La creación musical en conjunto como método de desarrollo integral de los estudiantes. El papel de la creación de música de conjunto en el desarrollo musical y la educación de los estudiantes de la escuela de música
Institución Educativa Autónoma Municipal de Educación Adicional para Niños
"Centro de creatividad infantil"
Música de conjunto en la clase de piano.
Realizado:
Profesor de educación adicional
Komissarova Larisa Anatolievna
Nizhnevartovsk, 2013
Introducción
La creación musical colectiva es una de las formas más accesibles de introducir a los alumnos en el mundo de la música. El ambiente creativo de estas clases implica la participación activa de los niños en el proceso de aprendizaje. La alegría y el placer de hacer música juntos desde los primeros días de formación es garantía de interés por este tipo de arte - la música. Al mismo tiempo, cada niño se convierte en un miembro activo del conjunto, independientemente del nivel de habilidades en este momento, que contribuye a la soltura psicológica, la libertad, un ambiente agradable en el aula. La creación conjunta de música contribuye al desarrollo de cualidades como la atención, la responsabilidad, la disciplina y la determinación. Los estudiantes se familiarizan con ejemplos destacados de literatura musical que, junto con lecciones de literatura musical, contribuye a la formación de sus horizontes musicales.
Objetivo – generalización pautas dirigido a mejorar la labor docente y educativa en la clase de conjunto de piano.
Tareas:
1. Trazar la historia de la formación de la música de conjunto como género.
2. Mostrar los momentos específicos de la creación de un dúo de piano.
3. Considerar métodos para superar las tareas técnicas y artísticas de la actuación conjunta.
4. El desarrollo de las habilidades profesionales que constituyen las lecciones de creación musical de conjunto.
La historia del dúo de piano.
Un dúo a cuatro manos es el único tipo de conjunto en el que dos personas interpretan una pieza musical en un instrumento. Las características de tocar a 4 manos se revelan mejor cuando se compara con el juego de los pianistas en dos instrumentos. Las diferencias entre estos conjuntos son muy grandes. Dos instrumentos dan a los intérpretes mucha más libertad, independencia en el uso de registros, pedales, etc., mientras que la proximidad de los pianistas a un teclado contribuye a su unidad interior y empatía.
Las diferencias en la naturaleza de los conjuntos también se reflejaron en la música creada para ellos: las obras para dos pianos gravitan hacia el virtuosismo, el concierto; obras de un dúo a cuatro manos al estilo de la música de cámara.
El dúo de piano en un piano se formó como género en el siglo XIX, y había muchas razones objetivas para ello.
Los instrumentos de teclado del pasado, como el clavicordio y el clavicordio, tenían teclados demasiado pequeños para acomodar fácilmente a dos jugadores. Su sonido no era brillante y no podía depender del número de notas tocadas. Además, el elegante estilo contrapuntístico de las obras del siglo XVI la mitad del XVIII siglos no tenían necesidad de más de un ejecutante.
Otra imagen surgió cuando apareció el piano de acción de martillo de rango extendido, con la capacidad de aumentar o disminuir gradualmente la sonoridad, con un resonador de pedal adicional. Este instrumento escondía en sí mismo posibilidades especiales al tocar dos pianistas. La plenitud y la fuerza de su sonido aumentaron rápidamente, se revelaron colores de timbre desconocidos, y el nuevo estilo de música homofónico realmente lo necesitaba.
El desarrollo de un tipo joven de conjunto (dúo de piano) avanzó con pasos rápidos. A principios del siglo XIX, tenía un amplio repertorio y se estableció como una forma independiente de hacer música. La razón de una difusión tan rápida y de una gran popularidad del dúo de pianos fue su carácter democrático.
Obras de cuatro pies finales del XVIII- principios del siglo XIX, a menudo diseñados para el nivel medio de piano, estaban disponibles para muchos aficionados, se utilizaron con éxito en la práctica pedagógica.
Se descubrió una nueva característica del dúo de piano, que lo hizo aún más popular: la textura a cuatro manos demostró ser capaz de reproducir efectos orquestales. La presencia de cuatro manos hizo posible transferir al piano tanto la saturación de tutti de sonido completo como una variedad de técnicas de extracción de sonido, trazos (por ejemplo, el sonido simultáneo de sonidos sostenidos, voces en movimiento tocando legato, staccato), y algunas cualidades tímbricas de los grupos orquestales.
Durante mucho tiempo, las versiones a cuatro manos de sinfonías, conjuntos de cámara, óperas, ballets fueron a menudo la única fuente de conocimiento de ellos. Esto contribuyó a la adquisición de una función muy importante del dúo de pianos: vocal y educativa. Así es como las masas de aficionados, así como de profesionales, se familiarizaron en el siglo pasado con obras de diferentes géneros. Arreglo de sinfonías y conjuntos de cámara-instrumentales.
Haydn, Mozart, Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Liszt, las óperas de Wagner y Verdi fueron a menudo las únicas fuentes de conocimiento de ellos.
Esta función del dúo de pianos conservó su importancia, que no puede subestimarse hasta el siglo XX.
En la obra artística del XX, tras la Primera Guerra Mundial, tendencias románticas. Ahora los intereses de los músicos están conectados con la búsqueda de nuevos timbres y combinaciones. Escribir obras en el género de dúo de piano casi no atrajo a los principales compositores del siglo XX. La difusión de los medios de comunicación de masas también dejó de lado la función cognitiva del dúo asociada al juego de transcripciones de sinfonías, literatura operística y de conjunto. Las bibliotecas de música caseras han suplantado la tradición de la música de cámara.
Después de la Segunda Guerra Mundial, aumentó el interés por el arte de la época borroca. El renacimiento de la música de los siglos XVII-XVIII va acompañado del renacimiento de los instrumentos de esa época, las tradiciones interpretativas y las condiciones de vida.
Hay muchos grupos de cámara nuevos: orquestas, coros, conjuntos.
La vida de los conciertos gravitó hacia las formas de reuniones musicales celebradas en museos y galerías de arte. Los festivales de música de cámara se extienden por doquier. Por lo tanto, aparecieron los requisitos previos para el renacimiento del género, que puede considerarse el emblema de la música de cámara: el dúo de piano.
En el último tercio del siglo XX en Europa y EE. UU. ha habido un resurgimiento activo del interés de los pianistas, intérpretes en el juego a 4 manos, y esto continúa hasta el día de hoy. La literatura a cuatro manos cubre composiciones de diversos grados de complejidad, destinadas a la creación de música en el hogar y al trabajo pedagógico y la interpretación en el escenario de un concierto.
En el género del dúo de piano, existen tesoros artísticos que aún no han sido descubiertos por los intérpretes, profesores y oyentes.
Fundamentos de la técnica de conjunto.
A diferencia de otros tipos de interpretación conjunta, un dúo de piano reúne a intérpretes de la misma “especialidad”, lo que facilita que se entiendan entre sí. Una guía pedagógica hábil, una metodología racional para trabajar en un conjunto presupone un conocimiento claro de las especificaciones de la interpretación en conjunto. La misma palabra "Ans" significa "unidad" en francés.
El juego conjunto se diferencia del solo en que tanto el plan general como todos los detalles de la interpretación son fruto de la reflexión y la imaginación creadora no de uno, sino de dos intérpretes.
Las clases de conjunto comienzan con un dueto. Los socios pueden ser:
Maestro - estudiante. El maestro juega con el estudiante en la lección. En las piezas para principiantes, la primera parte es monofónica, y la segunda parte de bajo, destinada al profesor, contiene complemento o acompañamiento armónico.
Dos estudiantes. Unir niños de la misma edad y el mismo nivel de formación. Como cada uno de ellos no quiere comprometerse frente al otro, surge algo así como una competencia tácita, que es un incentivo para un juego más atento.
La interpretación de un conjunto técnicamente competente implica, en primer lugar:
sincronía al tomar y quitar sonido;
equilibrio de sonoridad en doblaje y acorde dividido entre socios;
coordinación de técnicas de extracción de sonido;
proporcionalidad en la combinación de varias voces realizadas por diferentes socios;
observancia de la generalidad del pulso rítmico;
unidad de dinámica, fraseo.
La complicación de las tareas artísticas amplía las tareas técnicas del juego conjunto.
Aterrizar con tocar a cuatro manos con un instrumento se ve agravado por el hecho de que cada pianista tiene a su disposición solo la mitad del teclado.
Los compañeros deben poder “compartir” el teclado y mantener los codos de tal manera que no interfieran entre sí, especialmente cuando convergen o cruzan la dirección de voz.
El intérprete de la parte de Secondo pedalea, porque sirve como base (bajo, armonía) de la melodía, pasando con mayor frecuencia en los registros superiores.
Es necesario estar atento a lo que sucede en el partido vecino, escuchar a un compañero, tener en cuenta sus "intereses" de actuación. La capacidad de escuchar no solo a ti mismo, sino al mismo tiempo a lo que toca el compañero, el sonido general de ambas partes, que se fusionan en un todo único. La observación del maestro - "No escuchas a tu pareja" debe entenderse de la siguiente manera: - "No escuchas lo que te juntan".
Debe escuchar, no a usted mismo, no a él, sino solo al sonido general del conjunto (ni "yo", ni "él", sino "nosotros").
La incapacidad para escuchar el sonido general afecta la posición misma del pianista: "irrumpiendo" en el teclado, solo sigue el movimiento de sus dedos, en lugares melodiosos gira la cabeza, escucha el sonido de la melodía. En tal "posición" puede obtener una idea distorsionada de su desempeño, sin mencionar el sonido de ambas partes. Es útil sugerir que un alumno que está tocando la parte de Secondo no hace más que pedalear mientras otro toca la parte de Primo.
Inmediatamente queda claro cuán inusual es esto y requiere atención y habilidad especiales. Puedes intercambiar socios, deja claro que esto requiere cierta habilidad.
Los pianistas no tienen la habilidad de contar pausas largas, bien conocida por los músicos de orquesta. El más simple y metodo efectivo superar la tensión en las pausas, el miedo de perder el momento de la presentación - perder la música de la pareja. Entonces la pausa deja de ser una tediosa expectativa y se llena de un vivo sentimiento musical.
Comenzar a tocar juntos, sincronizar dos sonidos no es tan fácil, requiere mucho entrenamiento y comprensión mutua. Es necesario explicar a los estudiantes lo que técnicamente determina la recepción del swing de un director, aufact, y cómo puede ser utilizado por los pianistas. Cuando se ejecuta con uno o instrumentos paralelos, cuando las manos de cada uno son visibles para el otro, con un ligero movimiento de la mano (desde un punto superior claramente definido), un movimiento de cabeza o con la ayuda de un signo con el ojos si la mano no es visible. Es útil a la vez con este gesto que ambos pianistas tomen aire (toma un respiro). Esto hace que el comienzo sea natural, orgánico, alivia la tensión que lo aprisiona. Es necesario observar muy estrictamente la menor inexactitud en caso de coincidencia incompleta de sonidos. No menos importante es el final sincrónico, la "eliminación" del sonido.. Los acordes "irregulares", "peludos", en los que algunos sonidos duran más que otros, contaminan la pausa. Hay que decir que la pausa tiene un gran significado expresivo. La sincronicidad de los sonidos individuales no agota la tarea técnica, los socios necesitan lograr el equilibrio de su sonido. El equilibrio correcto debe lograrse no en un solo acorde, sino en voces paralelas. Desde los primeros compases, la interpretación en un conjunto requiere que los socios estén totalmente de acuerdo sobre los métodos de extracción del sonido (golpes). La coherencia del juego conjunto en una técnica separada y en el plan general es un área especial de trabajo. Las dificultades técnicas surgen no solo financieramente para cada parte, sino también en la coordinación de la actuación de los participantes del dúo. Surge una dificultad específica: lo que puede ser tocado sin dificultad por un pianista se vuelve técnicamente complejo si es tocado a dos manos por dos ejecutantes. Cada uno de ellos siente al mismo tiempo una incomodidad inusual.
Se requiere mucha atención al trabajo cuidadoso de los trazos, durante los cuales se refina el pensamiento musical, encontrando la forma más exitosa de su expresión. La elección de los trazos no puede ser realizada por el intérprete de cada parte por separado, porque los trazos en el conjunto están interconectados /. Solo con el sonido general de ambas partes se puede determinar la conveniencia artística y la persuasión de la solución de cualquier pregunta de trazo.
La búsqueda conjunta de la pronunciación más expresiva de cada frase conduce a la elección de los trazos más naturales para la imagen musical. La pronunciación simultánea o sucesiva de una frase musical requerirá de los ejecutantes del conjunto golpes que den un resultado de carácter similar al sonido.
Los pianistas deben poder pasar pasajes, melodías, acompañamientos, frases inconclusas “de mano en mano”, sin rasgar el tejido musical.
La dinámica de la actuación es de gran importancia en la actuación del conjunto. El inconveniente más común es la monotonía dinámica: todo se toca mf y f, rara vez p.
El rango dinámico de un conjunto a cuatro manos no debe ser más estrecho, sino más amplio que el de un solo, porque. la presencia de dos pianistas, le permite utilizar el teclado más plenamente, construir acordes más voluminosos, densos, pesados, incluso la distribución de la potencia de dos personas. Es importante lograr una comprensión clara de las gradaciones de forte y fortissimo. Determinar el plan dinámico general de la obra, determinar el clímax y aconsejar, fortissimo, jugar “con margen”. En cuanto al pianissimo, es muy posible que para el solo de cada compañero haya muchas más gradaciones antes del matiz mf: mp, p, pp.
La dinámica de la interpretación de una parte separada depende igualmente de lo que esté tocando el segundo miembro del conjunto en ese momento, cuáles son las características de la presentación de ambas partes. Cabe señalar el papel organizador del partido Secondo como base, fundamento de todo el conjunto en dinámicas de cambio y crecimiento.
Forte de la parte principal, más intenso que los acompañamientos. Con una textura transparente, el fuerte suena diferente que con uno denso. Trabajar el sonido es un área de gran trabajo. Antes de iniciar una interpretación conjunta, es necesario acordar qué mostrará la introducción, cuál será la naturaleza del sonido y qué técnica, y con qué fuerza comenzará la pieza.
debe ser definido ritmo . Una comprensión y sentimiento común del tempo es una de las tareas principales del conjunto. Los socios deben sentir el mismo ritmo. Al aprender, puede calcular la "medida vacía" en el tempo apropiado.
Un lugar especial en la actuación conjunta lo ocupa ritmo. Las fallas rítmicas en el conjunto, apenas perceptibles al tocar solo, pueden romper la integridad, desorientar a los compañeros y causar “accidentes” durante la interpretación.
El conjunto exige de los participantes un ritmo seguro e impecable; el ritmo tiene una cualidad especial: ser colectivo. Cada músico tiene su propio sentido del ritmo, y en el conjunto debe lograr un entendimiento mutuo, un acuerdo.
La desventaja más común de los estudiantes es la falta de claridad del ritmo y su estabilidad. Se produce una distorsión del patrón rítmico: en el ritmo punteado, cuando las semicorcheas se reemplazan por treinta segundos y se combinan con tresillos, en las polirritmias, cuando cambia el tempo.
Es posible una aceleración del tempo con un aumento en la fuerza de la sonoridad: la excitación emocional acelera el pulso rítmico; en pasajes rápidos; así como en lugares que son difíciles de realizar. Las dificultades técnicas provocan el deseo de "saltar" medidas peligrosas lo antes posible; y en el cambio general gradual en el tempo de la pieza (que es fácil de determinar comparando la ejecución de la coda con el comienzo).
La tarea especial del conjunto es la educación del ritmo colectivo, la calidad necesaria de la actuación del conjunto artístico. Se puede resolver estudiando mediante el estudio de diversas obras y el desarrollo de un contacto integral de socios en el proceso de ejecución. El ritmo debe ser vivo, flexible, expresivo.
Al comenzar a trabajar en un trabajo, debe hablar con los estudiantes sobre el carácter, el contenido musical. Para familiarizarse con el autor, época, estilo, forma, determinar el significado de cada parte. Es importante enseñarle a cada alumno su parte, lo que le permitirá tratar con más detenimiento el fraseo, el ritmo, los trazos, y luego realizar ensayos conjuntos. El objetivo final es crear una interpretación reflexiva de la imagen artística de la obra y su desempeño brillante y convincente.
Conclusión
La creación musical en conjunto tiene un enorme potencial de desarrollo para toda la gama de habilidades de los estudiantes: oído musical, memoria, sentimiento rítmico, motricidad; expande los horizontes musicales; Se educa y se forma el gusto artístico, la comprensión del estilo, la forma del trabajo.
Se desarrollan cualidades psicológicas profesionales: observación, criticidad, esfuerzo por mejorar el propio sonido, control auditivo, racionalización de los movimientos del juego profesional.
Los recursos se movilizan, aparece el significado de las clases, el niño siente el éxito, la única fuente de fuerza interna.
La creación de música de conjunto progresa notablemente. Anualmente se organizan festivales regionales, de toda Rusia e internacionales y concursos de conjuntos de piano para niños. Los conciertos de conjuntos infantiles son un éxito entre el público. Estas actuaciones contribuyen a la adquisición de confianza, un sentido de libertad escénica, inculcan el gusto y el interés por las actuaciones de concierto. Todo esto habla de la necesidad de hacer música en conjunto.
Referencias:
- A. Gottlieb las primeras lecciones del conjunto de piano M. Muzyka -1971
- T. Samoylovich Algunas cuestiones metodológicas del trabajo en la clase de conjunto de piano. Sobre la habilidad del músico de conjunto. M. Música 1988
- A. Stupel En el mundo de la música de cámara L. Music -1970
- Dúo de piano E. Sorokina. Historia del género M. Music 1988
Nikiforova Tatyana Veniaminovna profesora de MAOU DOD DSHI MO "distrito de Baryshsky" región de Ulyanovsk
La música de conjunto como método
desarrollo integral de un estudiante - un pianista
Tocar el piano a cuatro manos es una especie de creación musical conjunta, que siempre se ha practicado en cualquier nivel de dominio del instrumento. El valor pedagógico de este tipo de creación musical conjunta no es muy conocido y, por lo tanto, no se utiliza con mucha frecuencia en la enseñanza, aunque se conocen desde hace mucho tiempo los beneficios de la interpretación en conjunto para el desarrollo musical integral de un alumno.
El juego de conjunto es una forma de actividad que abre las oportunidades más favorables para un conocimiento completo y amplio de las obras musicales. Tal conocido da una idea de los diversos estilos artísticos varios eras históricas, porque junto al repertorio pianístico propiamente dicho se estudian arreglos de fragmentos de óperas, composiciones sinfónicas, instrumentales de cámara y vocales. Tocar en conjunto es un cambio constante de percepciones e impresiones, un gran flujo de diversas información musical. La importancia de tocar en conjunto radica en el hecho de que, al expandir los horizontes de lo que los estudiantes aprenden en música, reponiendo el fondo de sus impresiones auditivas, enriqueciendo la experiencia profesional, aumentando el bagaje de información específica, etc., es capaz de tocar un papel activo en la formación y desarrollo de la conciencia musical.
La creación de música en conjunto crea las condiciones más favorables para mejorar las cualidades musicales e intelectuales de un estudiante, principalmente porque tocar en un conjunto es una forma de trabajo que no siempre conduce a un concierto, sino que proporciona un suministro continuo de música fresca y variada. impresiones y experiencias, la creación musical en conjunto contribuye al desarrollo de la capacidad de respuesta emocional a la música. La acumulación de un stock de numerosas y brillantes representaciones auditivas estimula la formación de un oído musical y una imaginación artística. En el pico de la ola emocional, hay un aumento general en las acciones musicales e intelectuales. De esto se deduce que las lecciones de interpretación en conjunto son importantes no solo como una forma de ampliar los horizontes del repertorio o la acumulación de información teórico-musical e histórico-musical, estas lecciones contribuyen a la mejora cualitativa de los procesos. pensamiento musical.
