เครื่องดนตรีในฝรั่งเศสตอนท้ายคืออะไร เริ่มที่วิทยาศาสตร์

ต้นกำเนิดของ F. m. ย้อนกลับไปที่นิทานพื้นบ้านของชนเผ่าเซลติก กัลลิก และแฟรงก์ ที่อาศัยอยู่ในสมัยโบราณในดินแดนของฝรั่งเศสในปัจจุบัน ศิลปะเพลง Nar. และวัฒนธรรม Gallo-Roman ได้กลายเป็นรากฐานสำหรับการพัฒนา F. m. Ancient lit. และพรรณนา วัสดุบ่งบอกว่าดนตรีการเต้นรำถูกกำหนดให้เป็นสิ่งมีชีวิต บทบาทในชีวิตของผู้คน ดนตรีเป็นองค์ประกอบสำคัญของชีวิตครอบครัว ศาสนา พิธีกรรม ข้อมูลที่เชื่อถือได้เกี่ยวกับ Nar. เพลงนี้เป็นของศตวรรษที่ 15 (บันทึกการรอดชีวิตครั้งแรกของเธอย้อนหลังไปถึงเวลานี้)

ในผลงานของชาวฝรั่งเศส คติชนวิทยาถือว่ามีมากมาย ประเภทพื้นบ้าน เพลง: เนื้อเพลง, ความรัก, เพลงร้องเรียน (บ่น), เต้นรำ (rondes), เสียดสี, เพลงของช่างฝีมือ (chansons de metiers), ปฏิทินเป็นต้น คริสต์มาส (ประสานเสียง); แรงงาน ประวัติศาสตร์ การทหาร ฯลฯ นิทานพื้นบ้านยังรวมถึงเพลงที่เกี่ยวข้องกับความเชื่อของ Gallic และ Celtic - "เพลงเกี่ยวกับการกระทำ" (chansons de geste) ศิษยาภิบาล (อุดมคติของชีวิตในชนบท) ครอบครองสถานที่พิเศษท่ามกลางโคลงสั้น ๆ ธีมของความรักที่ไม่สมหวังและการพรากจากกันมีอิทธิพลเหนือเรื่องราวความรัก หลายเพลงมีไว้สำหรับเด็ก ๆ - เพลงกล่อมเด็กเกม แรงงาน (เพลงของคนเกี่ยวข้าว คนไถนา คนปลูกองุ่น ฯลฯ) เพลงของทหารและทหารเกณฑ์มีหลากหลาย กลุ่มพิเศษประกอบด้วยเพลงบัลลาดเกี่ยวกับสงครามครูเสด เพลงที่เผยให้เห็นถึงความโหดร้ายของขุนนางศักดินา กษัตริย์ และข้าราชบริพาร เพลงเกี่ยวกับการลุกฮือของชาวนา (นักวิจัยเรียกกลุ่มเพลงนี้ว่า "บทกวีมหากาพย์แห่งประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศส")

สำหรับชาวฝรั่งเศส นาร์ เพลงมีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยท่วงทำนองที่สง่างามและยืดหยุ่น ความเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดระหว่างดนตรีกับคำ ในรูปแบบที่ชัดเจนและมักจะเป็นคู่ โหมดเด่นเป็นธรรมชาติหลักและรอง ขนาด 2 และ 3 ส่วนเป็นเรื่องปกติ มิเตอร์ทั่วไปคือ 6/8 บ่อยครั้งที่พยางค์ซ้ำกันในคอรัสที่ไม่มีความหมาย: tin-ton-tena, ra-ta-plan, ron-ron เป็นต้น นาร์ เพลงมีความเกี่ยวข้องกับการเต้นรำ การเต้นรำนาร์ที่เก่าแก่ที่สุด ได้แก่ ระบำกลม ระบำหมู่และรำคู่ จิ๊ก, บอร์เร, ริโกดอน, ฟาแรนเดล, บรานเล่, ปาสเปียร์

หนึ่งในสิ่งมีชีวิต ชั้นภาษาฝรั่งเศส ดนตรี วัฒนธรรมคือคริสตจักร ดนตรีซึ่งแพร่หลายไปพร้อมกับศาสนาคริสต์ เริ่มตั้งแต่ ค.ศ. 4 ไปโบสถ์ ดนตรีได้รับอิทธิพลจากคนในท้องถิ่นมากขึ้นเรื่อยๆ อิทธิพล. คริสตจักรถูกบังคับให้ใช้สื่อเพลงพื้นบ้านในการบูชาเพื่อปรับตัว ข้อความถึง nar ที่มีอยู่ ท่วงทำนอง ในคาทอลิก คริสตจักร เพลงสวดยังเจาะเพลง (ในกอล Illarius of Poitiers มีชื่อเสียงในหมู่ผู้แต่ง) ที่. รูปแบบของพิธีกรรมในท้องถิ่นเกิดขึ้นและบทสวดของพวกเขาก็ถูกสร้างขึ้น ศุลกากร (เพลง Gallican) ศูนย์กลางของดนตรีลัทธิ Gallican มีความเข้มข้นใน Lugdun, Narbo, Massilia ในช่วงหลาย เป็นเวลาหลายศตวรรษที่พวกเขาต่อต้านนโยบายที่สิ้นเปลืองทั้งหมดของคริสตจักรโรมันซึ่งต่อต้านการนมัสการในท้องถิ่นเพื่อความสม่ำเสมอของคริสตจักร บริการ ในการต่อสู้ครั้งนี้ โรมได้รับการสนับสนุนจากกษัตริย์แฟรงค์

ในศตวรรษที่ 8-9 พิธีสวดแบบคริสต์นิกายกัลลิกันยุคแรกถูกแทนที่ด้วยพิธีสวดแบบเกรกอเรียน ซึ่งในที่สุดก็ได้รับการอนุมัติในศตวรรษที่ 11 การแพร่กระจายของบทสวดเกรกอเรียนในรัชสมัยของราชวงศ์การอแล็งเฌียง (751-987) เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของอารามเบเนดิกตินเป็นหลัก คาทอลิก วัดของJumiège (บนแม่น้ำแซน ใกล้ Rouen), Saint-Martial (ใน Limoges), Saint-Denis (ใกล้ปารีส), Cluny (ใน Burgundy) และใน Poitiers, Arles, Tours, Chartres และเมืองอื่น ๆ เป็นศูนย์กลางการโฆษณาชวนเชื่อของคริสตจักร ดนตรีเป็นศูนย์กลางของศ. ดนตรีทางจิตวิญญาณและทางโลกบางส่วน วัฒนธรรม. ที่วัดหลายแห่งมีการสวดมนต์ โรงเรียน (เมตร) ซึ่งพวกเขาสอนกฎการร้องเพลงเกรกอเรียนเล่นดนตรี เครื่องมือ ที่นี่หลักการของสัญกรณ์ได้รับการพัฒนา (ด้วยการถือกำเนิดของสัญกรณ์ที่ไม่มีความหมายในช่วงกลางศตวรรษที่ 9 นักเรียนเข้าใจพื้นฐานของสัญกรณ์นี้ ดู Nevmas) ความคิดสร้างสรรค์ของนักแต่งเพลงกลายเป็นรูปเป็นร่าง

ในศตวรรษที่ 9 เกี่ยวกับการล่มสลายของอาณาจักรชาร์ลมาญและการเสื่อมของตำแหน่งสันตะปาปาในโบสถ์ ความเป็นประชาธิปไตยมากขึ้น โดยพื้นฐานแล้ว แนวโน้ม "ต่อต้านเกรกอเรียน" ปรากฏในดนตรี รูปแบบใหม่พัฒนาขึ้น โดยเฉพาะลำดับ (ในฝรั่งเศสเรียกอีกอย่างว่าร้อยแก้ว) การสร้างรูปแบบนี้เกิดจากพระภิกษุสงฆ์แห่งอาราม St. Gallen (ในสวิตเซอร์แลนด์) Notker ซึ่งระบุไว้ในคำนำของ "Book of Hymns" ว่าเขาได้รับข้อมูลเกี่ยวกับลำดับจากพระสงฆ์จากวัด ของJumièges ต่อจากนั้นผู้เขียนร้อยแก้ว Adam จาก Abbey of Saint-Victor (ศตวรรษที่ 12) และ P. Corbeil (ต้นศตวรรษที่ 13 ผู้สร้าง Donkey Prose) ที่มีชื่อเสียงโด่งดังเป็นพิเศษในฝรั่งเศส

นอกเหนือจากลำดับแล้ว tropes ก็แพร่หลายเช่นกัน ในขั้นต้นส่วนแทรกเหล่านี้ที่อยู่ตรงกลางของบทสวดเกรกอเรียนไม่แตกต่างจากมันในธรรมชาติของดนตรีซึ่งเสริมหลัก สวดมนต์ ในอนาคตโดยการ tropization ให้กับคริสตจักร เพลงฆราวาสแทรกซึมเพลง ในช่วงเวลาเดียวกัน (เริ่มในศตวรรษที่ 10) ละครเกี่ยวกับพิธีกรรมได้ก่อตัวขึ้นในส่วนลึกของบริการอันศักดิ์สิทธิ์เอง (ในลิโมจส์ ตูร์ และเมืองอื่นๆ) ซึ่งถือกำเนิดจากบทสนทนาที่มี "คำถาม" และ "คำตอบ" สลับกัน สองกลุ่ม antiphonal ของคณะนักร้องประสานเสียง ค่อยๆทำพิธี ละครเริ่มเคลื่อนออกจากลัทธิมากขึ้น (พร้อมกับภาพจากพระวรสาร มีตัวละครที่เหมือนจริงรวมอยู่ด้วย)

สุดท้ายในหนึ่งเดียว บทสวดเกรกอเรียนเริ่มเจาะองค์ประกอบของโพลีโฟนีซึ่งเป็นที่รู้จักในภาษานาร์ อ้างสิทธิ์ตั้งแต่สมัยโบราณ ตัวอย่างแรกของการเขียน polyphony - organum ย้อนหลังไปถึงศตวรรษที่ 9 (พบได้อย่างแม่นยำในดินแดนของฝรั่งเศส) เป็นของรายการที่ได้รับในการทำงานของพระจาก Saint-Aman (Flanders) Gukbald ในบทความของเขา (ปลายศตวรรษที่ 9 - ต้นศตวรรษที่ 10) เขาได้สรุปหลักการของออร์แกน ในศ. เพลงถูกสร้างขึ้นเป็นรูปหลายเหลี่ยม สไตล์ที่แตกต่างจาก ดนตรี การปฏิบัติ ปรากฏการณ์เช่นการแสดงละครของคริสตจักร พิธีกรรม การแนะนำลำดับ การบูชา การถือกำเนิดของพิธีกรรม ละคร sprouts of polyphony ในบทสวดเกรกอเรียนเป็นพยานถึงอิทธิพลของนาร์ รสนิยม การแนะนำของคาทอลิก คริสตจักร คดีความ

พร้อมกับลัทธิดนตรีฆราวาสที่พัฒนาขึ้นซึ่งฟังในนาร์ ชีวิต ที่ราชสำนักของราชาแฟรงค์ ในปราสาทของขุนนางศักดินา สายการบินของนาร์ ดนตรี ประเพณีของยุคกลางคือ Ch. ร. นักดนตรีพเนจร - นักเล่นปาหี่ซึ่งเป็นที่นิยมมากในหมู่ประชาชน พวกเขาร้องเพลงที่มีคุณธรรมอารมณ์ขันเสียดสี เพลงเต้นรำไปกับ decomp. เครื่องมือ รวมทั้ง กลอง, กลอง, ขลุ่ย, เครื่องดนตรีที่ดึงออกมาเช่น พิณ (สิ่งนี้มีส่วนทำให้การพัฒนาของ instr. ดนตรี). นักเล่นปาหี่แสดงในวันหยุดในหมู่บ้าน ที่ศาลศักดินา และแม้แต่ในอาราม (พวกเขาเข้าร่วมในพิธีกรรมบางอย่าง การแสดงละครที่อุทิศให้กับวันหยุดของโบสถ์ เรียกว่าแคโรล) พวกเขาถูกข่มเหงโดยชาวคาทอลิก คริสตจักรในฐานะตัวแทนของวัฒนธรรมทางโลกที่เป็นปรปักษ์ ในศตวรรษที่ 12-13 ในหมู่นักเล่นปาหี่มีการแบ่งชั้นทางสังคม บางคนตั้งรกรากอยู่ในปราสาทของอัศวิน ตกอยู่ภายใต้การพึ่งพาอัศวินศักดินาโดยสิ้นเชิง บางคนตั้งรกรากอยู่ในเมือง ดังนั้นนักเล่นปาหี่ที่สูญเสียอิสระในการสร้างสรรค์จึงกลายเป็นนักดนตรีในปราสาทและภูเขาที่มีอัศวิน นักดนตรี อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ในขณะเดียวกันก็มีส่วนช่วยให้มีการบุกเข้าไปในปราสาทและเมืองนาร์ ความคิดสร้างสรรค์ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของดนตรีและบทกวีของอัศวินและคนเมือง คดีความ ในยุคปลายยุคกลางที่เกี่ยวข้องกับการเพิ่มขึ้นของฝรั่งเศสโดยทั่วไป วัฒนธรรมเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วและดนตรี เรียกร้อง. ในปราสาทศักดินาที่มีเตียงสองชั้น ดนตรีรุ่งเรืองฆราวาส muz.-กวี ชุดของนักท่องเทียวและนักท่องเทียว (ศตวรรษที่ 11-14) เพื่อคอน ค. ทางตอนใต้ ส่วนของประเทศในโพรวองซ์ซึ่งเมื่อถึงเวลานั้นก็มีระดับเศรษฐกิจที่สูงขึ้น และระดับวัฒนธรรม (ในภาคใต้ ก่อนภูมิภาคอื่น ๆ ของฝรั่งเศสและยุโรปโดยทั่วไปมีจุดเปลี่ยนในศีลธรรมของอัศวินจากความป่าเถื่อนที่หยาบคายไปสู่พฤติกรรมในราชสำนัก) มีชุดของนักเลงที่ไม่ใช่แค่วัฒนธรรมของอัศวิน แต่เป็นกวีนิพนธ์แบบฆราวาสแบบใหม่ซึ่งยังซึมซับและประเพณีเพลงพื้นบ้าน ที่มีชื่อเสียงในหมู่นักร้องคือ Marcabru, Guillaume IX - Duke of Aquitaine, Bernart de Ventadorn, Jaufre Rudel (ปลายศตวรรษที่ 11-12), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquiere (ปลายศตวรรษที่ 12-13)

ในชั้น 2 ค. ทั้งหมดใน ภูมิภาคของประเทศทิศทางที่คล้ายกันเกิดขึ้น - ชุดของ trouvers ซึ่งเดิมเป็นอัศวินและต่อมาได้สัมผัสกับเตียงสองชั้นมากขึ้นเรื่อย ๆ ความคิดสร้างสรรค์ ในบรรดา Trouvers พร้อมด้วยกษัตริย์ ขุนนางสูงสุด - Richard the Lionheart, Thibault of Champagne (King of Navarre) ตัวแทนของประชาธิปไตยได้รับชื่อเสียงในภายหลัง ชั้นของสังคม - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Moniot และคนอื่น ๆ

ใน Op. คณะนักร้องประสานเสียงยกย่องความกล้าหาญและขุนนางของนักรบ ร้องเพลงรักให้กับ "นางงาม" ธีมอัศวินมีชัยในงานของพวกเขา ประเภทเช่น ทุ่งหญ้าเลี้ยงสัตว์, อัลส์ (เพลงรุ่งอรุณ), เซอร์เวนท์, มหากาพย์ เพลงเต้นรำ สแตมพิดส์ งานศิลปะของพวกเขามีส่วนในการพัฒนามิวส์จำนวนมาก ประเภทและรูปแบบ - บัลลาด, virele, le, rondo; มันคาดหวังศิลปะบางอย่าง แนวโน้มยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ในการเชื่อมต่อกับการเติบโตของเมือง (Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse, ฯลฯ ) ใน Con. ศตวรรษที่ 12-13 ภูเขาพัฒนาแล้ว ดนตรี ศิลปะผู้สร้างซึ่งเป็นกวีนักร้องจากภูเขา ที่ดิน (ช่างฝีมือ ชาวเมืองธรรมดา และชนชั้นนายทุน) พวกเขานำลักษณะเฉพาะของตนเองมาใส่ในชุดสูทของนักเล่นและนักเล่นละคร โดยย้ายออกจากบทกวีดนตรีที่มีความกล้าหาญอย่างสูงส่ง ภาพที่เชี่ยวชาญรูปแบบพื้นบ้านในชีวิตประจำวันสร้างลักษณะเฉพาะประเภทของตัวเอง เจ้าแห่งขุนเขาที่ใหญ่ที่สุด ดนตรี วัฒนธรรมของศตวรรษที่ 13 เป็นกวีและนักแต่งเพลง อดัม เดอ ลา อัลเล ผู้แต่งเพลง โมเท็ต และบทละครเกี่ยวกับโรบินและแมเรียน (ค.ศ. 1283) ซึ่งเป็นที่นิยมในเวลานั้น เต็มไปด้วยภูเขา เพลงเต้นรำ (ความคิดในการสร้างการแสดงละครทางโลกที่เต็มไปด้วยดนตรีนั้นผิดปกติอยู่แล้ว) เขาตีความหัวเดียวแบบดั้งเดิมในรูปแบบใหม่ ดนตรี-กวี ประเภทของนักร้องโดยใช้โพลีโฟนี (ในผลงานของเขามี rondo 3 ประตู)

เสริมสร้างเศรษฐกิจ และความสำคัญทางวัฒนธรรมของเมือง การสร้างมหาวิทยาลัย (รวมถึงมหาวิทยาลัยปารีสในต้นศตวรรษที่ 13) ซึ่งได้รับความสนใจอย่างมากจากดนตรี ในบทบาทของดนตรีในฐานะศิลปะวา ในศตวรรษที่ 12 หนึ่งในศูนย์กลางของดนตรี ปารีสกลายเป็นวัฒนธรรมและเหนือสิ่งอื่นใด โรงเรียนสอนร้องเพลงของมหาวิหารนอเทรอดาม (โรงเรียนปารีสที่เรียกว่า) ซึ่งรวมเอาผู้เชี่ยวชาญที่ใหญ่ที่สุด - นักร้องนักแต่งเพลงนักวิทยาศาสตร์ ความเจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 12-13 เกี่ยวข้องกับโรงเรียนแห่งนี้ ลัทธิโพลิโฟนี (ดู Ars antiqua) การเกิดขึ้นของมนต์ใหม่ ประเภทการค้นพบในด้านดนตรี ทฤษฎี

ช. ศูนย์กลางของโพลีโฟนีซึ่งมีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 9 เป็นอาราม - ในชาตร์ (โรงเรียนสอนร้องเพลงฝรั่งเศสเหนือที่ใหญ่ที่สุดก่อตั้งขึ้นที่นี่), Saint-Martial ใน Limoges และอื่น ๆ ต้นฉบับของอารามเหล่านี้สร้างขั้นตอนของประวัติศาสตร์ . พัฒนาการของอวัยวะ (ดู Diaphonia, Treble) บุคคลสำคัญในโรงเรียนของมหาวิหารนอเทรอดาม - ผู้แยกทาง Leonin (ศตวรรษที่ 12) และ Perotin (ปลายศตวรรษที่ 12 - 1 ใน 3 ของศตวรรษที่ 13) ได้สร้างตัวอย่างสูงของรูปหลายเหลี่ยม คริสตจักร ดนตรี. เลโอนินมี 2 ประตู melismatic ออร์แกนซึ่งเป็นครั้งแรกที่เขาใช้การบันทึกเสียงเป็นจังหวะ (เขากำหนดจังหวะที่ชัดเจนของเสียงบนที่เคลื่อนไหว - เสียงแหลม) Perotin พัฒนาความสำเร็จของรุ่นก่อนของเขา: เขาไม่เพียงเขียน 2- แต่ยังเขียน 3-, 4-เป้าหมาย Prod. และ Perotin ซับซ้อนและเสริมกำลังของโพลีโฟนีตามจังหวะ (เขาเปรียบเทียบเสียงที่ต่ำกว่า - เทเนอร์กับกลุ่มของการจัดจังหวะ (ตามหลักการของวิธีการ) โดดเด่นด้วยการเคลื่อนไหวของเสียงบนที่เร็วขึ้น) รูปแบบใหม่ที่พัฒนาโดยตัวแทนของโรงเรียนวิหาร Notre Dame ปฏิเสธหลักการสวดมนต์เกรกอเรียน ในการผลิต นักแต่งเพลงเหล่านี้ บทสวดเกรกอเรียนเองก็ได้รับการเปลี่ยนแปลง: บทสวดที่ยืดหยุ่นและปราศจากจังหวะก่อนหน้านี้ได้รับความสม่ำเสมอมากขึ้น ความราบรื่น (จึงเป็นชื่อของบทสวดแคนทัสพลานัส) ซึ่งกำหนดโดยกลุ่มหลายฝ่าย คลังสินค้า. ภาวะแทรกซ้อนรูปหลายเหลี่ยม เนื้อเยื่อและจังหวะของมัน โครงสร้างจำเป็นต้องมีการกำหนดระยะเวลาที่ถูกต้อง (ตัวแทนของโรงเรียนในปารีสจากหลักคำสอนของโหมดมาถึงหลักคำสอนของมาตราส่วน) การปรับปรุงในสัญกรณ์ ในศตวรรษที่ 13 เริ่มมีการใช้สัญกรณ์ประจำเดือน (ในหมู่นักทฤษฎีที่จัดการกับปัญหานี้ - J. Garlandia)

Polyphony นำรูปแบบใหม่ของคริสตจักรและดนตรีฆราวาสมาสู่ชีวิตรวมถึง ความประพฤติและโมเท็ต ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 12-13 ความประพฤติปรากฏขึ้น - บทสวดที่แต่งอย่างอิสระในภาษาละติน ข้อความ (ของเนื้อหาทั้งทางจิตวิญญาณและทางโลก) ประเภทของ trope เขาเต็มไปด้วยนายกรัฐมนตรี ในช่วงเทศกาลคริสตจักร บริการ นี่เป็นประเภทการนำส่ง: ในตอนแรกความประพฤติถูกรวมอยู่ในพิธีสวดหลังจากนั้นพวกเขาก็กลายเป็นฆราวาสอย่างหมดจดได้รับแม้กระทั่งความหมายแฝงในชีวิตประจำวัน ในบรรดาผู้แต่ง - Perotin ขึ้นอยู่กับตัวนำในคอน ค. ในฝรั่งเศสมีการสร้างประเภท polygoal ที่สำคัญที่สุด เพลง - โมเต็ด. ตัวอย่างแรกๆ ยังเป็นของปรมาจารย์ของ Paris School (Perotin, Franco of Cologne, Pierre de la Croix) Motet อนุญาตให้มีเสรีภาพในการรวม li-turgich และเพลงฆราวาส ข้อความ (แต่ละเสียงมักจะมีข้อความของตัวเอง และมักจะใช้อายุเป็นภาษาละติน เสียงสูงในภาษาฝรั่งเศสและภาษาท้องถิ่น) จากการรวมตัวของคริสตจักร และท่วงทำนองเพลงก็ถือกำเนิดขึ้นในศตวรรษที่ 13 มุขตลก ความเชื่อมโยงของโพลีโฟนีกับรูปแบบในชีวิตประจำวันทำให้เกิดงานศิลปะที่ยอดเยี่ยม ผลลัพธ์.

โมเท็ตถูกใช้อย่างแพร่หลายในผลงานของตัวแทนของ ars nova ซึ่งเป็นขบวนการที่ก้าวหน้าซึ่งเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 14 ในดนตรีเชิงปรัชญา ในฆราวาสยุคแรกนี้ ดนตรี ในงานศิลปะ ความสำคัญอย่างยิ่งต่อปฏิสัมพันธ์ของดนตรี "ในชีวิตประจำวัน" และ "เชิงวิชาการ" (กล่าวคือ เพลงและโมเท็ต) ในศตวรรษที่ 14 เพลงได้เป็นผู้นำในหมู่รำพึง ประเภท นักประพันธ์เพลงหลักทุกคนพูดกับเธอ ในขณะเดียวกันเธอก็มีอิทธิพลอย่างมากต่อโมเท็ต แรกเริ่ม. ค. วัฏจักรของเพลงโดย Jeannot de Lecurel ปรากฏขึ้น - คอลเลกชันแรกของเพลงโดยผู้แต่งคนเดียวในฝรั่งเศส นักอุดมการณ์ของ ars nova เป็นกวีมนุษยนิยม นักแต่งเพลง นักทฤษฎีดนตรีและนักคณิตศาสตร์ Philippe de Vitry (เขาให้เครดิตกับบทความ "Ars nova" ซึ่งตั้งชื่อให้กับการเคลื่อนไหว) ซึ่งยืนยันหลักการของ "ศิลปะใหม่" . นวัตกรรมของ Philippe de Vitry ในด้านทฤษฎีนั้นเชื่อมโยงกับหลักคำสอนเรื่องพยัญชนะและความไม่ลงรอยกัน (เขาประกาศว่าสามและหกเป็นพยัญชนะ) เขายังแนะนำรูปแบบการแต่งเพลงใหม่ให้กับรำพึงของเขา cit. การสร้างภาพสามมิติ โมเท็ต โมเต็ตประเภทนี้ได้รวมไว้ในผลงานของนักประพันธ์และกวีผู้ยิ่งใหญ่ที่สุด ars nova Guillaume de Machaux ในการผลิตของเขา ราวกับศิลปะผสมผสาน ความสำเร็จของดนตรีและบทกวีของอัศวิน คดีกับหัวเดียวของเขา เพลงและเป้าหมายมากมาย ภูเขา ดนตรี วัฒนธรรม. เขาเป็นเจ้าของเพลงของผู้คน โกดัง (วาง), virele, rondo, บัลลาด (ครั้งแรกที่เขาพัฒนาประเภทของเพลงบัลลาดหลายหัว) ในโมเต็ต Machaux ใช้รำพึง (สม่ำเสมอกว่ารุ่นก่อน) เครื่องดนตรี (อาจเป็นเสียงที่ต่ำกว่าเป็นเครื่องมือ) เขาเป็นผู้เขียนภาษาฝรั่งเศสคนแรก มวลโพลีโฟนิก โกดัง (1364) โดยทั่วไปแล้ว ภาษาฝรั่งเศส อาสโนวา แปลว่า ระดับที่เกี่ยวข้องกับรูปแบบของยุคกลาง polyphony (งานโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนโดยผู้เชี่ยวชาญของทิศทางนี้ - เป็นปรากฏการณ์ทั่วไปของยุคกลางที่โตเต็มที่)

ในศตวรรษที่ 15 เนื่องจากประวัติศาสตร์ เหตุผล (ในช่วงสงครามร้อยปี ขุนนางศักดินาครองตำแหน่งอีกครั้ง ศาลศักดินาขนาดใหญ่กลายเป็นศูนย์กลางทางวัฒนธรรม ประเพณีของยุคกลางของนักวิชาการที่ฟื้นคืนชีพด้วยความเข้มแข็งขึ้นใหม่) ใน F. m. ไม่มีการสังเกตปรากฏการณ์ที่โดดเด่นเป็นพิเศษ . ตำแหน่งผู้นำด้านดนตรี วัฒนธรรมฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 ครอบครองโดยตัวแทนของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิช (ดัตช์) ที่โรงเรียนดัทช์ซึ่งได้มีการพัฒนาเป็นครีเอทีฟ ทิศทางของการรายงานข่าวในวงกว้างโดยพิจารณาจากแนวโน้มทั่วไปในภาษาฝรั่งเศส อังกฤษ อิตาลี ดนตรีมีอิทธิพลอย่างมากต่อยุโรป ดนตรี วัฒนธรรม รวมทั้ง และภาษาฝรั่งเศส นักประพันธ์เพลงที่ใหญ่ที่สุดของเนเธอร์แลนด์ทำงานในฝรั่งเศสเป็นเวลาสองศตวรรษ โพลีโฟนิก โรงเรียน: ใน ser. ค. - J. Benchois, G. Dufay ที่ชั้น 2 ค. - I. Okegem, J. Obrecht, ใน con. 15 - ขอ ศตวรรษที่ 16 - Josquin Despres ชั้น 2 ศตวรรษที่ 16 - อ. ลาสโซ่.

Benchois และ Dufay พิสูจน์ตัวเองในด้านที่เรียกว่า Burgundy chanson (ก่อตั้งที่ศาลของ Burgundian dukes ใน Dijon) Dufay หนึ่งในผู้ก่อตั้งเนเธอร์แลนด์ โรงเรียนพร้อมกับเป้าหมายมากมาย เพลงและงานฆราวาสอื่น ๆ (โดยเฉพาะโมเท็ตแบบต่างๆ) ได้สร้างผลิตภัณฑ์ทางจิตวิญญาณ สิ่งที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือฝูงของเขาซึ่ง Nar ใช้เป็น cantus firmus หรือเพลงฆราวาส (เช่น เพลงรัก "เธอหน้าซีด" ในมวล 4 เป้าหมายที่สร้างขึ้นประมาณ 1450)

Okeghem ผู้คุมขังที่เก่งกาจไม่เพียง แต่เป็นนักดนตรี (เป็นเวลาหลายปีที่เขาเป็นอนุศาสนาจารย์และหัวหน้าวงดนตรีที่ 1 ของราชสำนักฝรั่งเศส) แต่ยังเป็นนักคณิตศาสตร์และปราชญ์อีกด้วย เชี่ยวชาญเทคนิคการเลียนแบบและศีล ตัวอักษร ใช้ในฝูงของเขา เช่นเดียวกับชานสันเบอร์กันดี สไตล์ที่ประณีตและชาญฉลาด อารมณ์ที่สดใส และสีสันของดนตรีด้วยความโล่งใจของท่วงทำนอง (ท่วงทำนองพื้นบ้านใช้กันอย่างแพร่หลายใน cantus firmus และเสียงอื่น ๆ ของ polyphonic op.) ความชัดเจนของความสามัคคี ความชัดเจนของจังหวะมีความโดดเด่นด้วยการผลิต Obrekhta - ฝูง (รวมถึงการล้อเลียนที่เรียกว่า), motet เช่นเดียวกับ chanson, instr. การเล่น.

Josquin Despres (บางครั้งเขาเป็นนักดนตรีในราชสำนักของ Louis XII) โดยอาศัยความสำเร็จของ Obrecht และผู้เชี่ยวชาญคนอื่น ๆ ของเนเธอร์แลนด์ โรงเรียนมุ่งมั่นในคุณภาพการทำงานของเขา กระโดดเน้นความสวยงาม ความหมายของการเรียกร้อง ในฐานะนักโพลีโฟนิกที่โดดเด่น เขาในขณะเดียวกันก็มีส่วนทำให้เกิด "ความกระจ่างที่กลมกลืน" ของสไตล์ (ในผลงานของเขาที่อิ่มตัวด้วยเทคนิคโพลีโฟนิกที่ซับซ้อนที่สุด Josquin Despres ได้รับอิสรภาพทางเทคนิคดังกล่าวแล้ว เมื่อทักษะนั้นล่องหนและอยู่ภายใต้การเปิดเผยของงานศิลปะอย่างสมบูรณ์ ความตั้งใจ ในการผลิตของพวกเขา (มวลชน, โมเท็ต, เพลงฆราวาส, บทละครโพลีโฟนิกของตัวละครที่เป็นภาพ) ซึ่งแต่ละเรื่องมีความเป็นรายบุคคลอย่างสดใส Josquin Despres สะท้อนให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นและเป็นความจริงมากกว่ารุ่นก่อนของเขา โลกของมนุษย์ เพลงของเขาเป็นภาษาฝรั่งเศส ตำราที่เตรียมโดยชาวฝรั่งเศส โพลีโฟนิก เพลงศตวรรษที่ 16 ประเภทนี้แสดงอย่างกว้างขวางในผลงานของ niderl ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด นักโพลีโฟนิสต์แห่งศตวรรษที่ 16 Lasso เป็นผู้เชี่ยวชาญของโพลิโฟนีที่เข้มงวด รูปหลายเหลี่ยมของเขา ภาษาฝรั่งเศส เพลง ("เกี่ยวกับสามีเก่า", "ในตลาดใน Arras" ฯลฯ ) มีไหวพริบ, ฉุนเฉียว, เป็นธรรมชาติ; พวกมันมีลักษณะเฉพาะโดยปกติคือ niderl ประเภทบรรยายฉากในชีวิตประจำวัน นิสัยดี อารมณ์ขัน หยาบคาย สไตล์ของเขาเป็นการก้าวไปข้างหน้าบนเส้นทางแห่งความสามัคคี ชัดเจน เขาใช้เทคนิคการเขียนพ้องเสียงอยู่แล้ว สิ่งนี้ใช้กับการผลิตทางโลกเป็นหลัก (เพลง, วิลาเนลล่า, มาดริกาล) ในงานจิตวิญญาณ (โมเท็ต, มวล, สดุดี) โพลีโฟนีโปร่งใสมีชัยในบางส่วนของพวกเขาหลักการของรูปแบบความทรงจำถูกร่างไว้ Lasso มีผลอย่างมากต่อ F. m. โดยทั่วไปแล้ว niderl โรงเรียน ศตวรรษที่ 15-16 กลายเป็นแหล่งอาหารที่สำคัญแห่งหนึ่งของฝรั่งเศส ศ. ดนตรี เรียกร้อง.

ในคอน ค. ในฝรั่งเศสวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ก่อตั้งขึ้น (นักวิทยาศาสตร์บางคนเห็นคุณลักษณะของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในศิลปะอาร์สโนวา โดยถือว่าศตวรรษที่ 14 เป็นยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาฝรั่งเศสตอนต้น อย่างไรก็ตาม การตีพิมพ์ผลงานดนตรีฆราวาสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 14-15 ที่ปรากฏในปี 1950 เป็นพยานถึงความเข้าใจผิดของ ตำแหน่งดังกล่าว ) การฟื้นฟูจัดทำโดยนักประวัติศาสตร์จำนวนหนึ่ง กระบวนการ เกี่ยวกับการพัฒนาของฝรั่งเศส วัฒนธรรมได้รับผลกระทบอย่างเป็นประโยชน์จากปัจจัยต่างๆ เช่น การเกิดขึ้นของชนชั้นนายทุน (ศตวรรษที่ 15) การต่อสู้เพื่อการรวมชาติของฝรั่งเศส (สิ้นสุดในปลายศตวรรษที่ 15) และการสร้างรัฐที่รวมศูนย์ การทหาร การเดินทางไปอิตาลี - ประเทศที่มีประเพณีวัฒนธรรมที่สูงขึ้นสิ่งมีชีวิต การเติบโตที่แฝงอยู่อย่างต่อเนื่องของเตียงสองชั้นก็มีความสำคัญเช่นกัน ความคิดสร้างสรรค์และกิจกรรมของนักแต่งเพลงของโรงเรียน Franco-Flemish

การสำแดงที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือมนุษยนิยม บุคคลที่มีตัวตนภายในของเขามาก่อน โลก. ในศตวรรษที่ 16 บทบาทของดนตรีในสังคมเพิ่มขึ้น ชีวิต. ฟรานซ์ กษัตริย์สร้างโบสถ์ขนาดใหญ่ที่ศาลของพวกเขา งานเฉลิมฉลอง (เช่น เทศกาลอันงดงามซึ่งจัดโดยกษัตริย์ฟรานซิสที่ 1 ในปี ค.ศ. 1518 ที่ลานบาสตีย์เพื่อเป็นเกียรติแก่เอกอัครราชทูตของกษัตริย์อังกฤษ) ในศตวรรษที่ 16 กษัตริย์. ลานบ้าน (ในที่สุดก็ถูกย้ายไปที่พิพิธภัณฑ์ลูฟร์) กลายเป็น Ch. เตาถ่าน ชีวิตรอบซึ่งศาสตราจารย์ เรียกร้อง. เสริมสร้างบทบาทของ adv. โบสถ์ (ดูปารีส) ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้อนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้มุ่งหมายแห่งดนตรี" ที่ศาล "เรือนจำ" คนแรก - ชาวอิตาลี นักไวโอลิน Balthazarini de Belgioso (Balthazar de Beaujoieux) โพสต์ ในพระราชวังเบอร์กันดีขนาดเล็กในปารีส แต่งโดยเขาร่วมกัน กับกวี Lachenet และนักดนตรี J. de Beaulieu และ J. Salmon " Comedy Ballet of the Queen" - ประสบการณ์ครั้งแรกในการผสมผสานดนตรีและการเต้นรำเข้ากับเวที การกระทำซึ่งเปิดแนวใหม่ - adv. บัลเล่ต์ ศูนย์รวมดนตรีที่สำคัญ ฟ้องพร้อมกับพระมหากษัตริย์ ลานบ้านและโบสถ์ก็เป็นชนชั้นสูงเช่นกัน ร้านเสริมสวย (เช่นในปารีสร้านเสริมสวยของ Countess de Retz ซึ่งนักดนตรีที่ดีที่สุดในยุคนั้นแสดง) การประชุมเชิงปฏิบัติการรำพึง สมาคมช่างฝีมือ

ความมั่งคั่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการก่อตัวของฝรั่งเศส แนท วัฒนธรรมตกอยู่ตรงกลาง ศตวรรษที่ 16 การสำแดงที่โดดเด่นของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือรูปหลายเหลี่ยมทางโลก เพลงเป็นเพลงชานซึ่งโดยไม่สูญเสียการติดต่อกับชีวิตประจำวันได้กลายเป็นแนวเพลงของศาสตราจารย์ คดีความ โพลีโฟนิก สไตล์ได้รับในภาษาฝรั่งเศส เพลงการตีความใหม่ (เทียบกับเพลงของอาจารย์ของโรงเรียนดัตช์) สอดคล้องกับบทกวีอื่น ๆ แนวความคิดของชาวฝรั่งเศส มนุษยนิยม - สู่ความคิดของ Rabelais, K. Maro, P. Ronsard โดยปกติแล้ว ชานสันคือเพลงที่มีข้อความเกี่ยวกับฆราวาสและท่วงทำนองพื้นบ้านในชีวิตประจำวัน เรื่องราวของเธอจะแสดงออกมา กองทุนเกี่ยวข้องกับประชาธิปไตยในชีวิตประจำวัน ชีวิต.

นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสดีเด่น ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ K. Zhaneken ซึ่งเป็นเจ้าของ polygoals มากกว่า 200 เป้าหมาย เพลง. ด้วย Zhanequin เพลงจะเปลี่ยนเป็นองค์ประกอบที่มีรายละเอียดอย่างสมจริง พล็อตเรื่อง (เป็นเพลงแฟนตาซี) เหล่านี้คือ "การล่าสัตว์", "การต่อสู้", "นกร้อง", "การพูดคุยของผู้หญิง", "เสียงเรียกร้องของถนนในปารีส" ฯลฯ ด้วยความชุ่มฉ่ำของการสเก็ตช์ประเภทเพลงของเขาจึงถูกนำมาเปรียบเทียบกับผลงานอย่างถูกต้อง เอฟ ราเบเลส์. Janequin ยังเขียนเพลงศักดิ์สิทธิ์ (ฝูง, โมเท็ต) อย่างไรก็ตาม เขายังแนะนำลักษณะของฆราวาสในประเภทลัทธิ ความเห็น ในบรรดาผู้เขียนคนอื่น ๆ chanson - comp. G. Kotle, K. Sermizi.

