En la segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XX. continuo desarrollo del realismo. La imagen de su encarnación durante este período es muy heterogénea: si en la literatura inglesa y francesa el realismo en su forma clásica se desarrolló en los años 20-30 Siglo 19, luego, en la mayoría de las literaturas europeas, su formación recae principalmente en los años 60-70 del siglo XIX, y en algunos, incluso en un momento posterior. Además, el desarrollo del realismo en varias literaturas en la segunda mitad del siglo XIX - principios del siglo XX. Estuvo marcado por ciertos fenómenos de crisis: se hizo sentir la influencia de factores culturales generales, que condujeron a cambios significativos en el sistema artístico del realismo y dieron vida a nuevas direcciones. “Una forma realista de dominar la realidad, que ganó una fuerte posición en el siglo XIX, basada en los logros de la ciencia, en el principio del historicismo... en la comprensión de la sociedad como una especie de integridad objetiva, sujeta a sistematización científica y tipificación en formas similares a la vida, recibida a finales de los siglos XIX y XX. nuevos impulsos para su desarrollo”, el conocido científico ruso L.G. Andreev (1, 6).

El realismo no se desvincula de las búsquedas estéticas, se esfuerza -a menudo en evidente interacción con otros fenómenos artísticos- por la analiticidad, la voluminosidad en la visión de la realidad, por su adecuada imagen artistica. Aparecen nuevas formas de encarnación artística de la realidad, se amplía la gama de temas y problemas. Entonces, si en las obras realistas del siglo XIX. prevaleció el comienzo social y doméstico, luego a finales del siglo XIX y XX. comienza a ser sustituida por cuestiones filosófico-intelectuales, espirituales-personales.

"Poéticas de la vivencia" como tema principal principio artístico, que determinó la aparición del arte realista de la palabra del siglo XIX, va dando paso paulatinamente a otras corrientes formadoras de estructuras; el convencionalismo (A. France, B. Shaw, G. Wells y otros) comienza a jugar el papel más importante en la literatura, la descripción concreto-empírica de la realidad se combina orgánicamente con lo simbólico parabólico y generalizado. En la psicologización del arte de la palabra, observada en la prosa temprana de K. Hamsun, los cuentos de T. Mann, los dramas de G. Ibsen y A. Strindberg, se ve claramente la perspectiva de la literatura del siglo XX propiamente dicha. .

gran lugar en prosa realista 2do mitad del XIX- principios del siglo 20 ocupan lienzos monumentales a gran escala ("Jean-Christophe" de R. Rolland, "Historia moderna" de A. France, "Rougon-Macquart" de E. Zola, "La saga de los Forsytes" y " comedia contemporánea» J. Galsworthy, «Buddenbrooks» por T. Mann y otros). Sorprendente diversidad formas novedosas: novela sociopsicológica (T. Mann, G. de Maupassant, R. Rolland), sociopolítica (J. London, T. Dreiser), ciencia ficción (H. Wells), socioutópica (A. France, G . Wells), satírico (G. Mann). Al mismo tiempo, es bastante difícil determinar la forma de género de una obra sin todo tipo de reservas y aclaraciones: cada una de ellas tiene las cualidades de varias modificaciones de género.

El papel del elemento periodístico en la ficción, así como el propio periodismo, está creciendo. Sin conocer los trabajos periodísticos de E. Zola, B. Shaw, R. Rolland, T. Mann, G. Mann y muchos otros escritores, es imposible obtener una imagen completa de su trabajo. La literatura se politizó notablemente, lo que se debió a las tensiones sociopolíticas. Esta tendencia continuará con intensidad en los años 20-30 del siglo XX.

Un éxito sorprendente marcó el desarrollo de la dramaturgia. La estética teatral y dramática de este período, marcada por los brillantes logros artísticos de G. Ibsen, A. Strindberg, G. Hauptmann, B. Shaw y otros, comenzó a denotarse con el concepto de "nuevo drama". Las obras de estos autores están llenas de lucha espiritual, controversia filosófica, temas sociales y morales de actualidad. Es de destacar que la mayoría de las luminarias del drama también estuvieron involucradas en el desarrollo de su teoría; experimentaron, realizaron una búsqueda activa en diversas áreas de la actividad teatral, incluyendo juego de actuación y dirigiendo Los descubrimientos literarios y escénicos de G. Ibsen, A. Strindberg y otros artistas son ampliamente utilizados por los teatros del mundo hasta el día de hoy.

Una característica esencial del desarrollo literario fue la interacción de las literaturas, su asimilación de la experiencia extranjera. Excepcionalmente importante a este respecto fue el papel de la literatura rusa (L. Tolstoy, F. Dostoevsky, A. Chekhov, I. Turgenev y otros).

Fuentes

1. Andreev L.G., Karelsky A.V., Pavlova N.S. y etc. Literatura extranjera del siglo XX. M, 1996.

Un lugar especial entre los fenómenos artísticos de la segunda mitad del siglo XIX - principios del XX. ocupa el neorromanticismo (griego. neos y romanticismo; frente al romanticismo de finales del siglo XVIII y principios del XIX). Sin embargo, el neorromanticismo, que no es inherentemente decadente, también se opone al realismo. No sólo retrocede genética y tipológicamente al romanticismo, sino que también está directamente conectado con él, desarrollando esta dirección tanto en la temática-problema como en los planos estilísticos visuales. Rechazo de la realidad; una personalidad fuerte, a menudo solitaria, guiada en sus actividades por ideales altruistas; agudeza de los problemas éticos; maximalismo y romantización del sentimiento, la pasión; tensión de las situaciones argumentales; la primacía del principio expresivo sobre el descriptivo, de lo emocional sobre lo racional; apelación activa a los acontecimientos del pasado, leyendas y tradiciones, fantasía, grotesco, exótico, cultivo de aventureros y aventureros y historias de detectives – rasgos de personaje neorromanticismo, que culminó en la década de los 90 del siglo XIX.

Al mismo tiempo, el neorromanticismo difería del romanticismo en muchos aspectos; por ejemplo, con mucha más frecuencia, los escritores neorrománticos sitúan a sus personajes no en un entorno ficticio (como solían hacer los románticos), sino en uno casi o completamente real. Solo obligan al héroe, y con él al lector, a descubrir lo inesperado e inusual en la vida cotidiana habitual, contrastan las imágenes del "molde de la vida" (G. Flaubert) con imágenes de eventos intensamente vívidos. Los personajes de los neorrománticos la mayoría de las veces no son titanes ni criaturas míticas fabulosas, son generados por una realidad concreta, pero al mismo tiempo están generosamente dotados de fortaleza, sentimientos indomables y altas aspiraciones. Su lucha adquiere no tanto un mundo metafísico como un carácter social, sociopolítico concreto.

En este sentido, son indicativas las palabras del fundador, teórico y practicante del neorromanticismo inglés, Robert Lewis Stevenson: “Desgraciadamente, todos en la literatura tocamos la flauta sentimental, y ninguno quiere tocar el tambor valiente. .. Enseñemos, lo mejor que podamos, a la gente la alegría. Y recordemos que las lecciones deben sonar alegres e inspiradoras, deben fortalecer el coraje en las personas”.

Surgido como reacción a la prosa de vida, a la difusión en la 2ª mitad del siglo XIX. el naturalismo, por un lado, y la decadencia, por el otro, el neorromanticismo, en esencia, no se desarrolló como un movimiento literario independiente, coexistiendo en la mayoría de los casos con otros fenómenos no realistas o con el realismo.

De acuerdo con el principio declarado de optimismo valiente, de acuerdo con el concepto neorromántico de combinar lo real y lo ideal-heroico, los escritores ingleses (además de Stevenson) Joseph Conrad (nombre real: Jozef Theodor Konrad Kozhenevsky), Joseph Rudyard Kipling , creó sus obras, francés: Edmond Rostand, Romain Rolland, inglés: Arthur Conan Doyle, Ethel Lilian Voynich, estadounidense: Jack London, polaco: Stanislav Przybyszewski, escritor sueco Selma Lagerlöf y muchos otros.

XVIII

LITERATURA ALEMANA POSTERIOR A 1945

Desarrollo de la tradición expresionista. "Expresionismo de izquierda" y el drama de Borchert "En la calle frente a la puerta". - "Grupo 47". El trabajo de Böll: problemas morales(“la vida no se basa en mentiras”), “poéticas de la participación”; novelas "Billar a las diez y media", "A través de los ojos de un payaso", "Retrato de grupo con una dama".
La crítica social de la literatura en los años sesenta. - "Realismo mágico" y la novela de cosacos "La ciudad más allá del río"; obra de Jünger. — Comprensión de la historia en la literatura de la RFA (Sachs) y la RDA (Bobrovsky, Fuman); el psicologismo de la prosa de Wolf (las novelas Reflections on Krista T., Images of Childhood, los cuentos Cassandra, What Remains). — Grass: ensayo de biografía creativa; tema de Danzig; "el efecto de la alienación", "juego" (la novela "El tambor de hojalata"), la crisis del lenguaje (el cuento "Encuentro en Telgte"), la proporción de conformismo e inconformismo (la novela "Bajo anestesia local "). — La vanidad de la historia en la dramaturgia de Hein, la literatura alternativa de la RDA. — Posmodernismo alemán en prosa (las novelas de Mikel, Süskind, Hein) y dramaturgia (Müller).

El siglo XX en su conjunto es una época de intensa politización de la literatura alemana. En estas condiciones, los escritores a menudo, incluso en contra de su voluntad, se involucraron en la lucha de varios partidos, grupos e ideologías. Pero incluso si trataron de mantenerse alejados de esta lucha, los torbellinos mortales del siglo buscaron a sus víctimas y las atrajeron a la fuerza a su ciclo. Tres hechos dramáticos determinaron el destino de Alemania y su literatura en el siglo pasado: la Primera Guerra Mundial, los años de la dictadura fascista (1933-1945), la división del país primero en cuatro zonas de ocupación (1945-1949) y luego en dos estados - la RFA y la RDA (1949) — 1990). La literatura alemana captó estos acontecimientos utilizando toda la paleta de estilos de los siglos XIX y XX: desde la poética naturalista de los “trozos de vida” hasta la reconstrucción del mundo a través del símbolo, la abstracción, la autonomía de la forma.

Quizás el movimiento literario y artístico más poderoso en Alemania en el siglo XX fue el expresionismo, que, después de una pausa (cayó en la segunda mitad del siglo XIX), llevó la literatura alemana (y austriaca) al frente de la vida literaria europea. Por lo tanto, es recomendable comenzar una revisión de la literatura alemana, las giras posteriores a 1945 (tratemos de mirarla en la unidad de las literaturas de la RFA y la RDA, en la unidad de sus logros artísticos más importantes) con un análisis de las modificaciones del expresionismo tardío.

Como saben, en la década de 1910 y principios de la de 1920 hubo una diferenciación del expresionismo. El grupo "activista" de izquierda vinculó su búsqueda utópica del "hombre nuevo" con la creencia en la posibilidad de una renovación radical del mundo sobre la base de las ideas comunistas. Estos escritores (es decir, los que lograron sobrevivir al nacionalsocialismo, la emigración o el encarcelamiento) formaron la columna vertebral de la literatura de la RDA tras la Segunda Guerra Mundial (Johannes R. Becher, 1892-1958; Bertolt Brecht, 1898-1956 ; Anna Segers, 1900-1983; Friedrich Wolf, 1886-1953). A ellos se pueden sumar autores más jóvenes que se han mantenido fieles a la tradición expresionista (Peter Huchel, 1903-1981; Erich Arendt, 1907-1984; Stefan Hermlin, 1915-1997). En Alemania, Leonhard Frank (1882-1961) completó su obra, dando a su última novela un título muy característico “A la izquierda, donde está el corazón” (Links, wo das Herz ist, 1952).

