HUDOBNÁ KULTÚRA ANTUKU, STREDOVEKU, RENESANCIE

STAROŽITNOSŤ

hudobná kultúra Staroveké Grécko tvorí prvú historickú etapu vo vývoji hudobnej kultúry Európy. Je to však najvyšší prejav kultúry staroveký svet a objavuje nepochybné súvislosti so starodávnejšími kultúrami Blízkeho východu – Egyptom, Sýriou, Palestínou. Avšak so všetkými historickými súvislosťami tohto druhu hudobná kultúra starovekého Grécka vôbec neopakuje cestu, ktorú prešli inými krajinami: má svoj vlastný jedinečný vzhľad, svoje vlastné nesporné úspechy, ktoré čiastočne prenáša do európskeho stredoveku. a potom - vo väčšej miere - do renesancie.

Na rozdiel od iných foriem umenia, hudba starovekého sveta nezanechala v histórii žiadne tvorivé dedičstvo rovnakej hodnoty. Počas obrovského historického rozpätia ôsmich storočí – od 5. storočia pred Kristom. na 111 storočia n. e.-rozsypalo len jedenásť ukážok starogréckej hudby, ktoré sa zachovali vo vtedajšej notácii. Pravda, toto sú prvé nahrávky melódií v Európe, ktoré sa k nám dostali.

Najdôležitejšou vlastnosťou kultúry starovekého Grécka, mimo ktorej ju súčasníci takmer nevnímali, a preto ju nemôžeme pochopiť, je existencia hudby v synkretickej jednote s inými umeniami - v raných štádiách alebo v syntéze s oni - v časoch rozkvetu. Hudba v nerozlučné spojenie poézia (odtiaľ - texty), hudba ako nenahraditeľný účastník tragédie, hudba a tanec - to sú charakteristické javy umeleckého života starovekého Grécka. Platón bol napríklad veľmi kritický k inštrumentálnej hudbe, nezávisle od tanca a spevu, argumentujúc, že ​​je vhodná len na rýchlu, bez váhania kráčanie a na zobrazenie zvieracieho plaču:

"Použitie samostatnej hry na flautu a citharu obsahuje niečo veľmi nevkusné a hodné len kúzelníka." Počiatky gréckej tragédie, vysokého a zložitého umenia, pochádzajú z mytológie, z magických činov, z viery ľudí. Počiatky siahajú do staroveku staroveké grécke mýty o veľkých hudobníkoch - Orpheus, Olympus, Marsyas.

Dôležitá informácia o ranej hudobnej kultúre v Grécku nám dáva Homérsky epos, ktorý sa sám spája s hudobné vystúpenie: Ilias, Odysea.

Spolu so sólovým prevedením epických diel v 11.-6.storočí špeciálne zborové žánre. Piesne na ostrove Kréta sa spájali s plastickými pohybmi, s tancom (hyporchémia); v Sparte sa hojne pestovali zborové žánre zo 7. storočia. Je známe, že Sparťania dali hudbe skvelý stav, vzdelávaciu hodnotu. Vyučovanie hudobného umenia pre nich nemalo odborný charakter, ale bolo jednoducho súčasťou všeobecnej výchovy mládeže. Odtiaľ vyrástla teória étosu, podložená gréckymi mysliteľmi.

S menami Iónskeho Archilocha (7. storočie) a najväčších „predstaviteľov lesbickej školy Alcaeus a Sapfó“ sa spája nový smer v hudobnom a poetickom umení starovekého Grécka, ktorý predkladal vlastné lyrické témy a obrazy. Prelom 1. a 6. storočia). Možno si myslieť, že s posilňovaním aktuálneho narastal lyrický začiatok a úloha melódie v ich dielach, samotné slovo „lyrika“ pochádza z lýry.

Lyrika 6. storočia je zastúpená viacerými žánrovými varietami: elégiami, hymnami, svadobnými piesňami.

Klasickým vekom tragédie bolo 5. storočie pred Kristom. e.: dielo najväčších tragédov Aischylos (okolo 525-456), Sofokles (okolo 496-, Euripides (okolo 480-406) Bola to doba najväčšieho rozkvetu gréckej umeleckej kultúry, vek r. Phidias a Polykleitos, také pamiatky klasickej architektúry ako Parthenon v Aténach, najlepší vek v umení celého starovekého sveta. Predstavenia tragédií sa považovali za verejné oslavy a v rámci otrokárskej spoločnosti mali pomerne široký demokratický charakter: divadlo navštevovali všetci občania, ktorí za to dokonca dostávali štátne výhody. Zbor - hovorca spoločnej morálky - zastupoval ľudí na tragickom javisku a hovoril v ich mene.

Dramatik bol básnik aj hudobník; všetko robil sám. Na predstavení svojich hier sa podieľal napríklad aj sám Aischylos. Neskôr sa stále viac delili funkcie básnika, hudobníka, herca, režiséra. Herci boli aj speváci. Spev zboru sa spájal s plastickými pohybmi.

V helenistickej ére umenie už nevyrastá z umeleckej činnosti občanov: je úplne profesionalizované.

Všetko, čo sa v antickom Grécku písalo o hudobnom umení a čo možno s istotou posúdiť z mnohých dochovaných materiálov, vychádzalo z predstáv o melódii (spojenej najmä s básnickým slovom). Je to zrejmé nielen z obsahu špeciálnych teoretických prác, ale aj zo všeobecnejších etických a estetických vyjadrení najväčších gréckych mysliteľov. Tým sa plne potvrdzuje princíp monofónie, ktorý je úplne charakteristický pre staroveké grécke hudobné umenie.

Medzi starovekými úsudkami o hudobnom umení je najzaujímavejšia takzvaná doktrína étosu, ktorú predložil Platón, rozvinul a prehĺbil Aristoteles. Staroveká tradícia spája zjednotenie otázok politiky a hudby s menom Domona z Atén, učiteľa Sokrata a priateľa Perikla. Od neho akoby Platón prevzal myšlienku blahodarného vplyvu hudby na výchovu dôstojných občanov, ktorú rozvinul v knihách „Štát“ a „Zákony“. Platón vo svojom ideálnom stave prisudzuje prvú (okrem iných umení) hudbe úlohu pri výchove mladého človeka na odvážneho, múdreho, cnostného a vyrovnaného človeka, teda ideálneho občana. Platón zároveň na jednej strane spája vplyv hudby s vplyvom gymnastiky („krásne pohyby tela“) a na druhej strane tvrdí, že melódia a rytmus najviac uchvacujú dušu a povzbudzujú človeka, aby napodobňoval tie príklady krásy, ktoré mu dáva hudobné umenie.

"Potom, keď Platón analyzuje, čo presne je na piesni krásne, zistí, že by sa to malo posudzovať podľa slov, spôsobu a rytmu. V súlade s myšlienkami svojej doby zametie všetky módy, ktoré sú svojou povahou žalostné a uvoľňujúce, a nazýva len Dorian a Frygian len hodné vysokých cieľov výchovy mladého bojovníka.Tak isto filozof rozoznáva medzi hudobnými nástrojmi iba citharu a lýru, popierajúc etické kvality všetkých ostatných.Takže nositeľ étosu z bodu z pohľadu Platóna nie je umeleckým dielom, nie jeho obraznosťou, ba ani systémovým výrazovým prostriedkom, ale len modusom či zafarbením nástroja, ktorému je akoby prisúdená určitá etická kvalita.

Aristoteles posudzuje účel hudby oveľa širšie a tvrdí, že by mala slúžiť nie jednému, ale viacerým účelom a mala by byť využívaná s úžitkom: ... Z toho je jasné, - pokračuje Aristoteles, - že hoci môžete použiť všetky spôsoby, nemali by ste ich používať rovnakým spôsobom.

„Rytmus a melódia obsahujú v sebe najbližšie priblíženia sa realite odrazov hnevu a miernosti, odvahy a umiernenosti a všetkých ich protikladných vlastností, ako aj iných morálne vlastnosti. Zo skúsenosti je to jasné: keď sluchom vnímame rytmus a melódiu, mení sa aj naše duchovné rozpoloženie. Zvyk prežívať smutnú alebo radostnú náladu pri vnímaní niečoho, čo napodobňuje realitu, vedie k tomu, že rovnaké pocity začíname prežívať aj pri konfrontácii so [svetskou] pravdou“ 3 . A nakoniec Aristoteles. dochádza k nasledovnému záveru: „... Hudba je schopná pôsobiť do určitej miery na etickú stránku duše; a keďže hudba má také vlastnosti, potom, samozrejme, by mala byť zahrnutá do počtu predmetov pre výchovu mládeže.

Filozofovi a matematikovi Pytagorasovi (VI. storočie pred naším letopočtom) sa už dlho pripisoval význam prvého z gréckych mysliteľov, ktorí písali o hudbe. Pripisuje sa mu počiatočný rozvoj teórie hudobných intervalov (konsonancií a disonancií) na základe čisto matematických vzťahov získaných delením struny. Vo všeobecnosti sú počty a proporcie Pytagorejcov modelované podľa starých ľudí. orientálnych kultúr(najviac Egypt) - priložený magický význam z nich odvodzujúcich najmä magické liečivé vlastnosti hudby. Nakoniec, prostredníctvom abstraktných špekulatívnych konštrukcií, Pythagorejci dospeli k myšlienke takzvanej „harmónie sfér“, pričom verili, že nebeské telesá, ktoré sú v určitých numerických („harmonických“) pomeroch, by mali znieť a produkovať „nebeské“. harmónia“ pri pohybe.

