นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18

การพัฒนาฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับเงื่อนไขของศาลและชีวิตอันสูงส่ง ดังที่ได้กล่าวไปแล้ว ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ของฝรั่งเศสมีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะ วรรณกรรม ภาพวาด ประติมากรรม ดนตรีและการละครถูกนำมาใช้เพื่อเชิดชูอำนาจของกษัตริย์และสร้างรัศมีอันเจิดจ้ารอบ “ราชาแห่งดวงอาทิตย์” (เนื่องจากพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ได้รับฉายาจากชนชั้นสูงในยุคเดียวกัน) ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ในรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 ลัทธิสมบูรณาญาสิทธิราชย์ของฝรั่งเศสประสบความเสื่อมถอยลงอย่างค่อยเป็นค่อยไป กลายเป็นอุปสรรคต่อเส้นทางการพัฒนาสังคมของประเทศ เงินทุนจำนวนมหาศาลที่กษัตริย์และขุนนางได้รับจากมรดกแห่งที่สามนั้นถูกใช้ไปกับความฟุ่มเฟือยและความสุขทางสังคม หลักคำสอนในชีวิตของพวกเขาแสดงออกมาอย่างเหมาะสมด้วยวลีอันโด่งดัง: “ตามเรามา แม้แต่น้ำท่วม!” ภายใต้เงื่อนไขเหล่านี้ สไตล์ที่กล้าหาญ (หรือโรโกโก) ก็เริ่มแพร่หลาย สะท้อนชีวิตความเป็นอยู่ของสังคมฆราวาสอย่างชัดเจน การเฉลิมฉลอง งานเต้นรำ การสวมหน้ากาก งานอภิบาล - สิ่งเหล่านี้คือหัวข้อที่ใช้บ่อยโดยเฉพาะในงานศิลปะโรโกโก จิตรกรชาวฝรั่งเศสที่มีพรสวรรค์ในเวลานี้ Antoine Watteau ได้สร้างชุดภาพวาดในหัวข้อที่คล้ายกัน “ลูกบอลใต้โคลอนเนด”, “การเฉลิมฉลองที่แวร์ซาย”, “ล่องเรือสู่เกาะไซเธอรา” (เทพีแห่งความรัก - วีนัส) และอื่นๆ อีกมากมาย

การเกี้ยวพาราสีเล็กน้อย การประดับประดา และ "ความรักอันกล้าหาญ" ทำให้ความสนุกสนานของขุนนางมีความพิเศษเป็นพิเศษ ผู้หญิงสังคมเป็นจุดสนใจของความบันเทิงและศิลปะนี้ มีการเขียนบทกวีเกี่ยวกับเธอ เธอวาดภาพและอุทิศผลงานดนตรีให้กับเธอ
ศิลปะโรโคโคมีลักษณะเป็นรูปย่อส่วน ศิลปินสร้างภาพวาดขนาดเล็กเป็นส่วนใหญ่ โดยมีรูปร่างของคนดูเหมือนตุ๊กตา และฉากก็เหมือนของเล่น เป็นที่น่าสังเกตว่าในชีวิตประจำวันคนฆราวาสรายล้อมตัวเองด้วยเครื่องประดับเล็ก ๆ น้อย ๆ ที่ไม่มีที่สิ้นสุด แม้แต่หนังสือก็ถูกพิมพ์ด้วยขนาดที่เล็กผิดปกติ

ความหลงใหลในของจิ๋วสะท้อนให้เห็นอย่างชัดเจนจากการใช้เครื่องประดับอย่างล้นเหลือ การตกแต่งภายใน เฟอร์นิเจอร์ และเสื้อผ้าก็ตกแต่งด้วยเครื่องประดับ นักวิจารณ์ศิลปะคนหนึ่งคำนวณว่าหากคลี่คันธนูจำนวนนับไม่ถ้วนที่ใช้ประดับชุดสูทในสมัยนั้นออกและเชื่อมต่อเข้าด้วยกัน ผลลัพธ์ที่ได้จะเป็นริบบิ้นยาวหลายสิบเมตร
เครื่องประดับปูนปั้นที่งดงามและงดงามในสไตล์โรโคโคนั้นโดดเด่นด้วยความละเอียดอ่อนและความสง่างาม ลักษณะเฉพาะของมันคือการตกแต่งในรูปแบบของลอนซึ่งสไตล์ได้รับชื่อ (rococo มาจากคำภาษาฝรั่งเศส go-caille - เปลือก)
ฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสได้รับการพัฒนาตามศิลปะอันกล้าหาญนี้เป็นหลัก ตัวละครของเขาถูกกำหนดโดยความต้องการของสังคมโลกเป็นส่วนใหญ่
หากต้องการจินตนาการให้ชัดเจนยิ่งขึ้น ให้เราพาตัวเองไปที่ร้านทำผมสไตล์ฝรั่งเศสในยุคนั้นด้วยการตกแต่งที่หรูหรา เฟอร์นิเจอร์มีสไตล์ และฮาร์ปซิคอร์ดที่ตกแต่งอย่างหรูหราบนขาโค้งบาง ๆ ท่านสุภาพสตรีและสุภาพบุรุษผู้กล้าหาญที่สวมวิกกำลังพูดคุยกันแบบเป็นกันเอง ด้วยความต้องการที่จะให้ความบันเทิงแก่แขก เจ้าของร้านเสริมสวยจึงเชิญนักดนตรีประจำบ้านหรือมือสมัครเล่นที่รู้จัก "พรสวรรค์" ของเธอมา "ลอง" เครื่องดนตรี นักแสดงที่นี่ไม่ได้คาดหวังให้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะเชิงลึก ซึ่งเต็มไปด้วยแนวคิดที่สำคัญและความหลงใหลอันแรงกล้า โดยพื้นฐานแล้วการเล่นของนักฮาร์ปซิคอร์ดควรดำเนินต่อไปด้วยคำพูดเล็กๆ น้อยๆ แบบเดิม ซึ่งแสดงในภาษาของเสียงดนตรีเท่านั้น
ทัศนคติต่อศิลปะในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงคืออะไรสามารถเห็นได้จากบทกวีของกวีชาวฝรั่งเศสในยุครุ่งเรืองของสไตล์โรโคโค Desforges Meillard:

ความสามัคคีถูกสร้างขึ้นด้วยมือของคุณ
โอบกอดด้วยเสน่ห์อันน่าพิศวงและอ่อนหวาน
สับสนฉันมอบวิญญาณของฉันเข้าไปในอำนาจของเขา
ฉันเห็นว่านิ้วเบาเหมือนกามเทพ -
โอ้พ่อมดผู้ชาญฉลาด! โอ้ผู้ทรราชผู้อ่อนโยน! -
พวกเขาเร่ร่อนวิ่งไปตามกุญแจที่เชื่อฟัง
พวกมันโบยบินด้วยการแสดงตลกอันน่าหลงใหลนับพัน
เด็กๆ ชาวไซปรัส ขี้เล่นและน่ารักจริงๆ
แต่เพื่อขโมยหัวใจถึงแม้จะไม่มีพวกเขาก็ตาม
ก็เพียงพอแล้วที่พี่ชายและแม่ของพวกเขาจะได้รับชัยชนะ
พวกมันครอบงำบนริมฝีปากของคุณและเป็นประกายในดวงตาของคุณ** (153, หน้า 465)
(แปลโดย E. N. Alekseeva)

กาแล็กซีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และต้นศตวรรษที่ 18 เต็มไปด้วยชื่อต่างๆ เช่น Francois Couperin, Jean-Philippe Rameau, Louis Daquin และ Francois Dandrieu คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของสไตล์โรโคโคนั้นแสดงออกมาอย่างชัดเจนในงานของพวกเขา ในเวลาเดียวกันนักดนตรีเหล่านี้มักจะเอาชนะข้อกำหนดด้านสุนทรียภาพที่แพร่หลายและเกินขอบเขตของศิลปะโซเวียตที่สนุกสนานและธรรมดาอย่างแท้จริง
François Couperin (1668-1733) ซึ่งผู้ร่วมสมัยได้รับฉายาว่า "ผู้ยิ่งใหญ่" เป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของตระกูลนักดนตรี Couperin เมื่อยังหนุ่ม หลังจากที่พ่อของเขาเสียชีวิต เขาได้รับตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในโบสถ์แซงต์แชร์เวส์ในปารีส (ตำแหน่งนักเล่นออร์แกนในสมัยนั้นถือเป็นกรรมพันธุ์และสืบทอดมาในครอบครัวนักดนตรีจากรุ่นสู่รุ่น) ต่อจากนั้นเขาก็สามารถเป็นนักฮาร์ปซิคอร์ดในศาลได้ เขายังคงอยู่ในตำแหน่งนี้จนเกือบตาย
Couperin เป็นผู้แต่งผลงานฮาร์ปซิคอร์ดสี่ชุด ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1713, 1717, 1722 และ 1730 ซึ่งเป็นผลงานวงดนตรีสำหรับคลาเวียร์ที่มีเครื่องสายและเครื่องลม รวมถึงผลงานอื่นๆ ในบรรดาละครของเขามีเรื่องอภิบาลมากมาย (“The Reapers”, “Grape Pickers”, “Pastoral”) และ “ภาพเหมือนของผู้หญิง” ซึ่งรวบรวมภาพที่หลากหลาย (“Florentine”, “Twilight”, “Sister Monica”, “ ดรุณี" ). คุณสามารถพบลักษณะทางจิตวิทยาที่ละเอียดอ่อนในตัวพวกเขาได้ ไม่ใช่เพื่ออะไรเลยที่ผู้แต่งเขียนไว้ในคำนำของสมุดบันทึกเล่มแรกของบทละครของเขาว่าเขาพบว่า "ภาพบุคคล" เหล่านี้ "ค่อนข้างคล้ายกัน"
บทละครของ Couperin บางส่วนมีพื้นฐานมาจากการสร้างคำที่มีไหวพริบ: "The Alarm Clock", "The Chirping", "The Knitters"
ชื่อเหล่านี้ทั้งหมดเป็นไปตามอำเภอใจเป็นส่วนใหญ่ และมักจะสามารถถ่ายโอนจากชิ้นหนึ่งไปยังอีกชิ้นหนึ่งได้โดยไม่กระทบต่อความเข้าใจในความหมายของดนตรี ในขณะเดียวกันก็ต้องยอมรับว่าผู้แต่งมักจะสามารถสร้าง "ภาพร่างจากชีวิต" ที่มีลักษณะเฉพาะและเป็นความจริงได้
ในบทละครของ Couperin และนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ ในสมัยของเขา ท่วงทำนองที่ตกแต่งอย่างหรูหราครอบงำเสียงอื่นๆ อย่างชัดเจน บ่อยครั้งที่มีเพียงสองคนเท่านั้น (ดังนั้นเมื่อรวมกับท่วงทำนองพวกเขาจึงกลายเป็นผ้าสามเสียง) เสียงที่ตามมามักจะได้รับการดูแลตลอดทั้งงานและบางครั้งก็ได้รับความสำคัญอย่างเป็นอิสระ
การประดับประดาในบทละครของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีความหลากหลายและหลากหลาย ในทางโวหารมีความเกี่ยวข้องกับเครื่องประดับที่ทาสีและปูนปั้นของโรโคโค เมลิสมาล้อมรอบกรอบของแนวทำนองเหมือนไม้เลื้อยพันรอบลำต้นของต้นไม้ ทำให้เมลิสมามีความซับซ้อน ความแปลกใหม่ และ "ความโปร่งโล่ง" เป็นลักษณะเฉพาะที่ในฝรั่งเศสที่การตกแต่ง "พันรอบ" โน้ตไพเราะแพร่หลายและโดยทั่วไปมากที่สุด - กลุ่ม - ถูกกำหนดกราฟิกครั้งแรกโดยนักดนตรีชาวฝรั่งเศส (Chambonnière) Trills, Grace Notes และ Mordents ยังใช้กันอย่างแพร่หลายในดนตรีฝรั่งเศส
ในบทละครของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 เมื่อเปรียบเทียบกับผลงานของ Chambonnière การแต่งเพลงที่ไพเราะนั้นโดดเด่นด้วยการหายใจที่กว้างกว่า พัฒนาช่วงเวลาที่ชัดเจนโดยเตรียมรูปแบบของการพัฒนาอันไพเราะของคลาสสิกเวียนนา
ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับปัญหาการไพเราะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส มีคำถามที่สำคัญมากเกิดขึ้น - เกี่ยวกับความเชื่อมโยงของงานของพวกเขากับดนตรีพื้นบ้าน เมื่อมองแวบแรกอาจดูเหมือนไม่สัมผัสกับดินของผู้คน อย่างไรก็ตามข้อสรุปนี้คงจะรวดเร็วและผิดพลาด ความคิดของ K. A. Kuznetsov นั้นถูกต้องอย่างลึกซึ้งเมื่อเขายืนยันว่าใน Couperin "ผ่านเครื่องแต่งกายอันละเอียดอ่อนของชนชั้นสูงจากท่อนฮาร์ปซิคอร์ดของเขา ดนตรีของการเต้นรำรอบหมู่บ้าน เพลงของหมู่บ้าน ซึ่งมีโครงสร้างของมันดำเนินไป" (56, p. 120 ).
อันที่จริง ถ้าเราจินตนาการถึงแนวทำนองของบทละครเหล่านี้บางบทโดยไม่มีการตกแต่งประดับประดา เราจะได้ยินแนวคิดที่เรียบง่ายในจิตวิญญาณของเพลงพื้นบ้านของฝรั่งเศส
งานของคูเปรินเผยให้เห็นอาการการสลายตัวของห้องชุด แม้ว่าโดยทางผู้แต่งจะรวมบทละครของเขาเข้ากับวัฏจักร (เขาเรียกมันว่า ordres - ชุด) แต่ก็ไม่มีการเชื่อมโยงกันระหว่างแต่ละส่วนของชุด ข้อยกเว้นในเรื่องนี้หาได้ยาก สิ่งเหล่านี้อาจรวมถึงความพยายามที่น่าสนใจในการรวมบทละครหลายเรื่องเข้ากับแนวคิดโปรแกรมทั่วไป (ชุด "Young Years" รวมถึงบทละคร: "The Birth of the Muse", "Childhood", "Teenage Girl" และ "Delights" หรือ “โดมิโน” วงจร 12 ชิ้น วาดภาพหน้ากาก).