Por lo tanto, tocar a cuatro manos es una de las formas más breves y prometedoras del desarrollo musical general de los estudiantes, ya que es en el proceso de tocar en conjunto donde los principales principios didácticos de la educación para el desarrollo se revelan de manera completa y clara:
aumento en el volumen de material musical estudiado e interpretado,
aceleración del ritmo de su paso.
El desarrollo de la inteligencia musical profesional recibe pleno desarrollo solo si se basa en la capacidad de aprender activamente, adquirir de forma independiente los conocimientos necesarios, la capacidad de navegar sin ayuda externa en toda la variedad de fenómenos del arte musical. En los procesos de formación del pensamiento musical, no solo juega un papel lo que adquiere el estudiante-intérprete en el curso de tocar el instrumento, sino también cómo se produjeron estas adquisiciones, de qué manera se lograron los resultados.
El efecto de desarrollo de la creación musical de conjunto se manifiesta sólo cuando se basa en una base metodológica racional. Esto incluye el componente de repertorio y la organización adecuada del trabajo en el trabajo y métodos reflexivos de orientación pedagógica. Por ejemplo, tomemos la selección de repertorio como ejemplo. Su decisión determina la organización del repertorio en el proceso de aprendizaje. Ya que el trabajo sobre una obra es el principal tipo de actividad educativa en las clases de disciplinas musicales y escénicas. Su potencial de desarrollo crece si la selección del repertorio del conjunto se lleva a cabo sobre la base de la similitud de las obras en una serie de características importantes (estilo, medios individuales de expresión musical, tipo de textura del piano, métodos técnicos) en bloques originales. La presencia en el trabajo del mismo tipo de fenómenos musicales, hechos, habilidades creará condiciones para su comprensión activa y generalización, lo que contribuye al desarrollo de la inteligencia musical. Este proceso es especialmente evidente cuando los estudiantes dominan el estilo musical. La mayoría de los profesores de música destacados (G.G. Neugauz, N.N. Shumnov, etc.) indican la necesidad de un amplio conocimiento del trabajo del autor de la obra en estudio. Este requisito corresponde al principio de confiar en el contenido teórico de la materia que se estudia, vinculando la educación pianística con el paso de un curso de disciplinas teóricas musicales.
Tal organización de "bloques" de material musical también se puede utilizar para asimilar ciertas formas y géneros de obras musicales, medios de expresividad interpretativa. En este caso, la forma de tocar en conjunto es la más apropiada para trabajar en el material que el estudiante necesita para un desarrollo musical completo. Una de las condiciones para desarrollar la capacidad de respuesta emocional a la música es confiar en los intereses musicales del estudiante. Es una buena idea involucrar al alumno en el proceso de elección del repertorio, teniendo en cuenta sus intereses artísticos individuales. La presencia de la energía creativa de un estudiante ayuda a hacer frente a muchas dificultades del crecimiento pianístico. La elección de las obras está sujeta tanto a la perspectiva de desarrollo del alumno como a las tareas inmediatas de la enseñanza. Al mismo tiempo, el profesor tiene en cuenta el grado de desarrollo musical y pianístico del alumno, sus logros y deficiencias en las obras aprendidas. Según la dificultad, cada obra debe corresponder mayor desarrollo sus dotes musicales y pianísticas, teniendo en cuenta su imprescindible versatilidad. Por lo tanto, la forma de conjunto de estudiar el repertorio implementa una serie de principios de la pedagogía de la cooperación: anticipación, establecimiento de objetivos, libre elección de aprendizaje sin coerción. Esta forma implica una política de repertorio más flexible y audaz encaminada al desarrollo armónico integral del alumno.
La cooperación entre un profesor y un alumno en pedagogía musical se entiende como co-creación. En el proceso de trabajar en una pieza musical, surgen las condiciones para la implementación de las ideas principales de la pedagogía de la cooperación: los principios de la educación creativa, el establecimiento de metas y objetivos, el cambio de la relación entre maestro y alumno. Para establecer un contacto creativo mutuo entre un maestro y un alumno, la interpretación conjunta de música en conjunto es un medio ideal. Desde el comienzo de enseñar a un niño a tocar un instrumento, aparecen una serie de tareas que deben resolverse en primer lugar: aterrizaje, posicionamiento de las manos, estudio del teclado, métodos de producción de sonido, notas, pausas, conteo, teclas etc. Pero entre la abundancia de tareas por resolver, es importante no perderse la principal: no solo mantener el amor por la música, sino también desarrollar un interés en Lecciones de musica. Depende de muchas condiciones, entre las que juega un papel importante la personalidad del profesor y sus contactos creativos con el alumno, ya que el profesor se convierte en la personificación de un músico y de una persona durante un tiempo determinado. Al interpretar la melodía más simple, el maestro se inspira en su estado de ánimo y le resulta más fácil transmitir ese estado de ánimo al alumno. Esta experiencia conjunta de la música es el contacto creativo más importante, que a menudo es decisivo para el éxito del estudiante y, lo que es más importante, dicho contacto contribuye a una mayor iniciativa del estudiante, desarrollando impresiones musicales vívidas para trabajar en una imagen artística. El deseo de desempeño es el primer éxito en el trabajo pedagógico y el principal criterio para el correcto acercamiento al alumno. Por lo tanto, el juego de un estudiante en un conjunto con un maestro incluye la posibilidad de transferir la experiencia musical y de vida, la interpretación y las opiniones estéticas del maestro al estudiante directamente en el proceso de interpretación musical. La forma de hacer música en conjunto es el ámbito de acción más visual y activo de los principios de la pedagogía de la cooperación y, al mismo tiempo, un ejemplo de su refracción creativa de acuerdo con las tareas y características de la pedagogía musical. La interpretación en conjunto es un terreno fértil para el nacimiento de resultados creativos en un ambiente de cooperación, compensando ciertas deficiencias. entrenamiento individual. La interpretación en conjunto tiene un papel especial en la etapa inicial del aprendizaje del instrumento: es el mejor remedio para interesar al niño, ayudando a colorear emocionalmente la etapa inicial de aprendizaje. El aprendizaje inicial del piano es un área de trabajo con un alumno que tiene sus propias características específicas. Destaca claramente el principio de tener en cuenta las características de edad del alumno. Básicamente, esta es la transición del juego a las actividades educativas y cognitivas, así como el proceso de dominar el conocimiento y las habilidades preparatorias. En ese momento, es importante que la transición del juego al entrenamiento y las actividades preparatorias se realice sin problemas y sin dolor. En esta situación, la forma ideal de trabajo con el alumno será la creación musical conjunta, en la que jugar con el profesor da alegría. Por ello, desde los primeros pasos de la formación, es necesario considerar la interpretación en conjunto como una forma de creación en el campo de la música, percepción directa, aunque elemental, pero artística.
La interpretación en conjunto debe considerarse inmediatamente como una forma de creación musical creativa. Se puede comparar la creación musical de conjunto con otros tipos colectivos de actividades interpretativas ( coro, conjuntos vocales y folclóricos, conjuntos instrumentales). Tocar en un conjunto desde el principio incluye a los estudiantes en una actividad musical activa: ya en los primeros meses de clases, puedes tocar con pequeñas piezas de piano o melodías de canciones con el "acompañamiento" de un maestro o un estudiante mayor en la clase. Por lo tanto, se resuelve una de las tareas principales de la educación inicial: a través de la interpretación conjunta, para atraer a los estudiantes a tocar el instrumento e introducirlos en el brillo y las imágenes del sonido del instrumento.
De este modo, el conjunto de piano es una forma colectiva de educación profesional de un músico basada en el método de enseñanza individual-grupal, con el desarrollo simultáneo de un sentido de colectivismo. Es en el juego de conjunto donde hay oportunidades favorables para el desarrollo de habilidades creativas. La interpretación en conjunto juega un papel importante en el logro de las siguientes tareas pedagógicas y creativas:
Formación de representaciones tonales en el desarrollo auditivo del alumno,
Desarrollo del oído armónico (selección de acompañamiento armónico de varias melodías),
Educación de la audición polifónica (definición auditiva de varias líneas de sonido combinadas entre sí en el desarrollo simultáneo),
Desarrollo de la audición dinámica del timbre (búsqueda creativa conjunta de varios colores de timbre, matices dinámicos, efectos de trazo),
Desarrollar el sentido del ritmo.
La creación musical en conjunto contribuye al desarrollo intensivo de todos los tipos de oído musical (tono, armónico, polifónico, tímbrico-dinámico),
Tocar en un conjunto le permite trabajar con éxito en el desarrollo del sentimiento rítmico y ayuda a sentar las bases elementales del ritmo y dominar categorías metro-rítmicas más complejas.
La creación musical en conjunto contribuye al desarrollo de la memoria analítica, lógica y racional,
El trabajo en el conjunto de piano desarrolla intensamente el pensamiento imaginativo de los estudiantes y forma conceptos musicales generalizados,
El juego de conjunto tiene un efecto positivo en el desarrollo de las habilidades para tocar,
El juego de conjunto se puede incluir en varias actividades de los estudiantes en clase de piano(improvisación, lectura a primera vista, selección de oído),
La creación musical en conjunto es una forma de cooperación entre un alumno y un profesor, permite tener en cuenta la edad y las características individuales de los alumnos, actuando como una actividad colectiva.
1.1. El conjunto como una de las formas efectivas educación musical estudiantes………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………3
2. Parte principal……………………………………………………………… 4
2.1. Organización pedagógica del proceso de trabajo con el conjunto escolar……………………………………………………4
2.2. Forma colectiva de trabajo………………………………...5
2.3. Disciplina externa y creativa en el conjunto…………7
2.4. La metodología de las clases de conjunto………………………….8
a) selección de repertorio…………………………………………...8
b) trabajo de trazos…………………………………………..9
c) trabajo sobre dinámicas………………………………………….9
d) aprender a leer música de una partitura……………………………….10
e) trabajo sobre la obra…………………………………….10
3. Conclusión……………………………………………………………….12
4. Lista de referencias …………………………………………………...13
1. Introducción
No es ningún secreto que la mayoría de los estudiantes de las escuelas de música estudian música no para elegir la profesión de músico, sino para el desarrollo y los horizontes musicales en general. La tarea de las escuelas de música no es solo preparar a los estudiantes para ingresar a las instituciones musicales profesionales, sino también educar a los promotores activos del conocimiento musical y estético: participantes en actuaciones de aficionados, aumentar el ejército de amantes de la música, oyentes alfabetizados de nuestras audiencias de conciertos, para formar personas cuyas vidas se enriquecerán gran regalo - la capacidad de escuchar y comprender la música.
Ahora es difícil sorprender a un niño moderno con algo, la gama de sus intereses es muy multifacética y amplia, ya que además de la escuela de música, los estudiantes asisten a algún otro círculo o sección, por lo que la tarea de la escuela de música (o escuela de arte ) el maestro no es solo para interesar y enseñar a tocar el instrumento sino también para mantenerlo. Cada niño debe encontrar su propio enfoque por separado, cada uno debe ser tratado a su manera. Uno de los interesantes y actividades emocionantes con el estudiante es el juego en el conjunto.
El conjunto como una de las formas efectivas de música
educando a los estudiantes
Un conjunto es un tipo de creación musical conjunta, que se ha practicado en todo momento, en cada oportunidad y en cualquier nivel de dominio del instrumento. Casi todos los compositores destacados escribieron en este género.
Las clases en el conjunto son una de las formas efectivas de educación musical y desarrollo del estudiante. Tocando en un conjunto, las interpretaciones colectivas brindan impresiones musicales vívidas al futuro músico profesional y al participante aficionado: el conjunto lo complace con sus posibilidades inesperadas, nuevas combinaciones de timbres, dinámica brillante y cautiva con lo común. tarea creativa une y dirige las emociones musicales.
Las clases en la clase de conjunto también ayudan a consolidar las habilidades adquiridas en las lecciones de una clase especial. Es necesario que las clases de ensamble estimulen el interés del alumno por el instrumento, por las lecciones de la especialidad e inculcar el amor por la creatividad colectiva. Un sentido de responsabilidad hacia un socio, equipo por el resultado. trabajo comun, la calidad de hablar en público debería surgir naturalmente en la clase de conjunto. Comprender el trabajo que se está realizando, "enamorarse" de él, crea una atmósfera de entusiasmo creativo colectivo, que es necesario para clases efectivas con niños. El maestro, revelando los "secretos" de la interpretación en conjunto y dirigiendo correctamente el entusiasmo de los niños, genera en ellos una disciplina creativa y escénica colectiva.
La capacidad de tocar música con varios compañeros o como parte de un gran equipo es necesaria en el futuro tanto para la participación en grupos de aficionados como para clases exitosas en conjuntos y clases de orquesta en escuelas de musica Vaya.
El conjunto, como disciplina académica, no siempre recibe la debida atención. A menudo, las horas previstas para hacer música son utilizadas por los profesores para lecciones individuales. Otro problema para los profesores de las escuelas de música es encontrar un repertorio adecuado. La falta de literatura relevante para los conjuntos bayan (acordeonistas) de la escuela de música ralentiza el proceso de aprendizaje y la oportunidad de mostrarse en el escenario del concierto. Muchos profesores mismos hacen transcripciones, arreglos de las obras que les gustan. Me gustaría señalar la importancia del trabajo en conjunto desde las primeras lecciones sobre el instrumento. Cuanto antes un estudiante comience a tocar en un conjunto, más competente, técnico, será el músico.
Muchos maestros de un instrumento especial practican conjuntos dentro de la clase. Pueden ser conjuntos homogéneos y mixtos. Iniciar mejor trabajo en conjunto con estudiantes de la misma clase.
2.1. Organización pedagógica del proceso de trabajo con el conjunto escolar.
La ejecución del dibujo más simple plantea serios desafíos para el estudiante. Incluso cuando toca una nota, el alumno se familiariza con el nombre de las teclas, con el rango del instrumento, domina los patrones rítmicos, la dinámica elemental, así como los movimientos iniciales de ejecución. Cuando toca en un conjunto, el estudiante se siente como un participante en la creación de música en toda regla, lo que ayuda a despertar su amor por la música.
Cultivar el interés por la música como lenguaje de los sentimientos es un momento muy importante en la educación primaria, ya que es en este período cuando se sientan las bases para el desarrollo de las capacidades creativas del alumno.
Cuando se realiza junto con un maestro, el alumno capta bastante bien las imprecisiones del ritmo y el tempo. El estudiante se convence a sí mismo de que incluso la más mínima desviación del tempo, la más mínima violación del ritmo, difícil de alcanzar en la interpretación en solitario, se nota inmediatamente cuando se toca en conjunto.
Por lo tanto, desde las primeras lecciones en la clase de conjunto, al mismo tiempo que aprende su parte, el estudiante recibe una idea concreta de una de las condiciones más importantes para tocar en conjunto: sincronismo de ejecución, unidad de pulso rítmico, tempo.
Sobre los mismos ejemplos sencillos, se asimila el papel y significado de una pausa en un texto musical. Por lo general, una pausa se "traga" o se memoriza formalmente, sin sentido. Lo mismo sucede a menudo con la ejecución de notas largas. Tocar en conjunto enseña el manejo cuidadoso de largas duraciones y pausas. Su papel en el contexto musical se vuelve, por así decirlo, más claro y mucho más rápido para el estudiante. Alternativamente con el profesor, ejecutando una nota larga sostenida o una pausa que acompaña a una frase musical, el docente se convence de la necesidad de escuchar el final de la frase sin “pisarla”, esperando su turno para ejecutar esa frase.
Una nota larga o pausa que acompaña a una frase, un motivo, sonando en otra voz, se percibe con naturalidad. Es muy importante que el pensamiento musical no se interrumpa en pausas y notas largas, para que estos momentos no se perciban como una parada en la música.
Por lo tanto, inculcar las habilidades de tocar en conjunto requiere un trabajo sistemático, paso a paso (de lo simple a lo complejo) y con un propósito durante mucho tiempo.
Como se mencionó anteriormente, aprender las habilidades elementales de tocar en un conjunto es más efectivo si el maestro es el primer compañero del alumno en el conjunto. Las clases en la clase de conjunto brindan una comprensión clara de las capacidades de entonación del piano, bayan y acordeón.
2.2. forma colectiva de trabajo
Los alumnos de primaria que comienzan su primera vez en un conjunto se benefician más de tocar a dúo. Seleccionar un repertorio interesante, ayudar a dominar lecciones individuales dificultades de jugar con un compañero, el maestro puede cautivar al alumno con esta forma de conjunto. Los dúos son un excelente trampolín para unísonos y otros conjuntos para dos o más voces.
Una de las tareas importantes es la selección de los miembros del conjunto, iguales en sus entrenamiento musical y dominio del instrumento. Es necesario tener en cuenta las relaciones interpersonales de los integrantes del conjunto. Si el equipo está formado por personas que se respetan y se valoran mutuamente, entonces las clases son más eficaces, los niños se reúnen más a menudo, ensayan más intensamente. Un clima moral y psicológico favorable en el conjunto es la clave para un trabajo exitoso.
El alumno muestra un mayor interés en las clases cuando no siente su propia impotencia, sino que disfruta de los resultados de su trabajo.
El juego conjunto se diferencia del juego en solitario principalmente en que tanto el plan general como todos los detalles de la interpretación son fruto de la reflexión y la imaginación creativa de no uno, sino de varios intérpretes y se realizan mediante sus esfuerzos comunes. La sincronicidad del sonido de conjunto se entiende como la coincidencia con la máxima precisión de las más pequeñas duraciones (sonidos o pausas) para todos los intérpretes. La sincronicidad es el resultado de las cualidades más importantes del conjunto: una comprensión y un sentimiento comunes del tempo y el pulso rítmico de los socios.
En el campo del tempo y el ritmo, las individualidades de los intérpretes son muy pronunciadas. Un ligero cambio en el tempo que es imperceptible en una actuación en solitario o una ligera desviación del ritmo cuando se toca en conjunto puede alterar drásticamente la sincronía. El músico de conjunto en tales casos "deja" al compañero, delante o detrás de él. El oyente capta la más mínima violación de la sincronía cuando se toca juntos. El tejido musical se rasga, la voz conductora de la armonía se distorsiona.
Tocar en un conjunto ayuda a un músico a superar sus deficiencias inherentes: la incapacidad de mantener el ritmo, un ritmo lento o excesivamente duro, ayuda a que su interpretación sea más segura, brillante y diversa.
Si elige hábilmente el repertorio, los muchachos tendrán confianza en sus habilidades, se activará el interés. Es muy útil para organizar un conjunto con un cantante. R. Schumann también aconsejó acompañar a los cantantes más a menudo para que los pianistas pudieran sentir más sutilmente el aliento de una frase musical, frente a un tipo de ciencia del sonido completamente diferente (en comparación con el piano): un canto largo, la duración del sonido de un frase, y su enorme flexibilidad.
Las lecciones de acompañamiento también son importantes para expandir el rango dinámico de un pianista, bayanista, acordeonista. Después de todo, cada acompañamiento debe tocarse de manera diferente, con diferente fuerza de sonido, fraseo, densidad, énfasis en los registros bajos o altos del instrumento.
La elección de un trazo u otro depende enteramente de contenido musical, y su interpretación por parte de los intérpretes. Trabajar sobre un trazo es un refinamiento del pensamiento musical, encontrando la forma más lograda de su expresión. Los trazos en el conjunto dependen de los trazos de las partes individuales. Solo con un sonido general se puede determinar la conveniencia artística y la persuasión de la solución de cualquier pregunta discontinua. Los trazos en algún texto se indican con la ayuda de leguas, puntos, guiones, acentos, indicaciones verbales.
En conclusión, me gustaría señalar que lo principal para todas las formas de trabajo es que la iniciativa creativa permanezca en el estudiante. La tarea del maestro es desarrollar y activar el comienzo creativo de la personalidad del niño.