El expresionismo también se desarrolló en Alemania Occidental. Su representante más destacado fue Wolfgang Borchert (Wolfgang Borchert, 1921-1947). En su trabajo, aunque extraño, pero bastante orgánico, la experiencia de la nueva "generación perdida" (Borchert luchó) y la posición antifascista desarrollada independientemente (durante los años del Tercer Reich fue arrestado y perseguido repetidamente) se combinaron con el desarrollo activo de la experiencia expresionista (E. Toller, B. Brecht). Lo principal en la herencia creativa de V. Borchert, el drama "En la calle frente a la puerta" (Draußen vor der Tür, 1947) y dos "colecciones de cuentos y ensayos (alrededor de setenta en total), fue creado por en dos años y medio de la posguerra, cuando el escritor ya estaba muerto de enfermedad, pero fue este drama y estas historias las que dieron motivos a algunos críticos para hablar de la "hora cero", cuando tanto el país como la literatura tenían que empezar La voz de Borchert resultó ser una de esas pocas que no sólo se escuchaban y percibían, sino que además conservaron durante mucho tiempo el papel de cierto diapasón: “No necesitamos poetas con buena gramática… Necesitamos poetas que escriban acalorados y roncos, sollozando, que llamen árbol a un árbol, mujer a una mujer, que digan "sí", que digan "no": en voz alta y distinta, dos y tres veces, y sin formas de subjuntivo... Los muertos no están muertos para que los vivos vivan, como antes, en sus acogedores apartamentos... no para que sus hijos se dejen engañar por los mismos Studienrats nasales que tan astutamente procesaban para la guerra de sus padres" (del ensayo "En de - nuestro manifiesto", 1945, trad. A. Karelski).

El drama de Borchert "En la calle delante de la puerta", que sonó como una obra de teatro radiofónica en febrero de 1947 y fue presentado por el Teatro de Cámara de Hamburgo en noviembre, se representó con éxito en muchos lugares de Alemania y Europa. La psique rota de un soldado que regresó de la guerra, pero no puede olvidar su conmoción; Escenas expresionistamente tensas, "gritos", comprimiendo los signos más característicos de la realidad militar y de posguerra en símbolos públicos, el lenguaje brillante y metafóricamente rico de los personajes: todo esto no podía sino evocar una respuesta correspondiente.

Sobre la base de la comprensión moral de la "culpa alemana" en Alemania Occidental en 1947, surgió el "Grupo 47" (Gruppe 47), una asociación de escritores que no querían el renacimiento del militarismo y el nacionalismo. Sus orígenes son las actividades de la revista Appeal (Der Ruf, 1946-1947). Los fundadores del "Grupo 47", Hans Werner Richter (1908-1993), Alfred Andersch (Alfred Andersch, 1914-1980), Walter Kolbenhoff (Walter Kolbenhoff, 1908-1993), - con todas las diferencias en su experiencia de vida - gravitó hacia un análisis específico de las relaciones sociales en Alemania (sobre Anders, autor de las novelas Zanzibar, or the Last Cause, Sansibar oder Der letzte Grund, 1957; Ephraim, Efraim, 1967; Winterspelt, Winterspelt, 1974; libro autobiográfico Cherries of Freedom ”, Die Kirschen der Freiheit, 1952, el existencialismo también tuvo una influencia significativa). La literatura socialmente crítica, antimilitarista e incluso a veces pacifista era demandada por esa parte de la sociedad alemana, que en la "era Adenauer" (Konrad Adenauer, Konrad Adenauer, 1876-1967, fue Canciller Federal de Alemania en 1949-1963 y presidente de la Democracia Cristiana en 1946-1966) estaba alarmado por el rumbo tomado por el gobierno para apoyar la Guerra Fría, la remilitarización de la RFA. Además, el "Grupo 47" encajó oportunamente en la política editorial y el mercado del libro de Alemania, que buscaba nuevas pautas tras la derrota del nacionalsocialismo. Otorgados desde 1950, los premios del Grupo de los 47 se encuentran entre los más prestigiosos de Alemania. Fueron recibidos por Gunther Eich (1950), Heinrich Böll (1951), Ilse Eichinger (1952), Ingeborg Bachmann (1953), Martin Walser (1955), Gunther Grass (1958), Johannes Bobrovsky (1962) y algunos otros escritores famosos. .

El más consistente creativamente de este grupo de escritores fue Heinrich Boll (1917-1985). No sólo ganó fama mundial, sino que también se convirtió en una especie de "conciencia de la nación", a cuya reactivación y preservación contribuyó incansablemente como creatividad artística, así como numerosos discursos publicitarios. Su trágica experiencia de vida, en muchos aspectos similar a la experiencia de millones de alemanes de la primera generación (nacidos en Colonia en una familia numerosa y próspera de un ebanista, un católico acérrimo, Böll fue testigo de la ruina del negocio familiar en la segunda mitad de los años veinte, logró estudiar durante un semestre en la Universidad de Colonia, cursando estudios de alemán y filología clásica, fue soldado en diferentes frentes durante seis años, sobrevivió a todas las penurias de la guerra, cuatro heridas, el cautiverio americano y la posguerra devastación), logró mantener en la memoria y elevar al arte. El dolor alemán, la vergüenza, la culpa, junto con una experiencia profundamente personal de ser "olvidado en la historia", se convirtieron en los leitmotiv de su obra, que pretendía ser una especie de diapasón moral. Parecía capaz de sacar a relucir la más mínima falsedad en el estado de la sociedad de Alemania Occidental. El renacimiento nacional de los alemanes, la "vida sin mentiras" solo es posible si recurren constantemente a memoria historica, que absorbió (especialmente en el siglo XX) todos los altibajos del espíritu alemán - este es el leitmotiv principal de la creatividad y actividades sociales Cápsula.

En las Conferencias de Frankfurt (Frankfurter Vorlesungen, 1966), donde se presenta de la forma más reflexiva y sistematizada el credo ideológico y estético del escritor, Böll argumenta: “Hay demasiados asesinos caminando abierta y descaradamente por este país, y nadie demostrará que son asesinos. La culpa, el arrepentimiento, el arrepentimiento, la perspicacia nunca se convirtieron en categorías públicas, y mucho menos políticas. En este contexto, se ha formado y existe algo que ahora, veinte años después y con algunas reservas, puede llamarse literatura alemana de posguerra ”(traducido por A. Karelsky).

En 1947, se publicó la primera historia de Böll, The News (Die Botschaft), seguida de Der Zug war pünctlich (1949), Der Zug war pünctlich (1949), seguida de Der Zug war pünctlich (1949), una colección de 25 breves cuentos, Viajero, Cuando vengas a Spa... (Wanderer, kommst du nach Spa..., 1950). Tras la publicación de las novelas ¿Dónde has estado, Adam? (Wo warst du, Adam?, 1951), “Y no dije una sola palabra” (Und sagte kein einziges Wort, 1953) Böll se convirtió en el líder del Grupo 47 a los ojos del ueke de sus muchos lectores y De hecho, hasta el final de su camino creativo, siguió llevando en alto su estandarte. Quizás, al mismo tiempo, no abrió tanto nuevos horizontes artísticos como varió, profundizó su tema principal: comprender las formas de proteger a la humanidad en un mundo cruel e inhumano. Este tema le pareció a Böll de capital importancia, buscó conscientemente llevarlo al centro de su "prosa de ideas". Habiendo sufrido por experiencia personal la violencia humillante del estado y la ideología sobre el individuo, el escritor siempre ha sido un inconformista. Se trataba de cuestiones de fe ("Carta a un joven católico", Breve an einen jungen Katholiken, 1958, 1961; crítica de la encíclica papal Humanae Vitae), de la vida espiritual de la sociedad (crítica del fenómeno del "milagro económico" y el materialismo filisteo correspondiente), la política, la defensa perseguida (apoyo al Dr. I. Solzhenitsyn, a quien Böll acogió en su casa en 1974 después de que el autor de Archipiélago Gulag fuera expulsado de su tierra natal). Böll no perdonó al "santo de los santos" del mundo occidental: la prensa. Destacó con particular claridad su terror informativo en la novela "El acarreo perdido de Katharina Blum, o cómo surge la violencia y puede conducir a ella" (Die verlorene Ehre der Katharina Blum oder: Wie Gewalt entstehen und wohin sie führen kann, 1974) .

De hecho, revelar el patetismo es característico de toda la obra de Böll. Pero no lo agota en absoluto. En algunos puntos, el escritor se acerca al existencialismo. A veces, a pesar de sus críticas a la iglesia, se recuerda a sí mismo como un autor innegablemente católico. Si hablamos de las influencias en su obra, entonces este es un interés natural del ex soldado de primera línea (que, debido al impacto de la guerra, no encuentra lugar para sí mismo en la realidad de la posguerra) en la experiencia de la “generación perdida” (E. Hemingway, R. Aldington, E. M. Remarque). Quizás se note la familiaridad de Böll con el expresionismo tardío, pero a diferencia de G. Eich, W. Borchert, W. Köppen, que han pasado la pasión por la "nueva eficiencia", es estilísticamente mucho más transparente. Sin embargo, según sea necesario, puede ser complejo (por ejemplo, utilizando la técnica de "flujo de conciencia" en el espíritu de "El ruido y la furia" de Faulkner), pero sin perjuicio del objetivo principal: el cumplimiento de una u otra moral. tarea. “Procedo de la convicción de que la persona se hace humana por el lenguaje, el amor, la participación; son ellos quienes lo conectan consigo mismo, con otras personas, con Dios: un monólogo, un diálogo, una oración ”(“ Frankfurt Lectures ”): así es como el propio Böll definió el contenido principal de su obra. La palabra clave en esta autocaracterística es la palabra "complicidad".

Es la poética de la participación, que Böll desarrolló y cultivó toda su vida, lo que le da a sus obras una originalidad única. Sus personajes entran en contacto con el mundo en virtud de algunas propiedades originales de su naturaleza: simplemente no pueden ser diferentes. Hay cierto esquematismo en esta predestinación de las propiedades más profundas de la personalidad, pero también su propia convexidad artística. Esto se aplica tanto a los caracteres positivos como a los negativos: ninguno de ellos puede "saltar de sí mismo", la verdadera naturaleza aún prevalece. Finalmente, muchas de las obras de Böll se caracterizan por el lirismo, lo que lo convierte no tanto en un escritor de la vida cotidiana como en un portador de la verdad existencialmente conquistada.

Los primeros cuentos, cuentos y novelas de Böll, por regla general, cubren algún episodio clave en la vida del protagonista, desde el cual se extienden hilos más o menos visibles hacia el pasado. Este episodio está relacionado de una forma u otra con la experiencia militar: la historia generalmente se cuenta desde la perspectiva de un joven, lisiado en la línea del frente o inevitablemente ("a tiempo") acercándose a su inevitable muerte. Pero ya a partir de las novelas "Una casa sin amo" (Haus ohne Hüter, 1954) y "Billar a las diez y media" (Billard um halbzehn, 1959), tanto la estructura temporal de la narración como el círculo de actores. Estas novelas se encuentran entre las mejores de Böll -si lo desea, puede ver en ellas una apariencia de crónica familiar, aunque no tan ordenada como, digamos, Buddenbrooks (1901) de T. Mann, una novela clásica de este tipo. Cambio frecuente de ángulos narrativos, los saltos en el tiempo están diseñados para transmitir el daño al curso natural de la vida. Convertido fatalmente en el pasado, tiene posibilidades muy problemáticas para una secuela. Particularmente indicativa en este sentido es la novela Billar a las nueve y media.

En él se presenta la historia alemana del siglo XX a través de tres generaciones de una familia de arquitectos. En 1907, Heinrich Femel, habiendo ganado un concurso, construye una abadía católica; su hijo Robert hace explotar la abadía durante la Segunda Guerra Mundial; El nieto de Femel, Josef, después de la guerra, emprende la restauración del monasterio. El hilo de la historia pasa a su vez a cada uno de los Femel, quienes, por su edad, además de la capacidad de “recordar” o “no recordar” (los que conservan la memoria en la novela reciben la designación simbólica de “corderos” , mientras que los que han perdido pertenecen a los que han tomado la “comunión del búfalo”)- recrean los episodios clave de la historia de la familia, tratando de encajarla en el contexto de la primera mitad del siglo XX.

La composición de esta novela polifónica (Böll llamó a esta técnica "Facetten-Technik") está construida de tal manera que el evento organizador es la celebración del 80 cumpleaños de Heinrich Femel el 6 de septiembre de 1958, y el conflicto se desarrolla en torno al billar. habitación en el hotel Prince Heinrich, donde Robert Femel, que, como el lugarteniente de Hemingway, Henry, ha concluido su "mundo separado", que no quiere ser un "compañero de viaje" de la historia, juega al billar todos los días desde las diez y media hasta las once. Hay pocas obras en la literatura alemana del siglo XX donde se identifique la escisión de la nación alemana entre los partidarios de la guerra y la violencia y los que, a pesar de su indefensión, no pueden aceptar la guerra y la violencia (tal es el caso de la novela de Johann Femel disparando al ministro), se representa con la misma escala involuntaria, sutileza psicológica. Si tratamos de encontrar una frase clave para caracterizar esta novela de múltiples capas (planteando la cuestión de la resistencia al mal principalmente en un nivel profundamente personal), entonces varía en los pensamientos y conversaciones de Robert y Shrella, quienes estudiaron en el mismo gimnasio. en los años treinta e iniciaron juntos su resistencia “silenciosa” al fascismo. Shrella, que logró eludir a la Gestapo, vive en el exilio y todavía tiene miedo de regresar finalmente a sus lugares de origen: “Me encantaría vivir al lado tuyo, pero no aquí. Tengo miedo aquí; No sé, tal vez me equivoque, pero las personas que veo en esta ciudad no me parecen mejores que aquellas de las que una vez huí. Robert y su padre, de hecho, piensan lo mismo, quienes no quieren asistir a la consagración de la abadía restaurada, ya que ambos están convencidos de que junto con este evento, otro recuerdo del pasado puede ser borrado de la memoria de la mayoría de los residentes. de la ciudad, que, en principio, no debe borrarse.