Čo sa týka náuky o étose, neskôr ju novoplatonici, najmä Plotinus (3. storočie), premysleli v nábožensko-mystickom duchu, zbavili ju občianskeho pátosu, ktorý jej bol kedysi v Grécku vlastný. Odtiaľto sa už ťahajú priame nitky k estetickým pohľadom na stredovek. Úpadok antickej kultúry v ére úpadku otrokárskeho systému len prispieva k úspešnému rozvoju kresťanského umenia, ktoré je v mnohých ohľadoch proti estetike a hudobnej praxi Ríma v predchádzajúcich storočiach. Nemožno poprieť ani isté súvislosti medzi dedičstvom antiky a vývojom estetického myslenia neskoršej doby, sformovanej na prelome dvoch epoch.

HUDOBNÁ KULTÚRA STREDOVEKU

Vo vývoji hudobnej kultúry západnej Európy je ťažké považovať dlhé a široké historické obdobie stredoveku za jedno obdobie, ba ako jednu veľkú éru so spoločným chronologickým rámcom. Prvý, východiskový bod stredoveku - po páde Západorímskej ríše v roku 476 - sa zvyčajne označuje ako 6. storočie. Medzitým jedinou oblasťou hudobného umenia, ktorá zanechala písomné pamiatky, bola až do 12. storočia iba hudba kresťanskej cirkvi. Celý unikátny komplex javov s tým spojených sa sformoval na základe dlhej historickej prípravy od 2. storočia a zahŕňal vzdialené pramene, ktoré presahujú západnú Európu na východ – do Palestíny, Sýrie, Alexandrie. Okrem toho cirkevná hudobná kultúra stredoveku tak či onak neobišla dedičstvo starovekého Grécka a staroveký Rím, hoci „otcovia cirkvi“ a neskôr teoretici, ktorí písali o hudbe, v mnohých ohľadoch stavali proti umeniu kresťanskej cirkvi pohanský umelecký svet staroveku.

Druhý najvýznamnejší medzník, označujúci prechod od stredoveku k renesancii, v r západná Európa neprebieha súčasne: v Taliansku - v 15. storočí, vo Francúzsku - v 16.; v iných krajinách sa boj medzi stredovekými a renesančnými tendenciami odohráva v rôznych časoch. Všetky pristupujú k renesancii s iným dedičstvom stredoveku, s vlastnými vynárajúcimi sa závermi z obrovskej historickej skúsenosti. K tomu do značnej miery prispel výrazný zlom vo vývoji umeleckej kultúry stredoveku, ktorý nastal v 11. – 12. storočí a bol spôsobený novými spoločensko-historickými procesmi (rast miest, križiacke výpravy, presadzovanie tzv. nové sociálne vrstvy, prvé silné centrá svetskej kultúry a pod.).

Avšak so všetkou relativitou alebo pohyblivosťou chronologických aspektov, s nevyhnutnými genetickými väzbami na minulosť a nerovnomerným prechodom do budúcnosti sa hudobná kultúra západoeurópskeho stredoveku vyznačuje významnými javmi a procesmi, ktoré sú vlastné iba jej. a sú nemysliteľné v iných podmienkach a inokedy. V prvom rade ide o pohyb a existenciu mnohých kmeňov a národov v západnej Európe na rôznych stupňoch historického vývoja, mnohorakosť spôsobov a rôznych politických systémov a s tým všetkým pretrvávajúca túžba katolíckej cirkvi zjednotiť celú obrovskú , búrlivý, mnohostranný svet, nielen zaužívaná ideologická doktrína, ale aj všeobecné princípy hudobnej kultúry. Po druhé, toto je nevyhnutná dualita hudobnej kultúry v celom stredoveku: cirkevné umenie sa vždy stavalo proti svojim kánonom a rozmanitosti ľudovej hudby v celej Európe. V 1. – 13. storočí sa už rodili nové formy svetskej hudobnej a básnickej tvorivosti a do značnej miery sa transformovala cirkevná hudba. Ale tieto nové procesy už prebiehali v podmienkach rozvinutého feudalizmu.

ako je známe, zvláštny charakter stredoveká kultúra, stredoveké vzdelanie, stredoveké umenie je do značnej miery determinované závislosťou od kresťanskej cirkvi.

Hudba kresťanskej cirkvi sa formovala vo svojich pôvodných podobách aj v historických podmienkach vysokej moci Rímskej ríše. Viera v posmrtný život, v najvyššiu odmenu za všetko vykonané na zemi, ako aj myšlienka odčinenia za hriechy ľudstva obetou Krista ukrižovaného na kríži, dokázali zaujať masy.

Historická príprava gregoriánskeho chorálu ako rituálneho spevu hlavnej kresťanskej cirkvi bola dlhá a pestrá.

Koncom 4. storočia, ako je známe, došlo k rozdeleniu Rímskej ríše na západnú (Rím) a východnú (Byzancia), ktorých historické osudy sa potom ukázali byť odlišné. Teda západná a východná cirkev, keďže kresťanské náboženstvo sa v tom čase stalo štátnym náboženstvom.

S rozdelením Rímskej ríše a sformovaním dvoch centier kresťanskej cirkvi sa cesty cirkevného umenia, ktoré bolo v procese finálnej formácie, značne oddelili aj na Západe a Východe.

Rím svojským spôsobom prepracoval všetko, čo mala kresťanská cirkev k dispozícii, a na tomto základe vytvoril svoje kanonizované umenie – gregoriánsky chorál.

Výsledkom bolo, že cirkevné melódie, vybrané, kanonizované, distribuované v rámci cirkevného roka, boli zostavené za pápeža Gregora (aspoň z jeho iniciatívy). úradný kódex - - antifonár. Zborové melódie v ňom obsiahnuté sú tzv Gregoriánsky chorál a stal sa základom liturgického spevu katolíckej cirkvi. Zbierka gregoriánskych chorálov je obrovská.

Kód gregoriánskeho chorálu z 11. – 12. storočia a potom z obdobia renesancie slúžil ako východiskový základ pre vznik viachlasných skladieb, v ktorých kultové melódie prešli najrozmanitejším vývojom.

Čím viac rímska cirkev rozširovala svoju sféru vplyvu v Európe, tým ďalej sa gregoriánsky chorál šíril z Ríma na sever a západ.

Reformu notového zápisu uskutočnil taliansky hudobník, teoretik a učiteľ Guido d „Arezzo v druhej štvrtine 11. storočia.

Guidova reforma bola silná vo svojej jednoduchosti a organickosti pôvodnej myšlienky: nakreslil štyri čiary a umiestnením neumy na ne alebo medzi ne im dal presnú výšku. Ďalšou inováciou Guida z Arezza, v podstate tiež jeho vynálezom, bola voľba špecifickej šesťstupňovej stupnice. (do-re-mi-fa-sol-la).

Od konca 11. storočia, v 12. a najmä v 13. storočí sa v hudobnom živote a hudobnej tvorivosti viacerých západoeurópskych krajín začali objavovať náznaky nového pohybu – najskôr nenápadnejšie, potom čoraz citeľnejšie. Od pôvodných stredovekých foriem hudobnej kultúry ide vývoj umeleckého vkusu a tvorivého myslenia k iným, progresívnejším druhom tvorby hudby, k iným princípom. hudobná kreativita.

V XII-XIII storočia postupne vznikli historické predpoklady nielen pre formovanie nových tvorivých trendov, ale aj pre ich známe rozšírenie po celej západnej Európe. Stredoveký román či príbeh, ktorý sa formoval na francúzskej pôde v 12. a 13. storočí, teda nezostal len francúzskymi fenoménmi. Spolu s románom o Tristanovi a Izolde a príbehom o Aucassinovi a Nicolette sa do dejín literatúry zapísali aj Parsifal a Chudák Heinrich. Nový, gotický štýl v architektúre, reprezentovaný klasickými príkladmi vo Francúzsku (katedrály v Paríži, Chartres, Reims), sa prejavil aj v nemeckých a českých mestách, v Anglicku atď.

Prvý rozkvet svetských hudobných a poetických textov, ktorý sa začal v Provensálsku od 12. storočia, potom zachytil severné Francúzsko, odznel v Španielsku a neskôr našiel svoje vyjadrenie v nemeckom minnesangu. Pri všetkej originalite každého z týchto prúdov a ich sa prejavila aj nová zákonitosť, charakteristická pre éru v jej veľkom rozsahu. Tak isto vznik a rozvoj polyfónie v jej profesionálnych podobách - azda najdôležitejšej stránky vtedajšej hudobnej evolúcie - prebiehal za účasti nielen francúzskej tvorivej školy, ba čo viac, nielen skupiny hudobníkov z katedrály Notre Dame, bez ohľadu na to, aké veľké sú ich zásluhy.

Žiaľ, spôsoby stredovekej hudby posudzujeme do istej miery selektívne. Zo stavu prameňov nie je možné vysledovať konkrétne súvislosti, napríklad vo vývoji polyfónie medzi jej zdrojmi na Britských ostrovoch a jej formami na kontinente, najmä v raných fázach.

