Obraz krásnej dámy v maľbe. Osudy krások zo známych portrétov

krása ženské telo bol a zostáva žiadaným objektom pre obraz umelcov všetkých čias a národov.

Najviac zo všetkého nám malebnú nahotu dala, samozrejme, renesancia, keď sa energicky spievala veľkoleposť nahých tiel podľa antických kánonov. Majstri neskoršej doby však nie sú v šikovnom podaní ženského obrazu v žiadnom prípade horší. Zmenili sa techniky, miesta, proti ktorým boli panny zobrazované, aj samotné múzy začali časom nadobúdať iné črty. Ale obraz ženského prirodzenia je stále špeciálna téma, ktorá vzrušuje mysle všetkých fanúšikov prírodných krás.

Sandro Botticelli

"Narodenie Venuše" 1482-1486

Peter Paul Rubens

Rubens bol vynikajúci maliar portrétov, maľoval krajiny a obrazy na náboženské témy, založil barokový štýl, no široká verejnosť pozná Rubensa najlepšie zo všetkých obrazov nahých žien a mužov, mierne povedané, nie astenickej postavy.

"Spojenie zeme a vody", 1618

"Tri grácie", 1639

Francisco Goya

Maja Nude, približne 1800

Nie každý vie, že Maha vôbec nie je meno, ale meno pre španielske obyčajné mešťanky 18.-19. storočia.

Macha, ktorej imidž sa formoval v Andalúzii, sa postupom času začala vnímať ako typická Španielka. Kvôli romantizmu, malebnosti, silnému národnému akcentu a násilnej vášni.

Eugene Delacroix

"Sloboda vedie ľudí", 1830

Delacroix vytvoril obraz na základe júlovej revolúcie v roku 1830, ktorá ukončila režim reštaurovania Bourbonskej monarchie. V liste svojmu bratovi z 12. októbra 1830 Delacroix píše: "Ak som nebojoval za vlasť, tak aspoň za ňu napíšem."

Odhalené prsia na obrázku z nejakého dôvodu. Symbolizuje oddanosť francúzskeho ľudu tej doby, ktorý s „ odhalená hruď“ odišiel k nepriateľovi.

Jules Joseph Lefebvre

Lefebvre bol francúzsky salónny maliar, ktorý sa špecializoval na zobrazovanie krásnych dievčat. Vďaka obrázku ženská krása zaujímal veľmi významné miesto ako elegantný, aj keď trochu vychovaný kresliar.

"Mária Magdaléna v jaskyni", 1836

Obraz „Mária Magdaléna v jaskyni“ má svoj osobitý príbeh. Po výstave v roku 1876 ju kúpil syn Alexandre Dumas. Po jeho smrti bola v roku 1896 poslaná na výstavu do Petrohradu. Mikuláš II. ju kúpil pre Zimný palác a teraz Máriu Magdalénu možno vidieť medzi pokladmi Ermitáže.

Edouard Manet

Na parížskom salóne v roku 1865 obraz spôsobil jeden z najväčších škandálov v dejinách umenia. Súčasníci nevideli objem zobrazenej postavy a kompozíciu obrazu považovali za drsnú a plochú. Manet bol obvinený z nemravnosti a vulgárnosti. Obraz zhromaždil stovky ľudí, ktorí prišli na výstavu len preto, aby obraz nadávali a pľuli naň. V dôsledku toho bol obraz zavesený v najvzdialenejšej sále Salónu do takej výšky, že ho takmer nebolo vidieť. Akí boli ľudia v tých dňoch nervózni.

Pierre-Auguste Renoir

Renoir je známy predovšetkým ako majster svetského portrétu, ktorému nechýba sentimentálnosť; bol prvým z impresionistov, ktorý uspel u bohatých Parížanov. Akt bol jedným z Renoirových obľúbených žánrov.

"Nahý dnu slnečný svit“, 1876

Prvýkrát sa objavil na Druhej impresionistickej výstave v roku 1876, kde dostal od kritikov veľmi tvrdé recenzie: „Inšpirujte pána Renoira, že ženské telo nie je hromada rozkladajúceho sa mäsa so zelenými a fialovými škvrnami, ktoré naznačujú, že mŕtvola už hnije naplno. hojdačka!"

"Veľkí kúpači", 1887

A tento obraz znamenal prechod Renoira od čistého impresionizmu ku klasicizmu a engrizmu. „Veľkí kúpajúci sa“ je vyrobený s jasnejšími líniami, chladnejšími farbami a pri písaní tohto obrázku Renoir najskôr použil náčrty a náčrty.

Vladislav Podkovinský

"Ženský orgazmus", 1894

Z názvu je zrejmé, že vo svojom diele zobrazoval Poľský umelec Vladislav Podkovinsky... Výstava obrazu sa začala grandióznym škandálom a trvala 36 dní. Keďže nedokázal vydržať tlak, na 37. deň prišiel Podkovinsky s nožom a rozrezal celé plátno. Umelec zomrel na tuberkulózu vo veku 29 rokov. Po jeho smrti sa rozhodlo, že obraz bude reštaurovaný.

Adolf William Bouguereau

John Collier

Škála námetov v obrazoch anglického maliara Colliera je veľmi široká. Najväčšiu obľubu si však získal vďaka použitiu obrazov krásnych žien z legiend, mýtov, literatúry a histórie v skutočne romantickej tradícii ako hlavný námet svojich obrazov.

"Lady Godiva" bola napísaná podľa zápletky legendy. Nahá kráska zobrazená na obrázku (Lady Godiva) prosila svojho mocného a panovačného manžela (gróf Leofric), aby znížil dane pre chudobných v jeho majetku. Na čo ponúkol takmer prehranú stávku. Sľúbil, že zníži dane, ak jeho pani prejde cez dedinu Coventry nahá na koni, čo jeho manželka aj urobila.

Herbert James Draper

"Odyseus a sirény", 1909

David Shterenberg

"Nahý", 1908

Gustav Klimt

Všetky detaily súvisiace s mytologickou zápletkou boli z obrazu odstránené a zostalo len miesto oplodnenia zlatým dažďom, na ktoré sa Zeus premenil. Voľba držania tela a skreslená perspektíva dodávajú Danaeinmu telu mimoriadnu sexualitu.

V žiadnom inom diele umelec nepriniesol ženská sexualita k takejto hypertrofii - to je vlastná túžba.

Herbert James Draper

Herbert James Draper bol umelec, slávnych diel na historické a mytologické témy. Hoci sa Draperovi dostalo uznania už počas svojho života, jeho dielo je dnes nespravodlivo zabudnuté a na aukcii ho možno vidieť len zriedka.

"Hora hmly", 1912

„Mountain of Mists“ je jedným z najsilnejších, najzmyselnejších a najočarujúcejších zo všetkých umelcových obrazov. Prezentované nahé dievčatá sú krásne ako Waterhouseove nymfy, aj keď na rozdiel od jeho femme fatale prilákať mužov do ich záhuby.

Boris Kustodiev

Malebná plasticita, dôraz na umenie modelu a nápadný vzhľad - to sú hlavné črty tvorby Borisa Kustodieva.

"Ruská Venuša" 1925-1926

„Ruská Venuša“ zobrazuje nafúknutú ženu vo vani, ale na rozdiel od bohyne nie je nahé dievča obklopené morskou penou, ale parou z ruského kúpeľa. Dúhové bubliny na drevenej lavici potvrdzujú, že Venuša je pred nami. Bohyňa sa zrodila z peny Stredozemné more! A tu, v Rusku - z peny kúpeľa ...

Amedeo Modigliani

Modigliani je právom považovaný za speváka krásy nahého ženského tela. Bol jedným z prvých, ktorí stvárnili akt emocionálne realistickejším spôsobom. Práve táto okolnosť viedla svojho času k bleskovému uzavretiu jeho prvej samostatnej výstavy v Paríži. Modiglianiho obrazy, vytvorené v žánri nahého, sú považované za perlu jeho tvorivého dedičstva.