Couperin โดดเด่นด้วยภารกิจในสาขาของจิ๋วซึ่งสอดคล้องกับภารกิจในการรวบรวมอารมณ์ที่หลากหลายและงาน "เครื่องประดับ" ที่ดีในรายละเอียดไม่ใช่การค้นหารูปแบบที่ยิ่งใหญ่ที่สามารถถ่ายทอดแนวคิดทางอุดมการณ์ขนาดใหญ่ได้ ที่นี่เขาแสดงให้เห็นว่าตัวเองเป็นศิลปินที่ยึดมั่นในตำแหน่งสุนทรียะของโรโกโก
อย่างไรก็ตามหากเกี่ยวข้องกับการเลือกประเภทของงานฮาร์ปซิคอร์ด Couperin แสดงให้เห็นถึงแนวโน้มที่จะย้ายออกจากรูปแบบขนาดใหญ่ (ห้องสวีท) ดังนั้นงานจิ๋วของเขาก็ยังคงได้รับการพัฒนามากกว่าและมีขนาดใหญ่กว่าแต่ละส่วนของวงจรสวีทของวันที่ 17 ศตวรรษ. สิ่งใหม่และสำคัญอย่างยิ่งจากมุมมองของกระบวนการพัฒนางานศิลปะเครื่องมือในอนาคตคือการสร้างความแตกต่างระหว่าง Couperin ภายในงานที่แยกจากกัน (รูปแบบ rondo) ซึ่งทำให้งานของเขาแตกต่างจากผลงานของ Chambonnière อย่างชัดเจน จริงอยู่ ความแตกต่างของ Couperin ยังค่อนข้างต่ำ “บทคอรัส” และ “บทเพลง” ในบทละครของเขาไม่ได้มีความแตกต่างกันมากนักเหมือนกับบทร้องของเพลงคลาสสิกของเวียนนา นอกจากนี้ ดนตรีของ Couperin ยังเชื่อมโยงกับการเต้นรำมากกว่ามาก โดยในแง่นี้จะเป็น "ห้องสวีท" มากกว่า "โซนาต้า" อย่างไรก็ตาม ขั้นตอนสำคัญในการเตรียมสไตล์ของศิลปะคลาสสิกในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 โดยเฉพาะอย่างยิ่งโซนาตาแบบวน (โดยพื้นฐานแล้วเป็นการเคลื่อนไหวบางประเภทครั้งสุดท้าย) ได้ถูกยึดครองโดย Couperin แล้ว
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) เป็นตัวแทนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสรุ่นหลัง และถึงแม้ผลงานของเขาจะเรียงตามลำดับเวลากับของ Couperon แต่ก็มีคุณสมบัติใหม่เมื่อเปรียบเทียบกับรุ่นหลัง สิ่งใหม่ใน Rameau เห็นได้ชัดว่าถูกกำหนดโดยธรรมชาติของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขาที่ค่อนข้างแตกต่างไปจากของ Couperin และโดยหลักแล้วคือข้อเท็จจริงที่ว่าในช่วงแรกของชีวิตของเขา - ในช่วงหลายปีของการสร้างสรรค์งานคลาเวียร์ - เขามีความเกี่ยวข้อง กับวงสังคมอื่นๆ
ราโมเกิดในครอบครัวนักดนตรี ในวัยเด็ก เขาทำงานเป็นนักไวโอลินในคณะโอเปร่าซึ่งเขาเดินทางไปทั่วอิตาลี จากนั้นก็เป็นนักออร์แกนในเมืองต่างๆ ในฝรั่งเศส ในเวลาเดียวกัน Rameau มีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์ ในบรรดาผลงานอื่นๆ เขาได้สร้างบทละครมากมายและวงดนตรีสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดจำนวนหนึ่ง สิ่งสำคัญคือต้องทราบว่า Rameau ยังเขียนเพลงในช่วงหลายปีที่ผ่านมาสำหรับแนวประชาธิปไตยเช่นคอเมดีที่ยุติธรรม เขาใช้เพลงนี้บางส่วนเป็นฮาร์ปซิคอร์ด (อาจเป็นไปตามที่ T. N. Livanova แนะนำใน "แทมบูรีน" และ "หญิงชาวนา") ที่มีชื่อเสียง
Rameau นักแต่งเพลงโอเปร่าและฮาร์ปซิคอร์ดที่โดดเด่นยังเป็นนักทฤษฎีดนตรีที่มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี

มุมมองทางดนตรีที่กว้างขวาง งานสร้างสรรค์ในประเภทต่างๆ ตั้งแต่โอเปร่าไปจนถึงการแสดงตลกในเทศกาลฝรั่งเศส ประสบการณ์การแสดงที่หลากหลายในฐานะนักออร์แกน นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและนักไวโอลิน ทั้งหมดนี้สะท้อนให้เห็นในงานศิลปะบนคีย์บอร์ดของ Rameau ในบางแง่มุมมีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับงานของ F. Couperin มีบทละครหลายบทของนักประพันธ์เพลงเหล่านี้ที่มีสไตล์ใกล้เคียงกันมาก ไม่ต้องสงสัยเลยว่าผู้ร่วมสมัยที่โดดเด่นสองคนไม่ได้หลีกเลี่ยงอิทธิพลซึ่งกันและกัน
อย่างไรก็ตามในผลงานหลายชิ้นของ Rameau มีความปรารถนาที่จะลดความแปลกประหลาดลงและการตกแต่งลวดลายอันไพเราะให้สวยงามน้อยลง เพื่อการตีความรูปแบบการเต้นรำที่เป็นอิสระมากขึ้น เพื่อเนื้อสัมผัสที่ได้รับการพัฒนาและมีฝีมือมากขึ้น ดังนั้นใน Gigue e-moll ซึ่งเขียนในรูปแบบของ rondo ลักษณะการเต้นรำประเภทจึงถูกปกปิดและคาดว่าจะมีรูปแบบที่ไพเราะของนักประพันธ์เพลงที่มีอารมณ์อ่อนไหวในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 (L. Godovsky เมื่อประมวลผลกิ๊กนี้แม้กระทั่ง เปลี่ยนให้เป็น "Elegy") มันโดดเด่นด้วยการเปลี่ยนท่วงทำนองที่ละเอียดอ่อนและการตกแต่งจำนวนน้อยกว่าและเสียงประกอบที่ชวนให้นึกถึง "เบสอัลเบอร์เทียน" ที่ได้รับความนิยมในยุคต่อมา - คอร์ดแบบขยายซึ่งตั้งชื่อตามนักแต่งเพลงชาวอิตาลีในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 Alberti ผู้ซึ่งเริ่มใช้สิ่งเหล่านี้อย่างแพร่หลาย (หมายเหตุ 11 )
นวัตกรรมพื้นผิวที่ท้าทายที่สุดของ Rameau เกี่ยวข้องกับภาพที่นอกเหนือไปจากธีม Rococo ตามปกติ ในละครเรื่อง “The Solonian Simpletons” ซึ่งจำลองการเต้นรำในหมู่บ้าน การนำเสนอรูปปั้นอย่างกว้างๆ ปรากฏที่มือซ้าย (หมายเหตุ 12)
เมื่อถ่ายทอดภาพลักษณ์ของ "ยิปซี" ที่เร่าร้อนและใจร้อน Rameau ยังใช้ตัวเลขที่ไม่ธรรมดาสำหรับสไตล์โรโคโคในรูปแบบของอาร์เพจจิโอที่แตกหัก (หมายเหตุ 13)
Rameau ใช้เนื้อสัมผัสที่แปลกตาในผลงานชิ้น “Whirlwinds” โดยที่อาร์เพจจิโอแสดงสลับกันด้วยมือทั้งสองข้าง ครอบคลุมช่วงอ็อกเทฟหลายอ็อกเทฟ (หมายเหตุ 14)
ในบรรดาบทละครของนักฮาร์ปซิคอร์ดคนอื่นๆ ในโรงเรียนภาษาฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18< Кукушка» Дакена — действительно очень талантливое произведение, мастерски созданное на основе одного мотива — «кукования» кукушки. Значительный художественный интерес представляют некоторые пьесы Дандриё («Дудочки» и другие). Среди его сочинений обращает на себя внимание рондо «Страждущая» (или «Воздыхающая»), написанное в сугубо чувствительных тонах и свидетельствующее об усилении во французском клавесинизме к середине столетия тенденций сентиментализма (прим. 15).
ให้เราสรุปโดยย่อถึงคุณลักษณะเฉพาะของสไตล์ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสในยุคโรโกโกตามที่ปรากฏในผลงานของตัวแทนที่ดีที่สุด
เราเห็นว่าถึงแม้จะมีโวหารที่ชัดเจนและแน่นอน แต่เพลงนี้ก็เต็มไปด้วยความขัดแย้ง
เพื่อเป็นการยกย่องธีมดั้งเดิมของโรโคโค นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในผลงานที่ดีที่สุดของพวกเขาสร้างองค์ประกอบของศิลปะความจริงแห่งชีวิต โดยสรุปทิศทางแนวเพลง - ภาพ และโคลงสั้น ๆ - จิตวิทยาในระดับหนึ่ง
ทำนองของฮาร์ปซิคอร์ดโรโคโคซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นหลักที่แสดงออกของเพลงนี้ - แม้จะมีการตกแต่งที่ทันสมัย ​​แต่ก็เผยให้เห็นความเชื่อมโยงกับฤดูใบไม้ผลิแห่งศิลปะพื้นบ้านที่ให้ชีวิตและในระดับหนึ่งก็คาดการณ์ถึงภาษาดนตรีของคลาสสิกของปลายศตวรรษที่ 18
สะท้อนให้เห็นถึงลักษณะทั่วไปของศิลปะ Rococo: ความซับซ้อน, ความซับซ้อน, แนวโน้มไปสู่สิ่งเล็ก, ไปสู่ ​​​​"มุมที่คมชัด" ที่ราบรื่น, รอนโดจิ๋วฮาร์ปซิคอร์ดในเวลาเดียวกันก็เตรียมความแตกต่าง, ไดนามิกและความยิ่งใหญ่ของโซนาตาคลาสสิก
นอกเหนือจากความไม่สอดคล้องกันนี้แล้ว ยังเป็นไปไม่ได้ที่จะเข้าใจว่าทำไมมรดกที่ดีที่สุดของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสยังคงดึงดูดเราแม้กระทั่งในปัจจุบันนี้ ทั้งนักแสดงและผู้ฟังที่ดำเนินชีวิตตามอุดมคติด้านสุนทรียภาพที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง

ความเฟื่องฟูของฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสไม่เพียงแสดงออกมาในด้านการประพันธ์ดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะการแสดงและการสอนด้วย
แหล่งข้อมูลที่สำคัญที่สุดสำหรับการศึกษาศิลปะดนตรีในสาขาเหล่านี้ นอกเหนือจากอนุสรณ์สถานแห่งความคิดสร้างสรรค์ของผู้แต่งแล้ว ก็คือคู่มือคีย์บอร์ด สิ่งที่สำคัญที่สุดคือบทความของ F. Couperin เรื่อง "ศิลปะการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด" (1716) ซึ่งจัดระบบหลักการแสดงลักษณะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสและให้คำแนะนำการสอนที่น่าสนใจมากมายซึ่งบางส่วนไม่ได้สูญเสียความสำคัญของสิ่งนี้ วัน. งานสอนที่น่าสนใจอีกงานหนึ่งในยุคนั้นคือ "Method of Finger Mechanics" ของ Rameau ซึ่งตีพิมพ์ในสมุดบันทึกเล่มที่สองเกี่ยวกับชิ้นส่วนฮาร์ปซิคอร์ดของเขา (1724) ทุ่มเทให้กับปัญหาเดียวเท่านั้น - การพัฒนาด้านเทคนิคของนักเรียน

จากบทความเหล่านี้และแหล่งข้อมูลอื่น ๆ ที่เรามีอยู่ ให้เราสังเกตลักษณะที่สำคัญที่สุดของศิลปะการแสดงและการสอนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 และกล่าวถึงปัญหาบางประการที่เกิดขึ้นเมื่อตีความผลงานของพวกเขา
ลักษณะประการแรกคือการใส่ใจต่อรูปลักษณ์ของนักแสดงที่เครื่องดนตรี ผู้ฟังไม่ควรมองว่าการเล่นฮาร์ปซิคอร์ดเป็นกิจกรรมที่จริงจัง เนื่องจากงานตามแนวคิดของคนฆราวาสเป็นงานของคนรับใช้ "คนทั่วไป" "ที่ฮาร์ปซิคอร์ด" Couperin สอนในคู่มือของเขา "เราต้องนั่งอย่างสบายใจ การจ้องมองไม่ควรเพ่งความสนใจไปที่วัตถุใด ๆ อย่างใกล้ชิดหรือฟุ้งซ่าน พูดง่ายๆ ก็คือต้องมองสังคมเหมือนไม่ได้ยุ่งอะไรด้วย” (141, หน้า 5-6) Couperin เตือนไม่ให้เน้นจังหวะเมื่อเล่นกับการเคลื่อนไหวของศีรษะ ร่างกาย หรือเท้า ในความเห็นของเขา นี่ไม่ใช่แค่นิสัยที่ไม่จำเป็นซึ่งรบกวนผู้ฟังและนักแสดงเท่านั้น สิ่งนี้ไม่เหมาะสม หากต้องการ "กำจัดหน้าตาบูดบึ้ง" ขณะเล่น เขาแนะนำให้มองตัวเองในกระจกระหว่างออกกำลังกาย ซึ่งเขาแนะนำให้วางบนแท่นแสดงดนตรีฮาร์ปซิคอร์ด
"ความกล้าหาญ" ทั้งหมดนี้ของพฤติกรรมของนักแสดงซึ่งชวนให้นึกถึงรอยยิ้มแบบดั้งเดิมของนักบัลเล่ต์ในบัลเล่ต์คลาสสิกเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะการแสดงในยุคโรโกโก
งานที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดคือความสามารถในการตกแต่งทำนองเพลงอย่างละเอียดและมีรสนิยม ในศตวรรษที่ 17 นักแสดงส่วนใหญ่ทำการตกแต่งทำนองเพลง “ในการเลือกใช้เครื่องประดับ” แซงต์-แลมเบิร์ตเขียนไว้ในคู่มือของเขา “มีอิสระอย่างสมบูรณ์ ในชิ้นส่วนที่คุณกำลังเรียนรู้ คุณสามารถเล่นของตกแต่งได้แม้ในสถานที่ที่ไม่ได้แสดงไว้ก็ตาม คุณสามารถโยนของตกแต่งในละครทิ้งได้หากพบว่าไม่เหมาะสม และแทนที่ด้วยสิ่งอื่นที่คุณเลือก” (190, หน้า 124) เมื่อเวลาผ่านไป ทัศนคติต่อการเปลี่ยนแปลงแบบด้นสดในเมลิสมาสก็แตกต่างออกไป การพัฒนางานฝีมือที่ละเอียดอ่อนและซับซ้อนซึ่งรายละเอียดประดับที่เล็กที่สุดได้รับความสำคัญอย่างยิ่งและทำหน้าที่เป็นตัวบ่งชี้ถึง "รสนิยมที่แท้จริง" ของนักดนตรีได้ผูกมัดหลักการด้นสดในศิลปะการแสดง เมื่อพิจารณาจากคำกล่าวของ Couperin ในช่วงเวลาของเขา การแสดงด้นสดเริ่มค่อยๆ ลดลงในโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส พวกเขาเริ่มเปรียบเทียบมันกับศิลปะการแสดงโดยอาศัยการเรียนรู้การเรียบเรียงที่เขียนไว้ล่วงหน้าอย่างรอบคอบและคิดอย่างละเอียดในทุกรายละเอียด Couperin ต่อต้านการเปลี่ยนแปลงการตกแต่งผลงานของเขาอย่างไม่เต็มใจโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ในคำนำของบทละครฮาร์ปซิคอร์ดสมุดบันทึกเล่มที่สามเขาด้วยความพากเพียรอย่างน่าทึ่งแม้ในน้ำเสียงที่ค่อนข้างหงุดหงิดซึ่งผิดปกติมากสำหรับสไตล์วรรณกรรมของเขาเขายืนยันว่าจำเป็นต้องติดตามรายละเอียดทั้งหมดของข้อความอย่างแท้จริงเนื่องจากเป็นอย่างอื่นเขากล่าว บทละครของเขาจะไม่สร้างความประทับใจให้กับผู้ที่มีรสนิยมอย่างแท้จริง
คำพูดเหล่านี้ของหนึ่งในผู้เล่นคลาเวียร์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขาไม่เคยสูญเสียความหมายไปจนทุกวันนี้ นักเปียโนทุกคนเล่นบทของปรมาจารย์ในสมัยโบราณควรจดจำไว้
เมื่อเปรียบเทียบกับนักดนตรีในโรงเรียนแห่งชาติอื่นๆ นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสให้กฎเกณฑ์ที่แม่นยำยิ่งขึ้นในการถอดรหัสรูปแบบต่างๆ ในเรื่องนี้อดไม่ได้ที่จะมองเห็นอิทธิพลของลักษณะเหตุผลนิยมของวัฒนธรรมฝรั่งเศสซึ่งสร้างความปรารถนาที่จะชัดเจนและการอยู่ใต้บังคับบัญชาของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะเพื่อกำหนดกฎตรรกะที่กำหนดไว้อย่างเคร่งครัด
ความคุ้นเคยกับการฝึกถอดรหัสเมลิสมาสโดยนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเป็นสิ่งสำคัญ เนื่องจากเป็นการกำหนดหลักการในการแสดงการตกแต่งในโรงเรียนระดับชาติอื่นๆ เป็นส่วนใหญ่ ตัวอย่างเช่น คำสั่งของ Couperin เช่น การแสดงดนตรีจากท่อนเสริมด้านบนหรือโน้ตเกรซเนื่องจากระยะเวลาต่อมา นักดนตรีส่วนใหญ่ในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ต่างแบ่งปันกัน
เรานำเสนอตัวอย่างบางส่วนของ Melismas ของ F. Couperin และการถอดรหัสตามคำแนะนำของผู้แต่ง (หมายเหตุ 16)

