concierto) - una composición musical escrita para uno o más instrumentos, con el acompañamiento de una orquesta, para permitir a los solistas mostrar virtuosismo en la interpretación. Un concierto escrito para 2 instrumentos se llama doble, para 3 - triple. En tales conciertos, la orquesta tiene una importancia secundaria, y sólo en las interpretaciones (tutti) adquiere un significado independiente. Un concierto en el que la orquesta tiene una gran importancia sinfónica se llama sinfonía.

El concierto suele constar de 3 partes (las partes extremas son en cámara rápida). En el siglo XVIII, una sinfonía en la que muchos de los instrumentos tenían solos en algunos lugares se llamaba concerto grosso. Más tarde, la sinfonía, en la que un instrumento adquiere un significado más independiente en comparación con otros, se conoció como symphonique concertante, concertirende Sinfonie.

La palabra Concierto, como nombre de una composición musical, apareció en Italia a finales del siglo XVI. Un concierto en tres partes apareció a finales del siglo XVII. El italiano Corelli (ver) es considerado el fundador de esta forma de K., a partir de la cual se desarrolló en los siglos XVIII y XIX. k para diferentes instrumentos. Los instrumentos más populares son el violín, el violonchelo y el piano. Más tarde, K. escribió Bach, Mozart, Beethoven, Schumann, Mendelssohn, Tchaikovsky, Davydov, Rubinstein, Viotti, Paganini, Viettan, Bruch, Venyavsky, Ernst, Servais, Litolph, etc. Se llama un pequeño concierto en el que las partes se fusionan. concertina.

Un concierto clásico también se denomina reunión pública en salas con una acústica de sonido especial, en la que se interpretan una serie de obras vocales o instrumentales. Dependiendo del programa, el Concierto recibe su nombre: sinfónico (en el que se interpretan mayoritariamente obras orquestales), espiritual, histórico (compuesto por obras de diferentes épocas). También se denomina academia a un concierto cuando los intérpretes, tanto solistas como en orquesta, son artistas de primer orden.

Enlaces

• Partituras de obras de concierto para banda de música

en el Concierto hay 2 partes "en competencia" entre el solista y la orquesta, esto se puede llamar una competencia.

Fundación Wikimedia. 2010 .

Vea qué es "Concierto instrumental" en otros diccionarios:

Concierto solo con instrumentos musicales, sin cantar. Diccionario de palabras extranjeras incluidas en el idioma ruso. Pavlenkov F., 1907 ... Diccionario de palabras extranjeras del idioma ruso.

Concerto (alemán Konzert, del italiano concerto - concierto, armonía, armonía, del latín concerto - compito), una pieza musical en la que una parte más pequeña de los instrumentos o voces participantes se opone a la mayoría de ellos o al conjunto completo, ... ...

instrumental- ay, ay. adj. instrumental, germen. instrumental. rel. a la herramienta de fijación. SL. 18. Las maestrías instrumentales se adquieren en la Academia de Ciencias. HOMBRE 2 59. Arte instrumental. Lomón. CAC 9 340. | música Glorioso virtuoso Sr. Hartmann, ... ... Diccionario histórico de galicismos de la lengua rusa

I Concerto (alemán Konzert, del italiano concerto concerto, armonía, armonía, del latín concerto compito) una pieza musical en la que una parte más pequeña de los instrumentos o voces participantes se opone a la mayoría de ellos o al conjunto completo, ... .. . Gran enciclopedia soviética

1. interpretación pública de música Inicialmente, la palabra concierto (consort) significaba más una composición de intérpretes (por ejemplo, un consort de violas) que un proceso de interpretación, y se usó en este sentido hasta el siglo XVII. Hasta ese momento, música seria... ... Enciclopedia Collier

concierto- a, m.1) Actuación pública de artistas según un programa específico precompilado. Organiza un concierto. Para ir a un concierto. Concierto sinfónico. 2) Una pieza musical para uno o más instrumentos solistas y orquesta. Concierto… … Diccionario popular de la lengua rusa.

- (alemán Konzert, del italiano concerto concert, literalmente competición (voces), del latín concerto compito). Una obra para muchos intérpretes, en la que una minoría de los instrumentos o voces participantes se oponen a la mayoría o a todos ellos... ... Enciclopedia de música

Concierto- (del italiano y latín concerto consent, competición) 1) Instr., wok. instrumento o wok. género, ventajas. cíclico, con descomposición de oposición. Actuarán participantes y grupos. composición. K. es generado por la idea de la creatividad. competiciones, juegos, rivalidades, ... ... humanitario ruso diccionario enciclopédico

CONCIERTO- (It. concerto, concierto francés, Konzert alemán), 1) ejecución pública de música. obras (sinfónica, iglesia, orquesta militar, concierto de jardín, etc.). 2) Música principal. una pieza para cualquier instrumento solista con acompañamiento orquestal... diccionario musical de riemann

Planta La planta de herramientas de Sestroretsk lleva el nombre de V.I. Planta de armas S.P. Voskova Sestroretsk ... Wikipedia

Libros

• Música bielorrusa de la segunda mitad del siglo XX. Lector, . La colección incluye obras de compositores bielorrusos creadas en la segunda mitad del siglo XX. Presenta obras de varios géneros: canción (incluido el folklore), romance, cámara…

El concierto para piano es uno de los géneros más significativos y buscados en el mundo de la música. La naturaleza de género del concierto, concretada por el dinamismo, la lógica de juego desarrollada y la capacidad de transmitir colisiones profundas de la vida, resultó ser muy atractiva para compositores de diversos estilos temporales y temporales. tradiciones nacionales. Representantes de clasicismo vienés, en cuya obra el concierto instrumental solista recibió la cristalización final.

El estudio del género del concierto para piano determina el campo de interés científico de musicólogos como: L. N. Raaben ("Concierto instrumental soviético"), I. I. Kuznetsov ("Concierto para piano" (sobre la historia y la teoría del género)), M. E. Tarakanov ( "Concierto instrumental"), G. A. Orlova ("Concierto para piano soviético"). Los trabajos de A. V. Murga, D. I. Dyatlov, B. G. Gnilov demuestran perspectivas significativas de las últimas tendencias en el análisis del género, desde el punto de vista de la práctica escénica; el género y los aspectos históricos del concierto para piano se analizan en publicaciones científicas de D. A. Nagin, O. V. Podkolozin, Sh. G. Paltajanyan y otros requieren un estudio más profundo. Esta circunstancia determinó meta publicaciones: para explorar las características del origen y desarrollo del género del concierto para piano. Para lograr este objetivo, los siguientes Tareas publicaciones:

1. Explore la génesis del género de conciertos instrumentales;
2. Analizar los orígenes de la formación y desarrollo del género de los conciertos para piano;
3. Revelar la especificidad de género del concierto para piano.

El movimiento histórico de la música se refleja claramente en el destino de los géneros musicales. La conexión viva de los tiempos se manifiesta claramente en el ejemplo de un concierto instrumental, uno de los géneros más antiguos. musica europea. Según los investigadores, la etimología de la palabra "concert" se asocia con el italiano "concertare" ("acordar", "llegar a un acuerdo") o con el latín "concertare" ("disputar", "luchar"), porque la relación entre el instrumento solista y la orquesta contiene elementos de "asociación" y "rivalidad". Tradicionalmente, un concierto se define como una pieza musical de uno o varios movimientos para uno o más instrumentos solistas y una orquesta.

Una de las variedades del concierto instrumental es el concierto para piano. Dado que la historia del desarrollo del concierto para piano no puede separarse de la génesis del concierto instrumental en su conjunto, exploraremos las características del origen de este género musical único. Los orígenes del concierto para piano se remontan a un pasado musical lejano. Nos centramos en el hecho de que hasta finales del siglo XVII. el concierto instrumental como género independiente no existía. El concepto de "concierto" se descubrió por primera vez en la vida cotidiana musical del siglo XVI. Esta definición se utilizó para referirse a obras vocales e instrumentales. Se denominaban conciertos corales a las composiciones espirituales con acompañamiento instrumental. Como ejemplo, conviene mencionar los conciertos de G. Gabrieli, L. da Viadana y G. Schütz. El surgimiento del género de concierto instrumental está asociado con el surgimiento del estilo homofónico en la música. En esta etapa, los compositores, como nunca antes, buscaron enfatizar el significado principal del principio melódico, expresado por el instrumento solista, en oposición a la orquesta acompañante. La competencia entre el instrumento musical solista y la orquesta actualizó la importancia del comienzo virtuoso en el género del concierto. La práctica de conjuntos instrumentales y las tradiciones de tocar instrumentos musicales juntos, que se remontan a la música folclórica en cultura europea edades medias.

Cabe señalar que durante el período en estudio, la orquesta (en el sentido moderno) no existía. Eran populares las asociaciones de conjuntos de músicos, cuyos intereses y preferencias determinaban formas estables de combinar instrumentos. Una característica de los conjuntos de concierto del siglo XVII. era la participación obligatoria de la llamada fiesta Continuo, generalmente encomendada al clavicémbalo. Este instrumento actuó como la cabeza del conjunto, su director, cimentando así el sonido general. Fue en este momento que el principio principal de la ejecución de conciertos, el principio de competencia y competencia, penetra en el género del concierto instrumental. La forma de la competencia asumió una conexión orgánica entre la coordinación y las artes marciales, una combinación de un líder y un acompañante, y la coordinación mutua de sus esfuerzos. El clavicémbalo apoyó o dobló la voz del bajo y llenó el llamado "piso medio" espacio musical. Y, sin embargo, lo principal no estaba tanto en las propiedades externas de la música de concierto del siglo XVII, sino en la naturaleza interna, característica de la conciencia musical de los europeos del período en estudio. El nuevo género del concierto instrumental tenía mucho en común con la suite de danza.

