Всички картини на известни художници. Най-известните картини на руски художници

„Всеки портрет, нарисуван с чувство, е по същество портрет на художника, а не на този, който му е позирал“Оскар Уайлд

Какво е необходимо, за да си художник? Самото имитиране на работа не може да се счита за изкуство. Изкуството е нещо, което идва отвътре. Авторският замисъл, вълнения, търсения, желания и мъки, които са въплътени върху платното на художника. През цялата история на човечеството са написани стотици хиляди, а може би и милиони картини. Някои от тях са истински шедьоври, познати по цял свят, познават ги дори хора, които не са свързани с изкуството. Възможно ли е да се отделят 25 от най-забележителните сред тези картини? Задачата е много трудна, но се опитахме...

✰ ✰ ✰

25

Устойчивостта на паметта, Салвадор Дали

Благодарение на тази картина Дали стана известен в доста млада възраст, той беше на 28 години. Картината има няколко други имена - " мек часовник”, „Твърдостта на паметта”. Този шедьовър привлече вниманието на много историци на изкуството. По принцип те се интересуваха от интерпретацията на картината. Твърди се, че идеята за платното на Дали е свързана с теорията на относителността на Айнщайн.

✰ ✰ ✰

24

„Танц“, Анри Матис

Анри Матис не винаги е бил художник. Открива любовта си към рисуването, след като получава диплома по право в Париж. Той изучава изкуство толкова ревностно, че става един от най-великите артистив света. Тази картина има много малко негативна критика на изкуствоведите. Той отразява комбинация от езически ритуали, танци и музика. Хората танцуват в транс. Три цвята - зелен, син и червен - символизират Земята, Небето и Човечеството.

✰ ✰ ✰

23

Целувката, Густав Климт

Густав Климт често е критикуван, че е гол в картините си. "Целувката" беше забелязана от критиците, тъй като обедини всички форми на изкуството. Картината може да е изображение на самия художник и неговата любовница Емилия. Климт рисува това платно под влиянието на византийските мозайки. Византийците са използвали злато в своите рисунки. По същия начин Густав Климт смесва злато в боите си, за да създаде своята собствен стилживопис.

✰ ✰ ✰

22

Спящата циганка, Анри Русо

Никой освен самият Русо не би могъл да опише по-добре тази картина. Ето неговото описание - „номадска циганка, която пее песните си на мандолина, спи на земята от умора, нейната кана с питейна вода лежи наблизо. Един лъв, който минаваше, се приближи да я подуши, но не я докосна. Всичко е окъпано в лунна светлина, много поетична атмосфера.” Трябва да се отбележи, че Анри Русо е самоук.

✰ ✰ ✰

21

"Страшният съд", Йеронимус Бош

Без допълнителни думи– картината е просто страхотна. Този триптих е най-голямата от оцелелите картини на Бош. Лявото крило показва историята на Адам и Ева. Централната част е "Страшният съд" от страна на Исус - кой трябва да отиде на небето и кой да отиде в ада. Земята, която виждаме тук, гори. На дясното крило е изобразен отвратителен образ на ада.

✰ ✰ ✰

20

Всеки познава Нарцис от гръцка митология- човек, който беше обсебен от външния си вид. Дали е написал своя собствена интерпретация на Нарцис.

Историята е такава. Красивият младеж Нарцис лесно разби сърцата на много момичета. Боговете се намесили и, за да го накажат, му показали отражението си във водата. Нарцис се влюби в себе си и накрая умря, защото не можеше да се прегърне. Тогава боговете съжалили, че са му причинили това и решили да го увековечат под формата на цвете нарцис.

От лявата страна на картината е Нарцис, който гледа отражението си. Тогава той се влюби в себе си. Десният панел показва събитията, които са се развили след това, включително полученото цвете, нарциса.

✰ ✰ ✰

19

Сюжетът на картината се основава на библейския побой на бебетата във Витлеем. След като раждането на Христос стана известно от влъхвите, цар Ирод нареди да се избият всички малки деца и бебета във Витлеем. На снимката касапницата е в разгара си, последните няколко деца, отнети от майките си, чакат своята безпощадна смърт. Виждат се и трупове на деца, за които всичко е зад гърба им.

Чрез използването на богат цветове, картината на Рубенс се превърна в световно известен шедьовър.

✰ ✰ ✰

18

Работата на Полък е много различна от другите художници. Той постави платното си на земята и се движеше около платното и ходеше по него, капейки боя отгоре върху платното с пръчици, четки и спринцовки. Благодарение на тази уникална техника в артистичните среди той получава прозвището "Спринклер Джак". Известно време тази картина държеше титлата на най-скъпата картина в света.

✰ ✰ ✰

17

Известен също като "Танци в Les Moulins de la Galette". Тази картина се счита за една от най-радостните картини на Реноар. Идеята на картината е да покаже на публиката забавна страна. Парижки живот. С подробно проучване на картината можете да видите, че Реноар е поставил няколко от приятелите си върху платното. Тъй като картината изглежда леко избеляла, първоначално е критикувана от съвременниците на Реноар.

✰ ✰ ✰

16

Историята е взета от Библията. Тайната вечеря изобразява последната вечеря на Христос преди арестуването му. Той току-що беше говорил със своите апостоли и им каза, че един от тях ще го предаде. Всички апостоли се натъжават и му казват, че със сигурност не са те. Именно този момент да Винчи изобразява прекрасно със своя жив образ. Четири години отне на великия Леонардо да завърши тази картина.

✰ ✰ ✰

15

„Водните лилии“ на Моне могат да бъдат намерени навсякъде. Вероятно сте ги виждали на тапети, плакати и корици на арт списания. Факт е, че Моне е бил обсебен от лилиите. Преди да започне да ги рисува, той е отгледал безброй от тези цветя. Моне построи мост Японски стилв градината си над езерце с лилии. Той беше толкова доволен от това, което направи, че нарисува тази история седемнадесет пъти за една година.

✰ ✰ ✰

14

Има нещо зловещо и мистериозно в тази картина, около нея има аура на страх. Само такъв майстор като Мунк успя да изобрази страха на хартия. Мунк прави четири версии на „Викът“ в масла и пастели. Според записите в дневника на Мунк е доста ясно, че самият той вярва в смъртта и духовете. В картината „Викът“ той изобразява себе си в момента, в който един ден, разхождайки се с приятели, изпитва страх и вълнение, което иска да нарисува.

✰ ✰ ✰

13

Картината, която обикновено се нарича символ на майчинството, не трябваше да се превръща в такъв. Говори се, че моделът на Уислър, който трябваше да позира за картината, не се появи и той реши да нарисува майка си вместо него. Можем да кажем, че тук е изобразен тъжният живот на майката на художника. Това настроение се дължи на тъмните цветове, които са използвани в тази картина.

✰ ✰ ✰

12

Пикасо среща Дора Маар в Париж. Говори се, че тя била интелектуално по-близка до Пикасо от всичките му предишни любовници. Използвайки кубизма, Пикасо успя да предаде движение в работата си. Изглежда, че лицето на Маар се обръща надясно, към лицето на Пикасо. Художникът направи присъствието на жената почти реално. Може би искаше да чувства, че тя винаги е там.

✰ ✰ ✰

11

Ван Гог рисува Звездна нощ, докато е на лечение, където му е позволено да рисува едва когато състоянието му се подобри. По-рано през същата година той отряза лявата си ушна мида. Мнозина смятаха художника за луд. От цялата колекция от творби на Ван Гог Звездна нощ» придоби най-голяма известност, може би поради необичайната сферична светлина около звездите.

✰ ✰ ✰

10

В тази картина Мане пресъздава Венера от Урбино на Тициан. Художникът имаше лоша репутация за изобразяване на проститутки. Макар господата по това време да посещават доста често куртизанките, не предполагаха, че на някой ще му хрумне да ги нарисува. Тогава е било за предпочитане художниците да рисуват картини върху исторически, митични или библейски теми. Въпреки това, Мане, противно на критиката, показа на публиката техния съвременник.

✰ ✰ ✰

9

Тази картина е историческо платно, изобразяващо завоеванието на Испания от Наполеон.

След като получи поръчка за картини, изобразяващи борбата на народа на Испания с Наполеон, художникът не рисува героични и патетични платна. Той избра момента на екзекуцията на испанските бунтовници от френски войници. Всеки от испанците преживява този момент по свой начин, някой вече се е примирил, но за някой основната битка току-що дойде. Война, кръв и смърт, това всъщност е изобразил Гоя.

✰ ✰ ✰

8

Смята се, че изобразеното момиче е най-голямата дъщеряВермеер, Мария. Нейните черти присъстват в много от творбите му, но е трудно да се съпоставят. Книга със същото заглавие е написана от Трейси Шевалие. Но версията на Трейси за това кой е изобразен на тази снимка е напълно различна. Тя твърди, че е взела тази тема, защото има много малко информация за Вермеер и неговите картини, а тази конкретна картина има мистериозна атмосфера. По-късно по нейния роман е заснет филм.

