¿Qué es pintar? Técnicas de pintura. desarrollo de la pintura

). Sin embargo, a los efectos de este artículo sólo consideraremos el objeto art.

Históricamente, todos los géneros se dividieron en altos y bajos. A genero alto o pintura histórica incluía obras de carácter monumental, que llevaban algún tipo de moralidad, una idea significativa, que demostraban hechos históricos, militares asociados con la religión, la mitología o la ficción artística.

A genero bajo incluía todo lo relacionado con la vida cotidiana. Se trata de naturalezas muertas, retratos, cuadros domésticos, paisajes, animalismo, imágenes de personas desnudas, etc.

Animalismo (lat. animal - animal)

El género animal surgió en la antigüedad, cuando los primeros pueblos pintaban animales depredadores en las rocas. Poco a poco, esta dirección se convirtió en un género independiente, que implica una representación expresiva de cualquier animal. Los animalistas suelen tener un gran interés por el mundo animal, por ejemplo, pueden ser excelentes jinetes, tener mascotas o simplemente estudiar sus hábitos durante mucho tiempo. Como resultado de las intenciones del artista, los animales pueden parecer realistas o en forma de imágenes artísticas.

Entre los artistas rusos, muchos conocían bien los caballos, por ejemplo, y. Así, en el famoso cuadro "Bogatyrs" de Vasnetsov, los caballos heroicos están representados con la mayor habilidad: los colores, el comportamiento de los animales, las bridas y su conexión con los jinetes están cuidadosamente pensados. A Serov no le agradaban las personas y consideraba que un caballo era en muchos aspectos mejor que una persona, por lo que a menudo lo representaba en una variedad de escenas. Aunque pintaba animales, no se consideraba un pintor de animales, por lo que los osos de su famoso cuadro "Mañana en un bosque de pinos" fueron creados por el pintor de animales K. Savitsky.

En la época zarista, los retratos con mascotas, queridas por el hombre, se hicieron especialmente populares. Por ejemplo, en el cuadro aparecía la emperatriz Catalina II con su amado perro. Los animales también estuvieron presentes en los retratos de otros artistas rusos.

Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos del género cotidiano.

pintura de historia

Este género involucra pinturas monumentales que están diseñadas para transmitir a la sociedad un plan grandioso, alguna verdad, moralidad o demostrar eventos importantes. Incluye obras sobre temas históricos, mitológicos, religiosos, folclore y escenas militares.

En los estados antiguos, los mitos y leyendas se consideraban durante mucho tiempo acontecimientos del pasado, por lo que a menudo se representaban en frescos o jarrones. Posteriormente, los artistas comenzaron a separar los hechos ocurridos de la ficción, que se expresaba principalmente en la representación de escenas de batalla. En la antigua Roma, Egipto y Grecia, a menudo se representaban escenas de batallas heroicas en los escudos de los guerreros victoriosos para demostrar su triunfo sobre el enemigo.

En la Edad Media, debido al predominio de los dogmas de la iglesia, prevalecieron los temas religiosos; en el Renacimiento, la sociedad volvió al pasado principalmente con el propósito de glorificar a sus estados y gobernantes, y desde el siglo XVIII se ha recurrido a menudo a este género. con el propósito de educar a los jóvenes. En Rusia, el género se generalizó en el siglo XIX, cuando los artistas a menudo intentaban analizar la vida de la sociedad rusa.

En las obras de artistas rusos se presentaron pinturas de batalla, por ejemplo, y. Tocó temas mitológicos y religiosos en sus pinturas. Entre ellos predominaba la pintura histórica, entre el folclore.

Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos en el género de la pintura histórica.

Naturaleza muerta (naturaleza francesa - naturaleza y muerte - muertos)

Este género de pintura está asociado con la representación de objetos inanimados. Pueden ser flores, frutas, platos, juegos, utensilios de cocina y otros objetos, a partir de los cuales el artista suele crear una composición según su plan.

Las primeras naturalezas muertas aparecieron en países antiguos. En el Antiguo Egipto, era costumbre representar ofrendas a los dioses en forma de diversos alimentos. Al mismo tiempo, el reconocimiento del objeto era lo primero, por lo que a los artistas antiguos no les importaba especialmente el claroscuro o la textura de los objetos de naturaleza muerta. En la antigua Grecia y Roma, se encontraban flores y frutas en pinturas y en casas para la decoración de interiores, por lo que se representaban de manera más auténtica y pintoresca. La formación y florecimiento de este género se produjo en los siglos XVI y XVII, cuando las naturalezas muertas comenzaron a contener significados religiosos y de otro tipo ocultos. Al mismo tiempo, aparecieron muchas variedades de ellos, según el tema de la imagen (floral, frutal, científico, etc.).

En Rusia, la pintura de bodegones floreció recién en el siglo XX, ya que antes se usaba principalmente con fines educativos. Pero este desarrollo fue rápido y capturado, incluido el arte abstracto en todas sus direcciones. Por ejemplo, creó hermosas composiciones de flores, prefirió, trabajó y, a menudo, “revitalizó” sus naturalezas muertas, dando al espectador la impresión de que los platos estaban a punto de caerse de la mesa o que todos los objetos estaban a punto de empezar a girar. .

Los objetos representados por los artistas estaban, por supuesto, influenciados por sus puntos de vista teóricos o su visión del mundo y su estado de ánimo. Se trataba, pues, de objetos representados según el principio de perspectiva esférica descubierto por él, y de naturalezas muertas expresionistas que asombraban por su dramatismo.

Muchos artistas rusos utilizaron la naturaleza muerta principalmente con fines educativos. Así, no sólo perfeccionó sus habilidades artísticas, sino que también realizó muchos experimentos, disponiendo objetos de diferentes maneras, trabajando con luz y color. Experimentó con la forma y el color de la línea, ya sea alejándose del realismo hacia el primitivismo puro, o mezclando ambos estilos.

Otros artistas combinaron en naturalezas muertas lo que habían representado previamente con sus cosas favoritas. Por ejemplo, en las pinturas se puede encontrar su jarrón favorito, partituras y un retrato de su esposa que él mismo había creado previamente, y representó sus flores favoritas de la infancia.

En el mismo género trabajaron muchos otros artistas rusos, por ejemplo, y otros.

Ejemplos de pinturas de artistas rusos famosos del género de naturalezas muertas.

Desnudo (nudite francés - desnudez, abreviado como nu)

Este género pretende representar la belleza del cuerpo desnudo y apareció antes de nuestra era. En el mundo antiguo se prestaba gran atención al desarrollo físico, ya que de él dependía la supervivencia de toda la raza humana. Así, en la Antigua Grecia, los deportistas tradicionalmente competían desnudos para que los niños y jóvenes pudieran ver sus cuerpos bien desarrollados y luchar por la misma perfección física. Alrededor de los siglos VII-VI. antes de Cristo mi. También aparecieron estatuas masculinas desnudas, personificando el poder físico de un hombre. Las figuras femeninas, por el contrario, siempre se presentaban al público con túnicas, ya que no era costumbre exponer el cuerpo femenino.

En épocas posteriores, las actitudes hacia la desnudez cambiaron. Así, durante el helenismo (desde finales del siglo VI a. C.), la resistencia pasó a un segundo plano, dando paso a la admiración por la figura masculina. Al mismo tiempo comenzaron a aparecer las primeras figuras femeninas desnudas. En la época barroca, las mujeres con figuras curvilíneas se consideraban ideales; en la época rococó, la sensualidad se volvió primordial y, en los siglos XIX y XX, las pinturas o esculturas con cuerpos desnudos (especialmente los masculinos) a menudo estaban prohibidas.

Los artistas rusos han recurrido repetidamente al género del desnudo en sus obras. Entonces, se trata de bailarinas con atributos teatrales, son niñas o mujeres que posan en el centro de escenas monumentales. Tiene muchas mujeres sensuales, incluso en parejas, tiene toda una serie de pinturas que representan mujeres desnudas en diversas actividades, y tiene chicas llenas de inocencia. Algunas, por ejemplo, representaban a hombres completamente desnudos, aunque este tipo de pinturas no fueron bien recibidas por la sociedad de su época.

Ejemplos de pinturas de famosos artistas rusos del género del desnudo.

Paisaje (paisaje francés, de pays - terreno)

En este género, la prioridad es la representación del entorno natural o creado por el hombre: espacios naturales, vistas de ciudades, pueblos, monumentos, etc. Dependiendo del objeto elegido se distinguen paisajes naturales, industriales, marinos, rurales, líricos y otros.

Los primeros paisajes de artistas antiguos se descubrieron en pinturas rupestres del Neolítico y eran imágenes de árboles, ríos o lagos. Posteriormente, el motivo natural se utilizó para decorar el hogar. En la Edad Media, el paisaje fue reemplazado casi por completo por temas religiosos, mientras que en el Renacimiento, por el contrario, pasó a primer plano la relación armoniosa entre el hombre y la naturaleza.

En Rusia, la pintura de paisajes se desarrolló a partir del siglo XVIII y al principio fue limitada (los paisajes, por ejemplo, se crearon en este estilo), pero más tarde toda una galaxia de talentosos artistas rusos enriqueció este género con técnicas de diferentes estilos y movimientos. Creó el llamado paisaje discreto, es decir, en lugar de perseguir vistas espectaculares, representó los momentos más íntimos de la naturaleza rusa. y llegó a un paisaje lírico que asombró al público por su estado de ánimo sutilmente transmitido.

Y este es un paisaje épico, cuando al espectador se le muestra toda la grandeza del mundo circundante. Volviendo sin cesar a la antigüedad, E. Volkov supo convertir cualquier paisaje discreto en una imagen poética, asombró al espectador con su maravillosa luz en los paisajes y pudo admirar sin cesar los rincones del bosque, los parques, las puestas de sol y transmitir este amor al espectador.

Cada uno de los paisajistas centró su atención en el paisaje que le fascinaba especialmente. Muchos artistas no pudieron ignorar los proyectos de construcción a gran escala y pintaron muchos paisajes industriales y urbanos. Entre ellos se encuentran obras de otros artistas. fascinado por los monumentos, y

La palabra "pintura" proviene de las palabras rusas "vivir" y "escribir", lo que da lugar a la frase "letra viva". Por pintura se entiende una imagen del mundo real, dibujada con materiales improvisados ​​(lápices, pinturas, plastilina, etc.) sobre superficies planas. Podemos decir que la proyección del mundo real a través del prisma de la imaginación del artista también es

tipos de pintura

Esto está repleto de una variedad de tipos y técnicas para representar la realidad, que dependen no sólo de la técnica de ejecución de la obra del artista y los materiales utilizados, sino también del contenido y el mensaje semántico de la creatividad. Para transmitir sentimientos, emociones y pensamientos, el artista utiliza en primer lugar las reglas del juego con el color y la luz: la relación de los tonos de color y el juego de luces y sombras. Gracias a este secreto, las pinturas resultan estar verdaderamente vivas.

Para lograr este efecto, es necesario utilizar hábilmente materiales coloridos. Por tanto, en la pintura, cuyos tipos dependen de la técnica de dibujo y del tipo de pintura, se puede utilizar acuarela, óleo, témpera, pastel, gouache, cera, acrílico, etc. Todo depende del deseo del artista.

En las bellas artes existen los siguientes tipos principales de pintura:

1. Pintura monumental. El mismo nombre de este tipo de arte sugiere que la creación vivirá durante muchos siglos. Este tipo implica una simbiosis de arquitectura y bellas artes. La pintura monumental se puede ver con mayor frecuencia en los templos religiosos: se trata de paredes, bóvedas, arcos y techos pintados. Cuando el dibujo y el edificio mismo se vuelven uno, dichas obras tienen un significado profundo y conllevan un valor cultural global. Los frescos suelen incluirse en este tipo de pintura. Por regla general, no sólo se fabrican con pinturas, sino también con baldosas de cerámica, vidrio, piedras de colores, conchas, etc.

2. Pintura de caballete. Los tipos de bellas artes son muy comunes y accesibles para cualquier artista. Para que la pintura se considere de caballete, el creador necesitará un lienzo (caballete) y un marco para ello. Por lo tanto, la pintura será de naturaleza independiente y no importa dónde ni en qué estructura arquitectónica se ubique.

3. Los tipos y formas de expresión de la creatividad son ilimitados, y este tipo de arte puede servir como prueba. existe desde hace miles de años: se trata de decoración del hogar, pintar platos, crear souvenirs, pintar telas, muebles, etc. La esencia de la creatividad es que el objeto y el diseño que contiene se conviertan en un todo. Se considera de mal gusto que un artista represente un diseño completamente inapropiado en un objeto.

4. Implica diseño visual para representaciones teatrales, así como para cine. Este tipo de arte permite al espectador comprender y aceptar con mayor precisión la imagen de una obra de teatro, actuación o película.

Géneros de pintura

En la teoría del arte también es importante distinguir entre géneros de pintura, cada uno de los cuales tiene sus propias características:

Retrato.

Naturaleza muerta.

Iconografía.

Animalismo.

Historia.

Estos son los principales que existen desde hace mucho tiempo en la historia del arte. Pero el progreso no se detiene. Cada año la lista de géneros crece y aumenta. Así apareció la abstracción y la fantasía, el minimalismo, etc.

Tipos de bellas artes.

Cuadro

La pintura es una de las formas de arte más antiguas asociadas con la transmisión de imágenes visuales mediante la aplicación de pinturas sobre una base sólida o flexible. Las obras de pintura más habituales son las ejecutadas sobre superficies planas o casi planas, como lienzos tensados ​​sobre bastidor, madera, cartón, papel, superficies de paredes tratadas, etc. En sentido estricto, el término pintura se opone a las obras creadas sobre papel, para el cual se utiliza el término - Artes graficas .

Irina Shanko
"Marzo, a orillas del Golfo de Finlandia"
lienzo, óleo
33/58
2011

Clasificación.

La pintura también se puede dividir en de caballete y monumental. A continuación se ofrece una división aproximada en estos tipos, aunque en la pintura monumental se puede utilizar casi cualquier material de pintura de caballete. La pintura de caballete incluye obras “pequeñas” que se pueden colocar en un caballete o en varios. Pintura monumental, cuya base generalmente no se tolera: una pared, un techo, etc.

Caballete:

La pintura al óleo es una técnica que utiliza pinturas con aceite vegetal como aglutinante principal. Las pinturas al óleo se componen de pigmentos secos y aceite secante.