Maestro del concierto instrumental del siglo XVII. es A. Corelli - el autor de la primera diseños clásicos género Concierto Grosso ( gran concierto), basado en la yuxtaposición del solista ripieno y el acompañamiento de Grosso. Los conciertos de A. Corelli, por regla general, son de varias partes. El compositor incluyó en los conciertos de cuatro a siete partes, así como pequeños Adagios, que sirven de enlace entre las partes rápidas. unidad musical El Concierto Grosso de A. Corelli también se manifestó en la preservación de la tonalidad principal en todas las partes. La música de casi todos los conciertos de este increíble maestro italiano es patética, a veces puedes escuchar una melodía lírica en ella, puedes sentir la conexión con los orígenes populares.

Un lugar especial en la historia del desarrollo del concierto instrumental de los siglos XVII - XVIII. Pertenece al compositor italiano, virtuoso violinista A. Vivaldi. En los conciertos de este brillante compositor, se desarrolló una estructura típica de un concierto instrumental, que asumió una forma de tres partes. Si en el Concerto Grosso de A. Corelli, los breves episodios solistas forman un todo cerrado, entonces en A. Vivaldi las partes de los solistas nacen de un vuelo ilimitado de la fantasía y tienen lugar en una presentación improvisada libre. En los conciertos de A. Vivaldi, la escala de ritornellos orquestales aumenta, y toda la forma adquiere un nuevo carácter dinámico. El creador del concierto en solitario se esforzó por lograr sonidos brillantes e inusuales, mezcló los timbres de diferentes instrumentos y, a menudo, incluyó disonancias en la música.

Cabe señalar que los conciertos de A. Vivaldi brindaron a los músicos amplias oportunidades para mostrar su virtuosismo y demostrar su perfecto dominio del instrumento. Surgen ciertos diálogos de concierto entre los solistas y el resto de participantes en la acción concertante. Fue en los conciertos de A. Vivaldi que la alternancia de solo y tutti se convirtió en un signo genérico del concierto Allegro. Además, la característica definitoria de esta forma es la rondalidad, que se convierte en una consecuencia de la naturaleza afirmadora de la vida del concierto instrumental del siglo XVII y principios del XVIII. Un vívido ejemplo del estilo de los conciertos instrumentales de A. Vivaldi es el ciclo "Las estaciones".

Una nueva etapa en la evolución del concierto instrumental está asociada con el trabajo de representantes del barroco tardío: J. S. Bach y G. F. Handel. Los descubrimientos de estos maestros del pensamiento musical en el campo del concierto instrumental se convirtieron en una visión de un futuro lejano. La abundancia de contrastes tímbricos, la variedad de combinaciones rítmicas, la intensa interacción entre el solista y el conjunto-orquesta: todo esto contribuye a la complicación y lectura más profunda del concierto. Por lo tanto, un ejemplo sorprendente de las habilidades de concierto de J. S. Bach son los "Conciertos de Brandenburgo" para varios conjuntos instrumentales, el "Concierto italiano", que confirmó el significado independiente del clave como instrumento de concierto. Nos centramos en el hecho de que fueron los conciertos para clave de J.S. Bach los que determinaron el vector de desarrollo del futuro concierto para piano. Como atestiguan los investigadores, J. S. Bach trabajó durante mucho tiempo en el campo del género concertístico; conciertos para violín cuidadosamente estudiados maestros italianos, hizo transcripciones de conciertos de violín para el clavier. Luego, el compositor comenzó a escribir sus propios conciertos para violín y a transcribirlos. Más tarde, JS Bach pasó a escribir sus propios conciertos para clave. Cabe señalar que al crear conciertos para clave, J.S. Bach sigue la tradición y la experiencia de los maestros italianos, lo que se expresa en una estructura cíclica de tres partes, textura ligera, expresividad melódica y virtuosismo.

En un concierto instrumental solista, un profundo base vital creatividad de G. F. Handel. No es coincidencia que en una carta a uno de los amigos de M. I. Glinka escribió: "Para música de concierto: Handel, Handel y Handel". El pináculo de lo instrumental creatividad de concierto de este asombroso maestro son el Concerto Grosso - los grandes tesoros de la música orquestal del siglo XVIII. Estas obras se distinguen por el rigor clásico y la moderación de la escritura. Hablando de la festividad de este género en H. F. Handel, uno podría definir su estilo como "barroco de Handel" y caracterizarlo como enérgico, vivo, brillante con contrastes brillantes y abundancia de ritmos brillantes. Los conciertos de G. F. Handel son estrictos en melodía y textura, más concisos en estructura compositiva. En términos de música, Concerto Grosso es predominantemente homofónico. La estructura de cada ciclo es variada (de dos a seis partes); cada concierto se caracteriza por conexiones de género especiales, una cierta imagen figurativa y poética. Así, las tradiciones establecidas en la música de concierto del siglo XVII se desarrollaron a lo largo del siglo XVIII.

Los creadores de un nuevo tipo de concierto instrumental fueron representantes del clasicismo vienés. Es en la obra de los clásicos vieneses que el concierto instrumental se convierte en un nuevo género de música de concierto, que difiere del anterior ConcertoGrosso, así como del concierto para solista del siglo XVII. En el estilo clásico, cambia la apariencia de las composiciones cíclicas, se establece un estricto ciclo normativo de tres partes, con una acentuación de la primera parte de la sonata Allegro.

Las composiciones de concierto de J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. van Beethoven no son inferiores a sus sinfonías en cuanto a su sonido, en cuanto a la escala del desarrollo del material temático, y combinan los principios de solo y concierto. música sinfónica, que es característica de este género en su conjunto.

A pesar de que el concierto instrumental entre los clásicos vieneses estaba relacionado con las sinfonías, el género estudiado no es una especie de sinfonía. El concierto en la era del clasicismo actúa como un género independiente, consolidado y con ciertas características. Es muy importante la composición de la orquesta, donde el grupo de cuerdas es fundamental, se complementa con un grupo de instrumentos de viento y metal, y ocasionalmente se utilizan instrumentos de percusión. La práctica del continuo está prácticamente liquidada: los instrumentos de teclado dejan la composición principal de la orquesta. El instrumento solista (violín o piano) se convierte en un participante igualitario en la competencia del concierto, el diálogo del concierto. El solista y la orquesta se acercan en sus técnicas de interpretación, creando así las condiciones para una interacción más estrecha. La inclusión de nuevos temas, la variabilidad de funciones en la presentación de un tema, indica la formación de un nuevo tipo de interacción entre el solista y la orquesta.

La novedad del concierto para piano clásico también estaba en el método de mostrar la emoción. Si el concierto instrumental barroco fijó una emoción inmóvil, entonces el concierto clásico demostró la transferencia de afectos en movimiento, desarrollo, contraste interno. El concierto barroco estable fue reemplazado por un concierto clásico dinámico.

La imagen del proceso de experiencias, el cambio de afecto, la imagen de los movimientos espirituales, requería una forma musical especial. La implementación de la tarea semántica dada fue la forma de sonata, cuyas funciones eran fortalecer la inestabilidad inicial, agudizarla y solo al final lograr el equilibrio. Escala, selección de atípicos. composiciones orquestales, la monumentalidad de los ciclos del concierto para piano clásico contribuyó a la activación del proceso de emancipación de las fronteras del género concertístico. Como resultado de estos supuestos innovadores, los compositores tienen más oportunidades de realizar sus propias ideas artisticas. Cabe señalar que además de la dramaturgia musical, la forma del concierto para piano clásico demuestra una actitud hacia la cadencia y la temática que no es propia de los conciertos de épocas anteriores, la relación entre el solista y la orquesta se transforma.

Como atestiguan los investigadores, el género del concierto para piano clásico se puede comparar con acción teatral, en la que la lógica del juego musical actúa como la lógica de las situaciones del juego, se convierte en la lógica de la acción escénica, lo que permite que el género del concierto realice una dramaturgia compleja y un subtexto autoral oculto.

La actitud de los compositores e intérpretes hacia la cadencia también fue una innovación que determinó la aparición del concierto para piano de la era del clasicismo. Como atestiguan los investigadores, en el género concertístico de las épocas anteriores al clasicismo se prestó especial atención a las cadencias. En el siglo XVIII, cuando floreció el arte de la improvisación libre, las cadencias se consideraban el "punto culminante" de la interpretación. Fueron las cadencias las que demostraron el ingenio creativo, así como el virtuosismo del intérprete. La cadencia tenía que corresponder al estado de ánimo general de la obra e incluir sus temas más importantes. Todo virtuoso de clase alta tenía que dominar este arte. La capacidad de improvisar no era solo el deber del músico, sino también el derecho que usaba al interpretar las composiciones de otras personas (de autor).

Cabe señalar que las cadencias que se encuentran en los conciertos instrumentales barrocos causaron mucho tormento para los intérpretes inexpertos que no tenían experiencia en la improvisación. Muchos artistas aprendieron cadencias de antemano. Gradualmente, las cadencias insertadas comenzaron a ser eliminadas de los conciertos. Fue durante el período del clasicismo vienés cuando se produjo un cambio radical en la naturaleza de las construcciones cadenciales, que completó la transición de las cadencias del marco de la cultura de la improvisación a una tradición puramente escrita. En la forma de concierto clásica formada, la cadencia, como solo de un intérprete virtuoso, era una parte obligatoria de la forma. El primer paso en esta dirección lo dio L. van Beethoven, quien inscribió toda la cadencia en notas completas en su Quinto Concierto. En el concierto para piano de la era del clasicismo, eran comunes las cadencias virtuosas más complejas. El comienzo de una cadencia se enfatizaba con mayor frecuencia mediante un acorde brillante o un pasaje virtuoso. En el momento del sonido de este fragmento del concierto, la atención del oyente se agudizó muchas veces. Los principios por los que se construyó la cadencia se concretan en elementos de sorpresa, un brillante comienzo virtuoso y vistosidad. Explorando las características de la formación y desarrollo de una cadencia en un concierto para piano, es recomendable citar las reglas de la “Escuela de Piano” de D. G. Türk: “La cadencia no solo debe apoyar la impresión que produce una pieza musical, sino , en la medida de lo posible, fortalecerlo. La forma más segura de lograrlo es exponer en una cadencia extremadamente concisa las ideas principales más importantes o recordarlas con la ayuda de turnos. Por lo tanto, la cadencia debe estar estrechamente relacionada con la pieza que se está interpretando y, además, extraer principalmente su material de ella. Una cadencia, como cualquier ornamentación libre, no debe consistir en dificultades introducidas deliberadamente, sino en pensamientos que correspondan al personaje principal de la obra.

