พิพิธภัณฑ์ราดิชเชฟสกี ศิลปะและงานฝีมือ

ภาพสะท้อนจุดเปลี่ยนของยุคพระเจ้าปีเตอร์มหาราชในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ อิทธิพลทางศิลปะของยุโรปตะวันตก (ฮอลแลนด์ อังกฤษ ฝรั่งเศส อิตาลี) กระบวนการสร้างระบบชนชั้นและการเสริมสร้างวัฒนธรรมทางโลกและอิทธิพลที่มีต่อการพัฒนาศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ ธรรมชาติของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ที่มีหลายชั้น การพัฒนาทรงกลมแต่ละอันอย่างไม่สม่ำเสมอ การอนุรักษ์และพัฒนากระแสดั้งเดิม (วัฒนธรรมจังหวัดและพื้นบ้าน ศิลปะคริสตจักร)

การปรับปรุงเทคโนโลยีการผลิตหัตถกรรมและการผลิต การเกิดขึ้นของอุตสาหกรรมศิลปะ (การผลิตสิ่งทอ แก้วศิลปะ งานเผา การตัดหิน การผลิตผ้าไหมและผ้า) การผลิตสินค้าแฟชั่นและสินค้าฟุ่มเฟือย การค้นพบและพัฒนาการสะสมของทองแดง ดีบุก เงิน หินสี ดินเหนียวคุณภาพสูง

บทบาทของ Academy of Sciences ใน "ความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะเสรีและโรงงาน" ซึ่งสะท้อนถึงวิทยาศาสตร์ธรรมชาติใหม่และความสนใจทางเทคนิคในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ การศึกษาและการฝึกอบรมรูปแบบใหม่ของช่างฝีมือในโรงงานศิลปะ การปิดโรงงานคลังอาวุธ ผู้รับบำนาญและบทบาทในการพัฒนาศิลปะการตกแต่งและประยุกต์บางประเภท การเกิดขึ้นขององค์กรสมาคมช่างฝีมือในรัสเซีย ผลงานของปรมาจารย์ชาวต่างประเทศในสาขามัณฑนศิลป์และประยุกต์ด้านต่างๆ

รูปแบบศิลปะในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ แฟชั่น ผลกระทบต่อรสนิยมที่เปลี่ยนไป สภาพแวดล้อมของวิชาที่เปลี่ยนไป การเกิดขึ้นของวัตถุประเภทใหม่ การฟื้นฟูแนวคิดสุนทรียภาพในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ แนวโน้มการสังเคราะห์ศิลปะ บทบาทของสถาปัตยกรรม ศิลปะที่ยิ่งใหญ่ กราฟิก และสิ่งพิมพ์ที่มีภาพประกอบในการพัฒนาศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ แนวโน้มการตกแต่งของวัฒนธรรมบาโรกในการออกแบบเทศกาล ประตูชัย และศิลปะการจัดสวน

ศิลปะการออกแบบตกแต่งภายในเป็นกิจกรรมศิลปะประเภทพิเศษในงานของสถาปนิกในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18 งานตกแต่งภายในชิ้นแรกและแนวโน้มโวหารหลัก (บาร็อค, โรโคโค, คลาสสิค) สถานที่ประเภทใหม่ (สำนักงาน ห้องนอนของรัฐ ห้องนั่งเล่น "ห้องเปลี่ยนเสื้อผ้า" "ห้องโถงภาพ") และเนื้อหาสาระ (พระราชวังฤดูร้อน, พระราชวัง A.D. Menshikov, พระราชวัง Great Peterhof, Monplaisir) ผลงานของปรมาจารย์ชาวฝรั่งเศส “ Chinoiserie” ในการตกแต่งภายในของยุคปีเตอร์มหาราช

โซลูชันทั้งมวลของสภาพแวดล้อมของหัวเรื่อง การเกิดขึ้นของกิจกรรมโครงการในด้านวัฒนธรรมวัสดุและมัณฑนศิลป์และประยุกต์

การพัฒนาธุรกิจเฟอร์นิเจอร์ ประเภทและรูปแบบใหม่ของเฟอร์นิเจอร์ วัสดุ และวิธีการตกแต่ง อิทธิพลของเฟอร์นิเจอร์อังกฤษและดัตช์ บาร็อคและโรโคโคในเฟอร์นิเจอร์

ไม้แกะสลัก บทบาทในการตกแต่งภายใน ภาพสลักนูนต่ำนูนสูง Iconostasis ของมหาวิหารปีเตอร์และพอล การแกะสลักเรือและการทำรถม้า

ช่างเงิน. การอนุรักษ์ประเพณีของศตวรรษที่ 17 การสร้างเวิร์คช็อปสำหรับช่างทองและช่างเงิน เครื่องประดับศิลปะ ภาพเหมือนขนาดเล็กบนเคลือบฟัน สั่งซื้อตราสัญลักษณ์และบุคคลที่ "ได้รับ" ปรมาจารย์การวาดภาพจิ๋วคนแรกคือ Grigory Musikiysky และ Andrey Ovsov

เครื่องปั้นดินเผาและเครื่องเผาจากสมัยพระเจ้าปีเตอร์มหาราช กระเบื้องดัตช์ในการตกแต่งภายใน ขยายการนำเข้าเครื่องปั้นดินเผาจากอังกฤษและฮอลแลนด์ โรงงานส่วนตัวแห่งแรกของ A. Grebenshchikov ในมอสโกการเกิดขึ้นของเครื่องปั้นดินเผาชั้นดีในประเทศ

เพิ่มปริมาณการใช้แก้ว โดยก่อตั้งโรงงานแก้วใน Yamburg และ Zhabino ใกล้เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก กระจกและอุปกรณ์แสงสว่าง การก่อตัวของสไตล์อาหารในวังพร้อมการแกะสลักด้าน โรงงานแก้วและคริสตัลส่วนตัวแห่งแรกของ Maltsov ในเขต Mozhaisk

การแกะสลักหินและการเจียระไนอัญมณี ก่อตั้งโรงงานตัดเฉือนแห่งแรกใน Peterhof และ Yekaterinburg การแกะสลักกระดูก เทคนิคการแกะสลักเบื้องต้น อุปกรณ์โวหาร ประเพณีของโคลมอกอรี ลักษณะของเครื่องกลึง การเปลี่ยนแปลงรูปร่างของผลิตภัณฑ์ Petrovskaya Turning และ A. Nartov อิทธิพลของการแกะสลักและหนังสือภาพประกอบต่อการแกะสลักกระดูก ก่อตั้งโรงงาน Tula Arms การพัฒนาศิลปะการแปรรูปเหล็กในผลิตภัณฑ์ตกแต่ง

ประเภทของเครื่องแต่งกาย เปลี่ยนชุดยุคกลางเป็นชุดสูทสไตล์ยุโรป การจัดตั้งกฎเกณฑ์ในการสวมใส่ของปีเตอร์และประเภทของการแต่งกายอันสูงส่ง การแนะนำการแต่งกายและเครื่องแบบตามกฎหมายสำหรับกองทัพบกและกองทัพเรือสำหรับเจ้าหน้าที่ การเกิดขึ้นของโรงงานใหม่ที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงเครื่องแต่งกาย แทนที่ผ้าตะวันออกด้วยผ้ายุโรปตะวันตก ตัวอย่างชุดสูทผู้ชายจากตู้เสื้อผ้าของ Peter I.

รากฐานของโรงงานเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Trellis การฝึกอบรมปรมาจารย์ชาวรัสเซีย

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์แห่งยุคของ Anna Ioannovna ศิลป์เงิน. ก่อตั้งโรงงานแก้วของรัฐที่ Fontanka ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก กิจกรรมของโรงงานโครงสร้างบังตาที่เป็นช่อง รูปแบบของโครงสร้างบังตาที่เป็นช่องและใช้ในการตกแต่งภายใน L. Caravaque และโครงการของเขาในสาขามัณฑนศิลป์

การฟื้นฟูวัฒนธรรมทางศิลปะในรัชสมัยของเอลิซาเบธ เปตรอฟนา การครอบงำของอิทธิพลของฝรั่งเศส บาโรกและโรโคโคในศิลปะรัสเซีย โรโคโคในการออกแบบตกแต่งภายใน เครื่องแต่งกาย เครื่องประดับ ศิลปะภูมิทัศน์ การสังเคราะห์สถาปัตยกรรมและมัณฑนศิลป์ในการตกแต่งภายในแบบบาโรกและโรโกโก ทำงานโดย V.V. Rastrelli และ A. Rinaldi ในด้านการออกแบบตกแต่งภายใน วัสดุตกแต่งและเทคนิคการตกแต่งภายใน ประเภทของเฟอร์นิเจอร์สไตล์บาร็อคและโรโคโค ผ้าในการตกแต่งภายใน แสงสว่าง. การรวมตัวในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ประเภทต่างๆ ของกลางและครึ่งหลังของศตวรรษ

ช่างเงิน. การอนุมัติสไตล์บาโรก งานอนุสาวรีย์และงานตกแต่ง บริการพิธีการขนาดใหญ่ การเปลี่ยนรูปทรงของสิ่งของ, อาหารประเภทใหม่สำหรับผลิตภัณฑ์ใหม่ เครื่องประดับศิลปะ กิจกรรมของช่างฝีมือศาล สไตล์โรโคโคในเครื่องประดับ ประเภทของเครื่องประดับสตรี หินสีในเครื่องประดับ

ชุดสูท รูปภาพ ประเภทการตัดเย็บ วัสดุ อุปกรณ์ตกแต่ง ลักษณะการตกแต่ง อิทธิพลของแฟชั่นฝรั่งเศส บาร็อคและโรโคโคในชุดสตรีและบุรุษ

การประดิษฐ์เครื่องลายครามในประเทศ รากฐานของโรงงานเครื่องลายครามในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก กิจกรรมของ D.I. Vinogradov และช่วงเวลา "Vinogradov" ของการพัฒนาเครื่องลายครามรัสเซีย บริการวังแรก แจกัน สิ่งของพลาสติกขนาดเล็ก การสร้างโรงงานเผาไฟของรัฐในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

แก้วอลิซาเบธแกะสลัก กิจกรรมของโรงงานแก้วแห่งรัฐเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและโรงงานริมแม่น้ำ นาเซียร์. บาร็อคและโรโคโคในงานศิลปะแก้ว กระจกในการตกแต่งภายในพระราชวังโดย V.V. Rastrelli โรงงานส่วนตัวของ Nemchinovs และ Maltsovs การทดลองของ M.V. Lomonosov ในด้านกระจกสีซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของการผลิตที่โรงงาน Ust-Ruditsk

การแกะสลักกระดูก สไตล์โรโกโก ผลงานของช่างแกะสลัก Osip Dudin

ศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

ความคลาสสิกในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ ค.ศ. 1760–1790 การผสมผสานระหว่างสไตล์โรโคโคกับลวดลายโบราณ บทบาทของสถาปนิกในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์แห่งยุคคลาสสิก การฝึกอบรมผู้เชี่ยวชาญด้านมัณฑนศิลป์และประยุกต์ที่ Academy of Arts

ภายในของความคลาสสิคในยุคแรก วัสดุและรูปทรง สี การตกแต่งงานประติมากรรม การลดต้นทุนการตกแต่ง งานตกแต่งภายในโดย Charles Cameron เทคนิคการตกแต่งที่หลากหลาย วัสดุใหม่ ภาพลักษณ์ของสถานที่และชุดประกอบ การตกแต่งภายในโดย V. Brenna

เฟอร์นิเจอร์คลาสสิก ลักษณะ รูปทรง อิทธิพล ต้นแบบโบราณ เฟอร์นิเจอร์ประเภทใหม่ การมีส่วนร่วมของสถาปนิกในการพัฒนาศิลปะเฟอร์นิเจอร์ในรัสเซีย (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin) เฟอร์นิเจอร์โดย D. Roentgen ในรัสเซีย เวิร์คช็อปของ G. Gambs และ I. Ott สไตล์จาค็อบในเฟอร์นิเจอร์รัสเซีย การเปลี่ยนวัสดุในงานศิลปะเฟอร์นิเจอร์ (ไม้มะฮอกกานี ไม้ปิดทอง ป็อปลาร์ คาเรเลียนเบิร์ช) ผ้าและการปักในเฟอร์นิเจอร์

เวิร์คช็อปของ Spol ในมอสโก การตกแต่งแกะสลักในการตกแต่งภายในของ M. Kazakov เฟอร์นิเจอร์แกะสลักของพระราชวัง Ostankino ความเจริญรุ่งเรืองของเทคนิคการเรียงพิมพ์ในเฟอร์นิเจอร์รัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษวิธีการดำเนินการและวัสดุ การผลิตเฟอร์นิเจอร์ที่ Okhta ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Papier-mâchéเป็นวัสดุสำหรับเฟอร์นิเจอร์และงานศิลปะการตกแต่ง

บรอนซ์ศิลปะรัสเซียและฝรั่งเศส ประเภทผลิตภัณฑ์หลักและเทคนิคการตกแต่ง สีบรอนซ์และแก้วในโคมไฟ สีบรอนซ์ในการตกแต่งแจกันหินและเครื่องลายครามและเฟอร์นิเจอร์ กิจกรรมโรงหล่อบ้าน ช่างทำทองสัมฤทธิ์จากต่างประเทศในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (P. Azhi, I. Tsekh ฯลฯ )

ชุดแต่งกาย. การเปลี่ยนแปลงประเภทและเงาของเสื้อผ้าในช่วงทศวรรษปี 1770-1780 เปิดตัวชุดเครื่องแบบอันทรงเกียรติ การแต่งกายในราชสำนัก การใช้รูปประจำชาติอันเก๋ไก๋ "สไตล์กรีก" ของปี 1790 ในเครื่องแต่งกายและทรงผม การเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในการออกแบบชุดสูท แฟชั่นสำหรับผ้าคลุมไหล่ ผ้าพันคอ เสื้อคลุม ผ้าคลุมไหล่ ผ้าคลุมไหล่

เครื่องประดับศิลปะ กิจกรรมของ I. Pozier, Dubulon, J. Adora, I.G. Sharf, I.V. Bukh, พี่น้อง Duval มงกุฎจักรพรรดิขนาดใหญ่ เวิร์คช็อปเพชรศาล ศิลป์เงิน. อิทธิพลของเงินสไตล์ฝรั่งเศส Louis XVI ศิลปะถมบนเงิน บทบาทที่เพิ่มขึ้นของศูนย์เครื่องประดับภาคเหนือ - Vologda, Veliky Ustyug โรงงานผลิตภัณฑ์สีดำและเคลือบฟันของพี่น้อง Popov ใน Veliky Ustyug เคลือบด้วยสีเงิน

