Balet je umjetnička forma u kojoj je ideja kreatora oličena koreografijom. Baletna predstava ima radnju, temu, ideju, dramski sadržaj, libreto. Samo u rijetkim slučajevima se dešavaju baleti bez zapleta. U ostalom, koreografskim sredstvima, plesači moraju prenijeti osjećaje likova, radnju, radnju. Baletski igrač je glumac koji uz pomoć plesa prenosi odnos likova, njihovu međusobnu komunikaciju, suštinu onoga što se dešava na sceni.

Istorija nastanka i razvoja baleta

Balet se pojavio u Italiji u 16. veku. U to vrijeme, koreografske scene su uključene kao epizoda muzički nastup, opera. Kasnije, već u Francuskoj, balet se razvija kao veličanstvena, uzvišena dvorska predstava.

15. oktobar 1581. godine se smatra rođendanom baleta u celom svetu. Upravo je na današnji dan u Francuskoj talijanski koreograf Baltazarini predstavio svoju kreaciju javnosti. Njegov balet se zvao Cercea ili The Queen's Comedy Ballet. Predstava je trajala oko pet sati.

Prvo francuski baleti bili su zasnovani na dvorjanima i narodne igre i melodije. Uz mjuzikl, u predstavi su bile razgovorne, dramske scene.

Razvoj baleta u Francuskoj

Porast popularnosti i procvat baletske umjetnosti omogućio je Luj XIV. Dvorski plemići tog vremena su sa zadovoljstvom učestvovali u predstavama. Čak je i blistavi kralj dobio nadimak "Kralj Sunce" zbog uloge koju je igrao u jednom od baleta dvorskog kompozitora Lulija.

Godine 1661. Luj XIV osnovao je prvu baletsku školu na svijetu, Kraljevsku akademiju igre. Rukovodilac škole bio je Luli, koji je odredio razvoj baleta za naredni vek. Budući da je Lully bio kompozitor, odlučio je o zavisnosti plesnih pokreta od građenja muzičkih fraza, a o prirodi plesnih pokreta - o prirodi muzike. U suradnji s Molièreom i Pierre Beauchampom, učiteljem plesa Luja XIV, stvorene su teorijske i praktične osnove baletske umjetnosti. Pierre Beauchamp počeo je stvarati terminologiju klasičnog plesa. Do danas se u francuskom koriste termini za označavanje i opisivanje glavnih baletskih pozicija i kombinacija.

U 17. veku balet je dopunjen novim žanrovima, kao što su balet-opera, balet-komedija. Pokušava se napraviti performans u kojem bi se muzika organski odražavala priča, a ples se, zauzvrat, organski stopio u muziku. Tako se postavljaju temelji baletske umjetnosti: jedinstvo muzike, plesa i dramaturgije.

Počevši od 1681. godine, učešće u baletnim predstavama postalo je dostupno ženama. Do tada su samo muškarci bili baletni igrači. Vaš gotov izgled zaseban pogled umetnosti, balet dobija tek u drugoj polovini 18. veka zahvaljujući scenskoj inovaciji francuskog koreografa Žana Žorža Novera. Njegove reforme u koreografiji dodijelile su aktivnu ulogu muzici kao osnovi za baletnu predstavu.

Razvoj baleta u Rusiji

Prva baletska predstava u Rusiji održana je 8. februara 1673. u selu Preobraženskoe na dvoru cara Aleksandra Mihajloviča. Originalnost ruskog baleta stvara francuski koreograf Charles-Louis Didelot. Afirmiše prioritet ženske uloge u plesu, povećava ulogu kor de baleta, jača vezu između plesa i pantomime. Pravu revoluciju u baletskoj muzici napravio je P.I. Čajkovski u svoja tri baleta: Orašar, labuđe jezero i Uspavana ljepotica. Ova djela, a iza njih i predstave, neprevaziđeni su biser muzičkih i plesnih žanrova, bez premca po dubini dramskog sadržaja i ljepoti figurativnog izraza.

Godine 1783. Katarina II je stvorila Carsko pozorište opere i baleta u Sankt Peterburgu i Boljšoj Kameni teatar u Moskvi. Na pozornici poznatih pozorišta Ruski balet veličali su majstori kao što su M. Petipa, A. Pavlova, M. Danilova, M. Pliseckaya, V. Vasiljev, G. Ulanova i mnogi drugi.

20. vijek obilježile su inovacije u književnosti, muzici i plesu. U baletu se ova inovacija očitovala u stvaranju plesa – plastičnog plesa bez tehnike. klasične koreografije. Jedna od osnivačica modernog baleta bila je Isadora Duncan.

Karakteristike klasične koreografije

Jedan od glavnih zahtjeva u klasičnoj koreografiji je everzija nogu. Prvi baletski izvođači bili su dvorski aristokrati. Svi su ovladali umijećem mačevanja, koji je koristio položaj stopala everzije, omogućavajući bolje kretanje u bilo kojem smjeru. Od mačevanja, zahtjevi za izlaznost su se pretvorili u koreografiju, što je za francuske dvorjane bilo samo po sebi razumljivo.

Još jedna karakteristika baleta - izvedba na prstima - pojavila se tek u 18. vijeku, kada je Marie Taglioni prvi koristila ovu tehniku. Svaka škola i svaki plesač unijeli su svoje karakteristike u baletsku umjetnost, obogatili je i učinili popularnijom.

Sekcija publikacija Pozorišta

Čuveni ruski baleti. Top 5

Klasični balet je nevjerovatna umjetnička forma koja je nastala u Italiji tokom zrele renesanse, "preselila" se u Francusku, gdje su zasluge za njegov razvoj, uključujući osnivanje Akademije igre i kodifikaciju mnogih pokreta, pripadale kralju Luju XIV. . Francuska je izvezla umetnost pozorišnog plesa svima evropske zemlje, uključujući Rusiju. AT sredinom devetnaestog veka, prestonica evropskog baleta više nije bio Pariz, koji je svetu dao remek-dela romantizma "La Sylphide" i "Giselle", već Petersburg. Tačno u severna prestonica skoro 60 godina radio je veliki koreograf Marius Petipa, tvorac sistema klasičnog plesa i autor remek-dela koja još uvek ne silaze sa scene. Nakon Oktobarske revolucije hteli su balet da balet sa broda modernosti, ali su uspeli da ga odbrani. Sovjetsko vreme je obilježeno stvaranjem značajnog broja remek-djela. Predstavljamo pet domaćih vrhunskih baleta - hronološkim redom.

