Slike poznatih savremenih svetskih umetnika. Moderni ruski umjetnici vrijedni bližeg pogleda

"Pejzaž Birch Grove Road" 120x100
Palet nož, ulje, platno
Konstantin Loris-Melikov

Umetnost 21. veka
— svejed,
cinični, ironično-sarkastični, demokratski - oni nazivaju zalazak sunca velike ere.

Postmodernisti su se našli u situaciji da je sve rečeno prije njih. A sve što treba da urade je da koriste ono što su stvorili, mešaju stilove, stvaraju, ako ne novu, ali prepoznatljivu umetnost…

najsjajniji pravci:

1. neorealizam;


2. Minimal art;


3. Postmoderna;


4. Hiperrealizam;


5. instalacija;


6. okoliš;


7. Video umjetnost;


8. Grafiti;


9. Transavangarda;


10. Body art;


11. Stuckism;


12. neoplasticizam;


13. Ulična umjetnost;


14. Mail art;


15. Nema art.

1. NEOREALIZAM.
To je umjetnost poslijeratne Italije, koja se borila sa poslijeratnim pesimizmom.

Novi front umjetnosti ujedinio je
apstrakcionista i realista i trajao je samo 4 godine. Ali od
iz nje su izašli poznati umjetnici: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
Treccani. Oni su živo i ekspresivno prikazivali radnike i seljake.

Slični trendovi su se pojavili i u drugim
zemljama, ali se škola neorealizma smatra najsjajnijom školom, koja
pojavio se u Americi trudom muraliste Diega Rivere.

Gledajte: Renato Guttuso

freske Diega Rivere - Predsjednička palača (Meksiko Siti, Meksiko).

Fragment freske Diega Rivere za hotel Prado u Meksiko Sitiju "Sunday Dream in Alameda Park", 1948.

2. MINIMUM ART.
Ovo je pravac avangarde.
Koristi jednostavne forme i isključuje sve asocijacije.

Karl Andre, 1964

Ovaj pravac se pojavio u SAD na kraju
60s. Minimalisti su Marcela Duchampa nazvali svojim direktnim prethodnicima.
(ready-made), Piet Mondrian (neoplasticizam) i Kazimir Malevich
(suprematizam), nazvali su njegov crni kvadrat prvim djelom
minimalna umjetnost.

Izuzetno jednostavno i geometrijsko
ispravne kompozicije - plastične kutije, metalne šipke,
čunjevi - izrađeni su u industrijskim preduzećima prema skicama umjetnika.

Gledajte:

Djela Donalda Judda, Karla
Andre, Sola Levita — Gugenhajm muzej (Njujork, SAD), Muzej
savremena umjetnost (New York, SAD), Metropolitan Museum of Art (New York,
SAD).

3. POSTMODERNA. Ovo je duga lista nerealnih trendova s ​​kraja 20. stoljeća.

Vanchegi Mutu. Kolaž "Genitalni organi odrasle žene", 2005

Cikličnost je karakteristična za umjetnost, ali
postmoderna je postala prvi primjer "negacije negacije". Na početku
modernizam je odbacio klasike, a postmodernizam je odbacio modernizam kao
on je prethodno odbacio klasike. Postmodernisti su se vratili tim oblicima i
stilova koji su bili prije modernizma, ali na višem nivou.

Postmodernizam je proizvod ere
najnovije tehnologije. Stoga je njegova karakteristična karakteristika mješavina
stilova, slika, različitih epoha i subkultura. Glavno za postmoderniste
je citirao, spretno žonglirao sa citatima.

Gledajte: Galerija Tate (London,
UK), Nacionalni muzej moderne umjetnosti Centar Pompidou
(Pariz, Francuska), Gugenhajm muzej (Njujork, SAD).

HIPERREALIZAM. Umjetnost koja imitira fotografiju.

Chuck Close. "Robert", 1974

Ova umjetnost se također zove superrealizam,
Fotorealizam, radikalni realizam ili hladni realizam. Pojavilo se
pravac u Americi 60-ih i 10 godina kasnije postao je široko rasprostranjen u
Evropa.

Hiperrealizam, fotorealizam, Don Eddy,

Upravo umjetnici ovog smjera
kopirajte svijet kako ga vidimo na fotografiji. U djelima umjetnika
čita se određena ironija nad tehnogenom. Umetnici uglavnom prikazuju
priče iz života moderne metropole.

Richard Estes- ljubav prema slici odraza metropole u izlozima, na haubi automobila ili pultu kafića

Gledajte:

djela Chucka Closea, Don Eddyja, Richarda Estesa - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (Njujork, SAD), Brooklyn Museum (SAD).

5. INSTALACIJA.
Ovo je kompozicija u galeriji, koja se može napraviti od bilo čega, najvažnije je da postoji podtekst i ideja.

fontana (Duchamp)

Najvjerovatnije ne bi bilo
upute, da nije bilo Duchampovog kultnog pisoara. Imena glavnog svijeta
instalateri: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis i Kabakov.

„Jim Dine. Iz kolekcije Centra Pompidou»

Glavna stvar u instalaciji je sam podtekst i prostor u kojem umjetnici sudaraju banalne objekte.

Gledajte:
Tate Modern (London, UK), Guggenheim muzej (Njujork, SAD).

6. OKOLIŠ.

To je umjetnost stvaranja 3D kompozicije koja oponaša stvarni svijet.

Kao pravac u umjetnosti okoliša
pojavio 1920-ih godina. Nekoliko puta ispred svog vremena
decenijama dadaistički umetnik, kada je javnosti predstavio svoj
proizvod "Merz-building" - trodimenzionalna struktura raznih objekata i
materijala, ni za šta drugo osim za razmišljanje.

Edward Kienholz

Pola veka kasnije, ovaj žanr je postao
rada i naslijedio Edwarda Kienholtza i Georgea Siegela. U svoj posao
nužno su uveli šokantan element zabludne fantazije.

Gledajte:
djela Edwarda Kienholtza i Georgea Siegela
— Muzej moderne umjetnosti (Stokholm, Švedska).

7. VIDEO ART.

Ovaj pravac je nastao u posljednjoj trećini 20. stoljeća zbog pojave prijenosnih video kamera.

Ovo je još jedan pokušaj vraćanja umjetnosti
stvarnosti, ali sada uz pomoć video i kompjuterske tehnologije.
Amerikanka Nam June Paik snimila je snimak pape kako prolazi ulicama
New Yorku i postao prvi video umjetnik.

Eksperimenti Nam June Paika su uticali
televizija, muzički spotovi (stajao je na dnu MTV kanala),
kompjuterski efekti u bioskopu. Rad June Paika, Bill Viola je to napravio
smjer umjetnosti je polje aktivnosti za eksperimentiranje. Oni su stavili
početak "video skulptura", "video instalacija" i "video opera".

Gledajte:
video umjetnost u rasponu od psihodeličnog do društvenog
(popularno u Kini, Chen-che-yen na Youtube.com)

8. GRAFITI.

Natpisi i crteži na zidovima kuća koji nose hrabru poruku.

Prvi put se pojavio 70-ih godina u Sjevernoj
Amerika. Galeristi jednog od kvartova bili su vezani za njihov izgled
Manhattan. Postali su pokrovitelji kreativnosti onih koji su živjeli pored njih.
Portorikanci i Jamajčani. Grafiti kombinuju elemente urbanog
subkultura i etnička.

pop art genije Keith Haring

Imena iz istorije grafita: Keith Haring,
Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. zloglasna ličnost
Banksy je britanski grafiti umjetnik. Sve su razglednice sa njegovim radovima
Britanske suvenirnice

Gledajte:
Muzej grafita (Njujork, SAD), djela Banksyja - na banksy.co.uk.

9. TRANSAVANGARD.
Jedan od trendova u postmodernom slikarstvu. Kombinira prošlost, novo slikarstvo i izražajnost.

Rad transavangardnog umjetnika Aleksandra Roitburda

Autor pojma transavangarda -
savremeni kritičar Bonito Oliva. Ovim pojmom je definisao kreativnost
5 njegovih sunarodnika - Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco
Clemente, Mimmo Paladino, Nicolò de Maria. Njihov rad karakteriše:
kombinacija klasičnih stilova, nedostatak vezanosti za nacionalno
škola, ambijent za estetski užitak i dinamiku.

Francesco Clemente u Schirnu (Frankfurt)

Gledajte: Muzej Peggy's Collection
Guggenheim (Venecija, Italija), Muzej moderne umjetnosti u Palazzo
(Venecija, Italija), Galerija moderne umjetnosti (Milano, Italija)

10. BODY ART.

Jedan od pravaca akcionizma. Tijelo djeluje kao platno.

Body art je jedna od manifestacija punk kulture 70-ih.
To je direktno povezano s modom tetovaža i nudizam koja se tada pojavila.

Žive slike se stvaraju neposredno ispred
gledalaca, snimljeno na video, a zatim emitovano u galeriji. bruce
Naumann prikazuje Duchampov pisoar u galeriji. Duet Gilbert i
George su žive skulpture. Prikazivali su tip prosječnog Engleza.

Pogledajte: na primjer, na web stranici umjetnika Orlan orlan.eu.

11. STAKIZAM.

Britansko umjetničko udruženje figurativnog slikarstva. Nasuprot konceptualistima.

Prva izložba bila je u Londonu 2007.
kao protest protiv Tatea. Prema jednoj verziji, protestovali su u
veza sa otkupom od strane galerije radova umjetnika mimo zakona. Buka
skrenuo pažnju na slagače u štampi. Sada u svijetu postoje
preko 120 umetnika. Njihov moto je: umjetnik koji ne crta nije umjetnik.

Billy Childish. Ivica šume"

Termin stackizam je predložio Thomson.
Umetnica Trejsi Emin vikala je na svog dečka Bilija
Detinjasto: tvoja slika je zaglavljena, zaglavljena, zaglavljena! (Engleski zaglavio!
Zaglavio! Stog!)

Gledajte:
na stackist web stranici stuckism.com.
Radovi Charlie Thomson i Billy Childish u galeriji Tate (London, UK).

12. NEOPLASTICIZAM.
Apstraktna umjetnost. Presjek okomitih linija 3 boje.

Ideolog režije je Holanđanin Pete

Mondrian. Smatrao je svijet iluzijom, pa je zadatak umjetnika da razjasni
slikanje iz senzualnih oblika (figurativno) u ime estetike
(apstraktne) forme.

Umjetnik je predložio da se to uradi
što je moguće sažetije uz pomoć 3 boje - plave, crvene i
žuta. Popunili su mjesta između okomitih linija.

Piet Mondrian. Crvena, žuta, plava i crna

Neoplasticizam još uvijek inspirira dizajnere, arhitekte i industrijske grafičare.

Gledajte:
djela Pieta Mondriana i Thea Vanne Doesburga u Gradskom muzeju u Hagu.

13. ULIČNA UMJETNOST.

Umjetnost za koju je grad izložba ili platno

Cilj uličnog umjetnika je da momentalno uključi prolaznika u dijalog uz pomoć svoje instalacije, skulpture, postera ili šablone.

Umjetnost se stalno razvija, kao i cijeli svijet oko nas. Moderni umjetnici 21. stoljeća i njihove slike uopće nisu nalik onima koje su postojale u srednjem vijeku, renesansi. Pojavljuju se nova imena, materijali, žanrovi, načini ispoljavanja talenata. U ovoj rang listi ćemo se upoznati sa deset inovativnih umjetnika našeg vremena.

10. Pedro Campos. Na desetom mestu je Španac, čiji kist se lako može takmičiti sa kamerom, slika tako realistična platna. Uglavnom stvara mrtve prirode, ali ne izazivaju toliko zadivljujuće teme njegovih slika, već majstorsko utjelovljenje. Teksture, odsjaj, dubina, perspektiva, volumen - sve je to Pedro Campos podredio svom kistu, tako da je stvarnost, a ne fikcija, gledala gledaoca sa platna. Bez uljepšavanja, bez romantizma, samo stvarnost, ovo je smisao žanra fotorealizma. Inače, pažnju na detalje i skrupuloznost umjetnik je stekao u radu restauratora.