Las novelas posteriores más significativas de Böll son A través de los ojos de un payaso (Ansichten eines Clowns, 1963) y Retrato de grupo con una dama. Desarrollan el tema del inconformismo familiar para Böll de una manera nueva. Al analizar la novela A través de los ojos de un payaso, no se puede dejar de recordar El tambor de hojalata (1959) de G. Grass. Böll parece tomar prestados los temas y problemas de la novela escandalosa de su contemporáneo más joven, pero al mismo tiempo libera la narrativa de los "trucos" modernistas de Grass, traduciéndola así a la corriente principal de la plausibilidad general. Hans Schnier, por supuesto, es una especie de doble de Oscar Macerath. Ambos son artistas (artistas), forasteros. Ambos logran el éxito y el amor en la sociedad que desprecian y renuncian voluntariamente a su éxito, cansados ​​de tirar de la correa de la conformidad inevitable con el éxito ... Parece que la observación de A. V. Karelsky, hecha, sin embargo, solo sobre Hans Schnier, se puede aplicar a ambas novelas: “El tema del pasado no conquistado entra en contacto significativo con el tema del “bufón”: aquí no sólo se cortan constantemente las posibilidades de felicidad individual en el mundo de la infelicidad social, sino que la rebelión contra este mundo mismo es reconocida como una payasada trágica” (en nuestra opinión, Cierto, no tanto trágica como tragicómica).

La novela Retrato de grupo con una dama (Gruppenbild mit Dame, 1971) cuenta la historia de vida de Leni Gruyten (Pfeiffer). Nació en 1922, se convirtió en contemporánea del ascenso de los nazis al poder, la guerra, la reconstrucción de la posguerra de Alemania. Leni no es de ninguna manera una "dama". Esta mujer (quien estuvo brevemente casada; se enamoró del prisionero de guerra ruso Boris Koltovsky; educa hijo ilegítimo León experimentando las dificultades de la vida (los alguaciles pueden quitarle su apartamento), sin evaluar sus acciones como heroicas o antifascistas, vive y ama de acuerdo con las leyes humanas naturales de participación, y no de acuerdo con las leyes del lobo de la ideología nazi, una bien alimentada sociedad burguesa. Por lo tanto, Leni es una santa, una santa-pecadora, la única santa posible en el mundo caído moderno. Su cristianismo está lejos de las exigencias de la moral eclesiástica, pero para Böll esto no es tan importante, ya que él característicamente opone el verdadero catolicismo de sus corderos a la Iglesia católica como institución social y sobre todo política. La imagen de Leni Pfeiffer está tejida a partir de fragmentos. Un “autor” anónimo (Verf.) se compromete a compilar la “vida” de la nueva “santa”, recopilando diversa información sobre ella, tanto fáctica como “milagrosa” (Leni cree que la Madre de Dios se le aparece en la pantalla del televisor ). La bondad, desplegada en la novela, es algo excéntrica. Sin embargo, en el contexto de la modernidad y su suciedad omnipresente, se muestra puro, sublime, en equilibrio al borde, también hubo leyendas.

La imagen de Leni Pfeiffer se desarrolló en The Lost Honor of Katharina Blum (1974), una novela sobre una mujer perseguida por la prensa de Springer y asesinando a un periodista sin escrúpulos con una pistola. Al igual que Leni, Katarina es una mujer sencilla. Esta ama de llaves es moralmente pura por naturaleza, y si comete un delito (ayudar a un terrorista a escapar), entonces, por ignorancia, se enamora de un extraño a primera vista. Su disparo a Tetges es similar al de Johanna Femel. Cierto, esta vez es un signo de la desesperación total de una persona que es impotente ante la arbitrariedad de la prensa y responde a la violencia organizada por la violencia instintiva, anárquica. En respuesta a los acontecimientos relacionados con el terrorismo de ultraizquierda alemán (el grupo Baader-Meinhof), Böll escribió una novela en el género de la "prosa documental" de una manera poco característica. Es a la vez factográfico y satírico. El tema de la violencia legalizada, que priva a una persona de toda privacidad, también está dedicado a la novela “Caring Siege” (traducida como “Bajo la escolta del cuidado”, Fürsorgliche Belagerung, 1979) sobre Fritz Tholm, jefe del periódico “preocupación Ya después de la muerte de Böll, las novelas “Mujeres de las orillas del Rin (Frauen vom Flußlandschaft, 1986), El ángel calló (Der Engel schwieg, 1992).

Además de Böll, el prosista y periodista satírico Wolfdietrich Schnurre (Wolfdietrich Schnurre, 1920-1989), autor de novelas, cuentos, obras de teatro para radio y televisión Pvul Shalluk (Paul Schallück, 1922-1976), prosista y poeta Wolfgang Weyrauch (Wolfgang Weyrauch, 1907-1980), dramaturgo y prosista Wolfgang Hildesheimer (Wolfgang Hildesheimer, 1916-1991), prosistas Walter Jens (Walter Jens, p. 1923), Siegfried Lend (Siegfried Lenz, p. 1926), Martin Walser (Martin Walser, p. 1927), poeta Hans Magnus Enzensberger (Hans Magnus Enzensberger, p. 1929); lista completa participantes en las reuniones del grupo en 1947-1967. Tiene más de 200 nombres. Esta literatura, sesgada a su manera, encarnaba un alto principio moral, de una forma u otra desarrollaba la problemática del “pasado no conquistado” y era predominantemente una oposición de centroizquierda a las tendencias nacionalistas y de extrema derecha en la vida social de Alemania en las décadas de 1950 y 1960.

Convencionalmente, puede llamarse literatura alemana de los "sesenta" (y sin importar de qué manera, relativamente tradicional o experimental, centrada en Kafka, el expresionismo o la mitopoética, era característica). Los monumentos de esta literatura son, ante todo, las novelas. Además de las obras de Böll, se encuentran Palomas en la hierba (Tauben in Gras, 1951) y Muerte en Roma (Der Tod in Rom, 1954) de Wolfgang Koppen (Wolfgang Koppen, 1906-1996), El caso de d "Artez" (Der Fall d "Arthez, 1968) Hans Erich Nossack (Hans Erich Nossack, 1901 - 1977), "Intertime" (Halbzeit, 1960) y "Unicornio" (Das Einhorn, 1966) Martin Walser, "Lección de alemán" (Deutsch- stunde, 1968) Siegfried Lenz.

La autoridad de los escritores de los años sesenta (ya veces su agitación directa) contribuyó en gran medida a la llegada al poder del Partido Socialdemócrata dirigido por Willy Brandt (W. Brandt fue Canciller Federal de la República Federal de Alemania en 1969-1974, presidente del SPD en 1964-1987. ). Cuando en la segunda mitad de la década de 1960 la generación de jóvenes de la posguerra representada por la “nueva izquierda” entró en la arena de la vida pública y la literatura (en el arte se declararon neovanguardistas), incluso G. Grass, quien en la década de 1950 fue llamado unánimemente vanguardia de izquierda, instó reiteradamente a la juventud a “entrar en razón”, “establecerse”: en su ficción esto se captura en la novela "Under Local Anesthesia" (1969), el libro de no ficción "From the Diary of a Snail" (1972).

En las décadas de 1940 y 1950, junto con la prosa sociocrítica, que gravitó o bien hacia el naturalismo o hacia una comprensión existencialista del mundo, así como hacia la poesía de vanguardia (su representante más llamativo es G. Verteidigung der wölfe, 1957; " Language of the Country", landessprache, 1960; "Type of the Blind", blindenschrift, 1964), el "realismo mágico" también se desarrolló activamente en la literatura de Alemania Occidental. El término fue propuesto por el crítico de arte F. Roo ya en 1923 por analogía con la fórmula de Novalis "idealismo mágico" (1798). Denotó una de las versiones del expresionismo tardío, y luego comenzó a extenderse no solo a la literatura alemana, sino también a la latinoamericana. En los primeros años de la posguerra, el "realismo mágico", que sobrevivió a la República de Weimar y al Tercer Reich, compitió con éxito con el "Grupo 47". Los críticos compararon y contrastaron ambos fenómenos, aunque los propios escritores rara vez entraron en polémica: los unía una posición antitotalitaria. Sin embargo, diferían en la comprensión del significado de la creatividad. Los "realistas mágicos" rara vez abordaron los problemas de la vida social y política actual. Ellos creían que la existencia social obedece en última instancia a las leyes cósmicas, y no a la voluntad humana, y una persona nunca podrá racionalizar la Vida y transformarla de acuerdo con su propio entendimiento. De ahí la poética “mágica” (“no racional”, según G. Kazak) de sus obras, que refleja el alboroto caótico y la falta de sentido de la mayoría de los actos humanos y al mismo tiempo se esfuerza por capturar en este Caos una manifestación de necesidad universal incomprensible. a la mente ordinaria. Por supuesto, la filosofía y la poética de estos escritores estuvieron condicionadas por la experiencia social del siglo XX: todos representan la llamada "emigración interna" (de ahí el rechazo activo, y muchas veces perentorio, de los emigrantes "externos", por ejemplo, T. Mann).

Los “realistas mágicos”, los únicos que sobrevivieron a la desgracia alemana durante los años del nazismo, no formaron un solo grupo después de la guerra. Los representantes más destacados del "realismo mágico" en la Alemania de la posguerra fueron Ernst Kreuder (Ernst Kreuder, 1903 - 1972), autor de la novela "El esquivo" (Die Unauffindbaren, 1948), que evoca el "Castillo" del lector F. Kafka ; Elisabeth Langgässer (1899-1950) con su poesía, la novela "El sello indeleble" (Das unauslöschliche Siegel, 1939-1944, publ. 1946), la colección de cuentos "Labyrinth" (Das Labyrinth, 1949), y Herman Kazak ( Hermann Kasack, 1896-1966), de cuyas obras de posguerra la más famosa fue la novela La ciudad más allá del río (Die Stadt hinter dem Strom, 1947).

En el centro de la novela están las observaciones y experiencias del historiador de arte Dr. Lindhoff en " ciudad de los muertos”, un eslabón intermedio entre el mundo real (desde donde Lindhof fue invitado a la “ciudad al otro lado del río” para cumplir el cargo de cronista) y el No-Ser, donde son enviados casi todos los habitantes de la ciudad después de estudiar sus “ casos” por los servidores del Archivo de la ciudad. Si "ciudad intermedia" se muestra como reparto mundo real con sus problemas y contradicciones cotidianas (se describen en un aspecto generalizado, atemporal, esencial, que reúne diversas épocas históricas), el Archivo se presenta como una instancia destinada a personificar, aunque no religioso, pero sí un sentido indudablemente superior del universo. Excluye la predestinación y delega en las personas la independencia de pensamiento y acción, el derecho a elegir. Lindhof se encuentra en una posición única. En el Archivo, toda la sabiduría de la humanidad acumulada durante miles de años está abierta para él, si lo desea, puede entrar en contacto personal con uno u otro "inmortal"; en la ciudad, tiene a su disposición todo el esquema cotidiano de la historia moderna, aquí se encuentra con amigos, parientes, conocidos muertos, trata de agotar los conflictos y las disputas no resueltas durante su vida con ellos. Lindhof es la única persona viva entre los "muertos" que, además, puede regresar al mundo real a voluntad, lo que eventualmente hace. El mundo real es una Alemania de posguerra metafóricamente dada, pero realmente reconocible, donde Lindhoff, como predicador itinerante, trata de difundir la luz de la Verdad, que le fue revelada durante su estancia en la “ciudad más allá del río”.