Chanson ได้รับชื่อเสียงไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังเกินขอบเขตอีกด้วย ต้องขอบคุณโน้ตดนตรีอย่างน้อยก็ช่วยเสริมความแข็งแกร่งของรำพึง ความเชื่อมโยงระหว่างยุโรป ประเทศ. ในปี ค.ศ. 1528 ที่กรุงปารีส P. Attenyan ได้ร่วมกัน กับพี่โอเต็นก่อตั้งเพลง สำนักพิมพ์ (มีอยู่จนถึง 1557); ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 16 บริษัทของ R. Ballard และ A. Le Roy ได้รับความสำคัญอย่างมาก (ก่อตั้งขึ้นในกรุงปารีสในปี ค.ศ. 1551 ต่อมานำโดยลูกชายและหลานชายของ Ballard; บริษัท ครองตำแหน่งผู้นำในการเผยแพร่เพลงจนถึงกลางศตวรรษที่ 18) จากคอนแล้ว 20s ศตวรรษที่ 16 Attenyan เริ่มเผยแพร่คอลเลกชั่นเพลง ชิ้นส่วนสำหรับกีตาร์ และพิมพ์ตารางสำหรับกีตาร์ ออร์แกน และเครื่องดนตรีอื่นๆ ในภายหลัง

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของ instr. ดนตรี. ในเสียงเพลง วิโอลา ลูท กีตาร์ ไวโอลิน (เป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน) ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายในชีวิตประจำวัน เครื่องมือ แนวเพลงแทรกซึมทั้งดนตรีประจำวัน (การเรียบเรียงและการเรียบเรียงของการเต้นรำและเพลง) และดนตรีระดับมืออาชีพบางส่วนในคริสตจักร การเต้นรำของใช้ในครัวเรือน เพลงมีไว้สำหรับพิณหรือเครื่องดนตรีขนาดเล็ก วงดนตรี, โพลีโฟนิก แยง. ดำเนินการบนอวัยวะ ลูทเต้น. ละครโดดเด่นท่ามกลางละครที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 16 โพลีโฟนิก แยง. จังหวะ ความเป็นพลาสติก, ความชัดเจนของท่วงทำนอง, คลังสินค้าที่มีเสียงเดียวกัน, ความโปร่งใสของพื้นผิว ลักษณะเป็นการรวมกันของสองคนหรือมากกว่า ลีลาการเต้น. ตรงกันข้ามกับวัฏจักรแปลก ๆ ที่กลายเป็นพื้นฐานของการเต้นรำในอนาคต ห้องสวีท เช่น ธ.ค. branly (ในคอลเล็กชั่นที่ตีพิมพ์โดย Attenyan มีรอบการเต้นรำ 2, 3 รอบ)

เป็นอิสระมากขึ้น org ยังได้รับความสำคัญ ดนตรี. การเกิดขึ้นของ โรงเรียนในฝรั่งเศส (ปลายศตวรรษที่ 16) มีความเกี่ยวข้องกับงานของนักเล่นออร์แกน J. Titluz

บันทึก. ปรากฏการณ์ภาษาฝรั่งเศส วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาคือ Academy of Poetry and Music ก่อตั้งขึ้นในปี ค.ศ. 1570 โดยนักดนตรีกวีซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของความคิดสร้างสรรค์ เครือจักรภพฝรั่งเศส กวีมนุษยนิยม "กลุ่มดาวลูกไก่" โดย J. A. de Baif ร่วม กับเพื่อนร่วมงานของเขา (มีอยู่จนถึง พ.ศ. 1584) สมาชิกของสถาบันการศึกษาพยายามที่จะรื้อฟื้นบทกวีและท่วงทำนองโบราณ เมตริกปกป้องหลักการของการเชื่อมต่อระหว่างดนตรีและบทกวีที่แยกออกไม่ได้ พวกเขาได้ตัดสินใจ มีส่วนร่วมในวิวัฒนาการของละครเพลงบางเรื่อง แบบฟอร์ม แต่การทดลองของพวกเขาในการปรับจังหวะให้เข้ากับท่วงทำนองของตัวชี้วัด โครงสร้างของกลอนนำไปสู่การสร้างรำพึงนามธรรม แยง. ใน "ข้อวัด" ของ Baif รอนซาร์ด (บทของ "กลุ่มดาวลูกไก่") ดนตรีเขียนโดย C. Le Jeune, J. Maudui และคนอื่น ๆ

วิธี. ชั้นในเพลง วัฒนธรรมฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 เป็นเพลงของ Huguenots - ฝรั่งเศส ผู้แทนของการปฏิรูป (เหล่านี้เป็นหัวหน้าขุนนางผู้พยายามรักษาระเบียบศักดินาและลดการแทรกแซงกิจการของตนโดยกษัตริย์ อำนาจ เช่นเดียวกับชนชั้นนายทุนส่วนหนึ่งซึ่งปกป้องเสรีภาพในเมืองโบราณของพวกเขา) เคเซอร์ ศตวรรษที่ 16 เพลง Huguenot เกิดขึ้น: ท่วงทำนองของครัวเรือนยอดนิยมและเตียงสองชั้น เพลงที่ปรับให้เข้ากับการแปลเป็นภาษาฝรั่งเศส แลง ตำราพิธีกรรม ต่อมาอีกหน่อย ศาสนา การต่อสู้ในฝรั่งเศสทำให้เกิดเพลงสดุดี Huguenot ด้วยการถ่ายโอนทำนองเพลงไปสู่เสียงบนและการปฏิเสธโพลีโฟนิก ความซับซ้อน คีตกวี Huguenot ที่ใหญ่ที่สุดที่แต่งเพลงสดุดีคือ K. Goudimel, Le Jeune Gudimel เป็นเจ้าแห่งการประสานเสียง บทบาทในการจัดทำโฮโมโฟนิกฮาร์โมนิก โกดัง to-ry เริ่มมีชัยใน F. m. ของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ข้อพิพาทระหว่างโปรเตสแตนต์และคาทอลิกก่อให้เกิดความขัดแย้ง เพลง. อันเป็นผลมาจากการใช้มวลชนประชาธิปไตยอย่างแพร่หลาย ประเภทเพลงในสมัยศาสนา สงครามเติบโตแนท รักชาติ ภาษาฝรั่งเศส เพลงซึ่งเป็นการสำแดงของชาติ เอกลักษณ์ของฝรั่งเศส

ศตวรรษที่ 17-18 โดดเด่นด้วยความโดดเด่นของดนตรีฆราวาสเหนือจิตวิญญาณ ในศตวรรษที่ 17 ในช่วงที่มีการก่อตั้งระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ในฝรั่งเศส ราชสำนักมีความสำคัญอย่างยิ่ง ศิลปะซึ่งกำหนดทิศทางของการพัฒนาประเภทที่สำคัญที่สุดของ F. ม. ในเวลานั้น - โอเปร่าและบัลเล่ต์เป็นวัสดุสังเคราะห์ ประดับประดาการแสดงอันตระการตาภายใต้แนวคิดเชิดชูสถาบันกษัตริย์

ปีแห่งรัชกาลของหลุยส์ที่สิบสี่มีความสง่างามเป็นพิเศษของศาล ชีวิต ความปรารถนาของศาล และขุนนางศักดินาสำหรับความหรูหราและความบันเทิงที่ซับซ้อน ในการนี้ ได้มอบหมายบทบาทสำคัญให้กับ adv. บัลเล่ต์, การแสดง to-rogo ได้รับในพิพิธภัณฑ์ลูฟร์, อาร์เซนอล, t-re "Palais-Cardinal" (เปิดในปี ค.ศ. 1641 ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1642 - "Palais-Royal") อาร์ทั้งหมด ศตวรรษที่ 17 ที่ศาลทวีความรุนแรงมากขึ้นอิตาลี แนวโน้ม ปลูกอิตาลี. โรงภาพยนตร์. ประเพณีได้รับการส่งเสริมโดยพระคาร์ดินัลมาซาริน ซึ่งเชิญนักประพันธ์เพลงและนักร้องจากโรม เวนิส และโบโลญญามาที่ปารีส ชาวอิตาเลียนแนะนำชาวฝรั่งเศส ขุนนางประเภทใหม่ - โอเปร่า (ที่ราชสำนักมีโพสต์โอเปร่าหลายเรื่อง - "ผู้หญิงบ้าในจินตนาการ" Sakrati, 1645; "Orpheus and Eurydice" L. Rossi, 1647, ฯลฯ ) ทำความคุ้นเคยกับภาษาอิตาลี โอเปร่าทำหน้าที่เป็นแรงจูงใจในการสร้างชาติของตัวเอง โอเปร่า การทดลองแรกในพื้นที่นี้เป็นของนักดนตรี E. Jacquet de la Guerre ("Triumph of Love", 1654), comp. R. Kamber และกวี P. Perrin ("ศิษยาภิบาล", 1659) ในปี ค.ศ. 1661 "สถาบันพระมหากษัตริย์แห่งการเต้นรำ" นำโดยนักออกแบบท่าเต้นพี. ในปี ค.ศ. 1669 Camber และ Perrin ได้รับสิทธิบัตรสำหรับองค์กรของโรงละครโอเปร่าถาวรซึ่งเปิดในปี 1671 ภายใต้ชื่อ "King. Academy of Music" (ดู "Grand Opera") กับโอเปร่า "Pomona" ตั้งแต่ปี 1672 โรงละครนำโดย J.B. Lully ซึ่งถูกผูกขาดในการแสดงโอเปร่าในฝรั่งเศส

ฝรั่งเศสที่ใหญ่ที่สุด นักแต่งเพลงผู้ก่อตั้งชาติ โรงเรียนอุปรากร Lully ที่จุดเริ่มต้นของความคิดสร้างสรรค์ วิธีที่เขาเขียนเพลงบัลเล่ต์สำหรับศาล งานเฉลิมฉลอง เขาสร้างคอเมดี้-บัลเลต์ขึ้นมาจำนวนหนึ่ง ("การแต่งงานโดยไม่ได้ตั้งใจ", 1664; "Love the Healer", 1665; "Monsieur de Poursonyac", 1669; "The Tradesman in the Nobility", 1672; สร้างพวกเขาร่วมกับ J. B. Molière) ที่ซึ่งโอเปร่าบัลเลต์ถือกำเนิดขึ้น Lully เป็นบรรพบุรุษของประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ (ประเภทของวีรกรรมที่น่าเศร้า) เนื้อเพลงของเขา โศกนาฏกรรม ("Cadmus and Hermione", 1673; "Alceste", 1674; "Theseus", 1675; "Atis", 1676; "Perseus", 1682, etc.) ที่มีความกล้าหาญสูง ความหลงใหลอย่างแรงกล้า ความขัดแย้งระหว่างความรู้สึกและหนี้สิน ในเรื่องและ DOS โวหาร หลักการนี้ใกล้เคียงกับโศกนาฏกรรมคลาสสิกของ P. Corneille และ J. Racine

ในศตวรรษที่ 17 เหตุผลนิยมมีอิทธิพลอย่างมาก สุนทรียศาสตร์ของความคลาสสิกซึ่งหยิบยกความต้องการของรสนิยม ความสมดุลของความงามและความจริง ความชัดเจนของความตั้งใจ ความกลมกลืนขององค์ประกอบ คลาสสิกซึ่งพัฒนาไปพร้อม ๆ กัน ด้วยสไตล์บาร็อคที่ได้รับในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 แสดงออกอย่างสมบูรณ์ และ Lully กลายเป็นตัวแทนที่ฉลาดที่สุดในด้านดนตรี ในเวลาเดียวกัน ผลงานของนักแต่งเพลงคนนี้มีลักษณะของศิลปะบาโรก ดังที่เห็นได้จากเอฟเฟกต์อันน่าทึ่งมากมาย (การเต้นรำ ขบวนแห่ การเปลี่ยนแปลงลึกลับ ฯลฯ)

การมีส่วนร่วมของ Lully ในการปลูกฝัง ดนตรี. พวกเขาสร้างประเภทของภาษาฝรั่งเศส โอเปร่าทาบทาม (คำนี้ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส) มากมาย เต้นรำจากผลงานของเขา รูปแบบขนาดใหญ่ (minuet, gavotte, sarabande ฯลฯ ) มีอิทธิพลต่อการก่อตัวของ orc ที่ตามมา ห้องสวีท ความคิดสร้างสรรค์ Lully - เวทีสำคัญในการวิวัฒนาการของดนตรีจากโพลีโฟนิกแบบเก่า ฟอร์มเป็นโซนาต้า-ซิมโฟนี ประเภทของศตวรรษที่ 18

ในคอน ชั้น 17 - ชั้น 1 ศตวรรษที่ 18 M. A. Charpentier เขียนให้กับ t-ra (โอเปร่า Medea, 1693 และอื่น ๆ เขายังเป็นผู้แต่ง cantata ฝรั่งเศสตัวแรก - Orpheus Descending into Hell, 1688), A. Campra (โอเปร่าบัลเล่ต์ " Gallant Europe", 1697; "งานเฉลิมฉลองของชาวเวนิส", 1710; โศกนาฏกรรมบทกวี "Tancred", 1702, ฯลฯ ), M. R. Delaland (การเบี่ยงเบนความสนใจ "Palace of Flora", 1689; "Melisert", 1698; "Country Marriage ", 1700, ฯลฯ ), A. K. Detush (โศกนาฏกรรมบทกวี "Amadis the Greek", 1699; "Omphala", 1701; "Telemachus and Calypso", 1714; โอเปร่าบัลเล่ต์ "Carnival and Madness", 1704 และอื่น ๆ ) ในบรรดาผู้สืบทอดของ Lully ธรรมเนียมปฏิบัติของการถือกำเนิดนั้นสังเกตเห็นได้ชัดเจนเป็นพิเศษ โรงภาพยนตร์. สไตล์. ในการผลิต คีตกวีเหล่านี้ที่ยังคงสร้างบทกวี โศกนาฏกรรม, บัลเลต์ตกแต่ง, อภิบาล - งดงามมาถึงเบื้องหน้า ด้านของประเภทนี้ไปสู่ความเสียหายของละคร รากฐานของโอเปร่า วีรกรรมของมัน เนื้อหา. สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือการเริ่มต้นของการกระจายการลงทุน (ดู Divertissement, 3) ลีริค. โศกนาฏกรรมทำให้เกิดแนวใหม่ - โอเปร่าบัลเล่ต์

ในศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศสได้รับการพัฒนาอย่างเสื่อมโทรม คำแนะนำ โรงเรียน - กีตาร์ (D. Gautier ซึ่งมีอิทธิพลต่อรูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของ J. A. Anglebert, J. Sh. de Chambonnière), harpsichord (Chambonniere, L. Couperin), viol (ผู้เล่นแกมโบ้ M. Marin ซึ่งเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศสแนะนำ ดับเบิลเบสเข้าสู่วงโอเปร่าออร์เคสตราแทนดับเบิลเบสวิโอลา) ฝรั่งเศสได้รับความสำคัญมากที่สุด โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ด ลักษณะของฮาร์ปซิคอร์ดในยุคแรกเริ่มเป็นรูปเป็นร่างขึ้นโดยตรง อิทธิพลของศิลปะพิณ ในการผลิต Chambonièreถูกกำหนดให้เป็นลักษณะเฉพาะของชาวฝรั่งเศส นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ลักษณะการแต่งทำนอง (ดู การประดับประดา) การประดับประดาอย่างมากมายให้ผลผลิต สำหรับฮาร์ปซิคอร์ด ความซับซ้อนบางอย่าง และความเชื่อมโยงที่มากขึ้น "ความไพเราะ" "ความยาว" กับเสียงกระตุกของเครื่องดนตรีนี้ ในคำแนะนำ ดนตรีถูกใช้อย่างแพร่หลายตั้งแต่ช่วงต้นศตวรรษที่ 16 การรวมกันของการเต้นรำคู่ (pavan, galliard ฯลฯ ) ซึ่งนำไปสู่ศตวรรษที่ 17 เพื่อสร้างห้องชุด การเต้นรำพื้นบ้านแบบเก่า (courante, branle) ได้เข้าร่วมด้วยการเต้นรำจากภูมิภาคต่างๆ ของฝรั่งเศสโดยมีลักษณะเฉพาะที่เด่นชัดของท้องถิ่น (paspier, burre, rigaudon) ซึ่งร่วมกับ minuet และ gavotte ได้สร้างพื้นฐานที่มั่นคงสำหรับชาวฝรั่งเศส คำแนะนำ ห้องสวีท

ในยุค 20-30 ศตวรรษที่ 18 ชุดฮาร์ปซิคอร์ดมาถึงจุดสูงสุด โดดเด่นด้วยความคมชัดของภาพ ความละเอียดอ่อน และความสง่างามของสไตล์ ท่ามกลางชาวฝรั่งเศส นักเล่นฮาร์ปซิคอร์ดมีบทบาทโดดเด่นเป็นตัวแทนของครอบครัวชาวฝรั่งเศสที่กว้างขวาง นักดนตรี F. Couperin ("ยอดเยี่ยม") ซึ่งมีผลงานเป็นจุดสุดยอดของฝรั่งเศส ดนตรี การอ้างสิทธิ์ของยุคคลาสสิก ในห้องชุดแรกของเขา เขาทำตามแบบแผนที่กำหนดไว้โดยรุ่นก่อนของเขา ต่อมาก็เอาชนะบรรทัดฐานของการเต้นรำแบบเก่า ห้องสวีท Couperin สร้างวงจรฟรีตามหลักการของความคล้ายคลึงและความคมชัดของชิ้นส่วน เชี่ยวชาญด้านภาพย่อส่วน เขามีความโดดเด่นในด้านการรวมเนื้อหาที่หลากหลายภายในประเภทนี้ ซึ่งบุกเบิกโดยชาวฝรั่งเศส นักฮาร์ปซิคอร์ด ดนตรีของ Couperin มีลักษณะเป็นทำนองที่ไม่รู้จักเหนื่อย ความเฉลียวฉลาด สัญชาตญาณของเขา บทละครมีการแสดงออก บทละครส่วนใหญ่มีชื่อรายการ ("Reapers", "Reeds", "Cuckoo", "Florentine", "Flirty" เป็นต้น) ด้วยจิตใจที่ดี ภาพผู้หญิงที่สง่างามนั้นประทับอยู่ในนั้นด้วยภาพสเก็ตช์ประเภทบทกวีที่ละเอียดอ่อน นอกเหนือจาก Cooper แล้ว J.F. Dandrieu ยังได้มีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาชุดฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลักษณะเฉพาะของโปรแกรม และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง J.F. Rameau ผู้ซึ่งเล่นฮาร์ปซิคอร์ดในเรื่องของเขา มักจะก้าวข้ามขอบเขตของความสนิทสนม พยายามเขียนตกแต่งเพิ่มเติมโดยใช้การพัฒนาแบบไดนามิกของประเภทโซนาตา วิธี. ก้าวสำคัญในการก่อตัวของฝรั่งเศส ส. โรงเรียนซึ่งพัฒนาอย่างใกล้ชิดกับชาวอิตาลีเป็นงานของ J. M. Leclerc ("รุ่นพี่") ผู้สร้างตัวอย่างที่ชัดเจนของ Skr โซนาตาและคอนแชร์โตของศตวรรษที่ 18 และซี. เดอ มอนดอนวิลล์ ผู้ซึ่งนำเข้าสู่ Skr เป็นครั้งแรก เป็นส่วนหนึ่งของฮาร์โมนิกธรรมชาติและใน "ชิ้นส่วนสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดในรูปแบบของโซนาตาพร้อมไวโอลินคลอ" (ค.ศ. 1734) เขาได้พัฒนาส่วนผูกมัด (ดู Obligato, 1) ส่วนหนึ่งของฮาร์ปซิคอร์ด

ใน F. ม. ศตวรรษที่ 18 ที่แรกเป็นของโรงละครดนตรี ประเภท ในช่วง 30-60 ปี ตำแหน่งผู้นำใน adv. โอเปร่า - "ราชาแห่งสถาบันดนตรี" ถูกครอบครองโดย Rameau ในผลงานประเภทบทกวี โศกนาฏกรรมมาถึงจุดสูงสุด การพัฒนา. เขาสร้างผลงานโอเปร่าที่โดดเด่นจำนวนหนึ่ง - เนื้อเพลง โศกนาฏกรรม Hippolytus and Arisia (1733), Castor and Pollux (1737, 2nd edition 1754), Dardanus (1739, 2nd edition 1744), Zoroaster (1749, 2nd edition . 1756), โอเปร่าบัลเล่ต์ "Gallant India" (1735), เป็นต้น นักดนตรีที่ใหญ่ที่สุดของศตวรรษที่ 18 Rameau ได้ปรับปรุงการแสดงออกทางดนตรี ประเภทโอเปร่า บทสวดของเขา สไตล์ได้รับการเสริมแต่งด้วยฮาร์โมนิกที่ไพเราะ สำนวนและภาษาอิตาลีที่แปลแบบออร์แกนิก รูปแบบที่เกิดขึ้น เนื้อหาที่หลากหลายมากขึ้นได้มาจากเขาโดยการทาบทาม 2 ส่วนของประเภทเพลงกล่อมเด็ก เขายังเปลี่ยนเป็นทาบทาม 3 ส่วน ซึ่งใกล้เคียงกับภาษาอิตาลี โอเปร่าซิมโฟนี ในโอเปร่าจำนวนหนึ่ง Rameau คาดว่าจะมีชัยชนะมากมายในด้านดนตรีในภายหลัง ละครปูทางสู่การปฏิรูปโอเปร่าของ K.V. Gluck แต่เนื่องจากสภาพทางประวัติศาสตร์ เขาไม่สามารถปฏิรูปเนื้อเพลงที่ล้าสมัยโดยพื้นฐานได้ โศกนาฏกรรมเพื่อเอาชนะมันอย่างกล้าหาญ สุนทรียศาสตร์ ข้อดีของ Rameau ในด้านดนตรีนั้นยิ่งใหญ่ ทฤษฎี เพลงเด่น. นักทฤษฎีเขาพัฒนาวิทยาศาสตร์ที่กลมกลืนกัน ระบบบทบัญญัติจำนวนหนึ่งซึ่งทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี ("Treatise on Harmony", 1722; "The Origin of Harmony", 1750, ฯลฯ ) วีรชน-ตำนาน. โอเปร่าโดย Lully, Rameau และผู้แต่งคนอื่นๆ ถึงตรงกลาง ศตวรรษที่ 18 หยุดสอดคล้องกับสุนทรียศาสตร์ คำขอของชนชั้นนายทุน ผู้ชม. การแสดงที่เสียดสีอย่างรุนแรงในการปฐมนิเทศ (ศูนย์การค้ายุติธรรมในปารีสเป็นที่รู้จักกันอย่างแพร่หลายตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17) การเยาะเย้ยประเพณีของชนชั้น "ที่สูงขึ้น" ของสังคมรวมถึงการล้อเลียนศาลเป็นที่นิยม โอเปร่า ผู้เขียนคนแรกของคอเมดี้ดังกล่าว โอเปร่าเป็นนักเขียนบทละคร A. R. Lesage และ C. S. Favard ผู้คัดเลือกดนตรีสำหรับการแสดงอย่างชำนาญ ประกอบด้วยเพลงคู่ - "voix de ville" (มาจากคำว่า "City voices"; ดู Vaudeville) และภูเขายอดนิยมอื่นๆ คติชนวิทยา ในลำไส้ของแฟร์ t-ra ชาวฝรั่งเศสคนใหม่ได้ครบกำหนดแล้ว ประเภทโอเปร่า - นักแสดงตลกโอเปร่า การเสริมความแข็งแกร่งให้กับตำแหน่งของนักแสดงตลกโอเปร่าได้รับการอำนวยความสะดวกโดยการมาถึงปารีสในปี ค.ศ. 1752 ของชาวอิตาลี คณะอุปรากรซึ่งมีผู้ชื่นชอบโอเปร่าจำนวนมากรวมถึง "ผู้รับใช้ - นายหญิง" Pergolesi และการโต้เถียงในประเด็นของศิลปะโอเปร่าซึ่งปะทุขึ้นระหว่างผู้สนับสนุน (กลุ่มชนชั้นนายทุน - ประชาธิปไตย) กับฝ่ายตรงข้าม (ตัวแทนของชนชั้นสูง) ชาวอิตาลี อุปรากรควาย - สิ่งที่เรียกว่า "สงครามควาย".

ในทางการเมืองที่ร้อนแรง บรรยากาศของปารีส การโต้เถียงนี้ได้กลายเป็นรุนแรงโดยเฉพาะอย่างยิ่ง ได้รับชุมชนขนาดใหญ่ เสียงก้อง. ตัวเลขชาวฝรั่งเศสมีส่วนร่วมอย่างแข็งขัน ตรัสรู้ซึ่งสนับสนุนประชาธิปไตย ศิลปะของ "ผู้คลั่งไคล้" - D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm และคนอื่น ๆ โต้เถียงเฉียบแหลมของพวกเขา แผ่นพับและวิทยาศาสตร์ บทความ (รูสโซ - บทความเกี่ยวกับดนตรีใน "สารานุกรมหรือพจนานุกรมอธิบายวิทยาศาสตร์ศิลปะและงานฝีมือ"; "พจนานุกรมดนตรี", 1768; "จดหมายเกี่ยวกับดนตรีฝรั่งเศส ... ", 1753; Grimm - "Letters on Omphale", 1752; "พระศาสดาน้อยจาก Bömisch-Brod", 1758; Diderot - "การสนทนาเกี่ยวกับ "ลูกชายเลว", 1757, ฯลฯ ) ถูกต่อต้านอนุสัญญาของชาวฝรั่งเศส โฆษณา ที-รา สโลแกนที่ประกาศโดยพวกเขาว่า "การเลียนแบบธรรมชาติ" มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของชาวฝรั่งเศส รูปแบบโอเปร่าของศตวรรษที่ 18 ผลงานเหล่านี้ยังมีสุนทรียภาพอันทรงคุณค่า และดนตรี-ทฤษฎี ลักษณะทั่วไป

ในกิจกรรมของพวกเขา นักสารานุกรมไม่ได้ถูกจำกัดอยู่เพียงจุดไฟเท่านั้น การโต้เถียง มีบทบาทสำคัญในการอนุมัติดนตรีประเภทใหม่ การแสดงนี้เล่นโดยศิษยาภิบาลของ Rousseau "The Village Sorcerer" (1752) ซึ่งเป็นชาวฝรั่งเศสคนแรก การ์ตูน โอเปร่า ตั้งแต่เวลานั้นนักแสดงตลกโอเปร่าเริ่มเฟื่องฟูและกลายเป็นแนวเพลงชั้นนำของ F. m. (มีการแสดงในโรงละคร Comic Opera ดู "นักแสดงตลกโอเปร่า") ในบรรดาผู้เขียนคนแรกของฝรั่งเศส การ์ตูน โอเปร่า - E. Dunya, F. A. Philidor ภาษาอิตาลี นักแต่งเพลง Dunya ซึ่งทำงานในปารีสตั้งแต่ปี ค.ศ. 1757 ได้สร้างผลงานในประเภทนี้มากกว่า 20 ชิ้น ("นักล่าสองคนและสาวใช้นม", 1763; "Reapers", 1768, ฯลฯ )

การ์ตูน โอเปร่าของ Philidor ส่วนใหญ่เป็นโอเปร่าในชีวิตประจำวัน หลายเรื่องมีภาพวาดที่มีสีสัน (The Blacksmith, 1761; The Woodcutter, 1763; Tom Jones, 1765 เป็นต้น) การพัฒนาและขยายขอบเขตของโครงเรื่อง (รวมธีมที่ประโลมโลกและวีรกรรมอย่างค่อยเป็นค่อยไป) นักแสดงตลกโอเปร่าดำเนินไปอย่างอิสระ โดยไม่ได้รับอิทธิพลจากเนื้อเพลง โศกนาฏกรรม. หล่อเลี้ยงและซับซ้อนโดยแรงบันดาลใจของเธอ ภาษา แต่ยังคงเป็นประชาธิปไตย คดีความ ในปี ค.ศ. 1760 การ์ตูน โอเปร่าเข้าใกล้ "เรื่องตลกที่จริงจัง" ตามที่ Diderot คิด ตัวแทนที่เป็นลักษณะเฉพาะของแนวโน้มนี้คือ P. A. Monsigny ซึ่งงานใกล้เคียงกับอารมณ์ของเวลานั้น ("Deserter", 1769; "Felix หรือ Foundling", 1777 เป็นต้น) การผลิตของเขา เป็นพยานถึงความเป็นมนุษย์ของการตรัสรู้ของการ์ตูน โอเปร่า เกี่ยวกับกระแสสังคม ตามแบบฉบับของยุคก่อนปฏิวัติ ทศวรรษ. ศิลปะเชิงเปรียบเทียบ ทรงกลมของการ์ตูน โอเปร่าถูกผลักออกจากกันอย่างมีนัยสำคัญโดย A. E. M. Gretry ผู้แนะนำคุณสมบัติของเนื้อเพลงเข้าไป บทกวีและก่อนโรแมนติก สี ("Lucille", 1769; "Richard the Lionheart", 1784; "Raoul Bluebeard", 1789 เป็นต้น) ความคิดภาษาฝรั่งเศส ตรัสรู้เล่นสิ่งมีชีวิต บทบาทในการเตรียมการปฏิรูปโอเปร่าของ Gluck เริ่มการปฏิรูปในปี 1760 ในกรุงเวียนนา ("Orpheus and Eurydice", 1762; "Alceste", 1767) เขาสร้างเสร็จในปารีส การแสดงละครในปารีสของโอเปร่า Iphigenia ใน Aulis (1774), Armida (1777), Iphigenia in Tauris (1779) ซึ่งรวบรวมแนวคิดเรื่องความกล้าหาญและความกล้าหาญที่เสนอโดยกลุ่มขั้นสูงของยุคก่อนปฏิวัติ ฝรั่งเศสเป็นต้นเหตุของการต่อสู้ดิ้นรนอย่างดุเดือดใน F. m. Against Gluck ก็สมัครพรรคพวกชาวฝรั่งเศสโบราณเช่นกัน โอเปร่า (รู้จักเฉพาะโอเปร่าของ Lully, Rameau) และแฟน ๆ ของอิตาลี โอเปร่าในฝูงเพลงบริสุทธิ์ ฝ่ายมีชัยเหนือละคร ลักษณะโอเปร่าของกลัค (เขาได้รับการสนับสนุนจากศิลปะที่ก้าวหน้า) เป็นชนชั้นสูง วงการผู้สนับสนุนลัทธินอกรีตแบบเก่า สุนทรียศาสตร์โอเปร่า (J. F. Marmontel, J. F. La Harpe, ฯลฯ ) ต่อต้านงานโอเปร่าของอิตาลี คอมพ์ น. พิคชินนี. การต่อสู้ระหว่าง "พวกคลั่งไคล้" และ "พวกปิคชินนิสต์" (อดีตชนะ) สะท้อนให้เห็นถึงการเปลี่ยนแปลงทางอุดมการณ์อย่างลึกซึ้งที่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสในครึ่งหลัง ศตวรรษที่ 18

เกี่ยวเนื่องกับอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นนายทุนในศตวรรษที่ 18. สังคมดนตรีรูปแบบใหม่กำลังเกิดขึ้น ชีวิต. คอนเสิร์ตค่อยๆ ขยายออกไปนอกห้องโถงของพระราชวังและชนชั้นสูง ร้านเสริมสวย ในปี ค.ศ. 1725 A. Philidor (Danikan) ได้จัดงาน "Spiritual Concerts" ที่ปารีสและในปี ค.ศ. 1770 F. J. Gossec ได้ก่อตั้งสมาคม "Amateur Concerts" ตอนเย็นทางวิชาการมีลักษณะปิดมากขึ้น สังคม "Friends of Apollo" (ก่อตั้งขึ้นในปี 1741) ซึ่งมืออาชีพและขุนนางมือสมัครเล่นเล่นดนตรี คอนเสิร์ตประจำปีจัดขึ้นโดย "King's Academy of Music" ภาษาฝรั่งเศสที่ดี การปฏิวัตินำการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่มาสู่วงการดนตรีทุกแขนง คดี-va, to-roe ภายใต้อิทธิพลของความคิดสร้างสรรค์ของการปฏิวัติ มวลชนได้มาซึ่งประชาธิปัตย์. อักขระ. ดนตรีกลายเป็นส่วนสำคัญของทุกวิถีทาง เหตุการณ์ปฏิวัติ เวลา - ทหาร ชัยชนะ นักปฏิวัติ งานเฉลิมฉลอง งานเฉลิมฉลองพิธีไว้ทุกข์ (บาสตีย์ล้มลงกับเสียงเพลงผู้คนแต่งเพลงเกี่ยวกับการโค่นล้มสถาบันพระมหากษัตริย์เกี่ยวกับรัฐธรรมนูญที่รับเลี้ยงบุตรบุญธรรมงานศพของวีรบุรุษกลายเป็นขบวนแห่พร้อมกับวิญญาณวงออเคสตรา ฯลฯ )

หน้าที่ทางสังคมใหม่นี้ของรำพึง art-va (กลายเป็นวิธีการศึกษาของพลเมืองอย่างแข็งขันเป็นพลังทางสังคมที่ให้บริการผลประโยชน์ของรัฐ) มีส่วนทำให้เกิดการจัดตั้งประเภทมวลชน - เพลง, เพลงสวด, การเดินขบวน ฯลฯ ในภาษาฝรั่งเศสครั้งแรก นักปฏิวัติ เพลงที่ใช้เพลงของเพลงยอดนิยมที่มีอยู่แล้วในหมู่คน: ตัวอย่างเช่นเพลงของฝรั่งเศส sans-culottes "Za ira" - นี่คือการท่วงทำนองใหม่ของท่วงทำนองของ "National Carillon" Bekur เพลงที่สรุปน้ำเสียงที่มีลักษณะเฉพาะของนาร์ก็ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายเช่นกัน เพลง - "Carmagnola" และอื่น ๆ สูง ตัวอย่างที่โดดเด่นที่สุดของการปฏิวัติ เพลงของฝรั่งเศสคือเพลง Marseillaise ซึ่งแต่งโดย C. J. Rouget de Lisle (พ.ศ. 2335; จากปี พ.ศ. 2338 โดยเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส) ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาในเพลงวีรสตรี ภาพดึงดูดผู้ชมจำนวนมากทำให้ศิลปะแห่งการปฏิวัติมีชีวิตชีวา ความคลาสสิค แนวความคิดในการต่อสู้กับเผด็จการเสรีภาพของมนุษย์ซึ่งหล่อเลี้ยงรำพึง คดีความสนับสนุนการค้นหาเพลงใหม่ กองทุน สำหรับกระทะ และคำแนะนำ ดนตรี (โดยผู้แต่งต่างกัน) น้ำเสียงเชิงโวหาร ทำนองที่โดดเด่นด้วย "รูปทรงขนาดใหญ่" (มักจะมีน้ำเสียงประโคม) จังหวะไล่ การเดินขบวน ความหยาบกร้านของโมดัลฮาร์โมนิกกลายเป็นแบบอย่าง คลังสินค้า. นักประพันธ์เพลงที่ใหญ่ที่สุดในเวลานั้น - Gossec, E. Megul, J. F. Lesueur, L. Cherubini หันไปเขียนเพลง, เพลงสวด, เดินขบวน ("เพลงของ 14 กรกฎาคม", นักร้องประสานเสียง "Awake, people!", "Mournful March" สำหรับ วงดุริยางค์วิญญาณและผลงานอื่น ๆ โดย Gossek, "Song of the March", "Song of Victory" โดย Megul, "Song of the Triumphs of the French Republic", "Hymn of the 9 Thermidor" โดย Lesueur; "Hymn to the Brotherhood" , "เพลงสิบสิงหาคม" โดย Cherubini) คีตกวีเหล่านี้เป็นท่วงทำนองที่โดดเด่นที่สุด ผู้นำของฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ โดยเฉพาะอย่างยิ่ง การปฏิวัติ พวกเขาเป็นผู้นำองค์กรของมวลชนที่ยิ่งใหญ่ การเฉลิมฉลอง (พวกเขาดำเนินการประสานเสียง, วงออเคสตราในจตุรัสของปารีส) หนึ่งในผู้สร้างเพลง รูปแบบของการปฏิวัติคือ Gossec ซึ่งงานวางรากฐานสำหรับแนวเพลงใหม่รวมถึง ปฏิวัติรักชาติ เพลงมวลชน วีรบุรุษ การเดินขบวนงานศพ, ความปั่นป่วน โอเปร่าของการปฏิวัติ เขายังเป็นผู้ก่อตั้งฝรั่งเศส ซิมโฟนี (ซิมโฟนีที่ 1, 1754) ขึ้นอยู่กับความสำเร็จของฝรั่งเศส โอเปร่า (ส่วนใหญ่คือ Rameau) Gossec ปรับปรุงและขยายองค์ประกอบของซิมโฟนี วงออเคสตรา (นำคลาริเน็ตและแตรเข้าสู่สกอร์) สังคม บรรยากาศของยุคนั้นมีความหมาย อิทธิพลต่อดนตรี ทีอาร์ ปฏิวัติ. อุดมการณ์มีส่วนทำให้เกิดแนวใหม่ - apotheosis, ความปั่นป่วน การแสดงโดยใช้คณะนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่ มวลชน (Gosseck - apotheosis "The Gift of Freedom", 1792; โอเปร่า "The Triumph of the Republic หรือ Camp at the Grand Pre", 1793; Gretry - ความปั่นป่วน โอเปร่า "The Republican Chosen One, or the Feast of Virtue", "Tyrant Dionysius" ทั้ง 1794 เป็นต้น)

ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของการปฏิวัติ "โอเปร่าแห่งความรอด" (ก่อตั้งขึ้นก่อนการปฏิวัติ) ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษโดยยกประเด็นของการต่อสู้กับเผด็จการเผยให้เห็นพระสงฆ์เชิดชูความจงรักภักดีและความจงรักภักดี แนวฮีโร่แนวใหม่นี้ผสมผสานความเป็นวีรบุรุษที่เหนือชั้นและความสมจริงในชีวิตประจำวัน ซึ่งเป็นคุณสมบัติของการ์ตูน โอเปร่าและวีรสตรี โศกนาฏกรรมของ Gluck ตัวอย่างที่ชัดเจนของ "โอเปร่าแห่งความรอด" ถูกสร้างขึ้นโดย Cherubini ("Lodoiska", 1791; "Eliza", 1794; "Water Carrier", 1800), Breton ("The Horrors of the Monastery, 1790), Lesueur (" ถ้ำ", 1793) คีตกวีแห่งยุคฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ การปฏิวัติมีส่วนสำคัญอย่างมากต่อการพัฒนาประเภทโอเปร่า: พวกเขาได้เสริมการแสดงออก หมายถึง (Cherubini ใช้หลักการของประโลมโลกในจุดสุดยอด) เทคนิคการกำหนดลักษณะ (การก่อตัวของลัทธิลีทโมทีฟโดย Gretry, Lesueur, Cherubini, Megul; ดู Leitmotiv) ให้การตีความรูปแบบโอเปร่าบางรูปแบบใหม่ โอเปร่าของ Gretry จำนวนหนึ่ง ("Richard the Lionheart", "Raoul Bluebeard") และ Cherubini (รวมถึง "Medea", 1797) ซึ่งผู้เขียนพยายามจะแสดงให้เห็นภายใน ประสบการณ์ของมนุษย์มีความโรแมนติก แนวโน้ม ผลงานเหล่านี้ปูทางสู่โอเปร่าโรแมนติกในศตวรรษที่ 19

ในยุค 80 ศตวรรษที่ 18 คลี่คลาย กิจกรรมของ G. B. Viotti - ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของยุควีรบุรุษ ความคลาสสิคใน Skr เรียกร้อง-ve ซึ่งมีอิทธิพลต่อการก่อตัวของฝรั่งเศส ส. โรงเรียนสมัยศตวรรษที่ 19 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของการปฏิวัติ มันได้รับจิตวิญญาณทางการทหาร เนื่องจากมีความสำคัญเป็นพิเศษ ดนตรี (ฟังในช่วงเทศกาล งานเฉลิมฉลอง พิธีการ ขบวนแห่ศพ) วงดนตรีแห่งชาติจัดขึ้น ยาม (1789 ผู้ก่อตั้ง B. Sarret) ปฏิวัติ. ระบบดนตรียังได้รับการเปลี่ยนแปลง การศึกษา. เมตริกถูกยกเลิก ในปี ค.ศ. 1792 Muses ได้เปิดขึ้น โรงเรียนแห่งชาติ ยามสำหรับการฝึกทหาร นักดนตรี บนพื้นฐานของโรงเรียนนี้และในหลวง โรงเรียนสอนขับร้องและบรรยาย (ก่อตั้งโดยเลขาธิการแห่งรัฐ พ.ศ. 2327) ในปี พ.ศ. 2336 น. ดนตรี in-t (ตั้งแต่ 1795 - Paris Conservatory) บุญที่ยิ่งใหญ่ในองค์กรของเรือนกระจกเป็นของ Sarret ในบรรดาผู้ตรวจสอบและครูคนแรก - Gossec, Gretry, Cherubini, Lesuer, Megul

ในช่วงการปกครองแบบเผด็จการนโปเลียน (1799-1814) และการฟื้นฟู (1814-15, 1815-30) การลดลงของอุดมการณ์ของ F. m. Semiramide" Katel, 1802 เป็นต้น) ปีเหล่านี้ยังไม่ได้ให้ (ยกเว้นบางกรณี) หมายถึง องค์ประกอบ กับฉากหลังอันเขียวชอุ่ม วีรกรรมจอมปลอม แยง. โอเปร่า "Ossian หรือ Bards" โดย Lesueur (โพสต์ 1804), "Joseph" โดย Megul (1807) โดดเด่น

G. Spontini เป็นตัวแทนทั่วไปของรูปแบบโอเปร่าที่งดงามตระการตา ซึ่งผลงานได้สะท้อนความต้องการและรสนิยมของยุคนั้นอย่างเต็มที่ที่สุด ในโอเปร่าของเขา ("The Vestal Virgin", 1805; "Fernand Cortes หรือการพิชิตเม็กซิโก", 1809, ฯลฯ ) เขายังคงเป็นวีรบุรุษ ประเพณีที่มาจากกลัค มิวส์. การแสดงละครของสิ่งมีชีวิต "Vestals" อิทธิพลต่อการก่อตัวของประเภทแกรนด์โอเปร่า

