Balet je umelecká forma, v ktorej je prostredníctvom choreografií zhmotnená myšlienka tvorcu. Baletné predstavenie má námet, tému, myšlienku, dramatický obsah, libreto. Len v ojedinelých prípadoch sa odohrávajú bezzápletkové balety. Vo zvyšku musia tanečníci choreografickými prostriedkami sprostredkovať pocity postáv, dej, akciu. Baletný tanečník je herec, ktorý pomocou tanca sprostredkúva vzťah postáv, ich vzájomnú komunikáciu, podstatu diania na javisku.

História vzniku a vývoja baletu

Balet sa objavil v Taliansku v 16. storočí. V tomto čase boli choreografické scény zahrnuté ako epizóda v hudobné vystúpenie, opera. Neskôr, už vo Francúzsku, sa balet rozvinul ako veľkolepé, vznešené dvorné predstavenie.

15. október 1581 je považovaný za deň narodenia baletu na celom svete. Práve v tento deň vo Francúzsku predstavil taliansky choreograf Baltazarini svoju tvorbu verejnosti. Jeho balet sa volal Cercea alebo The Queen's Comedy Ballet. Predstavenie trvalo asi päť hodín.

najprv francúzske balety boli založené na dvorníkoch a ľudové tance a melódie. Spolu s muzikálom boli v predstavení konverzačné, dramatické scény.

Rozvoj baletu vo Francúzsku

Vzostup popularity a rozkvet baletného umenia umožnil Ľudovít XIV. Na predstaveniach sa s obľubou zúčastňovali vtedajší dvorní šľachtici. Dokonca aj žiarivý kráľ dostal prezývku „Kráľ slnka“ kvôli úlohe, ktorú stvárnil v jednom z baletov dvorného skladateľa Lullyho.

V roku 1661 založil Ľudovít XIV. prvú baletnú školu na svete, Kráľovskú akadémiu tanca. Vedúcim školy bol Lully, ktorý určil vývoj baletu na ďalšie storočie. Keďže Lully bol skladateľ, rozhodol sa závislosť tanečných pohybov od konštrukcie hudobných fráz a povaha tanečných pohybov - od povahy hudby. V spolupráci s Molièrom a Pierrom Beauchampom, učiteľom tanca Ľudovíta XIV., vznikli teoretické a praktické základy baletného umenia. Pierre Beauchamp začal vytvárať terminológiu klasického tanca. Dodnes sa vo francúzštine používajú výrazy na označenie a popis hlavných baletných pozícií a kombinácií.

V 17. storočí bol balet doplnený o nové žánre, ako balet-opera, balet-komédia. Uskutočňujú sa pokusy vytvoriť predstavenie, v ktorom by sa hudba organicky odrážala dejová línia a tanec sa zasa organicky prelínal s hudbou. Tak sú položené základy baletného umenia: jednota hudby, tanca a dramaturgie.

Od roku 1681 bola účasť na baletných predstaveniach dostupná aj pre ženy. Dovtedy boli baletnými tanečníkmi iba muži. Váš hotový vzhľad samostatný pohľad umenie, balet dostáva až v druhej polovici 18. storočia vďaka javiskovej inovácii francúzskeho choreografa Jeana Georgesa Novera. Jeho reformy v choreografii prisúdili hudbe aktívnu úlohu ako základ pre baletné predstavenie.

Rozvoj baletu v Rusku

Prvé baletné predstavenie v Rusku sa uskutočnilo 8. februára 1673 v obci Preobraženskoje na dvore cára Alexandra Michajloviča. Originalitu ruského baletu tvorí francúzsky choreograf Charles-Louis Didelot. Potvrdzuje prioritu ženskej partie v tanci, zvyšuje rolu baletného zboru, posilňuje prepojenie tanca a pantomímy. Skutočnú revolúciu v baletnej hudbe urobil P.I. Čajkovskij vo svojich troch baletoch: Luskáčik, Labutie jazero a Šípková Ruženka. Tieto diela a za nimi aj výkony sú neprekonateľnou perlou hudobného a tanečného žánru, ktorá nemá obdobu v hĺbke dramatického obsahu a kráse figuratívneho prejavu.

V roku 1783 vytvorila Katarína II. Cisárske divadlo opery a baletu v Petrohrade a Veľké divadlo v Moskve. Na pódiách slávnych divadiel Ruský balet preslávili takí majstri ako M. Petipa, A. Pavlova, M. Danilova, M. Plisetskaja, V. Vasiliev, G. Ulanova a mnohí ďalší.

20. storočie sa nieslo v znamení inovácií v literatúre, hudbe a tanci. V balete sa táto inovácia prejavila v tvorbe tanca - plastického tanca bez techniky. klasickej choreografii. Jednou zo zakladateľov moderného baletu bola Isadora Duncan.

Vlastnosti klasickej choreografie

Jednou z hlavných požiadaviek klasickej choreografie je everzia nôh. Prvými baletnými účinkujúcimi boli dvorní aristokrati. Všetci ovládali umenie šermu, ktorý využíval polohu everznej nohy umožňujúcu lepší pohyb v akomkoľvek smere. Od šermu sa požiadavky účasti zmenili na choreografiu, ktorá bola pre francúzskych dvoranov samozrejmosťou.

Ďalšia črta baletu – predstavenie na špičkách – sa objavila až v 18. storočí, keď túto techniku ​​prvýkrát použila Marie Taglioni. Každá škola a každý tanečník vniesli do baletného umenia svoje vlastné charakteristiky, ktoré ho obohatili a urobili populárnejším.

Sekcia publikácií Divadlá

Slávne ruské balety. Top 5

Klasický balet je úžasná umelecká forma, ktorá sa zrodila v Taliansku počas zrelej renesancie, „presunula“ sa do Francúzska, kde sa o jeho rozvoj, vrátane založenia Akadémie tanca a kodifikácie mnohých hnutí, zaslúžil kráľ Ľudovít XIV. . Francúzsko vyviezlo umenie divadelného tanca všetkým európske krajiny vrátane Ruska. AT polovice devätnásteho storočí už hlavným mestom európskeho baletu nebol Paríž, ktorý dal svetu majstrovské diela romantizmu „La Sylphide“ a „Giselle“, ale Petrohrad. Presne o severné hlavné mesto takmer 60 rokov pôsobil skvelý choreograf Marius Petipa, tvorca systému klasického tanca a autor majstrovských diel, ktoré dodnes neschádzajú z javiska. Po októbrovej revolúcii chceli balet zhodiť z lode moderny, no podarilo sa im ho ubrániť. Sovietsky čas bol poznačený vytvorením značného množstva majstrovských diel. Predstavujeme päť domácich špičkových baletov – v chronologickom poradí.

