Príklady symfónie. Hudobné žánre: Symfónia

z gréčtiny symponia - súzvuk

Skladba pre orchester, väčšinou symfonická, spravidla v sonátovo-cyklickej forme. Zvyčajne pozostáva zo 4 častí; sú S. s viac a menej dielmi, až po jednodielne. Niekedy sa v S. okrem orchestra uvádza aj zbor a sólové woky. hlasov (odtiaľ cesta k S.-cantata). Sú tu predstavenia pre sláčikové, komorné, dychové a iné orchestre, pre orchester so sólovým nástrojom (S. concerto), organ, zbor (zborové vystúpenie) a wok. súbor (vok. C). Koncertná symfónia - S. s koncertnými (sólovými) nástrojmi (od 2 do 9), štruktúrou súvisí s koncertom. S. sa často približuje k iným žánrom: S. suita, S. rapsódia, S. fantasy, S. balada, S. legenda, S. báseň, S. kantáta, S. requiem, S.-balet, S.-dráma (typ kantáty), divadlo. S. (rod Onera). Povahou S. možno prirovnať aj k tragédii, dráme, lyrike. báseň, hrdinská epické, priblížiť sa kolobehu žánrových múz. hry, séria zobrazení. hudba maľby. V typickom Vo svojich ukážkach spája kontrast častí s jednotou dizajnu, mnohorakosť rôznorodých obrazov s celistvosťou múz. dramaturgia. S. zaujíma v hudbe rovnaké miesto ako dráma alebo román v literatúre. Ako najvyšší typ inštr. hudba, prevyšuje všetky svoje ostatné druhy najširšími možnosťami stelesňovacích prostriedkov. predstavy a bohatstvo emocionálnych stavov.

Spočiatku v Dr. Grécko, slovo "S." znamenalo harmonické spojenie tónov (kvarta, kvinta, oktáva), ako aj spoločný spev (súbor, zbor) v súzvuku. Neskôr v Dr. Rím, stal sa názvom inštr. súbor, orchester. V stredu. storočia za S. chápal svetský inštr. hudba (v tomto zmysle sa tento výraz používal vo Francúzsku už v 18. storočí), niekedy hudba vo všeobecnosti; okrem toho sa tak volali niektoré múzy. nástroje (napr. hurdy gurdy). V 16. storočí toto slovo sa používa v zbierky motet (1538), madrigalov (1585), wok-instr. skladby („Sacrae symphoniae“ – „Posvätné symfónie“ G. Gabrieliho, 1597, 1615) a potom inštr. polyfónne hry (začiatok 17. storočia). Je fixovaný pre mnohouholník. epizódy (často založené na akordoch), ako sú úvody do wok alebo medzihry. a inštr. inscenácie, najmä úvody (predohry) k suitám, kantátam a operám. Medzi operou S. (predohrami) boli načrtnuté dva typy: benátska - z dvoch častí (pomalá, slávnostná a rýchla, fúga), neskôr rozvinutá vo francúzštine. predohra, a neapolský - z troch úsekov (rýchly - pomalý - rýchly), zavedený v roku 1681 A. Scarlattim, ktorý však používal iné kombinácie častí. Cyklická sonáta. forma sa postupne stáva dominantnou v S. a dostáva v nej obzvlášť mnohostranný vývoj.

Vyriešené ok. 1730 z opery, kde ork. úvod sa zachoval vo forme predohry, S. sa osamostatnil. druh orka. hudba. V 18. storočí splniť to ako základ. skladbou boli sláčiky. nástroje, hoboje a lesné rohy. Vývoj S. bol ovplyvnený rozkladom. orkské typy. a komorná hudba - koncert, suita, triová sonáta, sonáta atď., ako aj opera so súbormi, zbormi a áriami, ktorých vplyv na melódiu, harmóniu, štruktúru a figuratívnu štruktúru S. je veľmi nápadné. Aké konkrétne. Žáner S. dozrieval, keď sa dištancoval od iných hudobných žánrov, najmä divadelnej, získaval samostatnosť v obsahu, forme, rozvíjal témy, vytváral ten spôsob kompozície, ktorý sa neskôr nazýval symfónia a mal. obrovský vplyv v mnohých oblastiach hudby. tvorivosť.

Štruktúra S. sa vyvinula. Základom S. bol 3-dielny cyklus neapolského typu. Často po vzore Benátčanov a Francúzov. predohry v S. obsahovali pomalý úvod do 1. časti. Neskôr menuet vstúpil do S. - najprv ako finále 3-dielneho cyklu, potom jeden z dielov (zvyčajne 3.) 4-dielneho cyklu, v závere ktorého sa spravidla objavuje forma ronda. alebo bola použitá rondo sonáta. Od čias L. Beethovena menuet nahradilo scherzo (3., niekedy 2. časť), od čias G. Berlioza - a valčík. Najdôležitejšia sonátová forma pre S. sa používa predovšetkým v 1. časti, niekedy aj v pomalých a posledných častiach. V 18. storočí C. pestovali mnohé. majstrov. Patria medzi nich Talian J. B. Sammartini (85 S., okolo 1730-70, z toho 7 stratených), skladatelia mannheimskej školy, v ktorej Česi obsadili popredné miesto (F. K. Richter, J. Stamitz atď. .), zástupcovia tzv. predklasickej (alebo ranej) viedenskej školy (M. Monn, G. K. Wagenseil a i.), Belgičan F. J. Gossec, ktorý pôsobil v Paríži, bol zakladateľom franc. S. (29 S., 1754-1809, vrátane „Poľovníctva“, 1766; okrem toho 3 S. pre ducha. Orchester). klasické typ S. vytvoril Rakúšan. komp. J. Haydn a W. A. ​​Mozart. V diele „otca symfónie“ Haydna (104 s., 1759-95) sa formovanie symfónie zavŕšilo, zo žánru zábavnej každodennej hudby sa stala dominantným druhom vážneho inštru. hudba. Schválené a hlavné. vlastnosti jeho štruktúry. S. sa vyvinula ako sled vnútorne kontrastných, cieľavedome rozvíjajúcich sa častí spojených spoločnou myšlienkou. Mozart prispel hrou S. napätie a vášnivá lyrika, vznešenosť a gracióznosť mu dodávali ešte väčšiu štýlovú jednotu (okolo 50 C, 1764/65-1788). Jeho posledný S. - Es-dur, g-moll a C-dur ("Jupiter") - najvyšší úspech symfónie. oblek z 18. storočia. Mozartove tvorivé skúsenosti sa premietli do neskorších diel. Haydn. Úloha L. Beethovena, dostavba Viedne klasickej školy(9 S., 1800-24). Jeho 3. („Heroic“, 1804), 5. (1808) a 9. (s vokálnym kvartetom a zborom vo finále, 1824) S. sú príkladmi hrdinstva. symfónia adresovaná masám, stelesňujúca revolucionára. pátos nár. boj. Jeho 6. S. („Pastoral“, 1808) je príkladom programového symfonizmu (pozri Programová hudba) a jeho 7. S. (1812), slovami R. Wagnera, je „apoteózou tanca“. Beethoven rozšíril škálu sekularizmu, zdynamizoval jeho dramaturgiu a prehĺbil dialektiku tematiky. rozvoj, obohatil vnút štruktúra a ideologický význam S.

Pre Rakúšanov a nemčine. Romantickí skladatelia 1. pol. 19. storočie žánre lyrický (Schubertova Nedokončená symfónia, 1822) a epický (Schubertova 8. symfónia) S., ako aj krajinársky-každodenný S. s farebným nat. farbenie („taliansky“, 1833 a „škótsky“, 1830-42, Mendelssohn-Bartholdy). Zvýšené a psychologické. bohatstvo S. (4 symfónie R. Schumanna, 1841-51, v ktorých sú najvýraznejšie pomalé časti a scherzá). Trend, ktorý sa objavil aj medzi klasikmi, je okamžitý. prechod z jednej časti do druhej a stanovenie tematických. väzby medzi časťami (napr. v Beethovenovej 5. symfónii) sa u romantikov zintenzívnili, objavilo sa aj C, v ktorom časti nasledujú za sebou bez prestávok („škótska“ symfónia od Mendelssohna-Bartholdyho, 4. symfónia od Schumanna).