Shanko Irina, "Barcos durmientes", óleo sobre lienzo, 50/60, 2014

Pintura al temple, el aglutinante es la yema de un huevo de gallina.

Este tipo de pintura debe su nombre al nombre de la pintura: témpera. La palabra se basa en el latín temperare, que significa "mezclar". La tecnología de producción de esta pintura fue aproximadamente la siguiente. Los pigmentos se trituraron con agua y se secaron. Luego se mezclaban con huevo, cola diluida, vinagre, vino o cerveza.

La técnica de pintar al temple consistía en la aplicación secuencial de varias capas. Se aplicó una ligera capa de pintura a la superficie preparada. Primero, los artistas delinearon los contornos, representaron el medio ambiente, la naturaleza y la ropa. En la etapa final se dibujaron imágenes de personas. Al mismo tiempo, en la pintura al temple era muy importante que cada una de las capas se secara bien, de lo contrario las siguientes podrían desdibujarse. Afortunadamente, la estructura de las pinturas les permitió secarse muy rápidamente. Por lo tanto, el trabajo del artista sobre la imagen se desarrolló casi continuamente.

Andrei Rublev, "Trinity", 1411 o 1425-27, madera, témpera, 142/114 cm, Galería Estatal Tretyakov, Moscú.

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Pintura con cola, a base de cola animal. Técnica en la que la cola sirve como aglutinante del pigmento: animal (pescado, carne, hueso, caseína) o vegetal (almidón, goma, tragacanto).

Las pinturas en pintura con cola son opacas, opacas, la superficie de pintura es mate. Con un alto contenido de cola en la pintura, la superficie adquiere brillo y el color se vuelve más intenso.

María con Jesús dormido, 1455.

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Pintura encáustica, pintura con pinturas a la cera.

La encáustica (del griego antiguo ἐγκαυστική - [el arte de] quemar) es una técnica de pintura en la que la cera es el aglutinante de las pinturas. La pintura se realiza con pinturas derretidas (de ahí el nombre).

Apóstol Pedro (principios del siglo VI)

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Monumental:

Fresco, una de las técnicas de pintura mural caracterizada por pintar sobre yeso húmedo.

Fresco (del italiano fresco - fresco), affresco (italiano affresco) - pintar sobre yeso húmedo es una de las técnicas de pintura mural, lo opuesto a "A secco" (pintar sobre seco). Cuando se seca, la cal contenida en el yeso forma una fina película de calcio transparente, lo que hace que el fresco sea duradero.

Actualmente, el término “fresco” puede utilizarse para referirse a cualquier pintura mural, independientemente de su técnica (secco, tempera, pintura al óleo, pintura acrílica, etc.). A veces pintan sobre un fresco ya seco con témpera.

Fresco romano, 40-30 a.C. mi.

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Y secco, a diferencia del fresco, es pintar sobre yeso seco.

Y el secco también se llama pintura de caseína y silicato (la pintura mineral es un tipo técnico de pintura monumental basada en el uso de vidrio soluble como aglutinante) sobre yeso seco. Se utiliza para realizar trabajos en superficies internas y externas de edificios. La técnica permite posteriores ajustes con tempera y lavado con agua limpia.

Leonardo da Vinci. Última Cena.1498

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Esgrafito, pintura mural, cuya esencia es la aplicación de pintura en varios niveles.

El esgrafiado (italiano: sgraffito) o grafito (italiano: graffito) es una técnica para crear imágenes murales, cuya ventaja es su gran durabilidad.

El caso más simple de esgrafiado de dos colores es la aplicación de una capa de yeso a la pared, que difiere en color de la base. Si rayas una capa en algunos lugares, la inferior, de diferente color, quedará expuesta y obtendrás un patrón de dos colores. Para obtener un esgrafiado multicolor, se aplican a la pared varias capas de yeso de diferentes colores (el yeso se pinta con diferentes pigmentos); Luego, el yeso se raspa a diferentes profundidades para exponer una capa del color deseado.

Estas pinturas requieren mucha mano de obra y son difíciles de corregir, por lo que al pintar con esta técnica, a menudo se utiliza una plantilla para evitar errores.

Esgrafiado bicolor, Březnice, República Checa

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Pinturas acrílicas dispersas en agua.

Las pinturas acrílicas se vuelven más oscuras a medida que se secan. También se pueden utilizar como alternativa a la pintura al óleo utilizando técnicas bien conocidas. Se secan muy rápido: ésta es su ventaja sobre otras pinturas. Se puede aplicar en estado muy líquido, diluido (diluido con agua), o en estado pastoso, espesado con espesantes especiales utilizados por los artistas, mientras que el acrílico no forma grietas, a diferencia de las pinturas al óleo. La pintura se aplica como una película uniforme, tiene un ligero brillo, no requiere fijación con fijadores ni barnices y tiene la propiedad de formar una película que se puede lavar después del secado únicamente con disolventes especiales.

Las pinturas y barnices acrílicos se pueden utilizar sobre cualquier base no grasa.

La pintura acrílica fresca se puede quitar fácilmente de los objetos con agua, pero cuando se seca requiere solventes especiales.

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Describir - contornos lineales de la figura representada, su contorno.

Arte abstracto - una de las tendencias formalistas en las bellas artes que surgió a finales del siglo XIX y principios del XX. Los abstraccionistas abandonaron la representación de objetos y fenómenos del mundo objetivo (de ahí otro nombre para el abstraccionismo: arte no objetivo). Su trabajo es un intento de expresar sus sentimientos y pensamientos a través de combinaciones de colores de manchas o líneas por sí mismos, sin representar objetos ni objetos reales. Los abstraccionistas abandonaron el dibujo, la perspectiva, el color y todos los demás medios del lenguaje visual del arte de la pintura. De esta manera violaron los fundamentos profesionales de la pintura y destruyeron sus verdaderas posibilidades artísticas. El abstraccionismo desfigura los gustos estéticos de las personas y las aleja de la comprensión de la belleza de la naturaleza y la vida.

Adaptación - la capacidad del ojo para adaptarse a determinadas condiciones de iluminación. Hay adaptaciones a la luz, la oscuridad y el color. La peculiaridad de este último es la capacidad del ojo de no notar el color de la iluminación de los objetos.

En condiciones de penumbra y, generalmente, con poca luz, las terminaciones nerviosas (fotorreceptores) llamadas bastones del ojo son más sensibles a la luz. Con su ayuda, el ojo percibe gradaciones de blanco y negro. Cuando hay mucha luz durante el día, otros fotorreceptores, los conos, a través de los cuales se percibe el color, son más sensibles. Al adaptarse a la luz, la sensibilidad de la visión disminuye y al adaptarse a la oscuridad aumenta. Cuando el ojo se adapta a la oscuridad, empezamos a distinguir claramente los detalles del paisaje. Debido a la mayor sensibilidad del ojo a la oscuridad en un día nublado y al atardecer, el artista novato pierde de vista el nivel de iluminación general, que en estas condiciones es mucho más débil que en un día soleado o gris claro. Durante el crepúsculo, los objetos luminosos no le parecen tan reducidos en su luminosidad que la iluminación sea menor que la iluminación diurna anterior. Tampoco se da cuenta de las estrechas relaciones tonales características del crepúsculo y el día gris. Además, a pesar del oscurecimiento, el artista principiante distingue en la naturaleza (o en las sombras) gradaciones muy sutiles de luz y sombra en los objetos y permite una excesiva variedad y fragmentación. Por lo tanto, al principio no es capaz de evaluar y transmitir con precisión los cambios reales de luminosidad y color que ocurren en la naturaleza.

La adaptación se basa en diversos cambios que se producen en nuestro ojo cuando cambia la intensidad de la iluminación. Por ejemplo, durante el día la pupila disminuye de 1 a 2 mm, por lo que pasa poca luz al ojo. En la oscuridad se expande entre 8 y 10 mm, dejando entrar mucha luz. Sabiendo que el área de la pupila es proporcional al cuadrado del diámetro, podemos establecer que si la pupila duplica su tamaño, entonces la cantidad de luz que transmite se cuadriplica; si la pupila se agranda cuatro veces, la cantidad de luz que transmite aumenta 16 veces. Esta es en parte la razón por la que distinguimos las principales proporciones de luz durante el crepúsculo. De este modo, el reflejo pupilar hacia la luz y la oscuridad compensa en cierta medida la disminución de la iluminación.

Academicismo - un término evaluativo que se refiere a aquellos movimientos en el arte cuyos representantes están enteramente orientados hacia las autoridades artísticas establecidas, creen que el progreso del arte moderno no está en una conexión viva con la vida, sino en su máxima aproximación a los ideales y formas del arte de épocas pasadas. , y defender de forma absoluta, independiente del lugar y del tiempo, la norma de la belleza. Históricamente, el academicismo se asocia con las actividades de las academias que educaron a los artistas jóvenes con el espíritu de seguir irracionalmente los modelos artísticos de la antigüedad y el Renacimiento italiano. Originada por primera vez en la Academia de Bolonia del siglo XVI, esta tendencia se desarrolló ampliamente en las academias de épocas posteriores; también fue característico de la Academia Rusa de las Artes en el siglo XIX, lo que provocó una lucha con la academia de artistas realistas avanzados. Al canonizar los métodos y temas clasicistas, el academicismo aisló el arte de la modernidad, declarándolo “bajo”, “básico”, indigno del arte “alto”.

El concepto de academicismo no puede identificarse con todas las actividades de las academias de arte del pasado. El sistema de educación académica tenía muchas ventajas. En particular, basado en una larga tradición, una alta cultura del dibujo, que era uno de los aspectos más fuertes de la educación académica.

Pinturas de acuarela - adhesivo a base de agua elaborado a partir de pigmentos finamente molidos mezclados con goma, dextrina, glicerina, a veces con miel o jarabe de azúcar; Se producen secos (en forma de baldosas), semicrudos (en tazas de porcelana) o semilíquidos (en tubos).

En acuarela se puede pintar sobre papel seco o húmedo de forma inmediata, a todo color, y se puede trabajar con veladuras, aclarando poco a poco las relaciones cromáticas de la naturaleza. Debes saber que la acuarela no tolera correcciones, torturas o numerosos repintados con pinturas mezcladas.

A menudo, los pintores utilizan la técnica de la acuarela en combinación con otros materiales: gouache, témpera, carboncillo. Sin embargo, en este caso, se pierden las principales cualidades de la pintura con acuarela: saturación, transparencia, pureza y frescura, es decir, exactamente lo que distingue a la acuarela de cualquier otra técnica.

Acento - la técnica de enfatizar con una línea, tono o color de cualquier objeto expresivo, detalles de la imagen hacia los que es necesario dirigir la atención del espectador.

Alla prima -- una técnica técnica de pintura con acuarela o al óleo, que consiste en pintar un boceto o un cuadro sin marcas previas ni pintura base, a veces en un solo paso, en una sola sesión.

pintor de animales - un artista que dedicó principalmente su trabajo a la representación de animales.

colores acromaticos - blanco, gris, negro; Se diferencian sólo en la luminosidad y carecen de tono de color. Por el contrario, existen colores cromáticos, que tienen un tono de diferente luminosidad y saturación.

Blik - un elemento de claroscuro, el lugar más brillante de la superficie iluminada (principalmente brillante) de un objeto. Con un cambio de punto de vista, el resaltado cambia su ubicación en la forma del objeto.

valor - un término de práctica artística que define el lado cualitativo de un tono separado, predominantemente de luces y sombras, en su relación con los tonos circundantes. En la pintura realista, las propiedades materiales del mundo objetivo se transmiten principalmente a través de relaciones tonales objetivamente regulares. Pero para reproducir vívida y holísticamente la materialidad, la plasticidad y el color de un objeto bajo un cierto estado de iluminación y en una determinada situación, el artista debe lograr una gran precisión y expresividad en las relaciones de tonos; la riqueza y la sutileza de las relaciones entre las transiciones que conducen a la expresividad de la pintura son las principales características del valor. Entre los más grandes maestros de los siglos XVII-XIX. -como Velásquez, Rembrandt, Chardin, Repin- la pintura siempre es rica en valor.

La visión es pintoresca. - visión y comprensión de las relaciones cromáticas de la naturaleza, teniendo en cuenta la influencia del medio ambiente y el estado general de iluminación característico de la naturaleza en el momento de su representación. Como resultado de tal visión, la veracidad de las relaciones de luz y color, la riqueza de los tonos cálidos y fríos, su unidad y armonía de color aparecen en el boceto, transmitiendo la naturaleza con toda la reverencia de la vida. En este caso, hablan del pintoresquismo de un boceto o cuadro.

Visión artística - la capacidad de dar la valoración estética necesaria de las cualidades inherentes a la naturaleza. Antes de representar la naturaleza, el artista ya ve en sus principales rasgos su solución pictórica figurativa, teniendo en cuenta un determinado material.

Vitral - pintura sobre vidrio con pinturas transparentes o un adorno compuesto por trozos de vidrio multicolor sujetos con una encuadernación de metal, que se utiliza para rellenar aberturas de puertas y ventanas. Los rayos de luz que atraviesan el cristal adquieren mayor brillo y forman un juego de reflejos de color en el interior.

Perspectiva aérea - cambios aparentes en algunas características de los objetos bajo la influencia del aire y el espacio. Todos los objetos cercanos se perciben con claridad, con muchos detalles y textura, mientras que los objetos lejanos se perciben de forma general, sin detalles. Los contornos de los objetos cercanos aparecen nítidos, mientras que los de los objetos distantes parecen suaves. A gran distancia, los objetos claros parecen más oscuros y los objetos oscuros parecen más claros. Todos los objetos cercanos tienen claroscuros contrastantes y parecen tridimensionales, todos los objetos distantes tienen claroscuros débiles y parecen planos. Debido a la neblina del aire, los colores de todos los objetos distantes se vuelven menos saturados y adquieren el color de esta neblina: azul, pálido lechoso o violeta. Todos los objetos cercanos aparecen multicolores, mientras que los objetos distantes aparecen de un solo color. El artista tiene en cuenta todos estos cambios para transmitir el espacio y el estado de iluminación, cualidades importantes de la pintura al aire libre.