"Don Quijote"

Scéna z baletu Don Quijote. Jedna z prvých inscenácií Mariusa Petipu

Premiéra baletu L.F. Minkus "Don Quijote" Veľké divadlo. 1869 Z albumu architekta Alberta Kavosa

Scény z baletu Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (uprostred). Inscenácia A.A. Gorského. Moskva, Veľké divadlo. 1900

Hudba L. Minkus, libreto M. Petipa. Prvá inscenácia: Moskva, Veľké divadlo, 1869, choreografia M. Petipa. Následné inscenácie: Petrohrad, Mariinské divadlo, 1871, choreografia M. Petipa; Moskva, Veľké divadlo, 1900, Petrohrad, Mariinské divadlo, 1902, Moskva, Veľké divadlo, 1906, všetko - choreografia A. Gorského.

Balet "Don Quijote" - plný života a radosti divadelné predstavenie, večná oslava tanca, ktorá nikdy neomrzí dospelých a ku ktorej rodičia radi vedú svoje deti. Hoci sa volá meno hrdinu slávneho románu Cervantes, vychádza z jednej z jeho epizód „Svadba Kitérie a Basilia“ a rozpráva o dobrodružstvách mladých hrdinov, ktorých láska napokon napriek odporu zvíťazí. hrdinkinho tvrdohlavého otca, ktorý ju chcel vydať za bohatého Gamache.

Don Quijote s tým teda nemá takmer nič spoločné. Celé predstavenie je vysoký, štíhly umelec, sprevádzaný nízkym bruchým kolegom, ktorý zobrazuje Sancho Panzu, kráča po pódiu a občas vám znemožňuje sledovať skladby Petipu a Gorského krásne tance. Balet je v podstate koncert v kostýmoch, oslava klasického a charakteristického tanca, kde majú čo robiť všetci umelci akéhokoľvek baletného súboru.

Prvá inscenácia baletu sa konala v Moskve, kam Petipa z času na čas cestoval, aby zvýšil úroveň miestneho súboru, ktorý sa nedal porovnať s brilantným súborom Mariinského divadla. Ale v Moskve sa dýchalo ľahšie, takže choreograf v podstate uviedol baletnú spomienku na nádherné roky mladosti strávené v slnečnej krajine.

Balet mal úspech a o dva roky ho Petipa presunul do Petrohradu, čo si vyžiadalo prepracovanie. v severnom hlavnom meste charakteristické tance oveľa menší záujem ako čistá klasika. Petipa rozšíril "Don Quijote" na päť dejstiev, skomponoval "biele dejstvo", takzvaný "Den Quijote", skutočný raj pre milovníčky balerínok, majiteľky pekných nôh. Počet amorov v „Dreame“ dosiahol päťdesiatdva...

Don Quijote k nám prišiel v prepracovaní od moskovského choreografa Alexandra Gorského, ktorý mal rád myšlienky Konstantina Stanislavského a chcel urobiť starý balet logickejším a dramaticky presvedčivejším. Gorsky zničil Petipove symetrické kompozície, zrušil tutovku v scéne „Dream“ a trval na použití sviežeho mejkapu pre španielskych tanečníkov. Petipa ho nazval „prasaťom“, ale už v prvej premene Gorského bol balet uvedený na javisku Veľkého divadla 225-krát.

"Labutie jazero"

Kulisy na prvé predstavenie. Veľké divadlo. Moskva. 1877

Scéna z baletu "Labutie jazero" od P.I. Čajkovskij (choreografi Marius Petipa a Lev Ivanov). 1895

Hudba P. Čajkovskij, libreto V. Begičev a V. Geltser. Prvá inscenácia: Moskva, Veľké divadlo, 1877, choreografia V. Reisinger. Následná inscenácia: Petrohrad, Mariinské divadlo, 1895, choreografia M. Petipa, L. Ivanov.

Všetkým obľúbený balet, ktorého klasická verzia bola uvedená v roku 1895, sa v skutočnosti zrodil o osemnásť rokov skôr v moskovskom Veľkom divadle. Partitúra Čajkovského, ktorého svetová sláva ešte len prišla, bola akousi zbierkou „piesní bez slov“ a na tú dobu sa zdala príliš komplikovaná. Balet sa odohral asi 40-krát a upadol do zabudnutia.

Po Čajkovského smrti bolo Labutie jazero uvedené v Mariinskom divadle a všetky nasledujúce inscenácie baletu boli založené na tejto verzii, ktorá sa stala klasikou. Akcia dostala veľkú jasnosť a logiku: balet rozprával o osude krásnej princeznej Odette, ktorá sa z vôle zlého génia Rothbarta zmenila na labuť, o tom, ako Rothbart oklamal princa Siegfrieda, ktorý sa do nej zamiloval, uchýlil sa k kúzlam svojej dcéry Odile a o smrti hrdinov. Čajkovského partitúru znížil dirigent Ricardo Drigo asi o tretinu a preorchestroval. Petipa vytvoril choreografiu pre prvé a tretie dejstvo, Lev Ivanov pre druhé a štvrté. Toto rozdelenie perfektný spôsob reagoval na povolanie oboch skvelých choreografov, z ktorých druhý musel žiť a zomrieť v tieni prvého. Petipa je otcom klasického baletu, tvorcom dokonale harmonických skladieb a spevákom ženy-víly, ženy-hračky. Ivanov je inovatívny choreograf s nezvyčajne citlivým citom pre hudbu. Úlohu Odette-Odile stvárnila Pierina Legnani, „kráľovná milánskych balerínok“, je tiež prvou Raymondou a vynálezkyňou 32 fouettes, najťažšieho typu rotácie na špičkách.

