Doktrina o čovjeku, njegovom mjestu u prirodi i društvu danas je razvijena ne toliko u sferi tradicionalnih humanističkih disciplina, koliko u prirodnoj filozofiji i prirodnim znanostima, političkoj i istorijskoj misli, u književnosti i umjetnosti. Ali, možda, glavna razlika između Cinquecenta i prethodnih faza renesanse je široki prodor renesanse u sve sfere kulture: od nauke i filozofije do arhitekture i muzike. Ni 16. stoljeće ne poznaje ravnomjernost razvoja, ali s druge strane, ne postoji više ono područje italijanske kulture koje ne bi bilo zahvaćeno uticajem renesanse. Renesansna kultura, njen humanistički svjetonazor i umjetnički ideali imali su veliki utjecaj na život talijanskog društva. Iako je nemoguće identificirati ideje kreatora nove kulture i onih koji su je percipirali u mjeri svog obrazovanja. Sekularni principi su se aktivno afirmirali u ideologiji i mentalitetu, u načinu života i svakodnevni život različitih društvenih slojeva. Tome je doprinijela sama svestranost kulture renesanse, raznolikost sfera njenog ispoljavanja i utjecaja - od filozofije do književnosti i umjetnosti. Renesansa je, dakle, dala poticaj jačanju procesa sekularizacije društvenog života u Italiji, jačanju uloge individualne i nacionalne samosvijesti, te razvoju novih masovnih umjetničkih ukusa.

Oslobođenje od duhovnih okova tokom renesanse dovelo je do nevjerovatnog otkrića ljudskog genija na polju umjetnosti i književnosti. Međutim, takvo društvo je nestabilno. Reformacija i kontrareformacija, kao i osvajanje Italije od strane Španije, okončali su italijansku renesansu sa svim dobrim i lošim u njoj.

SPISAK KORIŠĆENE LITERATURE:

1. "Istorija srednjeg vijeka: Evropa i Azija". MN: "Žetva", 2000.

2. “Svjetska istorija u licima. Rani srednji vek, Vladimir Butromejev. "Olma-press", Moskva, 1999.

3. "Kultura Italije u renesansi", Jacob Burkhardt. "Rusich", Smolensk, 2002.

4. „Istorija kulture zemalja Zapadne Evrope u doba renesanse“, priredila Bragina L. M. „Viša škola“, Moskva, 1999.

5. Istorija zapadne filozofije, knjiga 3, Bertrand Rasel.

http://www.philosophy.ru/library/russell/01/04.html

Freska Masaccia "Čudo sa staterom": ovdje je prvi put, kako se vjeruje, korištena direktna perspektiva koju je otkrio Brunneleschi

Zašto italijanski? Da, jer je tu sve počelo. Odavde potiče čitava evropska renesansa. (Rusija je „promašila“ ovo doba, povezujući se sa evropskom modom, počevši tek sa Petrom I.) Italijanska renesansa je dala svetu plejadu genijalaca, a upravo sa Italijom četrnaestog i šesnaestog veka povezujemo taj koncept “renesansne umjetnosti”.

Leonardo da Vinci (autoportret) i njegov Vitruvijanski čovjek. Prema Leonardu, proporcije ljudskog tijela su idealne, a da bi se izgradila harmonična građevina potrebno je koristiti znanje o tim proporcijama.

Bilo je to vrijeme izuzetnog kulturnog procvata. Ali šta je dalo tako snažan podsticaj? Kako je renesansa izrasla iz asketske estetike srednjeg vijeka?

Istorija će pomoći da se pronađe odgovor, odnosno istorija vizantijske države. Nastao je 395. godine nove ere. nakon konačne podjele Rimskog carstva. Uskoro je Rimsko carstvo, izmučeno varvarskim napadima, prestalo postojati, a Bizant je ojačao i postao moćno carstvo - baštinik antičke (grčke) kulture. Bila je to, između ostalog, veoma bogata država i na toj „osnovi“ se savršeno razvila kulturna „nadgradnja“. Postojao je dugi niz vekova, ali je već u 12. veku počeo da gubi zemlju, 1204. preživeo je zauzimanje Konstantinopolja od strane krstaša, da bi konačno pao pod naletom Osmanskog carstva u 14. veku.