✰ ✰ ✰

7

Точното име на картината е „Представянето на стрелковата рота на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Руйтенбюрг.“ Стрелковото общество беше цивилна милиция, която беше призована да защитава града. В допълнение към милициите, Рембранд добавя няколко допълнителни хора. Като се има предвид, че той купи скъпа къща по време на писането на тази снимка, може да е вярно, че е получил огромен хонорар за Нощната стража.

✰ ✰ ✰

6

Въпреки че картината съдържа образ на самия Веласкес, тя не е автопортрет. Главният герой на платното е инфанта Маргарита, дъщеря на крал Филип IV. Той изобразява момента, в който Веласкес, работещ върху портрета на краля и кралицата, е принуден да спре и да погледне инфантата Маргарита, която току-що е влязла в стаята със свитата си. Картината изглежда почти жива, събуждайки любопитството на публиката.

✰ ✰ ✰

5

Това е единствената картина на Брьогел, която е рисувана с маслени бои, а не с темпера. Все още има съмнения относно автентичността на картината, основно по две причини. Първо, той не рисува с маслени бои, и второ, най-новите изследванияпоказа, че под слоя живопис има скица на рисунка с лошо качество, която не принадлежи на Брьогел.

Картината изобразява историята на Икар и момента на неговото падение. Според мита перата на Икар били прикрепени с восък и когато Икар се издигнал много близо до слънцето, восъкът се разтопил и той паднал във водата. Този пейзаж вдъхновява Уистън Хю Одън да напише свой собствен известно стихотворениепо същата тема.

✰ ✰ ✰

4

« Атинско училище“, може би най-известната фреска на италианския ренесансов художник Рафаело.

На този стенопис в Атинската школа всички велики математици, философи и учени са се събрали под един покрив, те споделят своите теории и се учат един от друг. Всички герои са живели в различно време, но Рафаел ги настани всички в една стая. Някои от фигурите са Аристотел, Платон, Питагор и Птолемей. По-внимателно вглеждане показва, че в тази картина има автопортрет на самия Рафаел. Всеки творец би искал да остави своя отпечатък, разликата е само във формата. Въпреки че може би той се смяташе за една от тези велики фигури?

✰ ✰ ✰

3

Микеланджело никога не се е смятал за художник, винаги се е смятал повече за скулптор. Но той успя да създаде невероятна изящна фреска, пред която се прекланя целият свят. Този шедьовър е на тавана на Сикстинската капела във Ватикана. Микеланджело получава поръчка да нарисува няколко библейски истории, една от които е сътворението на Адам. На тази снимка скулпторът на Микеланджело просто се вижда. Човешкото тяло на Адам е изобразено с невероятна вярност, с живи цветове и прецизна мускулеста форма. Така че, човек може да се съгласи с автора, все пак той е по-скоро скулптор.

✰ ✰ ✰

2

"Мона Лиза", Леонардо да Винчи

Въпреки че е най-проучваната картина, Мона Лиза все още е най-мистериозната. Леонардо каза, че никога не е спирал да работи по него. Твърди се, че само неговата смърт е завършила картината. "Мона Лиза" е първият италиански портрет, в който моделът е показан до кръста. Кожата на Мона Лиза сякаш свети поради използването на няколко слоя прозрачни масла. Като учен Леонардо да Винчи прилага всичките си знания, за да направи образа на Мона Лиза реалистичен. Кой точно е изобразен на картината, все още остава загадка.

✰ ✰ ✰

1

Картината изобразява Венера, богинята на любовта, носеща се върху черупка във вятъра, който се носи от Зефир, богът на западния вятър. На брега я среща Ора, богинята на сезоните, тя е готова да облече новороденото божество. Моделът на Venus е Simonetta Cattaneo de Vespucci. Симонета Катанео почина на 22 години и Ботичели пожела да бъде погребан до нея. Свърза го с нея несподелена любов. Тази снимка е най изящна работаизкуство, създадено някога.

✰ ✰ ✰

Заключение

Беше статия ТОП 25 на най-известните картини в света. Благодаря за вниманието!

Най-известните и значими за историята на изкуството картини на света за ваше вдъхновение.

Безсмъртните картини на велики художници се възхищават от милиони хора. Изкуството, класическо и модерно, е един от основните източници на вдъхновение, вкус и културно възпитание на всеки човек, а дори и по-творчески.

Със сигурност има повече световноизвестни картини от 33. Има няколкостотин от тях и всички те не биха се побрали в едно ревю. Ето защо, за по-лесно гледане, сме избрали няколко, които са най-значими за световната култура и често се копират. Всяка творба е придружена с интересен факт, обяснение за художествения смисъл или историята на нейното създаване.

Рафаел "Сикстинската мадона" 1512 г

Съхранява се в галерията на старите майстори в Дрезден.

Картината има малка тайна: фонът, който отдалеч прилича на облаци, при по-внимателно разглеждане се оказва, че са глави на ангели. А двата ангела, изобразени на снимката по-долу, са се превърнали в мотив на множество пощенски картички и плакати.

Рембранд "Нощната стража" 1642 г

Съхранява се в Rijksmuseum в Амстердам.

Истинското име на картината на Рембранд е „Представянето на стрелковата рота на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Рютенбург“. Критиците на изкуството, които откриват картината през 19 век, смятат, че фигурите стоят на тъмен фон и я наричат ​​„Нощна стража“. По-късно се оказа, че слой сажди прави картината тъмна, а действието всъщност се развива през деня. Картината обаче вече е влязла в съкровищницата на световното изкуство под името "Нощна стража".

Леонардо да Винчи "Тайната вечеря" 1495-1498

Намира се в манастира Санта Мария деле Грацие в Милано.

През повече от 500-годишната история на съществуването на произведението стенописът е многократно унищожаван: през картината е направена врата, а след това е положена врата, използвана е трапезарията на манастира, където се намира изображението като оръжейна, затвор и бомбардирана. Известната фреска е реставрирана поне пет пъти, като последната реставрация отне 21 години. Днес, за да видят произведението на изкуството, посетителите трябва да резервират билети предварително и могат да прекарат само 15 минути в трапезарията.

Салвадор Дали "Устойчивостта на паметта" 1931 г

Според самия автор картината е нарисувана в резултат на асоциации, възникнали в Дали при вида на топено сирене. Връщайки се от киното, където отиде същата вечер, Гала съвсем правилно прогнозира, че никой, който веднъж е гледал „Устойчивостта на паметта“, няма да го забрави.

Питер Брьогел Стари "Вавилонската кула" 1563 г

Съхранява се в Kunsthistorisches Museum във Виена.

Според Брьогел в провала, сполетял строежа Вавилонската кула, не са виновни внезапно възникналите езикови бариери според библейската история, а грешките, допуснати по време на строителния процес. На пръв поглед огромната сграда изглежда достатъчно солидна, но при по-внимателно разглеждане става ясно, че всички нива са положени неравномерно, долните етажи са или недовършени, или вече се рушат, самата сграда се накланя към града и перспективите за целия проект са много тъжни.

Казимир Малевич "Черен квадрат" 1915г

Според художника той рисува картината в продължение на няколко месеца. Впоследствие Малевич прави няколко копия на "Черния квадрат" (според някои източници седем). Според една версия художникът не е успял да завърши работата по картината в точното време, така че трябва да покрие работата с черна боя. Впоследствие, след признаването на публиката, Малевич рисува нови "Черни квадрати" вече върху празни платна. Малевич рисува и картините „Червен квадрат“ (две копия) и едно „Бял квадрат“.

Кузма Сергеевич Петров-Водкин "Къпането на червения кон" 1912 г

Намира се в Държавната Третяковска галерия в Москва.

Нарисувана през 1912 г., картината се оказва визионерска. Червеният кон действа като Съдбата на Русия или самата Русия, която крехкият и млад ездач не може да удържи. така художникът символично предрича с картината си „червената“ съдба на Русия през 20 век.

Питър Паул Рубенс "Изнасилването на дъщерите на Левкип" 1617-1618

Съхранява се в Старата пинакотека в Мюнхен.

Картината "Отвличането на дъщерите на Левкип" се смята за олицетворение на смела страст и телесна красота. Силните, мускулести ръце на млади мъже вдигат млади голи жени, за да ги качат на коне. Синовете на Зевс и Леда открадват булките на своите братовчеди.

Пол Гоген "Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме?" 1898 г

Съхранява се в музея изящни изкуствав Бостън.

По указание на самия Гоген картината трябва да се чете отдясно наляво – трите основни групи фигури илюстрират поставените в заглавието въпроси. Три жени с дете представляват началото на живота; средна групасимволизира ежедневното съществуване на зрялост; в последната група, според замисъла на художника, „стара жена, приближаваща смъртта, изглежда примирена и отдадена на мислите си“, в краката й „странна бяла птица ... представлява безсмислието на думите“.

Йожен Дьолакроа "Свободата води народа" 1830 г

Съхранява се в Лувъра в Париж

Делакроа създава картина, базирана на Юлската революция от 1830 г. във Франция. В писмо до брат си от 12 октомври 1830 г. Дьолакроа пише: „Ако не съм се борил за Родината, то поне ще пиша за нея“. Голите гърди на жената, която води народа, символизират отдадеността на френския народ от онова време, който с „голи гърди“ отива при врага.

