Arte musical de la Edad Media. Músicos marginales medievales

CULTURA MUSICAL DE LA ANTIGUA, EDAD MEDIA, RENACIMIENTO

ANTIGÜEDAD

Cultura musical La antigua Grecia constituye la primera etapa histórica en el desarrollo de la cultura musical europea. Al mismo tiempo, es la máxima expresión de la cultura del Mundo Antiguo y revela conexiones indudables con las culturas más antiguas del Medio Oriente: Egipto, Siria, Palestina. Sin embargo, a pesar de todas las conexiones históricas de este tipo, la cultura musical de la antigua Grecia no repite en absoluto el camino recorrido por otros países: tiene su propia apariencia única, sus propios logros indiscutibles, que transmite en parte a los europeos. Edad Media y luego, en mayor medida, al Renacimiento.

A diferencia de otras formas de arte, la música mundo antiguo no dejaron en la historia ningún legado creativo equivalente a ellos. A lo largo de un enorme lapso histórico de ocho siglos, desde el siglo V a.C. Por 111 siglo después de Cristo e.-dispersos hay solo once ejemplos de música griega antigua que se conservaron en la notación de esa época. Es cierto que estas son las primeras grabaciones de melodías en Europa que nos han llegado.

La propiedad más importante La cultura de la Antigua Grecia, fuera de la cual casi no fue percibida por los contemporáneos y, en consecuencia, no podemos entenderla, es la existencia de la música en unidad sincrética con otras artes, en las primeras etapas o en síntesis con ellas, en su apogeo. Música en conexión irrompible la poesía (de ahí la letra), la música como participante indispensable en la tragedia, la música y la danza: estos son los fenómenos característicos de la vida artística griega antigua. Platón, por ejemplo, habló muy críticamente de la música instrumental, independiente de la danza y el canto, argumentando que sólo es adecuada para caminar rápido y sin vacilaciones y para representar gritos de animales:

“El uso de tocar por separado la flauta y la cítara contiene algo de muy mal gusto y digno sólo de un mago”. Los orígenes de la tragedia griega, arte elevado y complejo, provienen de la mitología, de los actos mágicos, de las creencias del pueblo. Los orígenes se remontan a la antigüedad. mitos griegos antiguos sobre grandes músicos: Orfeo, Olimpo, Marcia.

La epopeya homérica, a su vez asociada con actuación musical: “Ilíada”, “Odisea”.

Junto con las representaciones en solitario de obras épicas de los siglos XI-VI, especiales géneros corales. Las canciones en la isla de Creta se combinaban con movimientos plásticos, con danza (hiporhema); Los géneros corales se han cultivado ampliamente en Esparta desde el siglo VII. Se sabe que los espartanos concedían a la música un gran significado estatal y educativo. Su formación en el arte musical no fue de carácter profesional, sino que simplemente formaba parte del sistema de educación general de la juventud. De aquí surgió finalmente la teoría del ethos, fundamentada por los pensadores griegos.

Una nueva dirección en el arte musical y poético de la antigua Grecia, que en realidad propuso temas líricos e imágenes, asociadas con los nombres del Jónico Archilochus (siglo VII) y los mayores “representantes de la escuela lesbiana Alcaeus y Safo (el cambio de los siglos I y VI Se podría pensar que con el fortalecimiento de la). comienzo lírico También aumentó el papel de la melodía en sus obras; la propia palabra “lírica” deriva de la lira.

La poesía lírica del siglo VI está representada por varias variedades de géneros: elegías, himnos, canciones nupciales.

El siglo clásico de la tragedia fue el siglo V a.C. e.: obra de los más grandes trágicos Esquilo (c. 525-456), Sófocles (c. 496-, Eurípides (c. 480-406). Esta fue la época del mayor florecimiento de la cultura artística griega, los siglos de Fidias y Policleto, tales monumentos arquitectura clasica como el Partenón de Atenas, mejor siglo en el arte de todo el mundo antiguo. Las representaciones de tragedias se consideraban celebraciones públicas y, dentro de los límites de una sociedad esclavista, tenían un carácter democrático relativamente amplio: el teatro era visitado por todos los ciudadanos, quienes incluso recibían beneficios estatales por ello. El coro, exponente de la moral general, representó al pueblo en el trágico escenario y habló en su nombre.

El dramaturgo era a la vez poeta y músico; él hizo todo él mismo. El propio Esquilo, por ejemplo, participó en la representación de sus obras. Posteriormente, las funciones del poeta, músico, actor y director fueron cada vez más separadas. Los actores también eran cantantes. El canto del coro se combinó con movimientos plásticos.

En la era helenística, el arte ya no surgió de actividad artística ciudadanos: está completamente profesionalizado.

Todo lo que se escribió en la antigua Grecia sobre el arte de la música y que puede juzgarse con confianza a partir de muchos materiales supervivientes se basó en ideas sobre el melodicismo (principalmente asociado con la palabra poética). Esto resulta evidente no sólo por el contenido de obras teóricas especiales, sino también por las declaraciones éticas y estéticas más generales de los más grandes pensadores griegos. Así, se confirma plenamente el principio de monofonía, totalmente característico del arte musical griego antiguo.

El más interesante de los juicios antiguos sobre el arte de la música es la llamada doctrina del ethos, propuesta por Platón, desarrollada y profundizada por Aristóteles. La antigua tradición asocia la combinación de cuestiones de política y música con el nombre de Domón de Atenas, maestro de Sócrates y amigo de Pericles. De él, Platón supuestamente adoptó la idea del efecto beneficioso de la música en la educación de ciudadanos dignos, que desarrolló en los libros "Estado" y "Leyes". En su estado ideal, Platón asigna el primer papel (entre otras artes) a la música en la educación de un joven para convertirlo en una persona valiente, sabia, virtuosa y equilibrada, es decir, en un ciudadano ideal. Al mismo tiempo, Platón, por un lado, conecta la influencia de la música con la influencia de la gimnasia (“hermosos movimientos corporales”) y, por el otro, sostiene que la melodía y el ritmo capturan sobre todo el alma y alientan la atención. persona a imitar aquellos ejemplos de belleza que le brinda el arte de la música.

"Luego, analizando qué es exactamente bello en una canción, Platón descubre que esto debe ser juzgado por las palabras, el modo y el ritmo. De acuerdo con las ideas de su tiempo, barre todos los modos que son lastimeros y relajantes por naturaleza, y llama sólo Sólo dorio y frigio De la misma manera, el filósofo reconoce sólo la cítara y la lira entre los instrumentos musicales, negando las cualidades éticas de todos los demás. Así, desde el punto de vista de Platón, el portador del ethos no es una obra de arte, no. sus imágenes, o incluso un sistema. medios expresivos, sino sólo el modo o timbre de un instrumento, que parece tener una cierta cualidad ética asociada a él.

Aristóteles juzga el propósito de la música de manera mucho más amplia, argumentando que no debe servir a uno, sino a varios propósitos y usarse de manera útil: I) por el bien de la educación, 2) por el bien de la purificación, 3) por el bien del entretenimiento intelectual. , es decir, en aras de la calma y la relajación de una actividad extenuante... De aquí queda claro”, continúa Aristóteles, “que aunque se pueden utilizar todos los modos, no se deben utilizar de la misma manera”. la naturaleza del impacto de la música en la psique de esta manera:

“El ritmo y la melodía contienen los reflejos de la ira y la mansedumbre, el coraje y la moderación y todas las propiedades opuestas a ellos, así como otras cualidades morales, que son las más cercanas a la realidad. Esto está claro por experiencia: cuando percibimos el ritmo y la melodía con nuestros oídos, nuestro estado de ánimo mental también cambia. El hábito de experimentar un estado de ánimo triste o alegre al percibir algo que imita la realidad lleva a que comencemos a experimentar los mismos sentimientos cuando nos enfrentamos a la verdad [cotidiana]” 3. Y por último, Aristóteles. llega a la siguiente conclusión: “...La música es capaz de tener cierto efecto en el lado ético del alma; Y dado que la música tiene tales propiedades, entonces, obviamente, debería incluirse entre las materias de educación juvenil”.

Desde la antigüedad, al filósofo y matemático Pitágoras (siglo VI a. C.) se le ha asignado la importancia del primero de los pensadores griegos que escribió sobre música. Se le atribuye el desarrollo inicial de la doctrina de intervalos musicales(consonancias y disonancias) basadas en relaciones puramente matemáticas obtenidas al dividir la cuerda. En general, los pitagóricos, siguiendo el ejemplo de las antiguas culturas orientales (especialmente Egipto), atribuyeron un significado mágico a los números y las proporciones, deduciendo de ellos, en particular, las propiedades mágicas curativas de la música. Finalmente, a través de construcciones abstractas y especulativas, los pitagóricos llegaron a la idea de la llamada "armonía de las esferas", creyendo que los cuerpos celestes, al estar en ciertas relaciones numéricas ("armónicas") entre sí, deberían sonar cuando moverse y producir “armonía celestial”.

En cuanto a la doctrina del ethos, más tarde los neoplatónicos, especialmente Plotino (siglo III), la repensaron con un espíritu religioso-místico, privándola del patetismo cívico que alguna vez le fue inherente en Grecia. De aquí hay hilos directos a las visiones estéticas de la Edad Media. El declive de la cultura antigua en la era de la descomposición del sistema esclavista contribuyó precisamente al desarrollo exitoso del arte cristiano, que en muchos aspectos se opuso a la estética y la práctica musical de Roma en siglos anteriores. Es imposible negar que en el cambio de dos épocas se formaron algunas conexiones entre la herencia de la antigüedad y el desarrollo del pensamiento estético de épocas posteriores.

CULTURA MUSICAL DE LA EDAD MEDIA

En el desarrollo de la cultura musical de Europa occidental, el largo y amplio período histórico de la Edad Media es difícil de considerar como un período único, incluso como una gran era con un marco cronológico general. El primer límite inicial de la Edad Media, después de la caída del Imperio Romano Occidental en 476, suele denominarse el siglo VI. Mientras tanto, el único ámbito del arte musical que dejó monumentos escritos fue la música hasta el siglo XII. Iglesia cristiana. Todo el complejo único de fenómenos asociados con él se desarrolló sobre la base de una preparación histórica a largo plazo, a partir del siglo II, e incluyó orígenes lejanos que van más allá de Europa occidental hacia el este: Palestina, Siria y Alejandría. Además, la cultura musical de la iglesia de la Edad Media de una forma u otra no escapó a la herencia de la Antigua Grecia y la Antigua Roma, aunque los "padres de la iglesia", y los teóricos posteriores que escribieron sobre la música, contrastaron en gran medida el arte de la iglesia cristiana. con el mundo artístico pagano de la antigüedad.

El segundo hito más importante, que marca la transición de la Edad Media al Renacimiento, no tiene lugar simultáneamente en Europa occidental: en Italia, en el siglo XV, en Francia, en el siglo XVI; en otros países la lucha entre las tendencias medievales y renacentistas se desarrolla en momentos diferentes. Todos ellos se acercan al Renacimiento con un legado diferente de la Edad Media, con sus propias conclusiones derivadas de una vasta experiencia histórica. Esto se vio facilitado en gran medida por un importante punto de inflexión en el desarrollo de la cultura artística de la Edad Media, que ocurrió en los siglos XI-XII y fue causado por nuevos procesos sociohistóricos (el crecimiento de las ciudades, las Cruzadas, el surgimiento de nuevos estratos sociales, los primeros centros fuertes de cultura secular, etc.).