"Sediaci akt", 1916

Egon Schiele

Maľba a grafika Egona Schieleho sú nervózne, sofistikované, dramatické a veľmi sexi. Schiele, silne ovplyvnený psychoanalýzou Sigmunda Freuda, dal vo svojej práci priechod svojim vlastným komplexom a pochybnostiam a mnohé z jeho diel boli zjavne sexuálnej povahy. To dokonca slúžilo ako dôvod na umelcovo uväznenie za „vytváranie nemorálnych kresieb“.

"Nahá na kolenách", 1917

"Ležiaca žena", 1917

Anders Zorn

Švédsky maliar a grafik, ktorý dbal najmä na individualitu nahej modelky, originalitu jej mimiky, gest, mimiky, ktoré sú ostro zachytené v jeho dielach.

"Na Wernerovej veslici", 1917

"Úvahy", 1889

Zinaida Serebryaková

Zinaida Evgenievna Serebryakova je jednou z prvých ruských žien, ktoré vstúpili do dejín maľby. Malebnými prostriedkami umelec znázornil obraz čistého ženského tela. Jej modely nemali atletickú postavu, nemajú tuhosť, ostrosť, ale len hladký súlad s prostredím.

V "Bath" Serebryakova zobrazovala nahé ženy bez zdobenia, rysy idealizácie sa objavili v jej práci neskôr.

"Ležiaci akt", portrét Nevedomskej, 1935

AT neskoršia práca Serebryakova čoraz viac zvýrazňovala tému diel zobrazujúcich nahé modelky a Serebryakova zostala verná žánru nahého. V „Ležiacom akte“ cíti, že sa jej táto téma darí a neustále na ňu odkazuje.

Spiaci model, 1941

Igor Emmanuilovič Grabar

Igor Emmanuilovič Grabar je jedným z najviac slávnych umelcov v dejinách ruskej kultúry XX storočia. Jedným z jeho najznámejších diel je portrét Flory.

Alexander Michajlovič Gerasimov

Ďalší známy ruský umelec, ktorý sa na rozdiel od predchádzajúceho venoval zobrazovaniu drsnej a zjednodušenej erotiky.

"Dedinský kúpeľ", 1938

Na tému „Dedinský kúpeľ“ umelec v priebehu rokov napísal veľa náčrtov „pre seba“. Na obrázku je niekoľko nahých ženských tiel, ktoré spája zložitá štrukturálna kompozícia. Každá postava je obraz, individuálny charakter.

Arkady Alexandrovič Plastov

Arkady Plastov - „spevák sovietskeho roľníctva“. Vo svojich dielach venoval osobitnú pozornosť vlasteneckej práci žien počas veľ Vlastenecká vojna. Umelec zachytil farebný obraz a jednoduchosť na obraze "Traktoroví vodiči"

"Traktoristi", 1943

ŽENSKÝ OBRAZ V RUSKEJ MAĽBE... A tajomstvo tvojich pôvabov Rozlúštenie života je ekvivalentné... B. Pasternak Od storočia do storočia ženy vždy inšpirovali básnikov, hudobníkov a umelcov, aby vytvorili najväčšie umelecké diela. Očarujúce inšpirátorky sú rozdielne vekom aj povahou, no niečo ich spája – v každej z týchto žien žije záhada. Tajomstvo ich krásy, ženskosti, šarmu. „Som ako ženy najvyššie tajomstvo, Milujem "- Konstantin Balmont. V ruskej maľbe existuje množstvo brilantných diel, v centre ktorých je žena so svojím zložitým duchovným svetom. V 18. storočí hral portrét vedúcu úlohu v ruskej maľbe. Práve v tomto žánri dosiahli ruskí umelci úroveň Európske maliarstvo. Jedným z nich bol Fjodor Semjonovič Rokotov (asi 1732-1806). Rokotovovo dielo patrí k najpozoruhodnejším fenoménom 18. storočia; vo svojich portrétoch sa mu podarilo odhaliť vnútorný svet, sprostredkovať najjemnejšie zážitky človeka. Umelec pochádzal z nevoľníkov, ale dostal slobodu. V 50. rokoch 18. storočia bola sláva Rokotova taká veľká, že bol pozvaný, aby namaľoval portrét následníka trónu, veľkovojvodu Petra Fedoroviča, a v 60. rokoch 18. storočia namaľoval dva portréty cisárovnej Kataríny II. Každý Rokotovov portrét je predovšetkým pocit stelesnený vo flexibilnom a bohatom jazyku maľby. Ich opisy nedokážu sprostredkovať kĺzanie svetla po hladkom smaltovanom povrchu, krásu a pohyb farieb, či už trblietavých do hĺbky, alebo prerážajúcich tlmené teplo, jemné prechody z jedného poltónu do druhého, pohlcujúce súmrak pozadia, z ktorého sa akoby v prívale vynárajú tváre jeho hrdinov. Rokotovove diela sa vyznačujú osobitnou spiritualitou. ženské portréty. Obraz mladého A.P. je podmanivý. Struiský (1772)

Ľúbostná maľba, básnici Len jej, jedinej, je daná Duša premenlivého znamenia Prenesená na plátno. Jej oči sú ako dve hmly, polovičný úsmev, polovičný plač, jej oči sú ako dva podvody, zahalené v hmle neúspechov. Alexandra Petrovna Struyskaya inšpirovala nielen básnikov svojej doby. Dve storočia po jej smrti Nikolaj Zabolotskij, nahliadajúci do portrétu slávneho Rokotova, napísal: ... Pamätáte si, ako „z temnoty minulosti, sotva zahalenej do saténu, sa na nás znova pozrela Rokotovova noptreta Struyskaya? Bolo to, ako keby mala byť večná múza básnik. Vo svojom 18. storočí uchvátila tajomným zjavom ďalšieho z nich – svojho manžela. Struisky takto opísal svoju milovanú v jednej z mnohých básní, ktoré jej boli venované: Keby tu niekto stál za tvoje milé oči, dávno by postavil tento chrám v tvojom srdci, a ako obetu by sa niesol tebe a svojim Srdce. Si hodná seba, Zafira! .. a neba. Na počesť tvojich krás, ako smrteľník, som nemý, som v tebe stratený? .. horím s tebou. („Elegia to Sapphira“) Jedna zo Struiského kníh, „Erotoidy. Anakreontické ódy. Všetky „ódy“ v ňom sú plné vyznaní lásky k tej, ktorá bola vo veršoch nazývaná Sapphira, a v živote - Alexandra, jej milovaná manželka. ******************************************************* ***** ** Ďalší významný ruský portrétista na druhom mieste polovice XVIII storočia bol Dmitrij Grigorievič Levitskij (1735-1822), umelec, možno nie taký sofistikovaný ako Rokotov, ale všestrannejší. Celá jedna éra obsahuje dielo „prepusteného portrétistu“ D.G. Levický. Vytvoril galériu portrétov, nevšedných svojou prenikavosťou, sviežosťou a vzdušnosťou. Stačí pripomenúť jeho obrazovú suitu siedmich portrétov „Smoljanka“ (1772-1776), venovaných absolventom Smolného inštitútu. Dostal objednávku na portréty od I.I. Betsky, asistent a poradca cisárovnej Kataríny II. Na vzdelávacie účely mal umelec prezentovať osvietenej spoločnosti výsledky pedagogického úsilia cisárovnej - žiakov internátu Smolny, najmä ňou podporovaného. Penzión, organizovaný v roku 1764, bol koncipovaný ako uzavretý vzdelávacia inštitúcia v ktorej dievčatá získali vzdelanie a sociálne zručnosti. Levitsky maľoval tie smolenské ženy, ktoré sa obzvlášť vyznačovali cisárovnou. Medzi nimi vyniká portrét Ekateriny Nelidovej