เครื่องเคลือบ เทคนิคการผลิตและการตกแต่ง โรงงานเครื่องเคลือบอิมพีเรียล ความคลาสสิคในยุคแรกในรูปแบบและการตกแต่งผลิตภัณฑ์ อิทธิพลของเครื่องลายครามและเครื่องปั้นดินเผาของยุโรป กิจกรรมของ เจ.-ดี. ราเชตต้า. การติดต่อของ IPE กับ Academy of Arts แจกันตกแต่งและบริการพระราชวังภายในยุคคลาสสิก พิธีการขนาดใหญ่ องค์ประกอบ ลักษณะการออกแบบ ค้นหารูปแบบที่เหมาะสมของวัตถุและวิธีการตกแต่งผลิตภัณฑ์ ประติมากรรมเครื่องเคลือบดินเผา (ชุดตัวเลข "ประชาชนแห่งรัสเซีย", "พ่อค้าและพ่อค้าหาบเร่") ประเภทการวาดภาพและการแกะสลักในประติมากรรมเครื่องเคลือบดินเผาและจิตรกรรมเครื่องเคลือบดินเผา ผลิตภัณฑ์บิสกิต เครื่องเคลือบ "Pavlovsk" จากปลายทศวรรษ 1790

โรงงานของ F. Gardner ใน Verbilki สั่งซื้อบริการ

แก้วอาร์ต. โรงงานของ G. Potemkin ใน Ozerki กระจกสีและคริสตัล กระจกภายในของ Charles Cameron โรงงานแก้วอิมพีเรียลในปี ค.ศ. 1790 การเชื่อมโยงระหว่างผลิตภัณฑ์ของเครื่องเคลือบของจักรวรรดิและโรงงานแก้ว โรงงาน Bakhmetev ในจังหวัด Penza ความเจริญรุ่งเรืองของการวาดภาพด้วยกระจกในช่วงทศวรรษที่ 1780-90 ลวดลายแบบกอธิคในแก้วศิลปะ

กิจกรรมของโรงงานโครงสร้างบังตาที่เป็นช่อง ความเชื่อมโยงระหว่างพรมและทิศทางทั่วไปในการวาดภาพรัสเซีย (ธีมประวัติศาสตร์, ชาดก, ภาพเหมือนในพรม) การเปลี่ยนผ่านจาก Rococo ไปสู่ ​​Classicism โครงสร้างบังตาที่เป็นช่องในการออกแบบตกแต่งภายใน

งานแกะสลักหิน. บทบาทของชาร์ลส์ คาเมรอนในการพัฒนาวัฒนธรรมหินสีและการใช้ในการตกแต่งภายใน เทคนิคใหม่ในการใช้หิน “โมเสกรัสเซีย” กิจกรรมของโรงงานเจียระไน Peterhof การค้นพบหินสีใหม่ในเทือกเขาอูราลและอัลไต โรงงาน Ekaterinburg และโรงงาน Kolyvan การประดิษฐ์เครื่องจักรสำหรับแปรรูปหิน แจกันตามภาพวาดของ A. Voronikhin และ D. Quarenghi

ความมั่งคั่งของเหล็ก Tula (เฟอร์นิเจอร์และของตกแต่ง) โรงงานขุนนางและพ่อค้า โรงงานเครื่องเขินจิ๋ว P.I. โคโรโบวา. การเกิดขึ้นของงานฝีมือในโรงงานศิลปะ การพัฒนาศิลปหัตถกรรมในช่วงครึ่งหลังของคริสต์ศตวรรษที่ 18 ได้แก่ จิตรกรรมโคโคลมา การทอผ้าลูกไม้ การทอลวดลาย การทอพรม การทอโลหะ เป็นต้น

การพัฒนาศิลปะการตกแต่งและประยุกต์มีส่วนช่วยในการปรับปรุงเทคโนโลยีการผลิตหัตถกรรมและการผลิต การเกิดขึ้นของอุตสาหกรรมศิลปะ (การผลิตสิ่งทอ แก้วศิลปะ งานเผา การตัดหิน การผลิตผ้าไหมและผ้า) การผลิตสินค้าแฟชั่น สินค้าฟุ่มเฟือย การค้นพบและ การพัฒนาแหล่งสะสมของทองแดง ดีบุก เงิน หินสี ดินเหนียวคุณภาพสูง

บทบาทของ Academy of Sciences ใน "ความเจริญรุ่งเรืองของศิลปะเสรีและโรงงาน" ซึ่งสะท้อนถึงวิทยาศาสตร์ธรรมชาติใหม่และความสนใจทางเทคนิคในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์มีความสำคัญ ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 การศึกษาและการฝึกอบรมช่างฝีมือรูปแบบใหม่ปรากฏในโรงงานทางศิลปะ องค์กรสมาคมช่างฝีมือกำลังเกิดขึ้นในรัสเซียซึ่งไม่ได้ปฏิเสธการใช้ช่างฝีมือชาวต่างชาติอย่างแพร่หลายในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ในสาขาต่างๆ

ในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ (ของตกแต่งภายใน เฟอร์นิเจอร์ การตกแต่ง) แฟชั่นเป็นตัวกำหนดสไตล์อย่างแข็งขัน เป็นผลให้มีวัตถุประเภทใหม่ปรากฏขึ้นและแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์ในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ได้รับการปรับปรุง ในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 มีแนวโน้มที่จะสังเคราะห์ศิลปะ โดยที่สถาปัตยกรรม ประติมากรรม จิตรกรรม และงานฝีมือประยุกต์ถูกหลอมรวมกันเป็นชุดตกแต่ง

เป็นผลให้ศิลปะการออกแบบตกแต่งภายในกลายเป็นกิจกรรมศิลปะประเภทพิเศษในงานของสถาปนิกแห่งศตวรรษที่ 18 กิจกรรมทางศิลปะประเภทนี้เป็นตัวกำหนดการเกิดขึ้นของสถานที่ประเภทใหม่ (สำนักงาน ห้องด้านหน้า ห้องนอน ห้องนั่งเล่น "ห้องโถงภาพ") และเนื้อหาสาระ (พระราชวังฤดูร้อน, พระราชวัง A.D. Menshikov, พระราชวัง Great Peterhof, Monplaisir)

ทั้งหมดนี้มีส่วนช่วยในการพัฒนาการทำเฟอร์นิเจอร์มีเฟอร์นิเจอร์ประเภทและรูปแบบใหม่วัสดุและวิธีการตกแต่งปรากฏขึ้น เฟอร์นิเจอร์สไตล์อังกฤษและดัตช์มีอิทธิพลอย่างมากที่นี่ ภายใต้อิทธิพลของยุโรปแม้แต่เฟอร์นิเจอร์สไตล์บาร็อคและโรโคโคก็กำลังพัฒนาในรัสเซีย

เฟอร์นิเจอร์คลาสสิกมีลักษณะและรูปร่างที่มีลักษณะเฉพาะ ส่วนใหญ่แล้วลวดลายโบราณสามารถสืบย้อนได้จากรูปทรงและการตกแต่งเฟอร์นิเจอร์ ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 สถาปนิกมีส่วนร่วมในการพัฒนาเฟอร์นิเจอร์ประเภทใหม่ ศิลปะเฟอร์นิเจอร์ และเฟอร์นิเจอร์ของดีไซเนอร์ที่ปรากฏในรัสเซีย (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เวิร์กช็อปเฟอร์นิเจอร์แห่งแรกปรากฏขึ้น (เวิร์กช็อปของ G. Gambs และ I. Ott) ศิลปะเฟอร์นิเจอร์ในยุคนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยสไตล์จาค็อบ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 วัสดุในงานศิลปะเฟอร์นิเจอร์เปลี่ยนไป: ไม้มะฮอกกานี, ไม้ปิดทอง, ป็อปลาร์, เบิร์ชคาเรเลียนปรากฏที่นี่; ผ้าและการปักถูกนำมาใช้มากขึ้นในการทำเฟอร์นิเจอร์

เครื่องเคลือบและเครื่องเผาเป็นสถานที่พิเศษในศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ สาเหตุนี้เกิดขึ้นในระยะแรกเนื่องจากการนำเข้าเครื่องปั้นดินเผาจากอังกฤษและฮอลแลนด์เพิ่มมากขึ้น อย่างไรก็ตามในไม่ช้าโรงงานเอกชนแห่งแรกของ A. Grebenshchikov ก็ปรากฏตัวขึ้นในมอสโกซึ่งทำให้เกิดงานเผาอันวิจิตรงดงามของรัสเซีย ต่อมาได้เกิดรูปแบบของอาหารในพระราชพิธีที่มีการแกะสลักด้าน และแฟชั่นสำหรับคริสตัลเป็นของตกแต่งภายในแพร่กระจาย นี่ถือเป็นการเปิดโรงงานแก้วและคริสตัลส่วนตัวแห่งแรกของ Maltsov ในย่าน Mozhaisk

ในศตวรรษที่ 18 เนื่องจากความนิยมที่เพิ่มขึ้นของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์และการตกแต่งห้อง ปริมาณการใช้กระจกจึงเพิ่มขึ้นอย่างมาก ซึ่งใช้ในการสร้างกระจกและอุปกรณ์ติดตั้งไฟที่หลากหลาย

ประติมากรรมและภาพวาดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาจิตรกรรมในศตวรรษที่ 18 การสร้าง วลาดิมีร์ ลูคิช โบโรวิคอฟสกี้ แม้ว่าศิลปินจะไม่ได้ระบุอย่างเป็นทางการว่าเป็นนักเรียนของ Academy แต่เขาก็ใช้คำแนะนำของอาจารย์และเหนือสิ่งอื่นใดคือ Levitsky อย่างไม่ต้องสงสัย พรสวรรค์ตามธรรมชาติและความดื้อรั้นของศิลปินรุ่นเยาว์ทำให้ Borovikovsky กลายเป็นหนึ่งในปรมาจารย์คนแรกของปลายศตวรรษที่ 18 ในไม่ช้า เขาสร้างชุดภาพบุคคลที่ยอดเยี่ยมของคนรุ่นเดียวกันรวมถึง G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova และคนอื่น ๆ อีกมากมาย ความสนใจอย่างต่อเนื่องในประสบการณ์ทางอารมณ์ของบุคคลเน้นบทกวีและการไตร่ตรองซึ่งปกคลุมไปด้วยความรู้สึกอ่อนไหวซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของยุคนั้นเป็นลักษณะของผลงานส่วนใหญ่ของ Borovikovsky ศิลปินไม่เคยเดินตามเส้นทางของการแสดงลักษณะภายนอกและผิวเผินของภาพ โดยพยายามอย่างต่อเนื่องที่จะถ่ายทอดการเคลื่อนไหวทางจิตวิญญาณที่ละเอียดอ่อนที่สุดของบุคคลที่วาดภาพ

ภาพบุคคลในห้องมีอิทธิพลเหนืองานของเขา Borovikovsky มุ่งมั่นที่จะยืนยันคุณค่าในตนเองและความบริสุทธิ์ทางศีลธรรมของบุคคล (ภาพเหมือนของ "Lizynka และ Dashinka", ภาพเหมือนของ E.N. Arsenyeva ฯลฯ ) ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 โบโรวิคอฟสกี้ถูกดึงดูดด้วยบุคลิกที่แข็งแกร่งและมีพลัง เขามุ่งเน้นไปที่ความเป็นพลเมือง ความสูงส่ง และศักดิ์ศรีของบุคคลเหล่านั้นที่แสดงให้เห็น การปรากฏตัวของแบบจำลองของเขาถูกควบคุมมากขึ้นพื้นหลังแนวนอนจะถูกแทนที่ด้วยรูปภาพภายใน (ภาพเหมือนของ A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka ฯลฯ )

Borovikovsky ยังเป็นปรมาจารย์ด้านภาพบุคคลขนาดจิ๋วที่ได้รับการยอมรับอีกด้วย คอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์รัสเซียประกอบด้วยผลงานที่เป็นของพู่กันของเขา - ภาพเหมือนของ A.A. Menelas, V.V. Kapnist, N.I. Lvova และคนอื่น ๆ ศิลปินมักใช้ดีบุกเป็นพื้นฐานในการย่อส่วนของเขา

การวาดภาพเหมือนของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 มาถึงจุดสูงสุดที่แท้จริงในด้านความคิดสร้างสรรค์ ดี.จี.เลวิทสกี้ . ในผลงานยุคแรก ๆ ของเขา - ภาพเหมือนของสถาปนิก A. Kokorinov - Levitsky แสดงให้เห็นความสามารถที่โดดเด่นในฐานะจิตรกร ภาพเหมือนของนักปรัชญาวัตถุนิยมชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ D. Diderot ซึ่งวาดโดย Levitsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1773 และชุดภาพเหมือนของนักเรียนหญิงของสถาบัน Smolny ที่สร้างโดยศิลปินมีความโดดเด่นด้วยคุณธรรมทางศิลปะระดับสูง ภาพของเด็กผู้หญิงเหล่านี้มีความจริงใจและอบอุ่นและถ่ายทอดความเป็นเอกลักษณ์ของพวกเธอแต่ละคนได้อย่างเชี่ยวชาญ

การถ่ายภาพบุคคลในปีต่อๆ มา - Lvova พ่อของศิลปิน Bakunins, Anna Davia และผลงานชิ้นเอกอื่น ๆ ของ Levitsky - เป็นหลักฐานที่ชัดเจนถึงความสามารถอันยอดเยี่ยมของเขา

Levitsky ได้สร้างแกลเลอรีภาพวาดบุคคลของคนร่วมสมัยของเขาที่กว้างขวาง โดยจับภาพที่มีชีวิตของผู้คนในยุคนั้นได้อย่างกว้างและครบถ้วนไม่เหมือนใคร งานศิลปะของ Levitsky เติมเต็มประวัติศาสตร์การพัฒนาภาพวาดบุคคลของรัสเซียในศตวรรษที่ 18 อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่างานของเขามีข้อ จำกัด ที่กำหนดตามประวัติศาสตร์: เช่นเดียวกับศิลปินที่โดดเด่นคนอื่น ๆ ในยุคของเขา Levitsky ไม่สามารถสะท้อนความขัดแย้งทางสังคมของความเป็นจริงได้ ผู้คนที่ศิลปินบรรยายภาพนั้นมักจะโพสท่าบ้างตามแนวคิดเชิงสุนทรีย์ที่แพร่หลาย ดูเหมือนว่าพวกเขาพยายามแสดงตนต่อผู้ชมในแสงที่ "น่าพึงพอใจที่สุด" อย่างไรก็ตามในผลงานหลายชิ้นของเขา ศิลปินได้รับความเรียบง่ายและความมีชีวิตชีวาอย่างน่าทึ่ง

