koncert) - hudební skladba napsaná pro jeden nebo více nástrojů s doprovodem orchestru, aby umožnila sólistům prokázat virtuozitu v provedení. Koncert napsaný pro 2 nástroje se nazývá dvojitý, pro 3 - trojitý. V takových koncertech je orchestr druhořadý a teprve v provedeních (tutti) nabývá samostatného významu. Koncert, ve kterém má orchestr velký symfonický význam, se nazývá symfonie.

Koncert se obvykle skládá ze 3 částí (krajní části jsou v rychlém pohybu). V 18. století byla symfonie, ve které bylo mnoho nástrojů místy sólováno, nazýváno concerto grosso. Později se symfonie, ve které jeden nástroj nabral nezávislejší význam ve srovnání s ostatními, stala známou jako symfonický koncertant, concertirende Sinfonie.

Slovo Koncert se jako název hudební skladby objevilo v Itálii na konci 16. století. Na konci 17. století se objevil koncert o třech částech. Ital Corelli (viz) je považován za zakladatele této formy K., z níž se vyvinula v 18. a 19. století. K. pro různé nástroje. Nejoblíbenějšími nástroji jsou housle, violoncello a klavír. Později napsal K. Bacha, Mozarta, Beethovena, Schumanna, Mendelssohna, Čajkovského, Davydova, Rubinsteina, Viottiho, Paganiniho, Viettana, Brucha, Venyavského, Ernsta, Servaise, Litolfa atd. Malý koncert, ve kterém se spojují části, je tzv. harmonika.

Klasickým koncertem se také nazývá veřejné setkání v sálech se speciální zvukovou akustikou, v nichž zazní řada vokálních či instrumentálních děl. V závislosti na programu dostává Koncert svůj název: symfonický (ve kterém zazní převážně orchestrální díla), duchovní, historický (složený z děl různých období). Koncertu se také říká akademie, kdy interpreti, sóloví i v orchestru, jsou prvotřídní umělci.

Odkazy

• Spousty koncertních děl pro dechovku

v Koncertu jsou 2 "soutěžící" party mezi sólistou a orchestrem, dá se tomu říkat soutěž.

Nadace Wikimedia. 2010 .

Podívejte se, co je „Instrumentální koncert“ v jiných slovnících:

Koncert na hudební nástroje sám, bez zpěvu. Slovník cizích slov obsažených v ruském jazyce. Pavlenkov F., 1907 ... Slovník cizích slov ruského jazyka

Concerto (německy Konzert, z ital. concerto - koncert, harmonie, harmonie, z latiny concerto - soutěžím), hudební skladba, ve které se menší část zúčastněných nástrojů nebo hlasů staví proti většině z nich nebo celému souboru, ... ...

instrumentální- OH oh. instrumentální adj., germ. instrumentální. Rel. k upínacímu nástroji. Sl. 18. Instrumentální magistry se získávají na Akademii věd. ČLOVĚK 2 59. Instrumentální umění. Lomon. ACC 9 340. | hudba Slavný virtuóz pan Hartmann, ... ... Historický slovník galicismů ruského jazyka

I Concerto (německy Konzert, z ital. koncert koncert, harmonie, harmonie, z latinského koncertu soutěžím) hudební dílo, ve kterém se menší část zúčastněných nástrojů nebo hlasů staví proti většině z nich nebo celému souboru, ... .. . Velká sovětská encyklopedie

1. veřejné provozování hudby Slovo concerto (choť) ​​původně označovalo spíše skladbu účinkujících (např. choť viol), než proces provedení a v tomto smyslu se používalo až do 17. století. Do té doby vážná hudba ... ... Collierova encyklopedie

koncert- a, m. 1) Veřejné vystoupení umělců podle konkrétního, předem sestaveného programu. Uspořádejte koncert. Jít na koncert. Symfonický koncert. 2) Skladba pro jeden nebo více sólových nástrojů a orchestru. Koncert…… Populární slovník ruského jazyka

- (německy Konzert, z italštiny koncert koncert, doslova soutěž (hlasy), z latiny koncert soutěžím). Dílo pro mnoho interpretů, ve kterém menšina zúčastněných nástrojů nebo hlasů stojí proti většině nebo všem ... ... Hudební encyklopedie

Koncert- (z italštiny a latiny koncertní souhlas, soutěž) 1) Instr., wok. instr. nebo wok. žánr, výhody. cyklický, s opozičním dekomp. vystoupí účastníci a skupiny. složení. K. je generován myšlenkou kreativity. soutěže, hry, soupeření, ... ... Ruský humanitární encyklopedický slovník

KONCERT- (It. koncert, francouzský koncert, německý Konzert), 1) veřejné provozování hudby. díla (symfonický, kostelní, vojenský orchestr, zahradní koncert aj.). 2) Hlavní hudba. skladba pro jakýkoli sólový nástroj s orchestrálním doprovodem... Riemannův hudební slovník

Závod Sestroretsk Tool Plant pojmenovaný po V.I. S.P. Voskova Sestroretsk Arms Plant ... Wikipedie

knihy

• Běloruská hudba druhé poloviny dvacátého století. Čtenář, . Sbírka obsahuje díla běloruských skladatelů vytvořená v druhé polovině 20. století. Představuje díla různých žánrů: písňová (včetně folklóru), romance, komorní…

Klavírní koncert je jedním z nejvýznamnějších a nejžádanějších hudebních žánrů. Žánrová povaha koncertu, konkretizovaná dynamikou, rozvinutou herní logikou a schopností zprostředkovat hluboké životní kolize, se ukázala jako velmi atraktivní pro skladatele různých dočasných a národní tradice. Zástupci vídeňský klasicismus, v jehož díle se sólový instrumentální koncert dočkal finální krystalizace.

Studium žánru klavírního koncertu určuje pole vědeckého zájmu takových muzikologů, jako jsou: L. N. Raaben („Sovětský instrumentální koncert“), I. I. Kuzněcov („Klavírní koncert“ (o historii a teorii žánru)), M. E. Tarakanov ( "Instrumentální koncert"), G. A. Orlová ("Sovětský klavírní koncert"). Významné perspektivy nejnovějších trendů v analýze žánru z hlediska interpretační praxe demonstrují práce A. V. Murgy, D. I. Dyatlova, B. G. Gnilova; žánrové a historické aspekty klavírního koncertu jsou rozebrány ve vědeckých publikacích D. A. Nagina, O. V. Podkolozina, Sh. G. Paltajanyana aj. vyžadují hlubší studium. Tato okolnost určila fotbalová branka publikace: prozkoumat rysy vzniku a vývoje žánru klavírního koncertu. K dosažení tohoto cíle, následující úkoly publikace:

1. Prozkoumejte genezi žánru instrumentálního koncertu;
2. Analyzovat počátky vzniku a vývoje žánru klavírního koncertu;
3. Odhalit žánrovou specifičnost klavírního koncertu.

Historický pohyb hudby se jasně odráží v osudech hudebních žánrů. Živé spojení časů se jasně projevuje na příkladu instrumentálního koncertu – jednoho z nejstarších žánrů evropská hudba. Podle badatelů je etymologie slova „koncert“ spojena s italským „concertare“ („souhlasit“, „dohodnout se“) nebo s latinským „concertare“ („spor“, „boj“), protože vztah mezi sólovým nástrojem a orchestrem obsahuje prvky „partnerství“ a „rivality“. Tradičně je koncert definován jako jednovětá nebo vícevětá hudební skladba pro jeden nebo více sólových nástrojů a orchestr.

Jednou z odrůd instrumentálního koncertu je klavírní koncert. Protože historii vývoje klavírního koncertu nelze oddělit od geneze instrumentálního koncertu jako celku, prozkoumáme rysy vzniku tohoto jedinečného hudebního žánru. Počátky klavírního koncertu sahají do vzdálené hudební minulosti. Zaměřujeme se na skutečnost, že až do konce XVII. instrumentální koncert jako samostatný žánr neexistoval. Pojem „koncert“ byl poprvé objeven v hudebním každodenním životě XVI. století. Tato definice byla použita k označení vokálních a instrumentálních děl. Koncerty se nazývaly sborové duchovní skladby s instrumentálním doprovodem. Jako příklad je účelné uvést koncerty G. Gabrieliho, L. da Viadana a G. Schütze. Vznik instrumentálního koncertního žánru je spojen se vznikem homofonního stylu v hudbě. V této fázi se skladatelé jako nikdy předtím snažili zdůraznit vůdčí význam melodického principu, vyjádřeného sólovým nástrojem, na rozdíl od doprovodného orchestru. Soutěž mezi sólovým hudebním nástrojem a orchestrem aktualizovala význam virtuózního začátku v koncertním žánru. Cvičení nástrojových souborů a tradice společné hry na hudební nástroje, sahající až do lidové hudby v r evropská kultura středověk.

Nutno podotknout, že ve sledovaném období orchestr (v moderním pojetí) neexistoval. Oblíbená byla souborová sdružení hudebníků, jejichž zájmy a preference určovaly ustálené formy kombinace nástrojů. Rys koncertních souborů XVII století. byla povinná účast tzv. Continuo party, obvykle svěřené cembalu. Tento nástroj působil jako hlava souboru, jeho dirigent, čímž stmeloval celkový zvuk. Právě v této době pronikl do žánru instrumentálního koncertu hlavní princip koncertního hraní, princip soutěžení a soutěžení. Podoba soutěže předpokládala organické propojení koordinace a bojového umění, kombinaci vůdce a korepetitora a vzájemnou koordinaci jejich úsilí. Cembalo podpořilo nebo zdvojilo basový hlas a vyplnilo tzv. „střední patro“ hudební prostor. A přece to hlavní nebylo ani tak ve vnějších vlastnostech koncertní hudby 17. století, ale ve vnitřní povaze, charakteristické pro hudební vědomí Evropanů zkoumaného období. Nový žánr instrumentálního koncertu měl mnoho společného s taneční suitou.