9. Richard Estes. Drugi ljubitelj žanra fotorealizma, Richard Estes, počeo je sa običnim slikarstvom, ali je kasnije prešao na slikanje urbanih pejzaža. Današnji umjetnici i njihove kreacije ne moraju se prilagođavati nikome, i ovo je super, svako se može izraziti onako kako želi u onome što želi. Kao iu slučaju Pedra Camposa, radovi ovog majstora se lako mogu pobrkati sa fotografijama, grad je toliko sličan pravom. Na Estesovim slikama rijetko vidite ljude, ali gotovo uvijek ima odsjaja, odsjaja, paralelnih linija i savršene, idealne kompozicije. Dakle, on ne samo da kopira urbani pejzaž, već u njemu pronalazi savršenstvo i pokušava ga prikazati.

8. Kevin Sloan Postoji nevjerovatan broj savremenih umjetnika 21. vijeka i njihovih slika, ali nije svaki od njih vrijedan pažnje. Amerikanac Kevin Sloan je vrijedan toga, jer njegova djela kao da pomiču gledatelja u drugu dimenziju, svijet pun alegorija, skrivenih značenja, metaforičkih misterija. Umjetnik voli da slika životinje, jer, po njegovom mišljenju, na taj način dobija više slobode nego s ljudima da ispriča priču. Sloane je stvarao svoju "trik realnost" sa uljima skoro 40 godina. Vrlo često se na platnima pojavljuju satovi: gledaju ih slon ili hobotnica; ova slika se može tumačiti kao prolazno vrijeme ili kao ograničenje života. Svaka Sloanina slika je neverovatna, želim da otkrijem šta je autorka želela da joj prenese.

7. Laurent Parcelier. Ovaj slikar pripada onim savremenim umetnicima 21. veka, čije su slike rano prepoznate, još tokom studija. Laurenov talenat se manifestovao u izdavanim albumima pod opštim nazivom "Čudan svet". Slika u ulju, stil mu je lagan, gravitira realizmu. Karakteristična karakteristika umjetnikovih djela je obilje svjetlosti koja kao da se slijeva sa platna. Po pravilu prikazuje pejzaže, neka prepoznatljiva mjesta. Svi radovi su neobično lagani i prozračni, ispunjeni suncem, svježinom, dahom.

6. Jeremy Mann Rodom iz San Francisca volio je svoj grad, najčešće ga je prikazivao na svojim slikama. Savremeni umetnici 21. veka mogu da crpe inspiraciju za svoje slike bilo gde: na kiši, mokrom trotoaru, neonskim reklamama, gradskim svetlima. Jeremy Mann unosi jednostavne pejzaže raspoloženjem, istorijom, eksperimentisanjem sa tehnikama i izborom boja. Mannov glavni materijal je ulje.

5. Hans Rudolf Giger. Na petom mjestu je jedinstveni, jedinstveni Hans Giger, tvorac Aliena iz istoimenog filma. Današnji umjetnici i njihovi radovi su raznoliki, ali svaki je briljantan na svoj način. Ovaj sumorni Švajcarac ne slika prirodu i životinje, više voli "biomehaničko" slikanje, u čemu je i uspio. Neki umjetnika uspoređuju s Boschom zbog sumornosti, fantastičnosti njegovih platna. Iako Gigerove slike mirišu na nešto onostrano, opasno, ne možete mu odbiti u tehnici, vještini: pažljiv je na detalje, pravilno bira nijanse, promišlja sve do najsitnijih detalja.

4. Will Barnet Ovaj umjetnik ima svoj jedinstveni autorski stil, pa su njegova djela rado prihvaćena od strane velikih svjetskih muzeja: Metropolitan muzeja, Nacionalne galerije umjetnosti, Britanskog muzeja, Muzeja Ashmolean, Vatikanskog muzeja. Savremeni umjetnici 21. vijeka i njihova djela, da bi bila prepoznata, moraju se nekako izdvojiti od ostalih masa. I Will Barnett to može. Njegovi radovi su grafički i kontrastni, često prikazuje mačke, ptice, žene. Barnetove slike su na prvi pogled jednostavne, ali daljim ispitivanjem shvatite da je ta jednostavnost upravo njihova genijalnost.

3. Neil Simon. Ovo je jedan od savremenih umetnika 21. veka, čija dela nisu tako jednostavna kao što se na prvi pogled čini. Između zapleta i djela Neila Simona granice kao da su isprane, prelivaju se jedna u drugu, privlače gledatelja, uvlače ih u iluzorni svijet umjetnika. Simonove kreacije odlikuju se jarkim, zasićenim bojama koje im daju energiju i snagu te izazivaju emocionalni odgovor. Majstor se voli igrati perspektivom, veličinom predmeta, neobičnim kombinacijama i neočekivanim oblicima. U umjetničkim djelima ima puno geometrije koja je u kombinaciji s prirodnim pejzažima, kao da puca iznutra, ali ne uništava, već se skladno nadopunjuje.

2. Igor Morsky. Današnji umjetnik 21. stoljeća i njegove slike često se porede sa velikim genijem Salvadorom Dalijem. Radovi poljskog majstora su nepredvidivi, misteriozni, uzbudljivi, izazivaju živopisan emotivni odjek, a na mjestima suludi. Kao i svaki drugi nadrealista, on ne nastoji da prikaže stvarnost onakvom kakva jeste, već pokazuje aspekte koje nikada nećemo videti u životu. Najčešće je glavni junak Morskyjevih djela čovjek sa svim svojim strahovima, strastima i nedostacima. Također, metafore djela ovog nadrealiste često se tiču ​​moći. Naravno, nije riječ o umjetniku čije radove objesite preko kreveta, već o onome na čiju izložbu svakako vrijedi otići.

1. Yayoi Kusama. Dakle, na prvom mestu naše rang liste je japanska umetnica koja je postigla neverovatan uspeh u celom svetu, uprkos činjenici da ima neke mentalne bolesti. Glavna "osobina" umjetnika su točkice. Ona pokriva sve što vidi krugovima raznih oblika i veličina, nazivajući to mrežama beskonačnosti. Kusamine interaktivne izložbe i instalacije su uspjeh, jer ponekad svi požele (čak i ne priznaju) da budu unutar psihodeličnog svijeta halucinacija, djetinje spontanosti, fantazija i šarenih krugova. Među savremenim umjetnicima 21. stoljeća i njihovim slikama, Yayoi Kusama je najprodavaniji.

Ocena najskupljih dela živih umetnika je konstrukcija koja mnogo manje govori o ulozi i mestu umetnika u istoriji umetnosti nego o godinama i zdravlju.

Pravila za sastavljanje našeg rejtinga su jednostavna: prvo, uzimaju se u obzir samo transakcije sa delima živih autora; drugo, uzimaju se u obzir samo javne aukcije; i treće, poštuje se pravilo "jedan umjetnik - jedno djelo" (ako dva rekorda pripadaju Džonsu u ocjeni radova, onda ostaje samo najskuplji, a ostali se ne uzimaju u obzir). Rangiranje se vrši u dolarima (po kursu na dan prodaje).

1. JEFF KOONS Zec. 1986. 91,075 miliona dolara

Što duže gledate aukcijsku karijeru Jeffa Koonsa (1955), sve više postajete uvjereni da za pop art ništa nije nemoguće. Možete se diviti Koonsovim skulpturama u obliku igračaka od balona, ​​a možete ih smatrati kičom i lošim ukusom - vaše pravo. Jedna stvar se ne može poreći: instalacije Jeffa Koonsa koštaju ludi novac.

Jeff Koons je započeo svoj put ka slavi kao najuspješniji živući umjetnik na svijetu još 2007. godine, kada je njegova gigantska metalna instalacija Viseće srce kupljena za 23,6 miliona dolara na Sotheby's-u. Djelo je kupila galerija Larry Gagosian koja predstavlja Kuonsa (u štampi je pisalo da to je bilo u interesu ukrajinskog milijardera Viktora Pinčuka).Galerija nije dobila samo instalaciju, već, zapravo, umjetničko djelo nakita.Iako djelo nije od zlata (nerđajući čelik je služio kao materijal) i jasno je veći od običnog privjeska (skulptura visine 2,7 m teška je 1.600 kg), ali ima sličnu namjenu. Na izradu kompozicije sa srcem prekrivenim je utrošeno preko šest i po hiljada sati. deset slojeva boje, a za spektakularnu „dekoraciju“ plaćen je gigantski novac.

Sljedeća je bila prodaja cvijeta ljubičastog balona za 12,92 miliona funti (25,8 miliona dolara) u Christie's Londonu 30. juna 2008. Zanimljivo, sedam godina ranije prethodni vlasnici "Cvijeta" otkupili su posao za 1,1 milion dolara, a lako je izračunati da je za to vrijeme njegova tržišna cijena porasla skoro 25 puta.

Pad na tržištu umjetnina 2008-2009. dao je skepticima razlog da klevetaju da je moda na Kunsa prošla. Ali pogriješili su: zajedno s umjetničkim tržištem, oživljeno je zanimanje za Koonsova djela. Nasljednik Andyja Warhola na prijestolju kralja popa postigao je lični rekord u novembru 2012. prodajom raznobojne skulpture tulipana iz serije Trijumf na Christie's-u za 33,7 miliona dolara uključujući proviziju.

Ali "lale" su bile "cveće" u doslovnom i figurativnom smislu. Samo godinu dana kasnije, u novembru 2013., usledila je prodaja skulpture psa od balona (narandžasta) od nerđajućeg čelika: cena čekića bila je čak 58,4 miliona dolara! Fenomenalna suma za živog umetnika. Djelo savremenog autora prodato je po cijeni Van Goghove ili Picassove slike. To su bile bobice...

Ovim rezultatom, Koons je nekoliko godina vladao na vrhu ljestvice živih umjetnika. U novembru 2018. nakratko ga je pretekao David Hockney (vidi drugo mjesto na našoj rang listi). Ali samo šest meseci kasnije, sve se vratilo u normalu: 15. maja 2019. u Njujorku, na aukciji posleratne i savremene umetnosti, Christie's je stavio na prodaju skulpturu iz udžbenika za Kunsa 1986. - srebrnog "zeca" izrađen od nehrđajućeg čelika, koji imitira balon sličnog oblika.

Ukupno, Koons je stvorio 3 takve skulpture plus jedan autorski primjerak. Na aukciji se našao primjerak "Zeca" broj 2, iz kolekcije kultnog izdavača Cy Newhousea, suvlasnika izdavačke kuće Conde Nast (časopisi Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ itd.). Srebrni "zec" kupio je "otac glamura" Cy Newhouse 1992. godine za impresivnu sumu po standardima tih godina - milion dolara. Nakon 27 godina borbe 10 ponuđača, cijena čekića skulpture bila je 80 puta veća od prethodne prodajne cijene. Uz kupčevu premijum proviziju, konačni rezultat je bio rekordnih 91,075 miliona dolara za sve žive umjetnike.

2. DAVID HOKNEY Portret umjetnika. Bazen sa dvije figure. 1972. 90,312,500 dolara

David Hockney (1937) jedan je od najznačajnijih britanskih umjetnika 20. stoljeća. Godine 2011. David Hockney je izabran za najutjecajnijeg britanskog umjetnika svih vremena u istraživanju hiljada profesionalnih britanskih slikara i vajara. U isto vrijeme, Hockney je zaobišao takve majstore kao što su William Turner i Francis Bacon. Njegov rad se po pravilu pripisuje pop artu, iako je u svojim ranim radovima više gravitirao ekspresionizmu u duhu Francisa Bacona.

Rođen i odrastao David Hockney u Engleskoj, Yorkshire. Majka budućeg umjetnika držala je porodicu u puritanskoj strogosti, a njegov otac, obični računovođa koji je malo crtao na amaterskom nivou, podsticao je sina da slika. U svojim ranim dvadesetim, David se preselio u Kaliforniju, gdje je živio ukupno oko tri decenije. Tamo još uvijek ima dvije radionice. Hockney je od junaka svojih djela napravio lokalne bogataše, njihove vile, bazene, travnjake okupane kalifornijskim suncem. Jedno od njegovih najpoznatijih djela američkog perioda - slika "Pljusak" - je slika snopa spreja koji se diže iz bazena nakon što je osoba skočila u vodu. Da bi prikazao ovaj snop, koji "živi" ne više od dvije sekunde, Hockney je radio dvije sedmice. Inače, ova slika je 2006. godine prodata na Sotheby'su za 5,4 miliona dolara i neko vrijeme je smatrana njegovim najskupljim radom.