V portréte Nelidovej je vyjadrená jednota začiatku hry a stavu mysle: skutočná veselosť a úprimná vášeň. Jasné oči, jemný, mierne provokatívny úsmev, noha v perlovej papuči sa ľahko a ladne posúva dopredu – prečo nie Popoluška, ktorá sa ako prvá ocitla na plese, a to všetko v očakávaní zázraku a šťastia? Zdá sa, že ďalší okamih - a objaví sa pekný princ, zaznie mdlé čembalo a ona bez toho, aby sa prestala usmievať, začne svoj menuet ... Podľa súčasníkov nebola v zručnostiach nižšia ako profesionálne herečky. Nelidová nebola kráska, ale na javisku sa zmenila a stala sa nezvyčajne očarujúcou. Dá sa o nej povedať slovami Fjodora Tyutcheva: Je v nej pozemské čaro alebo nadpozemská milosť? Duša by sa k nej chcela modliť, A srdce dychtivo zbožňuje ... ************************************ ********* ******* Slávu ruskej maliarskej školy znásobil najtalentovanejší maliar konca 18. - začiatku 19. storočia Vladimír Lukič Borovikovskij (1757-1825). Medzi ruských maliarov portrétov sa zapísal do už etablovaného umelca, ktorému sa podarilo presláviť ako maliar ikon na rodnej Ukrajine. V.L. Borovikovský najlepší lyrické obrazy vytvorené pod vplyvom nového smeru, ktorý vtedy prišiel do umenia a literatúry – sentimentalizmu. Umelec dokázal v nádherných ženských portrétoch sprostredkovať najmä tiché snívanie, jemné pocity a vtedajšiu módnu citlivosť. Borovikovský vytvára vlastný typ ženského portrétu. Umelec sa nesnaží o rozmanitosť kompozičné techniky: spravidla ide o polopostavy žien opreté o podstavec, zobrazované na pozadí parkovej krajiny. Obmieňajúc toto rozhodnutie s určitými odchýlkami, umelec sa zameriava na tváre svojich modelov a vytvára zduchovnené a poetické obrazy. Toto sú portréty E.A. Naryshkina, O.K. Filippova, sestry Gagarinove...

Portrét E.A. Naryshkina.

Portrét O.K. Filippovej.

Portrét sestier Gagarinových. . Ale aj medzi týmito nádhernými plátnami vyniká osobitou lyričnosťou a krásou maľby portrét podmanivo-tajomnej a zasnene smutnej Márie Ivanovny Lopukhiny (1797).

V tomto portréte umelec stelesnil myšlienku svojej doby o ženskom šarme. Kúzla sú takmer nadpozemské a, ako sa ukázalo, krátkodobé (Lopukhina zomrela vo veku dvadsaťdva rokov). Ale aj keď nič nezatieni jej krásne črty – je to pravda harmonický človek v rozkvete krásy. Farebná schéma plátna je diktovaná myšlienkou. Modrá, fialová, perleťová biela, zlaté tóny - neexistuje jediný ostrý prízvuk. Akoby naznačoval neviditeľné vlákna spájajúce človeka a prírodu, Borovikovský sa pri prenose oblečenia a krajiny uchýli k zvitku farieb: modrý pás - modré chrpy, fialový šál - fialová ruža. Umelec sa vyhýba hranatým tvarom, uprednostňuje hladké, zaoblené línie. Rytmy sú pokojné - kontúry postavy sa ozývajú krivkami korún stromov, klasov, nevädze; ruža je naklonená rovnakým spôsobom ako hlava dievčaťa. Malebná krajina plne zodpovedá nálade zasnenej Lopukhiny. Jakov Polonsky napísal báseň „K portrétu Lopukhiny“ presiaknutú teplom: Už dávno prešla a tie oči tam už nie sú A nie je tam žiadny úsmev, ktorý by ticho vyjadril utrpenie - tieň lásky a myšlienky - tieň smútku ... Ale Borovikovský zachránil jej krásu. Časť jej duše teda neodletela od nás; A tento vzhľad a táto krása tela k nemu pritiahne ľahostajné potomstvo. Naučiť ho milovať - ​​trpieť - odpúšťať - mlčať... *********************************** ***** ******** V histórii ženského portrétu pokračujú umelci 19. storočia. A jedným z prvých medzi nimi je, samozrejme, Karl Pavlovič Bryullov (1799-1852), ktorý vo svojej tvorbe dômyselne spája klasické kánony s romantickými smermi. Bryullov sa volal Charlemagne, milovali ho Pushkin, Gogol, Belinsky, Herzen. Muž na Bryullovových obrazoch je hrdý a krásny. „Bryullov má v poriadku muža,“ napísal Gogoľ, „aby ukázal všetku svoju krásu, všetku najvyššiu pôvabnosť svojej povahy. Máme presne taký portrét. "Jazdec" (1832)

"Zhovanin na koni," nazval obrázok sám Bryullov. Jovanin je Giovannina Pacchini, adoptovaná dcéra grófky Julie Pavlovny Samoilovej. Dievča v ružových šatách, ktoré vybehlo na terasu a s obdivom hľadelo na jazdca, je Amazilia Pacchini, druhá adoptovaná dcéra Samoilovej. Bryullov si dal za úlohu namaľovať veľký jazdecký portrét s motívom chôdze, ktorý mu umožňuje sprostredkovať postavu v pohybe. Giovanina má len štrnásť rokov, no tvár má ľahostajnú ako pravá dáma sveta. Je plná nevýslovného šarmu a milosti. Umelec, ktorý sprostredkuje očarujúce črty mladého jazdca, hmatateľnú krásu zvierat, krajiny, látok, spieva o plnosti a radosti zo života. Vzpínajúci sa kôň, dievča rútiace sa k jazdcovi, žiara slnka na zatienených cestičkách parku - všetko vnáša do obrazu zhon, vzrušený pohyb, ktorý odlišuje túto kompozíciu od statických, zámerne vybudovaných slávnostných portrétov predchádzajúcich. čas. Podoba pôvabnej Giovanniny Pacchini dokonale ladí so ženským obrazom, ktorý spieva A.S. Puškin v básni „Krása“: Všetko v nej je harmónia, všetko je úžasné, všetko je vyššie ako pokoj a vášne; Hanbilne odpočíva vo svojej vážnej kráse; Rozhliada sa okolo seba: Nemá súperky, ani priateľky; Krásy nášho bledého kruhu V jej žiare mizne. Kamkoľvek sa ponáhľaš, Aj na ľúbostné rande, Akýkoľvek tajný sen v srdci máš, Ale keď sa s ňou stretol, zahanbený, zrazu sa mimovoľne zastavíš, Zbožne úctivý Pred svätyňou krásy. ******************************************************* ****** Galéria ženských portrétov ruských umelcov pokračuje v maľbe najväčšieho maliara II polovice XIX storočia, vodca Wanderers Ivan Nikolaevič Kramskoy (1837-1887), ktorý na prvý pohľad nezapadá do predstavy o práci demokratického umelca. Srdce a myšlienka - to je to, čo Kramskoy najviac ocenil na obrázku. Na putovných výstavách najčastejšie vystupoval ako autor mužských portrétov, farebne veľmi skúpych a kompozične prísnych. A zrazu - "Neznámy" (1883)