Mistr instrumentálního koncertu XVII století. je A. Corelli - autor prvního klasické designyžánr Concerto Grosso ( velký koncert), založený na juxtapozici sólisty ripieno a doprovodného Grossa. Koncerty A. Corelliho jsou zpravidla vícedílné. Skladatel do koncertů zařadil čtyři až sedm částí a také malá Adagio, která slouží jako spojnice mezi rychlými částmi. hudební jednota Concerto Grosso A. Corelliho se projevilo i v zachování hlavní tóniny napříč všemi díly. Hudba téměř všech koncertů tohoto úžasného italského mistra je ubohá, občas v ní zaslechnete lyrický nápěv, je cítit propojení s folkovým původem.

Zvláštní místo v historii vývoje instrumentálního koncertu XVII - XVIII století. patří italskému skladateli, virtuóznímu houslistovi A. Vivaldimu. V koncertech tohoto skvělého skladatele se vyvinula typická struktura instrumentálního koncertu, který nabyl tříhlasé podoby. Jestliže v Concerto Grosso A. Corelliho je uzavřený celek tvořen krátkými sólovými epizodami, pak se u A. Vivaldiho rodí party sólistů neomezeným letem fantazie a odehrávají se ve volné improvizační prezentaci. V koncertech A. Vivaldiho se zvětšuje škála orchestrálních ritornel a celá forma dostává nový dynamický charakter. Tvůrce sólového koncertu se snažil o jasné a neobvyklé zvuky, míchal témbry různých nástrojů a často vkládal do hudby disonance.

Nutno podotknout, že koncerty A. Vivaldiho poskytly hudebníkům dostatek příležitostí předvést svou virtuózní hru a předvést dokonalé mistrovství na nástroj. Mezi sólisty a ostatními účastníky koncertního dění vznikají určité koncertní dialogy. Právě v koncertech A. Vivaldiho se střídání sóla a tutti stalo generickým znakem koncertního Allegra. Také určujícím znakem této formy je rondalita, která se stává důsledkem životapotvrzujícího charakteru instrumentálního koncertu 17. - počátku 18. století. Názorným příkladem stylu instrumentálních koncertů A. Vivaldiho je cyklus „Roční období“.

Nová etapa ve vývoji instrumentálního koncertu je spojena s tvorbou představitelů pozdního baroka - J. S. Bacha a G. F. Händela. Objevy těchto mistrů hudebního myšlení na poli instrumentálního koncertu se staly náhledem do daleké budoucnosti. Hojnost témbrových kontrastů, rozmanitost rytmických kombinací, intenzivní interakce mezi sólistou a souborem-orchestrem – to vše přispívá ke komplikaci a hlubšímu čtení koncertu. Nápadným příkladem koncertního umění J. S. Bacha jsou tedy „braniborské koncerty“ pro různá instrumentální tělesa, „italský koncert“, který potvrdil samostatný význam klavíru jako koncertního nástroje. Soustředíme se na to, že právě klavírní koncerty J. S. Bacha určily vektor vývoje budoucího klavírního koncertu. Jak dosvědčují badatelé, J. S. Bach dlouhodobě působil na poli koncertního žánru; pečlivě nastudované houslové koncerty italští mistři, provedl přepisy houslových koncertů pro klavír. Poté skladatel začal psát své vlastní houslové koncerty a přepisovat je. Později J. S. Bach přešel k psaní vlastních klavírních koncertů. Je třeba poznamenat, že při tvorbě klavírních koncertů J. S. Bach navazuje na tradice a zkušenosti italských mistrů, což je vyjádřeno třídílnou cyklickou strukturou, lehkou texturou, melodickou výrazností a virtuozitou.

V sólovém instrumentálním koncertu hluboký zásadní základ kreativita G. F. Händela. Není náhodou, že v dopise jednomu z přátel M. I. Glinky napsal: "Na koncertní hudbu - Händel, Händel a Händel." Vrchol instrumentálky koncertní kreativita tohoto úžasného mistra jsou Concerto Grosso – velké poklady orchestrální hudby 18. století. Tato díla se vyznačují klasickou přísností a zdrženlivostí v psaní. Hovoříme-li o slavnosti tohoto žánru u H. F. Händela, lze jeho styl definovat jako „Handlovo baroko“ a charakterizovat jej jako energický, živý, brilantní s jasnými kontrasty a množstvím jasných rytmů. Koncerty G. F. Handela jsou přísné v melodii a textuře, výstižnější v kompoziční struktuře. Po hudební stránce je Concerto Grosso převážně homofonní. Struktura každého cyklu je různá (od dvou do šesti částí); každý koncert se vyznačuje osobitými žánrovými vazbami, určitým obrazným a poetickým obrazem. Tak se po celé 18. století rozvíjely tradice zavedené v koncertní hudbě 17. století.

Tvůrci nového typu instrumentálního koncertu byli představitelé vídeňského klasicismu. Právě v díle vídeňských klasiků se instrumentální koncert stává novým žánrem koncertní hudby, odlišným od dřívějšího ConcertoGrosso i od sólového koncertu 17. století. V klasickém stylu se mění vzhled cyklických skladeb, ustavuje se přísný normativní třídílný cyklus s akcentací první části sonáty Allegro.

Koncertní skladby J. Haydna, W. A. ​​​​Mozarta, L. van Beethovena nejsou svým zvukem, rozsahem vývoje tematického materiálu horší než jejich symfonie a kombinují principy sólového a koncertního symfonická hudba, která je pro tento žánr jako celek charakteristická.

Přestože instrumentální koncert mezi vídeňskými klasiky souvisel se symfoniemi, studovaný žánr není druhem symfonie. Koncert v éře klasicismu působí jako samostatný, ustálený žánr s určitými rysy. Velmi důležité je složení orchestru, kde zásadní je smyčcová skupina, doplňuje ji skupina dřevěných dechových nástrojů a žesťů, příležitostně se uplatňují bicí nástroje. Prakticky se likviduje praxe continua - klávesové nástroje opouštějí hlavní složení orchestru. Sólový nástroj (housle nebo klavír) se stává rovnocenným účastníkem koncertní soutěže, koncertního dialogu. Sólista a orchestr se přibližují ve svých interpretačních technikách a vytvářejí tak podmínky pro užší interakci. Zařazení nových témat, variabilita funkcí v podání jednoho tématu – naznačuje utváření nového typu interakce mezi sólistou a orchestrem.

Novinka klasického klavírního koncertu byla i v metodě projevu emocí. Jestliže barokní instrumentální koncert fixoval nehybnou emoci, pak klasický koncert demonstroval přenos afektů v pohybu, vývoji, vnitřním kontrastu. Stabilní barokní koncert byl nahrazen dynamickým klasickým koncertem.

Obraz procesu prožitků, změny afektu, obraz duchovních pohybů vyžadoval zvláštní hudební formu. Realizací zadaného sémantického úkolu byla sonátová forma, jejíž funkcí bylo posílit počáteční nestabilitu, vyostřit ji a teprve na konci dosáhnout rovnováhy. Měřítko, výběr atypických orchestrální skladby, monumentalita cyklů klasického klavírního koncertu přispěla k aktivaci procesu emancipace hranic koncertního žánru. V důsledku těchto inovativních předpokladů mají skladatelé více příležitostí k realizaci svých vlastních umělecké nápady. Je třeba poznamenat, že vedle hudební dramaturgie forma klasického klavírního koncertu prokazuje postoj ke kadenci a tematismu, který není charakteristický pro koncerty předchozích epoch, proměňuje se vztah mezi sólistou a orchestrem.

Jak dosvědčují vědci, žánr klasického klavírního koncertu lze srovnávat s divadelní akce, ve kterém hudební herní logika působí jako logika herních situací, přechází v logiku scénické akce, která umožňuje koncertnímu žánru realizovat komplexní dramaturgii a skrytý autorský podtext.

Postoj skladatelů a interpretů ke kadenci byl také inovací, která předurčila podobu klavírního koncertu éry klasicismu. Jak dokládají badatelé, v koncertním žánru období předcházejících klasicismu byla zvláštní pozornost věnována kadenzám. V 18. století, kdy vzkvétalo umění volné improvizace, byly kadence považovány za „vrchol“ představení. Byly to kadence, které demonstrovaly tvůrčí vynalézavost a také virtuozitu interpreta. Kadenza musela odpovídat celkové náladě díla a obsahovat jeho nejdůležitější témata. Toto umění musel ovládat každý špičkový virtuos. Schopnost improvizace byla nejen povinností hudebníka, ale také právem, které využíval při provádění cizích (autorských) skladeb.

Je třeba poznamenat, že kadenze, které se vyskytují v barokních instrumentálních koncertech, způsobily mnoho trápení nezkušeným interpretům, kteří neměli zkušenosti s improvizací. Mnoho účinkujících se naučilo kadenze předem. Postupně se z koncertů začaly vytlačovat vložené kadence. Právě v období vídeňského klasicismu došlo k radikální změně charakteru kadenčních konstrukcí, která završila přechod kadence z rámce improvizační kultury k čistě písemné tradici. Ve formované klasické koncertní formě byla kadence jako sólo virtuózního interpreta povinnou součástí formy. První krok v tomto směru učinil L. van Beethoven, který ve svém Pátém koncertu vepsal celou kadenzu plnými tóny. V klavírním koncertu éry klasicismu byly běžné virtuózní nejsložitější kadence. Začátek kadence byl nejčastěji zdůrazňován buď jasným akordem nebo virtuózní pasáží. V době zaznění tohoto fragmentu koncertu byla pozornost posluchače mnohokrát zbystřena. Principy, podle kterých byla kadence postavena, jsou konkretizovány prvky překvapení, jasným virtuózním startem a nápaditostí. Při zkoumání rysů utváření a vývoje kadence v klavírním koncertu je vhodné citovat pravidla z „Piano School“ od D. G. Türka: „Kadence by měla nejen podporovat dojem, který vytváří hudební dílo, ale také , pokud je to možné, zpevněte jej. Nejjistějším způsobem, jak toho dosáhnout, je vytyčit v kadenci extrémně výstižně nejdůležitější hlavní myšlenky nebo si je připomenout pomocí obratů. Kadenza by proto měla být úzce spjata s předváděným dílem a navíc z něj především čerpat materiál. Kadence, jako každá volná ornamentika, by se neměla skládat ze záměrně vnesených obtíží, ale spíše z takových myšlenek, které odpovídají hlavní postavě hry.

