Pintura decorativa en el interior. Cómo elaborar y resolver problemas de color.

Colorística - esfera el conocimiento científico sobre el color, incluido el conocimiento sobre la naturaleza del color, los colores básicos, compuestos y complementarios, las características básicas del color, los contrastes de color, la mezcla de colores, el color, la armonía del color, el lenguaje del color y la cultura del color.

El color es la propiedad del color de evocar una determinada sensación visual de acuerdo con la composición espectral de la radiación reflejada o emitida. El color de diferentes longitudes de onda excita diferentes sensaciones de color; Las radiaciones de 380 a 470 nanómetros son violetas y azules, de 470 a 500 nanómetros son azul verdosas, de 590 a 760 nanómetros son rojas. En este caso, el color de la radiación compleja no está determinado únicamente por su composición espectral.

* Hue (color) - nombre del color (rojo, azul...);

* Intensidad – nivel de concentración del color (predominio de uno u otro tono);

* Profundidad – el grado de brillo o opacidad del tono de color;

* Luminosidad – grado de blancura (% de presencia de tonos blancos y grises claros en el color);

* Saturación - % de presencia de tonos grises oscuros y negros;

* El brillo es una característica de los cuerpos luminosos, igual a la relación entre la intensidad de la luz en cualquier dirección y el área de proyección de la superficie luminosa sobre un plano perpendicular a esta dirección;

* El contraste es la relación entre la diferencia de brillo del objeto y el fondo y su suma.

En la gran mayoría de los casos, la sensación de color surge como resultado de la exposición del ojo a corrientes de radiación electromagnética del rango de longitud de onda en el que el ojo percibe esta radiación (rango de longitud de onda visible de 380 a 760 nanómetros). A veces, la sensación de color se produce sin la influencia del flujo radiante en el ojo, con presión sobre globo ocular, shock, estimulación eléctrica, etc., así como por asociación mental con otras sensaciones (sonido, calor, etc.), y como resultado del trabajo de la imaginación. Las diferentes sensaciones de color son causadas por objetos de diferentes colores, sus diferentes áreas iluminadas, así como por las fuentes de luz y la iluminación que generan. En este caso, la percepción del color puede diferir (incluso con la misma composición espectral relativa de los flujos de radiación) en función de si la radiación ingresa al ojo desde fuentes de luz o desde objetos no autoluminosos. EN lenguaje humano sin embargo, se utilizan los mismos términos para referirse al color de estos dos tipos diferentes de objetos. La mayor parte de los objetos que provocan sensaciones de color son cuerpos no autoluminosos, que sólo reflejan o transmiten la luz emitida por la fuente.

El color sirve como medio de comunicación. El color te ayuda a vender. El color es la fuerza que impulsa las ventas de casi cualquier producto de consumo.

Los profesionales del diseño, la gráfica y la impresión saben muy bien que el color es un factor clave en el proceso comercial, ya que juega un papel importante en las decisiones de compra. Despierta en el comprador toda una serie de emociones que le atraen hacia un determinado producto.

Como solución de color se eligieron los colores verde y dorado. Porque siempre están actualizados y reflejan el elemento Art Nouveau.

III. Apartado tecnológico

Solución colorista: concepto y tipos. Clasificación y características de la categoría "Solución colorística" 2017, 2018.

Inteligencia y pasión, aplomo y empuje, armonía y expresión de individualidad.

Intentó conciliar clásicos y modernidad, aunque, como se sabe, libertad y canon son “dos cosas incompatibles”. El clasicismo afirmó las leyes de estabilidad y equilibrio, que en gran medida correspondían a las leyes mundo existente. Cézanne también creía que la base de la existencia es el orden, no el caos, y poder creativo construye armonía a partir del caos.
Esta creencia explica la actitud negativa de Cezanne hacia la pintura de muchos de sus contemporáneos: Gauguin, Van Gogh, Seurat y otros, precisamente porque vio en sus obras el predominio de la arbitrariedad, su propia visión del mundo sobre la búsqueda de las leyes básicas de su existencia real. Un destacado representante del postimpresionismo, Cezanne se oponía al enfoque decorativo de la pintura, porque la decoratividad, en su opinión, eliminaba el volumen de la pintura, privando al espacio de la pintura de la tridimensionalidad, que Cezanne consideraba mayor logro Renacimiento. Cézanne calificó las obras de Gauguin como "cuadros chinos pintados".

P. Cezanne “Bañistas” (1906). Lienzo, óleo. 201,5 x 250,8 cm Museo de Arte de Filadelfia (EE.UU.)
Más tarde, Cézanne se interesó por las acuarelas y transfirió algunas de las técnicas de la pintura con acuarela a la pintura al óleo: comenzó a pintar sobre lienzos blancos, especialmente sin imprimación. La capa de pintura de estos lienzos se ha vuelto más clara y brilla desde el interior. Cezanne empezó a limitarse a tres colores: verde, azul y ocre, mezclados con el color blanco del propio lienzo. Con este mínimo de medios consiguió el máximo resultado artístico.

De la biografía de Paul Cézanne (1839-1906)

P. Cézanne. Autorretrato (1875)
El artista francés Paul Cézanne nació en ciudad provincial Aix-en-Provence en el sur de Francia el 19 de enero de 1839. Su padre era un comerciante de sombreros y Cézanne era el único hijo de un padre poderoso (había 2 hijas más en la familia). Luego, el padre se convirtió en copropietario del banco de la ciudad.
Cézanne recibió una buena educación, sobresaliendo especialmente en matemáticas, latín y griego.
Cézanne siempre estuvo interesado en el arte, pero no mostró ningún talento destacado. El dibujo era una materia obligatoria tanto en la escuela como en el colegio, y a los 15 años comenzó a asistir a la academia gratuita de dibujo.
El padre quería que su hijo se convirtiera en abogado, pero aun así lo envió a París en 1861 para estudiar pintura e incluso le asignó un modesto salario.
En París, Cézanne comenzó a estudiar en la Academia de Suiza, donde cualquiera podía inscribirse pagando una pequeña tarifa por gastos generales y de naturaleza. Camille Pissarro, una de las fundadoras del impresionismo, supo reconocer su todavía modesto talento. Emile Zola, su compañero de clase, también apoyó al joven en París. En 1886 esta amistad terminó en una abrupta ruptura. Zola publicó la novela "Creatividad". protagonista quien, artista fracasado, fue copiado de Cézanne. A partir de entonces, Cézanne y Zola nunca volvieron a hablarse ni a verse.
Pero en ese momento, Cézanne tenía grandes dudas sobre su talento y dejó París hacia su Aix natal, incorporándose al banco de su padre.
El servicio bancario de Cezanne era una carga y se propuso el objetivo de convertirse en artista. En noviembre de 1862 regresó nuevamente a París.

P. Cezanne “Muchacha al piano (Obertura a Tannhäuser)” (1868). Óleo sobre lienzo 57,8 x 92,5 cm. Museo Estatal del Hermitage(San Petersburgo)
El cuadro fue pintado en la finca de la familia Cézanne cerca de Aix-en-Provence. La hermana del artista está representada tocando el piano y su madre cosiendo.
El compositor Richard Wagner era en ese momento un símbolo de innovación en la música, Cézanne amaba su trabajo.
La combinación de colores sobria e intensa de la pintura se basa en el contraste del blanco y negro, lo que crea humor positivo. El mundo material de la imagen se equilibra con la unidad de personas y objetos en la imagen. El impresionismo de Cézanne era completamente diferente, con su propia visión del mundo.
En 1869, Cézanne conoció a Marie-Hortens Fiquet, que ganaba dinero posando. Ella tenía 19 años. En 1872, Hortense dio a luz al hijo de Cézanne, también llamado Paul. El artista ocultó durante mucho tiempo el hecho de formar una familia a su padre, aunque su madre lo sabía todo y adoraba a su nieto.
El artista decidió abandonar París y se trasladó con su familia a la pintoresca localidad de Pontoise. Después de 2 años, la familia regresó a París, y fue entonces cuando Cézanne decidió convertirse en artista. Comenzó a pintar de manera impresionista y participó en la primera (1874) y tercera (1877) exposiciones impresionistas. Ese mismo año, Cézanne formalizó su matrimonio con Hortense. La ceremonia nupcial tuvo lugar en Aix y estuvo presente el padre del artista, lo que significó su reconciliación. Y en otoño murió el padre, dejando a su hijo una gran herencia. Cézanne, de 47 años, tuvo la oportunidad, sin preocuparse por el pan de cada día, de dedicarse por completo a la pintura durante los últimos 20 años de su vida.

