นักแต่งเพลงในประเทศในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 20 นักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่

20-09-2006

เนื่องจากฉันพบว่าตัวเอง "เข้าร่วม" กวีนิพนธ์อันน่ารื่นรมย์ THE SWAN ไม่ใช่ตั้งแต่เริ่มปรากฏบนอินเทอร์เน็ต แต่ห้าปีต่อมาฉันก็เริ่มสนใจบทความเกี่ยวกับ ธีมดนตรีวางไว้ก่อนที่ฉันจะมา ฉันสนใจบทความของ Dmitry Gorbatov เกี่ยวกับ Shostakovich ในปูมฉบับที่ 194

ฉันมักจะรับรู้สิ่งที่เขียนในบทความเกี่ยวกับโชสตาโควิชและการไม่จำแนกเขาว่าเป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 รวมถึงคำอธิบายของผู้เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้ไม่ได้ทำให้เกิดการปฏิเสธ

แต่ภาคผนวก 1 ของบทความนี้มีรายชื่อนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งทำให้ฉันประหลาดใจและทำให้ฉันหัวเราะออกมาดัง ๆ ในเวลาเดียวกัน ไม่ใช่แค่ฉันเท่านั้น แต่ยังรวมถึงเพื่อนของฉัน นักดนตรีและนักแต่งเพลงมืออาชีพด้วย

จากบทความโดย D. Gorbatov

การดูรายการเพียงครั้งเดียวก็เพียงพอที่จะสังเกตเห็นชื่อที่ไม่สอดคล้องกับรายการ ความจริงก็คือเรารู้ชื่อผู้แต่งที่ยิ่งใหญ่ที่สุด และคำจำกัดความ ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด, เช่น. ยิ่งใหญ่ที่สุดไม่อาจผูกมัดกับยุคใดได้ Bach, Mozart, Beethoven เคยเป็นและยังคงเป็นนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด แต่พวกเขามีชีวิตอยู่ในศตวรรษที่แตกต่างกัน ดังนั้นนักประพันธ์เพลงในยุคหลังๆ ใด ๆ ที่จะได้ชื่อว่าเป็นผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด ย่อมต้องมีบุญพอที่จะเทียบได้กับผู้ประพันธ์ชื่อนั้น และนักประพันธ์เพลงคนแคระประเภทต่างๆ ในศตวรรษที่ 20 ผู้ที่ค้นพบหรือค้นพบบางสิ่ง ^ใหม่^ ในดนตรี แต่ไม่ได้ปฏิวัติมัน แต่ทิ้งร่องรอยไว้ที่ไหนสักแห่ง (บางครั้งก็สกปรก) ยิ่งการโทรไม่ได้รับอนุญาตและไม่ยุติธรรมอย่างยิ่ง

ในรายการด้านบน ไม่มีชื่อผู้แต่งสำหรับชื่อเรื่อง ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดใช้งานไม่ได้จึงต้องจัดการและกำหนดสถานะให้เหมาะสมโดยเริ่มจาก ยอดเยี่ยมและด้านล่าง

แต่ก่อนที่เราจะลงลึกถึงเรื่องที่น่าสนใจนี้เราลองหานักแต่งเพลงชาวรัสเซีย Modest Mussorgsky เพื่อหาข้อดีพิเศษบางอย่างที่ผู้เขียนถูกย้ายจากศตวรรษที่ 19 ถึงศตวรรษที่ 20 โดยได้รับมอบหมายสถานะ ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดนักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ

เริ่มต้นในปี 1908 ทางตะวันตกเป็นเวลาเกือบหนึ่งในสี่ของศตวรรษโรงอุปรากรชั้นนำในหลายประเทศได้จัดการแสดง "Boris Godunov" โดย Modest Mussorgsky โดยการมีส่วนร่วมของ Chaliapin ผู้ยิ่งใหญ่ในบทบาทของซาร์บอริส การเรียบเรียงที่อ่อนแอของนักแต่งเพลงเองก็ไม่ประสบความสำเร็จและโอเปร่าก็แสดงในการเรียบเรียงที่ยอดเยี่ยมของนักแต่งเพลง Nikolai Rimsky-Korsakov ความสำเร็จของโอเปร่านั้นมีมากมายมหาศาลอยู่เสมอ และเมื่อมีการแสดงโอเปร่าในสถานที่หรูหราในโรงละครโอเปร่าบางแห่งด้วย ก็มีความรู้สึกตื่นเต้นเกิดขึ้น

ในยุคหลังโซเวียต Chaliapin ยังมีการแสดงอันงดงามของ "Boris Godunov" ที่โรงละครบอลชอย โดยมี Alexander Pirogov รับบทนำและ Ivan Kozlovsky รับบท Holy Fool

แต่ทันใดนั้นในแวดวงดนตรีบางแห่งด้วยความพยายามของผู้สนใจและนักเก็งกำไรการเรียบเรียงที่ยอดเยี่ยมของ Rimsky-Korsakov เริ่มถูกวิพากษ์วิจารณ์และนักแต่งเพลงคนแคระบางคนก็เริ่มเสนอเวอร์ชันของตัวเอง ในเวลาเดียวกัน พวกเขาเริ่มกล่าวหา Rimsky-Korsakov ว่าด้วยการเรียบเรียงของเขาเขาได้ทำให้ดนตรีที่ยอดเยี่ยมของ Musogsky ล่มสลาย: ดนตรีที่คาดว่าไม่มีอะไรดีไปกว่านี้ในดนตรีรัสเซีย

แน่นอนว่าในแถวหน้าคือโชสตาโควิช ผู้ซึ่งเคยเรียบเรียงเพลง "บอริส โกดูนอฟ" ถึงสองครั้ง

เขาโน้มตัวเข้าหา "บอริส" ด้วยการเรียบเรียง -
เปเรสทรอยก้าโซเวียตที่ดูหมิ่น
และเขาทำให้โอเปร่าพิการไปมาก
ใส่กุญแจมือเป็นแถวตามเสียงเพลง

เวลาผ่านไปและหลายสิ่งหลายอย่างก็ถูกจัดการ และมีเพียงลาโอเปร่าเท่านั้นที่สามารถหันไปหาบรรณาธิการของโชสตาโควิชได้ในระหว่างการผลิตบอริสครั้งต่อไป แม้แต่ Rostropovich และผู้มีชื่อเสียงของเขาทั้งหมดก็แทบจะไม่สามารถผลักดันอะไรแบบนี้ไปได้

ตอนนี้เกี่ยวกับความยิ่งใหญ่ที่แท้จริงของ Mussorgsky ในฐานะนักแต่งเพลงชาวรัสเซีย

ฉันเสนอเวอร์ชันของฉันเอง

ไม่ต้องสงสัยเลยว่า Modest Mussorgsky นักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ไม่ได้เหนือกว่า Glinka, Dargomyzhsky, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky หรือ Rachmaninov แต่ในความคิดของฉัน เขาด้อยกว่าไชคอฟสกีอย่างมาก

ไม่ควรพิจารณาเพลงในโอเปร่า "Boris Godunov" และ "Khovanshchina" ผู้ริเริ่ม- ในโอเปร่าเหล่านี้ ตามที่จะชัดเจนจากการสนทนาเพิ่มเติม Mussorgsky แสดงให้เห็นว่าตัวเองมีความโดดเด่นและมีคุณภาพดี คอมไพเลอร์

Mussorgsky รู้ดี นวัตกรรมโอเปร่าของ Alexander Dargomyzhsky เรื่อง "The Stone Guest" และเมื่อผู้แต่งแต่งเขาก็มีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในฐานะนักร้อง นอกจากนี้เขายังรู้จักโอเปร่าของ Verdi เรื่อง "Il Trovatore" ดังที่เห็นได้จาก N. Rimsky-Korsakov ในหนังสือของเขา "Chronicle of My Musical Life" ควรจะสันนิษฐานว่า Mussorgsky รู้จักโอเปร่า "Rigoletto"

ความคุ้นเคยที่ยาวนานมาก (50 ปี) และการฟังโอเปร่า "Boris Godunov" บ่อยครั้งทำให้ฉันมีความคิดที่ว่าบทบรรยายที่ยอดเยี่ยมของ Godunov เป็นการผสมผสานระหว่างศิลปะรัสเซีย - อิตาลีที่สร้างสรรค์ของรูปแบบการบรรยายของ "The Stone Guest" และ

"ริโกเลตโต". ดังนั้น ร่องรอยของบทพูดคนเดียวของ Rigoletto Pari siamo เมื่อฟังบทบรรยายของ Boris ซ้ำ ๆ อย่างรอบคอบ สามารถพบได้ทั่วทั้งโอเปร่า โดยเริ่มจากบทพูดคนเดียวของ Boris "ฉันมาถึงพลังสูงสุดแล้ว"

เมื่อพิจารณาจากการวิเคราะห์ที่คล้ายกันกับโอเปร่าเรื่องต่อไปของ Mussorgsky คือ Khovanshchina” เราสามารถสังเกตเห็นการจากไปของผู้แต่งอย่างมีนัยสำคัญ โครงสร้างทางดนตรี“ Boris Godunov” สู่ความมีชีวิตชีวาของเนื้อเสียงที่มากขึ้น ยิ่งกว่านั้น อาเรียบางบท บทพูดคนเดียว และแม้แต่ชิ้นส่วนส่วนบุคคล ยิ่งกว่าใน "บอริส โกดูนอฟ" ก็คล้ายคลึงกับอาเรียบางบทจาก Troubadour ของแวร์ดีด้วยซ้ำ" ตัวอย่างเช่น เพลงของ Marfa (^การบอกโชคลาภ^) ในการเคลื่อนไหวครั้งแรกคล้ายกับเพลงของ Azucena Stride la vampa และใน cantilena ("คุณตกอยู่ในอันตรายจากความอับอาย") มีโครงสร้างใกล้เคียงกับเพลงเดี่ยวของ Azucena ในองก์สุดท้าย Si; ลาสแตนเชซซา ม็อปไพรม์; และทำนองเพลงของ Shaklovity ^...คุณโชคร้ายในโชคชะตาที่รัก Rus'^ ใกล้เคียงกับทำนองเพลงของ Manrico อา! ครับ, เบน มิโอ.

แต่ปรากฎว่าฉันไม่ใช่คนเดียวที่ฉลาด: ในบทโซเวียตด้วย ข้อความเต็ม“ Khovanshchina” ตีพิมพ์ในปี 1929 (พร้อมบทความเบื้องต้นและบันทึกโดย Sergei Bugoslavsky) มีบันทึกย่อที่น่าสนใจสองประการ ท่อนหนึ่งอยู่หน้าข้อความของ Cantilena จาก ^เพลงทำนายดวงชะตาของ Martha: ^ทำนองเพลงโศกเศร้ากว้างๆ ในสไตล์รัสเซีย-อิตาลี^ และอีกเพลงหนึ่งเป็นเชิงอรรถที่เกี่ยวข้องกับข้อความของเพลงของ Shaklovity: ^เพลงสไตล์อิตาลี-รัสเซียใน ลีลาของกลินกาในสมัย ​​“อีวาน ซูซานิน”^.

สำหรับทุกสิ่งที่เขียนเราสามารถเสริมได้ว่า Mussorgsky มีความกระตือรือร้นในการแต่งวลีที่มีท่วงทำนองในสไตล์อิตาลีซึ่งมาร์ธาแสดงเดี่ยวในอาราม (ปราศรัยถึง Andrei Khovansky):“ คุณได้ยินจากระยะไกลหลังป่านี้ไหม” - ยอดเยี่ยม ตัวอย่างการบรรยายภาษาอิตาลีซึ่งอาจเข้ากับบทบาทของ Azucena ใน "Il Trovatore" ได้เป็นอย่างดี

ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับปรากฏการณ์ Mussorgsky เวอร์ชันของฉันที่ระบุไว้ข้างต้น ฉันปฏิเสธคำยืนยันของผู้เขียนโดยสิ้นเชิงว่า วิทยาศาสตร์ดนตรีและสุนทรียภาพหลายประการถือเป็นผลงานของ M.P. Mussorgsky ถึงศตวรรษที่ยี่สิบตลอดจนข้อโต้แย้งของผู้เขียนเกี่ยวกับเรื่องนี้ที่ระบุไว้ในบทความ

ในความคิดของฉัน ณ จุดหนึ่งในวงการดนตรีวิทยาของโซเวียตมีทัศนคติที่ไม่ดีต่อสุขภาพทางพยาธิวิทยาต่อนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ Mussorgsky โดยอ้างว่าเขามีความสามารถพิเศษทางดนตรีและความสามารถด้านนวัตกรรมซึ่งเขาไม่มี ตามที่ D. Gorbatov กล่าวไว้ นักดนตรีบางคนถึงกับ "พบ" ร่องรอยผลงานของ Mussorgsky ในโอเปร่าของ Verdi และในดนตรีของ Hindemith ซึ่งไม่จำเป็นต้องยืมใดๆ อย่างแน่นอน

การวิเคราะห์ดนตรีของ "Khovanshchina" แสดงให้เห็นว่าในนั้นผู้แต่งเบี่ยงเบนไปอย่างมากจากรูปแบบการบรรยายในการสร้างบทพูดคนเดียวของ "Boris Godunov" ซึ่งเหมาะกับข้อความของพุชกินได้สำเร็จ Mussorgsky อาจรู้สึกว่าการทำซ้ำนั้นไม่เหมาะสม

และนี่เป็นการยืนยันว่าไม่มีหลักการที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของการจัดองค์ประกอบเมื่อเชี่ยวชาญซึ่งไม่จำเป็นต้องมีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญในการเปลี่ยนไปใช้ เรียงความถัดไปโปรไฟล์และขนาดเดียวกัน

คำจำกัดความที่น่าสนใจที่เน้นความแตกต่างระหว่าง "Khovanshchina" และ "Boris Godunov" พบได้ในบทความเบื้องต้นที่กล่าวถึงโดย S. Bugoslavsky ถึงบทละครของโอเปร่า: ^ "Khovanshchina" ในแบบของตัวเอง การออกแบบดนตรีไม่ใช่ "ละครเพลง" แต่เป็นโอเปร่าในความหมายเก่า: หลักการที่ไพเราะหรือค่อนข้างเป็นเพลงมีอิทธิพลเหนือที่นี่...^ "การถอยกลับ" ของนักแต่งเพลงดังกล่าวยังหักล้างความพยายามที่จะนำเสนอ Mussorgsky ในฐานะนักแต่งเพลงที่มีนวัตกรรมซึ่งก้าวจากศตวรรษที่ 19 ถึงศตวรรษที่ 20

ฉันยินดีต้อนรับบุคคลสำคัญทางดนตรีที่สามารถเห็นด้วยกับเวอร์ชันของฉันซึ่งมีการเรียกร้องให้ละทิ้งนิยายเกี่ยวกับอดีตของดนตรีรัสเซียและความพยายามที่ไร้สาระที่จะบิดเบือนคุณค่าทางวัฒนธรรมที่แท้จริงโดยการเปรียบเทียบกับความพยายามที่จะนำเสนอรัสเซียเป็นบ้านเกิดของ ช้าง

และด้วยเหตุนี้ การยอมรับผลงานอันยิ่งใหญ่และยอดเยี่ยมของนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่ Nikolai Rimsky-Korsakov จึงเป็นสิ่งเดียวที่จำเป็นสำหรับโอเปร่าของ Modest Mussorgsky และไม่อยู่ภายใต้การแทรกแซง ^สร้างสรรค์^-การฉ้อโกงของใครอีกต่อไป

จากที่กล่าวมาข้างต้น ฉันจะอนุญาตให้ตัวเองแยก Mussorgsky ออกจากรายชื่อนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20 แต่ในขณะเดียวกัน ฉันขอทราบว่าในศตวรรษที่ 19 ผู้แต่งยังคงสร้างมันขึ้นมา และยิ่งไปกว่านั้น ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด,หากจำเป็น (?) ใครจะมีค่ามากกว่าใคร ๆ ด้วยผลงานทั้งหมดของเขาที่จะเป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ นี่คือริชาร์ด วากเนอร์

ตอนนี้ฉันจะให้ตัวเองพิจารณารายชื่อนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุด 18 คนที่เหลือในศตวรรษที่ 20 เพื่อสร้างระดับความยิ่งใหญ่ที่สมเหตุสมผลของพวกเขา: จาก ยอดเยี่ยมและด้านล่าง ฉันจะพยายามประเมินระดับการปฏิบัติตามของผู้แต่งแต่ละคนด้วยค่าใดค่าหนึ่งจากสามค่า: ยิ่งใหญ่ โดดเด่นและโดดเด่นเป็นพิเศษ

ในความคิดของฉันเมื่อสร้างระดับความยิ่งใหญ่ของนักแต่งเพลงคนใดคนหนึ่งก็ไม่สามารถละเลยความนิยมของเขาในหมู่ผู้รักดนตรีคลาสสิกได้ ในเวลาเดียวกันเราควรแน่ใจว่าความนิยมของผู้แต่งนั้นไม่ได้ประดิษฐ์ขึ้นสูงเกินจริงคล้ายกับของ Shostak ซึ่งจะค่อยๆจางหายไปอย่างไม่ต้องสงสัยตลอดช่วงศตวรรษที่ 21 สำหรับนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยมอย่างแท้จริง ความนิยมควรจะเพิ่มขึ้นตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา

ยอดเยี่ยมนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20

• เบลา บาร์ต็อก (1881–1945) ฮังการี
• เบนจามิน บริทเทน (2456-2519) อังกฤษ
• โกลด เดอบุสซี (ค.ศ. 1862–1918) ฝรั่งเศส
• มอริซ ราเวล (1875-1937) ฝรั่งเศส
• อเล็กซานเดอร์ สเครอาบิน (ค.ศ. 1871–1915) รัสเซีย
• อีกอร์ สตราวินสกี (1882–1971) รัสเซีย
• อาร์โนลด์ เชินแบร์ก (1874–1951) ออสเตรีย
• ริชาร์ด สเตราส์ (1864-1949) เยอรมนี

(ฉันใช้เสรีภาพในการเพิ่มชื่อของนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่สามคนที่ D. Gobatov ละเว้นอาจเป็นเพราะความไม่เหมาะสมในการจำแนกพวกเขาว่าเป็น "ผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด")

โดดเด่นเป็นพิเศษนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20

• ชาร์ลส อีฟส์ (1874–1954) สหรัฐอเมริกา
• อัลบาน เบิร์ก (1885–1935) ออสเตรีย
• แอนทอน เวเบิร์น (1883–1945) ออสเตรีย
• พอล ฮินเดมิธ (1895–1963) เยอรมนี

(ที่นี่ฉันตัดสินใจที่จะไม่ขยายรายการ แม้ว่าฉันต้องการเพิ่มชื่อของ Hans Pfitzner เข้าไปก็ตาม)

นักแต่งเพลงเหล่านี้ที่ฉันตั้งชื่อ โดดเด่นเป็นพิเศษในความคิดของฉันไม่สามารถเรียกได้ ยอดเยี่ยมเท่านั้น เนื่องจากขาดความนิยม เป็นไปได้ไหมที่จะพิจารณาและเรียกผู้แต่งเพลงที่ยอดเยี่ยมเมื่อผู้รักดนตรีคลาสสิกจำนวนมากไม่รู้จักชื่อหรือผลงานของพวกเขา?