"Don Kihot"

Scena iz baleta Don Kihot. Jedna od prvih produkcija Mariusa Petipa

Premijera baleta L.F. Minkus "Don Kihot" Boljšoj teatar. 1869 Iz albuma arhitekte Alberta Kavosa

Scene iz baleta Don Kihot. Kitri - Lyubov Roslavleva (centar). Inscenacija A.A. Gorsky. Moskva, Boljšoj teatar. 1900

Muzika L. Minkusa, libreto M. Petipa. Prva produkcija: Moskva, Boljšoj teatar, 1869, koreografija M. Petipa. Naredne produkcije: Sankt Peterburg, Marijinski teatar, 1871, koreografija M. Petipa; Moskva, Boljšoj teatar, 1900, Sankt Peterburg, Marijinski teatar, 1902, Moskva, Boljšoj teatar, 1906, sve - koreografija A. Gorskog.

Balet "Don Kihot" - pun života i veselja pozorišna predstava, vječni praznik igre, koji ne zamara odrasle i na koji roditelji rado vode svoju djecu. Iako se zove imenom junaka čuvenog romana Servantes, zasnovana je na jednoj od njegovih epizoda, "Vjenčanje Kiterije i Bazilija", a govori o avanturama mladih junaka, čija ljubav na kraju pobjeđuje, uprkos protivljenju. heroininog tvrdoglavog oca, koji je želio da je uda za bogatog Gamachea.

Dakle, Don Kihot nema skoro nikakve veze s tim. Cijela predstava je visoki, mršav umjetnik, u pratnji niskog trbušastog kolege, koji prikazuje Sancho Panzu, korača po bini, ponekad vas sprečava da pogledate kompozicije Petipa i Gorskog prekrasni plesovi. Balet je, u suštini, koncert u kostimima, svetkovina klasične i karakteristične igre, na kojoj svi umetnici bilo koje baletske trupe imaju čime da se bave.

Prva produkcija baleta održana je u Moskvi, gdje je Petipa s vremena na vrijeme putovao kako bi podigao nivo lokalne trupe, koja se ne može porediti sa briljantnom trupom Marijinskog teatra. Ali u Moskvi je bilo lakše disati, pa je koreograf, u suštini, postavio baletsku reminiscenciju na divne godine mladosti provedene u sunčanoj zemlji.

Balet je bio uspešan, a dve godine kasnije Petipa ga je preselio u Sankt Peterburg, što je zahtevalo preradu. u sjevernoj prijestonici karakteristični plesovi mnogo manje zainteresovan od čiste klasike. Petipa je "Don Kihota" proširio na pet činova, komponovao "beli čin", takozvani "Don Kihotov san", pravi raj za ljubitelje balerina u tutuima, vlasnice lepih nogu. Broj kupida u "Snu" dostigao je pedeset i dva...

Don Kihot nam je došao u preradi moskovskog koreografa Aleksandra Gorskog, koji je voleo ideje Konstantina Stanislavskog i želeo je da stari balet učini logičnijim i dramatično ubedljivijim. Gorsky je uništio Petipine simetrične kompozicije, otkazao tutuse u sceni "Dream" i insistirao na upotrebi tamne šminke za španske plesačice. Petipa ga je nazvao "svinjom", ali već u prvoj preradi Gorskog balet je na sceni Boljšoj teatra izveden 225 puta.

"Labuđe jezero"

Scenografija za prvu predstavu. Veliko pozorište. Moskva. 1877

Scena iz baleta "Labudovo jezero" P.I. Čajkovskog (koreografi Marius Petipa i Lev Ivanov). 1895

Muzika P. Čajkovskog, libreto V. Begičeva i V. Gelcera. Prva produkcija: Moskva, Boljšoj teatar, 1877, koreografija V. Reisingera. Naknadna produkcija: Sankt Peterburg, Marijinski teatar, 1895, koreografija M. Petipa, L. Ivanova.

Svima omiljeni balet, čija je klasična verzija postavljena 1895. godine, rođen je osamnaest godina ranije u moskovskom Boljšoj teatru. Partitura Čajkovskog, čija svetska slava tek dolazi, bila je svojevrsna zbirka „pesme bez reči“ i delovala je previše komplikovano za ono vreme. Balet se održao oko 40 puta i potonuo u zaborav.

Nakon smrti Čajkovskog, Labuđe jezero je postavljeno u Marijinskom teatru, a sve naredne produkcije baleta zasnovane su na ovoj verziji, koja je postala klasika. Radnja je dobila veliku jasnoću i logiku: balet je pričao o sudbini prelepe princeze Odette, koja je voljom zlog genija Rothbarta pretvorena u labuda, o tome kako je Rothbart prevario princa Siegfrieda, koji se zaljubio u nju, pribjegavajući čarima svoje kćeri Odile i o smrti heroja. Dirigent Ricardo Drigo smanjio je partituru Čajkovskog za oko trećinu i reorkestrirao. Petipa je kreirao koreografiju za prvi i treći čin, Lev Ivanov za drugi i četvrti. Ova divizija savršen način odazvao se pozivu oba briljantna koreografa, od kojih je drugi morao živjeti i umrijeti u sjeni prvog. Petipa je otac klasičnog baleta, tvorac besprekorno harmoničnih kompozicija i pevač žene-vile, žene-igračke. Ivanov je inovativni koreograf sa neobično osetljivim osećajem za muziku. Ulogu Odette-Odile odigrala je Pierina Legnani, “kraljica milanskih balerina”, ona je i prva Rajmonda i izumitelj 32 fouettea, najteže vrste rotacije na špic.