2.3. Disciplina externa y creativa en el conjunto.
Concierto, rendimiento - es el resultado creativo de cualquier equipo. El tema de atención del líder debe ser la preparación del conjunto para la actuación, el comportamiento en el escenario, el desarrollo de la atención sostenida, la claridad y la consideración de las acciones. Los participantes deben saber claramente quién sube al escenario, de qué lado y detrás de quién. Es necesario asegurarse de que todos salgan al exterior activamente con la postura correcta, observen el intervalo en movimiento, caminen a un cierto ritmo uniforme, conozcan su lugar en el escenario, se paren o se sienten bellamente y sostengan el instrumento bellamente al salir. Momento organizativo no menos difícil: dejar el escenario. Igualmente importante es la necesidad de apariencia altavoz. Se recomienda discutir colectivamente la actuación de los miembros del conjunto, para dar la oportunidad de expresar su impresión de su juego. Tocar en un conjunto brinda al joven músico la oportunidad de comunicarse creativamente con las amplias masas de oyentes. La interpretación en conjunto no es solo una de las formas importantes de desarrollo de habilidades profesionales entre los artistas intérpretes o ejecutantes. También forma el carácter, inculca en los niños un sentido de colectivismo, compañerismo, participación en una gran causa, promoción de la cultura musical. La tarea de la escuela de música y los profesores es popularizar ampliamente a los nuevos compositores, educar sobre obras clásicas, estudiar obras en diferentes estilos y géneros. Es muy importante que los propios profesores toquen en los conciertos, dando ejemplo a los niños.
El desarrollo de la interpretación en conjunto contribuye al mayor crecimiento de la popularidad del acordeón a botones y el acordeón, los instrumentos favoritos del pueblo ruso. La educación del equipo de conjunto es una de las tareas más importantes del maestro-líder.
2.4. Metodología de las clases de conjunto
Las clases de conjunto en una escuela de música no pueden reducirse a reuniones generales de alumnos con un profesor para el aprendizaje conjunto y la interpretación de piezas. Está claro que sin la libertad técnica necesaria, sin un dominio seguro del texto, las reuniones conjuntas de los miembros del conjunto carecen generalmente de sentido. Pero la interpretación conjunta repetida de una pieza, incluso con partes bien preparadas concienzudamente, aún no conduce a la solución de problemas específicos del conjunto. La reproducción exacta del texto, la aplicación de todos los matices, trazos, cambios de tempo indicados por el autor o el profesor deben combinarse con un sentido común para todos los participantes. respiración de rendimiento. Es por eso que tocar en un conjunto debe enseñarse específicamente como uno de los tipos de arte musical.
En las lecciones del conjunto, los niños aprenden a escucharse a sí mismos, a sus compañeros y al mismo tiempo al sonido del conjunto como un todo. Aprenden cómo "encajar" en el sonido general del conjunto, a veces "disolviéndose" en él, a veces pasando a primer plano, obedeciendo la interpretación artística y la lógica de la obra. Una de las características de la interpretación en conjunto es que varias personas con diferentes niveles de desarrollo musical y formación interpretativa se combinan en un único organismo interpretativo.
La metodología de las clases de conjunto es uno de los temas apremiantes de la educación musical.
a) selección de repertorio
Cuando se trabaja con miembros del conjunto escolar, se debe prestar mucha atención a la compilación del repertorio. El repertorio debe compilarse teniendo en cuenta no solo las capacidades técnicas de los estudiantes, sino también su temperamento, su “resistencia al pop” y su edad. En conjuntos pequeños (dúos, tríos) tiene sentido unir a estudiantes de aproximadamente las mismas habilidades. En conjuntos grandes, es posible intercalar niños menos avanzados con niños más fuertes, que tienen las habilidades de entonación estable, control rítmico y experiencia en representaciones de variedades. Como resultado, los socios se enriquecen mutuamente: un estudiante más débil, como si confiara en uno fuerte, gradualmente gana confianza, "se acerca" a él; el más fuerte, a su vez, aprende a liderar, sin sucumbir a los errores de un compañero, adquiere la habilidad de un acompañante. Los niños aceptan con gran interés piezas que tienen un carácter diverso (en movimiento y cantilena) y dan al maestro la oportunidad de centrar la atención de los alumnos en diferentes aspectos de la técnica de conjunto: melódica y rítmica.
b) trabajo en trazos
Tocar en conjunto requiere especial atención a la ejecución exacta de los golpes. Cada desviación de los trazos generales viola la integridad de la percepción visual del conjunto y, por supuesto, interfiere con los socios y, lo que es más importante, daña la expresividad de la interpretación, ya que los trazos tienen una gran carga dinámica y semántica. Naturalmente, el uso de este o aquel trazo depende completamente del contenido del trabajo, el matiz, el tempo, el patrón rítmico.
Trabajar los trazos es un refinamiento del pensamiento musical, encontrando la forma más lograda de su expresión. La sincronicidad es primero requerimiento técnico juegos. Necesitamos tomar y eliminar el sonido juntos, pausar juntos, pasar juntos al siguiente sonido.
Por supuesto, hay que tener en cuenta el nivel de avance de los estudiantes, así como el número de participantes en el conjunto, ya que cuanto mayor sea la composición del conjunto, más difícil será ejecutar trazos complejos en sincronía.
c) trabajar en la dinámica
La dinámica es una de las más efectivas. Medios de expresión. El uso hábil de la dinámica ayuda a revelar caracter general música, su contenido emocional y mostrar las características de diseño de la forma de la obra. De particular importancia es la dinámica en el campo del fraseo. Los acentos lógicos colocados de manera diferente cambian radicalmente el significado de una pieza musical. Por ejemplo, durante las clases, puedes invitar a los niños a realizar un extracto de la obra que se está estudiando, cambiando toda su dinámica. Los resultados de tal ejecución "por el contrario" son muy convincentes para los estudiantes.
Los estudiantes deben darse cuenta de la importancia de la observancia exacta por parte de cada miembro del conjunto de requisitos dinámicos desde las primeras lecciones. Además, no debemos permitir la identidad formal de la ejecución de instrucciones dinámicas. El maestro enseña la capacidad de realizar correctamente uno u otro matiz general en diferentes voces en función de su carga semántica, entendiendo la relatividad del sonido del mismo matiz (el piano de la melodía es más brillante que el piano de la figura que la acompaña). Los matices a menudo provocan cambios en el tempo (forte - más rápido, piano - más lento, crescendo - acelerando...). Desde la primera lección, el profesor debe prestar atención constante a esto.
d) aprender a leer partituras
Con el conjunto, la lectura a primera vista es obligatoria. Es necesario elegir trabajos más ligeros para que las dificultades técnicas no distraigan al alumno de las tareas principales. Cada estudiante recibe las primeras habilidades de juego de una hoja en el aula de la especialidad. Pero en las lecciones del conjunto, la lectura de notas es más efectiva y provoca más interés en los niños. La necesidad obvia de obedecer el pulso general ayuda a aprender rápidamente las reglas para leer notas de una hoja. El contacto con los socios brinda apoyo, al tiempo que aumenta la responsabilidad de cada uno por el texto. Se adquiere la capacidad, cometiendo errores, para permanecer en el conjunto, sin interferir con los compañeros, el estudiante está convencido del valor de la digitación competente y conveniente, que ayuda a "captar" rápidamente el texto.
Leer partituras en un conjunto, por así decirlo, le demuestra al estudiante la inadmisibilidad de cualquier corrección, parada, descuido de las pausas, matices. Los niños aprenden a saltar notas "no leídas" para llegar a tiempo y con precisión a la línea de compás, "no saltar" en las pausas, leer la notación de matices inmediatamente, junto con las notas, reaccionando con especial claridad al piano, y navegar rápidamente por el material musical. La práctica muestra que la capacidad de leer bien una hoja es un componente necesario de la actividad creativa tanto para un participante profesional como para un aficionado. El éxito de la formación depende de la seriedad y la regularidad con que se lleven a cabo dichas clases desde las primeras etapas de la educación musical. Las lecciones de lectura a primera vista son de gran beneficio para cultivar la confianza en el escenario, realizando "tenacidad", las cualidades necesarias para hablar en público.
e) trabajar en el trabajo
Trabajando con el alumno sobre el texto musical de su parte, el docente, siendo el primer compañero del alumno, logra una entonación melódica y armónica pura. El método de visualización también es convincente en el trabajo en el lado rítmico del trabajo, matices, trazos. El estudiante se da cuenta de que tocar en un conjunto exige mucho más de estos elementos que cuando toca solo.
Antes de reunirse con los compañeros, el estudiante debe conocer el texto de su parte con todas las designaciones de trazos y matices. Luego, habiendo recibido una idea del trabajo que se estudia en un conjunto con un maestro, está listo para las clases colectivas.
En la primera lección colectiva, el profesor explica claramente a los alumnos el papel de cada parte, su patrón musical, la relación de voces, la distribución de sus funciones en principal, subvocal, acompañamiento, etc. Desde las primeras lecciones de el conjunto, se debe tratar de inculcar en el alumno la conciencia de la igual responsabilidad por la ejecución de cada parte, cada voz la capacidad de subordinar la propia voz a las tareas comunes este trabajo, entendiendo cada episodio en su contexto.
El proceso de trabajo del conjunto en una pieza se puede dividir condicionalmente en tres etapas, que en la práctica están estrechamente relacionadas entre sí:
conocimiento del conjunto con la obra en su conjunto;
desarrollo técnico de los medios expresivos;
trabajar en la encarnación de la imagen artística.
La tarea de la primera etapa es crear una impresión intelectual y emocional común de la obra como un todo entre los músicos del conjunto.
En la segunda etapa del trabajo en el trabajo, la tarea principal es superar las dificultades técnicas del conjunto.
Una de las tareas del maestro. etapa final es lograr los máximos resultados con el mínimo gasto de energía y tiempo de los músicos del conjunto.
Conclusión
La participación de conjuntos en conciertos es de gran importancia educativa. La práctica de las clases ha dado muchos ejemplos de cómo tocar en conjunto tiene un efecto beneficioso en los niños. Al despertar el interés por la música, las lecciones del conjunto alientan incluso a los estudiantes negligentes a tomar clases en una escuela de música más en serio.
Hacer música en conjunto no solo desarrolla un oído para la música, sino que contribuye al desarrollo del pensamiento polifónico, enseña a escuchar y comprender el contenido de la música.
La mayor parte del mundo herencia musical cuentas para obras escritas para orquestas, van para solistas acompañados de orquestas, para óperas, coros, para diversos tipos de conjuntos. La cultura musical de un oyente que ha adquirido las habilidades de tocar música de conjunto desde la infancia es mayor, la paleta de su percepción de la música es más rica.
El profesor de la escuela de música infantil es el responsable de la formación Gustos musicales sus alumnos Independientemente de con quién esté estudiando, con un futuro profesional o simplemente un amante de la música, el maestro debe recordar el significado principal de su trabajo: llevar a los niños la alegría de comunicarse con la música.
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“Un verdadero conjunto es cercanía en todo: cercanía de individuos, actitudes éticas, niveles intelectuales. Esta es la unidad espiritual, el parentesco emocional, la cercanía de métodos, formas, direcciones en el trabajo conjunto. N. Luzum
El siglo XXI es el siglo de las Personalidades, de las Individualidades, porque ya hemos pasado por multitudes sin rostro, o pueblos que son “silenciosos”. El arte y su pináculo - genio de la musica - la mayor panacea contra la esclavitud espiritual. “Solo al comprender profundamente el arte, comienzas a comprender: cuál es el valor de una persona, qué tan grande es el significado de la vida humana, qué destino es digno de la Humanidad, que dio lugar no solo a las guerras, el totalitarismo, la nivelación del individuo , destrucción, pero también gran Creatividad. Creación, dando al Hombre el derecho de llamarse a sí mismo Homo sapiens y viajar por el Universo con la frente en alto" (Mijail Kazinik). Y nuestra tarea como docentes, trabajando con los niños, es tratar de hacer todo lo posible para que cada niño humano pueda cultivar en sí mismo la necesidad interior de comunicarse con el arte, para que sienta la imposibilidad de una vida plena sin él.
Introducir a los niños al arte de la música ocurre más naturalmente en formas activas la creación musical conjunta, en particular, en el conjunto pianístico, que es la base de la educación musical de los niños en edad preescolar, primaria y secundaria. Este enfoque se ha generalizado en todo el mundo.
Sabemos que la crianza y educación musical masiva en Rusia se lleva a cabo principalmente a través del trabajo educativo en el sistema de especial instituciones musicales: escuelas de arte para niños (DSHI), escuelas de música para niños (DMSH), liceos musicales, etc. Pero la práctica de conjunto es especialmente importante para los niños con datos promedio y limitados de alguna manera, que no pasan por la competencia en instituciones educativas especializadas y no pueden dedicar mucho tiempo a trabajar en el piano. Mientras que en nuestro gimnasio hay un departamento de educación adicional para niños, que incluye una dirección artística y estética, donde los maestros de educación adicional enseñan a los niños a tocar el piano bajo el programa Ensemble Music Making. Por lo tanto, surgieron varias preguntas ante nosotros: cómo conectar "Solfeggio", " alfabetización musical”, “Literatura musical”, “Interpretación de piano solo”, “Piano o conjunto mixto” y “Acompañamiento” en un solo espacio educativo, y ¿cómo enseñar a los niños en conjunto sin formación individual en grupos de 10 a 15 personas?
A diferencia de las instituciones musicales especializadas, tenemos niños con una variedad de habilidades musicales que han expresado su deseo de estudiar música. Nuestros estudiantes no son competitivos. Los grupos están formados por niños de todas las edades. Un papel importante en la decisión de enseñar a los niños a tocar música en conjunto pertenece a los maestros de educación adicional, quienes están llamados a proporcionar las condiciones para el desarrollo de cada niño incluido en el conjunto. En este sentido, surgió el problema de un repertorio correctamente seleccionado para la creación de música de conjunto, dentro del cual se formen las competencias artísticas y prácticas de los niños en el campo de la creación musical colectiva y se garantice el desarrollo musical integral de los niños mediante la formación artística y estética. medios, su actividad social, independencia y comunicación.
¿Cuáles son los requisitos para la selección del repertorio? En primer lugar, los principales principios didácticos de la enseñanza:
El principio de gradualidad - de simple a complejo;
Un enfoque diferenciado de los datos del niño, basado en las habilidades y características psicoemocionales del estudiante (teniendo en cuenta el empleo del niño);
Aceptación acordada del repertorio del programa por parte de todos los miembros del conjunto musical, ya que el grupo puede incluir de 10 a 15 personas;
Atraer una variedad de tecnologías modernas de aprendizaje pedagógico.
Por supuesto, podemos afirmar el hecho de que nuestros hijos no pueden (y no dominarán) todas las técnicas técnicas típicas de la interpretación pianística. Pero enfocamos su atención sobre la encarnación de la imagen musical a través de un amplio y completo conocimiento de literatura musical, a través de la distribución de tareas entre todos los miembros del conjunto.
Por ejemplo, tomemos la selección de repertorio como ejemplo. El repertorio debe constar de obras de diferente naturaleza, estilo, orientación técnica, forma y género, que van desde melodías populares de dibujos animados, arreglos de canciones y melodías folklóricas, hasta obras de compositores modernos. El potencial de desarrollo de la actividad educativa en el aula crece si la selección del repertorio del conjunto se basa en la similitud de las obras en cuanto a una serie de las características más importantes de estilo, medios de expresión, tipo de textura pianística, técnicas, etc.
yo año de estudio- estos son arreglos ligeros de canciones infantiles, canciones de sus dibujos animados, películas infantiles. La presencia en el trabajo del mismo tipo de fenómenos musicales, habilidades, crea condiciones para su comprensión activa y generalización, y contribuye al desarrollo de la inteligencia musical del niño. La experiencia pedagógica muestra que el período donot está estrechamente relacionado con la creación de música en conjunto en un dúo: un maestro-alumno, o el papel de un maestro lo realiza un niño de II-III años de estudio. Esto permite que los niños desde las primeras lecciones participen en la interpretación de música polifónica. El desarrollo de la audición armónica y polifónica va en paralelo con el melódico. Para aliviar la tensión excesiva en el momento del comienzo de la interpretación de la obra o las largas pausas en esta etapa, es importante enseñar a los jóvenes músicos a iniciar simultáneamente la interpretación de la obra y técnicas como el "auftakt del director", es decir, un movimiento de cabeza, así como la respiración sincrónica, ayudan.
II año de estudio- asimilación por parte de los niños del concepto de estilo de música. Para ello, utilizamos la organización en "bloques" del material musical, que contribuye a la asimilación de determinadas formas y géneros de obras musicales, medios de interpretación de la expresividad.
III año de estudio - aspecto cultural del estudio del arte musical con la participación de las modernas tecnologías de la información. Hay muchas conferencias, conciertos, charlas sobre arte. Durante el año, los estudiantes aprueban 1 obra de un compositor ruso, 1 obra de un compositor moderno, 1 obra de un compositor extranjero o arreglos de melodías populares, 1-2 transcripciones de creación independiente en el estilo de cualquier dirección musical, preparan presentaciones, videos, escribir ensayos, realizar proyectos en concursos. Al mismo tiempo, la mayoría de trabajo individual los niños lo hacen solos.
La forma de conjunto de estudiar el repertorio implementa los principios de cooperación: libre elección, aprendizaje sin coerción. La cooperación entre profesor y alumnos en pedagogía musical se entiende como co-creación. Y la creación de música de conjunto brinda una excelente oportunidad para el aprendizaje mutuo y la educación mutua, siendo un terreno fértil para el nacimiento de un nuevo sonido musical en una atmósfera de cooperación.
Por lo tanto, un repertorio de creación musical de conjunto correctamente seleccionado amplía los horizontes de lo que los niños saben en música, repone sus impresiones auditivas y desempeña un papel activo en la formación y el desarrollo de la conciencia musical, el pensamiento y el intelecto de un niño. Los conocimientos adquiridos, los descubrimientos y el conocimiento del mundo a través del arte de la música permiten a nuestros hijos ocupar su lugar en la sociedad moderna del futuro.
Literatura
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INTRODUCCIÓN 3
CAPÍTULO 1. EL PROBLEMA DEL DESARROLLO DE LA ENSEÑANZA DE MÚSICA A LA LUZ DE LA PEDAGOGÍA Y LA PSICOLOGÍA MODERNAS 5
§ 1. El problema de la relación entre formación y desarrollo en ciencia pedagógica 5
§ 2. Pedagogía de la cooperación a la luz del problema del aprendizaje y del desarrollo 8
§ 3. Principios de la educación para el desarrollo en la pedagogía musical 10
CAPITULO 2
§ 1. La música de conjunto como método de desarrollo integral de los estudiantes 15
§ 2. La creación musical en conjunto como forma colectiva de ejecución y actividad creativa de los estudiantes 22
§ 3. El papel de la creación musical de conjunto en la formación de las habilidades musicales de los escolares en la etapa inicial de la educación 25
§ 1. Características de la selección de repertorio y principios de arreglo 38
§ 2. Fundamentos de la técnica de conjunto 39
§ 3. Trabajo experimental y análisis de sus resultados 42
§ 4. Clasificación pedagógica de la literatura de conjunto para principiantes 45
REFERENCIAS 58
INTRODUCCIÓN
La educación musical universal es de gran importancia en el cumplimiento de las tareas de educación estética de los escolares, lo que impone requisitos modernos sobre la calidad de la educación y la personalidad del maestro. El propósito y la especificidad de enseñar a los niños en la educación musical masiva es la educación de amantes de la música alfabetizados, la expansión de sus horizontes, la formación de habilidades creativas del gusto musical y artístico, y en lecciones individuales, la adquisición de habilidades puramente profesionales, el renacimiento. de formas de hacer música: tocar en un conjunto, selección de oído, lectura de una partitura, transposición de un ensayo.
Los niños pueden recibir una formación más profesional para las escuelas musicales infantiles y más accesibles para la educación musical: círculos, estudios, escuelas de arte, laboratorios de música, etc. La peculiaridad de trabajar con un contingente de tales instituciones educativas y musicales es que es necesario encontrar un enfoque más creativo. A diferencia de las escuelas de música, en tales instituciones educativas y musicales, los niños con una amplia variedad de habilidades musicales que han expresado su deseo de estudiar pueden estudiar. Básicamente, no pasan por una rigurosa selección competitiva.