Mladá, krásna žena, oblečená so všetkým luxusom módy, jazdí na koči zimným Petrohradom. Anichkov most zostáva na boku, pokrytý snehom. Vyhliadka Nevského prospektu sa topí v mrazivom opare. Na pozadí jasnej oblohy sa jasne díva hrdo hodená zadná hlava krásnej dámy, vedomej si svojho šarmu. Cudzinec sa pokojne, chladne pozrie na ostatných. V pohľade istá arogancia, podčiarknutá hrdým držaním tela. Kto je ona, "Neznámy" Kramskoy? Svetská dáma? herečka? Od koho umelec namaľoval túto ženu? Možno sa obraz krásy jednoducho zrodil v fantázii maliara? Ani Repin, blízky známy Kramskoya, nevedel nič o jeho prototype, hoci treba poznamenať, že Repin nazval toto dielo portrétom, nie maľbou. Arogancia, krása a tajný smútok „Neznámeho“ sú pre niektorých spojené s obrazom Anny Kareninovej, ktorý vytvoril L.N. Tolstoj. Je ťažké povedať, koho Kramskoy zobrazil na svojom plátne. Jedna vec je istá - umelec svoju hrdinku jednoznačne obdivoval. Nikdy predtým Kramskoy nenamaľoval taký pestrofarebný, žiarivý portrét, nikdy s takou láskou nenamaľoval dúhový lesk zamatu, mäkkú hromadu kožušiny, saténový povrch stužiek a lesk zlatých náramkov. A s potešením sa pozeráme na hrdú krásu a obdivujeme Kramskoyovu obrazovú zručnosť. Biele pštrosie pierko a svetlý hodváb, ktorým je podšitá zamatová čiapka, podčiarkujú sviežu sviežu tvár. Modrý zamatový oblek lemovaný kožušinou a stuhami dobre ladí so zlatou kožou, ktorá obopína sedadlo koča. Mäkké, hladké línie postavy sú plné milosti a ladnosti. A len v obrovských, napoly uzavretých dlhých, nadýchaných mihalniciach číhal smútok. Tieto oči žiaria ako hviezdy a v ich žiare je vidieť lesk nevyliatych sĺz. Ktovie, možno za vonkajším vyžarovaním krásy a luxusu sa skrýva tragédia duše, zničená vysoká spoločnosť, a obraz "Neznámeho" Kramskoyho odráža ženský obraz vytvorený M.Yu. Lermontov v básni „Ako lúč úsvitu, ako Lelyine ruže ...“: Je hrdá na ľudí, podriadená osudu, nie úprimná, nepredstieraná, zdalo sa, že zámerne bola stvorená pre šťastie. Čo však svetlo nezničí? Čo šľachetné zborí, Ktorá duša nebude vyžmýkaná, Koho pýcha nezväčší? A koho oči neoklame jeho elegantná maska? ******************************************************* ** Obdobie koniec XIX- začiatok 20. storočia, nazývaný v ruskom umení Strieborný vek, kladie nové úlohy, nové smery a podľa toho aj nové mená v maľbe. Jedna z ústredných postáv umenia na prelome storočí - Valentin Alexandrovič Serov (1865-1911), hlavný umelec, autor viac ako dvesto portrétov.

Dievča s broskyňami (Portrét V. S. Mamontovej). 1887

"Dievča osvetlené slnkom (Portrét M. Ya. Simonovich)", 1888. O Serovových obrazoch "Dievča s broskyňami" (1887) a "Dievča osvetlené slnkom" (1888), ruský umelecký kritik D.V. Sarabyanov napísal, že ich impresionistická svietivosť a dynamika voľného ťahu štetcom znamenali obrat kritický realizmus Potulky k „básnickému realizmu“. Serov namaľoval prvý z týchto obrazov v dvadsiatich dvoch rokoch a druhý v dvadsiatich troch rokoch. V stave rozkoše a extázy, cítiac v sebe mladú silu a nadšenie, Serov píše jedno zo svojich majstrovských diel - „Dievča osvetlené slnkom“ Dievča na obrázku je Masha Simonovich, sesternica umelec. Serov sa snaží sprostredkovať kúzlo prchavého a chvíľkového, jedného okamihu života, plného žiarivých farieb bytia. Dievča sedí pri kmeni starého stromu na svojej tenkej, jemnej koži a rozkošne a magicky sa hrá slnečné lúče, a nezvyčajne pretvára celé svoje mláďa štíhla postava vlniaca sa masa tieňa smerom k svetlu. Pokojný pohľad jej žiarivo modrých očí, jemné začervenanie peknej, milej tváre, pohodlné držanie odpočívajúceho človeka – to všetko akoby vzbudzuje u diváka pocit pokoja, dáva pocit harmónie, krásy. každého okamihu života. I.E. Grabar, umelec, umelecký kritik, reštaurátor, po Serovovej smrti napísal o „Dievčati osvetlenom slnkom“: „Táto vec je taká dokonalá, taká svieža, nová a „dnes“, že len ťažko uveríte jej dátumu - 1888 .. Táto vec vznikla v momente mimoriadneho rozmachu, v tej najvzácnejšej a najozajstnejšej tvorivej extáze...“ Serovov obraz je v súlade s líniami ruského symbolistického básnika Konstantina Balmonta z básne „Perly“: Ty si jasná radosť o vzdušnom sne, Rozkoš, ale rozkoš nie je v láske. Si mi na chvíľu, ako rozprávka, daný, Ach, aký si pokojný, aký štíhly a nežný. Minúta, a teraz vlna uteká, A ja odchádzam osvietený. ****************************************************** Tvár nové umenie na prelome 19. a 20. storočia do značnej miery určovali umelci združenia „World of Art“, ktorí tíhli k moderne. Jedným z najkomplexnejších umelcov „sveta umenia“ bol Konstantin Andreevich Somov (1869-1939). Somovovým programovým dielom je portrét skorej zosnulej umelkyne Elizavety Michajlovny Martynovej, známej ako „Lady in Blue“, vytvorený v rokoch 1897-1900.

Oblečená v starých šatách s čipkovaným golierom a hlbokým výstrihom je stelesnením smútku, únavy, melanchólie, sklamania, neschopnosti bojovať v živote. Somovského portrét odráža ženský ideál svojej doby poetizáciou utrpenia a bolesti, osobitou rafinovanosťou a komplexnosťou, rafinovanou krehkosťou. Pri pohľade na Dámu v modrom si človek vybaví riadky básne súčasného Somovho básnika Fjodora Sologuba: Smutne si sa trblietal Medzi jasnými priateľmi A sám nevstúpil do ich podmanivého kruhu. Neviditeľný pre ľudí, otvoril si sa iba mne, a stretneme sa v modrom tichu, a zamilujúc sa do ticha noci, upriem na teba svoje bezsenné oči, povieš mi bez slov, Ako a ako žiješ, a spútaš moju túžbu a spáliš moje trápenia. ****************************************************** Ak a Sologub a Balmont boli predstaviteľmi symbolizmu v poézii Strieborný vek, teda zakladateľ tohto umelecký smer v ruskom maliarstve možno právom nazývať Michail Alexandrovič Vrubel (1856-1910). Tíživým smerom k symbolicko-filozofickému zovšeobecňovaniu obrazov vyvinul svoj osobitý obrazový jazyk – široký ťah štetcom „kryštálovej“ formy, farbu chápanú ako farebný sneh a farby trblietajúce sa ako drahokamy. Vrubela zaujali poetické obrazy Puškina a Lermontova.

