นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส ผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส

ประเพณีของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเริ่มมีขึ้นก่อนศตวรรษที่ 15 เป็นที่ทราบกันดีว่า ผลกระทบอย่างมากมันได้รับอิทธิพลจากวัฒนธรรมของชนเผ่าดั้งเดิมและเซลติกที่อาศัยอยู่ในดินแดนสมัยใหม่ของฝรั่งเศส การพัฒนาดนตรีในประเทศนี้เกิดขึ้นโดยมีปฏิสัมพันธ์กับความคิดสร้างสรรค์ของคนในประเทศเพื่อนบ้าน - ชาวอิตาลีและชาวเยอรมัน นั่นคือเหตุผลที่มรดกทางดนตรีของฝรั่งเศสมีสีสันและหลากหลาย

ต้นกำเนิด

ในขั้นต้น ดนตรีพื้นบ้านมาที่ฝรั่งเศส โดยที่คนธรรมดาไม่สามารถจินตนาการถึงการมีอยู่ของพวกเขา ด้วยการถือกำเนิดของศาสนาคริสต์ถือกำเนิดขึ้น เพลงคริสตจักรซึ่งค่อยๆ เริ่มเปลี่ยนแปลงภายใต้อิทธิพลของประชาชน

นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในสมัยนั้นชื่อ Ilarius จากจังหวัดปัวตีเย เขาอาศัยอยู่ในศตวรรษที่ 3 และเป็นนักศาสนศาสตร์และครูที่ฉลาดที่สุดของคริสตจักร

ประมาณศตวรรษที่ 10 ดนตรีฆราวาสเริ่มได้รับความนิยม มีการแสดงที่ศาลศักดินา บนจัตุรัสของเมืองใหญ่ ในอาราม ในบรรดาเครื่องดนตรีมีกลอง, ขลุ่ย, กลอง, ลูท

ศตวรรษที่ 12 ถูกทำเครื่องหมายโดยการเปิดโรงเรียนดนตรีที่ Notre Dame มหาราช มหาวิหารปารีส. นักแต่งเพลงกลายเป็นผู้สร้างแนวดนตรีใหม่ (conduct, motet)

ในศตวรรษที่ 13 นักดนตรีที่โด่งดังที่สุดคือ Adam de la Alle ผู้ซึ่งคิดใหม่เกี่ยวกับงานของคณะนักร้องประสานเสียง เพื่อหลีกทางให้ศิลปะดนตรีที่แท้จริง การสร้างที่น่าสนใจที่สุดของเขาคือ "เกมของโรบินและแมเรียน" เขากลายเป็นนักเขียนทั้งกวีนิพนธ์และดนตรีสำหรับละครเรื่องนี้ ซึ่งประสบความสำเร็จในการจัดฉากที่ศาลของเคาท์อาร์ตัวส์

Ars nova - ทิศทาง เพลงยุโรปซึ่งพัฒนาขึ้นในฝรั่งเศส กลายเป็นศูนย์รวมของแนวคิดใหม่ๆ ของนักดนตรี คีตกวีชาวฝรั่งเศส Guillaume de Machaux และ Philippe de Vitry กลายเป็นนักทฤษฎีหลักของยุคนี้ De Vitry เขียน ดนตรีประกอบสำหรับบทกวี "The Romance of Fauvel" de Machaux กลายเป็นผู้แต่ง "Mass of Notre Dame" นี่เป็นงานแรกที่เขียนโดยนักแต่งเพลงคนเดียว และไม่ร่วมกับคนอื่น

เรเนซองส์

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 15 ถึงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ดนตรีฝรั่งเศสได้พัฒนาภายใต้อิทธิพลของโรงเรียนดัตช์และการเปลี่ยนแปลงทางการเมืองภายใน เช่น สงครามเพื่อการรวมฝรั่งเศส การก่อตั้งรัฐที่รวมศูนย์ และการเกิดขึ้นของ ชนชั้นนายทุน

ภายใต้อิทธิพลของนักประพันธ์เพลงเช่น Gilles Benchois, Josquin Despres, Orlando di Lasso เลเยอร์ใหม่กำลังก่อตัวขึ้นในศิลปะดนตรีของฝรั่งเศส ราชสำนักไม่ยืนหยัดเคียงข้าง โบสถ์ปรากฏที่นั่นและอนุมัติตำแหน่งของหัวหน้าผู้ควบคุมดนตรี คนแรกคือนักไวโอลินชาวอิตาลี Baltazarini di Belgioiso

ความมั่งคั่งของวัฒนธรรมดนตรีแห่งชาติเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 เมื่อชานสันโดดเด่นในฐานะแนวเพลง ดนตรีออร์แกนก็เข้ามามีบทบาทสำคัญ Jean Titluz กลายเป็นผู้ก่อตั้งและอุดมการณ์ของทิศทางนี้

ความคิดสร้างสรรค์ของ Huguenots แพร่หลายซึ่งเนื่องจากความขัดแย้งทางศาสนาถูกผลักไสให้อยู่ด้านหลัง คีตกวีชาวฝรั่งเศส ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของเลเยอร์นี้ Claude Goudimel และ Claude Lejeune กลายเป็นผู้แต่งเพลงสดุดีหลายร้อยบท ทั้งคู่ต้องทนทุกข์ทรมานในคืนเซนต์บาร์โธโลมิว

ศตวรรษที่ 17

ดนตรีแห่งศตวรรษนี้พัฒนาภายใต้อิทธิพลของสถาบัน ระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์. ชีวิตในราชสำนักภายใต้พระเจ้าหลุยส์ที่ 15 มีชื่อเสียงในด้านความโอ่อ่าและความอุดมสมบูรณ์ ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่นอกเหนือจากความบันเทิงอื่น ๆ เช่น ประเภทหลักเช่นโอเปร่าและบัลเล่ต์

พระคาร์ดินัลมาซารินสนับสนุนการพัฒนาศิลปะที่ซับซ้อน ต้นกำเนิดของอิตาลีเป็นสาเหตุของความนิยมในวัฒนธรรมของประเทศนี้ในฝรั่งเศส ความพยายามครั้งแรกในการสร้างโอเปร่าแห่งชาติเป็นของ Elisabeth Jacquet de la Guerre ผู้เขียน "Kefala and Procris" ในปี 1694

โรงอุปรากร Royal Opera House เปิดทำการในปี 1671 นำเสนอนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นในประเทศ Marc-Antoine Charpentier สร้างผลงานหลายร้อยชิ้น รวมถึงโอเปร่า Orpheus's Descent into Hell, Medea และ the Judgement of Paris Andre Kampra เป็นผู้แต่งโอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant Europe", "Carnival of Venice", โศกนาฏกรรมทางดนตรี "Iphigenia in Tauris", "Achilles and Deidamia"

ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงเวลาของการก่อตัวของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ในบรรดาผู้เข้าร่วม Chambonnière และ Jean-Henri d'Anglebert สามารถแยกแยะได้

ศตวรรษที่ 18

ชีวิตดนตรีและสังคมในศตวรรษนี้มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมาก กิจกรรมคอนเสิร์ตไปไกลกว่าสนาม ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1725 มีการจัดคอนเสิร์ตสาธารณะในโรงภาพยนตร์เป็นประจำ สมาคม "คอนแชร์โตมือสมัครเล่น" และ "เพื่อนของอพอลโล" ก่อตั้งขึ้นในกรุงปารีส ที่ซึ่งมือสมัครเล่นสามารถเพลิดเพลินกับการแสดงดนตรีบรรเลง

ชุดฮาร์ปซิคอร์ดมาถึงจุดสูงสุดในช่วงทศวรรษที่ 1930 François Couperin เขียนฮาร์ปซิคอร์ดมากกว่า 250 ชิ้น และมีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ใน ประเทศบ้านเกิดแต่ยังต่างประเทศ เขายังมีละครหลวงและทำงานให้กับออร์แกนด้วย

สำหรับดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18 คุ้มราคามีผลงานของ Jean Philippe Rameau ซึ่งไม่เพียง แต่เป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์เท่านั้น แต่ยังเป็นนักทฤษฎีที่โดดเด่นในสาขาของเขาอีกด้วย ของเขา โศกนาฏกรรมโคลงสั้นลง Castor และ Pollux, Hippolyte และ Arisia บัลเลต์โอเปร่า The Gallant Indias ยังเป็นที่ต้องการของผู้กำกับร่วมสมัยอีกด้วย

งานดนตรีเกือบทั้งหมดจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 เป็นงานทางศาสนาหรือในตำนาน แต่อารมณ์ในสังคมต้องการการตีความและแนวเพลงใหม่ๆ บนพื้นฐานนี้หนังโอเปร่าได้รับความนิยมซึ่งแสดงให้เห็นจากด้านเสียดสี สังคมชั้นสูงและค่าภาคหลวง บทแรกสำหรับโอเปร่าดังกล่าวเขียนโดย Charles Favard

นักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 มีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบโอเปร่าและพื้นฐานทางทฤษฎีดนตรีของประเภทนี้

ศตวรรษที่ 19

การปฏิวัติฝรั่งเศสทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญใน วัฒนธรรมดนตรี. เพลงทองเหลืองทหารมาถึงเบื้องหน้า เปิดโรงเรียนพิเศษเพื่อฝึกนักดนตรีทหาร โอเปร่าถูกครอบงำโดยแผนการรักชาติกับวีรบุรุษของชาติคนใหม่

ยุคฟื้นฟูถูกทำเครื่องหมายด้วยโอเปร่าโรแมนติกที่เพิ่มขึ้น นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Berlioz เป็นที่สุด ตัวแทนที่สดใสเวลานี้. งานโปรแกรมแรกของเขาคือ "Fantastic Symphony" ซึ่งสะท้อนถึงอารมณ์ที่เกินจริง อารมณ์ทั่วไปของเวลานั้น เขากลายเป็นผู้สร้างซิมโฟนีดราม่า "Romeo and Juliet", ทาบทาม "King Lear", โอเปร่า "Benvenuto Cellini" ในประเทศบ้านเกิดของเขา Hector Berlioz ได้รับการประเมินอย่างคลุมเครือ มันมีความเกี่ยวข้องกับพิเศษ อย่างสร้างสรรค์ที่เขาเลือกเอง ผลงานของเขาเต็มไปด้วยเอฟเฟกต์วงดนตรีที่น่าทึ่ง ซึ่งนักแต่งเพลงเป็นนักดนตรีชาวฝรั่งเศสคนแรกที่ใช้

กลางศตวรรษที่ 19 เป็นจุดเริ่มต้นของการพัฒนาละครในประเทศ แต่แล้วในช่วงทศวรรษ 1870 ดนตรีโคลงสั้น ๆ ก็มาถึงเบื้องหน้า แต่มีแนวโน้มที่สมจริง Charles Gounod ถือเป็นผู้ก่อตั้งประเภทนี้ โอเปร่าของเขา - The Unwitting Doctor, เฟาสท์, โรมิโอและจูเลียต - แสดงถึงการพัฒนาเชิงนวัตกรรมของผู้แต่งทั้งหมด

ผลงานมากมายที่มีความสำคัญต่อวัฒนธรรมฝรั่งเศสถูกสร้างขึ้นโดย Georges Bizet ซึ่งมีอายุสั้น เขาเรียนที่เรือนกระจกตั้งแต่อายุ 10 ขวบและมีความก้าวหน้าอย่างมากตั้งแต่เริ่มแรก เขาชนะการแข่งขันดนตรีที่สำคัญหลายครั้งซึ่งอนุญาตให้นักดนตรีเดินทางไปโรมเป็นเวลาหลายปี หลังจากที่เขากลับมาที่ปารีส Georges Bizet เริ่มทำงานเกี่ยวกับโอเปร่าในชีวิตของเขา Carmen รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2418 ประชาชนไม่ยอมรับและไม่เข้าใจงานนี้ นักแต่งเพลงเสียชีวิตในปีเดียวกัน ไม่เคยเห็นชัยชนะของ "คาร์เมน" มาก่อน

ในปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 คีตกวีชาวฝรั่งเศสเขียนภายใต้อิทธิพลของชาวเยอรมัน โดยเฉพาะ Richard Wagner

