Povratak razmetni sin, U REDU. 1666-69

Povratak izgubljenog sina poznata je Rembrandtova slika temeljena na zapletu novozavjetne parabole o izgubljenom sinu.

Neki je čovjek imao dva sina; a najmlađi od njih reče ocu: Oče! daj mi dio imanja do mene. I otac im je podijelio imanje. Nakon nekoliko dana, najmlađi sin, pokupivši sve, ode u daleku zemlju i ondje rasipa svoj imetak, živeći razvratno. Kad je sve poživio, u toj je zemlji nastupila velika glad i počeo je oskudijevati; i on je otišao i pridružio se jednom od stanovnika te zemlje, a on ga je poslao u svoja polja da hrani svinje; i rado mu je bio napuniti trbuh rogovima koje su jele svinje, ali mu nitko nije dao. Kad je došao k sebi, reče: koliko najamnika od mog oca ima kruha dosta, a ja umirem od gladi; Ustat ću, otići ću svome ocu i reći mu: Oče! Sagriješio sam protiv neba i pred tobom i nisam više dostojan zvati se tvojim sinom; prihvati me kao jednog od svojih najamnika.
Ustao je i otišao ocu. I dok je još bio daleko, ugleda ga njegov otac i sažali mu se; i, trčeći, pade mu za vrat i poljubi ga. Sin mu reče: Oče! Sagriješio sam protiv neba i pred tobom i nisam više dostojan zvati se tvojim sinom. I reče otac svojim slugama: Donesite najbolju odjeću i obucite ga, i stavite mu prsten na ruku i cipele na noge; i dovedi ugojeno tele i zakolji ga; Jedimo i veselimo se! jer ovaj moj sin bijaše mrtav i oživje; izgubljen je bio i pronađen je. I počeli su se zabavljati.
Njegov najstariji sin bio je u polju; i vraćajući se, kad se približio kući, čuo je pjevanje i veselje; i dozvavši jednoga od slugu upita: što je ovo? Reče mu: Brat ti je došao, a otac ti je zaklao ugojeno tele, jer ga je zdrava primio. Naljutio se i nije htio ući. Otac je izašao i pozvao ga. Ali on reče ocu svome: evo, ja sam te toliko godina služio i nikada nisam prestupio tvoje naredbe, ali ti mi nikad nisi dao ni jare da se s prijateljima zabavim; a kad je došao ovaj tvoj sin, koji je svoje imanje rasipao s bludnicama, ti si mu zaklao ugojeno tele. Reče mu: Sine moj! ti si uvijek sa mnom, i sve što je moje, tvoje je, i trebalo je radovati se i veseliti što je ovaj tvoj brat mrtav i opet živ, izgubljen i nađen.

Luka 15,11-32

Zaplet slike

Slika prikazuje posljednju epizodu prispodobe, kada se izgubljeni sin vraća kući, „i dok je još bio daleko, ugleda ga njegov otac i sažali se; i, trčeći, pade mu na vrat i poljubi ga, ”a njegov stariji pravedni brat, koji je ostao s ocem, razljuti se i ne htjede ući.

Opis

Ovo je najveća Rembrandtova slika na vjersku temu. Za razliku od svojih prethodnika Durera i Luke Leidenskog, koji su rasipnog sina prikazivali na gozbi ili u raskalašenom društvu ili sa svinjama, Rembrandt se usredotočio na bit parabole - susret oca i sina i oprost.

Na malom prostoru ispred kuće okupilo se nekoliko ljudi. Na lijevoj strani slike prikazan je izgubljeni sin koji kleči, leđima okrenut promatraču. Lice mu se ne vidi, glava je ispisana u profilu perdu. Otac nježno dodiruje sinova ramena, grleći ga. Slika je klasičan primjer kompozicije u kojoj je glavna stvar snažno pomaknuta od središnje osi slike radi najtočnijeg otkrivanja glavne ideje djela. “Rembrandt svjetlom ističe ono glavno na slici, fokusirajući našu pažnju na to. Kompozicijski centar nalazi se gotovo na rubu slike. Umjetnik uravnotežuje kompoziciju likom najstarijeg sina koji stoji s desne strane. Postavljanje glavnog semantičkog središta na jednu trećinu udaljenosti u visinu odgovara zakonu zlatnog presjeka, koji su od davnina koristili umjetnici za postizanje najveće ekspresivnosti svojih kreacija.

Obrijana kao kažnjenik, glava izgubljenog sina i njegova pohabana odjeća svjedoče o padu. Ovratnik čuva tračak nekadašnjeg luksuza. Cipele su iznošene, a dirljiv detalj - jedna je pala kada je sin kleknuo. U dubini se naslućuje trijem i iza njega očinska kuća. Glavne figure majstor je smjestio na spoj slikovnog i realnog prostora (kasnije je platno postavljeno na dno, ali je prema autorovoj namjeri njegov donji rub prolazio u razini nožnih prstiju sina koji kleči). “Dubina prostora dočarana je dosljednim slabljenjem svjetla i sjene te kontrastima boja, počevši od prvog plana. Zapravo, grade ga likovi svjedoka prizora oprosta koji se postupno rastapaju u sumraku. “Imamo decentraliziranu kompoziciju s glavnom grupom (čvorom događaja) s lijeve strane i cezurom koja je odvaja od grupe svjedoka događaja s desne strane. Događaj izaziva različite reakcije sudionika scene. Radnja je izgrađena prema kompozicijskoj shemi "odgovor".

Sporedni likovi

Osim oca i sina, na slici su prikazana još 4 lika. Riječ je o tamnim siluetama koje se teško razlikuju na tamnoj pozadini, no tko su one ostaje misterij. Neki su ih prozvali "braćom i sestrama" protagonista. Karakteristično je da Rembrandt izbjegava sukob: parabola govori o ljubomori poslušnog sina, a harmonija slike ni na koji način nije narušena.

Zaposlenica Ermitaža Irina Linnik smatra da Rembrandtova slika ima prototip u drvorezu Cornelisa Antonisena (1541.), na kojem su također prikazani klečeći sin i otac okruženi figurama. Ali na gravuri su ispisani ovi likovi - Vjera, Nada, Ljubav, Pokajanje i Istina. Na nebu, gravura na grčkom, hebrejskom i latinskom kaže "Bog". Rentgenska snimka platna Ermitaža pokazala je početnu sličnost Rembrandtove slike s detaljima spomenute gravure. Međutim, izravna analogija se ne može povući - slika ima samo nejasnu sličnost s jednom od Antonissenovih alegorija (najudaljenijom i gotovo nestajućom u mraku), koja podsjeća na alegoriju Ljubavi, a osim toga ima crveno srce u obliku medaljon. Možda je ovo slika majke izgubljenog sina.

Dvije figure u pozadini, smještene u središtu (očigledno, ženska, možda sluškinja ili neka druga personificirana alegorija; i muška) teže je pogoditi. Sjedeći mladić s brkovima, ako pratite zaplet prispodobe, može biti drugi, poslušni brat. Postoje spekulacije da je drugi brat zapravo prethodni "ženski" lik koji grli kolonu. I, možda, ovo nije samo stup - oblikom podsjeća na stup jeruzalemskog hrama i može dobro simbolizirati stup Zakona, a činjenica da se iza njega skriva pravedni brat dobiva simboličan zvuk.

Pažnju istraživača privlači lik posljednjeg svjedoka koji se nalazi na desnoj strani slike. Igra važnu ulogu u skladbi i napisana je gotovo jednako živopisno kao i glavna likovi. Njegovo lice izražava sućut, a putnički ogrtač na njemu i štap u njegovim rukama sugeriraju da je on, poput izgubljenog sina, usamljeni lutalica. Izraelska istraživačica Galina Lyuban vjeruje da je ova slika povezana s likom Lutajućeg Židova. Prema drugim pretpostavkama, on je najstariji sin, što se ne poklapa s dobnim karakteristikama novozavjetnog lika, iako je također bradat i odjeven poput oca. Međutim, ova bogata odjeća također je opovrgavanje verzije, jer je prema Evanđelju, čuvši za povratak svog brata, pobjegao ravno s polja, gdje je, najvjerojatnije, bio u radnoj odjeći. Neki istraživači u ovoj slici vide autoportret samog Rembrandta.