Obraz „Labutia princezná“ je jedným z najpoetickejších ženských obrazov vo Vrubeli. Stelesňuje ženský sen o šťastí. V orgovánovom súmraku severných jarných nocí sa koná veľká sviatosť. Labutí princezná, podmanená láskou careviča Gvidona a seba, poznajúc obojstranný horúci cit, bezmocná pred neodvratným osudom, opúšťa svoju kolísku – so zákernými a milovanými vlnami studeného mora; musí mať formu pozemský človek, stať sa ženou. Husté, lesklé perie labute sa už začína topiť, mení sa na ľahký nadýchaný obláčik, ktorý sa potom ako dievčenské slzy rozleje nad plachými jarnými azúrovými kvetmi. A je to pre ňu ťažké a bolí to a táto premena je radostná. V jej krásnych nadpozemských očiach žije a mihota strach, túžba, láska a výčitky cárovi za odmietnutie labutej autokracie, za poslušnosť jeho vôli... Ako V.M. Vasnetsov o tomto obrázku, obraz bol vytvorený "vzácnymi v kráse, skutočne báječnými farbami." Pozrite sa na hru modro-perleťových, modro-bielych, lila-fialovo-sivých farieb. Labuť, ako keby, pochádza z prvkov sivého mora pri západe slnka, z morskej vlny. Ružové svetlo západu slnka kĺže po povrchu snehobielych krídel, po svetle, priehľadnom prikrývke a trblietaní drahokamy na kokoshnik a prstene princeznej. Obraz organicky spojil jemné texty, vzrušujúce tajomstvo, rozprávková fantázia a skutočnou realitou. Labutia princezná sa stala akýmsi symbolom nového nepokojného storočia – napokon Vrubel svoje plátno dokončil v roku 1900. Pozoruhodný ruský teozof a básnik V.S. Solovjov, ktorý je považovaný za predchodcu symbolizmu v poézii Strieborného veku, má báseň zodpovedajúcu nálade Vrubelovej maľby: Dnes celá v azúre sa predo mnou objavila moja kráľovná, - Srdce mi bilo sladkou slasťou, A v r. lúče vychádzajúceho dňa Tichým svetlom sa duša rozžiarila. A v diaľke, horel, dymil Zlý plameň pozemského ohňa. Plátno zobrazuje nielen rozprávková krása, ale tiež skutočný muž- úžasné operný spevák Nadežda Ivanovna Zabela, že práve táto žena bola predurčená zohrať obrovskú úlohu v živote M. Vrubela. Hlas a spev Zabela dokázal zachytiť Vrubelov štetec na tomto slávnom obraze. Medzi svetmi Medzi svetmi, v mihotaní svetiel jednej hviezdy, opakujem meno... Nie preto, že by som Ju miloval, ale preto, že chradnem s ostatnými. A ak je pre mňa pochybnosť ťažká, hľadám odpoveď len od nej, nie preto, že je to svetlo od nej, ale preto, že svetlo s ňou nepotrebujem. / Innokenty Annensky / - úžasný básnik, ktorého poézia tak ladí s tvorbou básnika. ******************************************************* ***** *** Borisov-Musatov Viktor Elpidiforovič (1870-1905) - maliar, člen Zväzu ruských umelcov (od roku 1904) ovplyvnil formovanie symbolizmu v ruskom maliarstve na začiatku 20. storočia. Z odrazov prízračných nestálych, Plášť tajomných snov Vystupuje ako hlas huslí, Obraz dámy orgovánových tónov.

"Dáma na verande" Na verande sedí pôvabná mladá žena. Šaty pristanú štíhlej postave. Fantazijné sivé tiene na šatách, sivasto-dymový odraz dopadajúci na smutnú tvár a odhalené ramená – to všetko zdôrazňuje iluzórnosť, nereálnosť obrazu. Balustráda fialovej verandy. Dokonca ani ker kvetov za ženou s modrosivými listami a ruža zovretá v ruke ležiacej na kolenách nie je šarlátová, nie biela, ale ružovošedá. Za balustrádou je slnkom zaliata záhrada. Ale v ženskej postave je úplné odcudzenie od všetkého jasného a radostného: ako keby sa pred nami objavila víla smútku a osamelosti ... prach je taký biely, - Nie sú potrebné slová ani úsmevy: Zostaň rovnaký ako ty boli; Zostaň neurčitý, ponurý, Jesenné ráno bledé Pod touto visiacou vŕbou, Na sieťovom pozadí tieňov... Minúta - a vietor sa ženie okolo, Rozptyľuje plachty do vzorov, Minúta - a srdce sa prebúdza, Vidí to to nie si ty... Zostaň bez slov, bez úsmevu, Zostaň ako duch, kým Vzorované tiene sú také nestále A biely prach je taký citlivý ... **************** ********* ***************** Tradícia vytvárania ženských obrazov, ktoré sú ideálom vonkajšej a vnútornej krásy, nie je v ruskom umení prerušená sovietskeho obdobia. Tento umelec bol atypický pre Sovietske umenie, a preto počas jeho života zostal jeho talent nevyužitý. Ako to už, žiaľ, u veľkých umelcov býva, prišla sláva až posmrtne. Konstantin Alekseevič Vasiliev (1942-1976) tragicky zomrel v rozkvete svojho mimoriadneho a vzácneho tvorivého talentu, keď mal len 34 rokov a keď sa zdalo, že sa pred ním otvára cesta k úspechu. Odkaz umelca je pôsobivý - 400 obrazov, grafické práce a skeče, v ktorých spieva o svojom zvláštnom Rusku. Jeho obrazy znovu vytvárajú svet Slovanské mýty, tradície, legendy, svet harmónie medzi človekom a prírodou. Jeden z najpôvabnejších ženských obrazov vytvoril Vasilyev v obraze „Čakanie“, ktorý napísal krátko pred svojou smrťou - v roku 1976.

Drevený rám okna, pri ktorom stojí dievča s horiacou sviečkou v ruke, vytvára dojem „obrazu v obraze“. Mrazivý vzor na okennom skle, ktorý rámuje tvár a hruď dievčaťa, vyzerá ako tajomný vták Sirin s tmavou korunou na hlave a snehobielym krídlom. Kombinácia bielych a hnedých tónov na obrázku vyvoláva pocit úzkosti, neurčitú úzkosť. Svetlo horiacej sviečky ešte viac zdôrazňuje nevýslovnú túžbu v sivých očiach dievčaťa. Na koho čaká? Tvoj milovaný? Možno na jej dvere v tento mrazivý zimný večer zaklope sám osud? A očividne jej srdce cíti: tento Osud jej neprinesie šťastie... Volám Chaconne Bach, A za ňou vstúpi muž, Nestane sa mojím drahým manželom. Ale zaslúžime si niečo také, Že dvadsiate storočie bude zahanbené. Vzal som si ho náhodou Pre toho, kto je obdarovaný tajomstvom, S kým je to najtrpkejšie, Príde ku mne do paláca fontán Neskoro v noci na hmlistý Silvester piť víno. A spomenie si na Trojkráľový večer, Javor v okne, svadobné sviece a básne smrtiaceho letu... Ale nie prvú vetvičku orgovánu, Ani prsteň, ani sladkosť modlitieb - Smrť mi prinesie. Téma ženských obrazov v maľbe je nevyčerpateľná. Zvláštne kúzlo a spontánnosť odlišuje ženy v mladosti, kráse a milosti - v zrelosti, duchovnosti - v starobe ...

Čo sa týka variability, móda stráca len na počasí, aj keď to je sporný bod. Móda sa navyše mení nielen pre oblečenie, štýly či doplnky, ale aj pre ženskú krásu. Uznávaná kráska jednej doby môže byť po polstoročí považovaná za škaredú ženu (ale všetci vieme, že neexistujú škaredé ženy). Umelci boli vždy veľmi citliví na vrtochy módy, pretože sa vždy snažili zobraziť najkrajšie ženy svojej doby.

Staroveké Grécko a Rím

Bohužiaľ, o ženské ideály Antiku treba posudzovať podľa fresiek a sôch, plnohodnotne maľby nezachoval sa. AT Staroveké Grécko Bohyňa Afrodita, štíhla dáma s dlhými hustými ryšavými vlasmi, bola považovaná za štandard ženskej krásy. Takto je zobrazená na maľbe Sandra Botticelliho „Zrodenie Venuše“, hoci bola vytvorená už v roku 1485. V starovekom Ríme sa najviac cenila krása ženská tvár, a nádhera foriem bola na druhom mieste. Takýmto okom vznikol napríklad obraz „Proserpina“ (1874) od Danteho Rossettiho.

Stredovek

V stredoveku sa za ospevovanie ženskej krásy dalo ísť na kôl, takže nezostali žiadne umelecké dôkazy. Bolo prísne zakázané predvádzať ženskú postavu. Oblečenie malo úplne skryť telo a vlasy boli skryté pod pokrývkou hlavy. Štandardom ženskej krásy boli sväté ženy, ktoré sa odovzdali službe Bohu.

renesancie

Renesancia je tak pomenovaná kvôli oživeniu záujmu o ideály staroveku, vrátane záležitostí ženskej krásy. Široké boky, opuchy, pretiahnutá tvár, zdravý rumenec – tak mala vyzerať prvá kráska 15. – 16. storočia. Presne tak sú ženy zobrazené na obrazoch Sandra Botticelliho, Rafaela Santiho a Michelangela. Ideálom renesančnej krásy možno nazvať Talianku Simonettu Vespucciovú, ktorá je zobrazená na niekoľkých obrazoch Botticelliho „Jar“ (1478), „Narodenie Venuše“ (1485), „Portrét mladej ženy“ (1485). Počas renesancie bola móda vysoké čelo, a na dosiahnutie tohto efektu si fashionisti oholili obočie a vlasovú líniu. To je jasne vidieť na slávnom obraze „Mona Lisa“ od Leonarda Da Vinciho.

