Moderná módna maľba. Málo známi súčasní ruskí umelci a ich obrazy

Svet je plný kreatívnych ľudí a každý deň sa objavujú stovky nových obrazov, vznikajú nové piesne. Samozrejme, vo svete umenia existujú nejaké prešľapy, ale existujú také majstrovské diela skutočných majstrov, ktoré jednoducho vyrážajú dych! Ich prácu vám dnes ukážeme.

rozšírená realita ceruzkou

Fotograf Ben Heine pokračoval v práci na svojom projekte, ktorý je zmesou kresieb ceruzkou a fotografie. Najprv si urobí skicu od ruky ceruzkou na papier. Potom kresbu odfotografuje na pozadí skutočného objektu a výsledný obrázok doladí vo Photoshope, pridá kontrast a sýtosť. Výsledkom je kúzlo!

Ilustrácie Alisa Makarova

Alisa Makarova je talentovaná umelkyňa z Petrohradu. V dobe, keď väčšina obrazov vzniká pomocou počítača, je záujem nášho krajana o tradičné formy maľby rešpektovaný. Jedným z jej najnovších projektov je triptych „Vulpes Vulpes“, ktorý zobrazuje očarujúce ohnivé červené líšky. Krása a ďalšie!

Jemné gravírovanie

Umelci dreva Paul Rodin a Valerie Lou oznámili vytvorenie novej rytiny s názvom „Moth“. Usilovná práca a vynikajúca remeselná zručnosť autorov nenechajú ľahostajnými ani tých najtvrdohlavejších skeptikov. Rytina bude vystavená na pripravovanej výstave v Brooklyne 7. novembra.

Kresby guľôčkovým perom

Pravdepodobne aspoň raz na prednáškach každý namiesto zapisovania slov učiteľa kreslil do zošita rôzne postavy. Bola umelkyňa Sarah Esteje (Sarah Esteje) medzi týmito študentmi nie je známa. Ale to, že jej kresby guľôčkovým perom sú pôsobivé, je neodškriepiteľný fakt! Sarah len dokázala, že na to, aby ste vytvorili niečo naozaj zaujímavé, nepotrebujete mať vôbec žiadne špeciálne materiály.

Surrealistické svety Artema Chebokha

Ruský umelec Artem Chebokha vytvára neuveriteľné svety, kde existuje len more, nebo a nekonečná harmónia. Pre svoje nové diela si umelec vybral veľmi poetické obrazy - putujúci tulák neznámymi miestami a veľryby krúžiace v oblakoch-vlnách - let fantázie tohto majstra je jednoducho neobmedzený.

Bodové portréty

Niekto rozmýšľa nad technikou ťahu, niekto nad kontrastom svetla a tieňa, no umelec Pablo Jurado Ruiz kreslí bodkami! Umelec rozvinul myšlienky žánru pointilizmu, ktorý bol autorom z éry neoimpresionizmu stále vlastný, a vytvoril si vlastný štýl, kde sú detaily všetkým. Výsledkom tisícok dotykov na papieri sú realistické portréty, na ktoré sa chcete len pozerať.

Obrázky z diskiet

V dobe, kedy množstvo vecí a technológií zastaráva rýchlosťou okoloidúceho rýchlika, sa dosť často musíte zbaviť nepotrebného odpadu. Ako sa však ukázalo, nie všetko je také smutné a zo starých predmetov sa dá vyrobiť veľmi moderné umelecké dielo. Anglický umelec Nick Gentry (Nick Gentry) zbieral štvorcové diskety od priateľov, vzal nádobu s farbou a namaľoval na ne úžasné portréty. Ukázalo sa to veľmi pekne!

Na hranici realizmu a surrealizmu

Berlínsky umelec Harding Meyer rád maľuje portréty, no aby sa nestal ďalším hyperrealistom, rozhodol sa experimentovať a vytvoril sériu portrétov na hranici reality a surrealizmu. Tieto diela nám umožňujú pozerať sa na ľudskú tvár ako na niečo viac než len na „suchý portrét“, zvýrazňujúci jej základ – obraz. V dôsledku takýchto pátraní si Hardingovo dielo všimla Galéria moderného umenia v Mníchove, ktorá umelcovo dielo vystaví 7. novembra.

Maľovanie prstom na iPade

Mnoho moderných umelcov experimentuje s materiálmi na vytváranie obrazov, ale Japonec Seikou Yamaoka ich všetkých prekonal a svoj iPad vzal ako plátno. Jednoducho si nainštaloval aplikáciu ArtStudio a začal nielen kresliť, ale aj reprodukovať najznámejšie umelecké diela. Navyše to nerobí nejakými špeciálnymi štetcami, ale prstom, ktorý obdivujú aj ľudia, ktorí majú ďaleko od sveta umenia.

"Drevená" maľba

Drevospracujúca umelkyňa Mandy Tsung s použitím všetkého od atramentu po čaj vytvorila skutočne očarujúce obrazy plné vášne a energie. Ako hlavnú tému si zvolila tajomný obraz ženy a jej postavenie v modernom svete.

hyperrealista

Zakaždým, keď nájdete diela hyperrealistických umelcov, mimovoľne si položíte otázku: Prečo to všetko robia? Každý z nich má na to vlastnú odpoveď a niekedy aj dosť rozporuplnú filozofiu. Umelec Dino Tomik však bez okolkov hovorí: "Jednoducho veľmi milujem svoju rodinu." Maľoval vo dne v noci a snažil sa nevynechať jediný detail z portrétu svojich príbuzných. Jedna takáto kresba mu zabrala minimálne 70 hodín práce. Povedať, že rodičia boli nadšení, neznamená nič.

Portréty vojakov

18. októbra v londýnskej galérii Opera Gallery odštartovala výstava diel Joea Blacka (Joe Black) s názvom „Ways of Seeing“. Na vytvorenie svojich obrazov umelec použil nielen farby, ale aj najneobvyklejšie materiály - skrutky, odznaky a oveľa viac. Hlavným materiálom však boli .... vojaci! Najzaujímavejšie exponáty expozície sú portréty Baracka Obamu, Margaret Thatcherovej a Mao Ce-tunga.

Zmyselné olejové portréty

Kórejská umelkyňa Lee Rim (Lee Rim) nebola pred pár dňami taká slávna, no jej nové obrazy „Girls in Paint“ vyvolali široký ohlas a rezonanciu vo svete umenia. Lee hovorí: „Hlavnou témou mojej práce sú ľudské emócie a psychický stav. Aj keď žijeme v rôznych prostrediach, v určitom okamihu sa pri pohľade na predmet cítime rovnako.“ Možno práve preto chcem pri pohľade na jej prácu pochopiť toto dievča a cítiť jej myšlienky.

Umenie najdrahších mladých ruských umelcov (dokonca aj tých, ktorých mená už dlho bolo počuť) je stále celkom dostupné. „Vstupenka“ do top 20 bude stáť menej ako 5 000 dolárov

Inšpiráciou pre náš nový rebríček bola nedávna zaujímavosť 10 najdrahších svetových diel umelcov do 33 rokov, ktoré pochádzali z dvoch priezvisk. Keďže sme nechceli podobný osud aj našim autorom, použili sme naše tradičné pravidlo „jeden umelec – jeden obrázok“.

Okrem toho sa rozhodlo o zvýšení vekovej hranice pre mladého umelca z 33 na 35 rokov. Pretože práve tento vek sa považuje za formálne kritérium pre „mladého umelca“ v ruských súťažiach, cenách a bienále. Najmä 35 rokov je hranicou pre nomináciu „Novej generácie“ na cenu za inováciu, na nomináciu „Mladého umelca“ na Kandinského cenu, za účasť na moskovskom medzinárodnom bienále mladého umenia Youngart.ru, ako motiváciu. štipendiá od Garage CSC a mnohé iné.ďalšie projekty pre mladých umelcov. Z rebríčka sme teda chtiac-nechtiac museli vylúčiť všetkých, ktorí sa narodili pred rokom 1979.

Ďalšie výberové kritérium: miesto narodenia - ZSSR. Do hodnotenia sa preto dostali nielen naši dnešní krajania, ale aj ďalší umelci z orbity ruského umenia z blízkeho či ďalekého zahraničia – či už z Ukrajiny, Francúzska alebo Veľkej Británie. Nenechajte sa preto zmiasť jednotlivými názvami – tak to bolo myslené.

A samozrejme, naše hodnotenie, ako vždy, je založené výlučne na predajoch na verejných aukciách. Transakcie s galériami sa neberú do úvahy, pretože ide o bolestne temnú záležitosť. Ceny nezohľadňujú prémiu kupujúceho a sú tradične uvádzané v mene transakcie av dolároch podľa výmenného kurzu v deň predaja. Takže, tu je to, čo máme.

Čo možno poznamenať na záver?

Umenie mladých ruských umelcov (dokonca aj tých, ktorých mená už dlho bolo počuť) je stále relatívne lacné. "Vstupenka" v top 20 bude stáť menej ako 5 000 dolárov. A už za 8 000 – 10 000 dolárov sa zberateľom podarilo kúpiť to najlepšie od u nás známej Tatyany Achmetgalieva, Valeryho Chtaka či u nás menej známeho „ruského Francúza“ Vitalija Rusakova. Graffiti posledného menovaného nedávno priviezla francúzska galéria do Moskvy na Salón výtvarného umenia – kde je, ako sa hovorí, umelec pomerne populárny. Celkovo vás prekvapí, že na kúpu celej dvadsiatky najlepšieho ruského mladého umenia by hypotetický zberateľ alebo investor potreboval 218 903 dolárov (upravené o podmienku „jeden umelec – jeden obrázok“).

Hľadači univerzálneho „vzorca na úspech“ v umení budú aj tentoraz sklamaní. V dielach skupiny šampiónov neexistuje jediný dominantný štýl a smer. Naopak, zastúpená je široká škála žánrov a trendov. Od postmoderny k realizmu. Z hľadiska technológie je tu tiež úplná rozmanitosť. Je tam grafika, fotografia, látky a keramika. Napriek tomu je 11 z 20 diel maľby (plátno, olej alebo akryl). Zdravím tých, ktorí už dlho predpovedali smrť maľby vo všeobecnosti a v súčasnom umení zvlášť.

Nezáleží teda na druhu umenia a žánri diela rozhodujúceho významu. Zároveň je jasné, že na to, aby bol človek úspešný, musí byť „v trende“ – a nie v Rusku, ale v globálnom. O to sa snažia mladí ruskí umelci: ich diela sú mimoriadne aktuálne.

Využívajú k tomu v mnohých prípadoch akútne sociálne témy, aktuálne vizuálne motívy a výtvarné techniky, miešajú druhy a žánre umenia v postmodernom duchu. Ako kresba šablónou na plochu plátna, ako pri graffiti, alebo digitálne výtvarné techniky v maľbe. Napriek všetkej postmoderne a akútnej sociálnej orientácii však autori jednoznačne nezabúdajú, že tieto diela by mali lahodiť aj oku a zapadnúť do dizajnu moderných interiérov. Preto - hladkosť a nádych lesku, úklony k realizmu (fotorealizmus). A samozrejme, berme do úvahy kupujúcich ako obrovské plus fakt, že náš rating mladých umelcov sa predsa len zaobišiel bez romanticky presladených aktov, ktoré sa masovo predávajú na aukciách (našťastie hlavne na interiérových aukciách) a ešte nadšenejšie postujú na blogoch.

Ďalšia vec, ktorá vás upúta, je veľký rozdiel medzi prvým a druhým výsledkom. Rekordné inovatívne digitálne umenie Olega Dou delí od druhého miesta - maľba Veroniky Smirnovej - až 20-tisíc dolárov. Mimochodom, ak by sme porušili pravidlo „jeden umelec – jeden obrázok“ – a ruský veľvyslanec programu Adobe Photoshop (v apríli 2012 dielo Olega Dowa zdobilo obálku Photoshop verzie CS6) by obsadil ďalších sedem miest v naše hodnotenie s jeho dielami. Prečo nie Liu Chunxi? Ale náš Dow je ešte o dva roky mladší.

Prekvapivo takmer polovica rekordov v našej top 20 pochádza z rokov 2011-2013. To znamená, že to nie sú nejaké predkrízové ​​„prípady zašlých dní“, ale celkom živý komerčný proces.