Confesión

Las obras de Cézanne se exhibieron en ocasiones en París y otras ciudades, pero el verdadero reconocimiento no comenzó hasta 1895, cuando el joven coleccionista Ambroise Vollard organizó una gran exposición individual de Cézanne (alrededor de 150 obras). El público corriente acogió con tibieza esta exposición, pero los jóvenes artistas quedaron impactados por lo que vieron y Cézanne se convirtió casi en una leyenda.
En 1901, el artista compró un terreno en la periferia norte de Aix y creó allí un estudio. En 1906, mientras trabajaba al aire libre, fue atacado. Lluvia Pesada. Mientras regresaba con equipo pesado a través de un terreno montañoso en medio de una tormenta, se cayó en la carretera y lo llevaron a casa inconsciente. Una semana después, el artista murió de neumonía.

Creación

P. Cézanne. Naturaleza muerta. Jarrón, vaso y manzanas (1880)
Las obras de Cezanne expresan la vida interior del artista. Las contradicciones siempre han sido características de Cézanne: por un lado, creía en su talento y, por otro, dudaba constantemente de su capacidad para encontrar medios para expresar lo que veía y quería expresar en la imagen. Quizás esta circunstancia fue la razón principal del trabajo fanático de Cézanne en sus pinturas. EN años maduros las contradicciones pasaron a un segundo plano y pasó a primer plano la comprensión de la brevedad del lenguaje mismo de la existencia. Fue en esta etapa donde surgieron las mejores, más profundas y significativas obras de Cézanne.

P. Cezanne “Pierrot y Arlequín” (1888-1890). Lienzo, óleo. 102x81cm. Museo Estatal Bellas Artes que lleva el nombre. COMO. Pushkin (Moscú)
Esto es lo más foto famosa Cézanne.
Pierrot y Arlequín - personajes tradicionales comedia italiana del arte (una especie de teatro folclórico (cuadrado) italiano, cuyas representaciones se crearon mediante el método de improvisación, basándose en un guión que contiene un breve resumen de la trama de la actuación, con la participación de actores vestidos con máscaras). Su hijo Paul (Arlequín) y su amigo Louis Guillaume (Pierrot) posaron para Cézanne. La figura blanca de Pierrot parece estar hecha de yeso. El leotardo rojo y negro de Arlequín simboliza la llama sobre las brasas. La diferente disposición de las cortinas de colores a derecha e izquierda enfatiza el movimiento hacia adelante de Arlequín y la posición más estática de Pierrot.
La trama de la pintura está relacionada con las festividades de Maslenitsa, pero no hay ningún indicio de festividad en el lienzo: las figuras y las expresiones faciales se parecen más a marionetas. Los personajes están a punto de participar en una representación teatral dedicada a Maslenitsa.
Cezanne trabajó cuidadosamente los pequeños detalles de la imagen y los rostros de los personajes, lo que generalmente no es típico de su trabajo.

P. Cezanne “Naturaleza muerta con cortinas” (1895). Lienzo, óleo. 55 x 74,5 cm. Museo Estatal del Hermitage (San Petersburgo)
En este cuadro, Cézanne representó telas con adorno floral, jarra blanca, pintado con flores, manzanas y naranjas en dos platos, un mantel claro arrugado y una servilleta translúcida arrugada... La mesa parece convexa y elevada en un borde. El crítico de arte A. Dubeshko señala: "Cézanne permite deliberadamente tal violación de la perspectiva como un signo de rechazo a la habitual naturaleza muerta académica, donde todos los objetos se ven desde el mismo ángulo".
Pero el lienzo crea la impresión de la integridad del mundo material.

P. Cezanne "Jugadores de cartas"

Se trata de una serie de 5 cuadros de Paul Cezanne, pintados por él en el período 1890-1895. Las imágenes se diferencian entre sí por el número de jugadores y el tamaño. Cuatro cuadros se conservan en museos de Europa y América, y el quinto perteneció hasta hace poco a una colección privada, hasta que fue adquirido por las autoridades qataríes para el museo nacional.

1890-1892 Lienzo, óleo. 65,4 × 81,9 cm. Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

1890-1892 134,6 × 180,3 cm. Fundación Barnes (Filadelfia)

1892-1893 97 × 130 cm Colección familiar del Emir de Qatar.

1892-1895 60 × 73 cm. Instituto de Arte Courtauld (Londres)

1894-1895 47 × 56,5 cm. Museo de Orsay (París)
Sujeto juego de cartas tradicional para las bellas artes.
La pintura de Cézanne puede clasificarse como un género cotidiano, pero su contenido es más elevado y significativo que la representación de una escena cotidiana en una taberna.
Cézanne siempre estuvo absorto en un enorme trabajo interior, luchó por la perfección espiritual y nunca trató a las personas con falta de respeto o indiferencia. Valora la vida como ser y se esfuerza por transmitir en sus obras todos los componentes de este ser: movimiento, paz, concentración, tensión. “Aquí está la gente”, parece decir Cezanne en su cuadro “Los jugadores de cartas”. Y ya es suficiente, no quiere desarrollar más la narrativa (K. Bogemskaya).

P. Cezanne “Banco del Marne” (1888). Lienzo, óleo. 65,5 x 81,3 cm Museo Estatal del Hermitage (San Petersburgo)
El cuadro fue pintado en Chantilly (norte de Francia). Representa una solitaria casa señorial de dos pisos con una torre a orillas del río Marne. La casa está rodeada de álamos y sauces, que se reflejan en el agua.
Cézanne creía que sus cuadros no debían describirse ni buscarse en ellos algún tipo de teoría o filosofía. No quería que hubiera intermediarios entre su pintura y el espectador. Lo principal es mirar y percibir lo representado.
Intentemos escuchar al artista.

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El plan de trabajo

Introducción

1. El camino creativo de P. Cezanne

2. Innovación en las obras de P. Cezanne

3. Importancia para los tiempos modernos

Conclusión

Bibliografía

Solicitud

Introducción

El tema de mi prueba es “Innovación de la pintura de P. Cézanne”.

Relevancia del tema seleccionado. Es que Paul Cézanne es uno de los artistas más significativos y talentosos de la historia del arte. El fenómeno de la influencia del arte de Cézanne, este “profeta” el último arte”, sobre los maestros del siglo XX es comparable en escala sólo a la influencia total similar del impresionismo en su conjunto como movimiento. Paul Cézanne hizo una importante contribución al desarrollo de la pintura. Su posición de vida Rechazaba objetivos sociales y políticos y apuntaba a estado interno, la conciencia del maestro.

El papel de Cézanne como "padre" del nuevo arte fue merecidamente apreciado próximas generaciones artistas. Cézanne atrae a artistas autosuficientes y con sus propios principios teóricos en pintura, como P. Seurat y P. Signac.

Objetivo del trabajo: Determinar qué es innovador en la pintura de P. Cezanne.

Objetivos del puesto:

Familiarizarse con la trayectoria creativa del artista;

Revelar la innovación de la pintura de P. Cezanne;

Determinar el significado de su pintura para los tiempos modernos.

1. Dejar creativo P. Cezanne

Paul Cézanne nació en Aix-en-Provence el 19 de enero de 1839. Era hijo único de un padre dominante y creció en la tranquila y sombría Aix-en-Provence, la antigua capital provincial del sur de Francia, a 24 kilómetros tierra adentro desde Marsella.