Клод Моне "Впечатление. Изгряващо слънце" 1872г

Съхранява се в Musée Marmottan в Париж.

Заглавието на произведението е „Impression, soleil levant” с лека ръкажурналист Л. Лерой стана име художествено направление"импресионизъм". Картината е нарисувана от натура в старото пристанище на Хавър във Франция.

Ян Вермеер "Момиче с перлена обица" 1665г

Съхранява се в галерия Mauritshuis в Хага.

Една от най-известните картини на холандския художник Ян Вермеер често е наричана Северната или Холандската Мона Лиза. За картината се знае много малко: тя не е датирана, името на изобразеното момиче не е известно. През 2003 г. от едноименен романТрейси Шевалие беше заснета Игрален филм„Момиче с перлена обица“, в която хипотетично се възстановява историята на създаването на платното в контекста на биографията и семеен животВермеер.

Иван Айвазовски "Деветата вълна" 1850 г

Съхранява се в Санкт Петербург в Държавния руски музей.

Иван Айвазовски е световноизвестен руски маринист, посветил живота си на изобразяването на морето. Той създава около шест хиляди творби, всяка от които получава признание през живота на художника. Картината "Деветата вълна" е включена в книгата "100 велики картини".

Андрей Рубльов "Троица" 1425-1427

Иконата на Света Троица, нарисувана от Андрей Рубльов през 15 век, е една от най-известните руски икони. Иконата е дъска във вертикален формат. Царете (Иван Грозни, Борис Годунов, Михаил Фьодорович) "покриват" иконата със злато, сребро и скъпоценни камъни. Днес заплатата се съхранява в Държавния музей-резерват Сергиев Посад.

Михаил Врубел "Седнал демон" 1890г

Съхранява се в Третяковската галерия в Москва.

Сюжетът на картината е вдъхновен от поемата на Лермонтов "Демонът". Демон - образът на властта човешки дух, вътрешна борба, съмнение. Трагично сключил ръце, Демонът седи с тъжни, огромни очи, насочени в далечината, заобиколен от безпрецедентни цветя.

Уилям Блейк "Великият архитект" 1794 г

Съхранява се в британски музейв Лондон.

Името на картината "The Ancient of Days" буквално се превежда от английски като "Древният на дните". Тази фраза се използва като име на Бог. Главният герой на картината е Бог в момента на сътворението, който не установява ред, а ограничава свободата и маркира границите на въображението.

Едуард Мане "Бар във Фоли Бержер" 1882 г

Съхранява се в Института за изкуство Courtauld в Лондон.

Folies Bergère е вариететно шоу и кабаре в Париж. Мане посещава Folies Bergère и в крайна сметка рисува тази картина, последната му преди смъртта му през 1883 г. Зад бара, сред тълпа от пиене, ядене, говорене и пушене, една барманка е погълната от собствените си мисли, наблюдавайки трапец-акробат, който се вижда в горния ляв ъгъл на снимката.

Тициан "Земна любов и небесна любов" 1515-1516

Съхранява се в Галерия Боргезе в Рим.

Трябва да се отбележи, че съвременното име на картината не е дадено от самия художник, а започва да се използва само два века по-късно. До този момент картината имаше различни заглавия: „Красота украсена и неукрасена“ (1613), „Три вида любов“ (1650), „Божествени и светски жени“ (1700) и накрая „Земна любов и небесна любов“ (1792 и 1833).

Михаил Нестеров "Видение към младежа Вартоломей" 1889-1890 г.

Съхранява се в Държавната Третяковска галерия в Москва.

Първо и най значителна работаот цикъла, посветен на Сергий Радонежки. До края на дните си художникът беше убеден, че „Видението на младия Вартоломей“ е най-добрата му работа. На стари години художникът обичаше да повтаря: "Не аз ще живея. "Младият Вартоломей" ще живее. "Сега, ако след тридесет, петдесет години след смъртта ми той все още ще каже нещо на хората - това означава, че той е жив, което означава, че и аз съм жив."

Питер Брьогел Стари "Притчата за слепите" 1568г

Съхранява се в музея Каподимонте в Неапол.

Другите имена на картината са „Слепите“, „Парабола на слепите“, „Слепите водят слепите“. Смята се, че сюжетът на картината се основава на библейската притча за слепия: "Ако слепият води слепия, тогава и двамата ще паднат в ямата."

Виктор Васнецов "Альонушка" 1881 г

Съхранява се в Държавната Третяковска галерия.

За основа е взета приказката "За сестра Альонушка и брат Иванушка". Първоначално картината на Васнецов се нарича "Глупак Альонушка". По това време сираците са били наричани „глупаци“. „Альонушка“, каза по-късно самият художник, „сякаш живееше в главата ми от дълго време, но в действителност я видях в Ахтирка, когато срещнах едно просто косо момиче, което порази въображението ми. Имаше толкова много копнеж, самота и чисто руска тъга в очите й... Някакъв особен руски дух лъхаше от нея."

Винсент ван Гог Звездна нощ 1889 г

Съхранява се в Музея за модерно изкуство в Ню Йорк.

За разлика от повечето картини на художника, Звездна нощ е нарисувана по памет. По това време Ван Гог беше в болницата Сен Реми, измъчван от пристъпи на лудост.

Карл Брюлов "Последният ден на Помпей" 1830-1833

Съхранява се в Държавния руски музей в Санкт Петербург.

На снимката се вижда известно изригванеВезувий през 79 г. сл. Хр. д. и унищожаването на град Помпей близо до Неапол. Образът на художника в левия ъгъл на картината е автопортрет на автора.

Пабло Пикасо "Момиче на топка" 1905 г

Съхранява се в Музей на Пушкин, Москва

Картината попада в Русия благодарение на индустриалеца Иван Абрамович Морозов, който я купува през 1913 г. за 16 000 франка. През 1918 г. личната колекция на И. А. Морозов е национализирана. AT този моменткартината е в колекцията Държавен музейИзящни изкуства на името на A.S. Пушкин.

Леонардо да Винчи "Мадона Лита" 1491г

Съхранява се в Ермитажа в Санкт Петербург.

Оригиналното заглавие на картината е Мадона с младенеца. Съвременно имеКартината идва от името на нейния собственик, граф Лита, собственик на семейна художествена галерия в Милано. Има предположение, че фигурата на бебето не е рисувана от Леонардо да Винчи, а принадлежи на четката на един от неговите ученици. Това се доказва от позата на бебето, която е необичайна за маниера на автора.

Жан Енгр "Турски бани" 1862 г

Съхранява се в Лувъра в Париж.

Енгр завършва рисуването на тази картина, когато вече е над 80 години. С тази картина художникът обобщава своеобразен резултат от образа на къпещите се, чиито теми отдавна присъстват в творчеството му. Първоначално платното е под формата на квадрат, но година след завършването му художникът го превръща в кръгла картина - тондо.

Иван Шишкин, Константин Савицки "Сутрин в борова гора" 1889 г

Съхранява се в Третяковската галерия в Москва

„Сутрин в борова гора“ е картина на руските художници Иван Шишкин и Константин Савицки. Савицки рисува мечки, но колекционерът Павел Третяков, когато придобива картината, изтрива подписа си, така че сега като автор на картината е посочен само Шишкин.

Михаил Врубел "Принцесата лебед" 1900 г

Съхранява се в Държавната Третяковска галерия

Картината е нарисувана въз основа на сценичния образ на героинята от операта на Н. А. Римски-Корсаков "Приказката за цар Салтан" според сюжета едноименна приказкаА. С. Пушкин. Врубел създава скици за декорите и костюмите за премиерата на операта през 1900 г., а съпругата му пее ролята на принцесата Лебед.

Джузепе Арчимболдо "Портрет на император Рудолф II във формата на Вертумнус" 1590 г.

Намира се в замъка Skokloster в Стокхолм.

Една от малкото оцелели творби на художника, който прави портрети от плодове, зеленчуци, цветя, ракообразни, риби, перли, музикални и други инструменти, книги и др. "Вертумнус" е портрет на императора, представен като древноримски бог на сезоните, растителността и трансформацията. На снимката Рудолф се състои изцяло от плодове, цветя и зеленчуци.

Едгар Дега "Сини танцьорки" 1897г

Намира се в Музея на изкуствата. А. С. Пушкин в Москва.

Дега беше голям фен на балета. Наричат ​​го артист на балерини. работа" сини танцьори" се отнася до късния период от творчеството на Дега, когато зрението му е отслабено и той започва да работи с големи цветни петна, отдавайки първостепенно значение на декоративната организация на повърхността на картината.

Леонардо да Винчи "Мона Лиза" 1503-1505

Съхранява се в Лувъра, Париж.

Мона Лиза може би нямаше да спечели световна слава, ако не беше открадната през 1911 г. от служител на Лувъра. Картината е открита две години по-късно в Италия: крадецът отговаря на обява във вестник и предлага да продаде Джокондата на директора на галерия Уфици. През цялото това време, докато тече разследването, "Мона Лиза" не слиза от кориците на вестници и списания по света, превръщайки се в обект на копиране и поклонение.

