Obrazy známych súčasných umelcov sveta. Moderní ruskí umelci stoja za bližší pohľad

"Cesta z brezového hája v krajine" 120x100
Paletový nôž, olej, plátno
Konštantín Loris-Melikov

Umenie 21. storočia
— všežravec,
cynický, ironicko-sarkastický, demokratický – nazývajú západom veľkej éry.

Postmodernisti sa ocitli v situácii, keď bolo pred nimi povedané všetko. A všetko, čo musia urobiť, je použiť to, čo vytvorili, miešať štýly, vytvárať, ak nie nové, ale rozpoznateľné umenie...

najjasnejšie smery:

1. neorealizmus;


2. Minimálne umenie;


3. Postmoderna;


4. hyperrealizmus;


5. inštalácia;


6. životné prostredie;


7. Video umenie;


8. Graffiti;


9. Transavantgarda;


10. Zdobenie tela;


11. Stuckizmus;


12. neoplasticizmus;


13. Pouličné umenie;


14. Poštové umenie;


15. Žiadne umenie.

1. NEOREALIZMUS.
To je umenie povojnového Talianska, ktoré zápasilo s povojnovým pesimizmom.

Nový front umenia sa zjednotil
abstrakcionistov a realistov a trvala len 4 roky. Ale od
vyšli z nej známi umelci: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto
Treccani. Živo a výrazne zobrazovali robotníkov a roľníkov.

Podobné trendy sa objavili aj v iných
krajinách, ale škola neorealizmu sa považuje za najjasnejšiu školu, ktorá
sa objavil v Amerike vďaka úsiliu muralistu Diega Riveru.

Sledujte: Renato Guttuso

fresky Diega Riveru - Prezidentský palác (Mexiko City, Mexiko).

Fragment fresky od Diega Riveru pre hotel Prado v Mexico City „Sunday Dream in Alameda Park“, 1948

2. MINIMÁLNE UMENIE.
Toto je smer avantgardy.
Používa jednoduché formuláre a vylučuje akékoľvek asociácie.

Carl Andre, 1964

Tento smer sa v USA objavil na konci
60. roky. Minimalisti označili Marcela Duchampa za svojich priamych predchodcov.
(ready-made), Piet Mondrian (neoplasticizmus) a Kazimir Malevich
(suprematizmus), jeho čierny štvorec nazvali prvým dielom
minimálne umenie.

Extrémne jednoduché a geometrické
správne zloženie - plastové boxy, kovové tyče,
šišky - boli vyrobené v priemyselných podnikoch podľa náčrtov umelcov.

Sledujte:

Diela Donalda Judda, Karla
Andre, Sola Levita — Guggenheimovo múzeum (New York, USA), Múzeum
súčasné umenie (New York, USA), Metropolitné múzeum umenia (New York,
USA).

3. POSTMODERN. Toto je dlhý zoznam nereálnych trendov konca 20. storočia.

Vanchegi Mutu. Koláž "Pohlavné orgány dospelej ženy", 2005

Pre umenie je charakteristická cyklickosť, ale
postmoderna sa stala prvým príkladom „negácie negácie“. Na začiatku
modernizmus odmietol klasiku a potom postmodernizmus odmietol modernizmus ako
predtým odmietal klasiku. Postmodernisti sa vrátili k týmto formám a
štýly, ktoré boli pred modernou, ale na vyššej úrovni.

Postmodernizmus je produktom doby
najnovšie technológie. Preto je jeho charakteristickým znakom zmes
štýly, obrázky, rôzne obdobia a subkultúry. Hlavne pre postmodernistov
citoval, obratne žongloval s citátmi.

Sledujte: Tate Gallery (Londýn,
UK), Národné múzeum moderného umenia Center Pompidou
(Paríž, Francúzsko), Guggenheimovo múzeum (New York, USA).

HYPERREALIZMUS. Umenie, ktoré napodobňuje fotografiu.

Chuck Close. "Robert", 1974

Toto umenie sa nazýva aj superrealizmus,
Fotorealizmus, radikálny realizmus alebo studený realizmus. Objavilo sa
smer v Amerike v 60. rokoch a o 10 rokov neskôr sa rozšíril v
Európe.

Hyperrealizmus, fotorealizmus, Don Eddy,

Umelci tohto smeru presne
kopírovať svet tak, ako ho vidíme na fotografii. V dielach umelcov
číta sa istá irónia nad technogénom. Umelci zobrazujú väčšinou
príbehy zo života modernej metropoly.

Richard Estes- láska k obrazu odleskov metropoly vo výkladoch obchodov, na kapote auta či kaviarenskom pulte

Sledujte:

diela Chucka Closea, Dona Eddyho, Richarda Estesa - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (New York, USA), Brooklyn Museum (USA).

5. INŠTALÁCIA.
Toto je kompozícia v galérii, ktorá môže byť vytvorená z čohokoľvek, hlavné je, že je tam podtext a myšlienka.

Fontána (Duchamp)

S najväčšou pravdepodobnosťou by nebolo
smeroch, keby to nebolo pre Duchampov ikonický pisoár. Názvy hlavného sveta
inštalatéri: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis a Kabakov.

„Jim Dine. Zo zbierky Centre Pompidou»

Hlavnou vecou inštalácie je samotný podtext a priestor, kde umelci narážajú na banálne predmety.

Sledujte:
Tate Modern (Londýn, Spojené kráľovstvo), Guggenheimovo múzeum (New York, USA).

6. ŽIVOTNÉ PROSTREDIE.

Je to umenie vytvoriť 3D kompozíciu, ktorá napodobňuje skutočný svet.

Ako smer v umení životného prostredia
sa objavil v 20. rokoch 20. storočia. Niekoľkokrát predbehol svoju dobu
desaťročia dadaistický umelec, keď verejnosti predstavil svoje
produkt "Merz-building" - trojrozmerná štruktúra rôznych objektov a
materiály, dobré na nič iné ako na rozjímanie.

Edward Kienholtz

O pol storočia neskôr sa tento žáner stal
prácu a nahradil Edwarda Kienholtza a Georga Siegela. Do svojej práce
nutne vniesli šokujúci prvok klamnej fantázie.

Sledujte:
diela Edwarda Kienholtza a Georgea Siegela
— Múzeum moderného umenia (Štokholm, Švédsko).

7. VIDEO ART.

Tento smer vznikol v poslednej tretine 20. storočia vďaka objaveniu sa prenosných videokamier.

Ide o ďalší pokus o návrat umenia
realitou, no teraz s pomocou videa a výpočtovej techniky.
Američanka Nam June Paik natočila video, ako pápež prechádza ulicami
New York a stal sa prvým videoumelcom.

Experimenty Nam June Paik ovplyvnili
televízia, hudobné videá (stál na konci kanála MTV),
počítačové efekty v kine. Dielo June Paik, Bill Viola to urobil
smer umenia je oblasťou činnosti pre experimentovanie. Dali
začiatok „videosôch“, „videoinštalácií“ a „videoopier“.

Sledujte:
video umenie od psychedelického po sociálne
(populárne v Číne, Chen-che-yen na Youtube.com)

8. GRAFFITI.

Nápisy a kresby na stenách domov, ktoré nesú odvážne posolstvo.

Prvýkrát sa objavil v 70. rokoch v severnej časti
Amerike. Galerijci jednej zo štvrtí boli spriaznení s ich vzhľadom
Manhattan. Stali sa patrónmi kreativity tých, ktorí bývali vedľa nich.
Portoričania a Jamajčania. Graffiti v sebe spájajú prvky mestského
subkultúra a etnická.

pop art génius Keith Haring

Mená z histórie graffiti: Keith Haring,
Jean-Michel Basquiat, John Matom, Kenny Scharf. neslávne známa osobnosť
Banksy je britský graffiti umelec. Vo všetkých sú pohľadnice s jeho dielami
Britské obchody so suvenírmi

Sledujte:
Graffiti Museum (New York, USA), diela od Banksyho - na bankách.co.uk.

9. TRANSAVANGARD.
Jeden z trendov postmodernej maľby. Spája minulosť, novú maľbu a expresivitu.

Dielo transavantgardného umelca Alexandra Roitburda

Autor termínu transavantgarda -
súčasný kritik Bonito Oliva. Týmto pojmom definoval kreativitu
5 jeho krajanov - Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco
Clemente, Mimmo Paladino, Nicolò de Maria. Ich prácu charakterizuje:
kombinácia klasických štýlov, nedostatok pripútanosti k národnému
škola, prostredie pre estetické potešenie a dynamiku.

Francesco Clemente v Schirn (Frankfurt)

Sledujte: Múzeum zbierky Peggy
Guggenheim (Benátky, Taliansko), Múzeum moderného umenia v Palazzo
(Benátky, Taliansko), Galéria moderného umenia (Milán, Taliansko)

10. BODY ART.

Jeden zo smerov akcionizmu. Telo funguje ako plátno.

Body art je jedným z prejavov punkovej kultúry 70. rokov.
Priamo súvisí s módou tetovania a nudizmu, ktorá sa vtedy objavila.

Živé obrazy vznikajú priamo pred nimi
divákov, nahrané na video a následne odvysielané v galérii. Bruce
Naumann zobrazujúci Duchampov pisoár v galérii. Duet Gilbert a
George sú živé sochy. Stvárnili typ priemerného Angličana.

Pozri: napríklad na stránke umelca Orlana orlan.eu.

11. STAKIZMUS.

Britské umelecké združenie figuratívnej maľby. Na rozdiel od konceptualistov.

Prvá výstava bola v Londýne v roku 2007,
ako protest proti Tate. Podľa jednej verzie protestovali v
v súvislosti s nákupom diel umelcov obchádzajúcich zákon galériou. Hluk
upozornil na zakladače v tlači. Teraz na svete sú
viac ako 120 umelcov. Ich heslom je: umelec, ktorý nekreslí, nie je umelec.

Billy Childish. Okraj lesa"

Termín stackizmus navrhol Thomson.
Umelkyňa Tracey Emin kričala na svojho priateľa Billyho
Detinské: tvoj obraz je zaseknutý, prilepený, prilepený! (Angličtina Stuck!
Zaseknutý! Stoh!)

Sledujte:
na stránke stackist stickism.com.
Diela Charlieho Thomsona a Billyho Childisha v Tate Gallery (Londýn, Spojené kráľovstvo).

12. NEOPLASTICIZMUS.
Abstraktné umenie. Priesečník kolmých čiar 3 farieb.

Ideológom smeru je Holanďan Pete

Mondrian. Považoval svet za ilúziu, takže úlohou umelca je vyčistiť
maľba zo zmyslových foriem (figuratívne) v mene estetiky
(abstraktné) formy.

Umelec to navrhol urobiť
čo najvýstižnejšie pomocou 3 farieb - modrej, červenej a
žltá. Vyplnili miesta medzi kolmými čiarami.

Piet Mondrian. Červená, žltá, modrá a čierna

Neoplasticizmus dodnes inšpiruje dizajnérov, architektov a priemyselných grafikov.

Sledujte:
diela Pieta Mondriana a Thea Vanna Doesburga v Mestskom múzeu v Haagu.

13. STREET ART.

Umenie, pre ktoré je mesto výstavou či plátnom

Cieľom pouličného umelca je okamžite zapojiť okoloidúceho do dialógu pomocou jeho inštalácie, sochy, plagátu alebo šablóny.

Umenie sa neustále vyvíja, rovnako ako celý svet okolo nás. Moderní umelci 21. storočia a ich obrazy sa vôbec nepodobajú tým, ktorí existovali v stredoveku, renesancii. Objavujú sa nové mená, materiály, žánre, spôsoby vyjadrovania talentov. V tomto rebríčku sa zoznámime s desiatkou inovatívnych umelcov našej doby.

10. Pedro Campos. Na desiatom mieste je Španiel, ktorého štetec môže pokojne konkurovať fotoaparátu, maľuje tak realistické plátna. Z veľkej časti tvorí zátišia, no úžasný obdiv neprinášajú ani tak témy jeho obrazov, ale majstrovské stelesnenie. Textúry, odlesky, hĺbka, perspektíva, objem - to všetko Pedro Campos podriadil svojmu štetcu, aby sa na diváka z plátna pozerala realita a nie fikcia. Bez prikrášľovania, bez romantizmu, len realita, to je zmysel žánru fotorealizmu. Mimochodom, zmysel pre detail a dôslednosť si umelec získal v práci reštaurátora.