มรดกของ Levitsky นั้นยิ่งใหญ่และยังคงปลุกเร้าความรู้สึกพึงพอใจทางสุนทรีย์ให้กับผู้ชมในทันที ความสมบูรณ์แบบระดับมืออาชีพของผลงานของเขาและการปฐมนิเทศที่สมจริงทำให้ศิลปินเป็นหนึ่งในสถานที่ที่มีเกียรติที่สุดในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซีย

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ D. G. Levitsky มีดังต่อไปนี้: "ภาพเหมือนของ E. A. Vorontsova", "ภาพเหมือนของสถาปนิก A. F. Kokorinov", "ภาพเหมือนของ N. A. Lvov", "ภาพเหมือนของ M. A. Dyakova", "ภาพเหมือน Ursula Mniszech", "ภาพเหมือน ของลูกสาวของ Agasha ในชุดรัสเซีย” ฯลฯ

ในด้านการวาดภาพบุคคล ศิลปินชาวรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ก็กล่าวถึงคำศัพท์ใหม่ของพวกเขาเช่นกัน ความคมชัดของลักษณะทางจิตวิทยาที่ทำเครื่องหมายภาพบุคคลจำนวนมากในเวลานี้เป็นสิ่งที่น่าทึ่ง - พู่กันของปรมาจารย์ชาวรัสเซียที่เก่งที่สุดมีความสนใจมากขึ้นในการพรรณนาภาพของบุคคลตามความเป็นจริง เป็นสิ่งสำคัญที่ในเวลานี้การถ่ายภาพบุคคลไม่เพียงถูกสร้างขึ้นจากขุนนางและ "อำนาจของโลกนี้" เท่านั้น แต่ยังรวมถึงบุคคลสาธารณะที่ก้าวหน้าอีกจำนวนหนึ่งด้วย ภาพบุคคลเหล่านี้ขาดองค์ประกอบเอิกเกริกและความมันวาวภายนอกโดยสิ้นเชิง ศิลปินให้ความสนใจกับการถ่ายทอดเนื้อหาภายในของบุคคล เพื่อเผยให้เห็นความแข็งแกร่งของจิตใจ ความสูงส่งของความคิด และแรงบันดาลใจของเขา

พัฒนาการของการวาดภาพบุคคลของรัสเซียพบว่ามีการแสดงออกใน ผลงานของ F. Rokotov

ฟีโอดอร์ สเตปาโนวิช โรโคตอฟ- หนึ่งในจิตรกรภาพเหมือนชาวรัสเซียที่เก่งที่สุด ได้รับการศึกษาศิลปะภายใต้การแนะนำของ L.-J. Le Lorrain และ Count Pietro Rotari ทำงานในลักษณะหลัง แต่เจาะลึกเรื่องธรรมชาติมากกว่าเขาและขยันหมั่นเพียรในการประหารชีวิต ในปี ค.ศ. 1762 เขาได้รับการยอมรับให้เป็นผู้ช่วยของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่เพิ่งก่อตั้งขึ้นใหม่ Academy of Arts สำหรับภาพวาด "วีนัส" นำเสนอแก่เธอและสำหรับภาพเหมือนของจักรพรรดิปีเตอร์ที่ 3

ทักษะการถ่ายภาพที่ละเอียดอ่อนทำให้ภาพบุคคลของศิลปินคนนี้โดดเด่น Rokotov นำจิตวิญญาณที่ใกล้ชิดของภาพโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการถ่ายภาพบุคคลของผู้หญิงมาสู่การแสดงออกและความแข็งแกร่งที่ยอดเยี่ยม ความสมบูรณ์แบบทางเทคนิคขั้นสูงของผลงานของศิลปิน - ในแง่ของลักษณะของการวาดภาพและทักษะการวาดภาพมีเพียง Levitsky เท่านั้นที่สามารถเปรียบเทียบได้กับเขา การถ่ายภาพบุคคลที่สร้างโดย Rokotov นั้นโดดเด่นด้วยความซับซ้อนของการออกแบบและความงดงามของสี

ผลงานที่โด่งดังที่สุดของ Rokotov ได้แก่: "ภาพเหมือนของหญิงสาวที่ไม่รู้จักในชุดสีชมพู", "ภาพเหมือนของ A.I. Vorontsov", "ภาพเหมือนของ G.G. Orlov ในชุดเกราะ", "ภาพเหมือนของพิธีราชาภิเษกของ Catherine II", "ภาพเหมือนของ A.P. Struyskaya" , “ภาพเหมือนของกวี V.I. Maykov”, “ภาพเหมือนของ Surovtseva” ฯลฯ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เริ่มพัฒนาในภาพวาดของรัสเซีย ประเภทประจำวัน. อย่างไรก็ตาม การวาดภาพประเภทต่างๆ ได้รับการพิจารณาโดยผู้นำของ Academy of Arts และสังคมชั้นสูงที่มีสิทธิพิเศษว่าเป็นฐานบางอย่างที่ไม่คู่ควรกับพู่กันของศิลปิน อย่างไรก็ตามเรื่องนี้หลังจากสงครามชาวนาภายใต้การนำของ E. Pugachev ทั้งในวรรณคดี การละคร และดนตรี และในการวาดภาพในช่วงทศวรรษที่ 1770-1780 เริ่มสนใจชาวนา วิถีชีวิต และวิถีชีวิตของชาวนา บ่อยครั้งสิ่งเหล่านี้เป็นภาพที่ซาบซึ้งของคนเลี้ยงแกะและหญิงเลี้ยงแกะที่งดงาม ซึ่งไม่มีอะไรเหมือนกันกับชีวิตชาวนาที่แท้จริง อย่างไรก็ตาม มีข้อยกเว้นอยู่

ภาพวาดชิ้นแรกในรัสเซียที่พัฒนาธีมชาวนาคือทาสของเจ้าชาย G. A. Potemkin มิคาอิล ชิบานอฟ . เขาวาดภาพเขียน "อาหารกลางวันชาวนา", "การเฉลิมฉลองข้อตกลงแต่งงาน" ฯลฯ ในภาพเขียนของ Shibanov ไม่มีการบอกเลิกความเป็นทาสอย่างไรก็ตามในภาพเขียนเหล่านี้ไม่มีอุดมคติของชีวิตชาวนา ศิลปินโดดเด่นด้วยความรู้และความเข้าใจเกี่ยวกับชีวิตและลักษณะของชาวนารัสเซีย

ธีมชาวนาสะท้อนให้เห็นในผลงานของศิลปิน I. M. Tankov (1739 - 1799) ผู้แต่งภาพวาด "Holiday in the Village" และ I. A. Ermenev (1746 - หลัง 1792) ผู้วาดภาพสีน้ำ "Peasant Lunch", " นักร้องขอทาน” และอื่นๆ) นับเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ศิลปะรัสเซียที่ศิลปินได้ถ่ายทอดแง่มุมที่มืดมนของชีวิตผู้คนซึ่งก็คือความยากจนและความยากจน

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 การออกดอกที่แท้จริงของประติมากรรมรัสเซียเริ่มต้นขึ้น มีการพัฒนาอย่างช้าๆ แต่ความคิดด้านการศึกษาของรัสเซียและลัทธิคลาสสิกของรัสเซียเป็นแรงจูงใจที่ยิ่งใหญ่ที่สุดสำหรับการพัฒนาศิลปะแห่งแนวคิดพลเมืองที่ยิ่งใหญ่และปัญหาขนาดใหญ่ ซึ่งกำหนดความสนใจในประติมากรรมในช่วงเวลานี้ ชูบิน, กอร์เดเยฟ, โคซลอฟสกี้, ชเชดริน, โปรโคเฟียฟ, มาร์ตอส - แต่ละคนมีความสดใสในตัวเองและทิ้งร่องรอยไว้บนงานศิลปะ. แต่พวกเขาทั้งหมดรวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยหลักการสร้างสรรค์ร่วมกัน ซึ่งพวกเขาเรียนรู้จากศาสตราจารย์ Nicolas Gillet ซึ่งเป็นหัวหน้าชั้นเรียนประติมากรรมที่ Academy ตั้งแต่ปี 1758 ถึง 1777 แนวคิดทั่วไปเกี่ยวกับการเป็นพลเมืองและความรักชาติ และอุดมคติอันสูงส่งของสมัยโบราณ

การค้นหาสิ่งที่สวยงามโดยทั่วไปไม่ได้ยกเว้นความเข้าใจอย่างลึกซึ้งเกี่ยวกับตัวละครของมนุษย์ความปรารถนาที่จะถ่ายทอดความเก่งกาจของมัน ความปรารถนานี้เห็นได้ชัดเจนในประติมากรรมตกแต่งขนาดใหญ่และประติมากรรมขาตั้งในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเภทของการถ่ายภาพบุคคล

ความสำเร็จสูงสุดของเขาเกี่ยวข้องกับความคิดสร้างสรรค์เป็นหลัก เฟโดต์ อิวาโนวิช ชูบิน (ค.ศ. 1740-1805) เพื่อนร่วมชาติของ Lomonosov ซึ่งมาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแล้วในฐานะศิลปินที่เชี่ยวชาญความซับซ้อนของการแกะสลักกระดูก งานแรกของ Shubin ในบ้านเกิดของเขาคือรูปปั้นครึ่งตัวของ A.M. Golitsyn เป็นพยานถึงความเป็นผู้ใหญ่เต็มที่ของปรมาจารย์แล้ว คุณลักษณะที่หลากหลายของแบบจำลองจะถูกเปิดเผยเมื่อพิจารณาดูรอบๆ แม้ว่าจะไม่ต้องสงสัยเลยว่าจะมีมุมมองหลักสำหรับประติมากรรมชิ้นนี้ก็ตาม

Shubin ไม่เพียงทำงานเป็นจิตรกรภาพเหมือนเท่านั้น แต่ยังเป็นมัณฑนากรอีกด้วย เขาวาดภาพบุคคลทางประวัติศาสตร์ด้วยหินอ่อนรูปไข่ 58 ภาพสำหรับพระราชวัง Chesme (ตั้งอยู่ในคลังอาวุธ) ประติมากรรมสำหรับพระราชวังหินอ่อนและสำหรับ Peterhof รูปปั้นของ Catherine II - ผู้บัญญัติกฎหมาย (พ.ศ. 2332-2333) ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Shubin เป็นปรากฏการณ์ที่ใหญ่ที่สุดในวัฒนธรรมศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18 ประติมากรชาวฝรั่งเศส Etienne-Maurice Falconet ทำงานในรัสเซียร่วมกับปรมาจารย์ในประเทศซึ่งอยู่ในอนุสาวรีย์ของ Peter I ที่จัตุรัสวุฒิสภาในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงความเข้าใจเกี่ยวกับบุคลิกภาพของ Peter และบทบาททางประวัติศาสตร์ของเธอในชะตากรรมของรัสเซีย

ฟีโอดอร์ เฟโดโรวิช ชเชดริน(1751-1825) เขาผ่านการฝึกฝนในขั้นตอนเดียวกับที่ Academy และเกษียณอายุในอิตาลีและฝรั่งเศสในฐานะ Shubin “ Marsyas” แสดงโดยเขาในปี 1776 เต็มไปด้วยการเคลื่อนไหวที่รุนแรงและทัศนคติที่น่าเศร้า เช่นเดียวกับช่างแกะสลักในยุคคลาสสิกทุกคน Shchedrin รู้สึกทึ่งกับภาพโบราณ (“Sleeping Endymion”; “Venus”) ซึ่งแสดงให้เห็นถึงความเข้าใจเชิงกวีโดยเฉพาะเกี่ยวกับโลกของพวกเขา

ในงานศิลปะของศตวรรษที่ 17 โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงครึ่งหลังมีการสังเกตแนวโน้มที่เตรียมพื้นฐานสำหรับการพัฒนาอย่างรวดเร็วของศิลปะสมจริงทางโลกของศตวรรษที่ 18 การประชุมที่ยึดถือสัญลักษณ์ช่วยให้สามารถจำลองผู้คน ทิวทัศน์ และเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ได้เหมือนมีชีวิต เครื่องประดับดอกไม้แบบดั้งเดิม ซึ่งมีการตีความตามแบบแผน ถูกแทนที่ด้วยการจำลองดอกไม้ ผลไม้ ใบไม้ มาลัย และเปลือกหอยที่สมจริง ในงานศิลปะประยุกต์ การวาดภาพเกี่ยวกับหัวข้อทางศาสนามีลักษณะที่แทบจะเป็นโลก บางครั้งก็เน้นการตกแต่งและการแสดงละคร รูปทรงของวัตถุดูอลังการ เคร่งขรึม มีการตกแต่งที่หลากหลาย ของใช้ในครัวเรือนโบราณหลายประเภทกำลังหายไป เช่น ถ้วยที่มีชั้นวางและที่จับแบน และเหรียญเงิน ทัพพีโบราณแบบดั้งเดิมกำลังกลายเป็นของรางวัลสำหรับการตกแต่งล้วนๆ ซึ่งสูญเสียความหมายในทางปฏิบัติไปแล้ว เครื่องใช้ประเภทใหม่ปรากฏขึ้น: ถ้วยที่ตกแต่งด้วยเครื่องประดับสไตล์บาร็อค, ฉากในชีวิตประจำวันและจารึกทางโลก, ถ้วยรูปนกอินทรี, ถ้วยที่ทำจากเขาสัตว์บนอัฒจันทร์และอื่น ๆ อีกมากมาย เครื่องใช้ในโบสถ์และของใช้ในครัวเรือนของนักบวชตอนนี้มีสไตล์ไม่แตกต่างจากของทางโลกล้วนๆ และบางครั้งก็เหนือกว่าด้วยมูลค่าที่เอิกเกริกและวัสดุมากขึ้น