El concierto para piano de la época clásica es un género en el que el tema musical se afirma, no sólo como portador de una cierta expresividad, sino también como imagen artistica, que contiene el potencial para el desarrollo. Es en los conciertos para piano que los compositores de la escuela clásica vienesa logran el más alto dominio en el campo del desarrollo temático, la elaboración, utilizando una variedad de técnicas: cambio de tonalidad, armonización, ritmo y elementos melódicos. También es característica la división del tema en motivos separados, que a su vez sufren diversas transformaciones y se combinan entre sí de diferentes maneras. El material temático de los conciertos para piano de los clásicos vieneses se distingue por el relieve figurativo y la especificidad individual.

Entre las fuentes musicales más importantes se encuentra la música folclórica. Basándose en la riqueza del arte de la canción popular, los representantes de la escuela clásica vienesa llegaron a una nueva comprensión de la melodía, sus funciones y posibilidades.

El tema musical de los conciertos para piano de los clásicos vieneses, que fue influenciado por el estilo italiano del belcanto, está marcado por una originalidad especial. Como dijo G. F. Teleman: “El canto es la base universal de la música. Quien retome la composición deberá cantar en cada una de las partes. Quien toca instrumentos debe ser versado en el canto. Dado que el belcanto implica una combinación de bella cantilena y ornamentación virtuosa, dos tipos de temas se destacan en los conciertos para piano clásico: temas cercanos a la cantilena vocal y complejos temáticos virtuosos. En este sentido, el solista aparece en dos roles: como un músico inspirado y un intérprete virtuoso.

Los representantes de la escuela clásica vienesa se dieron cuenta de manera bastante interesante y diversa en el género del concierto para piano, despertando así el interés y el desarrollo de este género en la era del romanticismo, así como en el trabajo de los compositores del siglo XX.

Como propiedades específicas más importantes del género del concierto para piano, los investigadores tradicionalmente destacan las siguientes: lógica de juego, virtuosismo, improvisación, competitividad y ejecución de concierto.

El principio formador de género del concierto clásico es el juego. Es en el concierto instrumental donde se realizan más plenamente los componentes clave del juego: la oposición de varios principios y la competitividad. En musicología, E. V. Nazaikinsky utilizó el concepto de lógica musical de juegos. En el brillante trabajo del científico ("La lógica de la composición musical"), la definición de la definición en estudio se presenta como la lógica de la interpretación del concierto, la colisión de varios instrumentos y grupos orquestales, varios componentes del tejido musical, diferentes líneas de comportamiento, que juntos forman una imagen teatral "estereofónica" de una acción en desarrollo. Dado que el concepto de tocar es definitorio para el género de concierto, detengámonos en sus características con más detalle.

La siguiente definición de juego se presenta en la literatura enciclopédica: “un juego es un tipo de actividad improductiva significativa, donde el motivo radica tanto en su resultado como en el proceso mismo”.

El juego es un atributo de cualquier espectáculo musical y teatral. Entre los conceptos modernos del juego, un lugar especial lo ocupa la teoría del historiador cultural holandés J. Huizinga, quien consideró la función culturológica del juego en su desarrollo histórico. Los trabajos del científico dicen que el "juego" es, ante todo, una actividad libre. Jugar por mando ya no es un juego. J. Huizinga encuentra la relación entre música y juego a través de intentos de encontrar términos comunes para ambos conceptos. “El juego está fuera de la prudencia de la vida práctica, fuera de la esfera de la necesidad y el beneficio. Lo mismo se aplica a la expresión musical ya las formas musicales. Las leyes del juego operan fuera de las normas de la razón, el deber y la verdad. Lo mismo ocurre con la música... En toda actividad musical hay un juego. Ya sea que la música sirva para el entretenimiento y la alegría, o busque expresar una gran belleza, o tenga un propósito litúrgico sagrado, siempre sigue siendo un juego.

El juego se desarrolla ante el oyente como una fascinante cadena de eventos, cada uno de los cuales, siendo una respuesta al anterior, a su vez da lugar a nuevas respuestas o una nueva corriente de pensamiento. La lógica del juego se desarrolla en la música como tocar un instrumento. Como señaló el gran compositor alemán R. Schumann, “la palabra “tocar” está muy bien, ya que tocar un instrumento debería ser lo mismo que tocar con él. Quien no toca con el instrumento, tampoco tocamos en él.

En el género de los conciertos, la lógica del juego es de gran importancia. La gradación de la dinámica en el microcosmos de la lógica del juego a menudo actúa como un medio para contrastar comparaciones, intrusiones y acentos inesperados. Como señala E. V. Nazaikinsky, a nivel de composición, la lógica del juego puede manifestarse en una interpretación especial de la forma. En la sintaxis - en "figuras de juego" especiales. Como tales "figuras de juego", el científico identifica tales como: cambio de modo, trampa de entonación, invasión, contestación, réplica de segundo, repetición progresiva imperceptible, golpe de ruptura, golpe, superposición, fusión, superación de un obstáculo, tono atascado, recogida de variante , error del juego, etc. Cabe señalar que tanto ciertas construcciones temáticas como pequeños motivos, breves pistas musicales pueden actuar como participantes en la acción del juego. Su combinación es la base de la lógica del juego instrumental.

La naturaleza lúdica del concierto para piano se realiza a través del virtuosismo. Hacemos hincapié en que el elemento definitorio del virtuosismo es la habilidad interpretativa del músico, que debe ser mucho mejor que el intérprete medio. Virtuoso (del italiano virtuoso - del lat. Virtus - valor, talento) - un artista que domina magistralmente la técnica del arte. La primera mención de "virtuosi" está asociada con Italia en los siglos XVI y XVII. Este término destinado a una persona destacada en cualquier campo intelectual o artístico. El término ha evolucionado con el tiempo, expandiéndose y contrayéndose simultáneamente en su alcance. Inicialmente, a los músicos se les otorgaba esta clasificación, ya fueran compositores, teóricos o maestros famosos, que era más importante que la interpretación magistral.

Un concierto como género presupone una manifestación públicamente demostrativa de la habilidad de un músico ejecutante y su virtuosismo. Al mismo tiempo, el virtuosismo está subordinado al contenido interno de la música y es un elemento orgánico de la imagen artística. También cabe señalar que el virtuosismo no expresa nada más que un principio artístico. personalidad humana y forma parte del estilo interpretativo del propio músico. Por primera vez, la unidad orgánica de virtuosismo y melodía se encarna en el género del concierto. El virtuosismo por parte del solista, por un lado, lo convierte en un líder en el diálogo con la orquesta, y por otro, contribuye a la "sociabilidad" del propio género concertístico.

Un principio igualmente importante que determina la naturaleza del género de un concierto para piano es el principio de competencia. Cabe señalar que la idea de competencia tiene sus raíces en antigua Grecia donde nacieron Juegos olímpicos. Hasta ahora, la competitividad determina casi todas las esferas de la vida humana, contribuye a expresión creativa, así como la autorrealización creativa del individuo. El principio de competencia en música, en particular en un concierto instrumental, no implica confrontación “en serio”. La competitividad del concierto es una situación condicional donde se siente la atmósfera de diálogo, expresada en la “comunicación” de los principales participantes de la competencia. Por lo tanto, la competencia en el concierto es solo una imagen idealizada de la confrontación entre el solista y la orquesta. La competitividad implica una alternancia entre las réplicas del solista y las actuaciones de la orquesta, por lo que algunas reflexiones pueden aparecer tanto en la parte del participante principal en la competencia, como en una presentación puramente orquestal, junto con el solista o sin su participación. Cabe señalar que en una competición de conciertos, como en cualquier acción de juego, no es tanto el resultado (¿quién es el primero?) lo importante, sino la acción en sí misma, como el hecho de la existencia de tal enfrentamiento.

Varios tipos de correlación entre la orquesta y el solista, que determinan las formas específicas de organización textural del material musical, así como la instrumentación del concierto, se concretan en los principios de la interpretación del concierto. Nos centramos en el hecho de que el principio de la ejecución de conciertos se aplicó por primera vez en Italia, entre los siglos XVI y XVII, en la interpretación de conciertos vocales e instrumentales. Sin embargo, confiando en Investigación científica historiador musical alemán A. Schering, podemos hablar de más origen antiguo este principio Según el investigador, sus orígenes “…se remontan a la antigüedad, al canto de alternancia en la tragedia griega y a los salmos de los antiguos judíos, que luego vuelven a encontrarse en la Edad Media como antíforas en el ritual católico. " Este es un indicio del origen musical-dramático de los conciertos. Según B. V. Asafiev, es a través de la interpretación del concierto que se realiza el diálogo instrumental característico del concierto, basado en la revelación de los impulsos inherentes a la tesis, que pueden ser interpretados por una variedad de elementos, hasta el canto o "el más simple". conjugación de sonidos”, por no hablar de construcciones extendidas del tipo tema melódico.

La tecnología de la interpretación de conciertos, es decir, la interacción del solista con la orquesta en el género del concierto, nació en los conciertos de A. Vivaldi. Los puntos fundamentales son la alternancia de tutti y solo, género y programación, el uso del timbre, medios de expresión dinámicos y rítmicos. La combinación de estas características, en una combinación armoniosa, aumenta el significado y la relevancia del principio del concierto. Cabe señalar que en la era de los clásicos vieneses, este principio cambia significativamente. El concierto se vincula estrechamente con el desarrollo temático. Se prevé la improvisación (cadenza) del solista. La parte del solista tiene el carácter de virtuosismo ornamental.

La implementación de la autoexpresión libre y creativa en un concierto para piano es el principio de la improvisación. Este principio simboliza la manifestación más alta de la naturaleza lúdica del concierto para piano. La improvisación es consecuencia de la iniciativa creativa espontánea del músico-intérprete. La esencia de la improvisación radica en nuevos elementos de la interpretación de la obra y aspectos expresividad musical.