9. Richard Estes.Ďalší obdivovateľ žánru fotorealizmu Richard Estes začínal s obyčajnou maľbou, no neskôr prešiel k maľovaniu mestských krajiniek. Dnešní umelci a ich výtvory sa nepotrebujú nikomu prispôsobovať a to je skvelé, každý sa v čom chce prejaviť ako chce. Rovnako ako v prípade Pedra Camposa sa diela tohto majstra dajú ľahko zameniť s fotografiami, mesto je tak podobné tomu skutočnému. Na Estesových obrazoch málokedy vidíte ľudí, no takmer vždy sú tam odrazy, odlesky, paralelné línie a dokonalá, ideálna kompozícia. Mestskú krajinu teda nekopíruje, ale nachádza v nej dokonalosť a snaží sa ju ukázať.

8. Kevin Sloan Súčasných umelcov 21. storočia a ich obrazov je neskutočné množstvo, no nie každý z nich stojí za pozornosť. Američan Kevin Sloan stojí za to, pretože jeho diela akoby posúvali diváka do inej dimenzie, do sveta plného alegórií, skrytých významov, metaforických záhad. Umelec miluje maľovanie zvierat, pretože podľa jeho názoru týmto spôsobom získa viac slobody ako ľudia pri rozprávaní príbehu. Sloane vytvára svoju „trikovú realitu“ s olejmi už takmer 40 rokov. Veľmi často sa na plátnach objavujú hodiny: pozerá sa na ne slon alebo chobotnica; tento obraz možno interpretovať ako plynúci čas alebo ako obmedzenia života. Každý obrázok Sloan je úžasný, chcem rozlúštiť, čo jej chcel autor sprostredkovať.

7. Laurent Parcelier. Tento maliar patrí k súčasným umelcom 21. storočia, ktorých maľby boli uznávané už počas štúdia. Laurentov talent sa prejavil vo vydaných albumoch pod všeobecným názvom „Strange World“. Maľuje olejom, jeho štýl je ľahký, tiahne k realizmu. Charakteristickou črtou umelcových diel je množstvo svetla, ktoré akoby sa valilo z plátien. Spravidla zobrazuje krajiny, niektoré rozpoznateľné miesta. Všetky diela sú nezvyčajne ľahké a vzdušné, naplnené slnkom, sviežosťou, dychom.

6. Jeremy Mann Rodák zo San Francisca svoje mesto miloval, najčastejšie ho zobrazoval na svojich obrazoch. Súčasní umelci 21. storočia môžu čerpať inšpiráciu pre svoje obrazy kdekoľvek: v daždi, mokrej dlažbe, neónových nápisoch, mestských svetlách. Jeremy Mann napĺňa jednoduché krajiny náladou, históriou, experimentovaním s technikami a výberom farieb. Mannovým hlavným materiálom je ropa.

5. Hans Rudolf Giger. Na piatom mieste je jedinečný, jedinečný Hans Giger, tvorca Mimozemšťana z rovnomenného filmu. Dnešní umelci a ich diela sú rôznorodé, no každý je svojím spôsobom geniálny. Tento zachmúrený Švajčiar nemaľuje prírodu a zvieratá, preferuje „biomechanickú“ maľbu, v ktorej uspel. Niektorí porovnávajú umelca s Boschom pre pochmúrnosť, fantastickosť jeho plátien. Hoci Gigerove obrazy zaváňajú niečím nadpozemským, nebezpečným, nemôžete ho odmietnuť v technike, zručnosti: je pozorný k detailom, správne vyberá odtiene, všetko premýšľa do najmenších detailov.

4. Will Barnet Tento umelec má svoj vlastný jedinečný autorský štýl, preto sú jeho diela bez problémov prijímané veľkými múzeami sveta: Metropolitné múzeum umenia, Národná galéria umenia, Britské múzeum, Ashmolean Museum, Vatikánske múzeum. Súčasní umelci 21. storočia a ich diela, aby boli uznávaní, sa musia nejako odlíšiť od ostatných más. A Will Barnett to dokáže. Jeho diela sú grafické a kontrastné, často zobrazuje mačky, vtáky, ženy. Barnettove obrazy sú na prvý pohľad jednoduché, no pri ďalšom skúmaní si uvedomíte, že práve táto jednoduchosť je ich genialita.

3. Neil Simon. Ide o jedného zo súčasných umelcov 21. storočia, ktorého diela nie sú také jednoduché, ako sa na prvý pohľad zdá. Hranice medzi zápletkami a dielami Neila Simona sa zdajú byť zmyté, prechádzajú z jedného do druhého, vťahujú diváka do iluzórneho sveta umelca. Simonove výtvory sa vyznačujú jasnými, sýtymi farbami, ktoré im dodávajú energiu a silu a vyvolávajú emocionálnu odozvu. Majster sa rád hrá s perspektívou, veľkosťou predmetov, s nezvyčajnými kombináciami a nečakanými tvarmi. V dielach umelca je veľa geometrie, ktorá je kombinovaná s prírodnými krajinami, akoby sa ponáhľala dovnútra, ale nezničila, ale harmonicky sa dopĺňala.

2. Igor Morský. Dnešného umelca 21. storočia a jeho obrazy často prirovnávajú k veľkému géniovi Salvadorovi Dalímu. Diela poľského majstra sú nepredvídateľné, tajomné, vzrušujúce, vyvolávajú živú emocionálnu odozvu a miestami až šialené. Ako každý iný surrealista sa nesnaží ukázať realitu takú, aká je, ale ukazuje aspekty, ktoré v živote neuvidíme. Hlavným hrdinom Morského diel je najčastejšie muž so všetkými svojimi obavami, vášňami a nedostatkami. Taktiež metafory diel tohto surrealistu sa často týkajú moci. Samozrejme, nejde o umelca, ktorého dielo zavesíte nad posteľ, ale o toho, na ktorého výstavu sa určite oplatí ísť.

1. Yayoi Kusama. Na prvom mieste nášho rebríčka je teda japonská umelkyňa, ktorá dosiahla neskutočné úspechy po celom svete aj napriek tomu, že má nejaké duševné choroby. Hlavnou „fičúrou“ umelca sú bodky. Všetko, čo vidí, pokrýva kruhmi rôznych tvarov a veľkostí a všetko to nazýva sieťami nekonečna. Kusamove interaktívne výstavy a inštalácie majú úspech, pretože niekedy každý chce (aj keď si to neprizná) byť vo vnútri psychedelického sveta halucinácií, detskej spontánnosti, fantázií a farebných kruhov. Spomedzi súčasných umelcov 21. storočia a ich obrazov je najpredávanejší Yayoi Kusama.

Hodnotenie najdrahších diel žijúcich umelcov je konštrukcia, ktorá o úlohe a mieste umelca v dejinách umenia hovorí oveľa menej ako o veku a zdraví.

Pravidlá zostavovania nášho hodnotenia sú jednoduché: po prvé, do úvahy sa berú len transakcie s dielami žijúcich autorov; po druhé, berú sa do úvahy iba verejné aukcie; a po tretie, dodržiava sa pravidlo „jeden umelec – jedno dielo“ (ak Jonesovi patria dva rekordy v hodnotení diel, zostáva len ten najdrahší a ostatné sa neberú do úvahy). Hodnotenie sa vykonáva v dolároch (podľa výmenného kurzu v deň predaja).

1. JEFF KOONS Králik. 1986. 91,075 milióna dolárov

Čím dlhšie sledujete aukčnú kariéru Jeffa Koonsa (1955), tým viac nadobudnete presvedčenie, že pre pop art nie je nič nemožné. Sochy Koonsa môžete obdivovať v podobe balónových hračiek, alebo ich môžete považovať za gýč a nevkus – vaše právo. Jedno sa nedá uprieť: inštalácie Jeffa Koonsa stoja šialené peniaze.

Jeff Koons začal svoju cestu ku sláve ako najúspešnejší žijúci umelec na svete už v roku 2007, keď bola jeho obrovská kovová inštalácia Hanging Heart kúpená za 23,6 milióna dolárov v Sotheby's. Dielo kúpila Larry Gagosian Gallery zastupujúca Koonsa (v r. tlač, že to bolo v záujme ukrajinského miliardára Viktora Pinčuka.) Galéria nezískala len inštaláciu, ale v skutočnosti dielo šperkového umenia. 2,7 m váži 1 600 kg), ale má podobný účel. a pol tisícky hodín bolo vynaložených na výrobu kompozície so srdcom pokrytým desiatimi vrstvami farby, v dôsledku čoho sa za veľkolepú „dekoráciu“ zaplatili obrovské peniaze.

Ďalším bol predaj Purple Balloon Flower za 12,92 milióna libier (25,8 milióna dolárov) v Christie's London 30. júna 2008. Zaujímavosťou je, že sedem rokov predtým kúpili predchádzajúci majitelia „Kvetu“ dielo za 1,1 milióna dolárov.Je ľahké spočítať, že za tento čas sa jeho trhová cena zvýšila takmer 25-krát.

Pokles na trhu s umením v rokoch 2008-2009 dal skeptikom dôvod na ohováranie, že móda pre Koons pominula. Ale mýlili sa: spolu s trhom s umením sa oživil záujem o diela Koonsa. Nástupca trónu kráľa pop artu Andyho Warhola aktualizoval svoje osobné maximum v novembri 2012 predajom viacfarebnej sochy „Tulipány“ zo série „Triumph“ v Christie's za 33,7 milióna dolárov vrátane provízie.

Ale "tulipány" boli "kvety" v doslovnom a prenesenom zmysle. Len o rok neskôr, v novembri 2013, nasledoval predaj nerezovej plastiky balónového psa (oranžová): cena kladiva bola až 58,4 milióna dolárov! Rozprávková suma na žijúceho umelca. Dielo súčasného autora sa predávalo za cenu Van Goghovho či Picassa obrazu. To boli jahody...

Koons týmto výsledkom kraľoval na vrchole rebríčka žijúcich umelcov niekoľko rokov. V novembri 2018 ho nakrátko prekonal David Hockney (pozri druhé miesto v našom rebríčku). Ale len o šesť mesiacov neskôr sa všetko vrátilo do normálu: 15. mája 2019 v New Yorku na aukcii povojnového a súčasného umenia Christie's ponúkla na predaj učebnicovú sochu pre Koonsa v roku 1986 - strieborného „králika“ vyrobené z nehrdzavejúcej ocele, imitujúce balón podobného tvaru.

Celkovo Koons vytvoril 3 takéto sochy plus jednu autorskú kópiu. V aukcii bol exemplár „Králika“ číslo 2 – zo zbierky kultového vydavateľstva Cy Newhouse, spolumajiteľa vydavateľstva Conde Nast (časopisy Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ atď.). Strieborný „Králik“ kúpil „otec pôvabu“ Cy Newhouse v roku 1992 za pôsobivú sumu podľa štandardov tých rokov - 1 milión dolárov. Po 27 rokoch v boji 10 záujemcov bola cena kladiva sochy 80-krát vyššia ako predchádzajúca predajná cena. A s províziou Buyer's Premium bol konečný výsledok rekordných 91,075 milióna dolárov pre všetkých žijúcich umelcov.

2. DAVID HOKNEY Portrét umelca. Bazén s dvoma figúrkami. 1972. 90 312 500 dolárov

David Hockney (1937) je jedným z najvýznamnejších britských umelcov 20. storočia. V roku 2011 bol David Hockney zvolený za najvplyvnejšieho britského umelca všetkých čias v prieskume medzi tisíckami profesionálnych britských maliarov a sochárov. Hockney zároveň obišiel takých majstrov ako William Turner a Francis Bacon. Jeho tvorba sa spravidla pripisuje pop-artu, aj keď vo svojich raných dielach viac inklinoval k expresionizmu v duchu Francisa Bacona.

Narodil sa a vyrastal David Hockney v Anglicku, Yorkshire. Matka budúceho umelca udržiavala rodinu v puritánskej prísnosti a jeho otec, jednoduchý účtovník, ktorý kreslil trochu na amatérskej úrovni, povzbudzoval svojho syna, aby maľoval. Vo svojich dvadsiatich rokoch sa David presťahoval do Kalifornie, kde žil celkovo asi tri desaťročia. Stále tam má dve dielne. Hockney urobil z hrdinov svojich diel miestnych boháčov, ich vily, bazény, trávniky zaliate kalifornským slnkom. Jedno z jeho najslávnejších diel amerického obdobia - obraz "Splash" - je obrazom zhluku spreja stúpajúceho z bazéna po tom, čo človek skočil do vody. Na znázornenie tohto zväzku, ktorý „nežije“ viac ako dve sekundy, pracoval Hockney dva týždne. Mimochodom, tento obraz sa v roku 2006 predal v Sotheby’s za 5,4 milióna dolárov a nejaký čas bol považovaný za jeho najdrahšie dielo.