Hockney (1937) je već u osamdesetim godinama, ali još uvijek radi, pa čak i izmišlja nove umjetničke tehnike koristeći tehničke inovacije. Nekada je došao na ideju da pravi ogromne kolaže od polaroidnih slika, štampao svoje radove na faks uređajima, a danas umetnik sa entuzijazmom savladava crtanje na iPadu. Slike nacrtane na tabli zauzimaju zasluženo mjesto na njegovim izložbama.

2005. Hockney se konačno vratio iz Sjedinjenih Država u Englesku. Sada slika na otvorenom i u studiju ogromne (često se sastoje od više delova) pejzaže lokalnih šuma i pustara. Prema Hockneyju, za svojih 30 godina u Kaliforniji, toliko se nenaviknuo na jednostavnu promjenu godišnjih doba da ga to zaista fascinira i fascinira. Čitavi ciklusi njegovih novijih radova posvećeni su, na primjer, istom krajoliku u različito doba godine.

U 2018. Hockneyjeve slike su nekoliko puta premašile granicu od 10 miliona dolara. A 15. novembra 2018. na Christie's-u je registrovan novi apsolutni rekord za rad živog umjetnika - 90.312.500 dolara za sliku "Portret umjetnika (bazen sa dvije figure)".

3. GERHARD RICHTER Apstraktno slikarstvo. 1986. 46,3 miliona dolara

Living classic Gerhard Richter (1932.) zauzima drugo mesto u našoj rang listi. Njemački umjetnik bio je vodeći među živim kolegama sve dok nije oboren 58-miliotni rekord Jeffa Koonsa. No, malo je vjerovatno da ova okolnost može poljuljati Richterov već željezni autoritet na tržištu umjetnosti. Prema rezultatima 2012. godine, godišnji aukcijski promet njemačkog umjetnika je na drugom mjestu nakon Andyja Warhola i Pabla Picassa.

Dugi niz godina ništa nije nagovještavalo uspjeh koji je sada pao na Richtera. Umjetnik je desetljećima zauzimao skromno mjesto na tržištu savremene umjetnosti i uopće nije težio slavi. Možemo reći da ga je slava sama od sebe obuzela. Mnogi smatraju početnom tačkom kupovinu Richterove serije od 18. oktobra 1977. od strane njujorškog MoMA muzeja 1995. godine. Američki muzej je platio 3 miliona dolara za 15 slika u sivim tonovima i ubrzo je počeo razmišljati o održavanju pune retrospektive njemačkog umjetnika. Grandiozna izložba otvorena je šest godina kasnije, 2001. godine, i od tada je interesovanje za Richterovo stvaralaštvo naglo raslo. Od 2004. do 2008. cijene njegovih slika su se utrostručile. U 2010. godini Rihterovi radovi su već doneli 76,9 miliona dolara, 2011, prema sajtu Artnet, Rihterovi radovi na aukciji zaradili su ukupno 200 miliona dolara, a 2012. (prema Artprice-u) - 262,7 miliona dolara - više od dela bilo kog drugog. drugi živi umjetnik.

Dok, na primjer, kod Jaspera Johnsa, ogroman uspjeh na aukciji prati uglavnom samo rana djela, tako oštra podjela nije tipična za Richterova djela: potražnja je podjednako stabilna za stvarima iz različitih kreativnih perioda, kojih je u Richterovim radovima bilo jako puno. karijera. U proteklih šezdeset godina ovaj umjetnik se okušao u gotovo svim tradicionalnim slikarskim žanrovima - portretu, pejzažu, marini, aktu, mrtvu prirodu i, naravno, apstrakciju.

Istorija Rihterovih aukcijskih zapisa počela je serijom mrtvih priroda "Sveće". 27 fotorealističnih slika svijeća ranih 1980-ih, u vrijeme kada su napisane, koštalo je samo 15.000 njemačkih maraka (5.800 dolara) po radu. Ali i dalje niko nije kupio svijeće na njihovoj prvoj izložbi u galeriji Max Hetzler u Štutgartu. Tada je tema slika nazvana staromodna; Danas se "Svijeće" smatraju djelima za sva vremena. I koštaju milione dolara.

U februaru 2008. "Candle", napisana 1983. godine, neočekivano je kupljena za £ 7,97 miliona (16 miliona dolara). Ovaj lični rekord je trajao tri i po godine. Onda u oktobru 2011 drugi "Svijeća" (1982) otišao pod čekić kod Christie'sa već za £ 10,46 miliona (16,48 miliona dolara). Gerhard Richter je ovom pločom po prvi put ušao u top tri najuspješnija živa umjetnika, zauzevši mjesto iza Jaspera Johnsa i Jeffa Koonsa.

Tada je počela pobjednička povorka Rihterovih "Apstraktnih slika". Umjetnik slika slične radove u jedinstvenoj autorskoj tehnici: na svijetlu podlogu nanosi mješavinu jednostavnih boja, a zatim ih razmazuje po platnu dugim strugačem veličine automobilskog branika. To rezultira složenim prijelazima boja, mrljama i prugama. Ispitivanje površine njegovih "Apstraktnih slika" je kao iskopavanje: na njima tragovi raznih "figura" proviruju kroz praznine brojnih šarenih slojeva.

9. novembra 2011 na aukciji moderne i poslijeratne umjetnosti Sotheby's velikih razmjera "Apstraktno slikarstvo (849-3)" 1997. je otišla ispod čekića 20,8 miliona dolara (13,2 miliona funti). I šest meseci kasnije, 8. maja 2012 na aukciji poslijeratne i savremene umjetnosti Christie's u New Yorku "Apstraktno slikarstvo (798-3)" 1993. je bila rekordna 21,8 miliona dolara(uključujući proviziju). Pet mjeseci kasnije - opet rekord: "Apstraktna slika (809-4)" iz kolekcije rok muzičara Erica Claptona 12. oktobra 2012. na Sotheby's u Londonu otišla je pod čekić za £ 21,3 miliona (34,2 miliona dolara). Barijeru od 30 miliona Richter je preuzeo s takvom lakoćom, kao da nije riječ o modernom slikarstvu, već o remek-djelima starim već stotinu godina - ni manje ni više. Iako se u slučaju Rihtera čini da se uvrštavanje u panteon "velikih" dogodilo već za života umetnika. Njemačke cijene nastavljaju rasti.

Sljedeći Rihterov zapis pripadao je fotorealističkom djelu - pejzažu "Katedralni trg, Milano (Domplatz, Majland)" 1968. Rad je prodat za 37,1 milion na Sotheby's aukciji 14. maja 2013. Pogled na najljepši trg naslikao je njemački umjetnik 1968. godine po narudžbi Siemens Electro-a, posebno za kancelariju kompanije u Milanu. U vrijeme pisanja, to je bilo najveće Rihterovo figurativno djelo (veličine skoro tri sa tri metra).

Rekord na Katedralnom trgu stajao je skoro dvije godine, do 10. februar 2015 nije ga prekinuo "Apstraktno slikarstvo" ( 1986): cijena čekića dostigla je £ 30,389 miliona (46,3 miliona dolara). Apstraktna slika 300,5 × 250,5 cm, stavljena na aukciju u Sotheby'su, jedno je od prvih Rihterovih velikih radova u njegovoj posebnoj autorskoj tehnici struganja slojeva boje. Posljednji put 1999. godine ova "Apstraktna slika" kupljena je na aukciji za 607 hiljada dolara (od ove godine do sadašnje prodaje djelo je bilo izloženo u Muzeju Ludwig u Kelnu). Na aukciji 10. februara 2015. određeni američki klijent u aukcijskim koracima od 2 miliona funti dostigao je cijenu čekića od 46,3 miliona dolara, odnosno od 1999. godine rad je poskupio više od 76 puta!

4. Tsui Zhuzhuo "Velike planine prekrivene snijegom." 2013. 39,577 miliona dolara

Dugo nismo pomno pratili razvoj situacije na kineskom tržištu umjetnosti, ne želeći da čitaoce preopterećujemo prevelikom količinom informacija o "ne našoj" umjetnosti. Sa izuzetkom disidenta Ai Weiweija, ne tako skupog kao rezonantnog umjetnika, kineski autori su nam se činili previše brojni i daleko od nas da bismo udubljivali u ono što se događa na njihovom tržištu. Ali statistika je, kako kažu, ozbiljna dama, a ako je riječ o najuspješnijim živućim autorima na svijetu, onda ne možemo bez priče o izuzetnim predstavnicima savremene umjetnosti Srednjeg kraljevstva.

Počnimo s kineskim umjetnikom Cui Ruzhuo. Umetnik je rođen 1944. godine u Pekingu, a živeo je u SAD od 1981. do 1996. godine. Nakon povratka u Kinu, počeo je da predaje na Nacionalnoj akademiji umjetnosti. Cui Ruzhuo ponovo zamišlja tradicionalni kineski stil slikanja tušem i stvara ogromna platna koja kineski biznismeni i zvaničnici vole da poklanjaju jedni drugima. Na Zapadu se o njemu vrlo malo zna, iako se mnogi moraju sjetiti priče o svitku vrijednom 3,7 miliona dolara koji su čistači hotela u Hong Kongu greškom bacili, zamijenivši ga za smeće. Dakle, to je bio svitak Cui Ruzhuoa.

Cui Ruzhuo je u svojim 70-im godinama i tržište za njegov rad napreduje. Preko 60 radova ovog umjetnika prešlo je granicu od milion dolara, ali su njegovi radovi do sada uspjeli samo na kineskim aukcijama. Zapisi Cui Ruzhuoa su zaista impresivni. Prvo to "Pejzaž u snijegu" na Poly Auction u Hong Kongu 7. aprila 2014 dostigao cijenu od 184 miliona HK$ ( 23,7 miliona dolara).

Tačno godinu dana kasnije 6. aprila 2015 na specijalnoj Poly Auction u Hong Kongu posvećenoj isključivo djelu Cui Ruzhuoa, seriji "Veliki snježni pejzaž planinskog Jiangnana"(Jiangnan je istorijska regija u Kini, koja zauzima desnu obalu donjeg toka Jangcea.) od osam pejzaža tintom na papiru dostigla je cijenu od 236 miliona HK$ ( 30,444 miliona dolara).

Godinu dana kasnije, istorija se ponovo ponovila: na solo aukciji Cui Ruzhuo, koju je održala Poly Auctions u Hong Kongu 4. aprila 2016 poliptih u šest delova "Velike planine prekrivene snijegom" Cijena čekića iz 2013. (uključujući proviziju aukcijske kuće) dostigla je 306 miliona HK$ (39,577 miliona dolara). Do sada je ovo apsolutni rekord među živim azijskim umjetnicima.

Prema riječima trgovca umjetninama Johnsona Chana, koji već 30 godina radi sa kineskom savremenom umjetnošću, postoji bezuslovna želja za podizanjem cijena djela ovog autora, ali sve se to dešava na nivou cijena na kojem iskusni kolekcionari teško da će htjeti da kupim nešto. "Kinezi žele da podignu rejting svojih umetnika naduvavanjem cena za njihov rad na velikim međunarodnim aukcijama poput one koju je Poly organizovao u Hong Kongu, ali nema sumnje da su ti rejtingi potpuno izmišljeni", komentariše Džonson Čang o Cui Ruzhuou. najnoviji rekord.

Ovo je, naravno, samo mišljenje jednog dilera, a mi imamo stvarnu evidenciju u svim bazama podataka. Pa hajde da ga uzmemo u obzir. Sam Cui Ruzhuo je, sudeći po njegovim izjavama, daleko od skromnosti Gerharda Rihtera kada je u pitanju njegov aukcijski uspjeh. Čini se da ga ova trka za rekordima ozbiljno osvaja. “Nadam se da će u narednih 5-10 godina cijene mojih radova nadmašiti cijene za djela zapadnih majstora poput Picassa i Van Gogha. Ovo je kineski san,” kaže Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Zastava. 1983. 36 miliona dolara

Treće mjesto na rang listi živih umjetnika pripada Amerikancu Jasperu Johnsu (1930.). Trenutna rekordna cijena za Jonesov rad je $ 36 miliona. Toliko je plaćeno za njegovu slavnu "Zastava" na Christie's aukciji 12. novembar 2014.