Baroková éra

Koncom 16. a začiatkom 17. storočia boli ideálom ženskej krásy ženy bielej pleti (úpálenie od slnka sa považovalo za údel sedliackych žien) s malými prsiami, drobnými nohami, bledou tvárou, no s nádhernými bokmi. Navyše, každý aristokrat musel mať vysoký, zložitý účes. Títo módne trendy jasne viditeľné na portréte obľúbeného Ľudovít XIV Madame de Montespan (1670) od Pierra Mignarda. Práve do tohto obdobia slávne dielo Jan Vermeer „Žena s perlovou náušnicou“ (1665).

Rokoková éra

Ak na obrázku žena vyzerá skôr ako porcelánová bábika, obklopená vejármi, dáždnikmi, rukávnikmi a rukavicami, potom môžeme s istotou povedať, že hovoríme o ére rokoka. Začiatkom 18. storočia prišla do módy „mierna anorexia“: ženská krása sa stala krehkou, s úzkymi bokmi, malými prsiami, prepadnutými lícami. Existujú dôkazy, že na dosiahnutie efektu „prepadnutých líc“ niektoré dámy odstránili bočné zuby a nechali len predné – krása si vyžaduje obetu. Krásu kánonov éry rokoka krásne ilustrujú portréty Françoisa Bouchera, ako napríklad „Portrét markízy de Pompadour“ (1756).

Obdobie romantizmu

Až v druhej polovici 19. storočia sa prirodzený rumenec, zdravá sviežosť a guľatosť foriem opäť stali štandardom ženskej krásy. A najatraktívnejšou časťou ženského tela sú zaoblené ramená, ktoré boli pre každú krásku jednoducho nevyhnutné. Práve tieto ženy sa nachádzajú na obrazoch Adolpha Bouguereaua, takéto ženy zobrazovali prví impresionisti („Zrodenie Venuše“ od Bouguereaua, „Veľkí kúpeľníci“ od Renoira, „ modré tanečnice» Degas).

Začiatok 20. storočia

Boris Kustodiev „Ruská Venuša“, „Obchodnícka žena na čaj“, „Dievča na Volge“ dokonale ilustrujú kánony krásy začiatku 20. storočia. Všetko, čo romantizmus obdivoval na žene, sa stalo ešte veľkolepejším a vážnejším. 20-40 rokov dvadsiateho storočia

Polovica 20. storočia

Marilyn Monroe sa stáva ideálom ženskej krásy polovice minulého storočia. Nízka blond, bez akýchkoľvek excesov smerom k chudnutiu alebo opuchom. Andy Warhol, zakladateľ pop-artu, ochotne využíval jej imidž vo svojich dielach.
O ďalšom vývoji ideálov ženskej krásy, najmä v ich spojení s maľbou, sa zatiaľ nemá cenu baviť. Treba len poznamenať, že história sa vyvíja v kruhu a chudosť a choroba sú opäť v móde.

Chlapci, vložili sme našu dušu do stránky. Ďakujem za to
za objavenie tejto krásy. Ďakujem za inšpiráciu a naskakuje mi husia koža.
Pridajte sa k nám na Facebook a V kontakte s

V prvom rade vieme o obraze dve veci: jeho autora a možno aj históriu plátna. Ale o osude tých, ktorí sa na nás pozerajú z plátna, nevieme toľko.

webovej stránky Rozhodla som sa porozprávať o ženách, ktorých tváre sú nám povedomé, no ich príbehy nie.

Jeanne Samary
Auguste Renoir, Portrét herečky Jeanne Samary, 1877

Herečka Jeanne Samary sa síce nemohla stať javiskovou hviezdou (hrala najmä slúžky), ale mala šťastie v niečom inom: nejaký čas bývala neďaleko dielne Renoira, ktorý jej v rokoch 1877-1878 namaľoval štyri portréty. , čím ju oslávi oveľa viac, ako by to mohlo urobiť hereckú kariéru. Zhanna hrala v predstaveniach od 18 rokov, vo veku 25 rokov sa vydala a mala tri deti, potom dokonca napísala detskú knihu. Ale táto očarujúca dáma, žiaľ, nežila dlho: vo veku 33 rokov ochorela na brušný týfus a zomrela.

Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dáma s hranostajom
1489-1490

Cecilia Gallerani bola dievča zo šľachtickej talianskej rodiny, ktoré bolo zasnúbené už vo veku 10 (!) rokov. Keď však malo dievča 14 rokov, zasnúbenie bolo z neznámych dôvodov zrušené a Cecília bola poslaná do kláštora, kde sa zoznámila (alebo to všetko zariadilo) s milánskym vojvodom Ludovicom Sforzom. Začal sa románik, Cecilia otehotnela a vojvoda usadil dievča na svojom zámku, no potom nastal čas uzavrieť dynastické manželstvo s inou ženou, ktorej sa, samozrejme, nepáčila prítomnosť svojej milenky v ich dome. Potom, po narodení Galleraniho, si vojvoda vzal svojho syna pre seba a oženil sa s chudobným grófom.

V tomto manželstve Cecilia porodila štyri deti, udržiavala takmer vôbec prvý literárny salón v Európe, navštevovala vojvodu a s radosťou sa hrala s jeho dieťaťom od novej milenky. Po chvíli Cecíliin manžel zomrel, vypukla vojna, stratila blaho a našla útočisko v dome sestry tej istej vojvodovej manželky - v takom úžasnom vzťahu dokázala byť s ľuďmi. Po vojne sa Gallerani vrátila na svoje panstvo, kde žila až do svojej smrti vo veku 63 rokov.

Zinaida Jusupová
V.A. Serov, "Portrét princeznej Zinaidy Yusupovej", 1902

Najbohatšia ruská dedička, posledná z rodu Jusupovovcov, princezná Zinaida, vyzerala neuveriteľne dobre a napriek tomu, že o jej priazeň sa uchádzali medzi inými aj vznešení ľudia, chcela sa vydať z lásky. Splnila svoju túžbu: manželstvo bolo šťastné a prinieslo dvoch synov. Yusupova venovala veľa času a energie charitatívnym aktivitám a po revolúcii v tom pokračovala v exile. Milovaný najstarší syn zomrel v súboji, keď mala princezná 47 rokov a túto stratu len ťažko znášala. S nástupom nepokojov Jusupovci opustili Petrohrad a usadili sa v Ríme a po smrti manžela sa princezná presťahovala k synovi do Paríža, kde strávila zvyšok svojich dní.

Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, „Portrét M.I. Lopukhina", 1797

Borovikovskij namaľoval veľa portrétov ruských šľachtičných, ale tento je najpôvabnejší. Maria Lopukhina, členka grófskej rodiny Tolstoj, je tu zobrazená vo veku 18 rokov. Portrét objednal jej manžel Stepan Avraamovič Lopukhin krátko po svadbe. Ľahkosť a mierne povýšený pohľad sa zdajú byť buď obvyklou pózou pre takýto portrét éry sentimentalizmu, alebo znakmi melancholickej a poetickej povahy. Osud tohto záhadného dievčaťa bol smutný: len 6 rokov po maľbe Mária zomrela na konzumáciu.

Giovannina a Amacilia Pacini
Karl Bryullov, Jazdkyňa, 1832

"Jazdkyňa" Bryullov - skvelá formálny portrét, v ktorej je všetko luxusné: jas farieb a nádhera závesov a krása modelov. Zobrazuje dve dievčatá, ktoré nosili priezvisko Pacini: najstaršia Giovannina sedí na koni, najmladšia Amacilia sa na ňu pozerá z verandy. Objednal si ich obrázok Karla Bryullova - jej dlhoročného milenca pestúnka, grófka Julia Pavlovna Samoilova, jedna z krásna žena Rusko a dedička obrovského bohatstva. Grófka zaručila svojim dospelým dcéram veľké veno. Ukázalo sa však, že v starobe bola prakticky zničená a adoptívne dcéry Jovanina a Amacilie potom prostredníctvom súdu vyzbierali sľúbené peniaze a majetok od grófky.