Možda ne znate ništa o baletu, ali Labuđe jezero je svima poznato. AT poslednjih godina postojanje Sovjetski savez, kada su se ostarjeli lideri prilično često smjenjivali, srdačna melodija “bijelog” dueta glavnih likova baleta i rafali krila sa TV ekrana najavili su tužan događaj. Japanci toliko vole Labuđe jezero da su spremni da ga gledaju ujutru i uveče, u izvedbi bilo koje trupe. Nijedna gostujuća trupa, kojih ima mnogo u Rusiji, a posebno u Moskvi, ne može bez Lebedinoja.

"oraščić"

Scena iz baleta Orašar. Prva scena. Marijana - Lidija Rubcova, Klara - Stanislava Belinskaja, Fric - Vasilij Stukolkin. Mariinskii Opera House. 1892

Scena iz baleta Orašar. Prva scena. Mariinskii Opera House. 1892

Muzika P. Čajkovskog, libreto M. Petipa. Prva produkcija: Sankt Peterburg, Marijinski teatar, 1892, koreografija L. Ivanova.

Iz knjiga i web stranica i dalje lutaju pogrešne informacije da je Orašara postavio otac klasičnog baleta Marius Petipa. U stvari, Petipa je napisao samo scenario, a prvu predstavu baleta izveo je njegov podređeni, Lev Ivanov. Na Ivanovu je pao nemoguć zadatak: scenario, nastao u stilu tada moderne baletske ekstravagancije uz neizostavno učešće italijanskog gostujućeg izvođača, bio je u očiglednoj suprotnosti sa muzikom Čajkovskog, koja je, iako napisana u strogom skladu sa Petipinim uputstvima, odlikovao se velikim osjećajem, dramskim bogatstvom i složenim simfonijskim razvojem. Osim toga, junakinja baleta bila je tinejdžerka, a balerina-zvijezda je bila pripremljena samo za završni pas de deux (duet s partnerom, koji se sastoji od adagija - sporog dijela, varijacija - solo plesova i koda (virtuozno finale)). Prva predstava Orašara, u kojoj se prvi, pretežno pantomimski čin, oštro razlikovao od drugog, diverzantskog čina, nije bila baš uspješna, kritičari su primijetili samo Valcer pahuljica (u njemu su učestvovala 64 plesača) i Pas de deux Vile Dragee i Princ velikog kašlja, koji je inspirisan Ivanovljevim Adagio sa ružom iz Trnoružice, gde Aurora pleše sa četiri gospodina.

Ali u 20. veku, koji je uspeo da prodre u dubinu muzike Čajkovskog, Orašar je bio predodređen za zaista fantastičnu budućnost. U Sovjetskom Savezu, evropskim zemljama i SAD ima bezbroj baletskih predstava. U Rusiji su posebno popularne produkcije Vasilija Vainonena u Lenjingradskom državnom akademskom pozorištu opere i baleta (sada Marijinski teatar u Sankt Peterburgu) i Jurija Grigoroviča u moskovskom Boljšoj teatru.

"Romeo i julija"

Balet Romeo i Julija. Julija - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergejev. 1939

Gđa. Patrick Campbeple kao Julija u Shakespeareovom Romeu i Juliji. 1895

Finale Romea i Julije. 1940

Muzika S. Prokofjeva, libreto S. Radlova, A. Piotrovskog, L. Lavrovskog. Prva produkcija: Brno, Pozorište opere i baleta, 1938, koreografija V. Psote. Naknadna produkcija: Lenjingrad, Državno akademsko pozorište opere i baleta. S. Kirov, 1940, koreografija L. Lavrovskog.

Ako Šekspirova fraza u poznatom ruskom prevodu glasi "Nema tužnije priče na svijetu od priče o Romeu i Juliji", zatim su rekli o baletu velikog Sergeja Prokofjeva napisanom na ovom zapletu: "Nema tužnije priče na svetu od muzike Prokofjeva u baletu". Zaista nevjerovatna po ljepoti, bogatstvu boja i ekspresivnosti, partitura "Romea i Julije" u trenutku svog pojavljivanja djelovala je previše komplikovano i neprikladno za balet. Baletni igrači su jednostavno odbili da joj plešu.

Prokofjev je napisao partituru 1934. godine, a prvobitno nije bila namenjena pozorištu, već čuvenoj Lenjingradskoj akademskoj koreografskoj školi da proslavi 200 godina postojanja. Projekat nije realizovan zbog ubistva Sergeja Kirova 1934. godine u Lenjingradu, u predv. muzičko pozorište druga prestonica se promenila. Ni plan da se Romeo i Julija postave u moskovskom Boljšoj se nije ostvario. Godine 1938. premijeru je prikazalo pozorište u Brnu, a samo dve godine kasnije, Prokofjevljev balet je konačno postavljen u autorovoj domovini, u tadašnjem pozorištu Kirov.

Koreograf Leonid Lavrovski je u okviru žanra „drambaleta“ (forma koreografske drame karakteristične za balet 1930-50-ih), koji je veoma pozdravio sovjetske vlasti, stvorio impresivan, uzbudljiv spektakl sa pažljivo izvedenim masovnim scenama i fino definisane psihološke karakteristike likova. Na raspolaganju mu je bila Galina Ulanova, najprefinjenija balerina-glumica, koja je ostala neprevaziđena u ulozi Julije.

Prokofjevljevu partituru brzo su cijenili zapadni koreografi. Prve verzije baleta pojavile su se već 1940-ih. Njihove kreatorke bile su Birgit Kuhlberg (Stokholm, 1944) i Margarita Froman (Zagreb, 1949). Poznate produkcije "Romea i Julije" pripadaju Fredericku Ashtonu (Kopenhagen, 1955), Johnu Cranku (Milano, 1958), Kennethu MacMillanu (London, 1965), Johnu Neumeieru (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moisejev, 1958, koreografija Y. Grigoroviča, 1968.

Bez "Spartaka" koncept "sovjetskog baleta" je nezamisliv. Ovo je pravi hit, simbol epohe. Sovjetski period razvio druge teme i slike, duboko različite od tradicionalnog klasičnog baleta naslijeđenog od Mariusa Petipa i Carskih pozorišta u Moskvi i Sankt Peterburgu. Bajke sa sretnim završetkom arhivirane su i zamijenjene herojskim pričama.