Serija slika "zastave", koju je Jones započeo sredinom 1950-ih, odmah po povratku umjetnika iz vojske, postala je jedna od centralnih u njegovom stvaralaštvu. Još u mladosti umjetnik je bio zainteresiran za ideju readymadea, pretvaranja svakodnevnog predmeta u umjetničko djelo. Međutim, Jonesove zastave nisu bile prave, bile su naslikane uljem na platnu. Tako je umjetničko djelo dobilo svojstva stvari iz običnog života, ono je istovremeno bilo i slika zastave i same zastave. Niz radova sa zastavama donio je Jasperu Johnsu svjetsku slavu. Ali ništa manje popularni nisu ni njegovi apstraktni radovi. Dugi niz godina listu najskupljih radova, sastavljenu prema gore navedenim pravilima, vodi apstrakt "Lažni početak". Sve do 2007. godine, ovo vrlo svijetlo i dekorativno platno, koje je Jones naslikao 1959. godine, smatralo se vlasnikom praktički nedostupne cijene za živog umjetnika (iako životni klasik) - $ 17 miliona. Toliko su ga platili u zlatu za tržište umjetnina 1988.

Zanimljivo, iskustvo Jaspera Johnsa kao rekordera nije bilo kontinuirano. Godine 1989. prekinuo ga je rad kolege Willema de Kooninga: dvometarska apstrakcija "Mixing" prodata je na Sotheby's za 20,7 miliona dolara. Jasper Johns je morao da se preseli. Ali nakon 8 godina, 1997., de Kooning je umro , i "False start" Jones je ponovo zauzeo prvu liniju aukcijskog rejtinga živih umjetnika skoro 10 godina.

Ali 2007. godine sve se promijenilo. Rekord False Start prvi je zasjenio rad mladih i ambicioznih Damiena Hirsta i Jeffa Koonsa. Zatim je došlo do rekordne prodaje za 33,6 miliona dolara slike "Inspektor za spavanje" Lusiena Freuda (sada pokojnog, pa stoga ne učestvuje u ovoj ocjeni). Tada su počeli zapisi Gerharda Rihtera. Generalno, sa dosadašnjim rekordom od 36 miliona, na trećem je mjestu Jasper Johns, jedan od majstora američke poslijeratne umjetnosti, koji radi na raskrsnici neodadaizma, apstraktnog ekspresionizma i pop-arta.

6. ED RUSHAY Razbiti. 1963. 30,4 miliona dolara

Iznenadni uspjeh slike "Smash" američkog umjetnika Edward Ruscha (r. 1937.) na aukciji Christie's 12. novembar 2014 doveo je ovog autora u red najskupljih živih umjetnika. Prethodna rekordna cijena za rad Eda Ruscha (često se ime Ruscha na ruskom izgovara kao "Rusha", ali ispravan izgovor je Ruscha) bila je "samo" 6,98 miliona dolara: toliko su platili za njegovo platno "Burning Gas Stanica“ 2007. Sedam godina kasnije njegov Razbiti sa procjenom od 15-20 miliona dolara dostigao je cijenu čekića 30,4 miliona dolara. Očigledno je da je tržište djela ovog autora dostiglo novi nivo - nije uzalud Barack Obama svojim radovima krasi Bijelu kuću, a u svojim ga galerijama izlaže i sam Larry Gagosian.

Ed Ruscha nikada nije težio poslijeratnom New Yorku s njegovom pomamom za apstraktnim ekspresionizmom. Umjesto toga, više od 40 godina inspiraciju je tražio u Kaliforniji, gdje se preselio iz Nebraske sa 18 godina. Umjetnik je stajao na početku novog trenda u umjetnosti, nazvanog pop art. Zajedno s Warholom, Lichtensteinom, Wayneom Thiebaudom i drugim pjevačima popularne kulture, Edward Ruscha je 1962. godine sudjelovao na izložbi New Image of Ordinary Things Muzeja Pasadena, koja je postala prva muzejska izložba američke pop umjetnosti. Međutim, ni sam Ed Ruscha ne voli kada se njegov rad pripisuje pop artu, konceptualizmu ili nekom drugom trendu u umjetnosti.

Njegov jedinstveni stil se zove "slikanje teksta". Od kasnih 1950-ih Ed Ruscha je počeo da slika riječi. Baš kao što je za Warhola konzerva supe postala umjetničko djelo, za Eda Ruscha obične riječi i fraze, preuzete ili sa bilborda ili pakovanja u supermarketu, ili iz špica nekog filma (Holivud je uvijek bio uz Ruscha, i za razliku od mnogih svojih kolega umjetnika, Rushey je poštovao "fabriku snova"). Riječi na njegovim platnima poprimaju svojstva trodimenzionalnih objekata, to su prave mrtve prirode napravljene od riječi. Gledajući njegova platna, prvo što nam pada na pamet je vizuelna i zvučna percepcija naslikane riječi, a tek nakon toga - semantičko značenje. Potonje se, po pravilu, ne može jednoznačno dešifrirati; riječi i fraze koje je odabrao Ruscha mogu se tumačiti na različite načine. Ista jarko žuta riječ "Smash" na tamnoplavoj pozadini može se shvatiti kao agresivan poziv da se nešto ili neko razbije u paramparčad; kao usamljeni pridev izvučen iz konteksta (deo nekih novinskih naslova, na primer), ili jednostavno kao jedna reč uhvaćena u urbanom toku vizuelnih slika. Ed Ruscha uživa u ovoj neizvjesnosti. “Uvijek sam duboko poštovao čudne, neobjašnjive stvari... Objašnjenja, na neki način, ubijaju stvar”, rekao je u intervjuu.

7. CHRISTOPHER WOOL Bez naslova (RIOT). 1990. 29,93 miliona dolara

Američki umjetnik Christopher Wool(1955) prvi put je probio na rang listi živih umjetnika 2013. - nakon prodaje djela "Apocalypse Now" za 26,5 miliona dolara. Ovaj rekord ga je odmah izjednačio sa Jasperom Johnsom i Gerhardom Richterom. Visina ove istorijske transakcije - više od 20 miliona dolara - iznenadila je mnoge, jer prije nje cijene umjetnikovih djela nisu prelazile 8 miliona dolara. Međutim, brzi rast tržišta za djela Christophera Woola je već tada bio evidentan. : umjetnikov rekord uključuje 48 aukcijskih transakcija vrijednih više od milion dolara, a 22 (skoro polovina) su se dogodile 2013. Dvije godine kasnije, broj djela Chrisa Woola, prodatih za više od milion dolara, dostigao je 70, a novi lični rekord nije dugo čekao. Na aukciji Sotheby's 12. maja 2015. djelo "Untitled (RIOT)" je prodat za $ 29,93 miliona uključujući kupčevu premiju.

Christopher Wool je najpoznatiji po svojim velikim crnim slovima na bijelim aluminijskim listovima. Oni su ti koji po pravilu postavljaju rekorde na aukcijama. Sve su to stvari iz kasnih 1980-ih i ranih 1990-ih. Kako legenda kaže, jedne večeri je Wool šetao New Yorkom uveče i odjednom ugledao grafite crnim slovima na novom bijelom kamionu - riječi sex i luv. Ovaj prizor ga je toliko impresionirao da se odmah vratio u studio i napisao svoju verziju sa istim riječima. Bila je 1987. godina, a umjetnikova daljnja potraga za riječima i frazama za njegova "slovna" djela odražavaju kontradiktorni duh ovog vremena. Ovo uključuje poziv "prodaj kuću, prodaj auto, prodaj djecu", koji je Wool preuzeo iz filma Apokalipsa sada, i riječ "BUDALA" ("budala") velikim slovima i riječ "BUNA" (" pobuna”), često se nalazi u novinskim naslovima tog vremena.

Riječi i fraze Vuna nanesena na aluminijske limove pomoću šablona s alkidnim ili emajl bojama, namjerno ostavljajući tragove, tragove šablona i druge dokaze kreativnog procesa. Umjetnik je podijelio riječi tako da gledalac nije odmah shvatio značenje. U početku vidite samo skup slova, odnosno percipirate riječ kao vizualni objekt, a tek onda čitate i dešifrujete značenje fraze ili riječi. Wool je koristio font koji je koristila američka vojska nakon Drugog svjetskog rata, što pojačava utisak naredbe, direktive, slogana. Ovi "slovni" radovi se doživljavaju kao dio urbanog pejzaža, kao nelegalni grafiti koji su narušili čistoću površine nekog uličnog objekta. Ova serija radova Christophera Woola prepoznata je kao jedan od vrhunaca lingvističke apstrakcije, te je stoga visoko cijenjena od strane ljubitelja savremene umjetnosti.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 miliona dolara

Britanski Peter Doig(1959), iako pripada generaciji postmodernista Kuonsa i Hirsta, za sebe je odabrao potpuno tradicionalni žanr pejzaža, koji dugo nije bio naklonjen naprednim umjetnicima. Piter Doig svojim radom oživljava sve slabije interesovanje javnosti za figurativno slikarstvo. Njegov rad visoko cijene i kritičari i nespecijalisti, a dokaz tome je brz rast cijena njegovih djela. Ako su ranih 1990-ih njegovi pejzaži koštali nekoliko hiljada dolara, sada račun ide na milione.

Doigov rad se često naziva magijskim realizamom. Na osnovu stvarnih pejzaža, stvara fantazijske, misteriozne i često sumorne slike. Umjetnik voli da prikazuje predmete koje su ljudi napustili: trošnu zgradu koju je Le Corbusier izgradio usred šume ili prazan bijeli kanu na površini šumskog jezera. Pored prirode i mašte, Doig je inspirisan horor filmovima, starim razglednicama, fotografijama, amaterskim video zapisima i tako dalje. Doigove slike su šarene, zamršene, dekorativne i nisu provokativne. Lijepo je posjedovati takvu sliku. Niska produktivnost autora takođe podstiče interesovanje kolekcionara: umetnik koji živi na Trinidadu ne stvara više od desetak slika godišnje.

Početkom 2000-ih, pojedinačni pejzaži umjetnika prodani su za nekoliko stotina hiljada dolara. Istovremeno, Doigov rad je uvršten u galeriju Saatchi, na Bijenale u Whitney muzeju i u kolekciju MoMA-e. 2006. aukcijska granica od milion dolara je prevaziđena, a sledeće godine desio se neočekivani pomak: delo „Beli kanu“, ponuđeno na Sotheby's 7. februara 2007. sa procenom od 0,8-1,2 miliona dolara, bilo je pet puta veće. od preliminarne procjene i prodat je za 5,7 miliona funti (11,3 miliona dolara). U to vrijeme to je bila rekordna cijena za rad živog evropskog umjetnika.

Godine 2008. Doig je održao samostalne izložbe u galeriji Tate i Muzeju moderne umjetnosti u Parizu. Višemilionske cijene za Doigov rad postale su norma. Lični rekord Petera Doiga nedavno je ažuriran nekoliko puta godišnje - imamo vremena samo da promijenimo sliku i mjesto ovog umjetnika u našoj rang listi živih autora.

Najskuplji rad Petera Doiga do sada je snježni pejzaž iz Rosedalea iz 1991. godine. Zanimljivo, rekord nije postavljen na Sotheby's ili Christie's, već na aukciji savremene umjetnosti Phillips. Ovo se dogodilo 18. maja 2017. godine. Pogled na snijegom prekriveni Rosedale, kvart u Torontu, prodat je kupcu telefona za 28,81 milion dolara, oko 3 miliona dolara više od prethodnog rekorda (25,9 miliona dolara za "Progutano u blatu"). Slika "Rosedale" učestvovala je na Doigovoj ključnoj izložbi u galeriji Whitechapel u Londonu 1998. godine, i općenito je ovo djelo bilo svježe za tržište, te je stoga rekordna cijena zaslužena.

9. FRANK STELLA Cape borovi. 1959. 28 miliona dolara

Frank Stella je sjajan predstavnik postslikarske apstrakcije i minimalizma u umjetnosti. U određenoj fazi, to se naziva stil slikanja tvrdog ruba. U početku, Stella je suprotstavila strogu geometričnost, asketsku monokromnost i strukturiranost njegovih slika sa spontanošću i slučajnošću platna apstraktnih ekspresionista poput Jacksona Pollocka.