O balete možno nič neviete, ale Labutie jazero pozná každý. AT posledné roky existencie Sovietsky zväz, keď sa starí lídri dosť často striedali, srdečná melódia „bieleho“ duetu hlavných postáv baletu a výbuchy krídel z televíznej obrazovky predznamenali smutnú udalosť. Japonci tak milujú Labutie jazero, že sú pripravení ho sledovať ráno aj večer v podaní akéhokoľvek súboru. Bez Lebedinoya sa nezaobíde ani jeden zájazdový súbor, ktorých je v Rusku a najmä v Moskve veľa.

"Luskáčik"

Scéna z baletu Luskáčik. Prvá inscenácia. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Opera Mariinskii. 1892

Scéna z baletu Luskáčik. Prvá inscenácia. Opera Mariinskii. 1892

Hudba P. Čajkovskij, libreto M. Petipa. Prvá inscenácia: Petrohrad, Mariinské divadlo, 1892, choreografia L. Ivanov.

Z kníh a webových stránok sa stále potulujú mylné informácie, že Luskáčik naštudoval otec klasického baletu Marius Petipa. V skutočnosti Petipa napísal iba scenár a prvú produkciu baletu realizoval jeho podriadený Lev Ivanov. Ivanovovi pripadla nesplniteľná úloha: scenár vytvorený v štýle vtedajšej módnej baletnej extravagancie s neodmysliteľnou účasťou talianskeho hosťa bol v očividnom rozpore s Čajkovského hudbou, ktorá, hoci bola napísaná v prísnom súlade s Petipovými inštrukciami, sa vyznačoval veľkým citom, dramatickým bohatstvom a zložitým symfonickým vývojom. Okrem toho bola hrdinkou baletu dospievajúce dievča a balerína bola pripravená iba na záverečné pas de deux (duet s partnerom, pozostávajúci z adagia - pomalá časť, variácie - sólové tance a coda (virtuózne finále)). Prvá inscenácia Luskáčik, kde sa prvý, prevažne pantomimický počin, výrazne líšil od druhého, spestrenia, nebola veľmi úspešná, kritici zaznamenali iba Valčík snehových vločiek (zúčastnilo sa ho 64 tanečníkov) a Pas de deux dražé víly a princa z čierneho kašľa , ktorý bol inšpirovaný Ivanovovým Adagiom s ružou zo Šípkovej Ruženky, kde Aurora tancuje so štyrmi pánmi.

Ale v 20. storočí, ktoré dokázalo preniknúť do hlbín Čajkovského hudby, bol Luskáčik predurčený na skutočne fantastickú budúcnosť. V Sovietskom zväze, európskych krajinách a USA je nespočetné množstvo baletných predstavení. V Rusku sú obľúbené najmä inscenácie Vasilija Vainonena v Leningradskom štátnom akademickom divadle opery a baletu (dnes Mariinské divadlo v Petrohrade) a Jurija Grigoroviča v Moskovskom Veľkom divadle.

"Rómeo a Júlia"

Balet Rómeo a Júlia. Júlia - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939

Pani Patrick Campbeple ako Júlia v Shakespearovom Rómeovi a Júlii. 1895

Finále Rómea a Júlie. 1940

Hudba S. Prokofiev, libreto S. Radlov, A. Piotrovskij, L. Lavrovskij. Prvá inscenácia: Brno, Divadlo opery a baletu, 1938, choreografia V. Psota. Následná produkcia: Leningrad, Štátna akademická opera a baletné divadlo. S. Kirov, 1940, choreografia L. Lavrovskij.

Ak znie Shakespearova fráza v známom ruskom preklade "Na svete nie je smutnejší príbeh ako príbeh Rómea a Júlie.", potom povedali o balete veľkého Sergeja Prokofieva napísanom na tomto pozemku: "Na svete nie je smutnejší príbeh ako Prokofievova hudba v balete". Skutočne úžasná v kráse, bohatosti farieb a výraznosti, partitúra „Rómeo a Júlia“ sa v čase svojho vzniku zdala príliš komplikovaná a pre balet nevhodná. Baletní tanečníci s ňou jednoducho odmietli tancovať.

Prokofiev partitúru napísal v roku 1934 a pôvodne nebola určená pre divadlo, ale pre slávnu Leningradskú akademickú choreografickú školu na oslavu jej 200. výročia. Projekt sa nerealizoval pre vraždu Sergeja Kirova v roku 1934 v Leningrade, v poprednom hudobné divadlo druhé hlavné mesto prišlo na zmenu. Nevyšiel ani plán inscenovať Rómea a Júliu v moskovskom Boľšoj. V roku 1938 uviedlo premiéru divadlo v Brne a až o dva roky neskôr bol Prokofievov balet konečne uvedený aj v domovine autora, vo vtedajšom Kirovovom divadle.

Choreograf Leonid Lavrovsky v rámci žánru „drambalet“ (forma choreografickej drámy charakteristickej pre balet 30-50-tych rokov 20. storočia), veľmi vítaný sovietskymi úradmi, vytvoril pôsobivé, vzrušujúce predstavenie s starostlivo vyrezávanými masovými scénami a jemne definované psychologické vlastnosti postáv. K dispozícii mu bola Galina Ulanova, najušľachtilejšia balerína-herečka, ktorá zostala neprekonateľná v úlohe Julie.

Prokofievova partitúra bola rýchlo ocenená západnými choreografmi. Prvé verzie baletu sa objavili už v 40. rokoch 20. storočia. Ich tvorcami boli Birgit Kuhlberg (Štokholm, 1944) a Margarita Froman (Záhreb, 1949). Slávne inscenácie "Romeo a Júlia" patria Frederickovi Ashtonovi (Kodaň, 1955), Johnovi Crankovi (Milán, 1958), Kennethovi MacMillanovi (Londýn, 1965), Johnovi Neumeierovi (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moiseev, 1958, choreografia Y. Grigorovič, 1968.

Bez "Spartacus" je koncept "sovietskeho baletu" nemysliteľný. Toto je skutočný hit, symbol doby. Sovietske obdobie vyvinul ďalšie témy a obrazy, hlboko odlišné od tradičného klasického baletu zdedeného po Mariusovi Petipovi a cisárskych divadlách v Moskve a Petrohrade. Rozprávky so šťastným koncom boli archivované a nahradené hrdinskými príbehmi.