Vzostup Francúzov S. sa odvoláva na roky 1830-40, kedy vznikajú inovatívne produkcie. G. Berlioz, tvorca romant. softvér C, založený na lit. námet (5-dielne „Fantastické“ C, 1830), C. koncert („Harold v Taliansku“, pre violu a orchester, podľa J. Byrona, 1834), C. oratórium („Rómeo a Júlia“, dráma. S. v 6 častiach, so sólistami a zborom, podľa W. Shakespeara, 1839), "Pohrebná a triumfálna symfónia" (pohrebný pochod, "rečnícke" trombónové sólo a apoteóza - pre ducha. orchester alebo symfonický orchester, voliteľne - a zbor, 1840 ). Berlioza charakterizuje grandiózna mierka inscenácie, kolosálna skladba orchestra, farebná inštrumentácia s jemnými nuansami. Filozofické a etické. problematika sa prejavila v symfóniách F. Liszta („Faustova symfónia“, ale J. W. Goethe, 1854, so záverečným zborom, 1857; „S. k Danteho Božskej komédii“, 1856). Ako protipól programového smerovania Berlioza a Liszta bola nemčina. Komi. I. Brahmsa, ktorý pôsobil vo Viedni. V jeho 4 S. (1876-85), rozvíjanie tradícií beethovenovských a romantických. symfonizmus, kombinovaná klasika. harmónia a rozmanitosť emocionálnych stavov. Štýlovo podobný. ašpirácie a zároveň individuálnu francúzštinu. S. z toho istého obdobia - 3. S. (s organom) od K. Saint-Saensa (1887) a S. d-molla S. Franka (1888). V „Z nového sveta“ od A. Dvořáka (posledný, chronologicky 9., 1893) sa lámali nielen české, ale aj černošské a indické múzy. prvkov. Významné ideologické koncepcie Rakúšana. symfonici A. Bruckner a G. Mahler. monumentálny produkt. Brucknera (8 S., 1865-1894, 9. nedokončené, 1896) sa vyznačujú sýtosťou polyfónie. tkaniny (vplyv org. umenia, prípadne aj hudobných drám R. Wagnera), trvanie a silu emocionálneho nahromadenia. Pre Mahlerovu symfóniu (9. S., 1838-1909, z toho 4 so spevom, z toho 8. - "Symfónia tisíc účastníkov", 1907; 10. nie je dokončená, D. Cook sa pokúsil dokončiť ju podľa náčrtov v roku 1960;S.-kantáta „Pieseň o zemi“ s 2 spevákmi-sólistami, 1908) sa vyznačujú ostrosťou konfliktov, vznešeným pátosom a tragikou, vyjadrí novosť. fondy. Akoby na rozdiel od ich veľkých kompozícií, využívajúcich bohatého interpreta. aparát, objavuje sa komorná symfónia a symfonietta.

Najvýraznejší autori S. 20. storočia. vo Francúzsku - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (Švajčiar podľa národnosti, 5 S., 1930-50, vrátane 3. - "liturgickej", 1946, 5. - S. "tri re" , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", v 10 častiach, 1948); v Nemecku - R. Strauss ("Home", 1903, "Alpine", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, vrátane 1. - "Artist Mathis", 1934, 3- I - "Harmónia of svet", 1951), K. A. Hartman (8 S., 1940-62) atď. K rozvoju S. prispel Švajčiar X. Huber (8 S., 1881-1920, vr. 7. - "Swiss", 1917), Nóri K. Sinding (4 S., 1890-1936), X. Severud (9 S., 1920-1961, vrátane antifašistického vzoru 5-7- I, 1941-1945), K. Egge (5 S., 1942-69), Dán K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Fín J. Sibelius (7 S., 1899-1924), Rumun J Enescu (3 S., 1905 -19), Holanďania B. Peiper (3 S., 1917-27) a H. Badings (10 S., 1930-1961), Švéd H. Rusenberg (7 S., 1919-69, a S. za dychové a bicie nástroje, 1968), Talian J. F. Malipiero (11 S., 1933-69), Brit R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S.-requiem, 1940, "Jar" S. pre sólových spevákov, miešaný zbor, chlapčenský zbor a symfonický orchester, 1949), Američanov C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) a R. Harris ( 12 S., 1933-69), brat E. Vila Lobos (S. 12, 1916-58) a i. Široká škála typov C. 20. storočie. kvôli mnohorakosti kreativity. smery, národné školy, folklórne spojenia. Moderné S. sú odlišné aj štruktúrou, formami a charakterom: inklinujú k intimite a naopak k monumentálnosti; nie sú rozdelené na časti a pozostávajú z mnohých. časti; tradičné sklad a voľné zloženie; pre obvyklý symbol. orchester a na neobvyklé skladby a pod. Jeden z trendov v hudbe 20. storočia. spojené s modifikáciou antických – predklasických a ranoklasických – múz. žánrov a foriem. Poctu mu vzdali S. S. Prokofiev v „Klasickej symfónii“ (1907) a I. F. Stravinskij v symfónii C a „Symfónia v troch častiach“ (1940 – 45). V rade S. 20. stor. dochádza k odklonu od starých noriem pod vplyvom atonalizmu, atematizmu a iných nových princípov kompozície. A. Webern postavil S. (1928) na 12-tónový rad. Predstavitelia „avantgardy“ S. vytlačili dekomp. nové experimentálne žánre a formy.

Prvý medzi Rusmi skladatelia sa prikláňali k žánru symfónie (s výnimkou D. S. Bortňanského, ktorého Koncertná symfónia, 1790, bola napísaná pre komorný súbor) Mich. Yu. Vielgorsky (jeho 2. C. vystúpil v roku 1825) a A. A. Alyabiev (jeho jednodielna C. e-moll, 1830 a nedatovaná 3-dielna C. Es-dur typu suita so 4 koncertnými rohmi zachovalé), neskôr A. G. Rubinshtein (6. S., 1850-86, vrátane 2. - "Oceán", 1854, 4. - "Dramatický", 1874). M. I. Glinka, autor nedokončenej predohry S. v spodnej časti rus. námety (1834, dokončil 1937 V. Ya. Shebalin), rozhodujúci vplyv na formovanie štyl. prekliata ruština. S. so všetkými svojimi symfóniami. kreativita, v ktorej prevládajú skladby iných žánrov. V S. Rus. autori vyslovovali nat. charakter, sú zachytené obrázky ľudí. životná, historická udalosti odrážajú motívy poézie. Spomedzi skladateľov Mocnej hŕstky N. A. Rimskij-Korsakov (3. s., 1865-74) ako prvý napísal S. Tvorca ruštiny epický A. P. Borodin (2 S., 1867-76; nedokončený 3., 1887, čiastočne spamäti zaznamenaný A. K. Glazunovom) sa objavil v S. Vo svojej práci, najmä v "Bogatyrskaya" (2.) S., Borodin stelesnil obrazy gigantickej dosky. silu. Medzi najvyššie výdobytky svetovej symfónie - produkcia. P. I. Čajkovskij (6 S., 1800-93, a program S. „Manfred“, podľa J. Byrona, 1885). 4., 5. a najmä 6. („Patetický“, s pomalým finále) S., lyricko-dramatického charakteru, dosahujú tragickú silu vo vyjadrení životných kolízií; sú hlboko psychologické. prenikavo sprostredkujú bohatú škálu ľudských skúseností. Epická línia. С. , 2 C. napísal M. A. Balakirev (1898, 1908), 3 C - R. M. Glier (1900-11, 3. - "Ilya Muromets"). Úprimné texty vás priťahujú k symfóniám. S. Kalinnikova (2 S., 1895, 1897), hlboká koncentrácia myslenia - S. c-moll S. I. Taneeva (1., vlastne 4. 1898), dráma. pátos - symfónie S. V. Rachmaninova (3. stor., 1895, 1907, 1936) a A. N. Skrjabina, tvorcu 6-dielnej 1. (1900), 5-dielnej 2. (1902) a 3-dielnej 3. („Božská báseň “, 1904), ktorý sa vyznačuje osobitnou dramaturgiou. integrita a sila prejavu.

S. zaujíma u sov dôležité miesto. hudba. V práci sov. skladateľom sa dostalo obzvlášť bohatého a živého rozvoja vysokých tradícií klasiky. symfónia. S. oslovujú sovy. skladatelia všetkých generácií, počnúc staršími majstrami - N. Ya. Myaskovsky, tvorca 27 S. (1908-50, vrátane 19. - pre dychový orchester, 1939), a S. S. Prokofiev, autor 7 S. (1917 - 1952) a končiac talentovanými mladými skladateľmi. Vedúca osobnosť v oblasti sov. S. - D. D. Šostakovič. V jeho 15 S. (1925-71) sa odhaľujú hĺbky ľudského vedomia a stabilita mravov. sily (5. - 1937, 8. - 1943, 15. - 1971), vzrušujúce témy moderny (7. - tzv. Leningradskaja, 1941) a histórie (11. - "1905", 1957; 12. - "1917", 1961), vysoký humanistický. ideály sú v kontraste s pochmúrnymi obrazmi násilia a zla (5-dielna 13. časť, na texty E. A. Jevtušenka, pre bas, zbor a orchester, 1962). Rozvíjanie tradície a moderné typy štruktúry S., skladateľ popri voľne interpretovanom sonátovom cykle (pre rad jeho S. je charakteristická postupnosť: pomaly - rýchlo - pomaly - rýchlo), využíva iné štruktúry (napr. v 11. - "1905"), priťahuje ľudský hlas (sólisti, zbor). V 11-dielnej 14. S. (1969), kde sa na širokom spoločenskom pozadí odhaľuje téma života a smrti, sú sólované dva spevácke hlasy podporené sláčikmi. a fúkať. nástrojov.

