Radishevsky Museum. Umenie a remeslá

Odraz prelomového obdobia Petrovej éry v umení a remeslách. Západoeurópske umelecké vplyvy (Holandsko, Anglicko, Francúzsko, Taliansko). Procesy formovania stavovského systému a upevňovania svetskej kultúry a ich vplyv na rozvoj umeleckých remesiel. Mnohovrstevné umelecké remeslo, nerovnomerný vývoj jeho jednotlivých oblastí. Uchovávanie a rozvíjanie tradičných trendov (krajinská a ľudová kultúra, cirkevné umenie).

Zdokonaľovanie technológie remeselnej a manufaktúrnej výroby. Zrod umeleckého priemyslu (výroba tapisérií, umeleckého skla, fajansy, kamenárstva, výroba hodvábu a súkna). Manufaktúrna výroba módnych vecí, luxusných predmetov. Objav a rozvoj ložísk medi, cínu, striebra, farebného kameňa, kvalitných ílov.

Úloha Akadémie vied v „prosperite slobodných umení a manufaktúr“, odraz nových prírodovedných a technických záujmov v umení a remeslách. Nové formy výchovy a vzdelávania majstrov v umeleckých manufaktúrach. Zatvorenie dielní zbrojovky. Odchod do dôchodku a jeho úloha pri rozvoji určitých druhov umeleckých remesiel. Vznik cechových organizácií remeselníkov v Rusku. Dielo zahraničných majstrov v rôznych oblastiach umenia a remesiel.

Umelecký štýl v umení a remeslách. Móda, jej vplyv na zmenu vkusu, zmenu predmetného prostredia. Vznik nových typov predmetov, obnova estetických predstáv v umení a remeslách. Trendy v syntéze umenia. Úloha architektúry, monumentálneho umenia, grafiky a ilustrovaných edícií vo vývoji umeleckých remesiel. Dekoratívne trendy barokovej kultúry v dizajne slávností, komplexov triumfálnych brán, záhradného a parkového umenia.

Umenie interiérového dizajnu ako osobitný druh umeleckej činnosti v tvorbe architektov prvej štvrtiny 18. storočia. Prvé interiérové ​​práce a hlavné štýlové trendy (baroko, rokoko, klasicizmus). Nové typy priestorov (študovne, predné spálne, obývačky, "točňa", "sály") a ich obsah (Letný palác, Palác A.D. Menšikova, Palác Grand Peterhof, Monplaisir). Diela francúzskych majstrov. "Chinoiserie" v interiéroch Petrovej éry.

Súborové riešenie predmetného prostredia. Vznik dizajnérskej činnosti v oblasti hmotnej kultúry a umeleckých remesiel.

Rozvoj obchodu s nábytkom. Nové druhy a formy nábytku, materiály a spôsoby zdobenia. Vplyv anglického a holandského nábytku. Barokový a rokokový nábytok.

Drevorezba, jej úloha v interiéri. Vyrezávané reliéfy. Ikonostas katedrály Petra a Pavla. Rezbárstvo a preprava lodí.

Strieborný biznis. Zachovanie tradícií XVII storočia. Zriaďovanie predajní zlatých a strieborných kováčov. Umenie šperkov. Portrétna miniatúra na smalte. Objednacie znaky a "sťažované" osoby. Prvými majstrami obrazových miniatúr boli Grigory Musikisky a Andrey Ovsov.

Keramika a fajansa z petrovského obdobia. Holandská dlažba v interiéri. Rozšírenie dovozu fajansových výrobkov z Anglicka a Holandska. Prvá súkromná manufaktúra A. Grebenshchikova v Moskve, vzhľad domácej jemnej fajansy.

Zvýšenie spotreby skla, založenie sklárskych tovární v Yamburgu a Zhabino pri Petrohrade. Zrkadlá a svietidlá. Formovanie štýlu slávnostného palácového náčinia s matným rytím. Malcovova prvá súkromná továreň na sklo a krištáľ v okrese Mozhaisk.

Kamenorezba a rezanie drahokamov. Založenie prvých rezacích závodov v Peterhofe a Jekaterinburgu. Vyrezávanie kostí. Základné rezbárske techniky, štylistické prostriedky. Kholmogorské tradície. Vzhľad sústruhov, zmena tvaru výrobkov. Petrovský sústružník a A. Nartov. Vplyv rytiny a ilustrovanej knihy na rezbárstvo z kostí. Založenie závodu na výrobu zbraní v Tule, rozvoj umenia umeleckého spracovania ocele v dekoratívnych predmetoch.

Typológia kostýmov. Zmena stredovekého odevu na oblek európskeho vzoru. Peter stanovil pravidlá nosenia a typy šľachtického odevu. Zavedenie štatutárneho oblečenia a uniforiem pre armádu a námorníctvo, pre úradníkov. Vznik nových manufaktúr v dôsledku zmien v kroji. Výmena orientálnych látok za západoeurópske. Ukážky pánskeho obleku zo šatníka Petra I.

Založenie petrohradskej mriežkovej manufaktúry. Školenie ruských majstrov.

Dekoratívne a úžitkové umenie éry Anny Ioannovny. Umelecké striebro. Založenie štátnej sklárne na Fontanke v Petrohrade. Činnosť gobelínovej manufaktúry. Tapisériový štýl a aplikácia v interiéri. L.Karavak a jeho projekty v oblasti dekoratívneho umenia.

Oživenie umeleckej kultúry za vlády Alžbety Petrovny. Prevaha francúzskych vplyvov. Barok a rokoko v ruskom umení. Rokoko v interiéri, kostým, šperky, záhradnícke umenie. Syntéza architektúry a umeleckých remesiel v barokových a rokokových interiéroch. Diela VV Rastrelliho a A. Rinaldiho v oblasti interiérového dizajnu. Dekoratívne materiály a techniky pre dekoráciu interiéru. Druhy barokového a rokokového nábytku. Látky v interiéri. Osvetlenie. Súbor v rôznych druhoch umeleckých remesiel polovice a druhej polovice storočia.

Strieborný biznis. potvrdenie barokového štýlu. Monumentálne a dekoratívne diela. Veľké slávnostné služby. Zmena tvaru predmetov, nové druhy riadu za nové produkty. Umenie šperkov. Činnosť dvorných majstrov. Rokokový štýl v šperkovom umení. Druhy dámskych šperkov. Farebný kameň v šperkoch.

Oblek, jeho imidž, typ strihu, materiály, doplnky, povaha povrchovej úpravy. Vplyv francúzskej módy. Barok a rokoko v dámskom a mužskom kroji.

Vynález domáceho porcelánu. Založenie porcelánovej manufaktúry v Petrohrade. Aktivity D.I. Vinogradova a „Vinogradovské“ obdobie vývoja ruského porcelánu. Prvé palácové služby, vázy, malý plast. Vytvorenie štátnej továrne na fajansu v Petrohrade.

Leptané sklo z alžbetínskej éry. Činnosť petrohradskej štátnej sklárne a továrne na rieke. Nazie. Barok a rokoko v umeleckom skle. Sklo vo výzdobe interiérov paláca VV Rastrelli. Súkromné ​​továrne Nemčinovcov a Malcovovcov. Experimenty M. V. Lomonosova v oblasti farebného skla, začiatok jeho výroby v továrni Ust-Ruditskaya.

Vyrezávanie kostí. Rokokový štýl, dielo rezbára Osipa Dudina.

Dekoratívne a úžitkové umenie 2. polovice 18. storočia.

Klasicizmus v dekoratívnom umení 1760–1790 Kombinácia rokokového štýlu s antickými motívmi. Úloha architektov v umení a remeslách klasickej éry. Školenie majstrov umeleckých remesiel na Akadémii umení.

Interiér raného klasicizmu. Materiály a formy, sfarbenie, sochárska výzdoba, zlacnenie dekoratívnych povrchových úprav. Interiérové ​​práce od C. Camerona. Rad dekoratívnych techník, nové materiály, imidž priestorov a súboru. Interiéry V. Brenna.

Klasicizmus nábytok, charakter, formy, vplyvy. staroveké prototypy. Nové typy nábytku. Účasť architektov na rozvoji nábytkového umenia v Rusku (Brenna, Ľvov, Cameron, Voronikhin). Nábytok D. Roentgen v Rusku. Workshop G. Gambsa a I. Otta. Jacob štýl v ruskom nábytku. Zmena materiálov v nábytkárskom umení (mahagón, pozlátené drevo, topoľ, karelská breza). Látka a výšivky v nábytku.

Dielňa Spolu v Moskve. Vyrezávaný dekor v interiéroch M. Kazakova. Vyrezávaný nábytok paláca Ostankino. Rozkvet techniky súpravy v ruskom nábytku v druhej polovici storočia, spôsoby prevedenia a materiály. Výroba nábytku na Okhte v Petrohrade. Papier-mâché ako materiál pre nábytok a dekoratívne umenie.

Ruský a francúzsky umelecký bronz. Hlavné typy výrobkov a dekoratívne techniky. Bronz a sklo v svietidlách. Bronz vo výzdobe kamenných a porcelánových váz a nábytku. Činnosť Zlievárenského domu. Zahraniční bronzoví majstri v Petrohrade (P. Azhi, I. Tsekh a ďalší).