Las lecciones de piano son el medio más poderoso de educación musical. Por lo tanto, debe ser desarrollador, es decir, enfocado específicamente al desarrollo integral de los estudiantes. Encontrar la solución óptima al problema de la enseñanza del desarrollo en la clase de piano significa contribuir a la solución de este problema en la escala de toda la práctica musical y pedagógica.
La educación en desarrollo ha ganado recientemente un lugar en la pedagogía del piano. Hay nuevos trabajos pedagógicos. Pero aún no se puede considerar firmemente arraigado, porque aún se conserva el tradicionalismo (no se busca un nuevo freno a las viejas formas y métodos de trabajo). En las formas y métodos tradicionales, lo principal es el trabajo sobre una pieza musical, que absorbe el 000% del tiempo de estudio y desplaza formas más efectivas en términos de aprendizaje evolutivo.
Entre los inmerecidamente ofendidos - conjunto tocando música. Por lo general, se utiliza esta forma de trabajo, pero no ocupa mucho espacio. Por ejemplo, los niños que estudian interpretación musical en la práctica diaria se ocupan de un número limitado de obras, la lección a menudo se transforma en el entrenamiento de cualidades de interpretación profesional; los estudiantes no desarrollan una actividad independiente ni una iniciativa creativa.
El valor pedagógico de la creación musical en conjunto no es bien conocido. Este tipo de trabajo no ha recibido cobertura práctica en la literatura metodológica. No existe un método de interpretación en conjunto como forma de trabajo educativo en la etapa inicial de la formación musical de los escolares.
Al mismo tiempo, la creación de música en conjunto tiene grandes habilidades, cuya consideración nos permitió presentar la siguiente hipótesis: la creación de música en conjunto puede aumentar el efecto de desarrollo de la enseñanza del piano y nos permitirá implementar las ideas de la pedagogía de la cooperación.
El propósito del trabajo es considerar la interpretación en conjunto como una forma de educación para el desarrollo en la clase de piano. Para lograrlo, fue necesario resolver las siguientes tareas:
0. Considerar el desarrollo de la educación musical a la luz de la pedagogía y la psicología modernas.
0. Estudiar el papel de la creación musical de conjunto en la aplicación de los principios del desarrollo de la educación musical.
0. Revelar el papel de la interpretación en conjunto en la formación de las habilidades musicales de los escolares (ritmo, audición, memoria, dominio del conocimiento teórico de las habilidades de interpretación)
De acuerdo con las tareas, el trabajo incluyó:
0) estudio de la literatura;
0) análisis de la experiencia de profesores - pianistas;
0) Trabajo experimental y práctico propio.
La estructura del estudio está determinada por las tareas establecidas anteriormente. Consta de tres secciones de la introducción y conclusión de la bibliografía que contiene 00 referencias.
CAPITULO 0
§ 0. El problema de la relación entre formación y desarrollo en la ciencia pedagógica
Capacitación en desarrollo: capacitación que, al proporcionar la plena asimilación del conocimiento, forma actividades educativas y, por lo tanto, afecta directamente el desarrollo mental. Esta es aquella formación en la que la asimilación de conocimientos actúa como un proceso de trabajo activo e independiente del alumno. Por lo tanto, la individualización del aprendizaje es tanto una consecuencia de dicho aprendizaje como su contenido principal.
Los principios de la educación para el desarrollo aseguran la conciencia del aprendizaje, la actividad de los estudiantes, la posibilidad de su trabajo independiente, etc. Es necesario crear tales condiciones de aprendizaje que aseguren la interacción de los dos lados de la actividad de aprendizaje: los procesos de pensamiento y observación. La tarea de desarrollar la educación es el máximo desarrollo posible de todas las cualidades psicológicas y personales de una persona: habilidades, intereses, inclinaciones, procesos cognitivos, cualidades volitivas, etc. en otras palabras, el desarrollo intensivo e integral de las habilidades de los estudiantes en el curso de la educación.
Las actividades educativas están organizadas por la educación para el desarrollo, teniendo en cuenta las características de edad y las diferencias individuales de los estudiantes. En el contexto del aprendizaje evolutivo, los estudiantes, entre otras metas de aprendizaje, se fijan la meta de dominar el sistema de técnicas que necesitan tanto para seguir aprendiendo como para actividades extracurriculares independientes.
Debe destacarse un componente más de la actividad educativa en las condiciones de desarrollo de la educación: dominar los sistemas de métodos generalizados de gestión de la propia actividad educativa (métodos de planificación del autocontrol, organización de la propia intereses cognitivos y atención). Los métodos de trabajo educativo están estrechamente relacionados con los métodos de gestión de las actividades educativas, y los métodos de trabajo educativo están estrechamente relacionados con el conocimiento. En las condiciones de la educación para el desarrollo, los métodos de trabajo educativo y su gestión sirven como base sobre la cual los estudiantes adquieren las habilidades y destrezas relevantes. Todo esto requerirá una reestructuración en cierto sentido de todos los eslabones de la educación. “Para que el proceso de aprendizaje sea un proceso de formación de la personalidad de los alumnos, es necesario desde el principio partir del reconocimiento de cada alumno como personalidad única y no sólo como objeto de las influencias pedagógicas y educativas del docente ( 00 pág. 00).” Para formar a cada estudiante como una personalidad socialmente madura, creativamente activa y desarrollada integralmente, es necesario organizar y conducir el proceso educativo de acuerdo con los principios pertinentes.
El desarrollo integral desde el punto de vista psicológico significa el máximo desarrollo posible de todas las cualidades mentales y personales de una persona. Tal desarrollo debe entenderse como la igualdad de oportunidades y condiciones para el desarrollo de las características individuales de cada individuo a fin de identificar y desarrollar aquellas habilidades de este individuo para las cuales tiene inclinaciones. Un mar. Anufriev "lo principal en el desarrollo integral del individuo es crear condiciones reales no solo para el desarrollo, sino también para la realización de todas las capacidades potenciales de cada persona (0 p. 000)"
El proceso educativo, su organización y conducción deben ser tales que contribuyan de todas las formas posibles a la identificación y realización de la individualidad de cada alumno. El desarrollo integral de la personalidad se forma sobre la base del compromiso con un tipo de actividad o un tipo de pasatiempo. Sólo importa que el compromiso selectivo del individuo no se convierta en su unilateralidad, sino que esta pasión por un tema sirva de palanca e incentivo para dominar toda la riqueza de la ciencia de la cultura del arte para el desarrollo de la individuo como un todo.
El problema de la relación entre formación y desarrollo es uno de los más urgentes. La búsqueda de su solución óptima continúa en la actualidad.
La formación y el desarrollo son categorías diferentes. La eficacia del aprendizaje se mide por la cantidad y calidad de los conocimientos adquiridos, y la eficacia del desarrollo se mide por el nivel que alcanzan las capacidades de los alumnos. Más KD Ushinsky abogó por que la educación sea de desarrollo. Pero en aquellos días el problema de la educación para el desarrollo no podía resolverse satisfactoriamente porque las clases dominantes no estaban interesadas en el desarrollo mental de la población y la penetración del conocimiento científico en los programas educativos era limitada. Por eso en aquellos días había una tendencia a desarrollar la mente del niño no sobre la base de la asimilación del conocimiento científico, sino sobre la base de ejercicios lógicos especiales.
En los trabajos de psicólogos domésticos: L.S. Vygotsky B.G. Ananyeva A. N. Leontyeva L. V. Zankov: fundamentaba teóricamente la necesidad de organizar la capacitación para el desarrollo avanzado, así como la provisión de dos zonas de desarrollo interconectadas: actual e inmediata. Si el entrenamiento va por delante del nivel actual y hace que se activen las fuerzas que están en la zona de desarrollo próximo, satisface la necesidad de conocimiento del niño, le da alegría, se vive como una actividad apasionante. Al mismo tiempo, la orientación de los estudiantes hacia el mañana determina la necesidad de confiar en la asistencia de la cooperación del maestro. “El momento central de toda psicología es la posibilidad de elevarse en cooperación al más alto nivel intelectual, la posibilidad de transición de lo que el niño puede a lo que no puede (0 p. 000).”
Abordar correctamente la cuestión de la relación entre desarrollo y aprendizaje es de vital importancia. Cada concepto de aprendizaje es central. Cada concepto de aprendizaje incluye un determinado concepto de desarrollo y viceversa. El niño se desarrolla a través de la educación y el aprendizaje. Esto significa que la crianza y la educación están incluidas en el proceso mismo de desarrollo del niño y no se construyen sobre él. La tarea de la educación y la formación es dar forma al desarrollo.
Si el estudiante comprende la base de aquellas operaciones que posee, entonces su estudio hace una cierta contribución al fondo de su desarrollo. Si, a través de ejercicios repetidos, un niño aprende a realizar ciertas operaciones sin darse cuenta de su lógica, esto no lo hace avanzar en el desarrollo general.
La psicología moderna cree que el aprendizaje y el desarrollo no son procesos adecuados. Al mismo tiempo, estos procesos están estrechamente interconectados y representan una unidad. El desarrollo se lleva a cabo en la formación a medida que los estudiantes adquieren una cierta cantidad de conocimientos. A medida que avanza el desarrollo, las funciones mentales se reconstruyen en la dirección de la complicación, la calidad de las operaciones mentales cambia. El aprendizaje, a su vez, se basa en procesos de desarrollo. Las propiedades intelectuales del desarrollo de la conciencia del estudiante tienen un impacto directo en el curso de la lectura: su contenido, estructura, indicadores de calidad, resultados finales.
De esto podemos concluir que el desarrollo de forma natural se lleva a cabo en el transcurso del entrenamiento. Pero el efecto de desarrollo del aprendizaje no siempre es el mismo. ¿Qué factores influyen en la función de desarrollo del aprendizaje? Decisivo es: la construcción del proceso educativo, el contenido de la forma y los métodos de enseñanza.
§ 0. Pedagogía de la cooperación a la luz del problema del aprendizaje y el desarrollo
El desarrollo de la educación es imposible de imaginar sin la pedagogía colaborativa. La pedagogía de la cooperación está indisolublemente ligada a las direcciones principales de la reestructuración de nuestra sociedad: su democratización y humanización. La tarea de la escuela de hoy es activar la iniciativa y la creatividad de los niños, para revelar el potencial personal de cada joven. En sentido figurado, la pedagogía de la cooperación es el camino de la personalidad del alumno.
El deseo de poner ese camino para crear condiciones para una educación "no intrusiva" surgió en diferentes momentos en diferentes países. Es suficiente para completar las obras de J. Comenius I. Pestalozzi K. Ushinsky V. Sukhommensky. Este bastón fue recogido por maestros modernos - innovadores: Sh. Amonashvili S. Lysenkova I. Volkov V. Shatalov E. Goncharova y otros Las ideas y la experiencia de estos maestros ahora son ampliamente reconocidas.
La idea principal de la pedagogía de la cooperación es cambiar la naturaleza de las relaciones interpersonales entre profesor y alumno. Para ella, una actitud típica es abrir una comunicación confidencial con los alumnos, aceptándolos a cualquiera tal como es, comprensión y simpatía. “La actividad educativa del alumno se ve estimulada no sólo por el material didáctico interesante y los diversos métodos de enseñanza, sino también por la naturaleza de la relación que el profesor afirma en el proceso de aprendizaje. En un ambiente de amor, benevolencia, confianza, empatía, respeto, el estudiante acepta fácil y voluntariamente la tarea educativa y cognitiva (0 p.000).
Las relaciones por el tipo de cooperación crean oportunidades para el surgimiento del contacto psicológico entre el maestro y el alumno. La democratización de la comunicación interpersonal es un ámbito fértil para el desarrollo de las propiedades psicológicas básicas del alumno. Los docentes - innovadores buscan alejarse de los métodos tradicionales de enseñanza informativa para estimular la actividad cognitiva de los estudiantes. Es importante no "enseñar", sino crear una atmósfera en la que el estudiante mismo y con gusto se una a la superación de las dificultades intelectuales emergentes.
El fortalecimiento de la actividad cognitiva de los estudiantes, la creación de condiciones para la manifestación de su independencia e iniciativa conducen al concepto de enseñanza de la actividad creativa. La comunicación es una lección de co-creación del pensamiento conjunto de la asociación. una lección de libertad donde cada uno tiene que expresarse. Maestros: los innovadores ofrecen formas de actividad creativa colectiva destinadas a crear estudiantes para crear un producto original (diseño de un poema, canción)
La organización de actividades de evaluación de los estudiantes adquiere gran importancia en la pedagogía de la cooperación. La evaluación de cualquier tipo de actividad se percibe como una valoración de su personalidad. Si esta valoración es negativa, puede provocar el desarrollo de una baja autoestima, que forma un complejo de inferioridad y crea tensión en la comprensión mutua entre el profesor y el alumno. Por lo tanto, se propone cambiar la naturaleza y formas de evaluación a favor de fortalecer su contenido, desarrollando en los estudiantes un sentido de seguridad y confianza en el éxito, formando una adecuada autoevaluación basada en las habilidades de introspección.
La idea de ayudar al estudiante es de naturaleza profundamente humanista y forma la base de la pedagogía colaborativa. Sus componentes básicos pueden resumirse como un sistema de principios. Sin embargo, se debe enfatizar que el dominio de los hallazgos individuales de los docentes innovadores sin la transformación por parte del docente de su posición personal en la asimilación de una nueva filosofía pedagógica no puede ser garantía de la eficacia del proceso educativo. La tarea del maestro es utilizar la idea y los principios de la pedagogía de la cooperación para encontrar sus propios caminos en la búsqueda de medios de enseñanza óptimos.
Así, la conexión entre los problemas del desarrollo de la educación y las relaciones de colaboración es la más estrecha. La implementación de los principios de la pedagogía de la cooperación puede considerarse como una de las condiciones más importantes para lograr un efecto de desarrollo en la educación. Por otro lado, un clima de camaradería entre el maestro y el alumno sólo puede establecerse cuando el desarrollo de este último se propone como un objetivo especial de la actividad pedagógica. Es natural suponer que las formas y métodos de trabajo educativo. aquellos que encarnaron más claramente las ideas de la educación para el desarrollo también son prometedores en términos de la implementación práctica de los principios de cooperación. Es por eso que recurrimos a la forma de conjunto de hacer música en la clase de piano.
En nuestro trabajo, intentaremos demostrar que la creación de música de conjunto es la mejor forma de cooperación entre un profesor y un alumno que dará un efecto de desarrollo. Pero antes de proceder al estudio de esta forma de trabajo educativo, es necesario considerar los principios de la educación para el desarrollo en la pedagogía musical.
§ 0. Principios de la educación para el desarrollo en la pedagogía musical
La reestructuración que se está produciendo en el frente pedagógico no puede dejar indiferentes a docentes y músicos. Al influir directamente en la esfera emocional y moral, el arte musical juega un papel muy importante en la formación de una personalidad espiritualmente rica y de pensamiento creativo. El contenido mismo del arte requiere una relación especial entre el maestro y el alumno basada en la comprensión empática (compasiva). “La tendencia más importante de la pedagogía musical avanzada de nuestro tiempo determina en gran medida sus métodos. puede caracterizarse como el deseo de lograr -junto con pedagogía general- el desarrollo armónico de la personalidad humana, habiendo alcanzado el equilibrio de la razón y el alma (0 p.0).
Pero los fenómenos negativos observados en el sistema de educación general no han pasado por alto entrenamiento musical. Muchos profesores-músicos ven su tarea en desarrollar un fondo limitado de conocimientos y habilidades interpretativas en los estudiantes. El estilo autoritario de enseñanza no estimula el desarrollo de los sentidos del intelecto y los intereses cognitivos de los estudiantes. No es ningún secreto que la mayoría de los alumnos de instituciones educativas y de música para niños abandonan las clases de música inmediatamente después de graduarse. No conocen los métodos de creación musical independiente y pierden su amor por el arte de la música.
Junto a esto, la pedagogía ha acumulado la más rica experiencia de destacados profesores de música. Las ideas establecidas durante las últimas dos décadas en la metodología del aprendizaje instrumental son, en esencia, la encarnación práctica del concepto pedagógico de cooperación. Ejemplos brillantes del desarrollo de la pedagogía son las obras de los maestros de las escuelas de piano rusas y soviéticas: A.G. y N. G. Rubinsteinov V. I. Safonova A.N. Esipova N. S. Zvereva FM Blumenfeld K. N. Igumny G.G. Neuhausa L. V. Nikolaeva AB Gondelweiser y otros.
¿Cómo se refracta la idea de educación para el desarrollo en relación con la teoría y la práctica de la enseñanza del piano? Tsypin cree que, en primer lugar, los métodos y métodos de enseñanza en el sistema de educación y educación musical masiva deben estar directamente relacionados con el dominio del alumno de las obras que se le asignan y, en segundo lugar, es necesario que los mismos métodos y métodos de educación actividad contribuyen al desarrollo musical general de los estudiantes.
El problema de la relación entre formación y desarrollo también es relevante en la pedagogía musical. Desafortunadamente, incluso hoy en día muchos practicantes están convencidos de que la formación y el desarrollo en la interpretación musical son conceptos sinónimos. De ahí la desproporción entre formación y desarrollo. Hay un aprendizaje en lugar de según el concepto didáctico de L.S. El "correr por delante del desarrollo" de Vygotsky "huye" de él, y luego la formación de habilidades y habilidades de juego profesional agota casi por completo el contenido del proceso educativo. La tarea de un maestro que trabaja en el sistema de educación musical masiva es lograr el mayor efecto de desarrollo posible. La relación entre la asimilación de los conocimientos musicales y las habilidades interpretativas, por un lado, y el desarrollo musical, por el otro... no es en absoluto tan directa y sencilla como a veces les parece a algunos profesores. La educación pianística masiva a menudo “puede ser tangencial al desarrollo y no tener un impacto significativo en él; el entrenamiento dogmático que lleva a la asimilación y memorización de ciertos patrones musicales puede ralentizar el desarrollo y distorsionar el pensamiento del estudiante (0 p.000).
El empobrecimiento y el alcance limitado del repertorio musical estudiado, el enfoque artesanal y estrecho de las lecciones individuales en la clase de piano, el estilo autoritario de enseñanza: todo esto es una manifestación del concepto según el cual el desarrollo de los estudiantes es una consecuencia inevitable de enseñando a aquellos que no requieren cuidados especiales.
El trabajo en una pieza musical se convierte en un fin en sí mismo dictado por el deseo de obtener altas calificaciones por una interpretación. Por lo tanto, "entrenamiento" cuando el alumno cumple diligentemente las numerosas instrucciones del maestro, puliendo los contornos de sonido externos de la composición. En esencia, el maestro realiza el trabajo con las manos del alumno.
El pulido de varios días de las obras limita drásticamente la gama de obras estudiadas. Mientras tanto, es la experiencia musical acumulada en el trabajo sobre una variedad de material musical que es la base para el desarrollo intensivo del estudiante. El aprendizaje que promueve el desarrollo y, por lo tanto, estimula la necesidad de cooperación requiere un ritmo rápido de aprendizaje del material con un alto nivel de dificultad. La base de la educación para el desarrollo en música y clases de interpretación está formada por un sistema de principios que declaran un aumento en el volumen y la aceleración del ritmo del paso del material musical y educativo, el rechazo de una interpretación puramente pragmática de las lecciones y la transición. de la enseñanza autoritaria a la máxima independencia e iniciativa creativa del alumno.
La educación en clases de interpretación suele conducir a la formación de destrezas y habilidades locales altamente desarrolladas pero al mismo tiempo limitadas. En este caso, se infringen los intereses del desarrollo del estudiante-músico. El desarrollo musical general es un proceso multifacético. Uno de sus aspectos importantes está asociado con el desarrollo de un complejo de habilidades especiales (oído musical, sentido del ritmo musical, memoria musical). También son significativos en términos de desarrollo musical general los cambios internos que se están mejorando en el campo del pensamiento profesional de la conciencia artística del estudiante.