Hockney (1937) má už po osemdesiatke, no stále pracuje a dokonca vymýšľa nové výtvarné techniky s využitím technických noviniek. Raz prišiel s nápadom robiť obrovské koláže z polaroidových obrázkov, svoje diela vytlačil na faxoch a dnes umelec nadšene ovláda kreslenie na iPade. Obrazy nakreslené na tablete zaujímajú na jeho výstavách svoje miesto.

V roku 2005 sa Hockney konečne vrátil zo štátov do Anglicka. Teraz maľuje pod holým nebom av ateliéri obrovské (často pozostávajúce z niekoľkých častí) krajiny miestnych lesov a pustatín. Podľa Hockneyho si za 30 rokov v Kalifornii tak nezvykol na jednoduchú zmenu ročných období, že ho to skutočne fascinuje a fascinuje. Celé cykly jeho posledných prác sú venované napríklad tej istej krajine v rôznych obdobiach roka.

V roku 2018 Hockneyho obrazy niekoľkokrát prekonali hranicu 10 miliónov dolárov. A 15. novembra 2018 bol v Christie's zaregistrovaný nový absolútny rekord za prácu žijúceho umelca - 90 312 500 dolárov za obraz "Portrét umelca (bazén s dvoma postavami)".

3. GERHARD RICHTER Abstraktná maľba. 1986. 46,3 milióna dolárov

Žijúca klasika Gerhard Richter (1932) je v našom rebríčku na druhom mieste. Nemecký umelec bol lídrom medzi žijúcimi kolegami, kým nezasiahol 58 miliónový rekord Jeffa Koonsa. Je však nepravdepodobné, že by táto okolnosť mohla otriasť Richterovou už aj tak železnou autoritou na trhu s umením. Podľa výsledkov z roku 2012 je ročný aukčný obrat nemeckého umelca na druhom mieste po aukciách Andyho Warhola a Pabla Picassa.

Dlhé roky nič nenaznačovalo úspech, ktorý na Richtera dopadol teraz. Umelec zastával desaťročia na trhu súčasného umenia skromné ​​miesto a vôbec netúžil po sláve. Dá sa povedať, že sláva ho dobehla sama. Za východiskový bod mnohí považujú kúpu Richterovej série z 18. októbra 1977 v roku 1995 newyorským múzeom MoMA. Americké múzeum zaplatilo 3 milióny dolárov za 15 malieb v odtieňoch šedej a čoskoro začalo uvažovať o usporiadaní plnohodnotnej retrospektívy nemeckého umelca. Grandióznu výstavu otvorili o šesť rokov neskôr, v roku 2001, a odvtedy záujem o Richterovu tvorbu vzrástol míľovými krokmi. Od roku 2004 do roku 2008 sa cena jeho obrazov strojnásobila. V roku 2010 už Richterove diela priniesli 76,9 milióna dolárov, v roku 2011 podľa webu Artnet zarobili Richterove diela na aukcii celkovo 200 miliónov dolárov a v roku 2012 (podľa Artprice) - 262,7 milióna dolárov - viac ako dielo ktoréhokoľvek iného iný žijúci umelec.

Kým napríklad u Jaspera Johnsa drvivý úspech na aukciách sprevádza najmä rané diela, takéto ostré delenie nie je pre Richterove diela typické: rovnako stabilný je dopyt po veciach z rôznych tvorivých období, ktorých bolo v Richterovej tvorbe veľmi veľa. kariéra. Za posledných šesťdesiat rokov sa tento umelec vyskúšal takmer vo všetkých tradičných maliarskych žánroch - portrét, krajina, marina, akt, zátišie a, samozrejme, abstrakcia.

História Richterových aukčných rekordov sa začala sériou zátiší „Sviečky“. 27 fotorealistických obrázkov sviečok na začiatku 80. rokov, v čase, keď boli napísané, stálo len 15 000 nemeckých mariek (5 800 dolárov) za dielo. Ale stále nikto nekúpil Candles na ich prvej výstave v galérii Maxa Hetzlera v Stuttgarte. Potom sa téma obrazov nazývala staromódna; Dnes sú „Sviečky“ považované za diela všetkých čias. A stoja milióny dolárov.

Vo februári 2008 "Sviečka", napísaný v roku 1983, bol nečakane kúpený za £ 7,97 milióna (16 miliónov dolárov). Tento osobný rekord trval tri a pol roka. Potom v októbri 2011 ešte jeden "Sviečka" (1982)šiel pod kladivo v Christie's už za £ 10,46 milióna (16,48 milióna dolárov). S touto nahrávkou sa Gerhard Richter po prvý raz zaradil do prvej trojky najúspešnejších žijúcich umelcov a zaujal svoje miesto za Jasperom Johnsom a Jeffom Koonsom.

Potom sa začal víťazný sprievod Richterových „Abstraktných obrazov“. Umelec maľuje takéto diela unikátnou autorskou technikou: zmes jednoduchých farieb nanáša na svetlý podklad a potom ich dlhou škrabkou vo veľkosti nárazníka auta rozmazáva na plátno. Výsledkom sú zložité farebné prechody, škvrny a pruhy. Skúmanie povrchu jeho „Abstraktných obrazov“ je ako vykopávky: cez medzery početných farebných vrstiev na nich hľadia stopy rôznych „postavičiek“.

9. novembra 2011 na aukcii moderného a povojnového umenia Sotheby's vo veľkom "Abstraktná maľba (849-3)" 1997 šiel pod kladivo za 20,8 milióna dolárov (13,2 milióna £). A o šesť mesiacov neskôr, 8. máj 2012 na aukcii povojnového a súčasného umenia Christie's v New Yorku "Abstraktná maľba (798-3)" Rok 1993 bol rekordný 21,8 milióna dolárov(vrátane provízie). O päť mesiacov neskôr - opäť rekord: "Abstraktná maľba (809-4)" zo zbierky rockového hudobníka Erica Claptona 12. októbra 2012 v Sotheby's v Londýne šiel pod kladivo za £ 21,3 milióna (34,2 milióna dolárov). Bariéru 30 miliónov zobral Richter s takou ľahkosťou, akoby nešlo o modernú maľbu, ale o majstrovské diela staré už sto rokov – nie menej. Aj keď v prípade Richtera sa zdá, že zaradenie do panteónu „veľkých“ prebehlo už za života umelca. Nemecké ceny naďalej rastú.

Ďalší Richterov rekord patril fotorealistickému dielu – krajine "Katedrálne námestie, Miláno (Domplatz, Mailand)" 1968. Dielo bolo predané za 37,1 milióna na aukcii Sotheby's 14. mája 2013. Pohľad na najkrajšie námestie namaľoval nemecký umelec v roku 1968 na objednávku Siemens Electro, špeciálne pre milánsku kanceláriu spoločnosti. V čase jeho písania to bolo najväčšie Richterovo figurálne dielo (veľkosť takmer tri krát tri metre).

Rekord Katedrálneho námestia stál takmer dva roky, do r 10. február 2015 neprerušil ho "Abstraktná maľba" ( 1986): cena kladiva dosiahla £ 30,389 milióna (46,3 milióna dolárov). Abstraktný obraz s rozmermi 300,5 × 250,5 cm, vydražený v Sotheby’s, je jedným z prvých Richterových veľkorozmerných diel v jeho osobitej autorskej technike zoškrabovania vrstiev farby. Naposledy v roku 1999 bol tento „Abstraktný obraz“ kúpený v aukcii za 607-tisíc dolárov (od tohto roku až do súčasného predaja bolo dielo vystavené v Ludwigovom múzeu v Kolíne nad Rýnom). Na aukcii 10. februára 2015 dosiahol istý americký klient v aukčných krokoch 2 milióny libier príklepovú cenu 46,3 milióna dolárov, teda od roku 1999 dielo zdraželo viac ako 76-krát!

4. Tsui Zhuzhuo "Veľké zasnežené hory." 2013. 39,577 milióna dolárov

Dlho sme pozorne nesledovali vývoj situácie na čínskom trhu s umením, nechceli sme našich čitateľov zahltiť nadmerným množstvom informácií o „nie našom“ umení. S výnimkou disidenta Aj Wej-weja, ktorý nie je ani taký drahý ako zvučný umelec, sa nám čínski autori zdali príliš početní a vzdialení od nás, aby sme sa pustili do toho, čo sa tam deje na ich trhu. Ale štatistika, ako sa hovorí, je vážna dáma, a ak hovoríme o najúspešnejších žijúcich autoroch na svete, potom sa nezaobídeme bez príbehu o vynikajúcich predstaviteľoch súčasného umenia Nebeskej ríše.

Začnime s čínskym umelcom Cui Ruzhuo. Umelec sa narodil v roku 1944 v Pekingu a v rokoch 1981 až 1996 žil v USA. Po návrate do Číny začal učiť na Národnej akadémii umení. Cui Ruzhuo reinterpretuje tradičný čínsky štýl maľby atramentom a vytvára obrovské zvitkové plátna, ktoré si čínski podnikatelia a úradníci radi navzájom darujú. Na Západe sa o ňom vie len veľmi málo, hoci mnohí si musia pamätať príbeh o zvitku za 3,7 milióna dolárov, ktorý omylom vyhodili upratovači v hongkonskom hoteli a pomýlili si ho s odpadom. Takže to bol zvitok Cui Ruzhuo.

Cui Ruzhuo má 70 rokov a trh s jeho tvorbou prekvitá. Viac ako 60 diel tohto umelca prekročilo hranicu 1 milión dolárov, jeho diela však zatiaľ uspeli len na čínskych aukciách. Záznamy Cui Ruzhuo sú skutočne pôsobivé. Najprv to "Krajina v snehu" na Poly Auction v Hong Kongu 7. apríla 2014 dosiahol kladivovú cenu 184 miliónov HK$ ( 23,7 milióna USD).

Presne o rok neskôr 6. apríla 2015 na špeciálnej Poly Auction v Hong Kongu venovanej výhradne dielu Cui Ruzhuo, seriálu "Veľká zasnežená scenéria hornatého Jiangnanu"(Jiangnan je historický región v Číne, ktorý zaberá pravý breh dolného toku Yangtze.) z ôsmich krajiniek s atramentom na papieri dosiahol cenu 236 miliónov HK$ ( 30,444 milióna USD).

O rok neskôr sa história opäť zopakovala: na samostatnej aukcii Cui Ruzhuo, ktorú organizovala Poly Auctions v Hong Kongu 4. apríla 2016 polyptych v šiestich častiach "Veľké zasnežené hory" Kladivová cena v roku 2013 (vrátane provízie aukčného domu) dosiahla 306 miliónov HK$ (39,577 milióna USD). Zatiaľ ide o absolútny rekord medzi ázijskými žijúcimi umelcami.

Podľa obchodníka s umením Johnsona Chana, ktorý pracuje s čínskym súčasným umením už 30 rokov, existuje bezpodmienečná túžba zvýšiť ceny za diela tohto autora, ale to všetko sa deje na cenovej úrovni, ktorú skúsení zberatelia pravdepodobne nebudú chcieť. niečo kúpiť. „Číňania chcú zvýšiť hodnotenie svojich umelcov nafúknutím cien za ich diela na veľkých medzinárodných aukciách, ako je tá, ktorú organizuje Poly v Hong Kongu, ale niet pochýb o tom, že tieto hodnotenia sú úplne vymyslené,“ komentuje Johnson Chang Cui Ruzhuo. najnovší záznam.

Toto je, samozrejme, len názor jedného predajcu a vo všetkých databázach máme zaznamenaný skutočný rekord. Zoberme ho teda do úvahy. Samotný Cui Ruzhuo, súdiac podľa svojich vyjadrení, má ďaleko od skromnosti Gerharda Richtera, pokiaľ ide o jeho aukčný úspech. Zdá sa, že tieto preteky o rekordy ho vážne uchvacujú. „Dúfam, že v najbližších 5-10 rokoch ceny za moje diela prevýšia ceny za diela západných majstrov ako Picasso a Van Gogh. Toto je čínsky sen,“ hovorí Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Vlajka. 1983. 36 miliónov dolárov

Tretie miesto v rebríčku žijúcich umelcov patrí Američanovi Jasperovi Johnsovi (1930). Aktuálna rekordná cena za Jonesovu prácu je $ 36 miliónov. Toľko zaplatil za svoju slávu "vlajka" na aukcii Christie's 12. novembra 2014.