Vale la pena señalar que el papel de la improvisación fue importante en las actividades de los músicos en el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. Según la práctica de la época, el pianista debía usar los motivos de la música anterior en una improvisación relajada, pero también podía tejer en ella temas nuevos y extraños. En los conciertos instrumentales de esta época, hay episodios musicales donde la orquesta está en silencio y el solista tiene la oportunidad de mostrar su habilidad e imaginación. Se sabe que tanto W. A. ​​Mozart como L. van Beethoven fueron grandes improvisadores, lo que quedó reflejado en sus conciertos para piano.

La velocidad de la reacción artística, el brillo de las imágenes que aparecen de repente, el ingenio en su cambio brusco: estas son las cualidades que debe poseer un improvisador. Las introducciones del solista, las repentinas iluminaciones variacionales de los temas, su yuxtaposición, los contrastes de armonía, el color orquestal están marcados por la sorpresa de la improvisación. Pero estos cambios se mantienen unidos por una sabia lógica musical. La naturaleza de improvisación también es característica de las cadencias de un concierto clásico, pero el principio de improvisación en las cadencias de un concierto para piano clásico estaba estrictamente regulado.

Así, habiendo estudiado las características del origen y desarrollo del concierto para piano, así como analizando las especificidades de su naturaleza de género, llegamos a la conclusión de que el concierto para piano es uno de los géneros monumentales más grandes de la música instrumental. El surgimiento del género en estudio está asociado con el surgimiento del estilo homofónico en la música. La cristalización de las principales características de género del concierto (estructura de contraste de varias partes, el principio de competencia e improvisación, imágenes vívidas) se lleva a cabo en la era barroca (obra de A. Vivaldi, A. Corelli, J. S. Bach, G. F. Haendel.). Los maestros del "clasicismo vienés" (J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. van Beethoven) abrieron un nuevo hito en la historia del desarrollo del género de los conciertos para piano. El concierto para piano de estos innovadores del vocabulario musical se distingue por la escala de la idea, la dramatización de las imágenes musicales, la brillantez de la melodía, el desarrollo sinfónico del material temático, el virtuosismo con una gran conexión orgánica entre el solista y la orquesta. La esencia del género del concierto para piano se especifica por los siguientes principios: lógica de juego, virtuosismo, improvisación, competitividad, interpretación de concierto. Los principios indicados determinan no sólo las características de la estructura y contenido del concierto, sino que también forman el campo de tareas y métodos para su solución en la práctica interpretativa del pianista.

Los resultados presentados en el documento no pretenden ser un estudio completo del problema analizado y sugieren un mayor desarrollo. Es recomendable estudiar las características de la implementación de la naturaleza de género del concierto en ejemplos específicos de obras de concierto de compositores clásicos, así como representantes de la cultura musical del segundo. mitad del XIX – principios XXI en.

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10. Huizinga J. Homo Ludenss. En la sombra mañana/ J. Huizinga. - M. : Progreso, 1992. - 464 p.

PRISHCHEPA N. A. CONCIERTO DE PIANO: HISTORIA, TEORÍA DE LA CUESTIÓN

Esta publicación presenta un análisis del género del concierto para piano como una variedad de música instrumental. Se esbozan las características del desarrollo histórico del género estudiado. Se revelan y analizan las características estructurales y de género del concierto.

Palabras clave: concierto para piano, género, estructura, forma musical.

PRISCHEPA N.A. CONCIERTO PARA PIANO: HISTORIA, TEORÍA DE LA CUESTIÓN

El artículo trata del análisis del género de concierto para piano como forma de música instrumental. Se definen las características del desarrollo del género. Se analizan las características estructurales y de género del concierto para piano.

Palabras clave: concierto para piano, género, estructura, forma musical.

Alemán Konzert, del italiano. concierto - concierto, lit. - competición (votos), del lat. concierto - competir

Una obra para muchos intérpretes, en la que una pequeña parte de los instrumentos o voces participantes se oponen a la mayoría oa todo el conjunto, destacándose por la temática. alivio de la música. sonido material, colorido, utilizando todas las posibilidades de instrumentos o voces. De finales del siglo XVIII los más comunes son los conciertos para un solo instrumento con orquesta; los conciertos para varios instrumentos con orquesta son menos comunes: "doble", "triple", "cuádruple" (en alemán: Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Las variedades especiales son K. para un instrumento (sin orquesta), K. para una orquesta (sin partes solistas estrictamente definidas), K. para una voz (voces) con orquesta, K. para un coro a cappella. En el pasado, la música vocal-polifónica estaba ampliamente representada. K. y concierto grosso. Los requisitos previos importantes para el surgimiento de K. fueron el coro múltiple y la yuxtaposición de coros, solistas e instrumentos, que fueron ampliamente utilizados por primera vez por representantes de la escuela veneciana; composiciones de partes solistas de voces e instrumentos. La k más antigua surgió en Italia a finales de los siglos XVI y XVII. wok iglesia polifónica. música (Concerti ecclesiastici para doble coro A. Banchieri, 1595; Motetes para canto a 1-4 voces con bajo digital "Cento concerti ecclesiastici" de L. Viadana, 1602-11). En tales conciertos, varios composiciones - de grandes, incluyendo numerosas. wok e instr. fiestas, hasta numerar sólo unos pocos woks. partes y la parte del bajo general. Junto con el nombre de concierto, las composiciones del mismo tipo a menudo llevaban los nombres de motetti, motectae, cantios sacrae y otros.La etapa más alta en el desarrollo del trabajo de la iglesia. K. polifónico. estilo representan surgido en el 1er piso. siglo 18 cantatas de J. S. Bach, a las que él mismo llamó concerti.

El género K. ha encontrado una amplia aplicación en ruso. iglesia música (finales del siglo XVII) - en obras polifónicas para coro a cappella, relacionadas con el campo del canto a partes. La teoría de la "creación" de tales cristales fue desarrollada por N. P. Diletsky. Rus. Los compositores desarrollaron mucho la técnica polifónica de las campanas de iglesia (obras para 4, 6, 8, 12 o más voces, hasta 24 voces). En la biblioteca del Coro Sinodal en Moscú, había hasta 500 K. de los siglos XVII-XVIII, escritos por V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin y otros. El desarrollo del concierto de la iglesia continuó en finales del siglo XVIII. M. S. Berezovsky y D. S. Bortnyansky, en cuyo trabajo prevalece el estilo melódico-ariose.

En el siglo XVII, originalmente en Italia, el principio de "competencia", "competencia" de varias voces solistas ("concierto") penetra instr. música - en la suite y la iglesia. sonata, preparando la aparición del género del cine instrumental (Balletto concertata P. Melli, 1616; Sonata concertata D. Castello, 1629). La contraposición ("competencia") de la orquesta (tutti) y los solistas (solo) o del conjunto de instrumentos solistas y la orquesta (en el concerto grosso) se basan en las surgidas a finales del siglo XVII. los primeros ejemplos de K. instrumental (Concerti da camera a 3 con il cembalo G. Bononcini, 1685; Concerto da camera a 2 violini e Basso continuo G. Torelli, 1686). Sin embargo, los conciertos de Bononchini y Torelli fueron solo una forma de transición de la sonata a la K., que en realidad se convirtió en el primer piso. siglo 18 en la obra de A. Vivaldi. K. de esta época era una composición de tres partes con dos partes extremas rápidas y una parte media lenta. Las partes rápidas generalmente se basaban en un tema (rara vez en 2 temas); este tema se tocó en la orquesta sin cambios como un estribillo-ritornello (un allegro monotémico de tipo rondal). Vivaldi creó concerti grossi y solo K. - para violín, violonchelo, viola damour, varios espíritus. instrumentos. La parte del instrumento solista en los conciertos solistas al principio desempeñó principalmente funciones vinculantes, pero a medida que el género evolucionó, adquirió un carácter temático y de concierto cada vez más pronunciado. independencia. El desarrollo de la música se basó en la oposición de tutti y solo, cuyos contrastes fueron enfatizados por la dinámica. medio. Predominó la textura figurativa del suave movimiento de un almacén puramente homofónico o polifónico. Los conciertos de solista, por regla general, tenían el carácter de virtuosismo ornamental. La parte central estaba escrita en estilo ariose (generalmente el aria patética del solista contra el acompañamiento de cuerdas de la orquesta). Este tipo de K. recibido en el 1er piso. siglo 18 distribución general. También le pertenecen los conciertos para clave creados por J. S. Bach (algunos de ellos son arreglos de sus propios conciertos para violín y de los conciertos para violín de Vivaldi para 1, 2 y 4 claves). Estas obras de J. S. Bach, así como K. para clave y orquesta de G. F. Handel, marcaron el comienzo del desarrollo del piano. concierto. Handel es también el antepasado del órgano K. Además del violín y el clavier, el violonchelo, la viola damour, el oboe (que a menudo servía como sustituto del violín), la trompeta, el fagot, la flauta travesera, etc. instrumentos

En el 2do piso. siglo 18 formó un clásico un tipo de k. instrumental solista, claramente cristalizado en los clásicos vieneses.

En K. se estableció la forma de sonata-sinfonía. ciclo, pero en una refracción peculiar. El ciclo de conciertos, por regla general, constaba de solo 3 partes; carecía de la 3.ª parte de un ciclo completo de cuatro partes, es decir, el minueto o (más tarde) scherzo (más tarde scherzo a veces se incluye en K. - en lugar de una parte lenta, como, por ejemplo, en el 1er K. para violín y orquesta de Prokofiev, o como parte de un ciclo completo de cuatro movimientos, como, por ejemplo, en los conciertos para piano y orquesta de A. Litolf, I .Brahms, en el 1º K. para violín y orquesta Shostakovich). También se establecieron ciertas características en la construcción de partes individuales de K. En la primera parte, se aplicó el principio de doble exposición: al principio, los temas de las partes principal y secundaria sonaron en la orquesta en la parte principal. claves, y solo después de eso, en la segunda exposición, se les presentó el papel principal del solista, el tema principal en el mismo núcleo. tonalidad, y el lado uno - en otro, correspondiente al esquema de la sonata allegro. La comparación, la competencia entre el solista y la orquesta se daba principalmente en el desarrollo. Comparado con el preclásico muestras, el principio mismo de la interpretación de conciertos ha cambiado significativamente, un corte se ha conectado más estrechamente con la temática. desarrollo. K. proporcionó la improvisación del solista sobre los temas de la composición, los llamados. cadenza, que se ubicaba en la transición al código. En Mozart, la textura de K., siendo predominantemente figurativa, es melódica, transparente, plástica, en Beethoven está llena de tensión de acuerdo con la dramatización general del estilo. Tanto Mozart como Beethoven evitan cualquier cliché en la construcción de su K., apartándose a menudo del principio de doble exposición descrito anteriormente. Los conciertos de Mozart y Beethoven constituyen las cumbres más altas en el desarrollo de este género.