โดดเด่นนักประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20

• วิโทลด์ ลูโตสลอว์สกี้ (1913–1994) โปแลนด์
• โอลิวิเยร์ เมสเซียน (1908–1992) ฝรั่งเศส
• เซอร์เกย์ โปรโคฟิเยฟ (1891–1953) รัสเซีย

(ที่นี่ฉันตัดสินใจ จำกัด ตัวเองไว้ที่ชื่อจากรายการของ D. Gorbatov แม้ว่าจะค่อนข้างเป็นไปได้ที่จะเพิ่มชื่ออีก 2-3 ชื่อขึ้นไปก็ตาม)

ดนตรีของ Witold Lutoslawski นั้นดีแม้ว่าจะไม่ได้เปล่งประกายด้วยความคิดริเริ่มใด ๆ ก็ตาม (อิทธิพลของ Debussy บางครั้งก็รู้สึกถึง Bartok หรือ Stravinsky)

เขาเขียนคอนแชร์โตสำหรับบาริโทนและวงออเคสตราโดยเฉพาะสำหรับ Fischer-Dieskau

Olivier Messiaen ครูของ "ผู้สร้าง" ของการต่อต้านดนตรี (Xenakis, Stockhausen, Boulez) เป็นนักดนตรีที่มีพรสวรรค์สูงและเป็นผู้ประดิษฐ์ระบบเทคโนโลยีใหม่ของเรื่องเสียง ผลงานดนตรีของเขาซึ่งมีลักษณะทางศาสนาเป็นหลัก มีความเฉพาะเจาะจงและได้รับความนิยมอย่างมากในฝรั่งเศส สำหรับผู้ชื่นชอบดนตรีคลาสสิกที่ไม่มีประสบการณ์ การฟังเพลงของ Messiaen ถือเป็นงานที่ยาก ในโอเปร่าโอราทอริโอของเขา "St. ฟรานซิสแห่งอาซิส” บันทึกโดย Fischer-Dieskau

นักแต่งเพลงชาวรัสเซีย - โซเวียต Sergei Prokofiev พร้อมด้วยซิมโฟนีของมนุษย์เปียโนคอนแชร์โตและบทละครในความคิดของฉันได้แต่งเพลงที่ไม่มีสีน่ารำคาญและต่อต้านเสียงร้องมากมายในความคิดของฉัน (โอเปร่า "The Fiery Angel", "Semyon Kotko", " The Gambler” และ Classical Symphony) รวมถึงขยะทางดนตรีทางการเมืองของโซเวียตที่ไม่จำเป็นในขณะนี้

ตอนนี้เกี่ยวกับนักแต่งเพลงแนวหน้าที่เหลืออยู่ในรายชื่อของ Gorbatov:

เอ็ดการ์ วาเรซี ผู้ซึ่ง "อัปเดต" ภาษาดนตรีด้วยความช่วยเหลือของเทคนิคการผลิตสมัยใหม่และเสียงดนตรี

จอห์น เคจ ผู้สร้างอนาธิปไตยเกี่ยวกับเสียง

เอียนนิส เซนาคิส ที่เคยใช้ เทคนิคของ aleatorics ลักษณะนามธรรมของการผสมผสานเสียง (เพลงของเขามีไว้สำหรับการแต่งเพลงและเครื่องบันทึกเทปที่ไม่ธรรมดา)

Györde Ligeti ผู้ทดลองในสาขาดนตรีและเครื่องดนตรี "โรงละครแห่งความไร้สาระ";

Luigi Nono ผู้ใช้เทคนิคอนุกรมและ aleatorics;

Steve Reich นักแต่งเพลงแนวมินิมอลที่ ^สร้าง^ เพลงโดยใช้เครื่องบันทึกเทปสองตัวที่เปิดเครื่องในเวลาต่างกัน - ควรจำแนกออกเป็นกลุ่มใดกลุ่มหนึ่งเลยหรือไม่ จริงนักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ยี่สิบ? (การเล่นลมเป็นหลักการของโอกาสในกระบวนการ ^ความคิดสร้างสรรค์^ และการแสดง)

ในปีพ.ศ. 2494 เคจได้จัดคอนเสิร์ตในนิวยอร์กโดยใช้วิทยุ 12 เครื่องที่ปรับไปยังสถานีวิทยุ 12 แห่ง

Stravinsky เรียกนักประพันธ์เพลงว่า "ศัตรูที่เดินได้ของศิลปะ"

นี่เป็นคำพูดที่ถูกต้องมาก ซึ่งสันนิษฐานว่าพวกเขาไม่ควรได้รับการพิจารณาหรือมีคุณสมบัติในฐานะผู้ประพันธ์เพลงแห่งศตวรรษที่ 20

ในการสรุปบทความฉันต้องการดึงความสนใจของผู้อ่านไปยังเหตุการณ์สำคัญอย่างหนึ่ง: เมื่อรวบรวมรายชื่อนักประพันธ์เพลงที่ "ยิ่งใหญ่ที่สุด" ของศตวรรษที่ 20 D. Gorbatov ด้วยเหตุผลบางอย่างที่พลาดชื่อของจริงเพียงคนเดียว ที่ยิ่งใหญ่ที่สุดนักแต่งเพลงแห่งศตวรรษนี้: Giacomo Puccini (1858-1924)

แน่นอนว่า จาโคโม ปุชชินีคือนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20

ปุชชินีเป็นผู้ริเริ่ม หลักการทางศิลปะขั้นสูงของเขาในการผสมผสานเสียงของวงออเคสตราและเสียงร้องแบบออร์แกนิกไม่เคยประสบความสำเร็จโดยนักแต่งเพลงคนใดก่อนหน้าเขา

ปุชชินีเป็นนักดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 เขาเป็นนักแต่งเพลงที่ไพเราะที่สุดแห่งศตวรรษ

ปุชชินีเป็นผู้สร้างโอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 และโอเปร่าของเขาจะนำความสุขมาสู่ผู้คนเสมอ “ทอสก้า” ของเขาเป็นโอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในบรรดาโอเปร่าทั้งหมดที่จัดแสดงโดยโรงโอเปร่าที่ใหญ่ที่สุดในโลก

Puccini เป็นนักแต่งเพลงที่แท้จริงของศตวรรษที่ 20 และวงสี่คนจาก Bohème และ terzets จาก Turandot ล้วนเป็นผลงานชิ้นเอกที่ประสานกันของดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20

ปุชชินีเป็นผู้แต่งวงดนตรีที่สวยที่สุดในโอเปร่าของเขา

ปุชชินีซึ่งดีกว่านักแต่งเพลงชาวต่างชาติคนใดสามารถจับรสชาติของชาติและสร้างดนตรีที่สดใสในโอเปร่า "มาดามบัตเตอร์ฟลาย" (เพื่อเป็นการขอบคุณสำหรับการสร้างสรรค์อนุสาวรีย์ที่ถูกสร้างขึ้นในญี่ปุ่นเพื่อเป็นเกียรติแก่นักแต่งเพลง) และของเขาเอง โดยทั่วไปแล้วเป็นปุชชินี แต่เป็นเพลงคันทรี่ของอเมริกันในโอเปร่าเรื่อง "The Girl" จากตะวันตก"

ศิลปินแห่งชาติสหภาพโซเวียต
ผู้ได้รับรางวัลเลนิน
และรางวัลระดับรัฐ

เมื่อถูกถามว่าเขาฝันถึงอะไร Rodion Konstantinovich ตอบว่า: "เพื่อว่าพระเจ้าจะประทานชีวิตใหม่ให้ฉัน - สิ่งที่น่าสนใจและมหัศจรรย์มากมายในโลกนี้"

เกิดเมื่อวันที่ 16 ธันวาคม พ.ศ. 2475 ที่กรุงมอสโก พ่อ - Konstantin Mikhailovich Shchedrin นักดนตรี - นักทฤษฎี, อาจารย์, บุคคลสำคัญทางดนตรี แม่ - Shchedrina Concordia Ivanovna (nee Ivanova) ภรรยา: Maya Mikhailovna Plisetskaya นักบัลเล่ต์คนแรกของโรงละครบอลชอยแห่งรัสเซีย ศิลปินประชาชนแห่งสหภาพโซเวียต ผู้ได้รับรางวัลเลนิน

Shchedrin เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดและโด่งดังที่สุดในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 ด้วยภาษาดนตรีสมัยใหม่ที่เฉียบคม เขาสามารถสร้างผลงานที่เข้าถึงได้สำหรับผู้ฟังในวงกว้าง ทัศนคติต่อต้านเปรี้ยวจี๊ดโดยเจตนาที่มีต่อผู้ฟังแทรกซึมอยู่ในงานของ Shchedrin ตลอดชีวิตของเขา: "ดนตรีที่ยอดเยี่ยมต้องมีผู้ชมจำนวนมาก" ในเวลาเดียวกันเขาได้พัฒนาธีมรัสเซียในงานของเขาอย่างกว้างขวางมากกว่านักแต่งเพลงคนใดในรุ่นของเขา: โอเปร่าและบัลเล่ต์ของเขาเขียนขึ้นโดยอิงจากโครงเรื่องของนักเขียนชาวรัสเซียรายใหญ่เกือบทั้งหมด - N. Gogol, A. Chekhov, L. Tolstoy, V. Nabokov, N. Leskova เขาเป็นผู้แต่งบทเพลงสวดรัสเซีย "The Sealed Angel" คอนเสิร์ตสำหรับวงออเคสตรา "Mischievous Ditties", "Rings", "Round Dances", "Four Russian Songs" ฯลฯ

Rodion Shchedrin ในฐานะนักดนตรีและนักแต่งเพลงชาวรัสเซียในอนาคตได้รับอิทธิพลอย่างเด็ดขาดจากครอบครัวของเขา ปู่ของเขาเป็น นักบวชออร์โธดอกซ์ในเมืองอเล็กซิน จังหวัดตูลา และเส้นทางไปยังโบสถ์ที่เขาประกอบพิธีต่างๆ ได้รับการขนานนามจากนักบวชว่า "ชเชดรินกา" K. M. Shchedrin พ่อของนักแต่งเพลงเกิดในหมู่บ้าน Vorotsy จังหวัด Tula และใช้ชีวิตวัยเด็กใน Aleksin เขาได้รับพรสวรรค์ทางดนตรีที่หายาก - หน่วยความจำ "เครื่องบันทึกเทป" (จดจำเพลงได้ในคราวเดียว) ระดับสัมบูรณ์ ความสามารถของเขาถูกสังเกตเห็นโดยนักแสดงหญิง V. N. Pashennaya ซึ่งมาที่เมืองและด้วยค่าใช้จ่ายของเธอเองจึงส่งเด็กชายไปมอสโคว์ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory

R. Shchedrin ถูกรายล้อมไปด้วยดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก เขาได้ยินพ่อของเขาเล่นไวโอลิน ซึ่งเป็นเครื่องดนตรีสามชิ้นที่ประกอบด้วยพ่อและน้องชายของเขา ในปีพ.ศ. 2484 เขาถูกส่งไปยังโรงเรียนดนตรีสิบปีกลางที่ Moscow Conservatory เขาเริ่มเรียนเปียโนเป็นการส่วนตัวกับ M. L. Gehtman แต่มหาสงครามแห่งความรักชาติได้เริ่มต้นขึ้น และโรงเรียนหลายแห่งในมอสโกก็ปิดตัวลง ในเดือนตุลาคม พ.ศ. 2484 ครอบครัว Shchedrin ถูกอพยพไปยัง Kuibyshev ซึ่งเป็นเมืองที่จำแนกความสำคัญทางการบริหารอย่างเคร่งครัด D. Shostakovich ก็อยู่ที่นั่นด้วยเพื่อจบการแสดงซิมโฟนี Seventh Symphony อันโด่งดังของเขา Rodion รุ่นเยาว์มีโอกาสได้ยินมันในการซ้อมใหญ่ภายใต้การดูแลของ S. Samosud โรงละครบอลชอยก็ถูกอพยพที่นั่นเช่นกัน D. Shostakovich และ K. Shchedrin ทำงานใน Union of Composers คนแรกในฐานะประธานคนที่สองในตำแหน่งเลขาธิการบริหาร โชสตาโควิชช่วยเหลือครอบครัวชเชดรินอย่างระมัดระวังในสถานการณ์ในบ้านและสถานการณ์อื่น ๆ ที่ยากลำบาก

เมื่อมีโอกาสกลับมามอสโคว์ Rodion ก็ถูกส่งไปที่ Central Music School อีกครั้ง (พ.ศ. 2486) แต่เด็กชายได้สร้างแนวคิดเกี่ยวกับชีวิตของตัวเองขึ้นมาแล้ว: เขาไม่สนใจเรื่องสเกลในโรงเรียนดนตรี แต่เป็นเรื่องจริงและจริงจัง เขาวิ่งหนีไปด้านหน้าสองครั้งและครั้งที่สองที่เขาเดินทางจากมอสโกไปยังครอนสตัดท์ หลังจากนี้พ่อแม่ไม่พบอะไรที่ดีไปกว่าการลงทะเบียนลูกชายในโรงเรียนทหารเรือ Nakhimov ในเลนินกราด - และส่งเอกสารของเขาไปที่นั่น

ในขณะเดียวกันก็มีเหตุการณ์หนึ่งเกิดขึ้นซึ่งท้ายที่สุดก็นำไปสู่การปรากฏตัวของนักแต่งเพลง Rodion Shchedrin ในตอนท้ายของปี 1944 - ต้นปี 1945 สถาบันการศึกษาแห่งใหม่เปิดในสหภาพโซเวียต - โรงเรียนประสานเสียงมอสโก (เด็กชาย) ผู้สร้างและผู้อำนวยการคนแรกคือนักร้องประสานเสียงชื่อดัง A. Sveshnikov เชิญคุณพ่ออาร์. ชเชดรินมาสอนประวัติศาสตร์ดนตรีและวิชาทฤษฎีดนตรีที่นั่นและในทางกลับกันเขาก็ขอให้รับลูกชายมาเรียน Rodion มีระดับเสียงที่สมบูรณ์แบบ มีน้ำเสียงที่เป็นที่ยอมรับ และในที่สุดเขาก็ได้รับมอบหมายให้เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านดนตรี (ธันวาคม พ.ศ. 2487)

ที่โรงเรียนนักร้องประสานเสียง สำหรับเด็กชายที่ได้เห็นอะไรบางอย่างแล้ว มีทรงกลมเปิดขึ้นโดยที่เขาไม่คาดคิด ต่อมา R. Shchedrin เล่าว่า: “การร้องเพลงในคณะนักร้องประสานเสียงทำให้ฉันประทับใจ สัมผัสได้ถึงสายใยลึกๆ ภายใน... และประสบการณ์ครั้งแรกของฉันในฐานะนักแต่งเพลง (เช่นเดียวกับประสบการณ์ของสหายของฉัน) ก็เชื่อมโยงกับคณะนักร้องประสานเสียง” (Rodion Shchedrin บทสนทนากับ L. Grigoriev และ J. Platek // ชีวิตดนตรี, 1975, ฉบับที่ 2, หน้า. 6). ในชั้นเรียนนักร้องประสานเสียงมีการร้องประวัติศาสตร์ทั้งหมดของศิลปะนี้: จากปรมาจารย์ " สไตล์ที่เข้มงวด"ศตวรรษที่ 16 Josquin des Pres, Palestrina, Orlando Lasso กับดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของรัสเซีย - Chesnokov, Grechaninov, Kastalsky, Rachmaninov

การแต่งเพลงไม่ได้สอนเฉพาะที่โรงเรียน แต่มียอดรวมสูง การฝึกดนตรีให้นักศึกษาได้ทดลองแต่งเพลง เพื่อส่งเสริมความคิดสร้างสรรค์ Sveshnikov เปิดโอกาสให้พวกเขาแสดงผลงานได้ทันที ในปีพ.ศ. 2490 มีการจัดการแข่งขันแต่งเพลงที่โรงเรียนนักร้องประสานเสียง คณะลูกขุนนำโดย A. Khachaturyan มอบรางวัลที่หนึ่งให้กับ R. Shchedrin และนี่กลายเป็นความสำเร็จที่โดดเด่นครั้งแรกของเขาในสาขานี้

ที่โรงเรียนนักร้องประสานเสียง นั่ง (จากขวาไปซ้าย): I. Kozlovsky ผู้อำนวยการโรงเรียน, A. V. Sveshnikov กับอาจารย์ของโรงเรียน ขวาสุด (ยืน) คือพ่อของนักแต่งเพลง K. M. Shchedrin ที่เปียโน - นักแต่งเพลงในอนาคต- 2490

นักเรียนของโรงเรียนนักร้องประสานเสียงได้รับโอกาสพบปะกับนักดนตรีหลัก: D. Shostakovich, A. Khachaturian, I. Kozlovsky, G. Ginzburg, S. Richter, E. Gilels, J. Flier “ในโรงเรียนของเรา มีความหลงใหลในดนตรีอย่างหลงใหล รวมถึงดนตรีเปียโนด้วย” Shchedrin เล่า ครูสอนเปียโนของเขาคือครูชื่อดัง G. Dinor ซึ่งมอบหมายให้นักเรียนของเขามีความซับซ้อนสูงโดยจงใจ เป็นผลให้เมื่อสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัย Rodion ก็มีโปรแกรมที่คู่ควรกับนักเปียโนในคอนเสิร์ต (Bach fugues, ผลงานอัจฉริยะของ Chopin และ Liszt, "Rhapsody on a Theme of Paganini" ของ Rachmaninov) แต่ทำไม่ถูกต้อง ครูเมื่อนึกถึงการเข้าศึกษาที่ Moscow Conservatory ของนักเรียนจึงตัดสินใจพาเขาไปพบศาสตราจารย์ J. Flier เขาไม่พอใจกับการแสดงของรายการ แต่อนุมัติการเรียบเรียงของ Shchedrin และตกลงที่จะรับเขาเป็นนักเรียนของเขา

ในปี 1950 Shchedrin เข้าเรียนที่ Moscow Conservatory พร้อมกันในสองคณะ - เปียโนในชั้นเรียนของ Y. Flier และการประพันธ์เชิงทฤษฎีในชั้นเรียนของศาสตราจารย์ Yu.

ชั้นเรียนกับ Yakov Vladimirovich Flier ซึ่ง "งานฉลองดนตรี" ครองราชย์ทำให้ Shchedrin หลงใหลมากจนเขาคิดที่จะแยกทางกับความสามารถพิเศษของเขาในฐานะนักแต่งเพลง แต่ครูนักเปียโนไม่ได้แนะนำสิ่งนี้ ในชั้นเรียนเปียโน นักดนตรีที่กำลังเติบโตไม่เพียงแต่ได้รับทักษะชั้นหนึ่งในฐานะนักเปียโนเท่านั้น แต่ยังก้าวหน้าอย่างมากในด้านรสนิยมและความรู้ทางดนตรีโดยทั่วไปของเขาอีกด้วย Shchedrin ไว้วางใจครูของเขามากจนเขาเป็นคนแรกที่แสดงให้เขาเห็นผลงานใหม่ของเขาทั้งในช่วงปีนักศึกษาและวิทยาลัย ปีต่อมา- ตามที่ผู้แต่งกล่าวไว้ เปียโนของ Flier สามารถทนต่อ "แรงกระแทก" ของผลงานหลักทั้งหมดของเขาได้ นักเปียโนมืออาชีพ Shchedrin ยังคงอยู่ตลอดชีวิตโดยประสบความสำเร็จในการแสดงบนเวทีคอนเสิร์ตโดยแสดงผลงานที่ยากทางเทคนิคของเขา

ในชั้นเรียนการแต่งเพลงของ Yuri Aleksandrovich Shaporin สิ่งที่น่าสนใจอันดับแรกคือของเขา บุคลิกภาพของมนุษย์- ผู้รอบรู้ในวรรณคดีและกวีนิพนธ์รัสเซียนักเล่าเรื่องและมีไหวพริบบุคคลที่สื่อสารกับ A. Blok, A. N. Tolstoy, M. Gorky, K. Fedin, A. Benois, K. Petrov-Vodkin เขาไม่ได้กำหนดเส้นทางเดียวให้กับนักเรียนของเขาโดยเชื่อว่าในดนตรีอาจมีสิ่งที่ตรงกันข้ามและควรมี

พื้นที่พื้นฐานที่เป็นผลประโยชน์ของ Shchedrin ในฐานะคติชนชาวรัสเซียก็ได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นที่ Moscow Conservatory โดยพื้นฐานแล้วมันต่างจากแนวทางชาติพันธุ์วิทยา Shchedrin จัดการมาตลอด เส้นทางที่สร้างสรรค์การใช้งานดั้งเดิมอย่างมาก องค์ประกอบคติชนโดยผสมผสานพวกเขาเข้ากับนักแต่งเพลงคนล่าสุดที่พบ โลกดนตรี- และในการสังเคราะห์เช่นนี้เขาไม่มีความเท่าเทียมกันในรุ่นของเขา วิชาบังคับสำหรับนักศึกษานักแต่งเพลง" ศิลปท้องถิ่น"จำเป็นต้องมีส่วนร่วมในการสำรวจคติชนวิทยาโดยมีการบันทึกเพลงพื้นบ้านอย่างอิสระในเครื่องบันทึกเทป R. Shchedrin เดินทางไปยังภูมิภาคของภูมิภาค Vologda ซึ่งกลายเป็นคนร่ำรวยมาก (ผู้นำคณะสำรวจบันทึกไว้ในช่วง หลายพันคน) ท้ายที่สุดแล้ว ไม่เพียงแต่สร้างความขบขันและพัฒนาความสามารถในการด้นสดทันที แต่ยังเป็นหนังสือพิมพ์ของประชาชนที่น่ากัด - ทุกสิ่งที่อาศัยอยู่ท่ามกลางผู้คนไม่สอดคล้องกับวิธีการแสดงความคิดเห็นอย่างเป็นทางการ รัก ditties ตลอดชีวิต: เขาเรียกคอนเสิร์ตออเคสตราครั้งแรกในปี 1963 ว่า "Naughty ditties" และในปี 1999 เขาได้นำเสนอเวอร์ชันของเขา - "Ditties" ซึ่งเป็นคอนเสิร์ตสำหรับเปียโนเดี่ยว

สภาพแวดล้อมทางเสียงทั้งหมดของนิทานพื้นบ้านกลายเป็นเรื่องใกล้ชิดกับ Shchedrin ซึ่งเขารับรู้ผ่านการเดินทางไป Aleksin เมืองที่อยู่เหนือแม่น้ำ Oka และจากการเดินทางหลายครั้ง "สู่ชนบทห่างไกล" โดยได้ยินเสียงชาวนาร้องเพลงและเล่นไปป์ “ สำหรับฉันศิลปะพื้นบ้านเป็นเสียงร้องของคนเลี้ยงแกะการตีคอร์ดแบบโมโนโฟนิกของผู้เล่นหีบเพลงแรงบันดาลใจในการแสดงดนตรีสดของผู้ไว้ทุกข์ในหมู่บ้านเพลงทาร์ตของผู้ชาย ... ” (Rodion Shchedrin การสนทนากับ L. Grigoriev และ J. Platek // Musical Life, พ.ศ. 2518 ฉบับที่ 2 หน้า 54)