La formación y desarrollo de la inteligencia musical se llevó a cabo en el transcurso del enriquecimiento de la experiencia personal del individuo. En el proceso de aprender a tocar el piano, se crean condiciones óptimas para reponer los conocimientos del alumno. Grandes en este sentido son las posibilidades de la pedagogía pianística, que permite a los alumnos entrar en contacto con un repertorio rico y versátil. Aquí es donde radica el valor potencial del lado cognitivo. lección de piano: el alumno puede encontrarse en él con una gran cantidad y variedad de fenómenos sonoros que en una lección en cualquier otra clase de interpretación.
El aprendizaje del piano ocupa uno de los lugares más destacados en la amplia formación y educación musical. Está en el centro de los círculos y estudios de la Escuela de Música Infantil y del VMSh de Laboratorios de Música, etc. El piano es un instrumento de la más amplia gama de acción, jugando un papel excepcionalmente importante en la educación y educación musical masiva, nadie que tenga algo que ver con el aprendizaje de la música puede evitar encontrarse con él. Encontrar la solución óptima al problema de la enseñanza del desarrollo en la clase de piano significa contribuir a la solución de este problema en la escala de toda la práctica musical y pedagógica.
Es la interpretación pianística la que tiene un potencial particularmente rico en relación con el desarrollo musical del alumno. Los recursos educativos de la creación de música para piano no se limitan únicamente al trabajo del repertorio pianístico. Con la ayuda del piano, cualquier música es reconocida y dominada en la práctica educativa: operística, cámara sinfónica, coro vocal instrumental, etc. La propia literatura para piano tiene amplias posibilidades de desarrollo, cuyo dominio sistemático es una demostración de multitud de los más diversos fenómenos artísticos y estilísticos.
El desarrollo musical general de los estudiantes mejora en el proceso de aprendizaje. En la música, como en otros lugares, el desarrollo fuera de la enseñanza, en principio, no puede ser. Las formas de resolver el problema del desarrollo musical general de los estudiantes deben buscarse dentro del proceso de aprendizaje en una organización tal que asegure altos resultados en el desarrollo.
La cuestión de los principios musicales y didácticos dirigidos a lograr el máximo efecto de desarrollo en la enseñanza es, en esencia, el punto culminante central en los temas en consideración. Hay cuatro principios musicales y didácticos principales que, tomados en conjunto, pueden formar una base bastante sólida para desarrollar la educación en las clases de interpretación.
Un aumento en el volumen de material utilizado en el trabajo educativo y pedagógico; una ampliación del marco del repertorio debido a la apelación a un mayor número de obras musicales. Este principio es de gran importancia para el desarrollo musical general del alumno, enriqueciendo su conciencia profesional con experiencia musical e intelectual.
Aceleración del ritmo de paso de cierta parte del material educativo; rechazo de largos períodos de trabajo en obras musicales; instalación en el dominio de los ejercicios y habilidades de interpretación necesarios en cortos períodos de tiempo. Este principio proporciona una afluencia constante y rápida de diversa información en el proceso musical y pedagógico y contribuye a la expansión de los horizontes profesionales.
Un aumento en la medida de la capacidad teórica de las lecciones de interpretación musical, el uso de una gama más amplia de información de naturaleza musical e histórica durante la lección. Este principio enriquece la conciencia con sistemas desplegados.
La necesidad de trabajar con un material en el que la independencia de la iniciativa creativa del alumno-intérprete se manifieste con la máxima exhaustividad.
Estos son los principios fundamentales en base a los cuales la enseñanza de la música para la interpretación musical puede adquirir una naturaleza verdaderamente evolutiva. Su implementación en la práctica afecta el contenido de la educación, pone de relieve ciertos tipos y formas de trabajo en el proceso educativo, no deja de lado los métodos de enseñanza. “... el maestro está llamado no sólo a mantenerse al día con los tiempos, sino también a adelantarse a ellos. Debe ser un apasionado propagandista y un profundo conocedor de la ciencia en cuya base enseña, bien informado de los últimos datos en ella. Necesita comprender correctamente y tener en cuenta en su trabajo los fenómenos y procesos de la vida social. Está obligado a revisar constantemente sus habilidades pedagógicas en la medida en que está sujeto a la solución de problemas profesionales para buscar mejores formas a la mente y al corazón de los niños” (00 p.00).
Se discutirá más a fondo cómo el campo de la interpretación musical: tocar música en conjunto ayuda a implementar los principios de la educación para el desarrollo.
Así que vamos a resumir lo que se ha dicho:
0. El desarrollo se lleva a cabo en el curso de la formación. La función de desarrollo del aprendizaje está influenciada por la construcción del proceso educativo, el contenido de la forma y los métodos de enseñanza.
0. La implementación de los principios de la pedagogía de la cooperación es la condición más importante para lograr un efecto de desarrollo en la educación.
0. Hacer música en conjunto es la mejor forma de cooperación entre maestros y estudiantes que da un efecto de desarrollo.
CAPITULO 0
§ 0. La música de conjunto como método de formación integral de los alumnos
Tocar el piano a cuatro manos es un tipo de interpretación musical conjunta que se ha practicado en todo momento en cada oportunidad y en cualquier nivel de dominio del instrumento se sigue practicando. El valor pedagógico de este tipo de creación musical conjunta no se conoce suficientemente y, por lo tanto, se utiliza muy raramente en la enseñanza. Aunque los beneficios de tocar en conjunto para el desarrollo de los estudiantes se conocen desde hace mucho tiempo.
El creciente interés en varios conjuntos de cámara hizo que la tarea de educar a los músicos de conjunto fuera especialmente relevante. Esta tarea, que es necesaria resolver en todas las etapas de la educación, comenzando desde la más temprana, nos hace mirar de nuevo la posibilidad de hacer música a dúo.
¿Cuál es el beneficio de hacer música en conjunto? ¿Por qué razones es capaz de estimular el desarrollo musical general de los estudiantes?
La interpretación en conjunto es una forma de actividad que abre las oportunidades más favorables para un conocimiento completo y amplio de la literatura musical. Ante el músico se encuentran obras de diversos estilos artísticos de épocas históricas. Cabe señalar que el músico de conjunto se encuentra al mismo tiempo en condiciones especialmente favorables: junto con el repertorio dirigido al piano propiamente dicho, también puede utilizar claves de ópera, arreglos de obras sinfónicas instrumentales de cámara y vocales. En otras palabras, tocar en conjunto es un cambio constante y rápido de nuevas percepciones de las impresiones de los “descubrimientos”, una afluencia intensiva de información musical rica y diversa. La importancia de tocar en conjunto: ampliar los horizontes de lo que los estudiantes saben en música, reponer el fondo de sus impresiones auditivas, enriquecer la experiencia profesional, aumentar el bagaje de información específica, etc. es capaz de desempeñar un papel activo en la formación y el desarrollo de la conciencia musical.
La creación musical en conjunto crea las condiciones más favorables para la cristalización de las cualidades musicales e intelectuales del estudiante. ¿Por qué, en qué circunstancias? En primer lugar, porque el juego de conjunto es una forma de trabajo intraclase, básicamente no se lleva a la escena. El estudiante trata el material en palabras de V.A. Sukhomlinsky “no para memorizar, no para memorizar, pero perdóname por la necesidad de pensar, aprender, abrir, comprender, finalmente asombrarse” (00 p.00). Es por eso que hay una actitud psicológica especial durante las clases en el conjunto. El pensamiento musical mejora notablemente la percepción se vuelve más brillante, vivaz, agudizada tenaz.
Asegurando un flujo continuo de impresiones frescas y diversas de experiencias, la creación de música en conjunto contribuye al desarrollo del "centro de la musicalidad": la capacidad de respuesta emocional a la música. La acumulación de un stock de numerosas y brillantes representaciones auditivas estimula la formación de un oído musical de imaginación artística. Con la expansión del volumen de música comprendida y analizada, aumentan también las posibilidades del pensamiento musical (la generalización de las características esenciales de un gran número de hechos musicales estimula la formación de un sistema de conceptos).
En la cresta de una ola emocional, hay un ascenso general en las acciones musicales e intelectuales. De esto se deduce que las lecciones de interpretación en conjunto son importantes no solo como una forma de ampliar los horizontes del repertorio o la acumulación de información teórico-musical e histórico-musical: estas lecciones contribuyen a una mejora cualitativa en los procesos de pensamiento musical. . Por lo tanto, tocar a cuatro manos es una de las formas más breves y prometedoras del desarrollo musical general de los estudiantes. Es en el proceso de tocar en conjunto que los principios didácticos básicos de la educación para el desarrollo que se mencionaron anteriormente se revelan completa y claramente: a) un aumento en el volumen del material musical interpretado en la enseñanza y b) una aceleración del ritmo de su paso. Así, un juego de conjunto no es más que la asimilación de un máximo de información en un mínimo de tiempo.
El desarrollo del intelecto musical profesional recibe una visión completa solo si se basa en la capacidad de aprender activamente de forma independiente para obtener los conocimientos y habilidades necesarios sin ayuda externa para navegar por toda la variedad de fenómenos del arte musical. En los procesos de formación del pensamiento musical, no solo juega un papel qué y cuánto fue adquirido por los estudiantes-intérpretes durante las lecciones sobre el instrumento, sino también cómo se realizaron estas adquisiciones, de qué manera se lograron los resultados. El requisito de iniciativa e independencia de las acciones mentales del estudiante refleja el cuarto de los principios de la educación para el desarrollo en general.
El problema de la formación de la actividad y la independencia del pensamiento del estudiante en nuestros días ha adquirido un sonido particularmente vivo; su relevancia está estrechamente relacionada con la tarea de intensificar el aprendizaje y fortalecer su efecto de desarrollo. La independencia de las operaciones mentales es un factor que asegura el desarrollo estable del intelecto del alumno. La actividad intelectual basada en un enfoque independiente es un objetivo importante para un profesor de cualquier especialidad. Cuanto más se acerquen las acciones educativas de la mascota de la clase de interpretación a las acciones prácticas del músico-intérprete, más favorables serán las condiciones para la formación de la independencia de la creación artística del alumno. La interpretación de la música, la comprensión y la divulgación escénica de su contenido figurativo y poético es una forma eficaz de convertirse en un intelecto profesional de un músico.
El efecto de desarrollo de la creación musical de conjunto se manifiesta sólo cuando se basa en una base metodológica racional. Esto incluye la política de repertorio y la organización adecuada del trabajo en el trabajo y métodos reflexivos de orientación pedagógica. Recopilemos la "tecnología" desarrollada de creación de música de conjunto y los hallazgos metodológicos de maestros innovadores que trabajan en el sistema de formación educativa general de los estudiantes. Por ejemplo, tomemos la selección de repertorio como ejemplo. Su decisión determina la organización del repertorio del proceso de aprendizaje. el trabajo sobre una obra es el principal tipo de actividad educativa en las clases de disciplinas musicales y escénicas. Su potencial de desarrollo crece si la selección del repertorio del conjunto se lleva a cabo sobre la base de la similitud de las obras en una serie de características importantes (el estilo de los medios individuales de expresividad musical, el tipo de textura y técnicas del piano) en bloques originales. La presencia en el trabajo del mismo tipo de fenómenos musicales de los hechos de habilidades creará condiciones para su comprensión activa y generalización, lo que contribuye al desarrollo de la inteligencia musical. Este proceso es especialmente evidente cuando los estudiantes dominan el estilo musical. La mayoría de los profesores de música destacados como G.G. Neugauz N. N. Shumnov señala la necesidad de un amplio conocimiento del trabajo del autor del trabajo en estudio. Este requisito corresponde al principio de apoyarse en el contenido teórico de la materia que se estudia, vinculando la educación pianística con el origen del curso de las disciplinas teóricas musicales.
La organización de "bloques" de material musical también se utiliza para dominar ciertas formas y géneros de obras musicales, medios para realizar expresividad. Este principio puede considerarse equivalente a los principios de implementación de grandes bloques por representantes de la pedagogía de la cooperación. La forma de conjunto es la más apropiada para trabajar en el material que el estudiante necesita para un desarrollo musical completo. Una de las condiciones para desarrollar la capacidad de respuesta emocional a la música es confiar en los intereses musicales del estudiante. Es deseable la participación más activa del alumno en la elección del repertorio, teniendo en cuenta sus gustos artísticos individuales. El aumento de la energía creativa del estudiante ayuda a hacer frente a muchas dificultades del crecimiento pianístico. El repertorio para la creación de música de conjunto puede incluir arreglos para piano y transcripciones de música de cámara y sinfónica de ópera, así como composiciones populares entre el público amateur. La elección de los trabajos está sujeta tanto a la perspectiva de desarrollo del alumno como a los objetivos de aprendizaje. El profesor tiene en cuenta el grado de desarrollo musical y pianístico del alumno, sus logros y las carencias del repertorio pasado. En términos de dificultad, cada obra debe corresponder al desarrollo posterior de sus habilidades musicales y pianísticas, teniendo en cuenta su versatilidad obligatoria. Por lo tanto, la forma de conjunto de estudiar el repertorio implementa una serie de principios de la pedagogía de la cooperación antes de la fijación de objetivos de la libre elección de la educación sin coerción. Esta forma de trabajo implica una política de repertorio más flexible y audaz encaminada al desarrollo integral armónico del alumno.
La cooperación entre un profesor y un alumno en pedagogía musical se entiende como co-creación. En el proceso co-creativo de trabajar en una obra de arte, surgen condiciones para la implementación de las ideas principales de la pedagogía de la cooperación: cambiar la relación entre el maestro y el alumno, los principios de establecimiento de metas y educación creativa. Para establecer un contacto creativo mutuo entre un maestro y un alumno, la interpretación conjunta de música en conjunto es un medio ideal. Desde el comienzo de enseñar a un niño a tocar un instrumento, aparecen muchas tareas: aterrizar, colocar las manos, estudiar el teclado, formas de hacer sonar las notas, contar pausas, teclas, etc. Pero entre la abundancia de tareas por resolver, es importante no perderse la principal: en este período crucial, no solo mantener el amor por la música, sino también desarrollar un interés en las actividades musicales. Depende de muchas condiciones, entre las cuales juega un papel importante la personalidad del profesor y sus contactos con el alumno. Después de todo, durante algún tiempo el maestro se convierte en la personificación del músico y la persona ideales. Al interpretar la canción más simple, el maestro se inspira en su estado de ánimo y le resulta más fácil transmitir este estado de ánimo e inspiración al estudiante. Esta experiencia conjunta de la música es el contacto más importante que a menudo es decisivo para el éxito del estudiante. De este modo. el maestro crea condiciones para el desarrollo de impresiones musicales vívidas para trabajar en una imagen artística. Y lo más importante, este contacto musical suele contribuir a que surja una mayor iniciativa en el alumno. Este despertar de la iniciativa de una búsqueda activa de realización es el primer éxito en el trabajo pedagógico y el criterio principal para el correcto acercamiento al alumno. “En el conjunto maestro-alumno, se establece no solo la unidad entre ambos, sino más importante, un efecto armónico entre el alumno y el compositor a través del maestro”, señala Neuhaus G.G. El juego de un estudiante en un conjunto con un maestro incluye la posibilidad de transferir la experiencia musical y de vida del credo interpretativo y las opiniones estéticas del maestro al estudiante directamente en el proceso de interpretación de una pieza musical.
También cabe señalar la originalidad del eco con los hallazgos metodológicos de la pedagogía de la cooperación. Los datos del análisis teórico de la obra (comparación de las características del plan tonal del lenguaje armonioso de la textura de la melodía del acto) son verdaderas señales de referencia. El análisis emocional y estético de las obras se refleja en la fijación verbal o gráfica de un programa emocional subjetivo: una cadena de estados de ánimo experimentados por el intérprete (V. Medushevsky, V. Ratnikov, K. Tsaturyan, Ts. Nasyrova). Así, los principios de las señales de referencia encontraron una variedad de soluciones metodológicas en la pedagogía pianística.
Con esta forma de trabajo cambia el principio de evaluar la actividad del estudiante. Se elimina el riesgo de una evaluación negativa del desempeño y surge la posibilidad de otras formas de evaluación dirigidas a desarrollar un sentido de seguridad confianza. La forma de hacer música en conjunto le permite encontrar el carácter y la forma de evaluación más óptimos. Como regla general, este tipo de trabajo no está sujeto a exámenes y no está sujeto a criterios estrictos de evaluación. Y por lo tanto, los niños que realizan este tipo de trabajo en el aula, actuando en conciertos, reciben una carga emocional positiva al tocar música juntos. La creación de música en conjunto también involucra formas de control tales como “conversaciones al piano”, reuniones colectivas sobre un tema predeterminado. La última opción es la encarnación de la idea de la pedagogía de la cooperación sobre la creatividad colectiva de los estudiantes. La pedagogía del piano en esta área tiene sus propias tradiciones provenientes de A.G. y N. G. Rubensteinov V. N. Safonova N.K. Medtner G.G. Neuhaus. La forma de hacer música en conjunto es el área de acción más visual y activa de los principios de la pedagogía de la cooperación y, al mismo tiempo, un ejemplo de su refracción creativa de acuerdo con las tareas y características de la pedagogía musical. El juego de conjunto es un terreno fértil para el nacimiento de un producto colectivo en un ambiente de cooperación. Suple la falta de formación individual, y la creación musical de conjunto, durante la cual se produce la creación conjunta de una imagen, es la forma de resolver este problema.
El papel de la interpretación en conjunto en la etapa inicial de aprender a tocar el piano es invaluable. Es la mejor manera de interesar al niño, ayuda a teñir emocionalmente la etapa inicial de aprendizaje que generalmente no es interesante. Aprendizaje elemental para tocar el piano: un área de trabajo con un estudiante que tiene sus propias características específicas Los principios de tener en cuenta las características de crecimiento del estudiante emergen claramente. Los niños comienzan a familiarizarse con la música y el instrumento a la edad de 0 a 0 años. Esta es la transición de la actividad de juego a la educativa y cognitiva. Habiendo recibido una serie de conocimientos y habilidades preparatorias, el estudiante comienza a dominar los conceptos básicos, especialmente la interpretación del piano. E inmediatamente aparecen muchas tareas nuevas: aterrizar el ajuste de manos, contar notas, etc. A menudo, esto asusta al niño y lo aleja de otras actividades. Es importante que la transición del juego a las actividades educativas y preparatorias sea más suave y sin dolor. Y en esta situación, la creación de música de conjunto será la forma ideal de trabajo con los estudiantes. Desde la primera lección, el estudiante se involucra activamente en la creación de música. Junto con el maestro, toca piezas simples pero ya artísticas. Los niños inmediatamente sienten la alegría de la percepción directa de incluso una pizca de arte. “La actuación conjunta del maestro y el alumno vincula la audición de los niños a lo que Busoni llamó “la luz de la luna derramándose sobre el paisaje”. Me refiero al pedal del piano. El sonido reproducido con el pedal se vuelve más rico y contribuye a un desarrollo más intenso de la imagen sonora. (00 s.000)
§ 0. La creación musical en conjunto como forma colectiva de ejecución y actividad creativa de los estudiantes
Desde los primeros pasos, es necesario considerar la interpretación en conjunto como una forma de hacer música creativa, una forma de creación en el campo de la música.
“Si un niño se salta las etapas de desarrollo, no toca música, sino que solo “interpreta”... no es posible sentar las bases de la musicalidad en una amplia masa de niños”, comenta K. Orff. La creación de música de conjunto se puede comparar con otros tipos de actividades escénicas colectivas (grupos teatrales y corales, conjuntos de coros vocales y folclóricos, conjuntos de instrumentos musicales para niños), entre los que se destaca en primer lugar el famoso “Schulwerk” de K. Orff. lugar.
La metodología de la educación musical infantil y juvenil desarrollada por K. Orff se basa en el amplio desarrollo de la iniciativa creativa de los estudiantes "Schulwerk" contiene material para la creación práctica de música. Esta especie de escuela primaria general de musicalidad previa a la educación musical especial es obligatoria para todos los niños. La tarea de la educación musical, según Orfak, es estimular y dirigir la imaginación creativa, la capacidad de improvisar y componer en el proceso de creación musical individual y colectiva. K. Orff aconseja comenzar la educación musical incluso en edad preescolar con música colectiva tocando instrumentos que casi no requieren entrenamiento especial. Este es un factor importante en la educación del gusto estético de los niños.