Postoji i verzija da su dvije figure na desnoj strani slike: mladić u beretki i muškarac koji stoji isti otac i sin koji su prikazani na drugoj polovici, ali tek prije nego što izgubljeni sin napusti kuću prema veselju. Dakle, platno, kao da kombinira dva kronološka plana. Izraženo je mišljenje da su ova dva lika slika carinika i farizeja iz evanđeoske parabole.

U profilu, u obliku plitkog reljefa s desne strane svjedoka koji stoji, prikazan je svirač koji svira flautu. Njegov lik, možda, podsjeća na glazbu, koja će za nekoliko trenutaka ispuniti očinsku kuću zvucima radosti.

Okolnosti nastanka

Ovo nije jedini umjetnikov rad na ovu temu, iako je stvarao djela drugačije kompozicije. Godine 1636. izradio je bakropis, a 1642. crtež (Teyler Museum u Haarlemu).

Godine 1635. stvorio je sliku "Autoportret sa Saskijom na koljenima", odražavajući epizodu legende o izgubljenom sinu koji je rasipao očevo nasljedstvo.

Okolnosti pisanja platna su misteriozne. Vjeruje se da je napisana u posljednjoj godini umjetnikova života. Promjene i korekcije izvornog dizajna slike, vidljive na rendgenskim snimkama, svjedoče o autentičnosti platna.

Međutim, tradicionalno datiranje 1668.-1669. neki smatraju kontroverznim. Povjesničari umjetnosti G. Gerson i I. Linnik predložili su da se slika datira u 1661. ili 1663. godinu.

U 17. stoljeću radnja temeljena na Bibliji bila je vrlo popularna među umjetnicima tog vremena. Konkretno, majstori kista tada su pokušali na svojim platnima prikazati zaplet povratka izgubljenog sina. Ona priča da je nesretni sin uzeo dio očevog nasljedstva, počeo hodati i ponašati se na najbolji način. Nakon što ga je svladalo pijanstvo, veselje, morao je postati svinjar, kao rezultat toga, nezrela duša nije mogla izdržati sve kušnje koje su pale na njegovu sudbinu, mladić se morao vratiti svom ocu. Prirodno najviše voljena osoba prihvatila, nije mogla suspregnuti suze.

Glavna ideja slike

Platno je vrlo tamno. Ponekad čak i ne prvi put možete razlikovati lica nekih likova na slici. Radnja se odvija ispred bogate kuće, gdje su se upravo sin i otac sreli nakon duge razdvojenosti. Okupila se cijela obitelj da vidi kako će proći ovaj dugo očekivani susret za oca. On je slijep, ali se i pored svoje bolesti pokazao iznenađujuće pronicljivim, a srce mu je ispunjeno dobrotom i ljubavlju. Platno je tamno, čak malo uglato, ali, unatoč tome, ovdje se nazire unutarnje svjetlo koje postupno prodire u dušu i čisti je.

Heroji slike

Zanimljivo je da se dva glavna lika, otac i sin, ne nalaze u središtu slike. Na taj način možete bolje vidjeti glavnu ideju. Rembrandt je iznenađujuće uspio preusmjeriti pozornost na glavne likove ne tako što ih je smjestio na platno, već zahvaljujući svjetlu koje jasno pokazuje tko je točno ovdje u prvom planu.

Izgubljeni sin je prikazan obrijane glave i to nije slučajnost. Činjenica je da su u to vrijeme samo osuđenici hodali u ovom obliku, pa postaje jasno da je mladić na najnižoj stepenici društvene ljestvice. Ovratnik govori o luksuzu u kojem je nekada živio.

Svaka slika na slici govori o nečemu. Dakle, slika starijeg brata simbolizira savjest, a slika majke - bezgranično majčinska ljubav. Neki kažu da sama slika sugerira ponovno rođenje umjetnikovih slika. Postoje još 4 figure, skrivene su u mraku.

Rembrandt je napravio tako da simboliziraju:

• Vjera;
• Pokajanje;
• nada;
• istina;
• Ljubav.

Slika se smatra putem do pročišćenja, do usavršavanja čovjeka i do njegove samospoznaje. To proizlazi iz činjenice da autor platna nikada nije smatran pobožnom osobom, zbog čega samo središte slike mnogi smatraju odrazom Rembrandtove duše. On nije sudionik, on je promatrač.

Slični članci

Fjodor Vasiljev, živio predugo kratkog vijeka, sa samo 22 godine. Ali običan čovjek ne bi mogao cijelo stoljeće učiniti ono što je ovaj dječak učinio u tako kratkom razdoblju na zemlji. fenomenalan talent, neobične sposobnosti i ljubav...

U drugoj polovici 1650-ih Rembrandt je doživio niz neuspjeha. Upropastili su ga brojni dugovi, slike nisu donosile gotovo nikakav prihod. Proglasivši bankrot, umjetnik je prodao svu svoju imovinu i preselio se u Amsterdam. Ostao je bez svoje zbirke prekrasnih umjetničkih predmeta, bez svoje vjerne i voljene supruge Hendrikje, koja je umrla izopćena zbog izvanbračne veze s Rembrandtom, njegov sin Titus obolio je od konzumacije, a njegova snaha umrla je od očaja. Bolestan, poluslijep, napušten od svih, nesposoban držati kist u ruci pa ga zato veže koncem, umjetnik ispisuje svoje posljednje remek-djelo.

Rembrandtova slika "Povratak izgubljenog sina" nastala je neposredno prije slikareve smrti 1669. godine. Prikazuje završni zaplet evanđeoske prispodobe: najmlađi sin, koji je jednom napustio očevu kuću, vratio se pun pokajanja. Padajući na koljena pred starim ocem, ukopao se u koljena, nadajući se oproštenju. Glava tereta je obrijana na ćelavo, odjeća više liči na prosjačke dronjke, cipele su izgažene - cijeli izgled lutalice sugerira da je imao priliku vidjeti mnogo i proći kroz razne kušnje.

Otac, pomno naslikan u Rembrandtovom Povratku izgubljenog sina, sagnuo je glavu nad nesretnikom, kao da sluša njegov šapat. Sagnuo se nad sina, stavivši mu ruke na ramena; starčevo lice izražava osjećaj tužne radosti i oprosta. Ova dva lika - otac i sin - kao da su postali jedno, stapajući se u zagrljaj. Jarko svjetlo pada na njih i na lik najstarijeg sina, koji stoji podalje i s blagom tugom gleda na ovaj prizor. Za Rembrandta su ova tri lika imala svoje značenje: kroz Povratak izgubljenog sina, on priča priču vlastiti život ispunjen burnim strastima, traženjima, patnjom i nadom.

Umjetnik se više puta pozivao na ovu parabolu. U ranim skicama slikar se na različite načine poigravao s ovim zapletom, bilo da je razotkrivao duhovne porive svog sina, bilo da je prikazivao čuđenje starog oca, izazvano neočekivani sastanak. U najnovijoj verziji Rembrandtova Povratka izgubljenog sina naglasak je na liku oca koji zrači ljubavlju i oprostom. Likovni kritičari vjeruju da tri glavna lika slike simboliziraju samog umjetnika u različitim godinama njegova života.

Prikazan na platnu sporedni likovi kao da izranja iz sjene. Pored starijeg brata vidimo bogato odjevenog muškarca s beretkom, koji sjedi prekriženih nogu i sa zanimanjem promatra što se događa - pretpostavlja se da je riječ o drugom bratu. U pozadini su vidljive suptilne figure koje mogu biti sluge gospodara.

Godine 1766. Rembrandtov Povratak izgubljenog sina od vojvode de Cadrusa kupio je princ Golitsyn, koji je bio u Katarinino ime. Slika je smještena u Ermitaž, gdje se nalazi do danas.

U 17. stoljeću biblijska parabola o izgubljenom sinu stekla je popularnost u Europi. Za njega raste interes brojnih stvaratelja svjetske kulture. U to vrijeme slika postaje odgovor na poznati zaplet. nizozemski umjetnik H. Rembrandt "Povratak izgubljenog sina".