หลังจากการทำให้ดินแดนเป็นฆราวาสในปี พ.ศ. 2307 Trinity-Sergius Lavra สูญเสียทรัพย์สินของตน แต่ความมั่งคั่งในเวลานี้มีมากมายมหาศาลจนการปฏิรูปนี้ไม่ส่งผลกระทบต่อขอบเขตของงานก่อสร้างในอารามหรือการตกแต่งภายในโบสถ์อย่างหรูหรา ห้องส่วนตัวของผู้ว่าราชการจังหวัดและมหานครที่อาศัยอยู่ในวัดตลอดจนความมั่งคั่งของความศักดิ์สิทธิ์และคลังสมบัติ อารามแห่งนี้ยังคงได้รับเงินบริจาคจากจักรพรรดินีและบุคคลสำคัญในราชสำนัก กรุงมอสโก และพระสงฆ์อื่นๆ ตามกฎแล้วงานเหล่านี้เป็นผลงานของปรมาจารย์ที่ดีที่สุดของมอสโก, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, Veliky Ustyug, Rostov-Yaroslavl และศูนย์ศิลปะประยุกต์อื่น ๆ ดังนั้นคอลเลคชันศิลปะประยุกต์ของ Lavra แห่งศตวรรษที่ 18 แสดงถึงเทคนิคการทำเครื่องประดับที่หลากหลายที่สุดในยุคนี้

ศิลปะการใช้เหรียญเงินมีรูปลักษณ์ที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว โดยเฉพาะในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่เป็นม้วนกระดาษสไตล์บาโรกขนาดใหญ่ที่แกะสลักอย่างเชี่ยวชาญด้วยภาพนูนค่อนข้างสูงร่วมกับภาพผลไม้ กระเช้าดอกไม้ คิวปิด มาลัยดอกไม้และใบไม้ ลายนูนมักทำด้วยฉลุและในกรณีนี้มีพื้นหลังเพิ่มเติมที่ทำให้ลวดลายสว่างขึ้น

ตัวอย่างคลาสสิกของเหรียญกษาปณ์ดังกล่าวคือฉากข่าวประเสริฐอันยิ่งใหญ่ซึ่งจัดทำขึ้นในกรุงมอสโกในปี 1754 โดยสนับสนุนโดยจักรพรรดินีเอลิซาเบธ1 แผ่นเงินที่มีภาพเคลือบฟันของตรีเอกานุภาพ ผู้เผยแพร่ศาสนา และฉากชีวิตของพระคริสต์ถูกวางไว้ในกรอบและสี่เหลี่ยมสูงไล่ล่า พวกเขาโดดเด่นด้วยลักษณะทางโลก

ปรมาจารย์ชาวมอสโก P. Vorobey ได้สร้างชามเงินในปี พ.ศ. 2311 (ใช้ในอารามเป็นชามศักดิ์สิทธิ์) มันถูกตกแต่งด้วยเครื่องประดับไล่ล่าที่ยอดเยี่ยมของคาร์ทัชที่โค้งงอแปลก ๆ และใบไม้กว้างบนพื้นหลังปิดทอง ขาของชามมีอุ้งเท้าของสิงโต ซึ่งจับลูกบอลเรียบไว้ในกรงเล็บ เครื่องปั่นเกลือที่ผลิตในปี พ.ศ. 2330 ตกแต่งด้วยลายนูนและถมทะเลทำโดยปรมาจารย์ชาวมอสโก ซึ่งเป็นของขวัญจากแคทเธอรีนที่ 2 ถึงเมโทรโพลิแทนเพลโต 3

ศูนย์กลางการทำเครื่องประดับแห่งใหม่ - เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก - จัดแสดงอยู่ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ด้วยด้ามจับสีเงินไล่ล่าซึ่งมีพวยกาเป็นรูปหัวนกอินทรีซึ่งสร้างขึ้นในปี 1768 โดยปรมาจารย์ Claes Johann Ehlers4 นายคนเดียวกันนี้ทำจานเงินไล่ล่าพร้อมเครื่องประดับสไตล์บาโรกบนสนามและพรรณนาฉากในพระคัมภีร์: ปลาวาฬเกยตื้นโยนาห์5 ในเวลาเดียวกันปรมาจารย์ได้พรรณนาถึงชายฝั่งเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กพร้อมกับป้อมปีเตอร์และพอลและยอดแหลมของมหาวิหาร มือและจานเป็นผลงานของ Metropolitan Plato

วัตถุเพื่อจุดประสงค์ในพิธีกรรมยังได้รับลักษณะทางโลกและการตกแต่งและความเคร่งขรึมของพวกมันถูกเน้นด้วยขนาดที่ใหญ่อย่างไม่เคยปรากฏมาก่อน โดยทั่วไปสำหรับศตวรรษที่ 18 ชุดภาชนะพิธีกรรม (ถ้วย, ปาเทน, ดาวและจานสองใบ) สนับสนุนในปี 1789 โดย A. V. Sheremetyev6 ชามศีลมหาสนิททรงสูงที่นี่มีฐานตอกรูประฆังขนาดใหญ่ ตัวเรือนเงินฉลุบนตัวชาม และระฆังเคลือบฟันทาสี แผ่นและจานที่มีเส้นผ่านศูนย์กลางขนาดใหญ่ซึ่งผลิตขึ้นเป็นพิเศษสำหรับถ้วยนี้ ได้รับการตกแต่งด้วยภาพแกะสลักที่แสดงถึงฉากสัญลักษณ์แบบดั้งเดิม

งานศิลปะลวดลายเป็นเส้นมีลักษณะที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง แทนที่จะเป็นลอนแบนที่มีกิ่งก้านม้วนอยู่บนพื้นผิวเรียบของโลหะในงานโบราณซึ่งเป็นภาพวาดลวดลายลวดลายของศตวรรษที่ 18 มันซับซ้อนยิ่งขึ้นด้วยการตกแต่งเพิ่มเติมที่ด้านบน บางครั้งอาจใช้ร่วมกับการลงยาและอัญมณี ในบางกรณีลวดลายเป็นลวดลายฉลุและซ้อนทับบนพื้นหลังเพิ่มเติม บางครั้งสินค้าก็ทำจากด้ายลวดลายเป็นเส้น

ผลงานลวดลายที่โดดเด่นชิ้นหนึ่งคือพลับพลาในปี 1789 ซึ่งสนับสนุนโดย Metropolitan Plato7 นี่คือลวดลายฉลุแบบฉลุ ลวดลายแบบผสมผสานกับเคลือบฟัน และลวดลายแบบลวดลายซ้อนทับบนพื้นหลังสีเงินเรียบๆ พลับพลามีลักษณะเหมือนกล่องฆราวาสโดยเห็นได้จากรูปร่างที่ไม่ใช่ของสงฆ์ การตกแต่งที่หรูหรา และดอกไม้ที่ปลูกไว้ที่มุมที่ทำจากชิ้นส่วนโลหะบาง ๆ เคลือบฟัน

ตัวอย่างของลวดลายนูนที่มีทักษะสามารถเป็นหน้าปกของหนังสือ "Officer of the Bishop's Service" ซึ่งเป็นผลงานของ Metropolitan Platon ในปี 17898

การพัฒนาครั้งใหญ่เกิดขึ้นในศตวรรษที่ 18 Solvychegodsk และ Veliky Ustyug เคลือบด้วยพื้นหลังสีเดียว (สีน้ำเงินหรือสีขาว) โดยมีรูปมนุษย์ ดอกไม้ และรูปภาพอื่น ๆ ซึ่งบางครั้งเติมสีด้วยเคลือบฟันเพิ่มเติมจะถูกซ้อนทับในรูปแบบของแผ่นโลหะที่แยกจากกัน พิพิธภัณฑ์มีของใช้ในครัวเรือนจำนวนมากจาก Solvychegodsk และ Ustyug

ในศตวรรษที่ 18 สำหรับการตกแต่งภายในโบสถ์ Lavra โครงสร้างที่ยิ่งใหญ่นั้นทำจากเงินตามภาพวาดของศิลปินชื่อดังแห่งมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก สำหรับแท่นบูชาของอาสนวิหารทรินิตีตามคำสั่งของเมโทรโพลิแทนเพลโตได้มีการสร้างแท่งเทียนเงินเจ็ดแท่งขนาดใหญ่ในรูปทรงของต้นลอเรล 9; tiblas ของสัญลักษณ์ของอาสนวิหารทรินิตี้ก็ตกแต่งด้วยเงินเช่นกัน เดวิด ปริฟ ปรมาจารย์ชาวมอสโกได้สร้างหลังคาเงินเหนือแท่นบูชาของเซอร์จิอุสแห่งราโดเนซจากการออกแบบของคาราวักก้า (มอบหมายโดยจักรพรรดิอันนา อิวานอฟนา10) ดังนั้นศิลปะประยุกต์แห่งศตวรรษที่ 18 นำเสนอในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ด้วยผลงานที่มีลักษณะเฉพาะที่สุด

ผลงานหัตถกรรมทางศิลปะในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ทำให้สามารถย้อนรอยการพัฒนาได้ตั้งแต่อนุสาวรีย์ยุคแรกๆ ของแกรนด์ดยุกมอสโกจนถึงปลายศตวรรษที่ 18 ในช่วงเวลาอันยาวนานนี้ ทักษะด้านเทคนิคมีการเปลี่ยนแปลงและปรับปรุง วัตถุรูปแบบเก่าหายไป และรูปแบบใหม่ปรากฏขึ้น ธรรมชาติของการตกแต่งเปลี่ยนแปลงไป ขึ้นอยู่กับมุมมองด้านสุนทรียภาพที่กำหนดโดยสภาพสังคมเศรษฐกิจและการเมืองในขณะนั้นเสมอ การพัฒนา ของตลาดในประเทศและต่างประเทศ ขนาด และวิธีการผลิต

เกี่ยวกับผลงานของศตวรรษที่ XIV-XV ภาพของการฟื้นฟูงานฝีมือทางศิลปะอย่างค่อยเป็นค่อยไปหลังการทำลายล้างตาตาร์ - มองโกลในดินแดนรัสเซียในศตวรรษที่ 13 ถูกเปิดเผย ผู้เชี่ยวชาญจากมอสโกและศูนย์ศิลปะอื่นๆ ของ Ancient Rus เชี่ยวชาญเทคนิคทางศิลปะที่หลากหลายและปรับปรุงงานฝีมือของพวกเขา

ในศตวรรษที่ 16 ในที่สุดมอสโกก็ได้รับตำแหน่งผู้นำในชีวิตทางวัฒนธรรมของประเทศ ศิลปะประยุกต์ในยุคนี้มีความโดดเด่นด้วยรูปแบบที่หลากหลายและการตกแต่งทางศิลปะตลอดจนทักษะทางเทคนิคที่ยอดเยี่ยม ศิลปะที่ซับซ้อนของการลงยา ซึ่งมีลักษณะเป็นไม้ประดับเป็นหลัก กำลังได้รับการปรับปรุง และศิลปะการถลุงทอง การปั๊มลายนูนและการแกะสลักก็ได้รับความเชี่ยวชาญมากขึ้น

งานที่ทำจากเงินสำหรับใช้ในครัวเรือนและในโบสถ์เป็นไปตามประเพณีศิลปะพื้นบ้านและเกี่ยวข้องกับสภาพความเป็นอยู่ของผู้คน พิธีกรรม และวิถีชีวิตของพวกเขา

สีสันและการตกแต่งของผลิตภัณฑ์ในศตวรรษที่ 17 ความซับซ้อนของเครื่องประดับ การปรากฏตัวของเครื่องลงยาที่ทาสี และการใช้หินมีค่า ไข่มุก และแก้วสีจำนวนมาก ทำให้งานศิลปะประยุกต์มีลักษณะเฉพาะตัวมากขึ้น

ในศตวรรษที่ 18 มีการใช้วัตถุรูปแบบใหม่รูปแบบที่เหมือนจริงและการทาสีเคลือบฟัน ในคอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Zagorsk ช่วงเวลานี้นำเสนอโดยการประชุมเชิงปฏิบัติการที่ดีที่สุดของมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ผลงานของพวกเขาทำให้สามารถตัดสินการเปลี่ยนแปลงใหม่ๆ ที่เกิดขึ้นในศิลปะประยุกต์ได้

ความเชี่ยวชาญทางศิลปะระดับสูงของงานศิลปะประยุกต์ที่นำเสนอมานานกว่าห้าศตวรรษทำให้คอลเลกชันของพิพิธภัณฑ์ Zagorsk อยู่ในสถานที่สำคัญในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย

ประวัติศาสตร์ของรัสเซียในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 - ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18 แยกออกจากชื่อของบุคคลทางการเมืองที่ใหญ่ที่สุดคนหนึ่งในรัสเซีย - Peter I. นวัตกรรมที่สำคัญที่บุกเข้ามาในเวลานี้ไม่เพียง แต่ในด้านวัฒนธรรมและศิลปะเท่านั้น แต่ยังรวมถึงอุตสาหกรรมด้วย - โลหะวิทยาการต่อเรือ ฯลฯ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 18 กลไกและเครื่องจักรแรกสำหรับการแปรรูปโลหะปรากฏขึ้น ช่างกลชาวรัสเซีย Nartov, Surnin, Sobakin และคนอื่นๆ ได้ทำสิ่งต่างๆ มากมายในพื้นที่นี้

ในขณะเดียวกันก็มีการวางรากฐานของระบบการศึกษาทั่วไปและการศึกษาพิเศษของรัฐ ในปี ค.ศ. 1725 มีการก่อตั้ง Academy of Sciences โดยเปิดแผนกศิลปหัตถกรรมขึ้น

อ. นาร์ตอฟ.กลึง. ยุคของปีเตอร์ ศตวรรษที่สิบแปด

ในศตวรรษที่ 18 มีการกำหนดหลักการใหม่ของสถาปัตยกรรมและการวางผังเมืองขึ้น ช่วงเวลานี้ โดดเด่นด้วยการเสริมสร้างลักษณะเฉพาะของบาโรกยุโรปตะวันตก (ฮอลแลนด์ ประเทศอังกฤษ) ในการสร้างผลิตภัณฑ์

อันเป็นผลมาจากความคิดริเริ่มของ Peter I ผลิตภัณฑ์ในรูปแบบรัสเซียดั้งเดิมก็หายไปอย่างรวดเร็วจากชีวิตราชวงศ์และชนชั้นสูงของพระราชวังแม้ว่าพวกเขาจะยังคงอยู่ในบ้านของมวลชนในชนบทและในเมืองตลอดจนการใช้งานของคริสตจักร . ในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 18 มีความแตกต่างอย่างมีนัยสำคัญในการพัฒนาโวหารซึ่งยังคงเป็นลักษณะของความคิดสร้างสรรค์ระดับมืออาชีพและงานฝีมือศิลปะพื้นบ้านมาเป็นเวลานาน ในช่วงหลัง ประเพณีเก่าแก่หลายศตวรรษของศิลปะประยุกต์ของรัสเซีย ยูเครน เอสโตเนีย ฯลฯ ได้รับการพัฒนาโดยตรงและเป็นแบบอินทรีย์