Krajem 1950-ih, umjetnika je uočio poznati galerista Leo Castelli i po prvi put nagrađen izložbom. Na njemu je predstavio takozvane "crne slike" - platna prefarbana paralelnim crnim linijama sa tankim razmacima neobojenog platna između njih. Linije se savijaju u geometrijske oblike, pomalo podsjećajući na optičke iluzije, same slike koje trepere, kreću se, uvijaju, stvaraju osjećaj dubokog prostora ako ih dugo gledate. Stella je nastavio temu paralelnih linija sa tankim razdjelnim trakama u svojim radovima na aluminiju i bakru. Promijenjene su boje, slikovna osnova, pa čak i oblik slika (između ostalih se ističu radovi u obliku slova U, T, L). Ali glavni princip njegovog slikarstva i dalje se sastojao u jasnoći konture, monumentalnosti, jednostavnoj formi, jednobojnosti. U narednim decenijama, Stella se udaljila od takvog geometrijskog slikarstva prema glatkim, prirodnim oblicima i linijama, te od monohromatskih slika do jarkih i raznovrsnih prijelaza boja. Sedamdesetih godina, Stela je bila očarana ogromnim šarama korištenim za slikanje brodova. Umjetnik ih je koristio za ogromne slike sa elementima sklapanja - u svoje radove uključio je komade čeličnih cijevi ili žičane mreže.

U svojim ranim intervjuima, Frank Stella iskreno govori o značenjima koja su unesena u njegov rad, odnosno o njihovom odsustvu: "Ono što vidite je ono što vidite." Slika je predmet za sebe, a ne reprodukcija bilo čega. "To je ravna površina sa bojom na njoj i ničim drugim", rekla je Stella.

Pa, potpisana od Franka Stele, ova "površina sa bojom" danas bi mogla vrijediti milione dolara. Prvi put na rang listi živih umjetnika Frank Stella je ušao 2015. godine prodajom djela "Crossing the Delaware" (1961) za 13,69 miliona dolara uključujući proviziju.

Četiri godine kasnije, 15. maja 2019., ranim (1959.) djelom “Rt borova” postavljen je novi rekord: cijena čekića je bila preko 28 miliona dolara, uključujući proviziju. Ovo je jedna od 29 "crnih slika" - upravo onih sa kojima je Stela debitovala na svojoj prvoj izložbi u Njujorku. Diplomac sa Univerziteta Princeton Frank Stella tada je imao 23 godine. Često nije imao dovoljno novca za uljane boje za umjetnike. Mladi umjetnik se bavio popravkom, jako su mu se dopale čiste boje boje, a onda se javila ideja da radi sa ovom bojom na platnu. Sa crnom emajl bojom, Stella slika paralelne pruge, ostavljajući tanke linije negrundiranog platna između njih. Štaviše, piše bez lenjira, na oko, bez preliminarne skice. Stella nikada nije znala koliko će se crnih linija pojaviti na određenoj slici. Na primjer, na slici “Rt borova” ima ih 35. Naziv djela odnosi se na naziv rta u Massachusetts Bayu - Point of borova. Početkom 20. vijeka imao je veliki zabavni park, a danas je jedan od kvartova grada Reverea.

10. YOSHITOMO NARA Nož iza leđa. 2000. 24,95 miliona dolara

Yoshitomo Nara (1959) jedna je od ključnih ličnosti japanske neo-pop umjetnosti. Japanski - jer se, uprkos globalnoj slavi i dugogodišnjem radu u inostranstvu, njegov rad i dalje odlikuje izraženim nacionalnim identitetom. Narini omiljeni likovi su djevojčice i psi u stilu japanskih manga i anime stripova. Slike koje je izmišljao dugi niz godina "otišle su u narod": štampane su na majicama, suvenirima i izrađuju se razni "merch". Rođen u siromašnoj porodici, daleko od glavnog grada, ne samo da je voljen zbog svog talenta, već i cijenjen kao osoba koja je stvorila sebe. Umetnik radi brzo i ekspresivno. Poznato je da su neka od njegovih remek-djela završena bukvalno preko noći. Slike i skulpture Yoshitomo Nara po pravilu su vrlo sažete, pa čak i štedljive u izražajnim sredstvima, ali uvijek nose snažan emocionalni naboj. Tinejdžerke u Nari često gledaju gledaoca neljubazno škiljeći. U njihovim očima - bezobrazluk, izazov i agresija. U rukama - pa nož, pa cigareta. Postoji mišljenje da su prikazane perverzije ponašanja reakcija na opresivni javni moral, razne tabue i principe obrazovanja koje su usvojili Japanci. Gotovo srednjovjekovna ozbiljnost i stid potiču probleme iznutra, stvaraju tlo za odgođenu emocionalnu eksploziju. "Nož iza leđa" jednostavno odražava jednu od glavnih ideja umjetnika. Na ovom djelu postoji mrski pogled djevojke, i ruka prijeteće ranjena iza njenih leđa. Do 2019. godine, slike i skulpture Yoshitomo Nara već su više puta prešle milionsku, ili čak nekoliko miliona. Ali dvadeset miliona - po prvi put. Nara je jedan od najpoznatijih svjetskih umjetnika porijeklom iz Japana. A sada najskuplji od živih. 6. oktobra 2109. u Sotheby'su u Hong Kongu preuzeo je ovu titulu od Takashi Murakamija i primjetno nadmašio 90-godišnju avangardnu ​​umjetnicu Yayoi Kusama (maksimalne aukcijske cijene za njene slike već se približavaju 9 miliona dolara).

11. ZENG FANZHI Posljednja večera. 2001. 23,3 miliona dolara

U Sotheby's Hong Kongu 5. oktobar 2013 platno u godišnjoj mjeri "Posljednja večera" Pekinški umjetnik Zeng Fanzhi (1964.) prodat za rekordnu sumu od 160 miliona hongkonških dolara - 23,3 miliona dolara SAD. Konačni trošak Fanžijevog dela, napisanog, naravno, pod uticajem Leonarda da Vinčija, ispostavilo se da je duplo veći od preliminarne procene od oko 10 miliona dolara. Prethodni rekord cena Zeng Fanžija bio je $ 9,6 miliona plaćeno na aukciji Christie's u Hong Kongu u maju 2008. za rad Mask Series. 1996 br. 6".

"Posljednja večera" je najveća (2,2 × 4 metra) slika Fanzhija u seriji "Maske", koja pokriva period od 1994. do 2001. godine. Ciklus je posvećen evoluciji kineskog društva pod uticajem ekonomskih reformi. Uvođenje elemenata tržišne ekonomije od strane vlade NRK-a dovelo je do urbanizacije i nejedinstva Kineza. Fanzhi prikazuje stanovnike modernih kineskih gradova, koji se moraju boriti za mjesto na suncu. Poznata kompozicija Leonardove freske u čitanju Fanžija poprima sasvim drugo značenje: scena se prenosi iz Jerusalima u učionicu kineske škole sa tipičnim hijeroglifskim pločama na zidovima. "Hrist" i "apostoli" su se pretvorili u pionire sa grimiznim kravatama, a samo "Juda" nosi zlatnu kravatu - ovo je metafora zapadnog kapitalizma, koji prodire i uništava uobičajeni način života u socijalističkoj zemlji.

Djela Zeng Fanzhija stilski su bliska evropskom ekspresionizmu i podjednako su dramatična. Ali istovremeno su puni kineskih simbola i specifičnosti. Ova svestranost privlači i kineske i zapadnjačke kolekcionare u umjetnikov rad. Direktna potvrda za to je porijeklo Posljednje večere: djelo je na aukciju stavio poznati kolekcionar kineske avangarde 1980-ih i ranih 1990-ih, belgijski baron Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Most. 1980. 20,6 miliona dolara

Na aukciji Christie's 13. maja 2015 apstraktni rad "most" 85-godišnji američki umjetnik Robert Ryman(Robert Ryman) je prodat za 20,6 miliona dolara uzimajući u obzir proviziju - duplo skuplje od niže procjene.

Robert Ryman(1930) nije odmah shvatio da želi da postane umetnik. Sa 23 godine preselio se u New York iz Nashvillea, Tennessee, želeći da postane jazz saksofonista. U međuvremenu nije postao slavan muzičar, morao je dodatno da zarađuje kao čuvar u MoMA-i, gdje je upoznao Saula LeWita i Dana Flavina. Prvi je radio u muzeju kao noćni sekretar, a drugi kao čuvar i operater u liftu. Inspirisan radovima apstraktnih ekspresionista koje je video u MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock i Newman - Robert Ryman počeo je slikati 1955. godine.

Rymana često nazivaju minimalistom, ali više voli da ga nazivaju "realistom" jer ga ne zanima stvaranje iluzija, već samo demonstrira kvalitete materijala koje koristi. Većina njegovih radova oslikana je bojama svih mogućih nijansi bijele (od sivkaste ili žućkaste do blistavo bijele) na bazi lakonskog kvadratnog oblika. Robert Ryman je tokom svoje karijere isprobao mnoge materijale i tehnike: slikao je uljem, akrilom, kazeinom, emajlom, pastelom, gvašom itd. na platnu, čeliku, pleksiglasu, aluminijumu, papiru, valovitom kartonu, vinilu, tapetama itd. prijatelj, profesionalni restaurator, Orrin Riley, savjetovao ga je o jedkosti materijala koje je mislio koristiti. Kao što je umetnik jednom rekao: „Nikad nemam pitanje šta piši, glavna stvar - kako pisati". Radi se o teksturi, prirodi poteza, granici između šarene površine i rubova baze, kao i odnosu rada i zida. Od 1975. godine, poseban element njegovog rada su svjetiljke, koje Ryman sam dizajnira i namjerno ih ostavlja vidljivima, naglašavajući njegov rad "stvarni kao što su stvarni zidovi na kojima vise". Ryman radije daje radovima "imena" nego "naslove". "Ime" je ono što pomaže da se jedno djelo razlikuje od drugog, a Ryman često svoja djela imenuje po markama boja, kompanijama itd., a "naslov" tvrdi da ima neku vrstu aluzija i duboko skrivenih značenja, čije prisustvo u njegovom radove koje umjetnik redovno negira. Ništa osim materijala i tehnike nije bitno.

13. Damien Hirst Pospano proljeće. 2002. 19,2 miliona dolara

engleski umjetnik Damienu Hirstu (1965.) bio je predodređen da bude prvi koji će zauzeti prvo mjesto u ovom rejtingu u sporu sa živim klasikom Jasperom Johnsom. Već spomenuto djelo "Lažni start" moglo bi još dugo ostati nepotopivi vođa 21. juna 2007 instalaciju u to vrijeme 42-godišnjeg Hirsta "Pospano proljeće"(2002) nije prodat na Sotheby's za £ 9,76 miliona, odnosno za 19,2 miliona dolara. Rad, inače, ima prilično neobičan format. S jedne strane, ovo je vitrina sa lutkama tableta (6.136 tableta), u stvari, klasična instalacija. A s druge strane, ova vitrina je ravna (dubine 10 cm), uzeta u okvir i okačena na zid kao plazma panel, čime se u potpunosti pruža udobnost posjedovanja svojstvena slikama. Godine 2002. sestra instalacije, Sleepy Winter, prodana je za 7,4 miliona dolara, više od polovine cijene. Neko je razliku u cijeni "objasnio" činjenicom da su tableti više izblijedjeli zimi. Ali jasno je da je ovo objašnjenje apsolutno neutemeljeno, jer mehanizam određivanja cijena takvih stvari više nije povezan s njihovim dekorativnim efektom.

Godine 2007. mnogi su prepoznali Hirsta kao autora najskupljeg djela među živim umjetnicima. Pitanje je, međutim, iz kategorije "zavisi kako se računa". Činjenica je da se Hurst prodavao za skupe funte, a Jones za dolare koji su sada pojeftinili, pa čak i prije dvadesetak godina. Ali čak i ako računamo po nominalnoj vrijednosti, bez uzimanja u obzir 20-godišnje inflacije, onda je Hirstov rad bio skuplji u dolarima, a Jonesov u funtama. Situacija je bila granična i svako je bio slobodan da odluči koga će smatrati najskupljim. Ali Hurst se ne tako dugo zadržao na prvom mjestu. Iste 2007. sa prvog mjesta istisnuo ga je Kuns sa svojim "Hanging Heart".