Već 1941. jedan od vodećih Sovjetski kompozitori Aram Hačaturjan govorio je o svojoj namjeri da napiše muziku za monumentalnu, herojsku predstavu koja će biti izvedena u Boljšoj teatru. Tema za to bila je epizoda iz drevne rimske istorije, ustanak robova predvođenih Spartakom. Khachaturian je stvorio živopisnu partituru koristeći jermenske, gruzijske, ruske motive i punu prekrasnih melodija i vatrenih ritmova. Predstavu je trebao postaviti Igor Moiseev.

Bilo je potrebno mnogo godina da njegov rad dođe do publike, a pojavio se ne u Boljšoj teatru, već u Pozorištu. Kirov. Koreograf Leonid Yakobson stvorio je zapanjujuću i inovativnu predstavu, napuštajući tradicionalne atribute klasičnog baleta, uključujući ples na pointe, koristeći slobodnu plastiku i balerine u sandalama.

Ali balet "Spartak" postao je hit i simbol epohe u rukama koreografa Jurija Grigoroviča 1968. godine. Grigorovič je impresionirao gledatelja potpuno izgrađenom dramaturgijom, suptilnim prikazom likova glavnih likova, vještim uprizorenjem scena mase, čistoćom i ljepotom lirskih adagija. Svoj rad nazvao je "predstavom za četiri solista s korps de baletom" (corps de ballet - umjetnici uključeni u masovne plesne epizode). Vladimir Vasiljev je igrao ulogu Spartaka, Crassus - Maris Liepa, Frigia - Ekaterina Maksimova i Egina - Nina Timofeeva. Card de ballet je bio pretežno muški, što balet "Spartak" čini jedinstvenim.

Pored dobro poznatih čitanja Spartaka Jakobsona i Grigoroviča, postoji još oko 20 predstava baleta. Među njima je verzija Jiržija Blazeka za Praški balet, Lasla Seregija za Budimpeštanski balet (1968), Jurija Vamosa za Arenu di Verona (1999), Renata Zanelle za Bečki balet Državna opera(2002), Natalia Kasatkina i Vladimir Vasilev za Državno akademsko pozorište klasičnog baleta u Moskvi (2002) u njihovoj režiji.

Poslao copypaster u sri, 15/08/2007 - 01:11

Balet je prilično mlada umjetnost. Stara je nešto više od četiri stotine godina, iako ples od davnina ukrašava ljudski život.

Balet je rođen u sjevernoj Italiji tokom renesanse. Talijanski prinčevi su voljeli veličanstvene dvorske svečanosti, u kojima je igra zauzimala važno mjesto. Seoski plesovi nisu bili prikladni za dvorske dame i gospodu. Njihove haljine, kao i dvorane u kojima su plesale, nisu dozvoljavale neorganizovano kretanje. Specijalni učitelji - plesni majstori - pokušavali su da dovedu stvari u red u sudskim plesovima. Oni su unaprijed uvježbavali pojedinačne figure i pokrete plesa s plemićima i vodili grupe plesača. Postepeno je ples postajao sve teatralniji.

Termin "balet" pojavio se krajem 16. veka (od italijanskog balletto - plesati). Ali tada to nije značilo nastup, već samo plesnu epizodu koja prenosi određeno raspoloženje. Takvi "baleti" obično su se sastojali od malo povezanih "izlaza" likova - najčešće junaka grčkih mitova. Nakon ovakvih "izlaza" počeo je zajednički ples - "veliki balet".

Prva baletska predstava bila je Kraljičin komedijski balet, koju je u Francuskoj 1581. godine postavio italijanski koreograf Baltazarini di Belgiojoso. To je bilo u Francuskoj dalji razvoj balet. U početku su to bili baleti pod maskama, a potom i pompezni melodramski baleti na viteške i fantastične zaplete, gdje su plesne epizode zamijenjene vokalnim arijama i recitacijom pjesama. Nemojte se iznenaditi, u to vrijeme balet nije bio samo plesna predstava.

Za vreme vladavine Luja XIV, predstave dvorskog baleta dostigle su poseban sjaj. Sam Luis je voleo da učestvuje u baletima, a svoj čuveni nadimak "Kralj Sunca" dobio je nakon što je igrao ulogu Sunca u "Baletu noći".

Godine 1661. osnovao je Kraljevsku akademiju za muziku i ples, koja je uključivala 13 vodećih plesnih majstora. Njihova dužnost je bila da očuvaju plesnu tradiciju. Direktor akademije, kraljevski učitelj plesa Pierre Beauchamp, identificirao je pet osnovnih pozicija klasičnog plesa.

Ubrzo je otvorena Pariska opera, čiji je koreograf bio isti Beauchamp. Pod njegovim vodstvom, a baletske trupe. U početku su ga činili samo muškarci. Žene na sceni Paris Opera pojavio se tek 1681.

U pozorištu su izvođene opere-baleti kompozitora Lulija i komedije-baleti dramskog pisca Molijera. U početku su u njima sudjelovali dvorjani, a predstave se gotovo nisu razlikovale od dvorskih. Plesale su se već spomenute spore menuete, gavote i pavane. Maske, teške haljine i cipele sa visokim potpeticama otežavale su ženama izvođenje složenih pokreta. Stoga su se muški plesovi tada odlikovali većom gracioznošću i gracioznošću.

Sredinom 18. vijeka balet je stekao veliku popularnost u Evropi. Svi aristokratski dvorovi Evrope nastojali su da oponašaju luksuz francuskog kraljevskog dvora. otvorena u gradovima opere. Brojni plesači i učitelji plesa lako su našli posao.

Ubrzo je, pod utjecajem mode, ženski baletni kostim postao mnogo lakši i slobodniji, ispod njega su se naslućivale linije tijela. Plesačice su napustile cipele s potpeticom, zamijenivši ih laganim cipelama bez potpetica. Muški kostim je također postao manje glomazan: uske pantalone do koljena i čarape omogućile su da se vidi lik plesačice.

Svaka inovacija učinila je plesove sadržajnijim, a plesnu tehniku ​​višom. Balet se postepeno odvaja od opere i pretvara u samostalnu umjetnost.