Kostým. Meniace sa typy a siluety odevov v 70. – 80. rokoch 18. storočia. Zavedenie jednotného šľachtického odevu. Slávnostný dvorný odev, použitie štylizovaných národných foriem. „Grécky štýl“ 90. rokov 18. storočia v kostýme a účesoch. Radikálna zmena v dizajne obleku. Móda na šály, šatky, peleríny, mantily, šály.

Umenie šperkov. Aktivity I.Poziera, Dubulona, ​​J.Adora, I.G. Scharf, I. V. Bukh, bratia Duvalovci. Veľká cisárska koruna. Dvorná diamantová dielňa. Umelecké striebro. Vplyv francúzskeho striebra štýlu Ľudovíta XVI. Umenie čiernej na striebre. Rastúca úloha severných klenotníckych centier - Vologda, Veliky Ustyug. Továreň na výrobu niello a smaltovaných výrobkov bratov Popovovcov vo Veľkom Usťugu. Smalt so strieborným lemovaním.

Porcelán, výrobné a dekoračné techniky. Imperial Porcelain Factory. Raný klasicizmus vo formách a dekorácii výrobkov. Vplyv európskeho porcelánu a fajansy. Aktivity J.-D. Rashetta. Kontakty IPE s Akadémiou umení. Dekoratívne vázy a palácové služby v interiéri klasicizmu. Veľké slávnostné bohoslužby, ich zloženie, povaha dizajnu. Hľadanie vhodných foriem predmetov a techník zdobenia výrobkov. Porcelánová socha (séria figúrok „Ľudia Ruska“, „Obchodníci a podomoví“). Žánrová kresba a rytina v porcelánovej plastike a maľbe na porcelán. Sušienky. „Pavlovský“ porcelán z konca 90. rokov 18. storočia.

Fabrika F. Gardnera vo Verbilki. Objednať služby.

Umelecké sklo. Závod G. Potemkina v Ozerkách. Farebné sklo a krištáľ. Sklo v interiéroch C. Camerona. Cisárska sklárska továreň v 90. rokoch 18. storočia. Komunikácia produktov cisárskej porcelánky a sklárne. Bakhmetevov závod v provincii Penza. Vzostup maľby na skle v 80. a 90. rokoch 18. storočia. Gotické motívy v umeleckom skle.

Činnosť gobelínovej manufaktúry. Spojenie tapisérií so všeobecným trendom v ruskej maľbe (historická téma, alegória, portrét v tapisérii). Prechod od rokoka ku klasicizmu. Tapiséria v interiérovom dizajne.

Kamenné rezbárstvo. Úloha C. Camerona vo vývoji kultúry farebného kameňa a jeho použitia v interiéri. Nové metódy použitia kameňa, "ruská mozaika". Aktivity závodu Lapidárium Peterhof. Objav nových ložísk farebného kameňa na Urale a Altaji. Továreň v Jekaterinburgu a továreň Kolyvan. Vynález strojov na opracovanie kameňa. Vázy navrhnuté A. Voronikhinom a D. Quarenghim.

Rozkvet tulskej ocele (nábytok a dekoratívne predmety). Šľachtické a kupecké továrne. Továreň na lakové miniatúry P.I. Korobov. Vznik remesiel v umeleckých manufaktúrach. Rozvoj umeleckých remesiel v druhej polovici 18. storočia: chochlomské maliarstvo, tkanie čipiek, vzorované tkanie, tkanie kobercov, umelecký kov atď.

Rozvoj dekoratívneho a úžitkového umenia prispel k zdokonaľovaniu remeselných a manufaktúrnych výrobných techník, vzniku umeleckého priemyslu (výroba tapisérií, umeleckého skla, fajansy, rezanie kameňa, výroba hodvábu a súkna), manufaktúrna výroba módnych vecí, luxusného tovaru, objavovanie a rozvoj ložísk z medi, cínu, striebra, farebného kameňa, vysoko kvalitných ílov.

Významná je úloha Akadémie vied na „prosperite slobodného umenia a manufaktúr“, odrážajúcej nové prírodovedné a technické záujmy v dekoratívnom a úžitkovom umení. V prvej polovici 18. storočia sa objavujú nové formy výchovy a vzdelávania majstrov v umeleckých manufaktúrach; v Rusku existujú cechové organizácie remeselníkov, čo nepopiera široké zastúpenie zahraničných majstrov v rôznych oblastiach dekoratívneho a úžitkového umenia.

V umení a remeslách (interiérové ​​predmety, nábytok, výzdoba) je štýl aktívne diktovaný módou. V dôsledku toho sa objavujú nové typy predmetov, aktualizujú sa estetické nápady v umení a remeslách. V dekoratívnom a úžitkovom umení polovice 18. storočia je tendencia k syntéze umenia, kde sa architektúra, sochárstvo, maliarstvo a úžitkové remeslo spájajú do dekoratívneho celku.

V dôsledku toho sa umenie interiérového dizajnu stáva zvláštnym druhom umeleckej činnosti v tvorbe architektov 18. storočia. Tento typ umeleckej činnosti spôsobuje vznik nových typov priestorov (študovne, predné izby, spálne, obývačky, „obrazové sály“) a ich obsah (Letný palác, Palác AD Menšikova, Palác Veľký Peterhof, Monplaisir).

To všetko prispieva k rozvoju nábytkárskeho podnikania, objavujú sa nové typy a formy nábytku, materiály a spôsoby jeho zdobenia. Vplyv anglického a holandského nábytku je tu veľmi silný. Pod vplyvom Európy sa v Rusku formuje dokonca aj barokový a rokokový štýl v nábytku.

Klasicistický nábytok má charakteristický charakter a formu. Antické motívy možno vo veľkej miere vysledovať vo formách a dekorácii nábytku. V polovici 18. storočia sa architekti podieľali na vývoji nových typov nábytku, v Rusku sa objavilo nábytkové umenie a autorský nábytok (Brenna, Ľvov, Cameron, Voronikhin). V druhej polovici 18. storočia sa objavili prvé nábytkárske dielne (dielňa G. Gambsa a I. Otta). Pre toto obdobie v nábytkárskom umení je charakteristický štýl "Jakob". V druhej polovici 18. storočia sa materiály v nábytkárskom umení menili: objavil sa tu mahagón, pozlátené drevo, topoľ, karelská breza; Čoraz častejšie sa pri výrobe nábytku používa textil a výšivky.

Osobitné miesto v dekoratívnom a úžitkovom umení zaujíma keramika a fajansa. Deje sa tak najskôr v dôsledku rozšírenia dovozu výrobkov z fajansy z Anglicka a Holandska. Čoskoro sa však v Moskve objavila prvá súkromná manufaktúra A. Grebenshčikova, ktorá vyrábala ruskú jemnú fajansu. Neskôr sa sformoval štýl slávnostného palácového riadu s matným rytím a rozšírila sa móda krištáľu ako interiérového predmetu. To znamená otvorenie prvej Malcovovej súkromnej továrne na sklo a krištáľ v okrese Mozhaisk.

V 18. storočí vďaka rastúcej obľube umeleckých remesiel, interiérových dekorácií, vzrástla spotreba skla, z ktorého sa vyrábali rôzne zrkadlá a svietidlá.

Sochárstvo a maliarstvo druhej polovice 18. storočia.

Významnú úlohu vo vývoji maliarstva 18. storočia zohrala tvorba Vladimír Lukič Borovikovský. Napriek tomu, že umelec nebol oficiálne uvedený ako študent akadémie, nepochybne využil rady jej učiteľov a predovšetkým Levického. Prirodzený talent a železná vytrvalosť mladého umelca čoskoro viedli k tomu, že Borovikovskij bol povýšený medzi prvých majstrov konca 18. storočia. Vytvoril sériu vynikajúcich portrétov svojich súčasníkov, medzi ktoré patria G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova a mnohí ďalší. Pre väčšinu Borovikovského diel je charakteristický neustály záujem o duchovné zážitky človeka, zdôraznená lyrika a kontemplácia, rozdúchaná oparom sentimentality, tak charakteristickej pre éru. Umelec nikdy nešiel cestou vonkajších, povrchných charakteristík obrazu, neustále sa snažil sprostredkovať najjemnejšie duchovné pohyby zobrazovaných tvárí.

V jeho tvorbe dominuje komorný portrét. Borovikovský sa snaží potvrdiť sebaúctu a morálnu čistotu človeka (portrét Lizynky a Dashinky, portrét E.N. Arsenyeva atď.). Borovikovského na prelome 18. – 19. storočia zaujali silné, energické osobnosti, zameriava sa na občianstvo, šľachtu, dôstojnosť portrétovaných. Vzhľad jeho modelov sa stáva zdržanlivejším, krajinné pozadie je nahradené obrazom interiéru (portréty A.A. Dolgorukova, M.I. Dolgoruka atď.).

Borovikovský je tiež uznávaným majstrom portrétnych miniatúr. Zbierka Ruského múzea obsahuje diela patriace do jeho štetca - portréty A.A. Menelasa, V.V. Kapnista, N.I. Ľvova a ďalších. Umelec často používal cín ako základ pre svoje miniatúry.