Sin embargo, con toda la relatividad o movilidad de las fronteras cronológicas, con las inevitables conexiones genéticas con el pasado y la transición desigual hacia el futuro, para la cultura musical Edad Media de Europa occidental Se caracteriza por fenómenos y procesos significativos que le son únicos e impensables en otras condiciones y en otros tiempos. Este es, en primer lugar, el movimiento y la existencia en Europa occidental de muchas tribus y pueblos en diferentes etapas. desarrollo historico, una multiplicidad de modos de vida y diferentes sistemas políticos, y al mismo tiempo un deseo persistente Iglesia Católica unir a todo el mundo enorme, turbulento y multifacético no sólo por una doctrina ideológica común, sino también por los principios generales de la cultura musical. Ésta, en segundo lugar, es la dualidad inevitable de la cultura musical a lo largo de la Edad Media: el arte eclesiástico contrastaba invariablemente sus cánones con la diversidad de la música folclórica en toda Europa. En los siglos I-XIII surgieron nuevas formas de creatividad poética y musical secular y la música religiosa se transformó enormemente. Pero estos nuevos procesos ya tuvieron lugar en las condiciones del feudalismo desarrollado.

Como es sabido, el carácter especial de la cultura medieval, la educación medieval, arte medieval está determinado en gran medida por la dependencia de la iglesia cristiana.

La música de la iglesia cristiana tomó forma en sus formas originales en condiciones históricas Alto poder del Imperio Romano. La creencia en el más allá, en la recompensa más alta por todo lo hecho en la tierra, así como la idea de la expiación de los pecados de la humanidad mediante el sacrificio de Cristo crucificado en la cruz, lograron cautivar a las masas.

La preparación histórica del canto gregoriano como canto ritual de la iglesia cristiana dominante fue larga y variada.

A finales del siglo IV, como se sabe, el Imperio Romano se dividió en occidental (Roma) y oriental (Bizancio), cuyos destinos históricos resultaron entonces diferentes. Así, las iglesias occidental y oriental quedaron aisladas, ya que la religión cristiana en ese momento se había convertido en la religión estatal.

Con la división del Imperio Romano y la formación de dos centros de la Iglesia cristiana, los caminos del arte eclesiástico, que estaba en proceso de formación final, también quedaron en gran medida aislados en Occidente y Oriente.

Roma reelaboró ​​a su manera todo lo que la Iglesia cristiana tenía a su disposición y, sobre esta base, creó su arte canonizado: el canto gregoriano.

Como resultado, las melodías de la iglesia, seleccionadas, canonizadas y distribuidas durante el año eclesiástico, fueron compiladas bajo el Papa Gregorio (al menos por iniciativa suya). bóveda oficial - antifonario. Las melodías corales incluidas en él se llaman canto gregoriano y se convirtió en la base del canto litúrgico de la Iglesia Católica. La colección de cantos gregorianos es enorme.

La colección de canto gregoriano de los siglos XI-XII, y luego durante el Renacimiento, sirvió de base inicial para la creación de obras polifónicas en las que los cantos de culto recibieron el más variado desarrollo.

Cuanto más expandía la Iglesia Romana su esfera de influencia en Europa, más se extendía el canto gregoriano desde Roma hacia el norte y el oeste.

La reforma de la notación musical fue llevada a cabo por el músico, teórico y docente italiano Guido d'Arezzo en el segundo cuarto del siglo XI.

La reforma de Guido fue fuerte por la sencillez y la naturaleza orgánica del pensamiento original: trazó cuatro líneas y, colocando neumas sobre ellas o entre ellas, les dio a todas un valor preciso de altitud. Otra innovación de Guido de Arezzo, esencialmente también invención suya, fue la elección de una escala específica de seis pasos. (do-re-mi-fa-sol-la).

Desde finales del siglo XI, en el siglo XII y especialmente en el XIII, aparecieron signos de un nuevo movimiento en la vida musical y la creatividad musical de varios países de Europa occidental, al principio menos perceptibles y luego cada vez más perceptibles. Desde las formas medievales iniciales de cultura musical, el desarrollo de los gustos artísticos y el pensamiento creativo pasa a otros tipos más progresistas de creación musical, a otros principios de la creatividad musical.

En los siglos XII-XIII, surgieron gradualmente requisitos históricos no solo para la formación de nuevos movimientos creativos, sino también para su cierta difusión por toda Europa occidental. Así, la novela o cuento medieval, que se desarrolló en suelo francés en los siglos XII y XIII, no siguió siendo sólo un fenómeno francés. Junto con la novela sobre Tristán e Isolda y la historia sobre Aucassin y Nicolette, Parsifal y el pobre Enrique entraron en la historia de la literatura. Nuevo, estilo gótico en arquitectura, representada por ejemplos clásicos en Francia (catedrales de París, Chartres, Reims), encontró su expresión también en ciudades alemanas y checas, en Inglaterra, etc.

El primer florecimiento del lirismo poético y musical secular, que comenzó en Provenza en el siglo XII, luego capturó el norte de Francia, tuvo eco en España y encontró expresión más tarde en el Minnesang alemán. Con toda la originalidad de cada una de estas tendencias, surgió un nuevo patrón, característico de la época en su amplia escala. Del mismo modo, el origen y desarrollo de la polifonía en sus formas profesionales -quizás el aspecto más importante de la evolución musical de aquella época- se produjo con la participación no sólo de la escuela creativa francesa, y especialmente de no sólo un grupo de músicos de la Catedral de Notre Dame, por grandes que fueran sus méritos.

Desafortunadamente, juzgamos los caminos de la música medieval hasta cierto punto de forma selectiva. Del estado de las fuentes es imposible rastrear conexiones específicas, por ejemplo, en el desarrollo de la polifonía entre sus fuentes en las Islas Británicas y sus formas en el continente, particularmente en las primeras etapas.

Las ciudades medievales eventualmente se convirtieron en importantes centros culturales. Se fundaron las primeras universidades de Europa (Bolonia, París). La construcción urbana se expandió, se erigieron ricas catedrales y en ellas se realizaron servicios divinos con gran pompa con la participación de los mejores cantantes corales (fueron formados en escuelas especiales, metrizas, en grandes iglesias). El aprendizaje eclesiástico (y el aprendizaje musical en particular) característico de la Edad Media ya no se concentraba únicamente en los monasterios. Nuevas formas, un nuevo estilo de música religiosa están sin duda asociados con la cultura de la ciudad medieval. Si fueron preparados en parte por la actividad previa de eruditos músicos monásticos (como Hucbald de Saint-Amand y Guido de Arezzo), si los primeros ejemplos de polifonía provienen de las escuelas monásticas de Francia, en particular de los monasterios de Chartres y Limoges, El desarrollo de nuevas formas de polifonía comienza en París en los siglos XII y XIII.

Otra capa, también muy significativa, de la cultura musical medieval se asoció inicialmente con las actividades, la variedad de intereses y la ideología peculiar de la caballería europea. Cruzadas hacia el Este, grandes movimientos a largas distancias, batallas, asedios de ciudades, luchas civiles, aventuras audaces y arriesgadas, conquistas de tierras extranjeras, contactos con varios pueblos del Este, sus costumbres, forma de vida, cultura, completamente inusuales. Impresiones: todo esto dejó su huella en la nueva cosmovisión de los caballeros cruzados. Cuando parte de la caballería pudo existir en condiciones pacíficas favorables, la idea previamente existente del honor caballeresco (por supuesto, socialmente limitada) se combinó con el culto a la bella dama y el servicio caballeresco a ella, con el ideal de la corte. el amor y las normas de comportamiento asociadas a él. Entonces se salió con la suya desarrollo temprano el arte musical y poético de los trovadores, que dio los primeros ejemplos de letras vocales seculares escritas en Europa.

Continuaron existiendo otras capas de la cultura musical de la Edad Media, asociadas con la vida popular, con las actividades de los músicos errantes, con los cambios venideros en su entorno y forma de vida.

La información sobre los músicos folclóricos errantes de la Edad Media se vuelve más abundante y definitiva entre los siglos IX y XIV. Estos malabaristas, juglares y shpilmans, como se les llamaba en diferentes épocas y en diferentes partes, fueron durante mucho tiempo los únicos representantes de la cultura musical secular de su época y, por lo tanto, desempeñaron un papel histórico importante. En gran medida, fue sobre la base de su práctica musical, sus tradiciones de canciones, que tomaron forma las primeras formas de letras seculares de los siglos XII y XIII. Ellos, estos músicos errantes, no se separaron de los instrumentos musicales, mientras que la iglesia rechazó su participación o la aceptó con gran dificultad. Además de varios instrumentos de viento (trompetas, trompas, flautas, flautas de pan, gaitas), con el tiempo, el arpa (de la antigüedad), el topo (un instrumento celta), variedades de instrumentos de arco, los antepasados ​​​​del futuro violín. rebab, viela, fidel (posiblemente, del Este).

Con toda probabilidad, estos actores, músicos, bailarines, acróbatas medievales (a menudo todos en una sola persona), llamados malabaristas u otros nombres similares, tenían sus propias tradiciones culturales e históricas que se remontaban a la antigüedad. Podrían hacerse cargo, a lo largo de varias generaciones, del patrimonio arte sincrético Los antiguos actores romanos, cuyos descendientes, llamados histriones y mimos, deambularon durante mucho tiempo, deambulando por la Europa medieval. Los representantes semilegendarios más antiguos de las epopeyas celtas (bardos) y germánicas también pudieron, de una forma u otra, transmitir sus tradiciones a los malabaristas, quienes, aunque no pudieron permanecer fieles a ellos, aún así aprendieron algo de ellos por sí mismos. En cualquier caso, en el siglo IX, cuando las menciones anteriores de histriones y mimos ya estaban siendo reemplazadas por informes de malabaristas, estos últimos también eran conocidos en parte como intérpretes de la epopeya. Al trasladarse de un lugar a otro, los malabaristas actúan en festividades en la corte (donde acuden en determinadas fechas), en castillos, en pueblos y, a veces, incluso se les permite entrar en las iglesias. En poemas, novelas y canciones de la Edad Media se menciona repetidamente la participación de los malabaristas en la diversión festiva y en la organización de todo tipo de espectáculos al aire libre. Mientras estas representaciones, que se celebraban en los días festivos importantes en iglesias o cementerios, se realizaban únicamente en latín, los estudiantes de las escuelas del monasterio y los jóvenes clérigos podían participar en las representaciones. Pero en el siglo XIII, el latín fue reemplazado por lenguas populares locales, y luego los músicos errantes, que pretendían interpretar papeles cómicos y episodios en representaciones espirituales, de alguna manera lograron abrirse camino en las filas de los actores y luego lograr el éxito con sus chistes entre espectadores y oyentes. Este fue el caso, por ejemplo, de las catedrales de Estrasburgo, Rouen, Reims y Cambrai. Entre los “cuentos” que se presentaban en las fiestas se encontraban las “acciones” navideñas y pascuales, “Lamentaciones de María”, “La historia de las vírgenes racionales y las vírgenes insensatas”, etc. Casi en todas partes en las representaciones, por el bien de sus visitantes, ciertos u otros episodios cómicos asociados con la participación de fuerzas del mal o las aventuras y comentarios de los sirvientes. Aquí se abrió el campo para las habilidades musicales interpretativas de los malabaristas con su tradicional bufonada.