Percepción visual - el proceso de reflejar objetos y fenómenos de la realidad en toda la diversidad de sus propiedades que afectan directamente a los órganos de la visión. Junto con las sensaciones visuales, la experiencia pasada de conocimientos e ideas sobre un objeto en particular también participa en la percepción. Es posible comprender y comprender la esencia de lo que se percibe sólo si se comparan los objetos y fenómenos observados con los vistos anteriormente (una percepción visual constante y constante). A esto hay que añadir que la percepción visual va acompañada de sentimientos asociativos, un sentimiento de belleza, que se asocian con la experiencia personal de experiencias sensoriales derivadas de la influencia del medio ambiente.

Gama de colores - colores que predominan en una determinada obra y determinan la naturaleza de su estructura cromática. Dicen: una gama de tonos de color fríos, cálidos, pálidos, etc.

Armonía - conexión, proporcionalidad, coherencia. En bellas artes: una combinación de formas, la relación de partes o colores. En pintura, esta es la correspondencia de los detalles con el conjunto, no solo en tamaño, sino también en color (unidad de color, gama de tonos relacionados). La fuente de la armonía son los patrones de cambios de color en los objetos naturales bajo la influencia de la fuerza y ​​​​la composición espectral de la iluminación. La armonía de la estructura cromática de un boceto o pintura también depende de las características de la fisiología y psicología de la percepción visual de la luz y las cualidades cromáticas del mundo objetivo (interacción contrastante de colores, fenómeno de un halo, etc.).

Grabado- reproducción impresa de un dibujo cortado o grabado sobre tabla de madera (xilografía), linóleo (linograbado), placa de metal (grabado), piedra (litografía), etc. Una característica especial de un grabado es la posibilidad de su reproducción: de uno tablero grabado por el artista, se puede imprimir una gran cantidad de impresiones multicolores (sellos). Según la naturaleza del procesamiento de la forma de impresión (tablero o plancha) y el método de impresión, se distingue entre grabado convexo y profundo.

Artes graficas - uno de los tipos de bellas artes, cercano a la pintura en contenido y forma, pero con sus propias tareas y posibilidades artísticas. A diferencia de la pintura, el principal medio visual de los gráficos es el dibujo monocromático (es decir, líneas, claroscuros); el papel del color sigue siendo relativamente limitado en él. En el aspecto técnico, la gráfica incluye el dibujo en el sentido propio de la palabra en todas sus variantes. Por regla general, las obras gráficas se realizan sobre papel y ocasionalmente se utilizan otros materiales.

Dependiendo del propósito y el contenido, los gráficos se dividen en gráficos de caballete, que incluyen obras de importancia independiente (que no requieren una conexión indispensable con el texto literario para revelar su contenido y no se limitan a un propósito práctico limitado y estrictamente definido), gráficos de libros, que forman una unidad ideológica y artística con el texto literario o que lo acompaña y al mismo tiempo están destinados al diseño decorativo y artístico de un libro, un cartel, que es el tipo de bellas artes más extendido, diseñado para llevar a cabo actividades políticas. , propaganda, producción artística o tareas aplicadas a través de medios artísticos (etiquetas, certificados, sellos, etc.).

grisalla - imagen pintada en blanco y negro (o monocolor, por ejemplo marrón); A menudo se utiliza para trabajos auxiliares al realizar pinturas de fondo o bocetos, así como con fines educativos al dominar las técnicas de imágenes tonales realizadas con acuarelas o pinturas al óleo. La imagen se crea basándose únicamente en las relaciones tonales (luminosidad) de los objetos en el entorno a escala real.

Cebado - una fina capa de una composición especial (adhesivo, aceite, emulsión) aplicada sobre un lienzo o cartón para dar a su superficie las propiedades de color y textura deseadas y limitar la absorción excesiva del aglutinante (aceite). Si trabaja con pinturas al óleo sobre una base sin imprimación (por ejemplo, lienzo), las pinturas no se adhieren, se secan, el aceite de la pintura se absorbe en la tela, destruyendo el lienzo y la capa de pintura. Según la composición del aglutinante, se distinguen las imprimaciones: aceite, adhesivo, emulsión, sintético. Por color: teñido y coloreado. La imprimación, por regla general, consta de 3 elementos: una fina capa de pegamento que cubre toda la superficie del lienzo con una película (es decir, apresto) y varias capas de pintura de imprimación, incluida una fina capa de acabado. El encolado, una fina capa de pegamento (carpintería, caseína o gelatina), protege el lienzo de la penetración de pintura base o aceite en la tela o en la parte posterior del lienzo y une firmemente las capas posteriores de imprimación al lienzo. La pintura de imprimación nivela la superficie del lienzo, crea el color requerido (generalmente blanco) y asegura una fuerte conexión de la capa de pintura con la imprimación.

Cebador - en tecnología de pintura: el proceso de aplicar una imprimación a una superficie destinada a pintar.

Gouache - pintura al agua con gran capacidad cubriente. Las pinturas se aclaran rápidamente después del secado y se requiere una experiencia considerable para anticipar hasta qué punto cambiarán su tono y color. Usan pinturas gouache para escribir sobre papel, cartón y madera contrachapada. Las obras tienen una superficie mate aterciopelada.

Detallando - estudio cuidadoso de los detalles de la forma de los objetos de la imagen. Dependiendo de la tarea que el artista se proponga, el grado de detalle puede variar.

Colores adicionales - dos colores que al mezclarse ópticamente producen blanco (rojo y verde azulado, naranja y azul, amarillo y azul, violeta y amarillo verdoso, verde y violeta). Cuando estos pares de colores complementarios se mezclan mecánicamente, se obtienen tonos con saturación reducida. Los colores complementarios suelen denominarse colores contrastantes.

Género - división interna históricamente establecida en todos los tipos de arte; el tipo de obra de arte en la unidad de las propiedades específicas de su forma y contenido. El concepto de “género” generaliza los rasgos característicos de un vasto grupo de obras de cualquier época, nación o arte mundial en general. Cada forma de arte tiene su propio sistema de géneros. En bellas artes, según el tema de la imagen (retrato, naturaleza muerta, paisaje, pintura histórica y de batalla) y, a veces, la naturaleza de la imagen (caricatura, caricatura).

Cuadro - uno de los principales tipos de bellas artes. Una transmisión veraz de la apariencia externa de un objeto, sus características externas, también es posible mediante medios gráficos: líneas y tonos. Pero sólo la pintura puede transmitir todos los colores extraordinariamente diversos del mundo circundante.

Según la técnica de ejecución, la pintura se divide en óleo, témpera, fresco, cera, mosaico, vidrieras, acuarela, gouache y pastel. Estos nombres provienen del encuadernador o del medio material y técnico utilizado. El propósito y el contenido de una pintura requieren la elección de medios visuales con cuya ayuda se pueda expresar más plenamente la intención ideológica y creativa del artista.

Por género, la pintura se divide en caballete, monumental, decorativa, teatral y decorativa y miniatura.

pintura decorativa no tiene un significado independiente y sirve como decoración para el exterior e interior de los edificios en forma de paneles de colores, que con imágenes realistas crean la ilusión de un "avance" de la pared, aumentando el tamaño de la habitación o, por el contrario. , con formas deliberadamente aplanadas, estrechan y cierran visualmente el espacio. Patrones, coronas, guirnaldas y otros tipos de decoración que adornan obras de pintura y escultura monumentales unen todos los elementos del interior, enfatizando su belleza y coherencia con la arquitectura. La pintura decorativa también adorna cosas: ataúdes, cofres, bandejas, cofres, etc. Sus temas y formas están subordinados a la finalidad de las cosas.

pintura en miniatura Recibió un gran desarrollo en la Edad Media, antes de la invención de la imprenta. Los libros escritos a mano estaban decorados con los mejores tocados, terminaciones, ilustraciones detalladas y miniaturas. Los artistas rusos de la primera mitad del siglo XIX utilizaron hábilmente la técnica de la pintura de miniaturas al crear pequeños retratos (principalmente acuarelas). Los colores puros y profundos de la acuarela, sus exquisitas combinaciones y la exquisita delicadeza de la escritura distinguen estos retratos.

pintura monumental - un tipo especial de pinturas a gran escala que decoran paredes y techos de estructuras arquitectónicas (fresco, mosaico, panel). Revela el contenido de los principales fenómenos sociales que han tenido un impacto positivo en el desarrollo de la sociedad, los glorifica y los perpetúa. La sublimidad del contenido de la pintura monumental, el tamaño significativo de sus obras y la conexión con la arquitectura requieren grandes masas de color, estricta simplicidad y laconismo de composición, claridad de siluetas y generalidad de forma plástica.

pintura de caballete - el nombre proviene de la máquina (caballete) en la que se crea la pintura. El material base utilizado es madera, cartón, papel, pero la mayoría de las veces lienzo tensado sobre un bastidor. La pintura se inserta en un marco y se percibe como una obra de arte independiente, independiente de su entorno. En este sentido, para crear obras de pintura de caballete, se utilizan medios artísticos ligeramente diferentes, se dan relaciones tonales y de color más sutiles y detalladas, y se dan características psicológicas más complejas y detalladas de los personajes.

Teatro y pintura decorativa. - escenografía, vestuario, maquillaje, utilería, realizados según los bocetos del artista; ayudar a revelar el contenido de la actuación más profundamente. Las condiciones teatrales especiales para la percepción de la pintura requieren tener en cuenta los múltiples puntos de vista del público, su mayor distancia, la influencia de la iluminación artificial y los reflejos cromáticos. La escenografía da una idea del lugar y el momento de la acción, y activa la percepción del espectador de lo que sucede en el escenario. En bocetos de vestuario y maquillaje, el artista teatral se esfuerza por expresar claramente el carácter individual de los personajes, su estatus social, el estilo de la época y mucho más.

pintura academica - pintura realizada con cualquier fin educativo.

Pintar sobre mojado - Técnica técnica de pintura al óleo y acuarela. Cuando se trabaja con aceites, es necesario terminar el trabajo antes de que se sequen las pinturas y excluir pasos como pintar de base, vidriar y volver a pintar. Pintar en bruto tiene ventajas bien conocidas: la frescura de la capa de pintura, una buena conservación y la relativa simplicidad de la técnica de ejecución.

En acuarelas, antes de empezar a trabajar sobre papel mojado, el papel se humedece uniformemente con agua. Cuando el agua es absorbida por el papel y se seca un poco (después de 2-3 minutos), empiezan a escribir; Los trazos de pintura, que se encuentran sobre una superficie húmeda, se difuminan, se fusionan entre sí, creando transiciones suaves. Por lo tanto, es posible lograr suavidad en la transmisión de los contornos de los objetos, ligereza y espacialidad de la imagen.

marchitamiento - cambios indeseables en la capa de pintura al secarse, por lo que la pintura pierde su frescura, pierde su brillo, la sonoridad de los colores, se oscurece y se vuelve negruzca. El motivo de la sequedad es una reducción excesiva del aceite aglutinante de la pintura, absorbido por la tierra o capa de pintura subyacente, así como la aplicación de pinturas sobre una capa anterior de pinturas al óleo que no se ha secado por completo.

Lo completo .- esta etapa del trabajo sobre un boceto o pintura cuando se ha logrado la mayor integridad de la encarnación del concepto creativo, o cuando se ha completado una determinada tarea visual.

“lotes” de pinturas base - preparación preliminar en la paleta de una mezcla de colores que correspondan a las relaciones tonales y cromáticas básicas de los objetos naturales (paisaje). Durante el proceso de trabajo se introducen en estas mezclas básicas diversas variaciones cromáticas y se añaden nuevos colores. Sin embargo, los colores de los objetos principales preparados en la paleta no permiten caer en una coloración excesiva y no permiten perder el carácter de las relaciones cromáticas básicas. En acuarela, estas “mezclas” de apoyo se hacen en vasos separados.

Bosquejo - un dibujo del natural, realizado principalmente fuera del taller con el fin de recopilar material para trabajos más importantes, por ejercicio y, a veces, con algún propósito especial (por ejemplo, siguiendo las instrucciones de un periódico o revista). A diferencia de un boceto técnicamente similar, la ejecución de un boceto puede ser muy detallada.

Idealización en el arte. - una desviación de la verdad de la vida debido al embellecimiento intencional o involuntario del tema de la imagen por parte del artista. La idealización suele manifestarse en la exageración y absolutización del principio positivo como una especie de perfección última, supuestamente ya lograda; en suavizar las contradicciones y conflictos de la vida; en la encarnación de un ideal abstracto, supravital, etc. La idealización siempre significa una ruptura con los principios del realismo y de una forma u otra resulta estar asociada a la ideología de las clases reaccionarias que tienden a alejarse de la imagen veraz. de la vida y reemplazar el estudio de la realidad con ideas subjetivamente embellecidas sobre ella.

Hay que distinguir de la idealización el reflejo en el arte realista de un cierto ideal de vida socialmente progresista que, siendo un aspecto importante del contenido ideológico de cualquier imagen artística realista, a veces puede ser el principio determinante en la solución artística de la imagen.

La idea del cuadro. - la idea principal de la obra, determinando su contenido y estructura figurativa, expresada en la forma adecuada.

Ilusorio - similitud de la imagen con la naturaleza; roza la ilusión óptica. Debido a su naturaleza ilusoria, la expresividad artística de la obra y la profundidad de su contenido pueden perderse si en la imagen el deseo de similitud externa oscurece lo principal: su intención.

Impresionismo - una dirección en el arte del último tercio del siglo XIX y principios del XX, cuyos representantes buscaron capturar de la manera más natural e imparcial el mundo real en su movilidad y variabilidad, para transmitir sus impresiones fugaces. El impresionismo comenzó en la década de 1860. en la pintura francesa. E. Manet, O. Renoir, E. Degas introdujeron en el arte una frescura y espontaneidad en la percepción de la vida, la representación de movimientos y situaciones instantáneos, aparentemente aleatorios, desequilibrio aparente, composición fragmentaria, puntos de vista inesperados, ángulos, secciones de figuras. . En 1870-80 El impresionismo surgió en el paisaje francés. C. Monet, C. Pizarro, A. Sisley desarrollaron un sistema plein air consistente. Además de los pintores, los escultores (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) se interesaron por el movimiento instantáneo y las formas fluidas.

El impresionismo desarrolló los principios realistas del arte, pero el trabajo de sus seguidores a menudo se reflejó en un alejamiento del estudio de los fenómenos básicos de la realidad social, las cualidades constantes y estables del mundo material. Esta dirección de la creatividad llevó a los impresionistas tardíos al formalismo.