Séria obrazov „vlajok“, ktorú Jones začal realizovať v polovici 50. rokov, bezprostredne po umelcovom návrate z armády, sa stala jednou z ústredných v jeho tvorbe. Už v mladosti sa umelec zaujímal o myšlienku readymade, premeny každodenného predmetu na umelecké dielo. Jonesove vlajky však neboli pravé, boli namaľované olejom na plátne. Umelecké dielo tak nadobudlo vlastnosti veci z bežného života, bolo zároveň obrazom vlajky a vlajky samotnej. Séria diel s vlajkami priniesla Jasperovi Johnsovi celosvetovú slávu. Ale nemenej populárne sú jeho abstraktné diela. Na čele zoznamu najdrahších diel zostavených podľa vyššie uvedených pravidiel bol dlhé roky abstrakt "nesprávny štart". Až do roku 2007 bolo toto veľmi svetlé a dekoratívne plátno, ktoré Jones namaľoval v roku 1959, považované za majiteľa prakticky nedostupnej ceny pre žijúceho umelca (hoci celoživotnej klasiky) - $ 17 miliónov. Toľko za to zaplatili v zlate pre trh s umením 1988.

Zaujímavé je, že skúsenosť Jaspera Johnsa ako rekordéra nebola nepretržitá. V roku 1989 ho prerušila práca jeho kolegu Willema de Kooninga: dvojmetrovú abstrakciu „Mixing“ predali v Sotheby's za 20,7 milióna dolárov. Jasper Johns sa musel presťahovať. Ale po 8 rokoch, v roku 1997, de Kooning zomrel , a " Falošný štart "Jones opäť obsadil prvú líniu aukčného hodnotenia žijúcich umelcov na takmer 10 rokov.

V roku 2007 sa však všetko zmenilo. Rekord False Start bol prvýkrát zatienený tvorbou mladého a ambiciózneho Damiena Hirsta a Jeffa Koonsa. Potom došlo k rekordnému predaju obrazu "The Sleeping Benefit Inspector" od Lusien Freud (teraz zosnulej, a preto sa nezúčastňuje na tomto hodnotení) za 33,6 milióna dolárov. Potom začali záznamy Gerharda Richtera. Vo všeobecnosti je zatiaľ s aktuálnym rekordom 36 miliónov Jasper Johns, jeden z majstrov amerického povojnového umenia, pôsobiaci na priesečníku neodadaizmu, abstraktného expresionizmu a pop-artu, na čestnom treťom mieste.

6. ED RUSHAY Smash. 1963. 30,4 milióna dolárov

Náhly úspech obrazu „Smash“ od amerického umelca Edward Ruscha (nar. 1937) na aukcii Christie's 12. novembra 2014 priviedol tohto autora do počtu najdrahších žijúcich umelcov. Doterajšia rekordná cena za dielo Eda Ruschu (meno Ruscha sa v ruštine často vyslovuje ako „Rusha“, ale správna výslovnosť je Ruscha) bola „iba“ 6,98 milióna dolárov: toľko zaplatili za jeho plátno „Burning gas stanica“ v roku 2007. O sedem rokov neskôr jeho Smash s odhadom 15–20 miliónov dolárov dosiahol cenu kladiva 30,4 milióna dolárov. Je zrejmé, že trh s dielami tohto autora sa dostal na novú úroveň – nie nadarmo Barack Obama zdobí Biely dom svojimi dielami a vo svojich galériách ho vystavuje aj samotný Larry Gagosian.

Ed Ruscha nikdy neašpiroval na povojnový New York s jeho šialenstvom po abstraktnom expresionizme. Namiesto toho vyše 40 rokov hľadal inšpiráciu v Kalifornii, kam sa vo veku 18 rokov presťahoval z Nebrasky. Umelec stál pri zrode nového trendu v umení, nazývaného pop art. Edward Ruscha sa spolu s Warholom, Lichtensteinom, Waynom Thiebaudom a ďalšími spevákmi populárnej kultúry zúčastnil v roku 1962 na výstave New Image of Ordinary Things v múzeu Pasadena, ktorá sa stala prvou múzejnou výstavou amerického pop artu. Samotnému Edovi Ruschovi sa však nepáči, keď je jeho tvorba pripisovaná pop-artu, konceptualizmu, či inému smeru v umení.

Jeho jedinečný štýl sa nazýva „text painting“. Od konca 50. rokov začal Ed Ruscha maľovať slová. Tak ako pre Warhola sa plechovka polievky stala umeleckým dielom, pre Eda Ruscha obyčajné slová a frázy, prevzaté buď z billboardu alebo obalu v supermarkete, alebo z titulkov filmu (Hollywood bol vždy po Ruschovej strane a na rozdiel od mnohých svojich kolegov umelcov Rushey rešpektoval „továreň na sny“). Slová na jeho plátnach nadobúdajú vlastnosti trojrozmerných predmetov, sú to skutočné zátišia zo slov. Pri pohľade na jeho plátna nám ako prvé napadne vizuálne a zvukové vnímanie nakresleného slova a až potom - sémantický význam. Ten sa spravidla nedá jednoznačne dešifrovať; slová a frázy, ktoré vybral Ruscha, možno interpretovať rôznymi spôsobmi. Rovnaké žiarivo žlté slovo „Smash“ na tmavomodrom pozadí môže byť vnímané ako agresívna výzva rozbiť niečo alebo niekoho na kúsky; ako osamelé prídavné meno vytrhnuté z kontextu (napríklad časť nejakého novinového titulku) alebo jednoducho ako jediné slovo zachytené v mestskom prúde vizuálnych obrazov. Ed Ruscha sa vyžíva v tejto neistote. "Vždy som mal hlboký rešpekt k zvláštnym, nevysvetliteľným veciam... Vysvetlenia v istom zmysle zabíjajú vec," povedal v rozhovore.

7. KRISTOFOV VLNA Bez názvu (RIOT). 1990. 29,93 milióna dolárov

americký umelec Christopher Wool(1955) prvýkrát prerazil do rebríčka žijúcich umelcov v roku 2013 – po predaji Apocalypse Now za 26,5 milióna dolárov.Tento rekord ho okamžite postavil na úroveň Jaspera Johnsa a Gerharda Richtera. Výška tejto historickej transakcie – viac ako 20 miliónov dolárov – mnohých prekvapila, keďže pred ňou ceny za diela umelca nepresiahli 8 miliónov dolárov. Rýchly rast trhu s dielami Christophera Woola bol však už v tom čase evidentný. : rekord umelca zahŕňal 48 aukčných transakcií v hodnote viac ako 1 milión dolárov a 22 z nich (takmer polovica) sa uskutočnilo v roku 2013. O dva roky neskôr počet diel Chrisa Woola, predaných za viac ako 1 milión dolárov, dosiahol 70 a nový osobný rekord na seba nenechal dlho čakať. Na aukcii Dielo Sotheby's z 12. mája 2015 „Bez názvu (RIOT)“ bol predaný za $ 29,93 milióna vrátane prémie kupujúceho.

Christopher Wool je známy najmä pre svoje veľké čierne písmo na bielych hliníkových plechoch. Sú to tí, ktorí spravidla vytvárajú rekordy na aukciách. To všetko sú veci z konca 80. a začiatku 90. rokov. Ako legenda hovorí, jedného večera sa Wool prechádzal večer po New Yorku a zrazu uvidel graffiti čiernymi písmenami na novom bielom kamióne – slová sex a luv. Tento pohľad na neho zapôsobil natoľko, že sa okamžite vrátil do štúdia a s rovnakými slovami napísal vlastnú verziu. Písal sa rok 1987 a umelcovo ďalšie hľadanie slov a slovných spojení pre svoje „doslovné“ diela odráža rozporuplný duch tejto doby. Toto je volanie „predaj dom, predaj auto, predaj deti“, ktoré prevzal Wool z filmu „Apocalypse Now“ a slovo „FOOL“ („blázen“) napísané veľkými písmenami a slovo „RIOT“ ("rebélia"), často nachádzaný v titulkoch vtedajších novín.

Slová a frázy Vlna aplikovaná na hliníkové plechy pomocou šablón s alkydovými alebo emailovými farbami, zámerne zanechávajúce šmuhy, šablóny a iné dôkazy o tvorivom procese. Umelec rozdelil slová tak, aby divák hneď nepochopil význam. Najprv vidíte len zhluk písmen, to znamená, že slovo vnímate ako vizuálny objekt a až potom čítate a dešifrujete význam frázy alebo slova. Vlna použila font, ktorý používala americká armáda po druhej svetovej vojne, čo umocňuje dojem rozkazu, smernice, sloganu. Tieto „písmenkové“ diela sú vnímané ako súčasť mestskej krajiny, ako nelegálne graffiti, ktoré narušili čistotu povrchu nejakého uličného objektu. Táto séria diel Christophera Woola je uznávaná ako jeden z vrcholov lingvistickej abstrakcie, a preto je vysoko cenená milovníkmi súčasného umenia.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 milióna dolárov

britský Peter Doig(1959), hoci patrí ku generácii postmodernistov Koonsa a Hirsta, zvolil si pre seba úplne tradičný žáner krajiny, ktorý dlho nepraje vyspelým umelcom. Peter Doig svojou tvorbou oživuje ubúdajúci záujem verejnosti o figuratívnu maľbu. Jeho prácu vysoko oceňujú kritici aj laici, čoho dôkazom je rýchly rast cien jeho diel. Ak na začiatku 90. rokov stáli jeho krajiny niekoľko tisíc dolárov, teraz ide účet do miliónov.

Doigova tvorba je často označovaná ako magický realizmus. Na základe reálnych krajín vytvára fantazijné, tajomné a často pochmúrne obrazy. Umelec rád zobrazuje objekty opustené ľuďmi: schátranú budovu postavenú Le Corbusierom uprostred lesa alebo prázdne biele kanoe na hladine lesného jazera. Okrem prírody a fantázie sa Doig inšpiruje hororovými filmami, starými pohľadnicami, fotografiami, amatérskymi videami a pod. Doigove obrazy sú farebné, zložité, dekoratívne a nie provokatívne. Je pekné vlastniť takýto obraz. Nízka produktivita autora podnecuje aj záujem zberateľov: umelec žijúci na Trinidade vytvorí ročne nie viac ako tucet obrazov.

Začiatkom roku 2000 sa jednotlivé krajiny umelca predávali za niekoľko stoviek tisíc dolárov. Zároveň bolo Doigovo dielo zaradené do galérie Saatchi, na bienále vo Whitney Museum a do zbierky MoMA. V roku 2006 bola prekonaná aukčná latka 1 milión dolárov a v nasledujúcom roku nastal neočakávaný prelom: dielo „Biela kanoe“, ponúkané v Sotheby's 7. februára 2007 s odhadom 0,8 – 1,2 milióna dolárov, prekročilo predbežný odhad. päťkrát a bol predaný za 5,7 milióna libier (11,3 milióna dolárov). V tom čase to bola rekordná cena za dielo žijúceho európskeho umelca.

V roku 2008 usporiadal Doig samostatné výstavy v Tate Gallery a Múzeu moderného umenia v Paríži. Viacmiliónové cenovky za Doigovu prácu sa stali normou. Osobný rekord Petra Doiga sa v poslednom čase aktualizuje niekoľkokrát do roka – na zmenu obrazu a miesta tohto umelca v našom rebríčku žijúcich autorov máme len čas.

Doteraz najdrahším dielom Petra Doiga je snehová krajina z Rosedale z roku 1991. Zaujímavé je, že rekord nevznikol v Sotheby's alebo Christie's, ale na aukcii súčasného umenia Phillips. Stalo sa tak 18. mája 2017. Pohľad na zasnežené Rosedale, jednu z torontských štvrtí, bol predaný kupcovi telefónu za 28,81 milióna dolárov, čo je asi o 3 milióny dolárov viac ako predchádzajúci rekord (25,9 milióna dolárov za film "Swallowed in the Mire"). Obraz „Rosedale“ sa zúčastnil na Doigovej kľúčovej výstave vo Whitechapel Gallery v Londýne v roku 1998 a vo všeobecnosti bolo toto dielo čerstvé na trh, a preto je rekordná cena zaslúžená.

9. FRANK STELLA Capské borovice. 1959. 28 miliónov dolárov

Frank Stella je jasným predstaviteľom post-maľby abstrakcie a minimalizmu v umení. V určitom štádiu sa označuje ako štýl maľby s tvrdými okrajmi. Stella spočiatku dával do kontrastu prísnu geometriu, asketickú monochrómnosť a štruktúrovanosť svojich obrazov so spontánnosťou a náhodnosťou plátien abstraktných expresionistov ako Jackson Pollock.