Klavírní koncert klasické éry je žánr, ve kterém se hudební téma prosazuje nejen jako nositel určité expresivity, ale také jako umělecký obraz, která obsahuje potenciál rozvoje. Právě v klavírních koncertech dosahují skladatelé vídeňské klasické školy nejvyššího mistrovství v oblasti tematického rozvíjení, rozvíjení, za použití nejrůznějších technik - změna tóniny, harmonizace, rytmus, melodické prvky. Charakteristické je i členění tématu na samostatné motivy, které samy procházejí různými proměnami a navzájem se různě kombinují. Tematický materiál klavírních koncertů vídeňských klasiků se vyznačuje figurálním reliéfem a individuální specifičností.

Mezi nejvýznamnější hudební zdroje patří lidová hudba. Na základě bohatství lidového písňového umění dospěli představitelé vídeňské klasické školy k novému chápání melodie, jejích funkcí a možností.

Zvláštní originalitou se vyznačuje hudební téma klavírních koncertů vídeňských klasiků, které bylo ovlivněno italským stylem belcanto. Jak uvedl G. F. Teleman: „Zpěv je univerzálním základem hudby. Kdo se ujme skladby, musí zpívat v každém z dílů. Kdo hraje na nástroje, musí se vyznat ve zpěvu. Vzhledem k tomu, že belcanto zahrnuje kombinaci krásné kantilény a virtuózní ornamentiky, vynikají v klasických klavírních koncertech dva typy témat: témata blízká vokální kantiléně a virtuózní tematické komplexy. V tomto ohledu se sólista objevuje ve dvou rolích – jako inspirovaný hudebník a virtuózní interpret.

Zástupci vídeňské klasické školy se poměrně zajímavě a rozmanitě realizovali v žánru klavírního koncertu, čímž vzbudili zájem a rozvoj tohoto žánru v době romantismu i v tvorbě skladatelů 20. století.

Jako nejdůležitější specifické vlastnosti žánru klavírního koncertu badatelé tradičně vyzdvihují: herní logiku, virtuozitu, improvizaci, soutěživost a koncertní provedení.

Žánrovotvorným principem klasického koncertu je hra. Právě v instrumentálním koncertu se nejplněji realizují klíčové složky hry – protiklad různých principů a soutěživost. V hudební vědě koncept herní hudební logiky používal E. V. Nazaikinsky. Ve vědcově brilantním díle („Logika hudební kompozice“) je definice studované definice prezentována jako logika koncertního provedení, kolize různých nástrojů a orchestrálních skupin, různé složky hudební struktury, různé linie chování, které dohromady tvoří „stereofonní“, divadelní obraz rozvíjejícího se jednání. Protože pojem hraní je pro koncertní žánr určující, zastavme se podrobněji u jeho charakteristiky.

V encyklopedické literatuře je uvedena následující definice hry: „hra je druh smysluplné neproduktivní činnosti, jejíž motiv spočívá jak v jejím výsledku, tak v samotném procesu“ .

Hra je atributem každého hudebního a divadelního představení. Mezi moderními pojetími hry zaujímá zvláštní místo teorie nizozemského kulturního historika J. Huizingy, který uvažoval o kulturologické funkci hry v jejím historickém vývoji. Díla vědce říkají, že „hra“ je především volnou činností. Hraní na příkaz již není hrou. J. Huizinga nachází vztah mezi hudbou a hrou prostřednictvím pokusů najít společné termíny pro oba koncepty. „Hra je mimo obezřetnost praktického života, mimo sféru potřeby a prospěchu. Totéž platí pro hudební projev a hudební formy. Zákony hry fungují mimo normy rozumu, povinnosti a pravdy. Totéž platí pro hudbu... V každé hudební činnosti existuje hra. Ať už hudba slouží zábavě a radosti, nebo se snaží vyjádřit vysokou krásu nebo má posvátný liturgický účel, vždy zůstává hrou.

Hra se před posluchačem odehrává jako fascinující řetězec událostí, z nichž každá, jako odpověď na tu předchozí, zase dává vzniknout novým reakcím nebo novému myšlenkovému proudu. Herní logika se v hudbě vyvíjí jako hra na nástroj. Jak poznamenal velký Německý skladatel R. Schumann, „slovo „hrát“ je velmi dobré, protože hrát na nástroj by mělo být stejné jako hrát si na něj. Kdo s nástrojem nehraje, nehrajeme na něj ani my.

V koncertním žánru má herní logika velký význam. Gradace dynamiky v mikrokosmu herní logiky často působí jako prostředek kontrastních přirovnání, vpádů a nečekaných akcentů. Jak poznamenává E. V. Nazaikinsky, na kompoziční úrovni se herní logika může projevit zvláštní interpretací formy. Na syntaktiku - ve speciálních "herních figurách". Jako takové „herní kusy“ vědec identifikuje například: změna režimu, intonační past, invaze, soupeření, replika-sekunda, nepostřehnutelné plíživé opakování, přerušovaný úder, převrat, překrytí, sloučení, překonání překážky, zaseknutý tón, variantní vyzvednutí , herní chyba atd. Je třeba poznamenat, že jak určité tematické konstrukce, tak drobné motivy, krátké hudební podněty mohou působit jako účastníci herní akce. Jejich kombinace je základem instrumentálně-herní logiky.

Hravý charakter klavírního koncertu je realizován virtuozitou. Zdůrazňujeme, že určujícím prvkem virtuozity je interpretační dovednost hudebníka, který musí být mnohem lepší než průměrný interpret. Virtuoso (z ital. virtuoso - z lat. Virtus - udatnost, talent) - umělec mistrně ovládající techniku ​​umění. První zmínky o "virtuosi" jsou spojeny s Itálií v 16. - 17. století. Tento výraz určeno osobě známé v jakékoli intelektuální nebo umělecké oblasti. Termín se postupem času vyvíjel, současně se rozšiřoval a zmenšoval rozsah. Zpočátku byli hudebníci touto klasifikací oceněni jako skladatelé, teoretici nebo slavní mistři, což bylo důležitější než mistrovský výkon.

Koncert jako žánr předpokládá veřejně demonstrativní projev dovednosti výkonného hudebníka a jeho virtuozity. Virtuozita je přitom podřízena vnitřnímu obsahu hudby a je organickým prvkem uměleckého obrazu. Je třeba také poznamenat, že virtuozita nevyjadřuje nic jiného než umělecký princip. lidská osobnost a je součástí hereckého stylu samotného hudebníka. V žánru koncertu je poprvé ztělesněna organická jednota virtuozity a melodičnosti. Virtuozita v partu sólisty z něj na jedné straně dělá lídra v dialogu s orchestrem a na druhé straně přispívá k „družnosti“ samotného koncertního žánru.

Neméně důležitým principem, který určuje žánrovou povahu klavírního koncertu, je princip soutěže. Je třeba poznamenat, že myšlenka konkurence je zakořeněna v Starověké Řecko kde se narodili olympijské hry. Až dosud konkurenceschopnost určuje téměř všechny sféry lidského života, přispívá k kreativní výraz, stejně jako kreativní seberealizace jedince. Princip soutěže v hudbě, zejména v instrumentálním koncertu, neznamená konfrontaci „naostro“. Koncertní soutěživost je podmíněná situace, kdy je cítit atmosféra dialogu, vyjádřená v „komunikaci“ hlavních účastníků soutěže. Soutěž v koncertu je proto pouze idealizovaným obrazem konfrontace sóla a orchestru. Soutěživost znamená střídavé střídání replik sólisty a výkonů orchestru, proto se některé myšlenky mohou objevit jak v partu vedoucího účastníka soutěže, tak v čistě orchestrálním podání, společně se sólistou i bez jeho účasti. Nutno podotknout, že v koncertní soutěži, jako v každé herní akci, není důležitý ani tak výsledek (kdo je první?), ale akce samotná, jako fakt existence takové konfrontace.

Různé typy korelace mezi orchestrem a sólistou, které určují konkrétní způsoby texturní organizace hudebního materiálu, ale i instrumentace koncertu, jsou specifikovány principy koncertního provedení. Zaměřujeme se na to, že princip koncertního provedení byl poprvé uplatněn v Itálii na přelomu 16. - 17. století při interpretaci vokálních a instrumentálních koncertů. Nicméně spoléhat se na Vědecký výzkum Německý hudební historik A. Schering, můžeme mluvit o více starověký původ tento princip. Podle badatele lze jeho počátky „...vysledovat až do starověku, ke střídavému zpěvu v řecké tragédii a k ​​žalmům starých Židů, které se pak opět nacházejí ve středověku jako antifory v katolickém rituálu. " To svědčí o hudebně-dramatickém původu koncertů. Podle B. V. Asafieva je koncertním provedením realizován instrumentální dialog charakteristický pro koncert, založený na odhalení podnětů vlastní tezi, které lze zahrát nejrůznějšími prvky, až po zpěv nebo „nejjednodušší konjugace zvuků“, nemluvě o rozšířených konstrukcích typu melodické téma.

Technologie koncertního provedení, totiž interakce sólisty s orchestrem v koncertním žánru, se zrodila v koncertech A. Vivaldiho. Zásadními body je střídání tutti a sóla, žánr a programování, použití témbru, dynamických a rytmických výrazových prostředků. Kombinace těchto vlastností v harmonické kombinaci zvyšuje význam a aktuálnost koncertního principu. Nutno podotknout, že v éře vídeňských klasiků se tento princip výrazně mění. Koncert se úzce propojí s tematickým vývojem. Počítá se s improvizací sólisty (cadenza). Sólistický part má charakter ornamentální virtuozity.

Uplatnění svobodného, ​​tvůrčího sebevyjádření v klavírním koncertu je principem improvizace. Tento princip symbolizuje nejvyšší projev hravosti klavírního koncertu. Improvizace je důsledkem spontánní tvůrčí iniciativy hudebníka-interpreta. Podstata improvizace spočívá v nových prvcích interpretace díla a aspektech hudební expresivita.