Сандро Ботичели "Раждането на Венера" ​​1486 г

Съхранява се във Флоренция в галерия Уфици

Картината илюстрира мита за раждането на Афродита. Голата богиня се носи до брега в отворена черупка, тласкана от вятъра. От лявата страна на снимката Зефир ( Западен вятър) в ръцете на съпругата си Хлорида духа върху черупката, създавайки вятър, изпълнен с цветя. На брега богинята е посрещната от една от грациите. „Раждането на Венера“ е добре запазено поради факта, че Ботичели е приложен към картината защитен слойот яйчен жълтък.

Микеланджело "Сътворението на Адам" 1511 г

Намира се в Сикстинската капела във Ватикана.

Ако си мислите, че всички велики артисти са в миналото, тогава нямате представа колко грешите. В тази статия ще научите за най-известните и талантливи художницимодерност. И, повярвайте ми, техните произведения ще седят в паметта ви не по-малко дълбоко от произведенията на маестрото от минали епохи.

Войчех Бабски

Войчех Бабски е съвременен полски художник. Завършва Силезийския политехнически институт, но се свързва с. Напоследък рисува предимно жени. Фокусира се върху проявлението на емоциите, стреми се да постигне възможно най-голям ефект с прости средства.

Обича цветовете, но често използва нюанси на черно и сиво, за да постигне най-доброто изживяване. Не се страхува да експериментира с нови техники. Напоследък набира все по-голяма популярност в чужбина, предимно във Великобритания, където успешно продава свои творби, които вече се намират в много частни колекции. Освен от изкуство се интересува от космология и философия. Слуша джаз. В момента живее и работи в Катовице.

Уорън Чанг

Уорън Чанг - модерен американски художник. Роден през 1957 г. и израснал в Монтерей, Калифорния, той завършва с отличие Art Center College of Design в Пасадена през 1981 г. със степен бакалавър по изящни изкуства по изящни изкуства. През следващите две десетилетия той работи като илюстратор за различни компании в Калифорния и Ню Йорк, преди да започне кариерата си на професионален художник през 2009 г.

Неговите реалистични картини могат да бъдат разделени на две основни категории: биографични интериорни картини и картини, изобразяващи трудови хора. Интересът му към този стил на рисуване се корени в работата на художника от 16-ти век Ян Вермеер и се простира до предмети, автопортрети, портрети на членове на семейството, приятели, ученици, ателие, класна стая и домашен интериор. Целта му е да създаде настроение и емоция в своите реалистични картини чрез манипулиране на светлината и използване на приглушени цветове.

Чанг стана известен след прехода към традиционните визуални изкуства. През последните 12 години той спечели множество награди и отличия, като най-престижната е наградата Master Signature от Асоциацията на художниците с маслени бои в Америка, най-голямата общност за рисуване с маслени бои в Съединените щати. Само един човек от 50 е удостоен с възможността да получи тази награда. В момента Уорън живее в Монтерей и работи в студиото си, също така преподава (известен като талантлив учител) в Академията по изкуствата в Сан Франциско.

Аурелио Бруни

Аурелио Бруни е италиански художник. Роден в Блеър на 15 октомври 1955 г. Завършва специалност сценография в Art Institute в Сполето. Като художник той е самоук, тъй като самостоятелно „строи къщата на знанието” върху основата, поставена още в училище. Започва да рисува с маслени бои на 19 години. В момента живее и работи в Умбрия.

Ранната живопис на Бруни се корени в сюрреализма, но с течение на времето той започва да се фокусира върху близостта на лиричния романтизъм и символизма, подсилвайки тази комбинация с изящната изтънченост и чистота на своите герои. Одушевените и неодушевените предмети придобиват еднакво достойнство и изглеждат почти хиперреалистични, но в същото време не се крият зад завеса, а ви позволяват да видите същността на душата си. Многостранност и изтънченост, чувственост и самота, замисленост и плодотворност са духът на Аурелио Бруни, подхранван от великолепието на изкуството и хармонията на музиката.

Александър Балос

Алкасандр Балос е съвременен полски художник, специализиран в маслената живопис. Роден през 1970 г. в Гливице, Полша, но от 1989 г. живее и работи в САЩ, в град Шаста, Калифорния.

Като дете той учи изкуство под ръководството на баща си Ян, самоук художник и скулптор, така че от ранна възраст, художествена дейностполучи пълна подкрепа и от двамата родители. През 1989 г., на осемнадесет години, Балос напуска Полша и отива в Съединените щати, където неговата учителка и художник на непълно работно време Кати Гаглиарди насърчава Алкасандър да се запише в художествено училище. След това Балос получава пълна стипендия за университета в Милуоки, Уисконсин, където учи живопис при професора по философия Хари Росин.

След като завършва обучението си през 1995 г. и получава бакалавърска степен, Балос се премества в Чикаго, за да посещава училище визуални изкуства, чиито методи се основават на работата на Жак-Луи Давид. Фигуративният реализъм и портретът бяха повечетопроизведения на Балос през 90-те и началото на 2000-те. Днес Балос използва човешката фигура, за да подчертае характеристиките и недостатъците на човешкото съществуване, без да предлага никакви решения.

Сюжетните композиции на неговите картини са предназначени да бъдат самостоятелно интерпретирани от зрителя, само тогава платната ще придобият своето истинско времево и субективно значение. През 2005 г. художникът се премества в Северна Калифорния, оттогава обхватът на работата му се разширява значително и сега включва по-свободни методи на рисуване, включително абстракция и различни мултимедийни стилове, които помагат да се изразят идеите и идеалите на битието чрез рисуване.

Алиса Монкс

Алиса Монкс е съвременна американска художничка. Тя е родена през 1977 г. в Риджууд, Ню Джърси. Още като дете се увлича по рисуването. Учи в New School в Ню Йорк и Държавен университетМонклер и завършва Бостънския колеж през 1999 г., получава бакалавърска степен. В същото време тя учи живопис в Академията Лоренцо Медичи във Флоренция.

След това продължава обучението си по програмата за магистърска степен в Нюйоркската академия по изкуства, в Департамента по фигуративно изкуство, която завършва през 2001 г. Завършила е колежа Фулъртън през 2006 г. За кратко е изнесла лекции в университети и образователни институции в цялата страна и е преподавала живопис в Нюйоркската академия по изкуствата, както и в Държавния университет Монтклер и Колежа по изкуства Лаймска академия.

„Използвайки филтри като стъкло, винил, вода и пара, аз изкривявам човешкото тяло. Тези филтри ви позволяват да създавате големи площиабстрактен дизайн, през който надничат цветни острови – части от човешкото тяло.

Снимките ми се променят модерен видкъм вече установените, традиционни пози и жестове на къпещите се жени. Те биха могли да разкажат много на внимателния зрител за такива на пръв поглед очевидни неща като ползите от плуването, танците и т.н. Моите герои са притиснати до стъклото на прозореца на душ кабината, изкривяват собственото си тяло, осъзнавайки, че по този начин влияят на прословутия мъжки поглед към гола жена. Дебели слоеве боя се смесват, за да имитират стъкло, пара, вода и плът отдалеч. Въпреки това, отблизо, възхитително физични свойствамаслена боя. Експериментирайки със слоеве боя и цвят, намирам момента, в който абстрактните щрихи се превръщат в нещо друго.

Когато за първи път започнах да рисувам човешкото тяло, веднага бях очарован и дори обсебен от него и почувствах, че трябва да направя картините си възможно най-реалистични. „Изповядвах“ реализма, докато не започна да се разплита и деконструира. Сега проучвам възможностите и потенциала на стил на рисуване, в който изобразителната живопис и абстракцията се срещат – ако и двата стила могат да съществуват едновременно в един и същи момент във времето, ще го направя.“

Антонио Финели

италиански художник - наблюдател на времето” – Антонио Финели е роден на 23 февруари 1985 г. В момента живее и работи в Италия между Рим и Кампобасо. Негови творби са излагани в няколко галерии в Италия и чужбина: Рим, Флоренция, Новара, Генуа, Палермо, Истанбул, Анкара, Ню Йорк, а също така могат да бъдат намерени в частни и обществени колекции.

Рисунки с молив" Наблюдател на времетоАнтонио Финели ни изпраща на вечно пътуване вътрешен святчовешката темпоралност и свързания с нея строг анализ на този свят, чийто основен елемент е преминаването през времето и следите, които то нанася върху кожата.

Финели рисува портрети на хора от всякаква възраст, пол и националност, чиито изражения на лица показват преминаването през времето, а художникът също се надява да намери доказателства за безмилостността на времето върху телата на своите герои. Антонио определя творбите си с едно общо заглавие: „Автопортрет“, тъй като в своите рисунки с молив той не само изобразява човек, но позволява на зрителя да съзерцава реалните резултати от изтичането на времето вътре в човека.

Фламиния Карлони

Фламиния Карлони е 37-годишна италианска художничка, дъщеря на дипломат. Тя има три деца. Дванадесет години тя живее в Рим, три години в Англия и Франция. Получава диплома по история на изкуството от BD School of Art. Тогава тя получава диплома по специалността реставратор на произведения на изкуството. Преди да открие призванието си и да се отдаде изцяло на рисуването, тя работи като журналист, колорист, дизайнер и актриса.