Zajedno sa blagom, umetničkim delima i bibliotekama koje su ukrali krstaši, vizantijska kultura, direktni naslednik antike, „izneta“ je u „latinski“, katolički deo Evrope. Bježeći od osvajača, nosioci ove kulture, najobrazovaniji ljudi svog vremena, došli su na Apeninsko poluostrvo. I zahvaljujući njima, antika je postala nevjerovatno moderna. A budući da je u Italiji sačuvan veliki broj primjeraka antičke rimske arhitekture, evo ga - primjera za slijediti!

Ideal je viđen u antičkom poretku sa njegovim skladnim proporcijama, sa svojom simetrijom. Reproducirali su ga u svojoj izvornoj, pomalo teškoj rimskoj verziji, dvorci plemstva su stoga izgledali surovo - ali su besprijekorno utjelovili ideju moći i moći. Tipični "predstavnici" stila su Palazzo Pitti, Palazzo Rucellai.

Palazzo Rucellai, koju je dizajnirao Leon Battista Alberti (1402-1472), je inovacija za svoje vrijeme. Fasada, "razbijena" rustifikacijom i jasnim nizovima pilastara, do sada nije korištena.

Prozor je dizajniran kao mala vrata: ima svoju "arkadu", a "plafon" je oslonjen na stub. Rezbarenje u kamenu kombinirano je s promišljenim štukaturskim ukrasom: lav na grbu, vrpca iznad grba, kapiteli kompozitnog reda, elegantan uzorak friza

Tipična palača tog vremena je pravougaone osnove. (U jednom od članaka na našem blogu prisjetili smo se Andrea Palladija - osnivača klasicizma; dakle, ovaj jedinstveni arhitekta, ispred svog vremena, živio je u renesansi.)

Inače, tada je gotički stil nazvan "gotičkim", odnosno "varvarskim", i konačno su se od njega odmetnuli. Ne samo aristokrate, već i pape, i oni koji su željeli da se najznačajnije katedrale i papinska rezidencija sagrade i luksuzno urede na nov način. Rezbarenje kamena, gipsano oblikovanje, skulptura, murali - sve je to bilo uključeno u arsenal novog stila.

Kupola katedrale sv. Petra u Vatikanu. Kupolu je dizajnirao Michelangelo. U izgradnji i uređenju ovog grandioznog zdanja učestvovali su Bramante (započeo gradnju), Raphael, Michelangelo, a kasnije i Bernini, majstor baroknog doba.

Inače, crkva je postala jedan od najutjecajnijih i najbogatijih kupaca, zahvaljujući čemu danas imamo takva remek-djela arhitekture kao što je katedrala sv. Petra i hram Tempieto (u Rimu), ansambl Kapitolskog trga, Firentinska katedrala. (Kao i remek-djela slikarstva, poput čuvene freske Leonarda da Vinčija "Posljednja večera" u crkvi Santa Maria delle Grazia u Milanu i Mikelanđelovih slika u Sikstinskoj kapeli.)

Katedrala sv. Petra

Skulptura na fasadi Sv. Petra

Unutrašnjost Sikstinske kapele sa Mikelanđelovim slikama

Detalj plafonske slike Sikstinske kapele

Capitol Square u Rimu - još jedno izvanredno Mikelanđelovo delo

"David" od Mikelanđela

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

Posljednja večera Leonarda da Vincija. Freska u crkvi Santa Maria Delle Grazie (Milano)

Leonardo da Vinci

Crkva Santa Maria Delle Grazia (Milano), čiji je oltar dizajnirao Bramante

Donato Bramante (1444-1514) jedan je od najznačajnijih arhitekata italijanske renesanse. Konkretno, on je počeo graditi katedralu sv. Petrav Rim. Radio u Milanu 20 godina. Tamo je upoznao Leonarda da Vincija, čije su urbanističke ideje imale veliki uticaj na njega.

Tempieto (1502) se s pravom smatra Bramanteovim remek-djelom

Palazzo Cancelleria (dizajnirao Bramante)

Zajedno sa arhitekturom, promijenila se i unutrašnjost. Umjetnost dekoracije štukature i same tehnologije izrade štukature razvijene su u rimskom interijeru, koji je naslijedio renesansni interijer. Iz arsenala starog Rima posuđeni su stupovi lakoničnog i grubog toskanskog poretka, kao i bujni korintski i kompozitni stil (okrunjeni su otmjenom gipsanom štukaturom, koja podsjeća na košaru s pregršt cvijeća). Strop se također obrađuje uz pomoć gipsane štukature, dijeleći ga na konveksne pravokutnike. Odozgo je sve to potpisano i prekriveno zlatnim listićima. Majstori se "sjećaju" rimske tehnologije "štukature" - stvaranja štukature s mramornim čipovima koji imitiraju mramor.