Za zmínku stojí, že v činnosti hudebníků v 17. – 1. polovině 18. století hrála improvizace velkou roli. Podle tehdejší praxe musel pianista v uvolněné improvizaci využívat motivy předchozí hudby, ale mohl do ní vplétat i nová, cizí témata. Na instrumentálních koncertech této doby jsou hudební epizody, kdy orchestr mlčí a sólista dostává příležitost ukázat svou zručnost a fantazii. Je známo, že W. A. ​​​​Mozart i L. van Beethoven byli skvělí improvizátoři, což se promítlo i do jejich klavírních koncertů.

Rychlost umělecké reakce, jas obrazů, které se náhle objeví, vynalézavost v jejich prudké změně - to jsou vlastnosti, které musí mít improvizátor. Sólistovy úvody, náhlé variační nasvícení témat, jejich vedle sebe, kontrasty harmonie, orchestrální barevnost se vyznačují improvizačním překvapením. Ale tyto posuny drží pohromadě moudrá hudební logika. Improvizační charakter je příznačný i pro kadenze klasického koncertu, ale princip improvizace v kadencích klasického klavírního koncertu byl přísně regulován.

Studiem rysů vzniku a vývoje klavírního koncertu a analýzou specifik jeho žánrové povahy jsme tedy dospěli k závěru, že klavírní koncert je jedním z největších monumentálních žánrů instrumentální hudby. Vznik studovaného žánru je spojen se vznikem homofonního stylu v hudbě. Krystalizace hlavních žánrových rysů koncertu (vícedílná kontrastní struktura, princip soutěže a improvizace, živá obraznost) probíhá v době baroka (dílo A. Vivaldiho, A. Corelliho, J. S. Bacha, G. F. Handel.). Nový milník v historii vývoje žánru klavírního koncertu otevřeli mistři „vídeňského klasicismu“ (J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. van Beethoven). Klavírní koncert těchto inovátorů hudebního slovníku se vyznačuje myšlenkovou škálou, dramatizací hudebních obrazů, jasem melodie, symfonickým rozvinutím tematického materiálu, virtuozitou s velkým organickým spojením sólisty a orchestru. Žánrová podstata klavírního koncertu je specifikována těmito principy: herní logika, virtuozita, improvizace, soutěživost, koncertní provedení. Naznačené principy určují nejen rysy struktury a obsahu koncertu, ale tvoří i pole úkolů a metod jejich řešení v interpretační praxi klavíristy.

Výsledky prezentované v článku si nečiní nárok na úplnou studii analyzovaného problému a naznačují další vývoj. Je vhodné prozkoumat rysy realizace žánrové povahy koncertu na konkrétních příkladech koncertních děl klasických skladatelů i představitelů hudební kultury 2. polovina XIX – začátek XXI v.

LITERATURA

1. Alekseev A. D. Dějiny klavírního umění: učebnice pro studenty hudby. univerzity: v 15 hodin / A. D. Alekseev. – Ed. 2., rev. a doplňkové - Část 1. - M .: Hudba, 1967. - 286 s.
2. Asafiev B. V. Hudební forma jako proces / B. V. Asafiev. – Ed. 2. - M .: Hudba, Leningrad. otd., 1971. - 373 s.
3. Badura-Skoda E. Interpretace Mozarta / E. Badura-Skoda, P. Badura-Skoda. - M. : Hudba, 1972. - 373 s.
4. Velká sovětská encyklopedie / kap. vyd. B. A. Vvedensky. – Ed. 2., rev. a doplňkové - M. : BSE, 1954. - T. 28. - 664 s.
5. Druskin M. S. Mozartovy klavírní koncerty / M. S. Druskin. – Ed. 2. - M. : Muzgiz, 1959. - 63 s.
6. Hudební encyklopedický slovník / kap. vyd. G. V. Keldysh. – M.: Sov. Encykl., 1990. - 672 s.
7. Nazaikinskiy E. V. The logic of music composition / E. V. Nazaikinskiy. - M. : Hudba, 1982. - 320 s.
8. Rosenshild K. K. Dějiny zahraniční hudby: do poloviny 18. století / K. K. Rozenshild. – Ed. 3., rev. a doplňkové - Problém. 1. - M. : Hudba, 1973. - 375 s.
9. Tarakanov M.E. Instrumentální koncert / M.E. Tarakanov. - M .: Vědomosti, 1986. - 55 s.
10. Huizinga J. Homo Ludenss. Ve stínu zítra/ J. Huizinga. - M. : Progress, 1992. - 464 s.

PRISHCHEPA N. A. KLAVÍRNÍ KONCERT: HISTORIE, TEORIE OTÁZKY

Tato publikace představuje analýzu žánru klavírního koncertu jako různé instrumentální hudby. Jsou nastíněny rysy historického vývoje studovaného žánru. Jsou odhaleny a analyzovány strukturální a žánrové rysy koncertu.

Klíčová slova: klavírní koncert, žánr, struktura, hudební forma.

PRISCHEPA N.A. KLAVÍRNÍ KONCERTO: HISTORIE, TEORIE OTÁZKY

Článek se zabývá analýzou žánru klavírního koncertu jako formy instrumentální hudby. Jsou definovány charakteristiky vývoje žánru. Jsou analyzovány strukturní a žánrové charakteristiky klavírního koncertu.

Klíčová slova: klavírní koncert, žánr, struktura, hudební forma.

Němec Konzert, z italštiny. concerto - koncert, lit. - soutěž (hlasy), z lat. koncert - soutěžit

Dílo pro mnoho interpretů, v němž proti většině z nich nebo celému souboru stojí menší část zúčastněných nástrojů či hlasů, tematicky vyčnívající. odlehčení hudby. materiál, barevný zvuk, s využitím všech možností nástrojů či hlasů. Od konce 18. stol nejběžnější jsou koncerty pro jeden sólový nástroj s orchestrem, méně časté jsou koncerty pro více nástrojů s orchestrem - "dvojitý", "trojitý", "čtyřnásobný" (něm. Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Zvláštní odrůdy jsou k. pro jeden nástroj (bez orchestru), k. pro orchestr (bez přesně vymezených sólových partů), k. pro zpěv (hlasy) s orchestrem, k. pro sbor a cappella. V minulosti byla hojně zastoupena vokálně-polyfonní hudba. K. a concerto grosso. Důležitými předpoklady pro vznik K. byly vícesbory a srovnání sborů, sólistů a nástrojů, které poprvé hojně využívali představitelé benátské školy, přidělení wok.-instr. skladby sólových partů hlasů a nástrojů. Nejstarší k. vznikly v Itálii na přelomu 16. a 17. století. wok. polyfonní kostel. hudba (Concerti ecclesiastici pro dvojsbor A. Banchieri, 1595; Moteta pro 1-4hlasý zpěv s digitálním basem "Cento concerti ecclesiastici" L. Viadana, 1602-11). Na takových koncertech různé skladby - od velkých, včetně četných. wok. a instr. večírky, do počtu jen pár woků. strany a část generála basy. Spolu s názvem concerto nesly skladby stejného typu často názvy motetti, motectae, cantios sacrae aj. Nejvyšší stupeň ve vývoji kostela wok. K. vícehlasý. styl reprezentovat vznikl v 1. patře. 18. století kantáty J. S. Bacha, k nimž sám nazval concerti.

Žánr K. našel široké uplatnění v ruštině. kostel hudba (z konce 17. století) - ve vícehlasých dílech pro a cappella sbor, související s oborem partes zpěv. Teorii „tvorby“ takových krystalů vypracoval N. P. Diletsky. Rus. Skladatelé velmi rozvinuli polyfonní techniku ​​kostelních zvonů (funguje pro 4, 6, 8, 12 i více hlasů, až 24 hlasů). V knihovně synodního sboru v Moskvě se nacházelo až 500 K. 17.-18. století sepsali V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin aj. Vývoj chrámového koncertu pokračoval v hod. konce 18. století. M. S. Berezovského a D. S. Bortňanského, v jejichž tvorbě převládá melodicko-ariózní styl.

V 17. století, původně v Itálii, proniká do instr. hudba - v apartmá a kostele. sonáta, připravující podobu žánru instrumentální kinematografie (Balletto concertata P. Melli, 1616; Sonáta concertata D. Castello, 1629). Kontrastní juxtapozice („soutěž“) orchestru (tutti) a sólistů (sólo) nebo skupiny sólových nástrojů a orchestru (in concerto grosso) vycházejí z těch, které vznikly na konci 17. století. první ukázky instrumentální K. (Concerti da camera a 3 con il cembalo G. Bononcini, 1685; Concerto da camera a 2 violini e Basso continuo G. Torelli, 1686). Koncerty Bononchiniho a Torelliho však byly pouze přechodnou formou od sonáty ke K., která se vlastně rozvinula do 1. patra. 18. století v díle A. Vivaldiho. K. této doby byla třídílná skladba se dvěma rychlými krajními částmi a pomalou střední částí. Rychlé části byly obvykle založeny na jednom tématu (výjimečně na 2 tématech); toto téma zaznělo v orchestru v nezměněné podobě jako refrén-ritornello (monotémické allegro rondálního typu). Vivaldi vytvořil jak concerti grossi, tak sólo K. - pro housle, violoncello, viol damour, různé duchy. nástroje. Část sólového nástroje v sólových koncertech zprvu plnila především závazné funkce, s vývojem žánru však nabývala stále výraznějšího koncertního a tematického charakteru. nezávislost. Vývoj hudby byl založen na protikladu tutti a sóla, jejichž kontrasty byly zdůrazněny dynamikou. prostředek. Převládala figurativní textura plynulého pohybu čistě homofonního nebo polyfonního skladu. Sólistovy koncerty měly zpravidla charakter ornamentální virtuozity. Střední část byla napsána v ariose stylu (obvykle patetická árie sólisty proti akordickému doprovodu orchestru). Tento typ K. obdržel v 1. patře. 18. století obecná distribuce. Patří k němu i klavírní koncerty J. S. Bacha (některé jsou aranžemi jeho vlastních houslových koncertů a Vivaldiho houslových koncertů pro 1, 2 a 4 klavíry). Tato díla J. S. Bacha, stejně jako K. pro klavír a orchestr G. F. Händela znamenala počátek vývoje klavíru. koncert. Händel je také praotcem varhan k. Jako sólové nástroje se vedle houslí a klavíru uplatňují violoncello, damor pro violu, hoboj (který často sloužil jako náhrada za housle), trubka, fagot, příčná flétna ad. byli využíváni jako sólisté.