Už v roku 1941 jeden z popredných Sovietski skladatelia Aram Chačaturjan hovoril o svojom zámere napísať hudbu pre monumentálne hrdinské predstavenie, ktoré sa bude konať vo Veľkom divadle. Témou bola epizóda zo starovekej rímskej histórie, vzbura otrokov vedená Spartakom. Chačaturjan vytvoril pestrú partitúru s použitím arménskych, gruzínskych, ruských motívov a plnú krásnych melódií a ohnivých rytmov. Inscenáciu mal naštudovať Igor Moiseev.

Trvalo mnoho rokov, kým sa jeho dielo dostalo medzi divákov a neobjavilo sa vo Veľkom divadle, ale v divadle. Kirov. Choreograf Leonid Yakobson vytvoril ohromujúce a inovatívne predstavenie, ktoré opustilo tradičné atribúty klasického baletu, vrátane tanca pointe, použil voľnú plastiku a baleríny v sandáloch.

Ale balet "Spartacus" sa stal hitom a symbolom éry v rukách choreografa Jurija Grigoroviča v roku 1968. Grigorovič na diváka zapôsobil kompletne vybudovanou dramaturgiou, jemným stvárnením charakterov hlavných postáv, zručným inscenovaním davových scén, čistotou a krásou lyrických adagií. Svoje dielo nazval „predstavením pre štyroch sólistov s corps de ballet“ (corps de ballet – umelci zapojení do masových tanečných epizód). Vladimir Vasiliev hral úlohu Spartaka, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova a Aegina - Nina Timofeeva. Card de ballet bol prevažne mužský, čo robí balet "Spartacus" jedinečným.

Okrem známych čítaní Spartaka od Yakobsona a Grigoroviča existuje asi 20 ďalších inscenácií baletu. Medzi nimi aj verzia od Jiřího Blažka pre Pražský balet, Laszla Seregiho pre Budapešťský balet (1968), Jüriho Vamosa pre Arena di Verona (1999), Renata Zanellu pre Viedenský balet Štátna opera(2002), Natalia Kasatkina a Vladimir Vasilev pre Štátne akademické divadlo klasického baletu v Moskve (2002) v ich réžii.

Zaslané copypasterom, Stred, 15. 8. 2007 - 01:11

Balet je pomerne mladé umenie. Má niečo vyše štyristo rokov, hoci tanec zdobí ľudský život už od pradávna.

Balet sa zrodil v severnom Taliansku počas renesancie. Talianske kniežatá milovali veľkolepé palácové slávnosti, v ktorých dôležité miesto zaujímal tanec. Vidiecke tance neboli vhodné pre dvorné dámy a pánov. Ich róby, podobne ako sály, kde sa tancovalo, neumožňovali neorganizovaný pohyb. Špeciálni učitelia - taneční majstri sa snažili dať veci do poriadku v dvorských tancoch. So šľachticmi vopred nacvičovali jednotlivé figúry a pohyby tanca a viedli skupiny tanečníkov. Postupne sa tanec stával čoraz divadelnejším.

Pojem "balet" sa objavil na konci 16. storočia (z talianskeho baletu - tancovať). Vtedy to však neznamenalo predstavenie, ale iba tanečnú epizódu, ktorá sprostredkúva určitú náladu. Takéto „baletky“ zvyčajne pozostávali z málo súvisiacich „výstupov“ postáv – najčastejšie hrdinov gréckych bájí. Po takýchto „výstupoch“ sa začal spoločný tanec – „veľký balet“.

Prvým baletným predstavením bol Queen's Comedy Ballet, ktorý vo Francúzsku uviedol v roku 1581 taliansky choreograf Baltazarini di Belgiojoso. Bolo to vo Francúzsku ďalší vývoj balet. Najprv to boli maškarné balety a potom pompézne melodramatické balety na rytierskych a fantastických zápletkách, kde tanečné epizódy vystriedali vokálne árie a recitácia básní. Nečudujte sa, v tom čase balet nebol len tanečným predstavením.

Za vlády Ľudovíta XIV. dosiahli predstavenia dvorného baletu zvláštny lesk. Sám Louis sa rád zúčastňoval na baletoch a svoju slávnu prezývku „Kráľ slnka“ dostal po tom, čo hral úlohu Slnka v „Balete noci“.

V roku 1661 vytvoril Kráľovskú akadémiu hudby a tanca, ktorá zahŕňala 13 popredných tanečných majstrov. Ich povinnosťou bolo zachovávať tanečné tradície. Riaditeľ akadémie, učiteľ kráľovského tanca Pierre Beauchamp, určil päť základných polôh klasického tanca.

Čoskoro bola otvorená Parížska opera, ktorej choreografom bol ten istý Beauchamp. Pod jeho vedením a baletný súbor. Spočiatku ju tvorili len muži. Ženy na pódiu Parížska opera sa objavil až v roku 1681.

Divadlo uvádzalo opery-balety skladateľa Lullyho a komédie-balety dramatika Moliéra. Najprv sa na nich zúčastnili dvorania a predstavenia sa takmer nelíšili od palácových predstavení. Tancovali sa už spomínané pomalé menuety, gavoty a pavanes. Masky, ťažké šaty a topánky na vysokom opätku sťažovali ženám vykonávať zložité pohyby. Preto sa mužské tance vtedy vyznačovali väčšou gráciou a gráciou.

V polovici 18. storočia si balet získaval v Európe veľkú obľubu. Všetky aristokratické dvory Európy sa snažili napodobniť luxus francúzskeho kráľovského dvora. otvorili v mestách operné domy. Mnohí tanečníci a učitelia tanca si ľahko našli prácu.

Čoskoro sa pod vplyvom módy ženský baletný kostým stal oveľa ľahším a slobodnejším, pod ním sa hádali línie tela. Tanečníci opustili topánky s podpätkami a nahradili ich ľahkými topánkami bez podpätku. Pánsky kostým sa tiež stal menej ťažkopádnym: priliehavé pantalóny po kolená a pančuchy umožnili vidieť postavu tanečníka.

Každá inovácia zvýšila zmysel tancov a zvýšila tanečnú techniku. Postupne sa balet oddelil od opery a zmenil sa na samostatné umenie.

Hoci bola francúzska baletná škola povestná svojou gráciou a plasticitou, vyznačovala sa určitým chladom a formálnosťou vystupovania. Choreografi a výtvarníci preto hľadali iné výrazové prostriedky.