ศตวรรษที่ 20

ศตวรรษใหม่ถูกทำเครื่องหมายด้วยการแพร่กระจายของอิมเพรสชั่นนิสม์ในวัฒนธรรมดนตรี คีตกวีชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่กลายเป็นสมัครพรรคพวกในรูปแบบนี้ คนที่ฉลาดที่สุดคือเค. เดอบุสซี คุณสมบัติหลักทั้งหมดที่มีอยู่ในทิศทางนี้สะท้อนให้เห็นในงานของเขา สุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ไม่ได้แตกต่างจากชาวฝรั่งเศสคนอื่น Maurice Ravel ในผลงานของเขาผสมผสานสไตล์โวหารที่แตกต่างกันในยุคของเขา

ศตวรรษที่ 20 เป็นช่วงเวลาของการสร้างสมาคมสร้างสรรค์ซึ่งสมาชิกเป็นศิลปิน "French Six" ที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นภายใต้การนำของ Eric Satie และ Jean Cocteau กลายเป็นชุมชนนักประพันธ์เพลงที่ทรงพลังที่สุดในเวลานั้น

สมาคมได้ชื่อมาเนื่องจากการเปรียบเทียบกับ Russian Union of Composers - พวงอันยิ่งใหญ่. พวกเขารวมตัวกันด้วยความปรารถนาที่จะย้ายออกจากอิทธิพลจากต่างประเทศ (ในกรณีนี้คือเยอรมัน) และเพื่อพัฒนาชั้นของศิลปะนี้ในระดับชาติ

สมาคมรวมถึง Louis Duray ("Lyrical Offerings", "Self-Portrait"), Darius Milhaud (โอเปร่า "Guilty Mother", บัลเล่ต์ "Creation of the World"), Arthur Honegger (โอเปร่า "Judith", บัลเล่ต์ "Shota Rustaveli") , Georges Auric ( เพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Princess of Cleves", "Roman Holiday"), Francis Poulenc (โอเปร่า "Dialogues of the Carmelites", cantata "Un ballo in maschera") และ Germaine Taifer (โอเปร่า "The Little Mermaid", บัลเล่ต์ "คนขายนก")

ในปี พ.ศ. 2478 สมาคมอื่นได้ถือกำเนิดขึ้น - "Young France" ผู้เข้าร่วมคือ Olivier Messiaen (โอเปร่า "Saint Francis of Assisi"), Andre Jolivet (บัลเล่ต์ "Beauty and the Beast", "Ariadne")

เทรนด์ใหม่เช่นวงการเพลงเปรี้ยวจี๊ดปรากฏขึ้นหลังปี 1950 ตัวแทนและแรงบันดาลใจที่สดใสของมันคือ Pierre Boulez ผู้ศึกษากับ Messiaen ในปี 2010 เขาเข้าสู่ยี่สิบอันดับแรก ตัวนำที่ดีที่สุดทั่วโลก

การพัฒนา ศิลปะร่วมสมัยฝรั่งเศสได้รับความช่วยเหลือจากงานบุกเบิกของเสาหลักด้านดนตรีเชิงวิชาการ เช่น Debussy และ Ravel

Debussy

Achille-Claude Debussy เกิดใน Saint-Germain-en-Laye ตั้งแต่เด็กปฐมวัยรู้สึกอยากสวย เมื่ออายุได้ 10 ขวบเขาก็เข้าสู่ Paris Conservatory การเรียนเป็นเรื่องง่ายสำหรับเขา เด็กชายยังชนะการแข่งขันภายในเล็กน้อย แต่คลอดด์ต้องแบกรับภาระของชั้นเรียนด้วยความกลมกลืน เนื่องจากครูไม่เป็นมิตรกับการทดลองเสียงของเด็กชาย

หลังจากขัดจังหวะการศึกษาของเขา Claude Debussy ได้เดินทางไปกับเจ้าของที่ดินจากรัสเซีย N. von Meck ในฐานะนักเปียโนประจำบ้าน เวลาที่ใช้บนดินรัสเซียส่งผลดีต่อคลอดด์ เขาชอบงานของ Tchaikovsky, Balakirev และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ

กลับไปปารีส Debussy ยังคงเรียนที่เรือนกระจกและเขียน เขายังคงพัฒนาสไตล์ของตัวเอง จุดเปลี่ยนในชีวิตของ Claude มีความคุ้นเคยกับ E. Satie ผู้ซึ่งมีความคิดสร้างสรรค์ของเขาได้แสดงให้เห็นหนทางสู่นักแต่งเพลงมือใหม่

สไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ของ Debussy ในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างในปี 1894 เมื่อเขาเขียนว่า " พักผ่อนยามบ่ายฟ่าน" โหมโรงไพเราะอันโด่งดัง

Ravel

Maurice Ravel เกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศส แต่เพื่อที่จะเรียนรู้ธุรกิจโปรดของเขา เขาจึงย้ายไปปารีสใน อายุน้อย. ครูของเขาคือนักเปียโนและนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Charles de Bériot

เช่นเดียวกับ Debussy Maurice ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการพบกับ Eric Satie หลังจากที่เธอ Ravel เริ่มแต่งเพลงด้วยความแค้น โดยได้รับแรงบันดาลใจจากสุนทรพจน์และความคิดของผู้แต่ง

แม้ในขณะที่เรียนอยู่ที่เรือนกระจก Ravel ก็เขียนผลงานจำนวนหนึ่งไว้ใน แรงจูงใจของสเปน("Habanera", "Old Minuet") ซึ่งได้รับการต้อนรับจากเพื่อนนักดนตรี อย่างไรก็ตาม สไตล์ของผู้แต่งเคยเล่นมุกตลกร้ายกับเขา Ravel ไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าร่วมการแข่งขันเพื่อชิงรางวัล Rome Prize อันทรงเกียรติ โดยอ้างข้อจำกัดด้านอายุ แต่นักแต่งเพลงอายุยังไม่ถึง 30 ปีและสามารถส่งองค์ประกอบของเขาได้ตามกฎ ด้วยเหตุนี้ในปี 1905 เรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่จึงปะทุขึ้นในโลกดนตรี

หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่งซึ่งราเวลอาสา หลักการทางอารมณ์ถือเป็นหลักในผลงานของเขา สิ่งนี้อธิบายการเปลี่ยนแปลงที่คมชัดจากการเขียนโอเปร่าเป็น องค์ประกอบบรรเลง(ห้องสวีท "หลุมฝังศพของคูเปอริง") นอกจากนี้เขายังร่วมมือกับ Sergei Diaghilev และเขียนเพลงให้กับบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe

ในขณะเดียวกันผู้แต่งก็เริ่มทำงานด้วยตัวเอง งานสำคัญ- โบเลโร ดนตรีเสร็จสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2471

งานสุดท้ายของ Maurice Ravel คือ "Three Songs" ที่เขียนขึ้นสำหรับ Fyodor Chaliapin

Legrand

สำหรับผู้ชมชาวรัสเซีย ชื่อของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสคนหนึ่งฟังดูคุ้นหูมาก นี่คือ Michel Legrand ผู้สร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์ลัทธิ

Michel Jean เกิดในตระกูลวาทยกรและนักเปียโน ตั้งแต่วัยเด็ก เด็กชายรู้สึกทึ่งในศิลปะดนตรี นั่นเป็นสาเหตุที่ทำให้เขาเข้าสู่ Paris Conservatory หลังจากเรียนจบ เขาเดินทางไปสหรัฐอเมริกา ซึ่งเขาเริ่มเขียนเพลงประกอบภาพยนตร์

ในฝรั่งเศส เขาทำงานร่วมกับผู้กำกับ Jean-Luc Godard และ Jacques Demy ที่มีชื่อเสียง ผลงานยอดนิยมของเขาคือเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "The Umbrellas of Cherbourg"

เขียน ดนตรีแจส. ตั้งแต่ปี 1960 เขาทำงานในฮอลลีวูด ท่ามกลาง ผลงานที่มีชื่อเสียงนักแต่งเพลง - ดนตรีสำหรับ "The Thomas Crown Affair", "The Other Side of Midnight" Michel Legrand เป็นผู้ชนะรางวัลออสการ์สามครั้ง

ศตวรรษที่ 21

ดนตรีเชิงวิชาการยังคงเป็นที่ต้องการในฝรั่งเศส อย่านับทุกเทศกาลและได้รับรางวัลสำหรับความสำเร็จในด้านนี้ ในปารีสซึ่งเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมของประเทศ มี National Conservatory, Opera Bastille, Opera Garnier, Theatre of the Champs Elysees มีวงออเคสตราหลายสิบวงที่รู้จักกันทั่วโลก

ดนตรีเพื่อคนทั่วไป คีตกวีชาวฝรั่งเศสเป็นที่รู้จักผ่านภาพยนตร์ นอกจากดนตรีโอเปร่าและไพเราะแล้ว พวกเขายังเขียนบทภาพยนตร์อีกด้วย สิ่งเหล่านี้ส่วนใหญ่ใช้สำหรับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ฝรั่งเศส แต่นักแต่งเพลงบางคนก็ไปต่างประเทศด้วย นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในศตวรรษที่ 21 ได้แก่:

1. อองตวน ดูฮาเมล ("Stolen Kisses", "Graceful Age")
2. Maurice Jarre ("หมอ Zhivago", "เดินอยู่ในเมฆ")
3. Vladimir Kosma ("ทิ่มด้วยร่ม", "พ่อ")
4. บรูโน่ คูเล็ต ("เบลเฟกอร์-วิญญาณแห่งพิพิธภัณฑ์ลูฟร์", "นักร้องประสานเสียง")
5. Louis Aubert (โอเปร่า "Blue Forest", "Charming Night")
6. Philippe Sarde ("ลูกสาวของ D" Artagnan "," Princess de Montpensier ")
7. Eric Serra (เพลงประกอบสำหรับ Leon, Joan of Arc, The Fifth Element)
8. Gabriel Yared ("ผู้ป่วยชาวอังกฤษ", "Cold Mountain")

ประเพณีของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเริ่มมีขึ้นก่อนศตวรรษที่ 15 เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าได้รับอิทธิพลอย่างมากจากวัฒนธรรมของชนเผ่าดั้งเดิมและเซลติกที่อาศัยอยู่ในดินแดนสมัยใหม่ของฝรั่งเศส การพัฒนาดนตรีในประเทศนี้เกิดขึ้นโดยมีปฏิสัมพันธ์กับความคิดสร้างสรรค์ของคนในประเทศเพื่อนบ้าน - ชาวอิตาลีและชาวเยอรมัน นั่นคือเหตุผลที่มรดกทางดนตรีของฝรั่งเศสมีสีสันและหลากหลาย

ต้นกำเนิด

ในขั้นต้น ดนตรีพื้นบ้านมาที่ฝรั่งเศส โดยที่คนธรรมดาไม่สามารถจินตนาการถึงการมีอยู่ของพวกเขา ด้วยการถือกำเนิดของศาสนาคริสต์ เพลงของคริสตจักรถือกำเนิดขึ้น ซึ่งค่อยๆ เริ่มเปลี่ยนแปลงภายใต้อิทธิพลของผู้คน

นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในสมัยนั้นชื่อ Ilarius จากจังหวัดปัวตีเย เขาอาศัยอยู่ในศตวรรษที่ 3 และเป็นนักศาสนศาสตร์และครูที่ฉลาดที่สุดของคริสตจักร

ประมาณศตวรรษที่ 10 ดนตรีฆราวาสเริ่มได้รับความนิยม มีการแสดงที่ศาลศักดินา บนจัตุรัสของเมืองใหญ่ ในอาราม ในบรรดาเครื่องดนตรีมีกลอง, ขลุ่ย, กลอง, ลูท

ศตวรรษที่ 12 ถูกทำเครื่องหมายโดยการเปิดโรงเรียนดนตรีที่ Notre Dame มหาวิหารปารีสที่ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลงกลายเป็นผู้สร้างแนวดนตรีใหม่ (conduct, motet)

ในศตวรรษที่ 13 นักดนตรีที่โด่งดังที่สุดคือ Adam de la Alle ผู้ซึ่งคิดใหม่เกี่ยวกับงานของคณะนักร้องประสานเสียง เพื่อหลีกทางให้ศิลปะดนตรีที่แท้จริง การสร้างที่น่าสนใจที่สุดของเขาคือ "เกมของโรบินและแมเรียน" เขากลายเป็นนักเขียนทั้งกวีนิพนธ์และดนตรีสำหรับละครเรื่องนี้ ซึ่งประสบความสำเร็จในการจัดฉากที่ศาลของเคาท์อาร์ตัวส์