Interior - vista interior de la habitación. Representar un interior requiere un conocimiento profundo de la perspectiva. Es importante encontrar un lugar desde donde puedas componer la imagen de una forma más interesante. La imagen final del interior, además de una composición interesante, la correcta construcción en perspectiva y la ubicación de los objetos en el espacio, debe dar una idea de la iluminación.

Cuadro - una obra de pintura de caballete que encarna fielmente la intención del artista, que se distingue por la importancia de su contenido, la veracidad y la integridad de la forma artística. La pintura es el resultado de largas observaciones y reflexiones del artista sobre la vida. Está precedido por bocetos, bocetos, bocetos en los que el artista registra fenómenos individuales de la vida, recopila material para la pintura futura y busca la base de su composición y coloración. Al crear una imagen, el artista se basa en la naturaleza, parte de ella tanto en el concepto general como en los detalles individuales. La observación, la imaginación y el diseño juegan un papel importante en este proceso. La pintura a su manera lleva un cierto concepto ideológico y figurativo, y las formas de expresión son visualmente confiables. Cada detalle, parte se correlaciona con el todo, cada elemento expresa una imagen. Las tendencias formalistas decadentes se caracterizan por una crisis en la trama y el cuadro temático, un rechazo de cuestiones ideológicas importantes y el psicologismo. No sólo se expulsa al sujeto de las pinturas, sino que también se produce una ruptura con la imagen del sujeto en general. Según la forma de la imagen, la imagen se vuelve inútil, abstracta.

pinturas adhesivas - pinturas secas, producidas en polvo y mezcladas por el propio artista con agua cola. Bien molidos, los artistas los utilizan a veces para decorar reproducciones originales como sustitutos de las pinturas gouache. La mayoría de las veces se utilizan para decoraciones teatrales.

Rocín - un tipo de borrador suave que se utiliza en los casos en que es necesario aclarar el tono de las sombras en los dibujos a lápiz. El rocín es suave y se puede amasar fácilmente con los dedos; con él no se borra el lápiz, sino que se presiona ligeramente contra aquellas partes del dibujo que se van aclarando: el grafito se pega a la marca y queda retenido por ésta después de retirarlo del papel. Si las áreas que se están aclarando son muy pequeñas, se le da al fastidio la apariencia de un cono puntiagudo.

El fastidio se puede hacer de la siguiente manera. Se coloca un chicle común en gasolina (o queroseno) durante dos o tres días y luego se guarda durante otros dos días. Después de esto, la goma blanda se amasa con harina de patata (almidón), se toma la harina en pizcas y se ajusta la viscosidad del amasado en función de su cantidad.

Color (estudio o pintura): la naturaleza de la relación de todos los elementos de color de la imagen, su estructura de color. Su principal ventaja es la riqueza y consistencia de los colores que corresponden a la naturaleza misma, transmitiendo, en unidad con el claroscuro, las propiedades objetivas y el estado de iluminación del momento representado. La coloración del boceto está determinada por: 1) la coherencia de las relaciones de color proporcionales a la naturaleza, teniendo en cuenta el estado general tonal y de color de la iluminación, 2) la riqueza y variedad de reflejos del entorno de luz, aire y objeto, 3) la interacción contrastante de tonos cálidos y fríos, 4) la influencia del color de la iluminación, que une los colores de la naturaleza, los subordina y relaciona.

Un fiel reflejo del estado de las condiciones reales de iluminación afecta los sentimientos del espectador, crea un estado de ánimo y evoca experiencias estéticas apropiadas.

Pinceles . Los cepillos vienen en kolinsky, ardilla y cerdas. Los pinceles de cerdas están diseñados para trabajar con pinturas al óleo, pero se pueden usar para pintar con pinturas al temple y gouache. En las acuarelas se utilizan pinceles de ardilla y kolinsky. Las formas son planas y redondas. El tamaño del pincel se indica con un número. El número de cepillos planos y cepillos acanalados corresponde a su ancho en milímetros, y el número de cepillos redondos corresponde a su diámetro (también expresado en milímetros).

Después de trabajar con pinturas al óleo, lave las brochas con agua tibia y jabón. No laves los cepillos con acetona: esto dañará tu cabello. Los pinceles para acuarela se lavan con agua limpia después de su uso. Bajo ninguna circunstancia se deben permitir que los pinceles se sequen, especialmente después de trabajar con pinturas al óleo; colóquelos en el frasco con el pelo hacia abajo, ya que el pelo se deformará. El cepillo lavado debe envolverse en papel, luego conservará su forma.

Composición - construcción de un boceto o cuadro, coordinación de sus partes. Al representar desde la naturaleza: selección y colocación de objetos, elección del mejor punto de vista, iluminación, determinación del formato y tamaño del lienzo, identificación del centro compositivo, subordinando al mismo las partes secundarias de la obra. Al crear una imagen: elegir un tema, desarrollar una trama, encontrar el formato y tamaño de la obra, las características de los personajes, sus relaciones entre sí, poses, movimientos y gestos, expresividad de los rostros, el uso de contrastes y ritmos. todos estos son componentes de la estructura compositiva del cuadro, que sirven para la mejor encarnación del plan del artista. En tal composición, todo se tiene en cuenta: las masas de objetos y sus siluetas, el ritmo con el que se colocan en el lienzo, la perspectiva, la línea del horizonte imaginario y el punto de vista de lo representado, el color de la imagen. , la agrupación de personajes, la dirección de sus miradas, la dirección de la línea de perspectiva, la reducción de los objetos, la distribución de claroscuros, poses y gestos, etc.

Constancia de la percepción visual. - la tendencia a percibir un objeto, su tamaño, forma, luminosidad, color como estable y sin cambios, independientemente de los cambios que se produzcan en él (distancia del espectador, cambios en la iluminación, influencias ambientales, etc.) - Constancia del tamaño - la tendencia Percibir el tamaño de un objeto como constante, a pesar del cambio de distancia al mismo. Como regla general, los dibujantes principiantes no notan ningún cambio prometedor.

constancia de forma - la tendencia a percibir la forma real, incluso si se gira el objeto de modo que su imagen en la retina difiera de la forma real. (Por ejemplo, una hoja de papel cuadrada colocada sobre una mesa parece cuadrada incluso si su proyección en la retina no lo es).

constancia de brillo - la tendencia a percibir la luminosidad de un objeto como constante, a pesar de los cambios de iluminación; Depende principalmente de una relación constante entre la intensidad de la luz reflejada tanto por el objeto como por su entorno.

constancia del color - la tendencia a percibir el color de un objeto (su color local) independientemente de las condiciones cambiantes de iluminación, su intensidad y su composición espectral (diurna, nocturna, artificial).

Debido al fenómeno de la constancia, la percepción y transmisión en la pintura de objetos y fenómenos exactamente como aparecen ante el ojo en determinadas condiciones de iluminación, en un determinado entorno y a una determinada distancia, plantea una cierta dificultad al inicio del aprendizaje. Un artista novato, aunque sabe que el color cambia según las condiciones de iluminación, lo ve sin cambios y no se atreve, por ejemplo, a pintar árboles verdes bajo los rayos del sol poniente como rojizos o pintar el cielo azul como un complejo rosa-ocre. , tal como aparece al atardecer.

A un pintor inexperto le parece que un objeto blanco es blanco en todas sus partes y un objeto oscuro es oscuro. Mientras tanto, en una configuración a escala real, la superficie de un objeto oscuro frente a la luz reflejará más rayos de luz que la parte de sombra de un objeto blanco y, por lo tanto, la sombra de un objeto blanco será más oscura que la parte clara de un objeto oscuro. objeto.

Mientras trabaja en un boceto de un paisaje, un pintor inexperto no se da cuenta de que se acerca el crepúsculo, aunque la iluminación ha disminuido considerablemente.

Los objetos circundantes pueden iluminarse con luz de diferente composición espectral, lo que cambia la composición espectral de la luz reflejada por los objetos. Sin embargo, el ojo de un artista novato ni siquiera nota este cambio de color.

La constancia de la percepción puede aumentar e intensificarse por muchas razones. Cuanto más fuerte es la iluminación cromática y cuanto mayor es la distancia desde la que se observa el objeto, más débil es la manifestación de la constancia. La capacidad de la superficie de un objeto para reflejar fuertemente los rayos de luz también contribuye a una percepción constante: los objetos de colores claros muestran más notablemente la influencia del color de la iluminación. Las adaptaciones de luz y color mejoran la constancia de la percepción. Al observar un paisaje invernal en un clima nublado, solo se pueden notar complejos tonos grisáceos. Si se mira el mismo motivo invernal desde la ventana de una habitación con iluminación eléctrica, el paisaje fuera de la ventana se percibirá intensamente azulado. Si sale de la habitación al aire libre, después de unos minutos el tono azul del paisaje desaparecerá. De manera similar, la constancia nula en el público aparece bajo la iluminación coloreada del escenario del teatro; Después de que la cálida iluminación eléctrica de la sala se desvanece, se abre el telón y el espectador queda encantado con la escena de condiciones de iluminación invernales, lunares o de otro tipo.

Como resultado de la práctica, el artista adquiere la capacidad de notar cambios en el color de un objeto en la naturaleza debido al entorno y la iluminación, ve y transmite toda la riqueza y diversidad del mundo exterior, una gran variedad de gradaciones de color. Como resultado, aparece una iluminación convincente en el lienzo, el color parece complicado y enriquecido por el entorno y la iluminación. Muchos artistas y profesores realizaron ejercicios especiales, creando modelos visuales para comprender las características colorísticas de diferentes condiciones de iluminación. K.. Monet, por ejemplo, escribió una serie de estudios que representan el mismo objeto (un pajar), y así estudió el cambio de color en diferentes condiciones de iluminación en la naturaleza. Para desarrollar una percepción constante, N. N. Krymov colocó un cubo blanco, pintado por un lado con pintura negra, y lo iluminó por este lado con una potente lámpara, dejando el lado blanco en la sombra. Al mismo tiempo, sus alumnos estaban convencidos de que el lado negro e iluminado del cubo era más claro que el lado blanco, en la sombra. Krymov invitó a los estudiantes a crear una pequeña pantalla de cartón en forma de acordeón, cuyos planos estaban pintados de diferentes colores e iluminados por dos lados: por un lado con una lámpara eléctrica y por el otro con la luz del día. Los rayos de la lámpara se dirigieron hacia zonas pintadas con colores fríos, mientras que los colores cálidos se dirigieron hacia la luz del día. Los estudiantes se convencieron de que las condiciones de iluminación cambian significativamente los colores de los objetos y, por lo tanto, se liberaron de la percepción constante de los colores.

Un pintor principiante debe deshacerse de la constancia de la percepción y ser capaz de percibir la forma de un objeto, su luminosidad y color, determinados por el entorno lumínico, la iluminación y el espacio.

Diseño - en bellas artes, una esencia, un rasgo característico de la estructura de una forma, que sugiere una relación natural entre las partes de la forma y sus proporciones.

Contraste - 1) una marcada diferencia, la oposición de dos cantidades: tamaño, color (claro y oscuro, cálido y frío, rico y neutro), movimiento, etc.; 2) contraste luminoso y cromático: un fenómeno en el que la diferencia percibida es significativamente mayor que la base física. Sobre un fondo claro, el color de un objeto parece más oscuro; sobre un fondo oscuro, parece más claro. El contraste de luz aparece más claramente en el límite de superficies claras y oscuras. El contraste cromático es un cambio de tono y saturación bajo la influencia de los colores circundantes (contraste simultáneo) o bajo la influencia de colores observados previamente (contraste secuencial). Por ejemplo: el verde junto al rojo aumenta su saturación. El color gris sobre un fondo rojo adquiere un tinte verdoso. El contraste cromático es más fuerte cuando los colores que interactúan son aproximadamente iguales en luminosidad.

Copiar - el proceso de obtención de copias de un dibujo o dibujo; Se puede realizar de varias formas: pellizcando, trazando, apretando, redibujando a la luz, redibujando en una cuadrícula, así como utilizando un pantógrafo y un epidiascopio.

Peladura - un método de copia sin cambiar la escala: se coloca el original en una hoja de papel en blanco y, con una aguja fina, se pinchan todos los puntos característicos de la imagen o del dibujo, a través de lo cual se dibujan líneas con lápiz en el papel pinchado. .

Rastreo - un método de copiar sin cambiar la escala. Se aplica papel de calco al original, sobre el cual se dibuja una imagen con lápiz o tinta; Primero se debe desengrasar la superficie de trabajo del papel de calco y limpiar con tiza en polvo o carbonato de magnesio.

Apretando - un método de copia sin cambiar la escala: se coloca papel de transferencia seco debajo del original o su copia en papel de calco; Se dibuja una aguja afilada a lo largo de las líneas de la imagen original, por lo que la imagen traducida se imprime en una hoja de papel en blanco. El reverso del original (papel de calco) se puede frotar con un lápiz suave, en cuyo caso la imagen transferida se vuelve más clara.

Redibujando a contraluz - un método de copiar sin cambiar la escala. El original se coloca sobre vidrio y se cubre con papel limpio o papel de calco; detrás del vidrio hay una fuente de luz (luz diurna o eléctrica); Las líneas del original que se ven a través del papel están delineadas con un lápiz. Existen fotocopiadoras especiales adaptadas para este fin.

Redibujar en la cuadrícula - un método de copia con posible cambio de escala (aumentando o disminuyendo la imagen) utilizando una cuadrícula de coordenadas realizada sobre el original y una hoja de papel en blanco. La imagen se dibuja "en celdas". Las celdas se construyen de forma cuadrada o rectangular. Volver a dibujar en celdas requiere mucha mano de obra y no puede transmitir con precisión las líneas del original, ya que se realiza a ojo y a mano.

Tira de pintura corporal (pastosa) - ejecución de un boceto o pintura con una capa de pintura al óleo densa, opaca y relativamente gruesa, que a menudo tiene una textura en relieve.

cocodrilos - un boceto rápido de la vida, con menos frecuencia una fijación superficial de un concepto compositivo en forma de dibujo. El término "croki" no se utiliza habitualmente; en su significado general se acerca al término más amplio “boceto”.