Iako je francuska baletska škola bila poznata po svojoj gracioznosti i plastičnosti, odlikovala se određenom hladnoćom i formalnošću izvođenja. Stoga su koreografi i umjetnici tražili druga sredstva izražavanja.

Krajem 18. veka rađa se novi pravac u umetnosti - romantizam, koji je snažno uticao na balet. U romantičnom baletu, plesačica je stajala na špicama. Maria Taglioni je prva to učinila, potpuno promijenivši dotadašnje ideje o baletu. U baletu "La Sylphide" pojavila se kao krhko stvorenje iz podzemlje. Uspjeh je bio zapanjujući.

U to vrijeme pojavilo se mnogo divnih baleta, ali je, nažalost, postao romantični balet zadnji period heyday plesna umjetnost na zapadu. Od drugog polovina XIX veka balet je, izgubivši svoje nekadašnje značenje, postao dodatak operi. Tek tridesetih godina prošlog veka, pod uticajem ruskog baleta, počinje oživljavanje ove umetničke forme u Evropi.

U Rusiji je prva baletska predstava - "Balet Orfeja i Euridike" - postavljena 8. februara 1673. na dvoru cara Alekseja Mihajloviča. Svečani i spori plesovi sastojali su se od promjene gracioznih držanja, naklona i pokreta, naizmjenično s pjevanjem i govorom. Nije imao značajnu ulogu u razvoju scenskog plesa. Bila je to samo još jedna kraljevska "zabava", koja je privukla svojom neobičnošću i novitetom.

Samo četvrt veka kasnije, zahvaljujući reformama Petra I, muzika i ples su ušli u život ruskog društva. U plemstvu obrazovne ustanove uvedena obavezna nastava plesa. Na dvoru su počeli da nastupaju muzičari otpušteni iz inostranstva, operski umetnici i baletske trupe.

Godine 1738. otvorena je prva baletska škola u Rusiji, a tri godine kasnije 12 dječaka i 12 djevojčica iz dvorske sluge postali su prvi profesionalni igrači u Rusiji. Najprije su nastupali u baletima stranih majstora kao figuranti (kako su se zvali korpi), a kasnije i u glavnim ulogama. Izvanredan plesač tog vremena, Timofey Bublikov, blistao je ne samo u Sankt Peterburgu, već i u Beču.

AT početkom XIX veka, ruska baletska umetnost dostigla je stvaralačku zrelost. Ruski plesači su unijeli izražajnost i duhovnost u ples. Osjećajući to vrlo precizno, A. S. Puškin je ples svog savremenika Avdotje Istomine nazvao "letom ispunjenim dušom".

Balet je u to vrijeme zauzimao privilegiranu poziciju među ostalim vrstama pozorišnu umjetnost. Vlasti su tome posvećivale veliku pažnju, davale državne subvencije. Moskovske i peterburške baletske trupe nastupale su u dobro opremljenim pozorištima i diplomirale pozorišne škole godišnje popunjavao kadar plesača, muzičara i dekoratera.

Arthur St. Leon

U istoriji našeg baletskog pozorišta često se susreću imena stranih majstora koji su odigrali značajnu ulogu u razvoju ruskog baleta. Prije svega, to su Charles Didelot, Arthur Saint-Leon i Marius Petipa. Oni su pomogli u stvaranju ruske baletske škole. Ali talentirani ruski umjetnici također su omogućili da se otkriju talenti svojih učitelja. To je uvijek privlačilo najveće koreografe Evrope u Moskvu i Sankt Peterburg. Nigdje na svijetu nisu mogli sresti tako veliku, talentovanu i dobro obučenu trupu kao u Rusiji.

Sredinom 19. vijeka realizam dolazi u rusku književnost i umjetnost. Koreografi su grozničavo, ali bezuspješno, pokušavali stvoriti realistične predstave. Nisu uzeli u obzir da je balet uslovna umjetnost i da se realizam u baletu bitno razlikuje od realizma u slikarstvu i književnosti. Počela je kriza baletske umjetnosti.

Nova etapa u istoriji ruskog baleta započela je kada je veliki ruski kompozitor P. Čajkovski prvi komponovao muziku za balet. Bilo je to Labuđe jezero. Prije toga, baletsku muziku nisu shvatali ozbiljno. Smatrana je inferiornom muzičko stvaralaštvo, samo pratnja plesu.

Zahvaljujući Čajkovskom, baletska muzika je uz operu i operu postala ozbiljna umetnost simfonijska muzika. Ranije je muzika u potpunosti zavisila od plesa, sada je ples morao da sluša muziku. Bila su potrebna nova sredstva izražavanja novi pristup stvoriti performans.

Dalji razvoj ruskog baleta povezan je s imenom moskovskog koreografa A. Gorskog, koji je, napuštajući zastarjele tehnike pantomime, u baletskoj izvedbi koristio tehnike moderne režije. Pridajući veliku važnost likovnom oblikovanju performansa, privukao je na rad najbolje umjetnike.

Ali pravi reformator baletske umjetnosti je Mihail Fokin, koji se pobunio protiv tradicionalne konstrukcije baletske predstave. Tvrdio je da tema predstave, njena muzika, doba u kojem se radnja odvija, svaki put zahtijevaju različite plesne pokrete, drugačiji plesni obrazac. Prilikom postavljanja baleta "Egipatske noći" Fokin je bio inspirisan poezijom V. Brjusova i drevnim egipatskim crtežima, a slike baleta "Petruška" inspirisane su poezijom A. Bloka. U baletu Daphnis i Chloe napustio je ples na pointama i slobodnim, plastičnim pokretima, oživio antičke freske. Njegova "Chopiniana" oživjela je atmosferu romantičnog baleta. Fokin je napisao da "mašta o stvaranju baletske drame od baletske zabave, od plesa - razumljivog govornog jezika". I uspio je.

Anna Pavlova

Godine 1908. počele su godišnje predstave ruskih baletskih igrača u Parizu u organizaciji pozorišna ličnost S. P. Diaghilev. Imena plesača iz Rusije - Vaslava Nižinskog, Tamare Karsavine, Adolfa Bolma - postala su poznata širom sveta. Ali prvo u ovom redu je ime neuporedive Ane Pavlove.