Ruská portrétna maľba 18. storočia dosahuje svoj skutočný vrchol v tvorbe o D.G. Levitsky . Už v jednej zo svojich raných prác - portréte architekta A. Kokorinova - Levitsky ukázal vynikajúce schopnosti ako maliar. Vysokou umeleckou hodnotou je portrét veľkého francúzskeho materialistického filozofa D. Diderota, ktorý namaľoval Levitskij v Petrohrade v roku 1773, a séria portrétov žiakov Smolného inštitútu vytvorená umelcom. Obrazy týchto dievčat sú poznačené úprimnosťou a vrúcnosťou, originalita každej z nich je majstrovsky vyjadrená.

Portréty nasledujúcich rokov - Ľvova, otec umelca, Bakuninovci, Anna Davia a mnoho ďalších majstrovských diel Levitského - sú jasným dôkazom jeho skvelého talentu.

Levitsky vytvoril rozsiahlu galériu portrétov svojich súčasníkov, zachytávajúcich živé obrazy ľudí tej doby tak široko a úplne ako ktokoľvek iný. Umenie Levitského dopĺňa históriu vývoja ruskej portrétnej maľby v 18. storočí. Treba si však všimnúť aj niektoré historicky podmienené obmedzenia jeho práce: ako iní pozoruhodní umelci svojej doby, Levitsky nedokázal odrážať sociálne rozpory reality. Ľudia, ktorých zobrazuje umelec, v súlade s prevládajúcimi estetickými predstavami vždy trochu pózujú, akoby sa divákovi snažili ukázať v tom „najpríjemnejšom“ svetle. V mnohých svojich dielach však umelec dosahuje úžasnú jednoduchosť a vitalitu.

Levitského odkaz je obrovský a dodnes vyvoláva v publiku pocit priam estetického potešenia. Profesionálna dokonalosť jeho diel a ich realistické zameranie radí umelca na jedno z najčestnejších miest v celých dejinách ruského umenia.

Medzi najznámejšie diela D.G. Levitského patria: „Portrét E.A. Vorontsovej“, „Portrét architekta A.F. Kokorinova“, „Portrét N.A. Ľvova“, „Portrét M.A. Dyakovej“, „Portrét Ursuly Mniszek“, „ Portrét dcéry Agashi v ruskom kroji“ atď.

V oblasti portrétnej tvorby povedali svoje nové slovo aj ruskí umelci druhej polovice 18. storočia. Ostrosť psychologických charakteristík, ktoré poznačili mnohé portréty tejto doby, je pozoruhodná - štetec najlepších ruských majstrov čoraz viac tiahne k pravdivému prenosu obrazu človeka. Je príznačné, že v tejto dobe už vznikali portréty nielen šľachty a „mocných tohto sveta“, ale aj množstva pokrokových osobností verejného života. Na týchto portrétoch úplne chýbajú prvky nádhery a vonkajšieho lesku; umelci obracajú svoju pozornosť na prenos vnútorného obsahu človeka, na odhalenie sily jeho mysle, ušľachtilosti jeho myšlienok a túžob.

Vývoj ruského portrétu našiel výraz v dielo F. Rokotova.

Fedor Stepanovič Rokotov- jeden z najlepších ruských portrétistov. Po získaní výtvarného vzdelania pod vedením L.-J. Le Lorraine a gróf Pietro Rotary pracovali na spôsob druhého menovaného, ​​no zahĺbil sa do prírody viac ako on a bol usilovný pri vykonávaní. V roku 1762 bol prijatý ako adjunkt do novovzniknutého Petrohradu. Akadémia umení za obraz „Venuša“, ktorý jej bol odovzdaný, a za portrét cisára Petra III.

Portréty tohto umelca odlišuje jemná obrazová zručnosť. Intímna spiritualita obrazu, najmä v ženských portrétoch, prináša Rokotov veľkú expresivitu a silu. Vysoko technická dokonalosť umelcových diel - z hľadiska povahy kresby a obrazovej zručnosti sa s ním dá porovnávať iba Levitsky. Portréty vytvorené Rokotovom sa vyznačujú rafinovanosťou kresby a eleganciou farieb.

Medzi najznámejšie diela Rokotova patria: "Portrét neznámej ženy v ružových šatách", "Portrét A.I. Voroncova", "Portrét G.G. Orlova v brnení", "Korunovačný portrét Kataríny II", "Portrét A.P. Struyskaja" , "Portrét básnika V.I. Maikova", "Portrét Surovtseva" atď.

V druhej polovici XVIII storočia. v ruskom maliarstve sa začalo rozvíjať domáci žáner. Žánrová maľba však bola vedením Akadémie umení a privilegovanými vrstvami spoločnosti považovaná za niečo podlé, nehodné umelcovho štetca. Napriek tomu po roľníckej vojne vedenej E. Pugačevom tak v literatúre, divadle a hudbe, ako aj v maliarstve 70. – 80. rokov 18. storočia. začal prejavovať záujem o roľníctvo, jeho spôsob života, spôsob života. Často to boli sentimentálne obrazy idylických pastierov a pastierok, ktoré nemali nič spoločné so skutočným sedliackym životom. Boli však aj výnimky.

Jeden z prvých v ruskom maliarstve, roľnícku tému rozvinul nevolník princ G. A. Potemkin Michail Šibanov . Maľoval obrazy „Sedliacka večera“, „Sviatok svadobného paktu“ atď. V Šibanovových obrazoch nie je popieranie nevoľníctva, ale na týchto plátnach nie je žiadna idealizácia roľníckeho života. Umelec sa vyznačuje znalosťami a chápaním života a charakteru ruského roľníka.

Roľnícka tématika sa premietla do tvorby umelca I. M. Tankova (1739 - 1799), autora obrazu „Sviatky na dedine“ a I. A. Ermeneva (1746 – po 1792), ktorý namaľoval akvarely „Sedliacky obed“, „ Žobráci speváci“ a pod.). Po prvýkrát v histórii ruského umenia umelec sprostredkoval pochmúrnu stránku ľudového života, biedu chudoby.

V druhej polovici XVIII storočia. začína skutočný rozkvet ruského sochárstva. Rozvíjalo sa pomaly, ale ruské osvietenské myslenie a ruský klasicizmus boli najväčšími podnetmi pre rozvoj umenia veľkých občianskych myšlienok, rozsiahlych problémov, ktoré viedli k záujmu o sochárstvo v tomto období. Shubin, Gordeev, Kozlovský, Shchedrin, Prokofiev, Martos - každý sám o sebe bol najjasnejšou individualitou, zanechal v umení svoju stopu. Všetkých však spájali spoločné tvorivé princípy, ktoré sa naučili od profesora Nicolasa Gilleta, ktorý v rokoch 1758 až 1777 viedol triedu sochárstva na Akadémii, spoločné myšlienky občianstva a vlastenectva a vysoké ideály staroveku.

Hľadanie zovšeobecneného krásneho nevylučuje plnú hĺbku pochopenia ľudského charakteru, túžbu sprostredkovať jeho všestrannosť. Táto snaha je citeľná v monumentálnej a dekoratívnej plastike a stojanovej plastike druhej polovice storočia, ale najmä v žánri portrétu.

Jeho najvyššie úspechy sú spojené predovšetkým s kreativitou. Fedot Ivanovič Šubin (1740-1805), krajan Lomonosov, ktorý prišiel do Petrohradu už ako umelec, ktorý pochopil zložitosť vyrezávania kostí. Prvým dielom Shubina v jeho vlasti je busta A.M. Golitsyn už svedčí o plnej zrelosti majstra. Všetka všestrannosť charakteristík modelu sa odhalí pri jeho kruhovej prehliadke, hoci je tu nepochybne hlavný pohľad na sochu.

Šubin pôsobil nielen ako maliar portrétov, ale aj ako dekoratér. Zhotovil 58 oválnych mramorových historických portrétov pre palác Chesme (nachádza sa v Zbrojnici), plastiky pre Mramorový palác a pre Peterhof, sochu Kataríny II. - zákonodarkyne (1789-1790). Niet pochýb, že Shubin je najväčším fenoménom ruskej umeleckej kultúry 18. storočia. Spolu s ruskými majstrami pôsobil v Rusku francúzsky sochár Etienne-Maurice Falconet, ktorý v pamätníku Petra Veľkého na Senátnom námestí v Petrohrade vyjadril pochopenie pre Petrovu osobnosť a jeho historickú úlohu v osudoch Ruska.

Fjodor Fjodorovič Ščedrin(1751-1825). Prešiel rovnakými fázami školenia na akadémii a odchodom do dôchodku v Taliansku a Francúzsku ako Shubin. „Marsyas“, ktorý ho popravil v roku 1776, je plný búrlivého pohybu a tragického svetonázoru. Ako všetci sochári klasickej éry, aj Shchedrin je fascinovaný starodávnymi obrazmi („Spiaci Endymion“; „Venuša“), pričom do ich sveta ukazuje obzvlášť poetický prienik.