Muchos de los juglares tuvieron un papel especial cuando comenzaron a colaborar con los trovadores, acompañando a sus caballeros patrones a todas partes, participando en la interpretación de sus canciones y sumándose a nuevas formas de arte.

Como resultado, el entorno mismo de la "gente errante", malabaristas, shpilmans, juglares, que experimentó transformaciones significativas a lo largo del tiempo, no permaneció uniforme en su composición. Esto también se vio facilitado por la afluencia de nuevas fuerzas: alfabetizadas, pero que habían perdido su posición estable en la sociedad, es decir, perdedores esencialmente desclasados ​​​​del pequeño clero, estudiantes errantes, monjes fugitivos. Apareciendo entre las filas de actores y músicos itinerantes en los siglos XI y XII en Francia (y luego en otros países), recibieron los nombres de vagantes y goliardos. Con ellos, a las capas de malabarismo llegaron nuevos conceptos y hábitos de vida, alfabetización y, a veces, incluso cierta erudición.

Desde finales del siglo XIII, se han formado asociaciones gremiales de shpilmans, malabaristas y juglares en varios centros europeos para proteger sus derechos, determinar su lugar en la sociedad, preservar las tradiciones profesionales y transmitirlas a los estudiantes. En 1288 se fundó en Viena la Hermandad de San. Nicolás", que unió a los músicos, en 1321 la "Hermandad de San Nicolás". Julien" en París era una organización gremial de juglares locales. Posteriormente, se formó en Inglaterra un gremio de "juglares reales". Esta transición al modo de vida gremial puso fin esencialmente a la historia del malabarismo medieval. Pero los músicos errantes no se han asentado del todo en sus cofradías, gremios y talleres. Sus viajes continuaron en los siglos XIV, XV y XVI, recorriendo un vasto territorio y creando finalmente nuevas conexiones musicales y cotidianas entre regiones distantes.

Trovadores, trouvères, minnesingers

El arte de los trovadores, que se originó en Provenza en el siglo XII, fue, en esencia, solo el comienzo de un movimiento creativo especial, característico de su época y casi en su totalidad asociado con el desarrollo de nuevas formas seculares de creatividad artística. Mucho favoreció entonces el florecimiento temprano de la cultura artística secular en Provenza: relativamente menos devastación y desastres en el pasado, durante la migración de pueblos, antiguas tradiciones artesanales y lazos comerciales conservados durante mucho tiempo. En tales condiciones históricas, se desarrolló la cultura caballeresca.

El peculiar proceso de desarrollo del arte secular temprano, que surgió por iniciativa artística de la caballería provenzal, se alimenta en gran medida de los orígenes melódicos de las canciones populares y se extiende entre un círculo más amplio de habitantes, evolucionando en consecuencia en términos de contenido figurativo temático.

El arte de los trovadores se ha ido desarrollando durante casi dos siglos desde finales del siglo XI. En la segunda mitad del siglo XII, los nombres de los trouvères, poetas y músicos, ya eran conocidos en el norte de Francia, en Champaña y en Arras. En el siglo XIII, la actividad de los trovadores se intensifica, mientras que el arte de los trovadores provenzales pone fin a su historia.

Los trouvères heredaron hasta cierto punto la tradición creativa de los trovadores, pero al mismo tiempo sus obras estaban más claramente conectadas no con la cultura caballeresca, sino con la cultura urbana de su época. Sin embargo, entre los trovadores había representantes de diversos círculos sociales. Así, los primeros trovadores fueron: Guillaume VII, conde de Poitiers, duque de Aquitania (1071 - 1127), y el pobre gascón Marcabrun.

Los trovadores provenzales, como sabemos, solían colaborar con malabaristas que viajaban con ellos, interpretaban sus canciones o acompañaban su canto, como si combinaran simultáneamente las funciones de sirviente y asistente. El trovador actuó como mecenas, autor de una obra musical y el malabarista actuó como intérprete.

En el arte musical y poético de los trovadores surgieron varias variedades de género características de poemas-cantos: alba (canto del amanecer), pastourelle, sirventa, cantos de los cruzados, cantos de diálogo, lamentos, cantos de danza. Este listado no es una clasificación estricta. Las letras de amor se plasman en álbumes, pastourels y canciones de baile.

Sirventa: la designación no es muy clara. En cualquier caso, esta no es una canción lírica. Suena en nombre de un caballero, un guerrero, un trovador valiente, puede ser satírico, acusatorio, dirigido a toda una clase, a determinados contemporáneos o acontecimientos. Posteriormente surgieron los géneros de baladas y rondos.

Como se puede juzgar a partir de material de investigación especial, el arte de los trovadores, en última instancia, no está aislado ni de las tradiciones del pasado ni de otras formas contemporáneas de creatividad musical y poética.

El arte de los trovadores sirvió como un importante vínculo entre las primeras formas de letras musicales y poéticas en Europa occidental, entre la tradición musical y cotidiana y las áreas altamente profesionales de la creatividad musical en el siglo XIII. Siglos XIV. Los propios representantes posteriores de este arte ya gravitaron hacia la profesionalización musical y dominaron las bases de una nueva habilidad musical.

Así es como Adán de la Al ( 1237-1238 - 1287), uno de los últimos trouvères, natural de Arras, poeta, compositor y dramaturgo francés de la segunda mitad del siglo XIII. A partir de 1271 sirvió en la corte del conde Robert d'Artois, con quien en 1282 fue a ver a Carlos de Anjou, rey de Sicilia, en Nápoles. Durante su estancia en Nápoles, se creó el "Juego de Robin y Marion". - la obra más grande y significativa de un poeta-compositor.

Estas obras son la prehistoria del nacimiento de la comedia musical francesa del siglo XVI. y operetas del siglo XIX.

Ejemplos del arte de los trovadores llegaron a Alemania en los siglos XII y XIII y atrajeron allí la atención; Las letras de las canciones están traducidas al alemán, incluso las melodías a veces están acompañadas de nuevas palabras. El desarrollo desde la segunda mitad del siglo XII (hasta principios del siglo XV) del minnesang alemán como encarnación artística de la cultura caballeresca local hace que este interés por el arte musical y poético de los trovadores franceses, especialmente entre los primeros minnesingers, bastante comprensible.

El arte de los Minnesingers se desarrolló casi un siglo después que el arte de los trovadores, en una situación histórica ligeramente diferente, en un país donde al principio no existían bases tan sólidas para la formación de una nueva cosmovisión puramente secular.

El mayor representante del Minnesang fue Walter von der Vogelweide, poeta, autor de “Parsifal” Wolfram von Eschenbach. Así, la leyenda que subyace al Tannhäuser de Wagner se basa en hechos históricos.

Sin embargo, la actividad de los minnesingers alemanes no se limitó en modo alguno al servicio y las actuaciones en la corte: fueron los más destacados los que pasaron una parte importante de sus vidas en viajes lejanos.

Entonces, el arte del minnesang no es tan unidimensional: combina varias tendencias y el lado melódico es generalmente más progresivo que el poético. La variedad de géneros de las canciones de los Minnesingers es en muchos aspectos similar a las cultivadas por los trovadores provenzales: canciones de los cruzados, canciones de amor líricas. varios tipos, melodías de baile.

La música sacra de finales de la Edad Media también continúa desarrollándose. La presentación musical polifónica se desarrolló ampliamente.

El desarrollo de la escritura polifónica, inicialmente característica del arte eclesiástico, también condujo a la formación de nuevos géneros musicales de contenido tanto espiritual como secular. El género más común de polifonía se está convirtiendo. motete.

El motete, que tenía un gran futuro por delante, se desarrolló de forma muy intensa en el siglo XIII. Su origen se remonta al siglo anterior, cuando surgió en relación con la actividad creativa del colegio de Notre Dame y tuvo inicialmente una finalidad litúrgica.

El motete del siglo XIII es una obra polifónica (generalmente a tres voces) de tamaño pequeño o mediano. La característica de género del motete fue la dependencia inicial de una muestra melódica ya preparada (de melodías de iglesia, de canciones seculares) sobre la que se superponían otras voces de diferente naturaleza e incluso a veces de diversos orígenes. El resultado fue una combinación de diferentes melodías con diferentes letras.

En la interpretación de determinados motetes podían participar instrumentos (vielas, psalterium, órgano). Finalmente, en el siglo XIII, también ganó popularidad una forma única de polifonía cotidiana, llamada rondel, rota, ru (rueda). Este es un canon cómico que también conocían los shpilmans medievales.

A finales del siglo XIII, el arte musical de Francia marcó en gran medida la pauta en Europa occidental. La cultura musical y poética de los trovadores y trovadores, así como etapas importantes En el desarrollo de la polifonía, influyó en parte en el arte musical de otros países. En la historia de la música, el siglo XIII (aproximadamente desde la década de 1230) recibió la designación "Ars antiqua" ("arte antiguo").

ARS NOVA EN FRANCIA. GUILLAUME MACHAUT

Hacia 1320 se creó en París una obra teórico-musical de Philippe de Vitry titulada “Ars nova”. Estas palabras, "arte nuevo", resultaron ser eslogan: de ellas surgió la definición de "la era del Ars nova", que hasta el día de hoy se suele atribuir a la música francesa del siglo XIV. Las expresiones “arte nuevo”, “nueva escuela”, “nuevos cantantes” se encontraban a menudo en la época de Philippe de Vitry, no sólo en obras teóricas. Ya sea que los teóricos apoyaran o condenaran las nuevas tendencias, ya sea que las condenara el Papa, en todas partes tenían en mente algo nuevo en el desarrollo del arte musical que no existía antes de la llegada de las formas desarrolladas de polifonía.

El mayor representante de Ags nova en Francia era Guillaume de Machaut-famoso poeta y compositor de su época, cuyo patrimonio creativo se estudia también en la historia de la literatura.

No importa lo complicado que se volvió en el siglo XIV. mayor desarrollo Con formas polifónicas, la línea de arte musical y poético proveniente de los trovadores y trouvères no se perdió completamente en la atmósfera del Ars nova francés. Si Philippe de Vitry era ante todo un músico erudito y Guillaume de Machaut se convirtió en maestro de los poetas franceses Sin embargo, ambos eran poetas-músicos, es decir, en este sentido, parecían continuar las tradiciones de los trouvères del siglo XIII. Al final, no mucho tiempo separa la actividad creativa de Philippe de Vitry, que comenzó a componer música alrededor de 1313-1314, e incluso la actividad de Machaut (de 1320 a 1330), de los últimos años. vida creativa Adama de la Al (m. 1286 o 1287).

Papel histórico Guillaume d'Machau es mucho más significativo. Sin él, no habría Ars nova en Francia. Fue su creatividad musical y poética, abundante, original, multigénero, la que concentró los principales rasgos de esta época. Su arte parece combinar líneas que pasan, por un lado, de la cultura musical y poética de los trovadores y trouvères en su base de canciones antiguas, y por el otro, de las escuelas francesas de polifonía de los siglos XI-111.