Ernst Jünger (1895-1997), anticomunista acérrimo, autor de la novela distópica Heliopolis (Heliopolis, 1949), se distingue tanto del “realismo mágico” como de la obra socialmente crítica de los escritores del “Grupo de los 47”, numerosos y ensayo muy original ("Un paseo por el bosque", 1951; "En el umbral del tiempo", 1959; "Dioses y números", 1974), un diario de varios volúmenes. Incluso en su juventud, este soldado de carrera, después de haber demostrado un coraje excepcional durante la Primera Guerra Mundial, se convirtió en poseedor de los más altos premios militares alemanes y publicó el sensacional libro In Steel Thunderstorms (In Stahlgewittern, 1920). Habiendo glorificado la guerra al estilo de Nietzsche como una forma de existencia de una personalidad fuerte, Jünger no apoyó entonces a los nazis (aunque sirvió en el ejército, luchó en Frente Oriental), oponiéndolas a la "vulgaridad" "aristocrática" de su estilo de vida y escritura. En la década de 1950, la heroicidad de Jünger y la predicación de la idea nacional dan paso a una crítica de la civilización (aquí se siente su dependencia de F. Nietzsche, O. Spengler), la comprensión de las mitologías de la "tierra" y el "espacio", desarrollando lo que podría llamarse la variación original de Junger del existencialismo ateo (tiene puntos de intersección con los últimos ensayos de M. Heidegger).

El 28 de agosto de 1949, el día del 200 aniversario del nacimiento de J. W. Darmstadt. Desde 1951, la Academia de Darmstadt comenzó a otorgar el Premio Literario Georg Büchner, que se convirtió, junto con el Premio del Grupo 47, en el premio literario más prestigioso de Alemania.En 1953-1963, G. Kazak estuvo al frente de la Academia de Darmstadt; este hecho, así como la lista de laureados de los primeros años, atestiguan que la Academia y el "Grupo de los 47" inicialmente estaban en oposición, pero a fines de la década de 1950, esta oposición estaba prácticamente nivelada. Entre los laureados del premio académico se encontraban los representantes más brillantes de la literatura alemana, austriaca y suiza: Gottfried Benn (1951), Ernst Kreuder (1953), Marie-Louise Kashnitz (1955), Karl Krolov (1956), Erich Kestner (1957) , Max Frisch (1958), Günter Eich (1959), Paul Celan (1960), Hans Erich Nossack (1961), Wolfgang Köppen (1962), Hans Magnus Enzensberger (1963), Ingeborg Bachmann (1964), Günther Grass (1965) , Wolfgang Hildesheimer (1966), Heinrich Böll (1967), Golo Mann (1968^, Helmut Heisenbüttel (1969), Thomas Bernhard (1970), Uwe Jonsohn (1971).

Un enorme abanico de literatura alemana de la posguerra fue la llamada literatura auténtica, que pretendía transmitir con la máxima autenticidad los sentimientos y vivencias de los alemanes: prisioneros de los campos de concentración; soldados que pasaron por las penurias de la guerra; dolor, desesperación y esperanza de quienes intentaron resistir al fascismo. Es esta literatura la que podría servir como confirmación de la conocida tesis de T. Adorno sobre la imposibilidad creatividad literaria después de Auschwitz. Pero en la práctica, resultó que los sufrimientos experimentados, al intentar verbalizarlos, parecían comenzar a requerir epítetos, comparaciones, metáforas, y el texto que buscaba la autenticidad involuntariamente, como contra la voluntad del autor, se transformó en uno literario. En 1946 vio la luz la Moabiter Sonette (1903-1945) de Albrecht Haushofer, al mismo tiempo que se publicaba en Múnich la antología De Profundis, que reúne los poemas de 65 poetas que sobrevivieron a los horrores del nazismo. En 1947, G. Kazak publicó una colección de "Mundos" (Welten) - poemas seleccionados de Gertrud Kolmar (Gertrud Kolmar, 1894-1943?), una poetisa talentosa que murió en un campo de concentración. Se publican las colecciones Der Sand aus den Urnen (1948) y Memory and Forgetting (Mohn und Gedächtnis, 1952) de Paul Celan (nombre real Paul Leo Antschel, 1920-1970) 1 - la primera de ellas contiene el famoso * poema " La fuga de la muerte" (Todesfuge, 1946), así como "Danza de la muerte" (Totentanz und Gedichte zur Zeit, 1947) de Marie Luise von Kaschnitz-Weinberg (1901 - 1974). Uno de los ejemplos más notables de poesía auténtica es la obra de Nelly Sachs (1891-1970), galardonada con el Premio Nobel en 1966.

La vida de Nelly Sachs se dividió entre Alemania y Suecia. La futura poetisa nació en Berlín, en una familia judía adinerada, estudió en una escuela privilegiada, le gustaba la música y el baile. A partir de los dieciocho años comenzó a escribir poesía. Con la llegada al poder de los nazis, la vida de los judíos alemanes se volvió extremadamente complicada. En 1940, con la ayuda de Selma Lagerlöf, con quien mantuvo correspondencia durante muchos años, Sachs emigró con su madre a Suecia, que se convirtió en su segundo hogar. El destino salvó a una poetisa alemana, poco conocida en ese momento, de un campo de concentración. Y, tal vez, solo en Suecia, al comprender los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial, Nelly Sachs se dio cuenta verdaderamente del significado de este evento como un regalo de lo alto, como un período que le correspondía para cumplir una determinada misión: capturar, expresar, transmitir. el dolor y el sufrimiento de los muertos y las muertas, todos aquellos a quienes la vida no les brindó la misma feliz oportunidad que ella.

Ella asumió esta enorme carga de dolor y sufrimiento y la llevó hasta el final de su vida, sin quejarse de su exorbitancia. Por lo tanto, en la herencia poética madura de Sachs no hay poemas ligeros ni divertidos, lúdicos o irónicos: la carga del pasado no se hizo más fácil con los años e incluso, por el contrario, se oprimió cada vez más. Tal preocupación por una idea no es tan común en la poesía, pero fue esta vocación sacrificial la que dio origen a elementos de visionario en la poesía de Nelly Sachs, la hizo buscar un simbolismo especial para expresar su dolor, que no siempre es fácil de entender. En los poemas de Sacks, no solo los muertos y los muertos hablan con toda naturalidad, sino que toda la naturaleza cobra vida, participando activamente en los misterios de la Vida y la Muerte: "viento de muerte", "nidos de horror", "espasmo de ramita", "cenizas de angustia", "dolor de ocaso", "cuchillo de despedida", "puertas de la noche". Emociones, conceptos abstractos - todo se personifica, se hace carne: "el miedo lo chupan los bebés en lugar de la leche materna", "los gusanos del miedo todavía nos comen", "la muerte ya ha hecho flautas con nuestros huesos huecos", "el olor del sufrimiento". Tales imágenes no toleran la lectura rápida. Al no ser completamente innovadores en la historia de la poesía mundial (porque ya se encuentran entre los simbolistas, expresionistas, imaginistas), están al mismo tiempo incluidos en el contexto del ciclo cósmico, donde todo está conectado con todo: “A través de / lava nocturna / como si callara / párpados / guiños lloran / volcanes de la creación. / Entre las ramas de tu cuerpo / presentimientos / sus nidos chirriantes. / Como una lechera / al anochecer / extiendes tus dedos / hasta la ubre más interna / de la luz” (“Bailarina”, Die Tänzerin, traducido por V. Mikushevich).

Las líneas citadas están tomadas de un poema sobre una "bailarina", una bailarina, cuyo arte Nelly Zaks interpreta tanto en términos naturales como espirituales. Surge así la doble óptica de su poesía, cuyas minuciosas metáforas (“como lechera en el crepúsculo tiendes los dedos a lo más recóndito de la ubre de la luz”) suprime cualquier incursión del azar en el universo. Lo que puede parecer privado para un individuo, sin base alguna, no puede serlo, según Sacks, a escala universal. Pero, ¿cómo entender y justificar en este caso los innumerables crímenes y asesinatos cometidos en la Tierra? como inevitable parte constituyente torbellino cósmico sin fin?

Planteándose estas importantísimas preguntas en todas sus colecciones -desde los primeros libros In den Wohnungen des Todes (1947), El eclipse de las estrellas (Srernverdenklungen, 1949) hasta el último, donde se potencian los acentos místicos-, la propia Sachs las responde indirectamente. “Sacrificio” no es solo el estado del alma judía que pasó por el Holocausto, sino también el sufrimiento por el mal de toda la humanidad. Al mismo tiempo, el reconocimiento de uno mismo como “víctima”, según Zaks, habla de una interpretación humana un tanto simplificada del lugar de uno en el mundo, donde nada sucede así, todo tiene no solo material, sino también espiritual ( siempre difícil para la comprensión humana) consecuencias.

En términos de la intensidad de la experiencia de los años de guerra, junto a Sachs, uno puede poner no solo a sus contemporáneos de Alemania Occidental, sino también a escritores de Alemania Oriental.

Uno de los poetas y prosistas más originales de la RDA fue Johannes Bobrowski (Johannes Bobrowski, 1917-1965), quien logró publicar solo dos colecciones de poemas durante su vida: El tiempo de los sármatas (Sarmatische Zeit, 1961) y Land de las sombras (Schattenland, 1962). Sin embargo, se notó de inmediato en toda la región de habla alemana, recibió premios literarios de la RFA, Austria, Suiza y la RDA En 1961, Bobrovsky expresó su especial misión histórica y cultural de la siguiente manera: "Empecé a escribir poesía sobre ruso naturaleza en 1941 cerca del lago Ilmen pero como un extraño, como un alemán. De aquí surgió el siguiente tema: los alemanes y el este europeo, porque vengo de una zona cercana a Memel, donde convivían polacos, lituanos, rusos, alemanes, y entre ellos todos judíos. Esta es una historia muy larga de dolor y culpa, que ha sido un pecado grave para mi pueblo desde los días de la Orden alemana. No se puede eliminar ni redimir, pero no se le puede quitar la esperanza; vale la pena escribir sobre él en verso alemán”. Habiendo sentido en su juventud un interés en la cultura eslavo-báltica, Bobrovsky pudo durante los años de guerra, y luego en el cautiverio soviético, profundizar en su tema principal. Desde mediados de la década de 1950, comenzó a publicar poesía en la revista "Zinn und Form", apareciendo inmediatamente como un poeta original. Su verso-meditación libre se origina en la antigüedad, pero se convierte en sí mismo gracias a las interpretaciones que la poesía alemana le dio en la persona de Klopstock y Hölderlin.

Habiendo creado en su imaginación el país de Sarmatia, que se extiende desde el Báltico hasta el Mar Negro, Bobrovsky utilizó la herencia mitológica y folclórica de los pueblos que viven principalmente en la región del Báltico. Los poemas dedicados a la exterminada tribu eslavo-báltica de los prusianos, que se convirtieron en una especie de centro organizador para todo el trabajo de Bobrovsky, explicaron el significado de su constante apelación a la historia. El pasado es un componente integral de la cultura, no está muerto, sigue vivo. Y esta vida sagrada debe sentirse con el corazón, incluida en la experiencia diaria de uno: sin tal actitud espiritual, incluso de oración, hacia el pasado, una persona no tiene ni el presente ni el futuro.

El comienzo religioso es característico no solo de la poesía, sino también de la prosa de Bobrovsky: las novelas "Levin's Mill" (Levins Mühle, 1964), "Lithuanian Claviers" (Litauische Klaviere, publ. 1966) 1965). La trascendencia de la obra de Bobrovsky radica principalmente en el hecho de que, en las condiciones de la RDA, este escritor, de manera muy artística, dejó claro que los conflictos de clase, aunque importantes, son sólo una parte de los enormes problemas que enfrenta la humanidad en el camino de su perfección espiritual. Mostró que los valores espirituales son preservados y transmitidos de generación en generación no por una clase, sino por los mejores representantes de todos los estratos de la sociedad. Habiendo aceptado el socialismo como una idea humana alternativa al fascismo, Bobrovsky nunca fue tan ingenuo como para suponer que esta idea ya se había realizado en la RDA, como afirmaban los apparatchiks del partido de Alemania Oriental y muchos escritores contratados por el estado.

El género de la prosa documental-autobiográfica resultó ser muy productivo para la literatura de Alemania Oriental, en la que los escritores de la generación anterior resumieron sus vidas. Algunos de estos libros, quizás, no han perdido su significado aún hoy. El género de crónica auténtica incluye la novela Naked Among Wolves (1958) de Bruno Apitz (1900-1979), traducida a más de 30 idiomas del mundo. El secreto del éxito de Apitz radica en la naturaleza fáctica de la narración (ocho años pasados ​​en Buchenwald, salvando a un niño polaco nacido en un campo de concentración). La necesidad del lector de entonces de cuadros plausibles de la vida explica fácilmente el éxito de The Adventures of Werner Holt (vols. 1-2, 1960-1963) de Dieter Noll (n. 1927) y una serie de otras obras generalmente clasificadas como "novela". de la educación” y novela militar. Sus autores, en particular, incluyen a Erwin Strittmatter (1912-1994). Su novela más famosa, escrita en general desde el punto de vista del realismo socialista, es Ole Bienkopp (1963). Fue concebido bajo la influencia de Sholokhov y está dedicado a la colectivización en la RDA.