Pozoruhodné je aj to, že len šesť diel z 20 najlepších hodnotení získalo svoje vysoké hodnotenie na našich národných aukciách – na Kyjevskom „Zlatom reze“ a na moskovskom VLADEY a aukcii „Ruskej galérie umenia“. Všetci ostatní inkasovali hotovosť na zahraničných aukciách, najčastejšie na Phillips, ktorý však tiež patrí ruským majiteľom. A tu nejde len o to, že v jeho vlastnej krajine nie je žiadny prorok. A to nielen v tom, že v Rusku je nákup diel mladých umelcov stále vnímaný takmer ako výstrednosť. A tiež, že národná aukčná infraštruktúra, pracujúca so súčasným umením, sa len začína formovať. Tá istá aukcia VLADEY nedávno uskutočnila iba svoju prvú aukciu a staromódne moskovské aukčné trhy so súčasným umením (najmä umením 21. storočia) nefungujú: publikum kupujúcich je malé a dobré provízie sa nedajú získať na lacných veciach. Ale v blízkej budúcnosti bude toto miesto cenovo dostupného súčasného umenia napadnuté inými obchodnými formátmi – novými elektronickými platformami, ktoré majú za chrbtom silnú offline reputáciu. Predovšetkým nedávno štruktúra Sergeja Gridchina (majiteľa umeleckej rezidencie Gridchinhall) oznámila v septembri spustenie novej elektronickej platformy Artlet.com – okamžite s tisíckou diel od takmer 200 súčasných umelcov. Nedostanú sa do nášho hodnotenia (neexistuje princíp aukcie), ale musíme ísť všetci, nie dáma.

Redakčná stránka

Pozor! Všetky materiály stránky a databáza výsledkov aukcií stránky, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov odovzdaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.

Hodnotenie najdrahších diel žijúcich umelcov je konštrukcia, ktorá o úlohe a mieste umelca v dejinách umenia hovorí oveľa menej ako o veku a zdraví.

Pravidlá zostavovania nášho hodnotenia sú jednoduché: po prvé, do úvahy sa berú len transakcie s dielami žijúcich autorov; po druhé, berú sa do úvahy iba verejné aukcie; a po tretie, dodržiava sa pravidlo „jeden umelec – jedno dielo“ (ak Jonesovi patria dva rekordy v hodnotení diel, zostáva len ten najdrahší a ostatné sa neberú do úvahy). Hodnotenie sa vykonáva v dolároch (podľa výmenného kurzu v deň predaja).

1. JEFF KOONS Králik. 1986. 91,075 milióna dolárov

Čím dlhšie sledujete aukčnú kariéru Jeffa Koonsa (1955), tým viac nadobudnete presvedčenie, že pre pop art nie je nič nemožné. Sochy Koonsa môžete obdivovať v podobe balónových hračiek, alebo ich môžete považovať za gýč a nevkus – vaše právo. Jedno sa nedá uprieť: inštalácie Jeffa Koonsa stoja šialené peniaze.

Jeff Koons začal svoju cestu ku sláve ako najúspešnejší žijúci umelec na svete už v roku 2007, keď bola jeho obrovská kovová inštalácia Hanging Heart kúpená za 23,6 milióna dolárov v Sotheby's. Dielo kúpila Larry Gagosian Gallery zastupujúca Koonsa (v r. tlač, že to bolo v záujme ukrajinského miliardára Viktora Pinčuka.) Galéria nezískala len inštaláciu, ale v skutočnosti dielo šperkového umenia. 2,7 m váži 1 600 kg), ale má podobný účel. a pol tisícky hodín bolo vynaložených na výrobu kompozície so srdcom pokrytým desiatimi vrstvami farby, v dôsledku čoho sa za veľkolepú „dekoráciu“ zaplatili obrovské peniaze.

Ďalším bol predaj Purple Balloon Flower za 12,92 milióna libier (25,8 milióna dolárov) v Christie's London 30. júna 2008. Zaujímavosťou je, že sedem rokov predtým kúpili predchádzajúci majitelia „Kvetu“ dielo za 1,1 milióna dolárov.Je ľahké spočítať, že za tento čas sa jeho trhová cena zvýšila takmer 25-krát.

Pokles na trhu s umením v rokoch 2008-2009 dal skeptikom dôvod na ohováranie, že móda pre Koons pominula. Ale mýlili sa: spolu s trhom s umením sa oživil záujem o diela Koonsa. Nástupca trónu kráľa pop artu Andyho Warhola aktualizoval svoje osobné maximum v novembri 2012 predajom viacfarebnej sochy „Tulipány“ zo série „Triumph“ v Christie's za 33,7 milióna dolárov vrátane provízie.

Ale "tulipány" boli "kvety" v doslovnom a prenesenom zmysle. Len o rok neskôr, v novembri 2013, nasledoval predaj nerezovej plastiky balónového psa (oranžová): cena kladiva bola až 58,4 milióna dolárov! Rozprávková suma na žijúceho umelca. Dielo súčasného autora sa predávalo za cenu Van Goghovho či Picassa obrazu. To boli jahody...

Koons týmto výsledkom kraľoval na vrchole rebríčka žijúcich umelcov niekoľko rokov. V novembri 2018 ho nakrátko prekonal David Hockney (pozri druhé miesto v našom rebríčku). Ale len o šesť mesiacov neskôr sa všetko vrátilo do normálu: 15. mája 2019 v New Yorku na aukcii povojnového a súčasného umenia Christie's ponúkla na predaj učebnicovú sochu pre Koonsa v roku 1986 - strieborného „králika“ vyrobené z nehrdzavejúcej ocele, imitujúce balón podobného tvaru.

Celkovo Koons vytvoril 3 takéto sochy plus jednu autorskú kópiu. V aukcii bol exemplár „Králika“ číslo 2 – zo zbierky kultového vydavateľstva Cy Newhouse, spolumajiteľa vydavateľstva Conde Nast (časopisy Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ atď.). Strieborný „Králik“ kúpil „otec pôvabu“ Cy Newhouse v roku 1992 za pôsobivú sumu podľa štandardov tých rokov - 1 milión dolárov. Po 27 rokoch v boji 10 záujemcov bola cena kladiva sochy 80-krát vyššia ako predchádzajúca predajná cena. A s províziou Buyer's Premium bol konečný výsledok rekordných 91,075 milióna dolárov pre všetkých žijúcich umelcov.

2. DAVID HOKNEY Portrét umelca. Bazén s dvoma figúrkami. 1972. 90 312 500 dolárov

David Hockney (1937) je jedným z najvýznamnejších britských umelcov 20. storočia. V roku 2011 bol David Hockney zvolený za najvplyvnejšieho britského umelca všetkých čias v prieskume medzi tisíckami profesionálnych britských maliarov a sochárov. Hockney zároveň obišiel takých majstrov ako William Turner a Francis Bacon. Jeho tvorba sa spravidla pripisuje pop-artu, aj keď vo svojich raných dielach viac inklinoval k expresionizmu v duchu Francisa Bacona.

Narodil sa a vyrastal David Hockney v Anglicku, Yorkshire. Matka budúceho umelca udržiavala rodinu v puritánskej prísnosti a jeho otec, jednoduchý účtovník, ktorý kreslil trochu na amatérskej úrovni, povzbudzoval svojho syna, aby maľoval. Vo svojich dvadsiatich rokoch sa David presťahoval do Kalifornie, kde žil celkovo asi tri desaťročia. Stále tam má dve dielne. Hockney urobil z hrdinov svojich diel miestnych boháčov, ich vily, bazény, trávniky zaliate kalifornským slnkom. Jedno z jeho najznámejších diel amerického obdobia - obraz "Splash" - je obrazom zhluku spreja stúpajúceho z bazéna po tom, čo človek skočil do vody. Na znázornenie tohto zväzku, ktorý „nežije“ viac ako dve sekundy, pracoval Hockney dva týždne. Mimochodom, tento obraz sa v roku 2006 predal v Sotheby’s za 5,4 milióna dolárov a nejaký čas bol považovaný za jeho najdrahšie dielo.

Hockney (1937) má už po osemdesiatke, no stále pracuje a dokonca vymýšľa nové výtvarné techniky s využitím technických noviniek. Raz prišiel s nápadom robiť obrovské koláže z polaroidových obrázkov, svoje diela vytlačil na faxoch a dnes umelec nadšene ovláda kreslenie na iPade. Obrazy nakreslené na tablete zaujímajú na jeho výstavách svoje miesto.

V roku 2005 sa Hockney konečne vrátil zo štátov do Anglicka. Teraz maľuje pod holým nebom av ateliéri obrovské (často pozostávajúce z niekoľkých častí) krajiny miestnych lesov a pustatín. Podľa Hockneyho si za 30 rokov v Kalifornii tak nezvykol na jednoduchú zmenu ročných období, že ho to skutočne fascinuje a fascinuje. Celé cykly jeho posledných prác sú venované napríklad tej istej krajine v rôznych obdobiach roka.

V roku 2018 Hockneyho obrazy niekoľkokrát prekonali hranicu 10 miliónov dolárov. A 15. novembra 2018 bol v Christie's zaregistrovaný nový absolútny rekord za prácu žijúceho umelca – 90 312 500 dolárov za obraz „Portrét umelca (Pool with Two Figures)“.

3. GERHARD RICHTER Abstraktná maľba. 1986. 46,3 milióna dolárov

Žijúca klasika Gerhard Richter (1932) je v našom rebríčku na druhom mieste. Nemecký umelec bol lídrom medzi žijúcimi kolegami, kým nezasiahol 58 miliónový rekord Jeffa Koonsa. Je však nepravdepodobné, že by táto okolnosť mohla otriasť Richterovou už aj tak železnou autoritou na trhu s umením. Podľa výsledkov z roku 2012 je ročný aukčný obrat nemeckého umelca na druhom mieste po aukciách Andyho Warhola a Pabla Picassa.

Dlhé roky nič nenaznačovalo úspech, ktorý na Richtera dopadol teraz. Umelec zastával desaťročia na trhu súčasného umenia skromné ​​miesto a vôbec netúžil po sláve. Dá sa povedať, že sláva ho dobehla sama. Za východiskový bod mnohí považujú kúpu Richterovej série z 18. októbra 1977 v roku 1995 newyorským múzeom MoMA. Americké múzeum zaplatilo 3 milióny dolárov za 15 malieb v odtieňoch šedej a čoskoro začalo uvažovať o usporiadaní plnohodnotnej retrospektívy nemeckého umelca. Grandióznu výstavu otvorili o šesť rokov neskôr, v roku 2001, a odvtedy záujem o Richterovu tvorbu vzrástol míľovými krokmi. Od roku 2004 do roku 2008 sa cena jeho obrazov strojnásobila. V roku 2010 už Richterove diela priniesli 76,9 milióna dolárov, v roku 2011 podľa webu Artnet zarobili Richterove diela na aukcii celkovo 200 miliónov dolárov a v roku 2012 (podľa Artprice) - 262,7 milióna dolárov - viac ako dielo ktoréhokoľvek iného iný žijúci umelec.

Kým napríklad u Jaspera Johnsa drvivý úspech na aukciách sprevádza najmä rané diela, takéto ostré delenie nie je pre Richterove diela typické: rovnako stabilný je dopyt po veciach z rôznych tvorivých období, ktorých bolo v Richterovej tvorbe veľmi veľa. kariéra. Za posledných šesťdesiat rokov sa tento umelec vyskúšal takmer vo všetkých tradičných maliarskych žánroch - portrét, krajina, marina, akt, zátišie a, samozrejme, abstrakcia.

História Richterových aukčných rekordov sa začala sériou zátiší „Sviečky“. 27 fotorealistických obrázkov sviečok na začiatku 80. rokov, v čase, keď boli napísané, stálo len 15 000 nemeckých mariek (5 800 dolárov) za dielo. Ale stále nikto nekúpil Candles na ich prvej výstave v galérii Maxa Hetzlera v Stuttgarte. Potom sa téma obrazov nazývala staromódna; Dnes sú „Sviečky“ považované za diela všetkých čias. A stoja milióny dolárov.

Vo februári 2008 "Sviečka", napísaný v roku 1983, bol nečakane kúpený za £ 7,97 milióna (16 miliónov dolárov). Tento osobný rekord trval tri a pol roka. Potom v októbri 2011ďalší "Sviečka" (1982)šiel pod kladivo v Christie's už za £ 10,46 milióna (16,48 milióna dolárov). S touto nahrávkou sa Gerhard Richter po prvý raz zaradil do prvej trojky najúspešnejších žijúcich umelcov a zaujal svoje miesto za Jasperom Johnsom a Jeffom Koonsom.

Potom sa začal víťazný sprievod Richterových „Abstraktných obrazov“. Umelec maľuje takéto diela unikátnou autorskou technikou: zmes jednoduchých farieb nanáša na svetlý podklad a potom ich dlhou škrabkou vo veľkosti nárazníka auta rozmazáva na plátno. Výsledkom sú zložité farebné prechody, škvrny a pruhy. Skúmanie povrchu jeho „Abstraktných obrazov“ je ako vykopávky: cez medzery početných farebných vrstiev na nich hľadia stopy rôznych „postavičiek“.