เปียโนคอนแชร์โตชุดแรกที่สร้างขึ้นโดย Shchedrin ในช่วงที่เขายังเป็นนักเรียน (พ.ศ. 2497) ก็เป็นผลงานที่สร้าง Shchedrin เช่นกัน มันเน้นย้ำทุกสิ่งทุกอย่างที่เป็นบุคลิกของผู้เขียนในวัยเยาว์ และต่อมาก็งอกขึ้นมาในงานต่อไปของเขา รวมถึงทักษะด้านการเคลื่อนไหวและชี้ไปที่ "ลัทธิรัสเซีย" อย่างฉุนเฉียว ที่เรือนกระจกเขาดู "เป็นทางการ" เกินไป แต่อาจารย์คนหนึ่งแนะนำให้สหภาพนักแต่งเพลงรวมคอนเสิร์ตไว้ในโปรแกรมการประชุมครั้งต่อไปด้วย ผู้เขียนแสดงได้อย่างยอดเยี่ยม และในไม่ช้าก็ได้รับจดหมายแจ้งว่าเขาซึ่งเป็นนักศึกษาชั้นปีที่ 4 ได้รับการตอบรับเข้าสู่ Union of Composers (แม้จะไม่มีใบสมัครก็ตาม)

Shchedrin สำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory ในปี 1955 ด้วยเกียรตินิยมในสองสาขาพิเศษ - การแต่งเพลงและเปียโน จากนั้นจนถึงปีพ. ศ. 2502 เขาสำเร็จการศึกษาระดับสูงกว่าปริญญาตรีร่วมกับยูชาโปริน

ปี 1958 ในชีวิตของ Shchedrin ได้รับการอธิบายว่าโรแมนติกที่สุดและเป็นเวรเป็นกรรมอย่างแท้จริง: เขาแต่งงานกับนักบัลเล่ต์ Maya Mikhailovna Plisetskaya ซึ่งได้รับชื่อเสียงไปแล้ว เรื่องราวของคนรู้จักมีดังนี้ นักแต่งเพลงไปเยี่ยมบ้านของ Lily Brik อดีตรำพึงของ Mayakovsky และสามีนักเขียนและนักวิจารณ์วรรณกรรมของเธอ V. Katanyan ซึ่งเขาเขียนบทเพลง "They Knew Mayakovsky" วันหนึ่ง ด้วยความอยากรู้อยากเห็น เจ้าของบ้านจึงเปิดโอกาสให้เขาฟังเทปบันทึกเพลง Plisetskaya ร้องเพลง (!) เพลงบัลเล่ต์ซินเดอเรลล่าของ Prokofiev ผู้แต่งประหลาดใจ: ท่วงทำนองที่ยากที่สุดได้รับการทำซ้ำอย่างแม่นยำและในคีย์ที่เหมาะสม

Rodion และ Maya พบกันครั้งแรกเมื่อ J. Philip ได้รับในบ้านเดียวกัน Shchedrin เล่นดนตรีของเขามากมายซึ่งทำให้ผู้ชมหลงใหล เขาซึ่งเป็นเจ้าของรถที่หายากในเวลานั้น (ซื้อโดยเสียค่าธรรมเนียมสำหรับภาพยนตร์เรื่อง "ความสูง") มีหน้าที่อย่างกล้าหาญในการพาแขกผู้มีเกียรติกลับบ้าน Plisetskaya กล่าวคำอำลาขอให้เขาเขียนธีมจากภาพยนตร์เรื่อง "Lights of Footlights" พร้อมบันทึกจากบันทึกสำหรับหมายเลขบัลเล่ต์ (ตัวเลขในภายหลังใช้ไม่ได้) ในที่สุดพวกเขาก็ถูกนำมารวมกันโดยบัลเล่ต์ "The Little Humpbacked Horse" ซึ่งโรงละครบอลชอยตัดสินใจแสดงในปี 2501 ที่นี่ Shchedrin วัย 25 ปีเห็น Plisetskaya เป็นครั้งแรกในการซ้อมซึ่งในส่วนของเธอได้ปล่อย "พายุเฮอริเคนแห่งแรงจูงใจของฟรอยด์" มาที่เขา แม้ว่า Plisetskaya จะได้รับชื่อเสียงทางศิลปะที่สำคัญแล้ว แต่เธอก็ตกอยู่ภายใต้ความสงสัยอย่างมากใน KGB และยานพาหนะเฝ้าระวังก็ติดตามคนรู้จักใหม่ของ Shchedrin อย่างต่อเนื่อง แต่ไม่มีอำนาจใดที่จะแยกพวกเขาออกจากกันได้ หลังจากฤดูร้อนอันแสนสุขใน Sortavala (House of Composers' Creativity) บนทะเลสาบ Ladoga ฮันนีมูนของพวกเขาคือการเดินทางโดยรถยนต์ของ Rodion จากมอสโกไปยังโซชีผ่าน Tula, Kharkov, Rostov-on-Don และเมืองอื่นๆ เนื่องจากไม่ได้จดทะเบียนสมรส พวกเขาจึงถูกปฏิเสธไม่ให้เข้าโรงแรมทุกแห่ง และมีเพียงรถยนต์คันเดียวเท่านั้นที่ใช้เป็นที่พักอาศัย การแต่งงานของ Plisetskaya และ Shchedrin จดทะเบียนในมอสโกเมื่อวันที่ 2 ตุลาคม 2501 การแต่งงานครั้งนี้ไม่มีลูก - นั่นคือการเสียสละอันยิ่งใหญ่ นักบัลเล่ต์ผู้ยิ่งใหญ่- แต่ "การแต่งงานของศิลปะ" อันเป็นเอกลักษณ์ยังคงอยู่ไปตลอดชีวิต บัลเล่ต์ของ Shchedrin ทั้งหมดเชื่อมโยงกับการเต้นรำของ Plisetskaya และนี่คือวัฒนธรรมบัลเล่ต์ทั้งหมด

เมื่อสำเร็จการศึกษาในปี พ.ศ. 2502 ชเชดรินมีผลงานสร้างสรรค์ในด้านบัลเล่ต์ “The Little Humpbacked Horse” (พ.ศ. 2498) ผลงานเปียโน คณะนักร้องประสานเสียง และ First Symphony (พ.ศ. 2501) และนี่ไม่ใช่แค่เหตุการณ์สำคัญในชีวประวัติของเขาเท่านั้น “ The Little Humpbacked Horse” ซึ่ง Plisetskaya เต้นรำกับ Tsar Maiden ได้กลายเป็นการแสดงสำหรับเด็กเป็นประจำและยังคงแสดงที่ Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko Musical Theatre ในปี 1999 ผู้เขียนได้ทำการผลิตที่โรงละครบอลชอย เวอร์ชันใหม่บัลเล่ต์ซึ่งเปลี่ยนให้กลายเป็นงานมหกรรมรัสเซียอันตระการตา (ศิลปิน - B. Messerer) "Humoresque" ซึ่งติดเชื้อด้วย "ไหวพริบ" อันชาญฉลาดของ Shchedrin เกือบครึ่งศตวรรษต่อมาก็กลายเป็นคอนเสิร์ตอังกอร์ยอดนิยม (รวมถึงการจัดเตรียมเครื่องดนตรีต่างๆ) ต้องขอบคุณบทละครดังกล่าวที่ครั้งหนึ่งภาพลักษณ์ของ Shchedrin ก็เริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นมาในฐานะศูนย์รวมของพลังงานที่สำคัญอารมณ์ขันและเรื่องตลกในดนตรี เพลงของ Shchedrin จากเพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "Height" (1957) - "The Cheerful March of High-Rise Installers" - ฟังด้วยน้ำเสียงนี้และกลายเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวางและยึดมั่นในการได้ยินของมวลชน ความคิดเหล่านี้เกี่ยวกับผู้แต่งถูกทำลายโดย First Symphony โดยไม่คาดคิดพร้อมกับการพัฒนาไปสู่โศกนาฏกรรมสงครามที่รุนแรงซึ่งทำให้นักวิจารณ์ไม่พอใจอย่างมาก (“ เรามีโชสตาโกวิชคนเดียวเพียงพอแล้ว”)

ยุค 60 ที่วุ่นวายของ "อายุหกสิบเศษ" ในประเทศได้มาถึงแล้ว ในช่วงทศวรรษนี้ Shchedrin สร้างสรรค์ผลงานที่มีผลงานมากที่สุดของเขา - บัลเล่ต์ "Carmen Suite" หันมาแสดงโอเปร่าเป็นครั้งแรก ("Not Only Love") และเริ่มผลงานชุดในประเภทที่เขามอบให้ ความหมายใหม่, - คอนเสิร์ตสำหรับวงออเคสตรา ("Mischievous ditties" และ "Rings") ประกอบไปด้วย oratorios ขนาดใหญ่สองตัว ("บทกวี" และ "เลนินในหัวใจของประชาชน") และผลงานเปียโนเดี่ยวที่ทะเยอทะยานที่สุดของเขา - 24 โหมโรงและความทรงจำดำเนินการ การสังเคราะห์โวหารที่โดดเด่นใน Second Piano Concerto ในเวลาเดียวกัน เขาทำงานอย่างระมัดระวังเป็นพิเศษในเรื่องพหูพจน์ เทคนิคซีรีส์ และการผสมผสานธีมดนตรีหลายเรื่อง ในเวลาเดียวกัน เขาแสดงเป็นนักเปียโนและสอนที่ Moscow Conservatory

โอเปร่าเรื่อง Not Only Love (1961, 2nd ed. - 1971) เขียนขึ้นจากเรื่องราวของ S. Antonov โดยมีการรวมข้อความสำคัญไว้ในบทเพลง อุทิศให้กับ M. Plisetskaya “ฉันกำลังเขียน Eugene Onegin ของฟาร์มส่วนรวม” ผู้เขียนกล่าวและเปรียบเทียบ ตัวละครหลักแม้กระทั่งกับคาร์เมน ในการกำหนดโรงละครโอเปร่าสำหรับโรงละครบอลชอย เขาพยายามที่จะย้ายออกจากการแสดงพิเศษที่ยิ่งใหญ่ด้วยป้ายที่ได้รับการยอมรับบนเวทีนี้ไปสู่ห้องทรงกลมพร้อมประสบการณ์ของคนธรรมดาสามัญ แต่ถึงแม้ว่าการแสดงรอบปฐมทัศน์จะได้รับการออกแบบโดยศิลปิน A. Tyshler และดำเนินการโดย E. Svetlanov แต่ก็ยังไม่สามารถเปลี่ยนประเพณีของโรงละครได้ อย่างไรก็ตามการผลิตแบบซิงโครนัสของ "Not Only Love" เกิดขึ้นใน Perm และ Novosibirsk ความเพียงพอของแนวคิดและการนำโอเปร่าเรื่องแรกของ Shchedrin ไปใช้นั้นประสบความสำเร็จในภายหลังมาก - ในห้องสตูดิโอและการใช้งานของนักเรียน เหตุการณ์สำคัญที่สำคัญคือการปรากฏตัวบนเวทีละครแห่งใหม่ - Moscow Chamber Musical Theatre กำกับโดย B. Pokrovsky เป็นการแสดงครั้งแรกของโรงละครแห่งนี้ (1972)

ในงานของ Shchedrin อารมณ์ขันและการเสียดสีที่สดใสซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของเขาเริ่มต้นขึ้น: ในปี 1963 "Mischievous Ditties" (คอนเสิร์ตครั้งแรกสำหรับวงออเคสตรา) และ "Bureaucratiada" (Resort Cantata) ที่กล่าวมาข้างต้นมาจากปากกาของเขา ใน “Mischievous Ditties” ผู้เขียนใช้วิธีการไพเราะเพื่อสร้างสไตล์อันไพเราะของเพลงทางเลือกของผู้เข้าร่วมใหม่โดยมีฉากหลังเป็นการเล่นออร์แกนอย่างต่อเนื่อง และนี่คือรูปแบบดนตรีใหม่ที่มีการผสมผสานที่ซับซ้อนไม่ใช่สองหรือสามธีม แต่ประมาณเจ็ดสิบ แม้ว่าจะไม่ถูกใจนักดนตรีออเคสตราเชิงวิชาการ แต่ "Ditties" ก็สร้างความยินดีอย่างยิ่งให้กับประชาชนทั่วไปโดยเฉพาะในบริเวณรอบนอก จาก นักดนตรีต่างชาติพวกเขาเล่นโดยวาทยกรและนักแต่งเพลงชาวอเมริกันแอล. เบิร์นสไตน์ บทเพลง "ระบบราชการ" ที่เขียนด้วยข้อความ "Memo to a Vacationer" เต็มไปด้วยไหวพริบอันสดใหม่ เป็นการเสียดสีบางสิ่งที่มากกว่าคำสั่งที่เข้มงวดในหอพัก ในขณะเดียวกันก็เป็นสารานุกรมเกี่ยวกับองค์ประกอบสมัยใหม่ - ดูดซับเทคนิคที่ยังใหม่มาจนถึงทุกวันนี้

ศูนย์ งานโพลีโฟนิคผู้แต่งกลายเป็นวงจรใหญ่สำหรับเปียโน - 24 โหมโรงและความทรงจำ (พ.ศ. 2506-64 - เล่มที่ 1, พ.ศ. 2507-70 - เล่มที่ 2) Shchedrin ซึมซับแนววิชาการล้วนๆ ซึ่งก่อตั้งขึ้นในสมัยของเขาโดย J. S. Bach และต่อโดย D. Shostakovich ด้วยความสามารถอันชาญฉลาดสมัยใหม่และเทคนิคการเขียนที่ซับซ้อน เขาเองก็กลายเป็นนักแสดงคนแรก

และเช่นเคยผู้แต่งได้ขีดเส้นอารมณ์ขันของเขาด้วย Second Symphony (1965) อันน่าเศร้าอย่างแท้จริงพร้อมกับเสียงสะท้อนของสงคราม (เสียงคำรามของเครื่องบินเสียงบดขยี้ของรางรถถังเสียงครวญครางของผู้บาดเจ็บ) พร้อมคำบรรยายจาก A. Tvardovsky “ ในวันที่สงครามสิ้นสุดลง” . ในเวลาเดียวกัน เขาได้นำเสนอรูปแบบซิมโฟนิกใหม่อีกครั้ง: 25 โหมโรง (คำบรรยายของผู้แต่ง)

ในปี 1966 Shchedrin ได้ทำการทดลองที่เหนือกว่าทุกสิ่งในดนตรีโซเวียตด้วยความกล้าหาญ หลังจากเชี่ยวชาญเทคนิคโดเดคาโฟนิกสมัยใหม่ เขาจึงตัดสินใจใน Second Piano Concerto (1966) ที่จะรวมเข้ากับไดเมทริกที่ตรงกันข้าม - ดนตรีแจ๊สด้นสด สหภาพนักแต่งเพลงไม่สนับสนุนฝ่ายใดฝ่ายหนึ่ง และการรวมทั้งสองเข้าด้วยกันทำให้เกิดความแตกต่างที่ชัดเจนจนแม้แต่เพื่อนร่วมงานฝ่ายซ้ายส่วนใหญ่ก็เริ่มโต้เถียงกันเกี่ยวกับเรื่องนี้ ชีวิตได้พิสูจน์สิทธิ์ของผู้เขียนแล้ว: Second Concerto ได้กลายเป็นคลาสสิกที่ได้รับการศึกษาในประวัติศาสตร์ดนตรี เทคนิคโพลีสไตลิส (และภาพต่อกัน) ที่ใช้ในนั้นกลายเป็นจิตวิญญาณแห่งยุคสมัยสำหรับนักเขียนในประเทศหลายคน Shchedrin ก็หันไปใช้มันในภายหลัง

ห้องโถงใหญ่ของเรือนกระจก รอบปฐมทัศน์ของคอนแชร์โต้ครั้งที่สองสำหรับเปียโนและวงออเคสตรา ศิลปินเดี่ยว - ผู้แต่ง 1966

ในปี 1964-69 Shchedrin สอนการแต่งเพลงที่ Moscow Conservatory ในบรรดานักเรียนของเขา ได้แก่ O. Galakhov (ในที่สุดเป็นประธานคณะกรรมการสอบสวนมอสโก), ​​B. Getselev และ G. Minchev ชาวบัลแกเรีย ครูรู้วิธี "วิเคราะห์" ผลงานของนักเรียนอย่างถูกต้อง และสอนวิธีสร้างละครโดยรวมอย่างเชี่ยวชาญ เหนือสิ่งอื่นใด เป็นที่น่าสังเกตว่าเขาถือว่าความเร็วขององค์ประกอบเป็นความสามารถที่สำคัญ Shchedrin หยุดทำงานที่เรือนกระจก โดยเกิดความขัดแย้งกับหัวหน้าพรรคในแผนกทฤษฎีและการเรียบเรียง

มายา พลิเซตสกายา - คาร์เมน สวีท (1978)

บัลเล่ต์ "Carmen Suite" (1967) ปรากฏภายนอกอันเป็นผลมาจากการช่วยเหลือฉุกเฉินของนักแต่งเพลงต่อภรรยาของเขาเมื่อเธอถูกไล่ออกด้วยความปรารถนาอันแรงกล้าที่จะรวบรวมภาพลักษณ์ของคาร์เมนไว้ในการออกแบบท่าเต้นของนักออกแบบท่าเต้นชาวคิวบา A. Alonso ใน 20 วัน Shchedrin ได้สร้างการถอดเสียงตัวเลขที่มีชื่อเสียงจากโอเปร่า "Carmen" ของ J. Bizet โดยใช้ไม่ใช่วงซิมโฟนีออร์เคสตรา แต่ใช้เครื่องสายและ 47 เครื่องเพอร์คัชชันเพื่อให้ได้สีสันของเสียงที่สดใหม่และทันสมัย Plisetskaya เต้นบัลเล่ต์ประมาณ 350 ครั้ง “Carmen Suite” ยังคงครองใจคนทั่วโลก ทั้งบนเวที คอนเสิร์ต หรือทางวิทยุเกือบทุกวัน

มิตรภาพอันยาวนานของ Shchedrin กับกวี A. Voznesensky ซึ่งเป็นไอดอลของเยาวชนโซเวียตในช่วงทศวรรษ 1960 และเครือญาติของโลกทัศน์ทางศิลปะของพวกเขานำไปสู่การปรากฏของ "กวีนิพนธ์" - คอนเสิร์ตสำหรับกวี คณะนักร้องประสานเสียงผสม และ วงซิมโฟนีออร์เคสตราในตำราของเขา (1968) กวีเองก็แสดงที่นี่ในฐานะผู้อ่าน บทกวีที่สร้างสรรค์และเรียบเรียงอย่างเข้มข้นของ Voznesensky (“ฉันคือ Goya ฉันคือความเศร้าโศก ฉันเป็นเสียง…”) ได้รับคำตอบจากวงออเคสตราและคณะนักร้องประสานเสียงที่ได้รับการตีความอย่างสร้างสรรค์ของ Shchedrin ซึ่งมีเทคนิคที่ใกล้เคียงกับการค้นพบของฝ่ายซ้ายมากที่สุดในโปแลนด์ แต่ Shchedrin เจาะลึกสไตล์และแนวคิดของงานด้วยตัวของเขาเอง เทคนิคทางดนตรีโดยเฉพาะอย่างยิ่งการแนะนำเสียงร้องพื้นบ้านโดยอิงจากนักร้องชื่อดัง L. Zykina การอภิปรายในสหราชอาณาจักรเผยให้เห็นความคิดเห็นที่ขัดแย้งกันมากที่สุดเกี่ยวกับงานนี้

เขาตกอยู่ในสถานการณ์ที่ยากลำบากและอย่างไร บุคคลสาธารณะ- ในปี 1968 เขา (เช่น K. Simonov และ A. Tvardovsky) ปฏิเสธที่จะลงนามในจดหมายเพื่อสนับสนุนการเข้ามาของกองทหารของประเทศในสนธิสัญญาวอร์ซอเข้าสู่เชโกสโลวะเกีย สถานีวิทยุ Voice of America เริ่มออกอากาศเกี่ยวกับเรื่องนี้เป็นประจำโดยตั้งชื่อตามชื่อของพวกเขา Shchedrin ถูกบังคับให้ประนีประนอม - ในรูปแบบของ oratorio "เลนินในหัวใจของประชาชน" (1969) เช่นเดียวกับที่ Shostakovich เขียน "เพลงแห่งป่า" ในสมัยของเขา แต่แตกต่างจากโชสตาโควิชตรงที่ชเชดรินไม่เคยเข้าร่วม CPSU เพื่อหลีกเลี่ยงน้ำเสียงผึ่งผาย Shchedrin ใช้ร้อยแก้วในชีวิตประจำวันใน oratorio ของเขา - เรื่องราวของนักแม่นปืนชาวลัตเวียคนงานในโรงงานและนอกจากนี้คำพูดของนักเล่าเรื่องสมัยใหม่ M. Kryukova และในภาษาดนตรีเขายังคง "กวีนิพนธ์" ต่อไป ออราทอริโอผู้มีความสามารถสำหรับวันครบรอบ 100 ปีของ V. I. เลนินยืดเยื้อมาก ตำแหน่งอย่างเป็นทางการนักเขียนที่ไม่ฝักใฝ่ฝ่ายใดสำหรับเธอและโอเปร่าเรื่อง Not Only Love เขาได้รับรางวัล USSR State Prize (1972) ในต่างประเทศ เธอประสบความสำเร็จอย่างมากในปารีส ลอนดอน เบอร์ลิน

งานของ Shchedrin ในช่วงทศวรรษ 1970 และ 1980 โดดเด่นด้วยความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะโดยธรรมชาติของเขาอย่างต่อเนื่อง แต่ไม่มีการเปลี่ยนโวหารที่เฉียบแหลมเหล่านั้น ขึ้นอยู่กับแฟชั่นที่เปลี่ยนแปลงซึ่งกลายเป็นนักแต่งเพลงจำนวนมากในตะวันตกและสหภาพโซเวียต (ก้าวกระโดดจากเปรี้ยวจี๊ดสู่ “ความเรียบง่ายแบบใหม่” และความพยายามในการสังเคราะห์ความสุดขั้ว) องค์ประกอบของความซับซ้อนแบบเปรี้ยวจี๊ดและความเรียบง่ายแบบพื้นบ้านมักอยู่ร่วมกันในดนตรีของเขา และเขาก็สังเคราะห์มันขึ้นมาอย่างต่อเนื่อง ย้อนกลับไปในยุค 60 เขาได้จัดทำวิทยานิพนธ์เกี่ยวกับเส้นทางของเขา: “ในงานศิลปะ คุณต้องไปตามทางของคุณเอง” ในแบบของฉันเอง- อาจสั้น ยาว กว้าง และแคบ แต่ต้องเป็นของตัวเอง" (Soviet Music, 1963, No. 6, p. 12) เพื่อให้สอดคล้องกับบุคลิกลักษณะของผู้แต่งเพลงของเขา Shchedrin จึงยืนหยัดอย่างมั่นคงตรงกลาง ดังที่มองไม่เห็นซึ่งลอยขึ้นมาเหนือกระแสน้ำที่ร้อนระอุของกระแสน้ำที่ตรงข้ามกัน

ในปี 1973 Shchedrin ได้รับเลือกให้ดำรงตำแหน่งผู้นำที่สำคัญ - ประธานสหภาพนักแต่งเพลงแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย ซึ่งเขาได้รับพรจาก D. Shostakovich ผู้ก่อตั้งและประธานคนแรก เขาทำงานในตำแหน่งนี้จนถึงปี 1990 โดยสมัครใจจากไปหลังจากนั้นเขาถูกทิ้งให้อยู่ในบทบาทของประธานกิตติมศักดิ์ของคณะกรรมการสืบสวนแห่งรัสเซีย ความจริงที่ว่าเป็นเวลาหลายปีที่นักประพันธ์เพลงแนวสร้างสรรค์ที่จริงจังยืนอยู่เป็นหัวหน้าขององค์กรนักแต่งเพลงชาวรัสเซียรายใหญ่มีบทบาทที่ก้าวหน้าอย่างมาก ความช่วยเหลือส่วนตัวของเขาแก่นักแต่งเพลง นักดนตรี และผู้ควบคุมวงก็ดีมากเช่นกัน “ Shchedrin เป็นหัวหน้าสหภาพนักแต่งเพลงแห่งรัสเซียมาเป็นเวลานานและมีเพียงไม่กี่คนที่รู้ว่าผู้ชายคนนี้ช่วยเด็กที่มีพรสวรรค์มากเพียงใดซึ่งถูกปฏิเสธถูกข่มเหงโดยเจ้าหน้าที่” Vladimir Spivakov กล่าวเกี่ยวกับเขา (Rodion Shchedrin ภาพเหมือนตนเอง หนังสือเล่มเล็ก เทศกาลดนตรีถึงวันเกิดปีที่ 70 ของนักแต่งเพลง ม., 2545).