Upravo uoči globalnog pada cijena savremene umjetnosti, Hirst je preduzeo poduhvat bez presedana za mladog umjetnika - solo aukciju svojih radova, koja je održana 15. septembra 2008. u Londonu. Dan ranije objavljena vest o bankrotu banke Lehman Brothers nije pokvarila apetit ljubitelja savremene umetnosti: od 223 dela koja je ponudio Sotheby's, samo pet nije našlo nove vlasnike (jedan od kupaca je, inače, bio Viktor Pinčuk). Posao "Zlatni Bik"- ogromna figura bika u formaldehidu, okrunjena zlatnim diskom, - donesena 10,3 miliona funti (18,6 miliona dolara). Ovo je Hurstov najbolji rezultat ako se mjeri u funtama (u valuti u kojoj je dogovor sklopljen). Ipak, rangiramo se po dolarima, tako da (neka nam zlatno tele oprosti) smatraćemo da je Hirstova najbolja prodaja Sleepy Spring.

Od 2008. Hirst nije imao prodaju Sleepy Spring i Golden Calf. Svježi rekordi 2010-ih - za rad Richtera, Jonesa, Fanzhija, Wool-a i Koonsa - pomaknuli su Damiena na šesti red našeg rejtinga. Ali nemojmo donositi kategoričan sud o zalasku Hirstove ere. Prema analitičarima, Hurst je kao "superzvijezda" već ušao u istoriju, što znači da će ga kupovati još jako dugo; međutim, najveća vrijednost u budućnosti predviđa se za djela nastala u najinovativnijem periodu njegove karijere, odnosno 1990-ih.

14. Maurizio Cattelan On. 2001. 17,19 miliona dolara

Italijan Maurizio Cattelan (1960) došao je u umjetnost nakon što je radio kao zaštitar, kuhar, vrtlar i dizajner namještaja. Samouki autor je postao svjetski poznat po svojim ironičnim skulpturama i instalacijama. Bacio je meteorit na Papu, pretvorio ženu mušterije u lovački trofej, probio rupu u podu Muzeja starih majstora, podigao džinovski srednji prst na berzu u Milanu, doveo živog magarca na sajam Frieze . U bliskoj budućnosti, Cattelan obećava da će postaviti zlatni toalet u Gugenhajm muzeju. Na kraju, budalaštine Maurizija Cattelana nadaleko su prepoznate u svijetu umjetnosti: pozvan je na Venecijansko bijenale (instalacija "Drugi" 2011. - jato od dvije hiljade golubova koji sa svih cijevi i greda prijeteći gledaju na gomilu posjetitelja prolazeći ispod), dogovorite da ima retrospektivu u njujorškom Gugenhajm muzeju (novembar 2011.) i, konačno, plaća se veliki novac za njegove skulpture.

Od 2010. najskuplje djelo Maurizija Cattelana je voštana skulptura čovjeka koji viri iz rupe u podu, spolja slična samom umjetniku („Bez naslova“, 2001). Ova skulptura-instalacija, koja postoji u količini od tri kopije plus autorski primjerak, prvi put je prikazana u Muzeju Boijmans van Beuningen u Rotterdamu. Tada je ovaj nestašni lik pogledao iz rupe u podu hola sa slikama holandskih slikara 18. i 19. vijeka. Maurizio Cattellan se u ovom djelu povezuje sa smjelim zločincem koji upada u sakralni prostor dvorane muzeja sa slikama velikih majstora. Time želi umjetnost lišiti oreola svetosti koji joj daju zidovi muzeja. Rad, radi izlaganja kojeg svaki put morate napraviti rupe u podu, na Sotheby'su je prodat za 7,922 miliona dolara.

Rekord je stajao do 8. maja 2016. godine, kada je Cattelanovo još provokativnije djelo Him, koji prikazuje Hitlera koji kleči, otišlo pod čekić za 17,189 miliona dolara. Stvar je čudna. Ime je čudno. Odabir likova je rizičan. Kao i sve ostalo sa Cattelanom. Šta On znači? "Njegovo" ili "njegovo pakleno veličanstvo"? Jasno je da definitivno ne govorimo o skandiranju imidža Firera. U ovom djelu Hitler se pojavljuje prilično u bespomoćnom, jadnom obliku. I apsurdno - inkarnacija Sotone je napravljena veličine djeteta, obučena u kostim školarca i klečeći sa skromnim izrazom lica. Za Cattelana ova slika je poziv na razmišljanje o prirodi apsolutnog zla i način da se riješi strahova. Inače, skulptura “Njega” je dobro poznata zapadnoj publici. Njena braća iz serije izlagana su više od 10 puta u vodećim muzejima širom svijeta, uključujući Pompidou centar i Muzej Solomona Gugenhajma.

15. MARC GROTJAN Bez naslova (S III pušten u Francusku Face 43.14). 2011. 16,8 miliona dolara

Dana 17. maja 2017, jedna od najmoćnijih slika Marca Grotjana ikada stavljena na aukciju pojavila se na večernjoj aukciji Christie's New Yorka. Sliku "Bez naslova (S III pušten u Francusku sa licem 43.14)" postavio je pariski kolekcionar Patrick Seguin sa procjenom od 13-16 miliona dolara, a pošto je prodaju parcele garantirala treća strana, niko nije posebno iznenađen uspostavljanjem novog ličnog aukcijskog rekorda 49-godišnjeg umetnika . Cijena čekića od 14,75 miliona dolara (16,8 miliona sa kupovnom premijom) premašila je Grotjanov prethodni aukcijski rekord za više od 10 miliona dolara, što mu je omogućilo da uđe u klub živih umjetnika čiji se radovi prodaju za osmocifrene cijene. Sedmocifreni isti rezultati (prodaja veća od milion dolara, ali ne više od 10 miliona dolara) u aukcijskoj kasici-prasici Mark Grotyan za tridesetak.

Mark Grotjan (1968), u čijem radu stručnjaci vide uticaj modernizma, apstraktnog minimalizma, popa i op-arta, do korporativnog identiteta dolazi sredinom 1990-ih, nakon što se preselio sa svojim prijateljem Brentom Petersonom u Los Anđeles i tamo otvorio galeriju. "Soba 702". Kako se sam umjetnik sjeća, u to vrijeme počeo je razmišljati o tome šta mu je prvo u umjetnosti. Tražio je motiv s kojim bi mogao eksperimentirati. I shvatio sam da ga uvijek zanimaju linija i boja. Eksperimenti u duhu rajonizma i minimalizma sa linearnom perspektivom, brojnim tačkama nestajanja i raznobojnim apstraktnim trouglastim oblicima na kraju su Grotjanu doneli svetsku slavu.

Od apstraktnih, šarenih pejzaža sa više horizonata i tačaka nestajanja, završio je sa trouglastim oblicima koji podsećaju na leptirova krila. Slike Grotjana 2001–2007 Zovu ga "Leptiri". Danas se pomeranje tačke nestajanja ili korišćenje nekoliko tačaka nestajanja odjednom, razmaknutih u prostoru, smatra jednom od najmoćnijih umetnikovih tehnika.

Sljedeća velika serija radova zvala se "Lica"; u apstraktnim linijama ove serije mogu se naslutiti crte ljudskog lica, pojednostavljene do stanja maske u duhu Matisa, Jawlenskog ili Brancusija. Govoreći o krajnjem pojednostavljenju i stilizaciji oblika, o kompozicionom rješenju slika, kada nam iz šumskog šipražja kao da nas gledaju raštrkane konture očiju i usta, istraživači primjećuju povezanost Grotjanovih "Lica" s umjetnošću. primitivnih plemena Afrike i Okeanije, dok sam umjetnik jednostavno „voli sliku očiju koje gledaju iz džungle. Ponekad sam zamišljao lica pavijana ili majmuna. Ne mogu reći da sam bio svjesno ili podsvjesno pod utjecajem primitivne afričke umjetnosti, nego sam bio pod utjecajem umjetnika koji su bili pod njom. Picasso je najočitiji primjer."

Radovi serije "Lica" nazivaju se brutalnim i elegantnim, ugodnim za oko i ugodnim za um. Vremenom se menja i tekstura ovih radova: da bi stvorio efekat unutrašnjeg prostora, umetnik koristi široke poteze guste boje, čak i prskanje u stilu Pollocka, ali se površina slike izravnava tako da se, nakon detaljnijeg pregleda , izgleda potpuno ravno. Slika koja postavlja aukcijski rekord Bez naslova (S III puštena Francuskoj Lice 43.14) pripada ovoj proslavljenoj seriji Marka Grotjana.

16. TAKASHI MURAKAMI Moj usamljeni kauboj. 15,16 miliona dolara

Japanski Takashi Murakami (1962.) ušao u naš rejting sa skulpturom "Moj usamljeni kauboj", prodat na Sotheby's u maju 2008. za $ 15,16 miliona. Ovom prodajom Takashi Murakami se dugo smatrao najuspješnijim živućim azijskim umjetnikom - sve dok ga nije zasjenila prodaja Posljednje večere Zenga Fanzhija.

Takashi Murakami radi kao umjetnik, vajar, modni dizajner i animator. Murakami je želio da za osnovu svog rada uzme nešto zaista japansko, bez zapadnjačkih ili bilo kakvih pozajmica. U studentskim godinama bio je fasciniran tradicionalnom japanskom umjetnošću nihonga, a kasnije ju je zamijenila popularna umjetnost animea i mange. Tako je rođen psihodelični gospodin DOB, šare nasmejanog cveća i svetle, sjajne skulpture od fiberglasa, kao da su upravo zakoračile sa stranica japanskih stripova. Neki smatraju Murakamijevu umjetnost brzom hranom i oličenjem vulgarnosti, drugi umjetnika nazivaju Japancem Andyjem Warholom - a u redovima potonjeg, kao što vidimo, ima mnogo vrlo bogatih ljudi.

Murakami je ime za svoju skulpturu pozajmio iz filma Usamljeni kauboji (1968) Endija Vorhola, koji Japanci, kako je sam priznao, nikada nisu gledali, ali mu se jako svidela kombinacija reči. Murakami je sa jednom skulpturom obradovao ljubitelje erotskih japanskih stripova i nasmijao im se. Povećan u veličini, a osim toga i trodimenzionalan, anime junak se pretvara u fetiša masovne kulture. Ova umjetnička izjava sasvim je u duhu klasičnog zapadnjačkog pop arta (sjetite se garniture namještaja Allena Jonesa ili Kunsovog Pink Panthera), ali s nacionalnim zaokretom.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14,784,505 dolara

KAWS je pseudonim američkog umjetnika Briana Donellyja iz New Jerseya. On je najmlađi učesnik našeg rejtinga, rođen 1974. godine. Donelly je počela kao animatorica u Disneyju (crtajući pozadinu za crtani film "101 Dalmatinac" i druge). Od malih nogu me zanimaju grafiti. Isprva, njegov potpisni dizajn bila je lobanja sa "X" na mjestu očnih duplji. Rad mladog pisca voleli su ljudi iz šoubiznisa i ljudi iz modne industrije: napravio je omot za album Kanye Westa, objavio je saradnju za Nike, Comme des Garçons i Uniqlo. Vremenom je KAWS postao poznata ličnost u svetu savremene umetnosti. Njegova prepoznatljiva figurica Mikija Mausa našla je put u muzejima, javnim prostorima i privatnim kolekcijama. Jednom je KAWS izdao ograničenu seriju vinilne igračke s brendom My Plastic Heart, i one su odjednom postale predmet velikog interesovanja kolekcionara. Jedan od strastvenih kolekcionara ovih "igračaka" je osnivač Black Star, reper Timati: skoro u potpunosti je sakupio čitav niz "Cavs Companions".

KAWS-ov rad postavio je rekord za opus umjetnika - 14,7 miliona dolara - na aukciji Sotheby's u Hong Kongu 1. aprila 2019. Nekada je bio u kolekciji japanskog modnog dizajnera Nigo. Meter canvas Album KAWS je omaž omotu čuvenog albuma The Beatlesa "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" iz 1967. godine. Samo umjesto ljudi ima Kimpsonove - stilizirane likove iz crtanog serijala Simpsons sa "X" umjesto očiju.