Conjunto de piano: puede considerarse una forma de transición de tipo sencillo orquesta infantil de K. Orff a la forma solista del ejecutante en el piano. Le permite arreglárselas con tipos simplificados de técnicas de piano y centrar la atención del profesor en dominar los conceptos básicos de la música.
K. Orff cree que si el niño no se convierte en músico, la iniciativa creativa establecida en las lecciones de música afectará todo lo que hará en el futuro. El principio que subyace al trabajo en "Schulwerk" es desarrollar la independencia de los estudiantes en cada etapa, empujarlos a búsquedas creativas.
"Schulwerk" de K. Orff se considera un manual para niños en edad preescolar. De hecho, sus colecciones están destinadas a niños de 0 a 00 años. Orff creía que la creación musical elemental es posible y necesaria a cualquier edad. Por lo tanto, la analogía con la conveniencia de las formas colectivas de hacer música entre los métodos de educación musical y la formación pianística también es válida en relación con los estudiantes de círculos pianísticos.
El conjunto, como forma de hacer música creativa, está aún más cerca de otras formas colectivas por el uso de la improvisación conjunta, la selección de oído, la composición. Predominan estas formas. corresponden a las características psicológicas de la edad escolar primaria. La peculiaridad del desarrollo emocional se expresa especialmente activamente en el deseo de comunicación en el deseo de acercarse a la vida espiritual de los compañeros. Los niños tienen un fuerte aumento en la necesidad de correlacionar sus experiencias con otras personas. Las formas colectivas de clases satisfacen las necesidades de los estudiantes más jóvenes, su necesidad de expresión artística, introduce un elemento lúdico en la lección, ayuda a crear una atmósfera de entusiasmo por las lecciones de música.
Un estudio de la teoría de la educación musical de la edad escolar primaria cree que la forma más común de creación musical de los niños es la acción de un pequeño grupo de estudiantes. Las lecciones musicales con un grupo pequeño tienen grandes ventajas si el maestro trata con niños que no han desarrollado lo suficiente las ideas musicales y auditivas. Sentimiento musical y rítmico con niños tímidos que pueden ser creativos pero tienen miedo de actuar en grupos grandes de compañeros o muestran aislamiento y distanciamiento en privado con un profesor (en clases individuales).
Así, la creación musical de conjunto, junto con otras formas colectivas de enseñanza de la música, permite tener más plenamente en cuenta cómo caracteristicas de la edad contingente significativo de estudiantes y las propiedades mentales individuales de los niños individuales. Entonces, en el trabajo con una estudiante Katya K. Encontramos mucha actividad, aislamiento y silencio de una niña que no se "apartó" incluso después de varias clases. Pero cuando el alumno fue incluido en un dúo de piano con un compañero de un nivel más avanzado y de carácter activo, el panorama cambió. Katya comenzó a sentirse más relajada.
La creación musical en conjunto permite incluir a los escolares en un entorno musical activo desde los primeros pasos de la formación. Tienen la oportunidad de interpretar pequeñas piezas de conjunto de piano frente a sus compañeros ya en los primeros meses de clases. Además, no nos olvidemos de una forma interesante de lecciones de música: una reproducción de cuatro secuencias presentada por D.B. Kabalsky. La tarea de tales clases es atraer a los estudiantes a la interpretación, junto con el maestro, de obras figurativas no complejas y de pequeño volumen pero brillantes, y también presentarles el instrumento universal de sonido más rico: el piano.
De esto podemos concluir que el conjunto de piano es una forma colectiva de educación profesional de un músico basada en un método de enseñanza individual-grupal. El niño desarrolla un sentido de comunidad. La reproducción creativa individual de cada parte individual se combina en un todo único. La oportunidad de escucharse constantemente, fusionar el sonido de su parte con otra, la oportunidad de unir fuerzas para lograr un objetivo común, así como la atmósfera de las clases grupales crean oportunidades favorables para el desarrollo de habilidades.
§ 0. El papel de la creación musical de conjunto en la formación de las habilidades musicales de los escolares en la etapa inicial de la educación
En el complejo de habilidades específicas de un estudiante-músico, se destacan las primarias: oído musical, sentimiento rítmico, memoria, habilidades motrices ("técnicas"), pensamiento musical. El desarrollo de habilidades musicales puede tener lugar en varios tipos de actividades musicales: escuchar música, estudiar disciplinas musicales y teóricas. Pero los procesos de desarrollo de un estudiante de música son especialmente efectivos cuando opera con el material con sus propias manos. Es esta oportunidad la que le presenta la interpretación musical. “La mejor manera de dominar un fenómeno es recrearlo y reproducirlo” (S.I. Savshinsky). De acuerdo con la tarea, consideremos cómo la interpretación en conjunto contribuye al desarrollo acelerado de las habilidades musicales del estudiante.
0. La formación de representaciones de tono de sonido es la primera etapa en la educación auditiva de un estudiante. Aprender a tocar el piano comienza con el llamado período de donación. Su objetivo es desarrollar la audición tonal del alumno del principal tipo de oído musical. Para ello, la mayoría de los docentes inician el período de donación con la selección de melodías. Este proceso debe pasar al material de las canciones infantiles y folklóricas, que deberán organizarse en orden creciente de complejidad. Son recordados por el niño y seleccionados de oído de diferentes claves. Las melodías para la selección se utilizan mejor con texto poético lo que contribuye a la comprensión de la obra interpretada y facilita el sentimiento del metro-ritmo y la estructura de la melodía. En el proceso de selección, el niño se ve obligado a buscar la entonación correcta en la entrada de la creación musical, lo que lo lleva al sentido más agudo del tono en el camino más corto.
Algunas melodías de canciones se interpretan mejor en conjunto con un maestro. Debido al acompañamiento rico en colores melódicos y armónicos, la interpretación se vuelve más colorida y animada. Como muestra la práctica, los niños participan en esta forma de entrenamiento con placer y alegría. “Antes de empezar a aprender cualquier instrumento. el estudiante ya debe dominar espiritualmente algún tipo de música: por así decirlo, tenerla en la mente, llevarla en el alma y escucharla con el oído” (00 p.00).
0. La audición armónica a menudo va a la zaga de la melódica. El estudiante puede lidiar libremente con la unanimidad pero al mismo tiempo experimentar dificultades con la orientación auditiva en la polifonía del almacén armónico. Reproducir polifonía acorde vertical - condiciones especialmente favorables para el desarrollo del oído armónico. “En aras de desarrollar el oído armónico de un músico”, escribe L.A. Barenboim necesita desarrollar persistente y persistentemente un sentido holístico de la vertical musical desde la infancia.
El medio más eficaz para desarrollar la audición armónica es la selección del acompañamiento armónico de varias melodías, que puede tener lugar como una técnica educativa auditiva especial en la mayoría de las etapas de la formación de un pianista. Pero, por regla general, un largo período asociado con la colocación de las manos y la interpretación de melodías predominantemente monofónicas no permite que el niño interprete inmediatamente piezas con acompañamiento armónico. En este caso, es recomendable interpretar piezas en conjunto donde el acompañamiento armónico lo realizará un profesor u otro alumno. Esto permitirá al alumno participar en la interpretación de música polifónica desde las primeras lecciones. El desarrollo del oído armónico irá en paralelo con el oído melódico. el niño percibirá completamente vertical.
Recientemente, han aparecido muchos conjuntos que acostumbran inmediatamente el oído de un pequeño estudiante a armonías bastante complejas.
V. Agafonnikov "Es hora de dormir Oso"
Incluso con la selección de oído, es poco probable que el niño pueda aprender armonías complejas ricas en contenido armónico. Solo podrá dominar armonías simples: TSD. El maestro debe esforzarse por asegurarse de que el oído armónico del niño no se eduque en el acorde primitivo. Especialmente debe tener esto en cuenta si él mismo se encarga de la disposición del trabajo. Hacer música en conjunto siempre implica familiarizarse con la armonía. Y así, la interpretación de la segunda parte permite dominar las habilidades del análisis armónico: presentación del plan tonal de la obra, familiarización con armonías de cuerdas inusuales, sentimiento de la tónica, familiarización con las revoluciones armónicas más simples (TST TSDKT) .
0. La educación de la audición polifónica o, en otras palabras, la capacidad de percibir y reproducir en una acción de ejecución musical varias líneas de sonido que se consideran entre sí en el desarrollo simultáneo es uno de los apartados más importantes y más difíciles de la educación musical. . La interpretación de música polifónica en el piano se reduce en gran medida al problema de mantener varias líneas de sonido tocando al mismo tiempo en el centro de la conciencia del sonido (es decir, al problema de la distribuibilidad).
En la etapa inicial de aprender a tocar el piano, el niño no tiene las habilidades suficientes para ejecutar obras polifónicas, no tiene la habilidad suficiente para escuchar varias líneas melódicas y realizar un tejido polifónico complejo. Por tanto, la pedagogía pianística ha acumulado un número importante de métodos metodológicos de carácter formativo que son capaces de acelerar este proceso en el transcurso del trabajo sobre la música polifónica.
La técnica más eficaz que se puede aplicar en la práctica del conjunto es la interpretación conjunta de una obra polifónica en uno o dos instrumentos por voces pero por parejas de voces. Por lo tanto, tocar en conjunto desarrolla la capacidad de escuchar la polifonía. La ejecución de una línea metódica facilita la reproducción de la polifonía y permite escuchar todos sus elementos constitutivos. Tocar en un conjunto ayuda a resaltar los elementos individuales de las estructuras de sonido de manera más brillante. La interpretación diferenciada en un conjunto no permite la selección de una sola voz superior (por regla general), no permite que los hilos con los que se teje el tejido musical se "peguen", se "enreden". Ya los primeros conjuntos para principiantes contienen varios tipos de polifonía: canon, subvocal, contraste, etc.
I. Berkovich "Historia"
Canción revolucionaria "Audazmente camaradas en el paso"
0. Audición timbre-dinámica.
El piano es un instrumento del más rico potencial tímbrico-dinámico. Los recursos colosales de la dinámica fuerte y el amplio rango del pedal le permiten crear una variedad de efectos calóricos pintorescos; todo esto da motivos para hablar sobre la sonoridad caleidoscópica del piano moderno. F. Busoni destacó que el piano es “un actor magnífico”, se le dio la oportunidad de imitar la voz de cualquier instrumento musical, de imitar cualquier sonoridad.
El oído musical en su manifestación en relación con el timbre y la dinámica se denomina oído timbre-dinámico. La audición dinámica del timbre es importante en todo tipo de práctica musical, pero su papel en la interpretación musical es especialmente grande y responsable. Él, al recibir impulsos de la imaginación pictórica y la fantasía del músico, cristaliza y mejora a través del deseo de dar vida a ciertas ideas e ideas artísticas y visuales. "En honor al piano, un instrumento de armonía de sonido completo y polifonía de una amplia gama de sonidos de colores orquestales de canto y habla, gráficos en blanco y negro de colores pintorescos y perspectiva aérea, compositores, desde Mozart y Beethoven hasta Prokofiev y Shostakovich. !" (00 s.00)
La interpretación en conjunto brinda el mayor alcance para el desarrollo del oído dinámico del timbre debido al enriquecimiento de la textura, que le permite escuchar un sonido orquestal imaginario. Junto con el profesor, una búsqueda creativa de varios colores de timbre, matices dinámicos de efectos de trazo, etc. ayuda al desarrollo de la audición timbre-dinámica del alumno.
A partir de la educación primaria, es necesario desarrollar la imaginación del niño, incluso utilizando los ejemplos de obras musicales simples, para buscar varios colores en las combinaciones de sonidos más simples. Los músicos principiantes pueden imitar fácilmente los sonidos del reloj de la torre, llamadas de cuco, efectos de eco, etc. En estas piezas, el alumno adquirirá las habilidades de "orquestación" en el teclado.
La textura a cuatro manos es capaz de reproducir efectos orquestales. La presencia de cuatro manos permite transmitir al piano tanto la riqueza del tutti de sonido completo como la variedad de métodos de extracción de sonido de trazos y algunos medios de timbre de grupos orquestales individuales.
T. Chudov "Flauta de tambor y bombo"
En este ejemplo, el niño no solo debe imaginar el sonido de un instrumento de orquesta, sino también representarlo. La tarea es imitar los timbres característicos. Esta marcha es, por así decirlo, interpretada por tres instrumentos opuestos en su altura y sonoridad: una flauta (sonido alto, ligero y penetrante), una caja (toque de segundos rítmico por un estudiante) y un bombo (sonidos de bajo retumbantes ).
El juego de conjunto tiene un efecto positivo en la educación del pensamiento figurativo del estudiante. Los más accesibles para la percepción son la introducción de elementos visuales programáticos en el tejido musical: por parte del profesor, se puede escuchar el zumbido de un escarabajo y las señales de bocina del trino de un ruiseñor y otras onomatopeyas. Las asociaciones no musicales también juegan un cierto papel: suenan distantes y cercanas, pesadas y ligeras, etc. Un texto verbal, que también tiene una función educativa, proporciona una gran ayuda para crear esta o aquella imagen artística.
V. Ignatiev "Pequeña canción sobre la lluvia"
0. El ritmo es uno de los elementos centrales de la música. La formación de un sentido del ritmo es una tarea importante en la pedagogía musical. El ritmo en la música no es solo una categoría de medición del tiempo, sino también emocionalmente expresivo, figurativamente poético, artístico y semántico.
Varios investigadores autorizados señalan tres elementos estructurales principales que forman un sentido del ritmo: 0) temas 0) énfasis 0) la proporción de duraciones en el tiempo. Todo esto se suma a una habilidad musical-rítmica.
Aquí hay algunas formas de formarlo que interactúan directamente con la interpretación en conjunto:
0) Ya los primeros pasos de un pianista novato, cuando interpreta los conjuntos más simples, van acompañados del desarrollo de una serie de técnicas y habilidades de ejecución que están relacionadas con el proceso de desarrollar un sentido del ritmo y actúan como su "respaldo". . La más importante de estas habilidades es la reproducción de una secuencia uniforme de duraciones idénticas. "La sensación ... de uniformidad del movimiento se adquiere con cualquier juego conjunto ..." - escribió N.A. Rimsky-Korsakov en su obra “Sobre la educación musical”, refiriéndose a la influencia rítmicamente disciplinada y libremente correctiva de la creación musical de conjunto en cada uno de los socios.
La selección hábil del material es muy importante. Al principio, la parte del estudiante debe ser extremadamente simple (tanto melódica como rítmicamente) y colocada en una posición cómoda. Es bueno que la parte del profesor represente una pulsación uniforme, reemplazando al alumno con la partitura.
E. Timakin
Jugando junto con el profesor, el alumno se encuentra en un determinado marco metro-rítmico. La necesidad de "mantener" tu ritmo hace que la asimilación de varias figuras rítmicas sea más orgánica. Este ritmo también se facilita mediante el aprendizaje de ejemplos con texto.
L. Heresco "Montaña de Hielo"
La habilidad de educar y reproducir la pulsación medida, firmemente dominada por el estudiante, construye una base "material" para desarrollar un sentido del tempo. No es ningún secreto que a veces los estudiantes interpretan piezas a un ritmo lento, lo que puede distorsionar el sentido correcto del tempo. Tocar en conjunto no solo le da al maestro la oportunidad de dictar el tempo correcto en cada caso, sino que también forma la percepción del tempo correcto en el estudiante.
0) La interpretación de cualquier música va acompañada de un acento "pesado" durante el juego. Tocar el piano, imbuido de una acentuación diversa y en relieve, tiene un impacto en el lado del acento del complejo musical-rítmico, la sensación de pulsación métrica, que enfatiza los tiempos iniciales de la medida en la interpretación del conjunto, es especialmente pronunciada.
Aquí hay algunos problemas más complejos del ritmo de ejecución musical.
Al tocar en conjunto, los compañeros deben determinar el tempo antes de comenzar su propia interpretación. En un conjunto, el tempo-ritmo debe ser colectivo. Con toda la severidad, debe ser natural y orgánico. La falta de estabilidad rítmica a menudo se asocia con la tendencia de los pianistas novatos a acelerar. Esto suele suceder con un aumento en la fuerza de la sonoridad: la excitación emocional acelera el pulso rítmico; o - en pasajes impetuosos, cuando a un pianista inexperto le empieza a parecer que se desliza por un plano inclinado; así como en lugares que son difíciles de realizar. Las dificultades técnicas provocan el deseo de "saltar" el camino peligroso lo antes posible.
Cuando dos pianistas aquejados de tal carencia se unen a dúo, el accelerando que surge se desarrolla con la inexorabilidad de una reacción en cadena y arrastra al compañero hacia una inevitable catástrofe. Si esta deficiencia es inherente solo a uno de los participantes, entonces el segundo resulta ser un asistente fiel.
Por lo tanto, en las condiciones de clases conjuntas, existen algunas oportunidades favorables para corregir errores de desempeño individuales.
0) Libertad de lo musical-rítmico (rubato agogika). El juego del rubato no se puede adoptar mecánicamente, se aprende en la experiencia artística personal. Lo más importante en la unión profesor-alumno es la influencia intuitiva. Muchas dificultades dinámicas y agógicas se superan más fácilmente con el ejemplo de un maestro que involucra directamente la aceleración y desaceleración del movimiento musical.
0) Pausa. El sistema de educación musical y rítmica debe “absorber” aquellos momentos específicos que se asocian a la función expresiva y semántica de una pausa en el arte de la música. Se debe tener especial cuidado para asegurar que los estudiantes perciban las pausas como un componente natural de la estructura musical y no como una parada mecánica o repentina.
En una actuación de conjunto, no es raro encontrar momentos de conteo de pausas largas, y los músicos novatos no siempre tienen las habilidades para contarlas. Una forma sencilla y eficaz de hacerlo es poner la música que está tocando tu pareja.
La interpretación de conjunto tiene sus propios detalles de memorizar una obra de memoria. Si en la música solista, cuando se aprende de memoria, muy a menudo predomina el aprendizaje mecánico, proveniente del hábito de practicar mecánicamente, penetrando poco en el significado de lo que se va memorizando, orientando superficialmente en su contenido, entonces tocar en conjunto no permitir esto. La memoria del músico de conjunto se forma más intensamente.
Una comprensión profunda de una obra musical de su esencia figurativa y poética, características de su estructura de configuración, etc. - la condición principal para una exitosa memorización artística completa de la música. Los procesos de comprensión actúan como técnicas de memorización. La interpretación del conjunto no contribuirá a la memorización mecánica, pero abrirá el camino para el desarrollo de la memoria racional lógica analítica (basada en el análisis real). Antes de pasar a memorizar el conjunto de memoria, los socios deben comprender la forma musical como un todo, reconocerla como una especie de unidad estructural, luego proceder a la asimilación diferenciada de sus partes constituyentes, trabajar el fraseo, los planes dinámicos, etc. Saber esto es especialmente necesario para el intérprete de la segunda parte, ya que generalmente se representa mediante una textura de acorde o expandida (arpegio) y al no tener una idea sobre la primera parte, no todos los estudiantes podrán construir una obra estructuralmente para él mismo.
M. Glinka "Alondra"
El intérprete de la segunda parte también debe enfocarse en el análisis armónico, y en base a la armonía, debe aprender a escuchar mentalmente todo el tejido musical de la obra. El método de memorización "especulativa", sin depender del sonido real, se basa únicamente en representaciones intraauditivas.
0) Tocar en un conjunto le permite ampliar la gama de conocimientos y conceptos musicales e intensificar el proceso de su asimilación. " la mejor manera enseñar música -escribió N. Sherman- es una forma en la que el alumno recibe todos los conocimientos mientras toca... Tocando una canción y viéndola grabar, debes recordar cómo se graba cada sonido de la canción, aprenderás muy rápido alfabeto musical. En ningún caso no aprendas el alfabeto musical sin tocar una canción. Será aburrido y no interesante".