Pavlova - lirska, krhka, sa izduženim linijama tijela, ogromnim očima - evocirala je gravure na kojima su prikazane romantične balerine. Njene heroine su prenosile čisto ruski san o skladnom, produhovljenom životu ili čežnju i tugu za neostvarenim. "Umirući labud" odlična balerina Pavlova, je poetski simbol ruskog baleta s početka 20. veka.

Tada se, pod uticajem veštine ruskih umetnika, zapadni balet uzdrmao i dobio drugi vetar.

Nakon Oktobarske revolucije 1917. godine, mnoge ličnosti baletskog pozorišta napustile su Rusiju, ali uprkos tome, škola ruskog baleta je opstala. Patos pokreta ka novom životu, revolucionarne teme, a što je najvažnije, prostor za kreativni eksperiment inspirisao je baletne majstore. Njihov zadatak je bio da koreografsku umjetnost približe ljudima, da je učine vitalnijom i dostupnijom.

Tako je nastao žanr dramskog baleta. To su bile predstave, obično zasnovane na zapletima poznatih književna djela, koji su izgrađeni u skladu sa zakonima dramska izvedba. Sadržaj u njima predstavljen je uz pomoć pantomime i slikovitog plesa. Sredinom 20. veka dramski balet je bio u krizi. Koreografi su nastojali da očuvaju ovaj žanr baleta, pojačavajući spektakl predstava uz pomoć scenskih efekata, ali, nažalost, uzalud.

Krajem 1950-ih došlo je do prekretnice. Koreografi i igrači nove generacije oživjeli su zaboravljene žanrove - jednočinku, baletnu simfoniju, koreografsku minijaturu. A od 1970-ih nastaju nezavisne baletske trupe, nezavisne od operskih i baletskih pozorišta. Njihov broj se stalno povećava, među njima su i studiji slobodnog i modernog plesa.

Sve je počelo prije više od pet stotina godina u sjevernoj Italiji. Bila je to renesansa obeležja koji su bili sekularna priroda kulture, humanizam i antropocentrizam, odnosno interes, prije svega, za osobu i njene aktivnosti.

Tokom renesanse, talijanski prinčevi su održavali dvorske svečanosti, u kojima je igra zauzimala važno mjesto. Međutim, veličanstvene haljine, kao i dvorane, nisu dozvoljavale neorganizovano kretanje. Stoga su postojali posebni učitelji - plesni majstori koji su s plemićima uvježbavali pokrete i pojedinačne figure, da bi potom vodili plesače. Postepeno je ples postajao sve teatralniji, a sama riječ "balet" označavala je kompozicije koje nisu prenosile radnju, već osobinu ili stanje karaktera.

Do kraja 15. vijeka ova vrsta baleta bila je dio spektakla koji je stvarao poznatih pesnika i umjetnici. Leonardo da Vinči je 1496. dizajnirao kostime plesača i izmislio scenske efekte za proslavu vojvode od Milana.

Godine 1494, kada je francuski kralj Karlo VIII ušao u Italiju tražeći napuljski presto, njegovi dvorjani su bili impresionirani veštinom italijanskih učitelja plesa. Kao rezultat toga, majstori plesa su pozvani na francuski dvor. Istovremeno, postojala je potreba za notacijom - sistemom za snimanje plesa. Autor prvog poznatog sistema bio je Tuan Arbo. Snimao je plesne korake uz muzičke znakove.

Nastavljen je razvoj u Francuskoj...

Francuska kraljica Katarina de Mediči pozvala je Italijana Baldasarina di Belgiojosa (u Francuskoj su ga zvali Balthazar de Beaujoieux) na dvorske predstave. Balet se tada etablirao kao žanr, u kojem su drama, "pjevačka priča" (recitativ) i ples činili kontinuiranu radnju. Smatra se prvim u ovom žanru i najpoznatijim "Circe, ili Kraljičin komedijski balet", isporučen 1581. Radnja je posuđena iz antičke mitologije. Plemice su u raskošnim kostimima i maskama izvodile plemenite dame i plemići.

U 16. vijeku, kao razvoj instrumentalnu muziku tehnika plesa je postala složenija. U Francuska XVII veka počinju da se pojavljuju maskenbalski baleti, a potom i pompezni melodramski baleti na viteške i fantastične zaplete, gde su plesne epizode ispresecane vokalnim arijama i recitovanjem pesama - „Balet Alkina“ (1610.), „Trijumf Minerve“ (1615. ), “Oslobođenje Rinalda” (1617). Takvi baleti su se sastojali od različitih brojeva, što danas liči na divertisment, a kasnije će postati jedan od važnih strukturnih oblika budućeg baleta.

Kasnije, francuski kralj Luj XIII, koji je volio ples i dobio je odličan muzičko obrazovanje, autor je baletske predstave "Merlezon Ballet" (15. marta 1635.). Radnja je bila avantura u lovu na drozdove - jednu od kraljevih omiljenih zabava. Balet se sastojao od 16 činova. Njegovo Veličanstvo nije samo komponovao libreto, muziku, koreografiju, skicirao scenografiju i kostime, već je igrao i dvije uloge: trgovca mamcima i seljaka.

Prvi koraci mlade umetnosti. Sjajan Pierre Beauchamp

Predstave dvorskog baleta dostigle su poseban sjaj u vrijeme kralja Luja XIV. Jer tek tada je ples počeo da se izvodi po određenim pravilima. Prvi ih je formulirao francuski koreograf Pierre Beauchamp (1637–1705).

Njegov poznati nadimak "Kralj Sunce" Louis XIV dobio nakon uloge Sunca u "Baletu noći". Voleo je da pleše i učestvuje u predstavama. Godine 1661. otvorio je Kraljevsku akademiju za muziku i igru ​​u koju je pozvano 13 vodećih majstora plesa. Njihova dužnost je bila da očuvaju plesnu tradiciju.