Entre los escritores más interesantes de la RDA se encontraba Franz Fühmann (1922-1984). Reclutado en las filas de la Wehrmacht, terminó en cautiverio soviético durante la guerra. Estos años (1945-1949) lo convirtieron de nazi a comunista. Posteriormente, Fuman dijo: "Pertenezco a la generación que llegó al socialismo ... a través de la conciencia de los crímenes misántropos de los nacionalsocialistas". El tema principal de las obras de Fümann es la exposición del fascismo en todas sus manifestaciones (el cuento "Compañeros soldados", 1955; el ciclo de cuentos "El coche judío", 1962; los cuentos "Barlach in Gustrow", 1963; "Edipo el Rey", 1966; en el cine, o Dream Island, 1970). La esperanza de que las decisiones del XX Congreso del PCUS condujeran a una mejora de la situación social en la RDA permitió a Fuman volverse hacia temas contemporáneos y crear una historia sobre destino difícil colonos "Bohemia junto al mar" (1962).

La evolución de Fuhmann se puede rastrear a través de tres libros autobiográficos que cubren el período de la historia alemana a partir de 1929: The Jewish Car, Twenty-Two Days, or Half a Life (1973) y Above the Fire Pit (1982). Si en el primer libro el escritor revela el carácter corruptor del alma del fascismo, esos mitos ideológicos con los que los nazis reclutaban a sus partidarios en Alemania y en el extranjero (la infancia del escritor transcurrió en los Sudetes, en Bohemia), y en el segundo trata de comprender y al menos fragmentariamente expresarse la esencia del mito como forma de la conciencia humana, entonces el libro “Sobre el abismo de fuego” es ya una síntesis de todas las búsquedas anteriores: “Hasta ahora percibía la formación de una persona como un cambio de propiedades y cualidades, aunque en desarrollo, ahora... Entiendo que este devenir es también simultaneidad: no pierdes nada de lo que fuiste y ya eras lo que un día serás. Mi infancia me fue arrebatada durante cincuenta años y se volvió tan incomprensiblemente diferente para mí, ahora de repente más cerca que mi hoy, desde el cual entré en el pasado...

La comprensión y el dominio del "elemento mítico" (este tema fue el tema del discurso de apertura del escritor a los estudiantes de la Universidad de Berlín en 1974) tomó las formas más diversas en la obra de Fuman. Estos son recuentos-reelaboraciones de tramas mitológicas (con elementos de modernización discreta) - Reinecke the Fox (1964), Wooden Horse. La leyenda de la muerte de Troya y las andanzas de Odiseo” (1968), “El Cantar de los Nibelungos” (1971); ensayos sobre los más diversos problemas del lenguaje, la literatura y la cultura - "Cereales humeantes de caballos en la Torre de Babel" (1978), "Fräulein Veronica Paulman de los suburbios de Pirna, o Algo terrible sobre E. T. A. Hoffmann" (1979), un ensayo sobre Trakl (1981 - 1982), "Mi Biblia" (1983); cuentos de hadas.

La apelación al pasado entre los escritores de la RDA estuvo acompañada de una renovación de la poética de la prosa histórica. Un lugar destacado entre los autores que trabajaron en este género lo ocupó Martin Stade (Martin Stade, p. 1931, novelas sobre el tema de la historia prusiana del siglo XVIII - The King and His Fool, 1974; Stupid War, 1981), así como Stefan Geim (Stefan Heym, Nast, nombre - Hellmuth Fliegel, Hellmuth Fliegel, 1913 - 2002), quien publicó sus obras en versiones en inglés y alemán ("Agasfer", Ahasver, 1981). Game's King David Message (Der König David Bericht, 1972) "intercalaba" críticas al estalinismo, cuya censura se dio cuenta solo después de la publicación de la novela que parodiaba " Curso corto historia del PCUS(b).

Una figura notable en la literatura de la RDA en las décadas de 1950 y 1960 fue Anna Seghers (Anna Seghers, 1900-1983), desde 1952, dirigió la Unión de Escritores de la RDA Willy-nilly Segers: su fama fue traída por las novelas. Se suponía que "La séptima cruz" (Das siebte Kreuz, 1942) y "Tránsito" (Tránsito, 1944) "servirían como ejemplo", para ser un conductor de la línea del Partido Comunista en la literatura. Tales son las novelas Decisión (1959) y Confianza (1968), obras de panorama realizadas de acuerdo con los principios del realismo socialista. Y, sin embargo, la historia histórica sobre el tema de la Revolución Francesa "Luz en la horca" (1961), el libro documental de historias "El poder de los débiles" (1965), construido sobre material autobiográfico, la historia "El azul real" (1967) testificó que Zegers no detuvo la búsqueda creativa.

Zegers tuvo cierta influencia en los escritores jóvenes. Se nota en la novela de Christa Wolf (Christa Wolf, p. 1929) "Split Sky" (Der geteilte Himmel, 1963). Representando una historia aparentemente privada, amor trágico Rita Seidel y Manfred Herfurt, K. Wolf logró entretejerlo en el contexto del "cielo partido" - la tragedia de "dos Alemanias", aunque se comprende de acuerdo con la interpretación oficial de los hechos. Cabe señalar que en la década de 1960, la prosa psicológica, el estudio de la naturaleza contradictoria de la naturaleza humana, comenzó gradualmente a afirmarse en la RDA (la actitud oficial solo permitía un enfoque "positivo"). Las primeras obras importantes de este plan fueron las novelas de K. Wolf "Reflexiones sobre Krista T". (Nachdenken über Christa T. 1968) y G. de Bruyn "El burro de Buridan" (1968).

K. Wolf cuenta la vida y el destino de una mujer destacada que nunca se dio cuenta de sus talentos. ¿Pero es solo porque sucedió que Krista T. murió de cáncer a los 35 años? Por supuesto, el escritor estaba interesado en otra pregunta, la pregunta de si una sociedad puede considerarse verdaderamente humana si establece objetivos para sus miembros, excepto el principal: el conocimiento de cada persona y el significado de la vida. A partir de esta novela, Wolf se convence cada vez más de que el escritor moderno ya no tiene derecho a construirse un "sabelotodo" o adoptar la pose de un observador desinteresado. En un esfuerzo por ser extremadamente honesta en la transmisión de su experiencia, la escritora desarrolló la teoría de la "autenticidad subjetiva" e intentó implementarla en la novela Imágenes de la infancia (Kindsheimutter, 1976). Los tres puntos de vista principales se cruzan en cada uno de los 18 capítulos. El lector ve los acontecimientos de las décadas de 1930 y 1940 a) a través de los ojos de Nelly Jordan, una niña nacida en Landsberg en 1929 en la familia de un comerciante; b) a través de los ojos de la misma Nelly y sus familiares, ahora ciudadanos de la RDA, que en 1971 van a Landsberg (hoy ciudad polaca); c) finalmente, a través de los ojos de la propia Christa Wolf, quien, junto con Nelly, intenta conectar el pasado y el presente. La perspectiva de un "acto moral que se repite constantemente" ayuda al escritor a plantear la cuestión del precio de la memoria. La memoria de Nelli (como la memoria de muchos alemanes) no dice nada sobre los campos de concentración, aunque se informó en todos los periódicos nazis (los padres de Nelli los revisan antes de irse a la cama). En otras palabras, la memoria a menudo actúa de manera selectiva: borra por completo lo que no es rentable o incluso peligroso para una persona en todos los aspectos, incluidos los profundamente personales.

Habiendo creado esta novela, K. Wolf por un tiempo se aparta de los temas modernos, sumergiéndose primero en la historia. romanticismo alemán, y luego - en la era de la antigüedad. El cuento "Kassandra" (Kassandra, 1983) es una obra de carácter histórico y mitológico, en la que el escritor (siguiendo en muchos aspectos los pasos de T. Mann) busca psicologizar y modernizar el mito de la Guerra de Troya. Está construido como memorias de la hija del rey troyano Príamo Casandra, dotada con el don de la clarividencia. ¿Para qué es la guerra? ¿Por un fantasma, por un fantasma inexistente? Cassandra, analizando los requisitos previos para la campaña contra Troya, gradualmente comienza a ver su esencia. Al principio, simplemente prevé los hechos, pero no puede comprender sus causas y consecuencias y, por lo tanto, no puede ofrecer ninguna alternativa a los terribles acontecimientos inevitables que se avecinan. Sin embargo, luego, liberada paulatinamente de los prejuicios de su clase y de su tiempo, gana en libertad espiritual, en el conocimiento de sí misma como mujer, así como en las aspiraciones populares.

En el verano de 1990 se publicó el cuento “What Remains” (Was bleibt), en el que Wolf reprodujo episodios de su vida a fines de la década de 1970, cuando ya estaba en la oposición al poder. Sin exagerar su coraje personal, describe la vigilancia policial, recrea el ambiente de amenazas, escuchas telefónicas, lectura de cartas, muestra cómo se comportaban diferentes personas en ese momento, describe el espíritu y el estilo de un régimen totalitario que ha pasado por encima no solo de lo razonable, sino también de todos. límites imaginables. Es esta historia, completada, como se señala en el manuscrito, en noviembre de 1989, lo que ayuda hoy a comprender por qué los eventos en la RDA se desarrollaron tan rápidamente: la ola de odio por el aparato burocrático del partido resultó ser más fuerte que el sentimiento. del miedo sobre el que en las últimas décadas (sobre todo a partir de abril de 1985) mantuvo el régimen de E. Honecker...

El Premio Nobel fue otorgado a Günter Grass en 1972, veintisiete años después de Heinrich Böll. Durante este período considerable, ninguno de los alemanes recibió el premio internacional más prestigioso. Böll, como sabéis, en los duros años de la posguerra asumió la misión de recordar a los alemanes no sólo las crueldades y heridas de la guerra, sino también que los propios alemanes eran culpables de estas crueldades, y para ellos el arrepentimiento y la purificación. no fueron menos importantes que la restauración de las ciudades destruidas. Grass es diez años más joven que Böll, y esta diferencia afectó su trabajo. Böll es algo religioso, Grass es indiferente al cristianismo y mucho más irónico.

Al mismo tiempo, hay dos rasgos que unen a estos escritores: primero, es el interés por sus raíces, el tema de la “pequeña patria”, y segundo, nunca tuvieron miedo de expresar aquello de lo que estaban convencidos, y esta firmeza de convicciones les permitió contarles la amarga verdad en la década de 1950, cuando ambos estaban en el cenit de la fama, y ​​en las décadas posteriores, cuando, como si compitieran entre sí, se enfrentaron a tramas grotescas y a veces muy molestas de políticos y gente común. en el que vívidas metáforas coexistían con detalles naturalistas escritos.

Gunther Grass nació en 1927. Su lugar de nacimiento fue Danzig, en 1793-1918. propiedad de Prusia y renombrada de Gdansk a Danzig, bajo el Tratado de Paz de Versalles de 1919, recibió un estatus especial de "ciudad libre de Danzig" bajo el control de la Sociedad de Naciones; Después de la Segunda Guerra Mundial, la ciudad recuperó su nombre polaco. Ya este hecho podría ser suficiente para dejar una huella notable en la obra de Grass.

Muchos escritores alemanes del siglo XX nacieron y se criaron en tierras con una población mixta (polaco-alemán, checo-alemán, serbo-lusaciano-alemán, alemán-francés): K. Wolff es de Silesia, F. Fuhmann es de Bohemia , E. Strittmatter de Serbia Lusatia, J. Bobrovsky - de Balto-Slavic "Sarmatia". En el caso de Grass, la situación se complica aún más por el hecho de que no sólo los alemanes y los polacos vivían en su tierra natal, sino también los casubios, que representan un especial grupo étnico Polacos (casubio se considera un dialecto del polaco, pero conserva diferencias notables). Los casubios tienen su propia historia y su propia literatura. Grass, criado en un entorno de habla alemana, introducido en la cultura alemana, al mismo tiempo resultó estar involucrado en los polacos y los casubios: su abuela materna era casubia. ¿No es por eso que la figura de la abuela en la primera novela famosa de Grasse, El tambor de hojalata, es tan colorida de una manera especial?