Slika je složena i zanimljiva. Ali zbog čega je autor djela uspio postići tako veliku pozornost javnosti? Prvo, morate pažljivo pogledati likove. Na slici je jasno prikazana imućna plemićka obitelj, što se može vidjeti po odjeći i ukrasima koje nosi majka koja viri iza stupa, najstariji sin stoji s desne strane, a otac pozdravlja sina koji se vratio. Također u sobi u pozadini možete promatrati zainteresirane sluge. No, predmetom sveopćeg divljenja nije bio nakit. Svi šutke, s prijekorom, a ujedno i snishodljivo, gledaju najmlađeg sina, koji je jednom otišao rodni dom gdje je živio bezbrižnim životom. A sve zbog činjenice da se nije želio pomiriti s očevim naredbama.

Gledajući izgubljenog sina, može se shvatiti da je izdržao mnoge životne nedaće prije nego što se vratio kući. Sigurno je vidio svu prljavštinu ovoga svijeta, sve poroke. I samo on zna kako mu se duša promijenila. Mladić je obrijan na ćelavo. Kao što znate, osuđenici su u to vrijeme bili ćelavi. Pohabana odjeća ukazuje na to da je on sam za nju zaradio radeći ropski rad. Cipele su mu izlizane tako da se vide rupe. Jedna noga je bila bosa, najvjerojatnije je spala čizma, kada je sin žurno pao na koljena pred ocem tražeći oprost. Čitav njegov izgled ukazuje na to, nakon što je napustio očevu kuću u potrazi za bolji život, progledao je, shvatio težak posao obični ljudi iskusio glad, bol, patnju. Izgubljeni sin je shvatio svoju pogrešku i učinio ono što mnogi nisu mogli. Priznao je krivnju i zamolio za oprost.

Pa ipak, glavni lik slike je otac, jer na njemu leži težak teret. Cijeli lik oca odražava ljubav, suosjećanje i oprost.

Rembrandtovo slikarstvo puno je nade, duhovne čistoće i žaljenja. Odražavajući sve to na platnu, autor daje gledatelju do znanja da oprost pronalaze oni koji iskreno vjeruju u pokajanje, koji vole.

6., 7., 11. razred

Sada čitaju:

Živim u gradu, pa sam gradski čovjek. Gradski čovjek, stalno lebdi u oblacima, ne primjećuje što se događa, neozbiljan je, tajnovit. Za oblačnog vremena bolje je sjediti kod kuće nego izaći vani po kiši. gradski čovjek

• Kompozicija Žilina i Dina u priči Tolstoja Kavkaskog zarobljenika 5. razred
• Kompozicija Zhilin i Kostylin - Različite sudbine 5. razred
• Kompozicija Duhovita priča o slučaju iz života 5. razred

  Jednom mi se dogodila nevjerojatna stvar. smiješna priča. Cijela naša obitelj došla je na ljeto na selo. Tata i ja smo išli u ribolov. Nismo morali ići daleko, jer je rijeka bila odmah iza vrta.

• Kompozicija prema slici Dječak sa psom Bartolome Murillo 3. razred

  Murillo je seviljski umjetnik koji je gotovo sav svoj rad posvetio slikanju portreta. Zato su često na njegovim slikama prikazivani jednostavni momci koji se igraju u dvorištu i trče iz jednog ugla dvorišta.

• Kompozicija prema slici Vasnetsova Vitez na raskrižju 6, 7. razred

  Slika Vitez na raskrižju umjetnika V. M. Vasnetsova jedna je od najpoznatijih slika ovog umjetnika. Slika je nastala 1882. godine.

A. Demkin
Slika "Povratak izgubljenog sina" kao ogledalo života Rembrandta Harmensza van Rijna.

© 2010-2011, Andrey Demkin, St. Petersburg.
Ponovno tiskanje ili druga potpuna ili djelomična reprodukcija materijala dopuštena je samo uz pisano dopuštenje autora.

Slikarstvo je jedan od najsloženijih i najljepših oblika umjetnosti. Ništa ne može tako trenutno, u trenu, promijeniti čovjekovo raspoloženje, udaljiti ga od dnevne vreve, kao samo pogled bačen na slikovit krajolik ili žanr-scena. Samo jedan pogled - i dah vam je već ispunjen svježim planinskim zrakom ili mirisom jorgovana. Samo jedan pogled - i čujete škripu jarbola, lepršanje jedara i osjetite uljasti miris palube broda. Samo nekoliko trenutaka - i vaša je duša iznenada oslobođena tereta problema i briga, koji se pokazuju zanemarivi na pozadini slikovitog platna. Zadržavši se pred njim sekundu ili čak minutu, odjednom počnete osjećati novi prekrasan okus na svojim usnama - ovo platno vam je dalo čaroban poljubac ljepote, upravo one koja vas trenutno ispunjava iznutra i tjera da se prisjetite ljepota neba, veličina starog hrasta i lijepa naivnost mladosti.
U slikovitoj se slici krije Cijeli svijet stvorio umjetnik. To može biti nešto apstraktno, na prvi pogled, nema analoga u običnom svakodnevnom životu. To također može biti potpuno realan prikaz poznatog vam kutka zemlje. Mogla bi to biti i mrtva priroda. U svakom slučaju, sve su te slike kroz nevjerojatan prelom kroz dušu umjetnika dobile svoj jedinstveni sjaj, bilo okusa, mirisa ili zvuka - ovisno o tome kako sliku percipirate. Za mnoge, po prikladan izraz Peterburški umjetnik Vladimir Gruzdev, slikarstvo je "onaj idealni sugovornik koji će vam, zaboravivši sve riječi, pomoći da postanete ono što jeste".

Kako se to događa? Refrakcija subjekta slike dušom umjetnika ima doista magičan učinak na gledatelja. Slika djeluje kao svojevrsni posrednik, „magični kristal“, koncentrirajući i kodirajući umjetnikova iskustva i osjećaje te svoju poruku prenosi onima koji su je u stanju svjesno ili nesvjesno percipirati od umjetnika (što, napominjem, uopće ne znači "razumjeti"). Takva "produhovljena" slika ima kompleksan višerazinski učinak na osobu. Gledatelj može osjetiti utjecaj cijele slike stvorene na platnu ili samo njezinog dijela. Gledatelj može uočiti izdvojeno – drugo imaginarno značenje, koje uopće ne proizlazi iz stvarnog sadržaja umjetničkog djela. I konačno, gledatelj može biti pod dojmom unutarnjih slika, rođenih u dubinama njegove podsvijesti, koje nisu povezane ni sa stvarnim ni sa imaginarnim simboličkim značenjem slike. Na svjesnoj razini percepcije gledatelj elemente djela ne “registrira” samo u svom umu, već ih prepoznaje, shvaća u skladu sa svojim intelektualnim sposobnostima i reagira, dajući emocionalno obojenu ocjenu značajnih modela. od strukture slike. Umjetnik i teoretičar umjetnosti Vasilij Kandinski pisao je o posebnoj vrsti utjecaja na promatrača emocija umjetnikove duše, čije "vibracije" izazivaju odgovarajuću mentalnu vibraciju gledatelja. Takav utjecaj slike izaziva složenu reakciju čovjeka na razini psihe, fiziologije, ponašanja pa i osobnosti koja se naziva "estetska reakcija". U svom okviru kontakt sa slikom može dovesti do osvještavanja i rješavanja unutarnjih sukoba, pokrenuti mehanizme osobne transformacije, povećati osobne mogućnosti i dati čovjeku nove motive za djelovanje ili samo život.

Velika važnost u oblikovanju estetske reakcije mogu imati skrivene informacijske slojeve koje je umjetnik nesvjesno ugradio u svoje slikovno djelo, a koje gledatelj može percipirati na izvansvjesnoj razini. Takva skrivena vizualno-informacijska ulaganja, koja su simbolički odraz dominantnih svjesnih ili nesvjesnih doživljaja umjetnika tijekom stvaranja slike, nazivaju se "vizualnim arhetipovima" ili "prototipovima". U nekim uspješnim slučajevima, pri analizi slike, takav skriveni prototip može biti dostupan vizualnoj percepciji uz pomoć posebne obrade slike u grafičkom uređivaču, koristeći ideje o fiziologiji ljudskog vida.