ผู้แต่งเขียนผลงานวรรณกรรมหลายสิบเรื่องเผยให้เห็นถึงความรู้สึกของถ้อยคำที่แข็งแกร่ง เขาสร้างบทสำหรับผลงานละครเวทีของเขา: โอเปร่า "Dead Souls" (จากนั้นคือ "Lolita"), บัลเล่ต์ "The Seagull" (ร่วมกับ V. Leventhal), "The Lady with the Dog" ตีพิมพ์บทความมากมาย - เกี่ยวกับ J. Flier, Y. Shaporin, O. Messiaen, L. Bernstein, A. Sveshnikov, K. Eliasberg, A. Borodin, A. Webern, I. Stravinsky, คำนำของนวนิยายเรื่อง "Violist" ของ V. Orlov ดานิลอฟ" ".

ความร่วมมือของเขากับ M. Plisetskaya ยังคงดำเนินต่อไป: บัลเล่ต์ "Anna Karenina", "The Seagull" และ "The Lady with the Dog" อุทิศให้กับเธอ ใน "Anna Karenina" หลังจาก L. Tolstoy (1971) มีเพียงเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ เท่านั้นที่ได้รับการคัดเลือกและให้คำบรรยาย "Lyrical Scenes" เช่นเดียวกับ P. Tchaikovsky ในโอเปร่าของเขา "Eugene Onegin" ความคิดของไชคอฟสกียังสะท้อนให้เห็นในรูปแบบดนตรีของบัลเล่ต์ ไปจนถึงการปะติดปะต่อผลงานของเขา ซึ่งเขียนในเวลาเดียวกันกับที่ตอลสตอยกำลังเขียนนวนิยายเรื่องนี้ ในบัลเล่ต์“ The Seagull” ที่สร้างจาก A. Chekhov (1979), Shchedrin ปรากฏตัวทั้งในฐานะนักแต่งเพลงและในฐานะนักเขียนบท (ผู้เขียนร่วม) และ Plisetskaya เต้นตัวละครหลัก Nina Zarechnaya และเป็นตัวเป็นตนของนกนางนวลสัญลักษณ์และสำหรับ ครั้งแรกที่กลายเป็นนักออกแบบท่าเต้นในการแสดงเพียงคนเดียว นักแต่งเพลงที่ใช้วงออเคสตราสร้าง "เสียงร้องของนกนางนวล" ที่แสดงออกอย่างมากซึ่งถ่ายทอดผ่านบัลเล่ต์ทั้งหมดทำให้เกิดโศกนาฏกรรมเพิ่มมากขึ้น ในนั้นชะตากรรมของ "ช็อต" ของฮีโร่นั้นเดาได้ดีและละครเวทีก็ฉาย "เสียงร้องไห้" ทันเวลา รูปแบบดนตรีของบัลเล่ต์กลายเป็นนวัตกรรมใหม่ - วงจรของการแสดงโหมโรง 24 ครั้งโดยเพิ่มการแสดงสลับฉากสามรายการและการแสดงภายหลังหนึ่งรายการ เมื่อกลุ่มภาพยนตร์อังกฤษกลุ่มหนึ่งกำลังจัดทำรายการโทรทัศน์เกี่ยวกับการพัฒนาศิลปะดนตรี พวกเขาก็ถ่ายทำเรื่อง "The Seagull" สำหรับตอน "Music of the Future"

Anna Karenina - Rodion Shchedrin (ภาพยนตร์บัลเล่ต์)

ความสำเร็จครั้งสำคัญในงานดนตรีและละครของ Shchedrin คือโอเปร่า "Dead Souls" ที่สร้างจาก N. Gogol (1976 จัดแสดงในปี 1977) โดยมีบทประพันธ์โดยผู้แต่ง ผู้เขียนได้นำเสนอนวัตกรรมดังกล่าวในโอเปร่าโดยแทนที่ไวโอลินของวงออเคสตราด้วยคณะนักร้องประสานเสียงในห้อง (ที่สอง) และที่สำคัญที่สุดคือการแบ่งเวทีออกเป็นสองฉากคู่ขนานโดยแบ่งชั้นโอเปร่าราวกับเป็นโอเปร่าอิสระสองรายการ - "พื้นบ้าน" และ "มืออาชีพ". ละครคู่ขนานของการแสดงนี้แสดงครั้งแรกที่โรงละครบอลชอยเป็นแก่นแท้ของแนวคิดเชิงความหมายของงาน: การต่อต้านของชาวมาตุภูมิและ "วิญญาณที่ตายแล้ว" ของเจ้าของที่ดิน ใน "โอเปร่าพื้นบ้าน" ผู้แต่งใช้ข้อความพื้นบ้านของรัสเซียและเสียงร้องพื้นบ้าน แต่ไม่ได้อ้างอิงท่วงทำนองดั้งเดิม พระองค์ทรงให้ความหมายเชิงสัญลักษณ์แก่วลีของผู้ชาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับคำถาม “เขาจะไปที่นั่นหรือไม่ไปที่นั่น” ในเวลาเดียวกันเขาอิ่มตัวองค์ประกอบพื้นบ้านด้วยความไม่ลงรอยกันและกลุ่มสมัยใหม่ที่รุนแรงที่สุด ชเชดรินพัฒนา "Professional Opera" ซึ่งเป็นโลกที่แปลกประหลาดของเจ้าของที่ดินของ Gogol ในรูปแบบที่คล้ายกับงานร้องในโอเปร่าของ Rossini หากดนตรีพื้นบ้านของ Rus แสดงด้วยการร้องเพลงเลกาโตที่นุ่มนวลและดึงออกมาแล้วในส่วนของเจ้าของที่ดินที่ถูกล้อเลียนนั้นมีการใช้สแตคคาโตที่เด้งกลับอย่างเห็นได้ชัด อาเรียของพวกเขามีความซับซ้อนและร้องเพลงยากมาก: ข้อความที่เก่งกาจของ Chichikov, รูปแบบของ Korobochka, ท่วงทำนองที่ก้าวกระโดดของ Sobakevich ฯลฯ วงดนตรีเสียงร้องนั้นน่าประทับใจ - เจ็ด, แปด, สิบและสิบสองเสียง ในหน้ากากของโอเปร่าที่ขัดแย้งกันสองเรื่องสาระสำคัญของลำดับที่สูงกว่าปรากฏขึ้น: ความแตกต่างระหว่างความเป็นนิรันดร์ไม่เปลี่ยนแปลงและไร้สาระมนุษย์

"Dead Souls" จัดแสดงโดยโรงละครบอลชอยในมอสโกเมื่อวันที่ 7 มิถุนายน พ.ศ. 2520 เป็นผลงานชิ้นเอกของการแสดงละคร ผู้กำกับคือ B. Pokrovsky ผู้ออกแบบละครเวทีคือ V. Levental นักร้องประสานเสียงคือ V. Minin นักร้องที่เข้าร่วมคือ A. Voroshilo (Chichikov), L. Avdeeva (Korobochka), V. Piavko (Nozdrev), A. Maslennikov (เซลิฟาน) และอื่นๆ ผู้ควบคุมวง Yu. Temirkanov ทำการซ้อม 42 ครั้งหลังจากนั้นเขาย้ายโอเปร่าไปที่โรงละคร Kirov (Mariinsky) ในเลนินกราด การแสดงในประเทศดำเนินการโดย Temirkanov ซึ่งบันทึกโดย Melodiya ได้รับการเผยแพร่ในต่างประเทศโดย BMG และได้รับรางวัลจากนักวิจารณ์ "เขารวบรวมน้ำเสียง Gogolian อันเป็นเอกลักษณ์ในดนตรีได้อย่างแม่นยำเป็นพิเศษและในขณะเดียวกันก็สามารถเขียนได้อย่างคมชัด งานสมัยใหม่- นี่คือดนตรีของประเทศที่เราอาศัยอยู่ในตอนนั้น: เฉียบคม, เชิงมุมและสิ้นหวังอย่างไม่น่าเชื่อ” A. Voroshilo เขียน (Rodion Shchedrin ภาพเหมือนตนเอง หนังสือเล็ก ๆ เกี่ยวกับเทศกาลดนตรี M. , 2002)

เมนูฮินและเชดริน

1981 ถูกทำเครื่องหมายโดย Shchedrin ด้วยการสร้างสรรค์ผลงานการร้องเพลงประสานเสียงและเปียโนที่เชี่ยวชาญ: "Stanzas of Eugene Onegin" - บทร้องหกบทของ A. S. Pushkin จากนวนิยายของเขาในบทกวี "The Execution of Pugachev" - บทกวีสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง a ca - คำพูดจาก "Stories of Pugachev" โดย A. S. Pushkin "Notebook for Youth" 15 ชิ้นสำหรับเปียโน รวมถึง "Concertino" ปี 1982 ด้วย (ไม่มีคำพูด) ธีม แนวคิดเกี่ยวกับระฆังรัสเซียดำเนินไปในผลงานทั้งหมด: ในตอนท้ายของ "Strophes of Onegin" ในตอน "The Execution of Pugachev" ในหมายเลข 11 "Russian Bells" จาก "Notebook for เยาวชน" และในตอนจบของ "Concertino" - "Russian Bells"

แผนของ Shchedrin ในปี 1983-84 มีขนาดใหญ่และจริงจังเป็นพิเศษซึ่งเกี่ยวข้องกับการอุทิศให้กับพระนามอันศักดิ์สิทธิ์ของเขา - J. S. Bach ในวันครบรอบ 300 ปีวันเกิดของเขา (1985) ในปี 1983 เพื่อเป็นเกียรติแก่เขา เขาได้สร้างอนุสาวรีย์ดนตรีในรูปแบบของงานที่ใช้เวลานานเป็นพิเศษ - 2 ชั่วโมง 12 นาที - "การถวายดนตรี" สำหรับออร์แกน ขลุ่ย 3 อัน บาสซูน 3 อัน และทรอมโบน 3 อัน นี่เป็นแนวคิดที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของการทำสมาธิด้วยดนตรี ซึ่งผู้คนไม่เพียงแต่ควรจะฟังเพลงเท่านั้น แต่ยังต้องปฏิบัติบูชาโดยรวมต่อผู้ที่อุทิศตนให้ด้วย ในเวอร์ชันแรกเนื่องจากมีความยาวมากงานนี้จึงไปไกลกว่าบรรทัดฐานปกติของการรับรู้คอนเสิร์ต ผู้เขียนเองก็มั่นใจในเรื่องนี้โดยพูดในฐานะนักออร์แกนในรอบปฐมทัศน์ที่ Great Hall of the Moscow Conservatory (1983): ผู้ชมค่อยๆ เริ่มออกจากห้องโถง ในเงื่อนไขอื่น ๆ มีการรับรู้อย่างเพียงพอ (เช่นที่ Bach Marathon ในเยอรมนี) ผู้เขียนได้สร้าง "การถวาย" ในรูปแบบกะทัดรัด - ความยาวหนึ่งชั่วโมงครึ่งพร้อมบันทึกเสียงงานบนแผ่นดิสก์ในมหาวิหารริกาโดม (1987) ตามชื่อผลงาน ผลงานของ Shchedrin มีความจงใจเกี่ยวข้องกับ "Musical Offer" ของ Bach ซึ่งเขาถวายแด่กษัตริย์ปรัสเซียนและนักแต่งเพลง Frederick II ในปี 1747 ความเคารพของ Shchedrin ที่มีต่อ Bach นั้นแสดงออกมาในลักษณะคล้ายคลึงกับนักแต่งเพลงผู้ยิ่งใหญ่และยุคของเขา: การเสนอราคาโดยตรงของโหมโรงสองออร์แกนของปรมาจารย์, พื้นผิวเหมือนโหมโรงของ Bach, เทคนิคโพลีโฟนิกต่างๆ, "รูปแบบการสั่น" ที่ชาญฉลาด, แม่ลายพระปรมาภิไธยย่อของ Bach - B-A-C- N . ตามจิตวิญญาณแห่งยุคของ Bach "การถวาย" เต็มไปด้วยสัญลักษณ์ - ไม่เหมือนงานอื่น ๆ ของ Shchedrin: ชื่อ Bach, Berg และ Shchedrin ได้รับการเข้ารหัสในรูปแบบของบันทึกย่อในจดหมายแม้แต่วันเดือนปีเกิดและความสูงของผู้แต่ง ทำนองเพลงประสานเสียงของ R. Ale ซึ่งใช้โดยทั้ง Bach และ Berg นั้นถูกยกมา ณ จุดหนึ่งของโน้ตเพลงระบุว่าเป็นการ "จูบเครื่องดนตรี" (สำหรับบาสซูนและทรอมโบน) การเล่นออร์แกนเดี่ยวที่บรรเลงตลอดทั้งงานสร้างบรรยากาศที่ชวนให้นึกถึงและสวดภาวนา และลมทั้งสาม (3x3 ก็เป็นตัวเลขศักดิ์สิทธิ์เช่นกัน) วาดภาพบางส่วนของเรื่องราวทางศาสนา ภาพปูนเปียกทางดนตรีขนาดมหึมาของ Shchedrin ไม่มีความเท่าเทียมในการอุทิศทางดนตรีที่มีชื่อเสียง

ผลงานอีกชิ้นหนึ่งของ Shchedrin สำหรับวันครบรอบ 300 ปีของ Bach คือ "Echo Sonata" สำหรับไวโอลินเดี่ยว (1984) เสียงสะท้อนที่แท้จริงแสดงออกมาในรูปแบบของเทคนิคการเล่นไวโอลิน โดยแยกเสียง "เงา" อันเงียบสงบของเขาออกจาก "คำพูด" ทางดนตรีของนักไวโอลิน และงานปะติดสั้น ๆ จากผลงานอันโด่งดังของบาคปรากฏเป็นสัญลักษณ์ เสียงสะท้อน - ผลึกของคลาสสิกที่กลมกลืนกันหลุดออกจากความดังของดนตรีสมัยใหม่ที่ไม่สอดคล้องกันอย่างรุนแรง โซนาต้ากลายเป็นละครสำหรับนักไวโอลินจากประเทศต่างๆ - ดำเนินการโดย U. Hölscher, M. Vengerov, D. Sitkovetsky, S. Stadler และคนอื่น ๆ

ในปี 1984 Shchedrin เขียนเพลง "Self-Portrait" สำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา ในทางจิตวิทยาเขาไม่เห็นด้วยกับภาพลักษณ์ของ Shchedrin ในฐานะผู้ถือพลังงานที่น่าตื่นเต้นปรมาจารย์ด้านอารมณ์ขันและเรื่องตลก นี่เป็นผลงานที่น่าเศร้าที่สุดของผู้แต่ง ดังนั้นการเปิดตัวรอบปฐมทัศน์ในพิธีเปิดเทศกาลดนตรีนานาชาติมอสโกครั้งที่ 2 (1984) จึงสวนทางกับบรรยากาศวันหยุดของนักแต่งเพลง ในชื่อเรื่องของบทละคร Shchedrin เล่าต่อจากประสบการณ์การวาดภาพ: “ ฉันได้รับแรงบันดาลใจจากตัวอย่างของจิตรกร พวกเขาเกือบทั้งหมดวาดภาพบุคคล: บางทีนี่อาจสะท้อนถึงความต้องการที่พวกเขาตระหนักรู้ในตัวเองบางครั้งก็เป็นเช่นนั้น มาทำความเข้าใจบุคคลชีวิตเวลา” (Yakovlev M. แทนที่จะจัดเฟรมสำหรับภาพเหมือน // ดนตรีในสหภาพโซเวียต, 1985, เมษายน - มิถุนายน, หน้า 15) ในคำอธิบายประกอบของผู้เขียนเขาพูดถึง "การเลียนแบบเสียงเศร้าโศกของบาลาลิกาที่โดดเดี่ยวเสียงพึมพำของบาสซูนอย่างเมามาย (ราวกับฮัมเพลงโบราณของผู้สัญจรไปมา) ... ภูมิทัศน์ที่ไม่มีที่สิ้นสุดแบนและเศร้าของ ประเทศของฉัน." Shchedrin ตอบสนองต่อสิ่งที่เกิดขึ้นรอบตัวเขาอย่างสุดหัวใจ 2527 - จุดสูงสุดความซบเซาของสหภาพโซเวียตซึ่งดูเหมือนผ่านไม่ได้ หนึ่งปีต่อมาเลขาธิการคณะกรรมการกลาง CPSU M. Gorbachev เกิดแนวคิดเรื่องเปเรสทรอยกาภายใต้การคุกคามของการล่มสลายทางเศรษฐกิจและการล่มสลายโดยทั่วไปของประเทศ

บัลเล่ต์เรื่อง "Lady with a Dog" สร้างขึ้นในปี 1985 ซึ่งสร้างจากเรื่องราวที่มีชื่อเดียวกันโดย A. Chekhov ได้รับแรงบันดาลใจจากวันครบรอบ 60 ปีของ M. Plisetskaya บทนี้เขียนโดย R. Shchedrin และ V. Leventhal, M. Plisetskaya เป็นทั้งนักออกแบบท่าเต้นและนักแสดงในบทบาทหลัก - Anna Sergeevna ซึ่งบทบาทของเครื่องแต่งกายถูกสร้างขึ้นโดย P. Cardin ช่างตัดเย็บเสื้อผ้าชาวปารีสที่มีชื่อเสียง เนื้อร้องของพล็อตล้วนๆ กลายเป็นบัลเล่ต์หนึ่งองก์ความยาว 45-50 นาที ซึ่งประกอบด้วยการเต้นรำคู่ที่กว้างขวางห้าเพลง - pas de deux โครงสร้างทางดนตรีของบัลเล่ต์เต็มไปด้วยท่วงทำนองที่น่าดึงดูดซึ่งรวบรวมความรู้สึกที่ล้นหลามของตัวละครวงออเคสตรามีความโปร่งใส - มีเพียงกลุ่มเครื่องสายที่เพิ่มโอโบสองตัวแตรสองตัวและเซเลสต้าซึ่งเป็นรูปแบบดนตรีของ ทั้งหมดมีความสามัคคี นี่คือผลงานบัลเล่ต์ที่มีบทกวีและโคลงสั้น ๆ ที่สุดของ Shchedrin