Koncom 50. rokov 20. storočia si umelca všimol slávny galerista Leo Castelli a po prvý raz bol ocenený výstavou. Predstavil na ňom takzvané „Čierne obrazy“ – plátna premaľované paralelnými čiernymi líniami s tenkými medzerami nemaľovaného plátna medzi nimi. Čiary sa formujú do geometrických tvarov, trochu pripomínajúcich optické ilúzie, samotné obrázky, ktoré sa mihajú, pohybujú, krútia, vytvárajú pocit hlbokého priestoru, ak sa na ne dlho pozeráte. Stella pokračoval v téme paralelných línií tenkými deliacimi pásikmi vo svojich prácach na hliníku a medi. Menila sa farebnosť, obrazový základ a dokonca aj tvar malieb (okrem iných vynikajú práce v tvare písmen U, T, L). Ale hlavný princíp jeho maľby stále spočíval v jasnosti obrysu, monumentálnosti, jednoduchej forme, monochróme. V nasledujúcich desaťročiach sa Stella posunula od takejto geometrickej maľby k hladkým, prirodzeným formám a líniám a od monochromatických malieb k jasným a pestrým farebným prechodom. V 70. rokoch Stella uchvátili obrovské vzory, ktorými sa maľovali lode. Umelec ich použil na obrovské obrazy s asamblážovými prvkami – do svojich diel zakomponoval kusy oceľových rúr či drôteného pletiva.

Vo svojich prvých rozhovoroch Frank Stella otvorene hovorí o významoch, ktoré vkladá do jeho práce, alebo skôr o ich absencii: „Čo vidíš, je to, čo vidíš.“ Obraz je objekt sám o sebe, nie reprodukcia ničoho. "Je to rovný povrch s farbou a ničím iným," povedala Stella.

No, podpísaný Frankom Stellom, tento „povrch s farbou“ by dnes mohol mať hodnotu miliónov dolárov. Prvýkrát v rebríčku žijúcich umelcov sa Frank Stella dostal v roku 2015 predajom Delaware Crossing (1961) za 13,69 milióna dolárov vrátane provízie.

O štyri roky neskôr, 15. mája 2019, bol stanovený nový rekord raným dielom (1959) „Cape of Pines“: cena kladiva bola viac ako 28 miliónov dolárov vrátane provízie. Toto je jeden z 29 "čiernych obrazov" - práve tých, s ktorými Stella debutovala na svojej prvej výstave v New Yorku. Absolvent Princetonskej univerzity Frank Stella mal vtedy 23 rokov. Často nemal dosť peňazí na olejové farby pre umelcov. Mladý umelec robil mesiačiky ako opravárenské práce, veľmi sa mu páčili čisté farby farieb a vtedy vznikla myšlienka pracovať s touto farbou na plátne. Čiernou emailovou farbou Stella maľuje rovnobežné pruhy, pričom medzi nimi necháva tenké čiary nenatretého plátna. Navyše píše bez pravítka, od oka, bez predbežného náčrtu. Stella nikdy presne nevedela, koľko čiernych čiar sa objaví na konkrétnom obraze. Napríklad na obraze „Cape of Pines“ je ich 35. Názov diela odkazuje na názov mysu v Massachusetts Bay – Point of pines. Na začiatku 20. storočia mala veľký zábavný park a dnes je jednou zo štvrtí mesta Revere.

10. YOSHITOMO NARA Nôž za chrbtom. 2000. 24,95 milióna dolárov

Yoshitomo Nara (1959) je jednou z kľúčových postáv japonského neo-popu. Japonec - pretože napriek celosvetovej sláve a dlhoročnej práci v zahraničí sa jeho tvorba stále vyznačuje výraznou národnou identitou. Najobľúbenejšími postavami Nary sú dievčatá a psy v štýle japonských komiksov manga a anime. Obrazy, ktoré dlhé roky vymýšľal, „išli k ľuďom“: sú vytlačené na tričkách, vyrábajú sa z nich suveníry a rôzny „merch“. Narodil sa v chudobnej rodine, ďaleko od hlavného mesta, je nielen milovaný pre svoj talent, ale aj oceňovaný ako človek, ktorý sa vypracoval. Umelec pracuje rýchlo a expresívne. Je známe, že niektoré z jeho majstrovských diel boli dokončené doslova cez noc. Obrazy a sochy Yoshitoma Naru sú spravidla veľmi stručné a dokonca striedmy vo výrazových prostriedkoch, ale vždy nesú silný emocionálny náboj. Dospievajúce dievčatá v Nare sa často pozerajú na diváka s nevľúdnym prižmúrením. V ich očiach - drzosť, výzva a agresivita. V rukách - potom nôž, potom cigareta. Existuje názor, že zobrazené zvrátenosti správania sú reakciou na represívnu verejnú morálku, rôzne tabu a princípy výchovy prijaté Japoncami. Takmer stredoveká tvrdosť a hanba zaháňajú problémy dovnútra a vytvárajú pôdu pre oneskorenú emocionálnu explóziu. "Nôž za chrbtom" len priestranne odráža jednu z hlavných myšlienok umelca. V tomto diele je nenávistný pohľad dievčaťa a hrozivo rana ruky za jej chrbtom. Do roku 2019 už obrazy a sochy Yoshitoma Naru viackrát prekročili miliónovú, ba dokonca niekoľkomiliónovú hranicu. Ale dvadsať miliónov - prvýkrát. Nara je jedným z najznámejších svetových umelcov narodených v Japonsku. A teraz to najdrahšie zo živých. 6. októbra 2109 v aukčnej sieni Sotheby's v Hong Kongu prevzal tento titul od Takashi Murakamiho a výrazne prekonal 90-ročnú avantgardnú umelkyňu Yayoi Kusama (maximálne aukčné ceny za jej obrazy sa už blížia k 9 miliónom dolárov).

11. ZENG FANZHI Posledná večera. 2001. 23,3 milióna dolárov

V Sotheby's Hong Kong 5. októbra 2013 plátno v ročnej mierke "Posledná večera" Pekinský umelec Zeng Fanzhi (1964) bol predaný za rekordnú sumu 160 miliónov hongkonských dolárov - 23,3 milióna dolárov USA. Konečné náklady na Fanzhiho dielo, napísané, samozrejme, pod vplyvom Leonarda da Vinciho, sa ukázali ako dvojnásobok predbežného odhadu približne 10 miliónov dolárov. Predchádzajúci cenový rekord Zeng Fanzhi bol $ 9,6 milióna zaplatil na aukcii Christie's v Hong Kongu v máji 2008 za dielo Séria masiek. 1996 č. 6".

„Posledná večera“ je najväčší (2,2 × 4 metre) obraz Fanzhiho zo série „Masky“, ktorý pokrýva obdobie od roku 1994 do roku 2001. Cyklus je venovaný vývoju čínskej spoločnosti pod vplyvom ekonomických reforiem. Zavedenie prvkov trhového hospodárstva vládou ČĽR viedlo k urbanizácii a nejednotnosti Číňanov. Fanzhi zobrazuje obyvateľov moderných čínskych miest, ktorí musia bojovať o miesto na slnku. Známa kompozícia fresky od Leonarda v čítaní Fanzhi dostáva úplne iný význam: scéna je prenesená z Jeruzalema do učebne čínskej školy s typickými hieroglyfickými tabuľami na stenách. „Kristus“ a „apoštoli“ sa zmenili na priekopníkov so šarlátovými kravatami a zlatú kravatu nosí len „Juda“ – to je metafora západného kapitalizmu, prenikajúca a ničiaceho zaužívaný spôsob života v socialistickej krajine.

Diela Zeng Fanzhi sú štýlovo blízke európskemu expresionizmu a sú rovnako dramatické. No zároveň sú plné čínskych symbolov a špecifík. Táto všestrannosť priťahuje k dielu umelca čínskych aj západných zberateľov. Priamym potvrdením je aj proveniencia Poslednej večere: dielo dal do dražby slávny zberateľ čínskej avantgardy 80. a začiatku 90. rokov belgický barón Guy Ullens.

12. ROBERT RAYMAN Most. 1980. 20,6 milióna dolárov

Na aukcii Christie's 13. mája 2015 abstraktné dielo "Most" 85-ročný americký umelec Robert Ryman(Robert Ryman) bol predaný za 20,6 milióna dolárov berúc do úvahy províziu - dvakrát drahšie ako nižší odhad.

Robert Ryman(1930) si hneď neuvedomil, že sa chce stať umelcom. Vo veku 23 rokov sa presťahoval do New Yorku z Nashvillu v štáte Tennessee, aby sa stal jazzovým saxofonistom. Medzitým sa z neho nestal slávny hudobník, musel si privyrábať ako ochrankár v MoMA, kde sa zoznámil so Saulom LeWittom a Danom Flavinom. Prvý pracoval v múzeu ako nočný tajomník a druhý ako ochrankár a obsluha výťahu. Robert Ryman, inšpirovaný prácami abstraktných expresionistov, ktorých videl v MoMA - Rothko, De Kooning, Pollock a Newman, začal maľovať v roku 1955.

O Rymanovi sa často hovorí ako o minimalistovi, no radšej sa mu hovorí „realista“, pretože ho nezaujíma vytváranie ilúzií, iba demonštruje kvality materiálov, ktoré používa. Väčšina jeho diel je maľovaná farbami všetkých možných odtieňov bielej (od sivastej alebo žltkastej až po oslnivú bielu) podľa lakonického štvorcového tvaru. Robert Ryman počas svojej kariéry vyskúšal mnoho materiálov a techník: maľoval olejmi, akrylom, kazeínom, emailom, pastelom, gvašom atď. na plátno, oceľ, plexisklo, hliník, papier, vlnitú lepenku, vinyl, tapety atď. priateľ, profesionálny reštaurátor, Orrin Riley, mu poradil žieravosť materiálov, ktoré napadlo použiť. Ako raz povedal jeden umelec: „Nikdy nemám otázku čo napíš, hlavná vec - Ako písať“. Je to všetko o textúre, povahe ťahov, hranici medzi farebným povrchom a okrajmi základne, ako aj o vzťahu medzi dielom a stenou. Od roku 1975 sú osobitou črtou jeho tvorby svietidlá, ktoré si Ryman sám navrhuje a zámerne ich necháva viditeľné, čím zdôrazňuje, že jeho dielo je „také skutočné, ako sú skutočné steny, na ktorých visia“. Ryman dáva dielam radšej „mená“ ako „názvy“. Práve „meno“ pomáha rozlíšiť jedno dielo od druhého a Ryman často pomenováva svoje diela podľa značiek farieb, firiem atď., pričom „titul“ si nárokuje akési narážky a hlboko skryté významy, ktorých prítomnosť diela umelec pravidelne popiera. Na ničom okrem materiálu a techniky nezáleží.

13. Damien Hirst Ospalá jar. 2002. 19,2 milióna dolárov

anglický umelec Damienovi Hirstovi (1965) bolo predurčené na prvé miesto v tomto hodnotení v spore so žijúcim klasikom Jasperom Johnsom. Už spomínané dielo „False Start“ by mohlo zostať ešte dlho nepotopiteľným lídrom, keby 21. júna 2007 inštalácie v tom čase 42-ročný Hirst "ospalá jar"(2002) sa v Sotheby's nepredával za £ 9,76 milióna, teda za 19,2 milióna dolárov. Dielo má mimochodom dosť nezvyčajný formát. Na jednej strane ide o výkladnú skriňu s atrapami tabletiek (6 136 tabletiek), vlastne klasickú inštaláciu. A na druhej strane je táto vitrína plochá (10 cm hlboká), vložená do rámu a zavesená na stenu ako plazmový panel, čím plne poskytuje komfort držby, ktorý je obrazom vlastný. V roku 2002 sa sestra inštalácie, Sleepy Winter, predala za 7,4 milióna dolárov, čo je viac ako polovica ceny. Rozdiel v cene niekto "vysvetlil" tým, že tablety sú v zime viac vyblednuté. Je však jasné, že toto vysvetlenie je absolútne neopodstatnené, pretože mechanizmus tvorby cien takýchto vecí už nie je spojený s ich dekoratívnym účinkom.

V roku 2007 mnohí uznali Hirsta za autora najdrahšieho diela medzi žijúcimi umelcami. Otázka je však z kategórie „podľa toho, ako počítať“. Faktom je, že Hurst sa predával za drahé libry a Jones za doláre, ktoré teraz klesli na cenu a dokonca aj pred dvadsiatimi rokmi. Ale aj keby sme počítali v nominálnej hodnote, bez zohľadnenia 20-ročnej inflácie, potom bola Hirstova práca drahšia v dolároch a Jonesova v librách. Situácia bola hraničná a každý sa mohol slobodne rozhodnúť, koho bude považovať za najdrahšieho. Ale Hurst sa udržal na prvom mieste nie tak dlho. V tom istom roku 2007 ho z prvého miesta vytlačil Koons so svojím „Hanging Heart“.