Vrlo zanimljiv primjer slike koja sadrži snažan "skriveni" prototip je poznata Rembrandtova slika "Povratak izgubljenog sina", pohranjena u Državni Ermitaž. U njemu sadržaj prototipa, koji je umjetnik na nesvjesnoj razini ugradio u sliku, potvrđuje skrivenu sliku, identičnu značenju, koju je umjetnik posve svjesno postavio na platno.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn rođen je u Leidenu 15. srpnja 1606. u obitelji mlinara i živio je u Nizozemskoj sve svoje 63 godine. Kada je Rembrandtu bilo četrnaest godina, završio je latinsku školu, a njegov otac - Harmens Herritz van Rijn poslao ga je na Sveučilište u Leidenu da studira pravo.
Međutim, nakon nekoliko mjeseci učenja, mladić je shvatio da ne radi svoj posao i otišao je kao šegrt kod umjetnika Jacoba van Swanenburga. Umjetnik je naučio Rembrandta osnovama crtanja i slikanja, upoznao ga s poviješću umjetnosti. Rembrandt se, nakon tri godine studija kod van Swanenburga, preselio u Amsterdam 1623. i postao šegrt slikara Pietera Lastmana. Posjedujući prirodni umjetnički talent, Rembrandt je brzo nadmašio svog učitelja u vještini.
Samo šest mjeseci kasnije vratio se u Leiden, te otvorio umjetničku radionicu nedaleko od radionice svog prijatelja Jana Lievensa. Ubrzo se u njemu pojavljuju prvi učenici.

Već krajem 1631. Rembrandt poznati slikar portreta i autor povijesne slike preselio u Amsterdam. Jedan od njegovih debitantskih radova u Amsterdamu je slika "Lekcija anatomije dr. N. Tulpa" (1632., Haag, Mauritshuis). Ovo je djelo izazvalo veliko zanimanje i Rembrandt je ubrzo postao jedan od modernih mladih portretista u Amsterdamu. Izvodio je po narudžbi povijesne i biblijske slike i slikao portrete bogatih građana, njihovih žena i djece. U portretnim djelima savršeno se otkrivao psihološko stanječovjeka, što je također pridonijelo njegovoj popularnosti. Rastući prihodi od slikanja kasnije su mu omogućili čak i da se počne baviti kolekcionarstvom, što se s vremenom pretvorilo u strast. U lipnju 1634. Rembrandt se oženio Saskiom van Uylenburg, kćeri pokojnog gradonačelnika Leeuwardena i rođakinjom uspješnog trgovca umjetninama Hendrika van Uylenburga, čiji je bio član akademije. Nove obiteljske veze pomogle su da se dobiju dobre narudžbe. Saskia je dobila pristojno nasljedstvo, za koje je par kupio veliku kuću, gdje je Rembrandt postavio svoj studio.

Do kraja 1930-ih Rembrandt je bio popularan i visoko plaćeni slikar, s oko 60 naručenih radova i 15 studenata. No, što je umjetnik predstavljao kao osoba? Suvremenici su o Rembrandtu govorili kao o čovjeku pretjeranog ponosa i složenog karaktera: svadljivom, sebičnom i arogantnom, sposobnom za izdaju i vrlo osvetoljubivom, koji je pribjegavao svim mogućim metodama obračuna s onima koji su mu stali na put. Talijan Baldinucci o njemu je napisao: "Bio je prvorazredni ekscentrik koji je sve prezirao... zauzet poslom, nije pristao prihvatiti prvog monarha na svijetu i morao bi otići."
Tijekom svog života Rembrandt je morao izdržati niz teških iskušenja. Kada je umjetnik imao 29 godina, njegov sin Rumbarthus je umro. Tri godine kasnije, 1638., umrla mu je prva kći Kornelija. Nakon još 2 godine - 1640. - umrla mu je majka Neltje van Rijn i druga kći - također po imenu Cornelia. Sudbina nije ostavila Rembrandta na miru: 1641. godine, u godini rođenja njegovog sina Titusa, umrla je Saskiina tetka Titia. Godine 1642. smrt odnosi i samu Saskiju. U oporuci je nasljednicom cjelokupnog bogatstva - oko 40.000 florina - Saskija, znajući za rasipničku narav svog supruga, imenovala svog sina Tita, a Rembrandtu je doživotno dopušteno samo korištenje imovine svoje supruge.

Nakon 1640-ih Rembrandt je postupno počeo gubiti svoju popularnost u amsterdamskoj javnosti. Djelomično je to bilo zbog evolucije umjetničkog ukusa amsterdamske publike, a dijelom zbog pada potražnje za slikarstvom zbog prvog anglo-nizozemskog rata (1652.-1654.). Osim toga, klijenti su počeli primjećivati ​​da Rembrandt radi kako bi zadovoljio vlastite težnje, a ne slušao njihove želje.

Ubrzo, u dobi od 50 godina, Rembrandt je bankrotirao, a godinu dana kasnije sva njegova imovina i djela prodani su na aukciji. Godine 1658. morala se i kuća prodati. Nova osobna veza s dadiljom Titusovog sina, udovice Girtier Dirks, koja je započela 1642., završila je tragedijom. Nakon što je šest godina živio s Girtje, Rembrandt je uz pomoć njezina brata smjestio ženu u duševnu bolnicu. Učinio je to nakon što je Girtier protiv njega podnio tužbu zbog neispunjenog obećanja da će se oženiti. Kad bi se Rembrandt oženio drugi put, on bi, sa vrlo vjerojatno, izgubila prava na male prihode od imanja Saskije (njezina dva brata bili su odvjetnici). Kada se ukazala prilika da Girtje napusti ovu ustanovu, Rembrandt je angažirao agenta za prikupljanje podataka, zahvaljujući čemu je ova žena duge godine opet ostao u zidovima skloništa. Rembrandt je bio toliko osvetoljubiv da je neko vrijeme potpuno prestao slikati. Nešto ranije, Rembrandt se sprijateljio s dvadesetogodišnjom sluškinjom Hendrikje Stoffels, koja mu je poslužila kao model za mnoga njegova djela. Kao rezultat suživota s Hendrtkjeom rođeni su kći Cornelia i sin koji je umro 1652. No Rembrandtu je suđeno da preživi svoju treću ljubav: 1663. Hendertke umire u dobi od četrdesetak godina. Godinu dana prije Rembrandtove smrti 1668., njegov sin Titus umro je sedam mjeseci nakon vjenčanja. Rembrandtova unuka Tizia rođena je nakon smrti njezina sina, a ubrzo je Rembrandt pokopao i svoju snahu, ostavši potpuno sam na kraju života.

Sve te nedaće utjecale su na stil umjetnika. U drugoj polovici života Rembrandt je počeo više slikati krajolike i počeo je prikazivati ​​ljude s posebnim prodornim osjećajem, napuštajući namjernu pretencioznost. Pravi ljudske vrijednosti a prelamanje biblijskih priča kroz sebe zaokupilo mu je dušu. Kako se promijenila samopercepcija umjetnika? Da bismo dobili odgovor na ovo pitanje, dovoljno je usporediti Rembrandtove autoportrete u različitim razdobljima njegova života.

Autoportret je umjetnikovo sredstvo Povratne informacije, koji vam omogućuje da procijenite svoje trenutno stanje. Nije slučajno što ih umjetnici toliko vole slikati. Autoportret ima važnu ulogu u umjetnikovoj samoidentifikaciji, odnosno u procesu osvještavanja osobe o najvažnijem životnom pitanju "na kome sam ja" ovoj fazi“, i dovođenje sebe u sklad s „trenutnom sadašnjošću“. Samoidentifikacija - ključna točka duhovni život, dijalog osobe sa samom sobom (točnije, komunikacija svjesnog dijela sebe s nesvjesnim dijelom, kroz percepciju znakova i simbola iz svog zrcalnog dvojnika), kada se u jednom trenutku - u sadašnjosti, analizira i procijenjena prošlost se spaja i konstruira se osobna budućnost. Autoportret omogućuje umjetniku da oko autoportreta oblikuje prostor u kojem se umjetnik uvijek može osloniti na vlastitu sliku, odražavajući stabilno samopoštovanje i određeno stabilno emocionalno stanje. Dodir s vlastitim autoportretom može izazvati neočekivane uvide u kojima se potisnuta bolna iskustva “probijaju” do razine svijesti. Autoportret može biti stvarni ili nedostižni cilj za umjetnika vlastiti razvoj služe kao kompenzacija za vlastita bolna iskustva.