Už v umení 17. storočia, najmä v jeho druhej polovici, sú pozorované také trendy, ktoré otvorili cestu prudkému rozvoju svetského realistického umenia 18. storočia. Konvencia maľby ikon ustupuje životnej reprodukcii ľudí, krajiny a historických udalostí. Tradičný kvetinový ornament, ktorý bol interpretovaný skôr podmienečne, je nahradený reprodukciou realisticky stvárnených kvetov, plodov, listov, girlandy a mušlí. Na dielach úžitkového umenia nadobúda maľba s náboženskými námetmi takmer svetský charakter, niekedy až dôrazne dekoratívny a divadelný. Formy predmetov sa stávajú veľkolepými, slávnostnými, so širokou škálou dekorácií. Mnoho starodávnych druhov domácich potrieb mizne, ako sú šálky s plochými policami, striebornými bratmi. Tradičné starodávne naberačky sa menia na čisto dekoratívne prémiové predmety, ktoré stratili svoj praktický význam. Objavujú sa nové druhy náčinia: poháre zdobené barokovými ornamentmi, každodenné výjavy a nápisy svetského obsahu, poháre v podobe orla, poháre z rohoviny na stojanoch a mnohé iné. Cirkevné náčinie a domáce potreby duchovenstva sa teraz štýlom nelíšili od čisto svetských vecí a niekedy ich dokonca prevyšovali väčšou nádherou a materiálnou hodnotou.

Po sekularizácii územia v roku 1764 Trinity-Sergius Lavra stráca svoj majetok, no jej bohatstvo bolo v tom čase také veľké, že táto reforma neovplyvnila ani rozsah stavebných prác v kláštore, ani bohatý dizajn interiérov kostola. , osobné priestory guvernéra a metropolitu, ktorí v kláštore žili, ako aj na bohatstvo jeho sakristie a pokladnice. Kláštor naďalej dostával príspevky od cisárovných a vysokých hodnostárov dvora, moskovského metropolitu a iných duchovných. Spravidla to boli diela najlepších majstrov Moskvy, Petrohradu, Veľkého Usťuga, Rostova-Jaroslavľa a ďalších centier úžitkového umenia. Preto je zbierka úžitkového umenia Lavra XVIII storočia. predstavuje najrozmanitejšie druhy šperkárskej techniky tejto doby.

Umenie prenasledovania na striebre nadobúda osobitú podobu najmä od polovice 18. storočia. Sú to prevažne veľké barokové kučery, majstrovsky prevedené v pomerne vysokom reliéfe, v kombinácii s obrazom ovocia, košov kvetov, amorov, girlandy kvetov a listov. Prenasledovanie bolo často vyrobené ako prelamované av tomto prípade malo dodatočné pozadie, ktoré osvetľovalo vzor.

Klasickým príkladom takéhoto razenia mincí je masívny poklad evanjelia vyrobený v Moskve v roku 1754 za prispenia cisárovnej Alžbety1. Strieborné taniere s maľovanými smaltovanými obrazmi Najsvätejšej Trojice, evanjelistov a výjavov zo života Krista sú vsadené do vysokých rozostavaných škatúľ a štvorcov. Sú sekulárni.

Moskovský remeselník P. Vorobey vyrobil v roku 17682 striebornú misku (ktorá sa v kláštore používala ako miska na vodu). Zdobí ju vynikajúci štepovaný ornament pôvodných zvinutých kartuší a širokých listov na pozlátenom podklade. Nohy misky sú levie labky, ktoré držia v pazúroch hladké guľôčky. Soľnička z roku 1787, zdobená razením a niellom, bola darom moskovského majstra metropolitovi Platonovi3.

Nové centrum šperkárstva - Petrohrad - prezentuje v zbierke múzea strieborná rúčka s výlevkou v podobe hlavy orla, ktorú v roku 1768 vyrobil remeselník Claes Johann Ehlers4. Ten istý remeselník zhotovil cez pole honenú striebornú misku s barokovým ornamentom a vyobrazením biblického výjavu: veľryba hodí Jonáša na breh5. Majster tu zároveň zobrazil pobrežie Petrohradu s Petropavlovskou pevnosťou a vežou katedrály. Rukoma a jedlo - príspevok Metropolitan Platon.

Veci s rituálnym účelom získali aj svetský dekoratívny charakter a ich slávnosť bola zdôraznená nevídane veľkými rozmermi. Typické pre 18. storočie. súbor bohoslužobných nádob (kalich, paténa, hviezda a dva taniere) vyrobených v roku 1789 A. V. Šeremetějevom6. Vysoká prijímacia misa tu má veľký podnos v tvare zvona, prelamovaný strieborný obal na tele misy a kalich s maľovaným smaltom. Diskotéky a taniere veľkého priemeru špeciálne vyrobené pre tento kalich sú zdobené rytinami, ktoré sprostredkúvajú tradičné ikonografické výjavy.

Umenie filigránu nadobúda úplne iný charakter. Namiesto plochej kučery s výhonkami, vinúcimi sa na hladkom povrchu kovu v antických dielach, filigránska kresba 18. storočia. komplikované dodatočnými dekoráciami prekrývajúcimi sa na vrchu, niekedy v kombinácii so smaltom a drahými kameňmi. V niektorých prípadoch je filigrán vyrobený ako prelamovaný a položený na ďalšie pozadie. Niekedy bola vec vyrobená z naskenovaných vlákien.

Výnimočným filigránskym dielom je tabernákulum z roku 1789 s príspevkom Metropolitana Platona7. Na hladkom striebornom podklade je nalepený ažúrový filigrán, filigrán kombinovaný so smaltom a filigrán. Svätostánok vyzerá ako svetská rakva, o čom svedčí jeho úplne necirkevný tvar, elegantná výzdoba a kvety vysadené v rohoch z tenkých kovových častí so smaltom.

Príklad šikovného reliéfneho filigránu možno nájsť v platovej knihe „Dôstojník biskupskej služby“, tiež príspevok metropolitu Platona z roku 17898.

Veľký rozvoj je prijatý v XVIII storočí. Smalty Solvychegodsk a Veliky Ustyug s ich jednofarebným (modrým alebo bielym) pozadím, na ktorom sú prekryté ľudské postavy, kvety a iné obrazy vo forme samostatných kovových dosiek, niekedy dodatočne farbených emailmi. Múzeum má veľkú zbierku domácich predmetov zo Solvychegodsk a Ustyug.

V XVIII storočí. pre interiér chrámov Lavra boli vyrobené aj monumentálne strieborné konštrukcie podľa kresieb slávnych umelcov Moskvy a Petrohradu. Pre oltár Trojičnej katedrály bol na príkaz metropolitu Platóna vyrobený veľký strieborný sedemsvietnik v podobe vavrínového stromu9, ozdobil aj striebornú tablu ikonostasu Trojičného chrámu. Moskovský remeselník David Prif zhotovil strieborný baldachýn nad svätyňou Sergia z Radoneža (na objednávku cisárovnej Anny Ivanovny10) podľa kresby Caravaccu. Teda úžitkové umenie XVIII storočia. zastúpené v zbierke múzea najcharakteristickejšími dielami.

Diela umeleckého remesla v zbierke múzea umožňujú sledovať jeho vývoj od raných pamiatok veľkovojvodskej Moskvy až do konca 18. storočia. Počas tohto dlhého obdobia sa menili a zdokonaľovali technické zručnosti, zanikali staré formy predmetov a objavovali sa nové formy, menil sa charakter výzdoby, vždy v závislosti od estetických názorov, determinovaných spoločensko-ekonomickými a politickými podmienkami svojej doby, vývojom domáce a zahraničné trhy, rozsah a spôsob výroby.

O dielach XIV-XV storočí. odkrýva obraz postupného oživovania umeleckých remesiel po tatársko-mongolskej ruine ruskej zeme v 13. storočí. Majstri Moskvy a iných umeleckých centier starovekého Ruska ovládajú rôzne umelecké techniky a zdokonaľujú techniku ​​remeselného spracovania.

V XVI storočí. Moskva konečne získava popredné miesto v kultúrnom živote krajiny. Úžitkové umenie tohto obdobia sa vyznačuje rozmanitosťou foriem a umeleckých dekorácií, ako aj veľkou technickou zručnosťou. Zdokonaľuje sa komplexné umenie smaltu, ktoré nadobudlo prevažne ornamentálny charakter, väčšiu zručnosť dosahuje umenie niello na zlate, naháňanie a rytie.

Diela zo striebra pre domáce a cirkevné účely nadväzujú na tradície ľudového umenia a súvisia so životnými podmienkami ľudí, ich rituálmi a spôsobom života.

Brilantnosť a dekoratívnosť výrobkov 17. storočia, komplikovanosť ornamentiky, vzhľad maľovaných emailov, použitie veľkého množstva drahých kameňov, perál a farebných skiel dodávajú úžitkovému umeniu svetskejší charakter.

V XVIII storočí. boli prijaté nové formy predmetov, realistický charakter ornamentu a maľba na email.V zbierke Zagorského múzea je toto obdobie zastúpené najlepšími dielňami v Moskve a Petrohrade. Ich diela nám umožňujú posúdiť nové zmeny, ku ktorým dochádza v úžitkovom umení.

Vysoká umelecká zručnosť diel úžitkového umenia, prezentovaná viac ako päť storočí, stavia zbierku Zagorského múzea na popredné miesto v dejinách ruskej umeleckej kultúry.

K dejinám Ruska na konci 17. - prvej štvrtiny 18. storočia neodmysliteľne patrí meno jednej z najväčších politických osobností Ruska - Petra I. Významné inovácie v tejto dobe prenikajú nielen do oblasti kultúry a umenia. , ale aj priemysel - hutníctvo, stavba lodí a pod.. Začiatkom 18. storočia sa objavili prvé mechanizmy a obrábacie stroje na spracovanie kovov. Veľa v tejto oblasti urobili ruskí mechanici Nartov, Surnin, Sobakin a ďalší.