ข้อจำกัดในเรื่องของไดนามิกพาเลตด้วยคุณสมบัติของเครื่องดนตรี นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสดูเหมือนจะพยายามชดเชยความซ้ำซากจำเจของไดนามิกด้วยเสียงที่หลากหลาย สันนิษฐานได้ว่า เช่นเดียวกับผู้เล่นฮาร์ปซิคอร์ดสมัยใหม่ พวกเขาเปลี่ยนสีเมื่อเล่นท่อนคอรัส rondo ซ้ำ หรือเพิ่มความแตกต่างระหว่างท่อนและท่อนคอรัส โดยใช้เสียงต่ำในการกำจัด การใช้รีจิสเตอร์ต่างๆ อย่างเชี่ยวชาญ (ลูต บาสซูน และอื่นๆ) ช่วยให้ฮาร์ปซิคอร์ดมีบุคลิกและความสว่างมากขึ้นอย่างไม่ต้องสงสัย เพื่อเป็นตัวอย่างของการลงทะเบียนฮาร์ปซิคอร์ดจิ๋วโดยนักแสดงสมัยใหม่ ลองพิจารณาการตีความบทละครที่มีชื่อเสียงของ Couperin “The Reapers” ของ Zuzana Ruzickova (หมายเหตุ 17)
เธอแสดงบทละเว้นทั้งหมด ยกเว้นบทที่สาม ลักษณะโคลงสั้น ๆ ของสองข้อแรกถูกเปิดเผยด้วยเสียงที่ดังขึ้นและเบากว่า ความแตกต่างระหว่างท่อนร้องกับท่อนที่สามซึ่งเป็นจุดสุดยอดในแง่ของระดับเสียง ถูกเน้นโดยการแสดงที่สูงกว่าระดับแปดเสียงและเสียงต่ำสีเงิน ดังนั้นการลงทะเบียนจึงเป็นไปตามแนวการพัฒนาทั่วไปของข้อที่ผู้แต่งระบุไว้จนถึงจุดสุดยอด "เงียบ" ในข้อที่สามและช่วยเพิ่มความโล่งใจของการต่อต้านของสองทรงกลมที่เป็นรูปเป็นร่าง - "กลุ่ม" และ " การเต้นรำแบบเป็นรายบุคคล (ซึ่งอำนวยความสะดวกด้วยจังหวะ - กำหนดไว้อย่างมากในบทเพลงและมีองค์ประกอบของ rubato ในข้อ)
นักเปียโนจะต้องดูแลสีสันของการแสดงอย่างไม่เหน็ดเหนื่อยด้วยการใช้ความสามารถไดนามิกที่หลากหลายของเปียโน เนื่องจากเป็นการยากที่จะบรรลุผลสำเร็จเป็นพิเศษ เพื่อเพิ่มสีสันให้กับจานเสียงคุณต้องใช้ไดนามิกและคันเหยียบอย่างเชี่ยวชาญ ไม่ใช่ทุกคันเหยียบและไม่ใช่ทุกลำโพงที่จะช่วยเพิ่มสีสันให้กับการแสดงของคุณ บางครั้งวิธีการแสดงออกเหล่านี้อาจมีผลตรงกันข้าม เพื่อให้บรรลุถึงความหลากหลายของโทนสี คุณควรใช้สีแป้นเหยียบที่ตัดกันหรือที่เรียกว่าไดนามิก "รูปทรงเฉลียง" การผสมสีแป้นเหยียบที่ตัดกัน เราไม่ได้หมายถึงการใช้แป้นเหยียบอย่างต่อเนื่อง แต่เป็นการสลับรูปแบบแป้นเหยียบแบบไม่มีแป้น (หรือเกือบไม่มีแป้น) และแป้นเหยียบหนัก ในรูปแบบที่ต้องการเสียงที่โปร่งใส บางครั้งคุณต้องใช้จังหวะการเหยียบที่เบาที่สุด ความสำคัญของการถีบประเภทนี้ในการส่งชิ้นฮาร์ปซิคอร์ดไปยังเปียโนนั้นเน้นโดย N. I. Golubovskaya ในคำนำของเธอเกี่ยวกับผลงานของนักบริสุทธิ์ชาวอังกฤษ “บทบาทที่สำคัญอย่างยิ่งในการแสดงฮาร์ปซิคอร์ด” กล่าว “คือความเชี่ยวชาญในการไล่ระดับอย่างละเอียดในส่วนลึกของแรงกดแป้นเหยียบ แป้นเหยียบที่ไม่สมบูรณ์และแทบไม่มีการกดบางครั้งจะรักษาความโปร่งใสของโพลีโฟนิก และทำให้โทนเสียงที่แห้งนุ่มนวลลง” (32, หน้า 4)
หลักการของไดนามิกแบบ "รูปทรงระเบียง" ประกอบด้วยการใช้การเปรียบเทียบการไล่ระดับความดังของเสียงที่เด่นชัดเป็นหลัก แน่นอนว่านี่ไม่ได้หมายความว่าจะไม่รวมการใช้เฉดสีไดนามิกอื่น ๆ ประเด็นก็คือเพียงหลักการกำหนดคือความแตกต่าง และไม่ใช่ความราบรื่นของการเปลี่ยนจากจุดแข็งของเสียงดังหนึ่งไปยังอีกจุดหนึ่ง ภายในส่วนหนึ่งของสเกลไดนามิก เช่น ภายในเปียโนหรือมือขวา สามารถใช้ไดมินูเอนโดและเครเซนโดเล็กน้อยได้
คีตกวีหลายคนในยุคนั้นเขียนบทเพลงที่ไพเราะช้าๆ สำหรับฮาร์ปซิคอร์ด Couperin และนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ มีผลงานประเภทนี้มากมาย เป็นลักษณะเฉพาะที่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดแนะนำให้เล่นดนตรีที่สอดคล้องกันที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ในเพลงที่ต้องใช้เสียงที่ไพเราะ ในกรณีเช่นนี้ บางครั้ง Couperin แนะนำให้ใช้การแทนที่นิ้วบนคีย์เดียว
ค่อนข้างเป็นธรรมชาติที่ความเป็นไปได้อันยิ่งใหญ่ของการแสดงแบบเลกาโตที่มีอยู่ในเปียโนสมัยใหม่ เราต้องตระหนักถึงความปรารถนาของนักฮาร์ปซิคอร์ด และในกรณีที่เหมาะสม ซึ่งธรรมชาติของดนตรีต้องการ เราต้องพยายามเพื่อให้ได้มาซึ่งความสอดคล้องและความไพเราะของเสียงสูงสุด .

ในเรื่องนี้เขาแสดงบทละครโดย F. Couperin และ J.-F. นักเปียโน Rameau Hélène Bosky (บันทึกโดย Supraphone บริษัทเช็ก) พวกเขาปรากฏตัวในเสน่ห์ของความซับซ้อนทางศิลปะและในเวลาเดียวกันโดยไม่ได้เน้นองค์ประกอบของกิริยาท่าทางมารยาทในพิธีการลักษณะพิเศษของศิลปะสไตล์โรโคโคเป็นพิเศษ เช่นเดียวกับRužičkova Boschi มุ่งความสนใจไปที่การระบุเนื้อหาทางอารมณ์ของบทละครเป็นหลัก ความสมบูรณ์ของเฉดสีแห่งความรู้สึกที่บันทึกไว้ ในเวลาเดียวกันนักเปียโนจะทำซ้ำคุณสมบัติ Timbro-Dynamic ของเสียงฮาร์ปซิคอร์ดในระดับหนึ่ง แต่ด้วยการใช้ความสามารถในการแสดงออกของเปียโนทำให้การพัฒนาความคิดทางดนตรีมีความแปรปรวนของน้ำเสียงและการแสดงออกที่มากขึ้น ตัวอย่างทั่วไปคือการตีความ Sarabande h-moll ของ F. Couperin ผู้เขียนเรียกสิ่งนี้ว่า "The One" ซึ่งดูเหมือนจะแสดงทัศนคติพิเศษของเขาต่อภาพที่ถ่ายไว้ในนั้น ในแกลเลอรี "ภาพบุคคลหญิง" ของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส Sarabande โดดเด่นด้วยความเข้มข้นที่ผิดปกติของทรงกลมทางอารมณ์ พลังของการยับยั้งชั่งใจ แต่พร้อมที่จะระเบิดความรู้สึกที่น่าทึ่ง ซึ่งบางครั้งก็ส่องสว่างด้วยแสงของถ้อยคำที่จริงใจ บทละครดึงดูดใจด้วยท่วงทำนองที่สื่อถึงอารมณ์ ซึ่งเนื้อหาโทนเสียงจะถูกแรเงาอย่างเด่นชัดด้วยการหมุนฮาร์โมนิกหลากสีสัน ซึ่งเป็นตัวหนาในยุคนั้น
ไม่สามารถถ่ายทอดความไพเราะของดนตรีขนาดจิ๋วบนฮาร์ปซิคอร์ดได้อย่างเต็มที่ ในความเป็นจริง: เราจะบรรลุความยืดหยุ่นของเสียงพูดและคำพูดที่จำเป็นในการออกเสียงทำนองได้อย่างไรซึ่งต้องมีการเปลี่ยนแปลงความแรงของเสียงอย่างต่อเนื่อง (งานมีความซับซ้อนเพิ่มเติมด้วยเมลิสมาสมากมายซึ่งควรผสานเข้ากับเสียงหลักของทำนองอย่างเป็นธรรมชาติ) ( หมายเหตุ 18)?

จะเชื่อมโยงแนวทำนองที่เปลี่ยนแปลงแบบไดนามิกนี้กับเสียงที่ตามมา ซึ่งบางครั้งทำหน้าที่เป็นพื้นหลังที่นุ่มนวล บางครั้ง เช่น เสียงเบสในแถบที่สองที่ดังขึ้นมาข้างหน้าได้อย่างไร วิธีเปิดเผยเสน่ห์แห่งบทกวีของขั้นต่ำ VI ในแถบที่สี่และห้า เอฟเฟกต์อันละเอียดอ่อนของ "ล้น" ของความสามัคคีจากการลงทะเบียนต่ำไปยังแถบบน เมื่อมันปรากฏในแสงสีสันสดใสที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง ทำให้เกิด มากด้วย “แสง” ของเสียงอันไพเราะที่เข้มข้นเป็นพิเศษ?
ปัญหาเหล่านี้ค่อนข้างจะแก้ไขได้บนเปียโน ประสิทธิภาพของ Boschi สามารถใช้เป็นข้อพิสูจน์เรื่องนี้ได้ ในช่วงเวลาที่สำคัญที่สุด - ในระหว่างการใช้จุดไคลแม็กซ์ "เงียบ" (มาตรการที่สองและสามของตัวอย่างที่ 18 6) ความสนใจของผู้ฟังไม่เพียงถูกดึงดูดด้วยความนุ่มนวลเป็นพิเศษของเสียงของคอร์ดที่หกของผู้เยาว์ที่ถูกอาร์เพจจิเอตเท่านั้น แต่ยังไพเราะอีกด้วย เสียงแต่ก็มีจังหวะช้าลงเล็กน้อยเช่นกัน ความทรงจำที่รักดูเหมือนจะผุดขึ้นมาในจินตนาการของคุณและคุณอยากจะหวนคิดถึงมันอีกครั้ง ให้เราสังเกตการดำเนินการของคอร์ดที่เจ็ดที่ลดลงเมื่อเริ่มต้นการวัดครั้งต่อไป คอร์ดที่เจ็ดที่ลดลงซึ่งถูก "ใช้ประโยชน์" อย่างไร้ความปราณีโดยนักประพันธ์โรแมนติกฟังดูสดชื่นยิ่งขึ้นในยุคของ Couperin การปรากฏตัวครั้งแรกและครั้งเดียวของเขาในละครเรื่องนี้ควรจะให้ความรู้สึกถึงความไม่ปกติของฮาร์โมนิก นั่นคือสิ่งที่นักเปียโนได้ยินเขา เธอให้สีที่เงียบลงเล็กน้อย และด้วยการแรเงาสีทางอารมณ์อย่างกะทันหันนี้ เตรียมการรับรู้ถึงการพัฒนาที่เร่งรีบและน่าทึ่งของดนตรีต่อไป
ในการถ่ายทอดเฉดสีความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนดังกล่าว ซึ่งต้องอาศัยการเปลี่ยนแปลงของเสียงแบบทิมโบรไดนามิกที่ยืดหยุ่น วิธีการแสดงอารมณ์ของเปียโนจึงมีความจำเป็นมากกว่าการแสดงส่วนแรกของงานชิ้นนี้เสียอีก
สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในการตีความฮาร์ปซิคอร์ดขนาดจิ๋วคือการถ่ายทอดจังหวะเมโทรการเต้นที่ละเอียดอ่อนของนักแสดง ซึ่งทำให้หลายชิ้นที่ยังไม่สูญเสียความเชื่อมโยงกับการเต้นมีเสน่ห์พิเศษและความมีชีวิตชีวาอย่างแท้จริง ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บทความของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีคำแนะนำอยู่
มันเป็นจังหวะมิเตอร์การแสดงประเภทนี้อย่างแม่นยำ - ยืดหยุ่นและแอคทีฟ หลักการเต้นแบบนี้แทรกซึมอยู่ในการแสดงเพลง "Tambourine" ของ Rameau ของ Wanda Landowska และบทละครอื่นๆ อีกมากมายของนักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด
ให้เราสังเกตหลักการบางประการของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในพื้นที่มอเตอร์
ความสามารถพิเศษของพวกเขาเมื่อเปรียบเทียบกับความสามารถพิเศษของนักเปียโนร่วมสมัยในโรงเรียนระดับชาติอื่นๆ เช่น J. S. Bach, Scarlatti ถือเป็นประเภทที่ค่อนข้างจำกัด พวกเขาใช้เพียงเทคนิคการใช้นิ้วละเอียดเท่านั้น และยิ่งไปกว่านั้น ส่วนใหญ่เป็นเทคนิคการวางตำแหน่ง กล่าวคือ ทางเดินและรูปร่างภายในตำแหน่งของมือโดยไม่ต้องวางนิ้วแรก แต่ในด้านเทคนิคการใช้นิ้ว นักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสประสบความสำเร็จอย่างน่าทึ่ง ตามคำบอกเล่าของแซงต์-แลมเบิร์ต ผู้เชี่ยวชาญชาวปารีสมีความโดดเด่นด้วย "ความเป็นอิสระ" ของนิ้วมือที่ได้รับการพัฒนาจนพวกเขาสามารถแสดงท่าทีรัวได้อย่างอิสระเท่าๆ กันไม่ว่าจะใช้นิ้วใดก็ตาม
หลักการด้านระเบียบวิธีของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสที่สนับสนุนการศึกษาทักษะยนต์ได้รับการกำหนดไว้อย่างชัดเจนที่สุดโดย Rameau ในงานการสอนของเขาที่กล่าวถึงไปแล้ว โดยทั่วไปแล้ว ระบบมุมมองนี้มีความก้าวหน้าในช่วงเวลานั้น
ในบรรดาทัศนคติที่ก้าวหน้าที่สุดของ Rameau จำเป็นต้องสังเกตการสนับสนุนของเขาเกี่ยวกับความเป็นไปได้อันยิ่งใหญ่ของมนุษย์ในการพัฒนาความโน้มเอียงตามธรรมชาติของเขา ขึ้นอยู่กับการทำงานอย่างต่อเนื่อง เด็ดเดี่ยว และมีสติ “แน่นอนว่าไม่ใช่ทุกคนที่มีความสามารถเหมือนกัน” ราโมเขียน - อย่างไรก็ตาม เว้นแต่จะมีข้อบกพร่องพิเศษบางประการที่รบกวนการเคลื่อนไหวปกติของนิ้ว ความเป็นไปได้ในการพัฒนานิ้วให้สมบูรณ์แบบเพื่อให้สามารถเพลิดเพลินกับเกมของเรานั้นขึ้นอยู่กับตัวเราเองทั้งหมด และฉันกล้าพูดว่าขยันและดี- การทำงานที่ได้รับมอบหมายนั้นเป็นความพยายามที่จำเป็น และบางครั้งอาจทำให้นิ้วของคุณยืดตรงขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ แม้แต่คนที่มีพรสวรรค์น้อยที่สุดก็ตาม ใครจะเสี่ยงพึ่งพาความสามารถตามธรรมชาติเท่านั้น? เราจะหวังที่จะค้นพบพวกมันได้อย่างไรโดยไม่ต้องทำงานเบื้องต้นที่จำเป็นเพื่อระบุพวกมัน? แล้วความสำเร็จจะเกิดจากอะไรได้บ้างหากไม่ใช่จากงานนี้โดยเฉพาะ” (186, หน้า XXXV) คำพูดเหล่านี้ของบุคคลสำคัญในวัฒนธรรมกระฎุมพีในช่วงเวลาของการก่อตัว ซึ่งเปี่ยมไปด้วยความมั่นใจอย่างไม่สั่นคลอนในพลังของจิตใจมนุษย์ ในความสามารถในการเอาชนะความยากลำบากที่สำคัญ แตกต่างอย่างมากกับการประดิษฐ์ของนักวิทยาศาสตร์กระฎุมพีสมัยใหม่บางคนที่เผยแพร่ลัทธิร้ายแรง การกำหนดไว้ล่วงหน้าของการพัฒนาความสามารถของมนุษย์โดยความโน้มเอียงโดยกำเนิดของเขา