Koncom 18. storočia sa zrodil nový smer v umení – romantizmus, ktorý mal silný vplyv na balet. V romantickom balete stála tanečnica na špičkách. Ako prvá to urobila Maria Taglioni, ktorá úplne zmenila doterajšie predstavy o balete. V balete "La Sylphide" sa objavila ako krehká bytosť z podsvetia. Úspech bol ohromujúci.

V tom čase sa objavilo veľa nádherných baletov, ale bohužiaľ sa stal romantický balet posledné obdobie rozkvet tanečné umenie na západe. Od druhého polovice XIX storočia sa balet, ktorý stratil svoj pôvodný význam, stal prílohou opery. Až v 30. rokoch 20. storočia sa pod vplyvom ruského baletu začalo v Európe oživovať túto umeleckú formu.

V Rusku sa prvé baletné predstavenie - "Balet Orfea a Eurydiky" - odohralo 8. februára 1673 na dvore cára Alexeja Michajloviča. Slávnostné a pomalé tance pozostávali zo zmeny ladných postojov, úklonov a zhybov, ktoré sa striedali so spevom a rečou. Vo vývoji scénického tanca nezohral žiadnu významnejšiu úlohu. Bola to len ďalšia kráľovská „zábavka“, ktorá zaujala svojou nevšednosťou a novotou.

Len o štvrťstoročie neskôr vďaka reformám Petra I. vstúpila do života ruskej spoločnosti hudba a tanec. V šľachte školy zaviedol povinnú výučbu tanca. Na dvore začali vystupovať hudobníci prepustení zo zahraničia, operní umelci a baletné súbory.

V roku 1738 bola otvorená prvá baletná škola v Rusku a o tri roky neskôr sa 12 chlapcov a 12 dievčat z palácových sluhov stalo prvými profesionálnymi tanečníkmi v Rusku. Najprv účinkovali v baletoch zahraničných majstrov ako figuranti (ako sa corps de ballet dancers nazývali), neskôr v hlavných častiach. Pozoruhodný tanečník tej doby Timofey Bublikov žiaril nielen v Petrohrade, ale aj vo Viedni.

AT začiatkom XIX storočia dosiahlo ruské baletné umenie tvorivú zrelosť. Ruskí tanečníci vniesli do tanca výraznosť a duchovnosť. A. S. Pushkin to veľmi presne pociťoval a nazval tanec svojho súčasníka Avdotyu Istominu „letom naplneným dušou“.

Balet v tomto čase zaujímal výsadné postavenie medzi ostatnými typmi divadelné umenie. Úrady tomu venovali veľkú pozornosť, poskytovali štátne dotácie. Moskovské a Petrohradské baletné súbory vystupovali v dobre vybavených divadlách a absolvovali divadelné školy každoročne dopĺňal káder tanečníkov, hudobníkov a dekoratérov.

Arthur St. Leon

V histórii nášho baletného divadla sa často stretávame s menami zahraničných majstrov, ktorí sa významnou mierou podieľali na rozvoji ruského baletu. V prvom rade sú to Charles Didelot, Arthur Saint-Leon a Marius Petipa. Pomohli vytvoriť ruskú baletnú školu. Talentovaní ruskí umelci však tiež umožnili odhaliť talenty svojich učiteľov. To vždy prilákalo najväčších choreografov Európy do Moskvy a Petrohradu. Nikde na svete nemohli stretnúť takú veľkú, talentovanú a dobre vycvičenú skupinu ako v Rusku.

V polovici 19. storočia prišiel do ruskej literatúry a umenia realizmus. Choreografi sa horúčkovito, no neúspešne, pokúšali o realistické predstavenia. Nebrali do úvahy, že balet je podmienené umenie a realizmus v balete sa výrazne líši od realizmu v maľbe a literatúre. Začala sa kríza baletného umenia.

Nová etapa v dejinách ruského baletu sa začala, keď veľký ruský skladateľ P. Čajkovskij prvýkrát zložil hudbu pre balet. Bolo to Labutie jazero. Predtým sa baletná hudba nebrala vážne. Bola považovaná za menejcennú hudobná kreativita, len doprovod k tancu.

Vďaka Čajkovskému sa baletná hudba stala vážnym umením spolu s operou a symfonická hudba. Predtým bola hudba úplne závislá od tanca, teraz sa tanec musel podriaďovať hudbe. Boli potrebné nové výrazové prostriedky nový prístup vytvoriť predstavenie.

Ďalší rozvoj ruského baletu je spojený s menom moskovského choreografa A. Gorského, ktorý po opustení zastaraných techník pantomímy využil v baletnom predstavení techniky modernej réžie. Veľký význam pripisoval obrazovému dizajnu predstavenia a priťahoval k práci najlepších umelcov.

Ale skutočným reformátorom baletného umenia je Michail Fokin, ktorý sa vzbúril proti tradičnej výstavbe baletného predstavenia. Tvrdil, že téma predstavenia, jeho hudba, éra, v ktorej sa akcia odohráva, si zakaždým vyžadujú iné tanečné pohyby, iný tanečný vzor. Pri inscenovaní baletu "Egyptské noci" sa Fokine inšpiroval poéziou V. Brjusova a staroegyptskými kresbami a obrazy baletu "Petrushka" poéziou A. Bloka. V balete Dafnis a Chloe opustil tanec pointe a voľnými, plastickými pohybmi oživil antické fresky. Jeho „Chopiniana“ oživila atmosféru romantického baletu. Fokin napísal, že "sníva o vytvorení baletnej drámy z baletnej zábavy, z tanca - zrozumiteľného, ​​hovoriaceho jazyka." A podarilo sa mu to.

Anna Pavlová

V roku 1908 sa začali každoročné vystúpenia ruských baletných tanečníkov v Paríži, ktoré organizovali divadelná postava S. P. Diaghilev. Mená tanečníkov z Ruska - Vaslav Nižinskij, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - sa stali známymi po celom svete. Ale prvé v tomto rade je meno neporovnateľnej Anny Pavlovej.