Xilografía - el grabado en madera, principal variedad técnica del grabado en relieve, la técnica de grabado más antigua en general. La xilografía se realiza recortando en una tabla, normalmente de madera de peral o de haya, aquellas partes del diseño grabado aplicado encima que deben quedar blancas. En el grabado longitudinal o canteado, las fibras del tablero quedan paralelas a su superficie, y el trabajo se realiza principalmente con cuchillos puntiagudos. Las posibilidades de esta técnica son relativamente limitadas, pero las dificultades son importantes (ya que la resistencia del material fibroso al cuchillo es desigual en diferentes direcciones). El grabado final se realiza sobre una tabla con la veta perpendicular a la superficie; su principal instrumento es la grava, lo que permite una técnica muy sutil y variada.

A diferencia de cualquier tipo de grabado en profundidad, la xilografía se puede imprimir junto con la composición tipográfica en una imprenta normal y, por lo tanto, se utiliza a menudo en la ilustración de libros.

Afortunado . Los artistas barnizan las bases para protegerlas de la penetración de aceites de las pinturas, introducen barnices en la composición del aglutinante de pintura, antes de continuar con el trabajo los aplican sobre la capa de pintura endurecida (para una mejor unión de las capas) y, finalmente, barnizan la superficie. obras terminadas. Al mismo tiempo, el barniz realza la riqueza de los colores. La película de barniz protege la pintura del contacto directo con gases atmosféricos nocivos, polvo y hollín del aire. Los barnices en la pintura al óleo ayudan a que se seque de manera más uniforme y rápida, y las capas de pintura se adhieren mejor al suelo y entre sí. Es mejor cubrir los cuadros con barnices de trementina que con barnices al óleo (entonces se oscurecen menos). El barniz fijador fija obras realizadas con carboncillo, sanguina, pasteles y acuarelas.

Modelando la forma con color. - el proceso de modelar un objeto, identificando su volumen y material con matices de color, teniendo en cuenta sus cambios de luminosidad y saturación.

Vidriar - una de las técnicas de la pintura, que consiste en aplicar capas muy finas de pinturas duraderas y translúcidas sobre una densa capa seca de otras pinturas. En este caso se consigue una especial ligereza y sonoridad de los colores, que es el resultado de su mezcla óptica.

Linograbado - grabado sobre linóleo, una especie de grabado en relieve. En términos de técnica y medios artísticos, el linograbado es similar al grabado en madera y, a menudo, se diferencia de él en la impresión sólo por la ausencia de detalles finos.

Litografía - en las bellas artes, un tipo muy extendido de técnica gráfica asociada al trabajo sobre piedra (caliza densa) o una placa de metal que la reemplaza (zinc, aluminio).

El artista realiza una litografía dibujando sobre la superficie granulada o lisa de una piedra con un lápiz litográfico grueso y una tinta especial. Después de grabar la piedra con ácido (que actúa sobre una superficie no cubierta con grasa), el diseño se lava: en su lugar, se aplica tinta de impresión, que se adhiere sólo a las partículas de la piedra sin grabar que coinciden exactamente con el diseño. La pintura se extiende con un rodillo sobre la piedra humedecida; La impresión se realiza en una máquina especial.

color local - un color característico de un objeto determinado (su color) y que no ha sufrido ningún cambio. En realidad esto no sucede. El color de un objeto cambia constantemente bajo la influencia de la intensidad y el color de la iluminación, el entorno, la distancia espacial y ya no se le llama local, sino condicionado. A veces, el color local no significa el color del objeto, sino una mancha homogénea de un color condicionado, tomada en relaciones básicas con los colores vecinos, sin revelar un mosaico de reflejos cromáticos, sin matices de estas manchas principales.

Manera - en relación con la práctica artística: la naturaleza o método de ejecución como característica puramente técnica (por ejemplo, “manera amplia”).

En la historia del arte, el término "manera" a veces se refiere a las propiedades generales de ejecución características de un artista o escuela de arte durante un cierto período de desarrollo creativo (por ejemplo, "la manera tardía de Tiziano").

METROaneridad - en la práctica artística: propiedades de planteamiento y ejecución que carecen de sencillez y naturalidad, dando lugar a resultados pretenciosos, rebuscados o convencionales. Muy a menudo, al manierismo se le llama predilección por cualquier manera exteriormente espectacular, memorizada y todo tipo de técnicas artísticas preconcebidas, una tendencia a la estilización. La expresión extrema del manierismo la da la práctica formalista del arte burgués moderno.

Pinturas de aceite - tintes mezclados con aceite vegetal: aceite de linaza (principalmente), de amapola o de nueces; Las pinturas al óleo se endurecen gradualmente cuando se exponen a la luz y al aire. Muchos sustratos (lienzo, madera, cartón) se impriman previamente para trabajar sobre ellos con pinturas al óleo. La imprimación más utilizada es la siguiente: el material se recubre con cola líquida para madera y, cuando se seca, se limpia con piedra pómez y luego se recubre con tiza en polvo fina mezclada con agua cola hasta obtener la consistencia de una crema agria. Para limpiar las brochas, lávalas en queroseno, trementina o gasolina y finalmente en agua tibia y jabón, exprimiendo la pintura de la raíz de la brocha, y luego enjuaga con agua limpia.

Materialidad Los objetos representados se transmiten principalmente por la naturaleza del claroscuro. Los objetos compuestos de diferentes materiales tienen gradaciones características de luz y sombra. El objeto cilíndrico de yeso tiene transiciones suaves de luz a penumbra, sombra y reflejo. El recipiente cilíndrico de vidrio no tiene gradaciones pronunciadas de luces y sombras. En su forma sólo hay reflejos y reflejos. Los objetos metálicos también se caracterizan principalmente por deslumbramientos y reflejos. Si transmites la naturaleza del claroscuro en el dibujo, los objetos parecerán materiales. Otra condición aún más importante de la que depende la representación de las cualidades materiales de los objetos es la coherencia en el dibujo o boceto pictórico de las relaciones tonales y cromáticas entre los objetos que son proporcionales a la naturaleza. Al percibir las cualidades materiales de los objetos, nuestra conciencia se basa principalmente en sus relaciones (diferencias) tonales y cromáticas. Por lo tanto, si la naturaleza del claroscuro, las relaciones tonales y cromáticas se transmiten de acuerdo con la imagen visual de la naturaleza, obtenemos una imagen veraz de las cualidades materiales de los objetos de naturaleza muerta o de paisaje.

Pintura multicapa - la variedad técnica más importante de la pintura al óleo, que requiere la división de la obra en varias etapas sucesivas (pintura de base, acabado, vidriado), separadas por pausas para el secado completo de la pintura. Al realizar una gran composición temática, así como durante un trabajo de larga duración en general, la pintura multicapa es la única técnica completa de pintura al óleo. Hasta mediados del siglo XIX. Todos los principales artistas avanzados del pasado utilizaron esta técnica como principal. Posteriormente, los impresionistas y sus seguidores lo abandonaron.

Desde un punto de vista tecnológico limitado, no relacionado con la técnica de los antiguos maestros, el concepto de pintura multicapa sólo puede corresponder a la aplicación sobre una capa de pintura seca (sin pintura base ni vidriado).

Modelado - en bellas artes: la transferencia de propiedades volumétrico-plásticas y espaciales del mundo objetivo a través de gradaciones de luces y sombras (pintura, gráfica) o la correspondiente plasticidad de formas tridimensionales (escultura, en particular relieve). El modelado se suele realizar teniendo en cuenta la perspectiva y, en la pintura, además, con la ayuda de gradaciones de color indisolublemente ligadas al claroscuro. Las tareas del modelado no se limitan a la simple reproducción del mundo objetivo: al participar en las características ideológicas y figurativas de un objeto, generaliza, realza y revela lo más esencial y característico.

Modernismo - designación general de las tendencias en el arte y la literatura de finales del siglo XIX-XX. (cubismo, dadaísmo, surrealismo, futurismo, expresionismo, arte abstracto, etc.). Las principales características del modernismo: negación del papel cognitivo y social del arte, su carácter ideológico, nacionalidad, sustitución del arte por todo tipo de trucos, total distorsión o desconocimiento de las tradiciones profesionales del patrimonio artístico realista.

Mosaico - una variedad técnica especial de pintura monumental, basada en el uso de sólidos multicolores: esmalte, piedras de colores naturales, esmaltes de colores sobre arcilla cocida, etc. como principal material artístico. La imagen está formada por piezas de dichos materiales, bien encajadas entre sí, montadas sobre cemento o masilla especial y luego pulidas. Con el llamado método de colocación directa, el mosaico se realiza desde la parte frontal, en el lugar previsto para ello (pared, bóveda, etc.) o en una losa separada, que luego se incrusta en la pared. Cuando se colocan al revés, las piezas coloreadas son visibles para el artista solo desde atrás, ya que están pegadas con su superficie frontal sobre un revestimiento delgado temporal (que se retira después de transferir el mosaico a la pared). El primero de estos métodos es relativamente complejo y requiere mucho tiempo, pero es más perfecto desde el punto de vista artístico.

Caballete - una máquina (de ahí la definición de “pintura de caballete”), necesaria para que el artista mantenga la inclinación deseada del cuadro mientras trabaja. El principal requisito para un caballete es la estabilidad.

Monotipia - un tipo especial de técnica gráfica asociada al proceso de impresión, pero muy diferente de cualquier tipo de grabado por la ausencia total de influencias mecánicas o técnicas en la superficie del tablero. Las pinturas se aplican a mano sobre una superficie lisa y luego se imprimen en una máquina. La impresión resultante es única.

METROmonumentalidad en las obras de pintura de caballete está determinada por la importancia social del tema de la pintura, su patetismo heroico, la profundidad y el poder de encarnación de las ideas en imágenes apropiadas: simples, estrictas, majestuosas y expresivas.

Boceto en color - un boceto de pequeño tamaño, ejecutado con fluidez y rapidez. El objetivo principal de dicho boceto es adquirir la capacidad de percibir la naturaleza de manera integral, encontrar y transmitir las relaciones cromáticas correctas de sus objetos principales. Se sabe que la estructura pictórica completa de una imagen está determinada por la transferencia proporcional de diferencias entre las principales manchas cromáticas de la naturaleza. Sin esto, ningún estudio cuidadoso de los detalles, los reflejos y los mosaicos de matices de color conducirá a una imagen pictórica en toda regla.

Nacionalidad - la conexión del arte con el pueblo, el condicionamiento de los fenómenos artísticos por la vida, la lucha, las ideas, los sentimientos y las aspiraciones de las masas, la expresión en el arte de sus intereses y psicología. Uno de los principios básicos del realismo socialista.

Naturaleza - en la práctica de las bellas artes, se trata de cualquier fenómeno natural, objetos y objetos que el artista representa, observando directamente como modelo. Como regla general, solo se representan de la vida un boceto, un boceto, un boceto, un retrato y, a veces, un paisaje.

Naturalismo - en las artes visuales se expresa aisladamente de amplias generalizaciones, de ideas ideológicas y conduce a un método de copia puramente externa de todo lo que está en el campo de visión. Los pintores principiantes también piensan a veces que el objetivo absoluto de las bellas artes es representar fielmente la naturaleza y al mismo tiempo transmitir sus cualidades volumétricas, materiales y espaciales. Por supuesto, es necesario dominar la alfabetización visual y las técnicas técnicas de pintura. Sin embargo, es igualmente importante desarrollar simultáneamente la capacidad de ver la realidad a través de los ojos de un artista. Una imagen pictórica no es un reflejo de la naturaleza. "La pintura", dijo I. I. Levitan, "no es un protocolo, sino una explicación de la naturaleza a través de medios pictóricos". El pintor selecciona y resume en la colorida diversidad de la naturaleza aquellos elementos que pueden transmitir expresivamente el concepto ideológico y figurativo. Intenta revelar la esencia de lo que se representa, muestra lo que le entusiasma. Esto revela la personalidad del artista, su visión del mundo, así como su gusto y experiencia práctica en el uso de materiales y técnicas coloridas.

Naturaleza muerta - uno de los géneros de las bellas artes, dedicado a la reproducción de artículos para el hogar, frutas, verduras, flores, etc. La tarea del artista que representa una naturaleza muerta a través de la pintura es transmitir la belleza colorista de los objetos que rodean a una persona, su esencia volumétrica y material, y también para expresar su actitud hacia lo representado. La imagen de una naturaleza muerta es especialmente útil en la práctica educativa para dominar la habilidad pictórica. En la naturaleza muerta, el artista comprende las leyes de la armonía del color y adquiere la habilidad técnica del modelado pictórico de la forma.

Generalización artística - la capacidad del artista para conocer la realidad objetiva, identificando lo principal y esencial en los objetos y fenómenos mediante la comparación, el análisis y la síntesis. Una obra de arte es el resultado de la expresividad de lo general, preservando al mismo tiempo toda la singularidad de la imagen visual concreta.

En un sentido profesional estrecho, la generalización es la última etapa del proceso de dibujar o pintar del natural, tras la elaboración detallada de la forma. En esta etapa del trabajo se generalizan los detalles para crear una imagen holística de la naturaleza a partir de su percepción visual integral.

Imagen artística - una forma específica de reflejo de la realidad en una forma concretamente sensual y visualmente percibida. La creación de una imagen artística está estrechamente relacionada con la selección de las más características, con el énfasis en los aspectos esenciales de un objeto o fenómeno dentro de la naturaleza única individual de estos objetos y fenómenos. Se sabe que la conciencia humana refleja no sólo la imagen visual objetiva de un objeto o fenómeno, sino también las cualidades emocionales de su percepción. Por tanto, la imagen artística en la pintura contiene no sólo las características reales del objeto representado, sino también su significado sensorial y emocional. Cada imagen es a la vez un reflejo veraz de la realidad objetiva y una expresión de los sentimientos estéticos del artista, su actitud individual y emocional hacia lo representado, su gusto y su estilo.

Perspectiva inversa - una técnica errónea para dibujar la perspectiva, cuya esencia es que las líneas paralelas y horizontales en el espacio en la imagen no se representan convergentes, sino divergentes; Esto ocurre con bastante frecuencia en la pintura de iconos antiguos, como consecuencia de la ignorancia de los artistas de las reglas elementales de construcción de la perspectiva (en algunos casos, se permite la violación deliberada de las reglas de construcción de la perspectiva).