18. JIN SHAN Tadžikistanska nevjesta. 1983. 13,89 miliona dolara

Među relativno mladim i suvremenim kineskim umjetnicima, koji svi pripadaju takozvanom „novom valu“ kineske umjetnosti kasnih 1980-ih, u našoj se ocjeni sasvim neočekivano našao i predstavnik sasvim druge generacije i druge škole. Jin Shan (Jin Shangyi), koji sada ima preko 80 godina, pripada sjajnim predstavnicima prve generacije umjetnika u komunističkoj Kini. Stavovi ove grupe umjetnika formirani su u velikoj mjeri pod uticajem najbližeg komunističkog saveznika - SSSR-a.

Zvanična sovjetska umjetnost, socijalistički realizam, ulje na platnu, koje je još uvijek bilo neuobičajeno za Kinu (za razliku od tradicionalnog kineskog slikanja tušem) bili su na vrhuncu popularnosti 1950-ih, a sovjetski umjetnik Konstantin došao je da predaje na Univerzitetu umjetnosti u Pekingu na tri godine. (od 1954. do 1957.) Metodijevič Maksimov. Jin Shani, koji je u to vrijeme bio najmlađi u grupi, ušao je u njegov razred. Umjetnik se uvijek s velikom toplinom sjećao svog učitelja, rekavši da ga je Maksimov naučio da pravilno razumije i prikaže model. K. M. Maksimov je odgojio čitavu plejadu kineskih realista, sada već klasika.

U djelu Jin Shana osjeća se utjecaj kako sovjetskog "strogog stila", tako i evropske škole slikarstva. Umjetnik je mnogo vremena posvetio proučavanju naslijeđa renesanse i klasicizma, dok je smatrao da je potrebno sačuvati kineski duh u svojim djelima. Slika "Tadžikistanska nevjesta", naslikana 1983. godine, smatra se univerzalno priznatim remek-djelom, novom prekretnicom u stvaralaštvu Jin Shana. Upravo je ona stavljena na aukciju China Guardiana u novembru 2013. i prodata nekoliko puta skuplje od procijenjene - za 13,89 miliona dolara, uključujući proviziju.

19. BANKSY The Decayed Parliament. 2008. 12,14 miliona dolara

Zidne slike koje nose oznaku Banksy počele su se pojavljivati ​​na zidovima gradova (prvo u Velikoj Britaniji, a zatim i širom svijeta) kasnih 1990-ih. Njegovi filozofski i istovremeno oštri grafiti bili su posvećeni problemima napada države na slobode građana, zločina protiv životne sredine, neodgovorne potrošnje i nehumanosti sistema ilegalnih migracija. Vremenom su Banksyjevi zidni "prijekori" stekli neviđenu medijsku popularnost. U stvari, postao je jedan od glavnih glasnogovornika javnog mnjenja koji je osuđivao licemjerje država i korporacija, proizvodeći rastuću nepravdu u kapitalističkom sistemu.

Značaj Banksyja, osjećaj za "nerv vremena" i tačnost njegovih metafora cijenili su ne samo publika, već i kolekcionari. Tokom 2010-ih, stotine hiljada ili čak više od milion dolara dato je za njegova djela. Došlo je do toga da su Banksyjevi grafiti razbijeni i ukradeni zajedno sa komadima zidova.

U eri naprednog digitalnog nadzora, Banksy i dalje uspijeva ostati anoniman. Postoji verzija da to više nije jedna osoba, već grupa od nekoliko umjetnika, na čijem čelu je talentirana žena. To bi objasnilo mnogo toga. I vanjska različitost pisaca uhvaćenih u objektivima kamera svjedoka, i bezlični šablonski način nanošenja (daje veliku brzinu i ne zahtijeva direktno sudjelovanje autora), i dirljivi romantizam subjekata slika (loptice, pahulje itd.). Bilo kako bilo, ljudi iz Benksijevog projekta, uključujući i njegove pomoćnike, znaju držati jezik za zubima.

U 2019. najskuplje Banksyjevo djelo neočekivano je postalo četverometarsko platno Devolved Parliament („degradirani“, „raspadnuti“ ili „delegirani“ parlament). Čini se da se čimpanze koje se svađaju u Donjem domu rugaju publici u godini skandaloznog Brexita. Iznenađujuće je da je slika naslikana 10 godina prije ove istorijske prekretnice, te je stoga neko smatra proročkom. Na aukciji Sotheby'sa 3. oktobra 2019. nepoznati kupac kupio je ulje za 12.143.000 dolara uz žestoku licitaciju - šest puta više od preliminarne cijene.

20. JOHN CURREN "Sweet and simple." 1999. 12,007 miliona dolara

Američki umjetnik John Curran (1962.) poznat po svojim satiričnim figurativnim slikama na provokativne seksualne i društvene teme. Currenov rad uspijeva spojiti slikarske tehnike starih majstora (posebno Lucasa Cranacha starijeg i manirista) i modnu fotografiju iz sjajnih časopisa. Postižući grotesknije, Karren često iskrivljuje proporcije ljudskog tijela, povećava ili smanjuje njegove pojedinačne dijelove, prikazuje junake u izlomljenim, maniriranim pozama.

Curren je počeo 1989. sa portretima djevojčica precrtanim iz školskog albuma; nastavio se početkom 1990-ih slikama prsatih ljepotica inspiriranih fotografijama iz Cosmopolitana i Playboya; 1992. godine pojavljuju se portreti bogatih starijih dama; a 1994. godine Curren se oženio vajarkom Rachel Feinstein, koja je postala njegova glavna muza i model dugi niz godina. Do kasnih 1990-ih, Currinovo tehničko umijeće, u kombinaciji s kičem i grotesknošću njegovih slika, donijelo mu je popularnost. Godine 2003. Larry Gagosian je preuzeo promociju umjetnika, a ako takav diler kao što je Gagosian preuzme autora, onda je uspjeh zagarantovan. Godine 2004. održana je retrospektiva Johna Currana u Whitney muzeju.

Otprilike u to vrijeme, njegov rad se počeo prodavati za šest cifara. Trenutni rekord za sliku Johna Currana pripada Sweet and Simple, prodatoj 15. novembra 2016. na Christie's za 12 miliona dolara, sada preko 50 godina, ovo je definitivno napredak u karijeri. Njegov prethodni rekord 2008. godine iznosio je 5,5 miliona dolara (plaćeno, inače, za isto djelo "Slatko i jednostavno").

21. BRICE MARDEN The Attented. 1996–1999 10,917 miliona dolara

Još jedan živi američki apstraktni umjetnik na našoj rang listi je Bryce Marden (1938). Mardenove radove u stilu minimalizma, a od kasnih 1980-ih - gestualnog slikarstva, odlikuje jedinstvena autorska, blago prigušena paleta. Kombinacije boja u Mardenovim radovima inspirisane su njegovim putovanjima širom sveta – Grčkom, Indijom, Tajlandom, Šri Lankom. Među autorima koji su uticali na formiranje Mardena su Jackson Pollock (početkom 1960-ih Marden je radio kao zaštitar u Jevrejskom muzeju, gdje je lično promatrao Pollockova “kapanja”), Alberto Giacometti (upoznao se s njegovim radom u Parizu) i Robert Rauschenberg (neko dok je Marden radio kao njegov pomoćnik). Prva faza Mardenovog rada posvećena je klasičnim minimalističkim platnima, koja se sastoje od obojenih pravokutnih blokova (horizontalnih ili vertikalnih). Za razliku od mnogih drugih minimalista koji su tražili idealan kvalitet radova, kao da ih je štampala mašina, a ne crtala osoba, Marden je zadržao tragove umetnikovog rada, kombinujući različite materijale (vosak i uljane boje). Od sredine 1980-ih, pod uticajem orijentalne kaligrafije, geometrijska apstrakcija je zamenjena vijugavim linijama nalik meandrima, čija su pozadina bila ista monohromna polja boja. Jedno od ovih "meander" djela - "The Attended" - prodato je na Sotheby's u novembru 2013. za 10,917 miliona dolara, uključujući proviziju.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. decembar 1959. 10,6 miliona dolara

23. ZHANG XIAOGANG Vječna ljubav. 10,2 miliona dolara

Još jedan predstavnik kineske savremene umjetnosti je simbolist i nadrealist Zhang Xiaogang (1958.). U Sotheby's Hong Kongu 3. aprila 2011, gdje je prodata kineska avangarda iz kolekcije belgijskog barona Guya Ullensa, triptih Zhang Xiaoganga "Vječna ljubav" je prodat za $ 10,2 miliona. U to vrijeme to je bio rekord ne samo za umjetnika, već i za cjelokupnu kinesku savremenu umjetnost. Priča se da je Xiaogangovo djelo kupila milijarderova supruga Wang Wei, koja će otvoriti vlastiti muzej.

Zhang Xiaogang, koji voli misticizam i istočnjačku filozofiju, napisao je priču o "Vječnoj ljubavi" u tri dijela - život, smrt i ponovno rođenje. Ovaj triptih je predstavljen na kultnoj izložbi Kina/Avangarda 1989. u Nacionalnom muzeju umjetnosti. Takođe 1989. godine, vojska je brutalno ugušila studentske demonstracije na Trgu Tiananmen. Nakon ovog tragičnog događaja, šrafovi su počeli da se stežu - izložba u Narodnom muzeju je raspršena, mnogi umjetnici su emigrirali. Kao odgovor na socijalistički realizam nametnut odozgo, nastao je pravac ciničnog realizma, čiji je jedan od glavnih predstavnika bio Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bespomoćni Henry Moore. 1967. 9,9 miliona dolara

američko Bruce Nauman (1941.), dobitnik glavne nagrade 48. Venecijanskog bijenala (1999), odavno je otišao u svoj rekord. Nauman je započeo svoju karijeru šezdesetih godina. Poznavaoci ga, uz Endija Vorhola i Džozefa Bojsa, nazivaju jednom od najuticajnijih ličnosti u umetnosti druge polovine dvadesetog veka. Međutim, bogata intelektualnost i apsolutna nedekorativnost nekih njegovih radova očito su spriječili njegovu brzu prepoznatljivost i uspjeh u široj javnosti. Nauman često eksperimentiše s jezikom, otkrivajući neočekivana značenja poznatih fraza. Riječi postaju središnji likovi mnogih njegovih djela, uključujući neonske pseudo-znakove i panoe. Sam Nauman sebe naziva kiparom, iako se u proteklih četrdesetak godina okušao u potpuno različitim žanrovima - skulpturi, fotografiji, video umjetnosti, performansima, grafici. Početkom 1990-ih, Larry Gagosian je izgovorio proročke riječi: "Prava vrijednost Naumannovog djela tek treba da se shvati." I tako se desilo: 17. maja 2001 na Christie's Naumanna 1967 "Bespomoćni Henry Moore (pogled straga)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) postavio je novi rekord u segmentu poslijeratne umjetnosti. Odlitak Naumannovih ruku vezanih na leđima, napravljen od gipsa i voska, otišao je pod čekić za $ 9,9 miliona u kolekciji francuskog magnata Francoisa Pinaulta (prema drugim izvorima, Amerikanke Phyllis Wattis). Procjena radova bila je samo 2-3 miliona dolara, tako da je rezultat bio pravo iznenađenje za sve.

Prije ove legendarne prodaje, samo dva Naumannova djela prešla su granicu od milion dolara. A u njegovoj dosadašnjoj aukcijskoj karijeri samo je šest radova, pored "Henrija Mura...", otišlo za sedam cifara, ali njihovi rezultati i dalje ne idu ni u kakvo poređenje sa devet miliona.

"Bespomoćni Henri Mur" je jedan od Naumanovih serijala polemičkih radova o liku Henrija Mura (1898–1986), britanskog umetnika koji je šezdesetih godina važio za jednog od najvećih vajara 20. veka. Mladi autori, koji su se našli u senci priznatog majstora, tada su ga napali žestokim kritikama. Naumanov rad je odgovor na ovu kritiku i ujedno refleksija na temu kreativnosti. Naslov djela postaje igra riječi, jer povezuje dva značenja engleske riječi bound – bound (doslovno) i osuđen na neku sudbinu.

Pažnja! Svi materijali sajta i baza podataka o rezultatima aukcija sajta, uključujući ilustrovane referentne informacije o radovima prodatim na aukcijama, namenjeni su isključivo za korišćenje u skladu sa čl. 1274 Građanskog zakonika Ruske Federacije. Upotreba u komercijalne svrhe ili kršenje pravila utvrđenih Građanskim zakonikom Ruske Federacije nije dozvoljena. stranica nije odgovorna za sadržaj materijala koje su dostavile treće strane. U slučaju kršenja prava trećih lica, administracija sajta zadržava pravo da ih ukloni sa sajta i iz baze podataka na osnovu zahteva nadležnog organa.