Vatikanski muzej. Unutrašnjost ovog muzeja je tipično renesansna: na podu su firentinski mozaici, na stropu pozlaćene i oslikane gipsane letvice, zidovi od štukature, koji se ne razlikuju od mramora, i puno antičke skulpture.

Unutrašnjost katedrale sv. Petra

Arkadne i gipsane letvice u dekoraciji stupova (Palazzo Rucellai)

Na temelju tradicionalnih starorimskih ornamenata - stiliziranog grčkog vala, lišća akantusa, dupina, riba i školjki - i bizantskog vinove loze, renesansni majstori stvaraju vlastiti stil koji karakterizira velika stvaralačka sloboda. Maske, lavlje glave, kovitlaci bilja, listovi su kombinovani u jednom uzorku. Renesansni ukrasi kombiniraju fantaziju i strogoću, a što je najvažnije, nabijeni su nevjerojatnom vitalnošću, koju je antički svijet mogao prenijeti renesansi.

Ornament friza Palazzo Rucellai

Što se tiče namještaja, on dijelom nastavlja tradiciju srednjeg vijeka - ogromne škrinje (iz kojih će kasnije "izrasti" talijanski niski ormar - credenza), grube stolice, teški stolovi. Ali, s druge strane, u ovo se vrijeme pojavljuju ormarići koji nalikuju minijaturnoj palači, a izum šperploče omogućuje ukrašavanje površine intarzije namještaja - jednako izvrsno kao i zidovi i strop, veličanstveno ukrašeni gipsanim letvicama. Tadašnji majstori stvaraju „sistem refrena“ u enterijeru, ponavljajući i varirajući slične ukrasne motive u nameštaju, zidnom dekoru i tkaninama, čineći prostor veoma skladnim.

Credenza u renesansnom stilu, moderno djelo (tvornica Mascheroni). Zašto ne palazzo?

Izbor urednika

Koju vrstu ribe možete soliti kod kuće: izbor i savjeti za kuhanje Posolite bijelu ribu

Riba je izvor nutrijenata neophodnih za život ljudskog organizma. Može se soliti, dimiti,...

Šta je jantra, vrste značenja jantre

Elementi istočnjačke simbolike, mantre, mudre, šta rade mandale? Kako raditi sa mandalom? Vješta primjena zvučnih kodova mantri može...

tehnologija sagorevanja drveta

Savremeni alat Odakle početi Metode spaljivanja Upute za početnike Dekorativno spaljivanje drva je umjetnost, ...

Kako izračunati specifičnu težinu u različitim područjima?

Formula i algoritam za izračunavanje specifične težine u postocima Postoji skup (cijeli), koji uključuje nekoliko komponenti (kompozitni ...

Geografija govedarstva (goveda, svinje, ovce), peradarstvo

Stočarstvo je grana poljoprivrede koja je specijalizirana za uzgoj domaćih životinja. Osnovna svrha industrije je...

Analiza tržišnog udjela kompanije je efikasan alat za uspješno poslovanje. Kakav udio u prodaji se smatra normom

Tržišni udio kompanije Kako izračunati tržišni udio kompanije u praksi? Ovo pitanje često postavljaju trgovci početnici. Kako god,...

Sedmi tehnološki modus je kognitivni

Prvi mod (val) Prvi val (1785-1835) formirao je tehnološki modus zasnovan na novim tehnologijama u tekstilu...

Vrste jednočlanih rečenica

§jedan. Opći podaci Podsjetimo: rečenice su podijeljene u dva dijela, čija se gramatička osnova sastoji od dva glavna člana - ...

Koncept dijalekta. Šta je dijalekt? Gramatički rječnik: Gramatika i lingvistički termini

Velika sovjetska enciklopedija daje sljedeću definiciju koncepta dijalekta (od grčkog diblektos - razgovor, dijalekt, dijalekt) - ovo je ...

Novo

Popularno