เมื่อสิ้นสุดยุคฟื้นฟูในยุคเริ่มต้นของสังคม หลังจากการพุ่งสูงขึ้นที่นำไปสู่การปฏิวัติเดือนกรกฎาคมปี 1830 การฟื้นฟูก็สังเกตเห็นได้ในด้านวัฒนธรรมด้วย ในการต่อสู้กับอาเคด คดีของจักรวรรดินโปเลียนเกิดขึ้นโดยชาวฝรั่งเศส โรแมนติก โอเปร่าสู่สวรรค์ในยุค 20-30 ครอบครองตำแหน่งที่โดดเด่น โรแมนติก. แนวโน้มแสดงออกในความปรารถนาสำหรับความอิ่มตัวเชิงอุดมการณ์บทกวี ความฉับไวของการแสดงออก การทำให้เป็นประชาธิปไตย และสีสันของรำพึง ภาษา. ประเภทโอเปร่า นักแสดงตลกโอเปร่าซึ่งแพร่หลายที่สุดในช่วงหลายปีที่ผ่านมาก็กลายเป็นเรื่องโรแมนติกเช่นกัน ถึงนักแสดงตลกที่ดีที่สุด โอเปร่าของทิศทางนี้เป็นผลงาน A. Boildieu ซึ่งประสบความสำเร็จสูงสุดคือโอเปร่า The White Lady (1825) ที่มีปรมาจารย์อันงดงาม ฉากประจำวันและโรแมนติก จินตนาการ ความโรแมนติกเพิ่มเติมของการ์ตูน โอเปร่าทำให้เนื้อเพลงของเธอเพิ่มขึ้น จุดเริ่มต้นการใช้ nar ที่กว้างขึ้น ท่วงทำนองและเสริมสไตล์ของเธอ การ์ตูนแนวใหม่ โอเปร่าที่ฉุนเฉียว พล็อตการกระทำที่พัฒนาอย่างรวดเร็วดนตรี ภาษาที่อิ่มตัวด้วยน้ำเสียงของเพลงและการเต้นรำในชีวิตประจำวัน ถูกสร้างขึ้นโดย F. Ober ("Fra Diavolo", 1830; "The Bronze Horse", 1835; "Black Domino", 1837 เป็นต้น) ในประเภทตลก นักแต่งเพลงคนอื่นยังทำงานในโอเปร่า - F. Herold ("Tsampa หรือ Marble Bride", 1831), F. Halevi ("Lighting", 1835), A. Adam ("บุรุษไปรษณีย์จาก Longjumeau", 1836) ซึ่งต่อมา ได้รับการอนุมัติยังโรแมนติก ทิศทางในบัลเล่ต์ ("Giselle หรือ Willis", 1841; "Corsair", 1856)

ในปีเดียวกันนั้น ประเภทของแกรนด์โอเปร่าเกี่ยวกับประวัติศาสตร์และความรักชาติได้ก่อตัวขึ้น และกล้าหาญ เรื่องราว ในปี ค.ศ. 1828 มีการโพสต์ โอเปร่า "Mute from Portici" ("Fenella") โดย Aubert เนื้อเรื่องที่สอดคล้องกับสังคม อารมณ์ในช่วงก่อนการปฏิวัติเดือนกรกฎาคม ค.ศ. 1830 นี่เป็นโอเปร่าขนาดใหญ่เรื่องแรกที่คนธรรมดาแสดงแทนวีรบุรุษในสมัยโบราณ ดนตรีนั้นแตกต่างจากความเคร่งขรึมของวีรบุรุษเก่า ประเภท "ใบ้จากปอร์ติจิ" กระตุ้นการพัฒนาต่อไปของวีรบุรุษพื้นบ้าน และโรแมนติก โอเปร่า ใน Grand Opera มีนักละครบางคนรับรู้แล้ว เทคนิคที่ใช้โดย G. Rossini ในโอเปร่า "William Tell" (1829) เขียนโดยเขาสำหรับปารีส Rossini ทำงานที่ฝรั่งเศสได้มากจากวัฒนธรรมของเธอ ในขณะเดียวกันก็มีผลกระทบต่องานของชาวฝรั่งเศสด้วย นักดนตรีโดยเฉพาะ J. Meyerbeer

ในภาษาฝรั่งเศส แกรนด์โอเปร่าแห่งทศวรรษที่ 1830 และ 1840 ที่สร้างขึ้นโดยยุคของแนวโรแมนติกที่กล้าหาญ สิ่งที่น่าสมเพชความรู้สึกอิ่มเอมรวมกับการแสดงบนเวทีมากมาย เอฟเฟกต์, เอฟเฟกต์การตกแต่งภายนอก ในเรื่องนี้งานของ Meyerbeer ซึ่งเป็นตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของประวัติศาสตร์และความโรแมนติกที่ยิ่งใหญ่นั้นเป็นสิ่งที่บ่งบอกถึง โอเปร่า เป็นเวลาหลายปีที่เกี่ยวข้องกับฝรั่งเศส วัฒนธรรม. สำหรับการผลิตของเขา โดยทั่วไปจะเขียนอย่างระมัดระวัง ลักษณะนูนของตัวละคร ลักษณะการเขียนที่ติดหู เพลงที่ชัดเจน การแสดงละคร (แยกแยะจุดสุดยอดทั่วไปและช่วงเวลาสำคัญในการพัฒนาแอ็คชั่น) ด้วยการผสมผสานอันโด่งดังของดนตรี สไตล์ (ภาษาดนตรีของเขาถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของวัฒนธรรมประจำชาติต่างๆ) Meyerbeer สร้างโอเปร่าที่จับภาพการกระทำด้วยละครที่เข้มข้นโรงละครที่ตระการตา ความฉูดฉาด ลักษณะตลอดประวัติศาสตร์ของ F. m. การเชื่อมต่อคือโรงละคร และดนตรี art-va แสดงออกในผลงานของ Meyerbeer ซึ่งได้รับอิทธิพลมาจากความโรแมนติก ละครโดยเฉพาะ วี. ฮิวโก้. (หมายความว่าบทบาทในการสร้างรูปแบบโอเปร่าของ Meyerbeer เป็นของนักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่ในเวลานั้น E. Scribe ซึ่งกลายเป็นนักเขียนบทถาวรของเขา) โอเปร่าปารีสของ Meyerbeer - "Robert the Devil" (1830) ซึ่งโครงสร้างของ ชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ได้ก่อตัวขึ้น โอเปร่า งานที่ดีที่สุดของเขา "Huguenots" (1835) ซึ่งกลายเป็นตัวอย่างที่ฉลาดที่สุดของฝรั่งเศส โรแมนติก โอเปร่า "ศาสดา" (1849) และ "แอฟริกัน" (1864) ซึ่งมีสัญญาณของความเสื่อมโทรมของประเภทนี้อยู่แล้ว - สำหรับข้อดีทั้งหมดของพวกเขาพวกเขาเป็นพยานถึงความไม่สอดคล้องกันของงานสร้างสรรค์ วิธีการของเมเยอร์เบียร์และประเภทของแกรนด์โอเปร่าที่มีผลกระทบภายนอกต่อความเสียหายของความเป็นจริง โอเปร่าที่ยิ่งใหญ่เกี่ยวข้องกับงานของชาวฝรั่งเศสจำนวนหนึ่ง นักแต่งเพลงรวมถึง Halevi ("Zhidovka", 1835; "ราชินีแห่งไซปรัส", 1841; "Karl VI", 1843)

ภาษาฝรั่งเศสก้าวหน้า ดนตรี แนวโรแมนติกพบการแสดงออกที่โดดเด่นและสมบูรณ์ที่สุดในผลงานของ G. Berlioz หนึ่งในนักประพันธ์เพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 19 Berlioz เป็นผู้สร้างซอฟต์แวร์ที่โรแมนติก ซิมโฟนี - "Fantastic Symphony" (1830) ซึ่งกลายเป็นคำประกาศสำหรับชาวฝรั่งเศส ดนตรี แนวโรแมนติก "แฮโรลด์ในอิตาลี" (1834) ลักษณะเฉพาะของซิมโฟนี ความคิดสร้างสรรค์ของ Berlioz เกิดจากการหักเหของแสงในดนตรีของเขา ภาพของ Virgil, W. Shakespeare, J. Byron, J. W. Goethe, การบรรจบกันของ Symph ประเภทกับโรงละคร ปัญหาของการแสดงละครได้รับการแก้ไขในแต่ละผลงานของเขา เป็นรายบุคคล: dram ซิมโฟนี "โรมิโอและจูเลียต" (1839) คล้ายกับ oratorio (เนื่องจากการแนะนำของศิลปินเดี่ยวและคณะนักร้องประสานเสียง) และมีองค์ประกอบของการแสดงโอเปร่า ดราม่า ตำนาน "The Condemnation of Faust" (สำหรับศิลปินเดี่ยว, คณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา, 1846) เป็นเพลงโอเปร่า-ออราโทริโอ-ซิมโฟนีที่ซับซ้อน ประเภท. ในระดับหนึ่ง หลักการของ monothematism ที่ใช้กันอย่างแพร่หลายโดย Berlioz ในการแสดงซิมโฟนี ซึ่งในกรณีนี้มาจากลักษณะเพลงประกอบในโอเปร่า มีความเกี่ยวข้องในระดับหนึ่ง ด้วยการแสดงซิมโฟนีแบบเป็นโปรแกรมของเขา Berlioz ได้สรุปหนึ่งในเส้นทางที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาของยุโรป อาการ เพลง (ดูโปรแกรมเพลง). ในเพลงของเขาพร้อมกับเนื้อร้องที่สนิทสนมน่าอัศจรรย์ และภาพประเภทต่าง ๆ เป็นตัวเป็นตนอย่างต่อเนื่องในการปฏิวัติพลเรือน หัวข้อ; เขาฟื้นประเพณีของมวลชนและประชาธิปไตย การเรียกร้องของฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ Revolution (Requiem, 1837; Funeral-Triumph Symphony, 1840) Berlioz ผู้ริเริ่มที่ยิ่งใหญ่ Berlioz ได้สร้างแนทรูปแบบใหม่ ท่วงทำนอง (ท่วงทำนองของเขาโดดเด่นด้วยความโน้มเอียงไปสู่โหมดเก่าซึ่งเป็นจังหวะที่แปลกประหลาดซึ่งได้รับผลกระทบจากอิทธิพลของลักษณะเฉพาะของคำพูดภาษาฝรั่งเศส ท่วงทำนองของเขาบางส่วนคล้ายกับสุนทรพจน์ที่ยกระดับ) เขาสร้างนวัตกรรมที่ยอดเยี่ยมในด้านดนตรี รูปแบบทำให้เกิดการปฏิวัติในด้านเครื่องมือวัด (มีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพที่เล่นโดยองค์ประกอบของวงดนตรี - ทิมเบอร์ซึ่งองค์ประกอบอื่น ๆ ของภาษาดนตรีเป็นผู้ใต้บังคับบัญชา - จังหวะ, ความสามัคคี, รูปแบบ, พื้นผิว) ตำแหน่งที่ค่อนข้างพิเศษในภาษาฝรั่งเศส ดนตรี t-re ครอบครองโอเปร่าของ Berlioz: โอเปร่าของเขา "Benvenuto Cellini" (1837) ยังคงเป็นประเพณีของการ์ตูน โอเปร่า dilogy "Trojans" (1859) - วีรกรรมของ Gluck ทาสีด้วยโทนสีโรแมนติก

วาทยกรที่ใหญ่ที่สุดและดนตรีที่โดดเด่น นักวิจารณ์ Berlioz พร้อมด้วย Wagner เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนใหม่เขียนผลงานที่โดดเด่นจำนวนหนึ่งรวมถึง อุทิศให้กับ L. Beethoven, Gluck, คำถามเกี่ยวกับศิลปะการแสดง (ในหมู่พวกเขา - บทความ "The Conductor of the Orchestra", 1856) และ orchestration ("The Great Treatise on Instrumentation, 1844)

งานของ Berlioz บดบังกิจกรรมของชาวฝรั่งเศสจำนวนหนึ่ง นักแต่งเพลง ser. ศตวรรษที่ 19 ทำงานในวงการซิมโฟนี ประเภท. อย่างไรก็ตาม บางส่วนรวมถึง เอฟ เดวิด ตัดสินใจแล้ว ผลงานเพลง เรียกร้องในฝรั่งเศส ผู้เขียนซิมโฟนีเดียว The Desert (1844), คริสโตเฟอร์โคลัมบัส (2390) และงานอื่น ๆ เขาได้วางรากฐานของลัทธิตะวันออกใน F. m.

ในยุค 30-40 ศตวรรษที่ 19 ปารีสกลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของดนตรีสากล วัฒนธรรมที่ดึงดูดนักดนตรีจากต่างประเทศ ความคิดสร้างสรรค์เกิดขึ้นที่นี่การเปียโนของ F. Chopin และ F. Liszt เติบโตขึ้นศิลปะของนักร้อง P. Viardo-Garcia, M. Malibran เจริญรุ่งเรือง N. Paganini และนักแสดงที่โดดเด่นอื่น ๆ ได้จัดคอนเสิร์ต

ตั้งแต่แรก ศตวรรษที่ 19 ยุโรป ชื่อเสียงได้รับภาษาฝรั่งเศส ไวโอลินที่เรียกว่า โรงเรียนปารีส - P. Rode, P. M. Baio, R. Kreutzer; กาแล็กซี่ของนักร้องที่เกี่ยวข้องกับความโรแมนติกมาถึงเบื้องหน้า โอเปร่าในหมู่พวกเขา - นักร้อง L. Damoro-Chinti, D. Arto, นักร้อง A. Nurri, J. L. Dupre รำพึงรำพันชั้นหนึ่งปรากฏขึ้น ทีม ในปี พ.ศ. 2371 F. Habenek ก่อตั้งในปารีส "The Society of Concerts of the Paris Conservatory" ซิมโฟนี ซึ่งการแสดงคอนเสิร์ตมีบทบาทสำคัญในการส่งเสริมงานของเบโธเฟนในฝรั่งเศส (ในปี พ.ศ. 2371-2574 มีการจัดรอบที่ปารีสซึ่งรวมถึงซิมโฟนีของเบโธเฟนทั้งหมด) เช่นเดียวกับ Berlioz (การแสดงซิมโฟนีมหัศจรรย์ โรมิโอและจูเลียตเป็นครั้งแรกในคอนเสิร์ตของสมาคม "," แฮโรลด์ในอิตาลี") Berlioz นำกิจกรรมของวาทยกรใหญ่ เขาจึงจัดซิมโฟนี คอนเสิร์ต - เทศกาล (ต่อมาเขาเป็นวาทยกรของ Grand Parisian Philharmonic Society ซึ่งสร้างขึ้นจากความคิดริเริ่มของเขา 1850-51) วิธี. คณะนักร้องประสานเสียงก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน การแสดงซึ่งค่อย ๆ ย้ายจากคริสตจักรหนึ่งไปสู่อีกนิกายหนึ่ง ห้องโถง คนรักคณะนักร้องประสานเสียงจำนวนมาก การร้องเพลงถูกรวมเป็นหนึ่งโดย Orpheon Society สำหรับดนตรี ชีวิตของฝรั่งเศสในช่วงหลายปีของจักรวรรดิที่สอง (1852-70) มีลักษณะเฉพาะด้วยความหลงใหลในร้านกาแฟคอนเสิร์ตโรงละคร revue คดี chansonnier. ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา t-ry ของประเภทแสงที่มีการแสดงเพลงและเรื่องตลก ทุกที่มันฟังดูสนุกสนานน่าขบขัน ดนตรี. อย่างไรก็ตาม ประสบการณ์ที่ได้รับจากการ์ตูน อุปรากรในการแสดงชีวิตประจำวัน ในการสร้างภาพจริง มีส่วนทำให้เกิดโรงละครใหม่ ประเภท - โอเปร่าและโอเปร่าบทกวี

ละครโอเปร่าของชาวปารีสเป็นผลงานของจักรวรรดิที่สอง มันเติบโตจากการแสดง-บทวิจารณ์ (บทวิจารณ์) ที่สร้างขึ้นในหัวข้อของวันนี้ ละครมีความโดดเด่นด้วยความอิ่มตัวของความทันสมัยเป็นหลัก เนื้อหาและเพลงปัจจุบัน น้ำเสียงสูงต่ำ มันขึ้นอยู่กับบทกวีและการเต้นรำที่เผ็ดร้อน ความหลากหลายสลับกับบทสนทนาสนทนา ในบรรดาผู้สร้างละครโอเปร่าชาวปารีส ได้แก่ J. Offenbach, P. Herve Operettas ของปรมาจารย์ที่ใหญ่ที่สุดของประเภทนี้ Offenbach หลากหลายในเนื้อเรื่อง ("Orpheus in Hell", 1858; "Genevieve of Brabant", 1859; "Beautiful Helena", 2407; "Bluebeard" และ "Paris Life", 2409; Pericola", 2411, ฯลฯ ) อยู่ใต้บังคับบัญชาของ Ch. ธีม - ภาพลักษณ์ของความทันสมัย ออฟเฟนบาคขยายศิลปะเชิงอุดมคติ ช่วงประเภท; ละครของเขาได้รับความเฉพาะเจาะจงอย่างฉับพลันซึ่งเป็นการวางแนวทางสังคม (ในงานจำนวนหนึ่งคุณธรรมของสังคมชนชั้นนายทุน - ชนชั้นนายทุนถูกเยาะเย้ย) ดนตรีในละครของออฟเฟนบาคกลายเป็นบทละครที่สำคัญที่สุด ปัจจัย.

ต่อจากนั้น (ในยุค 70 ภายใต้เงื่อนไขของสาธารณรัฐที่สาม) ละครเวทีสูญเสียการเสียดสี การล้อเลียน และความเฉพาะเจาะจง และเรื่องประวัติศาสตร์-ทุกวันและเชิงโคลงสั้น-โรแมนติกก็กลายเป็นเรื่องเด่น พล็อตในดนตรีเนื้อเพลงมาถึงข้างหน้า จุดเริ่มต้น ("Madame Favard", 2421 และ "The Daughter of the Tambour Major", 2422, Offenbach; "Mademoiselle Nitouche" Herve, 2432 เป็นต้น); มันแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในละครของ Ch. Lecoq ("ลูกสาวของ Madame Ango", 1872; "Girofle-Giroflya", 1874), R. Plunket ("Corneville Bells", 1877) โรงอุปรากรหลายแห่งถูกเปิดสำหรับการแสดงโอเปร่าในปารีส t-ditch - "Buff-Parisien" (1855 ผู้ก่อตั้ง - Offenbach), "Foli Dramatic" (1862), "Foli Bergère" (1872; ภายหลัง - ห้องโถงดนตรี) ฯลฯ

ภายในปี 50 ศตวรรษที่ 19 ในฝรั่งเศส เรียกร้อง-ve ขยายจริง. แนวโน้ม ในโอเปร่าสิ่งนี้แสดงออกถึงความปรารถนาในแผนการธรรมดาเพื่อภาพลักษณ์ที่ไม่พิเศษและโรแมนติก วีรบุรุษ แต่คนธรรมดาที่มีประสบการณ์ใกล้ชิด ในคอน 50s - 60s แนวเพลงกำลังเกิดขึ้น โอเปร่า ตัวอย่างที่ดีที่สุดมีลักษณะเป็นจิตวิทยาเชิงลึก การเปิดเผยภายในอย่างละเอียดอ่อน ของโลกมนุษย์ ภาพที่แท้จริงของสถานการณ์ กับเบื้องหลังของการกระทำที่พัฒนาขึ้น อย่างไรก็ตาม เนื้อเพลง โอเปร่าขาดความกว้างของศิลปะเชิงอุดมคติ ลักษณะทั่วไป มักจะสว่าง พื้นฐานของโอเปร่าคือผลงาน คลาสสิกระดับโลก แต่เน้นในพวกเขาเป็นหลัก เนื้อเพลง ละคร โครงเรื่องถูกตีความในชีวิตประจำวัน ปัญหาทางอุดมการณ์แคบลง เนื้อหาเชิงปรัชญาของประเด็น แหล่งที่มาเดิม ลีริค. โอเปร่ามีความโดดเด่นด้วยบทกวี ร่างฉาก ภาพ, ดนตรีที่เข้าใจได้ง่าย, ความน่าดึงดูดใจ, ความไพเราะของท่วงทำนอง, การทำให้ท่วงทำนองเป็นประชาธิปไตย ภาษาที่เข้าถึงเนื้อเพลงในชีวิตประจำวัน (ใช้กันอย่างแพร่หลายคือนิทานพื้นบ้านเมืองประเภทต่าง ๆ ในชีวิตประจำวันรวมถึงความรักและวอลทซ์)

ลีริค. โอเปร่าได้รับองค์ประกอบที่สมบูรณ์และสมบูรณ์แบบที่สุดในงานของ Ch. Gounod โอเปร่าเฟาสท์ (1859 ฉบับที่ 2 พ.ศ. 2412) ซึ่งเป็นจุดกำเนิดของแนวเพลงใหม่ทำหน้าที่เป็นคลาสสิก ตัวอย่าง. Gounod สร้างเนื้อเพลงที่สดใสอีก 2 บท โอเปร่า - "Mireil" (1863, 2nd edition 1864) และ "Romeo and Juliet" (1865, 2nd edition 1888) ในบรรดานักประพันธ์เพลงที่เขียนในประเภทนี้ เนื้อเพลงมีความโดดเด่นจากต้นฉบับ พรสวรรค์ความสง่างามของดนตรี สไตล์ J. Massenet ผู้แต่งโอเปร่ายอดนิยม "Manon" (1884), "Werther" (1886) บทกวีดังกล่าวเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง โอเปร่าเช่น "Mignon" (1866) และ "Hamlet" (1868) โดย Thomas, "The Pearl Seekers" (1863), "The Beauty of Perth" (1866) และ "Jamile" (1871) โดย Bizet, "Lakme" โดย Delibes (1883) ตั้งชื่อโอเปร่าโดย J. Bizet และ L. Delibes ในเรื่องที่แปลกใหม่ วิชา "Oriental" และ "Samson and Delilah" โดย Saint-Saens (1876) เป็นวิชาภาษาฝรั่งเศสที่ดีที่สุด เนื้อเพลงโอเรียนเต็ล เนื้อเพลงมากมาย โอเปร่าถูกจัดแสดงที่ Lyric Theatre (ก่อตั้งขึ้นในปี 1851)

ในยุค 70 ศตวรรษที่ 19 เหมือนจริง. แนวโน้มยังปรากฏในประเภทของบัลเล่ต์ ผู้ริเริ่มในพื้นที่นี้คือ Delibes ซึ่งอยู่ในบัลเลต์ Coppelia หรือ Girl with the Enamel Eyes (1870) และ Sylvia หรือ Nymph of Diana (1876) ได้ทำให้ละครเรื่องนี้เข้มข้นขึ้น เริ่มต้นในการเต้นรำ ขยายขอบเขตของโคลงสั้น ๆ จิตวิทยา การแสดงออกของประเพณี รูปแบบบัลเล่ต์ที่ใช้ผ่านการพัฒนาของดนตรี.-xopeografich. การกระทำถึงการประสานเสียงของดนตรีบัลเล่ต์ ช่องว่างนั้นเหมือนจริง หลักการโคลงสั้น ๆ โอเปร่าเกี่ยวข้องกับงานของ Bizet การสร้างสรรค์ที่ดีที่สุดของเขา - ดนตรีสำหรับละครเรื่อง "The Arlesian" ของ A. Daudet (1872) และโอเปร่า "Carmen" (1874) โดดเด่นด้วยความสมจริง การเปิดเผยละครของผู้คนจากผู้คน, พลังของการพรรณนาความขัดแย้งในชีวิต, ความจริงของกิเลสตัณหาของมนุษย์, ไดนามิกของภาพ, ละคร การแสดงออกทางดนตรี การพักผ่อนหย่อนใจที่สดใสของแนท สีไพเราะ ความร่ำรวยความคิดริเริ่มของรำพึง ภาษา การผสมผสานของความเข้มข้น การพัฒนาจากประเพณี แบบฟอร์มภาษาฝรั่งเศส การ์ตูน โอเปร่า ("การ์เมน" เขียนอย่างเป็นทางการในประเภทนี้) "คาร์เมน" - จุดสุดยอดของความสมจริงในภาษาฝรั่งเศส โอเปร่า หนึ่งในผลงานที่ยิ่งใหญ่ที่สุด ศิลปะโอเปร่าโลก ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 สิ่งมีชีวิต. ที่อยู่ในเพลง ชีวิตของฝรั่งเศสถูกครอบครองโดยงานของ R. Wagner ซึ่งมีความหมาย อิทธิพลต่อภาษาฝรั่งเศสจำนวนมาก นักแต่งเพลง เกิดการโต้เถียงกันอย่างดุเดือดระหว่างชาววากเนเรียนกับคู่ต่อสู้ของพวกเขา ปารีสกลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของลัทธิวากเนอร์ มีการตีพิมพ์พิเศษที่นี่ด้วยซ้ำ นิตยสาร "Revue Wagnerrienne" (1885-88) ซึ่งนักเขียน นักดนตรี นักปรัชญา และศิลปินที่มีชื่อเสียงได้ร่วมมือกัน อิทธิพลของดนตรี ละครของ Wagner สะท้อนให้เห็นในโอเปร่า Fervaal d'Andy (1895), Chabrier's Gwendoline (1886) อิทธิพลของ Wagner ยังส่งผลต่อประเภทเครื่องมือ (การค้นหาในด้านความสามัคคีการประสานเสียง) - ผลงานบางชิ้นของ A. Duparc, E. Chausson เป็นต้น อย่างไรก็ตาม ในช่วงทศวรรษ 1990 มีการต่อต้านการครอบงำของความคิดวากเนเรียนมีความปรารถนาที่จะมีลักษณะประจำชาติมากขึ้นสำหรับความจริงของชีวิตในดนตรีในเรื่องนี้ในโอเปร่าฝรั่งเศสพวกเขาพบว่ามีการนำเทรนด์ คล้ายกับอิตาลี verismo ในระดับนัยสำคัญที่เกี่ยวข้องกับขบวนการวรรณกรรมที่นำโดย E. Zola พวกเขาเป็นตัวเป็นตนอย่างเต็มตาในผลงานของ A. Bruno ตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของลัทธิธรรมชาตินิยมในศิลปะโอเปร่าของฝรั่งเศส ในโอเปร่าของเขา (ส่วนใหญ่ของ พวกเขา - ในแผนการและส่วนหนึ่งในบทของ Zola ) ครั้งแรกที่เขานำชาวนาสมัยใหม่มาที่เวทีคนงาน - "The Siege of the Mill" (1893), "Messidor" (1897), "Hurricane" (1901)อย่างไรก็ตาม สู่การทำลายความสมจริงในผลงานของบรูโน่ ความขัดแย้งในชีวิตจริงมักถูกรวมเข้ากับสัญลักษณ์ลึกลับ มุ่งสู่ทิศทางที่เป็นธรรมชาติ ผลงานของ G. Charpentier ผู้แต่งโอเปร่า Louise (1900) ซึ่งได้รับความนิยมโดยเฉพาะอย่างยิ่งในหมู่ผู้ชมที่เป็นประชาธิปไตย รวบรวมผลงานของ G. Charpentier (1900) ซึ่งแสดงภาพคนธรรมดา ภาพชีวิตประจำวันของชาวปารีส

ในชั้น 2 ศตวรรษที่ 19 ประเพณีเพลงที่แสดงโดยผลงานของชานซอนเนียร์กลายเป็นที่แพร่หลาย ต่อจากนั้น V.I. Lenin พูดด้วยความเห็นใจอย่างมากเกี่ยวกับการอ้างสิทธิ์ของพวกเขา V.I. เลนินชอบความนิยมในยุค 90 โดยเฉพาะ นักร้อง chansonnier G. Montegus - ลูกชายของคอมมูนาร์ด แยง. chansonniers มักโดดเด่นด้วยการประชาสัมพันธ์ที่สดใส หลายเพลงมีส่วนทำให้จิตสำนึกในชั้นเรียนของคนงานตื่นขึ้น ในหมู่พวกเขาคือ "Internationale" - การตอบสนองที่ชัดเจนต่อวีรบุรุษ เหตุการณ์ของ Paris Commune (คำนี้เขียนโดยนักแต่งเพลงป๊อป E. Pottier ในเดือนมิถุนายน พ.ศ. 2414 ดนตรี - โดยคนงานนักแต่งเพลงสมัครเล่น P. Degeyter ในปี พ.ศ. 2431 ดำเนินการครั้งแรกในปี พ.ศ. 2431 ในวันหยุดทำงานในลีล) ซึ่งกลายเป็น เพลงของการปฏิวัติ ชนชั้นกรรมาชีพ

Paris Commune เป็นจุดเปลี่ยนที่สำคัญในสังคมการเมือง และวิถีชีวิตวัฒนธรรมของฝรั่งเศส การเมืองของชุมชนในศิลปะ โดยยึดตามสโลแกนของเธอว่า "ศิลปะเพื่อมวลชน" คอนเสิร์ตยิ่งใหญ่จัดขึ้นเพื่อประชาชน การแสดงมวลชนในพระราชวังตุยเลอรี เขตต่างๆ ของกรุงปารีส เสียงเพลงดังขึ้นบนท้องถนน จัตุรัส ออกแบบโดย Paris Commune of Arts เหตุการณ์กว้างใหญ่ในอุดมคติ ให้โอกาสคนทำงานเข้าชมโรงละคร คอนเสิร์ต และพิพิธภัณฑ์ บุคคลสำคัญในการปฏิวัติ ปารีสเป็นนักแต่งเพลงและนักประพันธ์เพลงพื้นบ้าน อาร์. ซัลวาดอร์-ดาเนียล ผู้ต่อสู้บนเครื่องกีดขวาง เป็นหัวหน้าเรือนกระจกในสมัยของประชาคมปารีส (เขาถูกจับโดยแวร์ซายและถูกยิง) แนวคิดของ Paris Commune พบได้โดยตรง สะท้อนให้เห็นในเพลงที่สร้างขึ้นโดยกวีและนักแต่งเพลงที่ทำงาน พวกเขายังมีส่วนทำให้ศาสตราจารย์เป็นประชาธิปไตย เหมือนจริง. คดีความ หลังจากเหตุการณ์ในปี พ.ศ. 2413-2514 ในฝรั่งเศส การเคลื่อนไหวเพื่อก่อตั้งประเพณีแห่งชาติทางดนตรีก็ขยายตัว มีการเปลี่ยนแปลงในสนาม instr. ดนตรี-ศิลปะชั้นสูง. นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสประสบความสำเร็จในการแสดงซิมโฟนี, Chamber-instr. ประเภท "การต่ออายุ" นี้เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของ S. Frank และ C. Saint-Saens เป็นหลัก

ฝรั่งเศสที่ใหญ่ที่สุด นักแต่งเพลงและนักออร์แกน Frank ในผลงานของเขาผสมผสานคลาสสิก ความชัดเจนของสไตล์กับความโรแมนติกที่สดใส ภาพ เขาให้ความสนใจอย่างมากกับปัญหาของศิลปะ สามัคคี วงจรตามหลักการของการตัดขวางใจความ: สหภาพที่สมบูรณ์และค่อนข้างเป็นอิสระ บางส่วนของวัฏจักรที่มีธีมร่วมกัน (ประเพณีมาจากซิมโฟนีที่ 5 ของเบโธเฟน) ถึงตัวอย่างภาษาฝรั่งเศสชั้นสูง ซิมโฟนีเป็นของงานดังกล่าว Franca เป็นซิมโฟนีใน d-moll (1888), ซิมโฟนี บทกวี The Damned Hunter (1882), Genies (สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, 1884), Psyche (สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตรา, 1888), Symphonic Variations (สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา, 1885) หลักการของวัฏจักรลักษณะของซิมโฟนี งานของแฟรงค์ก็มีอยู่ในห้องของเขาเช่นกัน เรียงความ เขาเป็นผู้เขียนออร์แกน fp. งาน, ออราทอริโอ, โรมานซ์, ดนตรีศักดิ์สิทธิ์ แนวความคิดแบบคลาสสิกในงานของแฟรงค์ (การดึงดูดรูปแบบคลาสสิกที่เข้มงวด การใช้โพลีโฟนีอย่างแพร่หลาย) เป็นส่วนหนึ่งของการเตรียมนีโอคลาสซิซิสซึ่มในดนตรีของศตวรรษที่ 20 ในเวลาเดียวกัน การค้นพบของเขาในด้านความสามัคคีก็คาดหวังให้เกิดความประทับใจ เทคนิคการเขียน ครูดีเด่น Frank เป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียน (ในหมู่นักเรียนของเขาคือ V. d "Andy, A. Duparc, E. Chausson) งานของเขามีผลดีต่อ R. m. ปลาย 19 - ต้น 20 ศตวรรษ .

ความคิดสร้างสรรค์. บุคลิกลักษณะเฉพาะของ Saint-Saens ผู้เขียนมากมาย แยง. แนวเพลงต่าง ๆ ที่แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในเครื่องดนตรีโดยเฉพาะคอนเสิร์ตอัจฉริยะดนตรี - ซิมโฟนีกับออร์แกน (ซิมโฟนีที่ 3, 2429), ซิมโฟนี บทกวี "Dance of Death" (1874), "Introduction and Rondo Capriccioso" และคอนแชร์โตครั้งที่ 3 สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา (1863, 1880), คอนเสิร์ตที่ 2, 4, 5 สำหรับเปียโน กับวงออเคสตรา (1868, 1875, 1896) คอนแชร์โต้ที่ 2 สำหรับเชลโลและวงออเคสตรา (1902) และอื่นๆ แนวดนตรีแนวคลาสสิกสามารถติดตามได้ในดนตรีแนวโรแมนติกของเขา ความคิดสร้างสรรค์ Saint-Saens โดดเด่นด้วยความเที่ยงตรง ประเพณี (หลักการสร้างสรรค์ของเขาถูกสร้างขึ้นในระดับมากภายใต้อิทธิพลของนักฮาร์ปซิคอร์ด, Berlioz, โอเปร่าที่ยิ่งใหญ่และบทกวี) ใน Op. เขาใช้น้ำเสียงและแนวเพลงพื้นบ้านอย่างกว้างขวางการเต้นรำ จังหวะ (แสดงความสนใจในดนตรีพื้นบ้านของประเทศอื่นด้วย: "Algiers Suite" สำหรับวงออเคสตรา, 1880; Fantasy for Piano with Orchestra "Africa", 1891; "Persian Melodies" สำหรับเสียงกับเปียโน, 1870 เป็นต้น) . ระดับชาติ ความแน่นอนและประชาธิปไตยของรำพึง Saint-Saens ยังปกป้องคดีในฐานะนักดนตรี นักวิจารณ์ กิจกรรมที่หลากหลายของเขาในฐานะนักแต่งเพลง นักเปียโนอัจฉริยะในคอนเสิร์ต นักออร์แกน ผู้ควบคุมวง ดนตรี การวิจารณ์มีจุดมุ่งหมายเพื่อส่งเสริม F. m. นี่เป็นหลักฐานจากการตีพิมพ์เกี่ยวกับความคิดริเริ่มและภายใต้กองบรรณาธิการของ แซงต์-แซง จัดเต็ม คอล ความเห็น ราโม (พ.ศ. 2438-2461 ยังไม่แล้วเสร็จ)

ผลงานที่สำคัญต่อชาวฝรั่งเศส ดนตรี วัฒนธรรมม้า 19 - ขอ ศตวรรษที่ 20 คอมพ์ E. Lalo (ปรมาจารย์ด้านดนตรีบรรเลงและวงดนตรีแชมเบอร์, ผู้แต่ง "Spanish Symphony" ยอดนิยมสำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา, 2418 ซึ่งเป็นจุดเริ่มต้นของนักดนตรีชาวฝรั่งเศสที่หลงใหลในนิทานพื้นบ้านสเปน), E. Chabrier (ศิลปินที่แสดง พรสวรรค์แห่งไหวพริบ บทกวีที่ลึกซึ้ง และความเฉลียวฉลาดเชิงสร้างสรรค์ซึ่งต่อต้านการบัญญัติให้เป็นนักบุญของศิลปะ ในบรรดาผลงาน ได้แก่ ละครตลกแห่งชาติเรื่อง The King โดยไม่ได้ตั้งใจ 2430 ชิ้นเปียโน), A. Duparc (ผู้เขียนเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ที่คาดว่าจะมีผลงาน ของประเภทนี้โดย G Fauré, C. Debussy), Chausson (ผู้แต่งบทเพลงที่ละเอียดอ่อน, ผู้สร้างงานไพเราะที่จริงใจ, รวมถึง "บทกวี" สำหรับไวโอลินและวงออเคสตรา, 2439 เช่นเดียวกับความรัก)

ในกาแล็กซี่นี้ d "Andy โดดเด่น นักเรียนที่อุทิศตนของ Frank เขาได้พัฒนาประเพณีของเขาในงานของเขา d" ดนตรีของ Andy โดดเด่นด้วยการประสานเสียง ความสร้างสรรค์ ความกลมกลืน ความโปร่งใสของการประสาน ขนาดขององค์ประกอบ เขาเป็นผู้ชื่นชมและโฆษณาชวนเชื่อในแนวคิดของ Wagner เขาปฏิบัติตามหลักการทางดนตรีของเขา ละคร, leitmotivism. ในการผลิตจำนวนมาก d "แอนดี้พบศูนย์รวมของนิทานพื้นบ้านฝรั่งเศส - "ซิมโฟนีในรูปแบบของเพลงของนักปีนเขาชาวฝรั่งเศส" สำหรับเปียโนและวงออเคสตรา (1886), "แฟนตาซีในรูปแบบของเพลงพื้นบ้านฝรั่งเศส" สำหรับโอโบและวงออเคสตรา (1888) ซิมโฟนีสวีท "วันฤดูร้อนบนภูเขา" (1905) กิจกรรมของ d" Andy มีส่วนทำให้เกิดความสนใจในเตียงสองชั้น เพลงฝรั่งเศส (เขารวบรวมและประมวลผลเพลงพื้นบ้าน, ออกเพลงหลายชุด) เช่นเดียวกับ contrapuntal ศิลปะของปรมาจารย์เก่า สู่การฟื้นคืนชีพของดนตรียุคแรก (การสำแดงแนวโน้มนีโอคลาสสิก) ข้อดีของ d "Andy นั้นยอดเยี่ยมเช่นกันในการศึกษาดนตรีที่เพิ่มขึ้นในฝรั่งเศส

เพิ่มขึ้นในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 สนใจ instr. ดนตรีทำให้เกิดการฟื้นคืนชีพของคอนซี ชีวิต. ซิมโฟนีชั้นหนึ่งปรากฏขึ้น และเครื่องดนตรีแชมเบอร์ ทีม ในปี พ.ศ. 2404 บนพื้นฐานของ ผบ. J. Padlu "Society of Young Artists of the Conservatory" เกิดขึ้น "คอนเสิร์ตของประชาชนในดนตรีคลาสสิก" (มีอยู่จนถึงปี 1884 ต่ออายุโดย Padlu ในปี 1886-87; จากปี 1920 ผู้กำกับ Rene-Baton ฟื้นขึ้นมาในฐานะ "Padlu Concert Association") ในปี 1873 ตามความคิดริเริ่มของผู้จัดพิมพ์ J. Hartman การประชุม สมาคม "คอนเสิร์ตแห่งชาติ" นำโดย ผบ. E. คอลัมน์ (ตั้งแต่ปี 1874 - "Chatelet Concerts" ต่อมา - "Column Concerts") ในคอนเสิร์ตของสังคมนี้ F. m. ได้แสดงอย่างกว้างขวางโดยเฉพาะการผลิต แบร์ลิออซ, แฟรงค์. ในปี พ.ศ. 2416 ในความคิดริเริ่มของผบ. S. Lamoureux หลัก "The Society of Sacred Harmony" ("Société de I" Harmonie sacré ") ในคอนเสิร์ตซึ่งเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศสที่มีการแสดงผลงานของ J. S. Bach, G. F. Handel (ในปี 1881 มันถูกเปลี่ยนเป็น "On - in new คอนเสิร์ต" ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2440 หลังจากรวมตัวกับโอเปร่าคอนเสิร์ตนำโดย C. Chevillard - ใน Lamoureux Concertos) บทบาทพิเศษในการส่งเสริม F. m. ในความคิดริเริ่มของ Saint-Saens และ R. Bussin โดยมีส่วนร่วม ของ S. Frank ซึ่งเกิดขึ้นเพื่อตอบสนองต่อการเพิ่มขึ้นของความรักชาติทั่วประเทศบทบาทของการร้องเพลงเพิ่มขึ้น , Padlu) ถูกสร้างขึ้น: สังคม "Concordia" (1879) ละครที่ถูกครอบงำโดยผลงานของ Bach และ Handel, "สมาคมนักร้อง Saint-Gervaise" (1892, ผู้ก่อตั้ง Ch. Bakhovsky (1904), Gendelevsky (1908) ob-va

ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ภาษาฝรั่งเศส นักแสดงชั้น 2 19 - ขอ ศตวรรษที่ 20 รวม นักร้อง S. Galli-Marieux, นักร้อง J. L. Lassalle, V. Morel, J. M. Reshke, J. F. Delmas, นักเปียโน A. F. Marmontel, L. Diemer, นักออร์แกน Ch. M. Widor, Frank, L. Viern, G. Pierne, A. Gilman และ อื่นๆ ตลอดศตวรรษที่ 19 ฝรั่งเศสพัฒนาอย่างรวดเร็ว ความคิดการวิจัยทางดนตรี มากมาย ทฤษฎีและการสอน ผลงานถูกสร้างขึ้นโดยชาวเช็กที่อาศัยอยู่ในปารีส นักแต่งเพลงและนักทฤษฎี A. Reich; The Historical Dictionary of Musicians (vols. 1-2, 1810-11) และ Musical Encyclopedia (vols. 1-8, 1834-36, notเสร็จ) จัดพิมพ์โดย A. E. Shoron ผู้เขียนงานเกี่ยวกับทฤษฎีดนตรี (เขาเชื่อมโยง ทฤษฎีกับสุนทรียศาสตร์ทั่วไปและดนตรี); เกี่ยวกับ ฟรังโก ฟลาม คริสตจักร ดนตรีและกลางศตวรรษ ดนตรี E. A. Kusmaker เขียนถึงนักทฤษฎีซึ่งผลงานของเขาได้ปูทางสำหรับการศึกษาดนตรีในยุคกลาง ได้รวบรวม เพลงที่เตรียมและตีพิมพ์ของโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่ถูกลืมเขียนงานเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของเครื่องมือวัด (1883) โดย J. B. T. Vekerlen; ผลงานที่ดีในการศึกษาของนาร์ ดนตรีได้รับการแนะนำโดย L.A. Burgot-Ducudray ซึ่งตีพิมพ์เป็นจำนวนมาก ของสะสมพื้นบ้าน ท่วงทำนอง; งานทุนในด้านพจนานุกรมศัพท์และประวัติศาสตร์ดนตรีรวมถึง "ชีวประวัติทั่วไปของนักดนตรีและพจนานุกรมดนตรีบรรณานุกรม" (ฉบับที่ 1-8, 1837-44, เพิ่มเติม ed. 1860-65) เป็นของ F. J. Fetis; บอร์ดได้รวบรวมกวีนิพนธ์เพลงศักดิ์สิทธิ์โบราณ กวีนิพนธ์ดนตรีออร์แกนแห่งศตวรรษที่ 16-18 จัดพิมพ์โดย Gilman and A. Pirro (เล่ม 1-10, 1898-1914)

ในศตวรรษที่ 19 ดนตรี Paris Conservatoire ยังคงฝึกอบรมบุคลากร (Cherubini, Aubert, Salvador-Daniel, Thomas และ T. F. C. Dubois เป็นผู้อำนวยการจนถึงศตวรรษที่ 20 ต่อจาก Sarret) มีมิวสิกใหม่ด้วย อุ๊ย สถาบันต่าง ๆ ซึ่งโรงเรียน Niedermeier ซึ่งเป็นโรงเรียนสอนดนตรีและนักเล่นออร์แกน (เปิดในปี ค.ศ. 1853 บนพื้นฐานของสถาบันดนตรีคริสตจักรที่ได้รับการจัดระเบียบใหม่ ซึ่งก่อตั้งในปี ค.ศ. 1817 โดยโชรอน) และโรงเรียนสกอลา คันโตรุม (ก่อตั้งขึ้นในปี พ.ศ. 2437 ด้วยความคิดริเริ่มของ d'Andy, Borda, Gilman การเปิดอย่างเป็นทางการเกิดขึ้นในปี 2439 ผู้อำนวยการในปี 2443-2474 คือ d "Andy) ซึ่งกลายเป็นศูนย์กลางของการศึกษาและการโฆษณาชวนเชื่อ (คอนเสิร์ตสิ่งพิมพ์ของโรงเรียน) ของฆราวาสและคริสตจักรเก่า ดนตรี ผลงานภาษาฝรั่งเศส คีตกวีแห่งศตวรรษที่ 17-18 เช่นเดียวกับแฟรงค์ ในคอน 80s - 90s ศตวรรษที่ 19 ในฝรั่งเศสมีแนวโน้มใหม่เกิดขึ้นซึ่งแพร่หลายในศตวรรษที่ 20 - อิมเพรสชั่นนิสม์ (มันเกิดขึ้นในยุค 70 ในภาพวาดฝรั่งเศสจากนั้นก็แสดงออกในดนตรี ฯลฯ ) มิวส์. อิมเพรสชั่นนิสม์ฟื้นคืนชีพบางแนท ศิลปะ ประเพณี - ​​ความปรารถนาที่จะเป็นรูปธรรม, โปรแกรม, ความสง่างามของสไตล์, พื้นผิวที่โปร่งใส สิ่งสำคัญในดนตรีของอิมเพรสชันนิสต์คือการถ่ายทอดอารมณ์ที่เปลี่ยนแปลง ความประทับใจชั่วขณะ และสภาพจิตใจที่ละเอียดอ่อน จึงเป็นแรงดึงดูดของกวี ภูมิทัศน์เช่นเดียวกับจินตนาการที่ละเอียดอ่อน

อิมเพรสชั่นนิสม์พบการแสดงออกอย่างเต็มที่ในเพลงของ C. Debussy แสดงออกในผลงานของ M. Ravel, P. Duke, J. J. E. Roger-Ducas และคนอื่น ๆ Debussy สรุปความสำเร็จของรุ่นก่อนของเขาขยายการแสดงออกของเขา และช่างสี ความเป็นไปได้ของดนตรี เขาสร้างการผลิต ศิลปะชั้นสูง ค่าที่โดดเด่นด้วยความแปรปรวนของภาพเสียงที่ไร้ขอบเขต ท่วงทำนองที่ยืดหยุ่นและเปราะบางของเขาดูเหมือนจะถักทอจาก จังหวะ. รูปวาดยังเปลี่ยนแปลงไม่เสถียร ประการแรกสีเป็นสิ่งสำคัญสำหรับนักแต่งเพลง ผล (เสรีภาพกิริยา, การใช้ความเท่าเทียมกันที่ชัดเจน, สตริงของความสามัคคีที่มีสีสันที่ไม่ได้รับการแก้ไข) ความซับซ้อนของฮาร์มอนิก หมายถึงนำไปสู่องค์ประกอบหลายโทนในเพลงของเขา ในออร์ค จานสีถูกครอบงำด้วยสีน้ำบริสุทธิ์ Debussy ได้สร้างนักเปียโนคนใหม่ด้วย สไตล์ ค้นหาความแตกต่างของเสียงเปียโนนับไม่ถ้วน

อิมเพรสชั่นนิสม์ยังแนะนำนวัตกรรมในด้านดนตรี ประเภท ในงานของ Debussy, Symph. วัฏจักรหลีกทางให้ซิมฟ์ สเก็ตช์; ใน fp เพลงถูกครอบงำโดยโปรแกรมย่อส่วน ตัวอย่างที่ชัดเจนของภาพวาดเสียงอิมเพรสชันนิสม์คือ "Prelude to the Afternoon of a Faun" (1894), orc. อันมีค่า "Nocturnes" (1899), 3 ซิมโฟนี ร่าง "ทะเล" (1905) สำหรับวงออเคสตรา เปียโนจำนวนหนึ่ง แยง.