Desafortunadamente, no sabemos nada sobre la trayectoria de vida de Masho hasta 1323. Lo que se sabe es que nació hacia 1300 en Machaut. Fue un poeta muy educado, de amplia erudición y un verdadero maestro en su oficio como compositor. Dado su innegable gran talento, debería, por supuesto, haber recibido una preparación exhaustiva para la actividad literaria y musical. La primera fecha con la que se relaciona el hecho de la biografía de Machaut es 1322-1323, cuando comenzó su servicio en la corte del rey Juan de. Luxemburgo de Bohemia (primero en el cargo de secretario, luego secretario del rey). Durante más de veinte años, Machaut estuvo en la corte del rey de Bohemia, a veces en Praga, a veces participando constantemente en sus campañas, viajes, fiestas, cacerías, etc. En el séquito de Juan de Luxemburgo, tuvo la oportunidad de visitar los principales centros de Italia, Alemania y Polonia. Probablemente todo esto dejó a Guillaume de Machaut muchas impresiones y enriqueció completamente su experiencia de vida. Tras la muerte del rey de Bohemia en 1346, estuvo al servicio de los reyes franceses Juan el Bueno y Carlos V, y también recibió la canonización en la catedral de Notre Dame de Reims. Esto contribuyó a su fama como poeta. Machaut fue muy valorado durante su vida y, tras su muerte en 1377, sus contemporáneos lo glorificaron con magníficos epitafios. Machaut tuvo una influencia significativa en la poesía francesa y creó toda una escuela, que se caracteriza por las formas de lirismo poético que desarrolló.

La escala de la creatividad musical y poética de Machaut con el desarrollo multilateral de los géneros, la independencia de sus posiciones, que tuvo una fuerte influencia en los poetas franceses, la gran habilidad del músico, todo esto lo convierte en la primera personalidad tan importante en la historia de arte musical.

La herencia creativa de Masho es extensa y diversa. Creó motetes, baladas, rondós, cánones, etc.

Después de Machaut, cuando su nombre era muy venerado por poetas y músicos, y su influencia se sentía de una forma u otra en ambos, no tuvo sucesores verdaderamente importantes entre ellos. compositores franceses. Aprendieron mucho de su experiencia como polifonista, dominaron su técnica, continuaron cultivando los mismos géneros que él, pero de alguna manera refinaron su arte al complicar demasiado los detalles.

RENACIMIENTO

La importancia duradera del Renacimiento para la cultura y el arte de Europa occidental ha sido reconocida desde hace mucho tiempo por los historiadores y ha llegado a ser de conocimiento general. La música del Renacimiento está representada por una serie de nuevas e influyentes escuelas creativas, los gloriosos nombres de Francesco Landini en Florencia en el siglo XIV, Guillaume Dufay y Johannes Ockeghem en el siglo XV, Josquin Despres en principios del XVI siglos y una galaxia de clásicos de estilo estricto de finales del Renacimiento: Palestrina, Orlando Lasso.

Es el comienzo en Italia. nueva era Vino por el arte de la música en el siglo XIV. La escuela holandesa tomó forma y alcanzó sus primeros picos en el siglo XV, después de lo cual su desarrollo se expandió y su influencia de una forma u otra capturó a los maestros de otras escuelas nacionales. Los signos del Renacimiento aparecieron claramente en Francia en el siglo XVI, aunque sus logros creativos fueron grandes e innegables incluso en siglos anteriores. El auge del arte en Alemania, Inglaterra y algunos otros países incluidos en la órbita del Renacimiento se remonta al siglo XVI.

Así, en el arte musical de los países de Europa occidental, aparecen rasgos evidentes del Renacimiento, aunque con cierta desigualdad, dentro de los siglos XIV-XVI. La cultura artística del Renacimiento, en particular la cultura musical, sin duda no se apartó de los mejores. logros creativos Baja Edad Media. La complejidad histórica del Renacimiento radicó en el hecho de que el sistema feudal aún se conservaba en casi todas partes de Europa y se produjeron cambios significativos en el desarrollo de la sociedad, que en muchos sentidos prepararon el inicio de una nueva era. Esto se expresó en el ámbito socioeconómico, vida política, en la ampliación de los horizontes de los contemporáneos: geográficos, científicos, artísticos, en la superación de la dictadura espiritual de la iglesia, en el surgimiento del humanismo, el crecimiento de la autoconciencia de una personalidad significativa. Con particular brillo, los signos de una nueva cosmovisión aparecieron y se consolidaron entonces en la creatividad artística, en el avance de diversas artes, para las cuales la “revolución de las mentes” que produjo el Renacimiento fue extremadamente importante.

No hay duda de que el humanismo, en su sentido "renacentista", inyectó enormes fuerzas nuevas en el arte de su época, inspiró a los artistas a buscar nuevos temas y determinó en gran medida la naturaleza de las imágenes y el contenido de sus obras. Para el arte de la música, el humanismo significó, ante todo, profundizar en los sentimientos humanos, reconocerlos como nuevos. valor estético. Esto contribuyó a la identificación e implementación de las propiedades más fuertes de la especificidad musical.

Toda la época en su conjunto se caracteriza por un claro predominio de los géneros vocales, en particular la polifonía vocal. Sólo muy lenta y gradualmente la música instrumental adquiere cierta independencia, pero su dependencia directa de las formas vocales y de las fuentes cotidianas (danza, canto) se superará sólo un poco más tarde. Los principales géneros musicales siguen asociados al texto verbal.

El gran camino El desarrollo del arte musical desde el siglo XIV hasta finales del XVI no fue en modo alguno simple y directo, así como toda la cultura espiritual del Renacimiento no se desarrolló única y exclusivamente en línea recta ascendente. En el arte de la música, como en campos afines, existía a la vez su propia “línea gótica” y su propia, estable y tenaz herencia de la Edad Media.

El arte musical de los países de Europa occidental ha alcanzado un nuevo hito en la diversidad de escuelas creativas italianas, holandesas, francesas, alemanas, españolas, inglesas y otras, y al mismo tiempo con tendencias generales claramente expresadas. Ya se habían creado clásicos de estilo estricto, estaba en marcha una especie de "armonización" de la polifonía, se intensificaba el movimiento hacia la escritura homofónica, aumentaba el papel de la individualidad creativa del artista, se destacaba la importancia de la música cotidiana y su impacto en la alta música. El nivel del arte profesional se estaba fortaleciendo, los géneros musicales seculares se enriquecieron e individualizaron figurativamente (especialmente el madrigal italiano), la música instrumental joven se acercaba al umbral de la independencia. El siglo XVII recibió todo esto directamente del siglo XVI, como legado del Renacimiento.

ARS NOVA EN ITALIA. FRANCESCO LANDINI

El arte musical italiano del siglo XIV (Trecento) en general produce una asombrosa impresión de frescura, como la juventud de un estilo nuevo y recién emergente. La música de Ars es nueva en Italia y es precisamente atractiva y fuerte por su carácter puramente italiano y sus diferencias con el arte francés de la misma época. Ars es nueva en Italia: ya es el comienzo del Renacimiento, su importante presagio. No fue casualidad que Florencia se convirtiera en el centro de la actividad creativa de los representantes italianos del Ars nova, cuya importancia era de suma importancia tanto para la nueva literatura de dirección humanística como, en gran medida, para las bellas artes.

El período Ars nova abarca el siglo XIV, desde aproximadamente los años 20 hasta los 80, y está marcado por el primer verdadero florecimiento de la creatividad musical secular en Italia. El Ars nova italiano se caracteriza por un predominio innegable obras seculares sobre lo espiritual. En la mayoría de los casos, se trata de ejemplos de letras musicales o de algún tipo de piezas de género.

En el centro del movimiento Ars nova se alza la figura de Francesco Landini, un artista rico y polifacético que causó una fuerte impresión en sus contemporáneos progresistas.

Landini nació en Fiesole, cerca de Florencia, en la familia de un pintor. Después de sufrir viruela en la infancia, quedó ciego permanentemente. Según Villani, comenzó temprano a estudiar música (primero cantando y luego tocando instrumentos de cuerda y órgano). Su desarrollo musical avanzó a una velocidad asombrosa y asombró a quienes lo rodeaban. Estudió excelentemente el diseño de muchos instrumentos, realizó mejoras e inventó nuevos diseños. Con el paso de los años, Francesco Landini superó a todos los músicos italianos de su tiempo.

Fue especialmente famoso por tocar el órgano, por lo que, en presencia de Petrarca, fue coronado con laureles en Venecia en 1364. Los investigadores modernos lo atribuyen. obras tempranas hacia 1365-1370. En la década de 1380, la fama de Landini como compositor ya había eclipsado los éxitos de todos sus contemporáneos italianos. Landini murió en Florencia y fue enterrado en la Iglesia de San Lorenzo; La fecha de su lápida es el 2 de septiembre de 1397.

Hoy en día se conocen 154 composiciones de Landini. Entre ellos predominan las baladas.

La obra de Landini esencialmente pone fin al período Ars nova de Italia. No hay duda de que el nivel general del arte de Landini y las cualidades que lo caracterizan no permiten considerarlo provinciano, primitivo o puramente hedonista.

En las dos últimas décadas del siglo XIX, se produjeron cambios en el arte musical de Italia, que primero violaron la integridad de la posición del Ars Nova y luego condujeron al final de su era. El arte del siglo X pertenece ya a un nuevo período histórico.

Resumen sobre la asignatura “Música”, grado 7.

Durante la Edad Media, surgió en Europa un nuevo tipo de cultura musical: la feudal, que combinaba el arte profesional, la creación musical amateur y el folclore. Dado que la iglesia domina en todos los ámbitos de la vida espiritual, la base del arte musical profesional es la actividad de los músicos en iglesias y monasterios. El arte profesional secular estuvo inicialmente representado únicamente por cantantes que creaban e interpretaban cuentos épicos en la corte, en las casas de la nobleza, entre los guerreros, etc. (bardos, escaldos, etc.). Con el tiempo, se desarrollaron formas amateurs y semiprofesionales de composición musical de caballería: en Francia, el arte de los trovadores y trouvères (Adam de la Halle, siglo XIII), en Alemania, los minnesingers (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, Siglos XII-XIII), así como artesanos urbanos. En los castillos y ciudades feudales se cultivan todo tipo de géneros, géneros y formas de canciones (épica, “amanecer”, rondó, baladas, etc.).

Nuevos instrumentos musicales están apareciendo en la vida cotidiana, incluidos los que vinieron de Oriente (viola, laúd, etc.), y están surgiendo conjuntos (de composición inestable). El folclore florece entre los campesinos. También hay "profesionales populares": narradores, artistas ambulantes (malabaristas, mimos, juglares, shpilmans, bufones). La música cumple principalmente funciones aplicadas y espirituales-prácticas. La creatividad aparece en unidad con la actuación (normalmente en una sola persona) y con la percepción. La colectividad domina tanto en el contenido de la música como en su forma; el principio individual se subordina al general, sin sobresalir de él (un maestro músico es el mejor representante de la comunidad). En todo reinan la estricta tradición y la canonicidad. La consolidación, preservación y difusión de tradiciones y estándares (pero también su actualización gradual) se vio facilitada por la transición de las neumas, que indicaban sólo aproximadamente la naturaleza del movimiento melódico, a la notación lineal (Guido d'Arezzo, siglo XI), que hizo posible registrar con precisión el tono de los tonos y luego su duración.