Estado general tonal y de color de la naturaleza. - el resultado de diferentes intensidades de iluminación. Para transmitir el estado de iluminación diferente (por la mañana, por la tarde, por la noche o en un día gris), al construir la estructura de color del boceto, no siempre se utilizan los colores claros y brillantes de la paleta. En algunos casos, el artista construye una relación en un rango reducido de luminosidad y intensidad del color (día gris, cuarto oscuro), en otros casos con colores claros y brillantes (por ejemplo, un día soleado). De esta forma, el artista mantiene las relaciones tonales y cromáticas del boceto en diferentes gamas (escalas) tonales y cromáticas. Esto ayuda a transmitir el estado de iluminación, lo cual es especialmente importante en la pintura de paisajes, ya que es este estado el que determina su impacto emocional (ver la escala tonal y cromática de la imagen).

Volumen - imagen de una forma tridimensional en un plano. Se lleva a cabo principalmente mediante la correcta construcción constructiva y perspectiva del tema. Otro medio importante para transmitir volumen en un plano es la gradación de luces y sombras, expresada en color: luces, luces, penumbra, sombra propia y descendente, reflejo. La imagen del volumen en el plano pictórico también se ve facilitada por la dirección del trazo o sombreado, su movimiento en la dirección de la forma (en superficies planas son rectos y paralelos, en superficies cilíndricas y esféricas, arqueados).

aureola - un fenómeno también conocido como “irradiación”; Ocurre como resultado de la dispersión de la luz brillante en el líquido transparente que llena el globo ocular. Debido a la mayor sensibilidad del ojo en la oscuridad, reacciona fuertemente al observar fuentes de luz brillante (un fuego o una lámpara encendida). Durante el día no parecen brillantes, pero al anochecer o de noche pueden cegar los ojos. El ojo casi no percibe el color de las fuentes de luz brillantes, pero el halo alrededor de los cuerpos luminosos o de los objetos fuertemente iluminados tiene un color más pronunciado. La llama de la vela parece casi blanca y el halo que la rodea parece amarillo. Una iluminación fuerte sobre una superficie brillante aparece blanca y el halo que la rodea adquiere la propiedad de color de la fuente de luz. Los delgados troncos de los árboles sobre el fondo del cielo están completamente envueltos en un halo, es decir, se ven azules, y sobre el fondo de una puesta de sol amarilla aparecen anaranjados o rojos. Cuando se transmite un halo en una imagen, el ojo percibe los objetos como luminosos (velas, ventanas luminosas de día y de noche, estrellas en el cielo, etc.). Representado sin halo, compañero indispensable de la luz brillante, el tronco del árbol y su copa parecen una aplicación dura sobre el fondo de un cielo claro, las estrellas sin halo dan la impresión de motas de pintura pulverizadas sobre un fondo oscuro, reflejos brillantes. sin halo, sobre el fondo de una jarra, parecen manchas claras.

La base - en tecnología de pintura: el material sobre el que se aplica la imprimación y la capa de pintura de la pintura. El tipo de base más común es el lienzo, la madera (fue la base más común en la antigüedad, en algunos tipos de pintura se utilizan menos cartón, papel, metal, vidrio, linóleo, etc.). (por ejemplo, fresco, acuarela, etc.) la base se utiliza sin preparación especial.

Lavado - 1) técnica de acuarela utilizando pintura o tinta muy líquida. Para pintar una zona relativamente grande con un tono claro, tiñe aproximadamente medio vaso de agua con pintura, deja que la pintura se asiente (es mejor filtrarla después) y utiliza un pincel para tomar la “solución” desde arriba, sin tocar la superficie. fondo del vaso; 2) aclarar la pintura o retirarla del papel con un pincel humedecido en agua limpia y recoger la pintura empapada con papel secante (el procedimiento se repite varias veces).

Las relaciones son de color - diferencias de luminosidad y color de los objetos: qué es más claro en la naturaleza, qué es más oscuro, más diferencias de color y su saturación.

Matiz (matiz): una pequeña diferencia, a menudo apenas perceptible, en el color, la luminosidad o la saturación del color.

Grabando - grabado con aguja o línea, tipo técnico muy utilizado de grabado en profundidad sobre metal. Trabajar en un grabado rayando el fondo del grabado con agujas especiales, generalmente utilizando la técnica del dibujo de línea libre. La duración desigual del grabado de los detalles de la imagen con ácidos da como resultado diferencias en la fuerza y ​​riqueza del trazo. La técnica del grabado se caracteriza por su relativa simplicidad y gran flexibilidad.

Sensación visual - el resultado de la interacción de la energía radiante con el órgano de la visión y la percepción de esta interacción por la conciencia. Como resultado, una persona recibe una variedad de sensaciones de luz y color, ricas gradaciones de color que caracterizan la forma de los objetos y los fenómenos naturales en diversas condiciones de iluminación, medio ambiente y espacio.

Paleta - 1) una pequeña tabla delgada de forma cuadrangular u ovalada en la que el artista mezcla pinturas mientras trabaja; 2) una lista exacta de pinturas que un artista en particular utiliza en su práctica creativa.

Panorama - un lienzo para pintar en forma de cinta circular cerrada. En el lienzo, delante de la imagen pictórica, se colocan varios objetos de utilería reales que crean la ilusión de una transición directa del espacio real del primer plano al espacio pictórico de la imagen. El panorama se encuentra en una sala de imágenes especialmente construida con una plataforma de observación central, generalmente oscurecida. A diferencia de un panorama, un diorama es una imagen pictórica en forma de una cinta semicircular curva.

Ejemplos insuperables hasta ahora son los panoramas creados por el artista F. A. Rubo “Defensa de Sebastopol” (1902-1904) y “Batalla de Borodino” (1911).

Pastel - Lápices de colores sin montura elaborados con polvos de colores. Se obtienen mezclando pintura en polvo con un adhesivo (pegamento de cereza, dextrina, gelatina, caseína). Trabajan con pasteles sobre papel, cartón o lienzo. Las pinturas se aplican con trazos, como en el dibujo, o se frotan con los dedos con sombreado, lo que permite lograr los matices de color más finos y las delicadas transiciones de color, una superficie mate aterciopelada. Cuando trabaje con pastel, puede quitar o cubrir fácilmente las capas de pintura, ya que se raspa libremente del suelo. Las obras realizadas con pasteles suelen fijarse con una solución especial.

Pastosidad - 1) en la técnica de la pintura al óleo: un espesor importante de la capa pictórica, utilizada como soporte artístico. Actuando como característica técnica, el empaste siempre permanece perceptible a la vista y se manifiesta en una cierta irregularidad de la capa de pintura, en un "trazo en relieve", etc. En un sentido estricto, puramente tecnológico, el empaste a veces se denomina pintura en capa gruesa. con una superficie plana, en la que el empaste puede resultar invisible (pintura corporal); 2) una propiedad especial de la plasticidad del material de pintura, que permite que la pintura al óleo no licuada conserve completamente la forma que le da el pincel.

Escenario - vista, imagen de cualquier área; en pintura y gráfica, un género y una obra independiente en la que el tema principal de la imagen es la naturaleza. A menudo se representan vistas de ciudades y complejos arquitectónicos (paisaje arquitectónico), vistas al mar (puerto deportivo).

Variegación (fraccionamiento) de la imagen. - defectos en un dibujo o boceto que ocurren cuando un artista novato dibuja o pinta la naturaleza en partes, "a quemarropa". Como resultado, la forma de los objetos está sobrecargada de detalles, sus contornos son nítidos, muchos objetos y sus superficies tienen el mismo tono y la intensidad del color. Esto sucede porque el artista inexperto, aunque comparaba los objetos por tono y color, los miraba alternativamente, por separado. Cuando un artista desarrolla la habilidad de ver (completamente) simultáneamente y comparar objetos según tres propiedades de color (color, luminosidad, saturación), la diversidad tonal de la imagen desaparece.

Planes espaciales - áreas de espacio condicionalmente separadas ubicadas a diferentes distancias del observador. Hay varios planos en la imagen: primero, segundo, tercero o adelante, medio, atrás. El espacio en el plano del lienzo o del papel se transmite principalmente mediante la construcción correcta de la perspectiva. Si los objetos o volúmenes en planos espaciales se dibujan sin un estricto cumplimiento de sus cambios de perspectiva, la combinación de colores servirá de poco para representar el espacio. La transferencia de las cualidades espaciales de la imagen también se ve facilitada por la naturaleza del trazo (en el dibujo, la naturaleza del trazo). La técnica de sombrear objetos en primer plano es más definida, rígida y densa. El trazo de pintura es más pastoso, en relieve, fraccionado. Los planos distantes se transmiten con un toque más suave, una fina capa de pintura vidriada.

El plastico - armonía, expresividad y flexibilidad de formas, líneas, notadas por el artista en la naturaleza representada.

pintura al aire libre - pintar al aire libre. Los cambios en los colores de la naturaleza bajo la influencia de la luz y el aire tienen una importancia activa al escribir un boceto al aire libre. Se debe prestar especial atención al tono general y al estado cromático de la naturaleza (dependiendo de la intensidad y el color de la iluminación) y al fenómeno de la perspectiva aérea. El momento decisivo en la pintura al aire libre es la coherencia de la escala tonal y de color al construir las relaciones tonales y de color del boceto (ver escala tonal y de color de la imagen):

Pintura base - la etapa preparatoria del trabajo en una pintura, realizada mediante la técnica de la pintura al óleo. La pintura de base se suele realizar con una fina capa de pintura y puede ser monocromática o multicolor.

Camilla. El lienzo sobre el que pinta el artista está tensado sobre un bastidor. Su finalidad es mantener la lona tensa. Esto se consigue mediante una fijación no rígida de las tablas de madera del bastidor auxiliar. Si las esquinas del bastidor están bien sujetas, es difícil corregir la flacidez de la lona debido a la humedad. Se realizan biseles en las lamas del subchasis, dirigidos hacia el interior del subchasis. De lo contrario, en los puntos de contacto de la lona con las nervaduras internas del bastidor, la lona se deforma y aparecen sobre ella las nervaduras internas del bastidor. Los bastidores de camillas grandes están hechos con una cruz, que los protege de deformaciones diagonales y desviaciones de las lamas.

Penumbra - una de las gradaciones de luces y sombras en la superficie de un objeto tridimensional, intermedia entre luces y sombras (tanto en la naturaleza como en la imagen).

Retrato - una imagen que captura la apariencia de una persona en particular, sus características individuales. El arte del retrato requiere que, además del parecido externo, la apariencia de una persona refleje sus intereses espirituales, su estatus social y los rasgos típicos de la época a la que pertenece. En el retrato también debe estar presente la actitud personal del artista hacia las personas retratadas, su visión del mundo y la huella de su manera creativa.

Primitivismo - uno de los movimientos formalistas en bellas artes. Se caracteriza por un rechazo total de los logros del realismo en aras de imitar las formas artísticas de las llamadas épocas primitivas (tribus primitivas), tomando prestadas deliberadamente las características de los dibujos infantiles, etc.

Inscripciones - en la técnica de la pintura al óleo, la etapa principal de ejecución de un gran lienzo, que sigue a la pintura de base, antes del vidriado. El número de inscripciones depende del avance de la obra del artista; cada uno de ellos termina con la pintura completamente seca. En el sentido amplio e impreciso de la palabra, a veces se denomina pintura de base, así como cualquier procesamiento de un lienzo ya terminado o de sus detalles.

Dimensiones - la relación de los tamaños de los objetos o sus partes entre sí y con el todo. En el dibujo o la pintura, estas relaciones se transmiten en correspondencia proporcional, es decir, similares, reducidas o aumentadas el mismo número de veces. El cumplimiento de las proporciones es fundamental, ya que son el rasgo más característico del sujeto y forman la base de una imagen veraz y expresiva.

Proporcionalidad de las relaciones - la ley de la pintura realista, que determina la relación de cada mancha clara del boceto con otras, proporcional a la imagen visual de la naturaleza, condición importante para una imagen veraz y holística de la realidad. Nuestra percepción visual y reconocimiento de la forma, el color, el material de los objetos y el estado de iluminación se basan en sus relaciones tonales y cromáticas. Las características de tono y color se perciben visualmente no de forma aislada, sino según el entorno, junto con otros tonos y colores. Por tanto, el artista reproduce en un boceto las diferencias tonales y cromáticas de la naturaleza, así como las dimensiones en perspectiva de los objetos, utilizando el método de correspondencia proporcional entre la imagen y la imagen visual de la naturaleza. Con ello se consigue el estado de iluminación del boceto, verdadero modelado de la forma volumétrica, materialidad, profundidad espacial y demás cualidades pictóricas de la imagen.

El proceso de pintar de la vida. Implica un orden especial de trabajo al principio, en la mitad y en la etapa final. Este proceso va de lo general a la elaboración detallada de la forma y termina con la generalización, resaltando lo principal y subordinando lo secundario a ello. En pintura, en estas etapas se resuelven las siguientes tareas específicas: 1) encontrar las relaciones de las principales manchas de color, teniendo en cuenta el estado tonal y cromático de la iluminación (su intensidad y composición espectral), 2) los "estiramientos" del tono de color. dentro de las relaciones básicas encontradas, modelado de color de la forma volumétrica de objetos individuales, 3) en la etapa de generalización: suavizar los contornos nítidos de los objetos, silenciar o realzar el tono y el color de los objetos individuales, resaltar lo principal, subordinar lo secundario lo. En última instancia, toda la imagen pictórica alcanza la integridad y la unidad, la impresión que recibe la visión al ver la naturaleza en su conjunto.

Diluyentes . Para las pinturas de acuarela y gouache, el único diluyente es el agua. Para diluir pinturas al óleo se utilizan composiciones de origen trementina (pineno nº 4) o productos derivados del petróleo mezclados con alcohol o aceite de linaza (diluyentes nº 1, 2). Agregar, por ejemplo, pineno a la pintura al óleo ayuda a que se seque más rápido. Además, para garantizar una mejor adherencia de las capas de pintura, la superficie endurecida de la capa de pintura se limpia con pino antes de volver a pintarla.

Ángulo - reducción en perspectiva de la forma de un objeto, provocando un cambio en su forma habitual; Contracciones pronunciadas que ocurren al observar un objeto desde arriba o desde abajo.

Marco. Un cuadro creado por un artista tiene un marco. Completa la composición, le da unidad y dirige la atención del espectador hacia la obra misma. La mayoría de las veces, el marco tiene una forma rectangular, ocasionalmente redonda u ovalada. A menudo, las lamas del marco tienen perfiles delgados, como escalones, que descienden hasta el propio cuadro. Ayudan al ojo del espectador a sumergirse más fácilmente en el mundo de lo que se representa. Los artistas tratan el marco como una parte esencial de la composición pictórica y lo pintan con colores claros y oscuros de diferentes tonalidades. Hay marcos con ricos motivos plásticos, adornos florales o geométricos convencionales.