Ars nova - ทิศทางของดนตรียุโรปซึ่งพัฒนาขึ้นในฝรั่งเศสกลายเป็นศูนย์รวมของแนวคิดใหม่ของนักดนตรี คีตกวีชาวฝรั่งเศส Guillaume de Machaux และ Philippe de Vitry กลายเป็นนักทฤษฎีหลักของยุคนี้ De Vitry เขียนดนตรีประกอบกับบทกวี "The Romance of Fauvel" de Machaux กลายเป็นผู้แต่ง "Mass of Notre Dame" นี่เป็นงานแรกที่เขียนโดยนักแต่งเพลงคนเดียว และไม่ร่วมกับคนอื่น

เรเนซองส์

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 15 ถึงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 ดนตรีฝรั่งเศสได้พัฒนาภายใต้อิทธิพลของโรงเรียนดัตช์และการเปลี่ยนแปลงทางการเมืองภายใน เช่น สงครามเพื่อการรวมฝรั่งเศส การก่อตั้งรัฐที่รวมศูนย์ และการเกิดขึ้นของ ชนชั้นนายทุน

ภายใต้อิทธิพลของนักประพันธ์เพลงเช่น Gilles Benchois, Josquin Despres, Orlando di Lasso เลเยอร์ใหม่กำลังก่อตัวขึ้นในศิลปะดนตรีของฝรั่งเศส ราชสำนักไม่ยืนหยัดเคียงข้าง โบสถ์ปรากฏที่นั่นและอนุมัติตำแหน่งของหัวหน้าผู้ควบคุมดนตรี คนแรกคือนักไวโอลินชาวอิตาลี Baltazarini di Belgioiso

ความมั่งคั่งของวัฒนธรรมดนตรีแห่งชาติเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 เมื่อชานสันโดดเด่นในฐานะแนวเพลง ดนตรีออร์แกนก็เข้ามามีบทบาทสำคัญ Jean Titluz กลายเป็นผู้ก่อตั้งและอุดมการณ์ของทิศทางนี้

ความคิดสร้างสรรค์ของ Huguenots แพร่หลายซึ่งเนื่องจากความขัดแย้งทางศาสนาถูกผลักไสให้อยู่ด้านหลัง คีตกวีชาวฝรั่งเศส ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของเลเยอร์นี้ Claude Goudimel และ Claude Lejeune กลายเป็นผู้แต่งเพลงสดุดีหลายร้อยบท ทั้งคู่ได้รับความเดือดร้อนระหว่าง

ศตวรรษที่ 17

ดนตรีแห่งศตวรรษนี้พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของชีวิตในราชสำนักภายใต้พระเจ้าหลุยส์ที่ 15 มีชื่อเสียงในด้านความโอ่อ่าและอุดมสมบูรณ์ ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ประเภทที่สำคัญเช่นโอเปร่าและบัลเล่ต์ปรากฏขึ้นท่ามกลางความบันเทิงอื่น ๆ

พระคาร์ดินัลมาซารินสนับสนุนการพัฒนาศิลปะที่ซับซ้อน ต้นกำเนิดของอิตาลีเป็นสาเหตุของความนิยมในวัฒนธรรมของประเทศนี้ในฝรั่งเศส ความพยายามครั้งแรกในการสร้างโอเปร่าแห่งชาติเป็นของ Elisabeth Jacquet de la Guerre ผู้เขียน "Kefala and Procris" ในปี 1694

โรงอุปรากร Royal Opera House เปิดทำการในปี 1671 นำเสนอนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นในประเทศ Marc-Antoine Charpentier สร้างผลงานหลายร้อยชิ้น รวมถึงโอเปร่า Orpheus's Descent into Hell, Medea และ the Judgement of Paris Andre Kampra เป็นผู้แต่งโอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant Europe", "Carnival of Venice", โศกนาฏกรรมทางดนตรี "Iphigenia in Tauris", "Achilles and Deidamia"

ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงเวลาของการก่อตัวของโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ในบรรดาผู้เข้าร่วมคือ Chambonnière และ Jean-Henri d'Anglebert

ศตวรรษที่ 18

ชีวิตดนตรีและสังคมในศตวรรษนี้มีการเปลี่ยนแปลงอย่างมาก กิจกรรมคอนเสิร์ตไปไกลกว่าสนาม ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1725 มีการจัดคอนเสิร์ตสาธารณะในโรงภาพยนตร์เป็นประจำ สมาคม "คอนแชร์โตมือสมัครเล่น" และ "เพื่อนของอพอลโล" ก่อตั้งขึ้นในกรุงปารีส ที่ซึ่งมือสมัครเล่นสามารถเพลิดเพลินกับการแสดงดนตรีบรรเลง

ชุดฮาร์ปซิคอร์ดมาถึงจุดสูงสุดในช่วงทศวรรษที่ 1930 Francois Couperin เขียนฮาร์ปซิคอร์ดมากกว่า 250 ชิ้น และมีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในประเทศบ้านเกิดของเขาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในต่างประเทศด้วย เขายังมีละครหลวงและทำงานให้กับออร์แกนด้วย

สำหรับดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18 ผลงานของ Jean Philippe Rameau ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์เท่านั้น แต่ยังเป็นนักทฤษฎีที่โดดเด่นในสาขาของเขาอีกด้วย โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ของเขาคือ Castor และ Pollux, Hippolyte และ Arisia, บัลเลต์โอเปร่า The Gallant Indias ยังเป็นที่ต้องการของผู้กำกับร่วมสมัยอีกด้วย

งานดนตรีเกือบทั้งหมดจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 เป็นงานทางศาสนาหรือในตำนาน แต่อารมณ์ในสังคมต้องการการตีความและแนวเพลงใหม่ๆ บนพื้นฐานนี้หนังโอเปร่าได้รับความนิยมซึ่งจากด้านเสียดสีแสดงให้เห็นถึงสังคมชั้นสูงและอำนาจของราชวงศ์ บทแรกสำหรับโอเปร่าดังกล่าวเขียนโดย Charles Favard

นักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 มีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบโอเปร่าและพื้นฐานทางทฤษฎีดนตรีของประเภทนี้

ศตวรรษที่ 19

การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในวัฒนธรรมดนตรี เพลงทองเหลืองทหารมาถึงเบื้องหน้า เปิดโรงเรียนพิเศษเพื่อฝึกนักดนตรีทหาร โอเปร่าถูกครอบงำโดยแผนการรักชาติกับวีรบุรุษของชาติคนใหม่

ยุคฟื้นฟูถูกทำเครื่องหมายด้วยโอเปร่าโรแมนติกที่เพิ่มขึ้น นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Berlioz เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดในเวลานี้ งานโปรแกรมแรกของเขาคือ "Fantastic Symphony" ซึ่งสะท้อนถึงอารมณ์ที่เกินจริง อารมณ์ทั่วไปของเวลานั้น เขากลายเป็นผู้สร้างซิมโฟนีดราม่าเรื่อง "Romeo and Juliet" ซึ่งเป็นบทประพันธ์ของโอเปร่า "Benvenuto Cellini" ในประเทศบ้านเกิดของเขา Hector Berlioz ได้รับการประเมินอย่างคลุมเครือ นี่เป็นเพราะเส้นทางสร้างสรรค์พิเศษที่เขาเลือกเอง ผลงานของเขาเต็มไปด้วยเอฟเฟกต์วงดนตรีที่น่าทึ่ง ซึ่งนักแต่งเพลงเป็นนักดนตรีชาวฝรั่งเศสคนแรกที่ใช้

กลางศตวรรษที่ 19 เป็นจุดเริ่มต้นของการพัฒนาละครในประเทศ แต่แล้วในช่วงทศวรรษ 1870 ดนตรีโคลงสั้น ๆ ก็มาถึงเบื้องหน้า แต่มีแนวโน้มที่สมจริง Charles Gounod ถือเป็นผู้ก่อตั้งประเภทนี้ โอเปร่าของเขา - The Unwitting Doctor, เฟาสท์, โรมิโอและจูเลียต - แสดงถึงการพัฒนาเชิงนวัตกรรมของผู้แต่งทั้งหมด

ผลงานมากมายที่มีความสำคัญต่อวัฒนธรรมฝรั่งเศสถูกสร้างขึ้นโดย Georges Bizet ซึ่งมีอายุสั้น เขาเรียนที่เรือนกระจกตั้งแต่อายุ 10 ขวบและมีความก้าวหน้าอย่างมากตั้งแต่เริ่มแรก เขาชนะการแข่งขันดนตรีที่สำคัญหลายครั้งซึ่งอนุญาตให้นักดนตรีเดินทางไปโรมเป็นเวลาหลายปี หลังจากที่เขากลับมาที่ปารีส Georges Bizet เริ่มทำงานเกี่ยวกับโอเปร่าในชีวิตของเขา Carmen รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2418 ประชาชนไม่ยอมรับและไม่เข้าใจงานนี้ นักแต่งเพลงเสียชีวิตในปีเดียวกัน ไม่เคยเห็นชัยชนะของ "คาร์เมน" มาก่อน

ในปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 คีตกวีชาวฝรั่งเศสเขียนภายใต้อิทธิพลของชาวเยอรมัน โดยเฉพาะ Richard Wagner

ศตวรรษที่ 20

ศตวรรษใหม่ถูกทำเครื่องหมายด้วยการแพร่กระจายของอิมเพรสชั่นนิสม์ในวัฒนธรรมดนตรี คีตกวีชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่กลายเป็นสมัครพรรคพวกในรูปแบบนี้ คนที่ฉลาดที่สุดคือเค. เดอบุสซี คุณสมบัติหลักทั้งหมดที่มีอยู่ในทิศทางนี้สะท้อนให้เห็นในงานของเขา สุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ไม่ได้แตกต่างจากชาวฝรั่งเศสคนอื่น Maurice Ravel ในผลงานของเขาผสมผสานสไตล์โวหารที่แตกต่างกันในยุคของเขา

ศตวรรษที่ 20 เป็นช่วงเวลาของการสร้างสมาคมสร้างสรรค์ซึ่งสมาชิกเป็นศิลปิน "French Six" ที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นภายใต้การนำของ Eric Satie และ Jean Cocteau กลายเป็นชุมชนนักประพันธ์เพลงที่ทรงพลังที่สุดในเวลานั้น

สมาคมได้ชื่อมาเนื่องจากการเปรียบเทียบกับ Russian Union of Composers - Mighty Handful พวกเขารวมตัวกันด้วยความปรารถนาที่จะย้ายออกจากอิทธิพลจากต่างประเทศ (ในกรณีนี้คือเยอรมัน) และเพื่อพัฒนาชั้นของศิลปะนี้ในระดับชาติ

สมาคมรวมถึง Louis Duray ("Lyrical Offerings", "Self-Portrait"), Darius Milhaud (โอเปร่า "Guilty Mother", บัลเล่ต์ "Creation of the World"), Arthur Honegger (โอเปร่า "Judith", บัลเล่ต์ "Shota Rustaveli") , Georges Auric ( เพลงสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "Princess of Cleves", "Roman Holiday"), Francis Poulenc (โอเปร่า "Dialogues of the Carmelites", cantata "Un ballo in maschera") และ Germaine Taifer (โอเปร่า "The Little Mermaid", บัลเล่ต์ "คนขายนก")

ในปี พ.ศ. 2478 สมาคมอื่นได้ถือกำเนิดขึ้น - "Young France" ผู้เข้าร่วมคือ Olivier Messiaen (โอเปร่า "Saint Francis of Assisi"), Andre Jolivet (บัลเล่ต์ "Beauty and the Beast", "Ariadne")

เทรนด์ใหม่เช่นวงการเพลงเปรี้ยวจี๊ดปรากฏขึ้นหลังปี 1950 ตัวแทนและแรงบันดาลใจที่สดใสของมันคือ Pierre Boulez ผู้ศึกษากับ Messiaen ในปี 2010 เขาได้เข้าสู่ยี่สิบอันดับแรกของตัวนำที่ดีที่สุดในโลก

การพัฒนาศิลปะร่วมสมัยในฝรั่งเศสได้รับการอำนวยความสะดวกโดยงานบุกเบิกของเสาหลักด้านดนตรีวิชาการเช่น Debussy และ Ravel

Debussy

Achille-Claude Debussy เกิดใน Saint-Germain-en-Laye ตั้งแต่เด็กปฐมวัยรู้สึกอยากสวย เมื่ออายุได้ 10 ขวบเขาก็เข้าสู่ Paris Conservatory การเรียนเป็นเรื่องง่ายสำหรับเขา เด็กชายยังชนะการแข่งขันภายในเล็กน้อย แต่คลอดด์ต้องแบกรับภาระของชั้นเรียนด้วยความกลมกลืน เนื่องจากครูไม่เป็นมิตรกับการทดลองเสียงของเด็กชาย