Debussy เป็นผู้สร้างโอเปร่าอิมเพรสชั่นนิสต์ "Pelléas et Mélisande" (1902) ของเขาคือความเป็นหนึ่งเดียวกัน ตัวอย่างของโอเปร่าประเภทนี้ (สำหรับดนตรีอิมเพรสชั่นนิสม์โดยทั่วไป ไม่ใช่เรื่องปกติที่จะหันไปใช้แนวละคร) นอกจากนี้ยังแสดงให้เห็นถึงความชอบของผู้เขียนสำหรับภาพสัญลักษณ์ ด้วยความลึกของการแสดงออกทางจิตวิทยา การถ่ายโอนที่ละเอียดอ่อนโดยใช้ดนตรีที่มีความแตกต่างหลากหลายในอารมณ์ของตัวละคร โอเปร่าทนทุกข์ทรมานจากการแสดงละครที่หยุดนิ่ง ผลงานที่เป็นนวัตกรรมของ Debussy มีผลกระทบอย่างมากต่อการพัฒนาดนตรีโลกทั้งหมดในศตวรรษที่ 20 ในภายหลัง

ศิลปินเอกแห่งศตวรรษที่ 20 Ravel ยังได้รับอิทธิพลจากสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในงานของเขาต่างเกี่ยวพันกัน สุนทรียศาสตร์และโวหาร แนวโน้ม - คลาสสิก, อิมเพรสชั่นนิสต์โรแมนติก (ในงานต่อมา - นีโอคลาสสิกด้วย) เพลงที่ไพเราะและเจ้าอารมณ์ของ Ravel นั้นโดดเด่นด้วยความรู้สึกของสัดส่วน การยับยั้งชั่งใจในการแสดงออก เสรีภาพในการถ่ายทอดดนตรีที่มากขึ้น ความคิดผสมผสานกับความคลาสสิกอย่างลงตัว แบบฟอร์ม (ชอบรูปแบบโซนาต้า) ด้วยจังหวะอันน่าทึ่ง ความหลากหลายและความสมบูรณ์ของเพลงของ Ravel นั้นขึ้นอยู่กับมิเตอร์ที่เข้มงวด เขาเชี่ยวชาญด้านเครื่องมือวัดที่ยอดเยี่ยม สีในขณะที่ยังคงความแน่นอนของเสียงต่ำ ลักษณะเด่นของงานของเขาคือความสนใจในนิทานพื้นบ้าน (ฝรั่งเศส สเปน ฯลฯ) และชีวิตประจำวัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งการเต้นรำ ประเภท ยอดเขาแห่งหนึ่งของฝรั่งเศส ซิมโฟนีคือ "Bolero" ของเขา (1928) ผีอื่น ๆ มีคุณค่าอย่างไม่ต้องสงสัย ความเห็น - "สเปนแรปโซดี" (1907) ออกแบบท่าเต้น บทกวี "Waltz" (2463) ตัวอย่างที่สดใสถูกสร้างขึ้นโดย Ravel ในโอเปร่า (The Spanish Hour, 1907 ต้นแบบของโอเปร่านี้คือ The Marriage ของ Mussorgsky; โอเปร่าบัลเล่ต์ The Child and the Magic, 1925) และประเภทบัลเล่ต์ (รวมถึง Daphnis and Chloe, 1912) ใน พื้นที่ของ fp ดนตรี (2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโนและออเคสตรา, 1935, ชิ้นเปียโน, รอบ) การใช้เทคนิคของ polytonality, polyrhythm, linearity, องค์ประกอบของดนตรีแจ๊สในการทำงานของเขา Ravel ได้ปูทางสำหรับโวหารใหม่ แนวโน้มของดนตรีในศตวรรษที่ 20 พร้อมกับแนวโน้มอิมเพรสชั่นนิสม์ใน F. m. ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประเพณีของแซงต์-แซนและแฟรงค์ยังคงพัฒนาต่อไป G. Fore ทำหน้าที่เป็นผู้ดูแลประเพณีเหล่านี้ Debussy ซึ่งเป็นครูของ Ravel ซึ่งเป็นครูร่วมสมัยที่มีอายุมากกว่า เขาอยู่ห่างไกลจากแนวโน้มใหม่ๆ ในงานของเขา ด้วยเมโลดี้ที่ยอดเยี่ยม โดยเปล่าประโยชน์ Fauré สร้างดนตรีที่แต่งเติมด้วยเนื้อร้องที่จริงใจ เช่น เสียงร้องในบทกวีของเขา (เพลงโรมานซ์กับบทของ P. Verlaine และคนอื่นๆ) เปียโน (เพลงบัลลาดสำหรับเปียโนกับวงออเคสตรา 2424; น็อคเทิร์นและโหมโรงจำนวนหนึ่ง) Chamber-instr. (โซนาตาที่ 2 สำหรับไวโอลินกับเปียโน, 2 โซนาต้าสำหรับเชลโลกับเปียโน, เครื่องสาย, เปียโนทรีโอ 2 ตัว, ควินเท็ตเปียโน 2 ตัว) นอกจากนี้เขายังเป็นเจ้าของโอเปร่า "Penelope" (1913) ซึ่งต่อมาได้รับการชื่นชมอย่างสูงจาก A. Honegger ครูที่ใหญ่ที่สุด Fore ได้เลี้ยงดูมามากมาย นักแต่งเพลงในหมู่นักเรียนของเขา - J. J. E. Roger-Ducas, C. Keklen, F. Schmitt, L. Ober

รูปแบบการเขียนอิมเพรสชั่นนิสม์มีลักษณะเฉพาะของ Duke ตัวอย่างเช่นสิ่งนี้แสดงออกในความฉลาดของออร์แกน และออร์ค ภาษาของโอเปร่าของเขา "Ariana and Bluebeard" (1907) อย่างไรก็ตาม Dukas ผู้ชื่นชมพรสวรรค์ของ Debussy ไม่ใช่ผู้สนับสนุนสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสต์ การผลิตของเขา โดดเด่นด้วยความชัดเจนขององค์ประกอบ ความชัดเจนของรูปแบบ คลาสสิก ความสมดุลทางดนตรี การพัฒนา (symphonic scherzo "Sorcerer's Apprentice", 1897) คะแนนของปรมาจารย์ด้านการประสานเสียงนี้มีสีสันมากมาย พบ (บทกวีออกแบบท่าเต้นสำหรับวงออเคสตรา "Peri", 1912) วิธี. ความสนใจเป็นสิ่งสำคัญของเขา มรดก. Duke ยังเป็นครูที่มีชื่อเสียงอีกด้วย

Debussy, Ravel, Duke และคนอื่นๆ ภาษาฝรั่งเศส คีตกวีแสดงความสนใจในภาษารัสเซีย ดนตรีศึกษางานของ M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin และคนอื่น ๆ ติดตามในเพลง ชีวิตของฝรั่งเศสออกจากคอนเสิร์ตของรัสเซีย ดนตรีระหว่างงานนิทรรศการระดับโลกในปารีส (1889; Rimsky-Korsakov และ A. K. Glazunov เข้าร่วมเป็นวาทยกรในคอนเสิร์ต), Istorich รัสเซีย คอนเสิร์ตที่จัดโดย S. P. Diaghilev (1907 ดำเนินการโดย Rimsky-Korsakov, Glazunov, S. V. Rachmaninov และคนอื่น ๆ ) และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง "Russian Seasons" (จัดขึ้นตั้งแต่ปี 1908 ตามความคิดริเริ่มของ Diaghilev) ในการแสดงโอเปร่าและบัลเล่ต์เพื่อ - ryh เข้าร่วม รัสเซียที่ใหญ่ที่สุด ศิลปิน - F.I. Chaliapin, A. P. Pavlova, V. F. Nizhinsky และคนอื่น ๆ "Russian Seasons" ไม่เพียง แต่แนะนำภาษาฝรั่งเศสเป็นภาษารัสเซียเท่านั้น เพลง แต่นำผลิตภัณฑ์จำนวนหนึ่งมาสู่ชีวิตรวมถึง I. F. Stravinsky - "The Firebird" (1910), "Petrushka" (1911), "The Rite of Spring" (1913) เช่นเดียวกับ "The Wedding" (1923), "Apollo Musaget" (1928) ซึ่งมาจาก สไตล์ที่งดงามราวภาพวาดในจิตวิญญาณแห่งโลกแห่งศิลปะ เขามาสู่บัลเลต์ตามการประสานกันของดนตรีและการเต้นรำ ตามคำสั่งของ Diaghilev จำนวน Op. E. Satie, J. Orica, F. Poulenc, D. Millau และคนอื่นๆ

กระบวนการสร้างนักประพันธ์เพลงหลายคนไม่ใช่เรื่องง่าย เส้นทางสู่-rykh ครอบคลุมช่วงเวลาที่ยากลำบากในอดีตของการต่อต้าน ชั้น 19 - ชั้น 1 ศตวรรษที่ 20 A. Roussel เป็นหมายเลขของพวกเขา หลังจากจ่ายส่วยให้กับความหลงใหลในดนตรีของแว็กเนอร์แล้วแฟรงค์ก็ได้รับอิทธิพลจากอิมเพรสชั่นนิสม์ (โอเปร่าบัลเล่ต์ Padmavati, 2461; ละครบัลเล่ต์ Spider's Feast, 2456) เขาหันไปหานีโอคลาสซิซิสซึ่ม (บัลเล่ต์ Bacchus และ Ariadne, 2474 ; ซิมโฟนีที่ 3 และ 4, 2473 และ 2477 เป็นต้น) กิจกรรมของนักแต่งเพลงและรำพึงอยู่ในช่วงเวลาเดียวกัน นักทฤษฎี Keklen - หนึ่งในครูที่ใหญ่ที่สุด (ในหมู่นักเรียนของเขา - F. Poulenc, A. Coge) นักแต่งเพลงและนักเปียโน Roger-Ducas ผู้ซึ่งอยู่ติดกับ Romantic ตอนปลาย ปัจจุบันในดนตรีดนตรี, นักแต่งเพลงและนักออร์แกน Vidor, นักแต่งเพลงและนักเปียโน D. ถึง Severak, นักแต่งเพลง A. Manyar, L. Aubert, G. Roparz และอื่น ๆ

สงครามโลกครั้งที่ 1 ปี 1914-18 ทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงขั้นพื้นฐานในมุมมองของผู้คนเกี่ยวกับชีวิต ในรสนิยม และทัศนคติต่อศิลปะ ในบรรดาบุคคลสำคัญทางวัฒนธรรมรุ่นเยาว์ มีการประท้วงต่อต้านชนชั้นนายทุน คุณธรรม, ลัทธิฟิลิสเตีย ในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ความสนใจเป็นพิเศษถูกดึงดูดโดยกลุ่มกบฏต่อต้านชนชั้นนายทุน ตำแหน่งการปฏิเสธของรำพึงทั้งหมด เจ้าหน้าที่คอมพิวเตอร์ สติ. ร่วมกับกวี นักเขียนบท ศิลปิน และนักวิจารณ์ J. Cocteau เขาเป็นผู้นำการเคลื่อนไหวของหนุ่มฝรั่งเศส นักดนตรีที่พูดถึงสุนทรียศาสตร์ของวิถีชีวิตเมืองสำหรับศิลปะของ "วันนี้" นั่นคือความทันสมัย เมืองที่มีเสียงรถ หอแสดงดนตรี แจ๊ส Sati มีอิทธิพลต่อนักประพันธ์เพลงรุ่นเยาว์มากกว่าในฐานะผู้ให้คำปรึกษาทางจิตวิญญาณและไม่ใช่กับงานของเขาซึ่งสำหรับความคิดริเริ่มทั้งหมด (ในงานของเขาเสียงที่ผิดปกติเกิดขึ้นสร้างเสียงไซเรนในรถยนต์เสียงร้องของเครื่องพิมพ์ดีดจากนั้นก็ชัดเจนและบางครั้งก็มีท่วงทำนองที่รุนแรง มีการกล่าวถึงเทคนิคของโพลีโฟนีของ Dobach รวมกับองค์ประกอบพิลึก) ไม่ได้เกินขอบเขตของเวลา เรื่องอื้อฉาวในที่สาธารณะมาพร้อมกับการแสดงบัลเลต์ "ขบวนพาเหรด" ของ Satie (นักเขียนบทภาพยนตร์ Cocteau ศิลปิน P. Picasso, 1917) ซึ่งเกิดจากดนตรีแปลก ๆ ที่รวบรวมจิตวิญญาณของห้องโถงดนตรี การสร้างเสียงข้างถนน และการแสดงละครเอง (การบรรจบกัน) ของการออกแบบท่าเต้นกับเวที ความเบี้ยว และหลักการทรงลูกบาศก์แห่งอนาคตของการออกแบบเวที) เยาวชนของนักแต่งเพลงต้อนรับบัลเล่ต์อย่างกระตือรือร้น ภายใต้การอุปถัมภ์ของ Sati และ Cocteau ความคิดสร้างสรรค์ก็เกิดขึ้น เครือจักรภพของคีตกวีที่รู้จักกันในประวัติศาสตร์ภายใต้ชื่อ "Six" (ชื่อนี้มอบให้กับกลุ่มโดยนักวิจารณ์ A. Collet ในบทความ "Five Russians and Six Frenchmen" ซึ่งตีพิมพ์ในปี 1920) "หก" ซึ่งรวมถึงความคิดสร้างสรรค์ที่แตกต่างกันมาก นักแต่งเพลงที่มีแรงบันดาลใจ - D. Milhaud, A. Honegger, F. Poulenc, J. Auric, L. Durey, J. Taifer - ไม่ใช่โรงเรียนที่รวมกันเป็นหนึ่งเดียวตามสไตล์ไม่ยึดติดกับอุดมการณ์และสุนทรียภาพร่วมกัน มุมมอง ผู้เข้าร่วมได้รับความรักจากชาวฝรั่งเศสเป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกัน วัฒนธรรม ความมุ่งมั่น แนท ประเพณี (การยืนยันภาษาฝรั่งเศสที่แท้จริงในดนตรี) ความปรารถนาในความแปลกใหม่และความเรียบง่ายในขณะเดียวกันความหลงใหลใน Stravinsky และ Amer แจ๊ส หลังจากจ่ายส่วยให้ Urbanism ("Pacific-231" และ "Rugby" สำหรับวงออเคสตราของ Honegger, 1923, 1928; วงจรเสียง "เครื่องจักรการเกษตร" Millau, 1919 เป็นต้น) สมาชิกของกลุ่มนี้แต่ละคนยังคงมีบุคลิกที่สดใส ; ภารกิจที่เป็นนวัตกรรมใหม่ของพวกเขามักจะไปในทิศทางตรงกันข้าม "หก" ในฐานะเครือจักรภพไม่นานอยู่ตรงกลาง 20s มันเลิกกัน (ความสัมพันธ์ที่ดีของผู้เข้าร่วมได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นเวลาหลายปี) หลังจากหยุดพักกับ Six Sati ได้ก่อตั้งกลุ่มนักประพันธ์เพลงรุ่นใหม่ขึ้นซึ่งเรียกว่า โรงเรียน Arkey ซึ่งเหมือน "Six" ไม่มีความคิดสร้างสรรค์ ความสามัคคี ประกอบด้วย A. Coge, R. Desormière, M. Jacob, A. Cliquet-Pleyel ตัวแทนที่ใหญ่ที่สุดของ F. m. อยู่ตรงกลาง ศตวรรษที่ 20 คือ Honegger และ Milhaud ผู้แต่งละครใหญ่. พรสวรรค์ชั้นนำแห่งหนึ่งที่ทันสมัย ปรมาจารย์ Honegger ได้รวบรวมอุดมคติทางจริยธรรมอันสูงส่งในงานของเขา ดังนั้นจึงเป็นที่สนใจของสมัยโบราณ พระคัมภีร์ไบเบิล ยุคกลาง เรื่องอันเป็นที่มาของค่านิยมทางศีลธรรมสากล ในความพยายามที่จะสรุปภาพ เขามาบรรจบกันของประเภทโอเปร่าและโอราโตริโอ สังเคราะห์ โอเปร่าและโอราโตริโอทำงาน อยู่ในความสำเร็จสูงสุดของนักแต่งเพลง: โอเปร่า oratorio "King David" (1921, 3rd edition 1924), "Judith" (1925), ละคร Oratorio "Joan of Arc at the Stake" (1935) เป็นผลงานที่สำคัญที่สุดของเขา ตัวอย่างที่สดใสของซิมโฟนีคือซิมโฟนีของเขา - "Liturgical" ที่ 3 (1946), "Symphony of Three D" ที่ 5 (1950) Honegger หักเหในงานของเขา แนวโน้มต่าง ๆ ของศิลปะสมัยใหม่ รวมทั้ง neoclassicist, expressionist ยังคงเป็นศิลปินดั้งเดิมที่สดใส

ความหลากหลายเป็นตัวกำหนดลักษณะของงานของ Milhaud ซึ่งครอบคลุมเกือบทุกเพลง หลากหลายแนวเรื่องและแม้กระทั่งรูปแบบ ในบรรดาละครโอเปร่า 16 เรื่องของเขามีผลงานอยู่ ในหัวข้อโบราณและในพระคัมภีร์ โดดเด่นด้วยความรุนแรงของสี มหากาพย์ ("Eumenides", 1922; "Medea", 1938; "David", 1953) ที่นี่ Op. ในธีมโบราณที่ปรับปรุงใหม่อย่างอิสระ ("The Misfortunes of Orpheus", 1924) เช่นเดียวกับในจิตวิญญาณของละครแนว veristic ("The Poor Sailor", 1926) และในที่สุดก็โรแมนติกตามประเพณี การแสดงเหมือนโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ แต่อิงจากความทันสมัย หมายถึงดนตรี สำนวน (อันมีค่า "คริสโตเฟอร์โคลัมบัส", "แม็กซิมิเลียน", "โบลิวาร์", 2471, 2473, 2486) นอกจากนี้เขายังเป็นเจ้าของโอเปร่าย่อส่วน (การหักเหล้อเลียนของเนื้อเรื่องในตำนาน) - "The Abduction of Europe", "Abandoned Ariadne", "The Liberation of Theseus" (1927)

Milhaud เป็นผู้เชี่ยวชาญด้านเครื่องดนตรีแชมเบอร์ ดนตรี (ส่วนใหญ่เป็นเครื่องสายสี่) คณะนักร้องประสานเสียง การบรรยาย (ทั้งไพเราะและไพเราะและในจิตวิญญาณของ Sprechgesang ของ Schoenberg) ในห้องแนะนำ ประเภทการเชื่อมต่อกับฝรั่งเศสนั้นชัดเจนเป็นพิเศษ ดนตรี คลาสสิก ในเวลาเดียวกัน Milhaud เป็นผู้สนับสนุนความหลายหลากซึ่งเกิดขึ้นในตัวเขาอันเป็นผลมาจากการผสมผสานท่วงทำนองหลายโทน เส้นแนวโน้มที่จะโพลีโฟนิก วิธีการพัฒนา (องค์ประกอบของพหุโทนยังพบได้ใน Honegger แต่พื้นฐานของพวกมันต่างกัน - เป็นผลมาจากการซ้อนทับแบบฮาร์มอนิก)

ผลงานที่สำคัญของศิลปะโอเปร่าและกระทะแชมเบอร์ ประเภทของ Poulenc - นักแต่งเพลงที่ไพเราะ เพื่ออะไร เพลงของเขาเป็นภาษาฝรั่งเศสล้วนๆ ผ่อนปรน. ในสามโอเปร่า - ตัวตลก "Breast of Tiresias" (1944) โศกนาฏกรรม "Dialogues of the Carmelites" (1956) บทกวี - จิตวิทยา โมโนโอเปร่า "เสียงของมนุษย์" (1958) เน้นคุณลักษณะที่ดีที่สุดของงานของ Poulenc ในช่วงหลายปีของการยึดครองฟาสซิสต์ ศิลปินหัวก้าวหน้าคนนี้ได้สร้างความรักชาติขึ้นมา cantata "ใบหน้ามนุษย์" (เนื้อเพลงโดย P. Eluard, 1943) เมโลดิช. ความมั่งคั่งชอบเรื่องตลกประชดประชันเพลงของ Orik บุคลิกลักษณะของนักแต่งเพลงได้แสดงออกอย่างชัดเจนที่สุดในช่วงทศวรรษที่ 1920 (ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่สมาชิกทั้งหมดของ "Six" Cocteau ได้มอบแผ่นพับ "Rooster and Harlequin" ให้กับเขา) ศิลปินแนวมนุษยนิยม เขาได้รวบรวมผลงานเรื่องโศกนาฏกรรมแห่งสงครามปี ("Four Songs of Suffering France" ให้เป็นเนื้อร้องโดย L. Aragon, J. Superville, P. Eluard, 1947; วงจร 6 บทเป็นเนื้อร้องโดย Eluard , 2491). หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขา - บัลเล่ต์ "เฟดรา" (1950)

ในยุค 30 ศตวรรษที่ 20 ในการทำงานของชาวฝรั่งเศสบางคน นักแต่งเพลงเน้นย้ำแนวโน้มสมัยใหม่ พร้อมกันหลายคน นักดนตรีปกป้องความสมจริง ศิลปะในอุดมคติใกล้เคียงกับระบอบประชาธิปไตยนาร์ ด้านหน้า. ต่อการเคลื่อนไหวของนาร์ต่อต้านฟาสซิสต์ แนวหน้าเข้าร่วมโดยอดีตสมาชิกของ "Six" และรำพึงอื่น ๆ ตัวเลข พวกเขาตอบสนองต่อปัญหาเร่งด่วนในยุคของเราด้วยดนตรีของพวกเขา (oratorios "Voices of the World", 1931, "Dances of the Dead", 1938, Honegger; ประสานเสียงกับข้อความของกวีปฏิวัติ cantata "On the World" สำหรับ คณะนักร้องประสานเสียง เป็นต้น คณะนักร้องประสานเสียง Milhaud; "Song of the Fighters for Freedom" และ "On the Wings of a Dove" สำหรับคณะนักร้องประสานเสียง Durey เพลงมวลชนจำนวนหนึ่ง รวมทั้ง "Sing, girls" โดย Orik; เพลง "Freedom to Telman" สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงและวงออเคสตราของ Keklen, 1934 เป็นต้น) นาร์ก็มีความสนใจอย่างมากเช่นกัน ดนตรี ("Suite Provence" สำหรับวง Millau Orchestra, 1936; การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านโดย Honegger, คณะนักร้องประสานเสียงของ Poulenc) ให้กับผู้กล้า อดีต ("Joan of Arc at the Stake" โดย Honegger ฯลฯ ) นักแต่งเพลง Honegger, Auric, Milhaud, Roussel, Kequelin, J. Ibert, D. Lazarus มีส่วนร่วมในการสร้างเพลงสำหรับบทละครปฏิวัติโดย R. Rolland "กรกฎาคม 14" ( พ.ศ. 2479)

ในปี ค.ศ. 1935 สหพันธ์ดนตรีของประชาชนได้ก่อตั้งขึ้น Roussel, Keklen (ต่อมาเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งสังคม "France-USSR") Durey, Milhaud, Honegger, A. Prunier, A. Radiguet, นักเขียน L. Aragon, L. Moussinac และคนอื่น ๆ

นอกเหนือจากผู้นำของ "Six" โรงเรียน Arkey แล้วยังมีอีกหลายคนที่มีส่วนช่วยในการพัฒนา F. m. นักแต่งเพลงรวมถึง เจ. ไฮเบอร์, ซี. เดลเวนคอร์ต, อี. บอนด์วิลล์, เจ. วีเนอร์, เจ มิก็อท

ในปี 1935 ความคิดสร้างสรรค์ใหม่เกิดขึ้น สมาคม - "Young France" (แถลงการณ์เผยแพร่ในปี 2479) นักแต่งเพลง O. Messiaen, A. Jolivet, Daniel-Lesur, I. Baudrier ซึ่งเป็นสมาชิกของกลุ่มนี้ มองเห็นงานของพวกเขาในการสร้างดนตรี "สด" ที่เต็มไปด้วยมนุษยนิยมในการฟื้นฟูชาติ ประเพณี พวกเขามีความสนใจเป็นพิเศษในโลกแห่งจิตวิญญาณของมนุษย์ พวกเขาพยายามที่จะ "ปลุกดนตรีในคน" และ "แสดงออกถึงตัวตนในดนตรี" โดยถือว่าตัวเองเป็นผู้บุกเบิกลัทธิมนุษยนิยมใหม่

ในบรรดาปรมาจารย์ด้านดนตรีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด วัฒนธรรมแห่งศตวรรษที่ 20 เป็นของนักแต่งเพลงและนักเล่นออร์แกน Messiaen - หนึ่งในปรากฏการณ์ที่ขัดแย้งกันในดนตรีที่สว่างที่สุดและในเวลาเดียวกัน บ่อยครั้งที่ความคิดของนักแต่งเพลงของเขาหักเหผ่านปริซึมของศาสนา การเป็นตัวแทน Messian มีลักษณะเฉพาะโดยดึงดูดภาพในอุดมคติที่พิศวง งานของเขาเต็มไปด้วยเทววิทยาและความลึกลับ ความคิด (ชุด "คริสต์มาส" สำหรับออร์แกน 2478; วงจรเปียโน "ยี่สิบวิวของพระเยซูทารก", 2487; oratorio "การเปลี่ยนแปลงของพระเจ้าของเรา", 2512 เป็นต้น) ดนตรีของเมสเซียนมีพื้นฐานมาจากโครงสร้างกิริยาที่ซับซ้อน โครงสร้างคอร์ดโซเนอร์ จังหวะ แบบแผนซึ่งมีความแตกต่าง ประเภทของ polyrhythm และ polymetry เกี่ยวกับการใช้ seriality เขาให้ความสำคัญอย่างยิ่งกับนอกยุโรป วัฒนธรรม (อาหรับ อินเดีย ญี่ปุ่น โพลินีเซียน) พิสูจน์ความคิดสร้างสรรค์ของคุณ การค้นหาในทางทฤษฎี Messiaen แนะนำแนวความคิดใหม่ ดนตรี เงื่อนไข (เช่น polymodality) ครูที่มีความสามารถ เขาได้รวมการศึกษาคลาสสิก ดนตรีของประเทศในเอเชีย และนักประพันธ์เพลงของศตวรรษที่ 20 ในหลักสูตรของเขา (โดยเฉพาะอย่างยิ่ง Stravinsky, A. Schoenberg) พยายามที่จะปลูกฝังนักเรียนของเขา (ในหมู่พวกเขา - P. Boulez, S. Nig ผู้ศึกษาทฤษฎีองค์ประกอบกับ E. Leibovitz ด้วย) ที่สนใจในการค้นหา ระหว่างการยึดครองฟาสซิสต์ในช่วงสงครามโลกครั้งที่ 2 ค.ศ. 1939-45 รำพึง ชีวิตชาวฝรั่งเศสเป็นอัมพาต นักดนตรีขั้นสูงต่อสู้กับศัตรูด้วยความคิดสร้างสรรค์: เพลงของพวกต่อต้านถูกสร้างขึ้น โปรดักชั่นเกิดขึ้น (รวมถึง Poulenc, Orik, Honegger) สะท้อนให้เห็นถึงความน่าสะพรึงกลัวของสงคราม แรงบันดาลใจในการปลดปล่อย ความกล้าหาญ จิตวิญญาณของผู้ไม่ยอมแพ้

หลังจากสิ้นสุดสงคราม การฟื้นฟูของรำพึงก็เริ่มต้นขึ้น วัฒนธรรม. โรงละครกลับมาผลิตโอเปร่าและบัลเลต์โดยชาวฝรั่งเศส ผู้เขียนร่วมกัน เสียงเพลงของปิตุภูมิดังขึ้นในห้องโถง นักแต่งเพลงซึ่งถูกห้ามในช่วงหลายปีของอาชีพ ในช่วงหลังสงคราม ความคิดสร้างสรรค์ยังคงดำเนินต่อไป กิจกรรมของนักประพันธ์เพลงที่มางานศิลปะในช่วงทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 ผลงานของ J. Francais, A. Dutilleux, J. L. Martinet และ M. Landowski เจริญรุ่งเรือง

จากคอน ยุค 40 และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุค 50 dodecaphonic, serial (ดู dodecaphony, seriality), ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์, aleatorica และขบวนการเปรี้ยวจี๊ดอื่น ๆ เริ่มแพร่หลาย ตัวแทนที่โดดเด่นของฝรั่งเศส ดนตรี เปรี้ยวจี๊ดเป็นนักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวง Boulez ผู้ซึ่งพัฒนาหลักการของ A. Webern ใช้วิธีการจัดองค์ประกอบเช่น pointillism และ seriality อย่างกว้างขวาง Boulez ย่อมาจาก Total seriality นอกจากนี้ เขายังใช้ sonoristics (ดู Sonorism) ซึ่งมีองค์ประกอบอยู่ใน Op. "ค้อนไร้ปรมาจารย์" สำหรับเสียงพร้อมอินสตราแกรม ทั้งมวล (1954, 2nd ed. 2500) ในปีพ.ศ. 2497 เขาจัดคอนเสิร์ตเพลงใหม่ "Domaine musicale" ซึ่งกลายเป็นศูนย์กลางของฝรั่งเศส เปรี้ยวจี๊ด (ตั้งแต่ปี 1967 พวกเขานำโดยนักแต่งเพลงและผู้ควบคุมวง J. Ami ในปี 1974 พวกเขาหยุด) ตั้งแต่ปี 1975 (ในปี 1966-75 เขาทำงานในบริเตนใหญ่ สหรัฐอเมริกา) Boulez ดำรงตำแหน่งหัวหน้าสถาบันวิจัยและการประสานงานด้านดนตรีและเสียง ซึ่งสร้างขึ้นจากความคิดริเริ่มของเขา ปัญหา (IRCAM)

นักแต่งเพลงบางคนใช้หลักการของ aleatorics - Ami, A. Bukureshliev, P. Mefano, J. K. Elua การค้นหากำลังดำเนินการในด้านอิเล็กทรอนิกส์และสิ่งที่เรียกว่า ดนตรีที่เป็นรูปธรรม - P. Schaeffer, I. Henri, F. Bayle, F. B. Mash, B. Parmegiani และอื่น ๆ ด้วยเหตุนี้ Schaeffer ได้สร้างกลุ่มรำพึงขึ้นในปี 1948 การวิจัย (GRM - Groupe de recherches ละครเพลง) ภายใต้ Franz วิทยุและโทรทัศน์ซึ่งประกอบอาชีพด้านดนตรี-อะคูสติก ปัญหา. นักแต่งเพลงชาวกรีกใช้ระบบการจัดองค์ประกอบ "สุ่ม" พิเศษ (ตามการคำนวณทางคณิตศาสตร์ ทฤษฎีความน่าจะเป็น และแม้แต่การกระทำของคอมพิวเตอร์อิเล็กทรอนิกส์) ที่มา เจ. เซนาคิส. ในเวลาเดียวกัน นักประพันธ์เพลงจำนวนหนึ่งสนับสนุนการต่ออายุดนตรีอย่างสมเหตุสมผล โดยพยายามผสมผสานวิธีการทางดนตรีใหม่ล่าสุด การแสดงออกกับแนท ประเพณี สู่ชาติ มั่นใจในความทันสมัย เพลงเรียก Nig ผู้เขียน oratorio "The Unknown Executed" (1949), ซิมโฟนี บทกวี "To the Captive Poet" (อุทิศให้กับ Nazim Hikmet, 1950), 2 คอนแชร์โตสำหรับเปียโน กับวงออเคสตรา (1954, 1971) คอมพ์ C. Baif, J. Bondon, R. Butry, J. Gillou, J. Cosma, M. Michalovichi, C. Pascal, และอื่นๆ ทำโดยตัวแทนของศิลปะการแสดงดนตรี: วาทยกร - P. Monteux, P. Pare, A. Kluytens, S. Bruck, I. Markevich, P. Drevo, J. Martinon, L. Forestier, J. Pretre, P. Boulez , เอส. โบโด; นักเปียโน - A. Cortot, M. Long, E. Riesler, R. Casadesus, Yves Nat, S. Francois, J. B. Pommier; นักไวโอลิน - J. Thibault, Z. Francescatti, J. Neveu; นักเล่นเชลโล - M. Marechal, P. Fournier, P. Tortellier; นักออร์แกน - Ch. Tournemire, M. Dupre, O. Messiaen, J. Alain; นักร้อง - E. Blanc, R. Crespin, J. Giraudeau, M. Gerard, D. Duval; chansonnier - A. Bruant, E. Piaf, S. Gainsbourg, J. Brassens, C. Aznavour, M. Mathieu, M. Chevalier, J. Dassin และอื่น ๆ ประวัติดนตรีความทันสมัยรวมถึงคำถามของ ทฤษฎีดนตรีที่อุทิศให้กับคนมากมาย งานฝรั่งเศส. นักดนตรี รวมทั้ง J. Combarieux, A. Lavignac, J. Tierso, L. de La Laurencie, P. Landormi, R. Rolland, A. Prunier, E. Viyermoz, R. Dumesnil, N. Dufourc, B. Gavoti, R. M. Hoffmann, A . โกเลีย, เอฟ. เลซิอูรา.

มิวส์. ศูนย์กลางของประเทศยังคงเป็นปารีส แม้ว่าจะอยู่ในหลายๆ ด้านก็ตาม เมืองของฝรั่งเศส (โดยเฉพาะในช่วงกลางทศวรรษที่ 60) ได้สร้างโรงละครโอเปร่าซิมโฟนี วงออเคสตรา, ดนตรี อุ๊ย สถาบันต่างๆ ที่ทำงานในปารีส (1980): Grand Opera, Paris Opera Studio (ก่อตั้งขึ้นในปี 1973 บนพื้นฐานของ Opera Comic ซึ่งสูญเสียความสำคัญไป), โรงละครแห่งชาติ (ก่อตั้งขึ้นในปี 1954, การแสดงจะจัดขึ้นในสถานที่แสดงละครต่างๆ รวมทั้งใน "โรงละคร Champs-Elysées", "โรงละครแห่ง Sarah Bernhardt"); ท่ามกลางสัญลักษณ์ ออเคสตรามีความโดดเด่นด้วย Parisian Orchestra (ก่อตั้งขึ้นในปี 1967), Nat. ฟรานซ์ ออเคสตรา. วิทยุและโทรทัศน์ จำนวนมากดำเนินการ แชมเบอร์ออเคสตราและตระการตา, รวม. ระหว่างประเทศ กลุ่มนักดนตรีที่ IRCAM (ก่อตั้งขึ้นในปี 1976) ในปีพ.ศ. 2518 Palais des Congrès ได้เปิดดำเนินการในปารีส โดยมีการแสดงซิมโฟนี คอนเสิร์ตในปีเดียวกันที่ Lyon - conc. ฮอลล์ "ผู้ชม M. Ravel"

ท่ามกลางความพิเศษ ดนตรี อุ๊ย สถาบัน - Paris Conservatory, Schola Cantorum, Ecole Normal (ก่อตั้งในปี 1919 โดย A. Cortot และ A. Manzho) ในปารีส, Amer เรือนกระจกในฟองเตนโบล (ก่อตั้งขึ้นในปี 2461 โดยนักไวโอลิน F. Casadesus) เพลงที่สำคัญที่สุด น.-ผม. ศูนย์คือสถาบันดนตรีที่มหาวิทยาลัยปารีส หนังสือ เอกสาร ที่เก็บถาวรในแนท b-ke (แผนกดนตรีก่อตั้งขึ้นในปี 2478), B-ke และพิพิธภัณฑ์ Muses เครื่องมือที่เรือนกระจก ในปารีสมีมิวส์ที่ใหญ่ที่สุด สมาคมและสถาบันของฝรั่งเศส รวมทั้ง ระดับชาติ ดนตรี คณะกรรมการดนตรี สหพันธ์ Gramophone Academy ตั้งชื่อตาม ช. โคร. ปารีสเป็นที่ตั้งของสภาดนตรีนานาชาติของยูเนสโก ในปี 2520 ชาติ สหภาพนักประพันธ์.