Realismo - un método de creatividad artística basado en un conocimiento profundo de la vida y un reflejo figurativo de su esencia y belleza. El realismo en la pintura se basa en la representación de la vida en las formas de vida misma. El artista estudia constantemente la vida con lápiz y pincel en mano y domina perfectamente la habilidad de representar fielmente objetos y objetos de la realidad. Sin conocimiento orgánico y generalización de la vida, por un lado, y la capacidad de encarnar todo esto en una imagen visual específica, por otro lado, la imagen artística en la imagen se convierte en un diagrama desprovisto de persuasión realista.

realismo socialista - un método del arte socialista destinado a reflejar veraz e históricamente específica la realidad en su desarrollo revolucionario con el fin de educar ideológica y estéticamente al pueblo en el espíritu del socialismo y el comunismo.

Reflejo - un reflejo de luz o color que aparece en una forma como resultado del reflejo de los rayos de luz de los objetos circundantes. Los colores de todos los objetos están interconectados entre sí mediante reflejos. Cuanto mayor es la diferencia de luminosidad y color entre dos objetos adyacentes, más notorios son los reflejos. En superficies rugosas y mate son más débiles; en superficies lisas son más notorios y de contorno más definido. En superficies pulidas son especialmente distintos (en este caso se ven realzados por la reflexión especular).

Dibujo -1) reproducción completa del mundo objetivo: modelado volumétrico-espacial, proporciones correctas, expresión veraz, carácter claramente expresado, etc. Esta es la base para una representación realista de la realidad en general, por cualquier medio y técnica técnica. Aprender a dibujar es la parte más importante de la formación profesional de un pintor, artista gráfico y escultor; 2) un tipo de gráfica artística basada en medios técnicos y capacidades de dibujo. A diferencia de la pintura, el dibujo se realiza principalmente con una sustancia colorante sólida (lápiz, carboncillo, sanguina, etc.), generalmente mediante un trazo y una línea, con la función auxiliar del color; 3) una obra separada del tipo de gráfica correspondiente.

Ritmo y cadencia - repetibilidad de determinados elementos compositivos de una obra, su especial proporcionalidad, que conduce a una coherencia armoniosa y natural del conjunto. El ritmo puede manifestarse a través de contrastes y correspondencias de agrupaciones de figuras, objetos, líneas, movimientos, manchas de luces y sombras y colores, planos espaciales, etc.

Luz - un elemento de gradaciones de corte, utilizado para indicar la parte iluminada de la superficie de los objetos.

Luminosidad (tono) - grado comparativo de diferencia con respecto a la oscuridad: cuanto más lejos de la oscuridad, mayor es la claridad del color.

Abertura - el grado de luminosidad de un objeto, su tono. La apertura depende de la presencia de otros tonos (adyacentes), así como del color de los objetos.

Claroscuro - gradaciones regulares de luz y oscuridad en la forma tridimensional de un objeto, gracias a las cuales, tanto en especie como en dibujo, el ojo percibe propiedades del objeto como el volumen y la materia. Las principales gradaciones del claroscuro: luces, luz, penumbra, sombra propia, reflejo, sombra descendente.

Propiedades de color - tono de color o matiz: rojo, azul, amarillo, amarillo verdoso, luminosidad y saturación (el grado de diferencia con el gris, es decir, el grado de proximidad al color espectral puro). En el proceso de pintura, los colores del escenario a escala real se comparan en función de estas tres propiedades, se encuentran sus diferencias de color y se transfieren al boceto en relaciones proporcionales.

Aglutinante - es una sustancia astringente (pegamento, aceite, cal apagada, yema de huevo de gallina), con la ayuda de la cual las partículas de pigmento se conectan entre sí y se fijan a la superficie del suelo, formando una capa de pintura. Los tipos de pintura (fresco, pintura al óleo, tempera) se diferencian precisamente en la composición del aglutinante, aunque el pigmento suele ser el mismo.

Silueta - una imagen plana de un color oscuro sobre un fondo claro. persona, animal u objeto. El término proviene del nombre del ministro de finanzas francés del siglo XVIII. E. de Silhouette, que fue caricaturizado en forma de perfil de sombra.

Símbolo. - una imagen que expresa alegóricamente algún concepto amplio o idea abstracta. En el caso de que la conexión de un símbolo con el concepto que expresa se derive de la similitud interna en el contenido, la relación entre el objeto representado y su significado alegórico, el uso del símbolo se vuelve apropiado y posible en las bellas artes realistas. Se utiliza un símbolo cuando se quiere expresar un concepto amplio y complejo de forma lacónica y concisa.

Contenido y forma en el arte. - categorías indisolublemente ligadas e interdependientes, una de las cuales indica qué se refleja y expresa exactamente en la obra (contenido), y la segunda indica cómo y por qué medios se logra esto (forma). El papel protagonista y determinante pertenece al contenido. Se convierte en un determinado fenómeno de la vida, consciente y estéticamente comprendido por el artista en el proceso de su trabajo creativo. La categoría de forma artística en las bellas artes incluye: trama, composición, tipografía, dibujo, estructura de color, volumen, espacialidad, estructura de luces y sombras, etc. Cabe señalar que los méritos artísticos de una obra dependen directamente de cuán profesionalmente preparado está el artista en el uso de formas de expresión. Sin un dominio práctico de la cultura del uso del color, es imposible expresar el contenido figurativo mediante la pintura en un determinado material.

Comparación - un método para determinar proporciones, relaciones tonales y cromáticas, etc. Nuestra conciencia reconoce las propiedades y cualidades a través de la comparación. Es posible comprender la naturaleza de la forma de un objeto, determinar su tono y color, solo comparándolo con otros objetos. Para representar fielmente la naturaleza, el artista debe crear en el boceto diferencias en los objetos en tamaño, tono y color que sean proporcionales a la naturaleza. Sólo mediante el método de comparación (con una percepción completa de la naturaleza) se pueden determinar en la naturaleza las relaciones de color entre los objetos y transmitirlas sobre un lienzo o papel.

Estilización - 1) imitación deliberada de un estilo artístico, característico de un autor, género, movimiento, arte y cultura de un determinado entorno social, nacionalidad, época. Suele implicar una interpretación libre del contenido y estilo del arte que sirvió de prototipo; 2) en bellas artes y principalmente en artes decorativas y diseño, generalización de figuras y objetos representados mediante técnicas convencionales; la estilización es especialmente característica del adorno, donde convierte el objeto de la imagen en un motivo de patrón.

Estilo - 1) la comunidad de características ideológicas y artísticas de las obras de arte de una determinada época. El surgimiento y cambio de estilos está determinado por el curso del desarrollo histórico de la sociedad (por ejemplo, clasicismo, barroco, etc.); 2) características nacionales del arte (estilo chino, morisco, etc.). También hablan del estilo de un grupo de artistas o de un artista, si su trabajo se distingue por características individuales brillantes.

Pincel seco - en pintura y gráfica, técnica técnica auxiliar que consiste en trabajar con pinceles duros y débilmente saturados de pintura. Como técnica independiente, el cepillado en seco se utiliza principalmente en artes decorativas.

Sfumato - en pintura y gráfica, término asociado a la pintura del Renacimiento italiano a partir de Leonardo da Vinci y que significa la suavidad de la ejecución, la elusividad de los contornos de los objetos como resultado de un cierto enfoque artístico.

Trama - 1) un evento o fenómeno específico representado en la imagen. El mismo tema puede explorarse en muchas historias; 2) a veces se entiende por trama cualquier objeto de la naturaleza viva o del mundo objetivo que se toma para representar. A menudo, la trama reemplaza el concepto de motivo subyacente de la obra (especialmente un paisaje).

Proceso creativo (creatividad) - el proceso de creación de una obra de arte, desde el origen de un concepto imaginativo hasta su implementación, el proceso de traducir las observaciones de la realidad en una imagen artística. En pintura, la creatividad consiste en crear una obra en formas visibles y directamente fiables.

Sujeto - un círculo de fenómenos elegidos por el artista para representar y revelar la idea de la obra.

Pinturas al temple - pinturas adhesivas al agua preparadas a partir de polvos secos mezclados con yema de huevo diluida con agua adhesiva. Actualmente también se producen pinturas semilíquidas, envasadas en tubos y preparadas con yema, huevo entero o una emulsión de aceite vegetal con huevo y cola. Con las pinturas al temple se pueden pintar de forma espesa, como los óleos, y finas, como las acuarelas, diluyéndolas con agua. Se secan más lentamente que el gouache. La desventaja es la diferencia en los tonos de pintura húmeda y seca. Los cuadros pintados con pinturas al temple tienen una superficie mate, por lo que a veces se recubren con un barniz especial que elimina esta opacidad.

Sombra - elemento de claroscuro, las zonas más tenuemente iluminadas de la naturaleza y de la imagen. Se hace una distinción entre sombras naturales y sombras caídas. Las sombras propias son aquellas que pertenecen al propio objeto. Las caídas son sombras proyectadas por el cuerpo sobre los objetos circundantes.

Colores cálidos y fríos . Los colores cálidos se asocian convencionalmente con el color del fuego, el sol y los objetos incandescentes: rojo, rojo anaranjado, amarillo verdoso. Los colores fríos están asociados con el color del agua, el hielo y otros objetos fríos: azul verdoso, azul, azul azul, azul violeta. Estas cualidades del color son relativas y dependen de la ubicación de otro color cercano. El ultramar, por ejemplo, es frío por sí solo, pero junto al azul de Prusia será cálido y el kraplak rojo parecerá más frío que el cinabrio rojo.

La apariencia cromática de la naturaleza visible siempre contiene tonos cálidos y fríos. Esta calidez-frialdad de tonos se basa principalmente en contrastes de color naturales entre luces y sombras. En la naturaleza, a menudo sucede que los colores de los objetos son fríos y sus sombras cálidas, y viceversa. El fenómeno de la frialdad también se ve facilitado por la llamada percepción visual contrastante de los colores: a partir de la presencia de un color cálido en la naturaleza percibida, aparece en la retina de los ojos la impresión de un color frío, aunque este no es el caso. en naturaleza. La calidez y la frialdad en la pintura son un fenómeno natural y una cualidad integral de una representación pictórica de un boceto de la naturaleza o de una pintura.

Técnica - en el ámbito del arte: conjunto de habilidades y técnicas especiales mediante las cuales se realiza una obra de arte. El concepto de “técnica” en el sentido estricto de la palabra suele corresponder al resultado directo e inmediato del trabajo del artista con un material y herramienta especiales, la capacidad de utilizar las capacidades artísticas de este material; en un sentido más amplio, este concepto también abarca los elementos correspondientes de carácter pictórico: la transferencia de la materialidad de los objetos, la escultura de una forma tridimensional, el modelado de relaciones espaciales, etc. Sin excepción, todos los medios técnicos deben conducir a un resultado artístico conocido, al menos modesto.

Los medios técnicos del arte no permanecen neutrales en relación con el contenido. Las principales características de la técnica realista están determinadas principalmente por su subordinación a la estructura ideológica y figurativa de la obra.

ttecnica de pintura - ver pintura al óleo, acuarela, gouache, témpera, pintura con cola, pastel, encáustica, fresco, mosaico.

Tono (sin acompañar la palabra "color") - en la terminología de los artistas, equivale al concepto de claridad del color (pintura). Cualquier color cromático o acromático puede tener diferente luminosidad. Se puede decir acerca del tono dentro de un solo color, como el rojo, "un tono claro de pintura roja" o "un tono oscuro de pintura". A veces el término “tono” se utiliza en relación con el color, por ejemplo “tono dorado de un panel”, “tono marrón de una pintura”. Los artistas suelen utilizar el término "luminosidad" o "apertura" del color en lugar del término "tono" de un color.

Llave - término que denota las características externas de color o luz y sombra en obras de pintura y gráficos. Se utiliza más comúnmente en relación con el color y coincide con el término “gama de colores”.

Escala tonal y de color de la imagen. . La transferencia de relaciones tonales y cromáticas proporcionales a la naturaleza se puede realizar en diferentes rangos de luminosidad y saturación de colores en la paleta. Esto depende del estado general de la intensidad de la iluminación de la naturaleza y de su distancia del pintor. Para transmitir este estado, antes de comenzar cada obra desde la naturaleza, el artista primero descubre qué tipo de luz y color potencian la luz y los puntos brillantes. de la naturaleza estará en el boceto. El artista puede tomar en un boceto los objetos más claros y saturados en colores naturales, ya sea con toda la fuerza de los colores claros y brillantes de la paleta, o solo con la mitad de sus capacidades. Así se mantiene la escala tonal y cromática de la imagen, en la que se reflejan las relaciones tonales y cromáticas de los objetos en el entorno a escala real.

Imagen de tono - una imagen con diferentes transiciones tonales de luz a sombra, es decir, con áreas que tienen diferentes intensidades tonales. Un ejemplo típico de imagen tonal es una fotografía, un dibujo al óleo o acuarela de un color (grisalla), así como un dibujo a lápiz realizado mediante la técnica del sombreado.

Relaciones tonales . El reconocimiento de la forma tridimensional de los objetos y su material se produce en nuestra conciencia sobre la base de la percepción visual de sus relaciones luminosas. Por tanto, el artista debe reproducir las relaciones luminosas del dibujo utilizando el método de la similitud. A través de gradaciones de luces y sombras sobre una forma volumétrica y la transferencia de relaciones tonales proporcionales a la naturaleza entre el colorido (material) de los objetos, el artista logra un verdadero modelado volumétrico de la forma, expresión de la materialidad, profundidad espacial y estado de iluminación (tonal). dibujo, pintura mediante la técnica de la grisalla).

Textura - rasgos característicos de la superficie de objetos hechos de diversos materiales, tanto en especie como en la imagen (relieve de la capa de pintura de los trazos). La textura puede ser lisa, rugosa o gofrada. La textura de la letra depende en gran medida de las propiedades del material colorido, de las características del objeto natural que representa el artista, así como de la tarea y el material de ejecución. En acuarela, la textura depende en gran medida de la superficie del papel. La caligrafía individual del artista se revela en la textura de la carta.