หลักการที่ได้ผลมากที่สุดประการหนึ่งของเทคนิคฮาร์ปซิคอร์ดในบริเวณมอเตอร์คือการต่อสู้อย่างไม่เหน็ดเหนื่อยกับความตึงเครียดของกล้ามเนื้อที่เป็นอันตราย ความต้องการอิสระของระบบมอเตอร์เมื่อเล่นถูกเน้นย้ำโดย Couperin ซ้ำแล้วซ้ำเล่า ราโมยังพูดถึงเรื่องนี้มากมาย ความคิดเห็นของเขาเกี่ยวกับความจำเป็นในการรักษาความยืดหยุ่นของข้อมือเมื่อเล่นนั้นมีคุณค่าอย่างยิ่ง “ความยืดหยุ่นนี้” เขาตั้งข้อสังเกต “จากนั้นขยายไปถึงนิ้ว ทำให้นิ้วเป็นอิสระอย่างสมบูรณ์และให้ความเบาที่จำเป็น” (186, p. XXXVI)
สิ่งสำคัญคือ Rameau ต้องใช้เทคนิคการใช้นิ้วแบบใหม่ กล่าวคือ การวางนิ้วแรก ซึ่งไม่ต้องสงสัยเลยว่าเกี่ยวข้องกับรูปลักษณ์ของพื้นผิวที่ได้รับการพัฒนามากขึ้นในผลงานของเขา
เชื่อกันอย่างกว้างขวางว่า J.S. Bach “คิดค้น” เทคนิคนี้ มันมาจากมืออันเบาของ F. E. Bach ซึ่งแสดงออกมาในงานระเบียบวิธีของเขา ในขณะเดียวกัน มีเหตุผลเพียงพอที่จะไม่ถือว่านวัตกรรมนี้เกิดจาก J.S. Bach เพียงอย่างเดียว เริ่มแพร่หลายในโรงเรียนระดับชาติต่างๆ และในฝรั่งเศส อาจจะเร็วกว่าในเยอรมนีด้วยซ้ำ อย่างน้อยเดนิสผู้เขียนบทความเกี่ยวกับการปรับแต่งพิณ (โปรดจำไว้ว่าบทความดังกล่าวตีพิมพ์ในปี 1650) แนะนำให้ใช้นิ้วทั้งหมดอย่างแพร่หลาย “ตอนที่ผมเริ่มเรียน” เขาเขียน “ครูยึดถือกฎที่ว่าเมื่อเล่นคุณไม่ควรใช้นิ้วโป้งของมือขวา อย่างไรก็ตามในภายหลังฉันก็เชื่อว่าหากบุคคลนั้นมีมือมากเท่ากับ Briareus (ยักษ์จากเทพนิยายโบราณที่มีหนึ่งร้อยแขนและห้าสิบหัว - A. A) ทุกคนจะยังคงใช้พวกเขาเมื่อเล่นแม้ว่าถ้า เพียงแต่บนแป้นพิมพ์มีปุ่มไม่มากนัก” (143, หน้า 37)
มีเหตุผลที่เชื่อได้ว่าในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 ผู้เล่นคลาเวียร์ชาวอิตาลีบางคนเริ่มใช้นิ้วหัวแม่มือกันอย่างแพร่หลาย ตามบันทึกความทรงจำของคนรุ่นราวคราวเดียวกัน D. Scarlatti กล่าวว่าเขาไม่เห็นเหตุผลที่จะไม่ใช้นิ้วทั้งสิบนิ้วในการเล่น หากธรรมชาติมอบให้มนุษย์ เห็นได้ชัดว่าคำเหล่านี้ควรเข้าใจเป็นคำแนะนำในการใช้นิ้วแรก ตั้งแต่ช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 หลักการการใช้นิ้วแบบใหม่ที่เรียกว่า "ภาษาอิตาลี" เริ่มแพร่หลายในอังกฤษ หากเรายอมรับว่า Scarlatti ใช้นิ้วหัวแม่มือเหน็บจริง ๆ ก็เป็นไปได้ว่าเขาเป็นคนที่นำเทคนิคการใช้นิ้วนี้มาสู่อังกฤษ
การวางนิ้วแรกถือเป็นนวัตกรรมที่มีความสำคัญอย่างมาก มันก้าวหน้าอย่างรวดเร็วในการพัฒนาเทคโนโลยีคีย์บอร์ด ในเวลาเดียวกัน เทคนิคนี้ช่วยให้เอาชนะปัญหาทางเทคนิคต่างๆ ได้ง่ายขึ้น ซึ่งมักจะเกิดขึ้นในกรณีเช่นนี้ ในทางกลับกัน ก็มีอิทธิพลต่อการพัฒนาพื้นผิวของกระดูกเคลเวียร์ ซึ่งทำให้เกิดภาวะแทรกซ้อนตามมา หลักการการใช้นิ้วแบบใหม่เริ่มนำไปใช้โดยผู้เชี่ยวชาญที่โดดเด่นที่สุดในยุคนั้น ค่อยๆ แพร่กระจายไปในหมู่นักแสดงทั่วไป อย่างไรก็ตาม ต้องใช้เวลาหลายทศวรรษกว่าจะเป็นที่ยอมรับในทางปฏิบัติในที่สุด ตลอดศตวรรษที่ 18 นอกจากการวางนิ้วแรกแล้ว การใช้นิ้วแบบโบราณที่ใช้นิ้วกลางก็ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายเช่นกัน แม้กระทั่งในช่วงปลายศตวรรษ D. G. Turk ครูสอนเปียโนที่เชื่อถือได้คนหนึ่งได้เขียนไว้ในคู่มือของเขาว่าเขาไม่กล้าทิ้งนิ้วนี้ แม้ว่าเขาจะอนุญาตให้ใช้เฉพาะในกรณีที่หายากเท่านั้น เฉพาะในศตวรรษที่ 19 เท่านั้นที่หลักการของการวางนิ้วแรกได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงในการสอนเปียโน ส่วนเทคนิคการวางนิ้วก็ไม่ได้หายไปจากการฝึกฝนแต่อย่างใด ใช้เมื่อเล่นโน้ตคู่ในรูปแบบโพลีโฟนีในบางตอน (ดูตัวอย่าง Chopin's Etude a minor op. 10)

นอกเหนือจากหลักการเหล่านี้ ซึ่งไม่ได้สูญเสียความสำคัญที่ก้าวหน้าสำหรับประวัติศาสตร์วัฒนธรรมเปียโนที่ตามมาทั้งหมด Rameau ยังมีข้อความที่เป็นเพียงเหตุการณ์ชั่วคราวในอดีต แต่เป็นเรื่องปกติมากในช่วงเวลานั้น เขาเชื่อว่าปรากฏการณ์ทางจิตวิทยาที่ซับซ้อนและจัดระเบียบอย่างประณีตเช่นกระบวนการออกกำลังกายสามารถลด "เป็นกลไกง่ายๆ" ได้ สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นถึงข้อจำกัดของการคิดทางวิทยาศาสตร์ของศตวรรษที่ 18 ซึ่งมีอยู่ในนักคิดที่โดดเด่นที่สุดในยุคนั้นด้วยซ้ำ - นักปรัชญาวัตถุนิยม เองเกลส์เขียนว่า “ลัทธิวัตถุนิยมในศตวรรษที่ผ่านมา ส่วนใหญ่เป็นวิชากล เนื่องจากในเวลานั้นวิทยาศาสตร์ธรรมชาติทั้งหมดมีเพียงกลศาสตร์เท่านั้นที่บรรลุถึงความสมบูรณ์ในระดับหนึ่ง” ในสายตาของนักวัตถุนิยมในศตวรรษที่ 18 มนุษย์เป็นเครื่องจักรเช่นเดียวกับสัตว์ที่อยู่ในสายตาของเดการ์ต การประยุกต์ใช้เฉพาะในระดับกลศาสตร์กับกระบวนการที่มีลักษณะทางเคมีและอินทรีย์ - ในสาขาที่กฎทางกลแม้ว่าจะยังคงทำงานต่อไป แต่ถอยกลับไปเป็นพื้นหลังก่อนกฎอื่นที่สูงกว่า - ถือเป็นสิ่งแปลกประหลาดประการแรก แต่หลีกเลี่ยงไม่ได้ ข้อจำกัดของวัตถุนิยมฝรั่งเศสคลาสสิก" (3 , p. 286)
ในความพยายามที่จะกำจัดการเคลื่อนไหวของมือให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ Rameau บอกว่ามันควรจะ "ราวกับว่าตายแล้ว" และทำหน้าที่เพียงเพื่อ "พยุงนิ้วที่ติดอยู่และย้ายไปยังตำแหน่งบนคีย์บอร์ดที่พวกเขาไม่สามารถเข้าถึงได้ ของพวกเขาเอง” (186, p. XXXVI)
หลังจาก "วาง" นิ้วของคุณบนแป้นพิมพ์แล้ว Ramo แนะนำให้เริ่มเล่นแบบฝึกหัด - "บทเรียนแรก" “บทเรียนแรก” นี้ไม่มีอะไรมากไปกว่าลำดับของเสียงห้าเสียง: do, re, mi, fa, sol ผู้เขียนแนะนำให้สอนด้วยมือแต่ละข้างแยกกันก่อน จากนั้น “ในทุกวิถีทางที่เป็นไปได้ จนกว่าคุณจะรู้สึกว่ามือของคุณได้รับทักษะจนไม่มีอะไรต้องกลัวอีกต่อไปจากการละเมิดความถูกต้องของการเคลื่อนไหว” (186, p. XXXVII)
จากมุมมองของผู้ติดตามโซเวียต หลักการข้างต้นของ Rameau ไม่สามารถทนต่อการวิพากษ์วิจารณ์ได้ ไม่ต้องพูดถึงความผิดพลาดในการลดแบบฝึกหัดให้เป็น "กลศาสตร์ง่าย ๆ" การพยายามให้มือราวกับว่า "ตาย" เป็นเรื่องผิด ไม่เหมาะสมที่จะเริ่มด้วยแบบฝึกหัดเช่น "บทเรียนแรก" ของ Rameau ทันที
อย่างไรก็ตาม ในช่วงเวลานั้น ระบบหลักการของมอเตอร์นี้มีความก้าวหน้าไปแล้ว มันสะท้อนให้เห็นถึงแนวโน้มที่ก้าวหน้าไปสู่การแนะนำวิธีการคิดทางวิทยาศาสตร์ในศิลปะการสอนและไปสู่การหาเหตุผลเข้าข้างตนเองของกระบวนการการศึกษาด้านเทคนิคของนักเรียน มีความเกี่ยวข้องกับการฝึกซ้อมการแสดงฮาร์ปซิคอร์ด โดยอาศัยเทคนิคการใช้นิ้วละเอียดภายในช่วงเครื่องดนตรีที่ค่อนข้างเล็ก

ผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสซึ่งครั้งหนึ่งเคยได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ได้หยุดครอบครองสถานที่สำคัญในการแสดงและการสอน การฟื้นฟูดนตรีประเภทนี้ในฝรั่งเศสเริ่มขึ้นในทศวรรษสุดท้ายของศตวรรษที่ผ่านมา ได้รับการอธิบายในระดับหนึ่งโดยการพัฒนาแนวโน้มด้านสุนทรียภาพและโวหาร แต่ในหลาย ๆ ด้านยังเกิดจากความปรารถนาอันแรงกล้าของนักดนตรีขั้นสูงในการพัฒนาประเพณีคลาสสิกของชาติ
นักดนตรีชาวรัสเซียยังแสดงความสนใจในผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ให้เราระลึกถึงการแสดงผลงานของ Couperin และ Rameau โดย Anton Rubinstein ในคอนเสิร์ตประวัติศาสตร์ของเขา ตัวอย่างที่น่าทึ่งของการตีความฮาร์ปซิคอร์ดจิ๋วแบบดั้งเดิมคือการแสดงของ "The Cuckoo" โดย Daken โดย Rachmaninov ต่างจากนักเปียโนบางคนที่ทำให้งานชิ้นนี้มีบุคลิกที่สง่างามและอิดโรย นักเปียโนที่เก่งกาจคนนี้ได้ขัดเกลาคุณลักษณะโดยธรรมชาติของอารมณ์ขันที่สง่างามและความกระตือรือร้นที่ร่าเริง รายละเอียดที่มีไหวพริบมีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพดังกล่าว - "การวาด" จังหวะที่แข็งแกร่งของเสียงสั้น ๆ ในบรรทัดฐาน "นกกาเหว่า"
ในบรรดานักแสดงโซเวียตของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเราสังเกตเห็น E. Bekman-Shcherbina, N. Golubovskaya, G. Kogan, M. Nemenova-Lunts, N. Perelman G. Kogan ยังมีส่วนร่วมในการส่งเสริมมรดกฮาร์ปซิคอร์ดด้วยการบรรยายและบทความของเขา
มีฉบับตีพิมพ์ทางวิชาการเกี่ยวกับผลงานทั้งหมดของ F. Couperin จัดทำโดยกลุ่มนักดนตรีชาวฝรั่งเศส นำโดย Maurice Cauchy (ปารีส, 1932-1933 และผลงานของ Rameau เรียบเรียงโดย C. Saint-Saëns (Paris, 1895- 2461)
แนวคิดเกี่ยวกับบทละครของ F. Couperin ฉบับพิมพ์ครั้งแรกนั้นมอบให้โดยผลงานฮาร์ปซิคอร์ดชุดสี่เล่มซึ่งตีพิมพ์ในบูดาเปสต์ในปี พ.ศ. 2512-2514 โดยนักเปียโนชาวฮังการีและนักฮาร์ปซิคอร์ด J. Gat สิ่งพิมพ์ประเภทที่คล้ายกันคือปริมาณของผลงานที่สมบูรณ์สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดโดย Rameau ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1972 โดยสำนักพิมพ์ Muzyka (บรรณาธิการ L. Roshchina บทความเบื้องต้นโดย V. Bryantseva) บทละครจำนวนมากของ F. Couperin, Rameau และนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสคนอื่นๆ พร้อมด้วยบันทึกโดยละเอียดเกี่ยวกับธรรมชาติของการแสดงของพวกเขา มีอยู่ในคอลเลกชันสามชุดที่รวบรวมโดย A. Yurovsky (M., 1935, 1937)

รายงานประวัติความเป็นมาของวิทยาศาสตร์

แล้วหัวข้อ “ดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18”

นักเรียนชั้นปีที่ 10 คณะฟิสิกส์และคณิตศาสตร์

สถานศึกษาหมายเลข 1525 “Sparrow Hills”

คาซาโควา ฟิลิปปา.