Direktor akademije, Pierre Beauchamp, zapisao je kanone plemenitog načina plesa, čija je osnova bila everzija nogu (en dehors). Ovaj položaj je dao ljudskom tijelu mogućnost da se slobodno kreće različite strane. Sve pokrete je podijelio u grupe: čučnjevi (plié), skokovi (zamahi, entresha, cabrioles, jette, sposobnost visi u skoku - elevacija), rotacije (piruete, fouettes), položaji tijela (stavovi, arabeske). Izvođenje ovih pokreta odvijalo se na osnovu pet položaja nogu i tri položaja ruku (port de bras). Svi klasični plesni koraci izvedeni su iz ovih položaja stopala i ruku.

Njegova klasifikacija je živa do danas, a francuska terminologija postala je uobičajena za umjetnike širom svijeta, poput latinskog za doktore.

Beauchamp je dao neprocjenjiv doprinos klasičnom baletu podijelivši plesove na tri glavna tipa: ozbiljne, polu-karakteristične i komične. Ozbiljan ples (prototip moderne klasike) zahtijevao je akademsku strogost izvođenja, spoljna lepota, gracioznost - čak i na ivici afektacije. Bio je to "plemeniti" ples koji se koristio da igra ulogu kralja, boga, mitološki heroj. Polukarakteristika - kombinirani pastirski, pejanski i fantastični plesovi, koji su trebali prikazati sile prirode ili personificirane ljudske strasti. Plesovi furija, nimfa i satira također su se pokoravali njegovim zakonima. Konačno, komični ples je bio izuzetan po svojoj virtuoznosti, omogućavajući pretjerane pokrete i improvizaciju. Bilo je potrebno za groteskne i egzotične plesove koji se nalaze u komedijama teatra klasicizma.

Tako je počelo formiranje baleta, koji XVIII vijek Od interludija i diverzmana razvio se u samostalnu umjetnost.

Prvo pozorište. Prva trupa

Postižući sve veću popularnost, balet je postao krcat u dvoranama. Pod vodstvom Beauchampa nastala je Pariska opera u kojoj je bio koreograf, ali se predstave nisu mnogo razlikovale od prethodnih. Prisustvovali su im isti dvorjani koji su izvodili spore menuete, gavote i pavane. Teške haljine, cipele sa visokim potpeticama i maske sprečavale su žene da izvode složene pokrete. Tada je Pierre Beauchamp osnovao baletsku trupu samo muških igrača. Njihovi plesovi bili su graciozniji i graciozniji. Žene su se pojavile na sceni Pariške opere tek 1681. Velike grupe plesača počele su sinhrono izvoditi složene pokrete i pratile soliste; solo ples je smisleno prenio uzvišenost likova, snagu emocija; ples u paru formiran u pas de deux. Visoko uslovljen, gravitirajući virtuoznosti, ples je zavisio od muzike i sa njom ostvarivao jednaka prava u praksi i teoriji.

Francusku koreografiju uvelike su obogatili dramaturg Molière i kompozitor J. B. Lully, koji je sa Molijerom prvi put sarađivao kao koreograf i igrač u komedijama-baletima Ženidba nehotice (1664), Georges Dandin (1668) i Trgovac u plemstvu (1670). ). ). Postavši kompozitor, Lully je stvorio žanr muzičke tragedije, gdje je utjecala estetika klasicizma: monumentalnost slika, jasna logika razvoja, strogost ukusa, jurnjava formi. Akcija lirske tragedije pojačan plastičnim i ukrasnim procesijama, pantomimama, plesovima.

Reforma baletskog pozorišta izazvala je uspon u izvođačkim vještinama - pojavili su se igrači L. Pecourt i J. Ballon. Mademoiselle Lafontaine je postala prva profesionalna plesačica, nastupajući u Lulijevoj operi-balet Trijumf ljubavi. Kasnije je bila poznata kao "Kraljica plesa".

Ozbiljni plesovi su se izvodili u širokoj suknji, koja se držala na obručima od trske. Nožni prsti njenih cipela virili su ispod nje. Muškarci su nosili brokatne kirase i kratke suknje na okvirima od trske, koje su se zvale "bure". Svi su imali visoke potpetice. Osim toga, pokrivali su svoja lica okruglim maskama različitih boja, ovisno o prirodi karaktera.

U polukarakterističnim baletima kostimi su bili lagani, ali su dodani atributi koji karakterišu ples - srpovi, korpe, lopatice, leopardove kože i drugi. Kostim za komične plesove nije bio tako strogo reguliran - redatelj je vjerovao umjetnikovoj mašti.

Istovremeno je rođen čitav sistem simbola. Ako je umjetnik, na primjer, rubom ruke milovao čelo, to je značilo krunu, tj. kralj; prekrižene ruke na grudima - "umro"; pokazao na domali prst ruke - "Želim da se udam" ili "oženjen"; slika ruke talasastih pokreta - „plovio na brodu“.

Balet očarava Evropu

Istovremeno s razvojem baleta u svim većim gradovima, počela su se pojavljivati ​​vlastita pozorišta, koreografi i izvođači. Tako se balet vratio u svoju domovinu - u Italiju, gde se do 18. veka razvio sopstveni stil izvođenja, koji se od francuskog manirizma razlikovao po tehničkoj virtuoznosti i većoj neposrednosti. francuski i Italijanske škole u klasičnom baletu nastaviće se više od jednog veka.

U 17. veku balet se pojavio u Holandiji. U Engleskoj, zbog buržoaske revolucije i zabrane spektakla baletsko pozorište razvio se nešto kasnije - tek tokom obnove monarhije. Godine 1722. osnovano je prvo dvorsko pozorište u Danskoj, gde su profesionalni igrači učestvovali u Molijerovim komedijama i baletima. I samo da kasno XVIII veka, danski balet je stekao nezavisnost. U 18. veku balet je postojao i u Nemačkoj, Švedskoj i Holandiji. Oblici pogubljenja, koji su posuđeni od Italijana i Francuza, obogaćeni su nacionalnim koloritom.

Balet je u Rusiju došao kasnije nego u druge evropske zemlje, ali ga je upravo ovdje zatekao vrhunac, a ovo je priča o drugim vijekovima, koja zaslužuje posebno poglavlje.