Poco a poco, aunque lentamente, se enriquece el contenido de la música, sus géneros, formas y medios de expresión. En Europa occidental desde los siglos VI-VII. Estaba surgiendo un sistema estrictamente regulado de música religiosa univocal (monódica) basado en modos diatónicos (canto gregoriano), que combinaba recitación (salmodia) y canto (himnos). A principios del primer y segundo milenio, la polifonía comenzó a surgir. Se están formando nuevos géneros vocales (corales) y vocales-instrumentales (coro y órgano): organum, motete, dirección y luego misa. En Francia, en el siglo XII, se formó la primera escuela de compositores (creativos) en la catedral de Notre Dame (Leonin, Perotin). A la vuelta del Renacimiento (estilo ars nova en Francia e Italia, siglo XIV) en la música profesional, la monofonía es reemplazada por la polifonía, la música comienza a liberarse gradualmente de funciones puramente prácticas (servicio de los ritos de la iglesia), la importancia de los géneros seculares. , incluidas las canciones, aumenta en él (Guillaume de Masho). Muchos musicólogos (incluido Pierre Aubry) dedicaron sus obras a la música medieval en Europa.

Del siglo XII en el arte se refleja la antítesis característica de la estética de la Edad Media, cuando la música sacra - “ nueva canción“se contrasta con la música “antigua”, es decir, la música pagana. Al mismo tiempo, la música instrumental tanto en la tradición cristiana occidental como en la oriental se consideraba un fenómeno menos digno que el canto.

"Libro de Horas de Maastricht", rito de Maastricht. Primer cuarto del siglo XIV. Países Bajos, Lieja. Biblioteca Británica. Stowe MS 17, f.160r / Detalle de una miniatura de las Horas de Maastricht, Países Bajos (Lieja), 1er cuarto del siglo XIV, Stowe MS 17, f.160r.

La música es inseparable de las vacaciones. Los actores viajeros (animadores profesionales y animadores) estaban asociados con las vacaciones en la sociedad medieval. Las personas de este oficio, que se ganaron el amor popular, recibieron nombres diferentes en los monumentos escritos. Los autores de la iglesia utilizaban tradicionalmente nombres romanos antiguos clásicos: mime / mimus, pantomime / pantomimus, histrion / histrio. Generalmente se aceptó el término latino bromista: bromista, bromista, bromista. Los representantes de la clase del espectáculo eran llamados bailarines/saltadores; bufones /balatro, scurra; músicos /musicus. Los músicos se distinguían por tipos de instrumentos: citarista, cimbalista, etc. El nombre francés “jongler” / jongleur se generalizó especialmente; en España correspondía a la palabra “huglar” /junglar; en Alemania - "Spielmann", en Rusia - "bufón". Todos estos nombres son prácticamente sinónimos.

Sobre los músicos y la música medievales, de forma breve y fragmentaria.

2.

Libro de Horas de Maastricht, BL Stowe MS 17, f.269v

Ilustraciones - de un manuscrito holandés del primer cuarto del siglo XIV - "Libro de Horas de Maastricht" en la Biblioteca Británica. Las imágenes de fronteras marginales nos permiten juzgar la estructura de los instrumentos musicales y el lugar de la música en la vida.

Desde el siglo XIII, los músicos ambulantes acuden cada vez más a castillos y ciudades. Junto con los caballeros y representantes del clero, los juglares de la corte rodean a sus mecenas coronados. Los músicos y cantantes son participantes indispensables en las diversiones de los habitantes de los castillos de caballeros, compañeros de caballeros y damas enamoradas.

3.

f.192v

Allí las trompetas y los trombones retumbaron como truenos,
Y las flautas y flautas sonaron como plata,
El sonido de arpas y violines acompañaba el canto,
Y las cantantes recibieron muchos vestidos nuevos por su celo.

[Kudruna, poema épico alemán del siglo XIII]

4.

f.61v

Teórico y musica practica incluido en el programa de entrenamiento del caballero ideal, era venerado como un pasatiempo noble y refinado. Les encantaba especialmente la melodiosa viola con sus delicados acordes y el arpa melódica. El solo vocal estuvo acompañado de viola y arpa no solo por malabaristas profesionales, sino también por poetas y cantantes famosos:

“Tristram era un estudiante muy capaz y pronto dominó a la perfección las siete artes principales y muchos idiomas. Luego estudió siete tipos de música y se hizo famoso como un músico famoso que no tenía igual."

["La saga de Tristram e Ysonda", 1226]

5.


f.173v

En todas las versiones literarias de la leyenda, Tristán e Isolda son hábiles arpistas:

Cuando él cantaba, ella tocaba,
Luego ella lo reemplazó...
Y si uno cantaba, el otro
Golpeó el arpa con la mano.
Y cantando, lleno de melancolía,
Y los sonidos de las cuerdas debajo de tu mano
Convergieron en el aire y allí
Despegaron juntos hacia los cielos.

[Gottfried de Estrasburgo. Tristán. Primer cuarto del siglo XIII]

6.


f.134r

De las “biografías” de los trovadores provenzales se sabe que algunos de ellos improvisaban con instrumentos y luego fueron llamados “violares”.

7.


f.46r

Federico II Staufen (1194-1250), emperador del Sacro Imperio Romano Germánico de la nación alemana, “tocaba varios instrumentos y se entrenó en el canto”

8.

f.103r

Las mujeres también tocaban arpas, violas y otros instrumentos, generalmente malabaristas y, en ocasiones, niñas de familias nobles e incluso personas de alto rango.

Así, el poeta de la corte francesa del siglo XII. cantó la reina vielista: “La reina canta dulcemente, su canto se funde con el instrumento. Las canciones son buenas, las manos hermosas, la voz suave, los sonidos tranquilos”.

9.


f.169v

Los instrumentos musicales fueron variados y mejorados gradualmente. Los instrumentos relacionados de la misma familia formaron muchas variedades. No hubo una unificación estricta: sus formas y tamaños dependían en gran medida de los deseos del maestro fabricante. En las fuentes escritas, instrumentos idénticos a menudo tenían nombres diferentes o, por el contrario, se ocultaban tipos diferentes bajo el mismo nombre.

Las imágenes de instrumentos musicales no están relacionadas con el texto; no soy un experto en este tema.

10.


f.178v

El grupo de instrumentos de cuerda se dividió en familias de instrumentos de arco, laúd y arpa. Las cuerdas estaban hechas de intestinos de oveja retorcidos, crin de caballo o hilos de seda. Del siglo XIII se fabricaban cada vez más con cobre, acero e incluso plata.

Los instrumentos de cuerda, que tenían la ventaja de un sonido deslizante con todos los semitonos, eran los más adecuados para acompañar la voz.

El maestro de música parisino del siglo XIII, John de Grocheo/Grocheio, colocó la viola en el primer lugar entre las cuerdas: en ella se transmiten de manera más sutil “todas las formas musicales”, incluidas las de danza.

11.

f.172r

Al representar la celebración de la corte en la epopeya "Wilhelm von Wenden" (1290), el poeta alemán Ulrich von Eschenbach destacó especialmente la viela:

De todas las cosas que he oído hasta ahora,
La viela sólo es digna de elogios;
Es bueno que todos lo escuchen.
Si tu corazón está herido,
Entonces este tormento será sanado.
Por la suave dulzura del sonido.

Enciclopedia musical [M.: Enciclopedia soviética, compositor soviético. Ed. Yu.V.Keldysh. 1973-1982] informa que viela es uno de los nombres comunes para los instrumentos de cuerda de arco medievales. No sé qué quiso decir Ulrich von Eschenbach.

12.

f.219v. Haga clic en la imagen para ver una herramienta más grande

14.

f.216v

En las ideas de la Edad Media, la música instrumental tenía múltiples significados, tenía cualidades polares y evocaba emociones directamente opuestas.

“A algunos les lleva a la alegría vacía, a otros a la alegría pura y tierna y, a menudo, a las lágrimas santas”. [Petrarca].

15.

f.211v

Creían que la música moderada y de buen comportamiento, que suaviza la moral, introduce las almas en armonía divina, facilita la comprensión de los misterios de la fe.

16.


f.236v

Por el contrario, las excitantes melodías orgiásticas sirven para corromper a la raza humana, llevando a la violación de los mandamientos de Cristo y a la condenación definitiva. A través de la música desenfrenada muchos vicios penetran en el corazón.

17.


f.144v

Los jerarcas de la Iglesia siguieron las enseñanzas de Platón y Boecio, quienes distinguían claramente entre la “armonía del cielo” ideal y sublime y la música vulgar y obscena.

18.


f.58r

Los monstruosos músicos que abundan en los campos de los manuscritos góticos, incluido el Libro de Horas de Maastricht, son la encarnación de la pecaminosidad del oficio de los histriones, que eran al mismo tiempo músicos, bailarines, cantantes, entrenadores de animales, narradores de cuentos, etc. Los Histrion fueron declarados "siervos de Satanás".

19.


f.116r

Criaturas grotescas tocan instrumentos reales o grotescos. El mundo irracional de tocar con entusiasmo híbridos musicales es aterrador y divertido al mismo tiempo. Los espíritus malignos “surrealistas”, que adoptan innumerables formas, cautivan y engañan con música engañosa.

20.


f.208v

A principios del siglo XI. Notker Gubasty, siguiendo a Aristóteles y Boecio, señaló tres cualidades de una persona: un ser racional, un ser mortal, que sabe reír. Notker consideraba una persona capaz de reír y provocar risas.

21.


f.241r

Durante las vacaciones, los espectadores y oyentes, entre otros, eran entretenidos por excéntricos musicales que parodiaban y con ello desencadenaban los números "serios".

En manos de dobles de risa en el “mundo de adentro hacia afuera”, donde las relaciones habituales se trastornan, los objetos aparentemente inadecuados para tocar música comenzaron a “sonar” como instrumentos.

22.


f.92v. El cuerpo de un dragón se asoma por debajo de la ropa de un músico que toca un gallo.

El uso de objetos en un papel que les resulta inusual es una de las técnicas de la comedia slapstick.

23.


f.145v

La creación musical fantástica correspondía a la cosmovisión de las fiestas cuadradas, cuando se borraban los límites habituales entre los objetos, todo se volvía inestable y relativo.

24.

f.105v

En opinión de intelectuales de los siglos XII-XIII. surgió una cierta armonía entre el espíritu sagrado incorpóreo y la alegría desinhibida. La “alegría espiritual” serena e iluminada, el mandamiento del “regocijo en Cristo” incesante son característicos de los seguidores de Francisco de Asís. Francisco creía que la tristeza constante no agrada a Dios, sino al diablo. En la poesía provenzal antigua, la alegría es una de las más altas virtudes cortesanas. Su culto fue generado por la cosmovisión de los trovadores que afirmaba la vida. "En una cultura multitonal, los tonos serios suenan de manera diferente: se ven afectados por los reflejos de los tonos de risa, pierden su exclusividad y singularidad, se complementan con un aspecto de risa".

25.

f.124v

La necesidad de legalizar la risa y el chiste no excluía la lucha contra ellos. Los fanáticos de la fe tildaron a los malabaristas de “miembros de la comunidad diabólica”. Al mismo tiempo, reconocieron que aunque el malabarismo es un oficio triste, ya que todos necesitan vivir, servirá, siempre que se respete la decencia.

26.

f.220r

"La música tiene gran poder e influencia sobre las pasiones del alma y del cuerpo; de acuerdo con esto se distinguen melodías o modos musicales. Después de todo, algunos de ellos son tales que, con su regularidad, alientan a quienes los escuchan a vivir una vida honesta, intachable, humilde y piadosa”.