Uobičajeno je da se savremenom umetnošću nazivaju sve vrste umetničkih pokreta koji su se razvili krajem 20. veka. U poslijeratnom periodu, to je bio svojevrsni izlaz koji je još jednom naučio ljude da sanjaju i izmišljaju nove životne realnosti.

Umorni od okova surovih pravila prošlosti, mladi umjetnici su odlučili da razbiju stare umjetničke norme. Oni su nastojali da stvore nove, ranije nepoznate prakse. Suprotstavljajući se modernizmu, okrenuli su se novim načinima otkrivanja svojih priča. Umjetnik i koncept njegovog stvaranja postali su mnogo važniji od samog rezultata kreativnog djelovanja. Želja da se odmakne od postavljenih okvira dovela je do pojave novih žanrova.

Među umjetnicima su se počeli javljati sporovi oko značenja umjetnosti i načina njenog izražavanja. Šta je umjetnost? Na koji način se može postići prava umjetnost? Konceptualisti i minimalisti našli su odgovor za sebe u frazi: "Ako umjetnost može biti sve, onda ne može biti ništa." Za njih je odstupanje od uobičajenih vizuelnih sredstava rezultiralo raznim radnjama, dešavanjima i performansima. Šta je posebnost savremene umetnosti 21. veka? O tome ćemo govoriti u članku.

Trodimenzionalna grafika u umjetnosti XXI vijeka

Umetnost 21. veka u 3D grafici je poznata. Sa razvojem kompjuterske tehnologije, umjetnici imaju pristup novim sredstvima za stvaranje svoje umjetnosti. Suština trodimenzionalne grafike je kreiranje slika modeliranjem objekata u trodimenzionalnom prostoru. Ako uzmemo u obzir većinu oblika moderne umjetnosti u 21. stoljeću, stvaranje trodimenzionalnih slika će biti najtradicionalnije. 3D grafika ima mnogo strana, u pravom smislu te riječi. Koristi se za kreiranje programa, igrica, slika i video zapisa na računaru. Ali može se vidjeti i pod nogama - na pločniku.

Trodimenzionalna grafika se preselila na ulice prije nekoliko decenija i od tada je ostala jedan od najvažnijih oblika ulične umjetnosti. Mnogi umjetnici crtaju trodimenzionalne slike na svojim "slikama" koje mogu zadiviti svojim realizmom. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner i mnogi drugi savremeni umjetnici danas stvaraju umjetnost koja može iznenaditi svakoga.

Ulična umetnost 21. veka

Ranije je to zanimanje bilo puno bogatih ljudi. Vekovima je bio sakriven zidovima posebnih institucija, gde je pristup neposvećenima bio zatvoren. Očigledno, njegova grandiozna snaga nije mogla vječno čamiti unutar zagušljivih zgrada. Tada je izašlo - u sive tmurne ulice. Izabrali ste da zauvijek promijenite svoju historiju. Iako u početku nije bilo tako lako.

Nisu svi bili sretni zbog njegovog rođenja. Mnogi su to smatrali rezultatom lošeg iskustva. Neki su čak odbijali da obrate pažnju na njegovo postojanje. U međuvremenu, zamisao je nastavila rasti i razvijati se.

Ulični umjetnici su se na tom putu suočili s teškoćama. Uz svu svoju raznolikost oblika, uličnu umjetnost je ponekad bilo teško razlikovati od vandalizma.

Sve je počelo 70-ih godina prošlog veka u Njujorku. U to vrijeme ulična umjetnost je bila u povoju. Njegov život podržavali su Julio 204 i Taki 183. Ostavili su natpise na različitim mjestima u svom području, nakon što su proširili teritoriju distribucije. Drugi momci su odlučili da se takmiče sa njima. Tada je počelo najzanimljivije. Entuzijazam i želja za pokazivanjem rezultirali su borbom kreativnosti. Svi su bili nestrpljivi da za sebe i druge otkriju originalniji način da ostave svoj trag.

Godine 1981. ulična umjetnost je uspjela preći okean. U tome mu je pomogao ulični umjetnik iz Francuske BlekleRat. Smatra se jednim od prvih umetnika grafita u Parizu. Nazivaju ga i ocem šablonskih grafita. Njegov potpis su crteži pacova, što se odnosi na ime njihovog tvorca. Autor je primijetio da se preuređivanjem slova u riječi pacov (pacov) dobija art (umjetnost). Blek je jednom prilikom primijetio: "Pacov je jedina slobodna životinja u Parizu, koja se svuda širi, baš kao i ulična umjetnost."

Najpoznatiji ulični umjetnik je Banksy, koji BlekleRata naziva svojim glavnim učiteljem. Aktualni rad ovog talentovanog Britanca u stanju je da ućutka svakoga. U svojim crtežima, nastalim pomoću šablona, ​​osuđuje moderno društvo sa njegovim porocima. Banksy ima tendenciju da bude tradicionalan, što vam omogućava da ostavite još veći utisak na publiku. Zanimljiva je činjenica da je do sada identitet Banksyja obavijen velom misterije. Niko još nije uspeo da reši zagonetku umetnikove ličnosti.

U međuvremenu, ulična umetnost ubrzano dobija na zamahu. Jednom potisnuta u marginalne struje, ulična umjetnost je dospjela u fazu aukcija. Radove umjetnika prodaju za basnoslovne sume oni koji su jednom odbijali da pričaju o njemu. Šta je to, životvorna snaga umjetnosti ili mainstream trendovi?

Forms

Do danas postoji nekoliko prilično zanimljivih manifestacija savremene umjetnosti. Pregled najneobičnijih oblika savremene umjetnosti će vam biti skrenuta pažnja u nastavku.

Readymade

Termin readymade dolazi iz engleskog, što znači "spreman". Zapravo, cilj ovog smjera nije stvaranje bilo čega materijalnog. Osnovna ideja je da se u zavisnosti od okruženja objekta menja percepcija osobe i samog objekta. Predak struje je Marcel Duchamp. Njegovo najpoznatije djelo je "Fontana", koja je pisoar sa autogramom i datumom.

Anamorfoze

Anamorfozama se naziva tehnika stvaranja slika na način da ih je moguće u potpunosti vidjeti samo iz određenog ugla. Jedan od najsjajnijih predstavnika ovog trenda je Francuz Bernard Pras. On stvara instalacije koristeći sve što mu dođe pod ruku. Zahvaljujući svojoj veštini, uspeva da stvori neverovatna dela, koja se, međutim, mogu videti samo iz određenog ugla.

Biološke tekućine u umjetnosti

Jedna od najkontroverznijih struja u modernoj umetnosti 21. veka je crtež, slikan ljudskim fluidima. Pristalice ove moderne umjetnosti često koriste krv i urin. Boja slika u ovom slučaju često poprima sumoran, zastrašujući izgled. Herman Nitsch, na primjer, koristi životinjsku krv i urin. Autor objašnjava upotrebu ovakvih neočekivanih materijala teškim djetinjstvom koje je nastupilo tokom Drugog svjetskog rata.

Slikarstvo XX-XXI veka

Kratka istorija slikarstva sadrži podatak da je kraj 20. veka postao polazna tačka za mnoge kultne umetnike našeg vremena. U teškim poslijeratnim godinama sfera je doživjela svoj preporod. Umjetnici su nastojali otkriti nove aspekte svojih sposobnosti.

Suprematizam

Kazimir Malevič se smatra tvorcem suprematizma. Kao glavni teoretičar, proglasio je suprematizam načinom pročišćavanja umjetnosti od svega suvišnog. Odbacujući uobičajene načine prenošenja slike, umjetnici su nastojali da oslobode umjetnost od neumjetničkog. Najvažnije djelo u ovom žanru je čuveni Maljevičev "Crni kvadrat".

Pop Art

Pop art ima svoje porijeklo u Sjedinjenim Državama. U poslijeratnim godinama društvo je doživjelo globalne promjene. Ljudi su sada mogli priuštiti više. Potrošnja je postala bitan dio života. Ljudi su se počeli podizati u kult, a proizvodi široke potrošnje - u simbole. Jasper Johns, Andy Warhol i drugi sljedbenici struje nastojali su koristiti ove simbole u svojim slikama.

Futurizam

Futurizam je otkriven 1910. Glavna ideja ovog trenda bila je želja za novim, uništavanje okvira prošlosti. Ovu želju umjetnici su prikazali uz pomoć posebne tehnike. Oštri potezi, prilivi, veze i ukrštanja su znakovi futurizma. Najpoznatiji predstavnici futurizma su Marinetti, Severini, Carra.

Savremena umetnost u Rusiji u 21. veku

Savremena umetnost u Rusiji (21. vek) glatko je tekla iz underground, "nezvanične" umetnosti SSSR-a. Mladi umjetnici 90-ih tražili su nove načine da ostvare svoje umjetničke ambicije u novoj zemlji. U to vrijeme rođen je moskovski akcionizam. Njegovi sljedbenici osporili su prošlost i njenu ideologiju. Uništavanje granica (u bukvalnom i figurativnom smislu riječi) omogućilo je da se opiše odnos mlađe generacije prema situaciji u zemlji. Savremena umetnost 21. veka postala je izražajna, zastrašujuća, šokantna. Onaj od kojeg se društvo tako dugo zatvaralo. Akcije Anatolija Osmolovskog ("Majakovski - Osmolovski", "Protiv svih", "Barikada na Bolšoj Nikičkoj"), pokreta "ETI" ("ETI-tekst"), Olega Kulika ("Praščić deli poklone", "Besni pas ili Poslednji tabu koji čuva usamljeni Cerber"), Avdey Ter-Oganyan ("Pop art") zauvek je promenio istoriju savremene umetnosti.

Nova generacija

Slava ATGM je savremeni umetnik iz Jekaterinburga. Neki od njegovih radova možda podsjećaju na rad Banksyja. Međutim, Slavina djela nose ideje i osjećaje poznate samo ruskom državljaninu. Jedan od njegovih najznačajnijih radova je kampanja "Zemlja mogućnosti". Umjetnik je napravio natpis od štaka na zgradi napuštene bolnice u Jekaterinburgu. Slava je kupila štake od stanovnika grada, koji su ih nekada koristili. Umjetnik je akciju najavio na svojoj stranici na društvenoj mreži, dopunivši je apelom sugrađanima.

Muzeji moderne umjetnosti

Možda se nekada savremena vizuelna umetnost 21. veka činila marginalnom sredinom, ali danas sve više ljudi teži da se priključi novom polju umetnosti. Sve više muzeja otvara svoja vrata novim sredstvima izražavanja. New York drži rekord za savremenu umjetnost. Tu su i dva muzeja koja su među najboljima na svijetu.

Prva je MoMA, koja je skladište slika Matisa, Dalija, Vorhola. Drugi je muzej.Neobična arhitektura zgrade je u blizini kreacija Picassa, Marca Chagalla, Kandinskog i mnogih drugih.

Evropa je takođe poznata po svojim veličanstvenim muzejima savremene umetnosti 21. veka. Muzej KIASMA u Helsinkiju omogućava vam da dodirnete predmete izložbe. Centar glavnog grada Francuske impresionira neobičnom arhitekturom i radovima savremenih umjetnika. Stedelijkmuseum u Amsterdamu čuva najveću kolekciju Malevičevih slika. u glavnom gradu Velike Britanije ima ogroman broj modernih umjetničkih predmeta. Bečki muzej moderne umjetnosti ima djela Andyja Warhola i drugih talentiranih savremenih umjetnika.

Moderna umjetnost 21. stoljeća (slikarstvo) - tajanstvena, neshvatljiva, očaravajuća, zauvijek je promijenila vektor razvoja ne samo posebne sfere, već i cijelog života čovječanstva. Ono odražava i stvara modernost u isto vrijeme. Stalno se mijenja, umjetnost modernosti omogućava osobi koja je stalno u žurbi da na trenutak stane. Zastanite da se prisjetite osjećaja duboko u sebi. Zaustavite se da ponovo podignete tempo i jurite u vrtlog događaja i poslova.