De niño, Cézanne tenía pocos conocimientos sobre la buena pintura, pero en muchos otros aspectos recibió una excelente educación. Después de la graduación escuela secundaria Asistió a la escuela Saint Joseph y luego estudió en el Collège Bourbon desde los 13 a los 19 años. Su educación estuvo plenamente acorde con la tradición y las exigencias sociales y religiosas de la época. Cézanne estudió bien, si no brillantemente, y recibió numerosos premios en matemáticas, latín y griego.

CON primeros años Cézanne se sentía atraído por el arte, pero, a primera vista, no tenía ningún talento pronunciado. El dibujo era una materia obligatoria tanto en la escuela de St. Joseph como en el Collège Bourbon, y a los 15 años comenzó a asistir a la academia gratuita de dibujo. Sin embargo, Cézanne nunca recibió el premio anual de dibujo en la universidad; lo recibió en 1857. mejor amiga joven Paul - Emile Zola. Esta amistad duró casi toda la vida.

A finales de 1858, tras haber aprobado los exámenes de licenciatura en el segundo intento, Cézanne ingresó en la facultad de derecho de la Universidad de Aix. Lo hizo ante la insistencia de su padre. Louis-Auguste se comprometió al permitir que su hijo instalara un taller en Jas de Bouffant. Ahora Cézanne, en las horas libres del estudio de las leyes, se dedicaba a pintar en su estudio y en la academia, donde su maestro era el mediocre artista local Joseph Gibert.

En la primavera de 1861, Louis-Auguste finalmente cedió a las peticiones de su esposa y su hijo, permitiendo a Paul abandonar sus estudios jurídicos e ir a París a estudiar pintura. En abril, Cézanne viajó a la capital.

Después de vivir cinco meses en París, Cézanne finalmente regresó a Aix. “Pensé”, le escribió a un amigo, “que al dejar Aix me libraría del aburrimiento que me perseguía. De hecho, sólo cambié de casa, pero el aburrimiento permaneció conmigo”.

Aún así, no pudo superar su odio por el mundo empresarial y se matriculó nuevamente en la academia de dibujo local.

En noviembre de 1862, poco después del regreso de Zola a París, Cézanne lo siguió, con medios modestos pero suficientes para permitirle pintar sin preocuparse por el pan de cada día.

Inmediatamente después de su llegada, regresó al Atelier Suisse y, ante la insistencia de su padre, intentó ingresar en la Escuela de Bozar. Las pocas obras que Cézanne presentó al concurso, entre ellas un retrato de su padre y un autorretrato, hicieron que los examinadores calificaran con razón su pintura de “violenta”. Se le negó la entrada, pero esto no desanimó al joven artista. En ese momento, había perdido su inclinación e interés por la pintura académica y continuó sus estudios en el Atelier Suisse.

La etapa temprana de la creatividad no trajo al joven artista ni satisfacción ni reconocimiento. Cézanne, obedeciendo a su salvaje imaginación, comenzó a pintar cuadros cuyos temas eran la pasión, la sensualidad y la muerte.

Tratando de alcanzar la fama, Cezanne presentaba cada año pinturas en el Salón: una exposición. arte contemporáneo. Y cada año, sin excepción, todas las obras de Cézanne fueron rechazadas.

Ridiculizado por la crítica y despreciado por el público, Cézanne ahogó su decepción con un duro trabajo. Poco a poco, comenzó a desarrollarse ese estilo individual único, que se manifestará tan claramente en los grandes paisajes y naturalezas muertas de su época de madurez.

La estabilidad y la deliberación aparecieron en la actitud de Cézanne. Como si domara su temperamento, el artista, alcanzando la madurez, comenzó a ordenar metódica y precisamente los detalles de sus cuadros. En el paisaje "Railway Notch" (Apéndice, ilustración 1), el primero que representa el monte Sainte-Victoire cerca de Aix, equilibró cuidadosamente la casa a la izquierda y la forma rígida y pesada de la montaña a la derecha.

En 1861, cuando Cézanne llegó por primera vez a estudiar a París, la pintura francesa estaba representada por tres fuertes movimientos opuestos: el neoclasicismo, el romanticismo y el realismo. Esta situación se complicó aún más por el hecho de que el arte estaba bajo un patrocinio sin precedentes por parte de la burguesía.

Las pintorescas creaciones de Cezanne están llenas de defectos: las figuras son torpes y desproporcionadas, el espacio está representado de forma poco fiable. Se confía demasiado en la narrativa y muy poca conexión con la forma.

Cuando Cézanne el observador triunfó sobre Cézanne el vidente, mostró una marcada preferencia por la línea recta en lugar de la curvatura barroca, y por un acabado de contornos estricto, casi arquitectónico. Con este espíritu se realizó una notable serie de retratos del tío Dominic, pintados entre 1865 y 1867.

En 1886, Cézanne se casó con Marie-Hortensia Fiquet. Los vínculos afectivos permitieron mantener este unión extraña durante cuarenta años. Tres años después de su encuentro, nació un hijo, llamado Paul. Camille Pissarro fue la única en la que Cezanne, dominando pintura de paisaje, vio un mentor confiable. Pissarro no sólo era nueve años mayor y mucho más experimentado, sino que obviamente poseía las cualidades de un maestro nato y de un crítico notablemente sutil y benévolo.

Poco a poco, Cézanne desarrolló su sistema de pinceladas rectangulares uniformes, que recorren la diagonal del lienzo (normalmente desde la esquina superior derecha hasta la inferior izquierda) y cubren todo el lienzo. De vez en cuando cambiaba la dirección del trazo no sólo en trabajos diferentes, pero también en diferentes áreas de la misma imagen, pero siempre se aseguró estrictamente de que dentro de cada área los trazos mantuvieran la misma forma y estuvieran en una dirección estrictamente paralela. Esta longitud de pinceladas da a la pintura de Cezanne el parecido con una superficie tejida o incluso una alfombra y la sensación de movimiento rítmico característico de obras como “El castillo de Medan” (Apéndice, ilustración 2).

Junto a Pissarro, Cézanne trabajó de forma intermitente durante 1872, 1873 y la primera mitad de 1874. Su deseo de aprender no disminuyó y su capacidad de trabajo parecía inagotable. En Pontoise y Auvers trabajó al óleo, acuarela, pastel, pintó e incluso grabó. Cezanne copió las pinturas de Pissarro para comprender mejor las técnicas y el color de su colega mayor.

El cuadro, a menudo llamado el primer cuadro impresionista de Cézanne, "La casa del ahorcado" (Apéndice III. 3), fue pintado en Auvers en 1872 y demuestra claramente la combinación de técnicas de color estrictamente impresionistas con la comprensión individual del artista de la forma y composición.

Pissarro reconoció la originalidad del talento de Cézanne. Sostuvo que Cézanne tenía una visión única. Hablando de su relación creativa, Pissarro recordó: "Siempre estuvimos juntos, pero cada uno protegía lo único que realmente importa: sus propios sentimientos".

La reacción crítica ante la obra de Cézanne en 1874 es, de hecho, sólo un ejemplo de la hostilidad casi histérica que persiguió al artista durante toda su vida e incluso después de su muerte. Cézanne sólo logró cierto éxito en el Salón de 1882. El artista Antoine Guillemet se convirtió en miembro del jurado oficial y recibió el derecho de presentar el trabajo de uno de sus alumnos. En esta capacidad, expuso el cuadro de Cézanne conocido como. Desde entonces esta obra ha desaparecido.

Cézanne expresó su interés por la figura humana, que perduró durante toda su vida, en la creación de retratos de grupo. Algunas representan pequeños grupos, como en la famosa serie de jugadores de cartas; otros, especialmente los bañistas, suman más de una docena de figuras. En el último período de su creatividad, el artista se interesó por la idea de combinar los dos géneros pictóricos más importantes, incluidas las figuras humanas en el paisaje. Al final de su vida, Cézanne realizó brillantemente esta idea en “Grandes bañistas”.

En los años 1880-90, Cézanne quedó verdaderamente fascinado por los paisajes de Provenza. El interés fue tal que Cézanne creó 300 pinturas de paisajes, la mitad de ellas terminadas entre 1883 y 1895.