Zástupcovia mnohých ľudí produktívne pracujú v regióne S. nat. sovy vetvy. hudba. Sú medzi nimi významní majstri sov. hudba, ako napríklad A. I. Chačaturjan – najväčšie rameno. symfonik, autor pestrej a temperamentnej S. (1. - 1935, 2. - "S. so zvonom", 1943, 3. - S.-báseň, s organom a 15 prídavnými píšťalami, 1947); v Azerbajdžane - K. Karaev (vyznačuje sa jeho 3. S., 1965), v Lotyšsku - Y. Ivanov (15. S., 1933-72) atď. Pozri sovietsku hudbu.

Literatúra: Glebov Igor (Asafiev B.V.), Stavba modernej symfónie, „Súčasná hudba“, 1925, č. 8; Asafiev B.V., Symfónia, v knihe: Eseje o sovietskej hudobnej tvorivosti, zväzok 1, M.-L., 1947; 55 Sovietskych symfónií, L., 1961; Popová T., Symfónia, M.-L., 1951; Yarustovsky B., Symfónie o vojne a mieri, M., 1966; Sovietska symfónia 50 rokov, (komp.), otv. vyd. G. G. Tigranov L., 1967; Konen V., Divadlo a symfónia ..., M., 1968, 1975; Tigranov G., O národnej a medzinárodnej v sovietskej symfónii, v knihe: Hudba v socialistickej spoločnosti, roč. 1, L., 1969; Rytsarev S., Symfónia vo Francúzsku pred Berliozom, M., 1977. Brenet M., Histoire de la symphonie a orchester depuis se origines jusqu "a Beethoven, P., 1882; Weingartner F., Die Symphonie nach Beethoven, V. 18 . Lpz., 1926; jeho vlastné, Ratschläge fur Auffuhrungen klassischer Symphonien, Bd 1-3, Lpz., 1906-23, "Bd 1, 1958 (ruský preklad - Weingartner P., Predvedenie klasických symfónií, Rada dirigentom 1, M., 1965); Goldschmidt H., Zur Geschichte der Arien- und Symphonie-Formen, "Monatshefte für Musikgeschichte", 1901, Jahrg. 33, č. 4-5, Heuss A., Die venetianischen Opern-Sinfonien, "SIMG", 1902/03, Bd 4; Torrefranca F., Le origini della synfonia, "RMI", 1913, v. 20, str. 291-346, 1914, v. 21, str. 97-121, 278-312, 1915, v 22, s. 431-446 Bekker P., Die Sinfonie von Beethoven bis Mahler, V., (1918) (ruský preklad - Becker P., Symfónia od Beethovena k Mahlerovi, ed. a úvodné články I. Glebova, L., 1926); Nef K., Geschichte der Sinfonie und Suite, Lpz., 1921, 1945, Sondheimer R., Die formale Entwicklung der vorklassischen Sinfonie, "AfMw", 1922, Jahrg. 3 , Jahrg. 8, č. 4; jeho, Die Durchführungsfrage in der vorneuklassischen Sinfonie, "ZfMw", 1926/27, Jahrg 9, S. 90-94; Mahling Fr., Die deutsche vorklassische Sinfonie, B., (1940), Walin S., Beiträge zur Geschichte der schwedischen Sinfonik, Stockh., (1941), Carse A., Symfónie XVIII storočia, L., 1951; Borrel E., La symphonie, P., (1954), Brook B. S., La symphonie française dans la seconde moitié du XVIII sícle, v. 1-3, P., 1962; Kloiber R., Handbuch der klassischen und romantischen Symphonie, Wiesbaden, 1964.

B. S. Steinpress

Longread" Symfonická hudba» v službe Tilda

http://projektu134743. tilda. ws/ stránku621898.html

Symfonická hudba

Hudobné diela určené na uvedenie symfonického orchestra.

Dychovka: trúbka, tuba, trombón, Voltorna.

Drevené dychy: hoboj, klarinet, flauta, fagot.

Struny: husle, viola, violončelo, kontrabas

Bicie: veľký bubon, malý bubon, tamtam, tympány, Celesta, tamburína, činely, kastanety, maracas, gong, trojuholník, zvonkohra, xylofón

Ďalšie nástroje symfonického orchestra: Organ, Celesta, čembalo, harfa, gitara, klavír (klavír, klavír).

Charakteristiky zafarbenia nástrojov

Husle: jemné, ľahké, jasné, melodické, jasné, teplé

Viola: Matná, jemná

Violončelo: Bohaté, husté

Kontrabas: Hluchý, drsný, ponurý, hustý

Flauta: pískanie, studená

Hoboj: Nosový, nosový

Klarinet: matný, nosový

Fagot: Vyžmýkaný, hustý

Trúbka: lesklá, svetlá, svetlá, kovová

Roh: zaoblený, mäkký

Trombón: kovový, ostrý, silný.

Tuba: Tvrdá, hustá, ťažká

Hlavné žánre symfonická hudba:

Symfónia, suita, predohra, symfonická báseň

symfónia

- (z gréčtiny. symfónia - súhlas, dohoda)
popredný žáner orchestrálnej hudby, komplexné bohato rozvinuté viacdielne dielo.

Vlastnosti symfónie

Toto je hlavný hudobný žáner.
— Čas prehrávania: od 30 minút do hodiny.

Hlavnou postavou a účinkujúcim je symfonický orchester

Štruktúra symfónie (klasická forma)

Skladá sa zo 4 častí, ktoré stelesňujú rôzne stranyľudský život

1 diel

Najrýchlejšie a najdramatickejšie, niekedy mu predchádza pomalý úvod. Písané sonátovou formou, rýchlym tempom (allegro).

časť 2

Pokojný, premýšľavý, oddaný pokojným obrazom prírody, lyrickým zážitkom; smútočnej alebo tragickej nálady.
Znie spomalene, písané formou ronda, menej často formou sonáty resp variačná forma.

časť 3

Tu je hra, zábava, obrázky ľudový život. Ide o scherzo alebo menuet v trojdielnej forme.

časť 4

Rýchle finále. V dôsledku všetkých častí sa vyznačuje víťazným, slávnostným, slávnostným charakterom. Píše sa v sonátovej forme alebo v podobe ronda, rondo-sonáty.

Existujú však symfónie s menej (alebo viacerými) časťami. Nechýbajú ani jednovetové symfónie.

Symfónia v tvorbe zahraničných skladateľov

• • Franz Jozef Haydn (1732 - 1809)

108 symfónií

Symfónia č. 103 „Timpani Tremolo“

Jeho meno " s tremolovými tympánmi„Symfónia dostala vďaka prvému taktu, v ktorom tympany hrajú tremolo (tal. tremolo – chvenie), pripomínajúce vzdialené hromy,
na tónickom zvuku E-flat. Takto začína pomalý unisono úvod (Adagio) k prvej časti, ktorá má hlboko koncentrovaný charakter.

• • Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791)

56 symfónií

Symfónia č. 40

Jedna z najslávnejších posledných Mozartových symfónií. Veľkú obľubu si symfónia získala pre svoju neobyčajne úprimnú hudbu, zrozumiteľnú pre najširšie spektrum poslucháčov.
Prvá časť symfónie nemá úvod, ale hneď začína predstavením témy hlavnej časti alegra. Táto téma má agitovaný charakter; vyniká však melodickosťou a úprimnosťou.

• • Ludwig van Beethoven (1770—1827)

9 symfónií

Symfónia č. 5

Symfónia udivuje lakonickou prezentáciou, stručnosťou foriem, snahou o rozvoj, akoby sa rodila v jedinom tvorivom impulze.
„Takto nám osud klope na dvere,“ povedal Beethoven.
o otváracích priečkach tohto dielu. Jasná expresívna hudba hlavného motívu symfónie umožňuje interpretovať ju ako obraz zápasu človeka s ranami osudu. Štyri časti symfónie sú prezentované ako etapy tohto zápasu.

• • Franz Schubert(1797—1828)

9 symfónií

Symfónia č. 8 „Nedokončená“

Jedna z najpoetickejších stránok v pokladnici svetovej symfónie, odvážne nové slovo v tomto najkomplexnejšom hudobnom žánri, ktoré otvorilo cestu romantizmu. Ide o prvú lyricko-psychologickú drámu v symfonický žáner.
Nemá 4 časti, ako symfónie klasických skladateľov, ale iba dve. Dve časti tejto symfónie však zanechávajú dojem úžasnej celistvosti, vyčerpanosti.

Symfónia v tvorbe ruských skladateľov

• • Sergej Sergejevič Prokofiev (1891— 1953)

7 symfónií

Symfónia č. 1 „Klasická“

Nazýva sa to „klasické“, pretože. zachováva si prísnosť a logiku klasickej formy 18. storočia a zároveň sa vyznačuje moderným hudobným jazykom.
Hudba je plná ostrých a „pichľavých“ tém, rýchlych pasáží.Využitie čŕt tanečných žánrov (polonéza, menuet, gavota, cval). Nie náhodou vznikli choreografické kompozície na hudbu symfónie.

• • Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič(1906—1975)

15 symfónií

Symfónia č. 7 "Leningradská"

V roku 1941 Symfóniou č. 7 skladateľ reagoval na hrozné udalosti druhej svetovej vojny, venovanej blokáde Leningradu (Leningradská symfónia)
„Siedma symfónia je báseň o našom boji, o našom nadchádzajúcom víťazstve,“ napísal Šostakovič. Symfónia získala celosvetové uznanie ako symbol boja proti fašizmu.
Suchá trhavá melódia hlavnej témy, neprestajné bubnovanie vytvárajú pocit bdelosti, úzkostného očakávania.

• • Vasilij Sergejevič Kalinnikov (1866-1900)

2 symfónie

Symfónia č. 1

Kalinnikov začal písať svoju prvú symfóniu v marci 1894 a dokončil ju presne o rok neskôr, v marci 1895.
Symfónia najzreteľnejšie stelesňovala črty skladateľovho talentu – duchovnú otvorenosť, bezprostrednosť, bohatstvo lyrických citov. Vo svojej symfónii skladateľ spieva o kráse a vznešenosti prírody, ruskom živote, zosobňujúc obraz Ruska, ruskú dušu, prostredníctvom ruskej hudby.

• • Peter Iľjič Čajkovskij (1840—1893)

7 symfónií

Symfónia č. 5

Úvod symfónie je pohrebným pochodom. „Úplný obdiv k osudu... k nevyspytateľnému osudu,“ píše vo svojich návrhoch Čajkovskij.
Skladateľ tak zložitým spôsobom prekonávania a vnútorného zápasu prichádza k víťazstvu nad sebou samým, nad svojimi pochybnosťami, duchovným nesúladom a zmätenosťou citov.
Nositeľom hlavnej myšlienky je stlačená, rytmicky elastická téma s nemennou príťažlivosťou k pôvodnému zvuku, ktorá prechádza všetkými časťami cyklu.

"Účelom hudby je dotknúť sa sŕdc"
(Johann Sebastian Bach).

"Hudba by mala vystreliť oheň zo sŕdc ľudí"
(Ludwig van Beethoven).

"Hudba, aj v tých najstrašnejších dramatických situáciách, musí vždy uchvátiť ucho, vždy zostať hudbou."
(Wolfgang Amadeus Mozart).

„Hudobného materiálu, teda melódie, harmónie a rytmu, je určite nevyčerpateľné množstvo.
Hudba je pokladnica, do ktorej každá národnosť prispieva svojím vlastným, pre spoločné dobro.
(Peter Iľjič Čajkovskij).

Milujte a študujte veľké hudobné umenie. Otvorí vám celý svet vysokých citov, vášní, myšlienok. Urobí vás to duchovne bohatšími. Vďaka hudbe nájdete nové sily, ktoré ste doteraz nepoznali. Uvidíš život v nových farbách a farbách"
(Dmitrij Dmitrijevič Šostakovič).

Tannhauser: Otváram novú sekciu o hudobných formách a žánroch.A prvá strana sa právom otvára "SYMFÓNIOU" ... do textu pridám portréty veľkých skladateľov a iné obrázky.Nepridal som všetko ja slávnych mien symfonikov. Predstavujeme vám však „nových“ zabudnuté mená Príspevok nebudem zahlcovať audio a video klipmi ... Môžete si ich bez obáv nájsť sami ... A v mojom Denníku vrátane. Uvidíme sa v tejto sekcii.

symfónia(z gréckeho "súzvuk") - dielo pre orchester, pozostávajúce z niekoľkých častí. Symfónia je najhudobnejšou formou medzi koncertnou orchestrálnou hudbou.

klasická budova

Vzhľadom na relatívnu podobnosť štruktúry so sonátou možno symfóniu nazvať veľkou sonátou pre orchester. Sonáta a symfónia, ako aj koncert, trio, kvarteto atď., patria do „sonátovo-symfonického cyklu“ – cyklickej hudobnej formy diela, v ktorej je zvykom uvádzať aspoň jednu z častí (zvyčajne prvý) v sonátovej forme. Sonátovo-symfonický cyklus je najväčšou cyklickou formou spomedzi čisto inštrumentálnych foriem.

Ako v sonáte, klasickej symfónie sú štyri časti:
- prvá časť v rýchlom tempe je napísaná sonátovou formou;
- druhá časť v spomalenom zábere je písaná formou ronda, menej často formou sonáty alebo variačnej formy;
- tretia časť, scherzo alebo menuet v trojdielnej forme;
- štvrtá časť, v rýchlom tempe, v sonátovej forme alebo vo forme ronda, rondo-sonáty.
Ak je prvá časť napísaná v miernom tempe, potom po nej môže, naopak, nasledovať rýchla druhá časť a pomalá tretia časť (napríklad Beethovenova 9. symfónia).

Vzhľadom na to, že symfónia je navrhnutá pre veľké sily orchestra, každá časť v nej je napísaná širším a detailnejším spôsobom ako napríklad v bežnej klavírnej sonáte, keďže bohatstvo výrazových prostriedkov symfonického orchestra poskytuje pre detailnú prezentáciu hudobného myslenia.

História symfónie

Termín symfónia sa používal v r Staroveké Grécko, v stredoveku a renesancii hlavne na opis rôznych nástrojov, najmä tých, ktoré sú schopné produkovať viac ako jeden zvuk súčasne. Takže v Nemecku až do polovice 18. storočia bola symfónia všeobecným pojmom pre odrody čembala - spinety a virginely, vo Francúzsku sa to nazývalo sudové organy, čembalá, dvojhlavé bubny atď.

Slovo symfónia pre „znieť spolu“ hudobných diel sa začali objavovať v názvoch niektorých barokových diel 16. a 17. storočia s takými skladateľmi ako Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 a Symphoniae sacrae 1615), Adriano Bankieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie da Viadana musicali, 1610) a Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Za prototyp symfónie možno považovať taliansku predohru, ktorá vznikla pod vedením Domenica Scarlattiho na konci 17. storočia. Táto forma sa už vtedy nazývala symfónia a skladala sa z troch kontrastných častí: allegro, andante a allegro, ktoré splývali do jednej. Práve táto forma sa často považuje za priameho predchodcu orchestrálna symfónia. Výrazy „predohra“ a „symfónia“ sa počas veľkej časti 18. storočia používali zameniteľne.

Ďalšími významnými predchodcami symfónie boli orchestrálna suita, ktorá pozostávala z niekoľkých častí v najjednoduchších formách a väčšinou v rovnakej tónine, a ripieno concerto (ripieno concerto) – forma pripomínajúca koncert pre sláčiky a continuo, ale bez sóla. nástrojov. V tejto podobe vznikli diela Giuseppe Torelliho a Antonia Vivaldiho, azda najznámejším ripieno koncertom je „Brandenburský koncert č. 3“ Johanna Sebastiana Bacha.

Joseph Haydn je považovaný za zakladateľa klasického symfonického modelu. V klasickej symfónii majú rovnakú tóninu iba prvá a posledná časť a stredné sú napísané v tóninách súvisiacich s hlavnou, ktorá určuje tóninu celej symfónie. Významnými predstaviteľmi klasickej symfónie sú Wolfgang Amadeus Mozart a Ludwig van Beethoven. Beethoven dramaticky rozšíril symfóniu. Jeho Symfónia č. 3 ("Heroic"), ktorá má rozsah a emocionálny rozsah, ktorý prevyšuje všetky predchádzajúce diela, je jeho Symfónia č. 5 snáď najslávnejšou symfóniou, aká bola kedy napísaná. Jeho 9. symfónia sa stáva jednou z prvých „zborových symfónií“ so zaradením partov pre sólistov a zbor v poslednej časti.

Romantická symfónia sa stala spojením klasickej formy s romantickým výrazom. Rozvíja sa aj trend programovania. Objavujú sa leitmotívy. Hlavným poznávacím znakom romantizmu bol rast formy, zloženie orchestra a hustota zvuku. K najvýznamnejším autorom symfónií tejto doby patria Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Čajkovskij, A. Bruckner a Gustav Mahler.

Od druhej polovice 19. storočia a najmä v 20. storočí došlo k ďalšej transformácii symfónie. Štvorvetová štruktúra sa stala voliteľnou: symfónie môžu obsahovať jednu (7. symfónia Jana Sibelia) až jedenásť (14. symfónia D. Šostakoviča) alebo viac častí. Mnohí skladatelia experimentovali s veľkosťou symfónií, a tak Gustav Mahler vytvoril svoju 8. symfóniu s názvom „Symfónia tisícky účastníkov“ (kvôli sile orchestra a zborov potrebnej na jej prevedenie). Použitie sonátovej formy sa stáva voliteľným.
Po 9. symfónii L. Beethovena začali skladatelia častejšie vnášať do symfónií vokálne party. Rozsah a obsah však zostávajú konštantné. hudobný materiál.