[Nikolái Orem. Tratado sobre la configuración de las cualidades. Siglo XIV]

27.


f.249v

"Timbales, laúdes, arpas y cítaras
Estaban acalorados y las parejas entrelazadas.
En un baile pecaminoso.
Ha sido un juego toda la noche.
Comiendo y bebiendo hasta la mañana.
Así entretenían a Mammón en forma de cerdo.
Y cabalgaron en el templo de Satanás”.

[Chocer. Los cuentos de Canterbury]

28.


f.245v

Melodías seculares que “hacen cosquillas en el oído y engañan a la mente, nos alejan del bien” [Juan Crisóstomo], era considerado como un producto de una fisicalidad pecaminosa, una creación astuta del diablo. Su influencia corruptora debe combatirse con restricciones y prohibiciones estrictas. La música caótica y caótica de los elementos infernales es parte de la “liturgia de adentro hacia afuera”, la “adoración de ídolos” del mundo.

29.


f.209r

Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) da testimonio de la tenacidad de tales opiniones cuando recuerda al arcipreste de la catedral de Khlynovsk, una pequeña ciudad de la provincia de Saratov.

“A nosotros, los graduados, nos hizo una incursión en el campo del arte, en particular en la música: “Pero cuando empiece a sonar, los demonios empezarán a moverse bajo tus pies... Y si empiezas a cantar canciones, entonces las colas De vuestras gargantas saldrán demonios que subirán y subirán”.

30.


f.129r

Y en el otro polo. Originada del Espíritu Santo, la música excitante de un ideal elevado, la música de las esferas fue considerada como la encarnación de la armonía sobrenatural del universo creada por el Creador; de ahí los ocho tonos del canto gregoriano, y como una imagen. de armonía en la iglesia cristiana. Una combinación razonable y proporcionada de varios sonidos daba testimonio de la unidad de la bien ordenada ciudad de Dios. La coherencia armoniosa de las consonancias simbolizaba las relaciones armoniosas de elementos, estaciones, etc.

La melodía adecuada deleita y mejora el espíritu, es “un llamado a una forma de vida exaltada, instruyendo a aquellos que se dedican a la virtud a no permitir nada no musical, discordante, discordante en su moral”. [Gregorio de Nisa, siglo IV]

Notas al pie/Literatura:
Kudrun / Ed. preparado R. V. Frenkel. M., 1983. P. 12.
La leyenda de Tristán e Isolda / Ed. preparado A. D. Mijailov. M., 1976. pág. 223; Pág.197, 217.
Canción de los Nibelungos / Transl. Yu. B. Korneev. L., 1972. P. 212. “Las melodías más dulces” de los juglares sonaban en los jardines y salones del castillo.
Estética musical de la Edad Media y el Renacimiento de Europa occidental / Comp. textos de V. P. Shestakov. M., 1966. pág.242
Struve B. A. El proceso de formación de violas y violines. M., 1959, pág. 48.
CülkeP. Mönche, Bürger, Minnesänger. Leipzig, 1975. pág. 131
Darkevich V.P. Cultura popular de la Edad Media: vida festiva secular en el arte de los siglos IX-XVI. - M.: Nauka, 1988. P. 217; 218; 223.
Estética del Renacimiento / Comp. V. P. Shestakov. M., 1981. T. 1. P. 28.
Gurevich A. Ya. Problemas de la cultura popular medieval. Pág. 281.
Bakhtin M. Estética de la creatividad verbal. M., 1979. P. 339.
Petrov-Vodkin K. S. Khlynovsk. Espacio euclidiano. Samarcanda. L., 1970. pág.41.
Averintsev S.S. Poética de la literatura bizantina temprana. M., 1977. págs. 24, 25.

Fuentes del texto:
Darkevich Vladislav Petrovich. Vida festiva secular de la Edad Media siglos IX-XVI. Segunda edición, ampliada; M.: Editorial "Indrik", 2006.
Darkevich Vladislav Petrovich. Cultura popular de la Edad Media: vida festiva secular en el arte de los siglos IX-XVI. - M.: Nauka, 1988.
V. P. Darkevich. Músicos parodias en miniaturas de manuscritos góticos // “El lenguaje artístico de la Edad Media”, M., “Ciencia”, 1982.
Boecio. Instrucciones para música (extractos) // "Estética musical de la Edad Media y el Renacimiento de Europa occidental" M.: "Música", 1966
+ enlaces dentro del texto

Otras entradas con ilustraciones del Libro de Horas de Maastricht:

PD Marginalia - dibujos en los márgenes. Probablemente sería más exacto llamar a algunas ilustraciones miniaturas de media página.

El arte musical de la Edad Media se desarrolló a lo largo de más de 1000 años. Esta es una etapa tensa y contradictoria en la evolución del pensamiento musical, desde la monodia (una sola voz) hasta la polifonía más compleja. Durante la Edad Media, se mejoraron muchos instrumentos musicales europeos y se formaron géneros tanto de música religiosa como de iglesia. musica secular, han surgido famosas escuelas de música en Europa: holandesa, francesa, alemana, italiana, española, etc.

En la Edad Media hubo dos direcciones principales en el desarrollo de la música: la música sacra y el entretenimiento secular. Al mismo tiempo, la música secular era condenada por la religión y considerada una “obsesión diabólica”.

La música era uno de los instrumentos de la religión, un medio “improvisado” que servía a los propósitos de la iglesia, así como una de las ciencias exactas. La música se colocó junto a las matemáticas, la retórica, la lógica, la geometría, la astronomía y la gramática. La iglesia desarrolló el canto y escuelas de compositores con énfasis en la estética musical numérica (para los estudiosos de la época, la música era la proyección del número sobre la materia sonora). Esto también estuvo influenciado por el helenismo tardío, las ideas de Pitágoras y Platón. Según este enfoque, la música no tenía un significado independiente; era una alegoría de la música divina y superior.

Entonces, la música se dividió en 3 tipos:

• La música del mundo es la música de las esferas y los planetas. Según la estética musical-numérica de la Edad Media, cada planeta sistema solar Fue dotado de sonido, tono propio y el movimiento de los planetas creó la música celestial. Además de los planetas, también se dio su propio tono a las estaciones.
• Música humana: cada órgano, parte del cuerpo, el alma humana estaba dotado de su propio sonido, que formaba una consonancia armoniosa.
• Música instrumental- el arte de tocar instrumentos, música para entretener, el tipo más bajo de jerarquía.

La música sacra era vocal, coral y la música profana era instrumental-vocal. La música instrumental se consideraba ligera, frívola y los teóricos de la música de esa época no la tomaban en serio. Aunque el oficio de juglar requería grandes habilidades interpretativas por parte de los músicos.

El período de transición de la Edad Media a la era moderna en Europa, que duró casi dos siglos y medio. Durante este período se produjeron cambios significativos en muchos ámbitos de la vida; La ciencia y el arte experimentaron un rápido florecimiento. El período del Renacimiento se divide en muchos componentes y fases de desarrollo. También se le asocian varias supersticiones, tan arraigadas que incluso hoy en día se necesitan esfuerzos considerables para refutarlas.

• El primer error, y probablemente el principal, es considerar (como muchos ideólogos del Renacimiento) que el Renacimiento es precisamente un renacimiento, una resurrección de la cultura y la civilización, que se produjo después de un largo período de bárbara "Edad Media", una época oscura. un período de ruptura en el desarrollo de la cultura. Este prejuicio se basa en un completo desconocimiento de la Edad Media y de la estrecha conexión entre ésta y el Renacimiento; como ejemplo, bastará nombrar dos completamente Varias áreas- poesía y vida económica. Dante vivió en el siglo XIII, es decir. V clímax Edad Media, Petrarca - en el XIV. En cuanto a la vida económica, su verdadero renacimiento también se produjo en el siglo XIII, una época de rápido desarrollo del comercio y la banca. Dicen que debemos el Renacimiento al redescubrimiento de autores antiguos, pero esto también es superstición. Se sabe que durante este período solo se descubrieron dos manuscritos griegos antiguos, el resto ya se encontraba en Occidente (principalmente en Francia), porque Europa Occidental experimentó un regreso a la antigüedad asociado con el interés por el hombre y la naturaleza en los siglos XII y XIII. .
• La segunda superstición está asociada con la confusión de dos componentes del Renacimiento, opuestos entre sí, a saber, el llamado humanismo y las nuevas ciencias naturales. El humanismo es hostil a toda lógica, a toda razón, a toda ciencia natural, que considera un trabajo “mecánico”, indigno de una persona culta llamada a ser escritor, retórico, político. La figura del hombre del Renacimiento, que combina a Erasmo de Rotterdam y Galileo, es mítica, y la creencia en una imagen única del mundo inherente al Renacimiento no es más que una superstición.
• El tercer prejuicio es el elogio de la filosofía del Renacimiento como “grande” en comparación con la escolástica que la precedió.

De hecho, con la excepción de Nicolás de Cusa (lejos del espíritu del Renacimiento) y Galileo (que vivió al final del Renacimiento), los filósofos del Renacimiento, según Kristeller, no fueron ni buenos ni malos: eran no filósofos en absoluto. Muchos de ellos eran escritores destacados, científicos, expertos en textos antiguos, famosos por su mente burlona y aguda y su habilidad literaria. Pero casi no tenían nada que ver con la filosofía. Por tanto, contrastarlos con los pensadores de la Edad Media es pura superstición.

• • Otro error es considerar el Renacimiento como una revolución violenta, una ruptura total con el pasado. De hecho, durante este período se producen cambios profundos, pero todos están conectados orgánicamente con el pasado y, en cualquier caso, sus orígenes se pueden encontrar en la Edad Media. Estos cambios tienen raíces tan profundas en el pasado que uno de los mayores especialistas del Renacimiento, Huizinga, tenía todos los motivos para llamar a esta época el “otoño de la Edad Media”.

Finalmente, también es una superstición la opinión de que las personas que vivieron durante el Renacimiento, al menos la mayoría de ellos, eran protestantes, monistas, ateos o racionalistas de espíritu. De hecho, la gran mayoría representantes famosos El Renacimiento, y en el campo de la filosofía casi todos, desde Leonardo y Ficino hasta Galileo y Campanella, eran católicos, a menudo celosos partidarios y defensores de la fe católica. Así, Marsilio Ficino, a la edad de 40 años, aceptó la fe cristiana y creó la apologética católica de la Nueva Era.

El teórico de la música medieval Guido Aretinsky (finales del siglo X) da la siguiente definición de música:

"La música es el movimiento de los sonidos vocales".

En esta definición, el teórico de la música medieval expresó la actitud hacia la música de toda la cultura musical europea de esa época.

Géneros musicales de música eclesiástica y profana.

La fuente de la música sacra de la Edad Media fue el ambiente monástico. Los cánticos se aprendían de oído en las escuelas de canto y se difundían entre la comunidad de la iglesia. Ante el surgimiento de una gran variedad de cantos, la Iglesia católica decidió canonizar y regular los cantos que reflejan la unidad de la doctrina cristiana.

Así apareció el coral, que se convirtió en la personificación de la tradición musical de la iglesia. Sobre esta base surgieron otros géneros, creados específicamente para determinadas vacaciones y servicios.