Ukupno je Rembrandt napravio stotinjak autoportreta u obliku crteža, gravura i slika. Njegovi rani autoportreti vrlo su raznoliki – vidi se potraga za samim sobom u isprobavanju različitih društvenih uloga, bogat raspon uhvaćenih emocionalnih stanja. Za razmatranje smo odabrali poznate Rembrandtove autoportrete i podijelili ih u dvije skupine: razdoblje prije smrti njegove supruge 1642. godine i razdoblje nakon glavnih životnih preokreta.

Na autoportretima prve skupine, nastalim između 1629. i 1640. godine, vidimo transformaciju umjetnikove unutarnje slike o sebi. Mladenački autoportret predstavlja sliku neiskusnog, pomalo rustičnog Rembrandta, pogrbljenog od neizvjesnosti. Obrve su mu iznenađeno podignute, oči širom otvorene, usta razdvojena, kosa raščupana. Oči su mu, kao i veći dio lica, u sjeni, kao da se skrivaju od promatrača.
Zanimljivo je da je Rembrandtov prijatelj Jan Lievens u isto vrijeme (1629.) umjetnika na portretu predstavio na sasvim drugačiji način. Uz očitu sličnost crta lica, pred nama se otkriva potpuno drugačiji lik: jarko osvijetljeno lice, pomalo arogantan nagib glave, pogled na gledatelja teče malo odozgo. Rembrandtove usne su malo "napućene", kao i obrazi. Svojim izgledom portretisana osoba želi pokazati zadovoljstvo životom i svoju malu, ali nadmoć. Kakva velika razlika između vanjskog dojma i unutarnje slike o sebi.
Nesigurna osoba često pokušava drugima predstaviti masku samozadovoljstva koja služi kao sredstvo za psihološka zaštita za ranjivo samopoštovanje. Međutim, Jan Lievens je primijetio i naglasio Rembrandtovu želju za zaštitom, prikazujući gluhu, lakoničnu odjeću, ovratnik od ploče i uski šal oko vrata. Dok se na autoportretu Rembrandt pojavljuje dosta "otvoren" - s otvorenim ovratnikom ili elegantnim ovratnikom.

Na autoportretu snimljenom godinu dana kasnije vidimo istog neiskusnog ljubaznog mladića, ali puno mirnijeg pogleda s tračkom poluosmijeha na usnama. Više se ne boji gledatelja i otvara mu cijelo lice. Ali velika egzistencijalna tjeskoba mu još uvijek luta u očima: umjetnik želi znati što ga čeka u budućnosti, hoće li se njegov put razlikovati od mnogih putova koji su već prošli ovim svijetom.
U razdoblju 1630-31. Rembrandt je izradio nekoliko autoportreta u tehnici bakropisa, poznatih kao: "Iznenađeni Rembrandt", "Rembrandt gleda preko ramena", "Rembrandt s raščupanom kosom", "Rembrandt u krznenom šeširu". Različita emocionalna stanja zabilježena u ovim djelima govore o neprestanoj potrazi za vlastitim identitetom, pokušajima pronalaženja nosive maske koja bi zadovoljila potrebe psihičke sigurnosti, u kombinaciji s potrebom za primjerenim samoizražavanjem.

Autoportret iz 1632. predstavlja Rembrandta već kao stanovnika Amsterdama, uspješnog pisca poznata slika. Vidimo šešir, djelomice posuđen s Rubensova autoportreta (1623.), elegantne zlatne gumbe na lijepoj kamizoli, ali još uvijek isto poludjetinje lice s podignutim obrvama i razrogačenim očima. Gornji dio lica kao da pita: "Jesam li to ja?", A donji dio, s blago izbočenom donjom čeljusti zbog važnosti, s namjernom temeljitom sporošću, odgovara: "Naravno da jesi!".
Očito je da su preseljenje u Amsterdam, stjecanje slave i materijalnog bogatstva, poznanstvo sa Saskijom i ulazak u najviše krugove društva značajno utjecali na umjetničino samopouzdanje. Na autoportretu iz 1634. godine vidimo umjetnika u skupocjenom krznu i baršunu. Materijalni uspjeh već je postignut, naivnosti ranijih portreta više nema, umjetnikove su obrve blago namrštene kako bi gledatelja držale na distanci od gotovo plemenitog gospodina, ali s umjetnikovih otvorenih usana kao da izleti pitanje , što se čita i u njegovim očima punim sumnje: “ Jesam li na dobrom putu?

1635. donijela je prvi veliki gubitak: samo dva mjeseca nakon Rembrandtova rođenja umire njegov sin Rumbarthus. Autoportret iz tog vremena (1635-1636) poznat je kao "Autoportret sa Saskijom na koljenima". Pokušajmo analizirati psihološko stanje umjetnika, koje se ogleda u ovom djelu. Mnogi su autori ovaj autoportret opisivali kao "radosan" ili "arogantan", proglašavajući ga "himnom ljudskoj sreći", ispunjen "burnim temperamentom, veličanstvenom vitalnošću, strastvenom opijenošću svim blagodatima bića". Doista, na platnu vidimo bogatog gospodina u kamizolu s resama, u šeširu po „austrijskom ukusu“, s mačem sa zlatnom drškom, koji je samo na trenutak podigao pogled sa svoje bezobzirne gozbe i, ne skidajući ruku s leđa ljepotice, podigao je čašu, pozdravljajući gledatelja. No, ako malo bolje pogledate, vidjet ćete da je to samo vanjska strana - "fasada" ili "maska" prikazane psihološke situacije.

Na slici su dvije osobe ispred nas. Obojica su gledatelju bili okrenuti leđima, a na poziv kao da su se nehotice okrenuli. Njihove poze su napete - oboje očito čekaju da se izbroje sekunde pristojnosti i da će se moći okrenuti u dubinu platna, skrivajući svoj unutarnji svijet i gledajući u čudnu ploču koja visi na zidu u lijevom kutu od slike.

Il. broj 6. "Autoportret sa Saskiom na koljenima"
1635-1636
161 x 131 cm
Platno, ulje
Dresden. Galerija slika

Lice čovjeka na slici jasno je edematozno - ili od dugog neobuzdanog pijanstva, ili od suza koje je isplakao dan prije. Ne gleda u gledatelja. Pogled mu je defokusiran – na slici se primjećuje blago divergentno škiljenje. Lice je iskrivljeno u usiljenoj grimasi, koja se jedva može nazvati osmijehom – oči čovjeka se ne smiješe. Gornja usna se pretvorila u tanku traku. Ni žena u umjetnikovom krilu se ne smije. Oči su joj prilično tužne. Na tim licima nema ni traga radosti. Sprečavamo ih da u vinu zaborave svoju tugu. Još trenutak, i okrenut će nam leđa.

Kakva se ploča na zidu čini njihovim očima? Povjesničar umjetnosti A. Kamensky sugerirao je da je to ploča od škriljevca koja je visjela u konobama 17. stoljeća, gdje su se brojali piće i hrana. Autor studije pretpostavlja da Rembrandt na slici nije njegov vlastita kuća, već pijaći objekt. Ovu verziju podupiru i drugi istraživači koji pišu da je pred nama ilustracija jednog od grijeha izgubljenog sina (M. Rickets, 2006.). Po našem mišljenju, Rembrandt samo simbolično igra ideju koju je morao realizirati tek nedavno - nakon smrti svog sina: za sve morate platiti račune. A račun za to sada vam je stalno pred očima - koliko god vinom tugu punili. Ovo je portret stanja duha osobe na početku srednje dobi - razdoblje dubokih osjećaja, razdoblje sukoba između potrebe za intimnošću i unutarnje usamljenosti, koja se, štoviše, može pogoršati stvarnim gubicima voljenih one.