ในฝรั่งเศสจะจัดขึ้น: นานาชาติ. การแข่งขันของนักเปียโนและนักไวโอลิน M. Long - J. Thibaut (จัดในปี 1943 เป็นระดับชาติตั้งแต่ปี 1946 - ระดับนานาชาติ), การแข่งขันกีตาร์ (1959, ตั้งแต่ปี 1961 - ระดับนานาชาติ, ตั้งแต่ปี 1964 - การแข่งขันกีตาร์ระดับนานาชาติของวิทยุและโทรทัศน์ของฝรั่งเศส), Intern การแข่งขันร้องเพลงในตูลูส (ตั้งแต่ พ.ศ. 2497) นักศึกษาฝึกงาน การแข่งขันสำหรับวาทยกรรุ่นเยาว์ในเบอซ็องซง (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2494) นักศึกษาฝึกงาน การแข่งขันพิณในปารีสมากมายเช่นกัน เทศกาลรวมทั้ง เทศกาลฤดูใบไม้ร่วงในปารีส คลาสสิก เพลง Paris Music Festival แห่งศตวรรษที่ 20 (ก่อตั้งเมื่อปี พ.ศ. 2495) เทศกาลแห่งความทันสมัย เพลงใน Royan "สัปดาห์ดนตรีแห่งออร์ลีนส์" เพลงเผยแพร่ในฝรั่งเศส นิตยสาร รวมทั้ง "La Revue musicologie" (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2370 สิ่งพิมพ์ถูกขัดจังหวะซ้ำแล้วซ้ำอีกนิตยสารรวมเข้ากับนิตยสารอื่น ๆ ) "Revue de musicologie" (ตั้งแต่ปี พ.ศ. 2465 ความต่อเนื่องของนิตยสาร "Bulletin de la Société Française de musicologie" ซึ่งตีพิมพ์ตั้งแต่ 2460), " Journal music français" (1951-66), "Diapason" (ตั้งแต่ 1956), "Le Courrier music de France" (ตั้งแต่ปี 1963), "Harmonie" (ตั้งแต่ 1964), "Musique en jeu" (ตั้งแต่ปี 1970) ). มีการตีพิมพ์สารานุกรมจำนวนหนึ่งในกรุงปารีส สิ่งพิมพ์ทุ่มเท เพลงรวม "Encyclopédie de la musique et dictionnaire du conservatoire..." (partie I (v. 1-5), partie II (v. 1-2), 1913-26), "Larousse de la musique" (v. 1-) 2, 2500), "Dictionnaire des musiciens français" (1961), "Dictionnaire de la musique. Les hommes et leurs oeuvres" (v. 1-2, 1970); "Dictionnaire de la musique. Science de la musique. รูปแบบ เทคนิค เครื่องมือ" (v. 1-2, 1976); Tynot F., Carles Ph., "Le jazz" (1977).

วรรณกรรม: Ivanov-Boretsky M.V. , วัสดุและเอกสารเกี่ยวกับประวัติดนตรี, เล่ม 2, M. , 1934; Alschwang A. , อิมเพรสชั่นนิสม์ดนตรีฝรั่งเศส (Debussy and Ravel), M. , 1935; ดนตรีฝรั่งเศสในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 (ส. อาร์ต) บทนำ ศิลปะ. และเอ็ด M. S. Druskina, M. , 1938; Livanova T. H. , ประวัติศาสตร์ดนตรียุโรปตะวันตกจนถึงปี 1789, M. - L. , 1940; Gruber R. , ประวัติศาสตร์วัฒนธรรมดนตรี, เล่ม 1, ตอนที่ 1-2, M. - L. , 1941; Schneerson G. , ดนตรีของฝรั่งเศส, M. , 1958; เพลงฝรั่งเศสของเขาในศตวรรษที่ XX, M. , 1964, 1970; Alekseev A.D. ดนตรีเปียโนฝรั่งเศสในช่วงปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX, M. , 1961; Khokhlovkina A. โอเปร่ายุโรปตะวันตก ปลายศตวรรษที่ 18 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 บทความ, M. , 1962; สุนทรียภาพทางดนตรีของยุคกลางของยุโรปตะวันตกและยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา, comp., entry. ศิลปะ. V. P. Shestakova, M. , 1966; เพลงของการปฏิวัติฝรั่งเศสของศตวรรษที่สิบแปดเบโธเฟน, M. , 1967; Nestiev I. เมื่อถึงช่วงเปลี่ยนศตวรรษ M. , 1967; Konen V. , โรงละครและซิมโฟนี, M. , 1968, 1975; ประวัติศาสตร์ศิลปะยุโรป ประวัติศาสตร์. ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20, M. , 1969; Druskin M. , เกี่ยวกับดนตรียุโรปตะวันตกของศตวรรษที่ XX, M. , 1973; สุนทรียภาพทางดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 19, comp. ข้อความแนะนำ ศิลปะ. และอินโทร บทความโดย E. P. Bronfin, M. , 1974; Auric J. ดนตรีฝรั่งเศสรอดตาย จดหมายจากปารีส "CM", 1975, No 9; Krasovskaya V. โรงละครบัลเลต์ยุโรปตะวันตก เรียงความประวัติศาสตร์ จากต้นกำเนิดจนถึงกลางศตวรรษที่สิบแปด, L., 1979.

O.A. Vinogradova

ในศตวรรษที่ 12-13 เหล่าอัศวินและชาวเมืองทางตอนเหนือของฝรั่งเศส เหล่าทหารม้า เป็นผู้สืบทอดประเพณีของคณะนักร้องประสานเสียง ในหมู่พวกเขา ที่รู้จักกันดีที่สุดคือ Adam de la Halle (เสียชีวิต 1286)

อดัม เดอ ลา อัล "เกมของโรบินและแมเรียน"

ในศตวรรษที่ 14 ขบวนการ New Art ปรากฏในดนตรีฝรั่งเศส หัวหน้าขบวนการนี้คือ Philippe de Vitry (1291-1361) - นักทฤษฎีและนักแต่งเพลงผู้ประพันธ์ฆราวาสหลายคน โมเท็ตอย่างไรก็ตามในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ในช่วงเวลาของ Charles 9 ธรรมชาติของดนตรีของฝรั่งเศสเปลี่ยนไป ยุคของบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้นเมื่อดนตรีมาพร้อมกับการเต้นรำ ในยุคนี้มีการใช้เครื่องดนตรีอย่างแพร่หลาย ได้แก่ ขลุ่ย ฮาร์ปซิคอร์ด เชลโล ไวโอลิน และครั้งนี้เรียกได้ว่าเป็นการกำเนิดของดนตรีบรรเลงอย่างแท้จริง.

Philippe de Vitry "ลอร์ดแห่งขุนนาง" (โมเต็ต)

ศตวรรษที่ 17 เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาดนตรีฝรั่งเศส นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 11/28/1632, Florence - 3/22/1687, Paris) สร้างโอเปร่าของเขา Jean Baptiste เป็นนักเต้น นักไวโอลิน วาทยกร และนักออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยมจากอิตาลี ถือเป็นผู้สร้างโอเปร่าแห่งชาติฝรั่งเศสที่ได้รับการยอมรับ
ในหมู่พวกเขามีโอเปร่าเช่น: "Theseus" (1675), "Isis" (1677), "Psyche" (1678), "Perseus" (1682), "Phaeton" (1683), "Roland" (1685) และ " Armida" (1686) และอื่น ๆ ในโอเปร่าของเขาที่เรียกว่า "tragédie mise en musique" ("โศกนาฏกรรมทางดนตรี") Jean-Baptiste Lully พยายามที่จะเพิ่มเอฟเฟกต์อันน่าทึ่งด้วยดนตรี ด้วยความเชี่ยวชาญในการแสดงละคร บัลเล่ต์อันตระการตา โอเปร่าของเขาอยู่บนเวทีประมาณ 100 ปี ในเวลาเดียวกันนักร้องโอเปร่าเริ่มแสดงโดยไม่มีหน้ากากเป็นครั้งแรกและผู้หญิงก็เริ่มเต้นรำในบัลเล่ต์บนเวทีสาธารณะ
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส การใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี เขาปรับเปลี่ยนรูปแบบของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ เตรียมการปฏิรูปโอเปร่าโดย Christoph Willibaldi Gluck เขาเขียนโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ Hippolytus and Arisia (1733), Castor and Pollux (1737), โอเปร่าบัลเล่ต์ Gallant India (1735), ฮาร์ปซิคอร์ดและอื่น ๆ งานเชิงทฤษฎีของเขาเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี.
Francois Couperin (1668-1733) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส, ฮาร์ปซิคอร์ด, นักออร์แกน จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมัน เนื่องจากมีนักดนตรีหลายชั่วอายุคนในครอบครัวของเขา Couperin ได้รับฉายาว่า "the Couperin ผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งเป็นเพราะอารมณ์ขันของเขา ส่วนหนึ่งเป็นเพราะบุคลิกของเขา ผลงานของเขาเป็นจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ดนตรีของคูเปอริงโดดเด่นด้วยความสร้างสรรค์ที่ไพเราะ ความสง่างาม และความสมบูรณ์แบบของรายละเอียด

1. Jean-Baptiste Lully sonata ใน A-minor ส่วนที่ 4 ของ "Gig" Alexey Koptev (คลาริเน็ต) - Oleg Boyko (กีตาร์)

2. Jean Philippe Rameau "Chicken", Arkady Kazaryan ดำเนินการด้วยปุ่มหีบเพลง

3. Francois Couperin "นาฬิกาปลุก" ดำเนินการบนปุ่มหีบเพลงโดย Ayana Sambuyeva

ในศตวรรษที่ 18 - ปลายศตวรรษที่ 19 ดนตรีกลายเป็นอาวุธที่แท้จริงในการต่อสู้เพื่อความเชื่อและความปรารถนา กาแล็กซี่ของนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงปรากฏขึ้น: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (Claude Joseph Rouget de Lisle), (1760-1836) วิศวกรทหารชาวฝรั่งเศสกวีและ นักแต่งเพลง. เขาเขียนเพลงสวดเพลงรัก ในปี ค.ศ. 1792 เขาได้แต่งเพลง "La Marseillaise" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส

เพลงชาติฝรั่งเศส.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) เป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เยอรมันที่มีชื่อเสียง กิจกรรมที่รุ่งโรจน์ที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับฉากโอเปร่าในกรุงปารีสซึ่งเขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดของเขาด้วยคำพูดภาษาฝรั่งเศส ดังนั้นชาวฝรั่งเศสจึงถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส โอเปร่ามากมายของเขา: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" และอื่น ๆ มอบให้ในมิลาน, ตูริน, เวนิส, เครโมนา หลังจากได้รับคำเชิญไปลอนดอน Gluck ได้เขียนโอเปร่าสองเรื่องสำหรับโรงละคร Hay-Market: "La Caduta de Giganti" (1746) และ "Artamene" และ Opera potpourri (pasticcio) "Pyram"

ทำนองจากโอเปร่า "Orpheus and Eurydice"

ในศตวรรษที่ 19 - นักแต่งเพลง Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel และคนอื่น ๆ

ในศตวรรษที่ 20 นักแสดงมืออาชีพตัวจริงปรากฏตัวขึ้น พวกเขาคือผู้สร้างเพลงฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียง สร้างทิศทางของเพลงแชนซันเนียร์ฝรั่งเศสทั้งหมด วันนี้ชื่อของพวกเขาโดดเด่นกว่าเวลาและแฟชั่น เหล่านี้คือ Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis พวกเขาทั้งหมดเป็นที่รู้จักสำหรับเพลงโคลงสั้น ๆ ที่สวยงามซึ่งไม่เพียงชนะใจผู้ชมในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศอื่น ๆ ด้วย หลายคนได้รับการคุ้มครองโดยนักแสดงคนอื่น

ข้อความของงานวางโดยไม่มีรูปภาพและสูตร
เวอร์ชันเต็มของงานมีอยู่ในแท็บ "ไฟล์งาน" ในรูปแบบ PDF

วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส อดีต ปัจจุบัน และอนาคต

บ่อยแค่ไหนที่เราคิดว่าดนตรีมีความสำคัญต่อเราแค่ไหน? มันทำหน้าที่เป็นวิธีที่ยอดเยี่ยมในการแสดงออกซึ่งเป็นวิธีถ่ายทอดความรู้สึกอารมณ์และความคิด ไม่น่าแปลกใจที่ดนตรีถูกเรียกว่าภาษาสากลแห่งการสื่อสาร เพลงอยู่ใกล้และเข้าใจได้สำหรับทุกคน ทุกประเทศในโลกของเราเข้าใจโน้ตทั้ง 7 อย่างที่ทุกคนรู้จักเป็นอย่างดี ภาษาดนตรีเป็นภาษาที่ง่ายและเข้าถึงได้มากที่สุด มันแทรกซึมเข้าไปในหัวใจและจิตวิญญาณ มันทำหน้าที่ในการรวมผู้คนและผู้คนที่แตกต่างกัน สร้างสะพานที่ยอดเยี่ยมจากใจสู่ใจ จากจิตวิญญาณสู่จิตวิญญาณ สะพานที่งดงามเหล่านี้บางครั้งกินเวลาหลายศตวรรษ จากประเทศหนึ่งไปอีกประเทศหนึ่ง จากทวีปหนึ่งข้ามมหาสมุทรไปยังอีกทวีปหนึ่ง ภาษาดนตรีสามารถทำงานได้อย่างมหัศจรรย์ เราแต่ละคนได้สัมผัสและสัมผัสถึงสิ่งที่ยากจะพรรณนาหลังจากผลงานคลาสสิกอันยอดเยี่ยม เรากำลังสั่นคลอนจากโน้ตสูง เราถูกโยนลงไปในน้ำตาจากแรงจูงใจที่คุ้นเคย เรากำลังมองหาตัวเองในข้อความและในทำนองเราได้ยินเสียงที่คุ้นเคย มันไม่ได้เป็น? แล้วคุณมองดนตรีหลังจากนั้นอย่างไร? เมื่อรู้บทบาทของดนตรีแล้ว ท่านจะมองโลกโดยปราศจากมันได้อย่างไร? ลองนึกภาพชีวิตที่ปราศจากสิ่งนั้น หลังจากนั้น คุณอยากหัวเราะไม่หยุด หลังจากนั้น คุณอยากเต้นและอาจร้องไห้ ... น่าขนลุกใช่ไหม อะไรที่จะพาคุณไปได้ไกลกว่าความเป็นจริง? อะไรทำให้โลกภายในของคุณกลับหัวกลับหาง? ทำงานอะไร เพลงอะไร คิดเกี่ยวกับมัน แต่วันนี้ฉันจะบอกคุณเกี่ยวกับดนตรีของฝรั่งเศส วันนี้คุณจะเห็นว่ามันวิเศษเหมือนที่ฝรั่งเศสนั่นเอง ฟังดูเรียบหรูและกวักมือเรียก กวักมือเรียก และกวักมือเรียก

ภาษาฝรั่งเศสมีดนตรีไพเราะไพเราะมาก คำและวลีที่ง่ายที่สุดดูเหมือนจะเต็มไปด้วยดนตรีและพร้อมที่จะเปลี่ยนเป็นเพลงได้ทุกเมื่อ ดนตรีฝรั่งเศสเป็นหนึ่งในวัฒนธรรมดนตรียุโรปที่น่าสนใจและมีอิทธิพลมากที่สุด เห็นได้ชัดว่าสะท้อนเสียงสะท้อนของวัฒนธรรมโบราณ นิทานพื้นบ้านของชนเผ่าเซลติกและชนเผ่าแฟรงก์ที่อาศัยอยู่ในสมัยโบราณในดินแดนของฝรั่งเศสในปัจจุบัน พวกเขาเป็นผู้ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานพื้นดินที่อุดมสมบูรณ์ซึ่งในเชิงเปรียบเทียบต้นไม้ที่สวยงามแข็งแรงและแตกแขนงของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเติบโตขึ้น รากของเซลติกและแฟรงก์ถูกเปลี่ยนเป็นลำต้นที่แข็งแรงซึ่งก่อตัวขึ้นในยุคกลางและมีกิ่งก้านและกิ่งก้านจำนวนมากขึ้นในช่วงเวลาต่อมา เช่น ในยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา คลาสสิก อาร์ตนูโว ฯลฯ ประเพณีดนตรีของชนชาติต่างๆ มากมายในประเทศและรัฐอื่นๆ ในยุโรปเกี่ยวพันกันที่นี่ มีการสังเกตปฏิสัมพันธ์และการแทรกสอดที่ใกล้เคียงที่สุดระหว่างวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส อิตาลี เยอรมนี และสเปน วัฒนธรรมเฟลมิชก็มีอิทธิพลเช่นกัน ควรจำไว้ว่าฝรั่งเศสเป็นประเทศที่เปิดกว้างสู่โลกตามที่ชาวฝรั่งเศสพูด จริงอยู่ ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมาพวกเขาเข้าใจสโลแกนนี้ในลักษณะที่แปลกมาก ตัวอย่างเช่น โดยการดำเนินตามนโยบายอาณานิคมอย่างแข็งขัน อย่างไรก็ตาม ในแง่ของการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของตนเอง กระบวนการนี้มีผลในเชิงบวกที่เป็นรูปธรรม วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสได้รับการเสริมแต่งอย่างมาก โดยซึมซับสิ่งที่ดีที่สุดจากวัฒนธรรมดนตรีของชาวแอฟริกาและเอเชีย แนวโน้มนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 เมื่อฉากดนตรีของฝรั่งเศสเต็มไปด้วยประเพณีทางดนตรีของผู้อพยพจากแอฟริกา

เมื่อพูดถึงวัฒนธรรมทางดนตรีของฝรั่งเศส เราไม่สามารถมองข้ามการมีส่วนสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของรัสเซียได้ มหาอำนาจทั้งสองเชื่อมโยงกันด้วยความสัมพันธ์อันใกล้ชิดของประวัติศาสตร์อันยาวนานในเกือบทุกด้านของกิจกรรมของมนุษย์ เป็นเวลานานที่วัฒนธรรมรัสเซียได้รับการหล่อเลี้ยงโดยชาวฝรั่งเศสซึ่งถูกมองว่าเป็นมาตรฐานในสังคมของเราในสังคมของเราและเป็นวัตถุที่จะปฏิบัติตาม แต่แล้วเวลาก็มาถึง "ชำระหนี้" และบุคคลทางวัฒนธรรมของฝรั่งเศสก็มองหาเพื่อนร่วมงานชาวรัสเซียของพวกเขาซึ่งได้รับสิ่งที่ดีที่สุดก้าวหน้าและน่าสนใจจากพวกเขาทั้งหมด หลังการปฏิวัติในปี 1917 และสงครามกลางเมืองในรัสเซีย ผู้อพยพจำนวนมากพบที่พักพิงในฝรั่งเศส การมีส่วนร่วมของพวกเขาในวัฒนธรรมฝรั่งเศสรวมถึงวัฒนธรรมดนตรีนั้นยิ่งใหญ่มาก เป็นการยากที่จะประเมินค่าสูงไป และยิ่งกว่านั้นที่จะไม่สังเกต

ดังนั้น เมื่อพูดถึงวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศส เรากำลังพูดถึงปรากฏการณ์ที่ไม่เหมือนใครในระดับโลก วัฒนธรรมนี้ซึมซับสิ่งที่ดีที่สุดจากเกือบทุกประเทศ เปลี่ยนแปลง เปลี่ยนแปลง คิดใหม่ ทำให้เกิดแรงกระตุ้นและเสียงใหม่ๆ และท้ายที่สุด ก่อตัวเป็นสิ่งที่สวยงาม มีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ดั้งเดิม มีเสน่ห์และน่าหลงใหล เป็นสิ่งมีชีวิตที่ยังคงเติบโต เปลี่ยนแปลง เปลี่ยนแปลง วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสไม่ได้อยู่ห่างไกลจากวัฒนธรรมดนตรีโลก เธอมอบรสชาติฝรั่งเศสแบบใหม่ที่พิเศษให้กับเทรนด์ดนตรีสมัยใหม่ เช่น แจ๊ส ร็อค ฮิปฮอป และดนตรีอิเล็กทรอนิกส์

ขั้นตอนของการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส

วัยกลางคน.

วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสเริ่มก่อตัวขึ้นบนชั้นของเพลงพื้นบ้านที่เข้มข้น บันทึกเพลงที่เชื่อถือได้ที่เก่าแก่ที่สุดที่รอดชีวิตมาจนถึงทุกวันนี้มีอายุย้อนไปถึงศตวรรษที่ 15 ดนตรีของคริสตจักรมาถึงดินแดนฝรั่งเศสพร้อมกับศาสนาคริสต์ แต่เดิมเป็นภาษาละติน ค่อยๆ เปลี่ยนไปตามอิทธิพลของดนตรีพื้นบ้าน เพื่อเสริมสร้างจุดยืนและอิทธิพลที่มีต่อชาวฝรั่งเศส คริสตจักรได้ใช้สื่อการบริการที่เข้าใจได้ ใกล้ตัว และเข้าถึงได้สำหรับคนในท้องถิ่น นี่คือสิ่งที่กล่าวไว้ในสารานุกรมอิเล็กทรอนิกส์ของวิกิพีเดีย: “ด้วยวิธีนี้เองที่ระหว่างศตวรรษที่ 5 ถึง 9 พิธีสวดแบบพิเศษที่พัฒนาขึ้นในกอล - พิธีกรรมของชาวกัลลิกันที่มีการร้องเพลงของชาวกัลลิกัน เป็นที่รู้จักจากแหล่งประวัติศาสตร์ซึ่งบ่งบอกว่ามีความแตกต่างจากโรมันอย่างมาก น่าเสียดายที่มันไม่รอดเพราะกษัตริย์ฝรั่งเศสยกเลิกมันโดยพยายามที่จะได้รับตำแหน่งจักรพรรดิจากโรมและคริสตจักรโรมันพยายามที่จะบรรลุการรวมกันของบริการของคริสตจักร เป็นเวลาหลายศตวรรษที่คริสตจักรเป็นศูนย์กลางของการตรัสรู้ การศึกษา วัฒนธรรม รวมทั้งดนตรี อิทธิพลของมันที่มีต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีนั้นมหาศาล และยังคงได้ยินเสียงสะท้อนในดนตรี พวกเขาเพียงแค่ต้องสามารถได้ยิน ในช่วงยุคกลาง การพัฒนาของ เพลงคริสตจักร . รูปแบบของพิธีกรรมคริสเตียนในยุคต้นของ Gallican ถูกแทนที่ด้วยพิธีสวดแบบเกรกอเรียน การแพร่กระจายของบทสวดเกรกอเรียนในรัชสมัยของราชวงศ์การอแล็งเฌียงมีความเกี่ยวข้องกับกิจกรรมของอารามเบเนดิกตินเป็นหลัก วัดคาทอลิกแห่งJumiègeกลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีในโบสถ์ เซลล์ของวัฒนธรรมดนตรีทางจิตวิญญาณและทางโลกแบบมืออาชีพ เพื่อสอนให้นักเรียนร้องเพลงที่วัดหลายแห่ง จึงได้ก่อตั้งโรงเรียนสอนร้องเพลงพิเศษ (metrisas) พวกเขาสอนไม่เพียง แต่การร้องเพลงเกรกอเรียนเท่านั้น แต่ยังสอนการเล่นเครื่องดนตรีความสามารถในการอ่านดนตรี ในกลางคริสต์ศตวรรษที่ 9 สัญกรณ์ที่ไม่บังคับปรากฏขึ้นซึ่งการพัฒนาทีละน้อยซึ่งหลังจากผ่านไปหลายศตวรรษนำไปสู่การก่อตัวของโน้ตดนตรีสมัยใหม่ ในศตวรรษที่ 9 บทสวดเกรกอเรียนเต็มไปด้วยลำดับซึ่งในฝรั่งเศสเรียกอีกอย่างว่าร้อยแก้ว การสร้างแบบฟอร์มนี้เกิดจากพระ Notker จากอาราม St. Gallen (สวิตเซอร์แลนด์สมัยใหม่) อย่างไรก็ตาม Notker ระบุในคำนำของ "Book of Hymns" ว่าเขาได้รับข้อมูลเกี่ยวกับลำดับจากพระภิกษุจาก Jumièges Abbey ต่อจากนั้นผู้เขียนร้อยแก้วอดัมจาก Abbey of Saint-Victor (ศตวรรษที่ 12) และผู้สร้าง "Donkey Prose" ที่มีชื่อเสียง Pierre Corbeil (ต้นศตวรรษที่ 13) มีชื่อเสียงเป็นพิเศษในฝรั่งเศส

ผลงานของนักประพันธ์ชาวฝรั่งเศสมีหลายประเภท เพลงพื้นบ้าน : โคลงสั้น ๆ, ความรัก, เพลงบ่น (บ่น), เต้นรำ (rondes), เสียดสี, เพลงของช่างฝีมือ (chansons de metiers), ปฏิทินเช่นคริสต์มาส (Noёl); แรงงาน, ประวัติศาสตร์, การทหาร ฯลฯ ดังนั้นจึงเป็นเรื่องง่ายที่จะเห็นว่าจานสีของวัฒนธรรมดนตรีพื้นบ้านนั้นมีความสมบูรณ์มากกว่าของคริสตจักรหลายเท่า ในบรรดาประเภทโคลงสั้น ๆ ศิษยาภิบาลครอบครองสถานที่พิเศษ ชุดรูปแบบนี้ไม่เพียงสะท้อนให้เห็นในวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังสะท้อนถึงวรรณคดี ภาพวาด ละครเวทีอีกด้วย เป็นที่นิยมแม้ในราชสำนัก พระสงฆ์ยังยกย่องชีวิตชนบทในอุดมคติ วาดภาพที่งดงาม ห่างไกลจากของจริงอย่างบ้าคลั่ง ในดนตรีโฟล์กฝรั่งเศส ฉันชอบท่อนหนึ่งเป็นพิเศษ ซึ่งไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง มีอยู่ในนิทานพื้นบ้านของประเทศใด ๆ สำหรับฉันดูเหมือนว่าเขาเป็นคนที่อ่อนหวานน่ารื่นรมย์และร่าเริงที่สุด มันให้ความรู้สึกอบอุ่น เกรงขาม ความห่วงใยของแม่ ความไร้เดียงสา ความปรารถนาที่จะเชื่อในปาฏิหาริย์และมีความสุขในทุกๆวัน ฉันกำลังพูดถึงเพลงพื้นบ้านของฝรั่งเศสที่อุทิศให้กับเด็ก ๆ - เพลงกล่อมเด็ก เกม การนับเพลง (fr. comptines) แรงงาน (เพลงของคนเกี่ยวข้าว คนไถนา คนปลูกองุ่น ฯลฯ) เพลงของทหารและทหารเกณฑ์มีหลากหลาย ดนตรีพื้นบ้านฝรั่งเศสอีกประเภทหนึ่งสอดคล้องกับประเพณีดนตรีของประเทศในยุโรปที่เข้าร่วมในสงครามครูเสด ในทุกประเทศที่เข้าร่วม มีการสร้างเพลงและเพลงบัลลาดที่บอกเล่าเกี่ยวกับเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์ การหาประโยชน์ การต่อสู้ ความพ่ายแพ้ อัศวิน วีรบุรุษ ศัตรู และผู้ทรยศ แน่นอนว่าชาวฝรั่งเศสไม่สามารถหลีกเลี่ยงแคมเปญ ไม่ใช่จากความคิดสร้างสรรค์ น่าเสียดายที่งานเหล่านี้ส่วนใหญ่ไม่รอดมาจนถึงทุกวันนี้ ต่างจากผลงานชิ้นเอกของดนตรีในโบสถ์ซึ่งได้รับการบันทึกไว้บ่อยที่สุด กล่าวคือ มีการบันทึกไว้

อย่างไรก็ตาม ทั้งคริสตจักรและดนตรีพื้นบ้านไม่สามารถสนองความต้องการทางจิตวิญญาณของส่วนที่สามของสังคม ชนชั้นสูงที่ร่ำรวยที่สุดและมีอิทธิพลมากที่สุด มันอยู่ภายใต้อิทธิพลของเธอที่ เพลงฆราวาส . มันไม่ได้ฟังอยู่ใต้ซุ้มประตูของโบสถ์ ไม่ใช่ในงานแสดงสินค้าและจัตุรัสกลางเมือง แต่ในพระราชวัง ในปราสาทของขุนนางและขุนนางศักดินา ผู้ให้บริการของประเพณีดนตรีพื้นบ้านของยุคกลางส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีที่เดินทาง - นักเล่นปาหี่ซึ่งเป็นที่นิยมมากในหมู่ประชาชน พวกเขาร้องเพลงที่มีคุณธรรม ตลกขบขัน เสียดสี เต้นรำไปกับเครื่องดนตรีต่าง ๆ รวมถึงแทมบูรีน กลอง ขลุ่ย เครื่องดนตรีที่ถอนออกคล้ายลูท (สิ่งนี้มีส่วนในการพัฒนาดนตรีบรรเลง) นักเล่นปาหี่แสดงในช่วงวันหยุดในหมู่บ้าน ที่ศาลศักดินา และแม้แต่ในอาราม (พวกเขาเข้าร่วมในพิธีกรรม การแสดงละครที่อุทิศให้กับวันหยุดของโบสถ์ เรียกว่าแคโรล) พวกเขาถูกคริสตจักรข่มเหงในฐานะตัวแทนของวัฒนธรรมทางโลกที่เป็นปรปักษ์กับมัน ในศตวรรษที่ 12-13 ในหมู่นักเล่นปาหี่มีการแบ่งชั้นทางสังคม บางคนตั้งรกรากอยู่ในปราสาทของอัศวิน ตกอยู่ภายใต้การพึ่งพาอัศวินศักดินาโดยสิ้นเชิง คนอื่นๆ อยู่ในเมือง ดังนั้นนักเล่นปาหี่ที่สูญเสียอิสระในการสร้างสรรค์จึงกลายเป็นนักดนตรีในปราสาทของอัศวินและนักดนตรีในเมือง อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ในขณะเดียวกันก็มีส่วนช่วยในการแทรกซึมของศิลปะพื้นบ้านเข้าไปในปราสาทและเมืองต่างๆ ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของศิลปะดนตรีและกวีนิพนธ์ของอัศวินและคนเมือง ในยุคของยุคกลางตอนปลาย ในการเชื่อมต่อกับวัฒนธรรมฝรั่งเศสที่เพิ่มขึ้นโดยทั่วไป ศิลปะของดนตรีเริ่มพัฒนาอย่างเข้มข้น ในปราสาทศักดินา บนพื้นฐานของดนตรีพื้นบ้าน ศิลปะทางโลกดนตรีและกวีนิพนธ์ของนักปราชญ์และนักเล่นละครมีความเจริญรุ่งเรือง (ศตวรรษที่ 11-14) ที่มีชื่อเสียงในหมู่คณะนักร้อง ได้แก่ Markabrun, Guillaume IX, Duke of Aquitaine, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (ปลายศตวรรษที่ 11-12), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (ปลายศตวรรษที่ 12-13) ในชั้น 2 ค. ในพื้นที่ภาคเหนือของประเทศมีแนวโน้มที่คล้ายกันเกิดขึ้น - ศิลปะของคณะซึ่งในตอนแรกเป็นอัศวินและต่อมาก็ใกล้ชิดกับศิลปะพื้นบ้านมากขึ้นเรื่อย ๆ ในบรรดา Trouvers พร้อมด้วยราชาผู้ดี - Richard the Lionheart, Thibault of Champagne (King of Navarre) ตัวแทนของชนชั้นประชาธิปไตยของสังคม - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony และคนอื่น ๆ ก็ได้รับชื่อเสียง ในการเชื่อมต่อกับการเติบโตของเมืองต่าง ๆ เช่น Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse เป็นต้นศิลปะดนตรีในเมืองพัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 12-13 ผู้สร้างซึ่งเป็นกวีนักร้องจากนิคมอุตสาหกรรมในเมือง (ช่างฝีมือประชาชนทั่วไปเช่น ชนชั้นนายทุนด้วย) พวกเขาแนะนำลักษณะเฉพาะของตนเองในศิลปะของนักร้องและนักเล่นละคร โดยย้ายออกจากภาพทางดนตรีและบทกวีที่กล้าหาญอย่างสูงส่ง การเรียนรู้ธีมพื้นบ้านและชีวิตประจำวัน สร้างสไตล์ที่มีลักษณะเฉพาะ แนวเพลงของพวกเขาเอง ต้นแบบที่โดดเด่นที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีในเมืองแห่งศตวรรษที่ 13 คือกวีและนักแต่งเพลง Adam de la Halle ผู้แต่งเพลง motets รวมถึงบทละครที่ครั้งหนึ่งเคยเป็นที่นิยม "The Game of Robin and Marion" (c. 1283) อิ่มตัวด้วยเพลงเต้นรำของเมือง (มันผิดปกติอยู่แล้วที่ความคิดในการสร้างการแสดงละครทางโลกที่ผสมผสานกับดนตรี) เขาตีความแนวดนตรีและบทกวีที่เป็นเอกฉันท์แบบดั้งเดิมของคณะนักร้องประสานเสียงในรูปแบบใหม่โดยใช้การประสานเสียง

ในช่วงเวลานี้มีการสังเกตการเติบโตและความแข็งแกร่งของเมืองต่าง ๆ เช่น Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse สิ่งนี้สะท้อนให้เห็นไม่เฉพาะในด้านการเมืองและเศรษฐกิจเท่านั้น แต่ยังสะท้อนอยู่ในขอบเขตทางวัฒนธรรมด้วย การสร้างมหาวิทยาลัยและโรงเรียนในนั้นมีส่วนช่วยในการพัฒนาวัฒนธรรม ดนตรี และการเสริมบทบาทของดนตรีในฐานะศิลปะ ดังนั้น ในมหาวิทยาลัยซอร์บอนน์แห่งปารีส ซึ่งสร้างขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 13 ดนตรีจึงเป็นหนึ่งในวิชาบังคับและสำคัญ แน่นอนว่าสิ่งนี้มีส่วนทำให้บทบาทของดนตรีเป็นศิลปะได้ดีขึ้น ในศตวรรษที่ 12 ปารีสได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรี และเหนือสิ่งอื่นใดที่โรงเรียนสอนร้องเพลงของมหาวิหารนอเทรอดาม ซึ่งรวบรวมปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด - นักร้อง-นักแต่งเพลง นักวิทยาศาสตร์ ความเจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 12-13 เกี่ยวข้องกับโรงเรียนแห่งนี้ ลัทธิโพลิโฟนี, การเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่, การค้นพบในด้านทฤษฎีดนตรี ในงานของคีตกวีของโรงเรียน Notre Dame บทสวดเกรกอเรียนได้รับการเปลี่ยนแปลง: บทสวดที่ยืดหยุ่นและปราศจากจังหวะก่อนหน้านี้ได้รับความสม่ำเสมอและความราบรื่นมากขึ้น (จึงเป็นชื่อของบทสวดแคนตัสพลานัส) ความซับซ้อนของผ้าโพลีโฟนิกและโครงสร้างจังหวะจำเป็นต้องมีการกำหนดระยะเวลาที่แน่นอนและการปรับปรุงสัญกรณ์ ด้วยเหตุนี้ ตัวแทนของโรงเรียนในปารีสจึงค่อยๆ เข้ามาแทนที่หลักคำสอนของโหมดด้วยสัญกรณ์บุรุษ ผลงานที่สำคัญในทิศทางนี้ทำโดยนักดนตรี John de Garlandia Polyphony ก่อให้เกิดแนวเพลงใหม่ ๆ ของคริสตจักรและดนตรีฆราวาสรวมถึงความประพฤติและ motet เดิมทีการดำเนินการส่วนใหญ่ดำเนินการในช่วงงานเฉลิมฉลองของคริสตจักร แต่ต่อมากลายเป็นประเภทที่เกี่ยวกับฆราวาสอย่างหมดจด ในบรรดาผู้เขียนพฤติกรรมคือ Perotin ขึ้นอยู่กับตัวนำเมื่อปลายศตวรรษที่ 12 ในฝรั่งเศสประเภทที่สำคัญที่สุดของเพลงโพลีโฟนิกคือ motet ตัวอย่างแรกยังเป็นของอาจารย์ของโรงเรียนในปารีส (Perotin, Franco of Cologne, Pierre de la Croix) โมเต็ตอนุญาตให้มีอิสระในการรวมเพลงและข้อความเกี่ยวกับพิธีกรรมและฆราวาส ซึ่งเป็นการรวมกันที่นำไปสู่การเกิดในศตวรรษที่ 13 ล้อเล่น motet ประเภทของโมเท็ตได้รับการปรับปรุงที่สำคัญในศตวรรษที่ 14 ภายใต้เงื่อนไขของทิศทางของอาร์สโนวา ผู้มีอุดมการณ์คือฟิลิปป์ เดอ วิทรี ในศิลปะแห่งอาร์สโนวา ความสำคัญอย่างยิ่งต่อปฏิสัมพันธ์ของดนตรี "ในชีวิตประจำวัน" และ "วิทยาศาสตร์" (กล่าวคือ เพลงและโมเต็ต) Philippe de Vitry ได้สร้าง motet ชนิดใหม่ - the isorhythmic motet นวัตกรรมของ Philippe de Vitry ยังส่งผลต่อหลักคำสอนเรื่องความสอดคล้องและไม่สอดคล้องกัน (เขาประกาศพยัญชนะสามและหก) แนวคิดของอาร์สโนวาและโดยเฉพาะอย่างยิ่ง โมเต็ต isorhythmic ยังคงพัฒนาต่อไปในผลงานของ Guillaume de Machaux ซึ่งผสมผสานความสำเร็จทางศิลปะของศิลปะดนตรีและบทกวีของอัศวินเข้ากับเพลงเอกฉันท์และวัฒนธรรมดนตรีโพลีโฟนิกในเมือง เขาเป็นเจ้าของเพลงที่มีโกดังพื้นบ้าน virele, rondo เขายังพัฒนาแนวเพลงโพลีโฟนิกเป็นครั้งแรก ในโมเท็ต Machaux ใช้เครื่องดนตรีอย่างสม่ำเสมอมากกว่ารุ่นก่อนของเขา มาชอด์ยังถือเป็นผู้ประพันธ์เพลงโพลีโฟนิกภาษาฝรั่งเศสชุดแรกอีกด้วย

ในศตวรรษที่ 15 ในช่วงสงครามร้อยปี ตำแหน่งผู้นำในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 ครอบครองโดยตัวแทนของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิช (ดัตช์) นักประพันธ์เพลงที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนโพลีโฟนิกชาวดัตช์ทำงานเป็นเวลาสองศตวรรษในฝรั่งเศส: กลางศตวรรษที่ 15 - J. Benchois, G. Dufay ในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 15 - J. Okegem, J. Obrecht เมื่อสิ้นสุดวันที่ 15 - ต้นศตวรรษที่ 16 - JoskenDepre ในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 16 — ออร์ลันโด ดิ ลาสโซ

อย่างที่คุณเห็น วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสในยุคกลางนั้นมีความหลากหลาย หลากหลาย และหลากหลาย มันพัฒนาบนพื้นฐานของดนตรีพื้นบ้านดั้งเดิมของชนเผ่าและประชาชนที่อาศัยอยู่ในดินแดนสมัยใหม่ของฝรั่งเศสจนถึงยุคกลาง เธอได้รับอิทธิพลอย่างมากจากศาสนาคริสต์และประเพณีของดนตรีลัทธิคริสเตียน แน่นอนว่าการติดต่อและการพบปะทางวัฒนธรรมกับผู้คนในประเทศเพื่อนบ้านมากมายไม่ได้ถูกมองข้าม วัฒนธรรมดนตรียุคกลางของฝรั่งเศสตั้งอยู่บนเสาหลักสามประการ: ดนตรีเกี่ยวกับศาสนา ดนตรีพื้นบ้าน และฆราวาส พวกเขาเป็นพื้นฐานซึ่งเป็นพื้นฐานที่ช่วยให้วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสสามารถพัฒนาปรับปรุงและเสริมสร้างซึ่งกันและกันด้วยการผสมผสานทิศทางเหล่านี้

ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา

ยุคกลางที่เคร่งศาสนาและมืดมนถูกแทนที่ด้วยยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาอันงดงามและสดใส ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาปรากฏในอิตาลีและในไม่ช้าก็ได้รับความนิยมในยุโรป ชาวฝรั่งเศสไม่ได้ถูกทอดทิ้ง พวกเขาเป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่ชื่นชม "การปฏิวัติทางวัฒนธรรม" นี้และเข้าร่วม ความงดงามโดยธรรมชาติ รสชาติที่ยอดเยี่ยม ไหวพริบทางศิลปะไม่ได้ทำให้ชาวฝรั่งเศสผิดหวัง แต่ไม่เพียงแต่รสนิยมทางสุนทรียะเท่านั้นที่มีอิทธิพลต่อการเปลี่ยนแปลงของยุควัฒนธรรมในฝรั่งเศส ที่นี่จำเป็นต้องคำนึงถึงกระบวนการและปัจจัยทางประวัติศาสตร์ที่สำคัญจำนวนหนึ่งซึ่งมีความสำคัญในการสร้างและการอนุมัติบรรทัดฐานและศีลของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา หนึ่งในปัจจัยสำคัญในชุดเหตุการณ์ทางประวัติศาสตร์นี้คือการเกิดขึ้นของชนชั้นนายทุนโดยชอบธรรมและการเสริมสร้างบทบาทและตำแหน่งของตนในสังคมฝรั่งเศสอย่างมีนัยสำคัญ ปัจจัยต่อไปควรเรียกว่าการต่อสู้เพื่อการรวมชาติของฝรั่งเศสซึ่งสิ้นสุดในปลายศตวรรษที่ 15 และแน่นอน การสร้างรัฐรวมศูนย์เดียวที่ประกาศค่านิยมใหม่ในยุคใหม่ ดังนั้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 15 แล้ว ในฝรั่งเศส ในที่สุด วัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาก็ได้รับการอนุมัติ

ในช่วงเวลานี้บทบาทของดนตรีในชีวิตสังคมเพิ่มขึ้นอย่างมาก กษัตริย์ฝรั่งเศสสร้างโบสถ์ขนาดใหญ่ที่ศาล จัดเทศกาลดนตรี ราชสำนักกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะระดับมืออาชีพ บทบาทของโบสถ์ในศาลมีความเข้มแข็ง ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้อนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้ควบคุมดนตรี" ที่ศาล คนแรกที่ดำรงตำแหน่งนี้คือนักไวโอลินชาวอิตาลีชื่อ Baltazarini de Belgioso นอกจากราชสำนักและโบสถ์แล้ว ร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงยังเป็นศูนย์กลางที่สำคัญของศิลปะดนตรีอีกด้วย ความมั่งคั่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการก่อตัวของวัฒนธรรมประจำชาติของฝรั่งเศสตกอยู่ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 ในเวลานี้เพลงโพลีโฟนิกทางโลก - ชานสัน - กลายเป็นแนวศิลปะระดับมืออาชีพที่โดดเด่น สไตล์โพลีโฟนิกของเธอได้รับการตีความใหม่ซึ่งสอดคล้องกับแนวคิดของนักมนุษยนิยมชาวฝรั่งเศส - Rabelais, Clement Marot, Pierre de Ronsard Clement Zhanequin ผู้เขียนเพลงชานสันชั้นนำในยุคนี้ ซึ่งแต่งเพลงโพลีโฟนิกมากกว่า 200 เพลง Chansons ได้รับชื่อเสียงไม่เพียง แต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในต่างประเทศด้วยส่วนใหญ่มาจากโน้ตดนตรีและการกระชับความสัมพันธ์ระหว่างประเทศในยุโรป ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของดนตรีบรรเลงเพิ่มขึ้น วิโอลา ลูท กีตาร์ ไวโอลิน (เป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน) ถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลายในชีวิตดนตรี แนวเพลงบรรเลงแทรกซึมทั้งดนตรีประจำวันและดนตรีระดับมืออาชีพ บางส่วนเป็นเพลงของคริสตจักร การเต้นรำแบบ Lute โดดเด่นในหมู่เพลงที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 16 โพลีโฟนิกทำงานโดยปั้นเป็นจังหวะ, องค์ประกอบคล้ายคลึงกัน, ความโปร่งใสของพื้นผิว ลักษณะเฉพาะคือการผสมผสานระหว่างการเต้นรำตั้งแต่สองคนขึ้นไปตามหลักการของความแตกต่างของจังหวะเป็นวัฏจักรที่แปลกประหลาดซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของชุดเต้นรำในอนาคต เพลงออร์แกนยังได้รับความสำคัญที่เป็นอิสระมากขึ้น การเกิดขึ้นของโรงเรียนออร์แกนในฝรั่งเศส (ปลายศตวรรษที่ 16) เกี่ยวข้องกับงานของนักออร์แกน J. Titluz ในปี ค.ศ. 1570 Jean-Antoine de Baif ได้ก่อตั้ง Academy of Poetry and Music สมาชิกของสถาบันการศึกษานี้พยายามที่จะรื้อฟื้นระบบการวัดทางกวี-ดนตรีในสมัยโบราณ และปกป้องหลักการของความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีและบทกวีที่แยกออกไม่ได้ ชั้นสำคัญในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 เป็นเพลงของพวกฮิวเกนอต เพลงของ Huguenot ใช้ท่วงทำนองของเพลงประจำบ้านและเพลงพื้นบ้านยอดนิยม โดยนำมาปรับใช้กับข้อความพิธีกรรมภาษาฝรั่งเศสที่แปล ต่อมาไม่นาน การต่อสู้ทางศาสนาในฝรั่งเศสก่อให้เกิดบทเพลงสรรเสริญของ Huguenot ด้วยลักษณะเฉพาะของทำนองที่ถ่ายทอดท่วงทำนองไปสู่เสียงระดับสูง และการปฏิเสธความซับซ้อนของโพลีโฟนิก คีตกวี Huguenot ที่ใหญ่ที่สุดที่แต่งเพลงสดุดีคือ Claude Goudimel, Claude Lejeune

คลาสสิกและบาร็อค

ศตวรรษที่ 17 กลายเป็นก้าวสำคัญในการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส ในช่วงเวลานี้ ไม่เพียงแต่การเปลี่ยนแปลงในยุควัฒนธรรมเท่านั้น: ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาถูกแทนที่ด้วยความคลาสสิกก่อน จากนั้นจึงเปลี่ยนสไตล์บาโรกที่หรูหรา แต่ยังเปลี่ยนลำดับความสำคัญด้วย ตอนนั้นเองที่ดนตรีฆราวาสเข้าครอบงำศาสนาในที่สุด และในอนาคตเธอเองคือผู้ที่สร้างวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส กำหนดศีล แฟชั่น สไตล์ ทิศทางนำ แนวโน้มและแนวเพลง ปัจจัยทั้งสองนี้มีส่วนในการพัฒนาแนวเพลงที่สำคัญที่สุดในยุคนั้น - โอเปร่าและบัลเล่ต์ ปีแห่งรัชกาลของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 นั้นมีความสง่างามอย่างไม่ธรรมดาของชีวิตในราชสำนัก ความปรารถนาของชนชั้นสูงในเรื่องความหรูหราและความบันเทิงอันซับซ้อน ไม่น่าแปลกใจที่กษัตริย์องค์นี้ถูกเรียกว่า Sun King ทุกสิ่งทุกอย่างเต็มไปด้วยความงดงาม ความงดงาม และความงดงาม ศาลฝรั่งเศสฉายแววเหมือนโอลิมปัส ในเรื่องนี้ได้รับมอบหมายให้มีบทบาทอย่างมากในบัลเล่ต์ของศาล น่าแปลกที่พระคาร์ดินัลมาซารินแม้จะเล่นโดยอ้อมก็มีบทบาทสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีในทุก ๆ ทางที่เอื้ออำนวยต่อการเสริมสร้างอิทธิพลของอิตาลีที่ศาล ความคุ้นเคยกับอุปรากรอิตาลีเป็นตัวกระตุ้นอันทรงพลังสำหรับการสร้างโอเปร่าระดับชาติของเขาเอง ประสบการณ์ครั้งแรกในพื้นที่นี้เป็นของ Elisabeth Jacquet de la Guerre (Triumph of Love, 1654) ในปี ค.ศ. 1671 โรงอุปรากรชื่อ Royal Academy of Music เปิดขึ้นในปารีส นำโดย J.B. Lyuli บุคลิกที่โดดเด่นนี้ถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติ Lully สร้างคอเมดี้บัลเลต์จำนวนหนึ่งซึ่งกลายเป็นบรรพบุรุษของประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ และต่อมาโอเปร่าบัลเลต์ Lully มีส่วนสำคัญในการพัฒนาดนตรีบรรเลง เขาสร้างประเภทของโอเปร่าฝรั่งเศส (คำนี้ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส) การเต้นรำจำนวนมากจากผลงานขนาดใหญ่ของเขา (minuet, gavotte, sarabande, ฯลฯ ) มีอิทธิพลต่อการพัฒนาของวงดนตรีออร์เคสตราต่อไป ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 นักประพันธ์เพลงชื่อดังอย่าง N. A. Charpentier, A. Campra, M. R. Delaland, A. K. Detouches ได้เขียนบทให้กับโรงละครฝรั่งเศส ด้วยผู้สืบทอดของ Lully ธรรมเนียมปฏิบัติของรูปแบบการแสดงละครในศาลจึงเข้มข้นขึ้น ในโศกนาฏกรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ด้านบัลเลต์ตกแต่งและแนวอภิบาลที่งดงามมาถึงเบื้องหน้าและจุดเริ่มต้นที่น่าทึ่งก็อ่อนแอลงมากขึ้นเรื่อย ๆ โศกนาฏกรรมโคลงสั้นเปิดทางให้โอเปร่าบัลเลต์ ในศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศสโรงเรียนสอนดนตรีต่าง ๆ ได้พัฒนา - พิณ (D. Gautier ผู้มีอิทธิพลต่อรูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของ J.-A. d "Anglebert, J. Ch. de Chambonnière), harpsichord (Chambonniere, L. Couperin), viol (M. Marin ซึ่งเป็นครั้งแรกในฝรั่งเศสที่นำดับเบิลเบสเข้าสู่วงออเคสตราโอเปร่าแทนวิโอลาดับเบิลเบส) โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสได้รับความสำคัญสูงสุด รูปแบบของฮาร์ปซิคอร์ดในยุคแรกได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลโดยตรงของศิลปะพิณ ในงานของ Chambonnière ได้สะท้อนถึงลักษณะการแต่งทำนองเพลงซึ่งเป็นลักษณะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ของประดับตกแต่งมากมายทำให้งานของฮาร์ปซิคอร์ดมีความซับซ้อน เช่นเดียวกับความเชื่อมโยงกัน "ความไพเราะ" "ความยาว" และเสียงกระตุกของเครื่องดนตรีนี้ ในดนตรีบรรเลง ดนตรีที่ใช้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 มีการใช้กันอย่างแพร่หลาย การรวมกันของการเต้นรำคู่ (pavane, galliard ฯลฯ ) ซึ่งนำไปสู่ศตวรรษที่ 17 ในการสร้างชุดเครื่องมือ

ศตวรรษที่ 18-19 ในประวัติศาสตร์ดนตรีฝรั่งเศส

ในศตวรรษที่ 18 ด้วยอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นนายทุน รูปแบบใหม่ของดนตรีและชีวิตทางสังคมกำลังก่อตัวขึ้น คอนเสิร์ตค่อยๆ ขยายออกไปนอกห้องโถงของพระราชวังและร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ในปี ค.ศ. 1725 A. Philidor (Danikan) ได้จัดงาน "Spiritual Concerts" ขึ้นที่ปารีสและในปี ค.ศ. 1770 Francois Gossec ได้ก่อตั้งสมาคม "Amateur Concerts" ตอนเย็นของสมาคมวิชาการ Friends of Apollo (ก่อตั้งขึ้นในปี ค.ศ. 1741) มีลักษณะที่ใกล้ชิดยิ่งขึ้น และ Royal Academy of Music ได้จัดคอนเสิร์ตประจำปี ในยุค 20-30 ของศตวรรษที่ 18 ชุดฮาร์ปซิคอร์ดมาถึงจุดสูงสุด ในบรรดานักเปียโนชาวฝรั่งเศส บทบาทนำเป็นของ F. Couperin ผู้เขียนวงจรอิสระตามหลักการของความเหมือนและความแตกต่างของชิ้นส่วน นอกเหนือจาก Couperin แล้ว J.F. Dandre ยังได้มีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาชุดฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลักษณะเฉพาะของโปรแกรมอีกด้วย โดย J.F. Dandre และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง J.F. Rameau ในปี ค.ศ. 1733 การแสดงโอเปร่า Hippolyte et Aricia ของ Rameau ที่ประสบความสำเร็จทำให้นักแต่งเพลงเป็นผู้นำในโรงละครโอเปร่า Royal Academy of Music ในงานของ Rameau ประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ถึงจุดสูงสุด สไตล์การเปล่งเสียงพูดของเขาเต็มไปด้วยการแสดงอารมณ์ที่ไพเราะ การทาบทามสองส่วนของเขามีความโดดเด่นด้วยความหลากหลายอย่างมาก อย่างไรก็ตาม การทาบทามสามส่วนใกล้กับโอเปร่าอิตาลี "sinphonia" ก็ถูกนำเสนอในงานของเขาด้วย ในโอเปร่าจำนวนหนึ่ง Rameau คาดหวังความสำเร็จมากมายในภายหลังในด้านละครเพลง ปูทางสำหรับการปฏิรูปโอเปร่าของ K. V. Gluck Rameau เป็นเจ้าของระบบวิทยาศาสตร์ ซึ่งมีบทบัญญัติจำนวนหนึ่งซึ่งเป็นพื้นฐานของหลักคำสอนเรื่องความสามัคคีสมัยใหม่ ("Treatise on Harmony", 1722; "The Origin of Harmony", 1750 เป็นต้น) กลางศตวรรษที่ 18 โอเปร่าในตำนานอย่าง Lully, Rameau และนักเขียนคนอื่น ๆ ไม่สามารถตอบสนองความต้องการด้านสุนทรียะของผู้ชมชนชั้นกลางได้อีกต่อไป ในความนิยม พวกเขาด้อยกว่าการแสดงเสียดสีที่รุนแรงซึ่งรู้จักกันมาตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 การแสดงเหล่านี้มุ่งเป้าไปที่การเยาะเย้ยศีลธรรมของชนชั้น "ที่สูงขึ้น" ของสังคมและล้อเลียนโอเปร่าของศาล ผู้เขียนโอเปร่าการ์ตูนเรื่องแรกคือนักเขียนบทละคร A. R. Lesage และ C. S. Favara โอเปร่าฝรั่งเศสประเภทใหม่ได้เติบโตเต็มที่ในโรงละครที่ยุติธรรม - นักแสดงโอเปร่า ตำแหน่งของมันถูกเสริมความแข็งแกร่งโดยการมาถึงปารีสในปี 1752 ของคณะอุปรากรชาวอิตาลีซึ่งแสดงโอเปร่าหนังหลายเรื่องรวมถึง The Maid-Madame ของ Pergolesi และการโต้เถียงกันเกี่ยวกับศิลปะโอเปร่าที่ปะทุขึ้นระหว่างผู้สนับสนุน (กลุ่มชนชั้นนายทุน - ประชาธิปไตย) และ ฝ่ายตรงข้าม (ตัวแทนของขุนนาง) ของหนังโอเปร่าอิตาลีเช่น น. "สงครามของตัวตลก". ในบรรยากาศตึงเครียดของกรุงปารีส การโต้เถียงนี้ทำให้เกิดความเร่งด่วนเป็นพิเศษและได้รับเสียงโวยวายจากสาธารณชนอย่างล้นหลาม ร่างของการตรัสรู้ของฝรั่งเศสเข้ามามีส่วนร่วมสนับสนุนศิลปะประชาธิปไตยของ "ผู้คลั่งไคล้" และงานอภิบาล "The Village Sorcerer" ของรุสโซเป็นพื้นฐานของละครตลกฝรั่งเศสเรื่องแรก สโลแกนที่ประกาศโดยพวกเขาว่า "การเลียนแบบธรรมชาติ" มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของรูปแบบโอเปร่าฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักสารานุกรมยังมีเนื้อหาทั่วไปเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และดนตรีและทฤษฎีที่มีคุณค่า

ศตวรรษที่ 18 ซึ่งเริ่มต้นด้วยความเฟื่องฟูของวัฒนธรรมชนชั้นกลางและการก่อตัวของชีวิตสาธารณะทางดนตรีรูปแบบใหม่: คอนเสิร์ตสาธารณะ วัฏจักรของคอนเสิร์ตและการแสดง สมาคมดนตรี จบลงอย่างน่าเศร้า การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ได้ปะทุขึ้น เธอทำการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในทุกด้านของชีวิตวัฒนธรรมฝรั่งเศสและแน่นอนในด้านศิลปะดนตรี . ดนตรีกลายเป็นส่วนสำคัญของเหตุการณ์ทั้งหมดในยุคปฏิวัติและได้รับหน้าที่ทางสังคม ยุคนั้นมีส่วนในการก่อร่างและสถาปนาประเภทมวลชน: เพลง, เพลงสวด, การเดินขบวนและอื่น ๆ ภายใต้อิทธิพลของการปฏิวัติฝรั่งเศส ประเภทการแสดงละครเช่น apotheosis การแสดงโฆษณาชวนเชื่อที่มีการใช้คณะนักร้องประสานเสียงจำนวนมากได้เกิดขึ้น แยกจากกัน เราควรพูดถึง "โอเปร่าแห่งความรอด" ซึ่งได้รับความนิยมอย่างมากในยุคที่น่าสลดใจและน่าสลดใจนั้น หัวข้อของการต่อสู้กับเผด็จการฟังดูสดใสเป็นพิเศษในพวกเขาความชั่วร้ายของพระสงฆ์ถูกเปิดเผยความจงรักภักดีความจงรักภักดีความรักชาติการเสียสละเพื่อประโยชน์ของประชาชนและบ้านเกิดเมืองนอนได้รับการยกย่อง ในการเชื่อมต่อกับการเติบโตของความรู้สึกรักชาติในสังคม ดนตรีทองเหลืองของทหารจึงมีความสำคัญอย่างยิ่ง และมีการก่อตั้งวงออร์เคสตราของ National Guard ระบบการศึกษาดนตรีได้รับการเปลี่ยนแปลงในการปฏิวัติเช่นกัน: ในปี ค.ศ. 1792 โรงเรียนดนตรี National Guard ได้เปิดสอนนักดนตรีทหารและในปี ค.ศ. 1793 สถาบันดนตรีแห่งชาติ (ตั้งแต่ปีพ. ศ. 2338 Paris Conservatory)

ช่วงเวลาของเผด็จการนโปเลียน (1799-1814) และการฟื้นฟู (1814-15, 1815-30) ไม่ได้นำความสำเร็จที่สดใสมาสู่ดนตรีฝรั่งเศส การฟื้นคืนชีพบางอย่างในด้านวัฒนธรรมได้สรุปไว้เฉพาะเมื่อสิ้นสุดระยะเวลาการฟื้นฟูเท่านั้น ในยุค 20-30 ของศตวรรษที่ 19 ละครโรแมนติกของฝรั่งเศสได้ก่อตัวขึ้น เช่นเดียวกับประเภทของโอเปร่าที่ยิ่งใหญ่ในหัวข้อประวัติศาสตร์ ความรักชาติ และความกล้าหาญ G. Berlioz ผู้สร้างการแสดงซิมโฟนีโรแมนติกแบบเป็นโปรแกรม ได้รับการยอมรับอย่างถูกต้องว่าเป็นหนึ่งในตัวแทนที่โดดเด่นที่สุดของแนวโรแมนติกทางดนตรีของฝรั่งเศสทั่วโลก ในช่วงหลายปีของจักรวรรดิที่ 2 ในฝรั่งเศส กระแสนิยมทางโลกได้กลายเป็นความหลงใหลในร้านกาแฟคอนเสิร์ต การแสดงละคร และศิลปะของชานซอนเนียร์ ในช่วงเวลานี้ บทเพลง ละคร และละครได้รับความนิยมและมากมาย โอเปร่าฝรั่งเศสเฟื่องฟูอย่างแท้จริง เริ่มให้เสียงที่น่าสนใจเป็นพิเศษ ในรูปแบบใหม่ที่แปลกใหม่ ซึ่งเกี่ยวข้องโดยตรงกับชื่อของผู้สร้างและผู้สร้างแรงบันดาลใจทางจิตวิญญาณ J. Offenbach, F. Hervé เธอค่อยๆ สูญเสียการเสียดสี การล้อเลียน ความเฉพาะเจาะจง ด้วยความเบาและเบาของโอเปร่า ทำให้เรื่องราวทางประวัติศาสตร์ ชีวิตประจำวัน และบทกวีโรแมนติกของพวกเขาเปลี่ยนไป สิ่งนี้สอดคล้องกับกระแสดนตรีทั่วไปในสมัยนั้นอย่างเต็มที่: ตัวละครที่เป็นโคลงสั้น ๆ อยู่ข้างหน้าในทรงกลมทางวัฒนธรรมเกือบทั้งหมด ในละคร แนวโน้มนี้แสดงออกถึงความปรารถนาในโครงเรื่องในชีวิตประจำวัน เพื่อแสดงภาพคนธรรมดาที่มีประสบการณ์ใกล้ชิด ในบรรดานักเขียนโอเปร่าที่มีชื่อเสียงที่สุดควรเรียกว่า Ch. Gounod, "Faust", "Mireil" และ "Romeo and Juliet", J. Massenet, J. Bizet "Carmen" แต่แฟชั่นนั้นผันผวนและมีลมแรง รวมถึงแฟชั่นทางดนตรี และในฝรั่งเศสมีมากกว่านั้นอีก แล้วในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีแนวโน้มที่เป็นจริงเพิ่มขึ้น เหตุการณ์สำคัญในชีวิตทางสังคมและการเมืองของฝรั่งเศสคือ Paris Commune ในปี 1870-1871 มันยังสะท้อนให้เห็นในวัฒนธรรมดนตรี: มีการสร้างเพลงทำงานมากมายซึ่งหนึ่งในนั้นคือ "The Internationale" (เพลงของ Pierre Degeyter ตามคำพูดของ Eugene Pottier) กลายเป็นเพลงชาติของพรรคคอมมิวนิสต์และในปี 1922-1944 - เพลงชาติของสหภาพโซเวียต

ศตวรรษที่ 20. เทรนด์ใหม่

ในช่วงปลายยุค 80 และ 90 ของศตวรรษที่ 19 เทรนด์ใหม่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสซึ่งเริ่มแพร่หลายเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 - อิมเพรสชั่นนิสม์ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีฟื้นประเพณีของชาติบางอย่าง - ความปรารถนาที่จะเป็นรูปธรรม, โปรแกรม, ความซับซ้อนของสไตล์, ความโปร่งใสของพื้นผิว อิมเพรสชั่นนิสม์พบการแสดงออกอย่างเต็มที่ในเพลงของ C. Debussy ส่งผลต่องานของ M. Ravel, P. Duke และคนอื่น ๆ อิมเพรสชั่นนิสม์ยังแนะนำนวัตกรรมในด้านแนวดนตรีอีกด้วย ในงานของ Debussy วัฏจักรไพเราะทำให้เกิดการสเก็ตช์ไพเราะ เพลงเปียโนถูกครอบงำโดยโปรแกรมย่อส่วน Maurice Ravel ยังได้รับอิทธิพลจากสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในงานของเขา แนวโน้มด้านสุนทรียศาสตร์และโวหารต่างๆ เกี่ยวพันกัน - โรแมนติก อิมเพรสชั่นนิสม์ และในผลงานต่อมาของเขา - แนวโน้มนีโอคลาสสิก ควบคู่ไปกับแนวอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประเพณีของแซงต์-ซองส์ยังคงพัฒนาต่อไป เช่นเดียวกับ Franck ซึ่งผลงานของเขาโดดเด่นด้วยการผสมผสานความชัดเจนของสไตล์คลาสสิกเข้ากับจินตภาพโรแมนติกที่สดใส หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ศิลปะฝรั่งเศสได้แสดงให้เห็นแนวโน้มที่จะปฏิเสธอิทธิพลของเยอรมัน แสวงหาความแปลกใหม่ และในขณะเดียวกันก็เพื่อความเรียบง่าย ในเวลานี้ภายใต้อิทธิพลของนักแต่งเพลง Eric Satie และนักวิจารณ์ Jean Cocteau ได้มีการจัดตั้งสมาคมสร้างสรรค์ขึ้นซึ่งเรียกว่า "French Six" ซึ่งสมาชิกไม่เห็นด้วยกับลัทธิ Wagnerian เท่านั้น แต่ยังรวมถึง "ความคลุมเครือ" ของอิมเพรสชั่นนิสต์ด้วย อย่างไรก็ตาม ตามที่ผู้เขียน ฟรานซิส ปูล็องก์ กลุ่มนี้ “ไม่มีเป้าหมายอื่นใดนอกจากความเป็นมิตรล้วนๆ และไม่ใช่สมาคมในอุดมคติเลย” และตั้งแต่ปี ค.ศ. 1920 สมาชิกของกลุ่ม (ในบรรดาผู้มีชื่อเสียงมากที่สุด ได้แก่ อาเธอร์ โฮเน็กเกอร์ และดาริอุส มิลฮาด) มี พัฒนาไปคนละแบบ ในปีพ. ศ. 2478 สมาคมนักประพันธ์เพลงแห่งใหม่ได้เกิดขึ้นในฝรั่งเศส - "Young France" ซึ่งรวมถึงนักแต่งเพลงเช่น O. Messiaen, A. Jolivet ผู้ซึ่งเช่น "Six" ได้ฟื้นฟูประเพณีของชาติ และความคิดเห็นอกเห็นใจในระดับแนวหน้า โดยปฏิเสธความเป็นวิชาการและนีโอคลาสซิซิสซึ่ม พวกเขามุ่งเน้นความพยายามในการปรับปรุงวิธีการแสดงออกทางดนตรี สิ่งที่มีอิทธิพลมากที่สุดคือการค้นหาของ Messiaen ในด้านโครงสร้างที่เป็นกิริยาช่วยและจังหวะ ซึ่งถูกรวบรวมไว้ในงานดนตรีของเขาและในบทความทางดนตรี หลังสงครามโลกครั้งที่สอง กระแสดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดได้แผ่ขยายออกไปในดนตรีฝรั่งเศส ตัวแทนที่โดดเด่นของแนวหน้าดนตรีชาวฝรั่งเศสคือนักแต่งเพลงและวาทยกร Pierre Boulez ผู้พัฒนาหลักการของ A. Webern ใช้วิธีการจัดองค์ประกอบเช่น pointillism และ seriality อย่างกว้างขวาง นักแต่งเพลงที่มาจากกรีก J. Xenakis ใช้ระบบการจัดองค์ประกอบ "สุ่ม" พิเศษ ฝรั่งเศสมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ - ที่นี่ดนตรีที่เป็นรูปธรรมปรากฏขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1940 ภายใต้การนำของ Xenakis คอมพิวเตอร์ที่มีการป้อนข้อมูลแบบกราฟิก - UPI ได้รับการพัฒนาและในปี 1970 ทิศทางของดนตรีสเปกตรัม เกิดที่ฝรั่งเศส ตั้งแต่ปี 1977 IRCAM ซึ่งเป็นสถาบันวิจัยที่ก่อตั้งโดย Pierre Boulez ได้กลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีทดลอง สรุปแล้วสามารถสังเกตได้ว่าเหตุการณ์สำคัญในศตวรรษที่ 20 ในวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสคือ: อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรี, แนวดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดที่พัฒนาขึ้นหลังสงครามโลกครั้งที่ 2, ดนตรีอิเล็กทรอนิกส์, ชานสันฝรั่งเศส

ความทันสมัย มองไปสู่อนาคต

และทุกวันนี้ ฝรั่งเศสยังคงเป็นศูนย์กลางวัฒนธรรมดนตรีที่ใหญ่ที่สุดแห่งหนึ่งของโลก ในฝรั่งเศสเอง ศูนย์กลางทางดนตรีหรือค่อนข้างจะเต้นเป็นจังหวะและหัวใจเต้นเป็นจังหวะคือปารีส นี่ไม่ใช่คำแถลงที่ไม่มีมูล แต่เป็นข้อเท็จจริงที่ได้รับการยืนยันจากการปรากฏตัวในเมืองหลวงของฝรั่งเศส: โรงอุปรากรแห่งปารีส, โรงละครโอเปร่าการ์นิเย่และโอเปร่าบาสตีย์, โรงละครจำนวนมาก, ห้องแสดงคอนเสิร์ต, สถานที่จัดงาน ในบรรดากลุ่มดนตรีชั้นนำควรตั้งชื่อวงดุริยางค์แห่งชาติของฝรั่งเศส, วงดุริยางค์ Philharmonic ของ Radio France, วงออร์เคสตราแห่งปารีส, คอลัมน์ Orchestra และอื่น ๆ สถาบันการศึกษาดนตรีของฝรั่งเศส (Paris Conservatory, Scola Cantorum, Ecole Normal เป็นต้น .) นี่คือความภาคภูมิใจและมรดกทางวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสที่ยกย่องไปทั่วโลก แง่มุมที่น่าสนใจอย่างยิ่งคือในฝรั่งเศสมีความสำคัญอย่างยิ่งต่องานทางวิทยาศาสตร์ในสาขาดนตรี ที่นี่หลักการของการบริการของวิทยาศาสตร์เพื่อศิลปะสะท้อนให้เห็นอย่างเต็มที่ ศูนย์วิจัยดนตรีที่สำคัญที่สุดคือสถาบันดนตรีที่มหาวิทยาลัยปารีส หนังสือ เอกสารเก็บถาวรถูกเก็บไว้ในหอสมุดแห่งชาติ ซึ่งในปี 1935 แผนกดนตรีได้ถูกสร้างขึ้นมาเป็นพิเศษ เช่นเดียวกับในห้องสมุดและพิพิธภัณฑ์เครื่องดนตรีที่เรือนกระจก นักท่องเที่ยวหลายพันคนเดินทางมาฝรั่งเศสเพื่อชมงานดนตรีต่างๆ ที่จัดขึ้นเป็นประจำ ทั้งหมดถือเป็นเหตุการณ์สำคัญในชีวิตทางวัฒนธรรมดนตรีที่สดใส เป็นอิสระ และมีความสำคัญ เป็นการยากที่จะตัดสินว่าใครชนะการแข่งขันที่มีพรสวรรค์นี้ เราสามารถระบุได้เฉพาะงานที่มีชื่อเสียงและเป็นที่นิยมที่สุดในชีวิตทางวัฒนธรรมและดนตรีของฝรั่งเศส: การแข่งขันเปียโนและไวโอลินนานาชาติ M. Long และ J. Thibault, การแข่งขันกีตาร์, การแข่งขัน Besancon International Competition for Young Conductors, Toulouse International Vocal Competition, Paris International Harp Competition เป็นต้น เทศกาลมากมายไม่สามารถละเลยได้: เทศกาลฤดูใบไม้ร่วงในปารีส, เทศกาลดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ในปารีส, การแข่งขันเปียโนใน Epinal, เทศกาลดนตรีคลาสสิกใน Rouen และอื่น ๆ , "Pearl Nights" - เทศกาลหีบเพลงในเมือง Tulle การแข่งขันออร์แกน "Garne pri de Chartres. ในปี 1982 เมื่อวันที่ 21 มิถุนายน ชาวฝรั่งเศสได้จัดงาน "Celebration of Music" ขึ้นเป็นครั้งแรก ในวันนี้ ทุกคนสามารถร้องเพลง เล่นดนตรีตามท้องถนนในเมือง ที่นี่คุณสามารถพบกับนักแสดงและคนดังที่กำลังมาแรง ปัจจุบันวันหยุดนี้ได้กลายเป็นสากลและมีการเฉลิมฉลองใน 110 ประเทศทั่วโลก

วงการเพลงฝรั่งเศสรู้จักแนวเพลงยอดนิยมเกือบทั้งหมด ในขณะเดียวกันก็ก่อให้เกิดแนวเพลงระดับชาติที่เฉพาะเจาะจงหลายแนว โดยเฉพาะเพลงชานสันของฝรั่งเศส . (ไม่เกี่ยวอะไรกับชานสันรัสเซีย!!!).ในวัฒนธรรมสมัยใหม่ ดนตรีฝรั่งเศสยอดนิยมเรียกว่า chanson ซึ่งยังคงรักษาจังหวะเฉพาะของภาษาฝรั่งเศสไว้ เพลงเหล่านี้มีความแตกต่างกันอย่างมากในด้านท่วงทำนอง เนื้อเพลง ความหมาย จิตวิญญาณ และเสียงจากเพลงที่แต่งขึ้นภายใต้อิทธิพลของดนตรีภาษาอังกฤษ สามารถรับรู้ได้จากโน้ตตัวแรกจากคอร์ดแรก หัวใจตอบสนองด้วยเสียงแรก และรอยยิ้มที่อบอุ่นและเรียบง่ายปรากฏขึ้นบนริมฝีปากโดยไม่สมัครใจ ความเรียบง่ายและความอบอุ่นที่แทรกซึมทุกท่วงทำนองของเพลงชานสันของฝรั่งเศส อะไรก็ตามที่ร้องในเพลงเหล่านี้ พวกเขามีสิ่งสำคัญ - วิญญาณ นักแสดงที่โดดเด่นของ French chanson (chansonnier) เช่น Georges Brassens, Edith Piaf, Joe Dassin, Jacques Brel, Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kaas และคนอื่น ๆ ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ซีดีของพวกเขายังคงขายได้สำเร็จทั่วโลก ฟังเพลงทางวิทยุ และดาวน์โหลดทางอินเทอร์เน็ตได้อย่างง่ายดาย ฝรั่งเศสได้เป็นเจ้าภาพการประกวดเพลงยูโรวิชันสามครั้ง เหตุการณ์สำคัญในชีวิตดนตรีสมัยใหม่นี้เกิดขึ้นในปี 2502, 2504 และ 2521 นักแสดงชาวฝรั่งเศสห้าคนชนะการประกวดเพลงยูโรวิชัน - André Clavier (1958), Jacqueline Boyer (1960), Isabelle Aubret (1962), Frida Boccara (1969) และ Marie Miriam (1977) หลังจากนั้นความสำเร็จสูงสุดของฝรั่งเศสมาเป็นอันดับสองในปี 1990 และ พ.ศ. 2534 นักดนตรีชาวฝรั่งเศสมีส่วนสนับสนุนเป็นพิเศษในแนวเพลงอิเล็กทรอนิกส์แนวใหม่ที่ทันสมัย สำหรับฉัน ฌอง-มิเชล จาร์ ยืนอยู่ในสถานที่แห่งเกียรติยศพิเศษ การแสดงเลเซอร์ที่ยิ่งใหญ่ มีเสน่ห์ และยากจะลืมเลือนของเขา ซึ่งทำให้นักแต่งเพลงและนักดนตรีโด่งดังไปทั่วโลก งานของเขาเป็นที่เข้าใจและเป็นที่นิยมในรัสเซียทั้งในหมู่คนหนุ่มสาวและในหมู่คนรักดนตรีของคนรุ่นเก่า

บทสรุป.

ดังนั้นเราจึงตระหนักว่าฝรั่งเศสมีบทบาทอย่างมากในประวัติศาสตร์ดนตรี และดนตรีก็มีบทบาทอย่างมากในประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศส มันมีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีในประเทศอื่น ๆ ในยุคประวัติศาสตร์บางยุคถือเป็นมาตรฐานที่พวกเขายกตัวอย่างซึ่งพวกเขาเลียนแบบ เธอรู้วิธีที่จะซึมซับ ซึมซับกระแสดนตรี แนวเพลง กระแสและสไตล์ของชนชาติอื่น ๆ ได้อย่างสมบูรณ์แบบ ดัดแปลง ประมวลผล คิดใหม่ ทำให้ฟังดูเป็นภาษาฝรั่งเศสในรูปแบบใหม่ ตัวอย่างที่โดดเด่นของการปะทะกันและปฏิสัมพันธ์ของวัฒนธรรมดนตรีในปัจจุบันถือได้ว่าเป็นปฏิสัมพันธ์ของวัฒนธรรมดนตรีอเมริกันและฝรั่งเศส จากจุดเริ่มต้นของการแทรกซึมของวัฒนธรรมมวลชนอเมริกันในทวีปยุโรป ชาวฝรั่งเศสพยายามรักษาความบริสุทธิ์ของวัฒนธรรมของตน รวมทั้งดนตรีด้วยสุดความสามารถ รวมทั้งดนตรี ต่อสู้เพื่อเอกลักษณ์ ความเฉพาะตัว ความคิดริเริ่ม และความเป็นอิสระ ความรัก ความชื่นชม ความชื่นชมยินดีของฝรั่งเศส ภาคภูมิใจและอนุรักษ์วัฒนธรรมดนตรีสมัยใหม่ไว้อย่างดี ควรสังเกตว่าด้วยนโยบายของรัฐที่ถูกต้องมากในด้านวัฒนธรรม ตำแหน่งของกระทรวงที่เกี่ยวข้อง บุคคลสำคัญในฝรั่งเศส พวกเขาสามารถทำอะไรได้มากมายในด้านการรักษา พัฒนา และเผยแพร่วัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศส เป็นผลให้ฝรั่งเศสสามารถหลีกเลี่ยงทั้งการครอบงำของชาวอเมริกันที่ไม่มีการแบ่งแยกและความโดดเดี่ยวทางวัฒนธรรมของตนเอง โดยเฉพาะอย่างยิ่งสิ่งนี้ประสบความสำเร็จ เนื่องจากโควตาการแพร่ภาพ การจำกัดสถานีวิทยุสำหรับการเล่นเพลงภาษาอังกฤษ และข้อกำหนดพิเศษทุกประเภทสำหรับนักแสดงในประเทศ ในทางกลับกัน ความรักชาติของฝรั่งเศสมีบทบาทสำคัญ ความรักในทุกสิ่งที่ "ชนพื้นเมืองฝรั่งเศส" ความภาคภูมิใจและความเคารพในวัฒนธรรมของพวกเขา ซึ่งในความคิดของฉัน ได้รับการปลูกฝังในภาษาฝรั่งเศสตั้งแต่วัยเด็ก ในเรื่องนี้ เป็นการเหมาะสมกว่าที่จะพูดคุยเกี่ยวกับการแทรกซึมของวัฒนธรรมดนตรีร่วมกัน เพลงฝรั่งเศสส่งตรงไปยังอเมริกาแม้ว่าจะเป็นเวอร์ชันปรับปรุง ("My Way" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นจุดเด่นของ Frank Sinatra เขียนโดย Claude Francois และเรียกว่า "Comme d" นิสัย ) หรือ "Et maintenant" โดย Gilbert Beco ร้องโดยคู่ของ Sonny และ Cher และอีกหลายเพลง - "What now my love") มีเพลงฝรั่งเศส - แปลจากภาษาอังกฤษ โด่งดังกว่าต้นฉบับมาก ตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดคือเพลงดังของ Joe Dassin " Champs-Elysées" ("Les Champs-Elysées") ใครรู้จักต้นฉบับ - "ถนนวอเตอร์ลู" บ้าง?