เปเรสทรอยกาของกอร์บาชอฟที่เกิดขึ้นในปี 1985 ซึ่งเปลี่ยนแปลงชีวิตของกลุ่มปัญญาชนโซเวียตทั้งหมดอย่างรุนแรงโดยเฉพาะอย่างยิ่งเปิดโอกาสที่ไม่เคยมีมาก่อนสำหรับการติดต่อกับต่างประเทศ ในปี 1988 มีงานประเภทใหม่เกิดขึ้น - เทศกาลโซเวียต - อเมริกัน "Making Music Together" ในตอนแรกชาวอเมริกันต้องการจัดเทศกาล Shchedrin เพียงอย่างเดียว แต่กระทรวงวัฒนธรรมของสหภาพโซเวียตไม่ยินยอมในเรื่องนี้ จากนั้นมีการจัดเวทีระหว่างประเทศโดยมีตัวแทนสูงสุดจากสหภาพโซเวียต มีผู้คนมาถึงแมสซาชูเซตส์ประมาณ 300 คน รวมถึง A. Schnittke, S. Gubaidulina, A. Petrov, G. Kancheli, B. Tishchenko, V. Laurusas ในการผลิต” จิตวิญญาณที่ตายแล้ว"นักร้องผิวดำเข้าร่วมใน Shchedrin เสียงสะท้อนของเทศกาลทั่วโลกทั้งทางศิลปะและการเมืองนั้นยิ่งใหญ่มาก

คลื่นเปเรสทรอยกาทำให้ผู้คนกระตือรือร้นพอ ๆ กับ Shchedrin ขึ้นสู่อำนาจ นักแต่งเพลงก็กลายเป็นนักการเมืองที่มีประสิทธิภาพด้วย ในปี 1989 จากสหภาพนักแต่งเพลง เขาได้รับเลือกเข้าสู่สภาสูงสุดของสหภาพโซเวียต นอกจากนี้ เขามีโครงการทางการเมืองเป็นของตัวเอง เขาได้เข้าร่วมกลุ่มผู้แทนประชาชนระหว่างภูมิภาคที่มีชื่อเสียงสำหรับเปเรสทรอยกาในสหภาพโซเวียต ซึ่งมีสมาชิกรวมถึงนักวิชาการ A. Sakharov ประธานาธิบดีคนแรกของรัสเซียในอนาคต B. Yeltsin นายกเทศมนตรีในอนาคตของ Moscow G . โปปอฟและนักปรัชญา Yu. โดยเฉพาะอย่างยิ่งพวกเขาเรียกร้องให้มีระบบหลายพรรคและการเลือกตั้งทางเลือกซึ่งไม่เหมาะกับเจ้าหน้าที่พรรคเลย ในโทรทัศน์สามารถรับชมการต่อสู้ระหว่าง Shchedrin มุ่งหน้าไปที่โพเดียมและ Gorbachev ไม่ยอมให้เขายืนพื้น Shchedrin เข้าร่วมในการฟื้นฟูสมรรถภาพในบ้านเกิดของ M. Rostropovich และ G. Vishnevskaya ซึ่งถูกไล่ออกจากประเทศ

ด้วยการมาถึงของวันสำคัญอีกครั้ง - วันครบรอบ 1,000 ปีของการยอมรับศาสนาคริสต์ในมาตุภูมิ - Shchedrin เขียนบทความที่แสดงให้เห็นถึงความหมายอันลึกซึ้งของหัวข้อนี้สำหรับเขาซึ่งเป็นหลานชายของนักบวชและตัวเขาเองที่รับบัพติศมาในวัยเด็ก:“ Stichera สำหรับสหัสวรรษแห่งการล้างบาปของมาตุภูมิ” (1987) และ "Sealed Angel" (1988)

วงออเคสตรา“ Stichera for the Millennium of the Baptism of Rus '” เขียนขึ้นบนพื้นฐานของแหล่งโบราณเขียนด้วยตะขอ - stichera สำหรับงานฉลองของ Vladimir Icon โดย Tsar Ivan the Terrible ซึ่งผู้แต่งนำเสนอในตัวเขาเอง การตีความ. Shchedrin ได้สร้างโลกแห่งการร้องเพลงรัสเซียโบราณขึ้นใหม่ - ความเงียบสงบความไม่เร่งรีบและความเงียบสงบภาพสะท้อนของภูมิทัศน์ที่ราบเรียบของรัสเซียซึ่งส่งผลต่อความนุ่มนวลของท่วงทำนองที่ไหลลื่นอย่างไม่หยุดหย่อนและความแปรปรวนของการร้องเพลงตาม คะแนนบ่งบอกถึงช่วงเวลาที่เสียงของนักดนตรีร้องไปพร้อมกับท่อนของพวกเขา นักแต่งเพลงส่งผลงานสำหรับการแสดงครั้งแรกในสหรัฐอเมริกาไปยัง Rostropovich ซึ่งเขาอุทิศให้ เขาถือว่าการกระทำนี้เป็น ความสำเร็จทางแพ่งและสามารถฉายรอบปฐมทัศน์ที่ Washington Kennedy Center (1988) ซีดีรัสเซียชุดแรกวางจำหน่ายที่บ้านโดยมีการบันทึกเพลง "Stichera" ของ Shchedrin และ stichera ของ Ivan the Terrible

พิธีสวดรัสเซีย "The Sealed Angel" หรือเพลงประสานเสียงตาม N. Leskov ในตำราสลาโวนิกของโบสถ์บัญญัติสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงผสมแคปเปลลาที่มีไปป์ (ขลุ่ย) ใน 9 ส่วนดำเนินการครั้งแรกในมอสโกโดยนักร้องประสานเสียงสองคน - หอการค้ามอสโก คณะนักร้องประสานเสียงและคณะนักร้องประสานเสียงรัสเซียเชิงวิชาการภายใต้การกำกับโดย V. Minin ผลงานความยาว 60 นาทีถือเป็นผลงานชิ้นเอกของการขับร้องประสานเสียง ซึ่งมีผลกระทบไม่เพียงแต่ทางดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงจิตวิญญาณและจริยธรรม เช่นเดียวกับการรับใช้สำหรับนักบวช นอกจากนี้ยังมีข้อสังเกตอย่างเป็นทางการ: ในปี 1992 ได้รับรางวัล State Prize of the Russian Federation ซึ่งเป็นหนึ่งในรางวัลแรกในรัสเซียใหม่

เรื่องราวของ Leskov“ The Sealed Angel” ไม่ได้ใช้เป็นรายการสำหรับดนตรีของ Shchedrin องค์ประกอบแต่ละอย่างถูกนำมาจาก: ชื่อ, ข้อความสำหรับหมายเลข 1 (“ Angel of the Lord”), ภาพลักษณ์ของนักเล่นฟลุต, "วงกลมแห่งการทำให้บริสุทธิ์" ของพล็อต - ไอคอนสะอาดถูกเผาด้วยตราประทับและทำความสะอาดอีกครั้ง สามารถแทรกข้อความจาก Leskov ได้ตามคำขอของผู้ควบคุมวง (นี่คือการบันทึกในซีดีในสหรัฐอเมริกา) และในส่วนที่เกี่ยวข้องกับพิธีสวดผู้แต่งไม่ได้วางแผนที่จะทำซ้ำลำดับทั้งหมด แต่เลือกเพียงข้อความจำนวนหนึ่ง (จาก Obikhod, Menaion, Triodion) พร้อมการจัดเรียงใหม่และตัวย่อ ในด้านโวหาร ดนตรีใช้หลักการร้องเพลง Znamenny ของรัสเซีย เช่น การร้องที่นุ่มนวล ท่วงทำนองที่ "เรียบ" และไม่มีการหยุดชั่วคราว ในแง่ของเทคนิคการร้องเพลงนี่คือสารานุกรมของการร้องเพลงประสานเสียงของรัสเซียซึ่งนอกเหนือจากท่วงทำนองประเภท znamenny แล้วยังรวมถึง subvocality พื้นบ้านโครงสร้างคอร์ดที่มีเสียงดังสีของเบสออคตาวิสต์โซโลเสียงแหลมของเด็กชายเอฟเฟกต์ของ "วัด เสียงสะท้อน” และการเลียนแบบเสียงระฆัง "The Sealed Angel" กลายเป็นงานร้องเพลงประสานเสียงที่โดดเด่นของศตวรรษที่ 20 และดนตรีศักดิ์สิทธิ์ของรัสเซีย

ตั้งแต่ปลายทศวรรษ 1980 Shchedrin เริ่มได้รับข้อเสนอที่สร้างสรรค์จากต่างประเทศมากขึ้นเรื่อย ๆ โดยตอบสนองต่อพวกเขาด้วยการสร้างผลงานในธีมรัสเซียที่เขาชื่นชอบ ดังนั้นจึงเผยแพร่อย่างกว้างขวางในส่วนต่าง ๆ ของโลก: ละครเพลงของเขา "Nina and the 12 Months" คือ จัดแสดงในญี่ปุ่น (1988) และแสดง "Round Dances" (คอนเสิร์ตครั้งที่สี่สำหรับวงออเคสตรา, 1989) เนื่องในโอกาสครบรอบ 100 ปีของวง Chicago Symphony Orchestra เขียนว่า "Ancient Music of Russian Regional Circuses" (คอนเสิร์ตครั้งที่สามสำหรับวงออเคสตรา, 1989) แต่งห้องสำหรับฟินแลนด์และปารีส เกี่ยวกับ “ดนตรีละครสัตว์” ชเชดรินชี้ให้เห็น (ในคำอธิบายประกอบ): “ในงานนี้ ฉันตั้งใจมุ่งมั่นเพื่อสร้างสีสัน สำหรับการวาดภาพดนตรี อารมณ์ขัน เพื่อความบันเทิงตระการตา ภายนอก และความบันเทิง.... “ละครสัตว์” เขียนขึ้นในช่วงหลายปีที่ผ่านมา ของเปเรสทรอยกาในช่วงหลายปีแห่งความหวังและศรัทธาในการปลดปล่อยและการสร้างสังคมรัสเซียขึ้นมาใหม่ บางทีความรู้สึกหวังว่าจะมีการเปลี่ยนแปลงที่ดีทำให้ฉันมีพลังและการมองโลกในแง่ดีใช่ไหม .. ” (ในฐานะองค์ประกอบของรัสเซียเขาแนะนำเพลง "Black Eyes" ” ซึ่งสมาชิกวงออเคสตราร้องไปพร้อมกับเกม) “ ถึงราชา” “ มืออาชีพเรียกวงออเคสตราสมัยใหม่ซึ่งหมายถึงการแสดงเสียงสูงสุดพร้อมสมาธิสูงสุดและประหยัดต้นทุน” นี่คือวิธีที่ M. Rostropovich พูดถึง Shchedrin ( Rodion Shchedrin หนังสือภาพเหมือนตนเอง

จุดเริ่มต้นของปี 1990 พร้อมกับการหยุดชะงักในโครงสร้างทางสังคมทั้งหมดของประเทศ - การล่มสลายของสหภาพโซเวียต, การก่อตั้งรัฐใหม่ - สหพันธรัฐรัสเซีย - ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงครั้งสำคัญในชีวิตของ Shchedrin เศรษฐกิจที่อ่อนแอและปัญหาทางวัตถุที่รุนแรงทำให้เกิดภัยคุกคามต่อความคิดสร้างสรรค์อย่างชัดเจนจนนักแต่งเพลงถูกบังคับให้ไปอาศัยอยู่ในประเทศเยอรมนีในมิวนิก (พ.ศ. 2534-35) ตามมาด้วยภรรยาของเขา M. Plisetskaya ทั้งสองยังคงถือสัญชาติรัสเซีย ความสัมพันธ์กับผู้จัดพิมพ์และนักแสดงชาวตะวันตกเริ่มแข็งแกร่งขึ้น ในเวลาเดียวกันผู้แต่งก็รักษาและเสริมสร้างความเข้มแข็ง คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของสไตล์ของเขา - ความกว้างของประชาธิปไตยและการวางแนวของรัสเซียของหัวข้อ แต่การเลือกแนวดนตรีก็แตกต่างออกไป: ไม่มีบัลเล่ต์ใหม่ปรากฏ (เฉพาะดนตรีกลุ่ม) โอเปร่าหนึ่งรายการ - "โลลิต้า" แต่คอนเสิร์ตสำหรับศิลปินเดี่ยวที่มีวงออเคสตรา - สำหรับเปียโน, ไวโอลิน, วิโอลา, เชลโล, ทรัมเป็ต - เจริญรุ่งเรืองผิดปกติ ของการติดต่อกับนักดนตรีรายใหญ่อย่างสันติ งานส่วนใหญ่อย่างท่วมท้นกลับกลายเป็นว่าเกี่ยวข้องกับธีมของรัสเซียและความสำคัญของหลักการโคลงสั้น ๆ ก็เพิ่มขึ้น เนื่องในวันครบรอบของ Shchedrin เทศกาลสำคัญเพื่อเป็นเกียรติแก่เขา - ในบ้านเกิดของเขาและในหลายประเทศทั่วโลก เขากลายเป็นดนตรีคลาสสิกของรัสเซียและโลกที่ได้รับการยอมรับ

โอเปร่า "โลลิต้า" ที่สร้างจากนวนิยายชื่อเดียวกันโดย V. Nabokov พร้อมบทโดยผู้แต่งเอง (1994) ไม่สามารถจัดแสดงในภาษาหลัก ๆ ของโลกได้เนื่องจากปัญหาลิขสิทธิ์จากนั้นความคิดก็เกิดขึ้นจากการแสดงละคร ที่ Royal Swedish Opera - เป็นภาษาสวีเดน รอบปฐมทัศน์เกิดขึ้นที่สตอกโฮล์มเมื่อวันที่ 14 ธันวาคม 2537: ผู้ควบคุมวง - M. Rostropovich, Lolita - L. Gustafson, Humbert Humbert - P.-A. วอลเกรน, ควิลตี้ - บี. ฮาแกน บรรยากาศของเรื่องอื้อฉาวที่มักมาพร้อมกับพล็อตนี้ของ Nabokov ถูกแสดงที่นี่ในการสาธิตต่อสาธารณะเพื่อยกเลิกการแสดงและเรียกร้องให้ศิลปินปฏิเสธที่จะเข้าร่วม แต่การผลิตก็ประสบความสำเร็จอย่างมาก โดยมีการวิจารณ์ในสื่อมวลชนทั่วโลก

แม้ว่าโอเปร่าจะมีความสามารถในการขจัดความเป็นธรรมชาติของโครงเรื่องใด ๆ แต่ Shchedrin ก็พยายามที่จะทำให้ศีลธรรมของนวนิยายเรื่องนี้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นทั้งในบทเพลงและในดนตรี ในอารัมภบท ฮัมเบิร์ตนั่งอยู่แล้ว ห้องขังและตลอดการแสดงโอเปร่ามีคณะนักร้องประสานเสียงของผู้พิพากษากล่าวหาเขา และในทางตรงกันข้าม คณะนักร้องประสานเสียงของเด็กชายในโบสถ์ร้องเพลงคำอธิษฐานแห่งการตรัสรู้ ในทางกลับกัน เพื่อคลี่คลายความตึงเครียดอันน่าเศร้าของละคร จึงมีการแสดงภาพเคลื่อนไหวคู่จากโฆษณา จิตวิญญาณอันสูงส่งของโอเปร่าครอบงำอยู่ในฉากรักอันเนิบช้าและยาวนานของตัวละครหลักทั้งสอง ด้วยเสียงดนตรีอันไพเราะของฉาก "Humbert's Sin" Shchedrin สร้างท่อนร้องที่สดใส - โลลิต้าสาวด้วยการร้องเพลงของเธอในระดับเงินสูง, Quilty ผู้ล่อลวงผู้สูงวัยด้วยเสียงสูงหรือเสียงสัตว์ร้อง โอเปร่าจบลงด้วยบทส่งท้ายที่ทำให้ตอนจบของ Nabokov ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ตามที่ลูกชายของนักเขียน D. Nabokov กล่าวว่า "ถ้าพ่อของฉันเห็นสิ่งนี้เขาคงจะมีความสุข"

ความวิตกกังวลและความเจ็บปวดจากความยากลำบากของรัสเซียทำให้เพลงสตริง "Russian Photographs" มีชีวิตขึ้นมา ซึ่งอุทิศให้กับวงออเคสตรา "Moscow Virtuosi" ที่ดำเนินการโดย V. Spivakov (1994) นี่คือภาพชีวิตชาวรัสเซียในช่วงเวลาต่างๆ 1 ชั่วโมง - "เมืองโบราณแห่งอเล็กซิน" ในความทรงจำของปู่และวัยเด็กของฉัน 2 ชั่วโมง - "แมลงสาบในมอสโก" เมื่อการโจมตีเกิดขึ้นจริงแม้ว่าดนตรีจะไม่กราฟิกก็ตาม 3 ชั่วโมง - "สตาลินค็อกเทล" ด้วยภาพกลองที่ส่งเสียงครวญครางเสียงครวญครางของเหยื่อเสียงสะท้อนของการประหารชีวิตพร้อมคำพูดจากบทเพลงเกี่ยวกับสตาลินโดย A. Alexandrov และ "March of Eciouss" โดย I. Dunaevsky 4 ชั่วโมง - "Evening Bells" ด้วยอารมณ์ของ ความอ้างว้าง ความปั่นป่วนในหัวใจ และร้องเพลงประกอบกับคำว่า “ความทรงจำชั่วนิรันดร์”

ศูนย์กลางของยุค 90 มีคอนเสิร์ตสำคัญสามคอนเสิร์ต - สำหรับเชลโล ไวโอลิน และวิโอลา ซึ่งอุทิศให้กับนักดนตรีร่วมสมัยที่โดดเด่น

เชลโลคอนแชร์โต "Sotto voce concerto" (อุทิศให้กับ M. Rostropovich, 1994) ตามแนวคิดเป็นของผลงานที่มีธีมนิรันดร์ - ชีวิตและความตาย คำบรรยายอ้างถึงแนวคิดที่ชื่นชอบของ Shchedrin - ละครที่ได้ยินผ่านกำแพงรวมถึงเปียโนพิเศษที่แสดงโดย Rostropovich ดนตรีแสดงถึงตอนโศกนาฏกรรมที่สดใส แต่นำเสนอวิธีการใหม่ในการเอาชนะโศกนาฏกรรมทางโลก - เป็นทางออกสู่โลกภายนอกมนุษย์ผ่านการใช้เครื่องบันทึกพร้อมเสียงกกเช่นไปป์รัสเซีย

คอนแชร์โต้สำหรับไวโอลินและวงเครื่องสาย "Concerto cantabile" (อุทิศให้กับ M. Vengerov, 1997) เป็นงานนีโอโรแมนติกซึ่งมีโวหารไม่เหมือนกับ Shchedrin "ต้น" และ "กลาง" เทียบได้กับเนื้อเพลง "Lady with a Dog" ของเขาเท่านั้น “โดยคำว่า cantabile ประการแรกฉันหมายถึงน้ำเสียงของจิตใจ ลักษณะของเสียงบางส่วน และยังผสมผสาน การข้าม การผสาน การตกลง การโต้เถียง การตอบโต้ของบทร้องของศิลปินเดี่ยวและวงออเคสตรา ” (จากคำอธิบายประกอบของผู้เขียน) ผู้แต่งบรรยายถึงคอนเสิร์ตของเขาในภาพยนตร์สวิสเกี่ยวกับเขาว่าเป็น "ไดอารี่แห่งความรู้สึกของฉัน" โดย J. Gachot
"Concerto dolce" คอนเสิร์ตสำหรับวิโอลาพร้อมด้วยวงเครื่องสายและพิณ (1997) จัดทำโดยพ่อของเขาที่เล่นเครื่องดนตรีนี้และโดยคำนำของ Shchedrin ต่อ "นักไวโอลิน Danilov" ของ V. Orlov และแน่นอนโดย ทักษะอันเป็นเอกลักษณ์ของ Yu. Bashmet ผู้อุทิศตนให้ แม้ว่าคอนเสิร์ตจะมีชื่อว่า "Dolce" แต่ก็ไม่ได้ขึ้นต้นหรือลงท้ายด้วยตัวละครนี้ เพลง Dolce ขนาดใหญ่ตั้งอยู่บริเวณกึ่งกลางของแบบฟอร์ม และมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับการแสดงซ้ำ องค์ประกอบของรัสเซียล้วนถูกฝังอยู่ในดนตรี ซึ่งเรียกว่า "บาลาไลกา" และ "ระฆัง" - ทั้งสององค์ประกอบถูกรวมไว้ในผลงานของวิโอลาเป็นครั้งแรก เป็นลักษณะเฉพาะที่ Shchedrin จบคอนเสิร์ต "Dolce" และ "Cantabile" ด้วยตอนจบที่กระตือรือร้นและเอาแต่ใจ

ผลงานของหอการค้าในช่วงกลางทศวรรษที่ 90 โดดเด่นด้วยสิ่งประดิษฐ์ของ Shchedrin ในลักษณะของเสียงดนตรี: "ดนตรีจากระยะไกล" สำหรับเครื่องบันทึกสองคนและเปียโนโซนาต้าที่สอง (1996), "Balalaika" สำหรับไวโอลินเดี่ยวที่ไม่มีคันธนู (1997) ดำเนินการต่อ แนวคิดเรื่อง "Russian Tunes" สำหรับเชลโลโซโล (1990)