Страстта на Фламиния към рисуването се заражда още като дете. Нейната основна среда е маслото, защото тя обича „coiffer la pate“ и също така си играе с материала. Тя научи подобна техника в творбите на художника Паскал Торуа. Flaminia е вдъхновена от великите майстори на живописта като Balthus, Hopper и François Legrand, както и от различни направления в изкуството: улично изкуство, китайски реализъм, сюрреализъм и ренесансов реализъм. Нейният любим художник Караваджо. Нейната мечта е да открие терапевтичната сила на изкуството.

Денис Чернов

Денис Чернов е талантлив украински художник, е роден през 1978 г. в Самбир, Лвовска област, Украйна. След като завършва колежа по изкуства в Харков през 1998 г., той остава в Харков, където живее и работи в момента. Учи и в Харковската държавна академия за дизайн и изкуства, катедра Графика, завършва през 2004 г.

Редовно участва в художествени изложби, този моментимаше повече от шестдесет от тях, както в Украйна, така и в чужбина. Повечето от творбите на Денис Чернов се съхраняват в частни колекции в Украйна, Русия, Италия, Англия, Испания, Гърция, Франция, САЩ, Канада и Япония. Част от произведенията бяха продадени в Christie's.

Денис работи в широк диапазон от графики и живописни техники. Рисунките с молив са един от любимите му методи за рисуване, списъкът от теми на неговите рисунки с молив също е много разнообразен, той рисува пейзажи, портрети, голи тела, жанрови композиции, книжни илюстрации, литературни и исторически възстановкии фантазии.

В почти всяка значителна работаизкуството е мистерия, "двойно дъно" или тайна историякоито искате да отворите.

Музика на задните части

Йероним Бош, Градината на земните удоволствия, 1500-1510.

Фрагмент от триптих

Спорове за значенията и скритите значения на най-известната творба холандски художникне са стихнали от създаването си. В дясното крило на триптиха, наречен "Музикален ад", са изобразени грешници, които са измъчвани в подземния свят с помощта на музикални инструменти. На един от тях има отпечатани бележки върху задните части. Студентката от Християнския университет в Оклахома Амелия Хамрик, която е изучавала картината, транспонира нотацията от 16-ти век в модерен обрат и записва „500-годишна песен от ада“.

Гола Мона Лиза

Известната "Джоконда" съществува в две версии: голата версия се нарича "Monna Vanna", тя е нарисувана от малко известния художник Салай, който е бил ученик и гледач на великия Леонардо да Винчи. Много изкуствоведи са сигурни, че именно той е бил моделът за картините на Леонардо "Йоан Кръстител" и "Бакхус". Съществуват и версии, че облечена в женска рокля, Салай служи като образ на самата Мона Лиза.

Старият рибар

През 1902 г. унгарският художник Тивадар Костка Чонтвари рисува картината " Старият рибар". Изглежда, че в картината няма нищо необичайно, но Тивадар постави подтекст в нея, който никога не беше разкрит по време на живота на художника.

Малко хора се сетиха да поставят огледало в средата на картината. Във всеки човек може да има както Бог (дясното рамо на стареца е дублирано), така и дявола (лявото рамо на стареца е дублирано).

Имаше ли кит?

Хендрик ван Антонисен "Сцена на брега".

Изглежда, че обикновен пейзаж. Лодки, хора на брега и пустинно море. И само рентгеново изследване показа, че хората се събраха на брега с причина - в оригинала те изследваха трупа на кит, изхвърлен на брега.

Художникът обаче решил, че никой няма да иска да гледа мъртъв кит и прерисувал картината.

Две "Закуски на тревата"

Едуард Мане, Закуска на тревата, 1863 г.

Клод Моне, Закуска на тревата, 1865 г.

Художниците Едуард Мане и Клод Моне понякога са объркани - в края на краищата и двамата са били французи, живели са по едно и също време и са работили в стила на импресионизма. Дори името на една от най-известните картини на Мане, "Закуска на тревата", Моне заимства и написва своята "Закуска на тревата".

Близнаци на Тайната вечеря

Леонардо да Винчи, Тайната вечеря, 1495-1498.

Когато Леонардо да Винчи пише " Тайната вечеря", той даде специално значениедве фигури: Христос и Юда. Той търсеше гледачи за тях от много време. Най-после успява да намери модел за образа на Христос сред младите певци. Леонардо не успява да намери детегледач на Юда в продължение на три години. Но един ден той се натъкна на пияница, проснат в канавката на улицата. Той беше млад мъж, остарял от тежко пиянство. Леонардо го кани в таверна, където веднага започва да пише Юда от него. Когато пияницата дошъл на себе си, казал на художника, че вече веднъж му е позирал. Беше преди няколко години, когато пееше в църковния хор, Леонардо написа Христос от него.

„Нощна стража“ или „Дневна стража“?

Рембранд, Нощна стража, 1642 г.

Една от най-известните картини на Рембранд, „Речта на стрелковата рота на капитан Франс Банинг Кок и лейтенант Вилем ван Руйтенбюрг“, висеше около двеста години в различни залии е открит от историците на изкуството едва през 19 век. Тъй като фигурите сякаш се открояваха на тъмен фон, той беше наречен Нощен страж и под това име влезе в съкровищницата на световното изкуство.

И едва по време на реставрацията, извършена през 1947 г., се оказа, че в залата картината е успяла да се покрие със слой сажди, което изкривява цвета й. След изчистването на оригиналната картина най-накрая беше разкрито, че сцената, представена от Рембранд, всъщност се развива през деня. Позицията на сянката от лявата ръка на капитан Кок показва, че продължителността на действието е не повече от 14 часа.

обърната лодка

Анри Матис, "Лодката", 1937 г.

В Нюйоркския музей за модерно изкуство през 1961 г. е изложена картината на Анри Матис "Лодката". Само след 47 дни някой забеляза, че картината виси с главата надолу. Платното изобразява 10 лилави линии и две сини платна на бял фон. Художникът е нарисувал две платна с причина, второто платно е отражение на първото върху повърхността на водата.
За да не сбъркате как трябва да виси картината, трябва да обърнете внимание на детайлите. По-голямото платно трябва да е в горната част на картината, а върхът на платното на картината трябва да е насочен към горния десен ъгъл.

Измама в автопортрет

Винсент ван Гог, Автопортрет с лула, 1889 г.

Има легенди, според които Ван Гог сам си е отрязал ухото. Сега най-достоверната версия е, че ухото на ван Гог е било повредено при малка сбиване с участието на друг художник, Пол Гоген.

Автопортретът е интересен, защото отразява действителността в изкривен вид: художникът е изобразен с превързано дясно ухо, тъй като той използва огледало, когато работи. Всъщност беше повредено лявото ухо.

извънземни мечки

Иван Шишкин, "Утро в боровата гора", 1889 г.

Известната картина принадлежи не само на четката на Шишкин. Много художници, които са били приятели помежду си, често прибягват до „помощта на приятел“, а Иван Иванович, който рисува пейзажи през целия си живот, се страхува, че докосването на мечки няма да се окаже така, както му трябва. Затова Шишкин се обърна към познат художник-живописец Константин Савицки.

Савицки нарисува може би най-добрите мечки в историята Руска живопис, а Третяков заповядва името му да бъде измито от платното, тъй като всичко в картината „като се започне от идеята и се стигне до изпълнението, всичко говори за начина на рисуване, за творчески методхарактеристика на Шишкин.

Невинна история "Готика"

Грант Ууд, "Американска готика", 1930 г.

Работата на Грант Ууд се смята за една от най-странните и депресиращи в историята. Американска живопис. Картината с мрачни баща и дъщеря прелива от детайли, които показват строгостта, пуританството и ретроградността на изобразените хора.
Всъщност художникът не възнамеряваше да изобразява никакви ужаси: по време на пътуване до Айова той забеляза малка къща в готически стили реши да изобрази онези хора, които според него биха били идеални за обитатели. Сестрата на Грант и неговият зъболекар са увековечени под формата на герои, от които хората в Айова са били толкова обидени.

Отмъщението на Салвадор Дали

Картината "Фигура на прозореца" е нарисувана през 1925 г., когато Дали е на 21 години. Тогава Гала все още не беше навлязла в живота на артиста, а сестра му Ана Мария беше негова муза. Отношенията между брат и сестра се влошиха, когато той написа на една от картините „понякога плюя върху портрета на собствената си майка и това ми доставя удоволствие“. Ана Мария не можеше да прости такъв шок.

В книгата си от 1949 г. Салвадор Дали през очите на една сестра тя пише за брат си без никаква похвала. Книгата вбеси Ел Салвадор. Още десетина години след това той гневно си спомняше за нея при всеки удобен случай. И така през 1954 г. се появява картината "Млада девица, отдадена на содомския грях с помощта на рогата на собственото си целомъдрие". Позата на жената, нейните къдрици, пейзажът извън прозореца и цветовата схема на картината ясно отразяват фигурата на прозореца. Има версия, че така Дали отмъстил на сестра си за нейната книга.