Este proceso de aprendizaje del alfabeto musical se puede describir aún más si el maestro utiliza ejemplos de conjuntos para esto. El niño escuchará inmediatamente la brillantez y variedad del sonido del piano.
Mostremos el proceso de asimilación del conocimiento musical en el ejemplo del dominio de géneros musicales. Debido a la diversidad del repertorio musical de las transcripciones de ensamble, los estudiantes adquieren conocimientos en el campo de géneros que van desde los más simples: danza (vals polca galope) canciones (canción de cuna romántica) hasta el contacto con géneros musicales importantes como la ópera sinfónica ballet. En el futuro, hay un desarrollo y una conciencia de las características de género de la música: la composición de canciones. baile de marcha (por su realce en la parte del maestro). La identificación consciente de estos rasgos cuando el alumno realiza obras de teatro también contribuye a una revelación más completa de la imagen artística.
¿Con qué frecuencia los pianistas quieren interpretar una pieza escrita para orquesta? Reproducir extractos de las sinfonías de las óperas de ballet en cuatro arreglos manuales para piano puede, hasta cierto punto, saciar la sed de interpretación. Al mismo tiempo, el ejecutante puede experimentar una gran alegría estética. Esto también contribuirá a la expansión de los horizontes musicales en el campo de la ópera de cámara y la literatura sinfónica, el conocimiento de las obras maestras de los clásicos musicales. A su vez, el conocimiento de las principales obras de género (ópera sinfónica) presupone la asimilación de conocimientos en el campo de la conformación. Al interpretar géneros de danza, es necesario centrar la atención del estudiante en las características y patrones rítmicos inherentes a un género en particular. Cuanto más amplio sea el rango del material estudiado, más rápido se llevará a cabo el proceso de acumulación de diversos conocimientos. Y por tanto tendrá un efecto positivo en la formación del pensamiento musical.
0. Habilidad de juego
Consideraremos la influencia de la creación de música de conjunto en el desarrollo de las habilidades musicales de un niño en la etapa inicial de formación (audición del ritmo de la memoria). Y ahora concentrémonos en el efecto positivo de tocar en conjunto en el proceso de desarrollar habilidades para tocar.
Es gracias al interés mostrado en el conjunto en la etapa inicial que la organización del aparato de juego del niño se lleva a cabo fácilmente y sin dolor con gran efecto, domina las técnicas básicas de producción de sonido y se familiariza con varios tipos de texturas.
A primera vista, las habilidades motoras cuando se toca en un conjunto se desarrollan de manera bastante tradicional: la misma adopción gradual de la escala, la introducción de más y más ritmos nuevos, etc. Pero solo a primera vista. La práctica ha demostrado que las habilidades motoras se desarrollan mucho más intensamente durante la interpretación en conjunto y se fijan con mayor firmeza, ya que reciben un poderoso apoyo de la audición del alumno.
Muchos educadores se pronuncian en contra de jugar a cuatro manos por razones técnicas. Se cree que la posición un tanto estrecha de los ejecutantes puede afectar adversamente el ajuste del jugador. Pero estas desventajas son tan insignificantes en comparación con las ventajas que no vale la pena evitar el juego de cuatro manos.
Todo el mundo conoce la tendencia de los niños a imitar. Esta inclinación puede ser de gran beneficio tanto para el alumno como para el maestro en el establecimiento de los movimientos de ejecución cómodos necesarios, en el desarrollo del ajuste correcto para el instrumento, en la capacidad de lograr la melodicidad del sonido, y mucho más, es decir, en la formación de todo un complejo de conocimientos de las habilidades y destrezas del futuro músico.
V. Belyaev "Canción de cuna"
Este ejemplo es un ejemplo de cómo los movimientos suaves y redondeados de las manos del maestro y el tacto suave de las yemas de los dedos son un bastón directo para que el estudiante copie estas técnicas.
I. Haydn "Profesor y alumno"
Este conjunto es un pase de lista entre las partes del maestro y el alumno, la obra incluso se llama "El maestro y el alumno". El alumno durante sus pausas seguirá los métodos de extracción de sonido y los movimientos de las manos del profesor e inmediatamente lo imitará. En la creación de música de conjunto, el estudiante enriquece su experiencia pianística al dominar varios tipos de texturas (esto es especialmente cierto para la interpretación de la parte de acompañamiento).
Tocar en conjunto le dará muchas posibilidades para dominar varias técnicas de articulación con colores de sonido. La segunda parte (acompañamiento), donde el acompañamiento varía, tiene un carácter de estudio: la misma fórmula se repite durante mucho tiempo en diferentes tonos, lo que contribuye a la formación de una fuerte habilidad pianística.
0. Lectura de una hoja
Una de las formas más efectivas de desarrollar toda la gama de habilidades musicales es tocar a primera vista. Los profesores experimentados saben que el aparato flexible de los buenos lectores visuales es que tocar música en conjunto es una de las formas de desarrollar esta habilidad. Teniendo en cuenta la tarea de cómo llenar el proceso de trabajo con significado y desarrollar la concentración a largo plazo de un niño, se debe considerar una de las condiciones principales. Consiste en enseñar a desmontar música y enseñar a aprenderla. Es muy importante que el primer contacto con la obra despierte el interés y no lo apague. Dar significado al proceso de aprendizaje para reducir el tiempo y aumentar el interés es una parte del trabajo. Paralelamente, se deben desarrollar las habilidades de lectura continua de notas de atención continua. Es necesario lograr una concentración prolongada de la atención y una continuidad suave del pensamiento yendo un poco por delante de los movimientos de las manos, asegurando así la integridad. Como se Juega. Para ello, ya en el período inicial (tan pronto como el alumno haya dominado las notas y las divisiones rítmicas simples), se recomienda tocar sistemáticamente piezas ligeras a cuatro manos (con un profesor u otro alumno). Pasar a piezas más difíciles no debe ser antes de que se fije el nivel de dificultad anterior. La complicación de las tareas debe ser gradual y casi imperceptible para el estudiante. Los compañeros al leer de una hoja a cuatro manos son elegidos, si es posible, por niños de la misma edad y el mismo nivel de entrenamiento. Y como cada uno de ellos no quiere comprometerse frente a los demás, entonces surge algo así como una competencia tácita, que es un incentivo para un juego más completo y más atento. Es necesario orientar a los intérpretes para que abarquen la composición en su conjunto, es decir, que presten atención a lo más esencial. Al leer un conjunto de una hoja, uno no debe mejorar, detenerse en lugares difíciles, ya que esto conduce a una violación del contacto con los socios. Las paradas demasiado frecuentes estropean el placer de tocar a la vista y, por lo tanto, es necesario elegir material musical para ello que sea mucho más ligero. Es deseable que uno de los jugadores no detenga el juego cuando el otro se detiene. Esto le enseñará al segundo jugador a navegar rápidamente y volver a ingresar al juego.
Así que vamos a resumir lo que se ha dicho:
0. La creación musical en conjunto contribuye al desarrollo intensivo de todo tipo de oído musical (tono armónico polifónico timbre-dinámico).
0. Tocar en conjunto te permite trabajar con éxito en el desarrollo del sentimiento rítmico. Ayuda a sentar las bases elementales del ritmo así como a dominar categorías metrorítmicas más complejas (pausa ogogyga, etc.).
0. La creación de música en conjunto contribuye al desarrollo de la memoria racional lógica analítica.
0. El trabajo en el conjunto de piano desarrolla intensamente el pensamiento figurativo de los estudiantes y la formación de conceptos musicales generalizados.
0. El juego de conjunto tiene un efecto positivo en el desarrollo de las habilidades para tocar.
0. El juego de conjunto se puede incluir en varias actividades de los estudiantes en la clase de piano (improvisación, lectura a primera vista, selección de oído).
0. Hacer música en conjunto es una forma de cooperación entre un estudiante y un maestro. Le permite tener en cuenta la edad y las características individuales de los estudiantes. Actúa como una actividad colectiva.
§ 0. Características de la selección de repertorio y principios de arreglo
En muchas colecciones, con una importante cantidad de repertorio de ensamble de variadas soluciones texturales, no hay un enfoque metódico, ni mucho menos se revelan todas las posibilidades del trabajo educativo con los estudiantes. Los criterios para seleccionar material musical permiten destacar los siguientes indicadores estrechamente relacionados: estético: obras de significado ideológico y estético moderno; diversos géneros y estilos que se han desarrollado en la cultura musical; obras artísticamente completas y accesibles; psicológico - las obras cuyo contenido está en consonancia con la experiencia vital y musical de los escolares son más complejas en comparación con el nivel anterior; las obras que, en relación con la experiencia vital y musical de los escolares, se suceden; las obras que van más allá de la experiencia musical vital de los escolares y determinar la perspectiva de su desarrollo musical; musicales y pedagógicos: obras correspondientes al contenido teatral del programa, obras sobre temas infantiles; escritos dirigidos a los hijos de toda la tierra; obras disponibles para actuaciones infantiles (teniendo en cuenta las características de la máquina de juego); obras escritas y arregladas no solo teniendo en cuenta los méritos ideológicos y artísticos de las características relacionadas con la edad de la percepción de la música, sino también la formación de representaciones musicales y auditivas.
Los indicadores enumerados, cuando están interconectados, tienen un contenido específico. Estética - indica el reflejo de los principios de la cultura musical de la sociedad; psicológico: caracteriza la correlación del material con los patrones de desarrollo; pedagógico musical - exige la correspondencia del material musical con las tareas del desarrollo de los escolares.
§ 0. Fundamentos de la técnica de conjunto
Aunque el curso de conjunto de piano se ha incluido durante mucho tiempo en los planes de estudios obligatorios de la educación musical, lamentablemente todavía no existen materiales didácticos para ayudar al profesor en ejercicio.
Las clases de conjunto comienzan con un dueto. Los socios pueden ser un maestro-estudiante uno de los miembros de la familia: un estudiante dos estudiantes de la misma clase.
a) En la lección, el profesor suele jugar con el alumno. Por regla general, en piezas para principiantes, la primera parte es monofónica y la segunda parte de bajo está destinada al profesor: contiene una adición o acompañamiento armónico.
b) Y lo más hermoso es si uno de los miembros de la familia toca música regularmente con el niño. Esto trae gran alegría al niño. Interpreta su parte con confianza, rítmicamente claro y se acostumbra a superar pequeños "errores". Y es bueno que los adultos con los que juegas en casa también puedan cometer errores: aquí es necesario estar extremadamente atento y más informado que ellos.
c) Este factor psicológico también juega un papel importante en el juego conjunto de dos alumnos. En este caso, los niños de la misma edad y el mismo nivel de formación se eligen como socios, si es posible. Como cada uno de ellos no quiere comprometerse frente a los demás, entonces surge algo así como una competencia tácita, que es un incentivo para un juego más atento.
Es necesario decir sobre los detalles del análisis del trabajo del conjunto. Primero debe elegir un ritmo lento, puede usar esta opción: cada uno de los compañeros toca con una sola mano o ambas voces principales o voces extremas o tempo en diferentes voces o una melodía se toca por separado, etc.
Una guía pedagógica hábil y una metodología racional para trabajar en un conjunto presupone un conocimiento claro de las especificaciones de la interpretación en conjunto.
Los primeros pasos de la "técnica de conjunto" de la educación primaria incluyen: características del aterrizaje de pedaleo, formas de lograr la sincronía al tomar y quitar el sonido; equilibrio de sonido en doblaje y acordes divididos entre socios, coordinación de técnicas de extracción de sonido; transferencia de voz de socio a socio; proporcionalidad en la combinación de varias voces.
Con la complicación de las tareas artísticas, se amplían también las tareas técnicas de la interpretación conjunta: superando las dificultades de la polirritmia, utilizando las especiales posibilidades tímbricas de un dúo de pianos, pedaleando, etc.
Cuando se toca a cuatro manos con un instrumento, la diferencia con la interpretación en solitario comienza con el aterrizaje en sí, ya que todos tienen solo la mitad del teclado a su disposición. Los socios deben "dividirlo" para no interferir entre sí.
El intérprete de la parte de Secondo pedalea, ya que le sirve de base. Necesita escuchar atentamente a su amigo. Puede ser útil que un estudiante que toca la parte de Secondo solo toque el pedal mientras otro pianista toca la parte de Primo.
A menudo, la continuidad de una interpretación a cuatro manos se rompe debido a la falta de las habilidades más simples de los pianistas para pasar páginas y contar pausas largas. Los alumnos deberán determinar cuál de los compañeros, en función del empleo de sus manos, es más conveniente para pasar página. Esto debe aprenderse sin descuidar un entrenamiento especial.
Gran entrenamiento y entendimiento mutuo requiere la sincronicidad del comienzo del juego. Es necesario explicar a los estudiantes el uso del columpio del conductor del auftact en este caso. Con este gesto, es útil aconsejar a los intérpretes que respiren al mismo tiempo. Igualmente importante es el final sincrónico "quitando el sonido". Para lograr un equilibrio en el sonido de los sonidos individuales, es necesario que los miembros del conjunto acuerden métodos para extraer el sonido.
Otros ejemplos de la técnica elemental del conjunto son la transferencia de pasajes de melodías de acompañamiento de contrapunto "de mano en mano" entre compañeros, etc. Los pianistas deben aprender a “recoger” una frase inconclusa y pasársela a su compañero sin romper el tejido musical.
El inconveniente más común del rendimiento de los estudiantes es la monotonía dinámica. El rango dinámico de una interpretación a cuatro manos debe ser más amplio que el de un solo, ya que tener dos pianistas permite un uso más completo del teclado. Habiendo hablado sobre el plan dinámico general del trabajo, es necesario determinar su culminación y aconsejar a Fortissimo que juegue "con un margen" y no en el límite. Hay que recordar que antes del matiz todavía hay mucha gradación.
Así, antes de iniciar una actuación conjunta, los socios acuerdan quién hará la introducción, cuál debe ser la naturaleza del sonido y con qué técnica y con qué fuerza se iniciará la pieza. Además, el ritmo debe ser determinado de antemano. Los socios deberían sentirlo de la misma manera incluso antes de comenzar a jugar.
Un lugar especial en la actuación conjunta lo ocupan las cuestiones relacionadas con el ritmo. Este tema se consideró en detalle en el Capítulo 0. Detengámonos solo en las complejidades del patrón rítmico, al que los maestros deben prestar especial atención cuando trabajan con músicos de conjunto.
La distorsión del patrón rítmico se encuentra más a menudo en el ritmo punteado cuando las semicorcheas se reemplazan por treinta segundos y se combinan con tresillos en condiciones de polirritmia cuando el ritmo cambia a ritmo de cinco, siete tiempos, etc. La tarea específica de las clases de conjunto es la educación de un ritmo colectivo. Solo se puede resolver mediante el estudio persistente de diversas obras y el desarrollo sistemático del contacto integral de los socios en el proceso de ejecución.
Al tocar en conjunto, la elección adecuada de la digitación se vuelve especialmente importante para ayudar a superar las dificultades pianísticas. Las construcciones secuenciales, que en la mayoría de los casos en partes solistas se ejecutan con la misma digitación en conjuntos, no siempre son posibles. Los casos de cruzar los dedos 0 tras 0 0 tras 0 en la práctica de conjunto son más comunes que en la interpretación en solitario.
La revelación ideológica de la imagen artística, la riqueza emocional, la fantasía poética, la capacidad de experimentar la interpretación musical, la penetración flexible en el contenido de la obra, requiere la unidad del pensamiento creativo de todos los intérpretes en el conjunto de piano. La comprensión y el acuerdo mutuos son la base de la creación de un único plan de interpretación. Al encarnar una interpretación creada colectivamente, se debe hablar de la "empatía creativa de los intérpretes". La capacidad de "comunicarse" con un compañero es un elemento esencial del conjunto. En el diálogo musical, la “pronunciación” de las réplicas por parte de los socios está interconectada. Conciencia de una frase musical que suena de otro ejecutante y entonación de la propia respuesta como un acuerdo, duda, negación, etc. - y hay un proceso de comunicación. La comunicación musical activa la voluntad creativa del ejecutante y expande los límites de su imaginación.
§ 0. Trabajo experimental y análisis de sus resultados.
El trabajo experimental se llevó a cabo durante seis semestres (0000-0000 0000-0000 0000-0000 ac. p.) sobre la base del laboratorio de música de la USPI de la facultad de música y pedagogía y la escuela de coro de niños No. 0 en Ekaterimburgo.
El objetivo principal de los líderes de las clases de piano en tales instituciones educativas y musicales para niños es profundizar la percepción musical y el interés por la música, ampliar los horizontes de los estudiantes, inculcar las habilidades de tocar un instrumento musical con notas y oído.
La peculiaridad de trabajar en un laboratorio de música es que tratamos de encontrar un enfoque más creativo. A diferencia de las escuelas de música, los niños con una amplia variedad de habilidades musicales pueden estudiar con nosotros. Además, todos los niños que hayan expresado su deseo pueden estudiar con nosotros sin selección previa competitiva sin restricciones de edad. Básicamente, el contingente de estudiantes consiste principalmente en niños con inclinaciones musicales mediocres, por lo que los métodos de enseñanza juegan aquí un papel especial.
La metodología del trabajo experimental incluyó: 0) observación intencional y conversaciones con los estudiantes durante las clases; 0) selección de repertorio y realización de clases sistemáticas individuales con los alumnos de acuerdo con las normas metodológicas desarrolladas; 0) observar las lecciones de otros profesores que trabajan con un contingente similar de estudiantes.
Al trabajar con niños en el laboratorio de música, no nos fijamos un fin en sí mismo: enseñar un oficio profesional que a veces repele a un niño del contacto real con la música, desafortunadamente a veces para siempre. Nuestra tarea: en primer lugar, enseñar a comprender la música, desarrollar los datos creativos de un niño, dominar la alfabetización musical, con la ayuda de la cual podrá familiarizarse de forma independiente no solo con canciones populares, sino también con obras maestras de la música clásica. música.
Se le da un lugar especial en nuestras clases con niños al desarrollo de formas de trabajo: selección de melodías folclóricas y populares con armonización simple y tipos variantes de acompañamiento, formación de habilidades para leer notación musical, tocar en un conjunto, desarrollo de habilidades de acompañamiento simple; improvisación elemental con grabación de melodías; . Las clases también incluían: escuchar la música de obras interpretadas por el profesor (en combinación con conversación y repetición de episodios individuales) música ligera prepara a los estudiantes para la percepción de obras musicales serias).
Es muy importante en cualquier trabajo con niños tener en cuenta sus características de edad. Si el contenido de las obras estudiadas corresponde a los intereses del estudiante, entonces el proceso de aprendizaje procederá de manera más activa. Tuvimos algunas dificultades con la selección del repertorio en nuestro trabajo. Básicamente, todas las colecciones de piano para principiantes están diseñadas para niños de 0-0 años, y los niños que participan en nuestro laboratorio de música ya han superado esta edad. Abordamos con mucho cuidado el tema de la selección del repertorio y también utilizamos nuestros propios arreglos.
El nivel de desarrollo musical de los estudiantes se evaluó sobre la base de los resultados del control de actuaciones colectivas y abiertas de los niños. Se llevó un diario pedagógico en el que se registraron secciones periódicas de los conocimientos de los niños, un análisis comparativo de las características recopiladas para los niños al final de cada trimestre; se registró el material cubierto, la naturaleza y el contenido de las tareas pedagógicas en la lección, el resultado de su implementación por parte de los niños y los comentarios del maestro.
Análisis de datos de materiales de trabajo experimentales del diario pedagógico evaluado por la comisión de calidad de los espectáculos infantiles concierto abierto nos permitió sacar las siguientes conclusiones: los niños desarrollaron y dominaron con éxito la cantidad necesaria de habilidades pianísticas. A finales de año, se mostraron los siguientes programas: la antigua canción francesa Rebikov V. "Peasant" Watt "Three Little Pigs" - ans. (Marina P.); Krieger I. Menurt Danza Antigua Cotrdance Gretri A. Canción - ans. (Irina P.) evaluada por la comisión para una evaluación positiva. Los horizontes musicales de los estudiantes se ampliaron significativamente en los cuestionarios, entre los favoritos estaban las obras de Bach Beethoven Schumann Chopin y otros. columpio alado» rusos Canciones folk"Kalinka" "Apple" "Lady" Lebedev "Canción de los guardiamarinas" y otra música popular.