ในปี 1997 เนื่องในโอกาสวันเกิดครบรอบ 65 ปีของนักแต่งเพลง เทศกาลดนตรีของเขาจัดขึ้นในฟินแลนด์ ฝรั่งเศส เยอรมนี และในรัสเซีย การเฉลิมฉลองจัดขึ้นเป็นเวลา 19 วันในสี่เมือง: มอสโก, เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, นิจนีนอฟโกรอด, ซามารา

ที่ Edge of the Millennium (1999) เยอรมนีได้รับข้อเสนออันทรงเกียรติจาก Shchedrin ให้เขียนบทโหมโรงของวงออเคสตราให้กับ Ninth Symphony ของ Beethoven ซึ่งเป็นผลงานชิ้นสำคัญของวัฒนธรรมเยอรมันทั้งหมด ในวันครบรอบปี Bavarian Radio Orchestra ได้ทำการเรียบเรียงซึ่งต่อมาได้กลายเป็น "Symphonie con-certante" (ซิมโฟนีที่สาม) "Faces of Russian Fairy Tales" (2000) สะท้อนภาพของ "The Samogudka", "Sister Alyonushka และ Brother Ivanushka”, “เจ้าหญิง- กบ" และอื่น ๆ ในปี 1999 Shchedrin ได้สร้างหนึ่งในคอนเสิร์ตที่น่าประทับใจที่สุดของเขา - Fifth Concerto for Piano and Orchestra (อุทิศให้กับนักเปียโนชาวฟินแลนด์ O. Mustonen) ซึ่งหลังจากการแสดงรอบปฐมทัศน์ในลอสแองเจลิส (1999) ก็เริ่มเส้นทางที่มั่นใจข้ามเวทีของโลก . ด้วยค่าคอมมิชชั่นจาก Pittsburgh Symphony Orchestra ทำให้ "Lolita Serenade" จากดนตรีโอเปร่า (2001) เกิดขึ้น

วันเกิดปีที่ 70 ของนักแต่งเพลงในปี 2545 ได้รับการเฉลิมฉลองด้วยเทศกาลอันงดงามในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งแสดงให้เห็นถึงความมีชีวิตชีวาของงานของเขาตลอดหลายปีที่ผ่านมาและศักยภาพที่ไม่สิ้นสุดในการสร้างสรรค์ผลงานใหม่ (ในบรรดารอบปฐมทัศน์ของรัสเซียคือ "Parabola concertante", " Concert Parable" สำหรับเชลโล วงเครื่องสาย และกลองทิมปานี, 2544) รอบปฐมทัศน์ของไพเราะ etudes สำหรับวงออเคสตรา "Dialogues with Shostakovich" (2002) จัดขึ้นที่ Carnegie Hall รอบปฐมทัศน์โลกของโอเปร่าของ Shchedrin สำหรับเวทีคอนเสิร์ต "The Enchanted Wanderer" ตามเรื่องราวของ N. Leskov เกิดขึ้นที่ Lincoln Center ในนิวยอร์ก (19 ธันวาคม 2545): วงดุริยางค์ New York Philharmonic, คอรัส, นักร้อง - A. Anger , L. Paasikivi, E . Akimov ผู้ควบคุมวง L. Maazel

“ ฉันเป็นคนรัสเซีย รากเหง้าทั้งหมดของฉันอยู่ที่นี่ แม้ว่าฉันจะอยู่ที่ไหนสักแห่งใน Tierra del Fuego ฉันก็จะยังคงอยู่อย่างนั้น” Shchedrin พูดเกี่ยวกับตัวเขาเอง (R. Shchedrin มีคนวางแผนที่จะให้ความรู้แก่ชาวรัสเซียอีกครั้ง... บทสนทนา กับ S. Biryukov // แรงงาน 12/22/95) ด้วยความเฉลียวฉลาด เขารู้วิธีและรู้วิธีที่จะนำองค์ประกอบรัสเซียมาใช้ในภาษาดนตรีของเขา การทำซ้ำเพลงสติเชรา การสวดมนต์ เพลงลูกทุ่ง เพลงของคนเลี้ยงแกะ เสียงระฆัง เสียงของผู้ไว้อาลัย ดนตรีละครสัตว์ การดีดของบาลาไลกา การหยิบกัสเซล เพลงยิปซี แอปพลิเคชันจากไชคอฟสกี ฯลฯ ในเวลาเดียวกัน กลิ่นอายทั้งหมดของการประพันธ์ของเขามักจะทันสมัย: ความคมชัดของการผสมผสานเสียงที่ไม่สอดคล้องกัน การเล่นกับพื้นที่ของเวทีดนตรี เทคนิคการจับแพะชนแกะ การเปล่งเสียงที่หลากหลายอย่างยิ่ง และวิธีการที่เป็นนวัตกรรมใหม่ ของการแสดงบนเครื่องดนตรีทุกชนิด

ดนตรีของ Shchedrin เต็มไปด้วยพลังอันเจิดจ้าซึ่งศิลปะแห่งศตวรรษที่ 20 ขาดแคลนในผู้คนเป็นอย่างมาก นั่นเป็นสาเหตุที่การตอบสนองของมนุษย์ทั่วโลกต่อ "เครื่องบูชาทางดนตรี" ของเขานั้นยอดเยี่ยมมาก หลังจากเดินตามเส้นทางของตัวเองมาตลอดชีวิต เขาก็เข้าสู่ตำแหน่งที่มั่นคง ณ ศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรี และตามคำพูดของ R. W. Emerson “เขาเป็นวีรบุรุษที่ยืนนิ่งอยู่ตรงกลาง”

ผู้แต่ง: Rodion Shchedrin (วิดีโอ)

คุณธรรมที่สร้างสรรค์ของ R. K. Shchedrin ได้รับรางวัลกิตติมศักดิ์และรางวัลมากมาย: ศิลปินประชาชนของสหภาพโซเวียต (1981), รางวัลเลนิน (1984), รางวัลแห่งรัฐของสหภาพโซเวียต (1972), รางวัลแห่งรัฐของรัสเซีย (1992), Order of Merit for องศาปิตุภูมิ III (2545) ผู้ชนะรางวัล D. D. Shostakovich (รัสเซีย, 1992), รางวัล Crystal Award จาก World Economic Forum (Davos, 1995), ศาสตราจารย์กิตติมศักดิ์ของ Moscow Conservatory (1997), "นักแต่งเพลงแห่งปี" ของ Pittsburgh Symphony Orchestra (2002)

สมาชิกที่สอดคล้องกันของ Bavarian Academy of Fine Arts (1976) สมาชิกกิตติมศักดิ์ของ F. Liszt Society (USA, 1979) สมาชิกกิตติมศักดิ์ของ Academy of Fine Arts of the GDR (1982) สมาชิกกิตติมศักดิ์ของสภาดนตรีนานาชาติ ( 2528) สมาชิกของ Berlin Academy of Arts (1989)

หนังสือที่อุทิศให้กับเขา: I. Likhachev โรงละครดนตรี Rodion Shchedrin (M. , 1977); V. Komissinsky เกี่ยวกับหลักการละครของ R. Shchedrin (Moscow, 1978); ม. ทาราคานอฟ ผลงานของ Rodion Shchedrin (M. , 1980); เอช. เกอร์ลาช. ซุม ชาฟเฟิน ฟอน โรดิออน ชเชดริน (เบอร์ลิน, 1982); ยู ไพซอฟ. คณะนักร้องประสานเสียงในผลงานของ Rodion Shchedrin (M., 1992); V. Kholopova เส้นทางผ่านศูนย์กลาง นักแต่งเพลง Rodion Shchedrin (M., 2000); เธอยังอยู่ในเวอร์ชันภาษาเยอรมัน - V. Cholopova แดร์ เว็ก อิม เซนทรัม (ไมนซ์, ชอตต์, 2002) และคนอื่นๆ ในปี 2545 หนังสือของนักแต่งเพลงเองได้รับการตีพิมพ์: R. Shchedrin บทพูดคนเดียวของปีต่าง ๆ (มอสโก, 2545)

6. (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Scriabin - นักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวรัสเซียหนึ่งในนั้น บุคลิกที่สว่างที่สุดวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียและโลก ความคิดสร้างสรรค์ดั้งเดิมและบทกวีที่ลึกซึ้งของ Scriabin โดดเด่นในด้านนวัตกรรมแม้จะอยู่ท่ามกลางฉากหลังของการกำเนิดของเทรนด์ใหม่ ๆ ในงานศิลปะที่เกี่ยวข้องกับการเปลี่ยนแปลงใน ชีวิตสาธารณะในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20
เกิดที่มอสโก แม่ของเขาเสียชีวิตตั้งแต่เนิ่นๆ พ่อของเขาไม่สามารถสนใจลูกชายของเขาได้ ในขณะที่เขาดำรงตำแหน่งเอกอัครราชทูตประจำเปอร์เซีย Scriabin ได้รับการเลี้ยงดูจากป้าและปู่ของเขา และแสดงความสามารถทางดนตรีตั้งแต่วัยเด็ก ในตอนแรกเขาเรียนในโรงเรียนนายร้อยเรียนเปียโนส่วนตัวและหลังจากสำเร็จการศึกษาเขาก็เข้าเรียนที่ Moscow Conservatory เพื่อนร่วมชั้นของเขาคือ S.V. หลังจากสำเร็จการศึกษาจากเรือนกระจก Scriabin อุทิศตนให้กับดนตรีโดยสิ้นเชิง - ในฐานะนักเปียโน - นักแต่งเพลงคอนเสิร์ตเขาได้ไปเที่ยวยุโรปและรัสเซียโดยดำเนินการ ที่สุดเวลาอยู่ต่างประเทศ
จุดสูงสุดของความคิดสร้างสรรค์ในการเรียบเรียงของ Scriabin คือปี 1903-1908 เมื่อ Third Symphony (" บทกวีศักดิ์สิทธิ์"), บทกวีเปียโนไพเราะ "Poem of Ecstasy", "Tragic" และ "Satanic", โซนาตาที่ 4 และ 5 และผลงานอื่น ๆ "Poem of Ecstasy" ซึ่งประกอบด้วยธีมรูปภาพหลายรูปแบบ เน้นความคิดสร้างสรรค์ของ Sryabin และเป็นผลงานชิ้นเอกที่ยอดเยี่ยมของเขา มันผสมผสานความรักในพลังของนักแต่งเพลงเข้าด้วยกันอย่างกลมกลืน วงออเคสตราขนาดใหญ่และเสียงเครื่องดนตรีเดี่ยวที่ไพเราะและไพเราะ รวมอยู่ใน "บทกวีแห่งความปีติยินดี" เป็นเรื่องใหญ่โต พลังงานสำคัญ, ความหลงใหลที่เร่าร้อน, พลังอันแข็งแกร่งสร้างความประทับใจให้กับผู้ฟังอย่างไม่อาจต้านทานและยังคงรักษาพลังของผลกระทบมาจนถึงทุกวันนี้
ผลงานชิ้นเอกอีกชิ้นของ Scriabin คือ "Prometheus" ("Poem of Fire") ซึ่งผู้เขียนได้อัปเดตภาษาฮาร์โมนิกของเขาอย่างสมบูรณ์โดยแยกออกจากระบบวรรณยุกต์แบบดั้งเดิมและเป็นครั้งแรกในประวัติศาสตร์ที่งานนี้ควรจะมาพร้อมกับดนตรีสี แต่ด้วยเหตุผลทางเทคนิค การฉายรอบปฐมทัศน์จึงจัดขึ้นโดยไม่มีเอฟเฟกต์แสง
“ความลึกลับ” ที่ยังสร้างไม่เสร็จครั้งสุดท้ายคือแผนของ Scriabin นักฝัน โรแมนติก นักปรัชญา ที่จะดึงดูดมวลมนุษยชาติและเป็นแรงบันดาลใจให้สร้างระเบียบโลกใหม่ที่น่าอัศจรรย์ ซึ่งเป็นการรวมตัวกันของ Universal Spirit กับ Matter

คำพูดจาก A.N. Scriabin: “ฉันจะบอกพวกเขา (ผู้คน) - เพื่อที่พวกเขา... อย่าคาดหวังอะไรจากชีวิต ยกเว้นสิ่งที่พวกเขาสร้างขึ้นเองได้... ฉันจะบอกพวกเขาว่าไม่มีอะไรเลย” เสียใจว่าไม่มีการสูญเสีย จึงไม่กลัวความสิ้นหวัง ซึ่งผู้เดียวเท่านั้นที่สามารถสร้างชัยชนะที่แท้จริงได้”

คำพูดเกี่ยวกับ A.N. Scriabin: “งานของ Scriabin คือช่วงเวลาของเขาที่แสดงออกด้วยเสียง แต่เมื่อสิ่งชั่วคราวพบการแสดงออกในผลงานของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่ มันก็ได้รับความหมายที่ถาวรและยั่งยืน” จี.วี. เพลคานอฟ

A.N. Scriabin "โพร"

7. (1873 - 1943)

Sergei Vasilyevich Rachmaninov เป็นนักแต่งเพลงที่ใหญ่ที่สุดในโลกในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 นักเปียโนและผู้ควบคุมวงที่มีความสามารถ ภาพลักษณ์ที่สร้างสรรค์ของ Rachmaninoff นักแต่งเพลงมักถูกกำหนดโดยฉายา "นักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุด" โดยเน้นย้ำในการกำหนดสั้น ๆ นี้ข้อดีของเขาในการผสมผสานประเพณีดนตรีของโรงเรียนการแต่งเพลงในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและในการสร้างสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเอง ซึ่งโดดเด่นในวัฒนธรรมดนตรีโลก
เกิดใน จังหวัดนอฟโกรอดตั้งแต่อายุสี่ขวบเขาเริ่มเรียนดนตรีภายใต้การแนะนำของแม่ เขาศึกษาที่ St. Petersburg Conservatory หลังจากเรียนมา 3 ปีเขาก็ย้ายไปที่ Moscow Conservatory และสำเร็จการศึกษาด้วยเหรียญทองขนาดใหญ่ เขากลายเป็นที่รู้จักอย่างรวดเร็วในฐานะวาทยากรและนักเปียโน และแต่งดนตรี การเปิดตัวรอบปฐมทัศน์แห่งความหายนะของนวัตกรรม First Symphony (1897) ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กทำให้เกิดวิกฤติของนักประพันธ์เพลงที่สร้างสรรค์ ซึ่ง Rachmaninov ปรากฏตัวขึ้นในช่วงต้นทศวรรษ 1900 ด้วยสไตล์ที่เป็นผู้ใหญ่ที่รวมเพลงในคริสตจักรของรัสเซียเข้าด้วยกัน แนวโรแมนติกของยุโรปออกไป อิมเพรสชั่นนิสม์สมัยใหม่ และนีโอคลาสสิก ทั้งหมดนี้เต็มรูปแบบ ของสัญลักษณ์ที่ซับซ้อน ในช่วงสร้างสรรค์นี้ผลงานที่ดีที่สุดของเขาเกิดขึ้น ได้แก่ เปียโนคอนแชร์โตครั้งที่ 2 และ 3, Second Symphony และที่สุดของเขา ชิ้นโปรด- บทกวี "ระฆัง" สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง นักร้องเดี่ยว และวงออเคสตรา
ในปี 1917 เขาถูกบังคับให้ออกจากประเทศของเราและตั้งถิ่นฐานในสหรัฐอเมริกา เป็นเวลาเกือบสิบปีหลังจากจากไป เขาไม่ได้แต่งอะไรเลย แต่ออกทัวร์อย่างกว้างขวางในอเมริกาและยุโรป และได้รับการยอมรับว่าเป็นหนึ่งในนักเปียโนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคนั้นและเป็นผู้ควบคุมวงหลัก สำหรับกิจกรรมที่วุ่นวายทั้งหมดของเขา Rachmaninov ยังคงเป็นคนที่อ่อนแอและไม่ปลอดภัยพยายามดิ้นรนเพื่อความสันโดษและแม้กระทั่งความเหงาโดยหลีกเลี่ยงความสนใจที่น่ารำคาญของสาธารณชน เขารักและคิดถึงบ้านเกิดอย่างจริงใจ สงสัยว่าเขาทำผิดที่ทิ้งมันไปหรือเปล่า เขาสนใจกิจกรรมทั้งหมดที่เกิดขึ้นในรัสเซีย อ่านหนังสือ หนังสือพิมพ์และนิตยสาร และช่วยเหลือทางการเงินอยู่เสมอ ผลงานชิ้นสุดท้ายของเขา - Symphony No. 3 (1937) และ "Symphonic Dances" (1940) เป็นผลมาจากเส้นทางการสร้างสรรค์ของเขา โดยผสมผสานเอาสิ่งที่ดีที่สุดของสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขาเข้ากับความรู้สึกโศกเศร้าของการสูญเสียที่ไม่อาจแก้ไขได้และความโหยหาบ้านเกิดเมืองนอนของเขา

คำพูดจาก S.V. Rachmaninov:
“ฉันรู้สึกเหมือนผีเร่ร่อนอยู่คนเดียวในโลกที่แปลกสำหรับฉัน”
"ที่สุด คุณภาพสูงศิลปะทั้งหมดคือความจริงใจ”
"นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่มักจะให้ความสนใจกับทำนองซึ่งเป็นหลักการสำคัญทางดนตรีมาโดยตลอด เมโลดี้คือดนตรี ซึ่งเป็นพื้นฐานหลักของดนตรีทั้งหมด... ความสร้างสรรค์อันไพเราะในความหมายสูงสุดของคำคือหลัก เป้าหมายชีวิตนักประพันธ์เพลง.... ด้วยเหตุนี้ นักประพันธ์เพลงผู้ยิ่งใหญ่ในอดีตจึงให้ความสนใจบทเพลงพื้นบ้านของประเทศของตนเป็นอย่างมาก"

คำพูดเกี่ยวกับ S.V. Rachmaninov:
“รัชมานินอฟถูกสร้างขึ้นจากเหล็กกล้าและทองคำ เหล็กอยู่ในมือของเขา ทองคำอยู่ในใจของเขา ฉันไม่สามารถคิดถึงเขาได้โดยไม่ต้องเสียน้ำตา” ไอ. ฮอฟแมน
"ดนตรีของรัคมานินอฟคือมหาสมุทร คลื่นของมัน - ดนตรี - เริ่มต้นไกลเกินขอบฟ้า และยกคุณขึ้นลงอย่างช้าๆ... จนคุณรู้สึกถึงพลังและลมหายใจ" อ. คอนชาลอฟสกี้

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติ Rachmaninov ได้จัดคอนเสิร์ตการกุศลหลายครั้งซึ่งรายได้ที่เขาส่งไปยังกองทุนกองทัพแดงเพื่อต่อสู้กับผู้ยึดครองของนาซี

เอส.วี. รัชมานินอฟ เปียโนคอนแชร์โต้หมายเลข 2

8. (1882-1971)
Igor Fedorovich Stravinsky เป็นหนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่มีอิทธิพลมากที่สุดในโลกแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งเป็นผู้นำของนีโอคลาสสิก Stravinsky กลายเป็น "กระจกเงา" ของยุคดนตรี ผลงานของเขาสะท้อนให้เห็นถึงสไตล์ที่หลากหลายซึ่งตัดกันอย่างต่อเนื่องและยากที่จะจำแนก เขาผสมผสานประเภท รูปแบบ สไตล์ โดยเลือกจากหลายศตวรรษได้อย่างอิสระ ประวัติศาสตร์ดนตรีและอยู่ภายใต้กฎเกณฑ์ของคุณเอง
เกิดใกล้เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเขาเรียนที่คณะนิติศาสตร์มหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กศึกษาสาขาวิชาดนตรีอย่างอิสระเรียนบทเรียนส่วนตัวจาก N. A. Rimsky-Korsakov นี่เป็นโรงเรียนนักแต่งเพลงเพียงแห่งเดียวของ Stravinsky ต้องขอบคุณที่เขาเชี่ยวชาญเทคนิคการเรียบเรียงเพื่อความสมบูรณ์แบบ เขาเริ่มแต่งเพลงอย่างมืออาชีพค่อนข้างช้า แต่การเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็ว - ชุดบัลเล่ต์สามชุด: "The Firebird" (1910), "Petrushka" (1911) และ "The Rite of Spring" (1913) นำเขาขึ้นสู่ตำแหน่งทันที นักแต่งเพลงขนาดแรก
ในปี 1914 เขาออกจากรัสเซียตามที่ปรากฏเกือบตลอดไป (ในปี 1962 มีทัวร์ในสหภาพโซเวียต) ถูกบังคับให้เปลี่ยนหลายประเทศ - รัสเซีย สวิตเซอร์แลนด์ ฝรั่งเศส และสุดท้ายก็ไปอาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกา งานของเขาแบ่งออกเป็นสามช่วง - "รัสเซีย", "นีโอคลาสสิก", "การผลิตจำนวนมาก" ของอเมริกา ช่วงเวลาไม่แบ่งตามช่วงชีวิตของเขา ประเทศต่างๆแต่ตาม "ลายมือ" ของผู้เขียน
Stravinsky เป็นคนมีการศึกษาสูงและเข้ากับคนง่ายด้วย ความรู้สึกที่ดีอารมณ์ขัน. กลุ่มคนรู้จักและนักข่าวของเขาประกอบด้วยนักดนตรี กวี ศิลปิน นักวิทยาศาสตร์ นักธุรกิจ และรัฐบุรุษ
ความสำเร็จสูงสุดครั้งสุดท้ายของ Stravinsky - "Requiem" (Funeral Hymns) (1966) ซึมซับและผสมผสานประสบการณ์ทางศิลปะก่อนหน้าของผู้แต่งเข้าด้วยกันจนกลายเป็นการอุทิศตนที่แท้จริงของผลงานของอาจารย์
คุณลักษณะพิเศษประการหนึ่งที่โดดเด่นในงานของ Stavinsky - "ความเป็นเอกลักษณ์" ไม่ใช่เพื่อสิ่งใดที่เขาถูกเรียกว่า "ผู้แต่งเพลงหนึ่งพันหนึ่งสไตล์" การเปลี่ยนแปลงแนวเพลงสไตล์ทิศทางของพล็อตอย่างต่อเนื่อง - ผลงานแต่ละชิ้นของเขามีเอกลักษณ์เฉพาะตัว แต่เขากลับไปสู่การออกแบบที่ใคร ๆ ก็มองเห็นอยู่เสมอ ต้นกำเนิดของรัสเซียได้ยินเสียงรากรัสเซีย

ข้อความจาก I.F. Stravinsky: “ฉันพูดภาษารัสเซียมาตลอดชีวิต ฉันมีพยางค์ภาษารัสเซียอยู่ด้วย บางทีนี่อาจไม่ปรากฏให้เห็นในเพลงของฉันทันที แต่มันมีอยู่ในตัวมันเอง มันอยู่ในธรรมชาติที่ซ่อนอยู่”

คำพูดเกี่ยวกับ I.F. Stravinsky: “Stravinsky เป็นนักแต่งเพลงชาวรัสเซียอย่างแท้จริง... จิตวิญญาณของรัสเซียเป็นสิ่งที่ทำลายไม่ได้ในหัวใจของพรสวรรค์ที่ยอดเยี่ยมและหลากหลายแง่มุมอย่างแท้จริง เกิดจากดินแดนรัสเซียและเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับมัน…” D. Shostakovich

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ (นิทาน):
ครั้งหนึ่งในนิวยอร์ก Stravinsky ขึ้นแท็กซี่และต้องประหลาดใจเมื่ออ่านนามสกุลของเขาบนป้าย
-คุณเป็นญาติของผู้แต่งหรือเปล่า? - เขาถามคนขับ
- มีผู้แต่งที่มีนามสกุลเช่นนี้หรือไม่? - คนขับรู้สึกประหลาดใจ - ได้ยินเป็นครั้งแรก อย่างไรก็ตาม Stravinsky เป็นชื่อของเจ้าของรถแท็กซี่ ฉันไม่เกี่ยวอะไรกับดนตรีเลย ฉันนามสกุลรอสซินี...