9. novembra 2011 na aukcii moderného a povojnového umenia Sotheby's vo veľkom "Abstraktná maľba (849-3)" 1997 šiel pod kladivo za 20,8 milióna dolárov (13,2 milióna £). A o šesť mesiacov neskôr, 8. máj 2012 na aukcii povojnového a súčasného umenia Christie's v New Yorku "Abstraktná maľba (798-3)" Rok 1993 bol rekordný 21,8 milióna dolárov(vrátane provízie). O päť mesiacov neskôr - opäť rekord: "Abstraktná maľba (809-4)" zo zbierky rockového hudobníka Erica Claptona 12. októbra 2012 v Sotheby's v Londýne šiel pod kladivo za £ 21,3 milióna (34,2 milióna dolárov). Bariéru 30 miliónov zobral Richter s takou ľahkosťou, akoby nešlo o modernú maľbu, ale o majstrovské diela staré už sto rokov – nie menej. Aj keď v prípade Richtera sa zdá, že zaradenie do panteónu „veľkých“ prebehlo už za života umelca. Nemecké ceny naďalej rastú.

Ďalší Richterov rekord patril fotorealistickému dielu – krajine "Katedrálne námestie, Miláno (Domplatz, Mailand)" 1968. Dielo bolo predané za 37,1 milióna na aukcii Sotheby's 14. mája 2013. Pohľad na najkrajšie námestie namaľoval nemecký umelec v roku 1968 na objednávku Siemens Electro, špeciálne pre milánsku kanceláriu spoločnosti. V čase jeho písania to bolo najväčšie Richterovo figurálne dielo (veľkosť takmer tri krát tri metre).

Rekord Katedrálneho námestia stál takmer dva roky, do r 10. február 2015 neprerušil ho "Abstraktná maľba" ( 1986): cena kladiva dosiahla £ 30,389 milióna (46,3 milióna dolárov). Abstraktný obraz s rozmermi 300,5 × 250,5 cm, vydražený v Sotheby’s, je jedným z prvých Richterových veľkorozmerných diel v jeho osobitej autorskej technike zoškrabovania vrstiev farby. Naposledy v roku 1999 bol tento „Abstraktný obraz“ kúpený v aukcii za 607-tisíc dolárov (od tohto roku až do súčasného predaja bolo dielo vystavené v Ludwigovom múzeu v Kolíne nad Rýnom). Na aukcii 10. februára 2015 dosiahol istý americký klient v aukčných krokoch 2 milióny libier príklepovú cenu 46,3 milióna dolárov, teda od roku 1999 dielo zdraželo viac ako 76-krát!

4. Tsui Zhuzhuo "Veľké zasnežené hory." 2013. 39,577 milióna dolárov

Dlho sme pozorne nesledovali vývoj situácie na čínskom trhu s umením, nechceli sme našich čitateľov zahltiť nadmerným množstvom informácií o „nie našom“ umení. S výnimkou disidenta Aj Wej-weja, ktorý nie je ani taký drahý ako zvučný umelec, sa nám čínski autori zdali príliš početní a vzdialení od nás, aby sme sa pustili do toho, čo sa tam deje na ich trhu. Ale štatistika, ako sa hovorí, je vážna dáma, a ak hovoríme o najúspešnejších žijúcich autoroch na svete, potom sa nezaobídeme bez príbehu o vynikajúcich predstaviteľoch súčasného umenia Nebeskej ríše.

Začnime s čínskym umelcom Cui Ruzhuo. Umelec sa narodil v roku 1944 v Pekingu a v rokoch 1981 až 1996 žil v USA. Po návrate do Číny začal učiť na Národnej akadémii umení. Cui Ruzhuo reinterpretuje tradičný čínsky štýl maľby atramentom a vytvára obrovské zvitkové plátna, ktoré si čínski podnikatelia a úradníci radi navzájom darujú. Na Západe sa o ňom vie len veľmi málo, hoci mnohí si musia pamätať príbeh o zvitku za 3,7 milióna dolárov, ktorý omylom vyhodili upratovači v hongkonskom hoteli a pomýlili si ho s odpadom. Takže to bol zvitok Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo má 70 rokov a trh s jeho tvorbou prekvitá. Viac ako 60 diel tohto umelca prekročilo hranicu 1 milión dolárov, jeho diela však zatiaľ uspeli len na čínskych aukciách. Záznamy Cui Ruzhuo sú skutočne pôsobivé. Najprv to "Krajina v snehu" na Poly Auction v Hong Kongu 7. apríla 2014 dosiahol kladivovú cenu 184 miliónov HK$ ( 23,7 milióna USD).

Presne o rok neskôr 6. apríla 2015 na špeciálnej Poly Auction v Hong Kongu venovanej výhradne dielu Cui Ruzhuo, seriálu "Veľká zasnežená scenéria hornatého Jiangnanu"(Jiangnan je historický región v Číne, ktorý zaberá pravý breh dolného toku Yangtze.) z ôsmich krajiniek s atramentom na papieri dosiahol cenu 236 miliónov HK$ ( 30,444 milióna USD).

O rok neskôr sa história opäť zopakovala: na samostatnej aukcii Cui Ruzhuo, ktorú organizovala Poly Auctions v Hong Kongu 4. apríla 2016 polyptych v šiestich častiach "Veľké zasnežené hory" Kladivová cena v roku 2013 (vrátane provízie aukčného domu) dosiahla 306 miliónov HK$ (39,577 milióna USD). Zatiaľ ide o absolútny rekord medzi ázijskými žijúcimi umelcami.

Podľa obchodníka s umením Johnsona Chana, ktorý pracuje s čínskym súčasným umením už 30 rokov, existuje bezpodmienečná túžba zvýšiť ceny za diela tohto autora, ale to všetko sa deje na cenovej úrovni, ktorú skúsení zberatelia pravdepodobne nebudú chcieť. niečo kúpiť. „Číňania chcú zvýšiť hodnotenie svojich umelcov nafúknutím cien za ich diela na veľkých medzinárodných aukciách, ako je tá, ktorú organizuje Poly v Hong Kongu, ale niet pochýb o tom, že tieto hodnotenia sú úplne vymyslené,“ komentuje Johnson Chang Cui Ruzhuo. najnovší záznam.

Toto je, samozrejme, len názor jedného predajcu a vo všetkých databázach máme zaznamenaný skutočný rekord. Zoberme ho teda do úvahy. Samotný Cui Ruzhuo, súdiac podľa svojich vyjadrení, má ďaleko od skromnosti Gerharda Richtera, pokiaľ ide o jeho aukčný úspech. Zdá sa, že tieto preteky o rekordy ho vážne uchvacujú. „Dúfam, že v najbližších 5-10 rokoch ceny za moje diela prevýšia ceny za diela západných majstrov ako Picasso a Van Gogh. Toto je čínsky sen,“ hovorí Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Vlajka. 1983. 36 miliónov dolárov

Tretie miesto v rebríčku žijúcich umelcov patrí Američanovi Jasperovi Johnsovi (1930). Aktuálna rekordná cena za Jonesovu prácu je $ 36 miliónov. Toľko zaplatil za svoju slávu "vlajka" na aukcii Christie's 12. novembra 2014.

Séria obrazov „vlajok“, ktorú Jones začal realizovať v polovici 50. rokov, bezprostredne po umelcovom návrate z armády, sa stala jednou z ústredných v jeho tvorbe. Už v mladosti sa umelec zaujímal o myšlienku readymade, premeny každodenného predmetu na umelecké dielo. Jonesove vlajky však neboli pravé, boli namaľované olejom na plátne. Umelecké dielo tak nadobudlo vlastnosti veci z bežného života, bolo zároveň obrazom vlajky a vlajky samotnej. Séria diel s vlajkami priniesla Jasperovi Johnsovi celosvetovú slávu. Nemenej populárne sú však jeho abstraktné diela. Na čele zoznamu najdrahších diel zostavených podľa vyššie uvedených pravidiel bol dlhé roky abstrakt "nesprávny štart". Až do roku 2007 bolo toto veľmi svetlé a dekoratívne plátno, ktoré Jones namaľoval v roku 1959, považované za majiteľa prakticky nedostupnej ceny pre žijúceho umelca (hoci celoživotnej klasiky) - $ 17 miliónov. Toľko za to zaplatili v zlate pre trh s umením 1988.

Zaujímavé je, že skúsenosť Jaspera Johnsa ako rekordéra nebola nepretržitá. V roku 1989 ho prerušila práca jeho kolegu Willema de Kooninga: dvojmetrovú abstrakciu „Mixing“ predali v Sotheby's za 20,7 milióna dolárov. Jasper Johns sa musel presťahovať. Ale po 8 rokoch, v roku 1997, de Kooning zomrel , a " Falošný štart "Jones opäť obsadil prvý riadok aukčného hodnotenia žijúcich umelcov na takmer 10 rokov.

V roku 2007 sa však všetko zmenilo. Rekord False Start bol prvýkrát zatienený tvorbou mladého a ambiciózneho Damiena Hirsta a Jeffa Koonsa. Potom došlo k rekordnému predaju obrazu "The Sleeping Benefit Inspector" od Lusien Freud (teraz zosnulej, a preto sa nezúčastňuje na tomto hodnotení) za 33,6 milióna dolárov. Potom začali záznamy Gerharda Richtera. Vo všeobecnosti je zatiaľ s aktuálnym rekordom 36 miliónov Jasper Johns, jeden z majstrov amerického povojnového umenia, pôsobiaci na priesečníku neodadaizmu, abstraktného expresionizmu a pop-artu, na čestnom treťom mieste.

6. ED RUSHAY Smash. 1963. 30,4 milióna dolárov

Náhly úspech obrazu "Smash" od amerického umelca Edward Ruscha (nar. 1937) na aukcii Christie's 12. novembra 2014 priviedol tohto autora do počtu najdrahších žijúcich umelcov. Doterajšia rekordná cena za dielo Eda Ruschu (meno Ruscha sa v ruštine často vyslovuje ako „Rusha“, ale správna výslovnosť je Ruscha) bola „iba“ 6,98 milióna dolárov: toľko zaplatili za jeho plátno „Burning gas stanica“ v roku 2007. O sedem rokov neskôr jeho Smash s odhadom 15–20 miliónov dolárov dosiahol cenu kladiva 30,4 milióna dolárov. Je zrejmé, že trh s dielami tohto autora sa dostal na novú úroveň – nie nadarmo Barack Obama zdobí Biely dom svojimi dielami a vo svojich galériách ho vystavuje aj samotný Larry Gagosian.

Ed Ruscha nikdy neašpiroval na povojnový New York s jeho šialenstvom po abstraktnom expresionizme. Namiesto toho vyše 40 rokov hľadal inšpiráciu v Kalifornii, kam sa vo veku 18 rokov presťahoval z Nebrasky. Umelec stál pri zrode nového trendu v umení, nazývaného pop art. Edward Ruscha sa spolu s Warholom, Lichtensteinom, Waynom Thiebaudom a ďalšími spevákmi populárnej kultúry zúčastnil v roku 1962 na výstave New Image of Ordinary Things v múzeu Pasadena, ktorá sa stala prvou múzejnou výstavou amerického pop artu. Samotnému Edovi Ruschovi sa však nepáči, keď je jeho tvorba pripisovaná pop-artu, konceptualizmu, či inému smeru v umení.

Jeho jedinečný štýl sa nazýva „text painting“. Od konca 50. rokov začal Ed Ruscha maľovať slová. Tak ako pre Warhola sa plechovka polievky stala umeleckým dielom, pre Eda Ruscha obyčajné slová a frázy, prevzaté buď z billboardu alebo obalu v supermarkete, alebo z titulkov filmu (Hollywood bol vždy po Ruschovej strane a na rozdiel od mnohých svojich kolegov umelcov Rushey rešpektoval „továreň na sny“). Slová na jeho plátnach nadobúdajú vlastnosti trojrozmerných predmetov, sú to skutočné zátišia zo slov. Pri pohľade na jeho plátna nám ako prvé napadne vizuálne a zvukové vnímanie nakresleného slova a až potom - sémantický význam. Ten sa spravidla nedá jednoznačne dešifrovať; slová a frázy, ktoré vybral Ruscha, možno interpretovať rôznymi spôsobmi. Rovnaké žiarivo žlté slovo „Smash“ na tmavomodrom pozadí môže byť vnímané ako agresívna výzva rozbiť niečo alebo niekoho na kúsky; ako osamelé prídavné meno vytrhnuté z kontextu (napríklad časť nejakého novinového titulku) alebo jednoducho ako jediné slovo zachytené v mestskom prúde vizuálnych obrazov. Ed Ruscha sa vyžíva v tejto neistote. "Vždy som mal hlboký rešpekt k zvláštnym, nevysvetliteľným veciam... Vysvetlenia v istom zmysle zabíjajú vec," povedal v rozhovore.