En la era del romanticismo, hay una desviación de lo clásico. la proporción de partes en K. Los románticos crearon una K. de una parte de dos tipos: una forma pequeña, la llamada. una pieza de concierto (más tarde también llamada concertino), y una forma grande, correspondiente en construcción a un poema sinfónico, en una parte traduciendo las características de un ciclo de sonata-sinfonía de cuatro partes. en el clasico K. entonación y temática. las conexiones entre las partes, por regla general, estaban ausentes en el romanticismo. K. monotematismo, conexiones leitmotiv, el principio de "a través del desarrollo" adquirió el significado más importante. Vívidos ejemplos de romanticismo. K. poético de una parte fue creado por F. Liszt. Romántico. Reclamo en 1er piso. Siglo 19 desarrolló un tipo especial de virtuosismo colorido y decorativo, que se convirtió en una característica estilística de toda la tendencia del romanticismo (N. Paganini, F. Liszt y otros).

Después de Beethoven, hubo dos variedades (dos tipos) de K.: "virtuoso" y "sinfonizado". En el virtuoso K. instr. el virtuosismo y la interpretación concertística forman la base del desarrollo de la música; en el 1er plan no es temático. desarrollo, y el principio de contraste entre cantilena y motilidad, decomp. tipos de texturas, timbres, etc. En muchos virtuosa k. tematica. el desarrollo está completamente ausente (los conciertos para violín de Viotti, los conciertos para violonchelo de Romberg) o ocupa una posición subordinada (1ª parte del 1er concierto para violín y orquesta de Paganini). En el K. sinfonizado, el desarrollo de la música se basa en la sinfonía. dramaturgia, principios temáticos. desarrollo, en la oposición figurativo-temático. esferas La introducción del símbolo. la dramaturgia en K. se debió a su convergencia con la sinfonía en el sentido figurativo, artístico, ideológico (conciertos de I. Brahms). Ambos tipos de K. difieren en dramaturgia. funciones principales componentes: el virtuoso K. se caracteriza por la completa hegemonía del solista y el papel subordinado (acompañante) de la orquesta; para K. sinfonizado - dramaturgia. la actividad de la orquesta (el desarrollo del material temático se lleva a cabo conjuntamente por el solista y la orquesta), lo que lleva a una relativa igualdad de la parte del solista y la orquesta. En el K. sinfónico el virtuosismo se ha convertido en un medio del dramatismo. desarrollo. La sinfonización abarcaba incluso un elemento virtuoso tan específico del género como la cadencia. Si en el virtuoso K. la cadencia estaba destinada a mostrar técnica. la habilidad del solista, en la sinfonía se unió en el desarrollo general de la música. Desde la época de Beethoven, los propios compositores comenzaron a escribir cadencias; en el 5to pp. La cadencia del concierto de Beethoven se vuelve orgánica. parte de la forma de la obra.

No siempre es posible una distinción clara entre k virtuosa y sinfónica. El tipo K. se ha generalizado, en el que las cualidades de concierto y sinfónicas están en estrecha unidad. Por ejemplo, en los conciertos de F. Liszt, P. I. Tchaikovsky, A. K. Glazunov, S. V. Rachmaninov sinfónico. la dramaturgia se combina con el brillante virtuosismo de la parte solista. En el siglo 20 el predominio de la interpretación virtuosa del concierto es típico de los conciertos de S. S. Prokofiev, B. Bartok, el predominio de la sinfonía. Se observan cualidades, por ejemplo, en el Concierto para violín 1 de Shostakovich.

Habiendo tenido una influencia significativa en la sinfonía, la sinfonía, a su vez, fue influenciada por la sinfonía a fines del siglo XIX. surgió una variedad especial de sinfonismo de "concierto", representada por la obra. R. Strauss ("Don Quijote"), N. A. Rimsky-Korsakov ("Capriccio español"). En el siglo 20 También hubo bastantes conciertos para la orquesta basados ​​​​en el principio de la interpretación de conciertos (por ejemplo, en la música soviética, del compositor azerbaiyano S. Gadzhibekov, el compositor estonio J. Ryaets, etc.).

Prácticamente K. se crean para toda Europa. instrumentos: piano, violín, violonchelo, viola, contrabajo, instrumentos de viento y metales. R. M. Gliere posee el muy popular K. para voz y orquesta. Búhos. los compositores escribieron K. para nar. instrumentos: balalaika, domra (K. P. Barchunova y otros), alquitrán armenio (G. Mirzoyan), kokle letón (J. Medin), etc. en los buhos el género musical K. se ha generalizado en la descomposición. formas típicas y está ampliamente representada en el trabajo de muchos compositores (S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, A. I. Khachaturian, D. B. Kabalevsky, N. Ya. Myaskovsky, T. N. Khrennikov, S. F. Tsintsadze y otros).

Literatura: Orlov G. A., Concierto para piano soviético, L., 1954; Khokhlov Yu., Concierto para violín soviético, M., 1956; Alekseev A., Concierto y géneros de cámara de música instrumental, en el libro: Historia de la música soviética rusa, volumen 1, M., 1956, páginas 267-97; Raaben L., Concierto instrumental soviético, L., 1967.

Lección de música en el sexto grado "Concierto instrumental"

Objetivos de la lección:

educativo: familiarizar a los estudiantes con el origen y desarrollo del género de concierto instrumental en el ejemplo del concierto "The Seasons" de A. Vivaldi, consolidar ideas sobre varios tipos de concierto, ampliar ideas sobre música de programa.

Educativo: continuar presentando los mejores ejemplos de música barroca.

Educativo: cultivar la capacidad de respuesta emocional a la percepción de la música clásica, desarrollar interés y respeto por la herencia musical de compositores de otros países.

Equipo: proyector multimedia, g.p. Sergeeva, E.D. Kritskaya "Música" para el grado 6, un cuaderno creativo para este libro de texto, fono-crestomatía para el libro de texto "Música" para el grado 6, libro de trabajo, diccionarios musicales.

Plan de estudios:

1. Momento organizativo.
2. Era barroca: compositores, géneros, imágenes musicales.
2.1. El desarrollo del género concertístico en la obra de A. Vivaldi.
2.2. La historia del ballet "Las Estaciones".
2.3. Intérpretes contemporáneos y equipos de actuación.
3. Tarea.

DURANTE LAS CLASES

1. Momento organizacional

Saludo en forma de cánticos vocales realizados por el profesor:

¡Hola chicos, hola! (Movimiento ascendente gradual desde el primer paso hasta el quinto según los sonidos de la tríada tónica).
Los niños responden:

“¡Hola, maestra, hola!” (Repetición completa de la canción original).

2. Aprender material nuevo.

La música inspira al mundo entero, proporciona alas al alma, promueve el vuelo de la imaginación,
la música da vida y diversión a todo lo que existe…
Se le puede llamar la encarnación de todo lo bello y sublime.

Platón

Maestro: En nuestra primera lección de música en sexto grado, hablamos sobre variedad musical: la musica es vocal e instrumental. El tema de nuestra lección de hoy es "Concierto instrumental". Nombre, por favor, géneros de música instrumental y posibles composiciones de los intérpretes. (Los niños nombran el género de sinfonía, concierto, vocalización, canciones sin palabras, sonatas, suites y conjuntos de interpretación: música solista, conjunto orquestal). Busque el significado de la palabra "Concierto" en los diccionarios musicales.

(Los niños buscan una palabra dada y leen en voz alta la definición encontrada).

Alumno: concierto (es. concierto de lat. - concierto- compito) se llaman:

1. Ejecución pública de obras musicales.
2. Género grande pieza musical carácter virtuoso para un solista con orquesta, escrito con mayor frecuencia en forma de ciclo de sonata.
3. Música polifónica vocal o vocal-instrumental basada en la comparación de dos o más partes. El concierto está construido en tres partes (rápido - lento - rápido).
En la historia de la música hay conciertos para un instrumento solista y orquesta, para una orquesta sin solistas, en la música rusa en el siglo XVIII surgió el género del concierto coral espiritual.

Maestro: En el libro de texto (págs. 108-110), en la serie pictórica, consideraremos reproducciones de la pintura "Primavera" de S. Botticelli y relieves de F. Goujon. ¿Qué estilo artístico de música usarías para hacer sonar estas obras de arte? El tema de la lección de hoy es "Concierto instrumental". Se familiarizará con el origen y el desarrollo del género de la música de cámara: el concierto instrumental. Recuerde el nombre del estilo artístico en la cultura y el arte de los países europeos en el período de 1600-1750; La obra de qué compositores pertenece a la época barroca. (Los niños deben dar una definición de esta palabra del tema "Imágenes de la música sacra de Europa occidental", nombre J.S. Bach, libro de texto, página 66). Dijiste correctamente el significado de esta palabra. El barroco es uno de los estilos más bellos y refinados del arte. Presumiblemente derivado de la expresión portuguesa pleurabarroco- una perla de una forma extraña. De hecho, el barroco es una perla en la cadena de valores artísticos cambiantes en pintura, arquitectura, escultura, literatura, música.