สิ่งแรกที่ต้องพูดถึงเกี่ยวกับดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ก็คือ ต่างจากประเทศชั้นนำในสาขาดนตรี (เช่น เยอรมนี ออสเตรีย สเปน และอิตาลี) ฝรั่งเศสไม่สามารถอวดอ้างดนตรีจำนวนมากโดยเฉพาะได้ บทประพันธ์หรือนักแสดงที่มีชื่อเสียงหรือผลงานที่มีชื่อเสียงมากมาย Gluck ถือเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสที่โด่งดังที่สุดในยุคนั้น แต่เขาก็มาจากประเทศเยอรมนีเช่นกัน ส่วนหนึ่งสถานการณ์นี้ถูกกำหนดโดยผลประโยชน์ของสังคมซึ่งกำหนดรูปแบบของดนตรี ให้เราพิจารณาพัฒนาการของดนตรีในศตวรรษที่ 18

ในช่วงต้นศตวรรษ ดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุดคือแนวเพลงที่ซาบซึ้ง ลัทธิคลาสสิก- เป็นเพลงช้าๆ สบายๆ ไม่ซับซ้อนมากนัก มันถูกเล่นด้วยเครื่องสาย โดยปกติเธอมักจะมาพร้อมกับงานเต้นรำและงานเลี้ยง แต่ผู้คนก็ชอบฟังเธอในบรรยากาศบ้านที่ผ่อนคลาย

จากนั้นลักษณะและเทคนิคก็เริ่มปรากฏให้เห็นในดนตรีพิณ โรโคโคเช่นไหลรินและธง มีรูปลักษณ์ที่ซับซ้อนมากขึ้น วลีทางดนตรีก็ซับซ้อนและน่าสนใจยิ่งขึ้น ดนตรีแยกจากความเป็นจริงมากขึ้น มหัศจรรย์มากขึ้น ถูกต้องน้อยลง และใกล้ชิดกับผู้ฟังมากขึ้น

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ลักษณะแบบโรโกโกได้รวมเข้ากับดนตรีมากจนเริ่มมีทิศทางที่แน่นอน ดังนั้นในไม่ช้าดนตรีก็ปรากฏสองทิศทางอย่างชัดเจน: ดนตรีสำหรับการเต้นรำและดนตรีสำหรับการร้องเพลง ดนตรีสำหรับเต้นรำมาพร้อมกับลูกบอล และดนตรีสำหรับร้องเพลงก็เล่นในสถานที่ที่เป็นความลับ บ่อยครั้งที่ขุนนางชอบร้องเพลงตามเสียงฮาร์ปซิคอร์ดประจำบ้านของตน ในเวลาเดียวกัน แนวละครใหม่ คอมเมดี้-บัลเล่ต์ ก็ได้ปรากฏขึ้น โดยผสมผสานบทสนทนา การเต้นรำและละครใบ้ ดนตรีบรรเลง และบางครั้งก็เป็นเสียงร้อง ผู้สร้างคือ J. B. Moliere และนักแต่งเพลง J. B. Lully ประเภทนี้มีอิทธิพลสำคัญต่อการพัฒนาละครเพลงฝรั่งเศสในเวลาต่อมา

หลังจากที่แนวดนตรีมีความแตกต่างกันมากขึ้น ดนตรีมาร์ชก็เริ่มปรากฏให้เห็น มันเป็นเพลงที่ดัง เสียงดัง และเสียงดัง ในเวลานี้เครื่องเพอร์คัชชัน (กลองและฉาบ) แพร่หลายมากขึ้นซึ่งกำหนดจังหวะจึงทำให้การทำงานของแต่ละบุคคลลดลง นอกจากนี้ยังมีการใช้เครื่องดนตรีหลายอย่าง เช่น ทรัมเป็ต ซึ่งใช้เพื่อเพิ่มระดับเสียงโดยรวมของดนตรีเป็นหลัก เนื่องจากการปรากฏตัวของมือกลองและเครื่องดนตรีที่ดังทำให้ดนตรีฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ในความคิดของฉันกลายเป็นเพลงดั้งเดิมและไม่โดดเด่นเป็นพิเศษ ความสำเร็จอันยอดเยี่ยมของดนตรีมาร์ชคือการปรากฏตัวของผลงาน "La Marseillaise" ที่เขียนโดย Rouget De Lisle ในปี 1792

รูเจต์ เดอ ไลล์ คลอดด์ โจเซฟ (1760-1836)วิศวกรทหาร กวี และนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส เขาเขียนเพลงสวด เพลง โรแมนติก ในปี ค.ศ. 1792 เขาเขียนบทเพลง “ มาร์กเซย"ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเพลงสรรเสริญพระบารมีของฝรั่งเศส

คูเปแปร์น ฟรองซัวส์ (1668-1733)- นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ด นักออร์แกน จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมันเนื่องจากมีนักดนตรีหลายชั่วอายุคนในครอบครัวของเขา Couperin ได้รับฉายาว่า "Coupetin ผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งเนื่องมาจากอารมณ์ขันและอีกส่วนหนึ่งเนื่องมาจากตัวละครของเขา ผลงานของเขาคือจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ดนตรีของ Couperin โดดเด่นด้วยความสร้างสรรค์อันไพเราะ ความสง่างาม และรายละเอียดที่แม่นยำ

ราโม ฌอง ฟิลิปป์ (1683-1764)- นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส ด้วยการใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี เขาได้ปรับเปลี่ยนสไตล์ของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ และเตรียมการปฏิรูปโอเปร่าของ K. V. Gluck เขาเขียนโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ "Hippolytus and Arisia" (1733), "Castor and Pollux" (1737), โอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant India" (1735), การเล่นฮาร์ปซิคอร์ดและอีกมากมาย ผลงานทางทฤษฎีของเขาถือเป็นก้าวสำคัญในการพัฒนา คำสอนเกี่ยวกับความสามัคคี .

กลุค คริสตอฟ วิลลิบาลด์ (1714-1787)- นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส-เยอรมันผู้โด่งดัง กิจกรรมที่โด่งดังที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับเวทีโอเปร่าแห่งปารีสซึ่งเขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดด้วยคำพูดภาษาฝรั่งเศส นั่นเป็นสาเหตุที่ชาวฝรั่งเศสถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส โอเปร่ามากมายของเขา: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" และอื่น ๆ มอบให้ในมิลาน, ตูริน, เวนิส, เครโมนี หลังจากได้รับคำเชิญไปลอนดอน Gluck ได้เขียนโอเปร่าสองเรื่องสำหรับโรงละคร Hay-Market: "La Cadutade Giganti" (1746) และ "Artamene" และโอเปร่าผสม (pasticcio) "Pyram" อย่างหลังนี้มีอิทธิพลอย่างมากต่อกิจกรรมต่อไปของ Gluck โอเปร่าทั้งหมดที่นำความสำเร็จมหาศาลมาสู่ Gluck เขียนขึ้นตามเทมเพลตของอิตาลีและประกอบด้วยอาเรียจำนวนหนึ่ง ในนั้น Gluck ไม่ได้ใส่ใจกับข้อความมากนัก เขาแต่งโอเปร่าเรื่อง "Pyram" จากบทละครที่ตัดตอนมาจากละครโอเปร่าเรื่องก่อนๆ ซึ่งประสบความสำเร็จสูงสุด โดยปรับข้อความอื่นๆ ในบทใหม่ให้เข้ากับบทที่ตัดตอนมาเหล่านี้ ความล้มเหลวของโอเปร่าเรื่องนี้ทำให้ Gluckan มีความคิดที่ว่าเฉพาะดนตรีที่เชื่อมโยงโดยตรงกับข้อความเท่านั้นที่สามารถสร้างความประทับใจได้ เขาเริ่มยึดมั่นในหลักการนี้ในงานต่อไปของเขา โดยค่อยๆ ใช้ทัศนคติที่จริงจังมากขึ้นต่อการประกาศ พัฒนาการอ่าน arioso ให้ละเอียดที่สุด และไม่ลืมเกี่ยวกับการประกาศแม้แต่ในอาเรียส

ความปรารถนาที่จะเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างข้อความและดนตรีนั้นเห็นได้ชัดเจนแล้วใน Semiramis (1748) แต่การที่ผู้แต่งหันมาเล่นโอเปร่าที่จับต้องได้มากขึ้นในฐานะละครเพลงนั้นเห็นได้ชัดเจนใน "Orfeo", "Alceste", "Parideed Elena" (1761 - 64) ซึ่งจัดแสดงในกรุงเวียนนา นักปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck อยู่ใน "Iphigenie en Aulide" ซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมากในปารีส (พ.ศ. 2317) นอกจากนี้ยังได้รับ: "Armide" (1777) และ "IphigenieenTauride" (1779) -

ผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของ G. คือ "Echo et Narcisse" นอกจากโอเปร่าแล้ว Gluck ยังเขียนซิมโฟนี เพลงสดุดี และอื่นๆ อีกมากมาย Gluck เขียนโอเปร่า การแสดงสลับฉาก และบัลเล่ต์มากกว่า 50 เรื่อง

โดยสรุป เราควรเน้นย้ำถึงความซ้ำซากจำเจของดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 อีกครั้ง ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเป็นเหมือนงานฝีมือหรืองานอดิเรกเล็กๆ น้อยๆ สำหรับงานหัตถกรรมเพราะงานทั้งหมดเป็นงานประเภทเดียวกันและคล้ายคลึงกัน เป็นงานอดิเรกเพราะนักประพันธ์เพลงหลายคนเรียนดนตรีเพียงในเวลาว่างจึงเติมเต็มเวลาว่าง กิจกรรมดังกล่าวไม่สามารถเรียกได้ว่าเป็นการสร้างสรรค์อย่างมืออาชีพ แม้แต่นักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงที่สุดในฝรั่งเศสในเวลานั้น Gluck (ซึ่งไม่ใช่นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสเสียทีเดียว) ก็ยังถูกเรียกโดยผู้ไม่ประสงค์ดีของเขาว่าเป็นนักแต่งเพลงในผลงานชิ้นเดียว นี่หมายถึง "ออร์ฟัสและยูริไดซ์"

แหล่งที่มา:

สารานุกรมที่ยิ่งใหญ่ของ Cyril และ Methodius,

สารานุกรมดนตรีคลาสสิก,

บร็อคเฮาส์ และเอฟรอน

ดนตรีคลาสสิก (คู่มือ)

อินเทอร์เน็ต,

นักดนตรีผู้มีความสามารถ Natalya Bogoslavskaya

"Marseillaise" เป็นเพลงปฏิวัติฝรั่งเศส ในตอนแรกเรียกว่า "เพลงแห่งการต่อสู้ของกองทัพแห่งแม่น้ำไรน์" จากนั้นจึงเรียกว่า "The March of the Marseilles" หรือ "La Marseillaise" ภายใต้สาธารณรัฐที่ 3 เพลงนี้ได้กลายเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส (ตั้งแต่วันที่ 14 กรกฎาคม พ.ศ. 2518 ได้มีการแสดงในละครเพลงเวอร์ชันใหม่) “ Marseillaise ของคนงาน” แพร่หลายในรัสเซีย (ทำนองของ“ Marseillaise” ข้อความโดย P. L. Lavrov ตีพิมพ์ในหนังสือพิมพ์“ Forward” เมื่อวันที่ 1 กรกฎาคม พ.ศ. 2418)

HARMONY หมายถึง ความหมายทางดนตรีที่แสดงออกโดยอาศัยการผสมผสานของน้ำเสียงเข้ากับความสอดคล้องและการเชื่อมโยงของความสอดคล้องในการเคลื่อนไหวตามลำดับ ความสอดคล้องหลักคือคอร์ด ความสามัคคีถูกสร้างขึ้นตามกฎของโหมดในดนตรีโพลีโฟนิกทุกประเภท - โฮโมโฟนี, โพลีโฟนี องค์ประกอบของความสามัคคี - จังหวะและการปรับ - เป็นปัจจัยที่สำคัญที่สุดในรูปแบบดนตรี หลักคำสอนเรื่องความสามัคคีเป็นส่วนหลักของทฤษฎีดนตรี

ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 17 ความเป็นอันดับหนึ่งในการพัฒนาดนตรีคีย์บอร์ดได้ส่งต่อจากนักบริสุทธิ์ชาวอังกฤษไปจนถึงนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส เป็นเวลานานเกือบหนึ่งศตวรรษที่โรงเรียนแห่งนี้มีอิทธิพลมากที่สุดในยุโรปตะวันตก ถือเป็นบรรพบุรุษของมัน ฌาค ชองบอนนีแยร์เป็นที่รู้จักในฐานะนักเล่นออร์แกนและฮาร์ปซิคอร์ดที่ยอดเยี่ยม เป็นครูและนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์

คอนเสิร์ตดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสมักจัดขึ้นในห้องโถงและพระราชวังของชนชั้นสูง หลังจากพูดคุยหรือเต้นรำเบาๆ สภาพแวดล้อมดังกล่าวไม่เอื้อต่องานศิลปะเชิงลึกและจริงจัง ในดนตรี ความซับซ้อนที่สง่างาม ความประณีต ความเบา และไหวพริบเป็นสิ่งที่มีคุณค่า ในขณะเดียวกันก็นิยมเล่นละครขนาดเล็ก - แบบย่อส่วน “ไม่มีอะไรยาว น่าเบื่อ หรือจริงจังเกินไป”- นี่เป็นกฎหมายที่ไม่ได้เขียนไว้ซึ่งนักประพันธ์เพลงในราชสำนักฝรั่งเศสควรปฏิบัติตาม ไม่น่าแปลกใจที่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสแทบจะไม่หันไปใช้รูปแบบขนาดใหญ่และวงจรการเปลี่ยนแปลง - พวกเขามุ่งความสนใจไปที่ ห้องสวีทประกอบด้วยการเต้นรำและรายการย่อส่วน

ห้องสวีทของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสตรงกันข้ามกับห้องสวีทของเยอรมันที่ประกอบด้วยการเต้นรำโดยเฉพาะ ถูกสร้างขึ้นอย่างอิสระมากขึ้น พวกเขาไม่ค่อยพึ่งพาลำดับที่เข้มงวดของ alemand - courante - sarabande - gigue การเรียบเรียงอาจเป็นอะไรก็ได้ บางครั้งก็คาดไม่ถึง และบทละครส่วนใหญ่มีชื่อบทกวีที่เผยให้เห็นความตั้งใจของผู้แต่ง

โรงเรียนของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสมีชื่อแทน L. Marchand, J.F. แดนดริเยอ, F. Dazhenkura, L.-C. ดาควิน, หลุยส์ คูเปริน. ผู้แต่งเหล่านี้ประสบความสำเร็จมากที่สุดในภาพอภิบาลอันงดงาม (“Cuckoo” และ “Swallow” โดย Daken; “Bird Cry” โดย Dandrieu)

โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสถึงจุดสูงสุดในผลงานของอัจฉริยะสองคน - ฟรองซัวส์ คูเปแปง(1668–1733) และรุ่นน้องของเขา ฌอง ฟิลิปป์ ราโม (1685–1764).