La relación natural de las formas de la tierra pesada y abrasada por el sol de Provenza y la transparencia de la luz local le recordaron a Cézanne sus ideas sobre Italia y Grecia, y para él asociaba Provenza con estos países como uno de los "grandes paisajes clásicos". .”

Durante su vida, Cézanne escribió gran cantidad Vistas de Provenza. Pero había algunos entre ellos a los que recurría con más frecuencia que otros. Entre ellas se encuentran las vistas más cuidadas de la ciudad de Gardana. Otro lugar favorito del paisajista Cézanne era la zona de Estac. A principios de los años 90, el interés de Cézanne por los paisajes de Estac se había desvanecido y el artista se concentró en las vistas del monte Sainte-Victoire, que invariablemente le fascinaban. Pintó Sainte-Victoire más de 60 veces. Desde mediados de los años 1980, Sainte-Victoire se convirtió en el tema más importante de los paisajes de Cézanne y así permaneció hasta el final de su vida.

El enfoque en la estructura eliminó el estado de ánimo de los paisajes de Cézanne, y esto tuvo un impacto significativo en los artistas que le sucedieron.

2. Innovadorarte en las obras de P. Cezanne

El famoso pintor francés Paul Cezanne fue un pionero del postimpresionismo. Vivió y trabajó con la mayoría. maestros famosos impresionismo, estando al comienzo de su viaje bajo su influencia, Cezanne, en busca de estilo propio, fue más lejos que sus compañeros. Habiendo aprendido el arte de transmitir los maravillosos estados de la naturaleza, el artista se adentró en la búsqueda de los fundamentos formativos de todo lo que le rodea y trató de comprender la lógica interna de las cosas. El enfoque innovador del pintor no le permitió obtener el éxito y la fama que merecía durante su vida.

Todo su trabajo y su vida fueron evaluados como imprudencia y locura. Pero fue precisamente este estado de ánimo lo que impulsó al maestro a crear un curso completamente nuevo en el desarrollo de la pintura: el postimpresionismo, y también ayudó a echar una nueva mirada a los movimientos ya existentes del fomismo, el cubismo y el simbolismo.

También es de gran interés la técnica de creación de lienzos, que permite crear la sensación de algo tejido. Se aplicó una capa de pintura al lienzo mediante trazos en forma de rectángulos. Y la técnica en sí consistía en aplicar trazos uniformes y paralelos en diagonal de derecha a izquierda.

La capacidad de Cezanne para resaltar la esencia de un paisaje y al mismo tiempo suavizar la mayoría de sus detalles dice mucho sobre el artista y su obra. Sería más sencillo y exacto decir que enseñó al mundo una nueva visión. No se sintió atraído, a diferencia de numerosos representantes de la escuela académica, por la precisión fotográfica de la reproducción del mundo visible. No se esforzó, como sus contemporáneos impresionistas, por capturar estados fugaces de la naturaleza. Cézanne creía en la constancia de las formas y colores del mundo y la estabilidad de las relaciones entre ellos.

Estas formas y colores fueron para Cézanne el lenguaje de expresión de los sentimientos que le despertaba la naturaleza. Y el significado de la pintura, en su opinión, es transmitir estos sentimientos. Para él, las pinturas no eran impresiones de la naturaleza capturadas en lienzo, comentarios sociales, historias ilustradas u objetos decorativos. Eran una expresión de emociones provocadas por la constancia de las formas y colores del mundo.

Esta visión de la pintura distingue a Cézanne de la mayoría de sus contemporáneos. Las experiencias individuales están invariablemente presentes en la obra de la mayoría de los maestros de mediados del siglo XIX, pero su expresión se consideraba sólo como un detalle en relación con la principal tarea artística: moral, social, política o alguna otra. Cézanne cambió el énfasis en la pintura del tema de la imagen a la conciencia del pintor. Así abrió el camino que condujo en el siglo XX a la creación del llamado arte abstracto, completamente dependiente de la conciencia del autor.

No hay muchos destacados artistas del siglo XIX siglos han sido objeto de ataques tan violentos o han sido víctimas de una incomprensión general. Entre los epítetos asignados a Cézanne estaban “loco” y “anarquista”.

Si Cézanne sacudió los cimientos del arte de su tiempo fue por una forma de ver basada en la adhesión a los principios de la pintura posrenacentista, que valoraba mucho.

El principal de estos principios es el espacial, que resuelve el problema de representar la tridimensionalidad del mundo en el marco de una superficie de lienzo bidimensional. La otra es entender una pintura como una estructura cerrada, construida según las leyes de proporcionalidad armónica y lógica de sus partes. Al igual que Giotto, Uccello, Piero della Francesco y Poussin, Cézanne fue uno de los más grandes diseñadores pictóricos. En este sentido, revivió tradiciones en lugar de destruirlas. El artista Paul Sérusier escribió un año antes de la muerte de Cézanne: “Limpió el arte de la pintura de moldes centenarios, devolviéndole su integridad y pureza. muestras clásicas".

El genio y la importancia histórica de Cézanne se expresan en su capacidad para combinar "la pureza y la integridad de los ejemplos clásicos" con las tradiciones del arte romántico. Combinó dos grandes y aparentemente incompatibles sistemas de arte, que existía por separado en arte francés a partir del siglo XVII.

El clasicismo glorifica la razón; el romanticismo exalta el sentimiento. Para el clasicismo, el principio fundamental es estructural; para el romanticismo - color. Cézanne se basó igualmente en ambos principios: no sólo fue un gran maestro de la composición, sino también un gran colorista, comparable a Tiziano, Rubens y Delacroix. En su obra madura, la intensidad romántica de los sentimientos se combina con la claridad y el rigor clásicos. Tomando como base estas dos tradiciones, Cézanne las condujo a la unidad final y completó así toda una era. Pero al mismo tiempo descubrió algo nuevo: sus obras de madurez tuvieron un impacto irreversible en la formación de la visión artística en pintura moderna. Las generaciones posteriores reconocieron incondicionalmente que Cézanne, como el Moisés del Antiguo Testamento, abrió el camino al mundo del nuevo arte.

Paul Cézanne hizo una importante contribución al desarrollo de la pintura. Su posición en la vida rechazaba los objetivos sociales y políticos y apuntaba al estado interior, la conciencia del maestro. En esencia, Paul Cézanne era un luchador. Su lucha fue con los miedos que llenaban el alma del artista, con el deseo de encontrar una expresión de su propio significado.

Todo su trabajo y su vida fueron evaluados como imprudencia y locura. Pero fue precisamente este estado de ánimo lo que impulsó al maestro a crear un curso completamente nuevo en el desarrollo de la pintura: el postimpresionismo, y también ayudó a echar una nueva mirada a los movimientos ya existentes del fomismo, el cubismo y el simbolismo.

También es de gran interés la técnica de creación de lienzos, que permite crear la sensación de algo tejido. Se aplicó una capa de pintura al lienzo mediante trazos en forma de rectángulos. Y la técnica en sí consistía en aplicar trazos uniformes y paralelos en diagonal de derecha a izquierda.

La pintura "La casa del ahorcado" (1873, Museo de Orsay, París) (ver Apéndice III. 3), a pesar de su nombre sombrío, es un paisaje soleado. La construcción compositiva magistral e inusual del lienzo es similar a un collage y se basa en la combinación de diferentes planos.

El primer plano introduce al espectador en el espacio de la imagen. Aquí vemos una pendiente arenosa sin complicaciones, con tocones de árboles en la esquina inferior izquierda, colocados aquí como un "punto de partida" para avanzar gradualmente hacia la profundidad. El segundo plano está ocupado por un edificio con un techo oscuro y una colina cubierta de hierba, detrás de la cual se abre una antiestética “casa del ahorcado”, como si sobresaliera de la colina y representara el tercer plano del cuadro. Detrás se puede ver el techo de la casa ubicada justo debajo: el cuarto plano, detrás del cual se representan edificios con paredes de ladrillo rojo brillante.