Ve 2. patře. 18. století tvořil klasiku typ sólového instrumentálního k., jasně vykrystalizovaný ve vídeňské klasice.

V K. se ustálila forma sonáty-symfonie. cyklu, ale ve zvláštním lomu. Koncertní cyklus se zpravidla skládal pouze ze 3 částí, chyběla mu 3. část uceleného čtyřvětého cyklu, tedy menuet nebo (později) scherzo (později se scherzo někdy zařazuje do K. - místo pomalý part, jako např. v 1. K. pro housle a orchestr Prokofjeva, nebo jako součást uceleného čtyřvětého cyklu, jako např. v koncertech pro klavír a orchestr A. Litolfa, I. Brahms, v 1. K. pro housle a orchestr Šostakovič). Určité rysy se prosadily i ve stavbě jednotlivých částí K. V 1. části byl uplatněn princip dvojexpozice - v orchestru zněla nejprve témata hlavních a vedlejších částí v hlavní. kláves a teprve poté ve 2. expozici jim byla představena hlavní role sólisty - hlavní téma ve stejném jádru. tonalita a boční v jiném, odpovídající schématu sonáty allegro. Srovnání, konkurence mezi sólistou a orchestrem probíhala především ve vývoji. V porovnání s předklasikou ukázek, samotný princip koncertního provedení se výrazně změnil, střih se více propojil s tématem. rozvoj. K. zajistil improvizaci sólisty na témata skladby, t. zv. cadenza, která se nacházela u přechodu na kód. U Mozarta je textura K., zůstávající převážně figurativní, melodická, průhledná, plastická, u Beethovena je naplněna napětím v souladu s celkovou dramatizací stylu. Mozart i Beethoven se při výstavbě svých obrazů vyhýbají jakémukoli klišé, často vybočujícímu z výše popsaného principu dvojexpozice. Koncerty Mozarta a Beethovena představují nejvyšší vrcholy ve vývoji tohoto žánru.

V éře romantismu dochází k odklonu od klasiky. poměrem dílů v K. Romantici vznikl jednodílný K. dvou typů: malá forma - t. zv. koncertní skladba (později nazývaná též concertino) a velká forma, svojí stavbou odpovídající symfonické básni, v jedné části překládající rysy čtyřdílného sonátovo-symfonického cyklu. V klasickém K. intonace a tématika. spojení mezi částmi zpravidla v romantickém chyběly. Nejdůležitější význam nabyl K. monotematismus, leitmotivová spojení, princip „přes rozvoj“. Živé příklady romantismu. poetickou jednodílnou K. vytvořil F. Liszt. Romantický. reklamace v 1. patře. 19. století vyvinul zvláštní druh barevné a dekorativní virtuozity, která se stala stylovým znakem celého směru romantismu (N. Paganini, F. Liszt a další).

Po Beethovenovi existovaly dvě odrůdy (dva typy) K. - "virtuózní" a "symfonizovaná". Ve virtuosovi K. instr. virtuozita a koncertní provedení tvoří základ rozvoje hudby; na 1. plánu není tematický. vývoj, a princip kontrastu mezi kantilénou a pohyblivostí, dekomp. typy textur, zabarvení atd. V mnoha virtuóz K. tematický. vývoj zcela chybí (Viottiho houslové koncerty, Rombergovy violoncellové koncerty) nebo zaujímá podřízené postavení (1. část Paganiniho 1. koncertu pro housle a orchestr). V symfonizovaném K. je vývoj hudby založen na symfonii. dramaturgie, tematické principy. vývoje, na opozici obrazně-tematickou. koule. Zavedení symbolu dramaturgie v K. byla důsledkem její konvergence se symfonií ve smyslu obrazném, uměleckém, ideovém (koncerty I. Brahmse). Oba typy K. se liší dramaturgií. hlavní funkce složky: virtuos K. se vyznačuje úplnou hegemonií sólisty a podřízenou (doprovodnou) rolí orchestru; pro symfonizované K. - dramaturgie. činnost orchestru (vývoj tematického materiálu provádějí společně sólista a orchestr), vedoucí k relativní rovnosti partu sólisty a orchestru. V symfonické K. virtuozita se stala prostředkem dramatu. rozvoj. Symfonizace v ní objala i tak specifický virtuózní prvek žánru, jako je kadence. Jestliže ve virtuóze K. byla kadence určena k technické ukázce. dovednost sólistky, v symfonii se zapojila do celkového rozvoje hudby. Od dob Beethovena začali skladatelé sami psát cadenzy; v 5. fp. Beethovenova koncertní kadence se stává organickou. součástí formy díla.

Jasné rozlišení mezi virtuózním a symfonickým k. není vždy možné. Rozšířil se typ K., v němž jsou koncertní a symfonické kvality v těsné jednotě. Například na koncertech F. Liszta, P. I. Čajkovského, A. K. Glazunova, S. V. Rachmaninova symfonického. dramaturgie se snoubí s brilantním virtuózním charakterem sólového partu. Ve 20. století převaha virtuózního koncertního provedení je typická pro koncerty S. S. Prokofjeva, B. Bartoka, převaha symfon. kvality jsou sledovány např. v 1. houslovém koncertu Šostakoviče.

Symfonie, která měla významný vliv na symfonii, byla zase ovlivněna symfonií Koncem 19. století. vznikla zvláštní „koncertní“ varieta symfonismu, reprezentovaná dílem. R. Strauss ("Don Quijote"), N. A. Rimsky-Korsakov ("španělské capriccio"). Ve 20. století zaznělo také nemálo koncertů pro orchestr založených na principu koncertního provedení (např. v sovětské hudbě - ázerbájdžánského skladatele S. Gadzhibekova, estonského skladatele J. Ryaets atd.).

K. jsou prakticky vytvořeny pro celou Evropu. nástroje - klavír, housle, violoncello, viola, kontrabas, dřevěné dechové nástroje a žesť. R. M. Gliere vlastní velmi populární K. pro zpěv a orchestr. Sovy. skladatelé psali K. pro nár. nástroje - balalajka, domra (K. P. Barchunova a další), arménský tar (G. Mirzoyan), lotyšské kokle (J. Medin) ad. U sov hudební žánr K. se rozšířil v dekomp. typickými formami a je hojně zastoupen v díle mnoha skladatelů (S. S. Prokofjev, D. D. Šostakovič, A. I. Chačaturjan, D. B. Kabalevskij, N. Ja. Mjaskovskij, T. N. Chrennikov, S. F. Tsintsadze a další).

Literatura: Orlov G. A., Sovětský klavírní koncert, L., 1954; Khokhlov Yu., Sovětský houslový koncert, M., 1956; Alekseev A., Koncertní a komorní žánry instrumentální hudby, v knize: Dějiny ruské sovětské hudby, díl 1, M., 1956, s. 267-97; Raaben L., Sovětský instrumentální koncert, L., 1967.

Hudební lekce v 6. ročníku "Instrumentální koncert"

Cíle lekce:

vzdělávací: seznámit studenty se vznikem a vývojem žánru instrumentálního koncertu na příkladu koncertu A. Vivaldiho "The Seasons", upevnit představy o různých typech koncertů, rozšířit představy o programové hudbě.

Vzdělávací: pokračujte v představování nejlepších příkladů barokní hudby.

Vzdělávací: pěstovat emocionální vnímavost k vnímání vážné hudby, rozvíjet zájem a úctu k hudebnímu dědictví skladatelů z jiných zemí.

Zařízení: multimediální projektor, G.P. Sergeeva, E.D. Kritskaya „Hudba“ pro 6. ročník, kreativní sešit pro tuto učebnici, fonochrestomatie pro učebnici „Hudba“ pro 6. ročník, pracovní sešit, hudební slovníky.

Plán lekce:

1. Organizační moment.
2. Baroko - skladatelé, žánry, hudební obrazy.
2.1. Vývoj koncertního žánru v díle A. Vivaldiho.
2.2. Historie baletu "The Seasons".
2.3. Současní interpreti a výkonné týmy.
3. Domácí úkol.

BĚHEM lekcí

1. Organizační moment

Pozdrav v podobě vokálních zpěvů v podání učitele:

Ahoj lidi, ahoj! (Postupný pohyb nahoru od prvního kroku k pátému podle zvuků tonické triády).
Děti odpovídají:

"Dobrý den, pane učiteli, ahoj!" (Úplné opakování původní písně).

2. Učení nového materiálu.

Hudba inspiruje celý svět, dává duši křídla, podporuje rozlet představivosti,
hudba dává život a zábavu všemu, co existuje…
Dá se nazvat ztělesněním všeho krásného a vznešeného.

Platón

Učitel: Na naší úplně první hodině hudební výchovy v 6. třídě jsme si povídali o hudební rozmanitost: hudba je vokální a instrumentální. Téma naší dnešní lekce je "Instrumentální koncert". Uveďte, prosím, žánry instrumentální hudby a případné skladby interpretů. (Děti pojmenovávají žánr symfonie, koncert, vokalizace, písně beze slov, sonáty, suity a interpretační soubory - sólová hudba, soubor orchestrální). Vyhledejte si význam slova „koncert“ v hudebních slovnících.

(Děti hledají dané slovo a nahlas přečtou nalezenou definici).

Student: Koncert (it. koncert z lat. - koncert- Soutěžím) se jmenují:

1. Veřejné provozování hudebních děl.
2. Žánr velký hudební kus virtuózní postava pro sólistu s orchestrem, nejčastěji psaná formou sonátového cyklu.
3. Polyfonní vokální nebo vokálně-instrumentální hudba založená na srovnání dvou a více částí. Koncert se skládá ze tří částí (rychlá - pomalá - rychlá).
V dějinách hudby jsou koncerty pro sólový nástroj a orchestr, pro orchestr bez sólistů, v ruské hudbě v 18. století vznikl žánr duchovního sborového koncertu.