Para el maestro barroco era importante captar la belleza divina de la vida. El barroco como estilo artístico se caracteriza por la expresividad, el esplendor y la dinámica. El arte barroco buscó influir directamente en los sentimientos de los espectadores y oyentes, enfatizando la naturaleza dramática de las experiencias emocionales humanas. Fue con el advenimiento del Barroco que la música por primera vez demostró plenamente sus posibilidades para una encarnación profunda y multifacética del mundo de las experiencias espirituales humanas. Los géneros musicales y teatrales, principalmente la ópera, cobran protagonismo, lo que viene determinado por el afán de expresión y combinación dramática propio del Barroco. varios tipos Arte. Esto también se manifestó en el ámbito de la música religiosa, donde los géneros predominantes fueron el oratorio espiritual, la cantata y las pasiones. Al mismo tiempo, hubo una tendencia a separar la música de la palabra, al desarrollo intensivo de numerosos géneros instrumentales. La cultura barroca está representada por los más altos logros en bellas artes (Rubens, Van Dyck, Velázquez, Ribera, Rembrandt), en arquitectura (Bernini, Puget, Coisevox), en música (A. Corelli, A. Vivaldi, J.S. Bach, G F. Händel). Se considera que la era barroca es de 1600-1750. Durante este siglo y medio se inventaron formas musicales que, habiendo sufrido cambios, existen en la actualidad.

En la lección de hoy, se familiarizará con el ciclo de conciertos "Las Estaciones", que es el pináculo del trabajo de A. Vivaldi. Antonio Vivaldi es un violinista, compositor y profesor italiano.

La herencia creativa de Vivaldi es extremadamente grande. Abarca alrededor de 700 títulos. Entre ellos hay 19 óperas. Pero el principal significado historico su creatividad fue la creación de un concierto instrumental solista. Cerca de 500 obras fueron escritas en este género. Muchos de sus conciertos fueron escritos para uno o más violines, dos para dos mandolinas y varios para piezas musicales inusuales, como dos violines y dos órganos. escribir conciertos para instrumentos de cuerda, el compositor fue uno de los primeros en dedicarse a componer música para instrumentos de viento, considerados primitivos y poco interesantes para los compositores. El oboe, la trompa, la flauta, la trompeta en su concierto sonaron llenos y armoniosos. Concierto para dos tubos A. Vivaldi escribió por encargo. Obviamente, los intérpretes querían demostrar que la música hermosa y virtuosa se puede tocar con la trompeta. Hasta ahora, la interpretación de este concierto es prueba de la más alta habilidad del intérprete. El compositor escribió mucha música para fagot: más de 30 conciertos para fagot y orquesta. Entre los instrumentos de viento, Vivaldi dio especial preferencia a la flauta con su timbre suave y suave. En las partes asignadas a la flauta, suena en voz completa mostrando todas sus virtudes.

En la obra de A. Corelli, se formó el concerto grosso (comparación de todo el conjunto con varios instrumentos). A. Vivaldi dio un paso adelante en comparación con su predecesor: formó el género del concierto solista, que difería significativamente en la escala de desarrollo, dinamismo y expresividad de la música. Las composiciones de los conciertos alternaron entre partes solistas y orquestales, basadas en un "contraste bien organizado". El principio de contraste determinó la forma de tres movimientos del concierto: el primer movimiento es rápido y enérgico; 2º - lírico, melodioso, de tamaño pequeño en forma; La parte 3 es el final, animado y brillante. El concierto instrumental solista fue diseñado para una amplia audiencia, para la cual los elementos de entretenimiento eran inherentes, algo de teatralidad, manifestada en la competencia entre el solista y la orquesta, en la alternancia incesante de tutti y solo. Ese fue el significado del concierto, la música.

El ciclo de conciertos "Las Estaciones" es la cumbre de la obra de A. Vivaldi.
Te sugiero que escuches la primera parte del concierto. (Suena la 1ra parte, el profesor no nombra el nombre).
– ¿Con qué época del año se puede asociar esta música? ? (Los estudiantes determinan la entonación inicial, la naturaleza de la música, el ritmo rápido, los contrastes de dinámica, los momentos visuales - imitación del canto de los pájaros, es primavera).

El mundo en el que vivimos está lleno de todo tipo de sonidos. El susurro de las hojas, los truenos, el sonido de las olas, el silbido del viento, el ronroneo de un gato, el crepitar de la leña ardiendo en la chimenea, el canto de los pájaros...
En la antigüedad, el hombre se dio cuenta de que los sonidos son diferentes: altos y bajos, cortos y largos, apagados y fuertes. Pero los sonidos en sí mismos no son música. Y cuando una persona comenzó a organizarlos para expresar sus sentimientos y pensamientos, surgió la música.
¿Cómo puedes describir la melodía? (Posibles respuestas de los niños: se escucha claramente donde toca la orquesta y donde suena el solo de violín. La melodía que toca la orquesta; la melodía está en una escala mayor, muy clara, brillante, fácil de recordar, en un baile ritmo La melodía interpretada por el solista es mucho más complicada, virtuosa, hermosa, decorada con cantos musicales, similar al canto de los pájaros).

Entre los músicos de todos los tiempos ha sido popular imitar las voces de los pájaros. El canto de los pájaros fue imitado en la antigüedad, y tales imitaciones todavía se encuentran en folclore musical pueblos diferentes. Pensadores, científicos, músicos buscaron los orígenes de la música en el canto de los pájaros. La "musicalidad" de muchas aves nunca deja de sorprender. No es de extrañar que el ruiseñor se haya convertido en uno de los símbolos del arte en general, y compararlo es un elogio para el cantante. Los compositores de la era barroca escribieron mucha música hermosa de "pájaros": "Swallow" de K. Daken, "Calling", "Chicken" de F. Rameau, "The Nightingale in Love" y "The Nightingale - the Winner" de F. Couperin, numerosos "Cucos" - Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini, etc. ¿Están relacionados los temas musicales de la orquesta y el solista? (Hay un ritmo en los temas musicales, emoción brillantemente dinámica, un soplo de espacio en la naturaleza, uno puede sentir la alegría de la vida).
– ¿Cuál fue el instrumento más perfecto de la época barroca?

Qué pocos instrumentos de cuerda usaba A. Vivaldi en comparación con las orquestas modernas. En la versión original, según la intención del compositor, sólo hay cinco cuerdas. Moderno grupos de cuerdas Comenzó con pequeñas orquestas, formadas por cinco, luego diez, doce, catorce instrumentos. El violín es el instrumento más importante de la orquesta, la Cenicienta de la orquesta sinfónica moderna. Hasta ahora, es el instrumento de cuerda más perfecto de todos. Ella tiene un sonido maravilloso y un rango increíble. En la época de Vivaldi y Bach se hicieron mejores herramientas en Historia. En la pequeña ciudad italiana de Cremona, se fabricaron hermosos y únicos violines. Recordemos los nombres de Stradivari, Amati, Guarneri. El pequeño pueblo era famoso por sus artesanos. Durante los últimos trescientos años, nadie ha sido capaz de hacer violines mejor que los maestros de Cremona. En su obra, A. Vivaldi mostró el brillo y la belleza del sonido del violín como instrumento solista.

La música es una de las formas de arte. Como la pintura, el teatro, la poesía, es un reflejo figurativo de la vida. Cada arte habla su propio idioma. La música, el lenguaje de los sonidos y las entonaciones, tiene una profundidad emocional especial. Fue este lado emocional lo que sentiste al escuchar la música de A. Vivaldi.

La música tiene una fuerte influencia en mundo interior persona. Puede traer placer o, por el contrario, causar una fuerte ansiedad mental, inducir a la reflexión y abrir al oyente aspectos de la vida previamente desconocidos. Es música que se da para expresar sentimientos tan complejos que a veces son imposibles de describir con palabras.

Piensa si es posible montar un ballet con esta música. Cuando un solista y una orquesta compiten en habilidad, ciertamente deben tocar para la audiencia. Es en esta alternancia incesante del sonido de la orquesta y el violín solista que suena brillante, en la sensación de teatro y discusión, en la armonía y la armonía de la forma musical, que se sienten los rasgos característicos de la música barroca. Al volver a escuchar la 1ª parte del concierto, escucha el tejido musical sonoro. La voz melódica se combina con un acompañamiento continuo y estrictamente definido. Esta es la diferencia con las obras del período anterior, donde la polifonía desempeñó el papel principal: el sonido simultáneo de varias melodías, iguales en su significado.

Entonces, el concierto de A. Vivaldi "The Seasons" consta de cuatro partes. El nombre de cada parte corresponde al nombre de la temporada. Desarrollo imagen musical cada movimiento se basa no solo en la yuxtaposición del solo de violín y la orquesta de tutti. En el concierto, la música sigue las imágenes de sonetos poéticos, con los que el compositor revela el contenido de cada uno de los conciertos del ciclo, es decir, hay un programa Hay sugerencias de que los sonetos fueron escritos por el propio compositor. Pasemos a las traducciones del soneto, que se convirtió en una especie de programa de concierto. En el libro de texto en las páginas 110-111, se proponen dos opciones de traducción. ¿Cuál de ellos, en su opinión, corresponde con mayor precisión a la imagen musical de la 1ª parte del Concierto de primavera? ¿A través de qué medios de expresividad el texto literario transmite el estado de ánimo de una persona, su estado mental y emocional asociado con la llegada de la primavera? A. Vivaldi, usando programa literario en su concierto, fue el fundador de la música programática. En el siglo XIX, surgió la música programática, un trabajo basado en una base literaria.