Siguiendo al artista, la mirada del espectador desde la esquina inferior izquierda del lienzo desciende a lo largo de la ladera, serpenteando entre las paredes de los edificios y el terreno irregular, revelando así toda la profundidad del espacio. Y cuanto más miras este espacio, más complejo parece. Cezanne transmitió el paisaje exactamente como lo vio en la realidad, sin reconstruirlo usando la perspectiva, por lo que las casas naranjas parecen estar justo en el techo del edificio más cercano, y los árboles extendidos en la esquina superior izquierda de la composición están absurdamente amontonados. justo encima de la “casa del ahorcado”.

Fueron precisamente estos absurdos compositivos, impensables para el arte clásico, los que permitieron al artista representar fielmente el mundo tal como él lo veía. La pintura “Casa y árbol” (ver Apéndice, III. 4) en su estructura compositiva se asemeja a un fragmento de la obra anterior: el mismo primer plano vacío, un edificio de piedra blanca que todavía crece directamente desde la colina, sobre el cual hace alarde un árbol ramificado. cuyo tronco sinuoso parece cruzar el plano de la pared, “extendiéndose” a lo largo de ella como una grieta gigante. Este motivo aporta acordes dramáticos extrañamente emocionantes a toda la obra, creando la impresión del secreto que guarda la casa, como si estuviera escondido detrás del tronco y las ramas de un árbol.

El lienzo "La casa del doctor Gachet en Auvers" (Apéndice, ilustración 5) se distingue por la alternancia del primer plano, vacío, y el segundo, demasiado lleno. Así crea Cezanne una composición armoniosa. Las casas representadas, que el artista esculpe unas con otras, parecen apretujadas en esta calle provincial. Cuando miras de cerca las líneas de sus paredes, resulta obvio que están lejos de ser uniformes. Cezanne no busca la claridad de las líneas; al contrario, las distorsiona deliberadamente, como la luz del sol, que ilumina las superficies de manera desigual, dependiendo de su textura y proximidad a otros objetos.

Paul Cezanne pinta sólo lo que ve, sin ennoblecer su entorno, como debe hacer un artista “correcto”. Ya aquí se manifiesta la gravitación del artista hacia formas monumentales simples, que se convertirán en rasgo distintivo estilo individual del maestro. Bajo el mecenazgo de Camille Pissarro, Cézanne, en 1874, participó en la primera exposición de los impresionistas. Una vez más sus obras son ridiculizadas, sin embargo, su obra “La casa del ahorcado” es comprada por un gran coleccionista, lo que da esperanza al artista, atormentado por los malentendidos.

En la obra “Love Struggle” (Apéndice, ilustración 6), el artista recurre a un tema mitológico, que permite una representación libre de la disposición en el espacio de cuerpos desnudos entrelazados. El expresivo lienzo da la impresión de un boceto debido a la acentuada falta de elaboración de las propias figuras.

Una serie de técnicas de composición agravan la impresión ligeramente opresiva de la lucha frenética de amantes ferozmente apasionados: los árboles cuelgan amenazadoramente, el horizonte bajo enfatiza cielo enorme Como si presionaran a los héroes, incluso las nubes arremolinadas con contornos inusualmente definidos parecen agresivas. La imagen se basa en el principio. escenografía teatral: acantilados de orillas con árboles que crecen en ellos sirven como telón de fondo. La falta de profundidad del lienzo sólo acentúa este efecto.

Un encuentro importante para Cézanne tuvo lugar en 1875, cuando Auguste Renoir le presentó al ávido coleccionista Victor Choquet, quien compró uno de los cuadros del artista. A partir de ese momento comenzó su larga amistad. En 1877, el pintor creó el “Retrato de Victor Choquet sentado” (Apéndice, ilustración 7), en el que vemos al amigo del artista sentado en un magnífico sillón de la época de Luis XVI, en un ambiente hogareño relajado.

En las paredes se ven obras de arte que forman parte de la colección Choquet. Es cierto que no están incluidos en el "marco" por completo, sino que se dan en fragmentos o solo están indicados por marcos dorados. El artista no se esfuerza por reproducir cuidadosamente el mobiliario de la habitación ni por transmitir fotográficamente con precisión los rasgos del héroe. Crea una imagen generalizada del coleccionista como una persona atenta y reflexiva, capaz de valorar intuitivamente el valor artístico de una obra. La alta figura de Victor Choquet parece algo cómica sobre una antigua silla baja, el borde superior del lienzo corta sus cabellos grises y las piernas del modelo y las patas de la silla están pintadas casi cerca del borde inferior del lienzo. Esto crea la impresión de que el coleccionista está apretado dentro del marco asignado al cuadro.

Uno de los muchos retratos de Hortense, "Madame Cezanne en una silla roja" (Apéndice, ilustración 8), que, por cierto, aún no se ha convertido en la esposa oficial del artista, es inusualmente espectacular en términos de combinación de colores. La tapicería roja de la silla contrasta con los colores verde oliva y azul de la ropa de Hortense y la pared detrás de ella, y también resalta perfectamente la figura de la heroína. La obra produce una impresión monumental gracias a la máxima proximidad de la joven al espectador. El borde superior del lienzo corta parte de su cabello y el borde inferior corta el dobladillo de su falda. La compañera de vida de Cezanne mira hacia otro lado y sus manos con los dedos cruzados construyen una barrera psicológica entre la modelo y el espectador.

Vemos una representación muy generalizada de las características del terreno en el paisaje “Montañas en la Provenza francesa” (Apéndice, ilustración 9). Cézanne desmonta mentalmente los objetos en sus formas constituyentes individuales y luego construye su propia realidad a partir de ellos. Esta técnica será más característica distintiva constructivistas.

Habiendo recorrido un importante camino creativo, Paul Cezanne nunca se convirtió en un impresionista. Su fascinación por la representación impresionista de la imagen de la naturaleza y el entorno luminoso fue reemplazada por la conciencia de la necesidad de un ordenamiento especulativo de la realidad circundante. Al artista no le bastaba con ver y reproducir; necesitaba ver y transmitir la estructura oculta del mundo.

Todas las naturalezas muertas de Paul Cézanne son reconocibles: con el conjunto mínimo de objetos más simple (algunas frutas, jarrones de porcelana, platos y tazas), cortinas deliberadamente descuidadas con torceduras y numerosos pliegues arrojados sobre la mesa dan a la composición una expresividad decorativa y única.

El cuadro “Naturaleza muerta con azucarero” (Apéndice, ilustración 10) es uno de los más trabajos famosos Cézanne. Aquí el pintor abandona la perspectiva lineal; no vemos un punto de fuga común de los planos en el lienzo.

Vemos una mesa rectangular con un drapeado blanco cubierto casualmente, cargada de platos de porcelana y frutas, desde dos puntos de vista a la vez: desde arriba y desde frente, lo que es imposible para el arte tradicional, que, desde el Renacimiento, ha Trabajó para transmitir correctamente un lienzo tridimensional en un plano bidimensional.

Paul Cezanne construye su naturaleza muerta en contra de la principal ley de la pintura: la perspectiva. Debido a la incorrecta construcción del espacio y a la distorsión de la perspectiva, resulta imposible determinar la distancia desde la pared a la mesa, o a las patas de madera tallada visibles al fondo, aparentemente una jardinera. También queda implícita la relación entre los planos paralelos y perpendiculares de las paredes, mesa, suelo y cajones. Un espacio desprovisto de profundidad y perspectiva, construido con relativo respeto por la geometría, hace que la naturaleza muerta se parezca a la pintura religiosa, cuyo estilo fue creado y aprobado antes que la perspectiva, y a menudo la ignoraba.

Cezanne crea su propio sistema de coordenadas, en el que cada objeto se vuelve autosuficiente y puede ser en sí mismo un “modelo” para el artista. La sección "extra" de las patas de la jardinera, a primera vista, no se introdujo por una razón: es este detalle, en primer lugar, el que "sostiene" toda la composición en la esquina superior derecha del lienzo y, en segundo lugar, sirve como un poderoso acento colorista en el fondo de color frío general de la parte superior de la imagen, sus tonos marrones hacen eco armoniosamente del tablero marrón de la mesa y los tonos cálidos de la fruta madura. No es casualidad que el artista coloque libremente los objetos en el plano de la mesa, sin combinarlos en grupos; si eliminamos mentalmente alguno de ellos, la integridad de la composición no se verá comprometida.