Двулика Даная

Рембранд Харменсон ван Рейн, Даная, 1636-1647.

Много тайни на една от най-известните картини на Рембранд бяха разкрити едва през 60-те години на ХХ век, когато платното беше осветено с рентгенови лъчи. Например стрелбата показа, че в ранната версия лицето на принцесата, която влезе в любовна афера със Зевс, приличаше на лицето на Саския, съпругата на художника, починала през 1642 г. В окончателния вариант на картината тя започва да прилича на лицето на Гертие Диркс, любовницата на Рембранд, с която художникът живее след смъртта на съпругата си.

Жълтата спалня на Ван Гог

Винсент ван Гог, "Спалня в Арл", 1888 - 1889 г.

През май 1888 г. Ван Гог придобива малка работилница в Арл, в южната част на Франция, където бяга от онези, които не го разбират. Парижки художниции критици. В една от четирите стаи Винсент обособява спалня. През октомври всичко е готово и той решава да нарисува Спалнята на Ван Гог в Арл. За художника цветът, комфортът на стаята бяха много важни: всичко трябваше да внушава мисли за релакс. В същото време картината е издържана в смущаващи жълти тонове.

Изследователите на творчеството на Ван Гог обясняват това с факта, че художникът е взел напръстник, лекарство за епилепсия, което причинява сериозни промени в цветовото възприятие на пациента: цялата заобикаляща го реалност е боядисана в зелено-жълти тонове.

Беззъбо съвършенство

Леонардо да Винчи, "Портрет на г-жа Лиза дел Джокондо", 1503 - 1519 г.

Общоприетото мнение е, че Мона Лиза е съвършенството и нейната усмивка е красива в своята тайнственост. Въпреки това, американският изкуствовед (и зъболекар на непълно работно време) Джоузеф Борковски смята, че съдейки по изражението на лицето й, героинята е загубила много от зъбите си. Докато разглеждаше увеличени снимки на шедьовъра, Борковски откри и белези около устата й. "Тя се усмихва толкова много точно заради това, което й се случи", смята експертът. „Изражението на лицето й е типично за хора, които са загубили предните си зъби.“

Основен фейс контрол

Павел Федотов, Сватовство на майор, 1848 г.

Публиката, която за първи път видя картината „Сватовство на майор“, се засмя от сърце: художникът Федотов я изпълни с иронични подробности, които бяха разбираеми за зрителите от онова време. Например майорът явно не е запознат с правилата на благородния етикет: той се появи без подходящите букети за булката и нейната майка. И самата булка, нейните родители търговци, изписани вечерта бална рокля, въпреки че е ден (всички лампи в стаята са изгасени). Момичето очевидно пробва деколтирана рокля за първи път, смущава се и се опитва да избяга в стаята си.

Защо Свободата е гола

Фердинанд Виктор Йожен Дьолакроа, Свобода на барикадите, 1830 г.

Според историка на изкуството Етиен Жули Делакроа рисува лицето на жена от известната парижка революционерка - перачката Анна-Шарлот, която отиде на барикадите след смъртта на брат си от ръцете на кралски войници и уби девет пазачи. Художникът я изобрази с голи гърди. Според неговия план това е символ на безстрашие и себеотрицание, както и на триумфа на демокрацията: разголените гърди показват, че Свобода, като обикновен човек, не носи корсет.

неквадратен квадрат

Казимир Малевич, Черният супрематичен площад, 1915 г.

Всъщност "Черният квадрат" изобщо не е черен и изобщо не е квадратен: никоя от страните на четириъгълника не е успоредна на никоя от другите му страни и нито една от страните на квадратната рамка, която рамкира картината. А тъмният цвят е резултат от смесването на различни цветове, сред които нямаше черно. Смята се, че това не е небрежност на автора, а принципна позиция, желанието да се създаде динамична, подвижна форма.

специалисти Третяковска галерияоткри авторския надпис върху известна картина на Малевич. Надписът гласи: „Битката на негрите в тъмна пещера“. Тази фраза се отнася до заглавието на игривата картина. френски журналист, писател и художник Алфонс Але "Битката на негрите в тъмна пещера в мъртвата нощ", която представляваше абсолютно черен правоъгълник.

Мелодрама на австрийската Мона Лиза

Густав Климт, "Портрет на Адел Блох-Бауер", 1907 г.

Една от най-значимите картини на Климт изобразява съпругата на австрийския захарен магнат Фердинанд Блох-Бауер. Цяла Виена обсъждаше бурния роман между Адел и известния художник. Раненият съпруг искаше да отмъсти на любовниците си, но избра много необичаен начин: той решава да поръча портрет на Адел за Климт и да го накара да направи стотици скици, докато художникът започне да се отклонява от нея.

Блох-Бауер иска работата да продължи няколко години и моделът може да види как чувствата на Климт изчезват. Той направи щедро предложение на художника, което той не можа да откаже и всичко се оказа според сценария на измамения съпруг: работата беше завършена след 4 години, любовниците отдавна охладнеха един към друг. Адел Блох-Бауер така и не разбра, че съпругът й е знаел за връзката й с Климт.

Картината, която върна Гоген към живота

Пол Гоген, "Откъде идваме? Кои сме ние? Къде отиваме?", 1897-1898.

Най-известното платно на Гоген има една особеност: то се "чете" не отляво надясно, а отдясно наляво, като кабалистични текстове, от които художникът се интересуваше. Именно в този ред се разгръща алегорията на духовния и физическия живот на човек: от раждането на душата (спящо дете в долния десен ъгъл) до неизбежността на смъртния час (птица с гущер в ноктите му в долния ляв ъгъл).

Картината е рисувана от Гоген в Таити, където художникът няколко пъти е бягал от цивилизацията. Но този път животът на острова не се получи: пълната бедност го доведе до депресия. След като завърши платното, което трябваше да стане негово духовно завещание, Гоген взе кутия с арсен и отиде в планината, за да умре. Той обаче не изчисли дозата и самоубийството се провали. На следващата сутрин той се заклатушка до колибата си и заспа, а когато се събуди, почувства забравена жажда за живот. И през 1898 г. делата му вървят нагоре и в работата му започва по-светъл период.

112 поговорки в една снимка

Питер Брьогел Стари, "Нидерландски поговорки", 1559 г

Питер Брьогел Стари изобразява земя, обитавана от буквални образи на холандските поговорки от онези дни. В нарисуваната картина има приблизително 112 разпознаваеми идиоми. Някои от тях се използват и до днес, като „плувай срещу течението“, „бий си главата в стената“, „въоръжен до зъби“ и „голямата риба яде малките“.

Други поговорки отразяват човешката глупост.

Субективност на чл

Пол Гоген, Бретонско село под снега, 1894 г

Картината на Гоген „Бретонско село в снега“ беше продадена след смъртта на автора само за седем франка и освен това под заглавието „ Ниагарският водопад". Аукционерът случайно окачи картината с главата надолу, след като видя водопад в нея.

скрита картина

Пабло Пикасо, Синята стая, 1901 г

През 2008 г. инфрачервеният спектър показа, че под „Синята стая“ се крие друго изображение – портрет на мъж, облечен в костюм с пеперуда и подпрял глава на ръката си. „Веднага след като Пикасо го направи нова идея, той хвана четката и я въплъти. Но нямаше възможност всеки път, когато музата го посещаваше, да си купува ново платно“, обяснява възможна причинатози историк на изкуството Патриша Фаверо.

Недостъпни мароканки

Зинаида Серебрякова, Гола, 1928 г

Един ден Зинаида Серебрякова получи примамливо предложение - да отиде на творческо пътешествие, за да изобрази голи фигури на ориенталски девици. Но се оказа, че е просто невъзможно да се намерят модели по тези места. Преводачът на Зинаида дойде на помощ - той доведе сестрите си и булката си при нея. Никой преди и след това не успя да улови затворените ориенталски жени голи.

Спонтанно прозрение

Валентин Серов, "Портрет на Николай II в сако", 1900 г

Дълго време Серов не можеше да нарисува портрет на царя. Когато артистът напълно се отказа, той се извини на Николай. Николай беше малко разстроен, седна на масата, протегна ръце пред себе си ... И тогава на художника просветна - ето го! Прост военен в офицерско яке с ясни и тъжни очи. Този портрет се счита за най-доброто изображение на последния император.

Отново двойка

© Федор Решетников

Известната картина "Отново двойка" е само втората част от художествената трилогия.

Първата част е „Пристигна за празниците“. Явно заможно семейство, зимна ваканция, радостен отличник.

Втората част е „Отново двойката“. Бедно семейство от покрайнините на работническата класа, в разгара на учебната година, тъп зашеметяващ, който отново грабна двойка. В горния ляв ъгъл можете да видите снимката "Пристигнах за празниците."

Третата част е „Повторна експертиза”. Селска къща, лято, всички се разхождат, един злонамерен невежа, паднал на годишния изпит, е принуден да седи между четири стени и да се тъпче. В горния ляв ъгъл можете да видите картината "Отново двойка".