Los principales hitos del camino de la vida de Grass: la infancia en Danzig en la familia de un dueño de una tienda de alimentos de ingresos medios, la escuela y los estudios interrumpidos en el gimnasio, el reclutamiento temprano en el ejército, primero en el "frente laboral" y luego en el real (1944), herido en abril de 1945 y, al recuperarse, cautiverio americano; luego hay una lucha por la supervivencia: Grass es un trabajador contratado en el pueblo, un minero en una mina de potasa cerca de Düsseldorf, un asistente de un albañil que hizo monumentos de cementerio. Desde la infancia, teniendo ansias por la literatura y el dibujo, el joven, tan pronto como surgió la oportunidad, ingresa a la academia de arte en Düsseldorf, se dedica a la gráfica y la escultura (1949-1952); en 1954-1956 él continúa Educación artística en Berlín. En 1954, Grass recibió su primer premio literario por poemas surrealistas, diseñados por sus propias ilustraciones; en 1956 se realizó su primera exposición de arte en Stuttgart. En la década de 1950, Grasse viajó mucho: Italia (1951), Francia (1952), España (1955), Polonia (varias veces en 1958 y 1959); en 1956-1960 vivió principalmente en París. En los años de París se escribió la novela El tambor de hojalata, uno de cuyos capítulos Grass leyó "para juicio" en una reunión del "Grupo de los 47" y ya recibió el Premio de Grupo en 1958 por ello. La novela en sí, publicada en 1959, se convirtió en un escándalo literario, objeto de diez años de intenso debate, marcando con su aparición una etapa radicalmente nueva en la historia de la literatura alemana.

La literatura de la RFA de la primera década de la posguerra, describiendo la experiencia de la generación que pasó por el nacionalsocialismo, la guerra, la experiencia de la propia culpa y el arrepentimiento, apelaba en su mayor parte a los valores tradicionales (cristianismo o fe en los valores democráticos de "bondad, belleza y verdad", como el poeta XIX V. L. Uland). Los escritores antifascistas que creían en la promesa del socialismo regresaron después de la emigración principalmente a la RDA (Becher, Brecht, Zegers y otros). En El tambor de hojalata y las novelas posteriores Cats and Mice (Katzund Maus, 1961) y la novela Dog Years (Hundejahre, 1963) -estas obras constituyeron la llamada "trilogía de Danzig"- Grass muestra una desconfianza demostrativa de todo lo que no existía. “ideología”, además, a muchos lectores les pareció que no había nada sagrado para el escritor, porque ridiculiza la iglesia, los lazos matrimoniales, la patria e incluso el amor, llevando al absurdo todas las formas de tradicionalismo.

Debo decir que Grass tiene mucho que ver con los absurdos. Pero si el "teatro del absurdo", por regla general, se limitaba a modelar situaciones de pérdida de sentido, entonces para Grass la exposición del absurdo es sólo uno de los componentes de la narración. La especificidad de su estilo narrativo radica en que una trama o episodio grotesco-absurdo, inverosímil en sí mismo, se desarrolla en el contexto de circunstancias sociohistóricas, políticas, geográficas y topográficas muy concretas. Grass estudió el naturalismo grotesco de las descripciones de Rabelais, Grimmelshausen y también de su contemporáneo mayor A. Döblin (en particular, la novela "Berlín, Alexanderplatz"), en contraste con lo cual crea una brecha mucho más fuerte entre lo que se narra sobre él. y qué, según cuenta la historia. El lector de Grass siente constantemente que lo están jugando, pero lo hacen de manera tan sutil que le brinda placer estético.

La narración de la novela "El tambor de hojalata" (Die Blechtrommel, 1959) está dirigida por el personaje principal, Oscar Macerath. Aparece ante el lector en varias formas a la vez. Todos convergen en 1954, cuando Matzerath celebra su trigésimo cumpleaños. Es cierto que Oscar "celebra" este evento en un manicomio: es sospechoso de asesinato, pero el tribunal lo encontró mentalmente trastornado. Sin embargo, resulta que el héroe está mentalmente sano y organizó un confinamiento solitario para sí mismo: está harto de la vida en sociedad y usa su encarcelamiento para escribir memorias detalladas. Cubren no solo treinta años de la vida del propio Macerate, sino también las historias de decenas de personas cuyos caminos de vida se cruzaron con el destino del protagonista. El autor dota a Oscar de habilidades únicas: comienza a percibir el mundo conscientemente ya en el útero, y a la edad de tres años decide detener su crecimiento al nivel de 94 centímetros para seguir siendo "él mismo", para liberarse de la compulsión de jugar “juegos de adultos”. Oscar sigue siendo un niño obstinado y subdesarrollado a los ojos del "mayor" (incluso el habla y la lectura son supuestamente difíciles para él), Oscar desarrolla una mayor capacidad de observación, alcanzando la clarividencia (por ejemplo, es capaz de hablar sobre eventos que sucedieron mucho antes). su nacimiento). La "clarividencia" de Macerate le permite al autor variar la escala de la narración todo el tiempo, como si el microscopio en manos del narrador pudiera convertirse en cualquier momento en un telescopio. Pero ni la representación microscópica ni telescópica de ciertos eventos sufre de edificación: Grass oculta cuidadosamente que es más inteligente que su héroe. A la edad de tres años, le regalan un tambor de hojalata. Con su ayuda, aprendió a expresar todos sus sentimientos y emociones, lo que le permite luego convertirse en un virtuoso, recorriendo con gran éxito el país con conciertos en solitario.

Oscar no es solo un baterista brillante. Si lo desea, puede emitir sonidos de cierta frecuencia que destruyen todo lo que se rompe, desde vidrios y candelabros hasta jarrones y vasos de porcelana. La principal tarea que resuelve Grass con la ayuda de su Simplicissimus es el "efecto de alienación" familiar para el lector de la estética de B. Brecht. Estamos hablando de la intención del autor de liberar la mente del lector de todo tipo de clichés, sabiduría convencional. Y afectan en una secuencia caleidoscópica de episodios a toda la historia de Alemania en el siglo XX, las relaciones de las diferentes naciones (alemanes, polacos, judíos). Pero Grass no se detiene ahí. Al lograr un efecto grotesco-satírico y burlesco-cómico con la ayuda de un héroe externo al exponer cualquier ideologema (nacionalsocialista, liberal democrático, comunista, etc.), Grass al mismo tiempo arroja dudas sobre su propio héroe y su rebelión, que está en verificación resulta ser sólo una forma específica de conformismo filisteo. Así, ataca al burgués alemán, quien, habiendo sobrevivido a todas las guerras y conmociones, volvió a instalarse cómodamente en su “nido Biedermeier”, sin poder comprender verdaderamente las lecciones de la historia alemana.

En los años de escribir la "trilogía de Danzig", el propio Grass apenas tenía un programa positivo. El "tambor de hojalata" se originó en la "era Adenauer". Suscitó un rechazo activo en Grass y, como artista, encontró una forma adecuada para su protesta, lo que aseguró el interés de los lectores, provocó conciencia pública. No es casualidad que algunos políticos de derecha exigieran públicamente la prohibición de las primeras novelas de Grassian.

De la prosa posterior de Grass, relacionada con el desarrollo de las técnicas artísticas que se encuentran en El tambor de hojalata y en la trilogía de Danzig en su conjunto, la novela "Reunión en Telgte" (Das Treffen in Telgte, 1979) es de gran interés. -1648): los más importantes escritores alemanes se reunieron para discutir la "crisis del lenguaje", es decir, esa trágica situación de catástrofe nacional, de la que el propio Grass fue testigo, ajustada al tiempo. En esta historia, con la misma claridad, pero incluso más concentrada que en El tambor de hojalata, aparecían dos cualidades interrelacionadas de la personalidad de Grass: la vivacidad del talento y el intelectualismo. Para Grass, el placer de la fabulación (en alemán fabulieren - componer, escribir, narrar, contar, inventar, fantasear) está indisolublemente ligado a la necesidad de juego intelectual, en atraer a la narración todo lo que surge en la mente del escritor a medida que se construye la trama (independientemente de la complejidad de estos movimientos asociativos, su accesibilidad para el lector). Como resultado, la historia vive una vida plena, a diferencia de muchas otras obras súper intelectuales, pero al mismo tiempo sin vida y laboriosas.

Precisamente debido a su vitalidad, Grass, al parecer, no pudo estar satisfecho durante mucho tiempo con una sola declaración de cuestiones sociales agudas o una negación omnipresente. Siendo al comienzo de su carrera bastante apolítico, el escritor en la década de 1960 participó activamente en la lucha política, mostrando una energía verdaderamente inagotable en la propaganda electoral del SPD y su líder Willy Brandt. En las elecciones de 1965, Grass viajó a lo largo y ancho de Alemania y se dirigió a los votantes decenas de veces. El patetismo principal de sus discursos se redujo a la lucha contra el extremismo en todas sus formas, de derecha e izquierda. Las novelas Under Local Anesthesia (Örtlich betäubt, 1969), From the Diary of a Snail (Aus dem Tagebuch einer Schnecke, 1972) y Flounder (Der Butt, 1977) se convirtieron en un reflejo de su nueva experiencia social. Esta serie también puede incluir "The Wide Field" (Das weite Feld, 1995), una novela en la que se comprenden los resultados de la reunificación alemana. En las dos primeras novelas de esta lista se nota especialmente el deseo de Grass de cambiar su anterior estilo de narración, así como de despojar a sus personajes de la máscara de la "marginación", para hacerlos partícipes activos de las batallas sociopolíticas. El escritor, por así decirlo, “fundamenta” conscientemente los conflictos y las imágenes, los vuelve ordinarios en el verdadero sentido, a riesgo de descender a la escritura cotidiana. Mucho más tarde (en un discurso del Nobel, en un discurso a los estudiantes en 1990), el propio Grass resumió sus intentos de acercarse a la escritura tradicional: Además, debe exponerse a las vicisitudes de la existencia actual, intervenir en lo que está sucediendo y tomar una lado u otro. El riesgo de tal interferencia y tal parcialidad es conocido: el escritor corre el peligro de perder la distancia elegida; su lengua tendrá que vivir de la mano a la boca; la pobreza del entorno puede estrechar y frenar el poder de su imaginación acostumbrada al vuelo libre; él no tiene que respirar. Este riesgo me ha acompañado durante décadas. Pero, ¿qué sería una profesión de escritor sin riesgos? (en adelante, traducido por A. Stavinskaya, S. Sukharev).

En la novela Bajo anestesia local, a primera vista, no queda nada de la forma temprana de Grasse. Los personajes son ordinarios incluso en su mejor momento, además, todos son "notorios", centrados en algunos problemas menores. Esta vez la historia se cuenta en nombre de un profesor de lengua e historia alemana en uno de los gimnasios de Berlín, Eberhard Starush, natural de Danzig; su biografía se parece sorprendentemente a la biografía de Oscar Macerat, pero solo Shtarush es completamente normal: es un buen maestro, apasionado por sus materias, sinceramente preocupado por el destino de sus alumnos. No tiene sentido volver a contar la trama de la novela, que se ha publicado repetidamente en ruso, es mucho más importante enfatizar ahora lo que es nuevo, lo que Grass logra lograr con la ayuda de la narración cotidiana. Quizás, por el contrario, solo valga la pena recordar que si Oskar Macerath escribe una crónica de su vida en un hospital psiquiátrico, entonces Shtarush le cuenta su vida y asuntos escolares a un dentista, ya sea sentado en una silla dental, luego por teléfono, luego mentalmente (cuando la "anestesia local" no le permite mover la lengua). Es importante tener en cuenta el trasfondo histórico de la historia.

Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, hubo un aumento de los movimientos de izquierda en Occidente, que alcanzaron su apogeo en las manifestaciones y disturbios juveniles de 1968-1969 (en los países del Pacto de Varsovia, esto se reflejó a su manera en el acontecimientos de 1968 en Checoslovaquia), que se transformaron luego en los numerosos atentados terroristas de la década siguiente.