Pavlova - lyrická, krehká, s predĺženými líniami tela, obrovskými očami - evokovala rytiny zobrazujúce romantické baleríny. Jej hrdinky sprostredkovali čisto ruský sen o harmonickom, zduchovnenom živote či túžbu a smútok za nenaplneným. "Umierajúca labuť" skvelá baletka Pavlova, je poetický symbol ruského baletu na začiatku 20. storočia.

Vtedy sa západný balet pod vplyvom šikovnosti ruských umelcov otriasol a nabral druhý dych.

Po októbrovej revolúcii v roku 1917 mnohé postavy baletného divadla opustili Rusko, no napriek tomu škola ruského baletu prežila. Pátos pohybu k novému životu, revolučné témy a hlavne priestor pre tvorivý experiment inšpirovali baletných majstrov. Ich úlohou bolo priblížiť ľuďom choreografické umenie, urobiť ho vitálnejším a prístupnejším.

Tak vznikol žáner dramatického baletu. Boli to predstavenia, zvyčajne založené na zápletkách slávnych literárnych diel, ktoré boli postavené podľa zákonov dramatické predstavenie. Obsah v nich bol prezentovaný pomocou pantomímy a obrazového tanca. V polovici 20. storočia bol dramatický balet v kríze. Choreografi sa pokúšali zachovať tento žáner baletu, umocňovali spektákl predstavení pomocou scénických efektov, ale, bohužiaľ, márne.

Koncom 50. rokov prišiel zlom. Choreografi a tanečníci novej generácie oživili zabudnuté žánre – jednoaktový balet, baletnú symfóniu, choreografickú miniatúru. A od 70. rokov 20. storočia vznikajú nezávislé baletné telesá, nezávislé od operných a baletných divadiel. Ich počet sa neustále zvyšuje, sú medzi nimi štúdiá voľného tanca a moderného tanca.

Všetko sa to začalo pred viac ako päťsto rokmi v severnom Taliansku. Bola to renesancia charakteristické znaky ktorými boli sekulárna povaha kultúry, humanizmus a antropocentrizmus, teda záujem predovšetkým o človeka a jeho aktivity.

Počas renesancie talianske kniežatá usporadúvali palácové slávnosti, v ktorých mal tanec dôležité miesto. Honosné róby však podobne ako sály neumožňovali neorganizovaný pohyb. Preto existovali špeciálni učitelia – taneční majstri, ktorí so šľachticmi nacvičovali pohyby a jednotlivé figúry, aby potom viedli tanečníkov. Postupne sa tanec stával čoraz divadelnejším a samotné slovo „balet“ znamenalo skladby, ktoré nevyjadrovali dej, ale vlastnosť alebo stav charakteru.

Do konca 15. storočia bol tento druh baletu súčasťou predstavenia vytvoreného o slávnych básnikov a umelcov. V roku 1496 navrhol Leonardo da Vinci kostýmy tanečníkov a vynašiel scénické efekty na sviatok milánskeho vojvodu.

V roku 1494, keď francúzsky kráľ Karol VIII. vstúpil do Talianska s nárokom na neapolský trón, na jeho dvoranov zapôsobila zručnosť talianskych učiteľov tanca. V dôsledku toho boli na francúzsky dvor pozvaní taneční majstri. Zároveň vznikla potreba notácie – systému na zaznamenávanie tanca. Autorom prvého známeho systému bol Tuan Arbo. Tanečné kroky zaznamenával hudobnými znakmi.

Vývoj vo Francúzsku pokračoval...

Francúzska kráľovná Catherine de Medici pozvala Taliana Baldasarino di Belgiojoso (vo Francúzsku ho volali Balthazar de Beaujoieux) na scénické dvorné vystúpenia. Balet sa potom etabloval ako žáner, kde dráma, „spevný príbeh“ (recitatív) a tanec tvorili súvislú akciu. Prvý v tomto žánri a najznámejší je považovaný "Circe alebo kráľovnin komediálny balet", dodaný v roku 1581. Dej bol vypožičaný z antickej mytológie. Tancovalo sa vo veľkolepých kostýmoch a maskách vznešených dám a šľachticov.

V 16. storočí ako voj inštrumentálnej hudby technika tanca sa skomplikovala. In Francúzsko XVII storočí sa začali objavovať maškarné balety a potom pompézne melodramatické balety na rytierskych a fantastických zápletkách, kde sa tanečné epizódy prelínali s vokálnymi áriami a recitáciou básní – „Alcinov balet“ (1610), „Triumf Minervy“ (1615). ), „Oslobodenie Rinalda“ (1617). Takéto balety pozostávali z rôznych čísel, čo dnes pripomína divertissement a následne sa stane jednou z dôležitých štruktúrnych foriem budúceho baletu.

Neskôr francúzsky kráľ Ľudovít XIII., ktorý mal rád tanec a dostal výbornú hudobné vzdelanie, bol autorom baletného predstavenia „Merlezon Ballet“ (15. marca 1635). Dejom boli dobrodružstvá pri love drozdov – jedna z kráľových obľúbených zábaviek. Balet pozostával zo 16 dejstiev. Jeho Veličenstvo nielen zložilo libreto, hudbu, choreografiu, načrtol kulisy a kostýmy, ale zahralo si aj dve úlohy: obchodníka s návnadou a roľníka.

Prvé kroky mladého umenia. Skvelý Pierre Beauchamp

Osobitný lesk dosiahli predstavenia dvorného baletu za čias kráľa Ľudovíta XIV. Pretože až potom sa tanec začal vykonávať podľa určitých pravidiel. Prvýkrát ich sformuloval francúzsky choreograf Pierre Beauchamp (1637–1705).

Jeho slávna prezývka „Kráľ slnka“ Ľudovít XIV dostal po hraní úlohy Slnka v "Balete noci". Rád tancoval a zúčastňoval sa vystúpení. V roku 1661 otvoril Kráľovskú akadémiu hudby a tanca, kde bolo pozvaných 13 popredných tanečných majstrov. Ich povinnosťou bolo zachovávať tanečné tradície.

Riaditeľ akadémie Pierre Beauchamp spísal kánony vznešeného spôsobu tanca, ktorého základom bolo everzie nôh (en dehors). Táto poloha dávala ľudskému telu možnosť voľne sa pohybovať rôzne strany. Všetky pohyby rozdelil do skupín: drepy (plié), výskoky (švihy, entresha, kabrioly, jette, schopnosť visieť vo výskoku - elevácia), rotácie (piruety, fouety), polohy tela (postoje, arabesky). Vykonávanie týchto pohybov sa uskutočňovalo na základe piatich polôh nôh a troch polôh rúk (port de bras). Všetky klasické tanečné kroky sú odvodené od týchto pozícií nôh a rúk.