Simonetta Vespucciová
Sandro Botticelli, Zrodenie Venuše
1482–1486

Slávny obraz od Botticelliho zobrazuje Simonettu Vespucciovú, prvú krásku florentskej renesancie. Simonetta sa narodila do bohatej rodiny, ako 16-ročná sa vydala za Marca Vespucciho (príbuzného Ameriga Vespucciho, ktorý „objavil“ Ameriku a dal tomuto kontinentu meno). Po svadbe sa novomanželia usadili vo Florencii a boli prijatí na súde Lorenzo Medici, v tých rokoch známy veľkolepými hostinami a recepciami.

Krásna, zároveň veľmi skromná a dobromyseľná Simonetta si rýchlo obľúbila florentských mužov. Postarať sa o ňu snažil samotný vládca Florencie, Lorenzo, no najaktívnejší v jej hľadaní bol jeho brat Giuliano. Krása Simonetty inšpirovala mnohých umelcov tej doby, medzi ktorými bol aj Sandro Botticelli. Verí sa, že od chvíle, keď sa stretli, bola Simonetta modelom pre všetky Madony a Venuše od Botticelliho. Vo veku 23 rokov Simonetta napriek úsiliu najlepších dvorných lekárov zomrela na konzumáciu. Potom umelec zobrazil svoju múzu len naspamäť a v starobe ju odkázal, aby bola pochovaná vedľa nej, čo sa stalo.

Veru Mamontovú
V.A. Serov, "Dievča s broskyňami", 1887

Najviac slávny obraz portrétny majster Valentin Serov bol napísaný v pozostalosti bohatého priemyselníka Savvu Ivanoviča Mamontova. Umelcovi každý deň počas dvoch mesiacov pózovala jeho dcéra, 12-ročná Vera. Dievča vyrástlo a stalo sa očarujúce dievča, vydatá zo vzájomnej lásky Alexandra Samarina, ktorý patrí k známym šľachtický rod. Po svadobnej ceste do Talianska sa rodina usadila v meste Bogorodsk, kde sa jedno po druhom narodili tri deti. Ale nečakane v decembri 1907, len 5 rokov po svadbe, Vera Savvishna zomrela na zápal pľúc. Mala len 32 rokov a jej manžel sa už nikdy neoženil.

Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, "Portrét Struyskaja", 1772

Tento portrét od Rokotova je ako vzdušný náznak. Alexandra Struyskaya mala 18 rokov, keď bola vydatá za veľmi bohatého vdovca. Existuje legenda, že jej manžel jej na svadbu nedal nič viac nový kostol. A celý život jej písal poéziu. Či bolo toto manželstvo šťastné, nie je isté, ale každý, kto bol v ich dome, dával pozor na to, akí sú si manželia nepodobní. Za 24 rokov manželstva porodila Alexandra svojmu manželovi 18 detí, z ktorých 10 zomrelo v detstve. Po smrti manžela žila ešte 40 rokov, statok pevne spravovala a deťom zanechala slušný majetok.

Galina Vladimirovna Aderkas
B.M. Kustodiev "Obchodník s čajom", 1918

Kustodievov „Obchodník s čajom“ je skutočnou ilustráciou toho svetlého a dobre živeného Ruska, kde sú jarmoky, kolotoče a „chrumkanie francúzskeho chleba“. Obraz bol namaľovaný v porevolučnom hladnom roku 1918, keď sa o takej hojnosti mohlo len snívať.

Galina Vladimirovna Aderkas na tomto portréte pózovala pre manželku obchodníka – prírodnú barónku z rodu, ktorého história siaha až k jednému livónskemu rytierovi z 18. storočia. V Astrachane bola Galya Aderkas spolubývajúcou Kustodievovcov zo šiesteho poschodia; umelcova manželka priviedla dievča do štúdia a všimla si farebný model. V tomto období bola Aderkas veľmi mladá – študentka prvého ročníka medicíny – a na náčrtoch jej postava vyzerá oveľa chudšie. Po skončení vysokej školy a istú dobu pracovala ako chirurgička profesie zanechala a Sovietske roky spievala v ruskom zbore, podieľala sa na dabingu filmov, vydala sa a začala vystupovať v cirkuse.

Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, Mona Lisa, 1503-1519

Možno jedným z najznámejších a najzáhadnejších portrétov všetkých čias a národov je slávna Mona Lisa od veľkého Leonarda. Spomedzi mnohých verzií o tom, kto vlastní legendárny úsmev, bola v roku 2005 oficiálne potvrdená aj táto: na plátne je vyobrazená Lisa del Giocondo, manželka Francesca del Gioconda, obchodníka s hodvábom z Florencie. Portrét mohol byť objednaný od umelca pri príležitosti narodenia syna a kúpy domu.

Spolu so svojím manželom Lisa vychovala päť detí a s najväčšou pravdepodobnosťou bolo jej manželstvo založené na láske. Keď jej manžel zomrel na mor a táto ťažká choroba postihla aj Lisu, jedna z dcér sa nebála zobrať mamu k sebe a pustiť ju. Mona Lisa sa uzdravila a nejaký čas žila so svojimi dcérami, zomrela vo veku 63 rokov.

Na začiatku dvadsiateho storočia sa objavil náš kalendár nový sviatok, ktorej názov znel ako revolučný slogan: „Medzinárodný deň žien solidarity pracujúcich žien v boji za rovnosť práv“.
Našťastie časom tento deň nadobudol úplne iný význam a pre nás je 8. marec oslavou ženskej krásy a šarmu.

V snahe spojiť historické s príjemným sme zhromaždili niekoľko obrázkov roztomilých, koketných a silných pracovníkov od veľkých umelcov - večných zajatcov ženskej krásy a cností!

Alexey Venetsianov, rodák z Moskvy, prvýkrát navštívil obec vo veku 35 rokov, keď po svadbe novomanželia išli navštíviť manželkiných rodičov do provincie Tver.

Umelec bol tak fascinovaný prírodou, že okamžite dostal túžbu usadiť sa medzi ruskými oblasťami a kupuje si usadlosť v Safonovke.

Práve tu maľuje obraz „Na ornej pôde“. Celá tvorba Venetsianova je presiaknutá poéziou, jeho obrazy venované roľníckemu životu idealizujú život na dedine.

Od detstva bola Zinaida Serebryakova zamilovaná do Venetsianovových obrazov. V nej rané maľbyčlovek cíti neviditeľné spojenie s tvorbou ruského spisovateľa každodenného života. O sto rokov neskôr sa zdá, že sedliacke ženy z Venetsianov naďalej žijú v jej obrazoch.

Umelcove dedinské dievčatá sú majestátne, s kráľovským držaním tela, pokojne vykonávajú svoju každodennú prácu - skutočná poézia spirituality!

Zinaida Evgenievna Serebryakova. Zber
1915, 177×142 cm.

Pripisujú sa obrazy „Úroda“ a „Bielenie plátna“. najlepšie diela Zinaida Serebryaková. Boli napísané na rodinnom sídle Neskuchnoye v provincii Charkov, kde rodina Serebryakov trávila leto a jeseň od roku 1898.

V roku 1914, po dlhej ceste cez sever Talianska, Zinaida dorazila do Neskuchnoye a okamžite začala pracovať na obraze Úroda.

Štúdium kreativity umelcov talianska renesancia, len nedávno videný v múzeách a galériách, je cítiť v klasicky konštruovanej kompozícii a monumentálnosť foriem zdôrazňuje krásu ženských postáv na pozadí krajiny s pšeničnými poliami, ktoré sa nerovnomerne tiahnu za horizont.
Tieto obrazy sú považované za posledné idylické obrazy predrevolučného Ruska.

Zinaida Evgenievna Serebryakova. "Bielenie plátna"
1917, 141,8×173,6 cm.

Čipka, púder, rúž - všetko, čo očarujúci potrebuje...