Od 1640. Rembrandt je počeo slikati samo portrete viših slojeva amsterdamskog društva. Više ne prima narudžbe srednje klase. Umjetnik shvaća da je dosegao isti položaj u društvu kao Van Dyck. Prije samo godinu dana par je kupovao na kredit luksuzni dom na jednoj od najprestižnijih ulica grada - Sint Antonis Brestrat. Godine 1640. rođena je Rembrandtova druga kći, Cornelia. Iste godine, u dobi od 79 godina, umjetniku umire majka, a on nasljeđuje mlin i bogatstvo od 9960 florina.
Na autoportretu iz 1640. pred nama se pojavljuje staloženi gospodin iz visokog amsterdamskog društva. Rembrandtova odjeća u stilu 16. stoljeća skromno nagovještava duhovnu srodnost umjetnika s velikim pretečama renesanse: Rafaelom i Tizianom. Umjetnik je naučio obuzdati svoje emocije, kako i priliči osobi iz njegovog kruga: usne su mu prikazane kao zatvorene, ali nemaju onaj lagani, iskreni osmijeh koji je suzdržano blistao na autoportretu iz 1630. No, uza svu formalnost klasne pripadnosti autoportreta, umjetnik ne može sakriti vječnu tugu u očima, čak ni pomno prikrivenu.

Osobito su važne promjene u samopoimanju umjetnika na prijelazu iz 1940-ih u 1950-e. Ideal bogatstva, visoki položaj u društvu, kojem je Rembrandt toliko težio u prvoj polovici svog života, koji je odredio njegov odnos prema bliskim i okolnim ljudima, pokazao se samo fatamorganom koja je nestala čim je umjetnik pretrpio teške otrežnjujući osobni gubici. Autoportret iz 1652. godine pokušaj je posvjedočenja sebi i Bogu svjesnosti i kajanja za svoje pogreške. Rembrandt se najvjerojatnije želi uvjeriti, učvrstiti misao o uzaludnosti svog prošlog puta i okajati se za krivnju pred Bogom kako bi zaustavio konačno uništenje svog života. On izjavljuje da je uzeo lekciju i sada se ne okreće od sudbine - u stanju ju je pogledati ravno u oči, otkrivajući joj cijeloga sebe, baš kao što se na autoportretu otkriva promatraču. Ljudske vrijednosti i zaokupljenost unutarnjim svijetom dolaze ispred vanjskih atributa bogatstva i položaja.

Autoportreti iz druge polovice Rembrandtova života predstavljaju antitezu autoportretima iz prve polovice njegova života. Ne uzimamo u obzir pozadinu, ruho i dodatke Rembrandta, koji su umjetni i samo su sekundarni dodatak prikazu umjetnikova lica. Sve što osjeća i doživljava odražava se na njegovom licu. Autoportreti druge polovice njegova života odražavaju dramatične promjene koje su se dogodile u životu umjetnika. Pod udarcima sudbine, Rembrandt ubrzano stari. Autoportreti pokazuju kako mali razmaci od samo tri godine (1652.-1655.-1658.) mijenjaju umjetnikov izgled.

Rembrandt se uspio odmaknuti od stvaranja vlastite idealizirane slike - ideala, pod kojim je ranije prilagodio svoj život. Sada ga ne zanima bogata haljina, već vlastiti unutarnji svijet. Prepoznaje i miri se sa svojim izgledom, i sa svojim starenjem, i sa svojim položajem. Možemo reći da je Rembrandt briljantno oslikao svoje autoportrete životni put obična osoba koji prvu polovicu života živi u zatočeništvu lažnih ideala, a tek nakon prvih gubitaka razmišlja o vrijednostima drugačijeg reda i uspijeva obnoviti svoju samopoimanje i svoj život za nove uvjete.

Najznačajnije promjene u izgledu Rembrandta događaju se na prijelazu između 52. i 53. godine života. U samo godinu dana, od “kralja slikarstva” u liku Jupitera, kako se umjetnik pokušao prikazati 1658., Rembrandt se pretvorio u sasušenog starca krotkog tužnog pogleda. Gubitak prava na posjedovanje kuće, promjena uobičajenog načina života djelovali su depresivno na umjetnika. Fasada blagostanja, na čiju je izgradnju Rembrandt u mladosti uložio toliko truda, srušila se. Zajedno s kućom nestali su i tragovi njegova nekadašnjeg života sa Saskiom i Girtierom, njegova poznata svakodnevica. Kao rezultat toga, 53-godišnji Rembrandt za samo godinu dana stekao je izgled starca, snimljenog na autoportretu iz 1659., koji je, fiksirajući na svim kasnijim autoportretima, nosio do svoje smrti 1669. Na ovom autoportretu više nema čvrsto stisnutih usana, suženih očiju, dubokog mrštenja između obrva zbog blago skupljenih obrva, nema ni čvrstog položaja glave, kao na autoportretu iz 1658. godine. Rembrandtove oči imaju prirodan izraz tuge, bez pokušaja da se pogledu daju nijanse strogosti. Brada mu je uvučena - pokušava se dobro držati ispred sebe, suzdržava se kako ne bi dao oduška svojim iskustvima.
Godine 1660. dovršen je Rembrandtov slučaj bankrota. Rembrandt je napustio kuću, predan novom vlasniku. Rembrandtov sin Titus i Hendrickje dobili su prava na prodaju Rembrandtovih djela. Sve što je Rembrandt sada mogao imati za svoje djelo bio je samo stol i sklonište dogovoreno stečajnim ugovorom.

Posljednjih devet godina svog života Rembrandt je nastavio raditi. Njegov rad, kao i njegovi autoportreti, postao je realističniji. Od toga je nestao odraz osobnih ambicija, opet je naučio slijediti želje kupaca. Međutim financijske poteškoće još nisu bili riješeni, a sudbina mu nije mogla podariti mirnu starost bez osobnih gubitaka.
Godine 1663. od bubonske kuge umire Hendrickje Stoffels, koji može biti pokopan samo u iznajmljenom grobu - nema dovoljno novca da se kupi mjesto na groblju. Godine 1668. Rembrandtov sin Titus oženio je kćer Rembrandtova prijatelja i rođaka Saskiju. No, nakon samo 5 mjeseci sin umire od kuge. Tita također čeka samo iznajmljena grobnica, kao i godinu dana kasnije samog Rembrandta, čiji posmrtni ostaci nikada nisu naknadno otkriveni, budući da nije imao tko platiti najam groba, a umjetnikovi ostaci najvjerojatnije su ponovno pokopani u neobilježenom grobu.

U svojoj posljednjoj godini Rembrandt je napravio nekoliko autoportreta. Na jednoj od njih sebe je prikazao kao nasmijanog grčkog umjetnika Zeuxisa (M. Stein, 2007.). Ovo je jedini poznati Rembrandtov autoportret na kojem se vidi osmijeh, a ne samo jedva primjetni tragovi istog. Ali, kao i prije, umjetnikove se oči ne smiju - on samo pokušava izgledati nasmijan. Prema legendi, Zeuksis, slikar iz Herakleje, osnivač efeške škole, umro je od smijeha kada mu je ružna starica ponudila ogroman novac da je prikaže u liku Afrodite. Rembrandt se, sluteći skoru smrt, gorko osmjehnuo svojoj prošlosti, potrošenoj na lažne ideale, na ispraznu borbu strasti, koju mnogi uzimaju za smisao života. Ovaj osmijeh osobe koja je spoznala prave vrijednosti života. Najčešće, nažalost, takva svijest dolazi tek nakon osobnih gubitaka i izravnog kontakta osobe sa smrću, pokrećući procese osobne transformacije – oslobađanje odgođenih ciljeva i očitovanje vlastite istinske duhovne suštine.S gledišta psihologa Erica Eriksona , posljednji dio života osobe je sukob integriteta osobnosti i osjećaja beznađa. Ovo je vrijeme razmišljanja, kada osoba, osvrćući se na svoj život, može osjetiti cjelovitost ili jedinstvo sa svojom prošlošću. Ako su životne prilike propuštene, dolazi razdoblje svjesnosti pogrešaka i nemogućnosti da se sve počne ispočetka, najčešće praćeno osjećajem očaja.