Stredoveké mestá sa časom stali dôležitými centrami kultúry. Boli založené prvé univerzity v Európe (Bologna, Paríž). Rozširovala sa mestská výstavba, vznikali bohaté katedrály a s veľkou pompou sa v nich konali bohoslužby za účasti najlepších zborových spevákov (pri veľkých kostoloch sa pripravovali v špeciálnych školách - metrizách). Cirkevné duchom charakteristické pre stredovek (a hudobná vzdelanosť zvlášť) sa už nesústreďovalo len do kláštorov. S kultúrou stredovekého mesta nepochybne súvisia nové formy, nový štýl cirkevnej hudby. Ak ich čiastočne pripravila predchádzajúca činnosť učených hudobníkov-mníchov (ako Huqbald zo Saint-Amand a Guido z Arezza), ak prvé príklady polyfónie pochádzajú z kláštorných škôl vo Francúzsku, najmä z kláštorov v Chartres a Limoges, potom je tu stále dôsledný vývoj nových foriem polyfónie začína v Paríži v 12.-13.

Ďalšia, tiež veľmi významná vrstva stredovekej hudobnej kultúry je spojená najskôr s aktivitou, okruhom záujmov a svojráznou ideológiou európskeho rytierstva. Križiacke výpravy na východ, obrovské presuny na veľké vzdialenosti, bitky, obliehanie miest, občianske spory, odvážne, riskantné dobrodružstvá, dobývanie cudzích území, styky s rôznymi národmi východu, ich zvyky, spôsob života, kultúra, úplne nezvyčajné. dojmy - to všetko zanechalo stopy v novom svetonázore križiackych rytierov. Keď časť rytierstva mohla existovať v priaznivých mierových podmienkach, spojila sa predtým existujúca myšlienka rytierskej cti (samozrejme spoločensky obmedzenej) s kultom krásnej dámy a rytierskou službou jej, s ideálom dvorskej cti. lásky a s ňou spojených noriem správania. Hudobné a básnické umenie trubadúrov potom dostalo svoj raný rozvoj, ktorý dal prvé príklady zaznamenaných svetských vokálnych textov v Európe.

Naďalej existovali ďalšie vrstvy hudobnej kultúry stredoveku spojené s ľudovým životom, s činnosťou potulných hudobníkov, s nastávajúcimi zmenami v ich prostredí a spôsobe života.

Informácie o potulných ľudových hudobníkoch stredoveku sú od 9. do 14. storočia čoraz bohatšie a jednoznačnejšie. Títo žongléri, miništranti, shpilmani - ako sa im hovorilo v rôznych časoch a v rôznych častiach - boli dlho jedinými predstaviteľmi svetskej hudobnej kultúry svojej doby a hrali tak dôležitú historickú úlohu. .Do veľkej miery práve na základe ich hudobnej praxe, ich piesňových tradícií sa formovali rané podoby svetských textov 12. - 13. storočia. Oni, títo potulní hudobníci, sa nerozišli s hudobnými nástrojmi, pričom cirkev ich účasť buď odmietla, alebo len ťažko prijala. Okrem rôznych dychových nástrojov (píšťaly, lesné rohy, píšťaly, Panové píšťaly, gajdy) časom pribudli aj harfa (od staroveku), krtko (keltský nástroj), rôzne sláčikové nástroje, predkovia budúcich huslí - rebab. , viela, fidel (prípadne , z východu).

S najväčšou pravdepodobnosťou mali títo stredovekí herci, hudobníci, tanečníci, akrobati (často v jednej osobe), nazývaní žongléri alebo iným podobným názvom, svoje vlastné kultúrne a historické tradície siahajúce až do staroveku. Mohli si osvojiť – prostredníctvom niekoľkých generácií – dedičstvo synkretické umenie starorímski herci, ktorých potomkovia, nazývaní histrióni a mímovia, sa dlho túlali stredovekej Európe. Najstarší pololegendárny predstavitelia keltského (bardi) a nemeckého eposu mohli akosi odovzdať svoje tradície aj žonglérom, ktorí im síce nedokázali zostať verní, no predsa sa od nich niečo naučili. V každom prípade, v 9. storočí, keď predchádzajúce zmienky o histriónoch a mímoch už boli nahradené správami o žongléroch, boli títo žongléri čiastočne známi ako účinkujúci eposu. Žongléri sa presúvajú z miesta na miesto a vystupujú na slávnostiach na dvoroch (kam sa v určitých termínoch schádzajú), na hradoch, v dedinách a niekedy ich pustia aj do kostola. V básňach, románoch a piesňach stredoveku sa viac ako raz spomína účasť žonglérov na slávnostnej zábave, pri organizovaní všetkých druhov vonkajších okuliarov. Pokiaľ sa tieto predstavenia, usporiadané na veľké sviatky v chrámoch alebo na cintorínoch, hrali len v latinčine, mohli sa predstavení zúčastniť žiaci kláštorných škôl a mladí klerici. Ale v 13. storočí bola latinčina nahradená miestnymi ľudovými jazykmi - a potom sa potulným hudobníkom, ktorí tvrdili, že hrajú komické úlohy a epizódy v duchovných predstaveniach, nejako podarilo preniknúť medzi hercov a potom získať úspech so svojimi vtipmi. od divákov a poslucháčov. Tak to bolo napríklad v katedrálach v Štrasburgu, Rouene, Remeši, Cambrai. Medzi „príbehy“, ktoré sa uvádzali na sviatky, boli vianočné a veľkonočné „akty“, „Plačenie Márie“, „Príbeh múdrych panien a hlúpych panien“ atď. Takmer všade na predstaveniach, aby potešili svojich návštevníkov, jedna alebo viacero ďalších komických epizód spojených s účasťou zlých síl alebo dobrodružstvá a poznámky sluhov. Tu sa otvára priestor pre herecké hudobné schopnosti žonglérov s ich tradičným bifľovaním.

Mnohí miništranti zohrali osobitnú úlohu, keď začali spolupracovať s trubadúrmi, všade sprevádzali svojich rytierskych patrónov, zúčastňovali sa na predvádzaní ich piesní, spájali nové formy umenia.

Výsledkom bolo, že samotné prostredie „túlavých ľudí“, žonglérov, plemenníkov, miništrantov, prechádzajúcich časom výraznými premenami, nezostalo vo svojej kompozícii vôbec jednotné. Napomáhal tomu aj prílev nových síl – gramotných, ktorí však stratili svoje stabilné postavenie v spoločnosti, teda v podstate deklasovaných lúzrov z radov drobného kléru, potulných učencov, utečených mníchov. Objavili sa v radoch potulných hercov a hudobníkov v 11.-12. storočí vo Francúzsku (a potom v iných krajinách) a dostali mená tulákov a goliardov. S nimi sa do vrstiev žonglovania dostali nové životné nápady a návyky, gramotnosť, niekedy aj známa erudícia.

Od konca 13. storočia v rôznych európskych centrách vznikali cechové spolky špílmanov, žonglérov, miništrantov s cieľom chrániť ich práva, určovať ich miesto v spoločnosti, zachovávať profesijné tradície a odovzdávať ich študentom. V roku 1288 vzniklo Bratstvo sv. Mikuláša“, ktorý združoval hudobníkov, v roku 1321 „Bratstvo sv. Julien“ v Paríži bola cechová organizácia miestnych miništrantov. Následne sa v Anglicku vytvoril cech „kráľovských miništrantov“. Tento prechod na cechový spôsob života v podstate ukončil dejiny stredovekého žonglovania. Ale potulní hudobníci nie sú ani zďaleka úplne usadení vo svojich bratstvách, cechoch, dielňach. Ich putovanie pokračovalo aj v 14., 15. a 16. storočí, pokryli obrovské územie a nakoniec vytvorili nové hudobné a domáce väzby medzi vzdialenými regiónmi.

TRUBÁDORI, TROUVERI, MINNESINGERS

Umenie trubadúrov, ktoré vzniklo v Provensálsku v 12. storočí, bolo v podstate len začiatkom zvláštneho tvorivého hnutia, charakteristického pre svoju dobu a takmer úplne spojeného s rozvojom nových, svetských foriem umeleckej tvorivosti. V Provensálsku bol vtedy veľmi obľúbený skorý rozkvet svetskej umeleckej kultúry: relatívne menšie ruiny a katastrofy v minulosti, počas sťahovania národov, staré remeselné tradície a obchodné vzťahy, ktoré sa dlho zachovali. V takýchto historických podmienkach sa rozvinula rytierska kultúra.

Svojrázny proces vývoja raného svetského umenia, ktorý vzniká z umeleckej iniciatívy provensálskeho rytierstva, je do značnej miery živený melodickými zdrojmi ľudových piesní a šíri sa do ďalších široký kruh mešťanov, respektíve vyvíjajúcich sa z hľadiska predmetu obrazného obsahu.

Umenie trubadúrov sa od konca 11. storočia rozvíjalo takmer dve storočia. V druhej polovici 12. storočia boli mená trouvères známe už ako básnici-hudobníci na severe Francúzska, v Champagne, v Arrase. V 13. storočí sa zintenzívňuje činnosť trouvérov, kým umenie provensálskych trubadúrov dotvára svoju históriu.