ฉันหวังว่าตอนนี้คุณเช่นเดียวกับฉันที่เชื่อมั่นว่าวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสนั้นสมบูรณ์ หลากหลาย มีเอกลักษณ์ เลียนแบบไม่ได้ และมีอิทธิพล บางทีคุณอาจตกหลุมรักเธอหรืออย่างน้อยก็สนใจและพยายามเรียนรู้เพิ่มเติมเกี่ยวกับเธอเช่นฉัน เป็นการเหมาะสมที่เราจะยกตัวอย่างทัศนคติที่ระมัดระวังของชาวฝรั่งเศสต่อวัฒนธรรมดนตรีของพวกเขา ทั้งในระดับรัฐและในระดับพลเมืองทั่วไป หลายประเทศควรนำประสบการณ์ความรักชาติทางวัฒนธรรมที่สมเหตุสมผลและมีค่าควรมาใช้ ดนตรีเป็นสิ่งมหัศจรรย์อย่างหนึ่งของโลก ดนตรีเป็นภาษาสากลของการสื่อสารระหว่างประเทศ เข้าถึงได้ ใกล้ชิด และเข้าใจได้ทั่วโลก ฝรั่งเศสมีส่วนสำคัญต่อการก่อตัว การพัฒนา และความเจริญรุ่งเรือง

วรรณกรรม:

https://ru.wikipedia.org/wiki/ เพลงของฝรั่งเศส

http://niderlandi.takustroenmir.ru

http://www.frmusique.ru/review.htm

https://dis.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1569665

A. Klenov "ที่ซึ่งดนตรีอาศัยอยู่" M. "Pedagogy" 1985

Medushevsky V.V. , Ochakovskaya O.O. พจนานุกรมสารานุกรมของนักดนตรีรุ่นเยาว์ M. "Pedagogy" 1985

ที่มาของดนตรีฝรั่งเศส

ต้นกำเนิดของดนตรีฝรั่งเศสมีมาตั้งแต่ยุคกลางตอนต้น: ในศตวรรษที่ 8-9 มีเพลงเต้นรำและเพลงประเภทต่างๆ เช่น แรงงาน ปฏิทิน มหากาพย์ และอื่นๆ
เมื่อปลายศตวรรษที่ 8 ได้ก่อตั้ง บทสวดเกรกอเรียน
ที่ ในศตวรรษที่ 11-12 ดนตรีและบทกวีที่กล้าหาญของคณะนักร้องประสานเสียงมีความเจริญรุ่งเรืองทางตอนใต้ของฝรั่งเศส
ที่ ในศตวรรษที่ 12-13 เหล่าอัศวินและชาวเมืองทางตอนเหนือของฝรั่งเศส เหล่าทหารม้า ยังคงสานต่อประเพณีของคณะนักร้องประสานเสียง ในหมู่พวกเขา ที่รู้จักกันดีที่สุดคือ Adam de la Halle (เสียชีวิต 1286)

อดัม เดอ ลา อัล "เกมของโรบินและแมเรียน"

ในศตวรรษที่ 14 ขบวนการ New Art ปรากฏในดนตรีฝรั่งเศส หัวหน้าขบวนการนี้คือ Philippe de Vitry (1291-1361) - นักทฤษฎีและนักแต่งเพลงผู้ประพันธ์ฆราวาสหลายคน โมเท็ตอย่างไรก็ตามในช่วงปลายศตวรรษที่ 16 ในช่วงเวลาของ Charles 9 ธรรมชาติของดนตรีของฝรั่งเศสเปลี่ยนไป ยุคของบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้นเมื่อดนตรีมาพร้อมกับการเต้นรำ ในยุคนี้มีการใช้เครื่องดนตรีอย่างแพร่หลาย ได้แก่ ขลุ่ย ฮาร์ปซิคอร์ด เชลโล ไวโอลิน และครั้งนี้เรียกได้ว่าเป็นการกำเนิดของดนตรีบรรเลงอย่างแท้จริง

Philippe de Vitry "ลอร์ดแห่งขุนนาง" (โมเต็ต)

ศตวรรษที่ 17 เป็นเวทีใหม่ในการพัฒนาดนตรีฝรั่งเศส นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศสผู้ยิ่งใหญ่ Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 11/28/1632, Florence - 3/22/1687, Paris) สร้างโอเปร่าของเขา Jean Baptiste เป็นนักเต้น นักไวโอลิน วาทยกร และนักออกแบบท่าเต้นที่ยอดเยี่ยมจากอิตาลี ถือเป็นผู้สร้างโอเปร่าแห่งชาติฝรั่งเศสที่ได้รับการยอมรับ ในหมู่พวกเขามีโอเปร่าเช่น: "Theseus" (1675), "Isis" (1677), "Psyche" (1678), "Perseus" (1682), "Phaeton" (1683), "Roland" (1685) และ " Armida" (1686) และอื่น ๆ ในโอเปร่าของเขาที่เรียกว่า "tragédie mise en musique" ("โศกนาฏกรรมทางดนตรี") Jean-Baptiste Lully พยายามที่จะเพิ่มเอฟเฟกต์อันน่าทึ่งด้วยดนตรี ด้วยความเชี่ยวชาญในการแสดงละคร บัลเล่ต์อันตระการตา โอเปร่าของเขาอยู่บนเวทีประมาณ 100 ปี ในเวลาเดียวกันนักร้องโอเปร่าเริ่มแสดงโดยไม่มีหน้ากากเป็นครั้งแรกและผู้หญิงก็เริ่มเต้นรำในบัลเล่ต์บนเวทีสาธารณะ
Rameau Jean Philippe (1683-1764) - นักแต่งเพลงและนักทฤษฎีดนตรีชาวฝรั่งเศส การใช้ความสำเร็จของวัฒนธรรมดนตรีฝรั่งเศสและอิตาลี เขาปรับเปลี่ยนรูปแบบของโอเปร่าคลาสสิกอย่างมีนัยสำคัญ เตรียมการปฏิรูปโอเปร่าโดย Christoph Willibaldi Gluck เขาเขียนโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ Hippolytus and Arisia (1733), Castor and Pollux (1737), โอเปร่าบัลเล่ต์ Gallant India (1735), ฮาร์ปซิคอร์ดและอื่น ๆ งานเชิงทฤษฎีของเขาเป็นขั้นตอนสำคัญในการพัฒนาหลักคำสอนเรื่องความสามัคคี.
Francois Couperin (1668-1733) - นักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส, ฮาร์ปซิคอร์ด, นักออร์แกน จากราชวงศ์ที่เทียบได้กับราชวงศ์บาคของเยอรมัน เนื่องจากมีนักดนตรีหลายชั่วอายุคนในครอบครัวของเขา Couperin ได้รับฉายาว่า "the Couperin ผู้ยิ่งใหญ่" ส่วนหนึ่งเป็นเพราะอารมณ์ขันของเขา ส่วนหนึ่งเป็นเพราะบุคลิกของเขา ผลงานของเขาเป็นจุดสุดยอดของศิลปะฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศส ดนตรีของคูเปอริงโดดเด่นด้วยความสร้างสรรค์ที่ไพเราะ ความสง่างาม และความสมบูรณ์แบบของรายละเอียด

1. Jean-Baptiste Lully sonata ใน A-minor ส่วนที่ 4 ของ "Gig"

2. Jean Philippe Rameau "Chicken" - เล่นโดย Arkady Kazaryan

3. Francois Couperin "นาฬิกาปลุก" - เล่นโดย Ayana Sambuyeva

ในศตวรรษที่ 18 - ปลายศตวรรษที่ 19 ดนตรีกลายเป็นอาวุธที่แท้จริงในการต่อสู้เพื่อความเชื่อและความปรารถนา กาแล็กซี่ของนักประพันธ์เพลงที่มีชื่อเสียงปรากฏขึ้น: Maurice Ravel (Maurice Ravel), Jean-Philippe Rameau (Jean-Philippe Rameau), Claude Joseph Rouget de Lisle (Claude Joseph Rouget de Lisle), (1760-1836) วิศวกรทหารชาวฝรั่งเศสกวีและ นักแต่งเพลง. เขาเขียนเพลงสวดเพลงรัก ในปี ค.ศ. 1792 เขาได้แต่งเพลง "La Marseillaise" ซึ่งต่อมาได้กลายเป็นเพลงชาติของฝรั่งเศส

เพลงชาติฝรั่งเศส.

Glück Christoph Willibald (1714-1787) เป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส - เยอรมันที่มีชื่อเสียง กิจกรรมที่รุ่งโรจน์ที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับฉากโอเปร่าในกรุงปารีสซึ่งเขาเขียนผลงานที่ดีที่สุดของเขาด้วยคำพูดภาษาฝรั่งเศส ดังนั้นชาวฝรั่งเศสจึงถือว่าเขาเป็นนักแต่งเพลงชาวฝรั่งเศส โอเปร่ามากมายของเขา: "Artaserse", "Demofonte", "Fedra" และอื่น ๆ มอบให้ในมิลาน, ตูริน, เวนิส, เครโมนา หลังจากได้รับคำเชิญไปลอนดอน Gluck ได้เขียนโอเปร่าสองเรื่องสำหรับโรงละคร Hay-Market: "La Caduta de Giganti" (1746) และ "Artamene" และ Opera potpourri (pasticcio) "Pyram"

ทำนองจากโอเปร่า "Orpheus and Eurydice"

ในศตวรรษที่ 19 - นักแต่งเพลง Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel และคนอื่น ๆ

ในศตวรรษที่ 20 นักแสดงมืออาชีพตัวจริงปรากฏตัวขึ้น พวกเขาคือผู้สร้างเพลงฝรั่งเศสที่มีชื่อเสียง สร้างทิศทางของเพลงแชนซันเนียร์ฝรั่งเศสทั้งหมด วันนี้ชื่อของพวกเขาโดดเด่นกว่าเวลาและแฟชั่น เหล่านี้คือ Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis พวกเขาทั้งหมดเป็นที่รู้จักสำหรับเพลงโคลงสั้น ๆ ที่สวยงามซึ่งไม่เพียงชนะใจผู้ชมในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงประเทศอื่น ๆ ด้วย หลายคนได้รับการคุ้มครองโดยนักแสดงคนอื่น

การเรียนรู้การเล่นเครื่องดนตรีเป็นหนึ่งในสิ่งที่เจ๋งที่สุดที่คุณเคยทำ ไม่ว่าคุณจะเพิ่งเลิกเรียนและตัดสินใจว่าอยากจะเล่นเป็นวงดนตรี หรือตัดสินใจที่จะเรียนรู้วิธีเล่นดนตรีตั้งแต่ตอนนี้ที่เด็กๆ โตขึ้น มันก็สนุกและคุ้มค่าและเป็นสิ่งที่ต้องทำ หากคุณไม่รู้ว่าคุณอยากเล่นอะไร แสดงว่าคุณอยู่ในสภาพที่ดี นั่นหมายความว่าทุกอย่างเป็นไปได้สำหรับคุณ! ดูขั้นตอนที่ 1 สำหรับเคล็ดลับที่เป็นประโยชน์ในการเลือกเครื่องมือที่เหมาะสม

ขั้นตอน

เลือกจากความหลากหลาย

เริ่มด้วยเปียโนเปียโนเป็นเครื่องมือเริ่มต้นทั่วไปเพราะเห็นเพลงได้ง่าย ดนตรี เปียโน และคีย์บอร์ดที่ใช้กันทั่วไปในหลายๆ วัฒนธรรมและสไตล์เป็นตัวเลือกที่ดี หากคุณต้องการเรียนรู้เครื่องดนตรีไม่ว่าอายุของคุณจะเป็นอย่างไร ตัวเลือกเปียโนที่คุณสามารถเพิ่มลงในละครของคุณในภายหลังอาจรวมถึง:

• ออร์แกน
• หีบเพลง
• เครื่องสังเคราะห์เสียง
• ฮาร์ปซิคอร์ด
• ฮาร์โมเนียม

โยกตัวไปกับกีตาร์ตั้งแต่คลาสสิกไปจนถึงเมทัล การเรียนรู้การเล่นกีตาร์เปิดประตูสู่สไตล์ดนตรีใหม่ๆ กีตาร์มีผลกระทบต่อวัฒนธรรมป๊อปมากกว่าเครื่องดนตรีอื่นๆ และได้กลายเป็นตัวเลือกยอดนิยมสำหรับผู้เริ่มต้นทั่วโลก เลือกกีตาร์โปร่งเพื่อพกพา หรือลองเล่นกีตาร์ไฟฟ้าเพื่อเริ่มเล่นตลกกับเพื่อนบ้านและเล่นสำนวนชวนหัว เมื่อคุณเชี่ยวชาญพื้นฐานการเล่นกีตาร์แล้ว คุณสามารถเพิ่มเครื่องดนตรีอื่นๆ จากบริษัทหกสายได้:

• เบสกีตาร์
• แมนโดลิน
• แบนโจ
• ขิม

เพลงฝรั่งเศสที่เราได้ยินนั้นมีรากฐานที่ลึกซึ้ง ปรากฏจากศิลปะพื้นบ้านของชาวนาและชาวเมือง บทกวีทางศาสนาและอัศวิน จากประเภทการเต้นรำ การก่อตัวของดนตรีขึ้นอยู่กับยุคสมัย ความเชื่อของเซลติกและต่อมาตามประเพณีระดับภูมิภาคของจังหวัดในฝรั่งเศสและประชาชนใกล้เคียง ก่อให้เกิดท่วงทำนองและแนวเพลงพิเศษที่มีอยู่ในเสียงดนตรีของฝรั่งเศส

ดนตรีของชาวเคลต์

ชาวกอลซึ่งเป็นชาวเซลติกที่ใหญ่ที่สุด สูญเสียภาษาไปโดยการพูดภาษาละติน แต่ได้รับประเพณีทางดนตรี การเต้นรำ มหากาพย์และเครื่องดนตรีของชาวเซลติก: ขลุ่ย ปี่ ปี่ ไวโอลิน พิณ มีการขับร้องดนตรีแบบ Gallic และเชื่อมโยงกับบทกวีอย่างแยกไม่ออก เสียงของจิตวิญญาณและการแสดงออกของอารมณ์ถูกถ่ายทอดโดยกวีพเนจร พวกเขารู้จักเพลงมากมาย เป็นเจ้าของเสียง และรู้วิธีเล่น และยังใช้ดนตรีในพิธีกรรมลึกลับอีกด้วย ในนิทานพื้นบ้านฝรั่งเศสรู้จักงานดนตรี 2 เวอร์ชัน: บัลลาดและเนื้อเพลง - กวีนิพนธ์พื้นบ้านพร้อมคอรัสที่แทนที่ดนตรี เพลงทั้งหมดเขียนเป็นภาษาฝรั่งเศสแม้ว่าชาวฝรั่งเศสจะพูดภาษาถิ่นของตนเองก็ตาม ภาษาของฝรั่งเศสตอนกลางถือเป็นภาษาที่เคร่งขรึมและเป็นบทกวี

เพลงมหากาพย์

เพลงบัลลาดได้รับการยกย่องอย่างสูงในหมู่ประชาชน ตำนานชาวเยอรมันนำพรสวรรค์จากผู้คนมาเป็นพื้นฐานสำหรับเพลงในตำนานของพวกเขา ประเภทมหากาพย์ดำเนินการโดยนักเล่นปาหี่ - นักร้องลูกทุ่งซึ่งในฐานะนักประวัติศาสตร์ได้ดำเนินเหตุการณ์ในเพลง ต่อมา ประสบการณ์ทางดนตรีของเขาได้ส่งต่อไปยังนักร้องนักท่องเทียวยุคกลาง - นักร้อง นักดนตรี นักร้องประสานเสียง ในบรรดาเพลงในตำนานกลุ่มที่สำคัญคือเพลง - การร้องเรียนเป็นการตอบสนองต่อเหตุการณ์ที่น่าเศร้าหรือไม่ยุติธรรม เรื่องราวทางศาสนาหรือฆราวาสมักจะเป็นเรื่องน่าเศร้า โดยมีกุญแจสำคัญรองลงมา การร้องเรียนอาจเป็นเรื่องโรแมนติกหรือผจญภัย ซึ่งเนื้อเรื่องหลักกลายเป็นเรื่องราวความรักที่มีจุดจบที่น่าเศร้าหรือฉากแห่งความหลงใหล ซึ่งบางครั้งก็เต็มไปด้วยความโหดร้าย การร้องเรียนเรื่องเพลงแพร่กระจายลึกเข้าไปในหมู่บ้านและค่อยๆ กลายเป็นตัวการ์ตูนและเสียดสี ท่วงทำนองของการร้องทุกข์อาจเป็นเพลงสวดของโบสถ์หรือร้องเพลงในหมู่บ้าน - เรื่องยาวและหยุดชั่วคราว ตัวอย่างคลาสสิกของบทบรรยายคือ "Song of Reno" ซึ่งมีจังหวะใน C major ท่วงทำนองนั้นสงบและเคลื่อนไหว

สามารถฟังเพลงบัลลาดที่มีลวดลายเซลติกได้ในผลงานของ Nolwen Leroy นักร้องลูกทุ่งจาก Brittany อัลบั้มแรก "Breton" (2010) ฟื้นเพลงพื้นบ้าน เพลงบัลลาดคลาสสิกของร็อคโฟล์ก - "ตรียาน" ก็ได้ยินเช่นกัน เรื่องราวของกะลาสีธรรมดาและแฟนสาวของเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นมุกแห่งนิทานพื้นบ้าน กลุ่มก่อตั้งโดยนักดนตรีสามคนชื่อ Jean ในปี 1970 นอกจากนี้ยังมีการรายงานโดยใช้ชื่อกลุ่ม ซึ่งแปลมาจากภาษาเบรอตงว่า “three Jeans” เพลงบัลลาด "ในเรือนจำแห่งน็องต์" อีกเพลงหนึ่งเกี่ยวกับนักโทษที่หลบหนีด้วยความช่วยเหลือจากลูกสาวของผู้คุมเป็นที่นิยมและเป็นที่รู้จักทั่วประเทศฝรั่งเศส

เนื้อเพลงรัก

ในทุกรูปแบบของดนตรีพื้นบ้าน เรื่องราวความรักเกิดขึ้น ในมหากาพย์นี้เป็นเรื่องราวเกี่ยวกับความรักในฉากหลังของการทหารหรือเหตุการณ์ในชีวิตประจำวัน ในเพลงการ์ตูน นี่เป็นบทสนทนาที่น่าขัน โดยที่คู่สนทนาคนหนึ่งหัวเราะเยาะอีกฝ่าย ไม่มีหัวใจและคำอธิบายที่เป็นน้ำหนึ่งใจเดียวกัน เพลงเด็กร้องเพลงเกี่ยวกับงานแต่งงานของนก เพลงภาษาฝรั่งเศสที่ไพเราะในความหมายคลาสสิกคือเพลงอภิบาลที่โผล่ออกมาจากแนวเพลงในชนบทและย้ายไปอยู่ในบทเพลงของคณะนักร้องประสานเสียง ฮีโร่ของเธอเป็นคนเลี้ยงแกะและขุนนาง นักร้องในที่สาธารณะยังระบุเวลาและสถานที่ของการกระทำ โดยปกติแล้วจะเป็นธรรมชาติ ไร่องุ่นหรือสวน เพลงพื้นบ้านระดับภูมิภาคเกี่ยวกับความรักแตกต่างกันในโทนเสียง เพลงเบรอตงที่ละเอียดอ่อนมาก ท่วงทำนองที่จริงจังและตื่นเต้นพูดถึงความรู้สึกที่ประเสริฐ เพลงอัลไพน์บริสุทธิ์ ลื่นไหล เต็มไปด้วยอากาศบนภูเขา ในภาคกลางของฝรั่งเศส - "เพลงธรรมดา" ในสไตล์โรแมนติก โปรวองซ์และทางตอนใต้ของประเทศแต่งเพลงเซเรเนดซึ่งเป็นศูนย์กลางของคู่รักและหญิงสาวเปรียบได้กับดอกไม้หรือดวงดาว การร้องเพลงควบคู่ไปกับการเล่นกลองหรือไปป์ฝรั่งเศส กวีของ Troubadour แต่งเพลงของพวกเขาในภาษา Provence และร้องเพลงรักใคร่และการกระทำที่กล้าหาญ ในคอลเล็กชั่นเพลงพื้นบ้านของศตวรรษที่สิบห้า รวมเพลงตลกและเสียดสีมากมาย ในเนื้อเพลงรักไม่มีความหรูหราของเพลงฮิตของอิตาลีและสเปน แต่มีลักษณะเฉพาะของการประชด

ความเย้ายวนของเพลงพื้นบ้านมีบทบาทชี้ขาดและความรักในแนวเพลงนี้ก็แพร่กระจายไปยังผู้สร้างชานสันและยังคงอาศัยอยู่ในฝรั่งเศส

เสียดสีดนตรี

จิตวิญญาณของ Gallic แสดงออกในเรื่องตลกและในเพลง เต็มไปด้วยชีวิตและการเยาะเย้ย เป็นคุณลักษณะเฉพาะของเพลงฝรั่งเศส นิทานพื้นบ้านเมืองใกล้กับศิลปะพื้นบ้านมากเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 จากนั้นชาวปารีส chansonniers ซึ่งอาศัยอยู่ใกล้ Pont Neuf ร้องเพลงเกี่ยวกับปัญหาในปัจจุบัน แต่ที่นี่พวกเขาแลกเปลี่ยนข้อความของพวกเขา การตอบสนองต่อเหตุการณ์ทางสังคมต่าง ๆ ที่มีถ้อยคำเสียดสีกลายเป็นแฟชั่น เพลงลูกทุ่งที่คมชัดกำหนดการพัฒนาของคาบาเร่ต์

เพลงแดนซ์

ดนตรีแนวคลาสสิคยังได้แรงบันดาลใจจากผลงานของชาวนาอีกด้วย ท่วงทำนองพื้นบ้านสะท้อนให้เห็นในผลงานของนักประพันธ์เพลงชาวฝรั่งเศส - Berlioz, Saint-Saens, Bizet, Lully และอื่น ๆ อีกมากมาย การเต้นรำโบราณ - farandole, gavotte, rigodon, minuet และ bourre มีความเกี่ยวข้องกับดนตรีอย่างใกล้ชิดและการเคลื่อนไหวและจังหวะของพวกเขาขึ้นอยู่กับเพลง

• Farandoleปรากฏในยุคกลางตอนต้นทางตอนใต้ของฝรั่งเศสจากเพลงคริสต์มาส การเต้นรำมาพร้อมกับเสียงแทมบูรีนและขลุ่ยที่อ่อนโยน การเต้นรำของนกกระเรียนตามที่เรียกในภายหลังนั้นถูกเต้นรำในวันหยุดและงานเฉลิมฉลอง Farandole ฟังในชุด "Arlesian" ของ Bizet หลังจาก "March of the Three Kings"
• Gavotte- การเต้นรำแบบเก่าของชาวเทือกเขาแอลป์ - gavotes และใน Brittany เดิมทีเป็นการเต้นรำแบบวงกลมในวัฒนธรรมเซลติก มันถูกดำเนินการอย่างรวดเร็วตามหลักการของ "ก้าว - วางเท้าของคุณ" ไปที่ปี่ นอกจากนี้ เนื่องจากรูปแบบจังหวะของมัน มันจึงกลายเป็นซาลอนแดนซ์และกลายเป็นต้นแบบของมินิเอ็ท เป็นไปได้ที่จะได้ยิน gavotte ในการตีความที่แท้จริงในโอเปร่า Manon Lescaut
• ริกาดอน- การเต้นรำที่ร่าเริงของชาวนาโปรวองซ์กับดนตรีของไวโอลินการร้องเพลงและการตีไม้ที่ได้รับความนิยมในยุคบาโรก ขุนนางตกหลุมรักเขาเพราะความเบาและอารมณ์ของเขา
• Burre- การเต้นรำพื้นบ้านที่มีพลังด้วยการกระโดดที่เกิดขึ้นในภาคกลางของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 ในศตวรรษที่ 17 และ 18 การเต้นรำอันสง่างามของข้าราชบริพารเกิดขึ้นจากสภาพแวดล้อมพื้นบ้านของจังหวัดปัวตู มินูเอตมีลักษณะการเดินช้าๆ ด้วยก้าวเล็กๆ โค้งคำนับและโค้งคำนับ เพลงของ minuet แต่งขึ้นโดยฮาร์ปซิคอร์ดด้วยความเร็วที่เร็วกว่าการเคลื่อนไหวของนักเต้น

มีการแต่งเพลงและเพลงที่หลากหลาย - พื้นบ้าน, แรงงาน, วันหยุด, เพลงกล่อมเด็ก, เพลงนับ

การแสดงออกที่ทันสมัยในอัลบั้ม "Breton" ของ Leroy ได้รับการตอบรับจากท่วงทำนองเพลงพื้นบ้าน "Mare from Michaud" (La Jument de Michao) ต้นกำเนิดทางดนตรีของเธอคือการเต้นรำแบบกลม เพลงโฟล์กที่รวมอยู่ในอัลบั้มเบรอตงเขียนขึ้นสำหรับวันหยุดเฟสต์นอซและเพื่อระลึกถึงการเต้นรำพื้นบ้านและประเพณีเพลงของบริตตานี

เพลงฝรั่งเศสซึมซับคุณลักษณะทั้งหมดของวัฒนธรรมดนตรีพื้นบ้าน มันโดดเด่นด้วยความจริงใจและความสมจริงไม่มีองค์ประกอบเหนือธรรมชาติและปาฏิหาริย์อยู่ในนั้น และในสมัยของเราในฝรั่งเศสและในโลก นักร้องป๊อปชาวฝรั่งเศส ผู้สืบทอดประเพณีพื้นบ้านที่ดีที่สุด ได้รับความนิยมอย่างมาก

เครื่องดนตรีถูกออกแบบมาเพื่อผลิตเสียงต่างๆ หากนักดนตรีเล่นได้ดีเสียงเหล่านี้สามารถเรียกได้ว่าเป็นเพลงหากไม่ใช่เสียงขรม มีเครื่องมือมากมายที่การเรียนรู้พวกมันเหมือนกับเกมที่น่าตื่นเต้นที่แย่กว่า Nancy Drew! ในการฝึกฝนดนตรีสมัยใหม่ เครื่องดนตรีแบ่งออกเป็นคลาสและตระกูลต่างๆ ตามแหล่งที่มาของเสียง วัสดุในการผลิต วิธีการผลิตเสียง และคุณสมบัติอื่นๆ

เครื่องดนตรีลม (aerophones): กลุ่มเครื่องดนตรีที่มีแหล่งกำเนิดเสียงคือการสั่นสะเทือนของคอลัมน์อากาศในถัง (หลอด) โดยจำแนกตามเกณฑ์หลายประการ (ตามวัสดุ การออกแบบ วิธีการผลิตเสียง ฯลฯ) ในวงดุริยางค์ซิมโฟนี เครื่องดนตรีประเภทลมแบ่งออกเป็นไม้ (ฟลุต โอโบ คลาริเน็ต บาสซูน) และทองเหลือง (ทรัมเป็ต แตร ทรอมโบน ทูบา)

1. ขลุ่ย - เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ ขลุ่ยขวางแบบสมัยใหม่ (พร้อมวาล์ว) ถูกคิดค้นโดยอาจารย์ชาวเยอรมัน T. Bem ในปี 1832 และมีหลายแบบ: ขลุ่ยขนาดเล็ก (หรือปิคโคโล) อัลโตและเบสฟลุต

2. โอโบ - เครื่องดนตรีกก เป่าลมไม้ รู้จักกันมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 พันธุ์: โอโบขนาดเล็ก, โอโบ d "ความรัก, เขาอังกฤษ, แฮ็คเคลโฟน

3. คลาริเน็ต - เครื่องดนตรีไม้กก ออกแบบตั้งแต่แรกเริ่ม ศตวรรษที่ 18 ในทางปฏิบัติสมัยใหม่มักใช้คลาริเน็ตโซปราโน, ปิคโคโลคลาริเน็ต (ปิคโคโลอิตาลี), อัลโต (เรียกว่าเบสฮอร์น), เบสคลาริเน็ตมักใช้

4. Bassoon - เครื่องดนตรีประเภทเครื่องเป่าลมไม้ (ส่วนใหญ่เป็นวงดนตรี) เกิดขึ้นที่ชั้น 1 ศตวรรษที่ 16 วาไรตี้เบสคือคอนทราบาสซูน

5. ทรัมเป็ต - เครื่องดนตรีปากเป่าทองเหลืองที่รู้จักกันมาตั้งแต่สมัยโบราณ ท่อวาวล์ชนิดทันสมัยได้รับการพัฒนาเพื่อรองรับ ศตวรรษที่ 19

6. ฮอร์น - เครื่องดนตรีประเภทลม ปรากฏขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 อันเป็นผลมาจากการปรับปรุงเขาล่าสัตว์ แตรชนิดทันสมัยพร้อมวาล์วถูกสร้างขึ้นในช่วงไตรมาสแรกของศตวรรษที่ 19

7. ทรอมโบน - เครื่องดนตรีลมทองเหลือง (ส่วนใหญ่เป็นวงออเคสตรา) ซึ่งระดับเสียงถูกควบคุมโดยอุปกรณ์พิเศษ - หลังเวที (เรียกว่าทรอมโบนเลื่อนหรือซูกทรอมโบน) มีวาล์วทรอมโบนด้วย

8. ทูบาเป็นเครื่องดนตรีทองเหลืองที่เสียงต่ำที่สุด ออกแบบในปี 1835 ในประเทศเยอรมนี

เมทัลโลโฟนเป็นเครื่องดนตรีชนิดหนึ่งซึ่งมีองค์ประกอบหลักคือแป้นเพลทซึ่งถูกทุบด้วยค้อน

1. เครื่องดนตรีที่เปล่งเสียงได้เอง (ระฆัง ฆ้อง ไวบราโฟน ฯลฯ) ซึ่งเป็นแหล่งกำเนิดเสียงที่เป็นโลหะที่ยืดหยุ่นได้ สกัดเสียงด้วยค้อน แท่ง กลองพิเศษ (ลิ้น)

2. เครื่องมือเช่นระนาดซึ่งแตกต่างจากแผ่นโลหะที่ทำจากโลหะ

เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสาย (คอร์โดโฟน): ตามวิธีการผลิตเสียง แบ่งออกเป็นประเภทโค้งคำนับ (เช่น ไวโอลิน เชลโล กิดแซก คีมันชา) ที่ดึงออกมา (พิณ พิณ กีตาร์ บาลาไลกา) เพอร์คัชชัน (ฉาบ) เพอร์คัชชัน คีย์บอร์ด (เปียโน), schipkovo - คีย์บอร์ด (ฮาร์ปซิคอร์ด)

1. ไวโอลิน - เครื่องดนตรีประเภทโค้งคำนับ 4 สาย สูงที่สุดในตระกูลไวโอลินซึ่งเป็นพื้นฐานของวงซิมโฟนีออร์เคสตราคลาสสิกและวงเครื่องสาย

2. เชลโล - เครื่องดนตรีของตระกูลไวโอลินของเบส-เทเนอร์รีจิสเตอร์ ปรากฏในศตวรรษที่ 15-16 ตัวอย่างคลาสสิกถูกสร้างขึ้นโดยผู้เชี่ยวชาญชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 17-18: A. และ N. Amati, J. Guarneri, A. Stradivari

3. Gidzhak - เครื่องดนตรีโค้งคำนับ (ทาจิกิสถาน, อุซเบก, เติร์กเมนิสถาน, อุยกูร์)

4. Kemancha (kamancha) - เครื่องดนตรีโค้งคำนับ 3-4 สาย เผยแพร่ในอาเซอร์ไบจาน อาร์เมเนีย จอร์เจีย ดาเกสถาน ตลอดจนประเทศในตะวันออกกลางและตะวันออกใกล้

5. พิณ (จาก German Harfe) - เครื่องดนตรีแบบดึงหลายสาย ภาพแรก - ในสหัสวรรษที่สามก่อนคริสต์ศักราช ในรูปแบบที่ง่ายที่สุด พบได้ในแทบทุกคน พิณเหยียบสมัยใหม่ถูกประดิษฐ์ขึ้นในปี 1801 โดย S. Erard ในฝรั่งเศส

6. Gusli - เครื่องดนตรีประเภทเครื่องสายรัสเซีย Pterygoid gusli ("เปล่งออกมา") มีสตริง 4-14 หรือมากกว่า, รูปทรงหมวก - 11-36, สี่เหลี่ยม (รูปโต๊ะ) - สาย 55-66

7. กีตาร์ (กีตาร์สเปนจากภาษากรีก cithara) - เครื่องสายแบบลูท เป็นที่รู้จักในสเปนตั้งแต่ศตวรรษที่ 13 และในศตวรรษที่ 17 และ 18 ได้แพร่กระจายไปยังประเทศต่างๆ ในยุโรปและอเมริกา รวมทั้งในฐานะเครื่องดนตรีพื้นบ้าน ตั้งแต่ศตวรรษที่ 18 กีตาร์ 6 สายได้กลายเป็นเรื่องธรรมดา กีตาร์ 7 สายเริ่มแพร่หลายในรัสเซียเป็นหลัก พันธุ์รวมถึงอูคูเลเล่ที่เรียกว่า; ในเพลงป๊อปสมัยใหม่ กีตาร์ไฟฟ้าถูกนำมาใช้

8. บาลาไลก้า - เครื่องดนตรี 3 สายแบบพื้นบ้านรัสเซีย รู้ตั้งแต่แรก ศตวรรษที่ 18 ดีขึ้นในทศวรรษที่ 1880 (ภายใต้การดูแลของ V.V. Andreev) V.V. Ivanov และ F.S. Paserbsky ผู้ออกแบบตระกูล balalaikas ต่อมา - S.I. Nalimov

9. ฉาบ (ฉิ่งโปแลนด์) - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันแบบหลายสายที่มีต้นกำเนิดในสมัยโบราณ พวกเขาเป็นส่วนหนึ่งของวงออเคสตราพื้นบ้านของฮังการี โปแลนด์ โรมาเนีย เบลารุส ยูเครน มอลโดวา ฯลฯ

10. เปียโน (อิตาลี fortepiano จากมือขวา - ดังและเปียโน - เงียบ) - ชื่อทั่วไปของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่มีการกระทำของค้อน (เปียโน, เปียโน) Pianoforte ถูกประดิษฐ์ขึ้นในตอนเริ่มต้น ศตวรรษที่ 18 ลักษณะที่ปรากฏของเปียโนสมัยใหม่ - กับสิ่งที่เรียกว่า การซ้อมสองครั้ง - หมายถึงยุค 1820 ความมั่งคั่งของการแสดงเปียโน - ศตวรรษที่ 19-20

11. Harpsichord (French clavecin) - เครื่องดนตรีที่ดึงคีย์บอร์ดแบบเครื่องสายซึ่งเป็นบรรพบุรุษของเปียโน รู้จักกันมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 มีฮาร์ปซิคอร์ดที่มีรูปร่าง หลายประเภท และหลายพันธุ์ รวมทั้งเจมบาโล เวอร์จินเนล สปิเน็ท คลาวิซิเทอเรียม

เครื่องดนตรีคีย์บอร์ด: กลุ่มเครื่องดนตรีที่รวมกันเป็นหนึ่งโดยคุณสมบัติทั่วไป - การมีอยู่ของกลไกคีย์บอร์ดและคีย์บอร์ด พวกเขาแบ่งออกเป็นคลาสและประเภทต่าง ๆ เครื่องดนตรีคีย์บอร์ดรวมกับหมวดหมู่อื่นๆ

1. เครื่องสาย (เครื่องเคาะและคีย์บอร์ดแบบดึง): เปียโน เซเลสตา ฮาร์ปซิคอร์ด และรูปแบบต่างๆ

2. ลม (คีย์บอร์ดลมและกก): ออร์แกนและพันธุ์ของมัน, ฮาร์โมเนียม, หีบเพลงปุ่ม, หีบเพลง, เมโลดี้

3. ระบบเครื่องกลไฟฟ้า: เปียโนไฟฟ้า, คลาวิเน็ต

4. อิเล็กทรอนิกส์: เปียโนไฟฟ้า

Pianoforte (อิตาลี fortepiano จากมือขวา - ดังและเปียโน - เงียบ) - ชื่อทั่วไปของเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดที่มีการกระทำของค้อน (เปียโน, เปียโน) มันถูกประดิษฐ์ขึ้นในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 ลักษณะที่ปรากฏของเปียโนสมัยใหม่ - กับสิ่งที่เรียกว่า การซ้อมสองครั้ง - หมายถึงยุค 1820 ความมั่งคั่งของการแสดงเปียโน - ศตวรรษที่ 19-20

เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน : กลุ่มเครื่องดนตรีที่ผสมผสานกันตามวิธีการผลิตเสียง-กระทบ แหล่งกำเนิดเสียงคือตัวที่เป็นของแข็ง เมมเบรน สตริง มีเครื่องดนตรีที่มีระดับเสียงที่แน่นอน (กลอง, ระฆัง, ระนาด) และระดับเสียงไม่แน่นอน (กลอง, แทมบูรีน, แคสทาเนต)

1. Timpani (timpani) (จากภาษากรีก polytaurea) - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่มีรูปร่างเป็นหม้อขนาดใหญ่ที่มีเมมเบรนซึ่งมักจับคู่ (nagara ฯลฯ ) แพร่หลายตั้งแต่สมัยโบราณ

2. ระฆัง - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันแบบออร์เคสตราที่ให้เสียงตัวเอง: ชุดแผ่นเสียงโลหะ

3. ระนาด (จากไซโล... และโทรศัพท์กรีก - เสียง, เสียง) - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชันที่เปล่งเสียงได้เอง ประกอบด้วยท่อนไม้หลายท่อนหลายท่อน

4. เครื่องดนตรีประเภทกลอง - เพอร์คัชชัน เมมเบรน พบได้หลากหลายในหลายชนชาติ

5. แทมบูรีน - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน บางครั้งก็มีจี้โลหะ

6. Castanetvas (สเปน: castanetas) - เครื่องดนตรีประเภทเพอร์คัชชัน แผ่นไม้ (หรือพลาสติก) ในรูปแบบของเปลือกหอยจับจ้องอยู่ที่นิ้ว

เครื่องดนตรีไฟฟ้า: เครื่องดนตรีที่สร้างเสียงโดยการสร้าง ขยาย และแปลงสัญญาณไฟฟ้า (โดยใช้อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์) พวกเขามีเสียงต่ำที่แปลกประหลาดพวกเขาสามารถเลียนแบบเครื่องมือต่างๆ เครื่องดนตรีไฟฟ้า ได้แก่ แดมิน เอมิริตัน กีต้าร์ไฟฟ้า ออร์แกนไฟฟ้า เป็นต้น

1. แดมิน - เครื่องดนตรีไฟฟ้าในประเทศเครื่องแรก ออกแบบโดย แอล.เอส. แธร์มิน ระยะพิทช์ในแดมินนั้นแตกต่างกันไปตามระยะห่างของมือขวาของนักแสดงถึงเสาอากาศอันใดอันหนึ่ง ระดับเสียง - จากระยะห่างของมือซ้ายถึงเสาอากาศอีกอันหนึ่ง

2. Emiriton - เครื่องดนตรีไฟฟ้าที่มีคีย์บอร์ดแบบเปียโน ออกแบบในสหภาพโซเวียตโดยนักประดิษฐ์ A. A. Ivanov, A. V. Rimsky-Korsakov, V. A. Kreutser และ V. P. Dzerzhkovich (รุ่นที่ 1 ในปี 1935)

3. กีต้าร์ไฟฟ้า - กีต้าร์ที่ทำจากไม้ โดยมีปิ๊กอัพไฟฟ้าที่เปลี่ยนการสั่นของสายโลหะเป็นแรงสั่นสะเทือนของกระแสไฟฟ้า ปิ๊กอัพแม่เหล็กตัวแรกถูกสร้างขึ้นโดยวิศวกรของ Gibson Lloyd Loer ในปี 1924 ที่พบมากที่สุดคือกีตาร์ไฟฟ้าหกสาย

วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสเริ่มก่อตัวขึ้นบนชั้นของเพลงพื้นบ้านที่เข้มข้น แม้ว่าบันทึกเพลงที่เชื่อถือได้ที่เก่าแก่ที่สุดที่รอดชีวิตมาจนถึงทุกวันนี้มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 15 แต่วัสดุทางวรรณกรรมและศิลปะระบุว่าตั้งแต่สมัยจักรวรรดิโรมัน ดนตรีและการร้องเพลงได้ครอบครองสถานที่สำคัญในชีวิตประจำวันของผู้คน

ดนตรีของคริสตจักรมาถึงดินแดนฝรั่งเศสพร้อมกับศาสนาคริสต์ แต่เดิมเป็นภาษาละติน ค่อยๆ เปลี่ยนไปตามอิทธิพลของดนตรีพื้นบ้าน คริสตจักรใช้วัสดุในการบูชาที่ชาวบ้านเข้าใจ ระหว่างศตวรรษที่ 5 ถึง 9 พิธีสวดแบบพิเศษที่พัฒนาขึ้นในกอล - พิธีกรรมของชาวกัลลิกันที่มีการร้องเพลงของชาวกัลลิกัน ในบรรดาผู้แต่งเพลงสวดของโบสถ์ Hilary of Poitiers มีชื่อเสียง พิธีกรรมของชาวกัลลิกันเป็นที่รู้จักจากแหล่งประวัติศาสตร์ ซึ่งบ่งชี้ว่าพิธีกรรมนี้แตกต่างอย่างมากจากพิธีกรรมของชาวโรมัน มันไม่รอดเพราะกษัตริย์ฝรั่งเศสยกเลิกมันโดยพยายามที่จะได้รับตำแหน่งจักรพรรดิจากโรมและคริสตจักรโรมันพยายามที่จะบรรลุการรวมกันของบริการของคริสตจักร

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9-12 “เพลงเกี่ยวกับการกระทำ” (chansons de geste) ได้รับการเก็บรักษาไว้

ดนตรีพื้นบ้าน

ในผลงานของนักดนตรีพื้นบ้านชาวฝรั่งเศสมีการพิจารณาเพลงพื้นบ้านหลายประเภท: โคลงสั้น ๆ, ความรัก, เพลงร้องเรียน (บ่น), เต้นรำ (rondes), เสียดสี, เพลงของช่างฝีมือ (chansons de metiers), ปฏิทินเช่นคริสต์มาส (ประสานเสียง); แรงงาน ประวัติศาสตร์ การทหาร ฯลฯ นิทานพื้นบ้านยังรวมถึงเพลงที่เกี่ยวข้องกับความเชื่อของชาวกัลลิกและเซลติก ในบรรดาประเภทโคลงสั้น ๆ สถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยศิษยาภิบาล (การทำให้เป็นอุดมคติของชีวิตในชนบท) รูปแบบของความรักที่ไม่สมหวังและการพรากจากกันมีอิทธิพลเหนือผลงานของเนื้อหาความรัก มีหลายเพลงที่อุทิศให้กับเด็ก ๆ - เพลงกล่อมเด็ก, เกม, นับเพลง (fr. comptines). แรงงาน (เพลงของคนเกี่ยวข้าว คนไถนา คนปลูกองุ่น ฯลฯ) เพลงของทหารและทหารเกณฑ์มีหลากหลาย กลุ่มพิเศษประกอบด้วยเพลงบัลลาดเกี่ยวกับสงครามครูเสด เพลงที่เผยให้เห็นถึงความโหดร้ายของขุนนางศักดินา กษัตริย์ และข้าราชบริพาร เพลงเกี่ยวกับการลุกฮือของชาวนา (นักวิจัยเรียกกลุ่มเพลงนี้ว่า "มหากาพย์แห่งประวัติศาสตร์ของฝรั่งเศส")