Francúzske dámy neúnavne pracujú aj na obrazoch umelcov. V ére rokoka bola najmódnejšou profesiou pre obyvateľov miest práca mlynára.

Elegantné a luxusné outfity, korzety, výšivky a čipky, to všetko boli myšlienky žien, pretože bolo potrebné držať krok s trendsetterkou Madame Pompadour!

A fantázie mladých dievčat stelesňovali remeselníčky všetkých odborov - mlynári. Zdá sa, že François Boucher na obraze „The Modiste“ tajne nakukuje do miestnosti a špehuje dámy, ktoré diskutujú o budúcom modeli.

Francois Bush. "Modiste"
Rozmer 53×64 cm.

V 18. storočí, počas osvietenstva vo Francúzsku, bolo v umení zvykom chváliť a presadzovať prednosti tretieho stavu a v maliarstve sa jednoduchosť a prirodzenosť považovali za dobrú formu.

Jean-Baptiste Greuze na obraze „Laundress“ nielenže zobrazuje pôvabnú a šarmantnú mladú robotníčku – týmto spôsobom spieva o tvrdej práci.

V Rusku sa v druhej polovici 18. storočia stal Greuze módny umelec, šľachtická šľachta medzi sebou súperila, aby mu objednala portréty, samotná cisárovná Katarína II na radu Diderota získala od umelca obraz Paralytický.

Samozrejme, že takáto popularita Greuzeho diela nezostala bez povšimnutia ruskej maľby, jeho obrazy mali veľký vplyv na ruský portrét.

Jean-Baptiste Greuze "Práčovňa"
1761, 32×40 cm.

Čipkárky

Vasilij Tropinin bol nazývaný „Ruský sen“ pre očarujúce ženské portréty. Prvýkrát v ruskej maľbe tvoril nový typžánrový portrét - poetický obraz dievčaťa pri práci.

Mladé krásky na obrazoch „Čipkárka“ a „Zlatá šijačka“, zaneprázdnené svojou prácou, na minútu odtrhnú zrak od svojej práce a prefíkane hľadia na diváka.

Vasilij Andrejevič Tropinin. "zlatý robotník"
1826, 64×81 cm.

Tropinin bol poddaným umelcom a až vo veku 47 rokov dostal slobodu. Je symbolické, že práve rok 1823, rok, kedy bola napísaná Čipkárka, priniesol umelcovi slobodu aj oficiálne uznanie.

Tento rok po prvýkrát predvádza svoju tvorbu na Akadémii umení a umelec je ocenený titulom „menovaný do akademikov“. Intímny portrét mešťanky teda priniesol svojmu tvorcovi slobodu a úspech.

Tropinin." Čipkárka "

Domáci majster

Domácnosť bola vždy na pleciach žien a práce v kuchyni sú priamou zodpovednosťou. Pre niektorých je to požehnanie a pre mnohých problém. Pre hrdinku obrazu „Kuchár“ od Bernarda Strozziho je to povinnosť a posvätný obrad.

Pri pohľade na obrázok si môžete položiť veľa otázok. Prečo napríklad mladé dievča vypitvá vtáka v elegantných šatách a korálkach? Má veľkú rodinu, pretože na večeru má byť poriadna porcia jedál?

Kto je zobrazený na obrázku - možno umelec zobrazil svoju manželku, a preto sa tak láskavo pozerá na diváka? Táto možnosť je celkom možná: Strozziho maľba na pozemku pre domácnosť je vzácnosťou a pre svoju manželku by mohol urobiť výnimku.

Bernardo Strozzi "Kuchár"
1625, 185×176 cm.

Autor obrázku - taliansky umelec baroka s pozoruhodným životopisom. Dobrodružná povaha Strozziho sa prejavila vo všetkých jeho aktivitách: v mladosti vstúpil do kapucínskej rehole a stal sa kňazom, potom študoval maliarstvo v dielni janovského umelca Sorriho a zároveň pracoval ako lodný inžinier v Janove. flotila.

Neskôr umelec utiekol z kláštora a ukryl sa pred prenasledovaním mníchov v Benátkach. Strozzi však maľovanie nikdy neopustil. Jeho hlavnou témou boli portréty, náboženské a mytologické výjavy a obraz Caravaggia mal veľký vplyv na jeho tvorivý štýl.

„Povolanie“ pastierky bolo kedysi veľmi obľúbené a umelci sa na ňu často obracali. dojemný obraz v diele Van Gogha nachádzame pastierku stredného veku, ktorá maľovala obyčajných dedinčanov so zvláštnou vrúcnosťou a láskou.

Pozrite sa na farbu obrázka: žltá pšeničné polia- farba slnka a tepla, jemne kontrastujúca s pastierskym modrým plášťom, - častá technika v umelcových dielach, ale nespôsobuje rušivé pocity, ako v jeho iných obrazoch.

Van Gogh sprostredkuje svoje pocity nezvyčajne presne odtieňmi farieb. Bez ohľadu na to, aké víry okolo zúria, žena je pokojná a podriaďuje sa ťažkému osudu... A naším dominantným a úprimným pocitom pri pohľade na tento obraz je „empatia“.

Vincent Van Gogh. "Kovbojka"
1889, 52,7×40,7 cm.
Umelec vytvoril toto dielo počas liečby v Saint Remy na juhu Francúzska. V tomto období rokov 1889-1890 študoval dielo zakladateľa barbizonskej školy Jeana-Francoisa Milleta a počas tohto obdobia vytvoril kópie 23 jeho obrazov, medzi nimi Pastierku (aj keď je ťažké nazvať Van Goghovu maľovanie kópie).

Vincent píše svojmu bratovi o svojom zamestnaní takto:
„Uisťujem vás, že ma mimoriadne zaujíma tvorba kópií, a keďže momentálne nemám žiadne modely, prácu na postave s týmito kópiami neopustím.
Používam čiernobiele reprodukcie Delacroixa a Milleta, ako keby to boli scény zo skutočného života. A potom farebne improvizujem, aj keď samozrejme nie presne tak, ako keby som to robil ja, ale snažím sa zapamätať si ich obrazy.
Avšak táto ‚spomienka‘, nejasná harmónia ich farieb... je mojou interpretáciou.“

Pri porovnaní obrazov týchto dvoch umelcov sa zdá, že Van Gogh namaľoval pastierku vo svojej fantázii.

Proso "Pastierka" 1, Proso "Pastierka" 2.

Jean-Baptiste Chardin pozoroval život obyčajných občanov a písal z nich príbehy. Každodenný život. Z obrazu „Práčovňa“ dýcha tichá domáca pohoda, kde všetko hreje starostlivosť hostiteľky.

Kým mama perie, syn je zaneprázdnený svojou jednoduchou zábavou. V Chardinových obrazoch sú vždy prítomné detské obrázky, ktoré zdôrazňujú lásku matky k dieťaťu. Preukázanie týchto vzťahov mu pomáha vytvárať duchovnú atmosféru vrúcnosti a skromného, ​​ale významného a plnohodnotného života obyvateľov mesta.

Ženská práca na maľbách umelkyne sa rovná ušľachtilej práci vykonávanej s osobitnou usilovnosťou a láskou.

Jean Baptiste Simeon Chardin. "práčovňa"

Úvodníky sociálnej práce - my Nový svet poďme stavať!

Nové profesie ovládajú ženy v sovietskej krajine. U nás to nie sú len nejakí západní fashionisti - sovietska žena možno postaviť metro!

V grafickom seriáli Alexandra Samokhvalova z 30. rokov minulého storočia stelesňovali portréty dievčat pracujúcich na stavbe metra ideál socialistickej práce.

Nadšenie, mladá energia, optimizmus a prekypujúca sila v týchto prácach – vybudujeme novú krajinu. Tu je s vŕtačkou, s lopatou, krásna, silná a šťastná, so všetkým si poradí!

Umelec sa pripojil k ideologickej ceste krajiny, úprimne verí v univerzálnu tvorbu v prospech svetlejšej budúcnosti. A duchovné impulzy umelca - vec je celkom hmatateľná, stačí sa pozrieť na prácu!