ผู้ร่วมสมัยเรียกฟรองซัวส์ คูเปแปงว่า “ฟรองซัวส์มหาราช” ไม่มีนักฮาร์ปซิคอร์ดคนใดสามารถแข่งขันกับเขาในเรื่องความนิยมได้ เขาเกิดในครอบครัวนักดนตรีที่สืบเชื้อสายมาจากบรรพบุรุษและใช้เวลาเกือบทั้งชีวิตในปารีสและแวร์ซายส์ในตำแหน่งนักเล่นออร์แกนประจำศาลและเป็นครูสอนดนตรีให้กับราชโองการ ผู้แต่งทำงานในหลายประเภท (ยกเว้นละคร) ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขาคือห้องฮาร์ปซิคอร์ด 27 ห้อง (ประมาณ 250 ชิ้นในสี่คอลเลกชัน) Couperin เป็นผู้ก่อตั้งห้องชุดแบบฝรั่งเศสซึ่งแตกต่างจากรุ่นเยอรมันและประกอบด้วยชิ้นส่วนโปรแกรมเป็นหลัก ในหมู่พวกเขามีภาพร่างของธรรมชาติ ("ผีเสื้อ", "ผึ้ง", "กก") และฉากประเภท - รูปภาพของชีวิตในชนบท ("ผู้เก็บเกี่ยว", "คนเก็บองุ่น", "ผู้ถัก"); แต่โดยเฉพาะภาพดนตรีมากมาย เหล่านี้เป็นภาพของผู้หญิงในสังคมและเด็กสาวธรรมดา ๆ – นิรนาม ("ผู้เป็นที่รัก", "ผู้เดียว") หรือระบุไว้ในชื่อบทละคร ("เจ้าหญิงแมรี่", "มานอน", "ซิสเตอร์โมนิกา") บ่อยครั้งที่ Couperin วาดภาพไม่ใช่บุคคลใดบุคคลหนึ่ง แต่เป็นตัวละครมนุษย์ ("ทำงานหนัก", "สนุกสนาน", "ดอกไม้ทะเล", "งี่เง่า") หรือแม้แต่พยายามแสดงตัวละครประจำชาติต่างๆ ("ผู้หญิงสเปน", "ผู้หญิงฝรั่งเศส") งานจำลองของ Couperin หลายชิ้นมีความใกล้เคียงกับการเต้นรำยอดนิยมในยุคนั้น เช่น เสียงระฆังและมินูเอต

รูปแบบที่โปรดปรานของเพชรประดับของ Couperon คือ รอนโด

ตามที่ระบุไว้แล้ว ดนตรีของนักฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดในสภาพแวดล้อมของชนชั้นสูงและมีจุดมุ่งหมายเพื่อมัน มันสอดคล้องกับจิตวิญญาณของวัฒนธรรมชนชั้นสูง ดังนั้นความสง่างามภายนอกในการออกแบบวัสดุเฉพาะเรื่อง การตกแต่งที่อุดมสมบูรณ์ ซึ่งแสดงถึงองค์ประกอบที่มีลักษณะเฉพาะที่สุดของสไตล์ชนชั้นสูง การตกแต่งที่หลากหลายแยกออกจากผลงานฮาร์ปซิคอร์ดจนถึงเบโธเฟนยุคแรกๆ

เพลงฮาร์ปซิคอร์ด ราโมลักษณะที่ตรงกันข้ามกับประเพณีของห้องประเภทนี้คือสัมผัสที่ยิ่งใหญ่ เขาไม่มีแนวโน้มที่จะมีรายละเอียดปลีกย่อย ดนตรีของเขาโดดเด่นด้วยลักษณะที่สดใส เราสามารถสัมผัสได้ถึงลายมือของนักแต่งเพลงที่เกิดในโรงละคร (“Chicken”, “Savages”, “Cyclopes”)

นอกเหนือจากผลงานฮาร์ปซิคอร์ดที่น่าทึ่งของเขาแล้ว Rameau ยังเขียน "โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ" หลายเรื่องรวมถึง "Treatise on Harmony" (1722) ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ซึ่งทำให้เขามีชื่อเสียงในฐานะนักทฤษฎีดนตรีคนสำคัญ

การพัฒนาเพลงจากคีย์บอร์ดภาษาอิตาลีมีความเกี่ยวข้องกับชื่อ โดเมนิโก้ สการ์ลัตติ.

งานเชิงโปรแกรมคืองานที่มีโครงเรื่องเฉพาะ - “โปรแกรม” ซึ่งมักจำกัดอยู่เพียงชื่อเดียว แต่อาจมีคำอธิบายโดยละเอียด

อาจเป็นไปได้ว่ารูปลักษณ์ของการตกแต่งมีความเกี่ยวข้องกับความไม่สมบูรณ์ของฮาร์ปซิคอร์ดซึ่งเสียงที่หายไปทันทีและเสียงไหลรินหรือ gruppetto สามารถชดเชยการขาดนี้ได้บางส่วนทำให้เสียงของเสียงอ้างอิงยาวนานขึ้น

ในยุโรปตะวันตก (โดยเฉพาะภาษาอิตาลี-สเปน) รูปหลายเหลี่ยม กระทะ ดนตรีของยุคกลางตอนปลายและยุคเรอเนซองส์ (โมเท็ต มาดริกัล ฯลฯ) ในรูปแบบด้นสด องค์ประกอบจะถูกดำเนินการ ในงานศิลปะ เทคนิคจิ๋วได้รับการพัฒนาอย่างมาก เธอยังรวบรวมองค์ประกอบพื้นผิวรายการหนึ่งด้วย พื้นฐานของเครื่องดนตรีโบราณดังกล่าว แนวต่างๆ เช่น โหมโรง, ไรเซอร์คาร์, ทอคคาต้า, แฟนตาซี แผนก สูตรเล็กๆ น้อยๆ ค่อยๆ เกิดขึ้นจากการแสดงดนตรีฟรีที่หลากหลาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งที่ส่วนท้ายของท่อนเสียงไพเราะ การก่อสร้าง (ในข้อ) ประมาณเที่ยงวัน ศตวรรษที่ 15 ในตัวเขา. องค์กร กราฟิกแรกปรากฏในแท็บ ไอคอนสำหรับบันทึกการตกแต่ง เคเซอร์ ศตวรรษที่ 16 มีการใช้อย่างแพร่หลาย-ในด้านต่างๆ ตัวแปรและการเชื่อมต่อ - mordent, trill, gruppetto ซึ่งยังคงอยู่ในกลุ่มหลัก สถาบัน ตกแต่ง เห็นได้ชัดว่าพวกมันถูกสร้างขึ้นจากการฝึกปฏิบัติเครื่องดนตรี ผลงาน.

ตั้งแต่ครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 16 ฟรี O. พัฒนา ch. อ๊าก ในอิตาลีโดยเฉพาะในรูปแบบทำนองอันเป็นเอกลักษณ์ ความร่ำรวยของกระทะเดี่ยว ดนตรีเช่นเดียวกับไวโอลินซึ่งมีแนวโน้มที่จะมีคุณธรรม ดนตรี. สมัยนั้นเล่นไวโอลิน ไวบราโต ซึ่งให้การแสดงออกถึงเสียงที่ขยายออกไป ยังไม่พบการใช้อย่างแพร่หลายในดนตรี และการตกแต่งท่วงทำนองอย่างเข้มข้นก็เข้ามาแทนที่ เมลิซมาติค เครื่องราชอิสริยาภรณ์ (เครื่องประดับ อุปกรณ์ตกแต่ง) ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษในงานศิลปะฝรั่งเศส นักลูเทนและนักฮาร์ปซิคอร์ดในศตวรรษที่ 17 และ 18 ซึ่งมีลักษณะเฉพาะจากการพึ่งพาการเต้นรำ ประเภทที่มีสไตล์ที่ละเอียดอ่อน ในฝรั่งเศส ดนตรีมีความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างเครื่องดนตรี ข้อตกลงกับกระทะฆราวาส เนื้อเพลง (ที่เรียกว่า airs de cour) ซึ่งเต็มไปด้วยการเต้นรำ พลาสติก. ภาษาอังกฤษ นักร้องเพลงพรหมจารี (ปลายศตวรรษที่ 16) มักจะชอบแนวเพลงและรูปแบบต่างๆ การพัฒนาในด้าน O. พวกเขามุ่งสู่เทคโนโลยีจิ๋วมากขึ้น มีศีลธรรมน้อย ไอคอนที่ใช้โดยสาวพรหมจารีไม่สามารถถอดรหัสได้อย่างถูกต้อง ในประเทศออสเตรีย-เยอรมัน ศิลปะการเล่นคีย์บอร์ดซึ่งเริ่มพัฒนาอย่างเข้มข้นตั้งแต่ระดับกลาง ศตวรรษที่ 17 จนถึงและรวมถึง J. S. Bach ความโน้มเอียงที่มีต่อชาวอิตาลีขัดแย้งกันในรูปแบบที่แตกต่างกัน ตัวจิ๋วและฝรั่งเศส ในแง่ร้าย สไตล์ ในฝรั่งเศส นักดนตรีแห่งศตวรรษที่ 17-18 กลายเป็นธรรมเนียมที่จะต้องนำคอลเลกชันละครมารวมกับโต๊ะตกแต่ง โต๊ะที่มีจำนวนมากที่สุด (มีเมลิสมา 29 แบบ) นำหน้าด้วยคอลเลกชั่นฮาร์ปซิคอร์ดของ J. A. d'Anglebert (1689) แม้ว่าตารางดังกล่าวจะมีความแตกต่างกันเล็กน้อย แต่ก็กลายเป็นแคตตาล็อกเครื่องประดับที่ใช้กันทั่วไปโดยเฉพาะในตารางก่อนหน้า "Clavier Book for Wilhelm Friedemann Bach" ของ Bach (1720) ซึ่งยืมมาจาก d'Anglebert มาก

ชาวฝรั่งเศสย้ายออกจากเสื้อผ้าเสรีไปสู่การตกแต่งที่มีการควบคุม นักฮาร์ปซิคอร์ดได้รับมอบหมายให้ดูแลออร์ค ดนตรีโดย เจ.บี. ลัลลี่ อย่างไรก็ตามชาวฝรั่งเศส กฎระเบียบของเครื่องประดับไม่ได้เข้มงวดนัก เนื่องจากแม้แต่ตารางที่มีรายละเอียดมากที่สุดก็ระบุการตีความที่แน่นอนสำหรับกรณีการใช้งานทั่วไปเท่านั้น การเบี่ยงเบนเล็กน้อยเป็นที่ยอมรับได้เพื่อให้เหมาะกับลักษณะเฉพาะของดนตรี ผ้า ขึ้นอยู่กับศิลปะและรสนิยมของนักแสดงและในสิ่งพิมพ์ที่มีการถอดเสียงเป็นลายลักษณ์อักษร - เกี่ยวกับโวหาร ความรู้ หลักการ และรสนิยมของบรรณาธิการ การเบี่ยงเบนที่คล้ายกันเป็นสิ่งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้เมื่อแสดงละครโดยผู้ทรงคุณวุฒิชาวฝรั่งเศส การแสดงฮาร์ปซิคอร์ดของ P. Couperin ซึ่งยืนกรานเรียกร้องให้มีการนำกฎของเขาไปใช้อย่างถูกต้องในการถอดรหัสการตกแต่ง ฟรานซ์. เป็นเรื่องปกติที่นักฮาร์ปซิคอร์ดจะใช้การตกแต่งแบบจิ๋วภายใต้การควบคุมของเผด็จการ ซึ่งพวกเขาเขียนไว้โดยเฉพาะในรูปแบบต่างๆ ใช้เวลา

เคคอน คริสต์ศตวรรษที่ 17 เมื่อชาวฝรั่งเศส นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดกลายเป็นนักชิมในสาขาของตน โดยมีเครื่องประดับ เช่น โน้ตที่ไหลรินและเกรซ พร้อมด้วยทำนอง ฟังก์ชันเริ่มแสดงความสามัคคีใหม่ ฟังก์ชั่นการสร้างและความคมชัดความไม่ลงรอยกันของจังหวะลงของบาร์ J. S. Bach เช่นเดียวกับ D. Scarlatti มักจะเขียนการตกแต่งที่ไม่สอดคล้องกันในส่วนหลัก ข้อความดนตรี (ดูตัวอย่างส่วนที่ 2 ของคอนแชร์โตภาษาอิตาลี) สิ่งนี้ทำให้ I. A. Sheibe เชื่อว่าการทำเช่นนี้ทำให้ Bach กีดกันงานของเขา “ความงดงามแห่งความกลมกลืน” เพราะนักประพันธ์เพลงในสมัยนั้นนิยมเขียนออกมาตกแต่งทั้งหมดด้วยไอคอนหรือโน้ตเล็กๆ ดังนั้น ในภาพกราฟิก การบันทึกแสดงให้เห็นฮาร์โมนิคอย่างชัดเจน ไพเราะเป็นพื้นฐาน คอร์ด

F. Couperin ได้ขัดเกลาภาษาฝรั่งเศส สไตล์ฮาร์ปซิคอร์ดถึงจุดสูงสุด ในละครสำหรับผู้ใหญ่ของ J. F. Rameau มีการเปิดเผยความปรารถนาที่จะก้าวข้ามขีดจำกัดของการไตร่ตรองในห้อง เพื่อเสริมสร้างพลวัตที่มีประสิทธิภาพของการพัฒนา เพื่อนำไปใช้ในดนตรี การเขียนด้วยลายเส้นตกแต่งที่กว้างขึ้น โดยเฉพาะในรูปแบบของความสามัคคีในพื้นหลัง ตัวเลข ด้วยเหตุนี้จึงมีแนวโน้มที่จะใช้การตกแต่งในระดับปานกลางมากขึ้นใน Rameau และในภาษาฝรั่งเศสรุ่นหลัง นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด เป็นต้น ที่ เจ. ดูฟลาย. อย่างไรก็ตามในไตรมาสที่ 3 ศตวรรษที่ 18 O. มาถึงจุดสูงสุดใหม่ในผลงานที่เกี่ยวข้องกับกระแสอารมณ์อ่อนไหว ตัวแทนที่สดใสของงานศิลปะชิ้นนี้ แนวทางดนตรีจัดทำโดย F. E. Bach ผู้เขียนบทความเรื่อง "ประสบการณ์ในวิธีที่ถูกต้องในการเล่น Clavier" ซึ่งเขาให้ความสนใจกับ O.

การออกดอกอย่างสูงของเวียนนาคลาสสิกนิยมตามมาด้วยสุนทรียภาพใหม่ อุดมคตินำไปสู่การใช้ O ที่เข้มงวดและปานกลางมากขึ้นอย่างไรก็ตามยังคงมีบทบาทสำคัญในงานของ J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart และ L. Beethoven รุ่นเยาว์ ฟรีโอยังคงอยู่ในยุโรป ดนตรี ในด้านความแปรผัน อัจฉริยะผู้เข้มข้น จังหวะและกระทะ ลูกคอ. หลังสะท้อนให้เห็นในความโรแมนติก เอฟพี เพลงครึ่งแรก. ศตวรรษที่ 19 (โดยเฉพาะในรูปแบบดั้งเดิมใน F. Chopin) ในเวลาเดียวกัน เสียงที่ไม่สอดคล้องกันของเมลิสมาสก็ทำให้เกิดเสียงพยัญชนะ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง กระแสน้ำรินเริ่มเริ่มต้นขึ้น ไม่ใช่กับตัวช่วย แต่กับตัวหลัก เสียงซึ่งมักมีจังหวะเป็นจังหวะ มีความสามัคคีมาก และมีจังหวะ ความนุ่มนวลของ O. ตรงกันข้ามกับความไม่สอดคล้องกันของคอร์ดที่เพิ่มขึ้น ลักษณะของนักประพันธ์เพลงโรแมนติกคือการพัฒนาฮาร์โมนิกอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน พื้นหลังเป็นรูปเป็นร่างใน FP เพลงที่มีโทนสีกว้าง การใช้การถีบเช่นเดียวกับรูปแกะสลักหลากสีสัน ใบแจ้งหนี้ใน orc คะแนน ในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 19 ค่าของ O. ลดลง ในศตวรรษที่ 20 บทบาทของ O. อิสระเพิ่มขึ้นอีกครั้งเนื่องจากการเสริมสร้างความเข้มแข็งของการแสดงด้นสด เริ่มขึ้นในบางพื้นที่ของดนตรี ความคิดสร้างสรรค์ เช่น ในดนตรีแจ๊ส มีระเบียบวิธีและทฤษฎีมากมาย วรรณกรรมเกี่ยวกับปัญหาของ O. มันถูกสร้างขึ้นจากความพยายามอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อยในการชี้แจงปรากฏการณ์ของ O. อย่างมากโดย "ต่อต้าน" สิ่งนี้ในการแสดงด้นสด ธรรมชาติ. สิ่งที่ผู้เขียนผลงานนำเสนอในฐานะกฎการถอดรหัสที่เข้มงวดและครอบคลุมกลับเป็นเพียงคำแนะนำเพียงบางส่วนเท่านั้น

คลาวิซิน [ฝรั่งเศส] clavecin จาก Lat ปลาย clavicymbalum จากละติน clavis - คีย์ (เพราะฉะนั้นกุญแจ) และฉาบ - ฉาบ] - เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่ดึงออกมา เป็นที่รู้จักตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 (เริ่มสร้างขึ้นในศตวรรษที่ 14) ข้อมูลแรกเกี่ยวกับฮาร์ปซิคอร์ดมีอายุย้อนไปถึงปี 1511 เครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลืออยู่ซึ่งผลิตในอิตาลีมีอายุย้อนไปถึงปี 1521

ฮาร์ปซิคอร์ดมีต้นกำเนิดมาจาก psalterium (อันเป็นผลมาจากการสร้างใหม่และการเพิ่มกลไกของคีย์บอร์ด)