Studienrat Starusch (su apellido es significativo: German Starusch - "viejo, viejo", una persona que ha visto mucho en su vida) busca tomar la posición de un observador objetivo, es decir, trata de comprender los argumentos de la juventud radical de izquierda; no puede dejar de reconocer la justicia de su crítica de la situación social en la RFA, una crítica dirigida principalmente contra la conciencia "burguesa". Sin embargo, basado en largos estudios de historia y en su propia experiencia, Shtarush se dio cuenta de que una protesta masiva, por justa que sea, tiene consecuencias diametralmente opuestas a las aspiraciones de los manifestantes. Además, la energía de las masas, desviada después de un motín hacia un canal tranquilo, puede usarse contra estas masas. La conciencia filistea (y Grass se inclina a considerar la indignación y el entusiasmo de las masas como una de las manifestaciones de la conciencia filistea) no va más allá de sus necesidades y beneficios inmediatos, ella. incapaz de percibir los acontecimientos en una perspectiva histórica. Es este sentimiento el que Grass trata de inculcar en sus lectores, desde la década de 1960 hasta la actualidad. En varias de sus novelas, parece predecir de antemano posible desarrollo la situación sociopolítica en Alemania, y estas previsiones entran en conflicto con la conciencia filistea, con los objetivos perseguidos por los partidos políticos individuales. En su discurso del Nobel, Grass, no sin amargura, señaló: “Los libros pueden ofender, causar rabia, incluso odio. Las acusaciones lanzadas contra la patria por amor a ella fueron percibidas como contaminadoras del nido nativo.

La cuestión central resuelta por Grass en la novela "Bajo anestesia local" es la cuestión de la relación entre conformismo e inconformismo. El escritor rechaza las manifestaciones extremas de ambos, pero ¿dónde y cómo encontrar el "medio dorado" entre estos extremos? La esperanza de Grass es el intelecto, encarnado en la novela del estudiante de secundaria Philip Scherbaum, a quien el escritor no idealiza en absoluto, pero que, a diferencia de otros personajes, brinda la oportunidad de crecimiento espiritual, análisis (en el contexto de sus propias búsquedas ) de hechos históricos y diferentes puntos de vista sobre la vida. Los buenos personajes de la literatura, con raras excepciones, son incompletos. Sherbaum también es esquemático hasta cierto punto. Sintiendo esto, en su obra posterior, Grass intenta una y otra vez volver a la "vitalidad" de sus primeras novelas.

El escritor enfatizó repetidamente, hablando de los motivos impulsores de su obra, que la memoria de su “ pequeña patria":" Contando historias, intenté - no, no recuperar la ciudad perdida y en ruinas de Danzig, sino al menos invocarla con un hechizo. El tema de Danzig (Gdańsk) sigue sin soltar a Grass, dando vida a los episodios más sanguinarios de las novelas distópicas fantásticas "Plaqueteo" y "La rata" (Die Rättin, 1986) o capturando todo el espacio narrativo, como, por ejemplo, en la conmovedora historia romántica sobre el amor tardío de dos viudos: el alemán Alejandro y la polaca Alexandra (“El grito de la campana de fuego”, Unkenrufe, 1992). El último trabajo de gran formato de Grass, My Age (Mein Jahrhundert, 1999), no prescindió de este tema, donde en cien cuentos (un cuento por cada año del siglo XX), intenta conformar un trinomio imagen dimensional del siglo XX a través de la historia “en fragmentos”. en general. Este panorama no es nada reconfortante. En el libro suena intrusivo un motivo que puede formularse brevemente con la ayuda de un conocido silogismo: la historia enseña sólo que no enseña nada. Se recuerda particularmente a sí mismo en varios cuentos que recrean conversaciones ficticias sobre la Primera Guerra Mundial de los escritores Ernst Junger (1895-1998) y Erich Maria Remarque (1898-1970). No obstante, Grass considera posible completar el libro con un canto poético a la memoria humana, "reviviendo" en último cuento Hace mucho tiempo madre muerta y obligándola a contar en primera persona su vida, su hijo (Gunther Grass), cómo va a celebrar su centésimo tercer cumpleaños entre sus hijos, nietos y bisnietos.

La idea de la futilidad de la historia, que es característica de la experiencia del "fin de siglo", resultó estar en consonancia no solo con búsquedas prosaicas, sino también dramáticas. Tal es, por ejemplo, la obra de Christoph Hein (Christoph Hein, p. 1944), que comenzó su carrera literaria en la RDA como redactor de planta en el teatro Volksbühne de Berlín. En su escenario, en 1974, se escenificó como un experimento su primer drama, Shletel, o lo que sea que signifique. Le siguieron "Cromwell" (1978), "Lassalle le pregunta al Sr. Herbert sobre Sona" (post. 1980, Alemania), "La verdadera historia de A Kyu" (1983), "Passage" (1988). Hine abandonó la mayoría de los adornos del teatro modernista y tomó el camino del desarrollo psicológico del personaje, una personalidad extraordinaria, personificando la "transitividad".

Personalidades extraordinarias aparecen en la imagen de Hine como personas con ambiciones exorbitantes. Habiendo construido un determinado modelo del mundo en sus mentes, nunca se dan cuenta de ello, convirtiéndose, por regla general, en un juguete impotente en manos de fuerzas históricas alejadas de cualquier idealismo y “poder apasionado”. En el drama sobre Cromwell, el personaje del título, que al principio soñaba con crear un orden social nuevo y más justo, gradualmente "se corta las alas" y finalmente lucha por mantener, sin importar los medios, el poder. Pero Hine no está satisfecho con el desarrollo psicológico de estos incidentes que se repiten constantemente en la historia: todas sus obras están escritas no tanto sobre la historia como para el presente y para los contemporáneos, y lo aclara con mucho cuidado al introducir las últimas realidades en las líneas. de sus personajes, que corrigen la percepción del lector y del espectador. Sin embargo, Hine también muestra las “épocas de transición” en una forma tragicómica. En el drama "Los caballeros de la mesa redonda" (Die Ritter Tafelrunde, 1989), los "caballeros" se representan en la última etapa de la degradación: ninguno de ellos quiere oír hablar del Santo Grial, y la Copa misma aparece como un especie de fantasma, detrás del cual los "caballeros" persiguieron sin sentido toda su vida, dejando gradualmente de comprender el significado y los objetivos de sus hazañas. Y solo el Rey Arturo formula una idea aparentemente cercana al propio autor del drama: no lamenta tanto la pérdida de la idea del Grial, sino que mira hacia el futuro, prometiendo un nuevo “período de transición” y la idea de un nuevo Grial, que hay que trabajar ahora, repensando sobriamente el pasado.

La literatura alternativa se dio a conocer en la RDA ya en la década de 1970. Luego su desarrollo fue "cada vez más". Los investigadores occidentales se inclinan a interpretar este proceso como una consecuencia natural del modo de vida de una sociedad industrial, cuya conciencia de consumo contribuye al desarrollo del individualismo y la alienación. Pero al considerar las subculturas que tomaron forma en la RDA, debe recordarse que, a diferencia de la RFA, surgieron en condiciones semilegales y, en la mayoría de los casos, ilegales, lo que automáticamente les dio un matiz político, dificultó su integración en la cultura de masas dominante (en Occidente, esta integración, aunque no sin fricciones, sucedió y está sucediendo), y también condujo a una lucha irreconciliable de la burocracia con el "modernismo", el underground y otras formas de arte prohibido.

Con la similitud del posmodernismo en la RDA y la RFA (por ejemplo, el trabajo de Uwe Jonson, Uwe Johnson, 1934-1984, que vivió en Berlín Occidental desde 1959), en ambos países se convirtió en una reacción a la próxima crisis de la modelo racionalista del mundo - no debemos olvidar que esta crisis vista y capturada desde lados opuestos. Si el pluralismo fundamental (la relatividad de todos los valores), la diversidad de juegos de lenguaje y la intertextualidad se reconocen como las principales características de la posmodernidad, entonces es obvio que las obras están imbuidas de un espíritu similar, en el caso de que fueran escritas en la RDA. - podría pasar por tirachinas de censura solo en la década de 1980 (en particular, la novela de F. R. Freese "The New Worlds of Alexander", 1983). La novela de Friz The Road to Obliadoch (1966, publicada en Alemania), que encaja perfectamente en el marco de la filosofía y la estética de la posmodernidad, llegó al lector de la RDA en 1989.

Los intentos de legitimar al menos una parte de la literatura alternativa en la RDA solo dieron un resultado notable: de 1987 a 1991, el conocido crítico y escritor Gerhard Wolf (n. toda una generación de poetas jóvenes) se declaró (B. Papenfus-Gorek , R. Shedlinski, J. Factor, G. Kahold, S. Döring, U. Preuss, A. Katziohl, I. Ek, J. Nibelyjuts, T. Kunst). A pesar de toda la individualidad de estos autores, están unidos por el hecho de que buscaron tanto "retirarse" de lo político como de lo político. vida cultural RDA, e ir más allá de la mentalidad racional que prevalece en el mundo moderno. G. Wolf, que escribió constantemente sobre estos poetas, creía que la búsqueda que realizaban era la más cercana a las tradiciones de los surrealistas alemanes (K. Schwitters, G. Arp) y V. Khlebnikov.

Aparentemente, la demostración más llamativa de las posibilidades artísticas del posmodernismo en lengua alemana es la novela de Karl Mikel (Karl Mickel, 1935 - 2001) "Amigos de Lachmund" (Lachmunds Freunde). El autor trabajó en él entre 1968 y 1983, pero las editoriales de la RDA tenían miedo de publicarlo y el prosista se negó a transferir a su descendencia "a un lado". En 1988, Mikel revisó un poco el texto y la novela fue publicada en 1990 por la editorial Mitteldeutscher Verlag en el sexto volumen de las obras completas de Mikel. El epígrafe del "Titán" de Jean Paul es característico: "Sí, no tenemos presente, y el pasado debe dar lugar al futuro sin él". El comienzo del primer capítulo ya contiene, de hecho, toda la idea: “Se contará la historia de tres hombres; sus caminos se ensanchan y, sin embargo, siguen siendo amigos. Uno se llama Baer, ​​otro es Günther Hammer, el tercero es Eckart Immanuel Lachmund. Mujeres asombrosas e imágenes emocionantes de chicas deslizándose junto a ellas, cruzándose en su camino o volviéndose hacia ellas. Cada una de estas personas es en sí misma el centro del círculo en movimiento. ¿Dónde se encontrarán estos tres? Donde el círculo de aire parece espesarse, en el ojo del tifón, donde se estudian los ciclones”. Además, con respecto a los ciclones, por supuesto, no se explica nada.

La novela combina la máxima especificidad (una descripción detallada del mundo de los objetos), el despliegue de una "corriente de conciencia" de numerosos personajes, misteriosas construcciones verbales y sintácticas. Esta variación en la escritura crea una tensión narrativa diseñada para delinear los contornos de algún contexto universal. Es importante para el autor ilustrar la tesis de que todo en el universo es fluido, desprovisto de un lugar fijo. Por eso Mikel “lanza” un cine, que no tiene principio ni fin, y donde lo natural, natural (¿como el fin de la RDA?) y azaroso, bizarro (la previsión del fin de la RDA no se le ocurrió ni a los analistas más sofisticados) en cualquier momento pueden intercambiar lugares. Todo lo ilógico, según Mikel, es absolutamente lógico. Una conciencia tan profunda empuja constantemente a los personajes a reacciones y acciones imprevistas. Y todo este mundo abigarrado, que combina la reflexión racional y la espontaneidad del impulso, se regocija y se lamenta, finge poder comprender algo y se ríe de esta estupidez. Sin embargo, casi todo lo racional demuestra constantemente su inmoralidad. El comienzo irracional parece más natural en su contexto, pero cuando se confronta con la racionalidad, no puede fundamentar nada.

La novela de Michel es una especie de plataforma experimental en la que el posmodernismo tiene la oportunidad de autodestruirse. La mayoría de los posmodernistas alemanes, que carecían del talento de Miquel, eran, por así decirlo, un posmodernismo fragmentario más que total. Muchas de sus obras, incluso las que se han convertido en bestsellers internacionales, llevan una clara impronta de secundario: argumental, figurativo, compositivo. A menudo, solo los salva una intriga detectivesca, neogótica, asociada con las manías de los villanos modernos, ya sea una especie de Drácula o los Anticristos. Las novelas más sensacionales de este tipo incluyen "Perfumista" (Das Parfüm, 1985) de Patrik Süskind (Patrik Süskind, p. 1949). Se subtitula "La historia de un asesino" y es una nueva versión de la novela de E. T. A. Hoffmann "Mademoiselle de Scudery".

Si hablamos del teatro alemán de la segunda mitad del siglo XX en su conjunto, entonces se debe reconocer que su evolución estuvo marcada por un diálogo con las ideas de B. Brecht. Al principio, el énfasis estaba en dominar las técnicas del teatro "épico" y "dialéctico": el pico de la popularidad europea y mundial de Brecht (la compañía Berliner Ensemble, dirigida por Helena Weigel, que cultivó el comienzo brechtiano original) cayó en el finales de los años 60 y 70. Luego grandes dramaturgos en las polémicas en Brecht desarrollan su propia poética. En la RDA, esto fue especialmente difícil. La mayoría de las obras controvertidas de la década de 1970 no llegaron al escenario allí, no se publicaron (muchos dramas de H. Müller se representaron por primera vez en Occidente y regresaron a la RDA solo años después). Una obra sumamente conflictiva podría ensayarse en el teatro, pero nunca esperar al estreno. Si se permitió antes del estreno, entonces un gran éxito entre el público era, por regla general, una prueba en contra de la obra, y se eliminó inmediatamente del repertorio. Al mismo tiempo, la dramaturgia de la RDA produjo durante este período al menos un autor de renombre europeo (H. Müller) y varios de escala totalmente alemana (P. Hax, F. Braun, W. Plenzdorf, R. Strahl , K. Hein).