Как се раждат шедьоврите

Джоузеф Търнър, Дъжд, пара и скорост, 1844 г

През 1842 г. г-жа Саймън пътува с влак в Англия. Изведнъж започна силен дъжд. Възрастният господин, който седеше срещу нея, стана, отвори прозореца, подаде глава навън и гледаше така около десет минути. Неспособна да сдържи любопитството си, жената също отвори прозореца и погледна напред. Година по-късно тя открива картината „Дъжд, пара и скорост“ на изложба в Кралската академия на изкуствата и успява да разпознае в нея самия епизод във влака.

Урок по анатомия от Микеланджело

Микеланджело, Сътворението на Адам, 1511 г

Двама американски експерти по невроанатомия вярват, че Микеланджело всъщност е оставил някои анатомични илюстрации в една от най-големите си известни произведения. Те смятат, че от дясната страна на картината е изобразен огромен мозък. Изненадващо, дори сложни компоненти като малкия мозък, зрителните нерви и хипофизната жлеза могат да бъдат намерени. А закачливата зелена панделка идеално съвпада с местоположението на гръбначната артерия.

Тайната вечеря от Ван Гог

Винсент ван Гог, Тераса на кафенето през нощта, 1888 г

Изследователят Джаред Бакстър вярва, че нощното кафене на Ван Гог съдържа посвещение към Тайната вечеря на Леонардо да Винчи. В центъра на картината е сервитьор с дълга коса и бяла туника, напомняща дрехите на Христос, а около него точно 12 посетители на кафене. Бакстър обръща внимание и на кръста, разположен точно зад гърба на сервитьора в бяло.

Образът на паметта на Дали

Салвадор Дали, Устойчивостта на паметта, 1931 г

Не е тайна, че мислите, които посещаваха Дали по време на създаването на неговите шедьоври, винаги бяха под формата на много реалистични изображения, които художникът след това прехвърли на платното. И така, според самия автор, картината „Устойчивостта на паметта“ е нарисувана в резултат на асоциации, възникнали при вида на топено сирене.

За какво вика Мунк

Едвард Мунк, "Викът", 1893 г.

Мунк говори за появата на идеята си за един от най- мистериозни картинив световната живопис: „Вървях по пътеката с двама приятели – слънцето залязваше – внезапно небето стана кървавочервено, спрях, чувствайки се изтощен, и се облегнах на оградата – погледнах кръвта и пламъците над синкаво- черен фиорд и градът - приятелите ми продължиха, а аз стоях трепереща от вълнение, усещайки безкрайния писък, пронизващ природата. Но какъв залез би могъл да изплаши толкова художника?

Има версия, че идеята за "Писък" е родена от Мунк през 1883 г., когато имаше няколко най-силни изригвания на вулкана Кракатау - толкова мощни, че промениха температурата на земната атмосфера с един градус. Обилно количество прах и пепел се разпространяват навсякъде Глобусътдори стигат до Норвегия. Няколко поредни вечери залезите изглеждаха така, сякаш апокалипсисът е на път да дойде - един от тях стана източник на вдъхновение за художника.

Писател сред народа

Александър Иванов, "Явяването на Христос пред народа", 1837-1857.

Десетки седящи позираха на Александър Иванов за неговия основна снимка. Един от тях е известен не по-малко от самия художник. На заден план, сред пътници и римски конници, които все още не са чули проповедта на Йоан Кръстител, може да се забележи герой в кафява туника. Неговият Иванов пише с Николай Гогол. Писателят тясно общува с художника в Италия, по-специално по религиозни въпроси, и му дава съвети в процеса на рисуване. Гогол смята, че Иванов „отдавна е умрял за целия свят, освен за работата си“.

Подаграта на Микеланджело

Рафаел Санти, Атинската школа, 1511 г.

Създавайки известната фреска "Атинското училище", Рафаело увековечава своите приятели и познати в изображения древногръцки философи. Един от тях беше Микеланджело Буонароти "в ролята" на Хераклит. В продължение на няколко века фреската пази тайните на личния живот на Микеланджело, а съвременните изследователи предполагат, че странно ъгловатото коляно на художника показва, че той има ставно заболяване.

Това е доста вероятно, като се имат предвид особеностите на начина на живот и условията на работа на ренесансовите художници и хроничния работохолизъм на Микеланджело.

Огледалото на Арнолфините

Ян ван Ейк, "Портрет на Арнолфините", 1434 г

В огледалото зад Arnolfinis можете да видите отражението на още двама души в стаята. Най-вероятно това са свидетели, присъстващи при сключването на договора. Един от тях е ван Ейк, както се вижда от латински надпис, поставена, противно на традицията, над огледалото в центъра на композицията: „Ян ван Ейк беше тук“. Така обикновено се подпечатвали договорите.

Как един недостатък се превърна в талант

Рембранд Хармензон ван Рейн, Автопортрет на 63-годишна възраст, 1669 г.

Изследователят Маргарет Ливингстън изучава всички автопортрети на Рембранд и установява, че художникът страда от страбизъм: на изображенията очите му гледат в различни посоки, което не се наблюдава в портретите на други хора от майстора. Болестта доведе до факта, че художникът можеше да възприема реалността в две измерения по-добре от хората с нормално зрение. Това явление се нарича "стереослепота" - невъзможността да се вижда света в 3D. Но тъй като художникът трябва да работи с двуизмерен образ, точно този недостатък на Рембранд може да бъде едно от обясненията за неговия феноменален талант.

Безгрешна Венера

Сандро Ботичели, Раждането на Венера, 1482-1486.

Преди появата на Раждането на Венера, изображението на голото женско тялов живописта символизира само идеята за първородния грях. Сандро Ботичели е първият европейски художник, който не намира нищо греховно в него. Освен това историците на изкуството са сигурни, че езическата богиня на любовта символизира християнския образ на фреската: нейният външен вид е алегория на прераждането на душата, която е преминала през ритуала на кръщението.

Лютнист или лютнист?

Микеланджело Мериси да Караваджо, Лютнистът, 1596 г.

Дълго време картината беше изложена в Ермитажа под заглавието „Лютнист“. Едва в началото на 20-ти век историците на изкуството се съгласиха, че платното все още изобразява млад мъж (вероятно Караваджо е позирал неговият приятел художник Марио Минити): на нотите пред музиканта запис на басовата част на вижда се мадригалът на Джейкъб Аркаделт „Ти знаеш, че те обичам“. Една жена трудно би могла да направи такъв избор - просто е трудно за гърлото. Освен това лютнята, подобно на цигулката в самия край на картината, се смяташе за мъжки инструмент в епохата на Караваджо.

Говорейки за пейзажния жанр, не е възможно да не се обърне внимание на работата на великите пейзажисти. Сега е трудно да си представим, че преди двеста години такова нещо като пейзаж все още не е съществувало. Традициите на руската пейзажна живопис започват да се оформят едва през края на XVIIIвекове. Преди това художниците рисуват под влиянието на италиански и френски майстори, облагородявайки природата според академичните закони на строителството, които се считат за задължителни в живописта от онова време.

Огромен принос за развитието на руския пейзаж направи Асоциацията на пътуващите изложби (скитници) под ръководството на И. Н. Крамской. Художниците пееха красотата на дискретната руска природа, простотата селски пейзаж, необятните простори на Русия.

Основни майстори на пейзажа:

• Алексей Кондратиевич Саврасов (1830-1897)
• Иван Константинович Айвазовски (1817–1900)

Иван Иванович Шишкин (1832-1898)

Изкуство от И.И. Шишкин е изненадващо ясен и прозрачен. Картините му са химн на дивата природа, нейната красота. Той създава пейзажно изкуство с иглолистни гъсталаци, с безгранична шир, с цялата простота на северния пейзаж.

На 12-годишна възраст, по настояване на баща си, той е назначен в 1-ва Казанска гимназия. Не съм завършил пълния курс. През 1852 г. се премества в Москва и постъпва в Училището по живопис, скулптура и архитектура. Тук А. Н. Мокрицки става ментор на Шишкин. След завършване на курса (1856 г.) талантливият студент е посъветван да продължи образованието си в Санкт Петербург в Академията на изкуствата. Обучението му се ръководи от С. М. Воробьов.

Учителите веднага отбелязаха склонността на Шишкин към пейзажна живопис. Още през първата година от престоя си в академията той е награден с малък сребърен медал за "Изглед в околностите на Санкт Петербург". През 1858 г. художникът получава Голям сребърен медал за картината "Изглед на остров Валаам".

Постигнатите успехи позволиха на Шишкин да пътува в чужбина като стипендиант на Академията. Пътуването започва в Мюнхен (1861 г.), където Иван Иванович посещава работилниците на популярните анималисти Б. и Ф. Адамови. През 1863 г. Шишкин се премества в Цюрих, след това в Женева, Прага, Дюселдорф. Закопнял за родината си, той се завръща в Петербург през 1866 г., преди да изтече стипендията му.

В Русия художникът е удостоен със званието академик (1865 г.). Оттогава започва най-плодотворният период от творчеството на художника. Създадени са картините „Изсичане на гората“ (1867), „Ръж“ (1878), „Борови дървета, осветени от слънцето“ (1886), „Сутрин в борова гора“ (1889); мечките са рисувани от К. А. Савицки), " корабна горичка“(1898) и много други.