Zároveň sa kladú základy štátneho systému všeobecného a špeciálneho školstva. V roku 1725 vznikla Akadémia vied, pod ktorou bol otvorený odbor umeleckých remesiel.

A. Nartov. Sústruh. Petrova éra. 18. storočie

V 18. storočí sa formovali nové princípy architektúry a urbanizmu.Toto obdobie bolo poznačené nárastom tvarovania produktov charakteristických čŕt západoeurópskeho baroka (Holandsko, Anglicko).

V dôsledku záväzkov Petra I. predmety tradičných ruských foriem rýchlo miznú z kráľovského a aristokratického života v paláci a stále zostávajú v obydliach más vidieckeho a mestského obyvateľstva, ako aj v kostole. Práve v prvej štvrtine 18. storočia sa črtal výrazný rozdiel v slohovom vývoji, ktorý zostal dlho charakteristický pre profesionálnu tvorivosť a ľudové umelecké remeslá. V druhom z nich sa priamo a organicky rozvíjajú stáročné tradície ruského, ukrajinského, estónskeho atď. úžitkového umenia.

Normy ušľachtilého života vyžadujú demonštráciu bohatstva, sofistikovanosti a lesku v živote suverénneho človeka. Formy starého spôsobu života, vrátane Petrovho (ešte stále obchodného, ​​prísneho), boli definitívne vytlačené v polovici 18. storočia. Dominantné postavenie v ruskom umení zaujíma takzvaný rokokový štýl, ktorý logicky dotváral trendy neskorého baroka. Slávnostné interiéry tejto doby, napríklad niektoré miestnosti palácov Peterhof a Carskoye Selo, sú takmer celé zdobené prepracovanými rezbami.

Všeobecné znaky rokajovej výzdoby (zakrivenie línií, bohaté a asymetrické usporiadanie štylizovaných alebo realistických kvetov, listov, mušlí, očí atď.) sú plne reprodukované v ruskej architektúre a nábytku tej doby, keramike, odevoch, kočoch, slávnostných zbraniach , atď. Vývoj ruského úžitkového umenia sa však napriek tomu uberal úplne samostatnou cestou. Napriek nepopierateľnej podobnosti foriem vlastných výrobkov so západoeurópskymi, nie je ťažké si všimnúť rozdiely medzi nimi. Takže, ale v porovnaní s francúzskymi, ruské nábytkové výrobky majú oveľa voľnejšie formy a sú mäkšie v obryse a kresbe. Majstri si stále zachovali zručnosti ľudového rezbárstva, väčšie a všeobecnejšie ako na Západe. Nemenej charakteristická je polychrómia ruských výrobkov a kombinácia zlatenia a maľby, ktorá je vo Francúzsku zriedkavá, ale v Rusku akceptovaná všade.

Od 60. rokov 18. storočia sa v ruskej architektúre začal prechod ku klasicizmu s lakonickými a prísnymi formami, ktoré sa obrátili k antike a vyznačujú sa veľkou zdržanlivosťou a milosťou. Rovnaký proces prebieha aj v úžitkovom umení.

V plánovaní, zariadení a výzdobe mestských kaštieľov a palácov (architekti Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov atď.) Existuje jasná symetria, proporčná jasnosť. Steny priestorov (medzi oknami alebo oproti nim) skrývajú zrkadlá a panely z hodvábneho damašku, dekoračných bavlnených látok a látky.

.

Sedačka - rokokový štýl. Rusko (detail). Polovica 18. storočia

Kreslo v klasickom štýle. Rusko. Druhá polovica 18. storočia

Podlahy sú vyrobené z dreva rôznych druhov a niekedy pokryté plátnom alebo látkou; stropy sú maľované (napr. technikou grisaille imitujúcou reliéfne tvarovanie). Namiesto skladaných parkiet sa používajú podlahy zo smrekových dosiek „pod voskom“. Steny a stropy sú často čalúnené látkou alebo tapetované. Ak sú v predných miestnostiach usporiadané mramorové krby pôsobivej veľkosti, v intímnych komnatách sú postavené tradičnejšie kachle na podstavcoch alebo nohách, obložené kachličkami. Rozdiel medzi lampami je rovnako viditeľný: v halách - to sú šperky vyrobené a drahé lustre, svietniky, svietniky, v komorách - oveľa skromnejšie svietniky a lampy. Ešte väčší kontrast je v podobe predného a bytového nábytku. To všetko nehovorí ani tak o túžbe majiteľov palácov a kaštieľov ušetriť, ale o ich zohľadnení objektívneho prostredia ako dôležitého faktora v psychologicky vhodnej atmosfére.

Väčšina nábytku a množstvo iných výrobkov na konci 18. – prvej polovice 19. storočia nebolo neustále potrebné; ak to nebolo potrebné, boli odstránené alebo premiestnené do neaktívnych častí priestorov. Sedací nábytok musí byť zakrytý. V tom istom spojení transformovateľný nábytok s pracovnou rovinou - čajové a kartové stolíky, rozkladací jedálenský stôl, stôl na vyšívanie, sústava stolov rôznych výšok, ktoré zapadajú pod seba atď., rôzne vzhľady priestorov v rôznych každodenné situácie. Zároveň sa vyzdvihlo množstvo domácich procesov, ktoré sa v teplom období odohrávali mimo budovy – na terase a v parku. V dôsledku toho sa šíria nové druhy výrobkov - záhradný nábytok, dáždnikové markízy, parkové lampy atď. V 18. storočí sa na jednotlivých panstvách organizovali poddanské dielne, ktoré vyrábali pomerne veľké série nábytku, porcelánu, koberčekov a iných výrobkov.

Koncom 18. storočia vo vybavení veľkých palácov došlo k oddeleniu samotného dizajnu výrobkov (nábytok, lampy, hodiny, gobelíny a iné náčinie a dekorácie) ako osobitnej oblasti tvorivej činnosti od ich remeselná výroba už výrazne ovplyvňuje. Dizajnérmi sú najmä architekti a profesionálni umelci. Pri výrobe produktov pre masový trh sa používajú stroje a mechanické metódy spracovania materiálov, vďaka ktorým sa inžinier stáva vedúcou osobnosťou vo výrobe. To vedie k narušeniu a strate vysokých estetických kvalít, ktoré sú vlastné spotrebnému tovaru, k oddeleniu priemyslu od umenia. Tento trend bol prirodzený v podmienkach kapitalistického rozvoja spoločnosti a jeden z hlavných pre celé 19. storočie.

V priebehu intenzívneho rozvoja kapitalistických vzťahov v Rusku v 19. storočí sa zvyšovali kapacity priemyselnej výroby. V polovici 19. storočia už bola akútne pociťovaná potreba umelecky profesionálneho personálu vývojárov produktov a remeselníkov. Na ich školenie sú otvorené špecializované vzdelávacie inštitúcie v Moskve (gróf Stroganov) a Petrohrade (barón Stieglitz). Už ich názov – „školy technického kreslenia“ – hovorí o vzniku nového typu umelca. Od roku 1860 sa rozvíjalo špeciálne remeselné vzdelávanie umelcov. Vychádza veľa kníh o technológii spracovania rôznych materiálov: drevo, bronz, železo, zlato atď. Vydávajú sa obchodné katalógy, ktoré nahrádzajú predtým vydávaný časopis „Ekonomický obchod“. Od polovice 19. storočia sa formujú vedy súvisiace s problematikou ochrany zdravia pri práci a používania predmetov v domácnosti. Počas celého 19. storočia však všetka masová továrenská výroba z umeleckého hľadiska zostala úplne podriadená jednoznačne dominantnej myšlienke krásy ako dekoratívneho a ornamentálneho dizajnu výrobkov. Dôsledkom toho bolo zavedenie do podoby väčšiny výrobkov slohových prvkov klasicizmu: zložité profilové dostavby, kanelované stĺpy, rozety, girlandy, ornamenty na antické motívy a pod. V mnohých prípadoch boli tieto prvky zavedené do foriem aj priemyselných zariadení - obrábacích strojov.

V slohovom vývoji úžitkového umenia a výrobkov pre domácnosť v 19. storočí sa konvenčne chronologicky rozlišujú tri hlavné obdobia: pokračovanie tendencií klasicizmu v súlade s tzv. empírovým štýlom (prvá štvrtina storočia); neskorý klasicizmus (asi 1830-1860) a eklektizmus (po 60. rokoch 19. storočia).

Prvá štvrtina 19. storočia sa niesla v znamení všeobecného rozmachu ideového a stavebného záberu v ruskej architektúre, čo spôsobilo výrazné oživenie aj v úžitkovom umení.

Kreslo v empírovom štýle. Prvá štvrtina devätnásteho storočia.

Víťazstvo vo vojne v roku 1812 do určitej miery urýchľuje a završuje proces formovania ruskej národnej kultúry, ktorý nadobúda celoeurópsky význam. Činnosť najznámejších architektov - Voronikhina, Quarenghiho, Kazakova, úzko spätá s klasicizmom predchádzajúceho obdobia, spadá len do prvej dekády storočia. Nahrádza ich plejáda takých pozoruhodných majstrov ako Rossi, Stasov, Grigoriev, Beauvais, ktorí vniesli do ruského umenia nové nápady a iného štýlového ducha.