Práve v predvečer globálneho poklesu cien súčasného umenia podnikol Hirst pre mladého umelca nevídaný záväzok – samostatnú aukciu jeho diel, ktorá sa konala 15. septembra 2008 v Londýne. Predvčerom oznámená správa o bankrote Lehman Brothers nepokazila chuť milovníkom súčasného umenia: z 223 diel ponúkaných Sotheby's len päť nenašlo nových majiteľov (mimochodom jedným z kupcov bol Viktor Pinchuk ). Práca "zlaté teľa"- obrovská podobizeň býka vo formaldehyde, korunovaná zlatým kotúčom, - priniesol 10,3 milióna £ (18,6 milióna dolárov). Toto je Hurstov najlepší výsledok, ak sa meria v librách (v mene, v ktorej sa obchod uskutočnil). V dolároch sme však v rebríčku, a tak (nech nám Zlaté teľa odpustí) za Hirstov najlepší predaj budeme považovať Ospalú jar.

Od roku 2008 Hirst nepredával Ospalú jar a Zlaté teľa. Čerstvé nahrávky z 10. rokov – za tvorbu Richtera, Jonesa, Fanzhiho, Woola a Koonsa – posunuli Damiena na šiesty riadok nášho hodnotenia. Nerobme však kategorický súd o úpadku Hirstovej éry. Podľa analytikov sa Hurst ako „superstar“ už zapísal do histórie, čo znamená, že ho budú kupovať na veľmi dlhú dobu; najväčšiu hodnotu v budúcnosti však predpovedajú dielam, ktoré vznikli v najinovatívnejšom období jeho kariéry, teda v 90. rokoch.

14. Maurizio Cattelan Jemu. 2001. 17,19 milióna dolárov

Talian Maurizio Cattelan (1960) sa k umeniu dostal po tom, čo pracoval ako ochrankár, kuchár, záhradník a dizajnér nábytku. Autor samouk sa svetovo preslávil svojimi ironickými sochami a inštaláciami. Zhodil meteorit na pápeža, premenil manželku zákazníka na loveckú trofej, vytrhol dieru na podlahe múzea starých majstrov, zdvihol obrovský prostredník na burzu v Miláne, priniesol živého somára na veľtrh Frieze . V blízkej budúcnosti Cattelan sľubuje inštaláciu zlatého záchodu v Guggenheimovom múzeu. V konečnom dôsledku boli huncútstva Maurizia Cattelana vo svete umenia všeobecne uznávané: je pozvaný na Benátske bienále (inštalácia „Ostatní“ v roku 2011 – kŕdeľ dvoch tisícok holubov, ktoré hrozivo hľadia zo všetkých rúr a trámov na davy návštevníkov prechádzajúc nižšie), zariadil, aby mal retrospektívu v Guggenheimovom múzeu v New Yorku (november 2011) a napokon sa za jeho sochy platia veľké peniaze.

Od roku 2010 je najdrahším dielom Maurizia Cattelana vosková socha muža vykúkajúceho z diery v podlahe, ktorá je navonok podobná samotnému umelcovi („Bez názvu“, 2001). Táto socha-inštalácia, ktorá existuje v počte troch kópií plus autorská kópia, bola prvýkrát vystavená v múzeu Boijmans van Beuningen v Rotterdame. Potom táto šibalská postavička vyzrela z diery v podlahe sály s obrazmi holandských maliarov 18. a 19. storočia. Maurizio Cattellan sa v tomto diele spája s odvážnym zločincom vtrhujúcim do posvätného priestoru sály múzea s obrazmi veľkých majstrov. Chce tak umeniu zbaviť svätožiaru, ktorú mu dávajú steny múzeí. Dielo, kvôli vystavovaniu, ktoré zakaždým musíte urobiť diery v podlahe, bolo predané za 7,922 milióna dolárov v Sotheby's.

Rekord platil až do 8. mája 2016, kedy sa Cattelanovo ešte provokatívnejšie dielo Him, zobrazujúce kľačiaceho Hitlera, dostalo pod kladivo za 17,189 milióna dolárov. Meno je zvláštne. Výber postavy je riskantný. Ako všetko ostatné s Cattelanom. Čo má na mysli? „Jeho“ alebo „Jeho pekelné veličenstvo“? Je jasné, že rozhodne nehovoríme o spievaní obrazu Fuhrera. Hitler v tomto diele vystupuje skôr v bezmocnej, žalostnej podobe. A absurdne – inkarnácia Satana je vyrobená vo veľkosti dieťaťa, oblečená v kostýme školáka a kľačiaca s pokorným výrazom na tvári. Pre Cattelana je tento obrázok pozvaním na zamyslenie sa nad povahou absolútneho zla a spôsobom, ako sa zbaviť strachu. Mimochodom, socha „Him“ je dobre známa západnému publiku. Jej bratia v sérii boli vystavení viac ako 10-krát v popredných múzeách po celom svete, vrátane Pompidou Center a Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Bez názvu (S III prepustený do France Face 43.14). 2011. 16,8 milióna dolárov

17. mája 2017 sa na večernej aukcii Christie's v New Yorku objavil jeden z najmocnejších obrazov Marca Grotjana, aký bol kedy daný do aukcie. Obraz “Bez názvu (S III Released to France Face 43.14)” vystavil parížsky zberateľ Patrick Seguin s odhadom 13 – 16 miliónov dolárov a keďže predaj losu garantovala tretia strana, nikoho to zvlášť neprekvapilo. založením nového osobného aukčného rekordu 49-ročného umelca . Cena kladiva 14,75 milióna dolárov (16,8 milióna dolárov s Buyer's Premium) prekonala Grotjanov predchádzajúci aukčný rekord o viac ako 10 miliónov dolárov, čím sa zaradil do klubu žijúcich umelcov, ktorých dielo sa predáva za osemciferné ceny. Sedemmiestne rovnaké výsledky (tržby viac ako 1 milión dolárov, ale nie viac ako 10 miliónov dolárov) v aukčnom prasiatku Mark Grotyan za približne tridsať.

Mark Grotjan (1968), v ktorého tvorbe odborníci vidia vplyv modernizmu, abstraktného minimalizmu, popu a op artu, prišiel k svojej korporátnej identite v polovici 90. rokov po tom, čo sa presťahoval s priateľom Brentom Petersonom do Los Angeles a otvoril si tam galériu. "Izba 702". Ako spomína sám umelec, v tom čase začal premýšľať o tom, čo je preňho v umení na prvom mieste. Hľadal motív, s ktorým by mohol experimentovať. A uvedomil som si, že ho vždy zaujímala línia a farba. Experimenty v duchu rayonizmu a minimalizmu s lineárnou perspektívou, početnými úbežníkmi a viacfarebnými abstraktnými trojuholníkovými tvarmi nakoniec priniesli Grotjanovi celosvetovú slávu.

Od abstraktných, farebných krajiniek s viacerými horizontmi a miznúcimi bodmi sa dostal k trojuholníkovým tvarom pripomínajúcim motýlie krídla. Obrazy Grotjana 2001–2007 Hovoria tomu "Motýliky". Dnes sa pohyb úbežníka alebo použitie niekoľkých miznúcich bodov naraz, rozmiestnených v priestore, považuje za jednu z umelcových najsilnejších techník.

Ďalšia veľká séria diel sa volala „Tváre“; v abstraktných líniách tejto série možno uhádnuť črty ľudskej tváre, zjednodušenej do stavu masky v duchu Matissa, Jawlenského či Brancusiho. Keď už hovoríme o maximálnom zjednodušení a štylizácii foriem, o kompozičnom riešení malieb, keď sa na nás z húštiny dívajú rozhádzané kontúry očí a úst, bádatelia si všímajú spojenie Grotjanových tvárí s umením primitívnych kmene Afriky a Oceánie, pričom samotný umelec jednoducho „má rád obrazové oči pozerajúce sa z džungle. Občas som si predstavoval tváre paviánov alebo opíc. Nemôžem povedať, že by ma vedome alebo podvedome ovplyvnilo primitívne africké umenie, skôr ma ovplyvnili umelci, ktorí ním boli ovplyvnení. Picasso je najzrejmejším príkladom."

Diela série "Faces" sa nazývajú brutálne a elegantné, príjemné pre oči a príjemné pre myseľ. Postupom času sa mení aj textúra týchto diel: na vytvorenie efektu vnútorného priestoru používa umelec široké ťahy hustej farby, dokonca aj rozstrek v štýle Pollocka, ale povrch maľby je vyrovnaný, takže pri bližšom skúmaní zdá sa to byť úplne ploché. Obraz Bez názvu (S III Released to France Face 43.14), ktorý udáva aukčný rekord, patrí do tejto slávnej série Marka Grotjana.

16. TAKASHI MURAKAMI Môj osamelý kovboj. 15,16 milióna dolárov

japončina Takashi Murakami (1962) vstúpil do nášho hodnotenia so sochou "Môj osamelý kovboj", predaný v Sotheby's v máji 2008 za $ 15,16 milióna. S týmto predajom bol Takashi Murakami dlho považovaný za najúspešnejšieho žijúceho ázijského umelca – až kým ho nezatienil predaj Poslednej večere od Zeng Fanzhiho.

Takashi Murakami pôsobí ako výtvarník, sochár, módny návrhár a animátor. Murakami chcel za základ svojej práce vziať niečo skutočne japonské, bez západných alebo akýchkoľvek iných výpožičiek. V študentských rokoch ho fascinovalo tradičné japonské umenie nihonga, neskôr ho vystriedalo populárne umenie anime a manga. Tak sa zrodil psychedelický pán DOB, vzory usmievavých kvetov a žiarivé lesklé plastiky zo sklenených vlákien, akoby práve vyšli zo stránok japonských komiksov. Niektorí považujú Murakamiho umenie za rýchle občerstvenie a stelesnenie vulgárnosti, iní označujú umelca za Japonca Andyho Warhola – a v radoch toho druhého, ako vidíme, je veľa veľmi bohatých ľudí.

Názov pre svoju sochu si Murakami požičal od Andyho Warhola The Lonely Cowboys (1968), ktorý Japonci, ako sám priznal, nikdy nepozerali, no spojenie slov sa mu veľmi páčilo. Murakami jednou sochou potešil fanúšikov erotických japonských komiksov a rozosmial ich. Zväčšený a okrem toho aj trojrozmerný hrdina anime sa mení na fetiš masovej kultúry. Táto umelecká výpoveď je celkom v duchu klasického západného pop artu (spomeňte si na nábytkovú súpravu Allena Jonesa alebo Koonsovho Ružového pantera), no s národným nádychom.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14 784 505 USD

KAWS je pseudonym amerického umelca Briana Donellyho z New Jersey. Je najmladším účastníkom nášho hodnotenia, narodený v roku 1974. Donelly začínal ako animátor v Disney (kreslil pozadie pre kreslený film „101 dalmatíncov“ a iné). O graffiti som sa zaujímal už od mladosti. Spočiatku jeho charakteristickým dizajnom bola lebka s „X“ namiesto očných jamiek. Tvorbu mladého spisovateľa si obľúbili ľudia zo šoubiznisu a ľudia z módneho priemyslu: vytvoril obal na album Kanye West, vydal spolupráce pre Nike, Comme des Garçons a Uniqlo. Postupom času sa KAWS stala známou osobnosťou súčasného umeleckého sveta. Jeho charakteristická figúrka Mickey Mouse si našla cestu do múzeí, verejných priestorov a súkromných zbierok. Raz KAWS vydal limitovanú edíciu vinylovej hračky so značkou My Plastic Heart a zrazu sa stali predmetom veľkého zberateľského záujmu. Jedným z vášnivých zberateľov týchto „hračiek“ je zakladateľ Black Star, rapper Timati: takmer kompletne zhromaždil celú sériu „Cavs Companions“.

Dielo KAWS vytvorilo rekord v umeleckom diele – 14,7 milióna dolárov – na aukcii Sotheby's v Hong Kongu 1. apríla 2019. Kedysi bol v kolekcii japonského módneho návrhára Niga. Meter canvas Album KAWS je poctou obalu slávneho albumu The Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" z roku 1967. Len namiesto ľudí má Kimpsonovcov – štylizované postavičky z kresleného seriálu Simpsonovci s „X“ namiesto očí.