7. KRISTOFOV VLNA Bez názvu (RIOT). 1990. 29,93 milióna dolárov

americký umelec Christopher Wool(1955) prvýkrát prerazil do rebríčka žijúcich umelcov v roku 2013 – po predaji Apocalypse Now za 26,5 milióna dolárov.Tento rekord ho okamžite postavil na úroveň Jaspera Johnsa a Gerharda Richtera. Výška tejto historickej transakcie – viac ako 20 miliónov dolárov – mnohých prekvapila, keďže pred ňou ceny za diela umelca nepresiahli 8 miliónov dolárov. Rýchly rast trhu s dielami Christophera Woola bol však už v tom čase evidentný. : rekord umelca zahŕňal 48 aukčných transakcií v hodnote viac ako 1 milión dolárov a 22 z nich (takmer polovica) sa uskutočnilo v roku 2013. O dva roky neskôr počet diel Chrisa Woola, predaných za viac ako 1 milión dolárov, dosiahol 70 a nový osobný rekord na seba nenechal dlho čakať. Na aukcii Dielo Sotheby's z 12. mája 2015 „Bez názvu (RIOT)“ bol predaný za $ 29,93 milióna vrátane prémie kupujúceho.

Christopher Wool je známy najmä pre svoje veľké čierne písmo na bielych hliníkových plechoch. Sú to tí, ktorí spravidla vytvárajú rekordy na aukciách. To všetko sú veci z konca 80. a začiatku 90. rokov. Ako legenda hovorí, jedného večera sa Wool prechádzal večer po New Yorku a zrazu uvidel graffiti čiernymi písmenami na novom bielom kamióne – slová sex a luv. Tento pohľad na neho zapôsobil natoľko, že sa okamžite vrátil do štúdia a s rovnakými slovami napísal vlastnú verziu. Písal sa rok 1987 a umelcovo ďalšie hľadanie slov a slovných spojení pre svoje „doslovné“ diela odráža rozporuplný duch tejto doby. Toto je volanie „predaj dom, predaj auto, predaj deti“, ktoré prevzal Wool z filmu „Apocalypse Now“ a slovo „FOOL“ („blázen“) napísané veľkými písmenami a slovo „RIOT“ ("rebélia"), často nachádzaný v titulkoch vtedajších novín.

Slová a frázy Vlna aplikovaná na hliníkové plechy pomocou šablón s alkydovými alebo emailovými farbami, ktoré zámerne zanechávajú šmuhy, stopy po šablónach a iné dôkazy o tvorivom procese. Umelec rozdelil slová tak, aby divák hneď nepochopil význam. Najprv vidíte len zhluk písmen, to znamená, že slovo vnímate ako vizuálny objekt a až potom čítate a dešifrujete význam frázy alebo slova. Vlna použila font, ktorý používala americká armáda po druhej svetovej vojne, čo umocňuje dojem rozkazu, smernice, sloganu. Tieto „písmenkové“ diela sú vnímané ako súčasť mestskej krajiny, ako nelegálne graffiti, ktoré narušili čistotu povrchu nejakého uličného objektu. Táto séria diel Christophera Woola je uznávaná ako jeden z vrcholov lingvistickej abstrakcie, a preto je vysoko cenená milovníkmi súčasného umenia.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 milióna dolárov

britský Peter Doig(1959), hoci patrí ku generácii postmodernistov Koonsa a Hirsta, zvolil si pre seba úplne tradičný žáner krajiny, ktorý dlho nebol v obľube vyspelých umelcov. Peter Doig svojou tvorbou oživuje ubúdajúci záujem verejnosti o figuratívnu maľbu. Jeho prácu vysoko oceňujú kritici aj laici, čoho dôkazom je rýchly rast cien jeho diel. Ak na začiatku 90. rokov stáli jeho krajiny niekoľko tisíc dolárov, teraz ide účet do miliónov.

Doigova tvorba je často označovaná ako magický realizmus. Na základe reálnych krajín vytvára fantazijné, tajomné a často pochmúrne obrazy. Umelec rád zobrazuje objekty opustené ľuďmi: schátranú budovu postavenú Le Corbusierom uprostred lesa alebo prázdne biele kanoe na hladine lesného jazera. Okrem prírody a fantázie sa Doig inšpiruje hororovými filmami, starými pohľadnicami, fotografiami, amatérskymi videami a pod. Doigove obrazy sú farebné, zložité, dekoratívne a nie provokatívne. Je pekné vlastniť takýto obraz. Nízka produktivita autora podporuje aj záujem zberateľov: umelec žijúci na Trinidade vytvorí ročne nie viac ako tucet obrazov.

Začiatkom roku 2000 sa jednotlivé krajiny umelca predávali za niekoľko stoviek tisíc dolárov. Zároveň bolo Doigovo dielo zaradené do galérie Saatchi, na bienále vo Whitney Museum a do zbierky MoMA. V roku 2006 bola prekonaná aukčná latka 1 milión dolárov a v nasledujúcom roku nastal neočakávaný prelom: dielo „Biela kanoe“, ponúkané v Sotheby's 7. februára 2007 s odhadom 0,8 – 1,2 milióna dolárov, prekročilo predbežný odhad. päťkrát a bol predaný za 5,7 milióna libier (11,3 milióna dolárov). V tom čase to bola rekordná cena za dielo žijúceho európskeho umelca.

V roku 2008 usporiadal Doig samostatné výstavy v Tate Gallery a Múzeu moderného umenia v Paríži. Viacmiliónové cenovky za Doigovu prácu sa stali normou. Osobný rekord Petra Doiga sa v poslednom čase aktualizuje niekoľkokrát do roka – na zmenu obrazu a miesta tohto umelca v našom rebríčku žijúcich autorov máme len čas.

Doteraz najdrahším dielom Petra Doiga je snehová krajina z Rosedale z roku 1991. Zaujímavé je, že rekord nevznikol v Sotheby's alebo Christie's, ale na aukcii súčasného umenia Phillips. Stalo sa tak 18. mája 2017. Pohľad na zasnežené Rosedale, jednu z torontských štvrtí, bol predaný kupcovi telefónu za 28,81 milióna dolárov, čo je asi o 3 milióny dolárov viac ako predchádzajúci rekord (25,9 milióna dolárov za film "Swallowed in the Mire"). Obraz „Rosedale“ sa zúčastnil na Doigovej kľúčovej výstave vo Whitechapel Gallery v Londýne v roku 1998 a vo všeobecnosti bolo toto dielo čerstvé na trh, a preto je rekordná cena zaslúžená.

9. FRANK STELLA Capské borovice. 1959. 28 miliónov dolárov

Frank Stella je jasným predstaviteľom post-maľby abstrakcie a minimalizmu v umení. V určitom štádiu sa označuje ako štýl maľby s tvrdými okrajmi. Stella spočiatku dával do kontrastu prísnu geometriu, asketickú monochrómnosť a štruktúrovanosť svojich obrazov so spontánnosťou a náhodnosťou plátien abstraktných expresionistov ako Jackson Pollock.

Koncom 50. rokov 20. storočia si umelca všimol slávny galerista Leo Castelli a po prvý raz bol ocenený výstavou. Predstavil na ňom takzvané „Čierne obrazy“ – plátna premaľované paralelnými čiernymi líniami s tenkými medzerami nemaľovaného plátna medzi nimi. Čiary sa formujú do geometrických tvarov, trochu pripomínajúcich optické ilúzie, samotné obrázky, ktoré sa mihajú, pohybujú, krútia, vytvárajú pocit hlbokého priestoru, ak sa na ne dlho pozeráte. Stella pokračoval v téme paralelných línií tenkými deliacimi pásikmi vo svojich prácach na hliníku a medi. Menila sa farebnosť, obrazový základ a dokonca aj tvar malieb (okrem iných vynikajú práce v tvare písmen U, T, L). Ale hlavný princíp jeho maľby stále spočíval v jasnosti obrysu, monumentálnosti, jednoduchej forme, monochróme. V nasledujúcich desaťročiach sa Stella posunula od takejto geometrickej maľby k hladkým, prirodzeným formám a líniám a od monochromatických malieb k jasným a pestrým farebným prechodom. V 70. rokoch Stella uchvátili obrovské vzory, ktorými sa maľovali lode. Umelec ich použil na obrovské obrazy s asamblážovými prvkami – do svojich diel zakomponoval kusy oceľových rúr či drôteného pletiva.

Vo svojich prvých rozhovoroch Frank Stella otvorene hovorí o významoch, ktoré vkladá do jeho práce, alebo skôr o ich absencii: „Čo vidíš, je to, čo vidíš.“ Obraz je objekt sám o sebe, nie reprodukcia ničoho. "Je to rovný povrch s farbou a ničím iným," povedala Stella.

No, podpísaný Frankom Stellom, tento „povrch s farbou“ by dnes mohol mať hodnotu miliónov dolárov. Prvýkrát v rebríčku žijúcich umelcov sa Frank Stella dostal v roku 2015 predajom Delaware Crossing (1961) za 13,69 milióna dolárov vrátane provízie.

O štyri roky neskôr, 15. mája 2019, bol stanovený nový rekord raným dielom (1959) „Cape of Pines“: cena kladiva bola viac ako 28 miliónov dolárov vrátane provízie. Toto je jeden z 29 "čiernych obrazov" - práve tých, s ktorými Stella debutovala na svojej prvej výstave v New Yorku. Absolvent Princetonskej univerzity Frank Stella mal vtedy 23 rokov. Často nemal dosť peňazí na olejové farby pre umelcov. Mladý umelec robil mesiačiky ako opravárenské práce, veľmi sa mu páčili čisté farby farieb a vtedy vznikla myšlienka pracovať s touto farbou na plátne. Čiernou emailovou farbou Stella maľuje rovnobežné pruhy, pričom medzi nimi necháva tenké čiary nenatretého plátna. Navyše píše bez pravítka, od oka, bez predbežného náčrtu. Stella nikdy presne nevedela, koľko čiernych čiar sa objaví na konkrétnom obraze. Napríklad na obraze „Cape of Pines“ je ich 35. Názov diela odkazuje na názov mysu v Massachusetts Bay – Point of pines. Na začiatku 20. storočia mala veľký zábavný park a dnes je jednou zo štvrtí mesta Revere.

10. YOSHITOMO NARA Nôž za chrbtom. 2000. 24,95 milióna dolárov

Yoshitomo Nara (1959) je jednou z kľúčových postáv japonského neo-popu. Japonec - pretože napriek celosvetovej sláve a dlhoročnej práci v zahraničí sa jeho tvorba stále vyznačuje výraznou národnou identitou. Najobľúbenejšími postavami Nary sú dievčatá a psy v štýle japonských komiksov manga a anime. Obrazy, ktoré dlhé roky vymýšľal, „išli k ľuďom“: sú vytlačené na tričkách, vyrábajú sa z nich suveníry a rôzny „merch“. Narodil sa v chudobnej rodine, ďaleko od hlavného mesta, je nielen milovaný pre svoj talent, ale aj oceňovaný ako človek, ktorý sa vypracoval. Umelec pracuje rýchlo a expresívne. Je známe, že niektoré z jeho majstrovských diel boli dokončené doslova cez noc. Obrazy a sochy Yoshitoma Naru sú spravidla veľmi stručné a dokonca striedmy vo výrazových prostriedkoch, ale vždy nesú silný emocionálny náboj. Dospievajúce dievčatá v Nare sa často pozerajú na diváka s nevľúdnym prižmúrením. V ich očiach - drzosť, výzva a agresivita. V rukách - potom nôž, potom cigareta. Existuje názor, že zobrazené zvrátenosti správania sú reakciou na represívnu verejnú morálku, rôzne tabu a princípy výchovy prijaté Japoncami. Takmer stredoveká tvrdosť a hanba zaháňajú problémy dovnútra a vytvárajú pôdu pre oneskorenú emocionálnu explóziu. "Nôž za chrbtom" len priestranne odráža jednu z hlavných myšlienok umelca. V tomto diele je nenávistný pohľad dievčaťa a hrozivo rana ruky za jej chrbtom. Do roku 2019 už obrazy a sochy Yoshitoma Naru viackrát prekročili miliónovú, ba dokonca niekoľkomiliónovú hranicu. Ale dvadsať miliónov - prvýkrát. Nara je jedným z najznámejších svetových umelcov narodených v Japonsku. A teraz to najdrahšie zo živých. 6. októbra 2109 v aukčnej sieni Sotheby's v Hong Kongu prevzal tento titul od Takashi Murakamiho a výrazne prekonal 90-ročnú avantgardnú umelkyňu Yayoi Kusama (maximálne aukčné ceny za jej obrazy sa už blížia k 9 miliónom dolárov).

11. ZENG FANZHI Posledná večera. 2001. 23,3 milióna dolárov

V Sotheby's Hong Kong 5. októbra 2013 plátno v ročnej mierke "Posledná večera" Pekinský umelec Zeng Fanzhi (1964) bol predaný za rekordnú sumu 160 miliónov hongkonských dolárov - 23,3 milióna dolárov USA. Konečné náklady na Fanzhiho dielo, napísané, samozrejme, pod vplyvom Leonarda da Vinciho, sa ukázali ako dvojnásobok predbežného odhadu približne 10 miliónov dolárov. Predchádzajúci cenový rekord Zeng Fanzhi bol $ 9,6 milióna zaplatil na aukcii Christie's v Hong Kongu v máji 2008 za dielo Séria masiek. 1996 č. 6".