หลังจากขัดจังหวะการศึกษาของเขา Claude Debussy ได้เดินทางไปกับเจ้าของที่ดินจากรัสเซีย N. von Meck ในฐานะนักเปียโนประจำบ้าน เวลาที่ใช้บนดินรัสเซียส่งผลดีต่อคลอดด์ เขาชอบงานของ Tchaikovsky, Balakirev และนักประพันธ์เพลงคนอื่นๆ

กลับไปปารีส Debussy ยังคงเรียนที่เรือนกระจกและเขียน เขายังคงพัฒนาสไตล์ของตัวเอง จุดเปลี่ยนในชีวิตของคลอดด์คือความคุ้นเคยของเขากับอี. ซาตี ผู้ซึ่งมีความคิดสร้างสรรค์ของเขาได้ชี้ให้เห็นหนทางสำหรับผู้เริ่มแต่งเพลง

สไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ของ Debussy ได้ก่อตัวขึ้นในปี 1894 เมื่อเขาเขียน The Afternoon of a Faun ซึ่งเป็นเพลงโหมโรงไพเราะที่มีชื่อเสียง

Ravel

Maurice Ravel เกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศส แต่ย้ายไปปารีสตั้งแต่อายุยังน้อยเพื่อเรียนรู้ความหลงใหลของเขา ครูของเขาคือนักเปียโนและนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Charles de Bériot

เช่นเดียวกับ Debussy Maurice ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการพบกับ Eric Satie หลังจากที่เธอ Ravel เริ่มแต่งเพลงด้วยความแค้น โดยได้รับแรงบันดาลใจจากสุนทรพจน์และความคิดของผู้แต่ง

แม้แต่ในขณะที่เรียนที่เรือนกระจก Ravel ได้เขียนผลงานเกี่ยวกับลวดลายภาษาสเปนจำนวนหนึ่ง ("Habanera", "Old Minuet") ซึ่งได้รับการต้อนรับอย่างอบอุ่นจากเพื่อนนักดนตรี อย่างไรก็ตาม สไตล์ของผู้แต่งเคยเล่นมุกตลกร้ายกับเขา Ravel ไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าร่วมการแข่งขันเพื่อชิงรางวัล Rome Prize อันทรงเกียรติ โดยอ้างข้อจำกัดด้านอายุ แต่นักแต่งเพลงอายุยังไม่ถึง 30 ปีและสามารถส่งองค์ประกอบของเขาได้ตามกฎ ด้วยเหตุนี้ในปี 1905 เรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่จึงปะทุขึ้นในโลกดนตรี

หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่งซึ่งราเวลอาสา หลักการทางอารมณ์ถือเป็นหลักในผลงานของเขา สิ่งนี้อธิบายการเปลี่ยนแปลงอย่างกะทันหันจากการเขียนโอเปร่าไปเป็นการแต่งเพลงประกอบ (ชุด "The Tomb of Couperin") นอกจากนี้เขายังร่วมมือกับ Sergei Diaghilev และเขียนเพลงให้กับบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe

ในเวลาเดียวกัน นักแต่งเพลงเริ่มทำงานที่สำคัญที่สุดของเขา - "Bolero" ดนตรีเสร็จสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2471

งานสุดท้ายของ Maurice Ravel คือ "Three Songs" ที่เขียนขึ้นสำหรับ Fyodor Chaliapin

Legrand

สำหรับผู้ชมชาวรัสเซีย ชื่อของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสคนหนึ่งฟังดูคุ้นหูมาก นี่คือ Michel Legrand ผู้สร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์ลัทธิ

Michel Jean เกิดในตระกูลวาทยกรและนักเปียโน ตั้งแต่วัยเด็ก เด็กชายรู้สึกทึ่งในศิลปะดนตรี นั่นเป็นสาเหตุที่ทำให้เขาเข้าสู่ Paris Conservatory หลังจากเรียนจบ เขาเดินทางไปสหรัฐอเมริกา ซึ่งเขาเริ่มเขียนเพลงประกอบภาพยนตร์

ในฝรั่งเศส เขาทำงานร่วมกับผู้กำกับ Jean-Luc Godard และ Jacques Demy ที่มีชื่อเสียง ผลงานยอดนิยมของเขาคือเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "The Umbrellas of Cherbourg"

เขียนเพลงแจ๊ส ตั้งแต่ปี 1960 เขาทำงานในฮอลลีวูด ในบรรดาผลงานที่มีชื่อเสียงของนักแต่งเพลง ได้แก่ เพลง "The Thomas Crown Affair", "The Other Side of Midnight" Michel Legrand เป็นผู้ชนะรางวัลออสการ์สามครั้ง

ศตวรรษที่ 21

ดนตรีเชิงวิชาการยังคงเป็นที่ต้องการในฝรั่งเศส อย่านับทุกเทศกาลและได้รับรางวัลสำหรับความสำเร็จในด้านนี้ ในปารีสซึ่งเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรมของประเทศ มี National Conservatory, Opera Bastille, Opera Garnier, โรงละครออร์เคสตรานับสิบที่รู้จักกันทั่วโลกทำงาน

เพลงของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสกลายเป็นที่รู้จักของสาธารณชนทั่วไปด้วยโรงภาพยนตร์ นอกจากดนตรีโอเปร่าและไพเราะแล้ว พวกเขายังเขียนบทภาพยนตร์อีกด้วย สิ่งเหล่านี้ส่วนใหญ่ใช้สำหรับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ฝรั่งเศส แต่นักแต่งเพลงบางคนก็ไปต่างประเทศด้วย นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในศตวรรษที่ 21 ได้แก่:

1. อองตวน ดูฮาเมล ("Stolen Kisses", "Graceful Age")
2. Maurice Jarre ("หมอ Zhivago", "เดินอยู่ในเมฆ")
3. Vladimir Kosma ("ทิ่มด้วยร่ม", "พ่อ")
4. บรูโน่ คูเล็ต ("เบลเฟกอร์-วิญญาณแห่งพิพิธภัณฑ์ลูฟร์", "นักร้องประสานเสียง")
5. Louis Aubert (โอเปร่า "Blue Forest", "Charming Night")
6. Philippe Sarde ("ธิดาแห่ง d'Artagnan", "Princess de Montpensier")
7. Eric Serra (เพลงประกอบสำหรับ Leon, Joan of Arc, The Fifth Element)
8. Gabriel Yared ("ผู้ป่วยชาวอังกฤษ", "Cold Mountain")

Paul Mauriat... เมื่อเพียงการออกเสียงชื่อของเขา เสียงเพลงก็ดังขึ้นในความทรงจำ ... นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสหนึ่งใน ปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดศตวรรษที่ XX เกิดที่มาร์เซย์ในปี 2468 ในครอบครัวนักดนตรี และเมื่อเขาอายุได้ 10 ขวบ เขาเข้าไปในเรือนกระจกโดยไม่ลังเล สไตล์ดนตรีที่เขาโปรดปรานคือแจ๊ส แต่ในขณะเดียวกันเขาก็รู้สึกทึ่งกับซิมโฟนีคลาสสิกซึ่งเป็นแรงบันดาลใจให้เขาสร้างวงออเคสตราของตัวเอง - ตอนอายุ 17 ปี Paul ได้แสดงคอนเสิร์ต เมื่อไหร่ที่สอง สงครามโลกเขาเล่นไปทั่วฝรั่งเศสให้ความหวังแก่ผู้คนเพื่ออนาคตที่สงบสุข

หลังสงคราม เขาถูกสังเกตเห็นโดยบริษัทอเมริกาเหนือ "A&R" ซึ่งหมายถึง "ศิลปินและละคร" โดยเสนอให้เขาเป็นนักดนตรีควบคู่ไปกับการแสดงต่างๆ นี่เป็นก้าวแรกสู่ชื่อเสียงและการยอมรับ - ปารีสเปิดแขนให้นักแต่งเพลงรุ่นเยาว์ ผู้บัญญัติกฎหมายไม่เพียงแต่ด้านแฟชั่นเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีระดับโลกด้วย ที่นั่นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Paul Mauriat กลายเป็นผู้เรียบเรียงสำหรับ chansonnier อันงดงาม ทศวรรษหลังสงครามนักดนตรีหนุ่มเป็นผู้อำนวยการดนตรีของดาราดังเช่น Maurice Chevalier, Dalida, Escudiero, Aznavour, Henry Salvador - ทัวร์, คอนเสิร์ต, การบันทึก ... ต่อมาในช่วงปลายยุค 60 และต้นยุค 70 เขาจะเขียนเรื่อง Mireille Mathieu

ในปี 1957 นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Paul Mauriat ได้ออกอัลบั้มรอบปฐมทัศน์ซึ่งเป็นที่ต้องการอย่างมาก ชื่อของบันทึกนั้นค่อนข้างง่าย - "Paul Mauriat" ในปีต่อมา ค.ศ. 1958 เขาได้มอบรางวัลให้กับเขาในเทศกาล Golden Rooster of Chanson สำหรับเพลง "Rendez-vos au lavandou"

ในปีพ. ศ. 2507 อัลบั้ม "Paul Mauriat and His Orchestra" ได้รับการปล่อยตัว Paul Mauriat เริ่มใช้นามแฝง - Niko Popadopoulos, Richard Audrey, Eduardo Rouault และอีกหลายคน เขาเชื่อว่าสิ่งนี้จะช่วยให้เข้าใจได้ดีขึ้น ตัวละครสากลผลงานของเขาและไม่แพ้ - ชื่อเสียงระดับโลกมาหาเขา

เขาแต่งเพลงประกอบภาพยนตร์ควบคู่ไปกับเพลงซึ่ง ได้แก่ "Taxi to Tobruk", "Blow Up the Bank", "Horace 62", " เจ้าพ่อในช่วงต้นยุค 90 เขาได้ปล่อยเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "Act Sister!" ซึ่งต่อมาเริ่มมีการบันทึกเสียงใหม่โดยศิลปินที่มีชื่อเสียงของโลกและมีชื่อเสียงมาจนถึงทุกวันนี้ Paul Mauriat ได้พัฒนาสไตล์ของตัวเองขึ้นมาซึ่งกลายเป็น มีเอกลักษณ์ที่สุดในความกว้างและระยะ - เป็นเพลงที่ไม่ธรรมดา สว่างสดใส และติดหู

Paul Mauriat เข้าสู่ Top 100 ตามนิตยสารอเมริกันฉบับหนึ่งในฐานะศิลปินบรรเลงชาวฝรั่งเศสคนแรก เขาให้บทบาทนำในงานของเขาแก่เครื่องสาย - staccato และ legato ที่ซับซ้อนที่สุด การเล่นเชลโลและการทดลองกับการเตรียมการทำให้ดนตรีของเขามีเสน่ห์ "ฝรั่งเศส" ที่อธิบายไม่ได้แม้ว่าผลงานของเขาจะเกินกรอบทางดนตรีที่ จำกัด . วิธีการของเขาได้รับการชื่นชมไม่เพียง แต่โดยนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศสเท่านั้น - เขาใช้ประเทศต่างๆ

นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Paul Mauriat ได้รับรางวัล "Golden Disc" ในฝรั่งเศสชื่อ Commander of the Arts และการยอมรับในระดับสากล: เพลงของเขาได้ยินในโฆษณาทุกประเภทโปรแกรม (ในสหภาพโซเวียต "In the Animal ที่มีชื่อเสียง" World" และ "Kinopanorama"), ซีรีส์

ในปี 1998 โมไรอาห์ออกจากเวทีโดยให้ คอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายในเมืองโอซาก้า และในปี 2549 ตอนอายุ 81 นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Paul Mauriat เสียชีวิตทางตอนใต้ของฝรั่งเศสในเมือง Perpignan ที่บ้านของเขา ถึงแม้ว่าเขาจะสนับสนุน ผลงานอันทรงคุณค่าในดนตรี ผู้ร่วมสมัยและเพื่อนสนิทจำเขาได้ในฐานะนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดผู้เป็นมิตร เจียมเนื้อเจียมตัว เจียมเนื้อเจียมตัว