บรรทัดฐานของชีวิตผู้สูงศักดิ์จำเป็นต้องแสดงให้เห็นถึงความมั่งคั่ง ความสลับซับซ้อน และความงดงามในชีวิตของบุคคลที่มีอำนาจสูงสุด รูปแบบของชีวิตแบบเก่า รวมทั้งวิถีชีวิตของปีเตอร์มหาราช (ที่ยังคงมีลักษณะธุรกิจและเข้มงวด) ก็ถูกแทนที่ด้วยในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ตำแหน่งที่โดดเด่นในศิลปะรัสเซียถูกครอบครองโดยสิ่งที่เรียกว่าสไตล์โรโคโคซึ่งทำให้เทรนด์ของบาโรกตอนปลายเสร็จสมบูรณ์อย่างมีเหตุผล การตกแต่งภายในในเวลานี้ เช่น ห้องบางห้องของพระราชวังปีเตอร์ฮอฟและซาร์สคอย เซโล ได้รับการตกแต่งด้วยงานแกะสลักอันประณีตเกือบทั้งหมด

ลักษณะทั่วไปของการตกแต่งแบบ Rocaille (ความโค้งของเส้น การจัดเรียงอย่างมีสไตล์หรือใกล้เคียงกับธรรมชาติของดอกไม้ ใบไม้ เปลือกหอย ดวงตา ฯลฯ มากมายและไม่สมมาตร) ได้รับการทำซ้ำอย่างสมบูรณ์ในสถาปัตยกรรมและเฟอร์นิเจอร์ของรัสเซียในยุคนั้น เซรามิก เสื้อผ้า รถม้า อาวุธพิธีการ ฯลฯ เป็นต้น แต่การพัฒนาศิลปะประยุกต์ของรัสเซียยังคงดำเนินไปตามเส้นทางที่เป็นอิสระอย่างสมบูรณ์ แม้ว่ารูปแบบผลิตภัณฑ์ของเราจะมีความคล้ายคลึงกันอย่างไม่มีเงื่อนไขกับผลิตภัณฑ์จากยุโรปตะวันตก แต่ก็ไม่ยากที่จะสังเกตเห็นความแตกต่างระหว่างผลิตภัณฑ์เหล่านี้ ดังนั้น แต่เมื่อเปรียบเทียบกับผลิตภัณฑ์ฝรั่งเศสแล้ว ผลิตภัณฑ์เฟอร์นิเจอร์ของรัสเซียมีรูปทรงที่อิสระกว่ามาก และมีโครงร่างและการวาดที่นุ่มนวลกว่า ปรมาจารย์ยังคงรักษาทักษะการแกะสลักพื้นบ้านไว้ซึ่งมีขนาดใหญ่กว่าและกว้างกว่าในโลกตะวันตก ลักษณะเฉพาะไม่น้อยคือลักษณะโพลีโครมของผลิตภัณฑ์รัสเซียและการผสมผสานระหว่างการปิดทองและการทาสีซึ่งหาได้ยากในฝรั่งเศส แต่เป็นที่ยอมรับทุกที่ในรัสเซีย

ตั้งแต่ทศวรรษที่ 60 ของศตวรรษที่ 18 การเปลี่ยนไปสู่ลัทธิคลาสสิกเริ่มขึ้นในสถาปัตยกรรมรัสเซียด้วยรูปแบบที่กระชับและเข้มงวด หันไปสู่สมัยโบราณและโดดเด่นด้วยความยับยั้งชั่งใจและความสง่างามอันยิ่งใหญ่ กระบวนการเดียวกันนี้เกิดขึ้นในงานศิลปะประยุกต์

ในรูปแบบอุปกรณ์และการตกแต่งคฤหาสน์และพระราชวังในเมือง (สถาปนิก Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov ฯลฯ ) มีความสมมาตรที่ชัดเจนและความชัดเจนตามสัดส่วนปรากฏขึ้น ผนังห้อง (ระหว่างหน้าต่างหรือตรงข้าม) ถูกซ่อนไว้ด้วยกระจกและแผงที่ทำจากผ้าไหมสีแดงเข้ม ผ้าฝ้ายตกแต่ง และผ้า

.

โซฟา - สไตล์โรโคโค รัสเซีย (ส่วน) กลางศตวรรษที่ 18

เก้าอี้สไตล์คลาสสิก รัสเซีย. ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18

พื้นทำด้วยไม้หลากหลายสายพันธุ์ และบางครั้งก็ปูด้วยผ้าใบหรือผ้า เพดานทาสี (เช่น ใช้เทคนิค grisaille เลียนแบบการสร้างแบบจำลองนูน) แทนที่จะใช้ไม้ปาร์เก้แบบเรียงซ้อน จะใช้ไม้กระดานสปรูซ "ใต้ขี้ผึ้ง" ผนังและเพดานมักปูด้วยผ้าหรือปูด้วยวอลเปเปอร์ หากมีการติดตั้งเตาผิงหินอ่อนขนาดที่น่าประทับใจในห้องหลักจากนั้นในห้องที่ใกล้ชิดจะมีการสร้างเตาแบบดั้งเดิมบนโต๊ะหรือขาปูด้วยกระเบื้อง ความแตกต่างของโคมไฟก็สังเกตเห็นได้ชัดเจนเช่นกัน: ในห้องโถงมีโคมไฟระย้าทำเครื่องประดับและมีราคาแพงเชิงเทียนเชิงเทียนเชิงเทียนในห้องมีเชิงเทียนและโคมไฟที่เรียบง่ายกว่ามาก รูปร่างของเฟอร์นิเจอร์ที่เป็นทางการและในครัวเรือนมีความแตกต่างกันมากยิ่งขึ้น ทั้งหมดนี้ไม่ได้พูดถึงความปรารถนาของเจ้าของพระราชวังและคฤหาสน์มากนักในการประหยัดเงิน แต่เกี่ยวกับการพิจารณาสภาพแวดล้อมของเรื่องว่าเป็นปัจจัยสำคัญในบรรยากาศที่เหมาะสมทางจิตใจ

เฟอร์นิเจอร์ส่วนใหญ่และผลิตภัณฑ์อื่นๆ อีกจำนวนหนึ่งในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 ไม่จำเป็นตลอดเวลา หากไม่จำเป็น พวกเขาจะถูกย้ายหรือย้ายไปยังส่วนที่ไม่ได้ใช้งานของสถานที่ ต้องคลุมเฟอร์นิเจอร์ที่นั่ง ในทำนองเดียวกันเฟอร์นิเจอร์ที่ปรับเปลี่ยนได้พร้อมพื้นผิวการทำงานได้รับการพัฒนาอย่างมาก - โต๊ะชาและไพ่, โต๊ะรับประทานอาหารแบบพับได้, โต๊ะสำหรับงานเย็บปักถักร้อย, ระบบโต๊ะสูงไม่เท่ากันที่พอดีกัน ฯลฯ ทั้งหมดนี้เพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ ความสะดวกสบายของชีวิต ความแตกต่างเล็กน้อยของการรองรับการใช้งาน และรูปลักษณ์ที่หลากหลายของสถานที่ในสถานการณ์ประจำวันที่แตกต่างกัน ในเวลาเดียวกัน มีการเน้นย้ำถึงกระบวนการในแต่ละวันที่เกิดขึ้นนอกอาคารในช่วงฤดูร้อน ทั้งบนระเบียงและในสวนสาธารณะ เป็นผลให้ผลิตภัณฑ์ประเภทใหม่แพร่หลายมากขึ้น - เฟอร์นิเจอร์ในสวน, กันสาดร่ม, โคมไฟสวนสาธารณะ ฯลฯ ในศตวรรษที่ 18 มีการจัดเวิร์คช็อปเกี่ยวกับทาสในพื้นที่แต่ละแห่ง โดยผลิตเฟอร์นิเจอร์ เครื่องลายคราม พรม และผลิตภัณฑ์อื่น ๆ เป็นจำนวนมาก

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ในส่วนของอุปกรณ์ของพระราชวังขนาดใหญ่ การแยกการออกแบบผลิตภัณฑ์ที่เกิดขึ้นจริง (เฟอร์นิเจอร์ โคมไฟ นาฬิกา ผ้าม่าน และเครื่องใช้และเครื่องตกแต่งอื่น ๆ ) เป็นพื้นที่พิเศษของกิจกรรมสร้างสรรค์จากการผลิตงานฝีมือของพวกเขา ได้รับผลกระทบอย่างเห็นได้ชัดแล้ว บทบาทของนักออกแบบส่วนใหญ่เล่นโดยสถาปนิกและศิลปินมืออาชีพ การผลิตผลิตภัณฑ์สำหรับตลาดมวลชนใช้เครื่องจักรและวิธีการทางกลในการแปรรูปวัสดุ ทำให้วิศวกรกลายเป็นผู้นำในการผลิต สิ่งนี้นำไปสู่การบิดเบือนและการสูญเสียคุณภาพเชิงสุนทรีย์ระดับสูงที่มีอยู่ในผลิตภัณฑ์อุปโภคบริโภค ไปจนถึงการแยกอุตสาหกรรมออกจากงานศิลปะ แนวโน้มนี้เป็นไปตามธรรมชาติในเงื่อนไขของการพัฒนาสังคมทุนนิยมและเป็นหนึ่งในแนวโน้มหลักตลอดศตวรรษที่ 19

ในระหว่างการพัฒนาความสัมพันธ์ทุนนิยมอย่างเข้มข้นในรัสเซียในศตวรรษที่ 19 กำลังการผลิตภาคอุตสาหกรรมเพิ่มขึ้น ในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 มีความต้องการบุคลากรมืออาชีพด้านศิลปะของนักพัฒนาผลิตภัณฑ์และช่างฝีมืออย่างเร่งด่วน สำหรับการฝึกอบรมได้มีการเปิดสถาบันการศึกษาเฉพาะทางในมอสโก (Count Stroganov) และเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (Baron Stieglitz) ชื่อของพวกเขา - "โรงเรียนสอนวาดภาพทางเทคนิค" - พูดถึงการเกิดขึ้นของศิลปินประเภทใหม่ ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2403 ได้มีการพัฒนาการศึกษาด้านงานฝีมือพิเศษสำหรับนักแสดงระดับปรมาจารย์ หนังสือหลายเล่มได้รับการตีพิมพ์เกี่ยวกับเทคโนโลยีการประมวลผลวัสดุต่าง ๆ เช่น ไม้ ทองแดง เหล็ก ทอง ฯลฯ มีการตีพิมพ์แคตตาล็อกการค้าแทนที่นิตยสาร Economic Store ที่ตีพิมพ์ก่อนหน้านี้ ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 วิทยาศาสตร์ที่เกี่ยวข้องกับประเด็นด้านอาชีวอนามัยและการใช้ของใช้ในครัวเรือนได้ก่อตั้งขึ้น อย่างไรก็ตามตลอดทั้งศตวรรษที่ 19 ผลิตภัณฑ์จากโรงงานขนาดใหญ่ทั้งหมดยังคงอยู่ภายใต้ศิลปะอย่างสมบูรณ์ต่อแนวคิดความงามที่โดดเด่นอย่างไม่มีการแบ่งแยกเช่นเดียวกับการออกแบบตกแต่งและประดับของผลิตภัณฑ์ ผลที่ตามมาคือการนำองค์ประกอบโวหารของความคลาสสิกมาสู่รูปร่างของผลิตภัณฑ์ส่วนใหญ่: การตกแต่งโปรไฟล์ที่ซับซ้อน, คอลัมน์ร่อง, ดอกกุหลาบ, มาลัย, เครื่องประดับตามลวดลายโบราณ ฯลฯ ในหลายกรณีองค์ประกอบเหล่านี้ถูกนำมาใช้ ให้เป็นรูปทรงของอุปกรณ์อุตสาหกรรม-เครื่องมือกล

ในการพัฒนาโวหารของศิลปะประยุกต์และผลิตภัณฑ์ในครัวเรือนในศตวรรษที่ 19 มีสามช่วงเวลาหลักที่มีความโดดเด่นตามลำดับเวลาตามอัตภาพ: ความต่อเนื่องของแนวโน้มของลัทธิคลาสสิกซึ่งสอดคล้องกับสิ่งที่เรียกว่าสไตล์เอ็มไพร์ (ไตรมาสแรกของศตวรรษ); ลัทธิคลาสสิกตอนปลาย (ประมาณปี 1830-1860) และลัทธิผสมผสาน (หลังทศวรรษ 1860)

ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19 โดดเด่นด้วยจิตวิญญาณแห่งอุดมการณ์และขอบเขตการก่อสร้างในสถาปัตยกรรมรัสเซียที่เพิ่มขึ้นโดยทั่วไป ซึ่งทำให้เกิดการฟื้นฟูครั้งสำคัญในศิลปะประยุกต์

อาร์มแชร์สไตล์เอ็มไพร์ ไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19

ชัยชนะในสงครามปี 1812 เร่งและเสร็จสิ้นกระบวนการสร้างวัฒนธรรมประจำชาติรัสเซียซึ่งกำลังได้รับความสำคัญทั่วยุโรป กิจกรรมของสถาปนิกที่มีชื่อเสียงที่สุด ได้แก่ Voronikhin, Quarenghi, Kazakov ซึ่งเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับความคลาสสิกของยุคก่อนเกิดขึ้นเฉพาะในทศวรรษแรกของศตวรรษเท่านั้น พวกเขาถูกแทนที่ด้วยกาแล็กซีของปรมาจารย์ที่ยอดเยี่ยมเช่น Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove ซึ่งนำแนวคิดใหม่ ๆ และจิตวิญญาณแห่งโวหารที่แตกต่างมาสู่งานศิลปะรัสเซีย