Bazirano na plesu. Baletna predstava je zasnovana na priči koja se zove libreto. Pantomima igra važnu ulogu u baletu. Uz njegovu pomoć, plesači prenose svoja osjećanja i suštinu onoga što se dešava.

Vrste baleta

U početku se samo klasični ples zvao balet, ali se postepeno ovaj koncept počeo širiti na narodne plesove, moderne, karakteristične, akrobatske.

Tu je i baletna predstava sa šarenim scenografijama i kostimima. Osim toga, vrlo popularan pogled umjetnost je balet na ledu, gdje se umjesto baletskih cipela koje se zovu pointe cipele stavljaju klizaljke, a sami umjetnici su profesionalni umjetnički klizači. Balet je divna umjetnička forma, ali zahtijeva određenu dozu izdržljivosti, dobro zdravlje, izdržljivost, snaga volje i marljivost. Da bi se demonstrirali leteći pokreti na sceni, potrebno je svakodnevno vježbati u baletskoj dvorani.

Poreklo baleta

Reč "balet" dolazi od latinske reči ballo, što znači "plešem". Italija se smatra rodnim mjestom ove vrste umjetnosti. U šesnaestom veku pojavljuju se prve plesne scene. Nakon nekog vremena dvorski balet je postao popularan u Francuskoj. Takva remek-djela kao što je balet Labuđe jezero bila su još uvijek daleko, a plesovi koji su se izvodili u palačama nisu ličili na umjetnost koja se sada može vidjeti na pozornici.

Krajem osamnaestog veka baletski kostim postaje kraći i prozračniji, a pojavljuju se i prve špic cipele - profesionalne cipele za balerine.

Počinje popularizacija koreografske umjetnosti, pojavljuju se njeni ljubitelji, koji redovno posjećuju nastupe. U to vrijeme nije bilo posebnih institucija koje su se zvale baletsko pozorište, ali se velika pažnja počela poklanjati umjetnosti igre. Počinju stvarati veliki kompozitori Ludwig van Beethoven, Leo Delibes, Minkus i drugi romantična muzika za balete. Prvi punopravni baletske predstave.

Balet u Rusiji

U Rusiji je publika 1673. godine saznala šta je balet. Tada je, pod carem Aleksejem Mihajlovičem, održana prva baletska predstava. Francuski balet majstor i koreograf Charles-Louis Didelot imao je veliki uticaj na ruski balet. Povezao je ples i pantomimu, dao veliki značaj kor de baletu i isticao ženske solo dionice.

Balet majstor Marius Petipa ojačao je rusku baletnu školu, njegovo ime je i danas poznato ljubiteljima koreografske umjetnosti. Kraj devetnaestog veka u baletskim krugovima naziva se "Petipa era".

Tada je u Rusiji zagrmilo novo ime, koje je imalo ogroman uticaj u svet baleta. Ovo je Mihail Fokin. Postao je pravi reformator i napravio značajne promjene u nastupima. Promijenio je tradicionalnu konstrukciju baleta i obrasce u igri. Fokine je oživio romantične balete kao što je Chopiniana. Njegova muza bila je neuporediva balerina Anna Pavlova. Njen "Labud koji umire" simbol je ruskog baleta s početka dvadesetog veka.

Besmrtna predstava "Labudovo jezero"

Pjotr ​​Iljič Čajkovski napravio je potres u baletskom svetu. Napisao je muziku za nekoliko baletskih predstava, uključujući i svjetski poznati balet Labuđe jezero. Ovo umjetničko djelo dobro je poznato svakom čovjeku, čak i onima koji su potpuno daleko od koreografije.

Najpopularniji balet na svijetu nastao je 1876. godine. Teško je povjerovati da prve dvije predstave nisu imale nikakvu popularnost i nisu impresionirale publiku. Veliki kompozitor tokom svog života nije naišao na grandiozan uspeh svog stvaralaštva. Tek 1895. godine na sceni Marijinskog teatra prikazan je oživljeni balet koji su postavili koreografi Lev Ivanov i Marius Petipa. Lev Ivanov je bio taj koji je oživeo predstavu, prvo postavivši drugi čin, koji je uključivao legendarni ples mali labudovi. Marijusu Petipi se svidjela njegova vizija radnje i počeli su zajedno raditi na produkciji.

Nova verzija balet "Labudovo jezero" postigao je izuzetan uspjeh. Koreografija dvojice velikih koreografa je klasična, a svako opersko i baletsko pozorište u svijetu će ovoj predstavi svakako pripisati najvažniju ulogu u svom repertoaru.

Savremeni balet

Govoreći o tome šta je balet, ne možemo ne spomenuti moderne pozorišne predstave, koje se od klasičnog baleta razlikuju po odvažnijim kostimima i opuštenijim pokretima. Ako klasika pretpostavlja stroge i jasne pokrete, onda moderna predstavlja slobodniju plesnu interpretaciju. U modernom baletu pojavili su se novi pokreti koji su postali plastičniji i akrobatski. Poznavaoci baleta različito reaguju na inovativnost u koreografiji. Neko i dalje percipira samo klasiku i smatra da prava baletska predstava treba da se odvija samo na mestima kao što je Pozorište Opere i Baleta, dok neko veruje da balet, npr. savremeni svet moraju evoluirati i ne stajati na jednom mjestu.

To je prirodno i prirodno, možete prihvatiti tu činjenicu ili ne, ali to se ne može izbjeći. Moderni balet je višeznačan i višeslojan, a mnogi poznati plesači rado sudjeluju u novim produkcijama u kojima usavršavaju svoje vještine.

Budućnost baleta

Šta je balet? Mnogi kreativni ljudi to vole i razumiju pokrete. Pravi ljubitelj baleta ne može zamisliti život bez plesa. Neki vjeruju da su baletske predstave stvorene samo za amatere i ne razumiju u čemu je poenta. ovu umjetnost. Međutim, nijedna zemlja na svijetu to ne može zamisliti kulturni život nema baleta. To je takva vrsta scenske umjetnosti koji će živeti zauvek. Promijenit će se, pojavit će se nove produkcije, novi talentirani koreografi i plesači, novi znalci i samo gledaoci, ali njegova popularnost nikada neće nestati, jer je ples besmrtan.