Jeho klasifikácia je živá dodnes a francúzska terminológia sa stala bežnou pre umelcov na celom svete ako latinčina pre lekárov.

Beauchamp neoceniteľne prispel ku klasickému baletu tým, že rozdelil tance na tri hlavné typy: vážne, polocharakteristické a komické. Vážny tanec (prototyp modernej klasiky) si vyžadoval akademickú náročnosť výkonu, vonkajšia krása, milosť - aj na hranici afektovanosti. Bol to „ušľachtilý“ tanec, ktorý sa používal na hranie role kráľa, boha, mytologický hrdina. Polocharakteristické - kombinované pastierske, peisanské a fantastické tance, ktoré mali zobrazovať prírodné sily alebo zosobnené ľudské vášne. Jeho zákony sa riadili aj tance fúrií, nýmf a satyrov. Napokon, komický tanec bol pozoruhodný svojou virtuozitou, umožňujúcou prehnané pohyby a improvizáciu. Bolo to potrebné pre groteskné a exotické tance, ktoré sa nachádzajú v komédiách divadla klasicizmu.

Tak sa začalo formovanie baletu, ktorý XVIII storočia Z medzihry a divertissementov sa vyvinul do samostatného umenia.

Prvé divadlo. Prvá skupina

Balet získaval čoraz väčšiu popularitu a v sálach paláca bol preplnený. Pod vedením Beauchampa vznikla Parížska opera, kde bol choreografom, no výkony sa veľmi nelíšili od predchádzajúcich predstavení. Zúčastnili sa ich tí istí dvorania, ktorí predvádzali pomalé menuety, gavoty a pavanes. Ťažké šaty, topánky na vysokom opätku a masky bránili ženám vykonávať zložité pohyby. Potom Pierre Beauchamp vytvoril baletný súbor iba z mužských tanečníkov. Ich tance boli ladnejšie a ladnejšie. Ženy sa objavili na javisku parížskej opery až v roku 1681. Veľké skupiny tanečníkov začali vykonávať zložité pohyby synchrónne a sprevádzali sólistov; sólový tanec zmysluplne sprostredkoval vznešenosť postáv, silu emócií; párový tanec sformované do pas de deux. Vysoko podmienený, smerujúci k virtuozite, tanec závisel od hudby a dosiahol s ňou rovnaké práva v praxi aj teórii.

Francúzske choreografie výrazne obohatili dramatik Molière a skladateľ J. B. Lully, ktorí s Moliérom najskôr spolupracovali ako choreograf a tanečník v komédiách-baletoch Manželstvo nedobrovoľne (1664), Georges Dandin (1668), Živnostník v šľachte (1670). ).). Keď sa Lully stal skladateľom, vytvoril žáner hudobnej tragédie, do ktorého zasiahla estetika klasicizmu: monumentalita obrazov, jasná logika vývoja, závažnosť vkusu, prenasledovanie foriem. Akcia lyrické tragédie posilnená plastickými a ozdobnými sprievodmi, pantomímou, tancom.

Reforma baletného divadla spôsobila rozmach interpretačných schopností - objavili sa tanečníci L. Pecourt a J. Ballon. Mademoiselle Lafontaine sa stala prvou profesionálnou tanečnicou, ktorá účinkovala v Lullyho opere-balete Triumph of Love. Neskôr bola známa ako „kráľovná tanca“.

Vážne tance sa predvádzali v širokej sukni, ktorá sa držala na trstinových obrúčkach. Spod nej jej vykúkali špičky topánok. Muži nosili brokátové kyrysy a krátke sukne na trstinových rámoch, ktoré sa nazývali "sudy". Všetci mali vysoké opätky. Okrem toho si zakrývali tváre okrúhlymi maskami rôznych farieb, podľa povahy postavy.

V polocharakteristických baletoch boli kostýmy odľahčené, no pridali sa atribúty, ktoré charakterizujú tanec – kosáky, košíky, lopatky, leopardie kože a iné. Kostým pre komické tance nebol tak prísne regulovaný - režisér dôveroval fantázii umelca.

Zároveň sa zrodil celý systém symbolov. Ak si napríklad umelec hranou ruky pohladil čelo, znamenalo to korunu, t.j. kráľ; prekrížené ruky na hrudi - "zomreli"; ukázal na prstenník ruky - „Chcem sa oženiť“ alebo „oženiť sa“; ručný obraz vlnovitých pohybov - „plavil sa na lodi“.

Balet očarí Európu

Súčasne s rozvojom baletu vo všetkých väčších mestách začali vznikať vlastné divadlá, choreografi a interpreti. Balet sa tak vrátil do svojej vlasti - do Talianska, kde sa v 18. storočí vyvinul vlastný štýl predstavenia, ktorý sa od francúzskeho manierizmu odlišoval technickou virtuozitou a väčšou bezprostrednosťou. francúzsky a talianske školy v klasickom balete bude pokračovať viac ako jedno storočie.

V 17. storočí sa balet objavil v Holandsku. V Anglicku kvôli buržoáznej revolúcii a zákazu okuliarov baletné divadlo sa vyvinul o niečo neskôr – až pri obnove monarchie. V roku 1722 vzniklo prvé dvorné divadlo v Dánsku, kde sa profesionálni tanečníci zúčastňovali na Molièrových komédiách a baletoch. A len do koniec XVIII storočí získal dánsky balet nezávislosť. V 18. storočí existoval balet aj v Nemecku, Švédsku a Holandsku. Formy popravy, ktoré si požičali od Talianov a Francúzov, boli obohatené o národnú farbu.

Balet prišiel do Ruska neskôr ako do iných európskych krajín, no práve tu ho našli časy rozkvetu a toto je príbeh iných storočí, ktorý si zaslúži samostatnú kapitolu.

Na základe tanca. Baletné predstavenie je založené na príbehu zvanom libreto. Pantomíma hrá dôležitú úlohu v balete. S jeho pomocou tanečníci sprostredkúvajú svoje pocity a podstatu toho, čo sa deje.