ไอ.เอฟ. สตราวินสกี ห้องสวีท "ไฟร์เบิร์ด"

9. (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev เป็นหนึ่งในคีตกวีชาวรัสเซียที่ใหญ่ที่สุดในศตวรรษที่ 20 ทั้งนักเปียโน และผู้ควบคุมวง
เกิดใน ภูมิภาคโดเนตสค์มีส่วนร่วมในดนตรีมาตั้งแต่เด็ก Prokofiev ถือได้ว่าเป็นหนึ่งในไม่กี่คน (ถ้าไม่ใช่คนเดียว) ละครเพลงรัสเซีย "อัจฉริยะ" ตั้งแต่อายุ 5 ขวบเขามีส่วนร่วมในการแต่งเพลงตอนอายุ 9 ขวบเขาเขียนโอเปร่าสองเรื่อง (แน่นอนว่างานเหล่านี้ยังไม่บรรลุนิติภาวะ แต่พวกเขาแสดงความปรารถนาที่จะสร้าง) เมื่ออายุ 13 ปีเขาสอบผ่านที่วิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งเป็นหนึ่งในครูของเขา จุดเริ่มต้นของอาชีพการงานของเขาทำให้เกิดพายุแห่งการวิพากษ์วิจารณ์และความเข้าใจผิดเกี่ยวกับรูปแบบการประพันธ์ของเขาที่ต่อต้านความโรแมนติกโดยพื้นฐานและมีความทันสมัยอย่างมาก ความขัดแย้งก็คือในขณะที่ทำลายหลักการทางวิชาการ โครงสร้างการเรียบเรียงของเขายังคงเป็นจริงและต่อมากลายเป็นพลังที่ขัดขวาง ความสงสัยที่ปฏิเสธไม่ได้ทั้งหมด ตั้งแต่เริ่มต้นอาชีพของเขา Prokofiev แสดงและออกทัวร์มากมาย ในปีพ.ศ. 2461 เขาได้เดินทางไปต่างประเทศ รวมทั้งไปเยือนสหภาพโซเวียต และในที่สุดก็เดินทางกลับบ้านเกิดในปี พ.ศ. 2479
ประเทศมีการเปลี่ยนแปลงและความคิดสร้างสรรค์ "อิสระ" ของ Prokofiev ถูกบังคับให้ยอมจำนนต่อความเป็นจริงของความต้องการใหม่ พรสวรรค์ของ Prokofiev เปี่ยมล้นไปด้วยพลังที่ได้รับมาใหม่ - เขาเขียนโอเปร่า บัลเล่ต์ ดนตรีประกอบภาพยนตร์ - เฉียบแหลม มีความมุ่งมั่นตั้งใจ อย่างยิ่ง เพลงที่แม่นยำด้วยภาพลักษณ์และแนวคิดใหม่ ๆ ได้วางรากฐานสำหรับดนตรีคลาสสิกและโอเปร่าของโซเวียต ในปีพ.ศ. 2491 เหตุการณ์โศกนาฏกรรมสามเหตุการณ์เกิดขึ้นเกือบจะพร้อมๆ กัน ภรรยาชาวสเปนคนแรกของเขาถูกจับในข้อหาจารกรรมและถูกเนรเทศไปยังค่ายกักกัน มีการออกมติของ Poliburo ของคณะกรรมการกลางของพรรคคอมมิวนิสต์ All-Union แห่งบอลเชวิคซึ่ง Prokofiev, Shostakovich และคนอื่น ๆ ถูกโจมตีและถูกกล่าวหาว่าเป็น "ลัทธินอกระบบ" และเป็นอันตรายต่อดนตรีของพวกเขา สุขภาพของผู้แต่งเสื่อมโทรมลงอย่างมากเขาเกษียณไปที่เดชาและแทบจะไม่เคยออกไปไหนเลย แต่ยังคงแต่งเพลงต่อไป
หนึ่งในผลงานที่สดใสที่สุด ยุคโซเวียตกลายเป็นโอเปร่าเรื่อง "War and Peace", "The Tale of a Real Man"; บัลเลต์ “โรมิโอและจูเลียต” และ “ซินเดอเรลล่า” ซึ่งกลายเป็นมาตรฐานใหม่ของดนตรีบัลเล่ต์ระดับโลก "ผู้พิทักษ์โลก"; เพลงประกอบภาพยนตร์เรื่อง "Alexander Nevsky" และ "Ivan the Terrible"; ซิมโฟนีหมายเลข 5,6,7; งานเปียโน
ผลงานของ Prokofiev โดดเด่นด้วยความเก่งกาจและธีมที่หลากหลาย ความคิดริเริ่มทางดนตรีของเขา ความสดใหม่ และความคิดริเริ่มสร้างสรรค์นั้นประกอบขึ้นเป็นยุคทั้งหมดในวัฒนธรรมดนตรีโลกของศตวรรษที่ 20 และมีอิทธิพลอย่างมากต่อนักแต่งเพลงชาวโซเวียตและชาวต่างชาติหลายคน

คำพูดจาก S.S. Prokofiev:
“ศิลปินสามารถยืนหลีกหนีจากชีวิตได้หรือไม่.. ฉันยึดมั่นในความเชื่อมั่นว่านักแต่งเพลง เช่น กวี ประติมากร จิตรกร ถูกเรียกให้รับใช้มนุษย์และประชาชน... ก่อนอื่นเขาจำเป็นต้องเป็น พลเมืองในงานศิลปะของเขา เพื่อเชิดชูชีวิตมนุษย์และนำผู้คนไปสู่อนาคตที่สดใส…”
"ฉันเป็นสิ่งสำแดงแห่งชีวิต ซึ่งทำให้ฉันมีพลังที่จะต้านทานทุกสิ่งที่ไม่เป็นจิตวิญญาณ"

คำพูดเกี่ยวกับ S.S. Prokofiev: "... ทุกแง่มุมของดนตรีของเขาไพเราะ แต่มีสิ่งหนึ่งที่ผิดปกติอย่างสิ้นเชิงที่นี่ เห็นได้ชัดว่าเราทุกคนมีความล้มเหลวข้อสงสัยเพียงแค่ อารมณ์เสีย- และในช่วงเวลาเช่นนี้ แม้ว่าฉันจะไม่ได้เล่นหรือฟัง Prokofiev แต่แค่คิดถึงเขา ฉันก็ได้รับพลังอันเหลือเชื่อ ฉันก็รู้สึกปรารถนาอย่างยิ่งที่จะมีชีวิตอยู่และแสดง”

ข้อเท็จจริงที่น่าสนใจ: Prokofiev รักหมากรุกเป็นอย่างมาก และเสริมเกมด้วยแนวคิดและความสำเร็จของเขา รวมถึงหมากรุก "เก้าตัว" ที่เขาประดิษฐ์ขึ้น - กระดานขนาด 24x24 ที่มีตัวหมากเก้าชุดเรียงกัน

เอส.เอส. โปรโคเฟียฟ คอนแชร์โต้หมายเลข 3 สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา

10. มิทรี ดมิตรีวิช โชสตาโควิช (1906 - 1975)

Dmitry Dmitrievich Shostakovich เป็นหนึ่งในนักแต่งเพลงที่สำคัญและแสดงมากที่สุดในโลก อิทธิพลของเขาที่มีต่อดนตรีคลาสสิกสมัยใหม่นั้นมีมากมายมหาศาล การสร้างสรรค์ของเขาคือ การแสดงออกที่แท้จริงละครภายในของมนุษย์และเหตุการณ์ยากลำบากแห่งศตวรรษที่ 20 ที่ซึ่งส่วนตัวอย่างลึกซึ้งเกี่ยวพันกับโศกนาฏกรรมของมนุษย์และมนุษยชาติกับชะตากรรมของประเทศบ้านเกิดของเขา
เกิดที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเป็นคนแรก บทเรียนดนตรีได้รับจากแม่ของเขาสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่อเข้ามาซึ่งอธิการบดี Alexander Glazunov เปรียบเทียบเขากับโมสาร์ท - ดังนั้นเขาจึงทำให้ทุกคนประหลาดใจกับความสวยงามของเขา ความทรงจำทางดนตรีหูที่แหลมคมและของขวัญสำหรับการแต่งเพลง ในช่วงต้นทศวรรษที่ 20 ในตอนท้ายของเรือนกระจก Shostakovich มีผลงานของเขาเองและกลายเป็นหนึ่งใน นักแต่งเพลงที่ดีที่สุดประเทศ. ชื่อเสียงระดับโลกมาถึงโชสตาโควิชหลังจากชัยชนะในปี 2470
จนถึงช่วงระยะเวลาหนึ่งคือก่อนการผลิตโอเปร่า "Lady Macbeth of Mtsensk" โชสตาโควิชทำงานเป็นศิลปินอิสระ - "เปรี้ยวจี๊ด" โดยทดลองสไตล์และแนวเพลง การรื้อถอนโอเปร่านี้อย่างรุนแรงซึ่งจัดขึ้นในปี 2479 และการปราบปรามในปี 2480 ถือเป็นจุดเริ่มต้นของการต่อสู้ภายในอย่างต่อเนื่องของโชสตาโควิชในการแสดงความคิดเห็นของเขาด้วยวิธีการของเขาเองในเงื่อนไขของการกำหนดแนวโน้มทางศิลปะของรัฐ ในชีวิตของเขาการเมืองและความคิดสร้างสรรค์มีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิดเขาได้รับการยกย่องจากเจ้าหน้าที่และถูกข่มเหงโดยพวกเขาดำรงตำแหน่งสูงและถูกปลดออกจากพวกเขาเขาและญาติของเขาได้รับรางวัลและใกล้จะถูกจับกุม
ด้วยความอ่อนโยน ฉลาด และละเอียดอ่อน เขาค้นพบรูปแบบในการแสดงออกถึงหลักการสร้างสรรค์ในรูปแบบซิมโฟนี ซึ่งเขาสามารถพูดความจริงเกี่ยวกับเวลาอย่างเปิดเผยที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ในบรรดาความคิดสร้างสรรค์ที่กว้างขวางของโชสตาโควิชในทุกประเภท ซิมโฟนี (ผลงาน 15 ชิ้น) ครองตำแหน่งศูนย์กลาง ซิมโฟนีที่เข้มข้นที่สุดที่น่าทึ่งที่สุดคือซิมโฟนี 5, 7, 8, 10, 15 ซึ่งกลายเป็นจุดสุดยอดของดนตรีซิมโฟนีของโซเวียต โชสตาโควิชที่แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิงเปิดเผยตัวเองในแชมเบอร์มิวสิค
แม้ว่าโชสตาโควิชเองจะเป็นนักแต่งเพลง "บ้าน" และแทบไม่เคยเดินทางไปต่างประเทศ แต่ดนตรีของเขามีมนุษยธรรมในสาระสำคัญและในรูปแบบศิลปะอย่างแท้จริงแพร่กระจายไปทั่วโลกอย่างรวดเร็วและกว้างขวางและดำเนินการโดยวาทยากรที่เก่งที่สุด ขนาดของพรสวรรค์ของ Shostakovich นั้นยิ่งใหญ่มากจนความเข้าใจอย่างถ่องแท้เกี่ยวกับปรากฏการณ์ศิลปะโลกอันเป็นเอกลักษณ์นี้ยังคงอยู่ข้างหน้า

คำพูดจาก D.D. Shostakovich: “ดนตรีที่แท้จริงสามารถแสดงได้เฉพาะความรู้สึกที่มีมนุษยธรรมเท่านั้น มีเพียงแนวคิดที่มีมนุษยธรรมขั้นสูงเท่านั้น”

ดี. โชสตาโควิช ซิมโฟนีหมายเลข 7 "เลนินกราด"

ดี. โชสตาโควิช เพลงวอลทซ์หมายเลข 2

Emtext-align: justifynbsp; หัวเรื่อง=

พวกเราหลายคนสามารถเดินทางจากศตวรรษที่ 20 ถึงวันที่ 21 โดยไม่ต้องใช้ไทม์แมชชีน อย่างที่พวกเขาพูดกัน เราอาศัยอยู่ที่ทางแยกของสองศตวรรษ ดังนั้นเมื่อพูดถึงคีตกวีสมัยใหม่คือใครและอยู่ในศตวรรษใดเราต้องคำนึงถึงเรื่องนี้ด้วย ไม่นานมานี้ความทันสมัยถือเป็นศตวรรษที่ 20 แต่เมื่อศตวรรษที่ 21 มาถึง ศตวรรษก่อนหน้าก็กลายเป็นอดีตโดยอัตโนมัติ

คำศัพท์เฉพาะทาง

ก่อนที่คุณจะเริ่มพูดถึงหัวข้อดังกล่าว คุณควรตัดสินใจเลือกคำศัพท์ที่จำเป็น ก่อนอื่นเลย ดนตรีคลาสสิกคืออะไร? ประการที่สอง ใครคือนักประพันธ์เพลงสมัยใหม่? ความคิดเห็นที่น่าสนใจจาก Stephen Fry จะช่วยให้คุณเข้าใจปัญหาเหล่านี้ หนังสือของเขาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ดนตรีคลาสสิกนั้นน่ายินดีมากจนบางครั้งก็เป็นไปไม่ได้ที่จะแยกตัวออกจากพวกเขา เขากำหนดประเด็นที่วางไว้อย่างชัดเจนและชัดเจนมาก

เพลงคลาสสิค. หากเราพิจารณาคำนี้ในความหมายแคบของคำ ก็จะเห็นได้ชัดว่าคำนี้หมายถึงช่วงเวลาอันสั้นของลัทธิคลาสสิกซึ่งครอบงำตั้งแต่ปี 1750 ถึง 1830 ในความหมายกว้างๆ ดนตรีคลาสสิกหมายถึงดนตรีที่จริงจังซึ่งต้องอาศัยความสนใจในการฟังและความพยายามด้านอารมณ์

นักประพันธ์เพลงสมัยใหม่ เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่าดนตรีคลาสสิกได้ยืนหยัดอยู่เหนือกาลเวลา แล้วจะทันสมัยได้อย่างไร? การเปลี่ยนแปลงบางอย่างเกิดขึ้นอย่างแม่นยำเมื่อเราก้าวเข้าสู่ศตวรรษที่ 21 โดยออกจากศตวรรษที่ 20 ไว้ในอดีต ปรากฎว่านักประพันธ์เพลงคลาสสิกสมัยใหม่อยู่ในศตวรรษที่ 20 จะทำอย่างไรกับดนตรีคลาสสิกในศตวรรษที่ 21? ความหมายในที่นี้คือ ใช้คำนี้ในความหมายกว้างๆ - เป็นเพลงจริงจังที่ทำให้คุณคิดและต้องใช้ความพยายามทางอารมณ์

คีตกวีชาวรัสเซียผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20 รายการ

รายการด้านล่างไม่ใช่ตามลำดับเวลา แต่เป็นเรียงตามตัวอักษร แน่นอนว่าเป็นไปได้ที่จะแยกแยะหรือชี้ให้เห็นถึงสิ่งที่โดดเด่นเป็นพิเศษ แต่เนื่องจากบุคคลเหล่านี้เป็นตัวแทนที่ฉลาดที่สุดในศตวรรษของพวกเขาจึงสามารถเรียกพวกเขาได้อย่างปลอดภัย - นักประพันธ์เพลงสมัยใหม่ผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20 รายชื่อไม่ได้มีเพียงนักประพันธ์เพลงที่เกิดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20 เท่านั้น ผลงานของพวกเขาเป็นที่รู้จักแล้วในช่วงเวลานี้ หรือความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาเฟื่องฟูในศตวรรษที่ 20

นักแต่งเพลงชาวต่างประเทศแห่งศตวรรษที่ 20 รายการ

คีตกวีชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 21

เป็นไปไม่ได้ที่จะมอบหมายให้ผู้สร้างเพลงบางคนไปอยู่ในศตวรรษใดช่วงหนึ่งโดยเฉพาะ ท้ายที่สุดแล้วผลงานของนักประพันธ์เพลงสมัยใหม่หลายรายได้รับการตีพิมพ์และสมควรได้รับความสนใจอย่างคุ้มค่าทั้งในศตวรรษที่ 20 และในวันที่ 21 นี่เป็นเรื่องจริงโดยเฉพาะอย่างยิ่งสำหรับนักประพันธ์เพลงที่มีชีวิตซึ่งมีชื่อเสียงในด้านการสร้างสรรค์ทางศิลปะที่สูงส่งในศตวรรษที่ผ่านมาและยังคงแต่งเพลงต่อไป ในปัจจุบัน เรากำลังพูดถึง Rodion Konstantinovich Shchedrin, Sofia Asgatovna Gubaidulina และคนอื่น ๆ

อย่างไรก็ตามยังมีนักแต่งเพลงชาวรัสเซียที่ไม่ค่อยมีใครรู้จักในศตวรรษที่ 21 ที่สร้างผลงานเพลงที่ยอดเยี่ยม แต่ชื่อของพวกเขาไม่ได้รับความนิยม

• บาตากอฟ แอนตัน.
• บาชี อเล็กซานเดอร์.
• เอคิมอฟสกี้ วิคเตอร์.
• คาร์มานอฟ พาเวล.
• โคโรวิทซิน วลาดิเมียร์.
• มาร์เคลอฟ พาเวล.
• มาร์ตีนอฟ วลาดิมีร์.
• ปาฟโลวา อัลลา.
• เปคาร์สกี้ มาร์ก.
• ซาวาลอฟ ยูริ.
• ซาเวเลฟ ยูริ.
• เซอร์กีวา ทัตยานา.