Heiner Müller (1929-1995), que ya se había declarado como el sucesor más brillante del teatro épico de Brecht desde los años cincuenta, encaminó sus esfuerzos en los sesenta hacia la búsqueda experimental de nuevas formas de teatro intelectual. Incluso más que en el teatro de Brecht, él utiliza la técnica de la "alienación" del conflicto para un choque inesperado de lectores y espectadores con su experiencia cotidiana. Después de criticar duramente los dramas The Settler (1964) y Construction (1965, post. 1980), en los que la crítica oficial revelaba una "falta de partidismo" y un "pesimismo histórico", Müller se aparta de la representación directa de la modernidad, recurriendo a obras de teatro en temas antiguos, mitológicos e históricos. Estos son Philoktetes (Philoktet, 1965, post. 1968), Hercules 5 (Herakles 5, 1966, post. 1974), Edipo Tirano (Ödipus Tyrann, según Sófocles y Hölderlin, 1967), Prometeo ( Prometeo, según Esquilo, 1968 , post. 1969), “Macbeth” (Macbeth, según Shakespeare, 1972), “Mauser” (Mauser, 1970, post, en USA 1975, publicado en Alemania 1975), “Alemania. Muerte en Berlín” (Germania Tod en Berlín, 1971, publicado en Alemania, 1977, post. 1979), “La vida de Gundling. Federico de Prusia. Dream Dream Cry Lessing" (Leben Gundlings Friedrich von Preußen Lessings Schlaf Traum Schrei, 1977, post. 1979), "Hamlet Machine" (Hamletmaschine, 1977, post. 1978), "Task" (Der Auftrag, basada en la novela de A Zegers "Luz en la horca", 1979, post. 1980), etc.

El alejamiento de los temas modernos no significó que las obras de Müller perdieran su actualidad. Así, en Filoctetes y otros dramas, muestra cómo conflictos morales por circunstancias sociopolíticas. Ulises, Aquiles, Neoptólemo y otros héroes, al verse arrastrados a los acontecimientos políticos de su tiempo, deben morir o actuar inmoralmente. Épocas históricas, dentro de las cuales la política sólo puede ser inmoral, Muller designó como la "prehistoria" de la humanidad. Con el advenimiento del socialismo, argumentó en la década de 1970 (y en parte en la década de 1980), la humanidad entró en la fase "histórica" ​​de su desarrollo: apareció en el mundo una oportunidad real para acercar la política y la moral, pero no se realiza. automáticamente, sino a través de actos humanos contradictorios.

Todas estas obras han ganado gran popularidad como un intento único en su tipo de un enfoque "sintético" de la civilización moderna: Müller no cree que la solución de los problemas más dolorosos de nuestro tiempo sea posible en el marco de una sola único sistema social, ideología. A veces esto lo empuja a la desesperación, la creación de cosas cercanas en espíritu al posmodernismo ("Hamlet Machine", "Quartet"). En Hamlet Machine, Müller deconstruye dos tradiciones de percepción de Hamlet: la brechtiana (Hamlet es un idealista que se convierte en cínico) y la de Nietzsche (Hamlet como hombre que ha descubierto las fuerzas destructivas de la historia moderna). “Es poco probable que alguien haya logrado crear una parábola más sombría sobre la tragedia de la conciencia de un intelectual de Europa del Este... cuyas esperanzas de socialismo democrático se están derrumbando tras la represión de toda una serie de levantamientos antiestalinistas”, dijo uno. crítico escribió sobre la tragedia de Müller. Pero en esencia, en esta obra, como en otros dramas tardíos de Muller, se trata más bien de otra cosa: del colapso del modelo racionalista de percepción del mundo, un modelo que la humanidad aún no puede abandonar y que, por lo tanto, al parecer tratar de reanimar. .

El 9 de noviembre de 1989, el Muro de Berlín fue derribado oficialmente, desde el 13 de agosto de 1961, no solo separando estrechamente dos Berlín y dos estados, sino también un símbolo de la separación de dos sistemas mundiales en guerra. El 3 de octubre de 1990 se firmó un acuerdo sobre la adhesión de la RDA a la RFA y se completó así el experimento de 45 años de construcción de una nueva sociedad en suelo alemán. La integración de la literatura de la RDA en la literatura de la RFA comenzó y continúa hasta el día de hoy. Pero las discusiones sobre la posibilidad de combinar ambas literaturas, que fueron muy intensas hasta mediados de la década de 1990, hoy ya no atraen a la sociedad alemana. Los propios escritores continúan comprendiendo los zigzags de la historia alemana, los resultados del siglo XX. Entre las obras más destacadas de este tipo se encuentran la novela The Wide Field (1995) y la epopeya en los cuentos My Age (1999) de Günter Grass, la novela a seis voces Medea de Christa Wolff (Medea, 1996), la autobiográfica prosa de Hermann Kant y Günther de Bruijn, ensayos y prosa de Martin Walser, Hans Magnus Enzensberger, los Zongs de Wolf Biermann y tres novelas de Christoph Hein: Playing Napoleon (Das Napoleonspiel, 1993), From the Beginning (Von allem Anfang an , 1997), Willenbrock (2000).

Christoph Hein, que surgió como dramaturgo en la década de 1970, publicó más tarde las novelas Der fremde Freund (1982), Horns Ende (1985), la colección de cuentos Einladung zum Lever Bourgeois, 1980), el cuento "The Acompanist" (Der Tangospieler, 1989), colecciones de ensayos políticos, filosóficos y literarios. Hein, hijo de un sacerdote, no pudo obtener una educación secundaria completa en la RDA y se graduó en un gimnasio en Berlín Occidental, pero fue allí, en sus propias palabras, donde “comprendí mejor algunas de las características de la vida en la RDA, comencé a apreciar la calma y el aplomo de nuestra gente, su genuino interés mutuo, cualidades que son mucho más difíciles de desarrollar en una sociedad orientada a las ganancias”. Más tarde, Hein vio cómo el estado de Alemania Oriental también estaba cambiando en una dirección "orientada a las ganancias". Hine nunca ocultó su posición crítica en relación con el "socialismo real", pero en las conversaciones con sus colegas occidentales no se olvidó de recordarle su compromiso con las ideas socialistas. En 1983, discutiendo con la falta de escrúpulos de la "nueva izquierda", afirmó lo siguiente en una de las revistas de Hamburgo: "Estamos tan atrasados ​​aquí que incluso Stalin todavía no es un "perro muerto" para nosotros. Sigue siendo una herida abierta. del movimiento socialista. Todos los errores y crímenes, todos los hechos sangrientos de la historia socialista fueron y son nuestros errores, nuestros crímenes, nuestros hechos sangrientos. No tenemos elección, porque es... una realidad... inseparable de nosotros".

Los personajes de las obras de Hine siempre se inscriben en una situación vital concreta. La crítica (en la RDA y en Occidente), predominantemente orientada sociológicamente, por regla general, se limitó a su análisis. Y solo unos pocos lectores prestaron atención a la capa de sus obras, que es más importante para el propio escritor. En su centro está una persona que, sin embargo, no cayó accidentalmente, no sin su propia * voluntad, en uno u otro torbellino de la historia. Hine revela con igual profundidad tanto el mecanismo de funcionamiento de la sociedad y sus instituciones (así como el impacto de este mecanismo más poderoso en la conciencia de las masas) como la estructura sutil de la personalidad misma. Toda su vida, día tras día, se enfrenta a esta o aquella elección, que está influenciada por muchos factores conscientes e inconscientes.

Si el inconsciente juega un papel tan importante en el destino de cada individuo, entonces no puede dejar de influir en toda la sociedad, en la formación de su memoria histórica, donde se cruzan lo previsto y lo imprevisto. Este último se refiere a formas alternativas "aleatorias" de evolución social. Declarándose impredeciblemente, obligándose a ser tenidos en cuenta, exigen (en retrospectiva) una reescritura del pasado, una especie de motivación falsa. Al oponer dos tipos de mentiras (racionales e irracionales), Hine esencialmente alienta a sus lectores a abandonar la oposición de "dos sistemas" y centrarse en los problemas esenciales de la existencia humana. Este motivo recorre, en particular, la última novela de Hein, Willenbrock (narra el destino de un ingeniero de la RDA que se convirtió en un exitoso empresario en la República Federal).

Literatura

Historia de la literatura de Alemania / Ed. edición IM Fradkin. - M., 1980.

Khotynskaya G. A. Las novelas de Siegfried Lenz. - Sarátov, 1985.

Zachevsky E. A. "Grupo 47" y la formación de la literatura de Alemania Occidental. - L., 1989.

Historia de la Literatura en Europa del Este después de la Segunda Guerra Mundial: T. 1 - 2. - M., 1995-2001.

Gladkov I. V. La prosa de Christoph Hein en el contexto de la literatura alemana del último cuarto del siglo XIX. — M.; Novopolotsk, 2002.

Reinecke (Vinogradova) Yu. S. Novela histórica de la posmodernidad (Austria, Gran Bretaña, Alemania, Rusia). -M., 2002.

Tendenzen der deutschen Literatur seit 1945 / Hrsg. Von Th. Koebner. — Stuttgart, 1971.

Kröll F. Gruppe 47. - Stuttgart, 1979.

Schröter K Heinrich Boll. — Reinbeck bei Hamburgo, 1982.

Reich-Ranicki M. Mehr als ein Dichter. Uber Heinrich Boll. — Colonia, 1986.

Wormweg H. Gunter Grass. — Reinbeck bei Hamburgo, 1986.

Hilzinger S. Cristina Lobo. — Stuttgart, 1986.

Hornigk Th. Cristina Lobo. - Berlín, 1989.

Emmerich W. Kleine Literaturgeschichte der DDR. 1945-1949. — Fráncfort a. M, 1989.

Der deutsch-deutsche Literaturstreit oder "Freunde, es spricht sich schlenht mit gebundener Zunge" / Hrsg. von K. Deiritz y H. Krauss. — Hamburgo; Zúrich, 1991.

Schnell R. Gechichte der deutschsprachigen Literatur seit 1945. - Stuttgart; Weimar, 1993.

Neuhaus V. Günter Grass. — Stuttgart, 1993.

Geschichte der deutschen Literatur von 1945 bis zur Gegenwart / Hrsg. Von W. Barner. —München, 1994.

Arnold H. L. Die westdeutsche Literatur 1945 bis 1990. Ein kritischer Überblick. — Múnich, 1995.

Deutsche Literatur seit 1945. Texte und Bilder. Von Volker Bohn. — Fráncfort a. M, 1995.

Deutsche Literatur zwischen 1945 y 1995: eine Sozialgeschichte / Hrsg. von H. A. Glaser. — Berna; Stuttgart, 1997.

La historia de Cambridge de la literatura alemana / Ed. por H. Watanabe- 0 "Kelly. - Cambridge, 1997.

El compañero de Cambridge a la cultura alemana moderna / Ed. por E. Kolinsky, W. Van der Will. —Cambridge, 1999.

Esteban Brockmann. Literatura y Reunificación Alemana. —Cambridge, 1999.

notas

1 Además de los citados, este destacado poeta, que publicó su primera colección en Viena y luego residió en París desde 1948, posee los siguientes libros de poemas: “From Threshold to Threshold” (Von Schwelle zu Schwelle, 1955), “The Grid of Language” (Sprachgitter, 1959), Rose to Nobody (Die Niemandrose, 1963), Change of Breath (Atemwende, 1967), Threads of the Sun (Fadensonnen, 1968), Inevitabilidad de la luz (Lichtzwang, 1970). A diferencia del difunto Benn, con quien a menudo se le compara, Celan percibe la palabra poética no como un emblema sofisticado que oculta el vacío del mundo, sino como una fuente de valor supremo (“Entre todas las pérdidas, solo una permanece alcanzable, cerca y no perdido: lenguaje”), al que llama “tú”.

Literatura Alemana: tutorial Glazkova Tatiana Yurievna

Literatura alemana de finales del siglo XIX y principios del XX