ในขั้นต้น ฮาร์ปซิคอร์ดมีรูปร่างเป็นสี่เหลี่ยมและมีลักษณะคล้ายกับคลาวิคอร์ด "อิสระ" ตรงกันข้ามกับสายที่มีความยาวต่างกัน (แต่ละคีย์สอดคล้องกับสายพิเศษที่ปรับตามโทนเสียงที่แน่นอน) และกลไกของคีย์บอร์ดที่ซับซ้อนมากขึ้น สายของฮาร์ปซิคอร์ดสั่นสะเทือนโดยการถอนออกโดยใช้ขนนกที่ติดอยู่บนไม้เท้าซึ่งเป็นตัวดัน เมื่อกดปุ่ม ตัวดันที่อยู่ด้านหลังจะลอยขึ้นและขนนกก็เกี่ยวเข้ากับเชือก (ต่อมา มีการใช้ปิ๊กหนังแทนขนนก)

โครงสร้างของส่วนบนของตัวดัน: 1 - สตริง, 2 - แกนของกลไกการปล่อย, 3 - languette (จากภาษาฝรั่งเศส), 4 - ปิ๊ก (ลิ้น), 5 - แดมเปอร์

เสียงของฮาร์ปซิคอร์ดนั้นไพเราะ แต่ไม่ได้ร้อง (สั้น) - ซึ่งหมายความว่ามันไม่คล้อยตามการเปลี่ยนแปลงแบบไดนามิก (ดังกว่า แต่แสดงออกน้อยกว่านั้น) การเปลี่ยนแปลงความแรงและเสียงต่ำของเสียงไม่ได้ขึ้นอยู่กับ ลักษณะของการตีที่ปุ่ม เพื่อเพิ่มความดังของฮาร์ปซิคอร์ด จึงมีการใช้สายสองเท่า สามเท่า และสี่เท่า (สำหรับแต่ละโทนเสียง) ซึ่งได้รับการปรับพร้อมกัน อ็อกเทฟ และบางครั้งก็เป็นช่วงอื่น ๆ

วิวัฒนาการ

ตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 17 แทนที่จะใช้สายใน มีการใช้สายโลหะเพื่อเพิ่มความยาว (จากเสียงแหลมเป็นเสียงเบส) เครื่องดนตรีนี้มีรูปทรงปีกสามเหลี่ยมซึ่งมีการจัดเรียงสายตามยาว (ขนานกับแป้น)

ในศตวรรษที่ 17-18 เพื่อให้ฮาร์ปซิคอร์ดมีเสียงที่หลากหลายมากขึ้น เครื่องดนตรีจึงถูกสร้างขึ้นโดยใช้คีย์บอร์ดแบบแมนนวล 2 ตัว (บางครั้ง 3 ตัว) ซึ่งจัดวางในลักษณะคล้ายระเบียง โดยตัวหนึ่งอยู่เหนืออีกตัวหนึ่ง (โดยปกติแล้วตัวคีย์บอร์ดด้านบนจะถูกปรับให้สูงกว่าระดับแปดเสียง) เช่นเดียวกับสวิตช์รีจิสเตอร์สำหรับขยายเสียงแหลม การเพิ่มเสียงเบสเป็นสองเท่า และการเปลี่ยนแปลงสีของโทนเสียง (ลูทรีจิสเตอร์ เบสซูน ฯลฯ)

รีจิสเตอร์ควบคุมโดยคันโยกที่อยู่ด้านข้างของคีย์บอร์ด หรือโดยปุ่มที่อยู่ใต้คีย์บอร์ด หรือโดยคันเหยียบ สำหรับฮาร์ปซิคอร์ดบางตัว เพื่อให้มีเสียงที่หลากหลายมากขึ้น คีย์บอร์ดตัวที่ 3 จะถูกจัดเรียงโดยใช้สีของเสียงที่มีลักษณะเฉพาะ ซึ่งมักจะชวนให้นึกถึงลูต (หรือที่เรียกว่า ลูตคีย์บอร์ด)

รูปร่าง

ภายนอก ฮาร์ปซิคอร์ดมักจะได้รับการตกแต่งอย่างหรูหรามาก (ลำตัวตกแต่งด้วยภาพวาด การฝัง และการแกะสลัก) พื้นผิวของเครื่องดนตรีสอดคล้องกับเฟอร์นิเจอร์ที่มีสไตล์ในยุคพระเจ้าหลุยส์ที่ 15 ในศตวรรษที่ 16-17 ฮาร์ปซิคอร์ดของปรมาจารย์แห่งแอนต์เวิร์ป Rukkers โดดเด่นด้วยคุณภาพเสียงและการออกแบบทางศิลปะ

ฮาร์ปซิคอร์ดในประเทศต่างๆ

ชื่อ "ฮาร์ปซิคอร์ด" (ในฝรั่งเศส; ฮาร์ปซิคอร์ด - ในอังกฤษ, คีลฟลูเกล - ในเยอรมนี, คลาวิเชมบาโลหรือฉิ่งแบบย่อ - ในอิตาลี) ถูกเก็บรักษาไว้สำหรับเครื่องดนตรีรูปปีกขนาดใหญ่ที่มีช่วงสูงสุด 5 อ็อกเทฟ นอกจากนี้ยังมีเครื่องดนตรีขนาดเล็กๆ ซึ่งมักจะเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า มีสายเดี่ยวและมีช่วงเสียงถึง 4 อ็อกเทฟ เรียกว่า เอพิเนต์ (ในฝรั่งเศส) พิณ (ในอิตาลี) เวอร์จิเนล (ในอังกฤษ)

ฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลำตัวแนวตั้ง - . ฮาร์ปซิคอร์ดถูกใช้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยว วงดนตรีแชมเบอร์ และออร์เคสตรา

ผู้สร้างสไตล์ฮาร์ปซิคอร์ดที่เก่งกาจคือนักแต่งเพลงชาวอิตาลีและนักฮาร์ปซิคอร์ด D. Scarlatti (เขาเป็นเจ้าของผลงานมากมายสำหรับฮาร์ปซิคอร์ด); ผู้ก่อตั้งโรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดในฝรั่งเศสคือ J. Chambonnière ("ชิ้นส่วนฮาร์ปซิคอร์ด" ของเขา หนังสือ 2 เล่ม 1670 ได้รับความนิยม)

ในบรรดานักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และ 18 - , เจ.เอฟ. ราโม, แอล. ดาควิน, เอฟ. ไดดริเยอ. ดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสเป็นศิลปะที่มีรสนิยมประณีต มีมารยาทที่ประณีต ชัดเจนอย่างมีเหตุผล อยู่ภายใต้มารยาทของชนชั้นสูง เสียงฮาร์ปซิคอร์ดที่นุ่มนวลและเย็นชาประสานกับ "น้ำเสียงที่ดี" ของสังคมชนชั้นสูง

สไตล์ที่กล้าหาญ (โรโกโก) พบว่ามีความชัดเจนในหมู่นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ธีมที่ชื่นชอบของย่อส่วนฮาร์ปซิคอร์ด (จิ๋วเป็นรูปแบบลักษณะเฉพาะของศิลปะโรโคโค) คือภาพผู้หญิง ("น่ารัก", "เจ้าชู้", "มืดมน", "ขี้อาย", "น้องสาวโมนิกา", "ฟลอเรนซ์" โดย Couperin), การเต้นรำที่กล้าหาญ (minuet) ครอบครองสถานที่ขนาดใหญ่ , gavotto ฯลฯ ), รูปภาพอันงดงามของชีวิตชาวนา (“ Reapers”, “ Grape Pickers” โดย Couperin), ภาพจำลองการสร้างคำเลียนเสียง (“ ไก่”, “ นาฬิกา”, “ Cheeping” โดย Couperin, “ Cuckoo” โดย Daquin ฯลฯ) คุณลักษณะทั่วไปของดนตรีฮาร์ปซิคอร์ดคือการปรุงแต่งอันไพเราะมากมาย

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศสเริ่มหายไปจากละครของนักแสดง เป็นผลให้เครื่องดนตรีซึ่งมีประวัติศาสตร์อันยาวนานและมีมรดกทางศิลปะอันยาวนานจึงถูกบังคับให้ออกจากการฝึกดนตรีและแทนที่ด้วยเปียโน และไม่ใช่แค่ถูกแทนที่เท่านั้น แต่ยังถูกลืมไปอย่างสิ้นเชิงในศตวรรษที่ 19

สิ่งนี้เกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากการเปลี่ยนแปลงความชอบด้านสุนทรียภาพอย่างรุนแรง สุนทรียศาสตร์แบบบาโรกซึ่งมีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดทฤษฎีผลกระทบที่มีการกำหนดไว้อย่างชัดเจนหรือรู้สึกได้ชัดเจน (โดยสรุป แก่นแท้: หนึ่งอารมณ์ ผลกระทบ - สีเสียงเดียว) ซึ่งฮาร์ปซิคอร์ดเป็นวิธีการแสดงออกในอุดมคติ ต้องไปก่อน สู่โลกทัศน์ของความรู้สึกอ่อนไหวจากนั้นไปสู่ทิศทางที่แข็งแกร่งยิ่งขึ้น - ลัทธิคลาสสิคและสุดท้ายคือแนวโรแมนติก ในรูปแบบเหล่านี้ทั้งหมด ความคิดที่น่าดึงดูดและได้รับการปลูกฝังมากที่สุดคือ ตรงกันข้าม ความคิดเรื่องการเปลี่ยนแปลง - ความรู้สึก รูปภาพ อารมณ์ และเปียโนก็สามารถแสดงสิ่งนี้ได้ โดยหลักการแล้วฮาร์ปซิคอร์ดไม่สามารถทำทั้งหมดนี้ได้เนื่องจากลักษณะเฉพาะของการออกแบบ

ประเพณีวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเริ่มก่อตั้งขึ้นก่อนศตวรรษที่ 15 เป็นที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าได้รับอิทธิพลอย่างมากจากวัฒนธรรมของชนเผ่าดั้งเดิมและชนเผ่าเซลติกที่อาศัยอยู่ในดินแดนสมัยใหม่ของฝรั่งเศส การพัฒนาดนตรีในประเทศนี้เกิดขึ้นจากการมีปฏิสัมพันธ์กับความคิดสร้างสรรค์ของชาวประเทศเพื่อนบ้าน - ชาวอิตาลีและชาวเยอรมัน นั่นคือเหตุผลว่าทำไมมรดกทางดนตรีของฝรั่งเศสจึงมีสีสันและหลากหลายมาก

ต้นกำเนิด

ในขั้นต้น ดนตรีพื้นบ้านเข้ามามีบทบาทในฝรั่งเศส โดยที่คนธรรมดาไม่สามารถจินตนาการถึงการดำรงอยู่ของพวกเขาได้ ด้วยการถือกำเนิดของศาสนาคริสต์ ดนตรีในคริสตจักรถือกำเนิดขึ้น ซึ่งค่อยๆ เริ่มเปลี่ยนไปภายใต้อิทธิพลของผู้คน

นักเขียนพิธีกรรมที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคนั้นเรียกว่าฮิลาเรียจากจังหวัดปัวตีเย เขาอาศัยอยู่ในศตวรรษที่ 3 และเป็นนักศาสนศาสตร์และอาจารย์ของคริสตจักรที่ฉลาดที่สุด

ประมาณศตวรรษที่ 10 ดนตรีฆราวาสเริ่มได้รับความนิยม จัดแสดงที่ศาลศักดินา ในจัตุรัสของเมืองใหญ่ และในอาราม เครื่องดนตรี ได้แก่ กลอง ฟลุต แทมบูรีน และพิต

ศตวรรษที่ 12 โดดเด่นด้วยการเปิดโรงเรียนดนตรีที่น็อทร์-ดาม ซึ่งเป็นอาสนวิหารอันยิ่งใหญ่ของปารีส ผู้แต่งกลายเป็นผู้สร้างแนวดนตรีใหม่ (วาทกรรม โมเตต)

ในศตวรรษที่ 13 อดัม เดอ ลา อัล กลายเป็นนักดนตรีที่โดดเด่นที่สุด ซึ่งคิดใหม่เกี่ยวกับผลงานของคณะนักร้องประสานเสียง และหลีกทางให้กับศิลปะดนตรีที่แท้จริง ผลงานที่น่าสนใจที่สุดของเขาคือ “The Game of Robin and Marion” เขากลายเป็นผู้ประพันธ์ทั้งบทกวีและดนตรีสำหรับละครเรื่องนี้ ซึ่งประสบความสำเร็จในการแสดงที่ราชสำนักของเคานต์แห่งอาร์ตัวส์

Ars nova - ทิศทางของดนตรียุโรปซึ่งได้รับการพัฒนาในฝรั่งเศสกลายเป็นศูนย์รวมของแนวคิดใหม่ ๆ ของนักดนตรี นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Guillaume de Machaut และ Philippe de Vitry กลายเป็นนักทฤษฎีหลักของช่วงเวลานี้ De Vitry เขียนดนตรีประกอบบทกวี "The Romance of Fauvel", de Machaut กลายเป็นผู้แต่ง "Mass of Notre Dame" นี่เป็นผลงานชิ้นแรกที่เขียนโดยนักแต่งเพลงคนหนึ่ง และไม่ได้ร่วมมือกับบุคคลอื่น

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ตั้งแต่กลางคริสต์ศตวรรษที่ 15 ถึงครึ่งหลังของคริสต์ศตวรรษที่ 16 ดนตรีฝรั่งเศสพัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของสำนักดัตช์และการเปลี่ยนแปลงทางการเมืองภายใน เช่น สงครามรวมฝรั่งเศส การสถาปนารัฐรวมศูนย์ และการเกิดขึ้นของชนชั้นกระฎุมพี

ภายใต้อิทธิพลของนักประพันธ์เพลงเช่น Gilles Benchois, Josquin Depres, Orlando di Lasso เลเยอร์ใหม่กำลังก่อตัวขึ้นในศิลปะดนตรีของฝรั่งเศส ราชสำนักไม่ยืนข้างกัน โบสถ์ต่างๆ ปรากฏขึ้นที่นั่นและมีการสถาปนาตำแหน่งหัวหน้าผู้รับผิดชอบด้านดนตรี คนแรกคือนักไวโอลินจากอิตาลี Baltazarini di Belgioiso

ความมั่งคั่งของวัฒนธรรมดนตรีประจำชาติเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 เมื่อชานสันกลายเป็นแนวเพลง และดนตรีออร์แกนก็มีบทบาทสำคัญ Jean Titlouz กลายเป็นผู้ก่อตั้งและนักอุดมการณ์ของเทรนด์นี้

งานของชาวอูเกนอตแพร่หลาย แต่เนื่องจากความขัดแย้งทางศาสนา งานจึงถูกผลักไสให้อยู่เบื้องหลัง นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสซึ่งเป็นตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของชั้นนี้ Claude Goudimel และ Claude Lejeune กลายเป็นผู้ประพันธ์เพลงสดุดีหลายร้อยบท ทั้งสองคนต้องทนทุกข์ทรมานในช่วงคืนเซนต์บาร์โธโลมิว

ศตวรรษที่ 17

ดนตรีแห่งศตวรรษนี้พัฒนาขึ้นภายใต้อิทธิพลของระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ที่สถาปนาขึ้น ชีวิตในศาลภายใต้หลุยส์ 15 มีชื่อเสียงในด้านเอิกเกริกและความอุดมสมบูรณ์ ดังนั้นจึงไม่น่าแปลกใจที่ในบรรดาความบันเทิงอื่น ๆ เช่นโอเปร่าและบัลเล่ต์ก็ปรากฏตัวขึ้น

พระคาร์ดินัลมาซารินสนับสนุนการพัฒนางานศิลปะที่ประณีต ต้นกำเนิดภาษาอิตาลีของเขากลายเป็นสาเหตุของการเผยแพร่วัฒนธรรมของประเทศนี้ในฝรั่งเศส ความพยายามครั้งแรกในการสร้างโอเปร่าระดับชาติเป็นของ Elisabeth Jacquet de la Guerre ผู้เขียน Cephalus และ Procris ในปี 1694

Royal Opera House เปิดในปี 1671 ทำให้ประเทศมีนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยม Marc-Antoine Charpentier สร้างสรรค์ผลงานหลายร้อยชิ้น รวมถึงโอเปร่า "Orpheus's Descent into Hell", "Medea" และ "The Judgement of Paris" Andre Campra เป็นผู้แต่งโอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant Europe", "The Carnival of Venice", โศกนาฏกรรมทางดนตรี "Iphigenia in Tauris", "Achilles และ Deidamia"