ความเข้มงวดและความยิ่งใหญ่เป็นลักษณะเฉพาะของสถาปัตยกรรมและรูปแบบของของใช้ในครัวเรือนต่างๆ ในสไตล์เอ็มไพร์ ในระยะหลังลวดลายตกแต่งเปลี่ยนไปอย่างเห็นได้ชัดหรือประเภทของพวกมันขยายออกไปผ่านการใช้สัญลักษณ์ตกแต่งของอียิปต์โบราณและโรม - กริฟฟิน, สฟิงซ์, ส่วนหน้า, คุณลักษณะทางทหาร (“ ถ้วยรางวัล”), พวงหรีดพันด้วยพวงมาลัย ฯลฯ เมื่อเปรียบเทียบ ด้วยตัวอย่างของความคลาสสิกในยุคแรกโดยทั่วไปปริมาณการตกแต่งจะเพิ่ม "น้ำหนักภาพ" ในการออกแบบองค์ประกอบของผลิตภัณฑ์ การทำให้เป็นอนุสรณ์สถานบางครั้งราวกับการทำให้รูปแบบหยาบเกิดขึ้นเนื่องจากการมีลักษณะทั่วไปและรูปทรงเรขาคณิตที่มากขึ้นของลวดลายประดับแบบคลาสสิก - ขอบ, พวงมาลา, พิณ, เกราะ ฯลฯ ซึ่งกำลังเคลื่อนห่างจากต้นแบบที่แท้จริงมากขึ้น การวาดภาพวัตถุ (ฉาก ทิวทัศน์ ช่อดอกไม้) หายไปเกือบหมด เครื่องประดับมีแนวโน้มที่จะขาด ๆ หาย ๆ มีรูปร่างและนำไปใช้ได้ ผลิตภัณฑ์ส่วนใหญ่ โดยเฉพาะเฟอร์นิเจอร์ จะมีขนาดใหญ่ ใหญ่โต แต่มีความหลากหลายทั้งในด้านโครงสร้างและเงาโดยรวม ความหนักเบาของสไตล์เอ็มไพร์ในเฟอร์นิเจอร์เกือบจะหายไปแล้วในช่วงทศวรรษที่ 1830

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 การค้นหาใหม่ๆ เริ่มขึ้นในสาขาสถาปัตยกรรม ความคิดสร้างสรรค์ประยุกต์ และความคิดสร้างสรรค์ทางอุตสาหกรรม

ขบวนการทางศิลปะทั่วยุโรปถือกำเนิดขึ้น เรียกว่า "Biedermeier" ซึ่งตั้งชื่อตามชนชั้นกลางของหนึ่งในตัวละครของนักเขียนชาวเยอรมัน L. Eichrodt (ผลงานตีพิมพ์ในปี 1870) ด้วยอุดมคติของความสะดวกสบายและความใกล้ชิด

โรงงานผลิตเหล็ก. รัสเซีย. ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 11

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 แรงงานคนถูกแทนที่จากการผลิตผลิตภัณฑ์เครื่องใช้ในครัวเรือนที่เป็นประโยชน์มากขึ้น ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา วิธีการและเทคนิคในการแก้ปัญหาทางศิลปะ หลักการสร้างแบบฟอร์มที่พัฒนามานานหลายศตวรรษ ขัดแย้งกับแนวโน้มทางเศรษฐกิจใหม่ในการผลิตจำนวนมากและความสามารถในการทำกำไรจากการผลิตสิ่งของเพื่อตลาด การตอบสนองต่อสถานการณ์ที่เปลี่ยนแปลงไปนั้นเป็นสองเท่า ผู้เชี่ยวชาญบางคน - ส่วนใหญ่ - ประนีประนอม เมื่อพิจารณาถึงมุมมองดั้งเดิมที่ขัดขืนไม่ได้ของทุกสิ่งในชีวิตประจำวันในฐานะวัตถุของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ พวกเขาเริ่มปรับลวดลายประดับแบบคลาสสิกให้เข้ากับความสามารถของเครื่องจักรและเทคโนโลยีอนุกรม การตกแต่งและตกแต่งผลิตภัณฑ์ประเภท "มีประสิทธิภาพ" ปรากฏขึ้น ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 1830 ในอังกฤษ Henry Kuhl ได้หยิบยกสโลแกนที่ดูเหมือนจะปฏิรูปเพื่อตกแต่งผลิตภัณฑ์ในโรงงานด้วยองค์ประกอบ "จากโลกแห่งรูปแบบวิจิตรศิลป์" นักอุตสาหกรรมจำนวนมากเต็มใจรับสโลแกนนี้ โดยพยายามใช้ประโยชน์สูงสุดจากความผูกพันของผู้บริโภคที่มีต่อรูปแบบการตกแต่งบ้านที่ตกแต่งภายนอกอย่างหรูหรา

ในทางตรงกันข้าม นักทฤษฎีและผู้ปฏิบัติงานด้านศิลปะประยุกต์ (D. Ruskin, W. Morris) เสนอให้จัดการคว่ำบาตรอุตสาหกรรม ลัทธิความเชื่อของพวกเขาคือความบริสุทธิ์ของประเพณีงานฝีมือในยุคกลาง

ในประเทศของยุโรปตะวันตกและในรัสเซียเป็นครั้งแรกที่งานศิลปะและปรมาจารย์ด้านช่างฝีมือซึ่งยังคงรักษาประเพณีพื้นบ้านที่ลึกซึ้งในงานไว้ได้ดึงดูดความสนใจของนักทฤษฎีและศิลปินมืออาชีพ ในรัสเซีย งานแสดงสินค้า Nizhny Novgorod ในช่วงปี 1870-1890 แสดงให้เห็นถึงการดำรงอยู่ของประเพณีเหล่านี้ในเงื่อนไขใหม่ ศิลปินมืออาชีพหลายคน - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich และคนอื่น ๆ หันไปหาต้นกำเนิดของศิลปะการตกแต่งอย่างกระตือรือร้น ในภูมิภาคและจังหวัดต่างๆ ของรัสเซีย ในเมืองต่างๆ เช่น Pskov, Voronezh, Tambov, Moscow, Kamenets-Podolsk เป็นต้น วิสาหกิจด้านงานฝีมือกำลังเกิดขึ้น โดยมีพื้นฐานมาจากการใช้แรงงานคน งานของเวิร์คช็อปใน Abramtsovo ใกล้มอสโก ใน Talashkino ใกล้ Smolensk องค์กรของ P. Vaulin ใกล้เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก และงานศิลปะเซรามิก Murava ในมอสโก มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อการฟื้นฟูงานฝีมือที่สร้างสรรค์และกำลังจะตาย

กาโลหะ ศตวรรษที่สิบเก้า

รัสเซีย. ครึ่งหลัง

ปั๊มอุตสาหกรรม ศตวรรษที่สิบเก้า

อย่างไรก็ตาม ผลิตภัณฑ์ของการประชุมเชิงปฏิบัติการทั้งหมดนี้ถือเป็นส่วนที่ไม่มีนัยสำคัญของการบริโภคทั้งหมดจนไม่สามารถมีอิทธิพลที่เห็นได้ชัดเจนต่อการผลิตจำนวนมาก แม้ว่าพวกเขาจะพิสูจน์ความถูกต้องตามกฎหมายของการดำรงอยู่พร้อมกับการผลิตเครื่องจักรจำนวนมากของงานศิลปะการตกแต่งที่เก็บรักษา ประเพณีพื้นบ้าน สิ่งนี้ได้รับการยืนยันในเวลาต่อมาโดยการบุกรุกของเทคโนโลยีเครื่องจักรเข้าไปในขอบเขตของศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ เช่น เครื่องประดับ การทอพรม และการตัดเย็บ ซึ่งทำให้คุณภาพทางศิลปะลดลงอย่างมาก

ในรูปแบบของผลิตภัณฑ์ที่ผลิตจำนวนมากในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ยังไม่มีการพัฒนาสิ่งใหม่ในทางปฏิบัติ อย่างไรก็ตามความแปลกใหม่ของสถานการณ์ทั่วไปในเวลานี้มีส่วนช่วยในการสร้างข้อกำหนดเบื้องต้นภายในสำหรับภารกิจที่เป็นนวัตกรรม - การรับรู้ถึงการค้นหาโวหารซึ่งเป็นความต้องการเชิงสร้างสรรค์ที่สำคัญซึ่งเป็นการแสดงให้เห็นถึงความเป็นปัจเจกทางศิลปะของปรมาจารย์ หากจนถึงขณะนี้เทรนด์สไตล์ (โกธิค, เรเนซองส์, บาร็อค, คลาสสิค ฯลฯ ) ถือกำเนิดและแพร่กระจายตามกฎอันเป็นผลมาจากแนวโน้มทั่วไปที่เกือบจะ "ทั่วโลก" ตกผลึกตามธรรมชาติในการพัฒนาความงามของโลกจากนั้นจาก กลางศตวรรษที่ 19 ความคิดริเริ่มด้านโวหารถือเป็นความสำเร็จเชิงสร้างสรรค์โดยตรงของศิลปินหรือสถาปนิกแต่ละคน ในเรื่องนี้ความสนใจในมรดกทางศิลปะตลอดกาลและผู้คนมีเพิ่มมากขึ้นอย่างรวดเร็ว มรดกอันมั่งคั่งนี้กลายเป็นแหล่งที่มาของการเลียนแบบ การยืมโดยตรง หรืออยู่ภายใต้การประมวลผลที่สร้างสรรค์ที่แปลกประหลาด

โต๊ะสไตล์อาร์ตนูโวพร้อมเก้าอี้ ปลายศตวรรษที่ 19

เป็นผลให้ผลิตภัณฑ์จำนวนมากนำเสนอภาพที่ผสมผสานกันอย่างผิดปกติซึ่งมีการรำลึกถึงสมัยโบราณที่ชัดเจนหรือละเอียดอ่อน, ยุคโรมาเนสก์, โกธิค, ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอิตาลีหรือฝรั่งเศส, ศิลปะของไบแซนเทียมและรัสเซียโบราณ, บาร็อค ฯลฯ กะพริบ มักจะผสมผสานการออกแบบผลิตภัณฑ์เดียว ทั้งภายใน อาคาร ดังนั้นช่วงเวลานี้ในประวัติศาสตร์สถาปัตยกรรมและศิลปะประยุกต์จึงถูกเรียกว่าผสมผสาน ผลิตภัณฑ์ต่างๆ (โคมไฟ ถังโลหะ ราง จาน เก้าอี้สตูล ฯลฯ) ที่ค่อนข้างถูก แต่ผลิตขึ้นโดยไม่มีจุดประสงค์ทางศิลปะใดๆ มักจะอยู่ในรูปแบบที่น่าเกลียดและมีคุณภาพไม่ดี ยังคงเริ่มถูกนำมาใช้ในชีวิตประจำวันของผู้คน

การค้นหารูปแบบใหม่นั้นคำนึงถึงความต้องการที่แท้จริงในเงื่อนไขของการผลิตเครื่องจักร แนวทางใหม่ขั้นพื้นฐานในการสร้างรูปร่างของผลิตภัณฑ์ ในด้านหนึ่ง และการอนุรักษ์ประเพณีการตกแต่งในอดีต อื่น. ชนชั้นกระฎุมพีซึ่งเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ได้ครอบครองตำแหน่งที่แข็งแกร่งในเศรษฐกิจรัสเซียได้ต่อสู้เพื่ออุดมการณ์ทางศิลปะของตนเองในด้านสถาปัตยกรรมและการออกแบบ - ลัทธิแห่งเหตุผลและเสรีภาพสัมพัทธ์จากวัฒนธรรมเก่าแก่ของวัฒนธรรมอันสูงส่งสนับสนุนในงานศิลปะ ทุกสิ่งที่สามารถแข่งขันกับสไตล์ในอดีตได้ นี่คือลักษณะของสไตล์อาร์ตนูโวที่ปรากฏในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 - "ศิลปะใหม่" ในเบลเยียมบริเตนใหญ่และสหรัฐอเมริกา "Jugendstil" ในเยอรมนี "สไตล์การแยกตัว" ในออสเตรีย "ฟรีสไตล์" ในอิตาลี ชื่อของมัน - "สมัยใหม่" (จากภาษาฝรั่งเศสสมัยใหม่) แปลว่า "ใหม่ทันสมัย" - จาก lat modo - “เมื่อกี้ เร็วๆ นี้” ในรูปแบบที่บริสุทธิ์ จางหายไปและผสมกับการเคลื่อนไหวโวหารอื่น ๆ มันกินเวลาค่อนข้างสั้นจนกระทั่งประมาณปี 1920 หรือประมาณ 20-25 ปี เช่นเดียวกับการเคลื่อนไหวโวหารเกือบทั้งหมดของศตวรรษที่ 17-20

อาร์ตนูโวมีความหลากหลายในประเทศต่าง ๆ และในผลงานของปรมาจารย์แต่ละคนซึ่งทำให้ความเข้าใจในปัญหาที่พวกเขาแก้ไขมีความซับซ้อน อย่างไรก็ตาม การกำจัดลวดลายและเทคนิคการตกแต่งและประดับที่ใช้ก่อนหน้านี้ทั้งหมดเกือบทั้งหมดและการต่ออายุที่รุนแรงกลายเป็นลักษณะเฉพาะ บัวแบบดั้งเดิม, ดอกกุหลาบ, เมืองหลวง, ฟลุต, เข็มขัด "คลื่นม้วน" ฯลฯ จะถูกแทนที่ด้วยพืชท้องถิ่นเก๋ ๆ (ลิลลี่, ไอริส, ดอกคาร์เนชั่น ฯลฯ ) หัวของผู้หญิงที่มีผมหยิกยาว ฯลฯ มักจะไม่มีการตกแต่งเลย และเอฟเฟกต์ทางศิลปะเกิดขึ้นได้จากการแสดงออกของภาพเงา การแบ่งรูปแบบ เส้น มักจะวาดอย่างประณีต ราวกับว่าไหลอย่างอิสระและเร้าใจ ในรูปแบบของผลิตภัณฑ์อาร์ตนูโว เรามักจะสัมผัสถึงเจตจำนงอันแปลกประหลาดของศิลปิน ความตึงเครียดของเชือกที่ตึงแน่น และสัดส่วนที่เกินจริง ในการแสดงอาการที่รุนแรงทั้งหมดนี้รุนแรงขึ้นอย่างมากและยกระดับไปสู่หลักการ บางครั้งมีการเพิกเฉยต่อตรรกะที่สร้างสรรค์ของรูปแบบ เกือบจะเป็นการหลอกลวงความกระตือรือร้นในการทำงานด้านที่งดงาม โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการออกแบบตกแต่งภายใน ซึ่งมักจะแสดงละครอย่างตระการตา

แม้จะมีจุดอ่อนทั้งหมด - ความเสแสร้งบางครั้งความดังของรูปแบบ แต่แนวทางใหม่ในการแก้ปัญหาอาคารการตกแต่งภายในการตกแต่งด้วยตรรกะของการแก้ปัญหาการใช้งานเชิงสร้างสรรค์และเทคโนโลยีก็เกิดขึ้น

เชิงเทียนสไตล์อาร์ตนูโว จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20

ชุดจาน. ปลายศตวรรษที่ 19

โต๊ะเครื่องแป้งจากยุคอาร์ตนูโว จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20