Joseph Haydn - 108 symfónií

Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) symfónií

Ludwig van Beethoven - 9 symfónií

Franz Schubert - 9 symfónií

Robert Schumann - 4 symfónie

(z gréckeho "súzvuk") - dielo pre orchester, pozostávajúce z niekoľkých častí. Symfónia je najhudobnejšou formou medzi koncertnou orchestrálnou hudbou.

klasická budova

Vzhľadom na relatívnu podobnosť štruktúry so sonátou možno symfóniu nazvať veľkou sonátou pre orchester. Sonáta a symfónia, ako aj trio, kvarteto atď., patria do „sonátovo-symfonického cyklu“ – cyklickej hudobnej formy diela, v ktorej je zvykom uvádzať aspoň jednu z častí (zvyčajne prvú) v sonátovú formu. Sonátovo-symfonický cyklus je najväčšou cyklickou formou spomedzi čisto inštrumentálnych foriem.

Rovnako ako sonáta, aj klasická symfónia má štyri časti:
- prvá časť v rýchlom tempe je napísaná sonátovou formou;
- druhá časť v spomalenom zábere je písaná formou ronda, menej často formou sonáty alebo variačnej formy;
- tretia časť, scherzo alebo menuet v trojdielnej forme;
- štvrtá časť, v rýchlom tempe, v sonátovej forme alebo vo forme ronda, rondo-sonáty.
Ak je prvá časť napísaná v miernom tempe, potom po nej môže, naopak, nasledovať rýchla druhá časť a pomalá tretia časť (napríklad Beethovenova 9. symfónia).

Vzhľadom na to, že symfónia je navrhnutá pre veľké sily orchestra, každá časť v nej je napísaná širším a detailnejším spôsobom ako napríklad v bežnej klavírnej sonáte, keďže bohatstvo výrazových prostriedkov symfonického orchestra poskytuje pre detailnú prezentáciu hudobného myslenia.

História symfónie

Termín symfónia sa používal v starovekom Grécku, počas stredoveku a vo všeobecnosti na označenie rôznych nástrojov, najmä tých, ktoré sú schopné produkovať viac ako jeden zvuk súčasne. Takže v Nemecku až do polovice 18. storočia bola symfónia všeobecným pojmom pre odrody čembala - spinety a virginely, vo Francúzsku sa to nazývalo sudové organy, čembalá, dvojhlavé bubny atď.

Slovo symfónia pre „spolu znejúce“ hudobné diela sa začalo objavovať v názvoch niektorých diel 16. a 17. storočia, takí skladatelia ako Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597, a Symphoniae sacrae 1615), Adriano Banchieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) a Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Za prototyp symfónie možno považovať tú, ktorá vznikla za Domenica Scarlattiho na konci 17. storočia. Táto forma sa už vtedy nazývala symfónia a skladala sa z troch kontrastných častí: allegro, andante a allegro, ktoré splývali do jednej. Práve táto forma je často považovaná za priamu predzvesť orchestrálnej symfónie. Výrazy „predohra“ a „symfónia“ sa počas veľkej časti 18. storočia používali zameniteľne.

Ďalšími významnými predchodcami symfónie boli orchestrálna suita, ktorá pozostávala z niekoľkých častí v najjednoduchších formách a väčšinou v rovnakej tónine, a ripieno concerto (ripieno concerto) – forma pripomínajúca koncert pre sláčiky a continuo, ale bez sóla. nástrojov. V tejto podobe vznikli diela Giuseppe Torelliho a azda najznámejším ripieno koncertom je Brandenburský koncert č.3 Johanna Sebastiana Bacha.

Za zakladateľa klasického modelu symfónie sa považuje. V klasickej symfónii majú rovnakú tóninu iba prvá a posledná časť a stredné sú napísané v tóninách súvisiacich s hlavnou, ktorá určuje tóninu celej symfónie. Významnými predstaviteľmi klasickej symfónie sú Wolfgang Amadeus Mozart a Ludwig van Beethoven. Beethoven dramaticky rozšíril symfóniu. Jeho Symfónia č. 3 ("Heroic"), ktorá má rozsah a emocionálny rozsah, ktorý prevyšuje všetky predchádzajúce diela, je jeho Symfónia č. 5 snáď najslávnejšou symfóniou, aká bola kedy napísaná. Jeho 9. symfónia sa stáva jednou z prvých „zborových symfónií“ so zaradením partov pre sólistov a zbor v poslednej časti.

Romantická symfónia sa stala spojením klasickej formy s romantickým výrazom. Rozvíja sa aj trend programovania. Objavte sa. Hlavným poznávacím znakom romantizmu bol rast formy, zloženie orchestra a hustota zvuku. K najvýznamnejším autorom symfónií tejto doby patria Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Čajkovskij, A. Bruckner a Gustav Mahler.

Od druhej polovice 19. storočia a najmä v 20. storočí došlo k ďalšej transformácii symfónie. Štvorvetová štruktúra sa stala voliteľnou: symfónie môžu obsahovať jeden (7. symfónia) až jedenásť (14. symfónia D. Šostakoviča) alebo viac častí. Mnohí skladatelia experimentovali s veľkosťou symfónií, a tak Gustav Mahler vytvoril svoju 8. symfóniu s názvom „Symfónia tisícky účastníkov“ (kvôli sile orchestra a zborov potrebnej na jej prevedenie). Použitie sonátovej formy sa stáva voliteľným.
Po 9. symfónii L. Beethovena začali skladatelia častejšie vnášať do symfónií vokálne party. Rozsah a obsah hudobného materiálu však zostáva konštantný.

Zoznam významných autorov symfónie
Joseph Haydn - 108 symfónií
Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) symfónií
Ludwig van Beethoven - 9 symfónií
Franz Schubert - 9 symfónií
Robert Schumann - 4 symfónie
Felix Mendelssohn - 5 symfónií
Hector Berlioz - niekoľko programových symfónií
Antonín Dvořák - 9 symfónií
Johannes Brahms - 4 symfónie
Piotr Čajkovskij - 6 symfónií (tiež "Manfred" symfónia)
Anton Bruckner – 10 symfónií
Gustav Mahler - 10 symfónií
- 7 symfónií
Sergej Rachmaninov - 3 symfónie
Igor Stravinskij - 5 symfónií
Sergej Prokofiev - 7 symfónií
Dmitrij Šostakovič - 15 symfónií (aj niekoľko komorných)
Alfred Schnittke - 9 symfónií

Medzi početnými hudobnými žánrami a formami patrí jedno z najčestnejších miest symfónii. Vznikol ako zábavný žáner od začiatku 19. storočia až po súčasnosť, je najcitlivejší a najkompletnejší, ako žiadny iný druh. hudobné umenie, odráža svoju dobu. Symfónie Beethovena a Berlioza, Schuberta a Brahmsa, Mahlera a Čajkovského, Prokofieva a Šostakoviča sú rozsiahlymi úvahami o dobe a osobnosti, o dejinách ľudstva a spôsoboch sveta.

Symfonický cyklus ako ho poznáme z mnohých klasických a moderné dizajny, vznikla približne pred dvestopäťdesiatimi rokmi. Počas tohto historicky krátkeho obdobia však symfonický žáner prešiel dlhú cestu. Dĺžka a význam tejto cesty bola určená práve skutočnosťou, že symfónia absorbovala všetky problémy svojej doby, dokázala odrážať komplexné, rozporuplné, plné kolosálnych prevratov doby, stelesňovala pocity, utrpenie, zápasy. ľudí. Stačí si predstaviť život spoločnosti polovice osemnásteho storočia – a spomeňte si na Haydnove symfónie; veľké prevraty koniec XVIII- začiatok 19. storočia - a Beethovenove symfónie, ktoré ich odzrkadľovali; reakcia v spoločnosti, sklamanie - a romantické symfónie; konečne všetky hrôzy, ktoré muselo ľudstvo prežiť v 20. storočí - a porovnať Beethovenove symfónie so Šostakovičovými, aby bolo jasne vidieť túto rozsiahlu, niekedy tragickú cestu. Teraz si už málokto pamätá, aké boli začiatky, aké boli počiatky tohto najkomplexnejšieho z čisto hudobných žánrov nesúvisiacich s inými umeniami.

Poďme sa v rýchlosti pozrieť na hudobnú Európu polovice 18. storočia.

V Taliansku, klasickej krajine umenia, ktorá udáva trendy európske krajiny, opere kraľuje. Dominuje takzvaná opera seria („vážna“). Nie sú v ňom žiadne jasné jednotlivé obrazy, nie je tam žiadna skutočná dramatická akcia. Operná séria je striedaním rôznych duševných stavov stelesnených v podmienených postavách. Jeho najdôležitejšou časťou je ária, v ktorej sa tieto stavy prenášajú. Sú to árie hnevu a pomsty, árie-sťažnosti (lamento), žalostné pomalé árie a radostné bravúrne. Tieto árie boli natoľko zovšeobecnené, že sa dali preniesť z jednej opery do druhej bez toho, aby došlo k poškodeniu predstavenia. V skutočnosti to skladatelia často robili, najmä keď museli napísať niekoľko opier za sezónu.

Melódia sa stala prvkom opernej série. Slávne umenie talianskeho belcanta je tu na najvyššej úrovni. V áriách dosiahli skladatelia skutočné vrcholy stelesnenia konkrétneho štátu. Láska i nenávisť, radosť i zúfalstvo, hnev i smútok boli hudbou prenesené tak živo a presvedčivo, že nebolo potrebné počuť text, aby ste pochopili, o čom spevák spieva. Tým sa v podstate konečne pripravila pôda pre hudbu bez textu, ktorá zosobňuje ľudské city a vášne.