Шишкин активно работи на открито, като често прави артистични пътувания из Русия. Излага творбите си почти всяка година – първо в академията, а след това и след създаването на Асоциацията на пътешествениците. художествени изложби(1870), на тези изложения.

Иван Илич Левитан (1860-1900)

Роден на 30 август 1860 г. в литовския град Кибартай в еврейско семейство. Баща ми беше малък служител в градската управа. Скоро след раждането на най-малкия син семейството се премества в Москва. На 13-годишна възраст Исак е приет в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура в класа на А. К. Саврасов и В. Д. Поленов. От самото начало на обучението си Левитан изкарва прехраната си, като взема уроци и поръчва портрети. Той блестящо завършва колеж, но заради произхода си получава диплома за учител по калиграфия.

Първата голяма картина "Тиха обител" той рисува след пътуване през 1890 г. до руския север. Платното е закупено от П. М. Третяков за неговата галерия. През 1892 г. художникът е принуден да напусне Москва, тъй като евреите нямат право да живеят в столиците. Той се установява в село, разположено по протежение на Владимирската магистрала, по която затворниците са карани в Сибир. Художникът е заснел тези места в картината "Владимирка" (1892). През 90-те години. Левитан направи още едно пътуване, този път по Волга. Там се роди картината „Свеж вятър. Волга“ (1891-1895). Обострянето на туберкулозата накара художника да напусне чужбина, във Франция, след това в Италия, въпреки че усилията на приятели му помогнаха да получи разрешение да живее в Москва.

Връщайки се у дома, през 1898 г. Левитан започва да преподава пейзажен клас в училището, което завършва. Здравето му се влошава и през 1899 г. художникът по покана на А. П. Чехов заминава за Ялта. Връщайки се, той отново започва да преподава, но здравето му продължава да се влошава и на 4 август 1900 г. Левитан умира.

Пейзажите на певеца на руската природа не са просто фотографско изображение на природата - художникът успя да предаде нейния жив дъх. Нищо чудно, че критикът В. В. Стасов нарече картините на Левитан емоционални стихове. В същото време Левитан е не само велик пейзажист. Неговата творческо наследствосъщо измисля рисунки, акварели, илюстрации на книги.

Град Пльос се свързва с името на Исак Левитан. Левитан идва в Плес три лета подред, през 1888-1890 г. В околностите на Пльос няма нито един ъгъл и пътека, където и да е бил великият майстор. Вдъхновен от магическата красота на Пльос, той рисува тук почти 200 картини и скици! Сега известни картини: „Край вечен покой", "След дъжда. Плес”, „Вечер. Golden Plyos, Birch Grove и много други са станали украса на колекциите на Третяковската галерия, Руския музей и много колекции в Русия и чужбина.

Василий Дмитриевич Поленов (1844-1927)

Роден на 1 юни 1844 г. в имението Борок (сега Поленово в Тулска област) в семейството на археолога и библиографа Д. В. Поленов. След като получава средно образование, Василий постъпва в Академията на изкуствата в Санкт Петербург (1863 г.), а малко по-късно започва да посещава лекции в юридическия факултет на университета.

През 1872 г. Поленов, който завършва и двата курса с отличие, получава пътуване в чужбина за сметка на академията. Посещава Виена, Венеция, Флоренция, Неапол, дълго време живее в Париж. Посещението у дома беше краткотрайно; през 1876 г. художникът е доброволец в Сръбско-черногорско-турската война.

През следващите години той пътува много в Близкия изток и Гърция (1881-1882, 1899, 1909), Италия (1883-1884, 1894-1895). През 1879 г. се присъединява към Обществото на скитниците. През 1882-1895г. преподава в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура.

Като признание за заслугите на Поленов през 1893 г. той е избран за редовен член на Академията на изкуствата. От 1910 г. той се занимава с развитието на провинциалните театри, като три години по-късно става ръководител на специална секция в Московското общество на народните университети.

Поленов е известен като автор на произведения от различни жанрове. Обръща се към исторически и религиозни теми - "Христос и грешницата" (1886-1887), "На Тивериадското езеро" (1888), "Сред учителите" (1896); през 1877 г. създава серия от скици на кремълските катедрали и дворцови зали; по различно време прави театрални декори. По негови скици са построени църкви в Абрамцево (съвместно с В. М. Васнецов) и в Бехов близо до Таруса (1906 г.). Но най-голяма слава му донасят пейзажите на Поленов: „Московски двор“ (1878), „Бабина градина“, „Лято“ (и двата 1879), „Обрасло езерце“ (1880), „Златна есен“ (1893). ), предаващи поетичен чар на ъглите на градския живот и девствената руска природа.

Последните години от живота си художникът прекарва в имението Борок, където организира музей на изкуството и научни колекции. От 1927 г. тук работи музей-имението на В. Д. Поленов.

Алексей Кондратиевич Саврасов (1830 - 1897)

Художникът е роден на 12 (24) май 1830 г. в Москва, в семейството на търговец от 3-та гилдия Кондратий Артемиевич Саврасов. Противно на желанията на баща си, който мечтаеше да адаптира сина си към "търговските дела", момчето влезе в Московското училище за живопис и скулптура през 1844 г., където учи в класа на пейзажиста К. И. Рабус. По време на обучението си през 1850 г. той завършва картината „Камък в гората край Разлив“, която изкуствоведите смятат за малко нескопосана по композиция. През същата година за картината „Изглед към Московския Кремъл на лунна светлина“ той получава званието некласен художник.

Член-основател на Асоциацията на пътуващите художествени изложби (виж Скитници). Романтичните ефекти преобладават в ранните творби на С. (Изглед на Кремъл в лошо време, 1851, Третяковска галерия).

През 1850-60-те години. Саврасов по-често се обръща към спокойни, повествователни образи, в редица случаи белязани от желание за цветово единство в неговите произведения (Островът на Елк в Соколники, 1869 г., пак там), за да засили емоционалното звучене на chiaroscuro. Резултатът от тези търсения беше картината "Градовете пристигнаха" (1871 г., пак там), където Саврасов, изобразявайки външно неизразим мотив и подчертавайки в живота на природната среда момента на преход (офанзива ранна пролет), успя да покаже дълбоката искреност на родната си природа. Следващите творби на Саврасов („Селският път“, 1873 г., „Дворът“, 1870 г.; „Гробът над Волга“, 1874 г., частна колекция, Москва) също се различават по лирическа непосредственост, интерес към откритото.

Алексей Саврасов, един от най-големите представители на лиричната посока в руския пейзаж, предостави огромно въздействиевърху руските пейзажисти от края на 19 - началото на 20 век.

Починал е А.К. Саврасов на 26 септември 1897 г. е погребан в Москва, на Ваганковското гробище. Алеята, на която е погребан, носи неговото име. Любимият му ученик беше Исак Левитан

Архип Иванович Куинджи (1841-1910)

Роден през януари 1841 г. в Мариупол в семейството на обущар от гръцки произход. Осиротяла, отгледана в семейство на роднини. Започва да рисува рано и усвоява рисуването предимно сам.

През 1855 г. отива пеш във Феодосия, за да учи при И. К. Айвазовски. Влияние известен художник-мариниствърху младия Куинджи несъмнено беше. В края на 60-те години. Куинджи пристига в Петербург. Художникът представя първите си творби през 1868 г. в изложбата на Академията на изкуствата и скоро твърдо се утвърждава като майстор на пейзажа: „Есенно свлачище“ (1872); "Забравеното село" (1874); "Чуматски тракт в Мариупол" (1875 г.) и др.

През 1870 г. за първи път посещава остров Валаам, където впоследствие рисува много. Според съвременниците пейзажите, създадени там, привличат вниманието на публиката.

Картината "Украинска нощ" (1876) просто зашемети обществеността и определи специалния път на автора в изкуството. От нея Куинджи започва своя „стремеж към светлина” – той се стреми да постигне пълна илюзия за естествено осветление. Това се проявява в най-висока степен в картината „Нощ на Днепър“ (1880) с искряща лунна пътека, в кадифен мрак.

Художникът разкрива по нов начин възможностите на пейзажа, преобразявайки, пречиствайки и възвисявайки реалността. Той постигна изключителна интензивност и яркост на цветовете, нови цветови схеми. Характерни за него са многобройните "слънчеви" картини и скици (включително "Бреза горичка", 1879).

Интензивният контраст на наситени тонове, светлинни ефекти - всичко това беше необичайно за живопис XIXв. явление. Неразбирането на колегите принуждава Куинджи да откаже участие в изложби в момента на най-големия успех. AT последен пъттой излага творбите си през 1882 г.

Художникът живее като отшелник в Крим, където създава серия от големи платна и стотици скици, продължавайки да експериментира с боя и цвят. Сред късните произведения на Куинджи - единственият, който притежава сюжетна картина„Христос в Гетсиманската градина” (1901) и „Нощ” (1905-1908), дишащи с необикновена хармония

През 1909 г. Архип Иванович основава Дружеството на художниците (което по-късно получава неговото име), което оказва подкрепа на хората на изкуството. Художникът завещава на това дружество цялото си състояние и произведенията, които се намират в работилницата.