Trouveri do určitej miery zdedili tvorivú tradíciu trubadúrov, no zároveň sa ich diela výraznejšie spájali nie s rytierskou, ale s mestskou kultúrou svojej doby. Medzi trubadúrmi však boli predstavitelia rôznych spoločenských kruhov. Takže prvými trubadúrmi boli: Guillaume VII., gróf z Poitiers, vojvoda z Akvitánie (1071 - 1127) - a chudobný Gascon Markabrun.

Provensálski trubadúri, ako je známe, zvyčajne spolupracovali s žonglérmi, ktorí s nimi cestovali, predvádzali ich piesne alebo sprevádzali ich spev, akoby spájali povinnosti sluhu a pomocníka zároveň. Trubadúr vystupoval ako patrón, autor hudobného diela a žonglér ako performer.

V hudobnom a básnickom umení trubadúrov vynikli viaceré charakteristické žánrové odrody básne-piesne: alba (spev úsvitu), pastierska, sirventa, križiacke piesne, dialógové piesne, náreky, tanečné piesne. Tento zoznam nie je striktnou klasifikáciou. Texty lásky sú stelesnené v albumoch, pasienkoch a tanečných piesňach.

Sirventa - označenie nie je príliš jasné. V každom prípade to tak nie je lyrická pieseň. Znie v mene rytiera, bojovníka, odvážneho trubadúra, môže byť satirický, obviňujúci, zameraný na celú triedu, na určitých súčasníkov alebo udalosti. Neskôr vznikli žánre balád a rond.

Ako možno na základe materiálu odborných štúdií usúdiť, umenie trubadúrov v konečnom dôsledku nie je izolované ani od tradícií minulosti, ani od iných súčasných foriem hudobnej a poetickej tvorivosti.

Umenie trubadúrov slúžilo ako dôležité prepojenie medzi prvými formami hudobných a poetických textov v západnej Európe, medzi hudobnou a každodennou tradíciou a vysoko profesionálnymi oblasťami hudobnej tvorivosti v 13. -. XIV storočia. Samotní neskorší predstavitelia tohto umenia už inklinovali k hudobnej profesionalizácii, osvojili si základy novej hudobnej zručnosti.

Takéto Adam de la Al ( 1237-1238 - 1287), jeden z posledných trouveurov, rodák z Arrasu, francúzsky básnik, skladateľ, dramatik 2. polovice 13. storočia. Od roku 1271 bol v službách na dvore grófa Roberta d "Artois, s ktorým v roku 1282 odišiel ku Karolovi z Anjou, sicílskemu kráľovi, do Neapola. Počas pobytu v Neapole sa konala "Hra Robina a Marion" vznikla – najväčšia a významnú prácu básnik-skladateľ.

Takéto diela sú prehistóriou zrodu francúzskej hudobnej komédie 16. storočia. a operety 19. storočia.

Ukážky trubadúrskeho umenia prichádzajú do Nemecka v 12. – 13. storočí a priťahujú tam záujemcov; texty sú preložené do nemčiny, dokonca aj melódie sú niekedy podtextované novými slovami. Vývoj nemeckého baníctva ako umeleckého stelesnenia miestnej rytierskej kultúry od druhej polovice 12. storočia (až do začiatku 15. storočia) robí tento záujem o hudobné a poetické umenie francúzskych trubadúrov celkom pochopiteľným - najmä medzi ranými minnesingermi.

Umenie minnesingerov sa rozvinulo takmer o storočie neskôr ako umenie trubadúrov, v trochu inej historickej situácii, v krajine, kde spočiatku neexistovali také pevné základy na budovanie nového, čisto sekulárneho svetonázoru.

Najväčším predstaviteľom minnesangu bol Walther von der Vogelweide, básnik a autor Parsifala Wolframa von Eschenbacha. Legenda, ktorá je základom Wagnerovho Tannhäusera, je teda založená na historických faktoch.

Činnosť nemeckých minnesingerov sa však ani zďaleka neobmedzovala len na službu a vystupovanie na dvoroch: práve najvýznamnejší z nich strávili podstatnú časť života na ďalekých potulkách.

Umenie minnesangu teda nie je také monotónne: kombinuje rôzne trendy a melodická stránka je vo všeobecnosti progresívnejšia ako poetická. žánrová pestrosť Piesne Minnesingerov sú v mnohom podobné tým, ktoré pestovali provensálski trubadúri: piesne križiakov, ľúbostno-lyrické piesne rôzneho druhu, tanečné melódie.

Duchovná hudba neskorého stredoveku pokračuje vo svojom rozvoji. Polyfónna hudobná prezentácia bola široko rozvinutá.

Rozvoj polyfónneho písma, ktorý bol spočiatku charakteristický pre cirkevné umenie, viedol aj k formovaniu nových hudobných žánrov, duchovných i svetských. Najbežnejším žánrom polyfónie je moteto.

Motet, ktorý mal veľmi veľkú budúcnosť, sa veľmi intenzívne rozvíjal v 13. storočí. Jeho vznik sa datuje do minulého storočia, kedy vznikol v súvislosti s tvorivou činnosťou školy Notre Dame a mal najprv liturgický účel.

Moteto 13. storočia je viachlasné (zvyčajne trojhlasné) dielo malého alebo stredného rozsahu. Žánrovým znakom moteta bolo prvotné spoliehanie sa na hotovú melodickú vzorku (z kostolných nápevov, zo svetských piesní), na ktorú sa vrstvili ďalšie hlasy iného charakteru a niekedy aj iného pôvodu. Výsledkom bola kombinácia rôznych melódií s rôznymi textami.

Na prevedení určitých motét sa mohli podieľať nástroje (viela, žaltérium, organ). Napokon sa v 13. storočí presadila svojrázna forma každodennej polyfónie, ktorá dostala pomenovania rondel, company, ru (koleso). Ide o komiksový kánon, ktorý poznali aj stredovekí spiermeni.

Koncom 13. storočia hudobné umenie Francúzska do značnej miery udávalo tón v západnej Európe. Hudobná a poetická kultúra trubadúrov a truvérov, ako aj dôležité etapy vo vývoji polyfónie čiastočne ovplyvnili hudobné umenie iných krajín. V dejinách hudby dostalo 13. storočie (približne od 30. rokov 12. storočia) označenie „Ars antiqua“ („staré umenie“).

ARS NOVA VO FRANCÚZSKU. GUILLAUME MASHOT

Okolo roku 1320 vzniklo v Paríži hudobno-teoretické dielo Philippa de Vitry s názvom Ars nova. Tieto slová – „Nové umenie“ – sa ukázali ako okrídlené: viedli k definícii „epochy Ars nova“, ktorá sa dodnes bežne pripisuje francúzskej hudbe 14. storočia. S výrazmi „nové umenie“, „nová škola“, „noví speváci“ sa za čias Philippa de Vitryho často stretávali nielen v r. teoretické práce. Či už teoretici nové trendy podporovali alebo ich odsudzovali, či ich odsudzoval pápež, všade znamenali niečo nové vo vývoji hudobného umenia, čo tu nebolo pred objavením sa rozvinutých foriem polyfónie.

Najväčší predstaviteľ Ars nova vo Francúzsku bol Guillaume de Machaux- slávny básnik a skladateľ svojej doby, ktorého tvorivé dedičstvo sa skúma aj v dejinách literatúry.

Bez ohľadu na to, aké komplikované bolo v XIV storočí ďalší vývoj viachlasné formy, línia hudobného a básnického umenia, vychádzajúca od trubadúrov a truvérov, sa v atmosfére francúzskej Ars novy úplne nestratila. Ak bol Philippe de Vitry predovšetkým učený hudobník a Guillaume de Machaux sa stal majster francúzskych básnikov, potom však obaja boli básnikmi-hudobníkmi, teda v tomto zmysle akoby pokračovali v tradíciách trúrov z 13. storočia. Koniec koncov, nie toľko dlho oddeľuje tvorivú činnosť Philippa de Vitryho, ktorý začal komponovať hudbu okolo rokov 1313-1314, ba aj činnosť Machaulta (v rokoch 1320-1330) od r. v posledných rokoch tvorivý život Adama de la Halle († 1286 alebo 1287).

Oveľa významnejšia je historická úloha Guillauma ds Machauxa. Bez neho by vo Francúzsku nebola žiadna Ars nova. Koncentrovala sa jeho hudobná a poetická tvorivosť, bohatá, originálna, multižánrová Hlavné rysy tejto éry. V jeho umení sa akoby zbierali črty, prechádzajúce na jednej strane z hudobnej a poetickej kultúry trubadúrov a trúvrov v jej dlhoročnom piesňovom základe, na druhej strane od r. francúzske školy polyfónia 11.-111. storočia.