18. JIN SHAN Tadžická nevesta. 1983. 13,89 milióna dolárov

Medzi relatívne mladými a súčasnými čínskymi umelcami, ktorí všetci patria do takzvanej „novej vlny“ konca 80. rokov v čínskom umení, sa v našom hodnotení celkom nečakane objavil aj predstaviteľ úplne inej generácie a inej školy. Dnes už vyše 80-ročný Jin Shan (Jin Shangyi) patrí k jasným predstaviteľom prvej generácie umelcov v komunistickej Číne. Názory tejto skupiny umelcov sa formovali do značnej miery pod vplyvom najbližšieho komunistického spojenca – ZSSR.

Oficiálne sovietske umenie, socialistický realizmus, olejomaľba, ktorá bola v 50. rokoch pre Čínu (na rozdiel od tradičnej čínskej maľby tušom) ešte nezvyčajná, boli na vrchole popularity a sovietsky umelec Konstantin prišiel na tri roky na Pekinskú umeleckú univerzitu ( v rokoch 1954 až 1957) učiť Metodieviča Maksimova. Do jeho triedy sa dostal Jin Shani, ktorý bol v tom čase najmladší v skupine. Umelec si vždy s veľkou vrúcnosťou pamätal svojho učiteľa a povedal, že to bol Maksimov, ktorý ho naučil správne pochopiť a zobraziť model. K. M. Maksimov vychoval celú plejádu čínskych realistov, dnes už klasikov.

V diele Jin Shana cítiť vplyv sovietskeho „tvrdého štýlu“ aj európskej maliarskej školy. Umelec venoval veľa času štúdiu dedičstva renesancie a klasicizmu, pričom považoval za potrebné zachovať vo svojich dielach čínskeho ducha. Obraz „Tadžická nevesta“, namaľovaný v roku 1983, je považovaný za všeobecne uznávané majstrovské dielo, nový míľnik v tvorbe Jin Shana. Bola to ona, ktorá bola vystavená na aukcii China Guardian v novembri 2013 a predala sa niekoľkonásobne drahšie, ako sa odhadovalo - za 13,89 milióna dolárov vrátane provízie.

19. BANKSY Rozpadnutý parlament. 2008. 12,14 milióna dolárov

Nástenné maľby so značkou Banksy sa začali objavovať na stenách miest (najskôr v Spojenom kráľovstve a potom po celom svete) koncom 90. rokov 20. storočia. Jeho filozofické a zároveň ostré graffiti boli venované problémom útoku štátu na slobody občanov, zločinom proti životnému prostrediu, nezodpovednému konzumu, neľudskosti systému nelegálnej migrácie. Banksyho nástenné „výčitky“ si postupom času získali nebývalú mediálnu obľubu. V skutočnosti sa stal jedným z hlavných hovorcov verejnej mienky odsudzujúcej pokrytectvo štátov a korporácií, čo spôsobuje rastúcu nespravodlivosť v kapitalistickom systéme.

Význam Banksyho, zmysel pre „nerv času“ a presnosť jeho metafor ocenili nielen diváci, ale aj zberatelia. V roku 2010 sa za jeho diela dali státisíce alebo dokonca viac ako milión dolárov. Dospelo to do bodu, že Banksyho graffiti bolo rozbité a ukradnuté spolu s kúskami stien.

V ére pokročilého digitálneho sledovania sa Banksymu stále darí zostať v anonymite. Existuje verzia, že to už nie je jedna osoba, ale skupina niekoľkých umelcov, na čele ktorej stojí talentovaná žena. To by mnohé vysvetľovalo. A vonkajšia nepodobnosť spisovateľov zachytených v objektívoch kamier svedkov a neosobná šablónová metóda aplikácie (poskytuje vysokú rýchlosť a nevyžaduje priamu účasť autora) a dojemný romantizmus námetov obrazov. (gule, snehové vločky atď.). Nech je to akokoľvek, ľudia z projektu Banksy vrátane jeho asistentov vedia držať jazyk za zubami.

V roku 2019 sa najdrahším dielom Banksyho nečakane stalo štvormetrové plátno Devolved Parliament (“degradovaný”, “rozpadnutý” alebo “delegovaný” parlament). Zdá sa, že šimpanzy, ktoré sa hádajú v Dolnej snemovni, v roku škandalózneho Brexitu zosmiešňujú publikum. Je prekvapujúce, že obraz bol namaľovaný 10 rokov pred týmto historickým zlomom, a preto ho niekto považuje za prorocký. Na aukcii Sotheby's 3. októbra 2019 neznámy kupec kúpil ropu za 12 143 000 dolárov v zúrivej ponuke - šesťnásobok ceny predbežného odhadu.

20. JOHN CURREN "Sladké a jednoduché." 1999. 12,007 milióna dolárov

americký umelec John Curran (1962) známy svojimi satirickými figuratívnymi maľbami na provokatívne sexuálne a sociálne témy. Currenovej tvorbe sa darí spájať maliarske techniky starých majstrov (najmä Lucasa Cranacha staršieho a manierov) a módnu fotografiu z nablýskaných časopisov. Karren, ktorá dosahuje grotesknosť, často deformuje proporcie ľudského tela, zväčšuje alebo zmenšuje jeho jednotlivé časti, zobrazuje hrdinov v zlomených, vychýrených pózach.

Curren začal v roku 1989 portrétmi dievčat prekreslenými zo školského albumu; pokračovanie začiatkom 90. rokov s obrázkami prsnatých krások inšpirovaných fotkami z Cosmopolitanu a Playboya; v roku 1992 sa objavili portréty bohatých starších dám; a v roku 1994 sa Curren oženil so sochárkou Rachel Feinsteinovou, ktorá sa na dlhé roky stala jeho hlavnou múzou a modelkou. Koncom 90. rokov 20. storočia mu Currinova technická zdatnosť v kombinácii s gýčom a grotesknosťou jeho obrazov priniesla popularitu. V roku 2003 sa propagácie umelca ujal Larry Gagosian a ak sa taký díler ako Gagosian ujme autora, úspech je zaručený. V roku 2004 sa vo Whitney Museum konala retrospektíva Johna Currana.

Približne v tomto čase sa jeho dielo začalo predávať za šesťmiestne. Aktuálny rekord obrazu od Johna Currana patrí filmu Sweet and Simple, ktorý sa 15. novembra 2016 predal v aukčnej sieni Christie's za 12 miliónov dolárov, teraz nad 50 rokov, je to určite prielom v kariére. Jeho predchádzajúci rekord v roku 2008 bol 5,5 milióna dolárov (mimochodom zaplatené za rovnakú prácu „Cute and Simple“).

21. BRICE MARDEN Zúčastnené. 1996–1999 10,917 milióna dolárov

Ďalším žijúcim americkým abstraktným umelcom v našom rebríčku je Bryce Marden (1938). Mardenove diela v štýle minimalizmu a od konca 80. rokov - gestická maľba sa vyznačujú jedinečnou autorskou, mierne tlmenou paletou. Farebné kombinácie v Mardenových dielach sú inšpirované jeho cestami po svete – Grécko, India, Thajsko, Srí Lanka. Medzi autorov, ktorí ovplyvnili vznik Mardena patria Jackson Pollock (začiatkom 60. rokov Marden pracoval ako ochrankár v Židovskom múzeu, kde osobne pozoroval Pollockove „kvapkanie“), Alberto Giacometti (zoznámil sa s jeho tvorbou v Paríži) a Robert Rauschenberg (niektorí, kým Marden pracoval ako jeho asistent). Prvá etapa Mardenovej tvorby je venovaná klasickým minimalistickým plátnam, ktoré pozostávajú z farebných pravouhlých blokov (horizontálnych alebo vertikálnych). Na rozdiel od mnohých iných minimalistov, ktorí sa snažili o ideálnu kvalitu diel, ako keby boli vytlačené strojom, a nie nakreslené človekom, Marden si zachoval stopy umelcovej práce kombinovaním rôznych materiálov (vosk a olejové farby). Od polovice 80. rokov 20. storočia pod vplyvom orientálnej kaligrafie nahradili geometrickú abstrakciu meandrovité línie, na pozadí ktorých boli rovnaké monochromatické farebné polia. Jedno z týchto „meandrových“ diel – „The Attended“ – bolo predané v Sotheby's v novembri 2013 za 10,917 milióna dolárov vrátane provízie.

22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. december 1959. 10,6 milióna dolárov

23. ZHANG XIAOGANG Večná láska. 10,2 milióna dolárov

Ďalším predstaviteľom súčasného čínskeho umenia je symbolista a surrealista Zhang Xiaogang (1958). V Sotheby's Hong Kong 3. apríla 2011, kde sa predávala čínska avantgarda zo zbierky belgického baróna Guya Ullensa, triptych Zhang Xiaoganga. "Večná láska" bol predaný za $ 10,2 milióna. V tom čase to bol rekord nielen pre umelca, ale pre celé čínske súčasné umenie. Hovorí sa, že Xiaogangovo dielo kúpila miliardárova manželka Wang Wei, ktorá sa chystá otvoriť vlastné múzeum.

Zhang Xiaogang, ktorý má rád mystiku a východnú filozofiu, napísal príbeh „večnej lásky“ v troch častiach – život, smrť a znovuzrodenie. Tento triptych bol prezentovaný na ikonickej výstave Čína/avantgarda v roku 1989 v Národnom múzeu umenia. Aj v roku 1989 boli študentské demonštrácie na Námestí nebeského pokoja brutálne potlačené armádou. Po tejto tragickej udalosti sa začali uťahovať skrutky – výstava v Národnom múzeu bola rozprášená, veľa umelcov emigrovalo. V reakcii na socialistický realizmus vnucovaný zhora vznikol smer cynického realizmu, ktorého jedným z hlavných predstaviteľov bol Zhang Xiaogang.

24. BRUCE NAUMAN Bezmocný Henry Moore. 1967. 9,9 milióna dolárov

americký Bruce Nauman (1941), víťaz hlavnej ceny 48. bienále v Benátkach (1999), už dávno prekonal svoj rekord. Nauman začal svoju kariéru v šesťdesiatych rokoch. Znalci ho označujú spolu s Andym Warholom a Josephom Beuysom za jednu z najvplyvnejších osobností umenia druhej polovice dvadsiateho storočia. Bohatá intelektuálnosť a absolútna nedekoratívnosť niektorých jeho diel však evidentne bránila rýchlemu uznaniu a úspechu u širokej verejnosti. Nauman často experimentuje s jazykom a objavuje neočakávané významy známych fráz. Slová sa stávajú ústrednými postavami mnohých jeho diel, vrátane neónových pseudonápisov a panelov. Nauman sám seba nazýva sochárom, hoci za posledných štyridsať rokov sa vyskúšal v úplne iných žánroch - sochárstvo, fotografia, videoart, performance, grafika. Začiatkom 90. rokov Larry Gagosian vyslovil prorocké slová: „Skutočná hodnota Naumannovej práce sa ešte len musí realizovať.“ A tak sa aj stalo: 17. máj 2001 v Christie's od Naumanna v roku 1967 "Bezmocný Henry Moore (pohľad zozadu)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) vytvoril nový rekord v segmente povojnového umenia. Odliatok Naumannových rúk zviazaných za chrbtom vyrobený zo sadry a vosku išiel pod kladivo za $ 9,9 milióna v zbierke francúzskeho magnáta Francoisa Pinaulta (podľa iných zdrojov Američanka Phyllis Wattis). Odhad práce bol len 2-3 milióny dolárov, takže výsledok bol pre všetkých skutočným prekvapením.

Pred týmto legendárnym predajom len dve Naumannove diela prekročili hranicu milióna dolárov. A za celú jeho doterajšiu aukčnú kariéru len šesť diel, okrem „Henryho Moorea ...“ išlo na sedemciferné číslo, no ich výsledky sa stále nedajú porovnať s deviatimi miliónmi.

„Helpless Henry Moore“ je jednou z Naumannových sérií polemických prác o postave Henryho Moora (1898–1986), britského umelca, ktorý bol v šesťdesiatych rokoch považovaný za jedného z najväčších sochárov 20. storočia. Mladí autori, ktorí sa ocitli v tieni uznávaného majstra, naňho potom zaútočili ostrou kritikou. Naumannova tvorba je odpoveďou na túto kritiku a zároveň zamyslením sa nad témou kreativity. Názov diela sa stáva slovnou hračkou, keďže spája dva významy anglického slova bound – zviazaný (v doslovnom zmysle) a odsúdený na určitý osud.

Pozor! Všetky materiály stránky a databáza výsledkov aukcií stránky, vrátane ilustrovaných referenčných informácií o dielach predaných na aukciách, sú určené na použitie výlučne v súlade s čl. 1274 Občianskeho zákonníka Ruskej federácie. Použitie na komerčné účely alebo v rozpore s pravidlami ustanovenými Občianskym zákonníkom Ruskej federácie nie je povolené. stránka nezodpovedá za obsah materiálov odovzdaných tretími stranami. V prípade porušenia práv tretích osôb si správa stránky vyhradzuje právo na ich odstránenie zo stránky a z databázy na základe žiadosti oprávneného orgánu.