Slika "Povratak izgubljenog sina", napisana nakon svega doživljenog 1668-69, bila je za umjetnika utjelovljenje čitave gomile osjećaja koji su ga mučili. U njoj se odražavala i gorčina zbog prohujale mladosti, i nemoguća želja da se prepravi proživljeni život (središnji lik), duboki osjećaj krivnje u odnosu na svoje životne partnere, želja da se pokaje i dobije oprost za svoje grijehe (Bludni sin sebe), strah od prezira i odbacivanja okoline (Publikant i Stariji brat).
Formalno, slika je bila ilustracija prispodobe o izgubljenom sinu iz Evanđelja po Luki (Lk 15,11-32). Najbolju analitičku teološku obradu ove slike dao je pastor nizozemskog podrijetla Henry Nouen (1932.-1996.), autor 40 knjiga o kršćanskom duhovnom životu i drugi najčitaniji kršćanski pisac u SAD-u nakon Carol Lewis. . U depresiji nakon što su ga smjestili u ludnicu u Torontu, Henry Nowen napisao je Povratak izgubljenog sina: Meditacija o očevima, braći i sinovima o Rembrandtovoj slici, detaljno ispitujući simboliku slike s biblijskih pozicija. U njegovoj knjizi detaljno je razmotrena biografska pozadina iskustava koja se odražavaju na slici.

Nowen u svom radu pretpostavlja da je u glavnim likovima slike Rembrandt prikazao različite hipostaze sebe - tri faze duhovne transformacije. Prvo, Rembrandt sebe prepoznaje kao izgubljenog sina, koji se kaje za svoje životne pogreške pred vlastitim ocem i Ocem nebeskim, kojeg na slici simbolički predstavlja stari otac. Druga hipostaza Rembrandta, prema Nouenu, je najstariji sin - utjelovljenje kršćanske savjesti, antiteza mlađi sin i simbol prijekora za njegove grijehe. Treća hipostaza Rembrandta je stari otac koji prihvaća izgubljenog sina onakvog kakav jest i oprašta mu.
Verziju Henryja Nowena uspješno potvrđuje Rembrandtov autoportret iz 1665. koji se nalazi u Galeriji Uffizi u Firenci, na kojem je Rembrandt sebe prikazao kao starca s bradom. Crte lica, oblik brade i brkova, odjeća umjetnika u odjeku autoportreta izgled Stariji brat i otac na slici "Povratak izgubljenog sina".

No, dajući detaljnu teološku interpretaciju slike, Nouen je izgubio iz vida činjenicu da Rembrandt nikada nije bio duboko pobožna osoba. Naravno, umjetnik je bio upoznat s Biblijom, ali je razmišljao kao obična osoba, a unutarnji motivi koji ga pokreću u stvaranju slike bili su svojstveni univerzalnoj psihologiji običnog čovjeka, s njegovim zemaljskim strastima i strahovima.
Po našem mišljenju, slika je briljantna ilustracija osjećaja potrebe da se integrira unutarnji svijet osobe u završnoj fazi njezina života, razdiran proturječjima između dijelova njegove osobnosti. Izgubljeni sin je utjelovljenje nesvjesnog carstva - staništa "đavolskih" strasti koje su vodile Rembrandta u prvoj polovici njegova života. Stariji brat – simbolizira nadsvjesne nadgradnje čovjekove osobnosti – savjest i moral, uvjetovane društvenim i vjerskim temeljima. Carinik koji sjedi još je jedan dio umjetnikove nadsvijesti, podsjećajući ga na neizbježnost kazne za grijehe, tiho čekajući na naplatu umjetnikovih životnih dugova.
"Ja" umjetnika nalazi se u središtu slike, a svi se događaji odvijaju oko njega u smjeru kazaljke na satu. Prije svega, umjetnik se poistovjećuje sa središnji lik- jedini od muškaraca gleda s platna izravno u promatrača.

Il. Br. 11. Usporedba fragmenata Rembrandtovih autoportreta s karakterom slike.

Crte lica ovog mladića podsjećaju na samog Rembrandta u mladosti, kada mu obrazi još nisu bili tako široki kao na autoportretu u dobi od trideset godina. Sličnost strukture lica, oblika očiju, obrva, usta i nosa s u Velikoj mjeri vjerojatnosti nam govore da je umjetnik prikazao samog sebe. Onaj, bivši Rembrandt, gleda s platna s tužnim poluosmijehom, a oči su mu pune žaljenja. Iza njega, u carstvu sjena, ostala je njegova voljena supruga, čijom se smrću cijeli život okrenuo naglavačke. Pred njim je ono što tako strastveno želi - njegovo prihvaćanje od strane Sveopraštajućeg Oca, koji se, međutim, može pretvoriti u strašnog Suca koji plaća za grijehe.
Osim pozivanja na sliku supružnika, ženska slika, možda je kolektiv koji ujedinjuje sve žene koje je Rembrandt volio. Osim toga, temeljeno na idejama psihologije C. G. Junga, ženska slika u sjeni u gornjem lijevom kutu može biti slika umjetnikove Anime – ženskog dijela duše koji je prisutan u svakom muškarcu.
Stari otac je utjelovljenje nadsvjesnog, božanskog, što je izvan osobnosti umjetnika. Stari otac je integrativni princip koji je sposoban prihvatiti, oprostiti i podariti duševni mir do kraja života onima koji bi mogli proći težak put transformacije, osvještavanja svoje složene suštine i doći do prilike da prihvate sebe kao jesu, uključujući sve njihove "ispravne" i "pogrešne" dijelove.

Empirijske pretpostavke o dubokoj psihološka suština slike u slici mogu se provjeriti pomoću teorije simbolike vizualnog prostora
grafičko polje prema shemi povjesničara umjetnosti Mikaela Grunwalda i švicarskog psihologa Karla Kocha, prikazano na ilustraciji ispod:

Il. broj 12. Zone prostorne simbolike prema M. Grunwaldu i K. Kochu:

1. zona pasivnosti. Prostor promatrača života
2. Zona akcije u životu
3. Impulsi-instinkti. zemaljski domaći sukobi. Prljavština
4. Start-regresija. Fiksacija na primitivnom stupnju je prošlo stanje.
5. Zona prošlosti, majke. Introvertiranost, početak, rođenje, izvor.
6. Gornji dio: zrak, praznina. Donji dio: Ništavilo, svjetlo, želja, negacija.
7. Najviša točka. Donji dio: Svrha, kraj, smrt.
8. Otac, budućnost, ekstraverzija, materija, Pakao, pad, demonizam.
9. Materija. Bez svijesti.
10. Natčulni um. božanski. Svjestan.

Kada se slika podijeli na vizualne zone, ispada da svi likovi zauzimaju položaj s vrlo određenim simboličkim značenjem.
Središnju poziciju na spoju triju vizualnih zona zauzima mladić s kojim se Rembrandt ponajprije poistovjećuje. Glava mu se nalazi na spoju zona Svijesti, zone aktivnog životnog položaja (veći dio glave) i zone pasivnog promatrača (veliki vidljivi dio tijela). Ovakav položaj lika potvrđuje da se upravo s njim veže stvarna umjetnikova samoidentifikacija – njegova trenutna svjesna pozicija, koja ipak u većoj mjeri leži u pasivnoj poziciji promatrača života koji prolazi. Njegova aktivna pozicija sadržana je samo unutar njegovih misli, što potvrđuje i glava drugog lika u beretki (Mitara) sa kontemplativnim izrazom lica, smještena unutar ove vizualne zone.

Desna ruka lika u beretki je u srednjem položaju. Ili se carinik sprema stisnuti šaku, zgrabivši tkaninu svoje halje, ili je već popustio napetost i opustio ruku, otpuštajući tkaninu. Sudeći po pasivnom izrazu njegova lica, vjerojatnija je druga opcija. Carinikova lijeva ruka, smještena u istoj zoni, mirno leži na njegovom koljenu. Budući da ova vizualna zona odražava stanje ovozemaljske sfere, kućne sukobe, sve negativno u svakodnevnom životu, može se pretpostaviti da Rembrandt, iako još uvijek pokazuje svoju nekad vrlo agresivnu polustisnutu šaku, ali svoju podsvijest (lijeva ruka povezana s desna hemisfera mozga) već se pomirila sa svim nedaćama teškog ispraznog života i već je dala zapovijed svijesti (desnoj ruci) da oslabi otpor prema svijetu i smanji razinu samokontrole ( ruka koja oslobađa odjeću).