Z medzihier – vkladných scén medzi dejstvom opernej série a jej obsahom nesúvisiacim – vznikla jej veselá sestra, komická buff opera. Obsahovo demokratický (jeho aktéri neboli mytologických hrdinov, králi a rytieri, ale obyčajní ľudia z ľudu), sa zámerne postavila proti dvornému umeniu. Operný nadšenec sa vyznačoval prirodzenosťou, živosťou akcie, bezprostrednosťou hudobný jazyk, často priamo súvisiaci s folklórom. Obsahoval vokálne jazykolamy, komickú parodickú koloratúru, živé a ľahké tanečné melódie. Finále dejstiev sa odvíjali ako súbory, v ktorých herci spievali niekedy aj naraz. Niekedy sa takémuto finále hovorilo „zamotanie“ alebo „zmätok“, akcia sa do nich prevalila tak rýchlo a intrigy sa ukázali ako mätúce.

V Taliansku sa rozvíjala aj inštrumentálna hudba a predovšetkým žáner, ktorý je s operou najužšie spojený – predohra. Ako orchestrálny úvod k opernému predstaveniu si z opery požičal svetlé, výrazné hudobné témy, podobné melódiám árií.

Vtedajšia talianska ouvertúra pozostávala z troch častí – rýchlej (Allegro), pomalej (Adagio alebo Andante) a opäť rýchlej, najčastejšie Menuet. Nazvali to sinfonia – v preklade z gréčtiny – súzvuk. Postupom času sa predohry začali hrať nielen v divadle pred otvorením opony, ale aj samostatne, ako samostatné orchestrálne skladby.

Na konci XVII. začiatkom XVIII storočia sa v Taliansku objavila brilantná plejáda virtuóznych huslistov, ktorí boli zároveň nadanými skladateľmi. Vivaldi, Yomelli, Locatelli, Tartini, Corelli a ďalší, ktorí dokonale ovládali hru na husliach - hudobný nástroj, ktorý sa svojou expresivitou dá prirovnať k ľudskému hlasu, vytvoril rozsiahly husľový repertoár, najmä zo skladieb nazývaných sonáty (z tal. sonare - znieť). V nich, podobne ako v klavírnych sonátach Domenica Scarlattiho, Benedetta Marcella a iných skladateľov, sa vyvinuli niektoré spoločné štruktúrne znaky, ktoré potom prešli do symfónie.

Formované inak hudobný život Francúzsko. Hudbu spojenú so slovom a činom tam už dlho milujú. vysoký rozvoj získal baletné umenie; pestoval zvláštny druh opery - lyrická tragédia, podobne ako tragédie Corneille a Racine, ktoré mali odtlačok špecifického života kráľovského dvora, jeho etikety, jeho slávností.

Francúzski skladatelia pri tvorbe inštrumentálnych hier priťahovali dej, program, verbálnu definíciu hudby. „Flying Cap“, „Reapers“, „Tamburína“ – takto sa nazývali kusy čembala, ktoré boli buď žánrovými skicami, resp. hudobné portréty- „Pôvabná“, „Jemná“, „Usilovná“, „Koketná“.

Väčšie diela, pozostávajúce z niekoľkých častí, odvíjali svoj pôvod od tanca. Prísna nemecká allemande, mobilná, akoby kĺzavá francúzska zvonkohra, majestátna španielska sarabanda a svižný jig - ohnivý tanec anglických námorníkov - sú v Európe už dlho známe. Boli základom žánru inštrumentálnej suity (z francúzskeho suita – sekvencia). Do suity boli často zahrnuté ďalšie tance: menuet, gavota, polonéza. Pred allemandou mohla zaznieť úvodná predohra, v strede suity meraný tanečný pohyb občas prerušila voľná ária. No chrbtová kosť suity – štyri rôznorodé tance rôznych národov – bola určite prítomná v rovnakom slede, načrtla štyri rôzne nálady, vedúce poslucháča od pokojného pohybu úvodu až k vzrušujúcemu prudkému finále.

Suity napísali mnohí skladatelia, a to nielen vo Francúzsku. Významnú poctu im vzdal veľký Johann Sebastian Bach, ktorého menom, ako aj s Nemcom hudobná kultúra v tej dobe vo všeobecnosti spájal mnoho hudobných žánrov.

V krajinách nemecký jazyk, teda v početných nemeckých kráľovstvách, kniežatstvách a episkopátoch (pruské, bavorské, saské atď.), ako aj v rôznych oblastiach mnohonárodnostného rakúskeho cisárstva, kam vtedy patril aj „ľud muzikantov“ – Česko zotročené Habsburgovci - inštrumentálna hudba sa pestovala oddávna . V každom malom meste, mestečku či dokonca dedine boli huslisti a violončelisti, po večeroch zneli sólo i súborové skladby hrané s nadšením ochotníkov. Hudobnými strediskami sa zvyčajne stávali kostoly a k nim pridružené školy. Učiteľ bol spravidla aj kostolným organistom, ktorý na sviatky predvádzal hudobné fantázie, ako najlepšie vedel. Vo veľkých nemeckých protestantských centrách ako Hamburg alebo Lipsko sa formovali aj nové formy hudby: organové koncerty v katedrálach. Na týchto koncertoch odzneli predohry, fantasy, variácie, zborové úpravy a hlavne fúgy.

Fuga je najviac komplexný pohľad viachlasná hudba, ktorá dosiahla svoj vrchol v tvorbe I.S. Bach a Händel. Jeho názov pochádza z latinského fuga – beh. Je to polyfónne dielo založené na jedinej téme, ktoré sa pohybuje (beží!) od hlasu k hlasu. V tomto prípade sa každá melodická linka nazýva hlas. V závislosti od počtu takýchto riadkov môže byť fúga troj-, štvor-, päťčlenná atď. V strednom úseku fúgy sa po úplnom odznení témy všetkými hlasmi začína rozvíjať: buď jej začiatok sa objaví a opäť zmizne, potom sa rozšíri (každá z nôt, ktoré ho tvoria, bude dvojnásobne dlhšia), potom sa zmenší - tomu sa hovorí téma pribúdanie a téma ubúdanie. Môže sa stať, že v rámci témy sa zostupné melodické pohyby stanú vzostupnými a naopak (téma v obehu). Melodický pohyb sa pohybuje z jednej klávesy na druhú. A v záverečnej časti fúgy – Repríze – zaznie opäť téma nezmenená, ako na začiatku, vracia sa k hlavnému tónu hry.

Pripomeňme si ešte raz: hovoríme o polovici XVIII storočia. V hlbinách aristokratického Francúzska sa schyľuje k výbuchu, ktorý čoskoro zmetie absolútna monarchia. Príde nová doba. Medzitým sa revolučné nálady len implicitne pripravujú, francúzski myslitelia vystupujú proti existujúcemu poriadku. Žiadajú rovnosť všetkých ľudí pred zákonom, hlásajú myšlienky slobody a bratstva.

Umenie odrážajúce posuny verejný život, je citlivý na zmeny politickej atmosféry v Európe. Príkladom toho sú nesmrteľné komédie Beaumarchais. To platí aj pre hudbu. Práve teraz, v zložitom období plnom udalostí kolosálneho historického významu, sa v hlbinách starých, dávno etablovaných hudobných žánrov a foriem rodí nový, skutočne revolučný žáner, symfónia. Stáva sa kvalitatívne, zásadne iným, pretože stelesňuje a nový typ myslenie.

Treba si myslieť, že nie je náhoda, že s predpokladmi v rôznych regiónoch Európy sa žáner symfónie napokon sformoval v krajinách nemeckého jazyka. V Taliansku bola opera národným umením. V Anglicku duch a zmysel toho, čo sa tam stalo historické procesy najplnšie odzrkadľovali oratóriá Georga Handela – rodeného Nemca, ktorý sa stal národným anglickým skladateľom. Vo Francúzsku sa do popredia dostali iné druhy umenia, najmä literatúra a divadlo, konkrétnejšie, priamo a zrozumiteľne vyjadrujúce nové myšlienky, ktoré vzrušovali svet. Diela Voltaira, Rousseauova „Nová Eloise“, Montesquieuove „Perzské listy“ v zastretej, ale celkom zrozumiteľnej forme predkladali čitateľom štipľavú kritiku existujúceho poriadku, ponúkali svoje vlastné verzie štruktúry spoločnosti.

Keď po niekoľkých desaťročiach prišla na rad hudba, pieseň vstúpila do radov revolučných vojsk. Najvýraznejším príkladom je Pieseň Rýnskej armády, ktorú cez noc vytvoril dôstojník Rouger de Lisle a ktorá sa stala svetoznámou pod názvom Marseillaise. Po piesni sa objavila hudba masových slávností a smútočných obradov. A napokon takzvaná „opera spásy“, ktorej obsahom bolo prenasledovanie hrdinu či hrdinky tyranom a ich záchrana vo finále opery.