กลุ่มที่ดื้อรั้นที่สุดกลับกลายเป็นกลุ่มคนหนุ่มสาวที่ก่อตั้งขึ้นเมื่อสิ้นสุดสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง โดยการเปรียบเทียบกับ "Five" ของรัสเซียนั่นคือ "Mighty Handful" เธอได้รับชื่อ "Six" ซึ่งมอบให้กับเธอในปี 1920 โดยนักข่าว A. Kolle ซึ่งรวมถึง: Darius Milhaud, Arthur Honegger, Georges Auric, Francis Poulenc, Louis Duray และ Germain Taifer (พวกเขาควรจะเข้าร่วมโดยเพื่อนและคนที่มีใจเดียวกันใน Six, Jacques Iber, Jean Viener และ Alexis Roland-Manuel) ประกาศเรื่องนี้ กลุ่มใหม่กวี นักประชาสัมพันธ์ นักเขียนบทละคร นักเขียนบท ศิลปินและนักดนตรีมือสมัครเล่น Jean Cocteau ปรากฏตัว ซึ่งมีแผ่นพับ The Rooster และ Harlequin (1918) มีความสำคัญทางศิลปะ

ตำแหน่งของคีตกวี "หก": การยืนยันของดนตรีฝรั่งเศส, ดึงดูดอุดมคติ คลาสสิกของฝรั่งเศสสู่บทเพลงอันไพเราะของนักฮาร์ปซิคอร์ด J. Ram, F. Couperin ความทะเยอทะยานและนวัตกรรม มุ่งเน้นไปที่การต่ออายุ ภาษาดนตรีตามประเพณีของชาติผ่านดนตรีในชีวิตประจำวัน ทำงานในประเภทสังเคราะห์ที่ซับซ้อน (โรงละคร, บัลเล่ต์, โรงภาพยนตร์, ละครสัตว์); การดำเนินการตามคุณสมบัติของนีโอคลาสซิซิสซึ่ม, การแสดงออก, ความเป็นเมือง - ความพยายามที่จะสะท้อนจังหวะ, เสียงของเมืองใหญ่

งานทั่วไป: F. Poulenc "Morning Serenade", "Negro Rhapsody", J. Auric "Foxtrots", J. Ibert "The Little White Donkey", D. Millau "Blue Express", "Bull on the Roof", "Brazilian เต้น" .

อาร์เธอร์ โฮเนกเกอร์(1899 - 1965) - นักแต่งเพลง "หก" ที่สำคัญที่สุด "Pacific 231" (1923) - การแต่งเพลงโดย Honegger รุ่นเยาว์ สร้างคำของการเคลื่อนไหวของหัวรถจักร ความจริงจังของธีมในงานที่ตามมาของนักแต่งเพลง: oratorios "King David", "Joan of Arc at the stake", ห้าซิมโฟนี ภาพสะท้อนของธีมของสงครามโลกครั้งที่สองและการป้องกันสันติภาพในซิมโฟนีของ ที่สาม (1946) และที่ห้า (1950) ความใกล้ชิดกับซิมโฟนีของ D. Shostakovich เนื้อหาที่น่าเศร้าของ Symphony No. 5 แสดงความวิตกกังวลสำหรับอนาคต (หลังสงครามโลกครั้งที่สองภัยคุกคามของสงครามปรมาณูใหม่ปรากฏขึ้น สาม -วงจรส่วน:

ตอนที่ 1 - ช้า รุนแรง มืดมน กับเพลงที่ไม่สอดคล้องกันรุนแรง

2 ส่วน - โศกนาฏกรรมพิลึก scherzo;

ตอนที่ 3 - ตอนจบที่รวดเร็ว เต็มไปด้วยความรู้สึกโกรธ สยองขวัญด้วยธีมที่ต่อต้านและท่วงทำนองไพเราะพร้อมท่วงท่าที่กว้าง

Eric Satie(05/17/1866 - 07/01/1925) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส ในปีพ.ศ. 2426 เขาเข้าเรียนที่ Paris Conservatory ในชั้นเรียนของ A. Gilman (อวัยวะ) แต่ได้ลาออกในอีกหนึ่งปีต่อมา บางครั้งเขาทำงานเป็นนักเปียโนในคาบาเร่ต์ในมงต์มาตร์ จากการมีส่วนร่วมในการแต่งเพลงด้วยตัวเอง เขาจึงเริ่มเขียนชิ้นเปียโนและดนตรีสำหรับ การแสดงละคร. เมื่ออายุ 40 เท่านั้น Sati ตัดสินใจที่จะจัดองค์ประกอบภาพอย่างจริงจังและเข้าสู่ Schola Cantorum ซึ่งครูของเขาคือ V. d "Andy และ A. Roussel ด้วยความคิดทางศิลปะที่เป็นต้นฉบับและเป็นอิสระของ Sati Sati จึงรวมตัวกันรอบตัวเขาจำนวนหนึ่ง นักดนตรีรุ่นใหม่ที่เห็นอกเห็นใจขบวนการต่อต้านวากเนอร์ใน ศิลปะฝรั่งเศส. ในปี ค.ศ. 1920 Satie กลายเป็นผู้สร้างแรงบันดาลใจทางอุดมการณ์ของกลุ่ม "Six" ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของความคิดสร้างสรรค์และ มุมมองความงามคีตกวีชาวฝรั่งเศสหลายคนในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 20 ผลงานของสติเต็มไปด้วยความกลมกลืนที่คมชัด โดดเด่นด้วยจังหวะดั้งเดิมและรูปแบบที่ไม่ธรรมดา จิตวิญญาณของความแปลกประหลาดและการประชดประชันที่เป็นอันตรายแนะนำให้ Sati รู้จักชื่อประหลาดของเปียโนหลายชิ้นของเขา: "Dried Embryos", "Three Pieces in the Shape of a Pear", "Jerky Pieces", "Automatic Description", "Eternal and นาฬิกาทันที", "ชิ้นส่วนเย็น" และ pl. เป็นต้น ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุดของ Satie ได้แก่ เปียโนเปียโน "Gymnopedia" (1888; เรียบเรียงโดย Debussy) Diaghilev สั่งบัลเล่ต์ "ขบวนพาเหรด" ของ Satie สำหรับคณะของเขา (G. Cocteau, Myasin และ Picasso มีส่วนร่วมในการสร้างบัลเล่ต์) ในบทเพลงที่นักแต่งเพลงแนะนำเสียงรถจักรเครื่องพิมพ์ดีด ฯลฯ

โอเปร่าบอริส GODUNOV

อุปรากรสี่องก์พร้อมอารัมภบท บทโดย Mussorgsky ตามโศกนาฏกรรมในชื่อเดียวกันโดย A. S. Pushkin และ "History of the Russian State" โดย N. M. Karamzin การผลิตครั้งแรก: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 27 มกราคม 2417 การดำเนินการเกิดขึ้นในมอสโกในปี ค.ศ. 1598-1605

ความคิดที่จะเขียนโอเปร่าตามเนื้อเรื่องของโศกนาฏกรรมทางประวัติศาสตร์ของพุชกิน Boris Godunov (1825) ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับ Mussorgsky โดยเพื่อนของเขาซึ่งเป็นนักประวัติศาสตร์ที่มีชื่อเสียง ศาสตราจารย์ VV Nikolsky Mussorgsky รู้สึกทึ่งอย่างยิ่งกับโอกาสที่จะแปลหัวข้อความสัมพันธ์ระหว่างซาร์กับประชาชนซึ่งมีความเกี่ยวข้องอย่างมากสำหรับเวลาของเขาเพื่อนำผู้คนมาเป็นตัวละครหลักในโอเปร่า

งานนี้เริ่มขึ้นในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2411 ดำเนินไปด้วยความคิดสร้างสรรค์ที่ยิ่งใหญ่ หนึ่งเดือนครึ่งต่อมา ฉากแรกก็พร้อมแล้ว นักแต่งเพลงเองเขียนบทของโอเปร่าโดยใช้วัสดุจาก "History of the Russian State" ของ N. M. Karamzin และเอกสารทางประวัติศาสตร์อื่น ๆ ขณะที่การจัดองค์ประกอบดำเนินไป แต่ละฉากก็แสดงเป็นวงกลมของ "Kuchkists" ซึ่งรวมตัวกันที่ A. S. Dargomyzhsky หรือที่ L. I. Shestakova น้องสาวของ Glinka "ความสุขความชื่นชมยินดีเป็นสากล" V.V. Stasov เล่า

ในตอนท้ายของปี 2412 โอเปร่า "บอริส Godunov" เสร็จสมบูรณ์และนำเสนอต่อคณะกรรมการโรงละคร แต่สมาชิกที่ท้อแท้จากความแปลกใหม่ทางอุดมการณ์และศิลปะของโอเปร่าปฏิเสธงานโดยอ้างว่าไม่มีบทบาทหญิงที่ชนะ นักแต่งเพลงได้ทำการเปลี่ยนแปลงหลายอย่าง เพิ่มการแสดงของโปแลนด์และฉากใกล้ Kromy อย่างไรก็ตาม "บอริส" รุ่นที่สองซึ่งสร้างเสร็จในฤดูใบไม้ผลิปี 2415 ก็ไม่ได้รับการยอมรับจากผู้อำนวยการโรงละครของจักรวรรดิเช่นกัน

"บอริส" ถูกจัดฉากขึ้นด้วยแรงสนับสนุนจากพลังทางศิลปะขั้นสูงเท่านั้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งนักร้อง Yu. F. Platonova ที่เลือกโอเปร่าเพื่อประโยชน์ในการแสดงของเธอ รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 27 มกราคม (8 กุมภาพันธ์), 2417 ที่โรงละคร Mariinsky ประชาชนที่เป็นประชาธิปไตยทักทาย "บอริส" อย่างกระตือรือร้น การวิจารณ์เชิงโต้ตอบและสังคมของขุนนางและเจ้าของบ้านมีปฏิกิริยาเชิงลบอย่างมากต่อโอเปร่า ในไม่ช้าโอเปร่าก็เริ่มมีการตัดตามอำเภอใจและในปี 1882 ก็ถูกลบออกจากละครอย่างสมบูรณ์

"บอริส โกดูนอฟ" เป็นละครเพลงพื้นบ้าน ซึ่งเป็นภาพที่มีหลากหลายแง่มุมของยุคสมัย โดดเด่นด้วยความกว้างของเชคสเปียร์และความแตกต่างอย่างกล้าหาญ ตัวละครถูกบรรยายด้วยความลึกเป็นพิเศษและความเข้าใจทางจิตวิทยา โศกนาฏกรรมแห่งความเหงาและหายนะของซาร์ถูกเปิดเผยด้วยพลังอันน่าทึ่ง จิตวิญญาณที่ดื้อรั้นและดื้อรั้นของชาวรัสเซียได้รับการรวบรวมอย่างสร้างสรรค์

อารัมภบทประกอบด้วยสองภาพ บทนำของวงออร์เคสตราสำหรับเพลงแรกแสดงถึงความเศร้าโศกและความสิ้นหวังอันน่าสลดใจ การขับร้อง "เธอทิ้งเราไปเพื่อใคร" คล้ายกับเสียงคร่ำครวญของชาวบ้าน การอุทธรณ์ของเสมียน Shchelkalov "ดั้งเดิม! โบยาร์อย่างไม่หยุดยั้ง!" อิ่มเอมกับความเคร่งขรึมอันสง่างามและความโศกเศร้าที่ยับยั้งไว้

ภาพที่สองของอารัมภบทเป็นฉากร้องประสานเสียงที่ยิ่งใหญ่ นำหน้าด้วยเสียงกริ่ง เคร่งขรึมสง่าแก่บอริส "เหมือนดวงอาทิตย์สีแดงบนท้องฟ้าแล้ว" มีพื้นฐานมาจากท่วงทำนองพื้นบ้านของแท้ ตรงกลางของภาพคือบทพูดคนเดียวของบอริสเรื่อง "Soul Sorrows" ในเพลงที่ความยิ่งใหญ่ของราชวงศ์ผสมผสานกับความหายนะอันน่าสลดใจ

ฉากแรกขององก์แรกเริ่มต้นด้วยการแนะนำวงออร์เคสตราสั้นๆ เสียงเพลงบ่งบอกถึงความซ้ำซากจำเจของปากกาของนักประวัติศาสตร์ในความเงียบของเซลล์ที่เงียบสงบ คำพูดที่สงบและนิ่งของ Pimen (บทพูดคนเดียว "อีกหนึ่งเรื่องสุดท้าย") แสดงถึงลักษณะที่เข้มงวดและสง่างามของชายชรา เรื่องราวของเขาเกี่ยวกับกษัตริย์แห่งมอสโกรู้สึกได้ถึงบุคลิกที่แข็งแกร่งและแข็งแกร่ง เกรกอรี่แสดงเป็นชายหนุ่มที่ไม่สมดุลและกระตือรือร้น