„Posledná večera“ je najväčší (2,2 × 4 metre) obraz Fanzhiho zo série „Masky“, ktorý pokrýva obdobie od roku 1994 do roku 2001. Cyklus je venovaný vývoju čínskej spoločnosti pod vplyvom ekonomických reforiem. Zavedenie prvkov trhového hospodárstva vládou ČĽR viedlo k urbanizácii a nejednotnosti Číňanov. Fanzhi zobrazuje obyvateľov moderných čínskych miest, ktorí musia bojovať o miesto na slnku. Známa kompozícia fresky od Leonarda v čítaní Fanzhi dostáva úplne iný význam: scéna je prenesená z Jeruzalema do učebne čínskej školy s typickými hieroglyfickými tabuľami na stenách. „Kristus“ a „apoštoli“ sa zmenili na priekopníkov so šarlátovými kravatami a zlatú kravatu nosí len „Juda“ – to je metafora západného kapitalizmu, prenikajúca a ničiaceho zaužívaný spôsob života v socialistickej krajine.

Diela Zeng Fanzhi sú štýlovo blízke európskemu expresionizmu a sú rovnako dramatické. No zároveň sú plné čínskych symbolov a špecifík. Táto všestrannosť priťahuje k dielu umelca čínskych aj západných zberateľov. Priamym potvrdením je aj proveniencia Poslednej večere: dielo dal do dražby slávny zberateľ čínskej avantgardy 80. a začiatku 90. rokov belgický barón Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Most. 1980. 20,6 milióna dolárov

Na aukcii Christie's 13. mája 2015 abstraktné dielo "Most" 85-ročný americký umelec Robert Ryman(Robert Ryman) bol predaný za 20,6 milióna dolárov berúc do úvahy províziu - dvakrát drahšie ako nižší odhad.

Robert Ryman(1930) si hneď neuvedomil, že sa chce stať umelcom. Vo veku 23 rokov sa presťahoval do New Yorku z Nashvillu v štáte Tennessee, aby sa stal jazzovým saxofonistom. Medzitým sa z neho nestal slávny hudobník, musel si privyrábať ako ochrankár v MoMA, kde sa zoznámil so Saulom LeWittom a Danom Flavinom. Prvý pracoval v múzeu ako nočný tajomník a druhý ako ochrankár a obsluha výťahu. Inšpirovaný prácami abstraktných expresionistov, ktorých videl v MoMA – Rothko, De Kooning, Pollock a Newman – začal Robert Ryman maľovať v roku 1955.

O Rymanovi sa často hovorí ako o minimalistovi, no radšej sa mu hovorí „realista“, pretože ho nezaujíma vytváranie ilúzií, iba demonštruje kvality materiálov, ktoré používa. Väčšina jeho diel je maľovaná farbami všetkých možných odtieňov bielej (od sivastej alebo žltkastej až po oslnivú bielu) podľa lakonického štvorcového tvaru. Robert Ryman počas svojej kariéry vyskúšal mnoho materiálov a techník: maľoval olejmi, akrylom, kazeínom, emailom, pastelom, gvašom atď. na plátno, oceľ, plexisklo, hliník, papier, vlnitú lepenku, vinyl, tapety atď. priateľ, profesionálny reštaurátor, Orrin Riley, mu poradil žieravosť materiálov, ktoré napadlo použiť. Ako raz povedal jeden umelec: „Nikdy nemám otázku čo napíš, hlavná vec - ako písať“. Je to všetko o textúre, povahe ťahov, hranici medzi farebným povrchom a okrajmi základne, ako aj o vzťahu medzi dielom a stenou. Od roku 1975 sú osobitou črtou jeho tvorby svietidlá, ktoré si Ryman sám navrhuje a zámerne ich necháva viditeľné, čím zdôrazňuje, že jeho dielo je „také skutočné, ako sú skutočné steny, na ktorých visia“. Ryman dáva dielam radšej „mená“ ako „názvy“. Práve „meno“ pomáha rozlíšiť jedno dielo od druhého a Ryman často pomenováva svoje diela podľa značiek farieb, firiem atď., pričom „titul“ si nárokuje akési narážky a hlboko skryté významy, ktorých prítomnosť diela umelec pravidelne popiera. Na ničom okrem materiálu a techniky nezáleží.

13. Damien Hirst Ospalá jar. 2002. 19,2 milióna dolárov

anglický umelec Damienovi Hirstovi (1965) bolo predurčené na prvé miesto v tomto hodnotení v spore so žijúcim klasikom Jasperom Johnsom. Už spomínané dielo „False Start“ by mohlo zostať ešte dlho nepotopiteľným lídrom, keby 21. júna 2007 inštalácie v tom čase 42-ročný Hirst "ospalá jar"(2002) sa v Sotheby's nepredával za £ 9,76 milióna, teda za 19,2 milióna dolárov. Dielo má mimochodom dosť nezvyčajný formát. Na jednej strane ide o výkladnú skriňu s atrapami tabletiek (6 136 tabletiek), vlastne klasickú inštaláciu. A na druhej strane je táto vitrína plochá (10 cm hlboká), vložená do rámu a zavesená na stenu ako plazmový panel, čím plne poskytuje komfort držby, ktorý je obrazom vlastný. V roku 2002 sa sestra inštalácie, Sleepy Winter, predala za 7,4 milióna dolárov, čo je viac ako polovica ceny. Rozdiel v cene niekto "vysvetlil" tým, že tablety sú v zime viac vyblednuté. Je však jasné, že toto vysvetlenie je absolútne neopodstatnené, pretože mechanizmus tvorby cien takýchto vecí už nie je spojený s ich dekoratívnym účinkom.

V roku 2007 mnohí uznali Hirsta za autora najdrahšieho diela medzi žijúcimi umelcami. Otázka je však z kategórie „podľa toho, ako počítať“. Faktom je, že Hurst sa predával za drahé libry a Jones za doláre, ktoré teraz klesli na cenu a dokonca aj pred dvadsiatimi rokmi. Ale aj keby sme počítali v nominálnej hodnote, bez zohľadnenia 20-ročnej inflácie, potom bola Hirstova práca drahšia v dolároch a Jonesova v librách. Situácia bola hraničná a každý sa mohol slobodne rozhodnúť, koho bude považovať za najdrahšieho. Ale Hurst sa udržal na prvom mieste nie tak dlho. V tom istom roku 2007 ho z prvého miesta vytlačil Koons so svojím „Hanging Heart“.

Práve v predvečer globálneho poklesu cien súčasného umenia podnikol Hirst pre mladého umelca nevídaný záväzok – samostatnú aukciu jeho diel, ktorá sa konala 15. septembra 2008 v Londýne. Predvčerom oznámená správa o bankrote Lehman Brothers nepokazila chuť milovníkom súčasného umenia: z 223 diel ponúkaných Sotheby's len päť nenašlo nových majiteľov (mimochodom jedným z kupcov bol Viktor Pinchuk ). Práca "Zlatý Býk"- obrovská podobizeň býka vo formaldehyde, korunovaná zlatým kotúčom, - priniesol 10,3 milióna £ (18,6 milióna dolárov). Toto je Hurstov najlepší výsledok, ak sa meria v librách (v mene, v ktorej sa obchod uskutočnil). V dolároch sme však v rebríčku, a tak (nech nám Zlaté teľa odpustí) za Hirstov najlepší predaj budeme považovať Ospalú jar.

Od roku 2008 Hirst nepredával Ospalú jar a Zlaté teľa. Čerstvé nahrávky z 10. rokov – za tvorbu Richtera, Jonesa, Fanzhiho, Woola a Koonsa – posunuli Damiena na šiesty riadok nášho hodnotenia. Nerobme však kategorický súd o úpadku Hirstovej éry. Podľa analytikov sa Hurst ako „superstar“ už zapísal do histórie, čo znamená, že ho budú kupovať na veľmi dlhú dobu; najväčšiu hodnotu v budúcnosti však predpovedajú dielam, ktoré vznikli v najinovatívnejšom období jeho kariéry, teda v 90. rokoch.

14. Maurizio Cattelan Jemu. 2001. 17,19 milióna dolárov

Talian Maurizio Cattelan (1960) sa k umeniu dostal po tom, čo pracoval ako ochrankár, kuchár, záhradník a dizajnér nábytku. Autor samouk sa svetovo preslávil svojimi ironickými sochami a inštaláciami. Zhodil meteorit na pápeža, premenil manželku zákazníka na loveckú trofej, vytrhol dieru na podlahe múzea starých majstrov, zdvihol obrovský prostredník na burzu v Miláne, priniesol živého somára na veľtrh Frieze . V blízkej budúcnosti Cattelan sľubuje inštaláciu zlatého záchodu v Guggenheimovom múzeu. V konečnom dôsledku boli huncútstva Maurizia Cattelana vo svete umenia všeobecne uznávané: je pozvaný na Benátske bienále (inštalácia „Ostatní“ v roku 2011 – kŕdeľ dvoch tisícok holubov, ktoré hrozivo hľadia zo všetkých rúr a trámov na davy návštevníkov prechádzajúc nižšie), zariadil, aby mal retrospektívu v Guggenheimovom múzeu v New Yorku (november 2011) a napokon sa za jeho sochy platia veľké peniaze.

Od roku 2010 je najdrahším dielom Maurizia Cattelana vosková socha muža vykúkajúceho z diery v podlahe, ktorá je navonok podobná samotnému umelcovi („Bez názvu“, 2001). Táto socha-inštalácia, ktorá existuje v počte troch kópií plus autorská kópia, bola prvýkrát vystavená v múzeu Boijmans van Beuningen v Rotterdame. Potom táto šibalská postavička vyzrela z diery v podlahe sály s obrazmi holandských maliarov 18. a 19. storočia. Maurizio Cattellan sa v tomto diele spája s odvážnym zločincom vtrhujúcim do posvätného priestoru sály múzea s obrazmi veľkých majstrov. Chce tak umeniu zbaviť svätožiaru, ktorú mu dávajú steny múzeí. Dielo, kvôli vystavovaniu, ktoré zakaždým musíte urobiť diery v podlahe, bolo predané za 7,922 milióna dolárov v Sotheby's.

Rekord platil až do 8. mája 2016, kedy sa Cattelanovo ešte provokatívnejšie dielo Him, zobrazujúce kľačiaceho Hitlera, dostalo pod kladivo za 17,189 milióna dolárov. Meno je zvláštne. Výber postavy je riskantný. Ako všetko ostatné s Cattelanom. Čo má na mysli? „Jeho“ alebo „Jeho pekelné veličenstvo“? Je jasné, že rozhodne nehovoríme o spievaní obrazu Fuhrera. Hitler v tomto diele vystupuje skôr v bezmocnej, žalostnej podobe. A absurdne – inkarnácia Satana je vyrobená vo veľkosti dieťaťa, oblečená v kostýme školáka a kľačiaca s pokorným výrazom na tvári. Pre Cattelana je tento obrázok pozvaním na zamyslenie sa nad povahou absolútneho zla a spôsobom, ako sa zbaviť strachu. Mimochodom, socha „Him“ je dobre známa západnému publiku. Jej bratia v sérii boli vystavení viac ako 10-krát v popredných múzeách po celom svete, vrátane Pompidou Center a Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Bez názvu (S III prepustený do France Face 43.14). 2011. 16,8 milióna dolárov

17. mája 2017 sa na večernej aukcii Christie's v New Yorku objavil jeden z najmocnejších obrazov Marca Grotjana, aký bol kedy daný do aukcie. Obraz “Bez názvu (S III Released to France Face 43.14)” vystavil parížsky zberateľ Patrick Seguin s odhadom 13 – 16 miliónov dolárov a keďže predaj losu garantovala tretia strana, nikoho to zvlášť neprekvapilo. založením nového osobného aukčného rekordu 49-ročného umelca . Cena kladiva 14,75 milióna dolárov (16,8 milióna dolárov s Buyer's Premium) prekonala Grotjanov predchádzajúci aukčný rekord o viac ako 10 miliónov dolárov, čím sa zaradil do klubu žijúcich umelcov, ktorých dielo sa predáva za osemciferné ceny. Sedemmiestne rovnaké výsledky (tržby viac ako 1 milión dolárov, ale nie viac ako 10 miliónov dolárov) v aukčnom prasiatku Mark Grotyan za približne tridsať.

Mark Grotjan (1968), v ktorého tvorbe odborníci vidia vplyv modernizmu, abstraktného minimalizmu, popu a op artu, prišiel k svojej korporátnej identite v polovici 90. rokov po tom, čo sa presťahoval s priateľom Brentom Petersonom do Los Angeles a otvoril si tam galériu. "Izba 702". Ako spomína sám umelec, v tom čase začal premýšľať o tom, čo je preňho v umení na prvom mieste. Hľadal motív, s ktorým by mohol experimentovať. A uvedomil som si, že ho vždy zaujímala línia a farba. Experimenty v duchu rayonizmu a minimalizmu s lineárnou perspektívou, početnými úbežníkmi a viacfarebnými abstraktnými trojuholníkovými tvarmi nakoniec priniesli Grotjanovi celosvetovú slávu.