Los mismos rasgos son característicos de "Naturaleza muerta con manzanas y naranjas" (Apéndice, ilustración 11), "Naturaleza muerta con cortinas" (Apéndice, ilustración 12) y "Naturaleza muerta con berenjenas" (Apéndice, ilustración 13). . En la primera obra es especialmente evidente el papel de las telas, formando el espacio con sus pintorescos pliegues. Son las lujosas telas las que llenan toda la superficie del lienzo. Hacen innecesaria la perspectiva; en ausencia de un sistema de coordenadas familiar, el espacio pierde su tridimensionalidad. Un montón de pliegues caótico, a primera vista, esconde muebles y locales. No está del todo claro dónde se encuentran los objetos. Gracias a este efecto se crea la impresión de un carácter decorativo acentuado, e incluso de teatralidad, que se ve aún más realzada por la interpretación plana del espacio.

En esta naturaleza muerta, el maestro trabaja con el color de forma muy expresiva. Telas orientales brillantes, que recuerdan a las exóticas cortinas de las pinturas del gran pintor romántico Eugène Delacroix, que fue un ídolo de Cézanne, crean el telón de fondo para un mantel blanco como la nieve doblado descuidadamente y un jarrón de porcelana. La atención del espectador se dirige primero a este lugar deslumbrante y de compleja construcción, para disfrutar de la interpretación magistral de la tela, y luego se concentra en la fruta brillante, como si brillara sobre un fondo blanco. Es el color blanco el que organiza hábilmente toda la composición. Evita que la vista se pierda en los colores festivos y deambule por el lienzo, aportando rigor a la combinación de colores y “recogiendo” la composición hacia el centro.

Con la ayuda del color se consigue la unidad de la composición en “Naturaleza muerta con berenjenas”. Gracias a los fríos tonos azul-lila, el lienzo parece sorprendentemente sólido, al tiempo que tiene un contraste brillante en forma de manzanas de color rojo anaranjado. La tonalidad general de la obra se suaviza, como una disposición aleatoria de objetos en una naturaleza muerta. Si no fuera por el color, los jarrones de cerámica, el plato y la botella, colocados demasiado cerca uno del otro, parecerían un montón absurdo de cosas al azar.

El monte Santa Victoria se convirtió en el lugar favorito de Paul Cézanne para crear sus paisajes. Él admiraba su majestuosa belleza en primeros años. En el último período de su creatividad, el maestro pintó repetidamente vistas de esta montaña, transmitiendo su belleza en diferentes condiciones atmosféricas y bajo diferente iluminación.

Hacia el final de su vida, Cézanne concibió una obra de gran formato. composición de varias figuras bañistas desnudos en el regazo de la naturaleza. El artista sueña desde hace mucho tiempo con pintar este lienzo y existen varias versiones del mismo, creadas en diferente tiempo. Debido a su timidez natural y falta de fondos, Cezanne nunca utilizó los servicios de modelos. Por tanto, para crear tu propia composición a partir de varios desnudos. cuerpos de mujeres Incluso le pedí a uno de mis amigos que consiguiera fotografías de mujeres desnudas. Quizás esto explique una cierta angulosidad de todas las figuras, creado por el artista sin depender de la naturaleza.

En el lienzo "Grandes bañistas" (Apéndice, ilustración 14), el pintor trabajó mucho y con perseverancia, pensando cuidadosamente en la disposición de las figuras desnudas en el espacio, controlando meticulosamente el ritmo de las líneas del cuerpo y los brazos extendidos, que, junto con Troncos de árboles doblados, forman un semicírculo armonioso. Se suponía que la obra se convertiría en una obra maestra, una especie de apogeo de la obra de Cézanne. El artista esperaba encontrarse a sí mismo a través de la armonía entre “la redondez del pecho de una mujer y los hombros de las colinas”. Desafortunadamente, nunca sabremos qué le gustaría ver finalmente al artista en su obra, ya que la muerte interrumpió su trabajo.

3. Importancia para los tiempos modernos

El papel de Cézanne como "padre" del nuevo arte fue debidamente apreciado por las generaciones posteriores de artistas. Baste recordar la influencia que tuvo en la formación de innumerables maestros y tales direcciones artísticas, como el simbolismo, el fauvismo, el cubismo y el expresionismo. La importancia de Cézanne no se limita a esta influencia. Traspasó los límites de su época contemporánea y posterior, estando a la par de otros gigantes de la pintura europea en su exclusividad y plenitud.

En la historia del arte, fue la fecundidad de los intentos de Cezanne de crear un nuevo gran estilo, y no el estilo de Cezanne en sí como canon artístico, lo que constituyó su fama. Esto es tanto más cierto cuanto que de las obras de Cézanne se pueden extraer diversas conclusiones artísticas. Son multidimensionales, lo que en sí mismo es característico de muchas obras destacadas de diferentes épocas, pero la multidimensionalidad en la era de las búsquedas artísticas libres adquiere un significado especial. Cada uno puede tomar de las obras de Cézanne lo que quiera, y no lo que antes dictaba el canon artístico. Por eso la obra de Cézanne sigue siendo una especie de “tesoro artístico” para los artistas modernos.

Artistas absolutamente diferentes a Cézanne, como P. Gauguin y V. Van Gogh, consideraron posible aprender de él la visión de la naturaleza. Gauguin coleccionó pinturas de Cezanne y en algún momento de su carrera pintó a la escala de Cezanne. Van Gogh creía que Cézanne transmitía con tanta precisión la esencia de la naturaleza de Provenza que así le enseñó a comprender las particularidades y el espíritu del lugar.

Gracias a los esfuerzos de Cézanne, la imagen pintoresca de Provenza se vuelve icónica. Esto es lo que K. Clark escribe sobre esto: “Así como Lorrain y Poussin hicieron creer a generaciones de artistas que sólo en Campania se puede encontrar un paisaje digno de la atención de un paisajista serio... así las imágenes de Provenza creadas por Cézanne influyó en los paisajistas de todo el mundo durante treinta años de paz. Incluso vi Japón interpretado a la manera de Cézanne, con el monte Fuji transformado en el monte Sainte-Victoire”.

Si recordamos a los pintores rusos de Cezanne, podemos decir que a través del prisma de la Provenza de Cezanne, se pintaron los paisajes de Crimea de R. Falk, los paisajes italianos de P. Konchalovsky y los paisajes de la región de Moscú de A. Kuprin. Un artista como D. Rivera también pintó España a la manera de Cézanne. Fauvistas A. Matisse, A. Derain, C. Van Dongen, R. Dufy sobre etapa inicial su creatividad se dejó llevar por la innovación de Cezanne, de sus manos recibieron la libertad de expresión, la libertad de interpretación de la realidad.

En la formación de P. Picasso y de todo el cubismo en general tuvo una gran influencia la exposición retrospectiva póstuma de las obras de Cézanne en 1907. Ella, junto con la exposición de esculturas rituales de África, se convirtió en “el presagio reconocido y el impulso de “Les” de Picasso. Las señoritas de Aviñón” y el inicio de la primera etapa, analítica o heroica, del cubismo de Picasso y Braque. Así, el método analítico formal de la creatividad, basado principalmente en el racionalismo cartesiano y enraizado en la obra de Cézanne, fue desarrollado por cubistas, futuristas, cubofuturistas, puristas y constructivistas” ( I. Azizian). A. Barr creía que desde Seurat y Cézanne, hasta el cubismo, se extiende una línea de arte abstracto con “tendencias geométricas y estructurales claramente expresadas”. Esta dirección incluye a K. Malevich, El Lissitzky, A. Rodchenko, L. Popova, R. Delaunay, P. Mondrian, F. Stella, Theo van Doesburg y otros.

Escuela Nacional de Arte Monumental de los Países del Centro y América Latina También se desarrolló no sin la influencia de Cézanne. Artistas como D. Rivera y D. Siqueiros viajaron a Francia para realizar una especie de pasantía y estudiaron con entusiasmo tanto la obra de los cubistas como su fuente: la obra de Cézanne.