Symfónia si na druhej strane vyžadovala úplne iné podmienky ako na vznik, tak aj na plné vnímanie. Ukázalo sa, že „ťažisko“ filozofického myslenia, ktoré najplnšie odrážalo hlbokú podstatu spoločenských zmien tej doby, bolo v Nemecku, ďaleko od sociálnych búrok.

Tam vytvorili svoje nové filozofické systémy, najprv Kant a neskôr Hegel. Podobne ako filozofické systémy, aj symfónia – najfilozofickejší, dialekticky procedurálny žáner hudobnej tvorivosti – sa napokon sformovala tam, kam doliehali len vzdialené ozveny prichádzajúcich búrok. Kde sa navyše vyvinuli stabilné tradície inštrumentálnej hudby.

Mannheim, hlavné mesto bavorských voličov Falcka, sa stalo jedným z hlavných centier pre vznik nového žánru. Tu, na geniálnom dvore kurfirsta Karla Theodora, sa v 40. – 50. rokoch 18. storočia uchovával vynikajúci, azda najlepší orchester vtedajšej Európy.

V tom čase sa symfonický orchester len formoval. A v súdnych kaplnkách a v katedrálach orchestrálne skupiny so stabilným zložením neexistovali. Všetko záviselo od prostriedkov, ktorými disponoval panovník alebo richtár, od vkusu tých, ktorí mohli rozkazovať. Orchester hral najskôr len úžitkovú úlohu, sprevádzal buď dvorné vystúpenia alebo slávnosti a slávnostné obrady. A považoval sa predovšetkým za operný alebo cirkevný súbor. Orchester spočiatku zahŕňal violy, lutny, harfy, flauty, hoboje, lesné rohy a bicie. Postupne sa skladba rozširovala, počet sláčikové nástroje. Postupom času husle nahradili starodávnu violu a čoskoro obsadili popredné miesto v orchestri. Drevené dychové nástroje - flauty, hoboje, fagoty - sa zjednotili do samostatnej skupiny a objavili sa medené - píšťaly, trombóny. Povinným nástrojom orchestra bolo čembalo, ktoré tvorí harmonický základ zvuku. Za ním zvyčajne nasledoval vedúci orchestra, ktorý pri hre zároveň dával pokyny k vstupu.

Koncom 17. stor inštrumentálne súbory, ktorý existoval na dvoroch šľachticov, sa rozšíril. Každý z početných drobných kniežat rozdrobeného Nemecka chcel mať svoju kaplnku. Začal sa prudký rozvoj orchestrov, vznikli nové metódy orchestrálnej hry.

Mannheimský orchester obsahoval 30 sláčikových nástrojov, 2 flauty, 2 hoboje, klarinet, 2 fagoty, 2 trúbky, 4 lesné rohy, tympány. Toto je chrbtica moderného orchestra, skladba, pre ktorú vytvorili svoje diela mnohí skladatelia nasledujúcej éry. Orchester viedol vynikajúci český hudobník, skladateľ a virtuózny huslista Jan Václav Stamitz. Medzi umelcov orchestra patrili aj najväčší hudobníci svojej doby, nielen virtuózni inštrumentalisti, ale aj talentovaní skladatelia Franz Xaver Richter, Anton Filz a ďalší. Predurčili vynikajúcu úroveň interpretačného majstrovstva orchestra, ktorý sa preslávil svojimi úžasnými kvalitami - dovtedy nedosiahnuteľnou rovnomernosťou husľových úderov, najjemnejšími gradáciami. dynamické odtiene predtým sa vôbec nepoužíval.

Podľa súčasného kritika Bosslera „presné dodržiavanie klavíra, forte, rinforzando, postupný rast a zosilňovanie zvuku a potom opäť pokles jeho sily až na sotva počuteľný zvuk – to všetko bolo počuť iba v Mannheim.” Anglický milovník hudby, ktorý v polovici 18. storočia podnikol výlet do Európy, Bernie, mu dáva za pravdu: „Tento výnimočný orchester má dostatok priestoru a faziet na to, aby ukázal všetky svoje schopnosti a vytvoril skvelý efekt. Práve tu Stamitz, inšpirovaný dielami Yomelliho, po prvý raz prekročil bežné operné predohry... vyskúšali sa všetky efekty, ktoré môže vyprodukovať taká masa zvukov. Práve tu sa zrodilo crescendo a diminuendo a klavír, ktorý sa predtým používal hlavne ako ozvena a bol zvyčajne jeho synonymom, a forte boli uznané ako hudobné farby, ktoré majú svoje vlastné odtiene ... “

Práve v tomto orchestri po prvý raz zazneli štvorhlasné symfónie – diela, ktoré boli postavené podľa jedného typu a vlastnili všeobecné vzory, ktorá absorbovala mnohé črty už existujúcich hudobných žánrov a foriem a pretavila ich do kvalitatívne odlišného; nová jednota.

Prvé akordy sú rezolútne, plne znejúce, akoby vyzývali na pozornosť. Potom široké, rozsiahle pohyby. Opäť akordy, nahradené arpeggiátovým pohybom, a potom - živá, elastická, ako rozvíjajúca sa pružina, melódia. Zdá sa, že sa môže odvíjať donekonečna, ale odchádza rýchlejšie, ako si to povesť želá: ako hosť predstavený majiteľom domu počas veľkej recepcie, vzďaľuje sa od nich a ustupuje ostatným, ktorí ho nasledujú. Po momente všeobecného pohybu sa objaví Nová téma- jemnejší, ženský, lyrický. Ale neznie dlho, rozplývajúc sa v pasážach. Po nejakom čase tu máme opäť prvú tému, mierne pozmenenú, v novom kľúči. Hudobný prúd rýchlo plynie, vracia sa k pôvodnej, hlavnej tónine symfónie; druhá téma sa organicky spája s týmto prúdom, teraz sa charakterom a náladou približuje prvej. Prvú časť symfónie ukončujú naplno znejúce radostné akordy.

Druhá časť, andante, sa odvíja pomaly, melodicky, odhaľuje výraznosť sláčikových nástrojov. Ide o akúsi áriu pre orchester, v ktorej dominuje lyrika a elegická meditácia.

Tretia časť je elegantný galantný menuet. Vytvára pocit uvoľnenia, uvoľnenia. A potom ako ohnivá smršť praskne zápalné finále. Taká je vo všeobecnosti symfónia tej doby. Jeho pôvod je vysledovaný veľmi jasne. Prvá časť najviac pripomína opernú predohru. Ak je však predohra iba prahom predstavenia, tak tu sa vo zvukoch odvíja samotná akcia. Typicky operné hudobné obrazy predohry – hrdinské fanfáry, dojímavé lamentá, búrlivé veselie bifľošov – sa nespájajú s konkrétnymi javiskovými situáciami a nenesú v sebe charakteristické individuálne črty (pripomeňme, že ani slávna predohra k Rossiniho „Holičovi sevillskému“ nemá nič). do činenia s obsahom opery a vôbec, bola pôvodne napísaná pre inú operu!), odtrhol sa od operného predstavenia a začal samostatný život. V ranej symfónii sú ľahko rozpoznateľné - rezolútne odvážne intonácie hrdinských árií v prvých témach, nazývaných hlavnými, jemné vzdychy lyrických árií v druhých - takzvaných vedľajších - témach.

Operné princípy ovplyvňujú aj textúru symfónie. Ak skôr v inštrumentálnej hudby dominovala polyfónia, teda polyfónia, v ktorej znelo súčasne niekoľko samostatných melódií, prelínajúcich sa, potom sa tu začala rozvíjať polyfónia iného typu: jedna hlavná melódia (najčastejšie husľová), výrazná, výrazná, sprevádzaná sprievodom, ktorý ju udáva. vypnuté, zdôrazňuje jeho individualitu. Tento typ polyfónie, nazývaný homofónny, úplne dominuje ranej symfónii. Neskôr sa v symfónii objavujú techniky prevzaté z fúgy. V polovici 18. storočia by to však mohlo byť skôr v kontraste s fúgou. Spravidla bola jedna téma (existujú dvojité, trojité a viac fúg, v ktorých však témy nie sú protikladné, ale porovnávané). Veľakrát sa opakovala, no nič jej neodporovalo. Bola to v podstate axióma, téza, ktorá bola opakovane presadzovaná bez toho, aby vyžadovala dôkaz. V symfónii je to naopak: vo vzhľade a ďalších zmenách rôznych hudobných tém a obrazov zaznievajú spory a rozpory. Možno je to najvýraznejší znak doby. Pravda už nie je daná. Treba to hľadať, dokázať, podložiť porovnávaním rôznych názorov, objasňovaním rôznych uhlov pohľadu. Toto robia encyklopedisti vo Francúzsku. Nemecká filozofia je postavená na tejto, najmä Hegelovej dialektickej metóde. A samotný duch éry hľadania sa odráža v hudbe.