Od abstraktných, farebných krajiniek s viacerými horizontmi a miznúcimi bodmi sa dostal k trojuholníkovým tvarom pripomínajúcim motýlie krídla. Obrazy Grotjana 2001–2007 Hovoria tomu "Motýliky". Dnes sa pohyb úbežníka alebo použitie niekoľkých miznúcich bodov naraz, rozmiestnených v priestore, považuje za jednu z umelcových najsilnejších techník.

Ďalšia veľká séria diel sa volala „Tváre“; v abstraktných líniách tejto série možno uhádnuť črty ľudskej tváre, zjednodušenej do stavu masky v duchu Matissa, Jawlenského či Brancusiho. Keď už hovoríme o maximálnom zjednodušení a štylizácii foriem, o kompozičnom riešení malieb, keď sa na nás z húštiny dívajú rozhádzané kontúry očí a úst, bádatelia si všímajú spojenie Grotjanových tvárí s umením primitívnych kmene Afriky a Oceánie, pričom samotný umelec jednoducho „má rád obrazové oči pozerajúce sa z džungle. Občas som si predstavoval tváre paviánov alebo opíc. Nemôžem povedať, že by ma vedome alebo podvedome ovplyvnilo primitívne africké umenie, skôr ma ovplyvnili umelci, ktorí ním boli ovplyvnení. Picasso je najzrejmejším príkladom."

Diela série "Faces" sa nazývajú brutálne a elegantné, príjemné pre oči a príjemné pre myseľ. Postupom času sa mení aj textúra týchto diel: na vytvorenie efektu vnútorného priestoru používa umelec široké ťahy hustej farby, dokonca aj rozstrek v štýle Pollocka, ale povrch maľby je vyrovnaný, takže pri bližšom skúmaní zdá sa to byť úplne ploché. Obraz Bez názvu (S III Released to France Face 43.14), ktorý udáva aukčný rekord, patrí do tejto slávnej série Marka Grotjana.

16. TAKASHI MURAKAMI Môj osamelý kovboj. 15,16 milióna dolárov

japončina Takashi Murakami (1962) vstúpil do nášho hodnotenia so sochou "Môj osamelý kovboj", predaný v Sotheby's v máji 2008 za $ 15,16 milióna. S týmto predajom bol Takashi Murakami dlho považovaný za najúspešnejšieho žijúceho ázijského umelca – až kým ho nezatienil predaj Poslednej večere od Zeng Fanzhiho.

Takashi Murakami pôsobí ako výtvarník, sochár, módny návrhár a animátor. Murakami chcel za základ svojej práce vziať niečo skutočne japonské, bez západných alebo akýchkoľvek iných výpožičiek. V študentských rokoch ho fascinovalo tradičné japonské umenie nihonga, neskôr ho vystriedalo populárne umenie anime a manga. Tak sa zrodil psychedelický pán DOB, vzory usmievavých kvetov a žiarivé lesklé plastiky zo sklenených vlákien, akoby práve vyšli zo stránok japonských komiksov. Niektorí považujú Murakamiho umenie za rýchle občerstvenie a stelesnenie vulgárnosti, iní označujú umelca za Japonca Andyho Warhola – a v radoch toho druhého, ako vidíme, je veľa veľmi bohatých ľudí.

Názov pre svoju sochu si Murakami požičal od Andyho Warhola The Lonely Cowboys (1968), ktorý Japonci, ako sám priznal, nikdy nepozerali, no spojenie slov sa mu veľmi páčilo. Murakami jednou sochou potešil fanúšikov erotických japonských komiksov a rozosmial ich. Zväčšený a okrem toho aj trojrozmerný hrdina anime sa mení na fetiš masovej kultúry. Táto umelecká výpoveď je celkom v duchu klasického západného pop artu (spomeňte si na nábytkovú súpravu Allena Jonesa alebo Koonsovho Ružového pantera), ale s národným nádychom.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 USD

KAWS je pseudonym amerického umelca Briana Donellyho z New Jersey. Je najmladším účastníkom nášho hodnotenia, narodený v roku 1974. Donelly začínal ako animátor v Disney (kreslil pozadie pre kreslený film „101 dalmatíncov“ a iné). O graffiti som sa zaujímal už od mladosti. Spočiatku jeho charakteristickým dizajnom bola lebka s „X“ namiesto očných jamiek. Tvorbu mladého spisovateľa si obľúbili ľudia zo šoubiznisu a ľudia z módneho priemyslu: vytvoril obal na album Kanye West, vydal spolupráce pre Nike, Comme des Garçons a Uniqlo. Postupom času sa KAWS stala známou osobnosťou súčasného umeleckého sveta. Jeho charakteristická figúrka Mickey Mouse si našla cestu do múzeí, verejných priestorov a súkromných zbierok. Raz KAWS vydal limitovanú edíciu vinylovej hračky so značkou My Plastic Heart a zrazu sa stali predmetom veľkého zberateľského záujmu. Jedným z vášnivých zberateľov týchto „hračiek“ je zakladateľ Black Star, rapper Timati: takmer kompletne zhromaždil celú sériu „Cavs Companions“.

Dielo KAWS vytvorilo rekord v umeleckom diele – 14,7 milióna dolárov – na aukcii Sotheby's v Hong Kongu 1. apríla 2019. Kedysi bol v kolekcii japonského módneho návrhára Niga. Meter canvas Album KAWS je poctou obalu slávneho albumu The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" z roku 1967. Len namiesto ľudí má Kimpsonovcov – štylizované postavičky z kresleného seriálu Simpsonovci s „X“ namiesto očí.

18. JIN SHAN Tadžická nevesta. 1983. 13,89 milióna dolárov

Medzi relatívne mladými a súčasnými čínskymi umelcami, ktorí všetci patria do takzvanej „novej vlny“ konca 80. rokov v čínskom umení, sa v našom hodnotení celkom nečakane objavil aj predstaviteľ úplne inej generácie a inej školy. Dnes už vyše 80-ročný Jin Shan (Jin Shangyi) patrí k jasným predstaviteľom prvej generácie umelcov v komunistickej Číne. Názory tejto skupiny umelcov sa formovali do značnej miery pod vplyvom najbližšieho komunistického spojenca – ZSSR.

Oficiálne sovietske umenie, socialistický realizmus, olejomaľba, ktorá bola v 50. rokoch pre Čínu (na rozdiel od tradičnej čínskej maľby tušom) ešte nezvyčajná, boli na vrchole popularity a sovietsky umelec Konstantin prišiel na tri roky na Pekinskú umeleckú univerzitu ( v rokoch 1954 až 1957) učiť Metodieviča Maksimova. Do jeho triedy sa dostal Jin Shani, ktorý bol v tom čase najmladší v skupine. Umelec si vždy s veľkou vrúcnosťou pamätal svojho učiteľa a povedal, že to bol Maksimov, ktorý ho naučil správne pochopiť a zobraziť model. K. M. Maksimov vychoval celú plejádu čínskych realistov, dnes už klasikov.

V diele Jin Shana cítiť vplyv sovietskeho „tvrdého štýlu“ aj európskej maliarskej školy. Umelec venoval veľa času štúdiu dedičstva renesancie a klasicizmu, pričom považoval za potrebné zachovať vo svojich dielach čínskeho ducha. Obraz „Tadžická nevesta“, namaľovaný v roku 1983, je považovaný za všeobecne uznávané majstrovské dielo, nový míľnik v tvorbe Jin Shana. Bola to ona, ktorá bola vystavená na aukcii China Guardian v novembri 2013 a predala sa niekoľkonásobne drahšie, ako sa odhadovalo - za 13,89 milióna dolárov vrátane provízie.

19. BANKSY Rozpadnutý parlament. 2008. 12,14 milióna dolárov

Nástenné maľby so značkou Banksy sa začali objavovať na stenách miest (najskôr v Spojenom kráľovstve a potom po celom svete) koncom 90. rokov 20. storočia. Jeho filozofické a zároveň ostré graffiti boli venované problémom útoku štátu na slobody občanov, zločinom proti životnému prostrediu, nezodpovednému konzumu, neľudskosti systému nelegálnej migrácie. Banksyho nástenné „výčitky“ si postupom času získali nebývalú mediálnu obľubu. V skutočnosti sa stal jedným z hlavných hovorcov verejnej mienky odsudzujúcej pokrytectvo štátov a korporácií, čo spôsobuje rastúcu nespravodlivosť v kapitalistickom systéme.

Význam Banksyho, zmysel pre „nerv času“ a presnosť jeho metafor ocenili nielen diváci, ale aj zberatelia. V roku 2010 sa za jeho diela dali státisíce alebo dokonca viac ako milión dolárov. Dospelo to do bodu, že Banksyho graffiti bolo rozbité a ukradnuté spolu s kúskami stien.

V ére pokročilého digitálneho sledovania sa Banksymu stále darí zostať v anonymite. Existuje verzia, že to už nie je jedna osoba, ale skupina niekoľkých umelcov, na čele ktorej stojí talentovaná žena. To by mnohé vysvetľovalo. A vonkajšia nepodobnosť spisovateľov zachytených v objektívoch kamier svedkov a neosobná šablónová metóda aplikácie (poskytuje vysokú rýchlosť a nevyžaduje priamu účasť autora) a dojemný romantizmus námetov obrazov. (gule, snehové vločky atď.). Nech je to akokoľvek, ľudia z projektu Banksy vrátane jeho asistentov vedia držať jazyk za zubami.

V roku 2019 sa najdrahším dielom Banksyho nečakane stalo štvormetrové plátno Devolved Parliament (“degradovaný”, “rozpadnutý” alebo “delegovaný” parlament). Zdá sa, že šimpanzy, ktoré sa hádajú v Dolnej snemovni, v roku škandalózneho Brexitu zosmiešňujú publikum. Je prekvapujúce, že obraz bol namaľovaný 10 rokov pred týmto historickým zlomom, a preto ho niekto považuje za prorocký. Na aukcii Sotheby's 3. októbra 2019 neznámy kupec kúpil ropu za 12 143 000 dolárov v zúrivej ponuke - šesťnásobok ceny predbežného odhadu.

20. JOHN CURREN "Sladké a jednoduché." 1999. 12,007 milióna dolárov

americký umelec John Curran (1962) známy svojimi satirickými figuratívnymi maľbami na provokatívne sexuálne a sociálne témy. Currenovej tvorbe sa darí spájať maliarske techniky starých majstrov (najmä Lucasa Cranacha staršieho a manierov) a módnu fotografiu z nablýskaných časopisov. Karren, ktorá dosahuje grotesknosť, často deformuje proporcie ľudského tela, zväčšuje alebo zmenšuje jeho jednotlivé časti, zobrazuje hrdinov v zlomených, vychýrených pózach.

Curren začal v roku 1989 portrétmi dievčat prekreslenými zo školského albumu; pokračovanie začiatkom 90. rokov s obrázkami prsnatých krások inšpirovaných fotkami z Cosmopolitanu a Playboya; v roku 1992 sa objavili portréty bohatých starších dám; a v roku 1994 sa Curren oženil so sochárkou Rachel Feinsteinovou, ktorá sa na dlhé roky stala jeho hlavnou múzou a modelkou. Koncom 90. rokov 20. storočia mu Currinova technická zdatnosť v kombinácii s gýčom a grotesknosťou jeho obrazov priniesla popularitu. V roku 2003 sa propagácie umelca ujal Larry Gagosian a ak sa taký díler ako Gagosian ujme autora, úspech je zaručený. V roku 2004 sa vo Whitney Museum konala retrospektíva Johna Currana.

Približne v tomto čase sa jeho dielo začalo predávať za šesťmiestne. Aktuálny rekord obrazu od Johna Currana patrí filmu Sweet and Simple, ktorý sa 15. novembra 2016 predal v aukčnej sieni Christie's za 12 miliónov dolárov, teraz nad 50 rokov, je to určite prielom v kariére. Jeho predchádzajúci rekord v roku 2008 bol 5,5 milióna dolárov (mimochodom zaplatené za rovnakú prácu „Cute and Simple“).