Učitel: V učebnici (str. 108-110) se v obrazové řadě budeme zabývat reprodukcemi obrazu „Jaro“ S. Botticelliho a reliéfy F. Goujona. Jaký umělecký styl hudby byste použili k ozvučení těchto uměleckých děl? Tématem dnešní lekce je "Instrumentální koncert". Seznámíte se se vznikem a vývojem žánru komorní hudby – instrumentálního koncertu. Zapamatujte si název uměleckého stylu v kultuře a umění evropských zemí v období 1600-1750; Dílo kterých skladatelů patří do doby baroka. (Děti by měly uvést definici tohoto slova z tématu „Obrazy duchovní hudby západní Evropy“, jméno J.S. Bach, učebnice str. 66). Správně jsi pojmenoval význam tohoto slova. Baroko je jedním z nejkrásnějších a nejvytříbenějších uměleckých stylů. Pravděpodobně odvozeno z portugalského výrazu pleurabarocco- perla bizarního tvaru. Baroko je perlou v řetězci měnících se uměleckých hodnot v malbě, architektuře, sochařství, literatuře, hudbě.

Pro barokního mistra bylo důležité zachytit božskou krásu života. Baroko jako umělecký styl se vyznačuje expresivitou, nádherou, dynamikou. Barokní umění se snažilo přímo ovlivnit pocity diváků a posluchačů, zdůrazňovalo dramatičnost lidských emocionálních zážitků. S příchodem baroka hudba poprvé naplno ukázala své možnosti pro hloubkové a mnohostranné ztělesnění světa lidských duchovních zážitků. Do popředí se dostávaly hudební a divadelní žánry, především opera, která byla určována snahou o dramatický výraz a kombinaci charakteristickou pro baroko. různé druhy umění. To se projevilo i v oblasti náboženské hudby, kde vůdčími žánry byly duchovní oratorium, kantáta a pašije. Zároveň existovala tendence oddělovat hudbu od slova - k intenzivnímu rozvoji četných instrumentálních žánrů. Barokní kultura je reprezentována nejvyššími počiny ve výtvarném umění (Rubens, Van Dyck, Velasquez, Ribera, Rembrandt), v architektuře (Bernini, Puget, Coisevox), v hudbě (A. Corelli, A. Vivaldi, J.S. Bach, G F. Händel). Za baroko se považuje období 1600-1750. Během tohoto století a půl byly vynalezeny hudební formy, které po proměnách existují dodnes.

V dnešní lekci se seznámíte s cyklem koncertů "The Seasons", který je vrcholem tvorby A. Vivaldiho. Antonio Vivaldi je italský houslista, skladatel a pedagog.

Tvůrčí dědictví Vivaldi je extrémně rozsáhlé. Pokrývá asi 700 titulů. Mezi nimi je 19 oper. Ale hlavní historický význam jeho kreativitou bylo vytvoření sólového instrumentálního koncertu. V tomto žánru bylo napsáno asi 500 děl. Mnoho z jeho koncertů bylo napsáno pro jedny nebo více houslí, dva pro dvě mandolíny a několik pro neobvyklé hudební kusy, jako jsou dvoje housle a dvoje varhany. Psaní koncertů pro strunné nástroje, skladatel jako jeden z prvních přešel ke skládání hudby pro dechové nástroje, které byly považovány za primitivní a pro skladatele nezajímavé. Hoboj, lesní roh, flétna, trubka v jeho koncertu zněly plně a harmonicky. Koncert pro dvě píšťaly A. Vivaldi napsal na objednávku. Je zřejmé, že interpreti chtěli dokázat, že na trubku lze hrát krásnou a virtuózní hudbu. Doposud je provedení tohoto koncertu důkazem nejvyšší šikovnosti interpreta. Mnoho hudby napsal skladatel pro fagot - více než 30 koncertů pro fagot a orchestr. Mezi dechovými nástroji dal Vivaldi zvláštní přednost flétně s jemným, měkkým zabarvením. V partech přiřazených flétně zní v plný hlas ukázal všechny své přednosti.

V díle A. Corelliho vzniklo concerto grosso (srovnání celého souboru s více nástroji). A. Vivaldi udělal ve srovnání se svým předchůdcem krok vpřed: zformoval žánr sólového koncertu, který se výrazně lišil měřítkem vývoje, dynamikou a výrazností hudby. Ve skladbách koncertů se střídaly sólové a orchestrální party, založené na „dobře organizovaném kontrastu“. Princip kontrastu určil třívětou formu koncertu: 1. věta je rychlá a energická; 2. - lyrický, melodický, malý ve formě; Třetí část je finále, živé a brilantní. Sólový instrumentální koncert byl koncipován pro široké publikum, pro které byly neodmyslitelné prvky zábavy, určitá divadelnost, projevující se v soutěži mezi sólistou a orchestrem – v neustálém střídání tutti a sóla. To byl smysl koncertu, hudba.

Cyklus koncertů "The Seasons" je vrcholem tvorby A. Vivaldiho.
Doporučuji poslechnout si 1. část koncertu. (Zazní 1. část, učitel jméno nejmenuje).
– S jakým ročním obdobím lze tuto hudbu spojovat? ? (Studenti určují počáteční intonaci, charakter hudby, rychlé tempo, dynamické kontrasty, vizuální momenty - imitace ptačího zpěvu, je jaro).

Svět, ve kterém žijeme, je plný nejrůznějších zvuků. Šustění listí, hromy, zvuk příboje, hvizd větru, předení kočky, praskání hořícího dříví v krbu, zpěv ptáků...
V dávných dobách si člověk uvědomil, že zvuky jsou různé: vysoké a nízké, krátké a dlouhé, tlumené a hlasité. Ale zvuky samy o sobě nejsou hudbou. A když je člověk začal organizovat, aby vyjádřil své pocity a myšlenky, vznikla hudba.
Jak můžete popsat melodii? (Možné odpovědi dětí: jasně slyšíte, kde hraje orchestr a kde zní sólové housle. Melodie, kterou hraje orchestr; melodie je v durové stupnici, velmi jasná, jasná, snadno zapamatovatelná, v tanci melodie v podání sólisty je mnohem složitější, je virtuózní, krásná, zdobená hudebními zpěvy, podobně jako ptačí zpěv).

Mezi hudebníky všech dob bylo populární napodobovat ptačí hlasy. Ptačí zpěv byl napodobován již ve starověku a takové napodobeniny se vyskytují dodnes hudební folklór různé národy. Myslitelé, vědci, hudebníci hledali původ hudby v ptačím zpěvu. „Muzikálnost“ mnoha ptáků nepřestává udivovat. Není divu, že se slavík stal jedním ze symbolů umění vůbec a srovnání s ním je pro zpěvačku chválou. Skladatelé barokní éry napsali spoustu krásné "ptačí" hudby - "Swallow" od K. Dakena, "Calling", "Chicken" od F. Rameaua, "The Nightingale in Love" a "The Nightingale – the Winner" od F. Couperin, četné „kukačky“ – Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini aj. Souvisí hudební témata orchestru a sólisty? (V hudebních tématech je jeden rytmus, jasně dynamické vzrušení, závan prostoru v přírodě, člověk cítí radost ze života).
– Jaký byl nejdokonalejší nástroj v době baroka?

Jak málo smyčcových nástrojů používal A. Vivaldi ve srovnání s moderními orchestry. V původní verzi je podle skladatelova záměru pouze pět strun. Moderní skupiny řetězců začínal s malými orchestry, skládajícími se z pěti, pak deseti, dvanácti, čtrnácti nástrojů. Housle jsou nejdůležitějším nástrojem orchestru, Popelkou moderního symfonického orchestru. Doposud je to nejdokonalejší nástroj ze všech strun. Má úžasný zvuk a neuvěřitelný rozsah. V době Vivaldiho a Bacha vznikly nejlepší nástroje v historii. V malém italském městě Cremona byly vyrobeny krásné a jedinečné housle. Připomeňme si jména Stradivari, Amati, Guarneri. Městečko bylo známé svými řemeslníky. Za posledních tři sta let nikdo nedokázal vyrobit housle lépe než mistři z Cremony. A. Vivaldi ve svém díle ukázal jas a krásu zvuku houslí jako sólového nástroje.

Hudba je jednou z forem umění. Stejně jako malba, divadlo, poezie je obrazným odrazem života. Každé umění mluví svým vlastním jazykem. Hudba – řeč zvuků a intonací – má zvláštní emocionální hloubku. Právě tuto emocionální stránku jste cítili při poslechu hudby A. Vivaldiho.

Hudba má silný vliv vnitřní svět osoba. Může přinášet potěšení nebo naopak vyvolat silnou duševní úzkost, podněcovat k reflexi a otevírat posluchači dosud nepoznané stránky života. Je to hudba, která má vyjádřit pocity tak složité, že je někdy nelze popsat slovy.

Přemýšlejte o tom, zda je možné inscenovat balet na tuto hudbu? Když se sólista a orchestr předhánějí v dovednostech, musí určitě hrát pro publikum. Právě v tomto neustálém střídání zvuku orchestru a zářivě znějících sólových houslí, v pocitu divadla a diskuse, v harmonii a harmonii hudební formy jsou cítit charakteristické rysy barokní hudby. Při dalším poslechu 1. části koncertu si poslechněte znějící hudební látku. Melodický hlas se snoubí se souvislým, přísně definovaným doprovodem. V tom je rozdíl oproti tvorbě předchozího období, kde hlavní roli hrála polyfonie - současné zaznívání více významově stejných melodií.

Koncert A. Vivaldiho "The Seasons" se tedy skládá ze čtyř částí. Název každé části odpovídá názvu sezóny. Rozvoj hudební obraz každá věta je založena nejen na juxtapozici houslového sóla a orchestru tutti. Hudba v koncertu sleduje obrazy poetických sonetů, jimiž skladatel odhaluje obsah každého z koncertů cyklu, tzn. existuje program. Existují domněnky, že sonety napsal sám skladatel. Vraťme se k překladům sonetu, který se stal jakýmsi koncertním programem. V učebnici na stranách 110-111 jsou navrženy dvě možnosti překladu. Která z nich podle vás nejpřesněji odpovídá hudebnímu obrazu 1. části Jarního koncertu? Jakými výrazovými prostředky literární text zprostředkovává náladu člověka, jeho duševní a emocionální stav spojený s příchodem jara? A. Vivaldi, pomocí literární program na svém koncertě byl zakladatelem programové hudby. V 19. století vznikla programní hudba – dílo založené na literárním základě.