Fas (cara completa) - frente, vista frontal. Este término indica que el modelo (la cabeza u objeto de una persona) se coloca frontalmente, paralelo al plano de la imagen.

Fondo - cualquier medio o plano ubicado detrás del objeto de la imagen.

Forma - 1) apariencia, contorno; asume la presencia de volumen, estructura, proporciones; 2) en bellas artes, la forma artística es un medio artístico utilizado para crear una imagen y revelar contenido (ver contenido y forma).

Formalismo - una denominación general para numerosas*>1X escuelas y tendencias antirrealistas en las bellas artes: cubismo, futurismo, constructivismo, surrealismo, suprematismo, purismo, dadaísmo, arte abstracto, arte pop, etc. Todos estos tipos de formalismo se basan en la separación antinatural de la forma artística del contenido, en el reconocimiento de la independencia y la independencia de la forma, pretendiendo erróneamente crear obras de arte a través de diversas combinaciones de líneas o colores “puros”. Una imagen formalista distorsiona enormemente la realidad, pierde la capacidad de comprender visualmente el mundo y, a veces, se convierte en experimentos charlatanes y sin sentido.

Formato - la forma del plano en el que se realiza la imagen. Está determinado por las líneas generales de la naturaleza, la relación entre la altura y el ancho. La elección del formato depende del contenido y coincide con la composición de la imagen. Para una estructura figurativa, el formato es fundamental.

Fresco - el tipo técnico más importante de pintura monumental, que utiliza la cal como aglutinante principal.

Color en pintura. El color en general es la propiedad de los objetos de evocar una determinada sensación visual de acuerdo con la composición espectral de los rayos reflejados. En la vida cotidiana, a cada elemento u objeto se le asigna un color específico. Este color se llama sujeto o local (la hierba es verde, el cielo es azul, el agua del mar es azul, etc.). Los pintores principiantes, por regla general, tienen una visión predominante del color, lo que conduce a una coloración amateur. En un sentido pictórico, es posible representar correctamente un objeto sólo si no se transmite el color del objeto, sino el color cambiado por la iluminación y el entorno. El color de un objeto cambia a medida que aumenta o disminuye la intensidad de la luz. También varía según la composición espectral de la iluminación. El entorno en el que se encuentra el objeto también refleja los rayos de color que, cuando inciden en la superficie de otros objetos, forman reflejos de color en ellos. El color también cambia debido a la interacción del contraste. Así, el color de un objeto es siempre un mosaico compuesto de color y puntos de luces y sombras (reflejos y luces), y en este caso no se llama objetivo, sino condicional. Este color es uno de los principales medios visuales de la pintura realista.

Generalmente se acepta que el color en sí puede tener algunos efectos en una persona. A veces la gente piensa que los colores claros y oscuros crean un estado de ánimo alegre; El gris y el negro provocan un sentimiento de abatimiento, etc. Se están realizando investigaciones y experimentos en psicología sobre este tema, pero aún no se han identificado ciertos patrones en este asunto. El pintor no utiliza los valores de color anteriores. No tiene una regla general para el impacto emocional del color en “diferentes ocasiones”. No es absolutamente necesario pintar un cuadro con colores oscuros o ásperos si su tema es trágico o triste, y para temas alegres no es necesario un color brillante. Por ejemplo, las tramas de las pinturas de Surikov "Menshikov en Berezovo" y "Boyarina Morozova" están dedicadas al trágico destino de personas de fuerte voluntad y convicciones. En el colorido de la primera imagen predominan los tonos oscuros. La segunda pintura se basa en ricas combinaciones de colores de pintura al aire libre de un paisaje invernal, ropa brillante de la multitud y colores festivos de "alfombra". La naturaleza del tema natural y el estado de iluminación determinaron el colorido de estas obras. Así, el color de la imagen se crea mediante un sistema de relaciones de color destinado a representar condiciones y entornos de la vida real. El color es un medio para representar la forma tridimensional de un objeto, su materialidad, sus cualidades espaciales, el estado colorista de iluminación de la naturaleza, y sólo revelando así el contenido semántico de la imagen tiene el impacto emocional necesario.

Unidad cromática y afinidad de pinturas. El color de la iluminación, su composición espectral, influye en consecuencia en los distintos colores de los objetos y objetos de la naturaleza, subordinándolos a un rango determinado. El resultado es una unidad colorista de colores. Un reflejo veraz de estas cualidades hace que un boceto del natural sea especialmente veraz y armonioso en términos de pintura.

Relaciones de color - diferencias en los colores naturales por tono (matiz), luminosidad y saturación. En la naturaleza, el color siempre se percibe en relación con los colores que lo rodean, con los que está en estricta interacción y dependencia. Por lo tanto, las relaciones de color del boceto deben transmitirse en proporción a las relaciones de color de la naturaleza. Ésta es la ley de la transferencia colorista de los colores de la naturaleza visible a la gama de colores de la paleta; está determinada por la psicofisiología de nuestra percepción visual y nuestro pensamiento.

Integridad de la imagen - el resultado de trabajar desde la naturaleza utilizando el método de relaciones (comparaciones) con una visión holística de la naturaleza, como resultado de lo cual el artista se deshace de deficiencias de un dibujo o boceto como la fragmentación y la variedad.

Integridad de la percepción - la capacidad del artista de ver objetos de la naturaleza al mismo tiempo, todos a la vez. Sólo como resultado de una percepción visual integral se pueden determinar correctamente las proporciones de los objetos, las relaciones tonales y cromáticas y lograr la integridad de la imagen de una producción a gran escala. La integridad de la percepción reside en la capacidad profesional de ver y en la “posición del ojo” del artista.

Hay una serie de consejos sobre cómo percibir prácticamente la naturaleza en su conjunto: 1) en el momento de la observación, al determinar las relaciones de color, entrecierre los ojos o "abra" los ojos a toda la naturaleza, 2) P. P. Chistyakov aconsejó "tener mentalmente en delante de ti, como si fuera vidrio plano, da relaciones”, 3) R. Falk, para la integridad de la visión, recomendó cortar un agujero rectangular (2X1 cm) en un trozo de cartón y mirar la naturaleza en el plano. de esta ventana (el ojo recibe una estructura pictórica holística de las relaciones cromáticas básicas de la naturaleza, similar a un mosaico de piedras preciosas); 4) también puedes percibir la naturaleza de manera integral y comprender sus relaciones de color usando un “espejo negro” (si pintas un lado de vidrio transparente con pintura negra, obtendrás un espejo en el que, a la luz del sol, podrás ver los objetos del paisaje en brillo reducido En un espejo de este tipo, los objetos reflejados en un plano en forma reducida se pueden ver todos al mismo tiempo. Esto le permitirá capturar con mayor precisión las relaciones tonales y cromáticas de la naturaleza.

Exterior (a diferencia del interior): una representación del exterior de un edificio.

Encáustico - La pintura con cera es una técnica pictórica poco utilizada actualmente, basada en el uso de cera como aglutinante. El mejor método de pintura con cera en términos de resultados y durabilidad es la encáustica antigua. Sus ventajas residen en las cualidades excepcionales de la cera especialmente preparada, que casi no se ve afectada por el tiempo o la humedad, nunca se agrieta y conserva su color inalterado.

Bosquejo - un boceto preparatorio de un boceto o pintura. En el proceso de trabajar desde la vida real, se utilizan bocetos como material auxiliar; Desarrollan opciones para composiciones de una hoja de papel o lienzo. Los bocetos se realizan tanto en forma de bocetos rápidos a lápiz como en el material.

Ejercicio musical - una imagen auxiliar de tamaño limitado, realizada a partir del natural para su cuidadoso estudio. A través del boceto, el artista mejora sus habilidades profesionales. El objetivo principal del trabajo de bocetos siempre sigue siendo la encarnación viva y veraz del concepto pictórico, la creación de una imagen. En el arte realista, el boceto siempre juega un papel secundario.

Ejercicio musical es el resultado de una sobreestimación del papel del boceto, conduce inevitablemente a un empobrecimiento del contenido ideológico y figurativo. Generalmente se acepta que el boceto es generado por el impresionismo, que limita la actividad del pintor a trabajos superficiales del natural, reemplazando el boceto por una pintura.

efecto purkin - cambio en el brillo relativo de los colores a medida que aumenta o disminuye la iluminación. Por ejemplo, durante el día el brillo relativo del rojo y el amarillo parece fuerte, y al anochecer, el verde y el azul. La cuestión aquí es que durante el día, con iluminación normal, nuestro ojo ve a través de algunas células de la retina, los llamados conos, y con luz muy débil, a través de otras, bastones. Los conos son más sensibles al amarillo y al rojo, mientras que los bastones son más sensibles al azul verdoso. Leonardo da Vinci también señaló: “El verde y el azul realzan sus colores en la sombra parcial, mientras que el rojo y el amarillo ganan color en los lugares más iluminados”.

La pintura es un tipo de bellas artes que consiste en crear pinturas y lienzos que reflejen la realidad de la manera más completa y realista.

Se llama pintura a una obra de arte realizada con pinturas (óleo, témpera, acuarela, gouache, etc.) aplicadas sobre cualquier superficie dura. El principal medio expresivo de la pintura es el color, su capacidad para evocar diversos sentimientos y asociaciones realza la emotividad de la imagen. El artista generalmente dibuja el color necesario para pintar en una paleta y luego convierte la pintura en color en el plano de pintura, creando un orden de color: la coloración. Según la naturaleza de las combinaciones de colores, puede ser cálido y frío, alegre y triste, tranquilo y tenso, claro y oscuro.

Las imágenes del cuadro son muy visuales y convincentes. La pintura es capaz de transmitir volumen y espacio, naturaleza en un plano, revelar el complejo mundo de los sentimientos y personajes humanos, encarnar ideas universales, acontecimientos del pasado histórico, imágenes mitológicas y vuelos de fantasía.

A diferencia de la pintura como una forma independiente de bellas artes, el enfoque (método) pictórico se puede utilizar en sus otros tipos: en dibujo, gráficos e incluso en escultura. La esencia del enfoque pictórico radica en representar un objeto en relación con el entorno espacial de luz y aire que lo rodea, en una sutil gradación de transiciones tonales.

La variedad de objetos y eventos del mundo circundante, cerca.

El interés de los artistas por ellos propició el surgimiento durante el siglo XVII.

Siglos XX Géneros de pintura: retrato, naturaleza muerta, paisaje, animal, cotidiano (pintura de género), mitológico, histórico, géneros de batalla. En las obras de arte puede haber una combinación de géneros o de sus elementos. Por ejemplo, una naturaleza muerta o un paisaje pueden complementar con éxito una imagen de retrato.

Según las técnicas y materiales utilizados, la pintura se puede dividir en los siguientes tipos: óleo, temple, cera (encáustica), esmalte, cola, pinturas al agua sobre yeso húmedo (fresco), etc. En algunos casos, resulta difícil Separe la pintura de los gráficos. Las obras realizadas en acuarela, gouache y pastel pueden relacionarse tanto con la pintura como con la gráfica.

La pintura puede ser de una sola capa, de inmediato o de varias capas, incluida la pintura de base y el vidriado, capas de pintura transparentes y translúcidas aplicadas a la capa de pintura seca. De esta forma se consiguen los matices y matices de color más finos.

Medios importantes de expresividad artística en la pintura son, además del color (color), la mancha y el carácter del trazo, el tratamiento de la superficie de la pintura (textura), valores que muestran sutiles cambios de tono según la iluminación, reflejos que Aparecen de la interacción de colores adyacentes.

La construcción de volumen y espacio en la pintura está asociada con la perspectiva lineal y aireada, las propiedades espaciales de los colores cálidos y fríos, el modelado de formas con luces y sombras y la transferencia del tono de color general del lienzo. Para crear una imagen, además del color, se necesita un buen dibujo y una composición expresiva. El artista, por regla general, comienza a trabajar en el lienzo buscando la solución más exitosa en los bocetos. Luego, en numerosos bocetos pintorescos del natural,

elabora los elementos necesarios de la composición. El trabajo en un cuadro puede comenzar dibujando la composición con un pincel, pintando de base y

pintar directamente el lienzo con uno u otro medio pictórico. Además, incluso los bocetos y estudios preparatorios a veces tienen un significado artístico independiente, especialmente si pertenecen a los pinceles de un pintor famoso. La pintura es un arte muy antiguo, que ha sufrido una evolución a lo largo de muchos siglos desde las pinturas rupestres del Paleolítico hasta las últimas tendencias pictóricas del siglo XX. La pintura tiene una amplia gama de posibilidades para hacer realidad ideas desde el realismo hasta el abstraccionismo. En el transcurso de su desarrollo se han acumulado enormes tesoros espirituales. En la antigüedad, surgió el deseo de reproducir el mundo real tal como lo ve una persona. Esto provocó el surgimiento de los principios del claroscuro, elementos de perspectiva y el surgimiento de imágenes pictóricas volumétrico-espaciales. Se han abierto nuevas posibilidades temáticas para representar la realidad a través de medios pictóricos. La pintura sirvió para decorar templos, viviendas, tumbas y otras estructuras, y estaba en unidad artística con la arquitectura y la escultura.

La pintura medieval tenía predominantemente un contenido religioso. Se distinguió por la expresión de colores sonoros, principalmente locales, y la expresividad de los contornos.

El fondo de los frescos y pinturas, por regla general, era convencional, abstracto o dorado, encarnando la idea divina en su misterioso parpadeo. El simbolismo del color jugó un papel importante.

Durante el Renacimiento, el sentimiento de armonía del universo, el antropocentrismo (el hombre en el centro del universo) se reflejó en composiciones pictóricas sobre temas religiosos y mitológicos, en retratos, escenas cotidianas e históricas. El papel de la pintura ha aumentado, desarrollándose un sistema de perspectiva lineal y aérea con base científica, el claroscuro.

Apareció la pintura abstracta, que marcó el rechazo de la figuratividad y la expresión activa de la actitud personal del artista hacia el mundo, la emotividad y la convencionalidad del color, la exageración y la geometrización.

Formas, decoratividad y asociatividad de soluciones compositivas.

En el siglo 20 Continúa la búsqueda de nuevos colores y medios técnicos para la creación de pinturas, lo que sin duda conducirá al surgimiento de nuevos estilos en la pintura, pero la pintura al óleo sigue siendo una de las técnicas favoritas de los artistas.