La música sacra de la Edad Media está representada por los siguientes géneros: coral, canto gregoriano: un canto religioso a una sola voz en latín, claramente regulado, interpretado por un coro, algunas secciones por un solista.

• • • La Misa es el principal servicio divino de la Iglesia Católica y consta de 5 partes estables (ordinarias) - I. Kyrie eleison (Señor, ten piedad), II. Gloria (gloria), III. Credo (creo), IV. Sanctus (santo), V. Agnus Dei (cordero de Dios).
    • Liturgia, drama litúrgico: un servicio de Pascua o Navidad, donde los cantos gregorianos se alternaban con melodías-tropos no canonizadas, las liturgias eran interpretadas por el coro, las partes de los personajes (María, la Evangelista) eran interpretadas por solistas, a veces algo parecido. de disfraces aparecieron
    • Misterio: drama litúrgico con extensa acción escénica y vestuario.
    • Rondel (rondo, ru): un género polifónico de la Edad Media madura y tardía, se basó en la melodía del autor (a diferencia del coral canonizado), que fue interpretada de manera improvisada por solistas que se turnaban ( forma temprana canon)
    • Proprium: parte del género de la misa, que cambia según el calendario de la iglesia (a diferencia de la parte sin cambios de la misa: el ordinarium)
    • La antífona es el género más antiguo de música coral de iglesia, basado en la alternancia de partes de dos grupos corales.

Muestras de música de iglesia:

1) Canto de kyrie eleyson

2) Secuencia victimae Pashali

La música profana de la Edad Media era principalmente música de músicos viajeros y se caracterizaba por la libertad, la individualidad y la emotividad. Además, la música profana formaba parte de la cultura cortesana y caballeresca de los señores feudales. Dado que el código prescribía al caballero modales refinados, generosidad, magnanimidad, deberes de servir a la bella dama, estos bandos no pudieron evitar encontrar su reflejo en las canciones de trovadores y minnesingers.

La música secular la interpretaban mimos, malabaristas, trovadores o trouvères, juglares (en Francia), minnesingers, shpilmans (en los países alemanes), hoglars (en España), bufones (en Rusia). Estos artistas no sólo debían poder cantar, actuar y bailar, sino también realizar espectáculos de circo, trucos de magia, escenas de teatro, y tuvo que entretener al público de otras formas.
Debido a que la música era una de las ciencias y se enseñaba en las universidades, los señores feudales y los nobles que recibían una educación podían aplicar sus conocimientos en el arte.
Así, la música también se desarrolló en el ambiente de la corte. En contraste con el ascetismo cristiano, la música caballeresca glorificaba el amor sensual y el ideal de la Bella Dama. Entre la nobleza, los músicos eran conocidos: Guillaume VII, conde de Poitiers, duque de Aquitania, Jean de Brienne, rey de Jerusalén, Pierre Moclair, duque de Bretaña, Thibault de Champaña, rey de Navarra.

Los principales rasgos y características de la música profana de la Edad Media:

• • • se basa en el folclore, interpretado no en latín, sino en lenguas nativas, dialectos,
    • La notación no se utiliza entre los artistas itinerantes; la música es una tradición oral (más tarde, la escritura musical se desarrolló en el entorno de la corte).
    • el tema principal es la imagen del hombre en toda la diversidad de su vida terrenal, el amor sensual idealizado
    • Monofonía: como una forma de expresar sentimientos individuales en forma poética y de canción.
    • interpretación vocal-instrumental, el papel de los instrumentos aún no es muy alto, principalmente introducciones, interludios y codas eran instrumentales
    • la melodía era variada, pero el ritmo estaba canonizado; en esto estaba influenciado por la música de la iglesia, solo había 6 variedades de ritmo (modos rítmicos), y cada uno de ellos tenía un contenido estrictamente figurativo;

Trouvères, trovadores y minnesingers, tocando música cortesana y caballeresca, crearon sus propios géneros originales:

• • • Canciones “Weaving” y “May”
    • Rondo: una forma basada en un estribillo repetido
    • Balada - forma de canción textual-musical
    • Virele es una antigua forma poética francesa con una estrofa de tres versos (el tercer verso está acortado), la misma rima y estribillo.
    • Epopeya heroica (“La canción de Roldán”, “La canción de los Nibelungos”)
    • Canciones de los cruzados (canciones de Palestina)
    • Canzona (los Minnesingers la llamaban alba): una canción lírica de amor

Gracias al desarrollo de la cultura urbana en los siglos X - XI. El arte secular comenzó a desarrollarse más activamente. Los músicos viajeros eligen cada vez más un estilo de vida sedentario y habitan manzanas enteras de la ciudad.

Es interesante que los músicos errantes de los siglos XII y XIII. Volver a temas espirituales. La transición del latín a las lenguas locales y la enorme popularidad de estos artistas les permitió participar en representaciones espirituales en las catedrales de Estrasburgo, Rouen y Reims. Cambraí. Con el tiempo, algunos músicos viajeros recibieron el derecho de organizar actuaciones en los castillos de la nobleza y en las cortes de Francia, Inglaterra, Sicilia y otros países.

En los siglos XII y XIII, entre los músicos errantes aparecieron monjes fugitivos, estudiantes errantes, personas de los estratos más bajos del clero: vagantes y goliardos.

Los músicos sedentarios formaron gremios musicales enteros en las ciudades medievales: la Hermandad de San Julián (París, 1321), la Hermandad de San Nicolás (Viena, 1288). Los objetivos de estas asociaciones eran proteger los derechos de los músicos, preservar y transmitir las tradiciones profesionales.

En los siglos XIII - XVI. Se forman nuevos géneros, que se desarrollan aún más en la era del Ars Nova:

• • • Motete (del francés - "palabra") es un género polifónico, que se distingue por la disimilitud melódica de voces que entonan simultáneamente diferentes textos, a veces incluso en idiomas diferentes, podría ser tanto secular como espiritual.
    • Madrigal (del italiano - "canción en la lengua nativa", es decir, italiano) - canciones pastorales, líricas y de amor,
    • Caccia (del italiano - "caza") es una pieza vocal sobre el tema de la caza.

Música profana de trovadores y compositores profesionales.

Información adicional:

En nuestra era de la información, la era de la alta tecnología, a menudo nos olvidamos de los valores espirituales duraderos. Uno de estos valores es la música clásica, la herencia espiritual de nuestros antepasados. ¿Qué es la música clásica, por qué es necesaria? al hombre moderno? ¿Por qué mucha gente piensa que esto es muy aburrido? Intentemos comprender estas cuestiones difíciles. A menudo se oye la opinión de que la música clásica supuestamente fue escrita hace mucho tiempo. Esto no es así, ya que este concepto significa todo lo mejor que se ha creado en el mundo de la música a lo largo de toda la existencia de la civilización humana. La sonata de Beethoven, creada en el siglo XVIII, y la novela romántica de Sviridov, escrita hace 40 años, ¡son todos clásicos! Lo principal es que esta música ha resistido la prueba del tiempo. Tanto en la época de Beethoven como ahora hay marchantes de arte que producen productos musicales de baja calidad. Este producto se deteriora muy rápidamente, pero el verdadero arte es cada día más bello.

Aparición de notas

La escritura, gran invento de la humanidad, permitió acumular y transmitir pensamientos, ideas e impresiones a las generaciones futuras. Otro invento, no menos genial, la notación musical, permitió transmitir sonidos y música a los descendientes. Antes de las notas, la música europea utilizaba signos especiales: neumas.

Inventor sistema moderno notación musical - monje benedictino Guido Aretino (Guido d'Arezzo) (990-1050). Arezzo es una pequeña ciudad de la Toscana, no lejos de Florencia. En el monasterio local, el hermano Guido enseñó a cantar a los cantantes. himnos de la iglesia. Esta no fue una tarea fácil y larga. Todos los conocimientos y habilidades se transmitieron oralmente en comunicación directa. Los cantantes, bajo la guía del maestro y en su voz, aprendieron secuencialmente cada himno y cada himno de la Misa católica. Por lo tanto, el “curso de formación” completo duró unos 10 años.

Guido Arettini comenzó a marcar sonidos con notas (de la palabra latina nota - signo). Las notas, cuadrados sombreados, estaban colocadas en un pentagrama formado por cuatro lineas paralelas. Ahora hay cinco de estas líneas y las notas están representadas por círculos, pero el principio introducido por Guido no ha cambiado. Las notas más altas se representan en una regla más alta. Hay siete notas, forman una octava.

Guido le dio un nombre a cada una de las siete notas de la octava: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Estas son las primeras sílabas del himno de San Pedro. John. Cada línea de este himno se canta en un tono más alto que la anterior.

Las notas de la siguiente octava se llaman igual, pero se cantan en voz más alta o más baja. Al pasar de una octava a otra, la frecuencia del sonido denotado por la misma nota aumenta o disminuye a la mitad. Por ejemplo, los instrumentos musicales se afinan en la nota La de la primera octava. Esta nota tiene una frecuencia de 440 Hz. La nota La de la siguiente octava segunda corresponderá a una frecuencia de 880 Hz.

Los nombres de todas las notas, excepto la primera, terminan en un sonido vocal, lo que las hace fáciles de cantar. La sílaba ut está cerrada y es imposible cantarla como las demás. Por lo tanto, el nombre de la primera nota de la octava, ut, fue reemplazado en el siglo XVI por do (probablemente de la palabra latina Dominus - Señor). La última nota de la octava, si, es una abreviatura de las dos palabras de la última línea del himno, Sancte Ioannes. En los países de habla inglesa, el nombre de la nota “B” fue reemplazado por “Ti” para evitar confusión con la letra C, también utilizada en notación musical.

Habiendo inventado las notas, Guido enseñó a los cantantes este alfabeto único y también les enseñó a cantar a partir de notas. Es decir, lo que en las escuelas de música modernas se llama solfeo. Ahora bastaba con escribir toda la misa en notas y los cantantes podían cantar ellos mismos la melodía deseada. Ya no era necesario enseñarles a todos cada canción personalmente. Guido sólo tenía que controlar el proceso. El tiempo de formación de los cantantes se ha reducido cinco veces. En lugar de diez años, ¡dos años!

Placa conmemorativa en Arezzo, en Via Ricasolli, en la casa donde nació Guido. Representa notas cuadradas.

Hay que decir que el monje Guido de Arezzo no fue el primero en tener la idea de grabar música mediante signos. Antes que él, en Europa occidental ya existía un sistema de neumas (de la palabra griega “pneumo” - aliento), iconos colocados sobre el texto de los salmos para indicar la subida o bajada del tono de la canción. En Rusia, con el mismo fin, utilizaron su propio sistema de “ganchos” o “banners”.

Las notas cuadradas de Guido Aretinsky, colocadas en cuatro líneas del pentagrama, resultaron ser el sistema más simple y conveniente para grabar música. Gracias a ella Notación musical extendido por todo el mundo. La música salió de los confines de la iglesia y pasó primero a los palacios de gobernantes y nobles, y luego a los teatros, salas de conciertos y plazas de las ciudades, pasando a ser propiedad de todos.

¿Qué es el traste?

Los modos son uno de los términos centrales de la teoría musical. Comprender cómo se construyen y utilizarlos con habilidad abre posibilidades ilimitadas para el músico. Y a menudo es imposible explicar exactamente cómo se crea una transición interesante en una composición particular, si una persona no comprende qué es un modo. Pero hay un problema: el término “modo” lo utilizan los propios músicos y a menudo no significa lo mismo. ¿Porqué es eso? ¿Y qué está bien de todos modos? La confusión surgió del hecho de que esta palabra tenía significados muy diferentes en diferentes épocas.