ภาพที่สองของฉากแรกมีฉากในประเทศที่ชุ่มฉ่ำ ในหมู่พวกเขามีเพลงของผู้หญิงโรงเตี๊ยม "I Caught a Grey Drake" และ "How it is in the city in Kazan" ของ Varlaam (บน คำพื้นบ้าน); หลังอิ่มตัวด้วยความแข็งแกร่งของธาตุและความกล้าหาญ

องก์ที่สองแสดงภาพรวมของบอริส โกดูนอฟอย่างกว้างๆ บทพูดคนเดียวที่ยิ่งใหญ่ "ฉันมาถึงแล้ว อำนาจสูงสุด"เต็มไปด้วยความรู้สึกเศร้าโศกที่กระสับกระส่าย ความขัดแย้งทางจิตใจของบอริสทวีความรุนแรงขึ้นในการสนทนากับสุ่ยสกี้ ซึ่งสุนทรพจน์ฟังดูเป็นนัยและเสแสร้ง และถึงขีดจำกัดในฉากสุดท้ายของภาพหลอน ("ฉากที่มีเสียงระฆัง")

ภาพแรกขององก์ที่สามเริ่มต้นด้วยคณะนักร้องประสานเสียงสาว "On the Azure Vistula" ที่สง่างาม บทเพลงของมาริน่า "ช่างอ่อนล้าและเฉื่อยชาเพียงใด" ซึ่งคงอยู่ในจังหวะของมาซูร์กา วาดภาพเหมือนของขุนนางผู้เย่อหยิ่ง

บทนำของวงดนตรีในฉากที่สองแสดงถึงภูมิทัศน์ยามเย็น ท่วงทำนองของคำสารภาพรักของผู้แสร้งทำเป็นโรแมนติก ฉากของ Pretender และ Marina สร้างขึ้นจากความแตกต่างที่คมชัดและอารมณ์แปรปรวนตามอำเภอใจ จบลงด้วยเพลงคู่ที่เต็มไปด้วยความหลงใหล "O Tsarevich ฉันขอร้อง"

ภาพแรกขององก์ที่สี่เป็นฉากพื้นบ้านที่น่าทึ่ง จากเสียงคร่ำครวญของเพลงของ Holy Fool "ดวงจันทร์กำลังขี่ลูกแมวกำลังร้องไห้" คณะนักร้องประสานเสียง "Bread!" เติบโตอย่างน่าอัศจรรย์ในแง่ของพลังแห่งโศกนาฏกรรม

ภาพที่สองขององก์ที่สี่จบลงด้วยฉากการตายของบอริสที่เฉียบคมทางจิตใจ บทพูดคนเดียวครั้งสุดท้ายของเขา "ลาก่อน ลูกชายของฉัน!" ทาสีในโทนสว่างที่น่าเศร้าและสงบ

ภาพที่สามขององก์ที่สี่เป็นฉากพื้นบ้านที่ยิ่งใหญ่โดดเด่นในด้านขอบเขตและอำนาจ คณะนักร้องประสานเสียงเปิด "ไม่บินข้ามฟากฟ้า" (เป็นท่วงทำนองพื้นบ้านที่แท้จริงของเพลงสรรเสริญ) ฟังดูเยาะเย้ยและข่มขู่ เพลงของ Varlaam และ Misail "ดวงอาทิตย์ดวงจันทร์จางหายไป" ขึ้นอยู่กับทำนอง มหากาพย์พื้นบ้าน. จุดสุดยอดของภาพคือคณะนักร้องประสานเสียงที่กบฏ "กระจัดกระจาย กระจ่าง" เต็มไปด้วยความรื่นเริงที่เป็นธรรมชาติและไม่ย่อท้อ ส่วนตรงกลางของคณะนักร้องประสานเสียง "โอ้คุณพลัง" เป็นเพลงเต้นรำรอบรัสเซียซึ่งพัฒนานำไปสู่คำอุทานที่น่ากลัวและโกรธ "Death to Boris!" โอเปร่าจบลงด้วยทางเข้าอันเคร่งขรึมของผู้อ้างสิทธิ์และการคร่ำครวญของ Holy Fool

โอเปร่า รุสลันและลุดมิลา

โอเปร่าในห้าองก์; บทโดยนักแต่งเพลงและ V. Shirkov ตามบทกวีชื่อเดียวกันโดย A. S. Pushkin
การผลิตครั้งแรก: ปีเตอร์สเบิร์ก 27 พฤศจิกายน 2385 การดำเนินการเกิดขึ้นใน Kyiv และดินแดนนางฟ้าในช่วง Kievan Rus.

“ ความคิดแรกเกี่ยวกับรุสลันและมิลามิลาได้รับจากเรา นักแสดงตลกชื่อดังชาคอฟสกี

นักแต่งเพลงเริ่มทำงานในโอเปร่าในปี พ.ศ. 2380 โดยยังไม่มีบท เนื่องจากการตายของพุชกินเขาจึงถูกบังคับให้หันไปหากวีและมือสมัครเล่นรุ่นเยาว์จากเพื่อนและคนรู้จัก ในหมู่พวกเขามี N. V. Kukolnik (1809-1868), V. F. Shirkov (1805-1856), N. A. Markevich (1804-1860) และอื่น ๆ

ข้อความของโอเปร่ารวมถึงบางส่วนของบทกวี แต่โดยทั่วไปแล้วมันถูกเขียนขึ้นใหม่ Glinka และบรรณารักษ์ของเขาได้ทำการเปลี่ยนแปลงหลายอย่างกับ นักแสดง. ตัวละครบางตัวหายไป (Rogdai) คนอื่น ๆ ปรากฏขึ้น (Gorislava); ได้ผ่านการเปลี่ยนแปลงบางอย่างและ เนื้อเรื่องบทกวี แนวคิดของโอเปร่านั้นแตกต่างอย่างมากจากแหล่งวรรณกรรม

บทกวีอายุน้อยที่ยอดเยี่ยมของพุชกิน (1820) ซึ่งสร้างจากธีมของมหากาพย์เทพนิยายรัสเซีย มีลักษณะของการประชดประชันเล็กน้อยและทัศนคติที่ขี้เล่นต่อตัวละคร Glinka เด็ดเดี่ยวปฏิเสธการตีความพล็อตดังกล่าว เขาสร้างผลงานที่มีขอบเขตอันยิ่งใหญ่ เต็มไปด้วยความคิดที่ยิ่งใหญ่ สรุปชีวิตในวงกว้าง

วีรกรรม ขุนนางแห่งความรู้สึก ความจงรักภักดีในความรักถูกร้องในโอเปร่า ความขี้ขลาดถูกเยาะเย้ย การหลอกลวง ความอาฆาตพยาบาท และความโหดร้ายถูกประณาม ผู้แต่งถ่ายทอดความคิดถึงชัยชนะของความสว่างเหนือความมืด ชัยชนะของชีวิตผ่านงานทั้งหมด

โอเปร่าเขียนโดย Glinka เป็นเวลาห้าปีโดยมีช่วงพักยาว: เสร็จสมบูรณ์ในปี 1842 รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นเมื่อวันที่ 27 พฤศจิกายน (9 ธันวาคม) ของปีเดียวกันที่โรงละครบอลชอยในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

Ruslan และ Lyudmila เป็นโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ ภาพอนุสาวรีย์ของ Kievan Rus บุคคลในตำนานของ Grand Duke Svetozar ฮีโร่ Ruslan ผู้ทำนาย นักร้องลูกทุ่งบาหยันพาผู้ฟังไปสัมผัสบรรยากาศในสมัยโบราณ ก่อเกิด แนวความคิดความสวยสง่า ชีวิตพื้นบ้าน. สถานที่สำคัญในโรงอุปรากรถูกครอบครองโดยภาพอันน่าอัศจรรย์ของอาณาจักรเชอร์โนมอร์ซึ่งเป็นปราสาทของไนนาซึ่งมีดนตรีประกอบ รสตะวันออก. ความขัดแย้งหลัก - การปะทะกันของพลังแห่งความดีและความชั่ว - สะท้อนให้เห็นในดนตรีของโอเปร่าเนื่องจากการต่อต้านการบรรเทาทุกข์ ลักษณะทางดนตรีนักแสดง ร้อง สารพัด, ฉากลูกทุ่งเต็มไปด้วยเพลง. อักขระเชิงลบหรือถูกลิดรอน ลักษณะเสียงร้อง(เชอร์โนมอร์) หรือร่างด้วยความช่วยเหลือของนักพูดท่อง (นัยน์ตา) โกดังมหากาพย์แห่งนี้เน้นย้ำด้วยฉากหมู่นักร้องประสานเสียงมากมายและการพัฒนาฉากแอ็กชันอย่างไม่เร่งรีบ เช่นเดียวกับการบรรยายแบบมหากาพย์

แนวคิดของงาน - ชัยชนะของพลังแห่งชีวิต - เปิดเผยแล้วในทาบทามซึ่งใช้เพลงปีติของตอนจบของโอเปร่า ในส่วนตรงกลางของทาบทามจะมีเสียงลึกลับและน่าอัศจรรย์เกิดขึ้น

ฉากแรกสร้างความประทับใจด้วยความกว้างและความยิ่งใหญ่ ศูนย์รวมดนตรี. พระราชบัญญัติเริ่มต้นด้วยการแนะนำที่มีชุดตัวเลข เพลง "Cases of Bygone Days" ของบายัน พร้อมด้วยพิณที่เลียนแบบพิณ ถูกคงอยู่ในจังหวะที่วัดได้ เต็มไปด้วยความสงบที่สง่างาม เพลงที่สองของ Bayan "มีดินแดนทะเลทราย" มีลักษณะเป็นโคลงสั้น ๆ บทนำจบลงด้วยคณะนักร้องประสานเสียงแสดงความยินดี "To the Light Prince และสุขภาพและสง่าราศี" cavatina ของ Lyudmila "ฉันเสียใจพ่อแม่ที่รัก" - ฉากที่พัฒนาแล้วพร้อมคณะนักร้องประสานเสียง - สะท้อนถึงอารมณ์ที่แตกต่างกันของเด็กผู้หญิงที่ขี้เล่นและสง่างาม แต่สามารถให้ความรู้สึกจริงใจได้มาก คณะนักร้องประสานเสียง "เลลลึกลับ มึนเมา" ปลุกจิตวิญญาณของเพลงนอกรีตโบราณ ฉากการลักพาตัวเริ่มต้นด้วยคอร์ดที่คมชัดของวงออเคสตรา ดนตรีมีรสชาติอันน่าพิศวงและมืดมนซึ่งถูกเก็บรักษาไว้ในศีล “What ช่วงเวลาที่ยอดเยี่ยม” ถ่ายทอดอาการมึนงงที่กลืนกินทุกคน การแสดงได้รับการสวมมงกุฎโดยกลุ่มนักร้องประสานเสียง "โอ้อัศวิน ค่อนข้างจะอยู่ในทุ่งโล่ง" เต็มไปด้วยความกล้าหาญ

องก์ที่สองประกอบด้วยสามฉาก เริ่มต้นด้วยบทนำไพเราะที่พรรณนาถึงภูมิประเทศทางเหนืออันลึกลับและรุนแรง ซึ่งถูกโอบล้อมด้วยความเงียบที่น่าจับตามอง

ในภาพแรก เพลงบัลลาดของฟินน์อยู่ตรงกลางเวที ดนตรีของเธอสร้างภาพลักษณ์อันสูงส่ง เต็มไปด้วยความเป็นมนุษย์ที่ลึกซึ้งและความงามทางศีลธรรม

ภาพที่สองตรงข้ามกับภาพแรก การปรากฏตัวของนัยน์ตาถูกร่างโดยจังหวะที่เต็มไปด้วยหนามของวลีออร์เคสตราสั้น ๆ เสียงต่ำของเครื่องดนตรีที่เย็นชา ภาพการ์ตูนที่มีจุดมุ่งหมายที่ดีของคนขี้ขลาดที่ร่าเริงถูกจับใน Rondo ของ Farlaf "ชั่วโมงแห่งชัยชนะของฉันใกล้เข้ามาแล้ว"

ตรงกลางของภาพที่สามคือเพลงบรรเลงอันไพเราะของรุสลัน การแนะนำอย่างช้าๆของเธอ "ทุ่งนา ทุ่งที่เกลื่อนคุณด้วยกระดูกที่ตายแล้ว" สื่อถึงอารมณ์ของการทำสมาธิที่ลึกซึ้งและเข้มข้น ส่วนที่สองในการเคลื่อนไหวที่กระฉับกระเฉงเต็มไปด้วยคุณสมบัติที่กล้าหาญ