อาร์ตนูโวในตัวอย่างส่วนใหญ่ไม่ได้ละทิ้งการตกแต่งผลิตภัณฑ์ แต่เพียงเปลี่ยนลวดลายและเทคนิคการตกแต่งแบบเก่าด้วยของใหม่ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ในช่วงเวลาแห่งชัยชนะของรูปแบบใหม่แฟชั่นสำหรับรูปแบบเก่ากลับมาอีกครั้งอย่างขี้อายในตอนแรกจากนั้นก็แพร่หลายซึ่งมีความเกี่ยวข้องที่รู้จักกันดีกับการเริ่มต้นของการเตรียมการเฉลิมฉลอง เนื่องในโอกาสครบรอบหนึ่งร้อยปีแห่งสงครามรักชาติ ค.ศ. 1812 นิทรรศการ "ศิลปะสมัยใหม่" ซึ่งจัดขึ้นที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อปี พ.ศ. 2446 แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงการกำเนิดของ "ความทันสมัยแบบคลาสสิก"

ผลลัพธ์ของความทันสมัยมีความซับซ้อน นี่คือการทำให้ศิลปะประยุกต์บริสุทธิ์จากการผสมผสาน และจาก "การต่อต้านเครื่องจักร" ของผู้ชนะเลิศด้านหัตถกรรม และจากความพยายามที่ล้มเหลวในการฟื้นฟูรูปแบบในอดีต สิ่งเหล่านี้เป็นสัญญาณแรกของสถาปัตยกรรมและศิลปะประยุกต์ที่เข้าสู่เส้นทางของฟังก์ชันนิยมและคอนสตรัคติวิสต์ เส้นทางของการออกแบบสมัยใหม่ ในเวลาเดียวกันในไม่ช้าก็เผยให้เห็นแนวโน้มที่จะโอนสไตล์ของชาติอาร์ตนูโวทำให้เกิดคลื่นลูกใหม่ของภารกิจการตกแต่งล้วนๆ จิตรกรหลายคนหันไปหางานศิลปะประยุกต์และการออกแบบตกแต่งภายใน (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin ฯลฯ ) โดยมุ่งสู่สีสันของเทพนิยายรัสเซีย "ขนมปังขิง" ฯลฯ ในมุมมองของ กระบวนการทางประวัติศาสตร์ที่ตามมา การแก้ปัญหาเร่งด่วนของการผลิตทางอุตสาหกรรมขนาดใหญ่ การทดลองดังกล่าวไม่สามารถมีความสำคัญทางอุดมการณ์และศิลปะอย่างจริงจังแม้ว่าพวกเขาจะให้แรงผลักดันในการพัฒนาศิลปะประยุกต์สาขาอื่น - งานฝีมือศิลปะและโดยเฉพาะศิลปะการแสดงละครและการตกแต่ง

ความทันสมัยได้ชัดเจนและเตรียมหนทางสำหรับการสร้างหลักการด้านสุนทรียะและความคิดสร้างสรรค์ใหม่ในศิลปะของการสร้างสรรค์สิ่งต่าง ๆ ในชีวิตประจำวันและเร่งการเกิดขึ้นของอาชีพศิลปะใหม่ - การออกแบบทางศิลปะ

การก่อตัวของฟังก์ชันนิยมและคอนสตรัคติวิสต์ในทิศทางพิเศษในสถาปัตยกรรมและการออกแบบทางศิลปะของประเทศตะวันตกเกิดขึ้นในช่วงปลายทศวรรษที่ 1910 ซึ่งเกี่ยวข้องกับการรักษาเสถียรภาพของชีวิตและความสำเร็จทางเศรษฐกิจหลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง แต่รากฐานพื้นฐานของสถาปัตยกรรมสมัยใหม่ใหม่ถูกกำหนดไว้ในช่วงก่อนสงครามในงานของสถาปนิกเช่น T. Garnier และ O. Perret (ฝรั่งเศส), H. Berlaga (ฮอลแลนด์), A. Loos (ออสเตรีย), P. Behrens (เยอรมนี), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (รัสเซีย) ฯลฯ พวกเขาแต่ละคนเอาชนะอิทธิพลของความทันสมัยและต่อสู้ในแบบของตนเอง

ในปีพ.ศ. 2461 มีการจัดตั้งแผนกพิเศษสำหรับสถาปัตยกรรมและอุตสาหกรรมศิลปะภายใต้แผนกวิจิตรศิลป์ของคณะกรรมการประชาชนเพื่อการศึกษา ให้ความสนใจอย่างจริงจังกับปัญหาของผู้เชี่ยวชาญด้านการฝึกอบรม ในปีพ. ศ. 2463 V.I. เลนินได้ลงนามในพระราชกฤษฎีกาเกี่ยวกับการจัดตั้งการประชุมเชิงปฏิบัติการศิลปะและเทคนิคระดับสูง (VKHUTEMAS) ผู้สำเร็จการศึกษาได้สร้างสรรค์ตัวอย่างผ้า เฟอร์นิเจอร์ จาน ฯลฯ ใหม่

การฝึกอบรมในการประชุมเชิงปฏิบัติการ (ในปี 1927 เปลี่ยนเป็นสถาบันศิลปะและเทคนิค VKHUTEIN All-Union) ดำเนินการในคณะ: สถาปัตยกรรม เซรามิก สิ่งทอ ฯลฯ ที่คณะแปรรูปไม้และโลหะ ภายใต้การดูแลของ A. Rodchenko, D. . Lisitsky, V. Tatlin และปรมาจารย์คนอื่นๆ ค้นหารูปแบบและการออกแบบใหม่ของวัตถุต่างๆ กิจกรรมทั้งหมดของ VKHUTEMAS มีวัตถุประสงค์เพื่อพัฒนานักเรียนให้มีทักษะในแนวทางบูรณาการในการออกแบบสภาพแวดล้อมในชีวิตประจำวันและการผลิต

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 การเคลื่อนไหวของ "ศิลปะอุตสาหกรรม" เกิดขึ้น โดยพัฒนาหลักการของฟังก์ชันนิยมและคอนสตรัคติวิสต์ ซึ่งพยายามสร้างในใจของศิลปินถึงอุดมคติทางสุนทรีย์ของการผลิตวัสดุที่จัดอย่างมีเหตุผล ศิลปะรูปแบบใดๆ ก่อนหน้านี้ได้รับการประกาศให้เป็นชนชั้นกระฎุมพีว่าเป็น “นักโปรดักชั่นนิสต์” และไม่เป็นที่ยอมรับของชนชั้นกรรมาชีพ ดังนั้นพวกเขาจึงปฏิเสธไม่เพียง แต่งานศิลปะที่ "ไร้ประโยชน์ในทางปฏิบัติ" แต่ยังรวมถึงความคิดสร้างสรรค์ในการตกแต่งอย่างหมดจดเช่นเครื่องประดับ ในยุค 20 สภาวะทางเทคนิคและเศรษฐกิจในประเทศของเรายังไม่สุกงอมสำหรับการนำแนวคิดของพวกเขาไปใช้

VKHUTEMAS และ "คนงานฝ่ายผลิต" ในช่วงทศวรรษที่ 1920 มีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับ Bauhaus ในเชิงอุดมคติและเชิงสุนทรีย์ และในช่วงเวลาสำคัญๆ หลายประการ แสดงให้เห็นโดยพื้นฐานแล้วเป็นการเคลื่อนไหวเดียวในการออกแบบทางศิลปะในยุคนั้น ภายในกรอบของการเคลื่อนไหวใหม่นี้ สุนทรียศาสตร์ของการออกแบบสมัยใหม่ได้ถูกสร้างขึ้น เพื่อเอาชนะความขัดแย้งในศิลปะประยุกต์ในยุคก่อนหน้า กิจกรรมทางศิลปะเชิงปฏิบัติของผู้ก่อตั้งการออกแบบคือการพัฒนาคลังแสงแห่งศิลปะและวิธีแสดงออกของศิลปะในการสร้างสิ่งต่าง ๆ ในงานของพวกเขา (เฟอร์นิเจอร์ โคมไฟ จาน ผ้า ฯลฯ) ให้ความสนใจมากที่สุดกับคุณสมบัติของวัสดุและรูปแบบ เช่น พื้นผิว สี การแสดงออกของพลาสติก โครงสร้างจังหวะ ภาพเงา ฯลฯ ซึ่งได้รับความสำคัญอย่างเด็ดขาดใน ผลิตภัณฑ์องค์ประกอบโดยไม่ขัดแย้งกับข้อกำหนดของตรรกะเชิงสร้างสรรค์และความสามารถในการผลิตของแบบฟอร์ม อีกทิศทางหนึ่งที่ประสบความสำเร็จในการพัฒนาในประเทศของเราในช่วงทศวรรษที่ 20 คือการออกแบบทางวิศวกรรม ในปีพ. ศ. 2468 ในมอสโกตามการออกแบบของวิศวกรที่โดดเด่น V. Shukhov หอวิทยุที่มีชื่อเสียงได้ถูกสร้างขึ้นซึ่งเป็นภาพเงาฉลุซึ่งกลายเป็นสัญลักษณ์ของวิทยุโซเวียตมาเป็นเวลานาน หนึ่งปีก่อนหน้านี้ J. Gakkel สร้างขึ้นจากความก้าวหน้าทางเทคโนโลยีล่าสุดซึ่งเป็นหัวรถจักรดีเซลโซเวียตคันแรกซึ่งรูปร่างของวันนี้ยังดูค่อนข้างทันสมัย ในช่วงทศวรรษที่ 1920 ความจำเป็นในการวิจัยทางวิทยาศาสตร์เกี่ยวกับรูปแบบของกิจกรรมของมนุษย์ในสภาพแวดล้อมที่สร้างขึ้นโดยมนุษย์ได้รับการตระหนักรู้ กำลังจัดตั้งสถาบันแรงงานกลาง โดยมีการดำเนินการวิจัยภายในกำแพงในประเด็นขององค์กรทางวิทยาศาสตร์ด้านแรงงานและวัฒนธรรมการผลิต นักวิทยาศาสตร์และนักออกแบบสนใจประเด็นทางชีวกลศาสตร์ ประสาทสัมผัส ฯลฯ ผลงานที่โดดเด่นในช่วงหลายปีที่ผ่านมาคือการออกแบบสถานที่ทำงานของคนขับรถราง (N. Bernstein)

ครับ กักเกล.หัวรถจักร. ต้นทศวรรษ 1930

สถานที่สำคัญในวัฒนธรรมแห่งศตวรรษที่ 18 ครอบครองโดยศิลปะการตกแต่งและประยุกต์ การออกแบบตกแต่งภายในในสไตล์ Rococo ทำให้พื้นที่สว่าง ผนังดูบาง ซ่อนอยู่หลังแผงตกแต่งและกระจกที่สะท้อนถึงกัน และหน้าจอก็มีบทบาทสำคัญ เฟอร์นิเจอร์ดูหรูหรา ดูเปราะบาง และมีรูปทรงที่แปลกประหลาด โทนสีของวอลเปเปอร์และเฟอร์นิเจอร์โดดเด่นด้วยสีพาสเทล

ห้องนี้ควรจะให้ความรู้สึกเหมือนห้องส่วนตัว (ห้องที่มีไว้เพื่อการสื่อสารกับคนใกล้ชิดเท่านั้น)

การตกแต่งภายในแบบโรโกโกมักได้รับการเสริมด้วยผลิตภัณฑ์จีนของแท้ เช่น ฉากกั้น เครื่องเคลือบดินเผา การทาสีเคลือบ หรือองค์ประกอบการตกแต่งที่มีสไตล์เหมือนภาพวาดจีน

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 18 ด้วยการพัฒนาของนีโอคลาสซิซิสซึ่ม การออกแบบภายในจึงเรียบง่ายและค่อนข้างเข้มงวด หากการตกแต่งภายในแบบฝรั่งเศสเป็นตัวอย่างของ Rococo การตกแต่งภายในแบบอังกฤษก็เป็นตัวอย่างของนีโอคลาสสิก การตกแต่งภายในของสถาปนิกชาวอังกฤษมีชื่อเสียงเป็นพิเศษ โรเบิร์ต อดัม(1728-1792) เมื่อสร้างคฤหาสน์ ศิลปินจะตกแต่งด้วยเสา เสา และประติมากรรม สไตล์นี้เรียกว่า "สไตล์อดัม" มีความโดดเด่นด้วยความสง่างามและการตกแต่ง ซึ่งบางครั้งก็รวมถึงวัตถุโบราณของแท้ด้วย

ในเสื้อผ้าและทรงผมของศตวรรษที่ 18 การเปลี่ยนแปลงสไตล์ก็ถูกเปิดเผยเช่นกัน ในยุคของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 การปรากฏตัวของบุคคลกลายเป็นงานศิลปะ: ห้องน้ำของขุนนางนั้นประณีตและซับซ้อนทรงผมที่ยอดเยี่ยม (วิกผมกลายเป็นแฟชั่น) จุดด่างดำบนใบหน้าที่ทาแป้งกลายเป็นภาษาพิเศษในบทสนทนาความรัก “ ผู้หญิงที่แต่งตัวและหวีเหมือนของเล่นและสวมรองเท้าส้นสูงแคบต้องก้าวอย่างระมัดระวังเพื่อรักษาสมดุลและไม่กระจุย - สิ่งนี้พัฒนานิสัยของการเดินลอยตัวและการเคลื่อนไหวที่ราบรื่นของมินูเอต พวกเขาต้องการเห็นผู้หญิงเป็นตุ๊กตาล้ำค่า นกแห่งสวรรค์ หรือดอกไม้ที่สวยงาม สภาพแวดล้อมที่โปร่งสบายและน่าอัศจรรย์ของการตกแต่งภายใน Rocaille เหมาะกับสิ่งมีชีวิตเหล่านี้” (2, 45)

ชุดสูท โดยเฉพาะสำหรับผู้หญิง จะกลายเป็นงานศิลปะ เครื่องแต่งกายชุดนี้ดูอึดอัดและใช้งานไม่ได้ แต่มีเสน่ห์อย่างยิ่ง

ชุดสูทของผู้ชายมีความหรูหราไม่แพ้ชุดสูทของผู้หญิง และเลือกเฉดสีพาสเทลอันละเอียดอ่อน

ความรักในทุกสิ่งที่หรูหรามีส่วนทำให้เครื่องประดับและเครื่องลายครามเจริญรุ่งเรือง

ความรุ่งเรืองของศิลปะเครื่องลายครามของยุโรปก็เกิดขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 เช่นกัน และมีความเกี่ยวข้องกับสไตล์โรโคโค ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือเครื่องลายครามฝรั่งเศสจากเมือง Sevres และเครื่องลายครามเยอรมันจาก Meissen (แซกโซนี) ในการเรียบเรียงของพวกเขาปรมาจารย์ของ Meissen บรรยายถึง "การเฉลิมฉลองที่กล้าหาญ" - ความบันเทิงอันซับซ้อนของขุนนาง