Druhy baletu

Spočiatku sa balet volal len klasický tanec, no postupne sa tento pojem začal rozširovať aj do ľudových tancov, moderných, charakterných, akrobatických.

Nechýba ani baletné predstavenie s farebnými scénami a kostýmami. Navyše veľmi populárny názor umenie je balet na ľade, kde sa namiesto baletných topánok zvaných pointe shoes obúvajú korčule a samotní umelci sú profesionálni krasokorčuliari. Balet je nádherná forma umenia, ale vyžaduje si určitú dávku vytrvalosti, dobré zdravie, vytrvalosť, vôľa a pracovitosť. Aby bolo možné na javisku demonštrovať prudké pohyby, je potrebné cvičiť každý deň v baletnej sále.

Pôvod baletu

Slovo „balet“ pochádza z latinského slova ballo, čo znamená „tancujem“. Taliansko sa považuje za rodisko tejto umeleckej formy. V šestnástom storočí sa objavili prvé tanečné scény. Po nejakom čase sa dvorný balet stal populárnym vo Francúzsku. Také majstrovské diela ako balet Labutie jazero boli ešte veľmi vzdialené a tance predvádzané v palácoch sa len málo podobali na umenie, ktoré teraz možno vidieť na javisku.

Koncom osemnásteho storočia sa baletný kostým stal kratším a vzdušnejším a objavili sa prvé pointe topánky - profesionálne topánky pre baleríny.

Začína sa popularizácia choreografického umenia, objavujú sa jeho milovníci, ktorí pravidelne navštevujú predstavenia. V tých dňoch neexistovali samostatné inštitúcie, ktoré sa nazývali baletné divadlo, ale veľká pozornosť sa začala venovať tanečnému umeniu. Začínajú tvoriť veľkí skladatelia Ludwig van Beethoven, Leo Delibes, Minkus a ďalší romantická hudba pre balety. Prvý plnohodnotný baletné predstavenia.

Balet v Rusku

V Rusku sa diváci dozvedeli, čo je to balet v roku 1673. Vtedy sa za cára Alexeja Michajloviča uskutočnilo prvé baletné predstavenie. Veľký vplyv na ruský balet mal francúzsky baletný majster a choreograf Charles-Louis Didelot. Prepojil tanec a pantomímu, veľký význam dal baletnému zboru a zdôraznil ženské sólové party.

Baletný majster Marius Petipa posilnil ruskú baletnú školu, jeho meno je dodnes známe priaznivcom choreografického umenia. Koniec devätnásteho storočia sa v baletných kruhoch nazýva "Petipa éra".

Potom v Rusku zahrmelo nové meno, ktoré malo obrovský vplyv do sveta baletu. Toto je Michail Fokin. Stal sa skutočným reformátorom a urobil významné zmeny v predstaveniach. Zmenil tradičnú stavbu baletu a vzory v tanci. Fokine oživil romantické balety ako Chopiniana. Jeho múzou bola neporovnateľná balerína Anna Pavlova. Jej „Dying Swan“ je symbolom ruského baletu začiatku dvadsiateho storočia.

Nesmrteľné predstavenie "Labutie jazero"

Piotr Iľjič Čajkovskij urobil rozruch vo svete baletu. Napísal hudbu k niekoľkým baletným predstaveniam vrátane svetoznámeho baletu Labutie jazero. Toto umelecké dielo je dobre známe každému človeku, dokonca aj tým, ktorí majú od choreografií úplne ďaleko.

Najpopulárnejší balet na svete vznikol v roku 1876. Je ťažké uveriť, že prvé dve inscenácie nemali žiadnu popularitu a nezapôsobili na divákov. Skvelý skladateľ počas svojho života nenašiel grandiózny úspech svojho výtvoru. Až v roku 1895 bol obnovený balet v naštudovaní choreografov Leva Ivanova a Mariusa Petipu uvedený na scéne Mariinského divadla. Bol to Lev Ivanov, kto oživil predstavenie, najprv naštudoval druhé dejstvo, ktoré zahŕňalo legendárny tanec malé labute. Mariusovi Petipovi sa jeho vízia zápletky páčila a začali spolu pracovať na produkcii.

Nová verzia balet „Labutie jazero“ zožal obrovský úspech. Choreografia dvoch veľkých choreografov je klasická, ktorémukoľvek opernému a baletnému divadlu na svete rozhodne prisúdi toto predstavenie najvýznamnejšiu úlohu vo svojom repertoári.

Súčasný balet

Keď už hovoríme o tom, čo je balet, nemožno nespomenúť moderné divadelné predstavenia, ktoré sa od klasického baletu líšia v odvážnejších kostýmoch a uvoľnených pohyboch. Ak klasika predpokladá prísne a jasné pohyby, potom moderna predstavuje voľnejšiu tanečnú interpretáciu. V modernom balete sa objavili nové pohyby, ktoré sa stali plastickejšími a akrobatickejšími. Baletní fajnšmekri reagujú na inovácie v choreografii rôzne. Niekto stále vníma len klasiku a verí, že skutočné baletné predstavenie by sa malo odohrávať len na miestach ako je Divadlo opery a baletu, niekto zas, že balet napr. modernom svete sa musí vyvíjať a nie stáť na jednom mieste.

Je to prirodzené a prirodzené, môžete tento fakt prijať alebo nie, ale tomu sa nedá vyhnúť. Moderný balet je mnohostranný a mnohoúrovňový a mnohí slávni tanečníci sa radi zúčastňujú na nových inscenáciách, v ktorých zdokonaľujú svoje zručnosti.

Budúcnosť baletu

čo je balet? Mnoho kreatívnych ľudí to miluje a rozumie pohybom. Skutočný milovník baletu si život bez tanca nevie predstaviť. Niektorí veria, že baletné predstavenia sú vytvorené len pre amatéra a nechápu, o čo ide. toto umenie. Žiadna krajina na svete si to však nepredstavuje kultúrny životžiadny balet. To je taký druh múzických umení ktorý bude žiť večne. Zmení sa, pribudnú nové inscenácie, noví talentovaní choreografi a tanečníci, noví fajnšmekri a len diváci, no jeho obľúbenosť nikdy nezmizne, pretože tanec je nesmrteľný.