La música de programa es un tipo de música instrumental. Son obras musicales que tienen un programa verbal, a menudo poético, y revelan el contenido impreso en él. El título puede servir como programa, indicando, por ejemplo, los fenómenos de la realidad que el compositor tenía en mente ("Morning" de E. Grieg para el drama "Peer Gynt" de G. Ibsen) o la obra literaria que lo inspiró (" Romeo y Julieta” de P. I. Tchaikovsky - obertura - fantasía basada en la tragedia del mismo nombre de W. Shakespeare).
Pasemos al libro de texto. En la página 109. se le ofrece el tema principal de la 1ª parte del concierto “Primavera”. Recordaré su sonido tocando el instrumento. ¿Puedes cantar esta melodía? Cantemos la melodía. Conociendo los medios de expresión musical, caracterizar este tema musical (los estudiantes caracterizan la melodía, el modo, la duración, el tempo, el registro, el timbre). ¿Es este tema repetitivo? ¿En qué forma musical (rondó, variaciones) se escribió la primera parte del concierto? ¿Qué principio de desarrollo (repetición o contraste) utiliza el compositor en la música del 1er movimiento? ¿Hay episodios pictóricos? En caso afirmativo, determine su necesidad y confirme con un ejemplo de texto literario. ¿Puedes cantar la melodía interpretada por el solista? (Difícil de interpretar, pasajes virtuosos, como una ráfaga de viento, trinos de pájaros). Comparar con la representación gráfica de la melodía (movimiento ascendente, duraciones cortas, etc.). La necesidad de crear música instrumental programática apareció en Italia ya en el siglo XVII. En ese momento, cuando las imágenes de hechos heroicos e idilios pastorales, las imágenes del inframundo y las fuerzas naturales (un mar embravecido, un follaje susurrante) se pusieron de moda en la ópera; a la orquesta en tales escenas se le asignó un papel dominante. En comparación con los compositores instrumentistas de la época barroca, A. Vivaldi descubrió un gran talento en esta área. Durante mucho tiempo, Vivaldi fue recordado gracias a J.S. Bach, quien realizó varias transcripciones de sus obras. Se transcribieron seis conciertos de Vivaldi para piano y órgano, que durante mucho tiempo se consideraron escritos por el propio Bach. La obra de A. Vivaldi tuvo una gran influencia en la formación del estilo creativo de J.S. Bach, especialmente los primeros conciertos para violín de Vivaldi.

Una vez más, recurrirás a la música de la 1ª parte del Concierto de primavera, pero la audición será inusual: escucharás y verás un fragmento del ballet Las cuatro estaciones con música de A. Vivaldi puesta en escena por el destacado coreógrafo francés R. Petit. El ballet es interpretado por la compañía de Marsella.

La obra "The Seasons" fue puesta en escena por diferentes coreógrafos con música diferente. Muchos compositores escribieron música sobre este tema, estos son A. Vivaldi, P. I. Tchaikovsky, A. Glazunov y otros. diferentes versiones actuaciones: estas son las cuatro estaciones, las cuatro estaciones de la vida, las cuatro estaciones del día. La actuación de hoy del coreógrafo R. Petit está basada en el tema de Balanchine. Pasemos a la Enciclopedia del Ballet.

George Balanchine, nacido en 1904, coreógrafo estadounidense. Su trabajo contribuyó a la formación de una nueva dirección en la coreografía. Montó ballets dramáticos, cómicos, farsantes, a menudo basados ​​en un argumento sencillo, donde la acción se revelaba por medio de la danza y la pantomima; el estilo del ballet estuvo determinado en gran medida por la decoración, que tenía un cierto significado. Esta dirección en su trabajo se desarrolló más después de 1934. Balanchine comenzó a crear ballets con música que no estaba destinada a la danza (suites, sinfonías, incluido el concierto de Four Seasons). No hay trama en estos ballets, el contenido se revela en el desarrollo de imágenes musicales y coreográficas.

La idea de crear un ballet sobre el tema de Balanchine, ballet sin trama, neoclásico, danza por la danza, visitó al coreógrafo. Fruto de este deseo es la creación del ballet Las cuatro estaciones. Roland es un hombre impresionista que se presta a las impresiones. Gracias a la fantástica música de A. Vivaldi y imaginación creativa coreógrafo fue puesta en escena la actuación de hoy. Uno de características distintivas R. Petit como coreógrafo - la sencillez y claridad del texto coreográfico. R. Petit es una persona que puede crear absolutamente en todas las direcciones y en todos los géneros: realizó bailes para películas, muchas revistas para musicales, representaciones dramáticas. Realizó espectáculos donde el baile era algo divino, algo que trae placer y alegría a los que están en el auditorio. R. Petit es una persona que ama todo lo bello. Para su coreografía, siempre se guía por un solo criterio: la belleza, una combinación armoniosa de musicalidad y belleza.

El ballet Las cuatro estaciones se representa en una de las plazas más bellas del mundo, la Piazza San Marco de Venecia. La divina arquitectura de la plaza es el escenario de este espectáculo. Los artistas que interpretan el espectáculo se han convertido en leyenda, ya que fueron las estrellas de los años 70 y 80. Estos son Domenic Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. R. Petit valoró mucho su creatividad y talento. En particular, Domenique Colfuni es una de las bailarinas favoritas de Petit. D. Kolfuni era bailarina de la Ópera Nacional de París, pero a petición de R. Petit se fue a Marsella. Para ella, R. Petit creó muchas actuaciones, en particular, la obra "My Pavlova". Como una vez A. Pavlova fue un ideal para el coreógrafo M. Fokin, el mismo "Pavlova" fue D. Colfuni para R. Petit. (Visualización de un fragmento del ballet "Estaciones", "Primavera").

El interés de los músicos profesionales por la música de la época barroca no se agota. En 1997, el famoso clavecinista italiano y conocedor del barroco Andrea Marcon creó la Orquesta Barroca de Venecia. Este grupo en cuatro años ganó fama como uno de los mejores conjuntos de interpretación instrumental barroca, en primer lugar, como un intérprete convincente de la música de Antonio Vivaldi. Numerosos conciertos y producciones de ópera de la orquesta en muchos países europeos han recibido un amplio reconocimiento no solo entre el público en general, sino también entre los críticos musicales. Con sus actuaciones, la orquesta le dio al público una nueva lectura de las obras de A. Vivaldi, F. Cavalli, B. Marcello.

La última temporada de conciertos, hubo conciertos en 28 ciudades de EE. UU. con el violinista Robert McDuffy, giras en Japón y Corea con la participación del violinista Giuliano Carmignolo, un programa de obras de Antonio Vivaldi se realizó en una de las mejores salas de conciertos de Ámsterdam: Concertogebouw. Participando en varios festivales en Austria, Suiza y Alemania, la orquesta actuó con solistas tan famosos como Magdalena Kozhena, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova.
La extensa discografía de la orquesta ha ganado muchos premios de prestigio. Incluye grabaciones de conciertos para violín de Vivaldi y Locatelli, un álbum de sinfonías y conciertos para cuerdas de Vivaldi, muchas obras de compositores barrocos interpretadas por destacados músicos de nuestro tiempo.

El interés por la música de A. Vivaldi no se seca. Su estilo es reconocible para una amplia gama de oyentes, la música es brillante y no pierde sus colores. Un ejemplo de ello es la apelación del coreógrafo moderno R. Petit a la música de Vivaldi y su excelente producción del ballet Las cuatro estaciones, la creación de nuevas orquestas instrumentales.

¿Cuál es el secreto de tanta popularidad de la música de A. Vivaldi? Escuchar la música de un compositor del pasado lejano, ¿qué hacía feliz y triste a una persona? ¿Por qué luchó, en qué pensó y cómo percibió el mundo? Música de A. Vivaldi, la música del pasado es comprensible. Los sentimientos, los pensamientos de la experiencia del hombre moderno no han cambiado en absoluto en comparación con el pasado. Esta es la alegría de vivir, la percepción del mundo circundante, que en la música de Vivaldi es positiva y afirma la vida. Los conciertos en la obra de A. Vivaldi fueron una continuación del desarrollo del género de conciertos instrumentales, habiendo recibido una forma acabada que se convirtió en un modelo para las generaciones posteriores. compositores europeos.

3. Tareas para el hogar: tarea en un cuaderno creativo sobre el tema "Concierto instrumental".

Desarrollo metódico

LECCIÓN ABIERTA

Lección de música en el grado 6 sobre el tema: "Concierto instrumental »

profesores de musica

MBOU RSOSh No. 1, Rudnya

Región de Smolensk

Datskiv Ilona Alexandrovna

2016

A musica rock en el 6to grado "Concierto instrumental"

tipo de lección - la formación y mejora de nuevos conocimientos, pero teniendo en cuenta los requisitos del Estándar Educativo del Estado Federal, esta es una lección sobre el "descubrimiento" de nuevos conocimientos.

El propósito de la lección: dar una idea del género del concierto instrumental, sobre cuándo y cómo surgió, cómo se desarrolló.

Basado en el propósito de la lección, la siguienteTareas:

educativo : familiarizar a los estudiantes con el origen y desarrollo del género de concierto instrumental en el ejemplo del concierto "The Seasons" de A. Vivaldi, consolidar ideas sobre varios tipos de concierto, ampliar ideas sobre música de programa.

Educativo : continuar presentando los mejores ejemplos de música barroca.

Educativo : cultivar la capacidad de respuesta emocional a la percepción de la música clásica, desarrollar interés y respeto por la herencia musical de compositores de otros países.

Recientemente, las tareas de la lección de música se han ampliado. Cada vez es más importanteautodidacta yestimulante Tareas.

autodidacta : desarrollar las habilidades de autoeducación musical y estética (trabajo independiente en grupos)

Estimulante: promover la formación de un interés sostenible en lo que se está estudiando, alentar a los estudiantes a profundizar en el conocimiento, desarrollar la necesidad de reponer, actualizar y desarrollar constantemente su conocimiento (utilizando una variedad de ayudas para la enseñanza)

La activación de la actividad creativa y cognitiva de los alumnos se logra mediante el uso de tecnologías pedagógicas modernas, a través de la integración de varios tipos de arte y tecnología de la información.

En el ejemplo de pinturas musicales y obras literarias, muestre a los estudiantes el papel del principio musical en la vida y las obras de bellas artes y literatura, la relación de la música con otros tipos de arte.

A través de la claridad de trabajo, revele el tema de la lección de una manera divertida y accesible.

Métodos :

organización e implementación de actividades científicas y cognitivas:

explicativo e ilustrativo

estimulación y motivación de la actividad educativa y cognitiva:

situación entretenida

comparación, análisis, generalización

método de comparación con artes relacionadas

por fuente de información y naturaleza de la actividad:

verbal-inductivo (conversación), visual-deductivo (comparación, análisis de una pieza musical escuchada, motivación para la empatía, retrospectivas).