O životná cesta Macho do roku 1323, my, žiaľ, nič nevieme. Je známe len to, že sa narodil okolo roku 1300 v Masho. Bol to veľmi vzdelaný básnik širokej erudície a skutočný majster svojho remesla ako skladateľ. S nespochybniteľne vysokým nadaním musel, samozrejme, dostať dôkladnú prípravu na literárne a hudobná činnosť Prvým dátumom spojeným s faktom Mašovho životopisu sú roky 1322 - 1323, kedy začal svoju službu na dvore českého kráľa Jána Luxemburského (najskôr ako úradník, potom ako kráľovský tajomník). Vyše dvadsať rokov bol Mašo na dvore českého kráľa, niekedy v Prahe, niekedy sa neustále zúčastňoval jeho ťažení, ciest, slávností, poľovačiek atď. V sprievode Jána Luxemburského mal možnosť navštíviť hlavné centrá Talianska, v Nemecku v Poľsku. S najväčšou pravdepodobnosťou to všetko dalo Guillaumeovi de Machautovi veľa dojmov a úplne ho obohatilo. životná skúsenosť. Po smrti českého kráľa v roku 1346 bol v službách francúzskych kráľov Jána Dobrého a Karola V. a prijal kanonika v katedrále Notre Dame v Remeši. To prispelo k jeho sláve ako básnika. Masho si počas svojho života veľmi vážili a po smrti v roku 1377 ho jeho súčasníci oslavovali veľkolepými epitafmi. Machaux mal výrazný vplyv na francúzsku poéziu, vytvoril celú školu, ktorá sa vyznačuje formami básnických textov, ktoré rozvíjal.

Rozsah Machauxovej hudobnej a poetickej tvorivosti s mnohostranným vývojom žánrov, nezávislosť jeho pozícií, ktoré mali silný vplyv na francúzskych básnikov, vysoká zručnosť hudobníka - to všetko z neho robí prvú takú významnú osobnosť v histórii. hudobného umenia.

tvorivé dedičstvo Masho je rozsiahle a rozmanité. Vytváral motetá, balady, rondá, kánony atď.

Po Machauxovi, keď jeho meno veľmi uctievali básnici a hudobníci a jeho vplyv tak či onak pociťovali obaja, nenašiel medzi francúzskymi skladateľmi skutočne veľkých nástupcov. Veľa sa naučili z jeho skúseností ako polyfonistu, osvojili si jeho techniku, pokračovali v pestovaní rovnakých žánrov ako on, ale trochu zdrvených, prekomplikujúcich detaily, ich umenie.

RENESANCIA

Pretrvávajúci význam renesancie pre kultúru a umenie západnej Európy historici dlho uznávali a stali sa dobre známymi. Renesančnú hudbu reprezentuje množstvo nových a vplyvných tvorivých škôl, slávne mená Francesca Landiniho vo Florencii 14. storočia, Guillaume Dufay a Johannes Okeghem v 15. storočí, Josquin Despres na začiatku 16. storočia a galaxia klasiky prísny štýl v dôsledku renesancie - Palestrina, Orlando Lasso.

Začnite v Taliansku Nová éra prišiel za hudobným umením v XIV. Holandská škola sa formovala a dosiahla svoje prvé vrcholy v 15. storočí, potom sa jej rozvoj rozšíril a vplyv tak či onak zachytil majstrov iných národných škôl. Znaky renesancie sa vo Francúzsku zreteľne prejavili v 16. storočí, hoci jeho tvorivé úspechy boli veľké a nespochybniteľné aj v predchádzajúcich storočiach. V 16. storočí bol vzostup umenia v Nemecku, Anglicku a niektorých ďalších krajinách zahrnutých do obežnej dráhy renesancie.

Takže v hudobnom umení západoeurópskych krajín sa zjavné črty renesancie objavujú, aj keď s určitou nerovnomernosťou, v medziach XIV-XVI storočí. Umelecká kultúra renesancie, najmä hudobná, sa nepochybne neodvrátila od najlepších tvorivých úspechov neskorého stredoveku. Historická zložitosť obdobia renesancie mala korene v tom, že feudálny systém sa ešte takmer všade v Európe zachoval a vo vývoji spoločnosti nastali významné posuny, ktoré v mnohých smeroch pripravovali nástup novej éry. To sa prejavilo v sociálno-ekonomickej oblasti, politický život, v rozširovaní obzorov súčasníkov – geografických, vedeckých, umeleckých, v prekonávaní duchovnej diktatúry cirkvi, v vzostupe humanizmu, raste sebauvedomenia významnej osobnosti. So zvláštnym jasom sa objavili znaky nového svetonázoru a potom sa pevne usadili umeleckej tvorivosti, v pohybe dopredu rôzne druhy umenia, pre ktorého bola mimoriadne dôležitá „revolúcia myslí“, ktorú priniesla renesancia.

Niet pochýb o tom, že humanizmus vo svojom „obrodeneckom“ chápaní vlial do umenia svojej doby obrovskú sviežu energiu, inšpiroval umelcov k hľadaniu nových tém a do značnej miery určoval povahu obrazov a obsah ich diel. Pre hudobné umenie znamenal humanizmus predovšetkým prehĺbenie citov človeka, rozpoznanie novej estetickej hodnoty za nimi. To prispelo k identifikácii a implementácii najsilnejších vlastností hudobnej špecifickosti.

Celú éru ako celok charakterizuje jasná prevaha vokálnych žánrov, najmä vokálnej polyfónie. Len veľmi pomaly, postupne sa inštrumentálna hudba osamostatní, no jej priama závislosť od vokálnych foriem a každodenných zdrojov (tanec, pieseň) bude prekonaná až o niečo neskôr. Hlavné hudobné žánre zostávajú spojené s verbálnym textom.

Veľká cesta hudobného umenia, ktorá prešla od 14. do konca 16. storočia, nebola vôbec jednoduchá a priamočiara, tak ako sa celá duchovná kultúra renesancie nevyvíjala len a len po vzostupnej priamke. V hudobnom umení, ako aj v príbuzných oblastiach, existovala aj vlastná „gotická línia“ a vlastný, stabilný a húževnatý odkaz stredoveku.

Hudobné umenie západoeurópskych krajín dosiahlo novú hranicu v rozmanitosti talianskych, holandských, francúzskych, nemeckých, španielskych, anglických a iných kreatívnych škôl a zároveň s jasne vyjadrenými všeobecnými trendmi. Vznikla už klasika prísneho štýlu, prebiehala akási „harmonizácia“ polyfónie, zintenzívnil sa aj pohyb k homofónnemu písaniu, úloha tzv. tvorivá individualita umelca, význam každodennej hudby a jej vplyv na profesionálne umenie silnel vysoký stupeň, svetské hudobné žánre (najmä taliansky madrigal) sa obrazne obohacovali a individualizovali, mladá inštrumentálna hudba sa blížila k prahu samostatnosti. To všetko prevzalo 17. storočie priamo zo 16. storočia ako dedičstvo renesancie.

ARS NOVA V TALIANSKU. FRANCESCO LANDINI

Talianske hudobné umenie 14. storočia (Trecento) celkovo vytvára úžasný dojem sviežosti, akoby mladosti nového, len vznikajúceho štýlu. Hudba Arsu je v Taliansku nová, príťažlivá a silná vo svojej čisto talianskej povahe a v odlišnostiach od francúzskeho umenia tej doby. Ars nova v Taliansku je už úsvitom renesancie, jej významnou predzvesťou. Nie náhodou sa Florencia stala centrom tvorivej činnosti talianskych predstaviteľov Ars nova, ktorej význam mal pre r. novej literatúry humanistický smer a – do značnej miery – pre výtvarné umenie.

Obdobie Ars nova zahŕňa 14. storočie približne od 20. do 80. rokov a je poznačené prvým skutočným | rozkvetom sekulárnej hudobnej tvorivosti v Taliansku. Pre taliansku Ars novaa je charakteristická nespochybniteľná prevaha svetských skladieb nad duchovnými. Vo väčšine prípadov ide o ukážky hudobných textov alebo nejaké žánrové kúsky.

V centre hnutia Ars nova sa vysoko týči postava Francesca Landiniho, bohato a všestranne nadaného umelca, ktorý urobil silný dojem na vyspelých súčasníkov.

Landini sa narodil vo Fiesole neďaleko Florencie v rodine maliara. Po tom, čo v detstve prekonal ovčie kiahne, navždy oslepol. Podľa Villaniho sa hudbe začal venovať skoro (najskôr spieval a potom hral na sláčikoch a organe). Jeho hudobný vývoj napredoval úžasnou rýchlosťou a udivoval svoje okolie. Vynikajúco študoval dizajn mnohých nástrojov, robil vylepšenia a vymýšľal nové dizajny. Francesco Landini v priebehu rokov prekonal všetkých súčasných talianskych hudobníkov.

Preslávil sa najmä hrou na organe, za čo ho v prítomnosti Petrarku v roku 1364 v Benátkach korunovali vavrínmi. Moderní učenci to pripisujú rané práce do 1365-1370 rokov. V 80. rokoch 14. storočia už Landiniho sláva ako skladateľa zatienila úspechy všetkých jeho talianskych súčasníkov. Landini zomrel vo Florencii a je pochovaný v kostole San Lorenzo; dátum na jeho náhrobnom kameni je 2. september 1397.

Dnes je známych 154 skladieb od Landiniho. Prevládajú medzi nimi balady.

Kreativita Landini v podstate završuje obdobie Ars Nova Italy. Niet pochýb o tom, že všeobecná úroveň Landiniho umenia a jeho charakteristické kvality nám nedovoľujú považovať ho za provinčné, primitívne, čisto hedonistické.

V posledných dvoch desaťročiach 11. storočia dochádza v hudobnom umení Talianska k zmenám, ktoré najskôr narúšajú celistvosť postavenia Ars nova a následne vedú ku koncu jeho éry. Umenie 15. storočia už patrí do nového historického obdobia.