วัยกลางคน

เพลงคริสตจักร

ในช่วงยุคกลาง พัฒนาการของดนตรีในโบสถ์ได้รับการบันทึกไว้อย่างดีที่สุด รูปแบบของพิธีกรรมคริสเตียนในยุคต้นของ Gallican ถูกแทนที่ด้วยพิธีสวดแบบเกรกอเรียน การแพร่กระจายของบทสวดเกรกอเรียนในรัชสมัยของราชวงศ์การอแล็งเฌียง (751-987) เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของอารามเบเนดิกตินเป็นหลัก วัดคาทอลิกแห่งJumièges (บนแม่น้ำแซน เช่นเดียวกับในปัวตีเย, อาร์ลส์, ตูร์, ชาตร์ และเมืองอื่นๆ) กลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีในโบสถ์ เซลล์ของวัฒนธรรมดนตรีทางจิตวิญญาณและฆราวาสแบบมืออาชีพ เพื่อสอนให้นักเรียนร้องเพลงที่วัดหลายแห่ง จึงได้ก่อตั้งโรงเรียนสอนร้องเพลงพิเศษ (metrisas) พวกเขาสอนไม่เพียง แต่การร้องเพลงเกรกอเรียนเท่านั้น แต่ยังสอนการเล่นเครื่องดนตรีความสามารถในการอ่านดนตรี ในกลางคริสต์ศตวรรษที่ 9 สัญกรณ์ที่ไม่บังคับปรากฏขึ้นซึ่งการพัฒนาทีละน้อยซึ่งหลังจากผ่านไปหลายศตวรรษนำไปสู่การก่อตัวของโน้ตดนตรีสมัยใหม่

ในศตวรรษที่ 9 บทสวดเกรกอเรียนเต็มไปด้วยลำดับซึ่งในฝรั่งเศสเรียกอีกอย่างว่า ร้อยแก้ว. การสร้างแบบฟอร์มนี้เกิดจากพระ Notker จากอาราม St. Gallen (สวิตเซอร์แลนด์สมัยใหม่) อย่างไรก็ตาม Notker ระบุในคำนำของ "Book of Hymns" ว่าเขาได้รับข้อมูลเกี่ยวกับลำดับจากพระภิกษุจาก Jumièges Abbey ต่อจากนั้นผู้เขียนร้อยแก้วอดัมจาก Abbey of Saint-Victor (ศตวรรษที่ 12) และผู้สร้าง "Donkey Prose" ที่มีชื่อเสียง Pierre Corbeil (ต้นศตวรรษที่ 13) มีชื่อเสียงเป็นพิเศษในฝรั่งเศส นวัตกรรมอีกประการหนึ่งคือ tropes - แทรกกลางบทสวดเกรกอเรียน ผ่านพวกเขา เพลงฆราวาสเริ่มแทรกซึมเข้าไปในเพลงของคริสตจักร

ตั้งแต่วันที่ 10 ค. ในลิโมจส์, ตูร์และเมืองอื่น ๆ ในส่วนลึกของการบริการอันศักดิ์สิทธิ์เองละครเกี่ยวกับพิธีกรรมปรากฏขึ้นซึ่งเกิดจากบทสนทนาที่มี "คำถาม" และ "คำตอบ" ทางเลือกของคณะนักร้องประสานเสียงสองกลุ่ม ละครเกี่ยวกับพิธีกรรมค่อยๆ เคลื่อนห่างจากลัทธิมากขึ้นเรื่อยๆ (พร้อมกับภาพจากพระวรสาร มีตัวละครที่สมจริงด้วย)

ตั้งแต่สมัยโบราณ เพลงพื้นบ้านมีลักษณะเป็นพหุเสียง ขณะที่บทสวดเกรกอเรียนถูกสร้างขึ้นเป็นเพลงโมโนโฟนิก ในศตวรรษที่ 9 องค์ประกอบของโพลีโฟนีก็เริ่มแทรกซึมเข้าไปในเพลงของคริสตจักร ในคู่มือศตวรรษที่ 9 เกี่ยวกับออร์แกนโพลีโฟนีถูกเขียนขึ้น พระ Gukbald จาก Saint-Aman ใกล้ Tournai ใน Flanders ถือเป็นผู้เขียนที่เก่าแก่ที่สุด รูปแบบโพลีโฟนิกที่พัฒนาขึ้นในดนตรีของคริสตจักรนั้นแตกต่างจากการฝึกฝนดนตรีพื้นบ้าน

เพลงฆราวาส

นอกเหนือจากดนตรีลัทธิแล้ว ดนตรีฆราวาสก็พัฒนาขึ้นซึ่งฟังในชีวิตพื้นบ้านที่ราชสำนักของกษัตริย์แฟรงก์ในปราสาทของขุนนางศักดินา ผู้ให้บริการของประเพณีดนตรีพื้นบ้านของยุคกลางส่วนใหญ่เป็นนักดนตรีที่เดินทาง - นักเล่นปาหี่ซึ่งเป็นที่นิยมมากในหมู่ประชาชน พวกเขาร้องเพลงที่มีคุณธรรม ตลกขบขัน เสียดสี เต้นรำไปกับเครื่องดนตรีต่าง ๆ รวมถึงแทมบูรีน กลอง ขลุ่ย เครื่องดนตรีที่ถอนออกคล้ายลูท (สิ่งนี้มีส่วนในการพัฒนาดนตรีบรรเลง) นักเล่นปาหี่แสดงในวันหยุดในหมู่บ้านที่ศาลศักดินาและแม้แต่ในอาราม (พวกเขาเข้าร่วมในพิธีกรรมบางอย่างขบวนการแสดงที่อุทิศให้กับวันหยุดของโบสถ์เรียกว่า แคโรล). พวกเขาถูกคริสตจักรข่มเหงในฐานะตัวแทนของวัฒนธรรมทางโลกที่เป็นปรปักษ์กับมัน ในศตวรรษที่ 12-13 ในหมู่นักเล่นปาหี่มีการแบ่งชั้นทางสังคม บางคนตั้งรกรากอยู่ในปราสาทของอัศวิน ตกอยู่ภายใต้การพึ่งพาอัศวินศักดินาโดยสิ้นเชิง คนอื่นๆ อยู่ในเมือง ดังนั้นนักเล่นปาหี่ที่สูญเสียอิสระในการสร้างสรรค์จึงกลายเป็นนักดนตรีในปราสาทของอัศวินและนักดนตรีในเมือง อย่างไรก็ตาม กระบวนการนี้ในขณะเดียวกันก็มีส่วนช่วยในการแทรกซึมของศิลปะพื้นบ้านเข้าไปในปราสาทและเมืองต่างๆ ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของศิลปะดนตรีและกวีนิพนธ์ของอัศวินและคนเมือง

ในยุคของยุคกลางตอนปลาย ในการเชื่อมต่อกับวัฒนธรรมฝรั่งเศสที่เพิ่มขึ้นโดยทั่วไป ศิลปะของดนตรีเริ่มพัฒนาอย่างเข้มข้น ในปราสาทศักดินา บนพื้นฐานของดนตรีพื้นบ้าน ศิลปะทางโลกดนตรีและกวีนิพนธ์ของนักปราชญ์และนักเล่นละครมีความเจริญรุ่งเรือง (ศตวรรษที่ 11-14) ที่มีชื่อเสียงในหมู่นักร้องคือ Markabrun, Guillaume IX - Duke of Aquitaine, Bernard de Ventadorne, Geoffre Rudel (ปลายศตวรรษที่ 11-12), Bertrand de Born, Giraut de Borneil, Giraut Riquier (ปลายศตวรรษที่ 12-13) ในชั้น 2 ค. ในพื้นที่ภาคเหนือของประเทศมีแนวโน้มที่คล้ายกันเกิดขึ้น - ศิลปะของคณะซึ่งในตอนแรกเป็นอัศวินและจากนั้นมาบรรจบกับศิลปะพื้นบ้านมากขึ้นเรื่อย ๆ ในบรรดา Trouvers พร้อมด้วยราชาขุนนาง - Richard the Lionheart, Thibault of Champagne (King of Navarre) ตัวแทนของชนชั้นประชาธิปไตยของสังคม - Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Mony และคนอื่น ๆ - ต่อมาได้รับชื่อเสียง

ในการเชื่อมต่อกับการเติบโตของเมืองต่างๆ เช่น Arras, Limoges, Montpellier, Toulouse เป็นต้น ศิลปะดนตรีในเมืองได้พัฒนาขึ้นในช่วงศตวรรษที่ 12-13 โดยผู้สร้างคือกวี-นักร้องจากที่ดินในเมือง (ช่างฝีมือ พลเมืองธรรมดา และ นอกจากนี้ ชนชั้นนายทุน) . พวกเขาแนะนำลักษณะเฉพาะของตนเองในศิลปะของนักร้องและนักเล่นละคร โดยย้ายออกจากภาพทางดนตรีและบทกวีที่กล้าหาญอย่างสูงส่ง การเรียนรู้ธีมพื้นบ้านและชีวิตประจำวัน สร้างสไตล์ที่มีลักษณะเฉพาะ แนวเพลงของพวกเขาเอง ต้นแบบที่โดดเด่นที่สุดของวัฒนธรรมดนตรีในเมืองแห่งศตวรรษที่ 13 คือกวีและนักแต่งเพลง Adam de la Halle ผู้แต่งเพลง motets และนอกจากนี้บทละครที่เคยโด่งดังเรื่อง "The Game of Robin and Marion" (c. 1283), อิ่มตัวด้วยเพลงเมือง, การเต้นรำ ( ความคิดในการสร้างการแสดงละครฆราวาสที่เต็มไปด้วยดนตรีนั้นผิดปกติอยู่แล้ว). เขาตีความแนวดนตรีและบทกวีที่เป็นเอกฉันท์แบบดั้งเดิมของคณะนักร้องประสานเสียงในรูปแบบใหม่โดยใช้การประสานเสียง

โรงเรียนนอเทรอดาม

มากกว่า: โรงเรียนนอเทรอดาม

การเสริมสร้างความสำคัญทางเศรษฐกิจและวัฒนธรรมของเมือง การก่อตั้งมหาวิทยาลัย (รวมถึงมหาวิทยาลัยปารีสเมื่อต้นศตวรรษที่ 13) โดยที่ดนตรีเป็นวิชาบังคับอย่างหนึ่ง (ส่วนหนึ่งของ quadrivium) มีส่วนสนับสนุนการเสริมบทบาท ของดนตรีเป็นศิลปะ ในศตวรรษที่ 12 ปารีสได้กลายเป็นหนึ่งในศูนย์กลางของวัฒนธรรมดนตรี และที่สำคัญที่สุดคือ Singing School of Notre Dame Cathedral ซึ่งรวบรวมปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด - นักร้อง นักแต่งเพลง และนักวิทยาศาสตร์ ความเจริญรุ่งเรืองในศตวรรษที่ 12-13 เกี่ยวข้องกับโรงเรียนแห่งนี้ ลัทธิโพลิโฟนี, การเกิดขึ้นของแนวดนตรีใหม่, การค้นพบในด้านทฤษฎีดนตรี

ในงานของคีตกวีของโรงเรียน Notre Dame บทสวดเกรกอเรียนได้รับการเปลี่ยนแปลง: บทสวดแบบยืดหยุ่นก่อนหน้านี้ไม่มีจังหวะและมีความสม่ำเสมอมากขึ้น (ด้วยเหตุนี้จึงเป็นชื่อของบทสวดดังกล่าว แคนทัส พลานัส). ความซับซ้อนของผ้าโพลีโฟนิกและโครงสร้างจังหวะจำเป็นต้องมีการกำหนดระยะเวลาที่แน่นอนและการปรับปรุงสัญกรณ์ ด้วยเหตุนี้ ตัวแทนของโรงเรียนในปารีสจึงค่อยๆ เข้ามาแทนที่หลักคำสอนของโหมดด้วยสัญกรณ์บุรุษ ผลงานที่สำคัญในทิศทางนี้ทำโดยนักดนตรี John de Garlandia

Polyphony ก่อให้เกิดแนวเพลงใหม่ ๆ ของคริสตจักรและดนตรีฆราวาสรวมถึงความประพฤติและ motet เดิมทีความประพฤตินั้นปฏิบัติกันเป็นส่วนใหญ่ในช่วงการนมัสการในคริสตจักร แต่ในขณะเดียวกันก็กลายเป็นประเภทฆราวาสล้วนๆ ในเวลาต่อมา ในบรรดาผู้เขียนพฤติกรรมคือ Perotin

ขึ้นอยู่กับตัวนำเมื่อปลายศตวรรษที่ 12 ในฝรั่งเศสประเภทที่สำคัญที่สุดของเพลงโพลีโฟนิกคือ motet ตัวอย่างแรกยังเป็นของอาจารย์ของโรงเรียนในปารีส (Perotin, Franco of Cologne, Pierre de la Croix) Motet อนุญาตให้มีอิสระในการรวมท่วงทำนองและข้อความเกี่ยวกับพิธีกรรมและฆราวาส ซึ่งเป็นการผสมผสานที่นำไปสู่การเกิดในศตวรรษที่ 13 ล้อเล่น motet ประเภท motet ได้รับการปรับปรุงที่สำคัญในศตวรรษที่ 14 ภายใต้เงื่อนไขของทิศทาง ars novaซึ่งนักอุดมการณ์คือ Philippe de Vitry

ในศิลปะของ ars nova ความสำคัญอย่างยิ่งต่อปฏิสัมพันธ์ของดนตรี "ในชีวิตประจำวัน" และ "วิทยาศาสตร์" (นั่นคือ เพลงและโมเต็ต) Philippe de Vitry ได้สร้าง motet ชนิดใหม่ - the isorhythmic motet นวัตกรรมของ Philippe de Vitry ยังส่งผลต่อหลักคำสอนเรื่องความสอดคล้องและไม่สอดคล้องกัน (เขาประกาศพยัญชนะสามและหก)

แนวความคิดของอาร์สโนวาและโดยเฉพาะอย่างยิ่ง โมเต็ตไอโซริทึมยังคงพัฒนาต่อไปในผลงานของ Guillaume de Machaux ซึ่งผสมผสานความสำเร็จทางศิลปะของศิลปะดนตรีและกวีอัศวินเข้ากับเพลงเอกฉันท์และวัฒนธรรมดนตรีโพลีโฟนิกในเมือง เขาเป็นเจ้าของเพลงที่มีโกดังพื้นบ้าน (เลย์), virele, rondo เขายังพัฒนาแนวเพลงโพลีโฟนิกเป็นครั้งแรก ในโมเท็ต Machaux ใช้เครื่องดนตรีอย่างสม่ำเสมอมากกว่ารุ่นก่อนของเขา Macheud ยังถือว่าเป็นผู้แต่ง French Polyphonic Mass ครั้งแรก (1364)

เรเนซองส์

อ่านเพิ่มเติม: French Renaissance

ในศตวรรษที่ 15 ในช่วงสงครามร้อยปี ตำแหน่งผู้นำในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 15 ครอบครองโดยตัวแทนของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิช (ดัตช์) คีตกวีที่โดดเด่นที่สุดของโรงเรียนโพลีโฟนิกชาวดัตช์ทำงานในฝรั่งเศสเป็นเวลาสองศตวรรษ: ตรงกลาง ค. - J. Benchois, G. Dufay ที่ชั้น 2 ค. - J. Okegem, J. Obrecht, ใน con. 15 - ขอ ศตวรรษที่ 16 - Josquin Despres ชั้น 2 ศตวรรษที่ 16 - ออร์ลันโด ดิ ลาสโซ

ปลายศตวรรษที่ 15 ในฝรั่งเศสวัฒนธรรมของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้ก่อตั้งขึ้น การพัฒนาวัฒนธรรมฝรั่งเศสได้รับผลกระทบจากปัจจัยต่างๆ เช่น การเกิดขึ้นของชนชั้นนายทุน (ศตวรรษที่ 15) การต่อสู้เพื่อการรวมชาติของฝรั่งเศส (ซึ่งแล้วเสร็จในปลายศตวรรษที่ 15) และการสร้างรัฐที่รวมศูนย์ การพัฒนาศิลปะพื้นบ้านอย่างต่อเนื่องและกิจกรรมของคีตกวีของโรงเรียนฝรั่งเศส-เฟลมิชก็มีความสำคัญเช่นกัน

บทบาทของดนตรีในชีวิตสังคมกำลังเติบโตขึ้น กษัตริย์ฝรั่งเศสสร้างโบสถ์ขนาดใหญ่ที่ศาล จัดเทศกาลดนตรี ราชสำนักกลายเป็นศูนย์กลางของศิลปะระดับมืออาชีพ บทบาทของโบสถ์ในศาลมีความเข้มแข็ง ในปี ค.ศ. 1581 พระเจ้าเฮนรีที่ 3 ได้อนุมัติตำแหน่ง "หัวหน้าผู้ควบคุมดนตรี" ที่ศาล คนแรกที่ดำรงตำแหน่งนี้คือนักไวโอลินชาวอิตาลีชื่อ Baltazarini de Belgioso นอกจากราชสำนักและโบสถ์แล้ว ร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงยังเป็นศูนย์กลางที่สำคัญของศิลปะดนตรีอีกด้วย

ความมั่งคั่งของยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เกี่ยวข้องกับการก่อตัวของวัฒนธรรมประจำชาติของฝรั่งเศสตกอยู่ในช่วงกลางศตวรรษที่ 16 ในเวลานี้เพลงโพลีโฟนิกทางโลก - ชานสัน - กลายเป็นแนวศิลปะที่โดดเด่นของมืออาชีพ สไตล์โพลีโฟนิกของเธอได้รับการตีความใหม่ซึ่งสอดคล้องกับแนวคิดของนักมนุษยนิยมชาวฝรั่งเศส - Rabelais, Clement Marot, Pierre de Ronsard นักเขียนเพลงชานสันชั้นนำในยุคนี้ถือเป็น Clement Janequin ผู้เขียนเพลงโพลีโฟนิกมากกว่า 200 เพลง Chansons มีชื่อเสียงไม่เพียงแต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในต่างประเทศด้วย ส่วนใหญ่เกิดจากโน้ตดนตรีและความสัมพันธ์ที่แน่นแฟ้นระหว่างประเทศในยุโรป

ในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา บทบาทของดนตรีบรรเลงเพิ่มขึ้น วิโอลา ลูท กีตาร์ ไวโอลิน (เป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน) ถูกนำมาใช้อย่างแพร่หลายในชีวิตดนตรี แนวเพลงบรรเลงแทรกซึมทั้งดนตรีประจำวันและดนตรีระดับมืออาชีพ บางส่วนเป็นเพลงของคริสตจักร การเต้นรำแบบ Lute โดดเด่นในหมู่เพลงที่โดดเด่นในศตวรรษที่ 16 โพลีโฟนิกทำงานโดยปั้นเป็นจังหวะ, องค์ประกอบคล้ายคลึงกัน, ความโปร่งใสของพื้นผิว ลักษณะเฉพาะคือการผสมผสานระหว่างการเต้นรำตั้งแต่สองคนขึ้นไปตามหลักการของความแตกต่างของจังหวะเป็นวัฏจักรที่แปลกประหลาดซึ่งกลายเป็นพื้นฐานของชุดเต้นรำในอนาคต เพลงออร์แกนยังได้รับความสำคัญที่เป็นอิสระมากขึ้น การเกิดขึ้นของโรงเรียนออร์แกนในฝรั่งเศส (ปลายศตวรรษที่ 16) เกี่ยวข้องกับงานของนักออร์แกน J. Titluz

ในปี ค.ศ. 1570 Jean-Antoine de Baif ได้ก่อตั้ง Academy of Poetry and Music สมาชิกของสถาบันการศึกษานี้พยายามที่จะรื้อฟื้นระบบการวัดทางกวี-ดนตรีในสมัยโบราณ และปกป้องหลักการของความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีและบทกวีที่แยกออกไม่ได้

ชั้นสำคัญในวัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 16 เป็นเพลงของพวกฮิวเกนอต เพลงของ Huguenot ใช้ท่วงทำนองของเพลงประจำบ้านและเพลงพื้นบ้านยอดนิยม โดยนำมาปรับใช้กับข้อความพิธีกรรมภาษาฝรั่งเศสที่แปล ต่อมาไม่นาน การต่อสู้ทางศาสนาในฝรั่งเศสก่อให้เกิดบทเพลงสรรเสริญของ Huguenot ด้วยลักษณะเฉพาะของทำนองที่ถ่ายทอดท่วงทำนองไปสู่เสียงระดับสูง และการปฏิเสธความซับซ้อนของโพลีโฟนิก คีตกวี Huguenot ที่ใหญ่ที่สุดที่แต่งเพลงสดุดีคือ Claude Goudimel, Claude Lejeune

การศึกษา

อ่านเพิ่มเติม: ยุคแห่งการตรัสรู้

ศตวรรษที่ 17

อิทธิพลอย่างมากต่อดนตรีฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 เกิดขึ้นจากสุนทรียศาสตร์ที่มีเหตุผลของลัทธิคลาสสิคซึ่งนำเสนอความต้องการของรสนิยมความสมดุลของความงามและความจริงความชัดเจนของความตั้งใจความกลมกลืนขององค์ประกอบ คลาสสิกซึ่งพัฒนาไปพร้อมกับสไตล์บาร็อคได้รับในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 การแสดงออกที่สมบูรณ์

ในเวลานี้ ดนตรีฆราวาสในฝรั่งเศสมีชัยเหนือจิตวิญญาณ ด้วยการก่อตั้งระบอบสมบูรณาญาสิทธิราชย์ ศิลปะในราชสำนักจึงมีความสำคัญอย่างยิ่ง ซึ่งกำหนดทิศทางของการพัฒนาแนวเพลงที่สำคัญที่สุดของดนตรีฝรั่งเศสในยุคนั้น - โอเปร่าและบัลเล่ต์ ปีแห่งรัชกาลของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 นั้นมีความสง่างามอย่างไม่ธรรมดาของชีวิตในราชสำนัก ความปรารถนาของชนชั้นสูงในเรื่องความหรูหราและความบันเทิงอันซับซ้อน ในเรื่องนี้ได้รับมอบหมายให้มีบทบาทอย่างมากในบัลเล่ต์ของศาล ในศตวรรษที่ 17 แนวโน้มของอิตาลีทวีความรุนแรงมากขึ้นในศาล ซึ่งพระคาร์ดินัลมาซารินอำนวยความสะดวกเป็นพิเศษ ความคุ้นเคยกับอุปรากรอิตาลีเป็นแรงผลักดันให้เกิดการสร้างอุปรากรแห่งชาติของตนเอง ประสบการณ์ครั้งแรกในพื้นที่นี้เป็นของเอลิซาเบธ แจ็กเกต์ เดอ ลา เกอร์เร (Triumph of Love, 1654)

ในปี ค.ศ. 1671 โรงอุปรากรชื่อ Royal Academy of Music เปิดขึ้นในปารีส หัวหน้าโรงละครแห่งนี้คือ J.B. Lully ซึ่งปัจจุบันเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนโอเปร่าแห่งชาติ Lully สร้างคอเมดี้บัลเลต์จำนวนหนึ่งซึ่งกลายเป็นบรรพบุรุษของประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ และต่อมา - โอเปร่าบัลเล่ต์ การมีส่วนร่วมของ Lully ในดนตรีบรรเลงเป็นสิ่งสำคัญ เขาสร้างประเภทของโอเปร่าฝรั่งเศส (คำนี้ก่อตั้งขึ้นในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในฝรั่งเศส) การเต้นรำจำนวนมากจากผลงานขนาดใหญ่ของเขา (minuet, gavotte, sarabande, ฯลฯ ) มีอิทธิพลต่อการพัฒนาของวงดนตรีออร์เคสตราต่อไป

ในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 - ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 คีตกวีเช่น N. A. Charpentier, A. Kampra, M. R. Delaland, A. K. Detouche เขียนให้โรงละคร ด้วยผู้สืบทอดของ Lully ธรรมเนียมปฏิบัติของรูปแบบการแสดงละครในศาลจึงเข้มข้นขึ้น ในโศกนาฏกรรมที่เป็นโคลงสั้น ๆ ด้านบัลเลต์ตกแต่งและแนวอภิบาลที่งดงามมาถึงเบื้องหน้าและจุดเริ่มต้นที่น่าทึ่งก็อ่อนแอลงมากขึ้นเรื่อย ๆ โศกนาฏกรรมโคลงสั้นเปิดทางให้โอเปร่าบัลเลต์

ในศตวรรษที่ 17 โรงเรียนสอนเครื่องมือต่าง ๆ ที่พัฒนาขึ้นในฝรั่งเศส - พิณ (D. Gautier ผู้มีอิทธิพลรูปแบบฮาร์ปซิคอร์ดของ J. A. Anglebert, J. Ch. de Chambonnière), ฮาร์ปซิคอร์ด (Chambonniere, L. Couperin), ไวโอลิน (M. ในฝรั่งเศสเขา แนะนำดับเบิลเบสในวงออเคสตราโอเปร่าแทนวิโอลาดับเบิลเบส) โรงเรียนฮาร์ปซิคอร์ดของฝรั่งเศสได้รับความสำคัญสูงสุด รูปแบบของฮาร์ปซิคอร์ดในยุคแรกได้รับการพัฒนาภายใต้อิทธิพลโดยตรงของศิลปะพิณ ในงานของ Chambonnière ได้สะท้อนถึงลักษณะการแต่งทำนองเพลงซึ่งเป็นลักษณะของนักฮาร์ปซิคอร์ดชาวฝรั่งเศส ของประดับตกแต่งมากมายทำให้งานของฮาร์ปซิคอร์ดมีความซับซ้อน เช่นเดียวกับความเชื่อมโยงกัน "ความไพเราะ" "ความยาว" และเสียงกระตุกของเครื่องดนตรีนี้ ในดนตรีบรรเลง ดนตรีที่ใช้ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 มีการใช้กันอย่างแพร่หลาย การรวมกันของการเต้นรำคู่ (pavane, galliard ฯลฯ ) ซึ่งนำไปสู่ศตวรรษที่ 17 ในการสร้างชุดเครื่องมือ

ศตวรรษที่ 18

ในศตวรรษที่ 18 ด้วยอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นของชนชั้นนายทุน รูปแบบใหม่ของดนตรีและชีวิตทางสังคมกำลังก่อตัวขึ้น คอนเสิร์ตค่อยๆ ขยายออกไปนอกห้องโถงของพระราชวังและร้านเสริมสวยของชนชั้นสูง ในปี ค.ศ. 1725 A. Philidor (Danikan) ได้จัดงาน "Spiritual Concerts" ขึ้นที่ปารีสและในปี ค.ศ. 1770 Francois Gossec ได้ก่อตั้งสมาคม "Amateur Concerts" ตอนเย็นของสมาคมวิชาการ Friends of Apollo (ก่อตั้งขึ้นในปี ค.ศ. 1741) มีลักษณะที่ใกล้ชิดยิ่งขึ้น และ Royal Academy of Music ได้จัดคอนเสิร์ตประจำปี

ในยุค 20-30 ของศตวรรษที่ 18 ชุดฮาร์ปซิคอร์ดมาถึงจุดสูงสุด ในบรรดานักเปียโนชาวฝรั่งเศส บทบาทนำเป็นของ F. Couperin ผู้เขียนวงจรอิสระตามหลักการของความเหมือนและความแตกต่างของชิ้นส่วน นอกเหนือจาก Couperin แล้ว J.F. Dandre ยังได้มีส่วนร่วมอย่างมากในการพัฒนาชุดฮาร์ปซิคอร์ดที่มีลักษณะเฉพาะของโปรแกรมอีกด้วย โดย J.F. Dandre และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง J.F. Rameau

ในปี ค.ศ. 1733 การแสดงโอเปร่า Hippolyte et Arisia ของ Rameau ที่ประสบความสำเร็จได้ครองตำแหน่งผู้นำของนักแต่งเพลงคนนี้ในโรงละครโอเปร่า Royal Academy of Music ในงานของ Rameau ประเภทของโศกนาฏกรรมโคลงสั้น ๆ ถึงจุดสูงสุด สไตล์การเปล่งเสียงพูดของเขาเต็มไปด้วยการแสดงอารมณ์ที่ไพเราะ การทาบทามสองส่วนของเขามีความโดดเด่นด้วยความหลากหลายอย่างมาก แต่ในขณะเดียวกัน การทาบทามสามส่วนใกล้กับโอเปร่า "sinfonia" ของอิตาลีก็แสดงให้เห็นในงานของเขาเช่นกัน ในโอเปร่าจำนวนหนึ่ง Rameau คาดหวังความสำเร็จมากมายในภายหลังในด้านละครเพลง ปูทางสำหรับการปฏิรูปโอเปร่าของ K. V. Gluck Rameau เป็นเจ้าของระบบวิทยาศาสตร์ ซึ่งมีบทบัญญัติจำนวนหนึ่งซึ่งเป็นพื้นฐานของหลักคำสอนเรื่องความสามัคคีสมัยใหม่ ("Treatise on Harmony", 1722; "The Origin of Harmony", 1750 เป็นต้น)

กลางศตวรรษที่ 18 โอเปร่าในตำนานอย่าง Lully, Rameau และนักเขียนคนอื่น ๆ ไม่สามารถตอบสนองความต้องการด้านสุนทรียะของผู้ชมชนชั้นกลางได้อีกต่อไป ในความนิยม พวกเขาด้อยกว่าการแสดงเสียดสีที่รุนแรงซึ่งรู้จักกันมาตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 17 การแสดงเหล่านี้มุ่งเป้าไปที่การเยาะเย้ยศีลธรรมของชนชั้น "ที่สูงขึ้น" ของสังคมและล้อเลียนโอเปร่าของศาล ผู้เขียนโอเปร่าการ์ตูนเรื่องแรกคือนักเขียนบทละคร A. R. Lesage และ C. S. Favara ในส่วนลึกของโรงละครยุติธรรม โอเปร่าฝรั่งเศสแนวใหม่ได้เติบโตขึ้น - นักแสดงตลกโอเปร่า ตำแหน่งของมันถูกเสริมความแข็งแกร่งโดยการมาถึงปารีสในปี 1752 ของคณะอุปรากรชาวอิตาลีซึ่งแสดงโอเปร่าหนังหลายเรื่องรวมถึง The Servant-Mistress ของ Pergolesi และการโต้เถียงกันเกี่ยวกับศิลปะโอเปร่าที่ปะทุขึ้นระหว่างผู้สนับสนุน (กลุ่มชนชั้นนายทุน - ประชาธิปไตย) และ ฝ่ายตรงข้าม (ตัวแทนของขุนนาง) ของหนังโอเปร่าอิตาลี - สิ่งที่เรียกว่า "สงครามของตัวตลก".

ในบรรยากาศตึงเครียดของกรุงปารีส การโต้เถียงนี้ทำให้เกิดความเร่งด่วนเป็นพิเศษและได้รับเสียงโวยวายจากสาธารณชนอย่างล้นหลาม ร่างของการตรัสรู้ของฝรั่งเศสเข้ามามีส่วนร่วมสนับสนุนศิลปะประชาธิปไตยของ "บัฟโฟนีสต์" และงานอภิบาล "The Village Sorcerer" ของรุสโซ (1752) เป็นพื้นฐานของละครตลกฝรั่งเศสเรื่องแรก สโลแกนที่ประกาศโดยพวกเขาว่า "การเลียนแบบธรรมชาติ" มีอิทธิพลอย่างมากต่อการก่อตัวของรูปแบบโอเปร่าฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18 ผลงานของนักสารานุกรมยังมีเนื้อหาทั่วไปเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์และดนตรีและทฤษฎีที่มีคุณค่า

ยุคหลังการปฏิวัติ

หนึ่งในสิ่งพิมพ์ครั้งแรกของ "La Marseillaise" เพลงชาติของฝรั่งเศส 1792

การปฏิวัติฝรั่งเศสครั้งยิ่งใหญ่ได้นำการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่มาสู่ศิลปะดนตรีทุกแขนง ดนตรีกลายเป็นส่วนสำคัญของเหตุการณ์ทั้งหมดในยุคปฏิวัติ โดยได้รับหน้าที่ทางสังคม ซึ่งมีส่วนในการสร้างแนวเพลงมวลชน - เพลง เพลงสวด การเดินขบวน และอื่นๆ โรงละครยังได้รับอิทธิพลจากการปฏิวัติฝรั่งเศส - ประเภทเช่น apotheosis การแสดงโฆษณาชวนเชื่อโดยใช้กลุ่มนักร้องประสานเสียงขนาดใหญ่เกิดขึ้น ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาของการปฏิวัติ "โอเปร่าแห่งความรอด" ได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษโดยยกประเด็นของการต่อสู้กับเผด็จการเผยให้เห็นนักบวชเชิดชูความจงรักภักดีและการอุทิศตน ดนตรีทองเหลืองได้รับความสำคัญอย่างมากและได้ก่อตั้ง National Guard Band

ระบบการศึกษาดนตรีได้ผ่านการเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงเช่นกัน เมตริกถูกยกเลิก แต่ในปี ค.ศ. 1792 โรงเรียนดนตรีของ National Guard ได้เปิดสอนนักดนตรีทางทหารและในปี ค.ศ. 1793 สถาบันดนตรีแห่งชาติ (ตั้งแต่ ค.ศ. 1795 Paris Conservatory)

ช่วงเวลาของเผด็จการนโปเลียน (1799-1814) และการฟื้นฟู (1814-15, 1815-30) ไม่ได้นำความสำเร็จที่สดใสมาสู่ดนตรีฝรั่งเศส เมื่อสิ้นสุดระยะเวลาการฟื้นฟู ก็มีการฟื้นฟูในด้านวัฒนธรรม ในการต่อสู้กับศิลปะวิชาการของจักรวรรดินโปเลียน โอเปร่าโรแมนติกของฝรั่งเศสได้ก่อตัวขึ้น ซึ่งในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 1930 ได้ครองตำแหน่งที่โดดเด่น (F. Aubert) ในปีเดียวกันนั้น ประเภทของแกรนด์โอเปร่าในหัวข้อประวัติศาสตร์ ความรักชาติ และความกล้าหาญได้ก่อตัวขึ้น แนวโรแมนติกทางดนตรีของฝรั่งเศสพบการแสดงออกที่สดใสที่สุดในผลงานของ G. Berlioz ผู้สร้างซิมโฟนีโรแมนติกแบบเป็นโปรแกรม Berlioz พร้อมด้วย Wagner ถือเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนดำเนินการแห่งใหม่

ในช่วงหลายปีของจักรวรรดิที่สอง (ค.ศ. 1852-70) วัฒนธรรมดนตรีของฝรั่งเศสมีลักษณะเฉพาะด้วยความหลงใหลในคาเฟ่-คอนเสิร์ต การแสดงละคร และศิลปะของชานซอนเนียร์ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา โรงภาพยนตร์ประเภทแสงจำนวนมากได้เกิดขึ้น ซึ่งมีการแสดงบทเพลงและละคร โอเปร่าฝรั่งเศสกำลังพัฒนา ในบรรดาผู้สร้างคือ J. Offenbach, F. Herve จากยุค 1870 ภายใต้เงื่อนไขของสาธารณรัฐที่สาม ละครได้สูญเสียการเสียดสี การล้อเลียน ความเฉพาะเจาะจง ประวัติศาสตร์ เรื่องราวในชีวิตประจำวันและบทกวีโรแมนติกกลายเป็นเรื่องเด่น และเนื้อเพลงก็เข้ามาอยู่เบื้องหน้าในดนตรี

โอเปร่าและบัลเล่ต์ในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีแนวโน้มที่เป็นจริงเพิ่มขึ้น ในละคร แนวโน้มนี้แสดงออกถึงความปรารถนาในโครงเรื่องในชีวิตประจำวัน เพื่อแสดงภาพคนธรรมดาที่มีประสบการณ์ใกล้ชิด ผู้สร้างบทกวีที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ Ch. Gounod ผู้แต่งโอเปร่าเช่น Faust (1859, 2nd edition 1869), Mireil and Romeo and Juliet J. Massenet และ J. Bizet ก็หันไปหาแนวเพลงโอเปร่าในโอเปร่า Carmen หลักการที่สมจริงนั้นชัดเจนยิ่งขึ้น

มอริซ ราเวล 2455

ในช่วงปลายยุค 80 - 90 ของศตวรรษที่ 19 เทรนด์ใหม่เกิดขึ้นในฝรั่งเศสซึ่งเริ่มแพร่หลายเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 - อิมเพรสชั่นนิสม์ อิมเพรสชั่นนิสม์ทางดนตรีฟื้นประเพณีของชาติบางอย่าง - ความปรารถนาที่จะเป็นรูปธรรม, โปรแกรม, ความซับซ้อนของสไตล์, ความโปร่งใสของพื้นผิว อิมเพรสชั่นนิสม์พบการแสดงออกอย่างเต็มที่ในเพลงของ C. Debussy ส่งผลต่องานของ M. Ravel, P. Duke และคนอื่น ๆ อิมเพรสชั่นนิสม์ยังแนะนำนวัตกรรมในด้านแนวดนตรีอีกด้วย ในงานของ Debussy วัฏจักรไพเราะทำให้เกิดการสเก็ตช์ไพเราะ เพลงเปียโนถูกครอบงำโดยโปรแกรมย่อส่วน Maurice Ravel ยังได้รับอิทธิพลจากสุนทรียศาสตร์ของอิมเพรสชั่นนิสม์ ในงานของเขา แนวโน้มด้านสุนทรียศาสตร์และโวหารต่างๆ เกี่ยวพันกัน - โรแมนติก อิมเพรสชันนิสม์ และในผลงานต่อมาของเขา - แนวโน้มนีโอคลาสสิก

ควบคู่ไปกับแนวอิมเพรสชั่นนิสม์ในดนตรีฝรั่งเศสในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ประเพณีของแซงต์-ซองส์ยังคงพัฒนาต่อไป เช่นเดียวกับ Franck ซึ่งผลงานของเขาโดดเด่นด้วยการผสมผสานความชัดเจนของสไตล์คลาสสิกเข้ากับจินตภาพโรแมนติกที่สดใส

นักแต่งเพลงของ "French Six"

หลังสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง ศิลปะฝรั่งเศสมักจะปฏิเสธอิทธิพลของเยอรมัน แสวงหาความแปลกใหม่ และในขณะเดียวกันก็เพื่อความเรียบง่าย ในเวลานี้ภายใต้อิทธิพลของนักแต่งเพลง Eric Satie และนักวิจารณ์ Jean Cocteau ได้มีการจัดตั้งสมาคมสร้างสรรค์ขึ้นซึ่งเรียกว่า "French Six" ซึ่งสมาชิกไม่เห็นด้วยกับลัทธิ Wagnerian เท่านั้น แต่ยังรวมถึง "ความคลุมเครือ" ของอิมเพรสชั่นนิสต์ด้วย อย่างไรก็ตาม ตามที่ผู้เขียน ฟรานซิส ปูล็องก์ กลุ่มนี้ “ไม่มีเป้าหมายอื่นใดนอกจากความเป็นมิตรล้วนๆ และไม่ใช่สมาคมในอุดมคติเลย” และตั้งแต่ปี ค.ศ. 1920 สมาชิกของกลุ่ม (ในบรรดาผู้มีชื่อเสียงมากที่สุด ได้แก่ อาเธอร์ โฮเน็กเกอร์ และดาริอุส มิลฮาด) มี พัฒนาไปคนละแบบ

ในปีพ. ศ. 2478 สมาคมนักประพันธ์เพลงแห่งใหม่ได้เกิดขึ้นในฝรั่งเศส - "Young France" ซึ่งรวมถึงนักแต่งเพลงเช่น O. Messiaen, A. Jolivet ผู้ซึ่งเช่น "Six" ได้ฟื้นฟูประเพณีของชาติ และความคิดเห็นอกเห็นใจในระดับแนวหน้า โดยปฏิเสธความเป็นวิชาการและนีโอคลาสซิซิสซึ่ม พวกเขามุ่งเน้นความพยายามในการปรับปรุงวิธีการแสดงออกทางดนตรี สิ่งที่มีอิทธิพลมากที่สุดคือการค้นหาของ Messiaen ในด้านโครงสร้างที่เป็นกิริยาช่วยและจังหวะ ซึ่งถูกรวบรวมไว้ในงานดนตรีของเขาและในบทความทางดนตรี

หลังสงครามโลกครั้งที่สอง กระแสดนตรีแนวเปรี้ยวจี๊ดได้แผ่ขยายออกไปในดนตรีฝรั่งเศส ตัวแทนที่โดดเด่นของแนวหน้าดนตรีฝรั่งเศสคือนักแต่งเพลงและวาทยกร Pierre Boulez ผู้พัฒนาหลักการของ A. Webern ใช้วิธีการแต่งเพลงเช่น pointillism และ seriality อย่างกว้างขวาง นักแต่งเพลงที่มาจากกรีก J. Xenakis ใช้ระบบการจัดองค์ประกอบ "สุ่ม" พิเศษ

ฝรั่งเศสมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาดนตรีอิเล็กทรอนิกส์ - ที่นี่เพลงที่เป็นรูปธรรมปรากฏขึ้นในช่วงปลายทศวรรษ 1940 คอมพิวเตอร์ที่มีการป้อนข้อมูลแบบกราฟิก - UPI ได้รับการพัฒนาภายใต้การนำของ Xenakis และในปี 1970 ทิศทางของดนตรีสเปกตรัม เกิดที่ฝรั่งเศส ตั้งแต่ปี 1977 IRCAM ซึ่งเป็นสถาบันวิจัยที่ก่อตั้งโดย Pierre Boulez ได้กลายเป็นศูนย์กลางของดนตรีทดลอง