องก์ที่สามมีความหลากหลายมากที่สุดในแง่ของสีสันและความงดงามของดนตรี คณะนักร้องประสานเสียง การเต้นรำ การแสดงเดี่ยว แต่งแต้มบรรยากาศปราสาทเวทมนตร์ของไนนา ท่วงทำนองที่ยืดหยุ่นของคณะนักร้องประสานเสียงชาวเปอร์เซีย "ความมืดในยามราตรีตกในทุ่ง" ฟังดูเย้ายวนเย้ายวน แฝงด้วยความอ่อนหวาน Cavatina Gorislava "Luxury Star of Love" เต็มไปด้วยความรู้สึกร้อนแรงและเร่าร้อน เพลงของ Ratmir "และความร้อนและความร้อนแทนที่คืนด้วยเงา" ถูกบันทึกไว้ด้วยรสชาติตะวันออกที่เด่นชัด: ท่วงทำนองแปลก ๆ ของส่วนที่ช้าและจังหวะที่ยืดหยุ่นเหมือนเพลงวอลทซ์ของเพลงเร็วที่แสดงถึงความเร่าร้อนของอัศวิน Khazar

องก์ที่สี่โดดเด่นด้วยการตกแต่งที่เขียวชอุ่มความสว่างของความแตกต่างที่ไม่คาดคิด เพลงของ Lyudmila“ โอ้คุณแบ่งปันแบ่งปัน” - ฉากคนเดียวที่มีรายละเอียด; ความเศร้าลึกกลายเป็นความมุ่งมั่น ความขุ่นเคือง และการประท้วง การเดินขบวนของเชอร์โนมอร์วาดภาพขบวนที่แปลกประหลาด ท่วงทำนองเชิงมุม, เสียงแหลมของท่อ, เสียงกระดิ่งสั่นไหวสร้างภาพลักษณ์ที่แปลกประหลาดของพ่อมดที่ชั่วร้าย การเดินขบวนตามมาด้วยการเต้นรำแบบตะวันออก: ตุรกี - ราบรื่นและอ่อนล้า อาหรับ - คล่องตัวและกล้าหาญ ชุดเต้นรำจบลงด้วย lezginka ที่ร้อนแรงและร้อนแรง

มีสองฉากในองก์ที่ห้า ในใจกลางของเรื่องแรกคือความรักของ Ratmir“ เธอคือชีวิตของฉันเธอคือความสุขของฉัน” ตื้นตันใจด้วยความสุขและความหลงใหล

ฉากที่สองเป็นตอนจบของโอเปร่า นักร้องประสานเสียงที่เคร่งขรึมและโศกเศร้า "โอ้คุณไลท์ - ลิวมิลา" อยู่ใกล้กับการคร่ำครวญของชาวบ้าน ท่าที่สอง "นกจะไม่ตื่นในตอนเช้า" เต็มไปด้วยความเศร้า ถูกขัดจังหวะด้วยคำพูดเศร้าของ Svetozar เสียงเพลงแห่งการตื่นขึ้นถูกพัดพาไปด้วยความสดชื่นยามเช้า บทกวีแห่งชีวิตที่เฟื่องฟู ท่วงทำนองที่เต็มไปด้วยชีวิตชีวาและความรู้สึกสั่นไหว ("Joy, clear Happiness") ร้องโดย Ruslan; Lyudmila เข้าร่วมกับเขาจากนั้นผู้เข้าร่วมที่เหลือและคณะนักร้องประสานเสียง คอรัสสุดท้าย (“Glory to the Great Gods”) ฟังดูร่าเริง สดใส และร่าเริง (เพลงทาบทาม)

โอเปร่าเจ้าชายอิกอร์

อุปรากรสี่องก์พร้อมอารัมภบท บทเพลงของนักแต่งเพลงในภาษารัสเซีย บทกวีมหากาพย์"เรื่องราวของแคมเปญ Igor" การผลิตครั้งแรก: เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, โรงละคร Mariinsky, 23 ตุลาคม 2433 กำกับโดย K. Kuchera

การกระทำเกิดขึ้น: ในอารัมภบทในองก์ที่หนึ่งและสี่ - ในเมือง Putivl ในองก์ที่สองและสาม - ในค่าย Polovtsian ในปี ค.ศ. 1185

ทุกอย่างน่าทึ่งในเจ้าชายอิกอร์ อย่างแรกเลย เพลงที่ยอดเยี่ยม ประการที่สองความจริงที่ว่าโอเปร่าแต่งโดยบุคคลที่ประกอบอาชีพไม่ใช่ดนตรี แต่เป็นวิชาเคมี (AP Borodin เป็นนักเคมีเชิงวิชาการ) ประการที่สาม ละครส่วนใหญ่แม้จะแต่งโดย Borodin แต่ก็ไม่ได้เขียนและเรียบเรียงโดยเขา โอเปร่าเสร็จสมบูรณ์โดยเพื่อนของนักแต่งเพลง N. A. Rimsky-Korsakov, A. K. Glazunov และ A. K. Lyadov

การทาบทามแม้ว่าจะแต่งโดย A.P. Borodin แต่ก็ไม่ได้เขียนลงบนกระดาษ มันถูกบันทึก เสร็จสิ้น และเรียบเรียงหลังจากการตายของเขาและจากความทรงจำของ A.K. Glazunov ผู้ซึ่งได้ยินมันหลายครั้งที่ผู้เขียนเล่นเปียโนเอง ประการที่สี่ นักประพันธ์เพลงเหล่านี้มักทำงานร่วมกันอย่างใกล้ชิดจนแทบเป็นไปไม่ได้เลยที่จะตัดสินว่ามือข้างหนึ่งเขียนอะไรในเจ้าชายอิกอร์ด้วยมือข้างหนึ่งและอีกข้างหนึ่งเขียนอะไร กล่าวอีกนัยหนึ่ง สไตล์ดนตรีอุปรากรแสดงถึงสิ่งที่เป็นส่วนประกอบทางศิลปะอย่างแท้จริง

ในเดือนเมษายน พ.ศ. 2412 V.V. Stasov ได้เสนออนุสาวรีย์ที่ยอดเยี่ยมให้กับ Borodin เป็นโครงเรื่องโอเปร่า วรรณคดีรัสเซียโบราณ"เรื่องราวของแคมเปญ Igor" (1185-1187) ตามที่ผู้แต่งเขาชอบพล็อตเรื่อง "อย่างมากตามความชอบของเขา" เพื่อที่จะได้ลึกลงไปในจิตวิญญาณของสมัยโบราณ Borodin ได้ไปเยี่ยมชมบริเวณใกล้เคียงของ Putivl (ใกล้ Kursk) ศึกษา แหล่งประวัติศาสตร์: พงศาวดารเรื่องเก่า ("Zadonshchina", " การสังหารหมู่ Mamaevo”) การศึกษาเกี่ยวกับ Polovtsy ดนตรีของลูกหลานมหากาพย์และเพลงมหากาพย์ นักแต่งเพลงได้รับความช่วยเหลืออย่างมากจาก V.V. Stasov นักเลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์รัสเซียและวรรณคดีโบราณ

ข้อความและเพลงของ "Igor" ถูกแต่งขึ้นพร้อมกัน โอเปร่าเขียนมา 18 ปีแล้ว แต่ยังสร้างไม่เสร็จ หลังจากการตายของ Borodin A. K. Glazunov ได้ฟื้นฟูการทาบทามจากความทรงจำและเติมเต็มตอนที่ขาดหายไปของโอเปร่าบนพื้นฐานของภาพร่างของผู้เขียนในขณะที่ N. A. Rimsky-Korsakov เป็นเครื่องมือส่วนใหญ่ รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้น ความสำเร็จที่ดี 23 ตุลาคม (4 พฤศจิกายน 2433 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบนเวทีของโรงละคร Mariinsky

"เจ้าชายอิกอร์" - โอเปร่าพื้นบ้านที่ยิ่งใหญ่ คลังสินค้ามหากาพย์ของ "อิกอร์" แสดงออกอย่างกล้าหาญ ภาพดนตรีในระดับของรูปแบบในยามว่างเช่นเดียวกับในมหากาพย์การดำเนินการ

ในทาบทามขนาดใหญ่ตามท่วงทำนองของโอเปร่าภาพของรัสเซียและ Polovtsy นั้นแตกต่างกัน ตอนกลางวาดภาพการต่อสู้ที่ดุเดือด

คอรัสอันทรงพลังของบทนำ "Glory to the Red Sun" (เป็นข้อความต้นฉบับจาก Lay) คล้ายกับท่วงทำนองที่เคร่งขรึมและเคร่งขรึมของเพลงมหากาพย์โบราณ คณะนักร้องประสานเสียงนี้ล้อมรอบด้วยภาพวงออร์เคสตราที่เป็นลางไม่ดีของคราสและฉากบรรยายซึ่งมีโบยาร์ที่หวาดกลัว Yaroslavna ที่ห่วงใยและรัก Galitsky ที่หยาบคายและ Igor ที่ยืนกรานอย่างกล้าหาญ

เพลงของภาพแรก (ฉากแรก) ที่มีบุคลิกที่บ้าระห่ำและวุ่นวาย แตกต่างอย่างมากกับอารมณ์ของบทนำ เพลง "If only I can wait for honor" ของ Galitsky คล้ายกับการร่ายรำอันวิจิตรตระการตา ในคณะนักร้องประสานเสียงของหญิงสาว "โอ้ ห้าวหาญ" ลักษณะเฉพาะของการคร่ำครวญของชาวบ้านที่คร่ำครวญนั้นได้รับการทำซ้ำอย่างละเอียด เพลงตลกหยาบของตัวตลก "What's with Prince and Volodymyr" ฟังดูมีความสำคัญเยาะเย้ย

ในภาพที่สอง ภาพของยาโรสลาฟน่าที่เป็นผู้หญิงที่มีเสน่ห์แต่มีความมุ่งมั่นอย่างแรงกล้าได้รับการเน้นย้ำด้วยความโล่งอก ใน arioso "เวลาผ่านไปแล้วตั้งแต่นั้นมา" ความปรารถนาและความวิตกกังวลของเธอแสดงออกมา ด้วยการควบคุมอย่างบริสุทธิ์ใจ เคร่งครัดในธรรมชาติ ดนตรีค่อยๆ กลายเป็นตัวละครที่ตื่นเต้นเร้าใจ นอกจากนี้ การกระทำดังกล่าวยังแสดงเป็นละคร โดยเข้าถึงความตึงเครียดที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในฉากของยาโรสลาฟนากับโบยาร์ คณะนักร้องประสานเสียงของโบยาร์ "จงกล้าหาญเถิด เจ้าหญิง" และ "เรา เจ้าหญิง ไม่ใช่ครั้งแรก" เต็มไปด้วยพลังที่ดุร้ายและน่าเกรงขาม

องก์ที่สองอุทิศให้กับภาพวาดของค่าย Polovtsia ใน Cavatina "Daylight Fades" ของ Konchakovna เราสามารถได้ยินความรักเรียกร้องความปรารถนาอันแรงกล้าและความสุขอันเย้ายวน กวีนิพนธ์แห่งความรักอ่อนเยาว์ มนต์เสน่ห์แห่งค่ำคืนอันหรูหราทางตอนใต้ของวลาดิมีร์ "ค่อยๆ เลือนหายไปในวันนั้น" Igor's aria "No sleep, no rest" - ภาพของตัวเอกหลายแง่มุม; ความคิดที่น่าเศร้าเกี่ยวกับชะตากรรมของมาตุภูมิและความกระหายในอิสรภาพและความรู้สึกรักต่อยาโรสลาฟล์ถูกรวบรวมไว้ที่นี่ Khan Konchak ดูเหมือนจะครอบงำ โหดร้าย และเอื้อเฟื้อในเพลงของเขา “เขาแข็งแรงดีไหม องค์ชาย?” การแสดงจบลงด้วยฉากการเต้นรำที่มีสีสันตระการตาพร้อมด้วยคณะนักร้องประสานเสียง ท่าเต้นที่นุ่มนวลของหญิงสาวสลับกับการแสดงที่ไร้การควบคุม พลังธาตุท่าเต้นของเด็กผู้ชายที่คล่องแคล่วว่องไว ทุกกลุ่มค่อย ๆ มีส่วนร่วมในการร่ายรำด้วยอารมณ์รุนแรง