En la lección de control sobre la verificación de las habilidades de lectura de una hoja, los niños se las arreglaron bastante bien con las tareas. Después de un poco de preparación, en un conjunto con un maestro, los niños actuaron: N. Sokolov "Otoño" (Marina P.) N. Sokolov "Nuevo día" (Irina P.).
Significativamente mayor interés en las lecciones de música, ninguno de los estudiantes abandonó el laboratorio de música, a pesar de poseer habilidades musicales débiles.
En las lecciones finales, los niños se sentían cómodos, relajados en el aula, reinaba un ambiente creativo, los niños estaban muy interesados en el trabajo de sus compañeros.
Como resultado de este trabajo experimental, hemos desarrollado recomendaciones metodológicas especiales que necesitarán todos los que entren en contacto con el aprendizaje inicial de tocar el piano (jefes de estudios de círculos de piano en escuelas secundarias de escuelas de arte y otras instituciones educativas musicales ).
En el trabajo experimental en curso, se le dio un lugar especial a la creación de música de conjunto. Todas las formas y métodos anteriores se utilizaron en el trabajo conjunto de dos estudiantes. Resumiendo los resultados del trabajo, podemos concluir que esta forma de trabajo en el sistema de educación musical masiva es muy prometedora para el desarrollo de los estudiantes.
La técnica misma de hacer música en conjunto fue cubierta por nosotros anteriormente. Consideramos necesario desarrollar un sistema de tipos de conjuntos de piano para principiantes, reflejando las tareas y etapas importantes de la formación pianística inicial.
§ 0. Clasificación pedagógica de la literatura de conjunto para principiantes.
Conjuntos de la etapa preparatoria de las lecciones de música.
Las piezas de conjunto que se tocan antes de familiarizarse con la notación musical y se aprenden de oído con el espectáculo del maestro incluyen "palabras" musicales cortas que tienen como objetivo la especificidad y la expresividad. También pueden ser extractos de los distintivos de llamada de emisoras de radio y televisión, una tercera descendente asociada al canto del cuco, señales de trompeta, gritos musicalizados, entonaciones de llamada de pregunta, exclamación de queja, etc. pronunciación y juego en el instrumento de las rimas de conteo de los niños, bromas burlonas.
O. Feltsman "Buenos días"
Ya en este sencillo ejemplo se establecerá la coordinación elemental de ambas manos.
Sat. es especialmente rico en ejemplos de este tipo. "pianista moderno". Será fácil para un profesor que lo utilice en su trabajo despertar el interés por el juego desde el principio. Aquí el maestro familiarizará al alumno con la habilidad de extraer uno, dos, tres sonidos y, finalmente, con la interpretación de las melodías más simples (acompañadas por la parte del maestro). Este tipo de ejercicio introduce a los estudiantes al teclado.
casa de gatos
Los conjuntos para las primeras lecciones son los siguientes: el maestro interpreta un canto familiar o una canción simple y el alumno toca "acompañamiento" en una o más teclas en el registro superior o inferior del piano. Si la parte del maestro es lo suficientemente transparente y sencilla, y la parte del alumno, aunque elemental, pero comprendida, esta especie de juego conjunto sienta las bases para el desarrollo de la atención auditiva y la disciplina rítmica. Además, es posible utilizar la parte del estudiante para formar las primeras habilidades de producción de sonido.
D. Shostakovich "Marzo"
Este conjunto es interpretado por estudiantes en una etapa posterior de formación. Su arreglo es muy interesante. Al interpretar este conjunto, el estudiante dominará involuntariamente tanto su forma como su género. Y se hace de la siguiente manera: el alumno interpreta las partes extremas y el profesor la parte media.
En el período inicial de trabajo con niños, es necesario utilizar una variedad de melodías brillantes y ritmos de obras de música folclórica que puedan despertar la imaginación del niño, enseñarles a comprender y experimentar la música de una naturaleza diferente.
Ensambles para dos estudiantes
Si es posible, se seleccionan niños de la misma edad y el mismo nivel de formación como socios en el conjunto de piano. Hay algo así como una competencia tácita, que es un incentivo para un juego más completo y atento. En este caso, hay un problema con el repertorio. Desafortunadamente, para el entrenamiento inicial, hay muy poca literatura para facilitar el segundo juego.
V. Agafonnikov "Canción de cuna"
La segunda parte es sencilla y por tanto bien puede ser realizada por otro alumno (se tienen en cuenta las capacidades físicas de la mano del niño).
Aquí hay otro ejemplo similar:
Canción popular bielorrusa "Un mosquito se sentó en un roble"
Incluso con gran interés, los niños se incluyen en el trabajo cuando tres estudiantes forman parte del conjunto.
V. Agafonnikov "El Sol"
El sábado. Agafonnikov "Juegos musicales" recopiló piezas de conjunto para los artistas más jóvenes. Son entretenidos y educativos.
El problema del repertorio se puede superar utilizando arreglos independientes de obras clásicas, simplificando lo menos posible las partes de los estudiantes, pero manteniendo al mismo tiempo el sonido general.
A. Canción Gretry
Conjuntos para lectura a primera vista
La colección de Sokolov "Un niño al piano" está llena de tipos similares de conjuntos. Cada juego en esta colección se da con palabras. Esto es muy punto importante con el fin de interesar al niño en el próximo trabajo. En el período inicial, para la lectura a primera vista a cuatro manos, recomendamos utilizar manuales como "Primeros pasos" de Maykapar, así como piezas de muchas colecciones para la educación primaria en las que el material de conjunto está ampliamente representado.
La extrema sencillez de la pieza asegura la comodidad y naturalidad del toque del alumno al instrumento. La distribución de la melodía entre las dos manos de las cuales cada ber solo un sonido alivia la tensión ayuda a utilizar todas las manos para lograr firmeza y profundidad de sonido.
Los conjuntos de lectura a primera vista deben ser variaciones simples.
Conjuntos teniendo en cuenta las capacidades físicas de la mano del niño.
Al arreglar obras para piano de un conjunto, es necesario tener en cuenta los siguientes valores: 0) el valor del brazo estirado, la posibilidad de ejecutar acordes de octava; 0) la cantidad de habilidades pianísticas dominadas: tipos de técnica fina, arpegios cortos y largos; 0) coordinación de manos; 0) la fuerza del sonido (el equilibrio entre las partes del profesor y el alumno).
P. Tchaikovsky Fragmento del primer concierto 0 horas
El uso de arreglos hábiles le permitirá entrar en contacto con tales obras maestras desde el comienzo de aprender a tocar el piano. La segunda parte de este conjunto también se presenta teniendo en cuenta las capacidades físicas de la mano de un niño, lo que permitirá que dos estudiantes interpreten esta música.
Conjuntos de arreglos de obras de música clásica
Los clásicos han sido y siguen siendo uno de los aspectos más importantes del repertorio musical y pedagógico.
F. Chopin Etude No. 0 (fragmento)
Como se puede ver en el ejemplo, la fiesta de los estudiantes es extremadamente simple y accesible a la percepción de los niños. Se presenta de manera muy conveniente utilizando la participación alterna de manos en el juego.
Para introducir a los niños a la herencia clásica, recomendamos Sat. "¡Hola bebé!" Contiene arreglos ligeros de música no pianística que ayudarán especialmente a los jóvenes maestros en su labor de educación estética de los niños. Recomendamos que, simultáneamente con el pasaje de extractos de las obras originales para piano, deje que el niño los escuche completos en discos (esto también se aplica a extractos de obras de cámara y sinfónicas).
En sus propios arreglos de obras clásicas, debe tener en cuenta la experiencia auditiva de los niños y su deseo de participar en música de alto nivel. Estos pueden ser la Sonata Claro de Luna de Beethoven, la Polonesa de Chopin, el Cisne de Saint-Saens, etc.
Otro ejemplo para conocer la herencia clásica.
Coro M. Glinka "¡Gloria!"
Ensambles para selección de oído
La selección de oído debe tener lugar en el material de canciones infantiles y populares, que deben organizarse en orden creciente de complejidad. Son recordados por el niño y seleccionados de oído de diferentes claves. Las melodías para la selección se utilizan mejor con un texto poético, lo que contribuye a la comprensión de la obra interpretada y facilita la sensación del ritmo del metro y la estructura de la melodía. Es necesario al principio limitar el rango de tonalidad, teniendo en cuenta las dificultades metro-rítmicas y las características individuales de los estudiantes.
D. Watt "Los tres cerditos"
Esta canción es bien conocida por todos los niños, seleccionarla en un instrumento no será muy difícil. El acompañamiento es texturalmente simple. Se puede realizar de acuerdo al esquema armónico dado por el profesor.
Según nuestra experiencia, recomendamos utilizar colecciones de solfegios (Terentyeva Basvoy-Zibryak Davydova Kotlyarevskaya-Kraft) en las que se recopilan numerosas melodías de una sola voz, teniendo en cuenta la herencia clásica y folclórica. Son estas melodías las que se pueden utilizar para la selección de oído.
Conjuntos de acompañamiento
Desafortunadamente para la educación primaria hay muy poca literatura en la que la parte inferior sea tan fácil que pueda ser interpretada por un estudiante. Por lo tanto, debe aprovechar todas las oportunidades para cambiar los roles. Al tocar la segunda parte, el niño aprende el acompañamiento y los ejercicios en un sonido apagado y un bajo suave. La lectura de la clave de fa también presenta una dificultad considerable al principio.
Aquí hay algunos tipos de acompañamiento para principiantes:
K. Longchamp - Polca de Drushkevich
En este ejemplo, es necesario orientar al alumno para que, mientras toca el acompañamiento, mire hacia la parte musical de su compañero. Será difícil leer tu parte y la parte de tu compañero de inmediato, pero debes seguir al menos la dirección de la melodía y el patrón rítmico de la otra parte.
Ensambles para mejorar las habilidades de interpretación
Los primeros pasos para organizar una máquina de juego se pueden resolver en un juego conjunto. Estos incluyen los mismos conjuntos que recomendamos en el período donot. El siguiente paso pueden ser piezas interpretadas de oído o del espectáculo de un maestro.
A. Artobolevskaya "Vals de los perros"
Este ejemplo es un ejemplo de simplicidad y conveniencia para colocar las manos desde el principio, le enseña al niño la precisión rítmica, el niño tiene la oportunidad de usar libremente ambas manos, se desarrolla la inmersión libre del peso de la mano en la tecla, confiando en el tercer dedo. Este juego es accesible a la percepción de los niños, los niños se interesan por él desde el primer minuto.
Tocar en conjunto también contribuye a la asimilación de habilidades pianísticas más complejas.
V. Rebikov "Un barco flota en el mar (II parte)"
Por regla general, la parte II (que acompaña) es una fórmula planística que tiene un carácter etudal y se repite durante mucho tiempo en diferentes tonalidades. Esto contribuye a la formación de una fuerte habilidad planística.
"Canción - una broma" arr. I. Hanusha
En este ejemplo, el profesor y el alumno utilizan la misma técnica planística. Esto ayudará al niño a dominarlo rápidamente copiando al maestro. Las peculiaridades de la infancia incluyen el hecho de que el niño no puede comprender analíticamente cada movimiento del juego, los percibe sintéticamente. Con gran éxito, logra imitar al maestro. Hay una adopción natural de la experiencia pianística.
"Canción - baile" de P. Eden
Este ejemplo de conjunto es un pase de lista del mismo sonido a su vez en diferentes partes. El alumno afrontará con éxito su tarea imitando al profesor.
Conjuntos para familiarizarse con el lenguaje musical moderno.
El conjunto de piano brinda la oportunidad de familiarizarse con música contemporánea y profundizar, a través de la interpretación directa, el lenguaje musical moderno. El principio de la ejecución moderna es moderno. lenguaje musical debe tenerse en cuenta en los arreglos independientes de melodías folklóricas y clásicas. El maestro debe esforzarse por asegurarse de que el oído armónico del niño no se eduque en el acorde primitivo.
N. Sokolov "Hace frío en el bosque"
Las siguientes colecciones están saturadas con material de este tipo de conjuntos: N. Sokolova "Un niño al piano" V. Agafonnikov "Juegos musicales" "Pianista moderno". Recomendamos usarlos con principiantes.
Conjuntos para la improvisación
Los miembros del conjunto también deben poseer las habilidades de improvisación. Ya que cada miembro del conjunto no sólo debe concentrarse en el todo del que forma parte, sino también estar constantemente alerta ante un posible error, cuya hábil corrección requiere que sea capaz de responder e improvisar con rapidez.
Aquí hay algunas técnicas metodológicas que ayudarán a la formación de habilidades de improvisación entre los músicos de conjunto.
Se necesitan puntos de partida para esta actividad. Pueden ser: a) una melodía familiar
b) secuencia armónica
a) dada una melodía
Una canción familiar se interpreta de oído en cualquier tono. La melodía la toca el alumno y el profesor lo acompaña. Luego se intercambian los roles y el alumno improvisa ya sea la segunda voz o el acompañamiento de acordes.
b) Dada una secuencia armónica
Se puede utilizar una cadencia TSDT simple como orientación armónica para la improvisación conjunta. Los acordes se defienden en una secuencia determinada y los ejecuta el intérprete de la segunda parte en cualquier interpretación de piano. El primer ejecutante debe entonces improvisar la melodía. Al principio, la melodía debe estar compuesta únicamente por los sonidos de la armonía.
A medida que se acumula la experiencia, la melodía improvisada se vuelve más libre. También se pueden introducir tonos adicionales (0 0 0, etc.) en el propio acompañamiento de acordes, por lo que su severidad armónica se suaviza y viola un poco.
c) Se da ritmo
En base al ritmo establecido, puedes improvisar con mucha facilidad. El ritmo es inventado por el alumno e interpretado en la segunda parte en forma de bajo ostinato. Aquí puede usar notas dobles eligiendo notas dobles eligiendo cualquier intervalo. El ritmo se repite constantemente, mientras que los intervalos se pueden mover o cambiar.
A esto, el maestro improvisa una melodía con el patrón rítmico opuesto (complementario).
Y otra pequeña recomendación metódica. Para los estudiantes que ya tienen las habilidades de tocar en conjunto, lo más apropiado es el arreglo de las partes una debajo de la otra en la partitura, lo que permite a los miembros del conjunto ver toda la textura de la obra. Pero como muestra la experiencia en la etapa inicial de las lecciones de conjunto, cuando las primeras obras de conjunto plantean una serie de nuevas tareas específicas para los estudiantes, la presentación del material en la partitura puede distraer la atención del estudiante del control auditivo y visual sobre su parte.
CONCLUSIÓN
Así, la investigación realizada nos permitió sacar las siguientes conclusiones:
0. El problema de la formación y el desarrollo en la pedagogía del piano sigue siendo relevante y requiere una implementación específica en la metodología de la lección de piano en la política de repertorio en la búsqueda de nuevos métodos de trabajo con los estudiantes. Es especialmente importante establecer una relación de cooperación entre el profesor y el alumno.
0. La interpretación de música en conjunto juega un papel importante en la implementación de los principios de la educación para el desarrollo. Le permite desarrollar toda la gama de habilidades de los estudiantes (ritmo, audición, memoria, habilidades para tocar).
0. La creación musical en conjunto cumple plenamente con las especificaciones de la etapa inicial de la educación de los estudiantes. Es conveniente especialmente en condiciones de la enseñanza musical de masas (los estudios de los círculos de las escuelas de arte de los laboratorios musicales). La creación musical en conjunto permite superar una serie de dificultades propias de la edad y psicológicas para incluir a los alumnos en el entorno musical desde los primeros pasos.
0. El uso generalizado del conjunto de piano contribuye al principio de la pedagogía colaborativa. Tiene como objetivo revelar el potencial creativo de cada niño, el desarrollo de habilidades para la autoexpresión, el desarrollo del patrimonio cultural.
0. La creación de música en conjunto como una forma de trabajo educativo requiere una guía pedagógica hábil y una metodología racionalmente pensada. Así, la etapa inicial de la formación pianística, por su cometido y especificidad, exige una política de repertorio flexible basada en la clasificación pedagógica de la literatura de conjunto.
Esperamos que nuestro trabajo continúe en la actividad profesional independiente.
Agafonnikov V. Es hora de dormir Bear Sun. Canción de cuna del ciclo "Juegos musicales".
Alexandrov A. Violeta.
Arensky A. Seis obras de teatro, op. 00.
Balakirev M. 00 Canciones populares rusas.
Beethoven L. Danza campestre.
Beethoven L. Extracto de la Sinfonía No. 0.
Borodin A. Cui Ts. Lyadov A. Rimsky-Korsakov N. Paráfrasis. 00 variaciones y 00 piezas sobre un tema conocido e inmutable.
Brahms I. Canción de cuna.
Brahms I. Canción popular.
Bruckner A. Tres pequeñas obras de teatro.
Weiner A. Tres pequeñas obras de teatro.
Vankhal Ya. Muy ligera sonata C dur op. 00; sonata fa mayor op. 00.
Vekerlen J. B. Ven pronto primavera.
Vitlin V. Papá Noel.
Lobo EV Sonata do mayor.
¿Saldré al río? Canción popular rusa.
Haydn J. Profesor y alumno.
Glinka M. Lark.
Marcha de Glinka M. Chernomor de la ópera "Ruslan y Lyudmila".
Glinka M. Coro "Gloria"! de la ópera "Ivan Susanin" (fragmento).
Glière R. 00 juega op. 00; 00 piezas op.00.
Grechaninov A. Mañana de primavera.
Grechaninov A. En un prado verde 00 piezas ligeras op. 00.
Gurnik I. Valses.
Daniel Lesyure Ramo de Beatrice №0 0.
Dvorak A. Gmoll de danza eslava.
Delvencourt K. Imágenes de cuentos de hadas de tiempos pasados.
Diabelli A. Seis sonatinas op. 000 00 ejercicios melódicos op. 000 Valses op. 000.
Dubuk A. Jardín de flores musical infantil 00 obras de teatro.
Dutis O. Cinco piezas para teclado.
Ignatiev V. Nuka caballos.
Kozhelukh L. Sonata C dur op. 00 #0.
Kokhan G. 00 pequeñas obras de teatro.
Krzyska J. 0 canciones de cuna.
Cui I. 00 piezas para teclado op. 00.
Lazukhin N. Repertorio infantil 0 obras.
Levina Z. Gorrión.
Lee E. Alicia en el país de las maravillas 00 duetos.
Longshan Drushkevichova. Polca.
Mi caballo. Canción popular checa.
Mozart W. A. Canción de primavera.
Mussorgsky M. Gopak de la ópera "Sorochinsky Fair".
Nekaza J. Al piano en 0 manos 0 piezas.
Nife K.G. Una pieza breve basada en temas de la ópera La flauta mágica de Mozart.
Auric J. 0 bagatelas.
Canción-broma arr. Soy Hanusha.
Prokofiev S. Charlatán.
Prokofiev S. Waltz de la ópera "Guerra y paz".
Prokofiev S. Gato. Petia. Del cuento de hadas sinfónico "Peter and the Wolf".
Pavane de Ravel M. Sleeping Beauty de Mother Goose's Tales.
Rebikov V. Un barco flota en el mar.
Rebikov V. Pequeña suite op. 00 №0 danza de nomeolvides №0 Danza oriental.
Reinecke K. 00 Pequeñas fantasías sobre temas de canciones alemanas, op. 000 00 piezas op. 000.
Rowley A. 0 piezas de cinco teclas Lado a lado 0ª serie 0 danza.
Scott S. Canciones infantiles 0 piezas.
Sokolov N. Baba Yaga. Muñeco de nieve. Dibujaré la casa de un gato. Muy aburrido. Mamá encendió la estufa. Lluvia de verano.
Stravinsky I. Cinco piezas fáciles para cuatro manos №0 Andante; Nº 0 Galope.
Stravinsky I. Tilibom. cancion infantil
Turk T.G. Monst?ckl 000 piezas.
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