Prísnosť a monumentálnosť sú charakteristické črty architektúry a foriem rôznych domácich potrieb empírového štýlu. V druhom z nich sa dekoratívne motívy citeľne menia, presnejšie ich typológia sa rozširuje o používanie dekoratívnych symbolov starovekého Egypta a Ríma - gryfov, sfingy, fascie, vojenské atribúty („trofeje“), vence veniec a pod. raného klasicizmu vo všeobecnosti narastá množstvo dekoru, jeho „vizuálna váha“ v kompozičnom riešení produktov. K monumentalizácii, niekedy akoby zhrubnutiu foriem, dochádza v dôsledku väčšieho zovšeobecňovania a geometrizácie klasických ornamentálnych motívov - lemoviek, vencov, lýr, brnení a pod., ktoré sa čoraz viac vzďaľujú od svojich skutočných predobrazov. Malebné (scény, krajinky, kytice) maľovanie predmetov takmer úplne zaniká. Ornament sa snaží o bod, obrys, použiteľnosť. Výrobky z väčšej časti, najmä nábytok, sa stávajú veľkými, masívnymi, ale rôznorodými vo všeobecnej konfigurácii a siluete. Ťažkosť empírového štýlu v kusoch nábytku takmer vymizla už v 30. rokoch 19. storočia.

Od polovice 19. storočia sa začali nové rešerše v oblasti architektúry, úžitkovej a priemyselnej tvorivosti.

Zrodilo sa celoeurópske umelecké hnutie, nazývané „Biedermeier“, pomenované podľa buržoázneho jednej z postáv nemeckého spisovateľa L. Eichrodta (dielo vyšlo v 70. rokoch 19. storočia) s jeho ideálom pohodlia, intimity.

Továrenské železo. Rusko. Druhá polovica 19. storočia

V druhej polovici 19. storočia sa z výroby úžitkových výrobkov pre domácnosť ešte viac vytlačila ručná práca. Postupy a techniky ich výtvarného riešenia, princípy tvarovania, ktoré sa stáročiami vyvíjali, sa po stáročia dostávajú do rozporu s novými ekonomickými trendmi v masovom charaktere a rentabilite výroby vecí na trhu. Reakcia na meniacu sa situáciu je dvojaká. Niektorí majstri – väčšina z nich – robí kompromisy. Vzhľadom na nezničiteľný tradičný pohľad na všetky každodenné veci ako na predmet dekoratívneho a úžitkového umenia, začínajú prispôsobovať ornamentálne motívy klasicizmu schopnostiam strojových a sériových technológií. Objavujú sa „efektívne“ typy dekorácie a dekorácie produktov. Už v 30. rokoch 19. storočia v Anglicku Henry Cool predložil navonok reformný slogan zdobenia továrenských výrobkov prvkami „zo sveta foriem výtvarného umenia“. Mnoho priemyselníkov dychtivo preberá tento slogan a snaží sa využiť pripútanosť masy spotrebiteľov k zvonka zdobeným, ornamentálne obohateným formám bytového zariadenia.

Iní teoretici a praktici úžitkového umenia (D. Reskin, W. Morris) naopak navrhujú zorganizovať bojkot tohto odvetvia. Ich krédom je čistota tradícií stredovekých remesiel.

V krajinách západnej Európy a v Rusku po prvý raz zaujali teoretikov a profesionálnych umelcov remeselní umelci a remeselníci, v ktorých tvorbe sa ešte zachovali hlboké ľudové tradície. V Rusku veľtrhy v Nižnom Novgorode v 70. – 90. rokoch 19. storočia demonštrujú životaschopnosť týchto tradícií v nových podmienkach. Mnoho profesionálnych umelcov - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich a ďalší - sa s nadšením obracia k ľudovému pôvodu dekoratívneho umenia. V rôznych regiónoch a provinciách Ruska, v mestách ako Pskov, Voronež, Tambov, Moskva, Kamenetz-Podolsk a iné, vznikajú remeselné podniky, ktorých základom je ručná práca. Osobitný význam pre oživenie vymierajúcich tvorivých remesiel mala práca dielní v Abramcove pri Moskve, v Talaškine pri Smolensku, podnik P. Vaulina pri Petrohrade a keramický artel Murava v Moskve.

Samovar. 19. storočie

Rusko. Druhá polovica

Priemyselné čerpadlo. 19. storočie

Výrobky všetkých týchto dielní však tvorili tak zanedbateľnú časť celkovej spotreby, že nemohli mať citeľný vplyv na masovú výrobu, hoci dokázali oprávnenosť existencie dekoratívneho umenia, ktoré popri masovej strojovej výrobe zachováva ľudové tradície. vecí. Neskôr sa to potvrdilo aj inváziou strojovej techniky do takých oblastí dekoratívneho a úžitkového umenia ako šperk (šperk), tkanie kobercov, krajčírstvo, čo viedlo k prudkému poklesu ich umeleckej kvality.

Vo formách väčšiny vyrábaných produktov druhej polovice 19. storočia sa prakticky nič nové nevyvíja. Novosť najvšeobecnejšej situácie však už v tejto dobe prispieva k doplneniu vnútorných predpokladov pre novátorské rešerše - uvedomenie si slohových rešerší ako dôležitej tvorivej potreby, ako prejavu umeleckej individuality majstra. Ak sa doteraz slohové smery (gotika, renesancia, barok, klasicizmus atď.) rodili a šírili spravidla v dôsledku všeobecných, takmer „globálnych“, spontánne vykryštalizovaných trendov v estetickom vývoji sveta, potom od r. polovice 19. storočia je štýlová originalita považovaná za priamy tvorivý výkon individuálneho umelca, architekta. V tomto ohľade sa prudko aktivuje záujem o dedičstvo umenia všetkých čias a národov. Toto najbohatšie dedičstvo sa stáva zdrojom napodobenín, priamych výpožičiek alebo prechádza bizarným kreatívnym spracovaním.

Stôl s moderným kreslom. Koniec 19. storočia

Výsledkom je, že väčšinu produktov tvorí nezvyčajne pestrý obraz, v ktorom sa mihajú jasné alebo jemné reminiscencie na starovek, románsku dobu, gotiku, taliansku alebo francúzsku renesanciu, umenie Byzancie a starovekého Ruska, baroka atď. , často eklekticky miešanie v dizajne jedného produktu, interiéru, budovy. Preto sa toto obdobie v dejinách architektúry a úžitkového umenia nazývalo eklektické. Napriek tomu sú predmety (lampy, kovové vedrá, korýtka, riad, taburetky a pod.) relatívne lacné, no vyrobené bez akéhokoľvek umeleckého účelu, často v nevzhľadných podobách a nízkej kvality.

Hľadanie nového štýlu sa uskutočňuje s prihliadnutím na skutočnú potrebu v podmienkach strojovej výroby, zásadne nový prístup k tvorbe výrobkov na jednej strane a na zachovanie dekoratívnych tradícií minulosti na strane iné. Buržoázia, ktorá koncom 19. storočia zaujala silné postavenie v ruskej ekonomike, sa usilovala o vlastnú umeleckú ideológiu v architektúre a dizajne - kult racionálneho, relatívneho oslobodenia od archaizmov ušľachtilej kultúry, podnecujúceho všetko v umenie, ktoré by mohlo konkurovať štýlom minulosti. Takým bol na konci 19. storočia secesný štýl – „nové umenie“ v Belgicku, Veľkej Británii a USA, „Jugendstil“ v ​​Nemecku, „secesný štýl“ v Rakúsku, „voľný štýl“ v Taliansku. Jeho názov – „moderný“ (z franc. moderne) znamenal „nový, moderný“ – z lat. modo - "práve teraz, nedávno." Vo svojej čistej podobe, doznievajúcej a miešajúcej sa s inými štýlovými smermi, nevydržal dlho, asi do roku 1920, teda asi 20-25 rokov, ako takmer všetky štýlové smery 17.-20.

Secesia je rôznorodá v rôznych krajinách a v tvorbe jednotlivých majstrov, čo komplikuje pochopenie ním riešených úloh. Charakteristické však bolo takmer úplné vykorenenie všetkých dovtedy používaných dekoratívnych a ornamentálnych motívov a techník, ich radikálna obnova. Tradičné rímsy, rozety, hlavice, flauty, opasky „incoming wave“ atď. sú nahradené štylizovanými miestnymi rastlinami (ľalie, kosatec, karafiáty atď.), ženskými hlavami s dlhými kučeravými vlasmi atď. a umelecký efekt sa dosahuje vďaka expresívnosti siluety, členitosti formy, líniám, spravidla jemne trasovaným, akoby voľne tečúcim, pulzujúcim. V podobách secesných produktov je takmer vždy cítiť nejakú rozmarnú vôľu umelca, napätie pevne napnutej struny, prehnané proporcie. V extrémnych prejavoch je to všetko prudko vyhrotené, povýšené na princíp. Miestami sa objavuje ignorovanie konštruktívnej logiky formy, takmer predstieraná vášeň pre spektakulárnu stránku úlohy, najmä pri riešení interiérov, často efektne divadelných.

So všetkými slabinami - náročnosťou, miestami hlučnosťou foriem, vznikol nový prístup k riešeniu stavby, interiéru, zariadenia s logikou funkčného, ​​konštrukčného a technologického riešenia.