Programová hudba je druh instrumentální hudby. Jde o hudební díla, která mají slovní, často poetický program a odhalují obsah, který je do něj vtištěn. Název může sloužit jako program, naznačující např. fenomény reality, které měl skladatel na mysli („Ráno“ od E. Griega pro drama G. Ibsena „Peer Gynt“) nebo literární dílo, které ho inspirovalo („“ Romeo a Julie“ od P. I. Čajkovského - předehra - fantasy podle stejnojmenné tragédie W. Shakespeara).
Přejděme k učebnici. Na straně 109. Vám nabízíme hlavní téma 1. části koncertu „Jaro“. Připomenu si jeho zvuk hrou na nástroj. Dokážete zazpívat tuto melodii? Pojďme si zazpívat melodii. Se znalostí hudebních výrazových prostředků charakterizujte toto hudební téma (studenti charakterizují melodii, způsob, trvání, tempo, rejstřík, témbr). Opakuje se toto téma? V jaké hudební formě (rondo, variace) byla napsána 1. část koncertu? Jaký princip vývoje (opakování nebo kontrast) používá skladatel v hudbě 1. věty? Existují obrazové epizody? Pokud ano, určete jejich nutnost a potvrďte příkladem z literární text. Dokážete zazpívat melodii v podání sólisty? (Obtížné provedení, virtuózní pasáže, jako poryv větru, trylky ptáků). Porovnejte s grafickým znázorněním melodie (vzestupný pohyb, krátké doby trvání atd.). Potřeba vytvářet programní instrumentální hudbu se v Itálii objevila již v 17. století. V tu chvíli, kdy v opeře přišly do módy obrazy hrdinských činů a pastýřských idyl, obrazy podsvětí a přírodních sil - rozbouřené moře, šustící listí; orchestru v takových scénách byla přidělena dominantní role. Ve srovnání s instrumentalistickými skladateli barokní éry objevil A. Vivaldi v této oblasti velký talent. Vivaldi byl dlouho připomínán díky J. S. Bachovi, který provedl několik transkripcí jeho děl. Bylo přepsáno šest Vivaldiho koncertů pro klavír a varhany, které byly dlouhou dobu považovány za napsané samotným Bachem. Dílo A. Vivaldiho mělo velký vliv na formování tvůrčího stylu J. S. Bacha, zejména Vivaldiho první houslové koncerty.

Opět se budete věnovat hudbě 1. části Jarního koncertu, ale konkurz bude neobvyklý: poslechnete si i zhlédnete úryvek z baletu Čtvero ročních dob na hudbu A. Vivaldiho v nastudování vynikajících Francouzů. choreograf R. Petit. Balet hraje soubor Marseille.

Hru „The Seasons“ nastudovali různí choreografové na různou hudbu. Mnoho skladatelů napsalo hudbu na toto téma, jsou to A. Vivaldi, P. I. Čajkovskij, A. Glazunov a další. různé verze představení: to jsou čtyři roční období, čtyři období života, čtyři období dne. Dnešní představení choreografa R. Petita je na téma Balanchine. Vraťme se k Baletní encyklopedii.

George Balanchine , narozen 1904, americký choreograf. Jeho práce přispěla k formování nového směru v choreografii. Inscenoval dramatické, komediální, fraškovité balety, často založené na jednoduché zápletce, kde se děj odhaloval pomocí tance a pantomimy; styl baletu byl do značné míry určován výzdobou, která měla určitý význam. Tento směr v jeho tvorbě se nejvíce rozvinul po roce 1934. Balanchine začal vytvářet balety na hudbu, která nebyla určena pro tanec (suity, symfonie včetně koncertu Four Seasons). V těchto baletech není žádný děj, obsah se odhaluje ve vývoji hudebních a choreografických obrazů.

Nápad vytvořit balet na téma Balanchine, balet bez zápletek, neoklasický, tanec pro tanec, navštívil choreografa. Výsledkem této touhy je vznik baletu Čtvero ročních období. Roland je impresionista, který se propůjčuje dojmům. Díky fantastické hudbě A. Vivaldiho a kreativní představivost choreografa nastudovala dnešní představení. Jeden z rozlišovací znaky R. Petit jako choreograf - jednoduchost a jasnost choreografického textu. R. Petit je člověk, který umí tvořit naprosto ve všech směrech a ve všech žánrech: inscenoval tance k filmům, spoustu revuí k muzikálům, činoherní představení. Inscenoval představení, kde byl tanec něčím božským, něčím, co přináší potěšení a radost těm v hledišti. R. Petit je člověk, který miluje vše krásné. Pro svou choreografii se vždy řídí pouze jedním kritériem - krásou, harmonickým spojením muzikálnosti a krásy.

Balet Čtvero ročních období se hraje na jednom z nejkrásnějších náměstí světa, Piazza San Marco v Benátkách. Božská architektura náměstí je kulisou tohoto představení. Umělci, kteří toto představení předvádějí, se stali legendou, protože byli hvězdami 70. a 80. let. Jsou to Domenic Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. R. Petit vysoce ocenil jejich kreativitu a talent. Zejména Domenique Colfuni je jednou z Petitových oblíbených baletek. D. Kolfuni byla baletkou Pařížské národní opery, ale na přání R. Petita odešla do Marseille. R. Petit pro ni vytvořil mnoho představení, zejména hru "Moje Pavlova". Jako kdysi byla A. Pavlova ideálem pro choreografa M. Fokina, stal se D. Colfuni stejnou "Pavlovou" pro R. Petita. (Prohlížení fragmentu baletu "Roční období", "Jaro").

Zájem profesionálních hudebníků o hudbu barokní doby nevysychá. V roce 1997 vytvořil slavný italský cembalista a barokní znalec Andrea Marcon Benátský barokní orchestr. Toto uskupení se za čtyři roky proslavilo jako jeden z nejlepších souborů barokní instrumentální interpretace, především jako přesvědčivý interpret hudby Antonia Vivaldiho. Četné koncerty a operní produkce orchestru v mnoha evropských zemích si získaly široké uznání nejen u široké veřejnosti, ale i u hudební kritiky. Orchestr svými výkony dal posluchačům nové čtení z děl A. Vivaldiho, F. Cavalliho, B. Marcella.

V minulé koncertní sezóně se uskutečnily koncerty ve 28 městech USA s houslistou Robertem McDuffym, turné po Japonsku a Koreji za účasti houslisty Giuliana Carmignola, program z děl Antonia Vivaldiho zazněl v jedné z nejlepších koncertních síní v Amsterdamu – Concertogebouw. Orchestr se účastnil různých festivalů v Rakousku, Švýcarsku a Německu a vystupoval se slavnými sólisty jako Magdalena Kožena, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova.
Rozsáhlá diskografie orchestru získala řadu prestižních ocenění. Zahrnuje nahrávky houslových koncertů Vivaldiho a Locatelliho, album symfonií a koncertů pro smyčce Vivaldiho, mnoho děl skladatelů barokní éry v provedení vynikajících hudebníků naší doby.

Zájem o hudbu A. Vivaldiho nevysychá. Jeho styl je rozpoznatelný pro široké spektrum posluchačů, hudba je jasná a neztrácí barvy. Příkladem toho je apel moderního choreografa R. Petita na hudbu Vivaldiho a jeho vynikající inscenace baletu Čtvero ročních dob, vytváření nových instrumentálních orchestrů.

Jaké je tajemství takové popularity hudby A. Vivaldiho? Co člověka potěšilo a rozesmutnilo při poslechu hudby skladatele dávné minulosti? O co usiloval, o čem přemýšlel a jak vnímal svět? Hudba A. Vivaldiho, hudba minulosti je srozumitelná. Pocity, myšlenky na prožívání moderního člověka se ve srovnání s minulostí vůbec nezměnily. To je radost ze života, vnímání okolního světa, které je ve Vivaldiho hudbě pozitivní a život potvrzující. Koncerty v díle A. Vivaldiho byly pokračováním vývoje žánru instrumentálního koncertu, dostaly hotovou podobu, která se stala vzorem pro další generace. evropští skladatelé.

3. Domácí práce: úkol do kreativního sešitu na téma „Instrumentální koncert“.

Metodický vývoj

OTEVŘENÁ LEKCE

Hudební hodina v 6. ročníku na téma: „Instrumentální koncert »

učitelé hudby

MBOU RSOSh č. 1, Rudnya

Smolenská oblast

Datskiv Ilona Alexandrovna

2016

V rocková hudba v 6. třídě "Instrumentální koncert"

Typ lekce - vytváření a zdokonalování nových znalostí, ale s přihlédnutím k požadavkům federálního státního vzdělávacího standardu je to lekce v "objevování" nových znalostí.

Účel lekce: poskytnout představu o žánru instrumentálního koncertu, o tom, kdy a jak vznikl, jak se vyvíjel.

Na základě účelu lekce následujícíúkoly:

vzdělávací : seznámit studenty se vznikem a vývojem žánru instrumentálního koncertu na příkladu koncertu A. Vivaldiho "The Seasons", upevnit představy o různých typech koncertů, rozšířit představy o programové hudbě.

Vzdělávací : pokračujte v představování nejlepších příkladů barokní hudby.

Vzdělávací : pěstovat emocionální vnímavost k vnímání vážné hudby, rozvíjet zájem a úctu k hudebnímu dědictví skladatelů z jiných zemí.

V poslední době se úkoly hudební lekce rozšířily. Je stále důležitějšísebevzdělávací astimulující úkoly.

sebevzdělávací : rozvíjet dovednosti hudebního a estetického sebevzdělávání.(samostatná práce ve skupinách)

Povzbuzující: přispívat k utváření udržitelného zájmu o to, co se studuje, povzbuzovat studenty k dalším znalostem, rozvíjet potřebu neustále doplňovat, aktualizovat, rozvíjet své znalosti (s využitím různých učebních nástrojů)

Aktivizace tvůrčí a poznávací činnosti žáků je dosahována využitím moderních pedagogických technologií, integrací různých druhů umění a informačních technologií.

Na příkladu hudebních obrazů a literárních děl ukázat žákům roli hudebního principu v životě a dílech výtvarného umění a literatury, vztah hudby k ostatním druhům umění.

Prostřednictvím pracovní jasnosti odhalte téma lekce zábavným a přístupným způsobem.