Stredovek je veľká éra ľudských dejín, čas nadvlády feudálneho systému.

Periodizácia kultúry:

Raný stredovek - 5. – 10. storočie

Vyspelý stredovek - XI - XIV storočia.

V roku 395 sa Rímska ríša rozdelila na dve časti: Západnú a Východnú. V západnej časti na ruinách Ríma v 5.-9.storočí existovali barbarské štáty: Ostrogóti, Vizigóti, Frankovia atď.V 9.storočí tu v dôsledku rozpadu ríše Karola Veľkého vznikli tri štáty : Francúzsko, Nemecko, Taliansko. Hlavným mestom východnej časti bol Konštantínopol, založený cisárom Konštantínom na mieste gréckej kolónie Byzancia – odtiaľ názov štátu.

§ 1. Západoeurópsky stredovek

Hmotným základom stredoveku boli feudálne vzťahy. Stredoveká kultúra sa formuje v podmienkach vidiecky statok. V budúcnosti sa stáva spoločenským základom kultúry mestské prostredie – mešťanosta. So vznikom štátov sa formujú hlavné stavy: duchovenstvo, šľachta, ľud.

Umenie stredoveku je úzko späté s kostol . kresťanské vyznanie- základ filozofie, etiky, estetiky, celého duchovného života tejto doby. Umenie plné náboženského symbolizmu ašpiruje od pozemského, prechodného k duchovnému, večnému.

Spolu s oficiálna cirkev kultúra (vysoká) existovala svetský kultúra (základná) - folklór(nižšie sociálne vrstvy) a rytiersky(súdne).

Hlavné ohniská profesionálny hudba raného stredoveku- katedrály, k nim pripojené spevácke školy, kláštory - jediné strediská vtedajšej vzdelanosti. Študovali gréčtinu a latinčinu, aritmetiku a hudbu.

Hlavným centrom cirkevnej hudby v západnej Európe bol v stredoveku Rím. Na konci VI - začiatkom VII storočia. formuje sa hlavná rozmanitosť západoeurópskej cirkevnej hudby - Gregoriánsky chorál , pomenovaná po pápežovi Gregorovi I., ktorý uskutočnil reformu cirkevného spevu, spojil a zefektívnil rôzne cirkevné hymny. Gregoriánsky chorál - monofónne Katolícky chorál, v ktorom sa spojili stáročné spevácke tradície rôznych blízkovýchodných a európskych národov (Sýrčania, Židia, Gréci, Rimania atď.). Bolo to plynulé monofónne odvíjanie jedinej melódie, ktorá mala zosobniť jedinú vôľu, stredobod pozornosti farníkov v súlade s princípmi katolicizmu. Povaha hudby je prísna, neosobná. Chorál hral zbor (odtiaľ názov), niektoré úseky sólista. Prevláda krokový pohyb založený na diatonických režimoch. Gregoriánsky chorál umožňoval veľa gradácií, od veľmi pomalých zborová psalmódia a končí výročia(melizmatické spievanie slabiky), vyžadujúce pre svoj výkon virtuózne vokálne schopnosti.

Gregoriánsky spev odcudzuje poslucháča realite, spôsobuje pokoru, vedie ku kontemplácii, mystickej odpútanosti. Text na latinčina, nezrozumiteľná omša farníkov. Rytmus spevu určoval text. Je neurčitý, neurčitý, vzhľadom na charakter akcentov prednesu textu.

Rôzne typy gregoriánskeho chorálu sa spojili v hlavnej bohoslužbe Katolíckej cirkvi - omša, v ktorom vzniklo päť stabilných častí:

Kyrie eleison(Pane zľutuj sa)

Gloria(sláva)

Krédo(veriť)

Sanctus(svätý)

Agnus dei(Ovečka Božia).

Postupom času do gregoriánskeho chorálu začínajú prenikať prvky ľudovej hudby hymny, sekvencie a trópy. Ak psalmódiu predniesol profesionálny spevácky zbor a duchovenstvo, potom hymny najprv predniesli farníci. Boli vložkami do oficiálnych bohoslužieb (mali črty ľudovej hudby). Čoskoro však hymnické časti omše začali nahrádzať psalmodické, čo viedlo k vystúpeniu polyfónna hmota.

Prvé sekvencie boli podtextom k melódii výročia, aby jeden zvuk melódie mal samostatnú slabiku. Sekvencia sa stáva bežným žánrom (najpopulárnejším « Veni, sante spiritus» , « Zomrie irae», « Stabat mater» ). „Dies irae“ používali Berlioz, Liszt, Čajkovskij, Rachmaninov (veľmi často ako symbol smrti).

Prvé vzorky polyfónie pochádzajú z kláštorov - organum(pohyb v paralelných kvintách alebo kvartách), gimel, fobourdon(paralelné šieste akordy), vodič. Skladatelia: Leonin a Perotin (12-13 storočia - Katedrála Notre Dame).

dopravcov svetského ľudu hudba v stredoveku mímovia, žongléri, miništranti vo Francúzsku, shpilmans- v krajinách nemeckej kultúry, hoglars - v Španielsku, šašovia - v Rusku. Títo potulní umelci boli univerzálnymi majstrami: spájali spev, tanec, hru na rôzne nástroje s kúzelníckymi trikmi, cirkusovým umením a bábkovým divadlom.

druhá strana sekulárnej kultúry bol rytierska (dvorská) kultúra (kultúra svetských feudálov). Takmer všetci vznešení ľudia boli rytiermi – od chudobných bojovníkov až po kráľov. Vytvára sa špeciálny rytiersky kódex, podľa ktorého musel mať rytier popri odvahe a udatnosti vycibrené spôsoby, byť vzdelaný, veľkorysý, veľkorysý, verne slúžiť. krásna dáma. Všetky aspekty rytierskeho života sa odrážajú v hudobnom a poetickom umení trubadúri(Provence - južné Francúzsko) , nohavice(severné Francúzsko), minnesingerov(Nemecko). Umenie trubadúrov sa spája najmä s ľúbostnými textami. Väčšina populárny žáner bol milostný text canzone(medzi minnesingermi - "Ranné piesne" - albumy).

Trouvers, široko využívajúc skúsenosti trubadúrov, si vytvorili svoje vlastné pôvodné žánre: « tkanie piesní», « Májové piesne". Dôležitou oblasťou hudobných žánrov trubadúrov, trouverov a minnesingerov bol piesňové a tanečné žánre: rondo, balada, virele(refrénové formy), ako aj hrdinský epos(francúzsky epos "Pieseň o Rolandovi", nemčina - "Pieseň o Nibelungoch"). Minnesingeri boli bežní križiacke piesne.

Charakteristické črty umenia trubadúrov, trouverov a minnesingerov:

monofónia- je dôsledkom nerozlučného spojenia melódie s básnickým textom, ktoré vyplýva zo samej podstaty hudobného a básnického umenia. Monofónii zodpovedal aj postoj k individualizovanému vyjadreniu vlastných zážitkov, osobnému hodnoteniu obsahu výpovede (vyjadrenie osobných zážitkov bolo často rámované zobrazovaním obrazov prírody).

Hlavne vokálny výkon.Úloha nástrojov nebola podstatná: zredukovala sa na prevedenie úvodov, medzihier a postlúdií rámujúcich vokálnu melódiu.

O rytierskom umení ešte nemožno hovoriť ako o profesionálnom, no v podmienkach po prvýkrát svetský muzicírovania vznikol mohutný hudobný a básnický smer s rozvinutým komplexom výrazových prostriedkov a pomerne dokonalou hudobnou tvorbou.

Jeden z dôležitých úspechov zrelý stredovek od X-XI storočia, bol mestský vývoj(meštianska kultúra) . Hlavnými znakmi mestskej kultúry boli proticirkevná, slobodomilná orientácia, spätosť s folklórom, jeho komický a fašiangový charakter. Rozvíja sa gotický architektonický štýl. Formujú sa nové polyfónne žánre: od 13. – 14. do 16. storočia. - moteto(z francúzštiny - „slovo“. Pre moteto je typická melodická nepodobnosť hlasov, intonovanie rôznych textov súčasne – často dokonca v rôznych jazykoch), madrigal(z taliančiny - „pieseň ďalej materinský jazyk“, t.j. taliansky. Texty sú ľúbostno-lyrické, pastoračné), caccha(z taliančiny - „poľovníctvo“ - vokálna skladba založená na texte zobrazujúcom lov).

Ľudoví potulní hudobníci prechádzajú z kočovného životného štýlu k usadlému, zaľudňujú celé mestské bloky a tvoria akési „hudobnícke dielne“. Od 12. storočia sa pripojili ľudoví hudobníci vaganti a goliardi- deklasovaní ľudia z rôznych tried (školáci, mnísi na úteku, potulní duchovní). Na rozdiel od negramotných žonglérov – typických predstaviteľov umenia ústnej tradície – boli tuláci a goliardi gramotní: vlastnili latinčina a pravidlá klasickej verzie, skladali hudbu – piesne (rozsah obrazov sa spája so školskou vedou a študentským životom) a dokonca aj zložité skladby ako sú dirigentá a motetá.

Stalo sa významným centrom hudobnej kultúry univerzity. Hudba, presnejšie - hudobná akustika - bola spolu s astronómiou, matematikou, fyzikou súčasťou kvadria, t.j. cyklus štyroch odborov študovaných na vysokých školách.