Svietnik v modernom štýle. Začiatok 20. storočia

Sada riadu. Koniec XIX storočia.

Moderný toaletný stolík. Začiatok 20. storočia

Secesia v drvivej väčšine svojich vzoriek neopustila zdobenie výrobkov, ale len nahradila staré dekoratívne motívy a techniky novými. Už začiatkom 20. storočia, v čase triumfov nového štýlu, sa opäť, najskôr nesmelo, potom široko, vrátila móda pre staré štýly, čo malo určitú súvislosť s prípravami na oslavu sv. výročie vlasteneckej vojny z roku 1812. Výstava „Moderné umenie“, usporiadaná v Petrohrade v roku 1903, jasne ukázala zrod „klasifikujúcej moderny“.

Výsledky modernosti sú zložité. Toto je očista úžitkového umenia od eklekticizmu a od „antimachinizmu“ šampiónov ručných remesiel a od neúspešných pokusov obnoviť štýly minulosti. Toto sú prvé príznaky odchodu architektúry a úžitkového umenia na cestu funkcionalizmu a konštruktivizmu, na cestu moderného dizajnu. Zároveň, keď secesia čoskoro objavila trend smerom k znárodňovaniu štýlu, vyvolala novú vlnu čisto dekoratívnych rešerší. Mnoho maliarov sa obracia k úžitkovému umeniu a interiérovému dizajnu (S. Maljutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin atď.), inklinujúc k farebnosti ruskej rozprávky, k „perníku“ atď. následného historického procesu, ktorý riešil naliehavé problémy masovej priemyselnej výroby, takéto experimenty nemohli mať vážny ideologický a umelecký význam, hoci dali podnet na rozvoj ďalšieho odvetvia úžitkového umenia - umeleckého remesla a najmä divadelného a dekoratívneho umenia. .

Secesia akoby vyčistila a pripravila cestu pre etablovanie nových estetických a tvorivých princípov v umení tvorby každodenných vecí, urýchlila vznik novej umeleckej profesie - umeleckého dizajnu (dizajnu).

Formovanie funkcionalizmu a konštruktivizmu do osobitných smerov v architektúre a umeleckom dizajne západných krajín nastalo koncom 10. rokov v súvislosti so stabilizáciou života a úspechom ekonomiky po prvej svetovej vojne. Ale základné základy novej modernej architektúry boli určené už v predvojnovom období v tvorbe takých architektov ako T. Garnier a O. Perret (Francúzsko), X. Berlaga (Holandsko), A. Loos (Rakúsko), P. Behrens (Nemecko), F. Wright (USA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusko) a ďalší Každý z nich prekonal vplyv moderny po svojom a bojoval.

V roku 1918 boli vytvorené špeciálne oddelenia pre architektúru a umelecký priemysel pod oddelením výtvarných umení Ľudového komisariátu pre vzdelávanie. Vážna pozornosť sa venuje vzdelávaniu špecialistov. V.I.Lenin v roku 1920 podpísal dekrét o zriadení Vyšších štátnych umeleckých a technických dielní (VKHUTEMAS). Absolventi vytvorili nové vzorky látok, nábytku, riadu atď.

Vzdelávanie v dielňach (v roku 1927 sa pretransformovali na Všezväzový umelecko-technický inštitút VKhUTEIN), prebiehalo na fakultách: architektúra, keramika, textil atď. Na fakulte spracovania dreva a kovov pod vedením A. Rodčenko, D . Lissitzky, V. Tatlin a ďalší majstri hľadali nové formy a dizajny rôznych predmetov. Všetky aktivity VKHUTEMAS smerovali k tomu, aby sa u študentov rozvíjali zručnosti integrovaného prístupu k navrhovaniu predmetného prostredia každodenného života a výroby.

V 20. rokoch 20. storočia sa rozvinul trend „výrobného umenia“, ktorý rozvíjal princípy funkcionalizmu a konštruktivizmu, usiloval sa v mysliach umelcov zaviesť estetický ideál racionálne organizovanej materiálovej produkcie. Akékoľvek bývalé formy umenia boli „výrobcami“ vyhlásené za buržoázne, pre proletariát neprijateľné. Z toho pramení ich popieranie nielen „prakticky zbytočného“ výtvarného umenia, ale aj všetkého čisto dekoratívneho umenia, akým je šperk.V 20. rokoch 20. storočia u nás ešte nedozreli technické a ekonomické podmienky na realizáciu ich nápadov.

VKHUTEMAS a „výrobní robotníci“ 20. rokov boli ideovo a esteticky úzko spätí s „Bauhausom“ a v rade dôležitých momentov s ním predstavovali v podstate jediný smer vtedajšieho výtvarného dizajnu. V rámci tohto nového hnutia sa formovala estetika moderného dizajnu, prekonávajúca rozpory v úžitkovom umení predchádzajúceho obdobia. Praktickou umeleckou činnosťou zakladateľov dizajnu bol aj rozvoj arzenálu výtvarných a výrazových prostriedkov umenia vytvárať veci. V ich dielach (nábytok, lampy, riad, látky a pod.) bola najväčšia pozornosť venovaná takým vlastnostiam materiálov a foriem, ako sú textúra, farba, plastická expresivita, rytmická štruktúra, silueta atď., ktoré sa stali kľúčovými v kompozičné produkty bez toho, aby boli v rozpore s požiadavkami konštruktívnej logiky a vyrobiteľnosti formy. Ďalšou oblasťou, ktorá sa u nás v 20. rokoch úspešne rozvíjala, je inžiniersky dizajn. V roku 1925 bola v Moskve podľa projektu vynikajúceho inžiniera V. Shukhova postavená slávna rádiová veža, ktorej prelamovaná silueta sa na dlhú dobu stala symbolom sovietskeho rádia. O rok skôr vytvoril J. Gakkel podľa najnovších technologických výdobytkov prvú sovietsku dieselovú lokomotívu, ktorej tvar aj dnes pôsobí celkom moderne. V 20. rokoch sa realizovala potreba vedeckého výskumu zákonitostí ľudskej činnosti v ním umelo vytvorenom objektívnom prostredí. Organizuje sa Ústredný ústav práce, v jeho stenách sa uskutočňuje výskum v otázkach vedeckej organizácie práce, kultúry výroby. Pozornosť vedcov a konštruktérov priťahujú otázky biomechaniky, organoleptiky atď. K pozoruhodným prácam tých rokov patrí projekt pracoviska vodiča električky (N. Bernshtein).

I. Gakkel. Lokomotíva. Začiatok 30. rokov 20. storočia

Dôležité miesto v kultúre XVIII storočia. obsadilo dekoratívne a úžitkové umenie. Rokoková výzdoba interiéru urobila priestor ľahkým, steny sa zdali tenké, skryté dekoratívnymi panelmi a zrkadlami, ktoré sa navzájom odrážali, dôležitú úlohu zohrávali obrazovky. Nábytok sa stáva elegantným, pôsobí krehko, nadobúda bizarné obrysy. Vo farbách tapiet a nábytku dominujú pastelové farby.

Miestnosť mala pôsobiť dojmom budoáru, (miestnosť určená len na komunikáciu s blízkymi ľuďmi).

Rokokové interiéry boli často doplnené buď autentickými čínskymi výrobkami: paravánmi, porcelánom, lakovanými maľbami alebo dekoratívnymi kompozíciami štylizovanými do čínskej maľby.

Od polovice XVIII storočia. s rozvojom neoklasicizmu sa interiérový dizajn stal jednoduchým a dosť prísnym. Ak francúzske interiéry boli vzorom rokoka, potom anglické interiéry boli vzorom neoklasicizmu. Preslávené boli najmä interiéry anglického architekta Róbert Adam(1728-1792). Umelec vytvoril kaštiele a vyzdobil ich stĺpmi, pilastrami a sochami. Tento štýl sa nazýva „Adamský štýl“. Vyznačuje sa eleganciou, dekoratívnosťou, organicky zahŕňa niekedy skutočné starožitné predmety.

V oblečení a účesoch XVIII storočia. zistia sa aj zmeny štýlu. V ére Ľudovíta XV. sa vzhľad človeka stal umeleckým dielom: záchody šľachty boli honosné a rafinované, fantastické účesy (do módy prišli parochne), čierne muchy na napudrovanej tvári sa stali zvláštnym jazykom lásky. dialóg. „Žena, oblečená a učesaná ako hračka a obutá do úzkych topánok s opätkami, musela kráčať veľmi opatrne, aby udržala rovnováhu a nerozpadla sa – to si vytvorilo zvyk plávajúcej chôdze a plynulých pohybov menuetu. . Chceli vidieť ženu ako vzácnu bábiku, rajského vtáka, nádhernú kvetinu. Takéto stvorenia sa hodili do fantastického a rozmarne vzdušného prostredia rokajových interiérov“ (2, 45).

Kostým, najmä pre ženy, sa stáva umeleckým dielom. Takýto oblek bol nepohodlný a nepraktický, no neobyčajne príťažlivý.

Pánsky oblek bol rovnako elegantný ako dámsky a volili sa jemné odtiene pastelových farieb.

Láska ku všetkému elegantnému prispela k rozkvetu šperkov a porcelánu.