21. BRICE MARDEN Zúčastnené. 1996–1999 10,917 milióna dolárov

Ďalším žijúcim americkým abstraktným umelcom v našom rebríčku je Bryce Marden (1938). Mardenove diela v štýle minimalizmu a od konca 80. rokov - gestická maľba sa vyznačujú jedinečnou autorskou, mierne tlmenou paletou. Farebné kombinácie v Mardenových dielach sú inšpirované jeho cestami po svete – Grécko, India, Thajsko, Srí Lanka. Medzi autorov, ktorí ovplyvnili vznik Mardena patria Jackson Pollock (začiatkom 60. rokov Marden pracoval ako ochrankár v Židovskom múzeu, kde osobne pozoroval Pollockove „kvapkanie“), Alberto Giacometti (zoznámil sa s jeho tvorbou v Paríži) a Robert Rauschenberg (niektorí, kým Marden pracoval ako jeho asistent). Prvá etapa Mardenovej tvorby je venovaná klasickým minimalistickým plátnam, ktoré pozostávajú z farebných pravouhlých blokov (horizontálnych alebo vertikálnych). Na rozdiel od mnohých iných minimalistov, ktorí sa snažili o ideálnu kvalitu diel, ako keby boli vytlačené strojom, a nie nakreslené človekom, Marden si zachoval stopy umelcovej práce kombinovaním rôznych materiálov (vosk a olejové farby). Od polovice 80. rokov 20. storočia pod vplyvom orientálnej kaligrafie nahradili geometrickú abstrakciu meandrovité línie, na pozadí ktorých boli rovnaké monochromatické farebné polia. Jedno z týchto „meandrových“ diel – „The Attended“ – bolo predané v Sotheby's v novembri 2013 za 10,917 milióna dolárov vrátane provízie.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. december 1959. 10,6 milióna dolárov

23. ZHANG XIAOGANG Večná láska. 10,2 milióna dolárov

Ďalším predstaviteľom súčasného čínskeho umenia je symbolista a surrealista Zhang Xiaogang (1958). V Sotheby's Hong Kong 3. apríla 2011, kde sa predávala čínska avantgarda zo zbierky belgického baróna Guya Ullensa, triptych Zhang Xiaoganga. "Večná láska" bol predaný za $ 10,2 milióna. V tom čase to bol rekord nielen pre umelca, ale pre celé čínske súčasné umenie. Hovorí sa, že Xiaogangovo dielo kúpila miliardárova manželka Wang Wei, ktorá sa chystá otvoriť vlastné múzeum.

Zhang Xiaogang, ktorý má rád mystiku a východnú filozofiu, napísal príbeh „večnej lásky“ v troch častiach – život, smrť a znovuzrodenie. Tento triptych bol prezentovaný na ikonickej výstave Čína/avantgarda v roku 1989 v Národnom múzeu umenia. Aj v roku 1989 boli študentské demonštrácie na Námestí nebeského pokoja brutálne potlačené armádou. Po tejto tragickej udalosti sa začali uťahovať skrutky – výstava v Národnom múzeu bola rozprášená, veľa umelcov emigrovalo. V reakcii na socialistický realizmus vnucovaný zhora vznikol smer cynického realizmu, ktorého jedným z hlavných predstaviteľov bol Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezmocný Henry Moore. 1967. 9,9 milióna dolárov

americký Bruce Nauman (1941), víťaz hlavnej ceny 48. bienále v Benátkach (1999), už dávno prekonal svoj rekord. Nauman začal svoju kariéru v šesťdesiatych rokoch. Znalci ho označujú spolu s Andym Warholom a Josephom Beuysom za jednu z najvplyvnejších osobností umenia druhej polovice dvadsiateho storočia. Bohatá intelektuálnosť a absolútna nedekoratívnosť niektorých jeho diel však evidentne bránila rýchlemu uznaniu a úspechu u širokej verejnosti. Nauman často experimentuje s jazykom a objavuje neočakávané významy známych fráz. Slová sa stávajú ústrednými postavami mnohých jeho diel, vrátane neónových pseudonápisov a panelov. Nauman sám seba nazýva sochárom, hoci za posledných štyridsať rokov sa vyskúšal v úplne iných žánroch - sochárstvo, fotografia, videoart, performance, grafika. Začiatkom 90. rokov Larry Gagosian vyslovil prorocké slová: „Skutočná hodnota Naumannovej práce sa ešte len musí realizovať.“ A tak sa aj stalo: 17. mája 2001 v Christie's od Naumanna v roku 1967 "Bezmocný Henry Moore (pohľad zozadu)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) vytvoril nový rekord v segmente povojnového umenia. Odliatok Naumannových rúk zviazaných za chrbtom vyrobený zo sadry a vosku išiel pod kladivo za $ 9,9 milióna v zbierke francúzskeho magnáta Francoisa Pinaulta (podľa iných zdrojov Američanka Phyllis Wattis). Odhad práce bol len 2-3 milióny dolárov, takže výsledok bol pre všetkých skutočným prekvapením.

Pred týmto legendárnym predajom len dve Naumannove diela prekročili hranicu milióna dolárov. A za celú jeho doterajšiu aukčnú kariéru len šesť diel, okrem „Henryho Moorea ...“ išlo na sedemciferné číslo, no ich výsledky sa stále nedajú porovnať s deviatimi miliónmi.

„Helpless Henry Moore“ je jednou z Naumannových sérií polemických prác o postave Henryho Moora (1898–1986), britského umelca, ktorý bol v šesťdesiatych rokoch považovaný za jedného z najväčších sochárov 20. storočia. Mladí autori, ktorí sa ocitli v tieni uznávaného majstra, naňho potom zaútočili ostrou kritikou. Naumannova tvorba je odpoveďou na túto kritiku a zároveň zamyslením sa nad témou kreativity. Názov diela sa stáva slovnou hračkou, keďže spája dva významy anglického slova bound – zviazaný (v doslovnom zmysle) a odsúdený na určitý osud.

Pozor! Všetky materiály stránky a databáza výsledkov aukcií stránky, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov odovzdaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.

"Cesta z brezového hája v krajine" 120 x 100
Paletový nôž, olej, plátno
Konštantín Loris-Melikov

Umenie 21. storočia
— všežravec,
cynický, ironicko-sarkastický, demokratický – nazývajú západom veľkej éry.

Postmodernisti sa ocitli v situácii, keď bolo pred nimi povedané všetko. A všetko, čo musia urobiť, je použiť to, čo vytvorili, miešať štýly, vytvárať, ak nie nové, ale rozpoznateľné umenie...

najjasnejšie smery:

1. neorealizmus;


2. Minimálne umenie;


3. Postmoderna;


4. hyperrealizmus;


5. inštalácia;


6. životné prostredie;


7. Video umenie;


8. Graffiti;


9. Transavantgarda;


10. Zdobenie tela;


11. Stuckizmus;


12. neoplasticizmus;


13. Pouličné umenie;


14. Poštové umenie;


15. Žiadne umenie.

1. NEOREALIZMUS.
To je umenie povojnového Talianska, ktoré zápasilo s povojnovým pesimizmom.

Nový front umenia sa zjednotil
abstrakcionistov a realistov a trvala len 4 roky. Ale od
vyšli z nej známi umelci: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
Treccani. Živo a výrazne zobrazovali robotníkov a roľníkov.

Podobné trendy sa objavili aj v iných
krajinách, ale škola neorealizmu sa považuje za najjasnejšiu školu, ktorá
sa objavil v Amerike vďaka úsiliu muralistu Diega Riveru.

Sledujte: Renato Guttuso

fresky Diega Riveru - Prezidentský palác (Mexiko City, Mexiko).

Fragment fresky od Diega Riveru pre hotel Prado v Mexico City „Sunday Dream in Alameda Park“, 1948

2. MINIMÁLNE UMENIE.
Toto je smer avantgardy.
Používa jednoduché formuláre a vylučuje akékoľvek asociácie.

Carl Andre, 1964

Tento smer sa v USA objavil na konci
60. roky. Minimalisti označili Marcela Duchampa za svojich priamych predchodcov.
(ready-made), Piet Mondrian (neoplasticizmus) a Kazimir Malevich
(suprematizmus), jeho čierny štvorec nazvali prvým dielom
minimálne umenie.

Extrémne jednoduché a geometrické
správne zloženie - plastové boxy, kovové tyče,
šišky - boli vyrobené v priemyselných podnikoch podľa náčrtov umelcov.

Sledujte:

Diela Donalda Judda, Karla
Andre, Sola Levita — Guggenheimovo múzeum (New York, USA), Múzeum
súčasné umenie (New York, USA), Metropolitné múzeum umenia (New York,
USA).

3. POSTMODERN. Toto je dlhý zoznam nereálnych trendov konca 20. storočia.

Vanchegi Mutu. Koláž "Pohlavné orgány dospelej ženy", 2005

Pre umenie je charakteristická cyklickosť, ale
postmoderna sa stala prvým príkladom „negácie negácie“. Na začiatku
modernizmus odmietol klasiku a potom postmodernizmus odmietol modernizmus ako
predtým odmietal klasiku. Postmodernisti sa vrátili k týmto formám a
štýly, ktoré boli pred modernou, ale na vyššej úrovni.

Postmodernizmus je produktom doby
najnovšie technológie. Preto je jeho charakteristickým znakom zmes
štýly, obrázky, rôzne obdobia a subkultúry. Hlavne pre postmodernistov
citoval, obratne žongloval s citátmi.

Sledujte: Tate Gallery (Londýn,
UK), Národné múzeum moderného umenia Center Pompidou
(Paríž, Francúzsko), Guggenheimovo múzeum (New York, USA).

HYPERREALIZMUS. Umenie, ktoré napodobňuje fotografiu.

Chuck Close. "Robert", 1974

Toto umenie sa nazýva aj superrealizmus,
Fotorealizmus, radikálny realizmus alebo studený realizmus. Objavilo sa
smer v Amerike v 60. rokoch a o 10 rokov neskôr sa rozšíril v
Európe.

Hyperrealizmus, fotorealizmus, Don Eddy,

Umelci tohto smeru presne
kopírovať svet tak, ako ho vidíme na fotografii. V dielach umelcov
číta sa istá irónia nad technogénom. Umelci zobrazujú väčšinou
príbehy zo života modernej metropoly.

Richard Estes- láska k obrazu odleskov metropoly vo výkladoch obchodov, na kapote auta či kaviarenskom pulte

Sledujte:

diela Chucka Closea, Dona Eddyho, Richarda Estesa - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (New York, USA), Brooklyn Museum (USA).

5. INŠTALÁCIA.
Toto je kompozícia v galérii, ktorá môže byť vytvorená z čohokoľvek, hlavné je, že je tam podtext a myšlienka.

Fontána (Duchamp)

S najväčšou pravdepodobnosťou by nebolo
smeroch, keby to nebolo pre Duchampov ikonický pisoár. Názvy hlavného sveta
inštalatéri: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis a Kabakov.

„Jim Dine. Zo zbierky Centre Pompidou»

Hlavnou vecou inštalácie je samotný podtext a priestor, kde umelci narážajú na banálne predmety.

Sledujte:
Tate Modern (Londýn, Spojené kráľovstvo), Guggenheimovo múzeum (New York, USA).

6. ŽIVOTNÉ PROSTREDIE.

Je to umenie vytvoriť 3D kompozíciu, ktorá napodobňuje skutočný svet.

Ako smer v umení životného prostredia
sa objavil v 20. rokoch 20. storočia. Niekoľkokrát predbehol svoju dobu
desaťročia dadaistický umelec, keď verejnosti predstavil svoje
produkt "Merz-building" - trojrozmerná štruktúra rôznych objektov a
materiály, dobré na nič iné ako na rozjímanie.

Edward Kienholtz

O pol storočia neskôr sa tento žáner stal
prácu a nahradil Edwarda Kienholtza a Georga Siegela. Do svojej práce
nutne vniesli šokujúci prvok klamnej fantázie.

Sledujte:
diela Edwarda Kienholtza a Georgea Siegela
— Múzeum moderného umenia (Štokholm, Švédsko).

7. VIDEO ART.

Tento smer vznikol v poslednej tretine 20. storočia vďaka objaveniu sa prenosných videokamier.

Ide o ďalší pokus o návrat umenia
realitou, no teraz s pomocou videa a výpočtovej techniky.
Američanka Nam June Paik natočila video, ako pápež prechádza ulicami
New York a stal sa prvým videoumelcom.

Experimenty Nam June Paik ovplyvnili
televízia, hudobné videá (stál na konci kanála MTV),
počítačové efekty v kine. Dielo June Paik, Bill Viola to urobil
smer umenia je oblasťou činnosti pre experimentovanie. Dali
začiatok „videosôch“, „videoinštalácií“ a „videoopier“.

Sledujte:
video umenie od psychedelického po sociálne
(populárne v Číne, Chen-che-yen na Youtube.com)

8. GRAFFITI.

Nápisy a kresby na stenách domov, ktoré nesú odvážne posolstvo.

Prvýkrát sa objavil v 70. rokoch v severnej časti
Amerike. Galerijci jednej zo štvrtí boli spriaznení s ich vzhľadom
Manhattan. Stali sa patrónmi kreativity tých, ktorí bývali vedľa nich.
Portoričania a Jamajčania. Graffiti v sebe spájajú prvky mestského
subkultúra a etnická.

pop art génius Keith Haring

Mená z histórie graffiti: Keith Haring,
Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. neslávne známa osobnosť
Banksy je britský graffiti umelec. Vo všetkých sú pohľadnice s jeho dielami
Britské obchody so suvenírmi

Sledujte:
Graffiti Museum (New York, USA), diela od Banksyho - na bankách.co.uk.