โรโกโกไม่ใช่สไตล์เช่นโกธิคและบาโรก มันไม่ได้กลายเป็นขบวนการทางศิลปะขนาดใหญ่และองค์รวม การเผยแพร่รสนิยมของยุครีเจนซี่ถูกเตรียมโดยชะตากรรมของขุนนางฝรั่งเศสผู้เจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 18 เพียงสิ่งเดียวเท่านั้นคือการสร้างชีวิตที่รุ่งเรืองและมีความสุข มันเป็นชีวิตที่ไม่ได้ใช้งาน รายล้อมไปด้วยความหรูหราหรูหรา ศิลปะเป็นการประดับประดาชีวิตว่างๆ ของขุนนางฝรั่งเศส

มัณฑนศิลป์มีบทบาทพิเศษ (แม้แต่ศาสตร์การทำอาหารก็ยังยกระดับเป็นศิลปะ)

หน้าที่หลักของศิลปะคือการทำให้พอใจ ตัวศิลปะเองนั้นถูกระบุด้วยความหรูหรา ความสนุกสนาน และการเยาะเย้ย

กระจกเงากลายเป็นของตกแต่งผนังยอดนิยมโดยวางตรงข้ามกันทำให้สะท้อนแสงได้ไม่รู้จบ

ความต้องการสินค้าฟุ่มเฟือยทำให้เกิดการผลิตเชิงศิลปะทั้งสาขาในฝรั่งเศสด้วยผลงานของผู้ผลิตเฟอร์นิเจอร์ ช่างทอ ช่างสร้างแบบจำลอง ช่างอัญมณี และช่างปัก

ลวดลายตกแต่งสไตล์โรโคโคที่ชื่นชอบคือเปลือกหอย ลำต้น และดอกไม้

ในด้านการตกแต่ง นีโอคลาสสิกนิยมหันไปที่ภายในห้องโถงซึ่งตกแต่งในสไตล์โบราณ การหาประโยชน์ของกองทัพนโปเลียนนำมาซึ่งลวดลายการตกแต่งใหม่: ดาบ, แบนเนอร์ ในช่วงยุคนโปเลียน การเปลี่ยนแปลงเกิดขึ้นในด้านเสื้อผ้าและทรงผม แฟชั่นแพร่กระจายไปสู่ทุกสิ่งในสมัยโบราณตั้งแต่ภาพเงาและการตัดเดรสที่ชวนให้นึกถึงไคตันและเสื้อคลุมไปจนถึงลอนผมหลวม ๆ ไม่เพียงแต่กระโปรงผายก้นและห่วงหายไป แต่ยังรวมถึงเพชรด้วย หินแกะสลักที่ประกอบเป็นกรอบ (อัญมณี) กลายเป็นแฟชั่น

ไม่เหมือนกับศิลปะประเภทอื่นๆ ในวงการดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18 พิสดารเป็นขบวนการสไตล์ยังคงแสดงกันอย่างแพร่หลาย ปรมาจารย์ด้านดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคบาโรกคือบาคและฮันเดล

โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค(ค.ศ. 1685-1750) เป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 18 และพลังทางดนตรีของเขาเพิ่มมากขึ้นเรื่อยๆ งานแต่งของเขามีความหลากหลายอย่างน่าประหลาดใจแม้ภายนอกเขาจะมีชีวิตที่เรียบง่าย (เขาเป็นผู้ร้อง - ผู้นำและผู้ควบคุมวงนักร้องประสานเสียงในโบสถ์) บาคเคร่งศาสนาอย่างลึกซึ้งและยึดมั่นในศาสนาโปรเตสแตนต์ตั้งแต่วัยเด็ก การปฏิรูปในเยอรมนีเองที่ทำให้เกิดความกระตือรือร้นของการขับร้องประสานเสียงของโปรเตสแตนต์ (การร้องเพลงประสานเสียง) ด้วยการทำให้พิธีกรรมในโบสถ์เรียบง่ายและเข้มงวดมากขึ้น ลัทธิโปรเตสแตนต์จึงเพิ่มความสำคัญของดนตรีในนั้น คริสตจักรกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะดนตรี และผู้เล่นออร์แกนของโบสถ์ก็เป็นตัวแทนของคริสตจักร ศิลปะออร์แกนแพร่หลายอย่างมากในเยอรมนี จึงไม่น่าแปลกใจที่ออร์แกนจะอยู่เคียงข้างมาตลอดชีวิตของบาค มรดกทางออร์แกนของเขามีหลายประเภท โดยเฉพาะอย่างยิ่งการขับร้องประสานเสียงและวงจรโพลีโฟนิกสองส่วนที่โดดเด่น ลความทรงจำ ดนตรีของบาคสื่อถึงความอ่อนน้อมถ่อมตนทางศาสนา ความน่าสมเพช การแต่งเนื้อร้อง และแรงกระตุ้น นอกจากความเป็นธรรมชาติและความเรียบง่ายแล้ว ผลงานของเขายังโดดเด่นด้วยความประณีตและความสำคัญ ในบรรดาผลงานทางดนตรีของ Bach มีผลงานชิ้นเอกที่แท้จริงจำนวนมากที่ได้รับการยอมรับทั่วโลก

ถัดจากบาคคือบุคคลสำคัญของละครเพลงสไตล์บาโรกอีกคนหนึ่ง - จอร์จ ฟริดริก ฮันเดล(1685-1759) ชีวิตของเขาเกิดขึ้นในเมืองใหญ่ของยุโรปเขาได้รับการศึกษาด้านดนตรีที่ยอดเยี่ยม โอเปร่าเรื่องแรกที่รินัลโดจัดแสดงในลอนดอนทำให้ฮันเดลมีชื่อเสียง ฮันเดลเขียนดนตรีในหลายประเภท แต่จุดสุดยอดของมรดกของเขานั้นถูกสร้างขึ้นโดย oratorios (ผลงานร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ที่มีโครงเรื่องที่พัฒนาขึ้น) แหล่งที่มาทางวรรณกรรมของ oratorios ที่มีชื่อเสียงที่สุดของนักแต่งเพลงคือส่วนแรกของพระคัมภีร์ - พันธสัญญาเดิม ฮันเดลอาศัยอยู่ในอังกฤษและเหตุการณ์ในประวัติศาสตร์การเมืองตลอดจนขอบเขตมหากาพย์ของเรื่องราวในพระคัมภีร์ไบเบิลไม่สามารถกระตุ้นความสนใจของเขาได้

ผู้แต่งมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยธีมทางแพ่ง ฮันเดลชื่นชมพลังแห่งความหลงใหลของมนุษย์โดยการเลือกหัวข้อในพระคัมภีร์ มันเป็นความหลงใหล พลวัต และภาพลักษณ์ของการเผชิญหน้าที่เป็นลักษณะเฉพาะของยุคบาโรก

หากเป็นช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ในด้านดนตรี บาร็อคถูกกำหนดให้เป็นสไตล์ดนตรี จากนั้นครึ่งหลังของมันก็กลายเป็นยุครุ่งเรืองของผลงานของนักประพันธ์เพลงในโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา:

กลุค, ไฮเดิน, โมสาร์ท และเบโธเฟน ความสำเร็จสูงสุดของลัทธิคลาสสิกมีความเกี่ยวข้องกับเวียนนาซึ่งเป็นเมืองหลวงของจักรวรรดิออสเตรียอันกว้างใหญ่ซึ่งเป็นเมืองที่เต็มไปด้วยดนตรี

โรงเรียนคลาสสิกเวียนนาตอบสนองต่อความรู้สึกและแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ ศิลปะดนตรีสะท้อนให้เห็นถึงการแสวงหาจิตวิญญาณและกระบวนการทางศิลปะที่เป็นข้อขัดแย้งในยุคนั้น ตัวอย่างเช่น Lessing มีอิทธิพลต่องานของ Mozart

หลักการของลัทธิคลาสสิกพบว่ามีการนำไปใช้ในดนตรีแห่งการตรัสรู้

คริสตอฟ วิลลิบาลด์ กลัค(1714-1787) เข้าสู่ประวัติศาสตร์ดนตรีในฐานะนักปฏิรูปศิลปะโอเปร่า ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับรูปแบบโอเปร่าใหม่ โอเปร่าที่กลัคเขียนนั้นดูแปลกตาทั้งในด้านเนื้อหาและลักษณะการแสดงความรู้สึกของตัวละคร กิจกรรมของ Gluck เกิดขึ้นในเวียนนาและปารีส และยังเกี่ยวข้องกับการโต้เถียงในปรัชญาและสุนทรียภาพซึ่งมีนักการศึกษาเข้ามาเกี่ยวข้องด้วย พวกเขาวิพากษ์วิจารณ์โอเปร่าในราชสำนักและเชื่อว่าโรงละครโบราณผสมผสานดนตรี พลาสติก และคำประกาศออกมาได้อย่างลงตัว

กลัคพยายามสร้างละครโอเปร่าเพื่อให้มีความสมจริงและเป็นธรรมชาติ โอเปร่าที่ดีที่สุดทั้งหมดของ Gluck เริ่มต้นด้วย Orpheus เขียนขึ้นในหัวข้อโบราณซึ่งในนั้นผู้แต่งพบตัวละครที่ทรงพลังและความหลงใหลอันแรงกล้า ในช่วงชีวิตของ Gluck โอเปร่าของเขาก่อให้เกิดความขัดแย้งอย่างรุนแรง แต่กาลเวลาได้แสดงให้เห็นความอยู่รอดของหลักการต่างๆ และไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นคนอื่นๆ ได้นำหลักการเหล่านั้นไปใช้เช่นกัน

โจเซฟ ไฮเดิน(พ.ศ. 2275-2352) ยังคงเป็นวาทยกร (ผู้นำคณะนักร้องประสานเสียงและโบสถ์ออเคสตรา) เป็นเวลาเกือบสามทศวรรษและอุทิศเวลาว่างให้กับการแต่งเพลงเท่านั้น หาก Gluck ปฏิรูปโอเปร่า Haydn ก็สร้างซิมโฟนีที่สมบูรณ์แบบ เส้นทางสร้างสรรค์ของเขาดำเนินไปตามยุคศิลปะที่แตกต่างกัน แต่งานของนักแต่งเพลงมีความเชื่อมโยงโดยเฉพาะกับยุคแห่งการตรัสรู้ การตรัสรู้เชื่อในความก้าวหน้าของสังคมและมนุษย์ และดนตรีของ Haydn แสดงออกถึงการมองโลกในแง่ดีและความปรารถนาที่จะมีความสุข ผลงานสร้างสรรค์ของ Haydn ค่อนข้างมีเหตุผล: มีลักษณะเฉพาะด้วยความรอบคอบและความสามัคคีซึ่งสอดคล้องกับหลักการที่มีเหตุผลของการตรัสรู้ด้วย

ในบทปราศรัยของเขา Haydn หันไปใช้หัวข้อเรื่องธรรมชาติ ซึ่งเป็นลัทธิซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของผู้รู้แจ้งเช่นรุสโซ ไฮเดินคือผู้ที่กลายเป็นนักแต่งเพลงที่ฉลาดที่สุดแห่งการตรัสรู้

โวล์ฟกัง อะมาเดอุส โมสาร์ท(พ.ศ. 2299-2334) เริ่มแต่งเพลงตั้งแต่ยังเด็ก เดินทางบ่อย และได้รับชื่อเสียงตั้งแต่เนิ่นๆ เช่นเดียวกับกลัค โมสาร์ทกลายเป็นนักปฏิรูปโอเปร่าผู้ยิ่งใหญ่ ไม่เพียงแต่ประสานเสียงเท่านั้น แต่ยังปรับปรุงโอเปร่าด้วย โมซาร์ทได้แสดงความมุ่งมั่นต่อแนวคิดด้านการศึกษาโดยเลือกละครอย่าง "Crazy Day หรือ The Marriage of Figaro" ใน The Magic Flute ผู้แต่งนำเสนอยูโทเปียประเภทหนึ่ง ซึ่งใกล้เคียงกับความเชื่อของการตรัสรู้ในความก้าวหน้าทางศีลธรรมของมนุษยชาติ ดนตรีของโมสาร์ทผสมผสานความเป็นธรรมชาติและความกลมกลืน ความจริงใจและความสมบูรณ์แบบ ความชัดเจนไร้ที่ติ และความตื่นเต้นที่สั่นไหวได้อย่างน่าอัศจรรย์ ความสำเร็จสูงสุดของดนตรีของโมสาร์ทคือ "บังสุกุล" อันโด่งดังซึ่งเป็นผลงานชิ้นสุดท้ายของเขา

เยอรมัน นักแต่งเพลง ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน(พ.ศ. 2313-2370) ใช้เวลาส่วนใหญ่ในกรุงเวียนนา งานเขียนของเขายังมีรอยประทับของการตรัสรู้อีกด้วย ผู้แต่งมีความโดดเด่นในแนวเพลงโซนาต้าและซิมโฟนีซึ่งในที่สุดก็เป็นรูปเป็นร่างในยุคนี้ ผลงานของเขาเผยให้เห็นความรอบคอบของแผนทั้งหมดและรายละเอียดส่วนบุคคลและความชัดเจนของรูปแบบ

ในผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาได้รวบรวมธีมที่กล้าหาญซึ่งเป็นธีมของการต่อสู้ซึ่งเชื่อมโยงทั้งกับบุคลิกภาพของนักแต่งเพลงเองและกับลักษณะเฉพาะของชีวประวัติของเขา: เขารอดชีวิตจากเหตุการณ์ของการปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่เมื่ออายุสิบเก้าปี เยาวชนอายุขวบ แม้ว่าแนวคิดเรื่องการตรัสรู้จะเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีของเบโธเฟน แต่เขาเป็นตัวแทนของยุคใหม่โดยคาดหวังถึงแนวโรแมนติก สไตล์ดนตรีของผู้แต่งแตกต่างจากศิลปะของเวียนนาคลาสสิกอื่นๆ ในด้านขอบเขต บทละคร และความแข็งแกร่งทางอารมณ์ เหล่านี้คือ "Pathétique Sonata", ซิมโฟนีที่สาม ("Eroic"), ซิมโฟนีที่ห้าและเก้าโดยเฉพาะ "Ode to Joy" ซึ่งสรุปเพลงสุดท้าย มรดกทั้งหมดของเบโธเฟนมีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรี โดยเฉพาะอย่างยิ่งการก่อตัวของแนวโรแมนติก