Es especialmente digno de mención la influencia de Cezanne en los llamados artistas rusos de Cezanne, artistas de la asociación "Jack of Diamonds". Se convirtió en un ídolo de P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov, R. Falk, A. Kuprin, V. Rozhdestvensky, quienes, según J. Tugenhold, “llevó a cabo una importante misión artística, acercando la pintura rusa a Francés cultura artística" M. Larionov y N. Goncharova no escaparon a la influencia de Cézanne, aunque vieron en la pintura francesa un obstáculo para la expresión del principio nacional.

Conclusión

“El arte de Cézanne en su conjunto mostró al mundo una especie de imagen final del siglo XIX y anteriores. El cuadro de Cézanne conserva sus cualidades pintura clasica: “semejanza” con la naturaleza real, aislamiento del mundo por un marco, patetismo espacial, retórica visual, concreción del motivo, trama plástica. Pero las búsquedas espaciales y coloristas de los siglos pasados, desde el Renacimiento hasta el Impresionismo, se vieron obligadas a detenerse ante el reducto de Cézanne de un lienzo plano, que acumulaba su cosmos artístico, reducido a una fórmula clara, cerrada en sí misma, como el universo. Y aquí podemos hablar del cuadro de Cezanne como el primer cuadro. la ultima pintura. "Totalidad" que se mencionó anteriormente, nos permite ver en el plano de las obras de Cézanne la total independencia, la autonomía de las formas que nacen en esa misma etapa del movimiento del arte cuando el valor de la mancha, el tono, la saturación del color del plano, el ritmo de los contornos de la forma finalmente adquieren un valor autosuficiente... El inventor de un nuevo lenguaje plástico, el creador de nuevas imágenes monumentales, un reformador del paisaje clásico, un maestro soberano de la acuarela: eso es todo lo que es, pero hay algo más. Un clásico, un romántico, un maestro del Barroco según la época, heredero de una tradición e inventor de otra, descendiente y antepasado: cómo definir los límites de esta personalidad”.

La definición de la obra de Cézanne dada por Mikhail German capta con mucha precisión su lugar entre sus predecesores y seguidores.

Pocas veces un artista ha tenido que trabajar en condiciones tan difíciles de incomprensión y soledad creativa como Paul Cézanne. Aunque finalmente logró el reconocimiento hacia el final de su vida, todavía no tuvo la felicidad de ser comprendido. Afirmamos que la mayoría de sus “seguidores”, cézanneistas de diversas tendencias, abstrativistas y otros epígonos, no tenían nada en común con este artista.

El terrible esfuerzo -la obra de toda la vida de Cézanne- tenía como objetivo consciente proteger la gran tradición realista de la artesanía; el “trabajo” de sus epígonos tenía como objetivo eliminar el realismo; los epígonos no confiaron en los esfuerzos conscientes del artista, no en sus logros; se aferraron a aquellos aspectos de su manera individual que fueron el resultado de dificultades que surgieron espontáneamente en el proceso de la creatividad del artista.

Al no comprender algunas de las convenciones de las obras de Cézanne, asociadas con la naturaleza incompleta y contradictoria de sus búsquedas, los epígonos intentaron convertirlas en la bandera de su esnobismo; avanzaron hacia la degeneración formalista.

Bibliografía

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3. Medkova E. Historia sobre el artista “Heredero e Inventor” Periódico “Iskusstvo” No. 3, 2010.

4. Perrusho Una “Vida de Cézanne” y epílogo de K. Bohemian. - M.: "Arco iris", 1991.

5. Rzheznikov A. - Paul Cezanne Parte 1. Periódico “Arte”, núm. 2 1940.

6. http://vlkrylov.ru/ Artista Vladimir Krylov - “Los manuscritos no se queman ni lo que es arte”, capítulo cinco “La obra de P. Cezanne”

7. http://www.bibliotekar.ru/ Henri Perryucho. Paul Cezanne

Solicitud

Ilustración 1. “Corte ferroviario”

Ilustración 2. “Castillo de Medan”

Cezanne artista innovador creativo

Ilustración 3. “Casa del Ahorcado”

Ilustración 4. “Casa y Árbol” (1873-1874, colección particular)

Ilustración 5. “Casa del Dr. Gachet en Auvers”. 1874 Museo de Orsay, París

Ilustración 6. “Love Struggle” (Bacchanalia, 1875, W.A. Harriman Collection, Nueva York)

Ilustración 7. “Retrato de Victor Choquet sentado” (Galería de Bellas Artes, Columbus) 1877

Ilustración 8. “Madame Cezanne en la Silla Roja” (1877, Museo de Bellas Artes, Boston)

Ilustración 9. “Montañas en la Provenza francesa” (1878, Museo Nacional de Gales, Cardiff).

Ilustración 10. “Naturaleza muerta con azucarero” (hacia 1888-1890, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo)

Ilustración 11. “Naturaleza muerta con manzanas y naranjas” (1895, Museo de Orsay, París)

Ilustración 12. “Naturaleza muerta con cortinas” (1899, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo)

Ilustración 13. “Naturaleza muerta con berenjenas” (1893-1894, Metropolitan Museum of Art, Nueva York)

Ilustración 14. “Grandes Bañistas” (hacia 1906, Museo de Arte, Filadelfia)

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colorista(o color) pasaporte- un documento que confirme que el color exterior de las fachadas del edificio está aprobado de acuerdo con el sistema normativo vigente.

Pasaporte de color

La ley de la ciudad de Moscú del 1 de julio de 1996 determinó la obligatoriedad del pasaporte de color de la Moskomarkhitektura al pintar fachadas de edificios. El objetivo principal del pasaporte es registrar los colores de fachadas, detalles arquitectónicos, zócalos, marcos de ventanas, puertas, techos, cercas, etc. En condiciones donde los trabajos de construcción y reconstrucción implican Número grande empresas, el pasaporte de color es una herramienta para introducir un concepto de color con base científica en vida práctica ciudades.

Historia

EN Imperio ruso Hasta 1832, la estandarización de la apariencia artística de las ciudades estaba determinada por decretos imperiales personales y resoluciones sobre informes e informes dirigidos al más alto nombre, así como por órdenes del Senado y del gobierno. El instrumento para regular el creciente negocio de la arquitectura y la construcción se ha convertido en Normas de construcción 1832. Además de la carta, se desarrolló activamente el marco normativo para la formación de la apariencia exterior de las ciudades, se recopiló en álbumes y se envió a las provincias “ ejemplar» dibujos de tipos de edificios gubernamentales y privados que « sirvió de guía no solo en la construcción de nuevos, sino también en la modificación de edificios antiguos, donde la conveniencia permitiría" También se establecieron los colores de las fachadas y tejados de los edificios. Los primeros diseños estándar se utilizaron ya desde el comienzo de la construcción de San Petersburgo.

En Moscú, los primeros intentos de regular el color los hizo Pedro I en el siglo XVIII, quien, mediante un decreto especial, determinó de qué colores debían pintarse las paredes de la Sede Madre. Así se formó legalmente el esquema cromático histórico de la capital. Hasta 1917 se emitía un documento especial para cada edificio.

La práctica de crear y utilizar pasaportes en color revivió en Rusia en la segunda mitad de la década de 1990. El iniciador de su reanudación es Larisa Vladimirovna Zhuk, graduado del Instituto de Arquitectura de Moscú () y Tatyana Alexandrovna Usatova, graduado de la Facultad de Química de la Universidad Estatal Lomonosov de Moscú. L. V. Zhuk en 1973-1997 Trabajó en el Departamento de Diseño Urbano del Comité de Arquitectura de Moscú, incluso en 1987-1997. - Jefe del departamento de pintura y acabado de fachadas de edificios en Moscú. Fue el autor de soluciones de color. gran cantidad fachadas de edificios de la ciudad: el Teatro Musical que lleva el nombre de K. S. Stanislavsky y Vl. I. Nemirovich-Danchenko en B. Dmitrovka, el Teatro M. Rozovsky en la Puerta Nikitinsky, un complejo de edificios en B. Yakimanka, B. Molchanovka, B. Ordynka, etc. En preparación para el 850 aniversario de Moscú, en 1994 -1995, Larisa Zhuk lideró el desarrollo de esquemas de color para las fachadas de todos los edificios del Boulevard Ring.