ในองก์ที่สาม (การกระทำนี้มักจะถูกปล่อยออกมาในโปรดักชั่น) ความเข้มแข็งและความโหดร้ายมาถึงเบื้องหน้าในการพรรณนาของ Polovtsy

ในองก์ที่สี่ ดนตรีพัฒนาจากการไว้ทุกข์ไปสู่ความปีติยินดีสากล ได้ยินความโศกเศร้าที่ลึกซึ้งและหลีกเลี่ยงไม่ได้ใน arioso ของ Yaroslavna "โอ้ฉันร้องไห้" ใกล้กับการคร่ำครวญของชาวบ้าน ทำให้เกิดเสียงคร่ำครวญชาวบ้าน - นักร้องประสานเสียงของชาวบ้าน "โอ้ไม่ใช่เสียงลมหอน" ซึ่งฟังดูเหมือนเพลงรัสเซียแท้ คณะนักร้องประสานเสียงสุดท้ายที่รื่นเริงและเคร่งขรึม "เพื่อให้รู้พระเจ้าได้ยินคำอธิษฐาน"

ฌอง-ฟิลิปเป้ ราโม - นักแต่งเพลงยอดนิยมจากฝรั่งเศส มีชื่อเสียงด้านการทดลองดนตรีของเขา เขามีชื่อเสียงไปทั่วยุโรป ทำหน้าที่เป็นนักแต่งเพลงในราชสำนักของกษัตริย์ฝรั่งเศส เขาเข้าสู่ประวัติศาสตร์ของดนตรีโลกในฐานะนักทฤษฎีของกระแสบาร็อคผู้สร้างรูปแบบโอเปร่าใหม่ ของเขา ชีวประวัติโดยละเอียดเราจะบอกในบทความนี้

ชีวประวัติของผู้แต่ง

Jean-Philippe Rameau เกิดในปี 1683 เขาเกิดที่เมืองดิฌงของฝรั่งเศส

พ่อของเขาเป็นนักเล่นออร์แกน เด็กชายจึงรู้จักดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก เป็นผลให้เขาเรียนรู้บันทึกก่อนที่จะเรียนรู้ตัวอักษร Jean-Philippe Rameau ได้รับการศึกษาที่โรงเรียนเยซูอิต พ่อแม่ของเขาสนับสนุนความหลงใหลในดนตรีของเขาอย่างมาก ดังนั้น พออายุได้ 18 ปีก็ส่งเขาไปอิตาลีเพื่อปรับปรุง ดนตรีศึกษา. Jean-Philippe Rameau เรียนที่มิลาน

เมื่อกลับมายังบ้านเกิด เขาได้งานเป็นนักไวโอลินในวงออเคสตราในเมืองมงต์เปลลิเย่ร์ จากนั้นก็เดินตามรอยเท้าพ่อของเขา เริ่มทำงานเป็นนักเล่นออร์แกน เขาแสดงอย่างต่อเนื่องในลียง, ดิฌง พื้นเมืองของเขา, แกลร์มงต์-แฟร์รองด์

ในปี ค.ศ. 1722 Jean-Philippe Rameau ซึ่งมีชีวประวัติอยู่ในบทความนี้ได้ตั้งรกรากในปารีสในที่สุด เขาเริ่มแต่งเพลงให้กับโรงละครในเมืองหลวง เป็นที่น่าสังเกตว่าเขาไม่เพียงเขียนงานทางโลกเท่านั้น แต่ยังเขียนงานฝ่ายวิญญาณด้วย ในปี ค.ศ. 1745 เขาได้รับแต่งตั้งให้เป็นนักแต่งเพลงในราชสำนักของหลุยส์ที่ 15 ผู้ทรงเป็นที่รัก

ผลงานที่มีชื่อเสียงที่สุด

งานฆราวาสนำชื่อเสียงมาสู่ฮีโร่ของบทความของเรา Jean-Philippe Rameau สร้างฮาร์ปซิคอร์ดหลายชิ้นซึ่งในศตวรรษที่ 20 ได้รับความนิยมอย่างมากจนเริ่มเล่นและศึกษาในเด็ก โรงเรียนดนตรี. นอกจากนี้ ในงานของเขา ยังมีคอนแชร์โตถึงห้าชิ้นสำหรับไวโอลิน ฮาร์ปซิคอร์ด และวิโอลา ซึ่งเป็นผลงานที่โดดเด่นซึ่งโดดเด่นด้วยสไตล์ที่สดใสและน่าจดจำ

นักแต่งเพลงยังมีผลงานทางจิตวิญญาณ ประการแรก คำเหล่านี้เป็นโมเต็ตละตินสามตัว กล่าวคือ โพลีโฟนิก งานแกนนำซึ่งเป็นที่นิยมอย่างมากในยุคกลางใน ยุโรปตะวันตกยังไม่สูญเสียความเกี่ยวข้องในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในบรรดาละครยอดนิยมของ Rameau เราควรสังเกตผลงาน "Chicken", "Tambourine", "Hammers", "Dauphine", "Roll Call of Birds"

การทดลองทางดนตรี

ทุกวันนี้ Ramo เป็นที่รู้จักในฐานะนักทดลองดนตรีผู้กล้าหาญ โดยเฉพาะอย่างยิ่งบ่อยครั้งที่เขาทำการทดลองเมื่อเขียนชิ้นส่วนสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด Rameau ทดลองจังหวะ ความสามัคคี และเนื้อสัมผัส ผู้ร่วมสมัยเรียกห้องปฏิบัติการของเขาโดยตรงว่าห้องปฏิบัติการสร้างสรรค์

ตัวอย่างบทละคร "ไซคลอปส์" และ "อำมหิต" เป็นตัวบ่งชี้ ในนั้น Rameau สามารถบรรลุเสียงที่น่าทึ่งได้เนื่องจากการปรับใช้โหมดโทนเสียงที่ผิดปกติ มันช่างสร้างสรรค์และผิดปกติมากสำหรับ งานดนตรีเวลานั้น. ในละครเรื่อง "Enharmonic" Rameau เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกในโลกที่ใช้การมอดูเลตแบบฮาร์มอนิกนั่นคือเขาใช้เสียงคอร์ดช่วงเวลาและคีย์ที่มีความสูงใกล้เคียงกันซึ่งในขณะเดียวกันก็ยังคงสะกดต่างกัน

เครื่องดนตรีของ Jean-Philippe Rameau คือออร์แกน เขายังทดลองกับมันซ้ำแล้วซ้ำอีก เพื่อให้ได้เสียงใหม่ที่เป็นพื้นฐาน

โอเปร่ารูปแบบใหม่

Jean-Philippe Rameau สร้างรูปแบบโอเปร่าใหม่ นี่คือสิ่งที่เขาโด่งดังที่สุดในหมู่คนรุ่นเดียวกัน คุณสามารถประเมินได้จากโศกนาฏกรรมทางดนตรีที่โด่งดังที่สุดของผู้เขียน ตัวอย่างเช่น นี่คือฮิปโปไลและอาริเซีย

นี่เป็นโอเปร่าเรื่องแรกของเขา ซึ่งเป็นบทประพันธ์โดย Simon Joseph Pellegrin โอเปร่ามีพื้นฐานมาจากโศกนาฏกรรมที่มีชื่อเสียงของ Racine ชื่อ "Phaedra" ซึ่งเขียนขึ้นบนพื้นฐานของโศกนาฏกรรม "Hippolytus" โดย Euripides และ "Phaedra" โดย Seneca

น่าสนใจ โอเปร่านี้เป็นละครเดียวของราโมที่ไม่ได้รับความนิยมจากผู้ชม แต่มันก็จุดชนวนความขัดแย้งที่มีชีวิตชีวา ผู้ติดตามประเพณีโอเปร่าเชื่อว่ามันซับซ้อนเกินไปและประดิษฐ์ขึ้น ผู้สนับสนุนเพลงของ Rameau คัดค้านพวกเขาในทุกวิถีทาง

เป็นที่น่าสังเกตว่า Rameau เขียนโอเปร่าเรื่องแรกของเขาเมื่ออายุเกือบ 50 ปี ก่อนหน้านั้น เขาเป็นที่รู้จักในฐานะผู้ประพันธ์ผลงานเกี่ยวกับทฤษฎีดนตรีและคอลเลกชั่นเพลงสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด Rameau เองทำงานเป็นเวลาหลายปีเพื่อสร้างผลงานที่ยอดเยี่ยมที่คู่ควรกับ Royal Opera แต่ไม่สามารถหานักเขียนที่จะช่วยให้เขาตระหนักถึงแผนนี้ มีเพียงความคุ้นเคยกับเจ้าอาวาส Pellegrin ซึ่งในเวลานั้นเป็นที่รู้จักในฐานะผู้เขียนบทสำหรับโอเปร่า Jephthaia เท่านั้นที่ช่วยสถานการณ์ได้

Pellegrin ตกลงที่จะร่วมมือ แต่ตามข่าวลือ เรียกร้องตั๋วสัญญาใช้เงินจาก Rameau ในกรณีที่งานล้มเหลว นวัตกรรมหลักประการหนึ่งที่ผู้ประพันธ์เพลงใช้ในโอเปร่านี้คือความเชื่อมโยงที่เกิดขึ้นระหว่างบททาบทามและเนื้อหาของโอเปร่าเอง ดังนั้นเขาจึงสามารถแสดงให้เห็นถึงการเผชิญหน้าระหว่างตัวละครหลักของงาน - Hippolyta และ Phaedra

Rameau ยังคงทำงานของเขาในการสร้างรูปแบบโอเปร่าใหม่ในโอเปร่า Castor และ Pollux, โอเปร่าบัลเล่ต์ The Gallant Indias, ผลงาน Dardanus, Hebe's Celebrations หรือ Lyrical Gifts, Naida, Said, Zoroaster, "Boready", lyrical comedy "จาน". โอเปร่าส่วนใหญ่จัดแสดงครั้งแรกที่โรงอุปรากรปารีส

วันนี้ เจ็ด cantatas ได้รับความนิยมเป็นพิเศษซึ่งไม่เคยตีพิมพ์ในช่วงชีวิตของเขา บ่อยครั้งที่นักร้องประสานเสียงแสดง "เพลงสรรเสริญพระบารมี" จริงใน ครั้งล่าสุดเป็นที่ทราบกันดีว่านี่ไม่ใช่งานของ Rameau แต่เป็นการประมวลผลธีมจากโอเปร่า Hippolyte และ Aricia ในภายหลังโดย Noyon

บทความเกี่ยวกับทฤษฎีดนตรี

มีอยู่ครั้งหนึ่ง Rameau มีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีที่สำคัญขอบคุณชาวฝรั่งเศส เพลงคลาสสิคและโอเปร่าก้าวไปข้างหน้า ในปี ค.ศ. 1722 เขาได้ตีพิมพ์เรื่อง "Treatise on Harmony ที่ลดลงตามหลักการทางธรรมชาติ" ที่มีชื่อเสียง

เขายังสนุกและยังคงกระตุ้นความสนใจในหมู่ผู้เชี่ยวชาญในงานของเขาด้วยวิธีการคลอฮาร์ปซิคอร์ดและออร์แกน การวิจัยเกี่ยวกับต้นกำเนิดของความกลมกลืน การสาธิตพื้นฐานของมัน และการสังเกตความชอบของบุคคลในดนตรี

ในปี ค.ศ. 1760 บทความ "กฎของ ดนตรีเชิงปฏิบัติ".

การรับรู้ของนักแต่งเพลง

หลังจากที่นักแต่งเพลงเสียชีวิต เขาถูกลืมไปอย่างรวดเร็ว เนื่องจาก Rameau ถูกแทนที่โดยนักปฏิรูปที่เก่งกว่า คริสตอฟ กลัค ผู้สร้างโอเปร่าใหม่โดยพื้นฐาน เกือบทั้งศตวรรษที่ 19 งานของ Rameau ไม่ได้ถูกแสดง ดนตรีของเขาได้รับการศึกษาอย่างรอบคอบโดยผู้แต่งเท่านั้น ตัวอย่างเช่น Richard Wagner และ

เฉพาะตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เท่านั้นที่งานของ Rameau เริ่มกลับมาสู่เวที วันนี้เขาได้กลายเป็นอัจฉริยะที่ได้รับการยอมรับจากดนตรีฝรั่งเศสซึ่งเป็นหนึ่งในบุคคลที่มีอิทธิพลมากที่สุด กลางสิบแปดศตวรรษ.

หลุมอุกกาบาตบนดาวพุธยังได้รับการตั้งชื่อตามนักแต่งเพลง