Stari otac - još jedna dobna inkarnacija Rembrandta - također je pasivno spustio oči. Glava mu je u zoni pasivnog promatrača života, što još jednom potvrđuje zaključke o aktualnom stanju umjetnika donesene na temelju analize položaja prethodnih likova. Međutim, lijeva Očeva ruka nalazi se u istom kvadrantu kao i glava Izgubljenog sina. Ovo je prijeđeni i regresijski kvadrant. Život je već proživljen, pogreške su učinjene, a podsvijest Rembrandta Oca prihvaća pravu aktivnu stranu Rembrandta Izmetnog sina onakvu kakva jest. Desna ruka Oca Rembrandta vršcima prstiju dodiruje istu zonu, ali njen glavni dio leži u Području prošlosti. U aktivnom djelovanju, posebice u pisanju ovog platna, umjetnik se referira na život koji je živio, a koji simbolizira desna ruka današnjeg Rembrandta, koja leži na leđima Rembrandta iz prošlosti.

Na slici vidimo sjajnu ilustraciju pomirenja unutarnjeg sukoba cjelovitosti i beznađa posljednjeg razdoblja umjetnikova života, koje opisuje psiholog Eric Erickson.

Kako gledatelj ne bi imao dvojbi u procjeni zabluda prve polovice umjetnikova života, Rembrandt u nabore odjeće Izgubljenog sina stavlja lice Sotone, koje se nalazi u zoni nesvjesnog. Zajedno sa sotonističkom maskom u istu su zonu dospjeli potkovana noga izgubljenog sina, torba oko struka (torbica) i nož. Vjerojatno se ovo druženje sa Sotonom može protumačiti kao umjetnikov deplasirani strah od smrti i odmazde zbog težnje za materijalnim blagostanjem. Taj pokret ilustrira dinamika slijeva nadesno od bose noge u zoni Početak - Prošlost do obuvene noge i slike moshne. Imajte na umu da su se cipele izgubljenog sina pokazale istrošenim - prosperitet na kraju nije nastupio. Nož u koricama simbol je agresije i seksualnosti – uz koje se povezuju i Rembrandtovi prošli grijesi.

Sve je to vodilo samo do praznine i očekivanja skore smrti (silazi od svjetla do sjene na desnoj strani zone nesvijesti). Lik u beretki oslonjen nogama na istu zonu, kao što smo gore rekli, već je umoran od opiranja životu i prihvaća ga samo takvog kakav jest. No, nadolazeća smrt uistinu plaši umjetnika: ruke lika koji stoji zdesna su stisnute - desna (svjesna) ruka pokušava preuzeti kontrolu nad lijevim (nesvjesnim) dijelom umjetnikove esencije. Vjerojatno je sama slika za Rembrandta bila najjače psihoterapijsko sredstvo za razumijevanje i reagiranje na sukobe, kao i sredstvo unutarnje samointegracije. Umjetnik bi želio postići mudri mir (smireno i zamišljeno lice Starijeg brata) kao rezultat svog života, ali shvaća da to više nije moguće. Ostaje samo poniziti se i u tome pokazati svoju posljednju mudrost.

Prva voljena supruga ili posljednja ljubav umjetnika - Hendrickje nalazi se u zoni Nebića, Svjetla i Želje. Ova pozicija je mlada i privlačna žena, dano na platnu sa samo konturnim naznakama u sjeni na platnu, ne možete komentirati. Što je ostalo na vrhu – u zoni Božanskog? Jao, tu je samo tama na vrhu i još jedno nezlobno lice demona s isplaženim jezikom, skriveno u bareljefu kapitela stupa na kojem počiva središnji lik.

Tako je Rembrandt savršeno, akademski precizno dočarao čitavu lepezu snažnih iskustava koja su ga zahvatila na izmaku njegovih godina i savršeno odrazio njegovo psihičko stanje u vrijeme nastanka slike „Povratak sina razmetnoga“.

Htjeli bismo se dotaknuti još nekoliko detalja koji se rijetko obrađuju u publikacijama o dotičnoj slici. Da problem neizbježne odmazde jako zabrinjava autora, svjedoči i poseban položaj “ulazne točke” gledatelja u sliku. Prvi najjače osvijetljeni detalj prednjeg plana je bosa noga izgubljenog sina. S njim najčešće gledatelj počinje ispitivati ​​sliku - "ulaz u sliku". Uz golo stopalo nalazi se skriveni simbol Sotone, a samo stopalo dio je prototipa Smrti “šifrirane” na slici. Što je? Naše istraživanje na mnogim poznata djela slike su pokazale da slike, pri čijem stvaranju je umjetnik doživio posebno jake osjećaje, mogu sadržavati skrivene slojeve slika ispunjene simboličkim slikama, koje su simbolički odraz dominantnih svjesnih ili nesvjesnih doživljaja umjetnika tijekom stvaranja slike. . Najčešće su to sve vrste arhetipskih simbola smrti. Takve skrivene informacijske slojeve, nesvjesno ugrađene u rad umjetnika, gledatelj može percipirati na izvansvjesnoj razini i igrati značajnu ulogu u oblikovanju ideje slike.

Poznato je da je jedan od načina opažanja "nevidljivog" na slici "gledanje" slike defokusiranim očima. Defokusiranje vida zbog opuštanja mišića očne jabučice dovodi do mogućnosti percepcije vizualne slike uz pomoć perifernog vida, koji ima značajne fiziološke razlike od običnog središnjeg vida. Periferni vid osigurava funkcioniranje "štapnog" aparata mrežnice. Za razliku od središnjeg vida u boji, periferni vid je akromatski. U tom slučaju topli tonovi slike izgledaju tamniji, a hladni svjetliji. Druga važna značajka perifernog vida je njegova smanjena oštrina. Kombinacija ova dva čimbenika omogućuje "prosječenje" bogate palete boja slike, svođenje na sive tonove i "zamućivanje" "fluktuacija" oblika i obrisa slike. Rezultat takve percepcije je spajanje susjednih područja slike sličnog intenziteta svjetline – stapanje, što dovodi do mogućnosti sagledavanja skrivenih slojeva slike na slici eliminiranjem „šuma“ boje i kolebanja kontura i oblicima slike.
Za vizualizaciju skrivenih slojeva slika predložili smo metodu računalne simulacije ljudskog perifernog vida. Za to se koristi kompjuterski program - grafički urednik, koji vam omogućuje da izračunate prosjek vrijednosti intenziteta boje obližnjih područja slike i pretvorite ih iz slike u boji u sive tonove. Konvencionalno se takva obrada slike može nazvati "zamućenje" ("zamućenje"), što nalikuje konačnom vizualnom rezultatu percepcije vanjskih objekata pomoću perifernog vida.
Ispod je ilustracija rezultata djelomičnog "zamagljivanja" Rembrandtove slike "Povratak izgubljenog sina":

Iz prikazane ilustracije se vidi da ključne slike slike - Razmetni sin i Otac zajedno tvore pernatu sliku - vizualni arhetip smrti u obliku lubanje koja se ceri. glavna snaga, koji je dirnuo Rembrandta prilikom stvaranja slike, bio je najvažniji egzistencijalni strah osobe - strah od neposredne smrti i odmazde za sve njegove grijehe. Slika skrivena u slici o kojoj smo gore govorili stvorena je na nesvjesnoj razini. Međutim, sam umjetnik, kao da želi još jednom naglasiti svoje osjećaje, ponovio je lice Sotone u naborima poderanu odjeću Razmetni sin. Jedinstvenost platna leži u činjenici da se ove skrivene slike podudaraju u svom simboličkom značenju.

Slika Rembrandta Harmensza van Rijna "Povratak izgubljenog sina" izvrsna je višestruka ilustracija koja otkriva unutarnji svijet umjetnika u posljednjih godinaživota, te predstavlja svojevrsnu retrospektivu njegovog cjelokupnog prošlog života. Iskrenost umjetnikovih iskustava, uhvaćenih na platnu, omogućuje nam da Rembrandtovo djelo razmotrimo s teološke i psihološke točke gledišta i dobijemo simboličko značenje koje nosi jedno značenje. Ova slika gledatelja tjera na razmišljanje o vlastitoj sudbini, povezujući svoju prošlost i sadašnju situaciju s naizgled tako dalekim i nestvarnim danom kada mora sumirati cijeli svoj život.

Kojeg sveca u kojim slučajevima moliti?Pravoslavne molitve na različiti slučajeviživot.