V stredovekom meste tak boli centrá hudobnej kultúry, rôzneho charakteru a sociálneho zamerania: spolky ľudových hudobníkov, dvorná hudba, hudba kláštorov a katedrál, univerzitná hudobná prax.

Hudobná teória stredoveku bol úzko spojený s teológiou. V niekoľkých hudobno-teoretických pojednaniach, ktoré sa k nám dostali, bola hudba považovaná za „služobníka cirkvi“. Medzi prominentnými traktátmi raného stredoveku vyniká 6 kníh „O hudbe“ od Augustína, 5 kníh od Boethia „O založení hudby“ atď. doktrína kozmickej úlohy hudby a pod.

Stredoveký pražcový systém bol vyvinutý predstaviteľmi cirkevného profesionálneho hudobného umenia - preto bol stredovekým pražcom priradený názov „kostolné režimy“. Iónsky a Liparský sa ustálili ako hlavné módy.

Hudobná teória stredoveku predložila doktrínu hexachordov. V každom pražci bolo v praxi použitých 6 krokov (napríklad: do, re, mi, fa, soľ, la). Xi sa potom vyhýbal, pretože. tvoril spolu s F prechod na zväčšený kvart, ktorý bol považovaný za veľmi disonantný a bol obrazne nazývaný „diabol v hudbe“.

Vo veľkej miere sa používala nepovinná notácia. Guido Aretinsky zlepšil systém notového zápisu. Podstata jeho reformy bola nasledovná: prítomnosť štyroch čiar, terciárny vzťah medzi jednotlivými čiarami, kľúčový znak (pôvodne doslovný) alebo zafarbenie čiar. Zaviedol tiež slabičnú notáciu pre prvých šesť krokov režimu: ut, re, mi, fa, soľ, la.

Predstavený menzurálny zápis, kde každej note bol priradený určitý rytmický takt (lat. mensura - miera, miera). Názvy trvania: maxim, longa, brevis atď.

XIV storočia - prechodné obdobie medzi stredovekom a renesanciou. Umenie Francúzska a Talianska XIV storočia sa nazývalo „ Ars nova„(z latinčiny – nové umenie) a v Taliansku malo všetky vlastnosti ranej renesancie. Hlavné znaky: odmietnutie používania výlučne cirkevných hudobných žánrov a priklonenie sa k svetským vokálnym a inštrumentálnym komorným žánrom (balada, kačča, madrigal), zblíženie s každodennou piesňou, používanie rôznych hudobných nástrojov. Ars nova je opakom tzv. ars antiqua (lat. ars antiqua - staré umenie), implikujúce umenie hudby pred začiatkom XIV. Najväčšími predstaviteľmi ars nova boli Guillaume de Macho (14. storočie, Francúzsko) a Francesco Landino (14. storočie, Taliansko).

Hudobná kultúra stredoveku tak napriek relatívne obmedzeným prostriedkom predstavuje v porovnaní s hudbou antického sveta vyššiu úroveň a obsahuje predpoklady pre rozkvet hudobného umenia v renesancii.

Hudba stredoveku

Hudobná kultúra stredoveku je mimoriadne objemný a mnohostranný historický fenomén, chronologicky umiestnený medzi obdobiami antiky a renesancie. Je ťažké si to predstaviť ako jedno obdobie, pretože v rôznych krajinách sa vývoj umenia uberal vlastnými cestami.

Špecifikom stredoveku, ktorý sa podpísal na všetkých sférach vtedajšieho ľudského života, bola vedúca úloha cirkvi v politike, etike, umení atď. Takémuto osudu sa nevyhla ani hudba: nebola napriek tomu oddelený od náboženstva a mal hlavne duchovnú funkciu. Jeho obsah, obraznosť, celá jeho estetická podstata stelesňovala popieranie hodnôt pozemského života v záujme odplaty po smrti, kázanie asketizmu, odpútanie sa od vonkajších požehnaní. Ľudové umenie, ktoré naďalej nieslo odtlačok pohanských presvedčení, bolo často napádané „oficiálnym“ umením katolíckej cirkvi.

Prvé obdobie - raný stredovek - sa zvyčajne počíta od obdobia, ktoré nasledovalo bezprostredne po páde Rímskej ríše, teda od 6. storočia nášho letopočtu. e. V tom čase na území Európy existovalo a migrovalo mnoho kmeňov a národov na rôznych stupňoch historického vývoja. Pamiatkami hudobného umenia tohto obdobia je však už len hudba kresťanskej cirkvi (hlavne v neskoršom zápise), zdediaca na jednej strane kultúru Rímskej ríše, na druhej strane hudba r. Východ (Judea, Sýria, Arménsko, Egypt). Predpokladá sa, že interpretačné tradície kresťanského spevu sú antifóny (opozícia dvoch zborové skupiny) a responzóriá (striedavý sólový spev a „odpovede“ zboru) – vyvinuté na základe orientálnych vzorov.

Do 8. storočia sa v európskych krajinách postupne sformovala tradícia liturgického spevu, ktorej základom bol gregoriánsky chorál, súbor jednohlasných zborových spevov systemizovaných pápežom Gregorom I. Tu by sme sa mali podrobnejšie zastaviť pri osobnosti samotného Gregora, ktorý pre význam jeho postavy v dejinách získal titul Veľký.

Narodil sa v Ríme v roku 540 v rodine šľachtického pôvodu, ktorá nemala finančné ťažkosti. Po smrti svojich rodičov získal Gregor bohaté dedičstvo a mohol vo svojom rodinnom dome založiť niekoľko kláštorov na Sicílii a jeden v Ríme na vrchu Caelian. Posledný kláštor, nazývaný kláštor svätého Ondreja apoštola, si vybral ako miesto pre život.

V roku 577 bol Gregor vysvätený za diakona, v roku 585 bol zvolený za opáta kláštora, ktorý založil, v roku 590 bol jednomyseľným rozhodnutím rímskeho senátu, duchovenstva a ľudu zvolený na pápežský stolec, ktorý zastával až do svojej smrti. , ktorý nasledoval v roku 604. .

Už za svojho života sa Gregor tešil na Západe veľkej úcte a nezabudli naňho ani po smrti. Existuje veľa príbehov o zázrakoch, ktoré vykonal. Preslávil sa aj ako spisovateľ: životopisci ho v tomto ohľade prirovnávajú k veľkým filozofom a mudrcom. Okrem toho je Gregor Veľký jednou z najvýznamnejších osobností vývoja cirkevnej hudby. Zaslúžil sa o rozšírenie systému ambriansko-rosiánskych režimov a vytvorenie špeciálnej speváckej školy s názvom cantus gregorianus.

Gregor dlhé roky zbieral melódie z rôznych kresťanských kostolov a následne z nich vytvoril zbierku s názvom Antifonár, ktorý bol pripútaný reťazou k oltáru kostola sv. Petra v Ríme ako príklad kresťanského spevu.

Pápež zaviedol oktávový systém, ktorý nahradil grécky systém tetrachordov, a označil názvy predtým gréckych tónov latinskými písmenami A, B, C atď., a ôsmy tón dostal opäť názov prvého. Celá stupnica Gregora Veľkého pozostávala zo 14 tónov: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. Písmeno B (b) malo dvojaký význam: B okrúhle (B rotundum) a B hranaté (B quadratum), teda B-ploché a B-becar, podľa potreby.

Vráťme sa však k pápežovi Gregorovi, ktorý sa okrem iného stal zakladateľom speváckej školy v Ríme, horlivo sledoval školenie a dokonca sa sám učil, tvrdo trestal študentov za nedbalosť a lenivosť.

Treba si uvedomiť, že postupne gregoriánsky chorál, pozostávajúci zo spevov dvoch typov – psalmódia (meraná recitácia textu Svätého písma, hlavne v rovnakej zvukovej výške, v ktorej pripadá na jednu slabiku textu jedna nota spevu). ) a hymny-výročia (voľné spevy slabík slova „Aleluja“) vytlačili z kostola ambroziánsky spev. Od posledného sa líšil tým, že bol rovnomerný, nezávislý od textu. To zase umožnilo, aby melódia plynula prirodzene a plynulo a hudobný rytmus sa odteraz osamostatnil, čo bola najdôležitejšia udalosť v dejinách hudby.

Pôsobenie zborového spevu na farníkov umocnili akustické možnosti kostolov s ich vysokými klenbami, odrážajúcimi zvuk a vytvárajúcimi efekt Božskej prítomnosti.

V nasledujúcich storočiach, s rozšírením vplyvu Rímskej cirkvi, bol takmer vo všetkých európskych krajinách do bohoslužieb zavedený (niekedy násilne implantovaný) gregoriánsky chorál. V dôsledku toho sa do konca 11. storočia zjednotila celá katolícka cirkev. všeobecné formy bohoslužby.

Hudobná veda sa v tom čase rozvíjala v úzkom spojení s kláštornou kultúrou. V VIII - IX storočí sa na základe gregoriánskeho chorálu vytvoril systém cirkevných režimov stredoveku. Tento systém je spojený s monofónnym hudobným skladom, s monodiou a predstavuje osem diatonických stupníc (dórska, hypodorská, frýgická, hypofrýgická, lýdska, hypolydská, mixolýdska, hypomixolýdska), z ktorých každá bola stredovekými teoretikmi a praktikmi vnímaná ako kombinácia určité výrazové možnosti (prvý pražec - "šikovný", druhý - "vážny", tretí - "rýchly" atď.).