No nos damos cuenta de hasta qué punto nuestra percepción está educada y ligada a la música clásica. (Mientras que el concepto de “música moderna” se aleja de los principios clásicos). La era del clasicismo es una gran ruptura histórica en la percepción humana del mundo. Después de la Edad Media, la gente descubrió el arte antiguo y quedó fascinado por él. Cualquier obra del clasicismo se basa en cánones estrictos, revelando así la armonía y la lógica del universo mismo. El clasicismo creó un orden estructural: una jerarquía clara de superior e inferior, principal y secundario, central y subordinado. Por eso, por ejemplo, a partir de los clásicos vieneses y la música romántica, pensamos en el sistema “mayor-menor”. ¿Qué es y cómo afecta nuestra percepción?

Mayor y menor son modos tonales. Un modo tonal es un determinado sistema de relaciones entre tonos. ¿Qué significa? ¿Qué es el tono? Intentemos resolverlo. Supongamos que tienes un piano frente a ti: mira el teclado: el habitual do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 teclas blancas y entre ellas 5 negras más, 12 en total. La distancia entre cada una. dos de ellos son un semitono. Entre el blanco y el negro adyacentes siempre hay un medio tono. Entre los blancos adyacentes hay un tono (hay excepciones de mi-fa y si-do son semitonos).

Cualquier conjunto de tonos y semitonos es una escala. En la era del clasicismo, comenzaron a construirlo con una estricta subordinación de todos los tonos a la tónica, el tono principal. Este es un modo mayor o menor. Toda la música tonal (toda la música clásica) se construye precisamente sobre la relación entre las armonías principales y subordinadas. De oído, distinguimos intuitivamente entre mayor y menor por su color: "alegre" o "triste". Un modo alterno es cuando una pieza contiene simultáneamente características mayores y menores. Pero tienen un principio común: el tonal.

Sin embargo, este principio no es el único posible. Antes de la era del clasicismo, cuando todo finalmente estaba ordenado en un armonioso sistema de tonalidades, el pensamiento musical era diferente. Jónico, Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico, Locrio... Estos son los modos de octava de los griegos. También hubo modos eclesiásticos de música gregoriana. Todos estos son modos modales. Compusieron música en la antigüedad, la Edad Media y la tradición musical modal oriental (ragas indias o maqam árabe, por ejemplo). En la música de la Europa del Renacimiento también prevaleció la modalidad.

¿Cuál es la principal diferencia con el look tonal al que estamos acostumbrados? En los modos tonales existe una distinción estricta entre las funciones de las armonías y acordes principales, pero en la música modal son mucho más borrosas. Para el modo modal, la escala en sí misma es importante, así como los significados y colores que puede aportar a la música. Es por eso que distinguimos fácilmente la música india de los corales medievales de oído, por ciertas armonías y movimientos musicales.

En el siglo XX, los compositores parecían haber probado todas las opciones sonoras dentro de la música tonal. "¡Estoy aburrido, demonio!", Dijeron, y en busca de nuevos colores recurrieron a los viejos: giros y movimientos modales. Surgió así una nueva modalidad. Han aparecido nuevos modos en la música moderna, por ejemplo, el blues. Además, surgió un género especial: el jazz modal. Miles Davis, por ejemplo, llamó a la música modal “una desviación de la escala normal de siete notas, con cada nota aparentemente desenfocada”. Y dijo que “yendo en esta dirección, vas al infinito”. La cuestión es que los principios tonales y modales no son mutuamente excluyentes. En una obra sus características pueden mezclarse. La modalidad es como otra capa que se superpone al “mayor/menor” al que estamos acostumbrados. Y el uso de diferentes modos modales cambia el color de la música: por ejemplo, los giros del modo frigio son sombríos, porque su escala se compone principalmente de grados inferiores. Conocer estas características modales puede ayudarte a lograr un sonido interesante si escribes música.

Color, estado de ánimo, carácter: estos son signos de armonía que escuchamos, pero que a menudo no nos damos cuenta. A menudo en las canciones son las frases modales las que nos llaman la atención, porque son inusuales. Un oído entrenado en la música clásica reconoce este alejamiento de la vida cotidiana. Todo esto y mucho más se abre cuando entiendes el lenguaje de la música.

La cultura musical profesional de la Edad Media en Europa se asoció principalmente con la iglesia, es decir, con el ámbito de la música de culto. Lleno de religiosidad, el arte es canónico y dogmático, pero, sin embargo, no se congela, se aparta de la vanidad mundana al mundo desapegado del servicio al Señor; Sin embargo, junto con esa música "superior", estaba el folclore, el trabajo de músicos errantes, así como una noble cultura caballeresca.

Cultura musical sagrada de la Alta Edad Media

en la era Alta Edad Media musica profesional Sonaba sólo en las catedrales y en las escuelas de canto anexas a ellas. El centro de la cultura musical de la Edad Media en Europa occidental fue la capital de Italia, Roma, la misma ciudad donde estaban ubicadas las "autoridades supremas de la iglesia".

En 590-604, el Papa Gregorio I llevó a cabo una reforma del canto religioso. Organizó y recopiló varios cantos en la colección “Antifonario Gregoriano”. Gracias a Gregorio I, se formó una dirección llamada canto gregoriano en la música sacra de Europa occidental.

Coral- Este es, por regla general, un canto de una sola voz, que refleja las tradiciones centenarias de los pueblos europeos y de Medio Oriente. Fue esta suave melodía monofónica la que tenía como objetivo guiar a los feligreses a comprender los fundamentos del catolicismo y aceptar una sola voluntad. El coral fue interpretado principalmente por un coro y sólo algunas partes por solistas.

La base del canto gregoriano era un movimiento progresivo a lo largo de los sonidos de los modos diatónicos, pero a veces en el mismo coral también había salmodias lentas y severas y cantos melismáticos de sílabas individuales.

La interpretación de tales melodías no se confiaba a cualquiera, ya que requería habilidades vocales profesionales por parte de los cantantes. Al igual que la música, el texto de los cánticos en un idioma latino incomprensible para muchos feligreses evoca humildad, desapego de la realidad y contemplación. A menudo, la dependencia de seguir el texto también determinaba el diseño rítmico de la música. El canto gregoriano no puede considerarse una música ideal; es más bien el canto de un texto de oración.

Masa – genero principal compositor de música de la Edad Media

Grupo católico - el principal servicio de adoración de la iglesia. Combina tipos de canto gregoriano como:

• antifonal (cuando dos coros cantan alternativamente);
• Responsor (alternativamente cantantes solistas y coro).

La comunidad participó únicamente en el canto de oraciones comunes.
Posteriormente, en el siglo XII. En la misa aparecieron himnos (salmos), secuencias y caminos. Eran textos adicionales que tenían rima (a diferencia del coral principal) y una melodía especial. Estos textos religiosos con rimas eran mucho mejor recordados por los feligreses. Cantando junto con los monjes, variaron la melodía y los elementos folclóricos comenzaron a filtrarse en la música sacra y sirvieron como motivo para la creatividad original (Monje Notker Zaika y Tokelon - Monasterio de San Golen). Posteriormente, estas melodías reemplazaron por completo las partes salmódicas y enriquecieron significativamente el sonido del canto gregoriano.

Los primeros ejemplos de polifonía vinieron de los monasterios, como organum - movimiento en cuartas o quintas paralelas, gimel, faubourdon - movimiento en acordes de sexta, conducción. Los representantes de esta música son los compositores Leonin y Perotin (Catedral de Notre Dame - siglos XII-XIII).

Cultura musical secular de la Edad Media.

El lado secular de la cultura musical de la Edad Media estuvo representado por: en Francia - malabaristas, mimos, juglares , en Alemania - tacones de aguja, en España - hoglars, en Rusia - bufones. Todos ellos eran artistas viajeros y combinaban en su creatividad tocar instrumentos, cantar, bailar, hacer magia, espectáculo de marionetas, arte circense.

Otro componente de la música secular fue la música caballeresca, la llamada cultura cortesana . El código caballeresco especial formado establecía que cada uno de los caballeros debía tener no sólo coraje y valentía, sino también modales refinados, educación y ser devoto de la Bella Dama. Todos estos aspectos de la vida de los caballeros se reflejan en las obras. trovadores(sur de Francia - Provenza), Trouvères(norte de Francia), Minnesingers(Alemania).

Su trabajo se presenta principalmente en letras de amor, cuyo género más común era la canzona (albas - "Morning Songs" entre los Minnesingers). Utilizando ampliamente la experiencia de los trovadores, los trouvères crearon sus propios géneros: "canciones de mayo", "canciones de tejido".

El área más importante de géneros musicales de los representantes de la cultura cortesana fueron los géneros de canciones y danzas, como el rondó, el virele, la balada, epopeya heroica. El papel de los instrumentos era muy insignificante; se reducía a enmarcar melodías vocales con una introducción, un interludio y un posludio.

Edad Media madura siglos XI-XIII.

Un rasgo característico de la Edad Media madura es el desarrollo cultura burguesa . Su orientación era el antiiglesiismo, el librepensamiento y la conexión con el humor y el folclore carnavalesco. Están apareciendo nuevos géneros de polifonía: el motete, que se caracteriza por la disimilitud melódica de las voces; además, en el motete se cantan diferentes textos simultáneamente e incluso en diferentes idiomas; madrigal es una canción en lengua nativa (italiano), caccia es una pieza vocal con texto que describe una cacería.

A partir del siglo XII se incorporaron al arte popular vagantes y goliardos, quienes, a diferencia de los demás, sabían leer y escribir. Las universidades se convirtieron en portadoras de la cultura musical de la Edad Media. Dado que el sistema de modos de la Edad Media fue desarrollado por representantes de la música sacra, comenzaron a llamarse modos de la iglesia (modo jónico, modo eólico).

También se propuso la doctrina de los hexacordos: solo se utilizaron 6 pasos en los modos. El monje Guido Aretinsky desarrolló un sistema más avanzado de notación de notas, que consistía en la presencia de 4 líneas, entre las cuales había una tercera proporción y un signo clave o coloración de las líneas. También introdujo un nombre silábico para los escalones, es decir, la altura de los escalones comenzó a indicarse mediante signos alfabéticos.

Ars Nova siglos XIII-XV.

El período de transición entre la Edad Media y el Renacimiento fue el siglo XIV. Este período en Francia e Italia se llamó Ars Nova, es decir, “arte nuevo”. Ha llegado el momento de nuevos experimentos en el arte. Los compositores comenzaron a componer obras cuyo ritmo se volvió mucho más complejo que las anteriores (Philippe de Vitry).

Además, a diferencia de la música sacra, aquí se introdujeron semitonos, como resultado de lo cual comenzaron a producirse aumentos y disminuciones aleatorias de tonos, pero esto aún no es modulación. Como resultado de tales experimentos, se obtuvieron obras interesantes, pero no siempre armoniosas. El músico experimental más brillante de esa época fue Solazh. La cultura musical de la Edad Media estaba más desarrollada en comparación con la cultura del mundo antiguo, a pesar de las limitaciones de medios, y contenía las condiciones previas para el florecimiento de la música durante el Renacimiento.