Súčasným umením je zvykom nazývať všetky druhy umeleckých hnutí, ktoré sa rozvinuli na konci 20. storočia. V povojnovom období to bol akýsi výstup, ktorý opäť naučil ľudí snívať a vymýšľať nové skutočnosti života.

Mladí umelci, unavení z okov tvrdých pravidiel minulosti, sa rozhodli porušiť staré umelecké normy. Snažili sa vytvoriť nové, predtým neznáme praktiky. Postavili sa proti modernizmu a obrátili sa na nové spôsoby odhaľovania svojich príbehov. Umelec a koncept jeho tvorby sa stali oveľa dôležitejšími ako samotný výsledok tvorivej činnosti. Túžba vzdialiť sa od vztýčeného rámca viedla k vzniku nových žánrov.

Medzi umelcami začali vznikať spory o význame umenia a spôsoboch jeho vyjadrenia. čo je umenie? Akými prostriedkami možno dosiahnuť skutočné umenie? Konceptualisti a minimalisti si našli odpoveď vo vete: „Ak umenie môže byť všetkým, potom nemôže byť ničím.“ Odklon od zaužívaných vizuálnych prostriedkov pre nich vyústil do rôznych akcií, happeningov a performancií. Aká je zvláštnosť súčasného umenia 21. storočia? To je to, o čom budeme hovoriť v článku.

Trojrozmerná grafika v umení XXI storočia

Umenie 21. storočia v 3D grafike je famózne. S rozvojom výpočtovej techniky majú umelci prístup k novým prostriedkom tvorby svojho umenia. Podstatou trojrozmernej grafiky je vytváranie obrázkov modelovaním objektov v trojrozmernom priestore. Ak vezmeme do úvahy väčšinu foriem moderného umenia 21. storočia, najtradičnejšia bude tvorba trojrozmerných obrazov. 3D grafika má mnoho strán, v pravom slova zmysle. Používa sa pri vytváraní programov, hier, obrázkov a videí na počítači. Ale je to vidieť aj priamo pod nohami – na dlažbe.

Trojrozmerná grafika sa do ulíc presťahovala pred niekoľkými desaťročiami a odvtedy zostáva jednou z najdôležitejších foriem pouličného umenia. Mnoho umelcov kreslí na svoje „obrázky“ trojrozmerné obrazy, ktoré dokážu ohromiť svojou realitou. Edgar Müller, Eduardo Rolero, Kurt Wenner a mnohí ďalší súčasní umelci dnes tvoria umenie, ktoré dokáže prekvapiť každého.

Pouličné umenie 21. storočia

Predtým bola okupácia údelom bohatých ľudí. Po stáročia bola ukrytá pri stenách špeciálnych inštitúcií, kam bol pre nezasvätených uzavretý prístup. Je zrejmé, že jeho grandiózna sila nemohla večne chradnúť v dusných budovách. Vtedy sa to dostalo von – do sivých pochmúrnych ulíc. Zvolené, aby ste navždy zmenili svoju históriu. Aj keď to spočiatku nebolo také jednoduché.

Nie každý mal z jeho narodenia radosť. Mnohí to považovali za výsledok zlej skúsenosti. Niektorí dokonca odmietli venovať pozornosť jeho existencii. Medzitým duchovné dieťa naďalej rástlo a rozvíjalo sa.

Pouliční umelci cestou čelili ťažkostiam. So všetkou rozmanitosťou podôb bolo niekedy pouličné umenie ťažké odlíšiť od vandalizmu.

Všetko sa to začalo v 70. rokoch minulého storočia v New Yorku. V tejto dobe bolo pouličné umenie v plienkach. A jeho život podporili Julio 204 a Taki 183. Po rozšírení územia distribúcie zanechali nápisy na rôznych miestach vo svojej oblasti. Ostatní chalani sa im rozhodli konkurovať. Vtedy sa začalo to najzaujímavejšie. Nadšenie a túžba predvádzať sa vyústili do boja kreativity. Každý túžil objaviť pre seba a ostatných originálnejší spôsob, ako sa presadiť.

V roku 1981 sa street artu podarilo prekročiť oceán. V tom mu pomohol pouličný umelec z Francúzska BlekleRat. Je považovaný za jedného z prvých graffiti umelcov v Paríži. Hovorí sa mu aj otec stencil graffiti. Jeho charakteristickým znakom sú kresby potkanov, ktoré odkazujú na meno ich tvorcu. Autor si všimol, že po preskupení písmen v slove krysa (krysa) sa získa umenie (umenie). Blek raz poznamenal: "Potkana je jediné slobodné zviera v Paríži, ktoré chodí všade, rovnako ako pouličné umenie."

Najznámejším pouličným umelcom je Banksy, ktorý BlekleRat nazýva svojím hlavným učiteľom. Aktuálne dielo tohto talentovaného Brita dokáže umlčať každého. Vo svojich kresbách vytvorených pomocou šablón odsudzuje modernú spoločnosť s jej neresťami. Banksy má tendenciu byť tradičný, čo vám umožní zanechať v publiku ešte väčší dojem. Zaujímavosťou je, že identita Banksyho je doteraz zahalená rúškom tajomstva. Hádanku umelcovej osobnosti sa ešte nikomu nepodarilo rozlúštiť.

Pouličné umenie medzitým rýchlo naberá na obrátkach. Po odsunutí do okrajových prúdov sa pouličné umenie dostalo do štádia aukcií. Diela umelcov predávajú za rozprávkové sumy tí, ktorí sa o ňom kedysi odmietli baviť. Čo to je, životodarná sila umenia alebo mainstreamových trendov?

Formuláre

K dnešnému dňu existuje niekoľko pomerne zaujímavých prejavov súčasného umenia. Prehľad najneobvyklejších foriem súčasného umenia bude vám uvedené nižšie.

Pripravené

Termín readymade pochádza z angličtiny, čo znamená „pripravený“. V skutočnosti cieľom tohto smeru nie je vytvárať nič hmotné. Hlavnou myšlienkou je, že v závislosti od prostredia objektu sa mení vnímanie osoby a samotného objektu. Predkom prúdu je Marcel Duchamp. Jeho najznámejším dielom je „Fontána“, čo je pisoár s autogramom a dátumom.

Anamorfózy

Anamorfózy sa nazývajú technika vytvárania obrazov takým spôsobom, že je možné ich plne vidieť iba z určitého uhla. Jedným z najjasnejších predstaviteľov tohto trendu je Francúz Bernard Pras. Vytvára inštalácie pomocou čohokoľvek, čo mu príde pod ruku. Vďaka svojej zručnosti sa mu darí vytvárať úžasné diela, ktoré však možno vidieť len z určitého uhla.

Biologické tekutiny v umení

Jedným z najkontroverznejších prúdov moderného umenia 21. storočia je kresba, maľovaná ľudskými tekutinami. Stúpenci tohto moderného umenia často používajú krv a moč. Farba obrazov v tomto prípade často nadobúda pochmúrny, desivý vzhľad. Herman Nitsch napríklad používa zvieraciu krv a moč. Použitie takýchto nečakaných materiálov vysvetľuje autor ťažkým detstvom, ktoré prišlo počas druhej svetovej vojny.

Maľba XX-XXI storočia

Stručná história maľby obsahuje informáciu, že koniec 20. storočia sa stal východiskom pre mnohých kultových umelcov našej doby. V ťažkých povojnových rokoch zažila sféra svoje znovuzrodenie. Umelci sa snažili objaviť nové aspekty svojich schopností.

Suprematizmus

Kazimir Malevich je považovaný za tvorcu suprematizmu. Ako hlavný teoretik hlásal suprematizmus ako spôsob očistenia umenia od všetkého nadbytočného. Umelci odmietli obvyklé spôsoby prenosu obrazu a snažili sa oslobodiť umenie od neumeleckého. Najdôležitejším dielom tohto žánru je slávny Malevičov „Čierny štvorec“.

Pop Art

Pop art má svoj pôvod v Spojených štátoch. V povojnových rokoch spoločnosť zažila globálne zmeny. Ľudia si teraz mohli dovoliť viac. Spotreba sa stala nevyhnutnou súčasťou života. Ľudia sa začali stavať do kultu a spotrebné výrobky na symboly. Jasper Johns, Andy Warhol a ďalší nasledovníci prúdu sa snažili použiť tieto symboly vo svojich obrazoch.

Futurizmus

Futurizmus bol objavený v roku 1910. Hlavnou myšlienkou tohto trendu bola túžba po novom, zničení rámca minulosti. Umelci túto túžbu zobrazili pomocou špeciálnej techniky. Ostré ťahy, prílevy, spojenia a križovatky sú znakmi futurizmu. Najznámejšími predstaviteľmi futurizmu sú Marinetti, Severini, Carra.

Súčasné umenie v Rusku v 21. storočí

Súčasné umenie v Rusku (21. storočie) plynulo prešlo z undergroundového, „neoficiálneho“ umenia ZSSR. Mladí umelci 90. rokov hľadali nové spôsoby, ako realizovať svoje umelecké ambície v novej krajine. V tomto čase sa zrodil moskovský akcionizmus. Jeho nasledovníci spochybňovali minulosť a jej ideológiu. Zničenie hraníc (v prenesenom i prenesenom zmysle slova) umožnilo vykresliť postoj mladej generácie k situácii v krajine. Súčasné umenie 21. storočia sa stalo výrazným, desivým, šokujúcim. Ten, pred ktorým sa spoločnosť tak dlho uzavrela. Akcie Anatolija Osmolovského („Majakovskij – Osmolovskij“, „Proti všetkým“, „Barikáda na Boľskej Nikitskej“), hnutia „ETI“ („ETI-text“), Olega Kulika („Prasiatko rozdáva darčeky“, „Besný pes resp. Posledné tabu, ktoré stráži osamelý Cerberus"), Avdey Ter-Oganyan ("Pop Art") navždy zmenil históriu súčasného umenia.

Nová generácia

Slava ATGM je súčasný umelec z Jekaterinburgu. Niektoré jeho práce môžu pripomínať prácu Banksyho. Slávove diela však nesú myšlienky a pocity, ktoré pozná len ruský občan. Jedným z jeho najvýznamnejších diel je kampaň „Krajina príležitostí“. Umelec vytvoril nápis z barlí na budove opustenej nemocnice v Jekaterinburgu. Sláva kúpil barly od obyvateľov mesta, ktorí ich kedysi používali. Umelec akciu oznámil na svojej stránke na sociálnej sieti a doplnil ju výzvou pre spoluobčanov.

Múzeá moderného umenia

Možno sa kedysi zdalo, že súčasné výtvarné umenie 21. storočia je okrajovým prostredím, no dnes sa čoraz viac ľudí snaží začleniť do novej oblasti umenia. Stále viac múzeí otvára svoje brány novým výrazovým prostriedkom. New York drží rekord v súčasnom umení. Sú tu aj dve múzeá, ktoré patria medzi najlepšie na svete.

Prvým je MoMA, čo je úložisko obrazov od Matissa, Dalího, Warhola. Druhým je múzeum.Neobyčajná architektúra budovy susedí s výtvormi Picassa, Marca Chagalla, Kandinského a mnohých ďalších.

Európa je známa aj svojimi veľkolepými múzeami súčasného umenia 21. storočia. Múzeum KIASMA v Helsinkách umožňuje dotýkať sa predmetov výstavy. Centrum v hlavnom meste Francúzska zaujme nezvyčajnou architektúrou a dielami súčasných umelcov. V Stedelijkmuseum v Amsterdame sa nachádza najväčšia zbierka obrazov Malevicha. v hlavnom meste Veľkej Británie má obrovské množstvo predmetov moderného umenia. Viedenské múzeum moderného umenia má diela Andyho Warhola a ďalších talentovaných súčasných umelcov.

Moderné umenie 21. storočia (maľba) - tajomné, nepochopiteľné, uhrančivé, navždy zmenilo vektor vývoja nielen samostatnej sféry, ale celého života ľudstva. Odráža a zároveň vytvára modernosť. Neustále sa meniace umenie modernosti umožňuje človeku, ktorý sa neustále ponáhľa, aby sa na chvíľu zastavil. Zastavte sa, aby ste si spomenuli na pocity hlboko vo vnútri. Zastavte sa, aby ste opäť zrýchlili tempo a vrhli sa do víru udalostí a záležitostí.