La lección se basa en dos tipos de actividades musicales y prácticas de los estudiantes: escuchar (percepción activa) de la música y la entonación, que se expresa en actividades de interpretación. La elección de este tipo de actividades está determinada por el tema de la lección, su propósito y objetivos.

Tecnología: información y comunicación, salvamento de la salud

Equipo: proyector multimedia, centro de música, computadora portátil, lectores de fono para el libro de texto "Música" 6 clases, diccionario musical de V. Razhnikov, palabras impresas de la canción "Seasons" de A. Yermolov

DURANTE LAS CLASES

1. Momento organizacional

Maestro:

– ¡Hola, chicos!
Los niños responden:

– ¡Hola!

Maestro: Hola, queridos niños e invitados, me alegro de verlos, espero que participen activamente en la lección. A su vez, intentaré que la lección sea interesante e informativa para usted.

La música inspira al mundo entero, proporciona alas al alma, promueve el vuelo de la imaginación,
la música da vida y diversión a todo lo que existe…
Se le puede llamar la encarnación de todo lo bello y sublime.

Platón

Maestro: ¡Y comenzaremos la lección, por supuesto, con música!

(Un extracto del concierto instrumental de Vivaldi "Las cuatro estaciones" suena

Intentemos responder, ¿de qué hablaremos en la lección de hoy?

Música de Antonio Vivaldi (1 diapositiva)

Chicos, recuérdenme el tema de la segunda mitad del año:

Estudiantes: "El mundo de las imágenes de la música de cámara y sinfónica"

Maestro: ¿Qué es la música de cámara?

Estudiantes: Cámara, es decir música de habitación destinada a la interpretación en salas pequeñas para un público reducido.

Maestro: Para entender lo que se discutirá en la lección de hoy, adivinemos un crucigrama musical. La palabra está oculta verticalmente (diapositiva 2).

7.

a

sobre

norte

C

mi

R

t

Un grupo numeroso de músicos-instrumentistas interpretando una pieza juntos (ORQUESTA)

Obra multimovimiento para coro, solistas y orquesta (CANTATA)

Espectáculo musical en el que el canto es el principal medio de expresión (ÓPERA)

Introducción orquestal a una ópera, interpretación u obra sinfónica independiente (OVERTURE)

Conjunto de cuatro intérpretes (cantantes o instrumentistas) (CUARTETO)

7. (verticalmente) Una gran pieza musical para orquesta sinfónica y cualquier instrumento solista, que consta de 3 partes (CONCIERTO)

Formular el tema de la lección.

El tema de la lección es "Concierto instrumental" ( diapositiva 3)

¿Qué objetivo podemos ponernos?

¿Qué es un concierto?

concierto (es.concierto - competición, del lat. -concierto - consentimiento) (diapositiva 4)

solista

instrumento (piano, violín, etc.) y una orquesta sinfónica.

El género del concierto surgió en el siglo XVII en relación con el desarrollo intensivo de la interpretación del violín.

-h ¿Qué vamos a hacer en clase hoy?

Plan de estudios:

Saludo musical

Escuchar música

Análisis de una obra musical.

Trabajo en equipo

trabajo de vocabulario

Cantando

Conclusiones. Resultados.

Tareas para el hogar(5 diapositivas)

¿Quién es Antonio Viaaldi?

¿Qué sabemos de él?

Maestro: Antonio Vivaldi - violinista virtuoso, director y maestro, uno de los más grandes compositoresXVII – XVIIIsiglos Vivió y trabajó en la épocabarroco
Él fue el creador del género -concierto instrumental .(diapositiva 6-7)

Ciclo "Temporadas"

El pináculo de la obra de Vivaldi. Este ciclo reuniócuatro conciertos para violín solo y orquesta de cuerdas. En ellos, el desarrollo de una imagen musical se basa en una comparación de sonido* violines - solo* orquesta – tutti(traducido del italiano significatodos ) ". El principio de contraste determinó la forma de tres movimientos del concierto: el primer movimiento es rápido y enérgico; 2º - lírico, melodioso, de tamaño pequeño en forma; 3ra parte - final, vivo y brillante(diapositiva 8-9)

Maestro: Frente a usted en las mesas están los diccionarios de emociones estéticas de V. Razhnikov.

Te sugiero que escuches una de las partes del concierto y trabajes en grupos.La naturaleza siempre ha deleitado a músicos, poetas y artistas. La belleza de la naturaleza, el cambio de estaciones: otoño, invierno, primavera, verano: únicos, cada uno a su manera.

¿Cómo crees que los artistas-poetas abordaron el tema de las estaciones?

¿Conoces esas obras?

Muchos poemas sobre la naturaleza han sido escritos por poetas, muchas imágenes sobre la naturaleza han sido escritas por artistas y mucha música ha sido escrita por compositores que representan imágenes de la naturaleza.

Hoy compararemos cómo se representa cada estación en la poesía, la pintura y la música. Y los poemas de los poetas rusos, las reproducciones de pinturas de artistas rusos y la música mágica nos ayudarán en esto. compositor italiano Antonio Vivaldi., que supo reflejar la belleza de su música naturaleza nativa. Italia es un país rico en su cultura, monumentos antiguos, hermosa naturaleza. Es por eso que muchos artistas rusos, después de graduarse de la Academia de las Artes, realizaron una pasantía en Italia.

Poemas, imágenes y música nos ayudarán a ver, escuchar y sentir cada estación.(Suena la 1ra parte, el profesor no nombra el nombre) .

1 grupo: compositores

¿Qué sentimientos expresa esta música?

¿A qué época del año se asocia esta música??

Estudiantes: Los estudiantes determinan la entonación inicial, la naturaleza de la música, el ritmo rápido, los contrastes dinámicos, los momentos visuales: la imitación del canto de los pájaros es primavera.

La música escuchada es brillante, sonora, alegre. Se siente vuelo, movimiento, canto de pájaros. La melodía es ligera, la llegada de la primavera se siente en la música.

¿Cómo puedes describir la melodía?

Estudiantes: Posibles respuestas de los niños: se escucha claramente donde toca la orquesta, y donde suena el solo de violín. La melodía, que es interpretada por la orquesta en tonalidad mayor, es muy clara, brillante, fácil de recordar, en ritmo de baile. La melodía interpretada por el solista es mucho más compleja, es virtuosa, hermosa, decorada con cantos musicales, similar al canto de los pájaros).

Estudiantes identifican qué es PRIMAVERA

2 grupo: artistas

Sobre la mesa hay reproducciones de pinturas de las estaciones.

Escriba en la tabla qué colores escuchó y vio, y qué sentimientos le evocaron estas obras de arte y, por supuesto, determine la estación.

¿Puedes decirme qué colores dominan?

El estudiante responde: El color del primer verde es amarillo verdoso, el florecimiento de las primeras flores es blanco, rosa, cielo azul, pájaros en el cielo.

Grupo 3: poetas

Maestro: Ciclo de conciertos "Temporadas" -ensayo del programa , que se basa en sonetos poéticos, con la ayuda de los cuales el compositor revela el contenido de cada uno de los conciertos del ciclo. Se supone que los sonetos fueron escritos por el propio compositor.

En cada mesa hay un poema sobre una de las estaciones.

Escribe en la tabla qué versos están asociados con esta música y cómo te evocaron estas obras de arte.

La nieve ya se está derritiendo, los arroyos corren,

En la ventana sopló en la primavera ...

Los ruiseñores pronto silbarán,

¡Y el bosque se vestirá de follaje!

cielo azul claro,

Más cálido y brillante el sol se ha convertido,

Es hora de ventiscas y tormentas malvadas.

Nuevamente pasó mucho tiempo ... A. Pleshcheev

Discusión de las respuestas del trabajo de los grupos (diapositiva 10)

Maestro: Propongo escuchar un fragmento de la 2da parte del concierto (diapositiva 11)

¿Determinar el contenido emocional de la parte, el tempo, la dinámica?

Escucha los pasajes del violín. ¿Qué imágenes vienen a la mente?

El sol esta brillando intensamente
El aire es cálido.
Y mires donde mires
Todo alrededor es luz.
Deslumbran en el prado
flores brillantes,
cubierto de oro
Sábanas oscuras.
El bosque está dormido; ni un sonido
La hoja no cruje
solo una broma
Resonando en el aire. I. Surikov.

Maestro: escuchando la parte 3 del concierto

Bosque, como una torre pintada,
Púrpura, oro, carmesí,
Pared alegre y colorida
Se encuentra sobre un prado brillante.
Abedules con talla amarilla
Brilla en azul celeste,
Como torres, los árboles de Navidad se oscurecen,
Y entre los arces se vuelven azules
Aquí y allá en el follaje a través
Espacios libres en el cielo, que ventanas. k balmont

(diapositiva 12)

4ª parte del concierto: "Invierno"(diapositiva 13)

hechicera en invierno
Hechizado, el bosque se yergue,
Y bajo la franja nevada,
Inmóvil, mudo
Brilla con una vida maravillosa.
Y él está, hechizado,
No muerto y no vivo -
mágicamente encantado por el sueño
Todos pubescentes, todos atados
Cadena suave y ligera ... F. Tyutchev

minuto de educación física

Maestro: El tema de las estaciones siempre ha sido popular en el arte.

En nuestro tiempos modernos también hay obras del género vocal sobre la época del año.

Vamos a cantar una canción compositor contemporáneo Alexander Yermolov "Las Estaciones".

Trabajo vocal y coral sobre la canción "Seasons" op. y musica. Alexandra Ermólova

Definamos las tareas: en qué carácter cantaremos, qué tareas de articulación resolveremos.

Vamos a revisartareas para el hogar

Explora si la música de Vivaldi es contemporánea hoy.

¿Cuál es el secreto de la popularidad de la música del compositor?

De quien Gente moderna el arte se refiere a la obra del compositor.

Datos interesantes de la vida del compositor.

Poemas sobre el compositor y su obra.

Reflexión

¿Qué recordaste, qué fue interesante, qué te sorprendió en la lección?