9. TRANSAVANGARD.
Jeden z trendov postmodernej maľby. Spája minulosť, novú maľbu a expresivitu.

Dielo transavantgardného umelca Alexandra Roitburda

Autor termínu transavantgarda -
súčasný kritik Bonito Oliva. Týmto pojmom definoval kreativitu
5 jeho krajanov - Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco
Clemente, Mimmo Paladino, Nicolò de Maria. Ich prácu charakterizuje:
kombinácia klasických štýlov, nedostatok pripútanosti k národnému
škola, prostredie pre estetické potešenie a dynamiku.

Francesco Clemente v Schirn (Frankfurt)

Sledujte: Múzeum zbierky Peggy
Guggenheim (Benátky, Taliansko), Múzeum moderného umenia v Palazzo
(Benátky, Taliansko), Galéria moderného umenia (Milán, Taliansko)

10. BODY ART.

Jeden zo smerov akcionizmu. Telo funguje ako plátno.

Body art je jedným z prejavov punkovej kultúry 70. rokov.
Priamo súvisí s módou tetovania a nudizmu, ktorá sa vtedy objavila.

Živé obrazy vznikajú priamo pred nimi
divákov, nahrané na video a následne odvysielané v galérii. Bruce
Naumann zobrazujúci Duchampov pisoár v galérii. Duet Gilbert a
George sú živé sochy. Stvárnili typ priemerného Angličana.

Pozri: napríklad na stránke umelca Orlana orlan.eu.

11. STAKIZMUS.

Britské umelecké združenie figuratívnej maľby. Na rozdiel od konceptualistov.

Prvá výstava bola v Londýne v roku 2007,
ako protest proti Tate. Podľa jednej verzie protestovali v
v súvislosti s nákupom diel umelcov obchádzajúcich zákon galériou. Hluk
upozornil na zakladače v tlači. Teraz na svete sú
viac ako 120 umelcov. Ich heslom je: umelec, ktorý nekreslí, nie je umelec.

Billy Childish. Okraj lesa"

Termín stackizmus navrhol Thomson.
Umelkyňa Tracey Emin kričala na svojho priateľa Billyho
Detinské: tvoj obraz je zaseknutý, prilepený, prilepený! (Angličtina Stuck!
Zaseknutý! Stoh!)

Sledujte:
na stránke stackist stickism.com.
Diela Charlieho Thomsona a Billyho Childisha v Tate Gallery (Londýn, Spojené kráľovstvo).

12. NEOPLASTICIZMUS.
Abstraktné umenie. Priesečník kolmých čiar 3 farieb.

Ideológom smeru je Holanďan Pete

Mondrian. Považoval svet za ilúziu, takže úlohou umelca je vyčistiť
maľba zo zmyslových foriem (figuratívne) v mene estetiky
(abstraktné) formy.

Umelec to navrhol urobiť
čo najvýstižnejšie pomocou 3 farieb - modrej, červenej a
žltá. Vyplnili miesta medzi kolmými čiarami.

Piet Mondrian. Červená, žltá, modrá a čierna

Neoplasticizmus dodnes inšpiruje dizajnérov, architektov a priemyselných grafikov.

Sledujte:
diela Pieta Mondriana a Thea Vanna Doesburga v Mestskom múzeu v Haagu.

13. STREET ART.

Umenie, pre ktoré je mesto výstavou či plátnom

Cieľom pouličného umelca je okamžite zapojiť okoloidúceho do dialógu pomocou jeho inštalácie, sochy, plagátu alebo šablóny.

Mnohí veria, že v 21. storočí už nezostali žiadni umelci. V skutočnosti to však tak nie je. A v našej dobe je veľa talentovaných a slávnych umelcov, ktorých práca sa zobrazuje na výstavách, ktoré zarábajú veľké peniaze. Nižšie je uvedený zoznam 20 najznámejších a dobre zarábajúcich umelcov, ktorí sú aktívni v tvorivej práci nielen v Rusku.

Ruský umelec Alexander Ivanov, narodený v roku 1962, je známy najmä vďaka svojmu dielu s názvom Láska, ktoré bolo namaľované v roku 1996 a predalo sa za takmer 100 000 rubľov. Jeho štýl je abstrakcionizmus. Je tiež podnikateľom, zaoberá sa zberateľskou činnosťou, otvoril Faberge Museum v Nemecku, v Baden-Badene.

Olga Bulgakova je jednou z mála talentovaných a slávnych umelcov v Rusku, narodila sa v roku 1951 a je členkou Ruskej akadémie umení ako člen korešpondentov. Predstaviteľ takého pohybu maľby Brežnevovej éry, ktorý sa nazýva "karneval". Jej najznámejším dielom je Sen červeného vtáka, napísaný v roku 1988.

Ruský umelec Michail Brusilovsky, ktorý pracuje pod pseudonymom Misha Shayevich, je zahrnutý v tomto hodnotení a zaujíma 18. miesto. Tento svetoznámy umelec

Talentovaný ruský umelec Lev Tabenkin sa narodil v roku 1952 v ruskom hlavnom meste Moskve. Tento maliar vidí obraz ako sochár. Pocit, že jeho napísané postavy sú formované z hliny. Jedným z Leových najznámejších obrazov je „Jazzový orchester“ namaľovaný v roku 2004. Predal sa za 117 650 rubľov.

Projekt AES + F pozostáva zo štyroch ľudí, v skutočnosti sa názov skladá z počiatočných písmen mien účastníkov: Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeny Svyatsky, Vladimir Fridnes. Kreativita tejto spoločnosti sa vyznačuje veľmi dobrou prezentáciou ešte v deväťdesiatych rokoch a bola ocenená len v dvoch tisíckach. Teraz z väčšej časti vytvárajú veľké animované nástenné maľby, ktoré sa vysielajú na desiatkach obrazoviek. Jedno z najznámejších diel tejto spoločnosti: "Warrior 4".

Ruský umelec Sergej Volkov sa narodil v Petrozavodsku v roku 1956. Jeho diela sú charakteristické tým, že tvoril v období perestrojkového umenia. Obrazy sú písané veľmi expresívne, kde sú badateľné veľmi premyslené výroky a ideológia. Jeho najznámejším obrazom je Dvojité videnie. Triptych“.

Umelci Alexander Vinogradov a Vladimir Dubossarsky sa narodili v Moskve v rokoch 1963 a 1964. Začali spolupracovať v roku 1994, keď sa stretli na festivale a vytvorili nezvyčajný a grandiózny projekt. Originálny projekt si získal rešpekt mnohých zberateľov. Ich obrazy visia na takých známych miestach, ako je Treťjakovská galéria, Ruské múzeum a dokonca aj Pompidouovo centrum. Sami sú tvorcami galérie Art-Strelka a organizátormi festivalu Art-Klyazma.

Do zoznamu najlepšie platených a slávnych umelcov sa dostal aj ruský umelec Vladimir Yankilevsky. Narodil sa v Moskve v roku 1938. Vladimírov otec bol tiež umelcom a syn po ňom zdedil povolanie. Vladimír pracuje v štýle surrealizmu - umenia s paradoxnými kombináciami. Ešte v roku 1970 namaľoval jeden z najznámejších obrazov s názvom Triptych 10. Anatómia duše II.

Umelec Vladimir Nemukhin sa narodil v roku 1925 v malej dedinke Priluki, ktorá sa nachádza v Moskovskej oblasti. Bol účastníkom mnohých zahraničných výstav v Európe. V deväťdesiatych rokoch žil a pôsobil v Nemecku, no v roku 2005 sa presťahoval do Ruska. Jeho tvorbu charakterizuje trojrozmerná kompozícia, prítomnosť protireliéfu a rôzne prierezové motívy, napríklad balíček kariet.

Umelec s nezvyčajným menom, syn španielskeho politického emigranta, sa narodil v roku 1943 v malej dedinke Vasilievka v regióne Samara. Bol organizátorom skupiny umelcov "Argo", členom Moskovskej únie umelcov. Francisco bol tiež obdarený štátnou cenou za úspechy v oblasti výtvarného umenia. Umelec je aktívny v tvorivej práci v Rusku aj v zahraničí.

Umelec Alexander Melamed býval jedným z členov veľmi známeho tvorivého dua Komarov-Melamed, ktoré sa však v roku 2003 rozpadlo, potom začali fungovať oddelene. Sídlom od roku 1978 je New York. Väčšinu slávnych diel napísal spolu s Vitalijom Komarom, spolu vytvorili aj hnutie Sots Art a boli organizátormi výstavy buldozérov.

Tento ruský umelec, známy ako jeden zo zakladateľov moskovského konceptualizmu, sa narodil v Moskve v roku 1937, kde vyštudoval Polygrafický inštitút. Podľa samotného Viktora Pivovarova jeho prvé dielo vzniklo vo veku piatich rokov. Je tiež predstaviteľom „neoficiálneho“ umenia. Jeho obrazy sa nachádzajú v jednom z najznámejších a najväčších výstavných centier: Ruské múzeum, Treťjakovská galéria, Puškinovo múzeum im. A. S. Puškin.

Tento umelec sa narodil v roku 1934 v Tbilisi. Je jedným z najjasnejších predstaviteľov monumentálnej maľby. Zurab je známy svojou prácou v podobe pamätníka Petra I., ktorý sa nachádza v Moskve, ako aj pamätníka, ktorý sa nachádza pred budovou OSN v New Yorku. Zurab je prezidentom Ruskej umeleckej akadémie, ktorá prevádzkuje vlastné múzeum-galériu. Výtvory tohto umelca sú známe nielen v Rusku, ale na celom svete.

Ruský umelec Oscar Rabin je známy tým, že bol organizátorom výstavy Buldor v roku 1974 a o štyri roky neskôr bol zbavený sovietskeho občianstva. Stal sa populárnym aj ako jeden z prvých umelcov zapojených do súkromného predaja obrazov v Sovietskom zväze. V súčasnosti je jeho trvalým pobytom a prácou Paríž. Jeho obrazy sú vo veľkých múzeách a výstavných centrách: Moskovské múzeum moderného umenia, Treťjakovská galéria, Ruské múzeum a ďalšie.

Ruský umelec Oleg Tselkov je známy ako umelec, ktorý začal hlavné tvorivé hnutie v šesťdesiatych rokoch 20. storočia, pričom vo svojich obrazoch vykazoval veľmi drsné a ostré črty, vrátane zobrazovania ľudí, ktorí vyzerajú ako hlinené postavy. Od roku 1977 pokračuje Oleg vo svojej tvorivej ceste v Paríži. Jeho obrazy sa nachádzajú v takýchto výstavných centrách: Ruské múzeum, Treťjakovská galéria, Ermitáž. Jedným z najznámejších obrazov je „Chlapec s balónmi“, namaľovaný v roku 1954.

Ruský umelec Grigory Bruskin, alebo Grisha, narodený v Moskve v roku 1934, je od roku 1969 členom Zväzu umelcov. Najväčšiu slávu si získal vďaka veľkej aukcii Sotheby's, kde predal svoje dielo pod názvom „Fundamental Lexicon“ za najvyššiu cenu, ktorá bola rekordná. Momentálne žije a tvorí v New Yorku a Moskve, preto ho nazývajú aj americkým umelcom.

Tento ruský umelec sa vyznačuje tým, že presne zobrazuje realistické veci. Jeho skutočná tvorivá činnosť sa začala od chvíle, keď v roku 1985 vystavovaním v Malaya Gruzinskaya získal pozornosť a uznanie zberateľov z New Yorku. Odvtedy boli jeho diela vystavené v mnohých krajinách Európy, sú na výstavných centrách v Amerike, Nemecku a Poľsku. Teraz žije a vedie tvorivú činnosť v Moskve.

Tento duet, bohužiaľ, trval až do roku 2003, ale bol obrovským úspechom. Dvaja ruskí umelci sa dostali na popredné miesto vytvorením hnutia Sots Art, ktoré je odnožou neoficiálneho umenia. Bola to akási reakcia na vznik pop-artu na Západe. Plátna s dielami týchto umelcov sú vo veľkých múzeách vrátane Louvru.

Ruský umelec je známy tým, že vo svojej tvorbe dokáže skĺbiť maľbu aj text, neskôr sa to začalo volať Sots Art. Počas sovietskeho obdobia bol populárny ako ilustrátor detských kníh. Nejaký čas žil v New Yorku, potom v Paríži. Bol prvým umelcom, ktorý usporiadal výstavu v Centre Pompidou. Jeho tvorivé diela sú v Treťjakovskej galérii, Ruskom múzeu, Centre Pompidou.

Tento najtalentovanejší ruský umelec, ktorý pracuje v tandeme so svojou manželkou Emíliou, možno považovať za hlavného umelca krajiny, zakladateľa moskovského konceptualizmu. Narodil sa v Dnepropetrovsku v roku 1933, no od roku 1988 sa jeho bydliskom stal New York. Jeho diela možno vidieť v Ermitáži, Treťjakovskej galérii a Ruskom múzeu. Ilya dostal cenu japonského cisára a dve jeho diela s názvom „Chrobák“ a „Luxus“ sú najdrahšie obrazy.