Metody :

organizace a realizace vědeckých a kognitivních činností:

vysvětlující a názorné

stimulace a motivace vzdělávací a kognitivní činnosti:

zábavná situace

srovnání, analýza, zobecnění

metoda srovnání s příbuznými uměními

podle zdroje informací a povahy činnosti:

verbálně-induktivní (rozhovor), vizuálně-deduktivní (srovnání, analýza slyšené hudby, motivace k empatii, retrospektivy).

Hodina je postavena na dvou typech hudebních a praktických činností žáků - jedná se o poslech (aktivní vnímání) hudby a intonaci, která se projevuje v provádění činností. Výběr těchto typů aktivit je dán tématem lekce, jejím účelem a cíli.

Technika: informace a komunikace, šetřící zdraví

Zařízení: multimediální projektor, hudební centrum, notebook, fonochrestomatie k učebnici "Hudba" 6 tříd, hudební slovník V. Ražnikova, tištěná slova písně A. Jermolova "Roční období"

BĚHEM lekcí

1. Organizační moment

Učitel:

– Nazdar hoši!
Děti odpovídají:

– Ahoj!

Učitel: Dobrý den,milé děti a hosté,ráda Vás vidím.Doufám,že se lekce aktivně zúčastníte. Na druhé straně se pokusím, aby pro vás byla lekce zajímavá a poučná.

Hudba inspiruje celý svět, dává duši křídla, podporuje rozlet představivosti,
hudba dává život a zábavu všemu, co existuje…
Dá se nazvat ztělesněním všeho krásného a vznešeného.

Platón

Učitel: A lekci začneme samozřejmě hudbou!

(Zazní úryvek z Vivaldiho instrumentálního koncertu „Čtyři roční období“.

Zkusme si odpovědět, o čem si budeme povídat v dnešní lekci?

Hudba od Antonia Vivaldiho (1 snímek)

Kluci, připomeňte mi téma 2. pololetí:

studenti: „Svět obrazů komorní a symfonické hudby“

Učitel: Co je komorní hudba?

studenti: Komora, tzn. pokojová hudba určená pro hraní v malých místnostech pro malé publikum.

Učitel: Abychom pochopili, o čem bude řeč v dnešní lekci, uhodneme hudební křížovku. Slovo je skryto vertikálně. (snímek 2)

7.

na

o

n

C

E

R

t

Velká skupina hudebníků-instrumentalistů hrajících společnou skladbu (ORCHESTRA)

Vícevětá skladba pro sbor, sóla a orchestr (CANTATA)

Hudební představení, ve kterém je zpěv hlavním vyjadřovacím prostředkem (OPERA)

Orchestrální úvod k opeře, představení nebo nezávislému symfonickému dílu (OVERTURE)

Soubor čtyř interpretů (zpěváků nebo instrumentalistů) (QUARTET)

7. (svisle) Velká hudební skladba pro symfonický orchestr a jakýkoli sólový nástroj, skládající se ze 3 částí (KONCERT)

Formulujte téma lekce

Tématem lekce je „Instrumentální koncert“ ( snímek 3)

Jaký cíl si můžeme stanovit?

co je to koncert?

Koncert (it.koncert - konkurence, z lat. -koncert - souhlas) (snímek 4)

sólista

nástroj (klavír, housle atd.) a symfonický orchestr.

Žánr koncertu vznikl v 17. století v souvislosti s intenzivním rozvojem houslové hry.

-h co budeme dnes dělat ve třídě?

Plán lekce:

Hudební pozdrav

Poslouchat hudbu

Analýza hudebního díla

Skupinová práce

práce se slovní zásobou

Zpěv

Závěry. Výsledek.

Domácí práce(5 snímků)

Kdo je Antonio Viaaldi?

Co o něm víme?

Učitel: Antonio Vivaldi - virtuózní houslista, dirigent a pedagog, jeden z největších skladatelůXVII – XVIIIstoletí Žil a pracoval v doběbarokní
Byl tvůrcem žánru -instrumentální koncert .(snímek 6-7)

Cyklus "Roční období"

Vrchol Vivaldiho tvorby. Tento cyklus se spojilčtyři koncerty pro sólové housle a smyčcový orchestr. V nich je vývoj hudebního obrazu založen na srovnání zvuku* housle - sólo* orchestr – tutti(přeloženo z italských prostředkůVšechno ) ". Princip kontrastu určil třívětou formu koncertu: 1. věta je rychlá a energická; 2. - lyrický, melodický, malý ve formě; 3. díl - finále, živé a brilantní(8-9 snímků)

Učitel: Před vámi na stolech jsou slovníky estetických emocí V. Ražnikova.

Doporučuji poslechnout si jednu z částí koncertu a pracovat ve skupinách.Příroda vždy potěšila hudebníky, básníky a umělce. Krása přírody, změna ročních období: podzim, zima, jaro, léto - jedinečné, každé svým způsobem

Jak podle vás umělci-básníci řešili téma ročních období?

Znáte taková díla?

Mnoho básní o přírodě bylo napsáno básníky, mnoho obrázků o přírodě bylo napsáno umělci a mnoho hudby bylo napsáno skladateli zobrazujícími obrazy přírody.

Dnes porovnáme, jak je každé roční období zobrazeno v poezii, v malbě a v hudbě. A v tom nám pomohou básně ruských básníků, reprodukce obrazů ruských umělců a magická hudba. italský skladatel Antonio Vivaldi., který dokázal reflektovat krásu jeho hudby původní příroda. Itálie je země bohatá na svou kulturu, starobylé památky, krásnou přírodu. Mnoho ruských umělců proto po absolvování Akademie umění odjelo na stáž do Itálie

Básně, obrázky a hudba nám pomohou vidět, slyšet a cítit každé roční období.(Zazní 1. část, učitel jméno nejmenuje) .

1 skupina: skladatelé

Jaké pocity tato hudba vyjadřuje?

S jakým ročním obdobím je tato hudba spojena??

studenti: Studenti určují počáteční intonaci, charakter hudby, rychlé tempo, dynamické kontrasty, vizuální momenty - jarní imitace ptačího zpěvu

Poslouchaná hudba je jasná, zvučná, radostná. Cítí let, pohyb, ptačí zpěv. Melodie je lehká, v hudbě je cítit příchod jara.

Jak můžete popsat melodii?

studenti: Možné odpovědi dětí: jasně slyšíte, kde hraje orchestr a kde zní sólové housle. Melodie, kterou orchestr předvádí v durové tónině, je velmi jasná, jasná, snadno zapamatovatelná, v tanečním rytmu. Melodie v podání sólisty je mnohem složitější, je virtuózní, krásná, zdobená hudebními zpěvy, podobně jako ptačí zpěv).

Žáci určí, co je JARO

2 skupina: umělci

Na stole jsou reprodukce obrazů ročních období

Zapište si do tabulky, jaké barvy jste slyšeli a viděli a jaké pocity ve vás tato umělecká díla vyvolala, a samozřejmě určete roční období

Můžete mi říct, které barvy dominují?

Žák odpovídá: Barva první zelené je žlutozelená, kvetení prvních květů je bílé, růžové, modrá obloha, ptáci na obloze.

Skupina 3: básníci

Učitel: Cyklus koncertů "Roční období" -programová esej , který vychází z poetických sonetů, s jejichž pomocí skladatel odhaluje obsah každého z koncertů cyklu. Předpokládá se, že sonety napsal sám skladatel.

Na každém stole je báseň o jednom z ročních období.

Napište do tabulky, které verše se k této hudbě vážou a jak ve vás tato umělecká díla evokovala

Sníh už taje, potoky tečou,

V okně foukalo na jaře ...

Slavíci budou brzy pískat,

A les se oblékne do listí!

jasná modrá obloha,

Teplejší a jasnější slunce se stalo,

Je čas na zlé vánice a bouře

Opět na dlouhou dobu prošel ... A. Pleshcheev

Diskuse o reakcích práce skupin. (Snímek 10)

Učitel: Navrhuji poslechnout si fragment 2. části koncertu (snímek 11)

Určit emoční obsah části, tempo, dynamiku?

Poslouchejte pasáže houslí. Jaké obrázky vás napadnou?

Slunce jasně svítí
Vzduch je teplý.
A kam se podíváš
Všechno kolem je světlo.
Oslňují na louce
světlé květy,
pokrytý zlatem
Tmavé povlečení.
Les dřímá; ani zvuk
List nešustí
Pouze skřivan
Zvonění ve vzduchu. I. Surikov.

Učitel: poslech 3. části koncertu

Les jako malovaná věž,
Fialová, zlatá, karmínová,
Veselá, barevná stěna
Stojí nad světlou loukou.
Břízy se žlutou řezbou
Zářit v modrém azuru,
Jako věže, vánoční stromky tmavnou,
A mezi javory zmodrají
Tu a tam v listí skrz
Světla na obloze, ta okna. K. Balmont

(snímek 12)

4. část koncertu: "Zima"(snímek 13)

Čarodějka v zimě
Očarovaný, les stojí,
A pod zasněženou třásní,
Nehybný, hloupý
Září nádherným životem.
A on stojí, okouzlen,
Ne mrtvý a ne živý -
Kouzelně okouzlen spánkem
Všichni pubescentní, všichni svázaní
Lehký péřový řetěz ... F. Tyutchev

Tělesná výchova minuta

Učitel: Téma ročních období bylo v umění vždy oblíbené.

V našem moderní doba jsou zde i díla vokálního žánru o ročním období.

Pojďme si zazpívat píseň současný skladatel Alexander Yermolov "Roční období".

Vokální a sborová tvorba přes píseň "Roční období" op. a hudba. Alexandra Ermolová

Definujme si úkoly: v jaké postavě budeme zpívat, jaké artikulační úlohy budeme řešit.

Pojďme zkontrolovatdomácí práce

Prozkoumejte, zda je Vivaldiho hudba současná.

Jaké je tajemství popularity skladatelovy hudby.

Od koho moderní lidé umění odkazuje na dílo skladatele.

Zajímavosti ze skladatelova života

Básně o skladateli a jeho díle

Odraz

Co sis zapamatoval, co bylo zajímavého, co tě na hodině překvapilo?