Informatización de pasaportes.

Como parte del trabajo conjunto del Comité de Arquitectura de Moscú, el Instituto de Máquinas de Control Electrónico (INEUM) y el estudio de diseño VIGRAF, se creó un prototipo de sistema automatizado. soporte de información concepto de color y desarrolló formularios para pasaportes en color que utilizaban todas las capacidades de los gráficos por computadora y la organización de bases de datos. De 1997 a 2012, en el taller de colorística arquitectónica (City Color Center) de Mosproekt-3 se prepararon soluciones arquitectónicas y colorísticas basadas en solicitudes de la Empresa Unitaria Estatal "Dirección Principal de Arquitectura y Planificación de Moskomarkhitektura".

El City Color Center es uno de los pocos grupos de Moscú que ha comenzado a abordar profesionalmente los problemas del color en el entorno urbano. Creado en 1996 por el artista principal de Moscú A. V. Efimov sobre la base del taller de colorística arquitectónica nº 10 de la Empresa Unitaria Estatal "Mosproekt-3" bajo la dirección de T. S. Semyonova. La principal actividad del City Color Center fue el desarrollo de secciones arquitectónicas de Pasaportes " Solución de color, materiales y tecnología de trabajo.", así como la producción de proyectos arquitectónicos para la reconstrucción de fachadas de edificios.

La sección tecnológica de pasaportes de colores fue desarrollada por tecnólogos Centro Enlacom(dirigida por T. A. Usatova): una organización científica experta en el campo de la tecnología de instalación, diseño e inspección de fachadas.

Desde 2008 hasta principios de 2013, el City Color Center fue una de las organizaciones líderes en la implementación del programa específico de la ciudad de reparaciones capitales integrales en términos de esquemas de color para las fachadas de edificios residenciales reconstruidos. El trabajo a gran escala del City Color Center incluyó una solución de color integral para el desarrollo de los anillos de jardines y bulevares de la ciudad, conceptos de color para muchas calles y plazas históricas, así como más de mil proyectos locales de soluciones de color para edificios y estructuras.

Con el fin de mejorar el procedimiento para dar forma a la apariencia arquitectónica y artística de la ciudad, el 28 de marzo de 2012, el gobierno metropolitano aprobó una nueva resolución sobre soluciones de color para las fachadas de edificios, estructuras y estructuras en Moscú, que determina el procedimiento. para desarrollar soluciones de color estándar e individuales. Al mismo tiempo, el pasaporte permite tres opciones para la solución colorística de fachadas con la correspondiente marca de color en los sistemas RAL, NCS, que se caracteriza por un cambio en la saturación del color de no más del 5%.

La introducción de pasaportes de colores se ha convertido en parte de la práctica de planificación urbana en otras ciudades de la Federación de Rusia.

La informatización de la selección y registro de soluciones de color en el pasaporte en el marco de catálogos de colores estandarizados abre la posibilidad de utilizar tecnologías de teñido por computadora y dosificación automática para seleccionar los tonos requeridos en la etapa de pedido y producción de pinturas.

Notas

1. Ley de la ciudad de Moscú de 1 de julio de 1996 No. 22 "Sobre el mantenimiento y conservación de fachadas de edificios y estructuras en el territorio de la ciudad de Moscú"
2. Dedushkin A. Ley de construcción en la Madre Rus - //Moscú Heritage. vol. 4 (52), 2017. - págs.26-31
3. (indefinido) .
4. Pirozhkova I. G. « Ejemplar» fachadas como fuente normativa de regulación de la planificación urbana en el Imperio Ruso - // Boletín de la Universidad Estatal de Tambov. Serie: ciencias humanitarias. Bien. vol. 3 (43), 2006. - págs.10-12
5. Zhuk Larisa Vladimirovna (indefinido) . Archivado desde el original el 17 de septiembre de 2012.
6. Decreto del Gobierno de Moscú del 26 de noviembre de 1996 No. 940 "Sobre la mejora integral de Moscú: esquemas de color, iluminación arquitectónica, arquitectura paisajística"

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El color del cabello se indica mediante dos características: el nivel de profundidad del tono y la dirección del color.

Nivel de profundidad del tono(UGT) es una gradación del color natural del cabello según la luminosidad. En la práctica, se les ocurrió la idea de clasificar todos los tonos de cabello del 1 al 10, una escala de niveles de profundidad de tono.

El número 1 corresponde al color de cabello negro más oscuro.

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Puedes encontrar esta escala de tonos de cabello naturales en una paleta de peluquería. En general, las designaciones se aceptan en general, pero pueden diferir ligeramente. Algunos lo amplían a 12 pasos, saltándose algunos niveles. También puedes ver diferencias en los nombres de los tonos base. Algunos usan el concepto de cabello castaño en lugar de castaño, otros usan castaño claro en lugar de rubio y viceversa. Esto se debe a la tradición lingüística de los países productores de cosméticos y a las peculiaridades de la traducción de nombres al ruso.

Dirección de color- Este es el tono que finalmente aparece en el cabello. La dirección del color también se indica en números. La dirección del color se indica mediante los números después de la fracción o la coma. Por ejemplo 6,43 o 6,34.

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La escala de dirección de color rara vez coincide entre diferentes fabricantes de cosméticos. Así el número 2 en algunos tintes indica la dirección violeta, en otros tonos mate, base verde. El número 5 indica la dirección roja; para otros, el rojo va en el número -6.

NORMAS GENERALES PARA LA CODIFICACIÓN DE COLORES.

1. El primer dígito del número de tinte indica el nivel de profundidad del tono, el segundo, la dirección del color.
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4. El número de serie de la pantalla determina su cantidad. Cuanto más cerca de separador cuanto más se ubique, mayor será su cantidad y viceversa. Por ejemplo 6,31, 3 de oro, 1 de ceniza. Esto significa que este tono tiene más dorado que ceniza.
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6. Así, gracias al sistema de codificación, podemos asignar cualquier número a cualquier tono y viceversa descifrarlo.

Agentes oxidantes.

Un agente oxidante es una solución estabilizada de peróxido de hidrógeno que se agrega al tinte. El resultado de la coloración depende del porcentaje de agente oxidante.

Los oxidantes al 1,5% o 1,9%, 1,7% están destinados a teñir el cabello. Trabajan con tintes sin amoniaco. También se les llama semipermanentes o teñidos.

3% de oxidante tiñe el cabello tono sobre tono.

9% de colores oxidantes 3 niveles de profundidad de tono más claro.

12% de oxidante para colores 4 niveles de profundidad de tono más claro. Se utilizan cuando se trabaja con rubias especiales y series de tintes aclarantes.

Un cliente vino a ti con un color de cabello en el nivel 6. Miramos la tabla de niveles de tono: este es un rubio oscuro.

Ella te dice que le aclares el cabello.

Muestra la paleta de tonos y selecciona la profundidad de tono del nivel 8.

Verás que el nivel 8 es dos tonos más claro que el nivel 6.

Tomas tinte 8.3 y necesitas agregarle un agente oxidante.

¿Qué agente oxidante debería elegir?

Uno que eleva la profundidad del tono dos niveles más.

6% de agente oxidante colorea el cabello con 2 niveles de profundidad de tono más claro.

Tomas un tono de 8,3+6% de oxidante y como resultado, en lugar de un rubio oscuro, tu clienta se vuelve rubia clara.

La tarea se ve así.

Nivel natural: 6.0

Resultado deseado: 8,3

Receta (solución):

Este es un ejemplo de un problema simple. La solución se vuelve más complicada si el resultado es un tono frío de 8.1. En este caso, es necesario neutralizar el resaltado del fondo.

Puedes ver qué es el aclaramiento de fondo y cómo neutralizarlo en vídeos gratuitos:

WELA

loreal

Estel

LONDA

Igor