V tom istom období sa začína formovať notový zápis, najskôr reprezentovaný takzvanými neumami – znakmi, ktoré zreteľne ukazovali pohyb melódie nahor alebo nadol. Hudobné znaky sa následne vyvinuli z neumé. Reformu notového zápisu uskutočnil v druhej štvrtine 11. storočia taliansky hudobník Guido D'Arezzo, ktorý sa narodil v roku 990. Málo sa vie o jeho detstve. Po dosiahnutí zrelého veku sa Guido stal mníchom benediktínskeho kláštora Pomposa neďaleko Ravenny.

Guido D'Arezzo

Príroda ho štedro obdarila rôznymi talentami, ktoré mu umožnili ľahko predčiť svojich spolubojovníkov v učení. Ten mu závidel úspech a to, ako dobre sa Guido ukázal ako učiteľ spevu. To všetko malo za následok ostro negatívny a čiastočne aj nepriateľský postoj ostatných voči Guidovi a nakoniec bol nútený presťahovať sa do iného kláštora - do Arezza, z ktorého mena dostal prezývku Aretinsky.

Guido bol teda jedným z vynikajúcich hudobníkov svojej doby a jeho inovácie v oblasti výučby duchovného spevu priniesli vynikajúce výsledky. Upozornil na notový zápis a vynašiel štvorriadkový systém, na ktorom presne lokalizoval poltóny (záviseli od nich charakteristické znaky toho či onoho režimu, ako aj melódia vychádzajúca z tohto režimu, ktoré spadali medzi kroky. gregoriánskych spôsobov).

V snahe zaznamenať melódiu čo najpresnejšie, Guido vymyslel rôzne pravidlá, ktoré zarámoval do zložitého a spletitého systému s novými názvami tónov: ut, re, mi, fa, sol, la. Napriek rôznym ťažkostiam spôsobeným používaním takéhoto systému vydržal veľmi dlho a jeho stopy sa nachádzajú medzi teoretikmi 18. storočia.

Zaujímavé je, že Guido D'Arezzo bol najprv prenasledovaný za svoje inovácie. Ale keďže systém talentovaného hudobníka značne uľahčil nahrávanie a čítanie melódií, pápež ho s poctami vrátil do kláštora Pomposa, kde Guido D'Arezzo žil až do svojej smrti, teda do roku 1050.

V 11. - 12. storočí sa črtal zlom vo vývoji umeleckej kultúry stredoveku, a to v dôsledku nových spoločensko-historických procesov (rast miest, križiacke výpravy, presadzovanie nových spoločenských vrstiev vrátane rytierstva, r. formovanie prvých centier svetskej kultúry atď.). Po celej Európe sa rozšírili nové kultúrne fenomény. Dochádza k skladania a distribúcii stredovekého románu, gotického štýlu v architektúre, rozvoja polyfónneho písania v hudbe, formovania svetských hudobných a poetických textov.

Hlavným znakom rozvoja hudobného umenia v tomto období bolo etablovanie a rozvoj polyfónie, ktorá vychádzala z gregoriánskeho chorálu: speváci pridali k hlavnej chrámovej melódii druhý hlas. V prvých príkladoch dvojhlasu, zaznamenaných v hudobných ukážkach 9.-11. storočia, sa hlasy pohybujú paralelne v jedinom rytme (v intervaloch kvarty, kvinty alebo oktávy). Neskôr sa objavujú príklady neparalelného pohybu hlasov („Jeden spevák vedie hlavnú melódiu, druhý šikovne blúdi po iných zvukoch,“ píše teoretik Guido D’Arezzo). Tento typ dvoj- a polyfónie sa nazýva organum podľa názvu pripojeného hlasu. Neskôr sa pripojený hlas začal zdobiť melizmami, začal sa voľnejšie pohybovať v rytmickom zmysle.

Rozvoj nových foriem polyfónie bol aktívny najmä v Paríži a Limoges v 12.-13. Toto obdobie sa zapísalo do dejín hudobnej kultúry ako „epocha Notre Dame“ (pod názvom svetoznáma pamiatka architektúry, kde spievajúca kaplnka fungovala). Medzi autorov, ktorých mená sa v histórii zachovali, patria Leonin a Perotin, autori organum a iných viachlasných diel. Leonin vytvoril „Veľkú knihu organum“, určenú pre ročný cyklus cirkevného spevu. Meno Perotin je spojené s prechodom na troj- a štvorhlas, ďalším obohatením melodického písania. Zároveň si treba uvedomiť, že význam školy Notre Dame je významný nielen pre Francúzsko, ale pre všetko. európske umenie vtedy.

Formovanie svetských žánrov v tomto období pripravovala tvorba potulných ľudových hudobníkov – žonglérov, miništrantov a špilmanov. Oficiálnou cirkvou odmietaní a dokonca prenasledovaní potulní hudobníci boli prvými nositeľmi svetských textov, ale aj čisto inštrumentálnej tradície (používali rôzne dychové a sláčikové nástroje, harfu a pod.).

V tom čase boli umelci herci, cirkusanti, speváci a inštrumentalisti v jednom. Putovali z mesta do mesta, vystupovali na slávnostiach na dvoroch, na hradoch, na jarmokoch a pod. K žonglérom, žrebcom a miništrantom sa pridali aj vaganti a goliardi – nešťastní študenti a mnísi na úteku, vďaka čomu „umelecké“ prostredie šíriť gramotnosť. Postupne v týchto kruhoch vznikla špecializácia, potulní umelci začali vytvárať dielne a usadzovať sa v mestách.

V tom istom období sa presadila akási „intelektuálna“ vrstva – rytierstvo, medzi ktorými (v obdobiach prímeria) vzrástol aj záujem o umenie. V XII storočí sa v Provence zrodilo umenie trubadúrov, ktoré sa stalo základom špeciálneho tvorivého hnutia. Trubadúri väčšinou pochádzali z najvyššej šľachty a boli hudobne gramotní. Vytvárali hudobno-básnické diela komplexnej formy, v ktorých spievali pozemské radosti, hrdinstvo križiackych výprav atď.

Trubadúr bol predovšetkým básnik, ale melódiu si často požičal z každodenného života a tvorivo ju premyslel. Niekedy si trubadúri najímali miništrantov, ktorí im poskytli inštrumentálny doprovod k ich spevu, a zapájali žonglérov do predvádzania a skladania hudby. Medzi trubadúrov, ktorých mená sa k nám dostali cez závoj storočí, sú Juafre Rudel, Bernart de Ventadorn, Bertrand de Born, Rambout de Vaqueiras a ďalší.

Poézia trubadúrov mala priamy vplyv na formovanie kreativity trúdov, čo bolo demokratickejšie, keďže väčšina trúdov pochádzala od mešťanov. Niektorí truvéri vytvorili kúsky na objednávku. Najznámejším z nich bol Adam de la Alle, rodák z Arrasu, francúzsky básnik, skladateľ, dramatik 2. polovice 13. storočia.

Umenie trubadúrov a truveurov sa rozšírilo po celej Európe. Pod jeho vplyvom sa v Nemecku o storočie neskôr (XIII. storočie) sformovali tradície minnesingerskej školy, ktorej predstavitelia, talentovaní hudobníci a skladatelia, pôsobili najmä na dvoroch.

XIV storočie možno považovať za akýsi prechod k renesancii. Toto obdobie sa vo vzťahu k francúzskej hudbe bežne označuje ako Ars Nova (Nové umenie), podľa názvu vedeckého diela, ktoré okolo roku 1320 vytvoril parížsky teoretik a skladateľ Philippe de Vitry.

Treba poznamenať, že v uvedenom čase sa v umení skutočne objavujú zásadne nové prvky: napríklad sa tu presadzujú (aj na teoretickej úrovni) nové princípy rytmického delenia a vedenia hlasu, nové modálne systémy (najmä zmeny a tonálne gravitácie - teda "ostré" a "ploché"), nové žánre, dosahovanie novej úrovne profesionálnej zručnosti.

Okrem Philippa de Vitryho, ktorý vytvoril motetá k vlastným textom, treba zaradiť medzi najväčších hudobníkov 14. storočia Guillauma de Machaux, ktorý sa narodil v Machaux v Champagne okolo roku 1300.

Guillaume de Machaux svojho času slúžil na dvore Joanny Navarrskej, manželky Filipa Pekného, ​​neskôr sa stal osobným tajomníkom českého kráľa Jána Luxemburského a na sklonku života bol na dvore Karola V. Francúzska. Súčasníci ho uctievali ako výnimočného hudobný talent, vďaka čomu bol nielen brilantným interpretom, ale aj vynikajúcim skladateľom, ktorý po sebe zanechal obrovské množstvo diel: jeho motetá, balady, rondá, kánony a ďalšie piesňové (piesňové a tanečné) formy sa k nám dostali.

Hudba Guillauma de Machaux sa vyznačuje rafinovanou expresivitou, gráciou a podľa výskumníkov je vyjadrením ducha éry Ars Nova. Hlavnou zásluhou skladateľa je, že pri príležitosti nástupu Karola V. na trón napísal historicky prvú autorskú omšu.