รายการนี้สามารถขยายได้อย่างมาก

เกี่ยวกับนักประพันธ์เพลงร่วมสมัย

เปคาร์สกี มาร์ก (เกิด พ.ศ. 2483) เขามีชื่อเสียงจากเครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน บรรยากาศในคอนเสิร์ตของเขาเอื้อต่อเสียงหัวเราะ เนื่องจากผู้แต่งสามารถสร้างเรื่องตลกดีๆ ขณะแสดงดนตรีได้ (และในช่วงพัก)

Martynov Vladimir (เกิด พ.ศ. 2489) - นักแต่งเพลงแนวมินิมอล เป็นการผสมผสานระหว่างศาสนาและ "ความก้าวหน้า" ปรมาจารย์ด้านดนตรีแนวจริงจังยุคใหม่สามารถถ่ายทอดได้มากมายโดยใช้วิธีการเพียงเล็กน้อย

เอกิมอฟสกี้ วิกเตอร์ (เกิด พ.ศ. 2490) ผลงานเชิงโปรแกรมของเขาที่มีชื่อสดใสดึงดูดความสนใจ ได้แก่ "B" (ดนตรีที่เขียนสำหรับฟลุตและโฟโนแกรม), "Siamese Concerto" (สำหรับเปียโน 2 ตัว), "Sublimations" (สำหรับวงซิมโฟนีออร์เคสตรา), "27 Destructions" (สำหรับเครื่องเพอร์คัชชัน) และอื่นๆ อีกมากมาย

(บี. 1951). ในผลงานของเธอ เราจะสัมผัสได้ถึงอิทธิพลของดนตรีของ A. Scriabin การบิน ความสั่นสะเทือน ไฟไหม้มากมาย เปียโนคอนแชร์โตครั้งที่สองดึงดูดความสนใจของผู้ฟังด้วยการพัฒนาแบบไดนามิกและตอนจบอย่างกะทันหัน ซึ่งนำผู้ฟังไปสู่ยุคกลางแล้วนำเขากลับมา

Alla Pavlova (เกิด พ.ศ. 2495) - นักแต่งเพลงผู้อพยพ ปัจจุบันอาศัยอยู่ในอเมริกา เพลงของเธอไพเราะ เศร้า และโศกเศร้าในเวลาเดียวกัน เธอเขียนซิมโฟนีหกเพลงด้วยไมเนอร์คีย์ ซึ่งเป็นโศกนาฏกรรมทั้งหมด

ดังที่เราเห็น ดนตรีของนักประพันธ์สมัยใหม่มีความหลากหลาย น่าทึ่ง และน่าดึงดูด ผู้สร้างหลายคนชอบการทดลองและกำลังมองหารูปแบบใหม่ๆ ซึ่งรวมถึง Bakshi Alexander (เกิด พ.ศ. 2495) ในบรรดาผลงานของเขา "Unanswered Call" ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับไวโอลินโดยเฉพาะ 6-7 โดดเด่น โทรศัพท์มือถือและวงออเคสตราเครื่องสาย

มาร์เคลอฟ พาเวล (เกิด พ.ศ. 2510) หนึ่งในพื้นที่โปรดของเขาคือดนตรีศักดิ์สิทธิ์ เขาเขียนซิมโฟนีสำหรับวงออเคสตรา โซนาตาท่อนฟรีสำหรับเปียโน และซิมโฟนีระฆัง 20 ชิ้น

นักแต่งเพลงร่วมสมัยสำหรับเด็ก

ตัวแทนที่โดดเด่น ได้แก่ Yuri Savalov, Vladimir Korovitsyn, Yuri Savelyev

ยูริ ซาวาลอฟเป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ เป็นครูที่ยอดเยี่ยม และผู้เรียบเรียงที่ยอดเยี่ยม เขาเป็นผู้นำวงออเคสตราที่โรงเรียนดนตรีเด็กอย่างกระตือรือร้น เขายังเป็นนักแสดงที่ดีอีกด้วย เขาเล่นคีย์บอร์ดและเครื่องดนตรีลม ผลงานเปียโนทั้งเก้าชิ้นของเขามีคำบรรยาย: "Mother", "Confession", "Wind of Wandering", "Inspiration", "Ball in the Prince's Castle", "Prelude", "March", "Waltz", "Lullaby ". ล้วนน่าสนใจ หลากหลาย และสวยงามมาก

วลาดิมีร์ โคโรวิตซิน เกิดเมื่อปี 1955 ผลงานของเขาประกอบด้วยดนตรีที่เขียนในรูปแบบโรแมนติกต่างๆ ผลงานทางจิตวิญญาณที่เขียนขึ้นสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง แชมเบอร์ และวงซิมโฟนีออร์เคสตรา สำหรับเด็ก เขาเขียนคอลเลกชันเพลงสำหรับเด็กชื่อ "Rejoice in the Sun" และ "Children's Album" สำหรับเปียโน บทละครเป็นส่วนเสริมที่ยอดเยี่ยมให้กับละครของนักเรียน ชื่อของบทละครสะท้อนถึงตัวละครและอารมณ์ของพวกเขาได้อย่างถูกต้อง: "Thumbelina", "รองเท้าไม้", "รูปแบบของชาวนาพร้อมหีบเพลง", "Emelya Rides on the Stove", "Sad Princess", "Girls 'Round Dance" .

เพลงสำหรับเด็ก

เพลงเด็กของนักประพันธ์สมัยใหม่เต็มไปด้วยการมองโลกในแง่ดีและร่าเริง แม้ว่าบางส่วนจะถูกสร้างขึ้นเมื่อครึ่งศตวรรษก่อน แต่ยังคงไม่เพียงแต่มีความเกี่ยวข้องเท่านั้น แต่ยังค่อนข้างทันสมัยอีกด้วย สิ่งที่พิจารณามากที่สุดคือ V. Shainsky, I. Dunaevsky, D. Kabalevsky, G. Gladkov เราฟังเพลงที่ร่าเริงและขี้เล่นของพวกเขาอย่างเพลิดเพลิน ร้องเพลงพวกเขาเองและร่วมกับเด็ก ๆ

ไม่ใช่ทุกคนที่รู้ว่าเป็น G. Gladkov ผู้สร้างท่วงทำนองจากภาพยนตร์และการ์ตูนยอดนิยมเช่น "หนูน้อยหมวกแดง", "เกี่ยวกับ Fedot the Archer", "Children of Captain Grant", "At the Order of the Pike", “อีกาดินน้ำมัน” และอื่น ๆ

ผู้สร้างตำนานอีกคน เพลงสมัยใหม่สำหรับเด็ก - V. Shainsky เขามีมากกว่าสามร้อยคน การฟัง "The Blue Carriage", "Piggy", "Chunga-Changa", "Antoshka" และอื่น ๆ อีกมากมายก็เพียงพอแล้วที่จะเข้าใจว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์เพียงใด

ดังนั้นนักประพันธ์เพลงสมัยใหม่จึงไม่เพียงแต่เป็นนักแต่งเพลงที่ยังมีชีวิตอยู่หรือเพิ่งเสียชีวิตในศตวรรษที่ 21 เท่านั้น แต่ยังเป็นปรมาจารย์แห่งศตวรรษที่ 20 อีกด้วย ทั้งคู่สร้างดนตรีประเภทต่าง ๆ และลักษณะที่แตกต่างกันซึ่งสมควรได้รับความสนใจจากผู้ฟังและนักดนตรี

ท่วงทำนองและเพลงของชาวรัสเซียเป็นแรงบันดาลใจให้กับผลงานของนักประพันธ์เพลงชื่อดังในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 หนึ่งในนั้นคือ P.I. ไชคอฟสกี ส.ส. Mussorgsky, M.I. กลินกา และ เอ.พี. โบโรดิน. ประเพณีของพวกเขายังคงดำเนินต่อไปโดยดาราจักรดนตรีที่โดดเด่นทั้งกาแล็กซี นักแต่งเพลงชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20 ยังคงได้รับความนิยม

อเล็กซานเดอร์ นิโคเลวิช สกริยาบิน

ความคิดสร้างสรรค์ของ A.N. Scriabin (1872 - 1915) นักแต่งเพลงชาวรัสเซียและนักเปียโน ครู และนักสร้างสรรค์ที่มีพรสวรรค์ ไม่สามารถปล่อยให้ใครก็ตามที่ไม่แยแสได้ ในเพลงต้นฉบับและห่ามของเขา บางครั้งอาจได้ยินช่วงเวลาที่ลึกลับ ผู้แต่งถูกดึงดูดและดึงดูดด้วยภาพแห่งไฟ แม้แต่ในชื่อผลงานของเขา Scriabin ก็มักจะพูดคำซ้ำเช่นไฟและแสงสว่าง เขาพยายามค้นหาความเป็นไปได้ที่จะผสมผสานเสียงและแสงเข้ากับผลงานของเขา

พ่อของนักแต่งเพลง Nikolai Alexandrovich Scriabin เป็นนักการทูตรัสเซียที่มีชื่อเสียงและสมาชิกสภาแห่งรัฐที่กระตือรือร้น Mother - Lyubov Petrovna Skryabina (nee Shchetinina) เป็นที่รู้จักในฐานะนักเปียโนที่มีความสามารถมาก เธอสำเร็จการศึกษาด้วยเกียรตินิยมจากวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ของเธอ กิจกรรมระดับมืออาชีพเริ่มประสบความสำเร็จ แต่ไม่นานหลังจากที่ลูกชายของเธอเกิดเธอก็เสียชีวิตจากการบริโภค ในปี พ.ศ. 2421 นิโคไล อเล็กซานโดรวิช สำเร็จการศึกษาและได้รับการแต่งตั้งให้เป็นสถานทูตรัสเซียในกรุงคอนสแตนติโนเปิล การเลี้ยงดูของนักแต่งเพลงในอนาคตดำเนินต่อไปโดยญาติสนิทของเขา - ยายของเขา Elizaveta Ivanovna, Maria Ivanovna น้องสาวของเธอและ Lyubov Alexandrovna น้องสาวของพ่อของเขา

แม้ว่าเมื่ออายุได้ห้าขวบ Scriabin ก็เชี่ยวชาญการเล่นเปียโนและหลังจากนั้นไม่นานก็เริ่มศึกษาการประพันธ์ดนตรีตามประเพณีของครอบครัวเขาได้รับ การศึกษาทางทหาร- เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนนายร้อยมอสโกที่ 2 ในเวลาเดียวกัน เขาได้เรียนเปียโนและทฤษฎีดนตรีแบบส่วนตัว ต่อมาเขาได้เข้าเรียนที่ Moscow Conservatory และสำเร็จการศึกษาด้วยเหรียญทองขนาดเล็ก

ในช่วงเริ่มต้นของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา Scriabin ติดตามโชแปงอย่างมีสติและเลือกแนวเพลงเดียวกัน อย่างไรก็ตาม แม้ในขณะนั้นพรสวรรค์ของเขาก็ปรากฏออกมาแล้ว ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 เขาเขียนซิมโฟนีสามเพลง ต่อมาคือ "Poem of Ecstasy" (1907) และ "Prometheus" (1910) ที่น่าสนใจคือผู้แต่งเสริมโน้ตเพลง "Prometheus" ด้วยท่อนคีย์บอร์ดแบบเบา เขาเป็นคนแรกที่ใช้ดนตรีเบา ๆ โดยมีจุดประสงค์เพื่อแสดงดนตรีโดยวิธีการรับรู้ทางสายตา

การเสียชีวิตโดยบังเอิญของนักแต่งเพลงทำให้งานของเขาหยุดชะงัก เขาไม่เคยตระหนักถึงแผนการของเขาที่จะสร้าง "ความลึกลับ" - ซิมโฟนีของเสียง สี การเคลื่อนไหว กลิ่น ในงานนี้ Scriabin ต้องการบอกมนุษยชาติทั้งหมดถึงความคิดที่อยู่ในใจของเขา และสร้างแรงบันดาลใจให้พวกเขาสร้างโลกใหม่ โดดเด่นด้วยการรวมตัวกันของจิตวิญญาณและสสารสากล ที่สุดของเขา ผลงานที่สำคัญเป็นเพียงคำนำของโครงการอันยิ่งใหญ่นี้เท่านั้น

นักแต่งเพลง นักเปียโน วาทยกรชื่อดังชาวรัสเซีย S.V. Rachmaninov (พ.ศ. 2416 - 2486) เกิดมาในตระกูลขุนนางผู้มั่งคั่ง ปู่ของ Rachmaninov เป็นนักดนตรีมืออาชีพ แม่ของเขาเป็นผู้ให้บทเรียนเปียโนครั้งแรกของเขา และต่อมาพวกเขาก็เชิญครูสอนดนตรี A.D. ออร์นัตสกายา ในปี พ.ศ. 2428 พ่อแม่ของเขาส่งเขาไปโรงเรียนประจำเอกชนร่วมกับศาสตราจารย์ของ Moscow Conservatory N.S. ซเวเรฟ มีระเบียบวินัยเข้าไว้. สถาบันการศึกษามีอิทธิพลสำคัญต่อการก่อตัวของตัวละครในอนาคตของนักแต่งเพลง ต่อมาเขาสำเร็จการศึกษาจาก Moscow Conservatory ด้วยเหรียญทอง ในขณะที่ยังเป็นนักเรียนอยู่ Rachmaninov ได้รับความนิยมอย่างมากในหมู่ประชาชนชาวมอสโก เขาได้สร้าง "First Piano Concerto" ของเขาแล้ว เช่นเดียวกับละครโรแมนติกและบทละครอื่นๆ และเพลง "Prelude in C Sharp minor" ของเขาก็กลายเป็นเพลงที่ได้รับความนิยมอย่างมาก พีไอผู้ยิ่งใหญ่ ไชคอฟสกีดึงความสนใจไปที่งานสำเร็จการศึกษาของ Sergei Rachmaninov - โอเปร่า "Oleko" ซึ่งเขาเขียนภายใต้ความประทับใจของบทกวีของ A.S. พุชกิน "ยิปซี" Pyotr Ilyich ประสบความสำเร็จในการผลิตที่โรงละครบอลชอยพยายามช่วยรวมงานนี้ไว้ในละครของโรงละคร แต่ก็เสียชีวิตอย่างกะทันหัน

ตั้งแต่อายุยี่สิบ Rachmaninov สอนในสถาบันหลายแห่งและให้บทเรียนส่วนตัว ตามคำเชิญของผู้ใจบุญผู้โด่งดังผู้แสดงละครและดนตรี Savva Mamontov เมื่ออายุ 24 ปีนักแต่งเพลงก็กลายเป็นวาทยากรคนที่สองของมอสโกรัสเซีย โอเปร่าส่วนตัว- ที่นั่นเขากลายเป็นเพื่อนกับ F.I. ชลีพิน.

อาชีพของรัคมานินอฟถูกขัดจังหวะในวันที่ 15 มีนาคม พ.ศ. 2440 เนื่องจากสาธารณชนในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไม่ยอมรับ First Symphony ที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของเขา บทวิจารณ์งานนี้ช่างทำลายล้างอย่างแท้จริง แต่ความผิดหวังที่ใหญ่ที่สุดของผู้แต่งคือคำวิจารณ์เชิงลบที่ N.A. Rimsky-Korsakov ซึ่งความเห็นของ Rachmaninov มีคุณค่าอย่างมาก หลังจากนั้นเขาก็ตกอยู่ในภาวะซึมเศร้าเป็นเวลานานซึ่งเขาสามารถหลุดออกมาได้ด้วยความช่วยเหลือของนักสะกดจิต N.V. ดาเลีย.

ในปี 1901 Rachmaninov เสร็จสิ้นการทำงานใน Second Piano Concerto และนับจากนี้เป็นต้นไปกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขาในฐานะนักแต่งเพลงและนักเปียโนก็เริ่มขึ้น สไตล์อันเป็นเอกลักษณ์ของรัคมานินอฟรวมชาวรัสเซียเข้าด้วยกัน เพลงสวดของคริสตจักร, แนวโรแมนติกและอิมเพรสชั่นนิสต์ เขาถือว่าทำนองเป็นหลักสำคัญในดนตรี การแสดงออกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดพบสิ่งนี้ในผลงานโปรดของผู้เขียน - บทกวี "Bells" ซึ่งเขาเขียนสำหรับวงออเคสตรา คณะนักร้องประสานเสียง และศิลปินเดี่ยว

ในตอนท้ายของปี 1917 Rachmaninov และครอบครัวของเขาออกจากรัสเซียไปทำงานในยุโรปแล้วไปอเมริกา นักแต่งเพลงมีช่วงเวลาที่ยากลำบากในการพบกับบ้านเกิดของเขา ในช่วงมหาสงครามแห่งความรักชาติที่พระองค์ประทานให้ คอนเสิร์ตการกุศลรายได้ที่ส่งเข้ากองทุนกองทัพแดง

ดนตรีของ Stravinsky โดดเด่นด้วยความหลากหลายของโวหาร ในช่วงเริ่มต้นของกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขา มีพื้นฐานมาจากชาวรัสเซีย ประเพณีดนตรี- จากนั้นในงานเราจะได้ยินอิทธิพลของนีโอคลาสซิซิสซึ่มลักษณะของดนตรีของฝรั่งเศสในยุคนั้นและความซ้ำซากจำเจ

Igor Stravinsky เกิดที่ Oranienbaum (ปัจจุบันคือเมือง Lomonosov) ในปี 1882 พ่อของนักแต่งเพลงในอนาคต Fyodor Ignatievich เป็นผู้มีชื่อเสียง นักร้องเพลงโอเปร่าหนึ่งในศิลปินเดี่ยวของโรงละคร Mariinsky แม่ของเขาเป็นนักเปียโนและนักร้อง Anna Kirillovna Kholodovskaya ครูสอนเปียโนให้เขาตั้งแต่อายุเก้าขวบ หลังจากสำเร็จการศึกษาระดับมัธยมปลาย เขาได้เข้าคณะนิติศาสตร์ของมหาวิทยาลัยตามคำขอของพ่อแม่ เป็นเวลาสองปีตั้งแต่ปี 1904 ถึง 1906 เขาเรียนบทเรียนจาก N.A. Rimsky-Korsakov ภายใต้การแนะนำของเขาเขาเขียนผลงานชิ้นแรกของเขา - Scherzo, โซนาต้าเปียโนและชุด "Faun and Shepherdess" Sergei Diaghilev ชื่นชมความสามารถของนักแต่งเพลงเป็นอย่างมากและเสนอความร่วมมือให้เขา ผลงานร่วมกันคือบัลเล่ต์สามชุด (จัดแสดงโดย S. Diaghilev) - "The Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring"

ไม่นานก่อนสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ผู้แต่งเดินทางไปสวิตเซอร์แลนด์ จากนั้นก็ไปฝรั่งเศส ในงานของเขามา ช่วงใหม่- เขาศึกษารูปแบบดนตรีของศตวรรษที่ 18 เขียนโอเปร่า Oedipus the King และดนตรีสำหรับบัลเล่ต์ Apollo Musagete ลายมือของผู้เขียนมีการเปลี่ยนแปลงหลายครั้งเมื่อเวลาผ่านไป นักแต่งเพลงอาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกาเป็นเวลาหลายปี ครั้งสุดท้ายของเขา งานที่มีชื่อเสียง"บังสุกุล". คุณสมบัติพิเศษของผู้แต่ง Stravinsky คือความสามารถในการเปลี่ยนสไตล์แนวเพลงและทิศทางดนตรีอยู่ตลอดเวลา

นักแต่งเพลง Prokofiev เกิดในปี 1891 ในหมู่บ้านเล็ก ๆ ในจังหวัด Ekaterinoslav โลกแห่งดนตรีเปิดให้เขาเห็นโดยแม่ของเขา นักเปียโนฝีมือดีซึ่งมักแสดงผลงานของโชแปงและเบโธเฟน เธอกลายเป็นที่ปรึกษาด้านดนตรีให้กับลูกชายของเธอและยังสอนภาษาเยอรมันและฝรั่งเศสให้เขาอีกด้วย

เมื่อต้นปี 1900 Prokofiev รุ่นเยาว์สามารถเข้าร่วมบัลเล่ต์ "The Sleeping Beauty" และฟังโอเปร่า "Faust" และ "Prince Igor" ความประทับใจที่ได้รับจากการแสดงของโรงละครมอสโกแสดงออกมา ความคิดสร้างสรรค์ของตัวเอง- เขาเขียนโอเปร่าเรื่อง The Giant และทาบทามเรื่อง Desert Shores ในไม่ช้าพ่อแม่ก็ตระหนักได้ว่าไม่สามารถสอนดนตรีให้ลูกชายต่อไปได้ ในไม่ช้านักประพันธ์เพลงผู้ทะเยอทะยานเมื่ออายุสิบเอ็ดปีก็ได้รับการแนะนำให้รู้จักกับนักแต่งเพลงชาวรัสเซียผู้โด่งดังและอาจารย์ S.I. Taneyev ซึ่งถาม R.M. กเลียร่าทำกับเซอร์เกย์ การประพันธ์ดนตรี- S. Prokofiev สอบผ่านเข้าโรงเรียนสอนดนตรีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเมื่ออายุ 13 ปี ในช่วงเริ่มต้นอาชีพของเขา นักแต่งเพลงได้ออกทัวร์และแสดงมากมาย อย่างไรก็ตาม งานของเขาทำให้เกิดความเข้าใจผิดในหมู่ประชาชน นี่เป็นเพราะคุณสมบัติของผลงานซึ่งแสดงดังต่อไปนี้:

• สไตล์สมัยใหม่
• การทำลายหลักดนตรีที่เป็นที่ยอมรับ
• ความฟุ่มเฟือยและความชาญฉลาดของเทคนิคการเรียบเรียง

ในปี 1918 S. Prokofiev จากไปและกลับมาในปี 1936 เท่านั้น ในสหภาพโซเวียตเขาเขียนเพลงสำหรับภาพยนตร์โอเปร่าและบัลเล่ต์ แต่หลังจากที่เขาถูกกล่าวหาว่า "เป็นทางการ" พร้อมด้วยนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ อีกจำนวนหนึ่ง เขาก็ย้ายไปอาศัยอยู่ในประเทศ แต่ยังคงเขียนผลงานดนตรีต่อไป โอเปร่าของเขา "สงครามและสันติภาพ" บัลเล่ต์ "โรมิโอและจูเลียต" "ซินเดอเรลล่า" กลายเป็นสมบัติของวัฒนธรรมโลก

คีตกวีชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20 ซึ่งมีชีวิตอยู่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษไม่เพียงแต่รักษาประเพณีของคนรุ่นก่อนเท่านั้น ปัญญาชนที่สร้างสรรค์แต่ยังสร้างงานศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองซึ่งผลงานของ P.I. ยังคงเป็นแบบจำลอง ไชคอฟสกี, M.I. กลินกา เอ็น.เอ. ริมสกี-คอร์ซาคอฟ