ศตวรรษที่ 17 เป็นช่วงก่อตั้งโรงเรียนนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ในบรรดาผู้เข้าร่วม ได้แก่ Chambonnière และ Jean-Henri d'Anglebert

ศตวรรษที่ 18

ชีวิตทางดนตรีและสังคมกำลังเปลี่ยนแปลงไปอย่างมากในศตวรรษนี้ กิจกรรมคอนเสิร์ตไปไกลกว่าศาล ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1725 มีการจัดคอนเสิร์ตสาธารณะเป็นประจำในโรงละคร สมาคม "คอนเสิร์ตมือสมัครเล่น" และ "Friends of Apollo" ก่อตั้งขึ้นในกรุงปารีส ซึ่งมือสมัครเล่นสามารถเพลิดเพลินกับการแสดงดนตรีบรรเลง

ชุดฮาร์ปซิคอร์ดถึงจุดสูงสุดในช่วงทศวรรษที่ 30 François Couperin เขียนฮาร์ปซิคอร์ดมากกว่า 250 ชิ้นและมีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในประเทศบ้านเกิดของเขาเท่านั้น แต่ยังมีชื่อเสียงในต่างประเทศด้วย เขายังผลิตละครโอเปร่าและผลงานเกี่ยวกับออร์แกนด้วย

สำหรับดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18 ผลงานของ Jean Philippe Rameau ซึ่งไม่เพียงแต่เป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์เท่านั้น แต่ยังเป็นนักทฤษฎีที่โดดเด่นในสาขาของเขาด้วยก็มีความสำคัญอย่างยิ่ง โศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ของเขา "Castor and Pollux", "Hippolytus and Arisia" และบัลเล่ต์โอเปร่า "The Gallant Indians" ก็เป็นที่ต้องการของผู้กำกับยุคใหม่เช่นกัน

ผลงานดนตรีเกือบทั้งหมดจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 มีทั้งเกี่ยวกับศาสนาหรือเป็นตำนาน แต่อารมณ์ในสังคมต้องการการตีความและประเภทใหม่ๆ บนพื้นฐานนี้ โอเปร่าบัฟฟาได้รับความนิยมซึ่งแสดงให้เห็นถึงสังคมชั้นสูงและอำนาจของกษัตริย์จากการเสียดสี บทแรกสำหรับโอเปร่าดังกล่าวเขียนโดย Charles Favard

นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 มีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบโอเปร่าและพื้นฐานทางทฤษฎีดนตรีของประเภทนี้

ศตวรรษที่ 19

การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งใหญ่ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในวัฒนธรรมดนตรี เพลงทองเหลืองของทหารดังขึ้นมาข้างหน้า เปิดโรงเรียนพิเศษเพื่อฝึกนักดนตรีทหาร ขณะนี้โอเปร่าถูกครอบงำด้วยธีมความรักชาติพร้อมกับวีรบุรุษประจำชาติคนใหม่

ยุคฟื้นฟูมีจุดเด่นอยู่ที่การกำเนิดของโอเปร่าโรแมนติก นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส Berlioz เป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดในเวลานี้ งานโปรแกรมแรกของเขาคือ Symphony Fantastique ซึ่งสะท้อนถึงอารมณ์ความรู้สึกที่เกินจริงและอารมณ์ทั่วไปของเวลา เขากลายเป็นผู้สร้างซิมโฟนีละคร "โรมิโอและจูเลียต" การทาบทาม "King Lear" โอเปร่า "Benvenuto Cellini" ในประเทศบ้านเกิดของเขา Hector Berlioz ได้รับการประเมินอย่างคลุมเครือ นี่เป็นเพราะเส้นทางสร้างสรรค์พิเศษที่เขาเลือกเอง ผลงานของเขาเต็มไปด้วยเอฟเฟกต์ออเคสตราอันน่าทึ่งซึ่งผู้แต่งเป็นคนแรกที่ใช้ในหมู่นักดนตรีชาวฝรั่งเศส

กลางศตวรรษที่ 19 เป็นจุดเริ่มต้นของการพัฒนาละครในประเทศ แต่ในช่วงทศวรรษที่ 1870 ดนตรีแนวโคลงสั้น ๆ เข้ามามีบทบาท แต่มีแนวโน้มที่สมจริง Charles Gounod ถือเป็นผู้ก่อตั้งแนวเพลงนี้ โอเปร่าของเขา - "The Reluctant Doctor", "Faust" และ "Romeo and Juliet" - แสดงถึงพัฒนาการทางนวัตกรรมทั้งหมดของนักแต่งเพลง

ผลงานหลายสิบชิ้นที่มีความสำคัญต่อวัฒนธรรมของฝรั่งเศสสร้างสรรค์โดย Georges Bizet ซึ่งมีอายุสั้น เขาศึกษาที่เรือนกระจกตั้งแต่อายุ 10 ขวบและมีความก้าวหน้าอย่างมากตั้งแต่แรกเริ่ม เขาชนะการแข่งขันดนตรีที่สำคัญหลายครั้งซึ่งทำให้นักดนตรีสามารถไปโรมได้หลายปี หลังจากที่เขากลับมาที่ปารีส Georges Bizet ก็เริ่มทำงานเกี่ยวกับโอเปร่าในชีวิตของเขา - Carmen รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2418 ประชาชนไม่ยอมรับหรือเข้าใจงานนี้ นักแต่งเพลงเสียชีวิตในปีเดียวกันนั้นโดยไม่เห็นชัยชนะของการ์เมน

ในช่วงปีสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 คีตกวีชาวฝรั่งเศสเขียนภายใต้อิทธิพลของชาวเยอรมัน โดยเฉพาะ Richard Wagner

ศตวรรษที่ 20

ศตวรรษใหม่โดดเด่นด้วยการแพร่กระจายของอิมเพรสชั่นนิสม์ในวัฒนธรรมดนตรี คีตกวีชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่กลายเป็นผู้นับถือสไตล์นี้ คนที่สว่างที่สุดคือ C. Debussy งานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงคุณสมบัติหลักทั้งหมดที่มีอยู่ในทิศทางนี้ สุนทรียภาพของอิมเพรสชันนิสม์ไม่ได้อยู่ห่างไกลจากชาวฝรั่งเศสคนอื่น มอริซ ราเวลผสมผสานแนวโวหารต่างๆ เข้ากับผลงานของเขา

ศตวรรษที่ 20 เป็นช่วงเวลาแห่งการก่อตั้งสมาคมสร้างสรรค์ โดยมีสมาชิกเป็นศิลปิน "French Six" อันโด่งดังซึ่งสร้างขึ้นภายใต้การนำของ Erik Satie และ Jean Cocteau กลายเป็นชุมชนนักแต่งเพลงที่ทรงอิทธิพลที่สุดในยุคนั้น

สมาคมได้รับชื่อเนื่องจากการเปรียบเทียบกับสหภาพนักแต่งเพลงแห่งรัสเซีย - Mighty Handful พวกเขาถูกนำมารวมกันด้วยความปรารถนาที่จะแยกตัวออกจากอิทธิพลจากต่างประเทศ (ในกรณีนี้คือภาษาเยอรมัน) และพัฒนาชั้นศิลปะระดับประเทศ

สมาคมดังกล่าว ได้แก่ Louis Durey ("การถวายโคลงสั้น ๆ", "ภาพเหมือนตนเอง"), Darius Milhaud (โอเปร่า "The Guilty Mother", บัลเล่ต์ "Creation of the World"), Arthur Honegger (โอเปร่า "Judith", บัลเล่ต์ "Shota Rustaveli" ), Georges Auric ( ดนตรีประกอบภาพยนตร์เรื่อง "The Princess of Cleves", "Roman Holiday"), Francis Poulenc (โอเปร่า "Dialogues of the Carmelites", cantata "Un ballo in maschera") และ Germaine Taillefer (โอเปร่า "The Little Mermaid" ”, บัลเล่ต์ “ The Bird Seller”)

ในปี พ.ศ. 2478 มีสมาคมอื่นเกิดขึ้น - Young France ผู้เข้าร่วม ได้แก่ Olivier Messiaen (โอเปร่า "St. Francis of Assisi"), Andre Jolivet (บัลเล่ต์ "Beauty and the Beast", "Ariadne")

การเคลื่อนไหวใหม่เช่นดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดปรากฏหลังปี 1950 ตัวแทนและผู้สร้างแรงบันดาลใจที่โดดเด่นคือปิแอร์ บูเลซ ซึ่งศึกษากับเมสเซียเอน ในปี 2010 เขาถูกรวมอยู่ในวาทยากรที่ดีที่สุด 20 อันดับแรกของโลก

การพัฒนาศิลปะสมัยใหม่ในฝรั่งเศสได้รับการอำนวยความสะดวกโดยกิจกรรมที่เป็นนวัตกรรมของเสาหลักด้านดนตรีเชิงวิชาการเช่น Debussy และ Ravel

เดบุสซี่

Achille-Claude Debussy เกิดใน Saint-Germain-en-Laye รู้สึกปรารถนาในความงามตั้งแต่วัยเด็ก เมื่ออายุ 10 ขวบเขาเข้า Paris Conservatory การเรียนเป็นเรื่องง่ายสำหรับเขา เด็กชายยังชนะการแข่งขันภายในเล็กๆ น้อยๆ อีกด้วย แต่โคลดรู้สึกหนักใจกับชั้นเรียนประสานเสียง เนื่องจากครูไม่เป็นมิตรกับการทดลองด้วยเสียงของเด็กชาย

หลังจากหยุดชะงักการเรียน Claude Debussy เดินทางไปกับเจ้าของที่ดินจากรัสเซีย N. von Meck ในฐานะนักเปียโนที่บ้าน การใช้เวลาบนดินแดนรัสเซียส่งผลดีต่อโคลด เขาชื่นชอบผลงานของ Tchaikovsky, Balakirev และนักแต่งเพลงคนอื่นๆ

เมื่อกลับมาที่ปารีส Debussy ยังคงเรียนที่เรือนกระจกและเขียนหนังสือต่อไป เขายังคงสร้างสไตล์ของเขาเอง จุดเปลี่ยนในชีวิตของ Claude คือการที่เขารู้จักกับ E. Satie ผู้ซึ่งมีความคิดสร้างสรรค์ที่สร้างสรรค์ได้แสดงให้เห็นหนทางสำหรับนักแต่งเพลงที่มีความมุ่งมั่น

สไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ของ Debussy เป็นรูปเป็นร่างอย่างสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2437 เมื่อเขาเขียนเพลง "The Afternoon of a Faun" ซึ่งเป็นบทโหมโรงไพเราะอันโด่งดังของเขา

ราเวล

Maurice Ravel เกิดทางตอนใต้ของฝรั่งเศส แต่ย้ายไปปารีสตั้งแต่อายุยังน้อยเพื่อเรียนรู้งานฝีมือที่เขาชื่นชอบ ครูของเขาคือ Charles de Bériot นักแต่งเพลง-นักเปียโนชาวฝรั่งเศส

เช่นเดียวกับเดบุสซี มอริซได้รับอิทธิพลอย่างมากจากการพบปะกับเอริก ซาตี หลังจากเธอ ราเวลเริ่มแต่งเพลงด้วยพลังที่ได้รับแรงบันดาลใจจากสุนทรพจน์และแนวคิดของผู้แต่ง

ในขณะที่ยังเรียนอยู่ที่เรือนกระจก Ravel ได้เขียนผลงานหลายชิ้นโดยใช้ลวดลายสเปน ("Habanera", "Ancient Minuet") ซึ่งได้รับการตอบรับอย่างอบอุ่นจากเพื่อนนักดนตรี อย่างไรก็ตาม สไตล์ของผู้แต่งครั้งหนึ่งเคยเล่นตลกกับเขาอย่างโหดร้าย ราเวลไม่ได้รับอนุญาตให้เข้าร่วมการแข่งขันเพื่อชิงรางวัล Rome Prize อันทรงเกียรติ โดยอ้างถึงข้อจำกัดด้านอายุ แต่ผู้แต่งยังอายุไม่ถึง 30 ปีและสามารถส่งการเรียบเรียงของเขาได้ตามกฎ ในปี 1905 สิ่งนี้ทำให้เกิดเรื่องอื้อฉาวครั้งใหญ่ในโลกดนตรี

หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่งซึ่งราเวลอาสา หลักการทางอารมณ์ถือเป็นหลักในงานของเขา สิ่งนี้อธิบายถึงการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจนจากการเขียนโอเปร่าไปเป็นงานบรรเลง (ชุด "Tomb of Couperin") นอกจากนี้เขายังร่วมมือกับ Sergei Diaghilev และเขียนเพลงสำหรับบัลเล่ต์ Daphnis และ Chloe

ในเวลาเดียวกันผู้แต่งเริ่มทำงานที่สำคัญที่สุดของเขา - "Bolero" ดนตรีเสร็จสมบูรณ์ในปี พ.ศ. 2471

ผลงานชิ้นสุดท้ายของมอริซ ราเวลคือ "Three Songs" ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับฟีโอดอร์ ชาเลียปิน

เลแกรนด์

สำหรับผู้ชมชาวรัสเซีย ชื่อของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสคนหนึ่งฟังดูคุ้นเคยมาก นี่คือ Michel Legrand ผู้สร้างเพลงสำหรับภาพยนตร์แนวลัทธิ

Michel Jean เกิดในครอบครัววาทยากรและนักเปียโน เด็กชายหลงใหลในศิลปะดนตรีตั้งแต่วัยเด็กซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมเขาถึงเข้าเรียนที่ Paris Conservatory หลังจากสำเร็จการศึกษา เขาได้เดินทางไปสหรัฐอเมริกา ซึ่งเขาเริ่มเขียนเพลงสำหรับภาพยนตร์

ในฝรั่งเศสเขาทำงานร่วมกับผู้กำกับชื่อดัง Jean-Luc Godard และ Jacques Demy ผลงานยอดนิยมของเขาคือเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง The Umbrellas of Cherbourg

เขียนเพลงแจ๊ส ตั้งแต่ทศวรรษ 1960 เขาทำงานในฮอลลีวูด ผลงานที่โด่งดังของนักแต่งเพลง ได้แก่ เพลง "The Thomas Crown Affair" และ "The Other Side of Midnight" Michel Legrand เป็นผู้ชนะรางวัลออสการ์สามครั้ง

ศตวรรษที่ 21

ดนตรีวิชาการยังคงเป็นที่ต้องการในฝรั่งเศส มีเทศกาลและรางวัลมากมายที่จัดขึ้นเพื่อความสำเร็จในพื้นที่นี้ ในปารีสซึ่งเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมของประเทศ มี National Conservatory, Opera Bastille, Opera Garnier และ Théâtre des Champs-Élysées มีวงออเคสตราหลายสิบวงที่รู้จักทั่วโลก

เพลงของนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสกลายเป็นที่รู้จักของสาธารณชนทั่วไปด้วยภาพยนตร์ นอกเหนือจากโอเปร่าและดนตรีไพเราะแล้ว พวกเขายังเขียนบทภาพยนตร์ด้วย งานเหล่านี้ส่วนใหญ่ทำงานให้กับอุตสาหกรรมภาพยนตร์ฝรั่งเศส แต่นักประพันธ์เพลงบางคนก็ไปถึงระดับสากลด้วย คีตกวีชาวฝรั่งเศสที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดในศตวรรษที่ 21 ได้แก่:

1. อองตวน ดูฮาเมล ("Stolen Kisses", "Belle Epoque")
2. มอริซ จาร์ (Doctor Zhivago, A Walk in the Clouds)
3. วลาดิมีร์ คอสมา ("Injection with an Umbrella", "Dads")
4. บรูโน คูเลต์ ("Belphegor the Phantom of the Louvre", "Choristers")
5. Louis Aubert (โอเปร่า "The Blue Forest", "Enchanting Night")
6. ฟิลิปป์ ซาร์ด ("ลูกสาวของ D'Artagnan", "เจ้าหญิงเดอมงต์ปองซิเยร์")
7. เอริก เซอร์รา (เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "Leon", "Joan of Arc", "The Fifth Element")
8. Gabriel Yared (ผู้ป่วยชาวอังกฤษ, Cold Mountain)