Takže symfónia si z opernej predohry veľa vzala. Najmä princíp striedania kontrastných úsekov bol načrtnutý v predohre, ktorá v symfónii prechádzala do samostatných častí. V jeho prvej časti – rôzne stránky, iné pocity človeka, život v jeho pohybe, vývoj, zmeny, kontrasty a konflikty. V druhej časti - reflexia, koncentrácia, niekedy - texty. V treťom - relaxácia, zábava. A nakoniec, finále - obrázky zábavy, radosti a zároveň - výsledok hudobného vývoja, dokončenie symfonického cyklu.

Takáto symfónia sa ukáže začiatkom XIX storočia, taký, v najvšeobecnejšom vyjadrení, to bude napríklad u Brahmsa či Brucknera. A v čase svojho narodenia si zrejme mnohé časti požičala zo suity.

Allemande, courante, sarabande a gigue sú štyri povinné tance, štyri rôzne nálady, ktoré možno ľahko vystopovať v raných symfóniách. Tanečnosť sa v nich prejavuje veľmi zreteľne najmä vo finále, ktoré charakterom melódie, tempa, dokonca aj taktu často pripomína jig. Pravda, niekedy má finále symfónie bližšie k iskrivému finále opery-buffa, ale aj tak je jeho príbuznosť s tancom, napríklad tarantellou, nepopierateľná. Čo sa týka tretej časti, volá sa menuet. Len v Beethovenovom diele nahradí scherzo galantného dvorana alebo hrubý obyčajný ľudový tanec.

Novorodená symfónia tak absorbovala črty mnohých hudobných žánrov, navyše žánrov zrodených v rôznych krajinách. A vznik symfónie sa odohrával nielen v Mannheime. Bola tu Viedenská škola, ktorú zastupoval najmä Wagenseil. V Taliansku napísal Giovanni Battista Sammartini orchestrálne diela, ktoré nazval symfónie a určené na koncertné prevedenie, nesúvisiace s operným predstavením. Vo Francúzsku sa mladý skladateľ, rodený Belgičan, François-Joseph Gossec, priklonil k novému žánru. Jeho symfónie sa nestretli s odozvou a uznaním, pretože v r francúzska hudba programovanie dominovalo, ale jeho tvorba zohrala úlohu pri rozvoji francúzskej symfónie, pri obnove a rozšírení symfonického orchestra. Český skladateľ František Míša, ktorý svojho času pôsobil vo Viedni, veľa a úspešne experimentoval pri hľadaní symfonickej formy. Jeho slávny krajan Josef Myslevichka mal zaujímavé experimenty. Všetci títo skladatelia však boli samotári a v Mannheime vznikla celá škola, ktorá navyše disponovala prvotriednym „nástrojom“ – slávnym orchestrom. Vďaka šťastnej príležitosti, že falcký kurfirst bol veľkým milovníkom hudby a mal dostatok finančných prostriedkov, aby si mohol dovoliť obrovské výdavky na ňu, sa v hlavnom meste Falcka zišli skvelí hudobníci z rôznych krajín - Rakúšania a Česi, Taliani a Prusi - z ktorých každý prispel vlastným príspevkom k vytvoreniu nového žánru. V dielach Jana Stamitza, Franza Richtera, Carla Toeschiho, Antona Filza a ďalších majstrov vznikla symfónia v tých svojich hlavných črtách, ktoré potom prešli do tvorivosti. viedenská klasika- Haydn, Mozart, Beethoven.

V priebehu prvého polstoročia existencie nového žánru sa tak vytvoril jasný štrukturálny a dramatický model, schopný pojať rôznorodý a veľmi významný obsah. Základom tohto modelu bola forma, ktorá sa nazývala sonáta alebo sonata allegro, keďže sa najčastejšie písala v tomto tempe a neskôr bola typická ako pre symfóniu, tak aj pre inštrumentálne sonáty a koncerty. Jeho zvláštnosťou je spájanie rôznych, často kontrastných hudobných tém. Tri hlavné časti sonátovej formy – expozícia, vývoj a repríza – pripomínajú začiatok, vývoj deja a rozuzlenie klasickej drámy. Po krátkom úvode alebo priamo na začiatku expozície „postavy“ hry prechádzajú pred poslucháčov.

Prvá hudobná téma, ktorá znie v hlavnej tónine diela, sa nazýva hlavná. Častejšie - hlavná téma, ale správnejšie - hlavná časť, pretože v rámci hlavnej časti, to znamená určitého segmentu hudobnej formy, zjednoteného jednou kľúčovou a obraznou komunitou, časom nie jedna, ale niekoľko rôznych tém - začali sa objavovať melódie. Po hlavnej šarži, v skorých vzorkách priamym porovnaním a v neskorších cez malú spojovaciu šaržu, začína vedľajšia šarža. Jej téma alebo dve alebo tri rôzne témy v kontraste s hlavným. Najčastejšie je bočná časť viac lyrická, mäkká, ženská. Znie v inej, ako hlavnej, vedľajšej (odtiaľ názov strany) tónine. Existuje pocit nestability a niekedy konflikt. Expozícia končí záverečnou časťou, ktorá v raných symfóniách buď absentuje, alebo hrá čisto pomocnú úlohu akejsi pointy, opony po prvom dejstve hry a následne, počnúc Mozartom, nadobúda význam nezávislý tretí obrázok spolu s hlavným a vedľajším.

Stredná časť sonátovej formy je vývoj. Ako vyplýva z názvu, rozvíjajú sa v ňom hudobné témy, s ktorými sa poslucháči zoznámili v expozícii (teda skôr vystavené), podliehajú zmenám a vývoju. Zároveň sú zobrazené z nových, niekedy nečakaných strán, vyčleňujú sa z nich upravené, samostatné motívy - tie najaktívnejšie, ktoré sa neskôr zrážajú. Rozvoj je dramaticky efektívny úsek. Na jej konci prichádza vyvrcholenie, ktoré vedie k repríze – tretiemu úseku formy, akési rozuzlenie drámy.

Názov tejto časti pochádza z francúzskeho slova reprendre – obnoviť. Ide o obnovu, zopakovanie expozície, ale upravenú: obe strany teraz znejú v hlavnej tónine symfónie, akoby udalosti vývoja uviedli do súladu. Niekedy sú v repríze ďalšie zmeny. Dá sa napríklad orezať (bez tém, ktoré odzneli v expozícii), zrkadliť (najprv zaznie vedľajšia časť a až potom hlavná časť). Prvá časť symfónie sa zvyčajne končí codou - záverom, ktorý potvrdzuje hlavný kľúč a hlavný obraz sonáty allegro. V raných symfóniách je coda malá a je v podstate trochu rozvinutou záverečnou časťou. Neskôr, napríklad s Beethovenom, nadobúda významné rozmery a stáva sa akýmsi druhým vývojom, v ktorom sa v boji opäť dosiahne potvrdenie.

Táto forma sa ukázala ako skutočne univerzálna. Od čias symfónie až po súčasnosť úspešne stelesňuje najhlbší obsah, sprostredkúva nevyčerpateľné bohatstvo obrazov, myšlienok, problémov.

Druhá časť symfónie je pomalá. Zvyčajne je to lyrický stred cyklu. Jeho forma je rôzna. Najčastejšie je trojdielny, to znamená, že má podobné krajné úseky a s nimi kontrastný stredný úsek, ale môže byť napísaný aj vo forme variácií alebo akejkoľvek inej, až po sonátu, ktorá sa štrukturálne odlišuje od prvej. allegro len v pomalšom tempe a menej efektívnom vývoji.

Tretia časť - v raných symfóniách menuet a od Beethovena po súčasnosť - scherzo - spravidla komplexná trojdielna forma. Obsah tejto časti sa v priebehu desaťročí modifikoval a skomplikoval od každodenného či súdneho tanca cez monumentálne mocné scherzá 19. storočia a neskôr až po impozantné obrazy zla, násilia v symfonických cykloch Šostakoviča, Honeggera a iných symfonikov 20. storočí. Počnúc od druhého polovice XIX storočia sa scherzo čoraz viac strieda s pomalou časťou, ktorá sa v súlade s novým poňatím symfónie stáva akousi duchovnou reakciou nielen na udalosti prvej časti, ale aj na figurálny svet scherza. (najmä v Mahlerových symfóniách).

Finále, ktoré je výsledkom cyklu, je v raných symfóniách častejšie písané vo forme rondovej sonáty. Striedanie veselých epizód iskriacich veselosťou s neustálym tanečným refrénom - takáto štruktúra prirodzene vyplývala z povahy obrazov finále, z jeho sémantiky. Postupom času, s prehlbovaním problémov symfónie, sa začali meniť zákonitosti štruktúry jej finále. Finále sa začali objavovať v sonátovej forme, vo forme variácií, vo voľnej forme a nakoniec - s prvkami oratória (so zahrnutím zboru). Jeho obrazy sa tiež zmenili: nielen životné potvrdenie, ale niekedy tragický výsledok(Čajkovského šiesta symfónia), zmierenie sa s krutou realitou či únik z nej do sveta snov, ilúzie sa za posledných sto rokov stali obsahom finále symfonického cyklu.

Ale späť na začiatok slávnej cesty tohto žánru. Objavil sa v polovici 18. storočia a dosiahol klasickú dokonalosť v diele veľkého Haydna.