Rozkvet európskeho porcelánového umenia spadá aj do polovice 18. storočia. a súvisí s rokokovým štýlom. Najznámejšie sú francúzsky porcelán z mesta Sevres a nemecký porcelán z Meissenu (Sasko). Meissenskí majstri vo svojich kompozíciách zobrazovali „galantné slávnosti“ – rafinovanú zábavu aristokratov.

Rokoko nebolo štýlom ako gotika a baroko, nestalo sa veľkým a holistickým umeleckým hnutím. Rozšírenie chutí éry Regentov pripravil samotný osud francúzskej šľachty, ktorá prosperovala v 18. storočí. len v jednom - v usporiadaní bezpečného a šťastného života. Bol to nečinný život obklopený elegantným luxusom. Umenie bolo ozdobou nečinného života francúzskej šľachty.

Osobitnú úlohu zohráva dekoratívne umenie (aj gastronómia je pozdvihnutá na úroveň umenia).

Hlavnou úlohou umenia je potešiť, samotné umenie sa stotožňuje s luxusom, hravosťou a výsmechom.

Zrkadlá sa stávajú obľúbenou nástennou dekoráciou, sú umiestnené proti sebe a poskytujú nekonečné množstvo odrazov.

Potreba luxusného tovaru vytvorila vo Francúzsku celé odvetvia umeleckej výroby vďaka práci nábytkárov, tkáčov, sochárov, šperkárov a vyšívačiek.

Obľúbenými dekoračnými motívmi rokoka sú mušle, stonky a kvety.

V oblasti dekoru sa neoklasicizmus obrátil k interiéru sály, ktoré boli zariadené v antickom štýle. Výčiny napoleonskej armády priniesli nové dekoratívne motívy: meče, zástavy. V napoleonskej dobe dochádza k zmenám v oblečení a účesoch. Šíri sa móda všetkého starožitného: od siluety a strihu šiat, pripomínajúcich chitóny a tuniky, až po voľne padajúce voľné kučery. Zmizli nielen krinolíny a fižmy, ale do módy prišli aj diamanty, vyrezávané kamene vsadené do rámu (drahokamy).

Na rozdiel od iných foriem umenia v hudbe XVIII storočia. baroko ako slohový smer mal stále široké zastúpenie. Najväčšími majstrami baroka v hudbe boli Bach a Händel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) bol najväčším hudobníkom 18. storočia a vplyv jeho hudby stále rastie. Jeho skladateľská tvorba bola napriek navonok skromnému životu prekvapivo všestranná (bol kantorom – vedúcim a dirigentom cirkevného zboru). Od detstva bol Bach hlboko náboženský a držal sa protestantskej viery. Bola to reformácia v Nemecku, ktorá vyvolala zápal protestantského chorálu (zborový chorál). Tým, že protestantizmus zjednodušil a sprísnil cirkevný obrad, zvýšil v ňom význam hudby. Kostol sa stal centrom hudobného umenia a jeho predstaviteľom bol kostolný organista. Organové umenie bolo v Nemecku mimoriadne rozšírené, a preto niet divu, že organ sprevádzal celý Bachov život. Jeho organové dedičstvo zahŕňa viacero žánrov, medzi ktorými vynikajú chorálové prelúdiá a dvojdielne polyfónne cykly. l fúga. Bachova hudba vyjadruje náboženskú pokoru, pátos, lyriku a impulzívnosť. Spolu s prirodzenosťou a jednoduchosťou sú v jeho spisoch obsiahnuté vznešenosť a význam. Medzi hudobnými výtvormi Bacha je obrovské množstvo skutočných majstrovských diel, ktoré získali celosvetové uznanie.

Vedľa Bacha vystupuje ďalšia významná osobnosť hudobného baroka - Georg Friedrich Händel(1685-1759). Svoj život prežil vo veľkých európskych mestách, získal vynikajúce hudobné vzdelanie. Hneď prvá opera Rinaldo uvedená v Londýne priniesla Händelovi slávu. Händel písal hudbu v rôznych žánroch, no vrchol jeho odkazu tvoria oratóriá (veľké vokálno-symfonické diela s rozvinutým dejom). Literárnym zdrojom skladateľových najznámejších oratórií bola prvá časť Biblie – Starý zákon. Händel žil v Anglicku a udalosti jeho politických dejín, ako aj epický rozsah biblických príbehov, nemohli nevzbudiť jeho záujem.

Skladateľa charakterizovali predovšetkým civilné témy. Pri výbere biblických predmetov Händel obdivuje silu ľudských vášní. Práve vášeň, dynamika, obraz konfrontácie boli charakteristické pre baroko.

Ak prvá polovica XVIII storočia. v hudbe bol barok definovaný ako hudobný štýl, potom sa jeho druhá polovica stala rozkvetom skladateľov viedenskej klasickej školy:

Gluck, Haydn, Mozart a Beethoven. Najvyššie úspechy klasicizmu boli spojené s Viedňou, hlavným mestom rozsiahleho rakúskeho cisárstva, mestom dokonale presýteným hudbou.

Viedenská klasická škola reagovala na nálady a myšlienky osvietenstva. Hudobné umenie odrážalo duchovné hľadania a rozporuplné umelecké procesy svojej doby. Napríklad Lessing ovplyvnil dielo Mozarta.

Princípy klasicizmu našli svoje stelesnenie v hudbe osvietenstva.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) sa zapísal do dejín hudby ako reformátor operného umenia, ktorý položil základ novému opernému štýlu. Opery, ktoré Gluck napísal, boli nezvyčajné obsahom aj spôsobom vyjadrenia pocitov postáv. Gluckove aktivity sa odohrávali vo Viedni a Paríži a súviseli aj s polemikou vo filozofii a estetike, do ktorej boli zapojení osvietenci. Kritizovali dvornú operu a verili, že antické divadlo ideálne spája hudbu, plasticitu a recitáciu.

Gluck sa snažil operu zdramatizovať, dodať jej pravdivosť a prirodzenosť. Všetky najlepšie Gluckove opery, počnúc Orfeom, boli napísané presne na antické námety, v ktorých skladateľ našiel silné postavy a silné vášne. Za Gluckovho života vyvolali jeho opery búrlivú polemiku, no čas ukázal životaschopnosť princípov a nie je náhoda, že ich realizovali aj iní vynikajúci skladatelia.

Jozef Haydn(1732-1809) takmer tri desaťročia zostal kapelníkom (vedúcim zboru a orchestrálnej kaplnky) a komponovaniu hudby sa venoval len vo svojom voľnom čase. Ak Gluck reformoval operu, tak Haydn vytvoril dokonalé symfónie. Jeho tvorivá cesta prechádzala rôznymi umeleckými obdobiami, no skladateľova tvorba bola spojená práve s vekom osvietenstva. Osvietenci verili v pokrok spoločnosti a človeka a Haydnova hudba vyjadruje optimizmus a snahu o šťastie. Haydnove výtvory sú dosť racionalistické: vyznačujú sa premyslenosťou a harmóniou, čo je v súlade aj s racionalistickými princípmi osvietenstva.

Haydn sa vo svojich oratóriách venuje téme prírody, ktorej kult bol charakteristický pre takého pedagóga, akým bol Rousseau. Práve Haydn sa stal najjasnejším skladateľom osvietenstva.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) začal skladať už v ranom veku, veľa cestoval, čoskoro sa preslávil. Tak ako Gluck, aj Mozart sa stal veľkým reformátorom opery, ktorý ju nielen symfonizoval, ale aj aktualizoval. Výberom takejto hry ako Bláznivý deň alebo Figarova svadba prejavil Mozart svoju oddanosť výchovným myšlienkam. V Čarovnej flaute skladateľ predstavuje akúsi utópiu, blízku viere osvietencov v morálny pokrok ľudstva. Mozartova hudba prekvapivo spája prirodzenosť a harmóniu, úprimnosť a dokonalosť, dokonalú čistotu a chvejúce sa vzrušenie. Najvyšším počinom Mozartovej hudby bolo slávne „Requiem“ – jeho posledná skladba.

Deutsch skladateľ Ludwig van Beethoven(1770-1827) prežil väčšinu svojho života vo Viedni. Jeho spisy tiež nesú odtlačok osvietenstva. Skladateľ sa prejavil práve v žánroch sonáty a symfónie, ktoré sa napokon formovali práve v tejto dobe. Jeho diela odhaľujú premyslenosť celej myšlienky a jednotlivých detailov, jasnosť foriem.

V jeho najznámejších dielach je stelesnená hrdinská téma, téma boja, ktorá je spojená tak s osobnosťou samotného skladateľa, ako aj s osobitosťami jeho biografie: udalosti Veľkej francúzskej revolúcie prežil ako devätnásťročný. ročná mládež. Pre Beethovenovu hudbu boli síce charakteristické myšlienky osvietenstva, ale už predstavuje novú éru, anticipujúcu romantizmus. Hudobný štýl skladateľa sa od umenia iných viedenských klasikov líši rozsahom, dramatickosťou a emocionálnou silou. Takými sú „Patetická sonáta“, Tretia symfónia („Hrdinská“), Piata a Deviata symfónia, najmä „Óda na radosť“, ktorá dopĺňa poslednú. Celý odkaz Beethovena ako celok mal obrovský vplyv na vývoj hudby, najmä na formovanie romantizmu.